Lukisan modular di pedalaman. Lukisan ialah karya seni yang lengkap dan penting Apa itu lukisan dalam kesusasteraan

rumah / bergaduh

Menjadi kreatif adalah peluang terbaik untuk meluahkan perasaan dan menggembirakan diri anda. Seni membantu seseorang memahami dirinya dan melihat keindahan dunia di sekelilingnya. Tidak kira seseorang itu mempunyai kebolehan istimewa atau tidak. Perkara utama ialah melakukan apa-apa jenis seni adalah menyeronokkan dan mengikut keinginan anda. Ia boleh menjadi muzik atau nyanyian, ukiran atau lukisan. Melukis adalah aktiviti popular yang tersedia hari ini bukan sahaja untuk artis profesional, tetapi juga untuk amatur. Mana-mana lukisan bermula dengan asas. Kanvas adalah asas yang bagus untuk lukisan. Ia mengenai dia yang akan dibincangkan dalam artikel ini.

Apakah kanvas?

Asas untuk melukis boleh berbeza. Banyak bergantung pada teknik menulis, tugas tuan, niat artistik dan keutamaannya dalam seni visual. Anda boleh melukis pada papan kayu, logam, kertas, kadbod, konkrit, bata, kaca. Iaitu, cat boleh digunakan pada hampir mana-mana permukaan jika dikehendaki.

Penggunaan fabrik sebagai asas untuk mencipta karya seni telah diamalkan sejak sekian lama. Kembali pada abad ke-15, artis mula bereksperimen dengan fabrik. Banyak lukisan terkenal telah dilukis pada bahan ini. Kanvas ialah fabrik dengan pelbagai ciri kualiti, seperti kekuatan, tekstur, struktur, berat, jenis benang, yang dipasang khas pada bingkai kayu. Semua ciri bergantung pada jenis bahan yang dipilih. Contohnya, tekstur kanvas boleh berbutir halus, berbutir sederhana dan berbutir kasar, dan benangnya boleh semula jadi atau sintetik. Kekuatan dan struktur bergantung pada gentian dari mana fabrik itu dibuat.

Jenis-jenis kanvas

Sutera, jut, bulu boleh digunakan sebagai asas untuk lukisan. Ini terutamanya fabrik semula jadi yang diperbuat daripada bahan tumbuhan: rami, kapas, rami, jut. Jenis kanvas yang paling popular dalam lukisan moden: linen, kapas, sintetik, tepi, kanvas gabungan. Terdapat juga pilihan hem dan jute. Linen adalah bahan kanvas yang paling biasa. Gentiannya cukup kuat dan paling tahan terhadap pengaruh luar berbanding dengan bahan lain.

Kanvas linen mempunyai warna kelabu-kuning, butiran yang baik dari pelbagai jenis, mengikut kualiti benang, ia dibahagikan kepada beberapa jenis. Kapas kurang tahan lama daripada linen, mudah menyerap kelembapan, agak rapuh, terdedah kepada kendur pada bingkai, mempunyai warna kuning pucat. Manik adalah kanvas yang kasar, keras, lebih sesuai untuk kegunaan teknikal atau ekonomi. Pada masa yang sama, kainnya rapuh, mudah koyak. Dalam gambar yang dilukis pada kanvas dari sempadan, cat boleh mula retak dengan cepat kerana ketegangan benang yang lemah. Selain itu, fabrik ini sering mengalami kecacatan kilang dalam bentuk simpulan dan penebalan benang. Namun begitu, sideboard yang sangat popular di kalangan pelukis moden. Kanvas yang diperbuat daripada benang poliester sintetik tahan lama, tidak bertindak balas terhadap perubahan dalam persekitaran luaran, dan dalam jangka panjang, ia masih kurang dipelajari. Jenis ini paling biasa digunakan dalam percetakan imej digital. Jenis kanvas yang sangat biasa di kalangan amatur hari ini adalah gabungan. Ia terdiri daripada gentian semula jadi dan tiruan. Pilihan jut dan rami mempunyai ciri operasi yang rendah, bagaimanapun, ia juga digunakan secara aktif.

Faedah kanvas

Kelebihan menggunakan kanvas adalah terutamanya kemudahan pengendalian, terutamanya semasa pameran. Fabrik mudah dipintal, mudah diangkut, mengambil sedikit ruang, dan kurang cacat semasa pengangkutan. Tekstur kanvas juga penting. Oleh kerana ketidaksamaan semula jadi permukaan, lukisan memperoleh sifat artistik tambahan yang meningkatkan kesan estetik. Ini adalah permainan cahaya dan bayang-bayang, perubahan dalam rona warna.

Lukisan di atas kanvas ternyata meriah dan mendalam.

keburukan

Kelemahan utama kanvas adalah mudah terdedah kepada pengaruh negatif alam sekitar. Ia sensitif kepada kelembapan dan perubahan suhu udara. Ia mudah untuk merosakkannya secara mekanikal: memotong atau menusuknya secara tidak sengaja. Sesetengah jenis kanvas kanvas mudah berubah bentuk. Cat pada kanvas boleh menjadi tidak rata dan mula mengalir, yang boleh merosakkan karya seni itu. Dari masa ke masa, disebabkan ubah bentuk, cat boleh retak. Sejarah mengetahui banyak kes kehilangan lukisan yang indah kerana sebab ini. Oleh kerana kerapuhan semula jadi asas fabrik, banyak karya agung dunia disimpan di muzium di bawah keadaan khas dalam kotak kaca tertutup.

Ciri-ciri lukisan di atas kanvas

Tekstur kanvas memberikan lekatan cat yang baik ke permukaan. Walau bagaimanapun, untuk mendapatkan hasil yang sangat baik, adalah perlu untuk mengambil pendekatan yang bertanggungjawab terhadap penyediaan fabrik untuk digunakan. Pertama, anda perlu memilih tekstur yang betul berdasarkan matlamat yang ditetapkan oleh artis. Pilihan butiran kanvas akan bergantung pada teknik penulisan: besar, sederhana atau kecil.

Ini penting kerana ketidakselarasan butiran dengan cara penulisan boleh menyukarkan proses penulisan dan membawa kepada penuaan pantas lukisan itu. Kedua, kanvas mesti disiapkan dan diperkukuh dalam pengusung. Jika anda berhasrat untuk melukis pada kanvas dengan minyak, maka lebih baik memilih butiran kasar; untuk cat air atau cat cecair lain, pembuat berus berpengalaman mengesyorkan menggunakan kanvas berbutir halus.

Terdapat beberapa keperluan untuk kanvas artistik. Ia mesti tidak dilunturkan. Agen peluntur, yang digunakan sebelum menyediakan fabrik untuk pencelupan industri, mengandungi pelbagai bahan kimia yang menjejaskan kekuatan fabrik secara negatif. Permukaan kanvas juga harus rata, tanpa putus benang, simpulan dan kecacatan lain. Tenunan harus ketat, benang harus mempunyai ketebalan dan ketegangan yang sama. Apabila memilih kain, anda mesti menilai secara visual penampilannya dengan teliti.

Melukis dengan nombor

Untuk masa yang lama, lukisan adalah pilihan golongan elit. Pertama sekali, anda perlu mempunyai bakat atau kebolehan untuk penulisan artistik. Kemudian anda perlu belajar untuk masa yang lama, berlatih, merosakkan lebih daripada satu kanvas, sebelum mencapai keputusan. Nasib baik, hari ini bagi sesiapa yang mahu ada peluang hebat untuk melukis tanpa persediaan dan masih mendapat hasil yang hebat. Di kedai khas untuk kreativiti, anda boleh membeli set "Lukisan mengikut nombor" (termasuk di atas kanvas).

Teknik bekerja dengan set sedemikian adalah jelas, mudah dan boleh diakses. Pelajaran ini akan menarik untuk orang dewasa dan kanak-kanak. Set mengandungi semua yang anda perlukan: cat, kanvas, berus. Pada kanvas yang disediakan, sempadan butiran lukisan ditandakan dengan nombor. Cat tidak perlu dicairkan atau dicampur secara khusus. Mereka bersedia untuk pergi terus. Satu nombor - satu warna cat. Mengikuti arahan, anda perlu melukis kawasan yang sepadan dengan imej langkah demi langkah. Kerja sedemikian memerlukan penjagaan, jadi sebagai permulaan, anda boleh memilih kanvas dengan corak mudah dengan elemen besar. Dengan ketekunan dan ketepatan yang wajar, anda pasti akan mendapat hasil seni yang tersergam indah, yang tidak malu untuk digantung di dinding rumah anda atau diberikan kepada rakan-rakan.

Kanvas Digital

Teknologi moden membolehkan hari ini mencipta karya seni dalam pelbagai cara. Salah satu teknik inovatif ialah percetakan kanvas digital.

Untuk tujuan ini, kain sintetik atau gabungan digunakan, yang mempunyai ciri kekuatan tinggi. Lazimnya, percetakan digital digunakan untuk menghasilkan semula kualiti tinggi lukisan dan gambar terkenal. Imej digunakan menggunakan pelarut, lateks atau percetakan ultraviolet.

Potret bergaya

Satu lagi teknik percetakan digital moden yang telah menjadi bidang seni kontemporari yang berasingan ialah penciptaan potret bergaya di atas kanvas daripada fotografi. Lukisan ini telah menjadi hadiah yang sangat popular pada masa kini. Gabungan teknologi tinggi dan kanvas tradisional membolehkan anda mendapatkan potret yang tidak jauh berbeza daripada buatan manusia. Pada masa yang sama, teknik pelaksanaan dan gaya boleh berbeza: dari seni grunge dan pop kepada kartun dan potret yang indah. Kata kunci di sini bermaksud bahawa fotografi yang paling biasa diubah dengan bantuan teknologi ini menjadi karya seni kontemporari.

Membuat kanvas di rumah adalah mudah

Kanvas profesional agak mahal. Oleh itu, dengan beberapa kemahiran, seorang artis amatur dapat membuat kanvas untuk lukisan dengan tangannya sendiri. Untuk melakukan ini, anda perlu membuat bingkai kayu, meregangkan kain (sebaik-baiknya linen) di atasnya, dan membetulkannya. Kemudian prima dan, selepas menunggu kanvas kering sepenuhnya, teruskan bekerja. Ada satu lagi rahsia kecil. Sebelum mula menggunakan primer ke pangkalan, ia mesti ditutup dengan dua lapisan gelatin, satu demi satu. Pelbagai dan arahan terperinci untuk membuat kanvas di rumah, diterbitkan pada sumber tematik yang berkaitan, membolehkan anda menyediakan diri anda dengan bahan untuk bilangan lukisan yang betul pada hampir bila-bila masa.

Kanvas yang berkualiti tinggi dan dipilih dengan betul adalah kunci kepada kerja yang berjaya dan menarik, hasil yang cemerlang dan mood yang cemerlang.

Kami terbiasa melihat di muzium lukisan yang dicat dalam pelbagai warna: tempera, minyak, cat air. Tetapi berapa kerap kita berfikir tentang bagaimana mereka muncul, dan siapa pencipta mereka? Buat pertama kalinya, cat, yang sebenarnya tanah liat digunakan, digunakan oleh seorang lelaki primitif. Kemudian, dia mula mencampurkan tanah liat, arang batu dan pewarna semula jadi lain dengan lemak, yang boleh dianggap sebagai cat sebenar pertama. Beribu-ribu tahun berlalu sebelum kemunculan cat, yang mula digunakan oleh artis di mana-mana.

Tempera telur

Tempera telur menjadi cat sedemikian. Ia menjadi sangat popular semasa Renaissance, apabila pakar hebat seperti Raphael, Leonardo da Vinci dan Michelangelo bekerja dengannya. Tempera terdiri daripada kuning telur, air dan pigmen kering. Pada zaman itu, artis terpaksa membuat catan mereka sendiri. Mereka mengisar tanah liat, mineral tumbuhan, beri dan juga serangga menjadi serbuk halus, kemudian dicampur dengan air dan kuning telur. Tempera memerlukan kemahiran khas daripada artis. Merah berair ini kering dengan cepat. Ini memaksa tukang untuk bekerja pada kelajuan yang sangat tinggi untuk mengekalkan kesatuan lukisan.

Cat minyak

Lukisan telah direvolusikan pada abad ke-15 oleh ciptaan cat minyak oleh Jan van Eyck, yang menggunakan minyak biji rami sebagai pengikat dan bukannya kuning telur biasa. Tegasnya, mereka dikenali sebelum zaman kita. Ini disahkan oleh sisa cat yang ditemui selepas pemusnahan patung Buddha Bamiyan. Adalah diketahui bahawa pelukis purba juga menggunakan minyak sayuran untuk komposisi berwarna-warni. Pelbagai risalah abad ke-8-12 bercakap tentang penggunaan minyak biji rami. Bagaimanapun, tiada bukti material yang terselamat. Cat minyak adalah lebih baik daripada tempera telur dalam banyak cara. Pertama sekali, artis tertarik dengan keplastikan dia. Cat minyak mudah dicampur untuk menghasilkan warna baharu sepenuhnya. Cat digunakan dalam lapisan nipis. Teknik ini menyampaikan ruang, kelantangan dan kedalaman warna dengan terbaik.

Cat air

Walaupun fakta bahawa penampilannya dikaitkan dengan abad ke-2 Masihi, ia mendapat populariti yang meluas hanya pada pergantian abad ke-18-19. Ia mengandungi pigmen yang dikisar halus dan pelekat sayur-sayuran yang mudah larut dalam air. Cat ini dicairkan dengan air dan digunakan pada kertas. Kekhususan teknik cat air terletak pada ketelusannya. Cat air mencipta lukisan yang ringan dan halus, seolah-olah dipenuhi dengan udara. Tetapi ada tangkapan: membuat semula lukisan atau menulis lapisan, seperti dalam lukisan minyak, sebagai contoh, adalah mustahil. Apabila lebih daripada dua atau tiga warna bercampur, cat kehilangan kecerahan dan ketulenannya, dan apabila lapisan cat dicuci, kertas menjadi cacat, yang membawa kepada penampilan kotoran.

Sejak zaman yang jauh itu, cat telah dicipta berdasarkan bahan semula jadi: minyak sayuran, resin kayu dan pewarna semula jadi. Tetapi pada awal abad ke-20, ahli kimia yang bekerja untuk pengeluar cat utama mula mencipta formula cat baharu. Pada abad ke-20, sejarah cat yang boleh dilihat di kedai hari ini bermula. Kebanyakannya mengandungi komponen sintetik, tetapi sama sekali tidak kalah dengan yang semula jadi.

Lukisan minyak sentiasa bukan hobi yang murah. Kanvas bersaiz sederhana yang baik di kedai berharga wang yang baik, kira-kira 1000 rubel, begitu banyak artis pemula, untuk sekurang-kurangnya entah bagaimana menjimatkan wang, membuatnya sendiri.

Untuk membuat kanvas, kami memerlukan alat dan bahan berikut:

Bilah kayu siap dengan bahagian 20 * 50 mm. atau 15 * 40 mm., atau kering 50 * 100 mm. papan untuk pengeluaran sendiri selat.
Gergaji bulat (pilihan).
Sekeping papan lapis atau papan gentian untuk sudut.
Kain kanvas (sebaik-baiknya linen).
Gam kayu (PVA atau lain-lain.)
Primer untuk kanvas.
Gelatin gred makanan.
Berus lebar, gergaji pada kayu, persegi atau "kotak miter", stapler untuk staples dengan staples atau paku kecil, gunting.

Terdapat beberapa pilihan untuk membuat kanvas regangan klasik untuk lukisan, mari buat pilihan yang paling mudah, iaitu, tanpa baji ketegangan. Kanvas kami tidak akan besar dalam saiz 600 * 400 mm, jadi baji ketegangan tidak diperlukan, jika anda membuat kanvas yang lebih besar, baji akan diperlukan.

Pembuatan rel.

Sekiranya terdapat selat siap pakai, maka anda boleh meneruskan ke titik kedua, dan untuk pengeluaran selat bebas, anda memerlukan gergaji bulat dan kayu yang dikeringkan dengan baik, adalah dinasihatkan untuk menggunakan kayu lama yang telah berbohong untuk banyak orang. tahun. Papan tebal, rasuk yang telah berbaring selama berbelas tahun di dalam bangsal atau bertimbun di bawah bangsal sangat sesuai, mereka mempunyai rupa yang lama dan tidak sedap dipandang, tetapi bahagian dalamnya berlapis dan sangat keras. Perkara utama adalah untuk memeriksa bahawa ia tidak busuk, dengan kehitaman.

Menggunakan gergaji bulat, larutkan bahan kerja ke dalam bar saiz yang dikehendaki, keluarkan bahagian dalam yang baik.

Membuat bingkai.

Reiki harus dipilih tanpa simpulan, licin, dengan kandungan resin minimum.

Menggunakan peranti kotak miter, kami melihat selat pada sudut 45 darjah. dan panjang yang diperlukan untuk sisi bingkai, mengurangkan panjang setiap rel sebanyak 2-3 mm, supaya apabila menyambung ia tidak melampaui lorong saiz yang kita perlukan.

Kami melapisi selat yang dihasilkan di sudut dengan gam dan sambungkannya ke segi empat tepat, tetapkan sudut hingga 90 g. dan pepenjuru, kami membetulkannya secara tegar dengan pengapit.

Kami menggerudi lubang untuk skru pengetatan, ketatkan sudut, keluarkan gam yang menonjol.

Kami memotong sudut pengikat dari papan gentian atau papan lapis nipis, dimensi kaki adalah 10-12 cm.

Kami memproses tepi dengan kertas pasir.

Kami menggunakan gam pada titik hubungan.

Kami melekatkan sudut di sudut bingkai.

Tebuk stasis dengan staples.

Biarkan bingkai siap kering di bawah naungan selama 24 jam.

Keesokan harinya kami memprosesnya dengan satah dan kertas pasir.

Skru yang mengetatkan boleh ditanggalkan atau kepala yang menonjol boleh dikisar dan ditutup dengan gam atau cat di bahagian atas supaya karat tidak keluar dari semasa ke semasa.

Bingkai bersedia sepenuhnya untuk meregangkan kanvas.

Meregangkan kanvas.

Linen dianggap sebagai bahan yang baik untuk kanvas, kini mencari linen yang baik juga tidak mudah, dan harganya menggigit. Jadi bagi saya pilihan terbaik ialah membeli fabrik di kedai dalam talian dari China, potongan dengan dimensi 140 * 100 cm untuk $ 9 dengan penghantaran (). Menurut idea itu, ia sepatutnya cukup untuk empat 3-4 kanvas.

Kami meletakkan bingkai pada potongan.

Kami mengukur lekukan 6-8 cm untuk selekoh.

Tandakan garisan pemotongan dan potong sekeping fabrik yang diperlukan.

Mari sediakan stapler dengan staples sepanjang 8-10 mm. Kami memulakan regangan dari tengah-tengah sisi yang bertentangan. Regangkan rata dan tembak.

Tolak kain nipis, semasa regangan kuat boleh koyak!

Kami sampai ke sudut, gulungkannya dengan sampul surat atau apa sahaja yang anda lakukan dengan lebih baik dan menembaknya.

Kami memeriksa kesamaan ketegangan, jika perlu, anda boleh mengeluarkan beberapa staples dengan pemutar skru dan membetulkan ketegangan.

Pelekatan dan penyebuan kanvas.

Untuk melekatkan kain kanvas, di rumah, mereka menggunakan gelatin makanan biasa, kita memerlukan kira-kira 8-10 gram.

Rendam gelatin (mengikut arahan pada pek) dalam air sejuk selama 1 jam, kemudian perlahan-lahan panaskan di atas api, mengelakkannya daripada terbakar dan mendidih, sehingga ia larut sepenuhnya.

Kami menyejukkan kepada keadaan daging jeli.

Sapukan pada kain dan gosok dengan sudu atau pisau ke dalam gentian, keluarkan lebihan semula ke dalam pinggan.

Kami meninggalkan kanvas selama setengah hari untuk berbaring, kering.

Kami mengisar permukaan dengan kertas pasir, tidak keras, hanya keluarkan penyelewengan.

Sekarang kita memanaskan gelatin yang tinggal hingga 40-50 gr. dan dengan berus lebar kami membuka segala-galanya dengan lapisan kedua.

Kemudian sekali lagi pengeringan, pengamplasan dan satu lagi lapisan gelatin.

Selepas lapisan ketiga telah kering, kami teruskan menggunakan primer, lebih baik menggunakannya dengan yang dibeli.

Primer digunakan seperti cat putih biasa, dengan berus lebar.

Selepas pengeringan, kanvas siap sepenuhnya untuk kreativiti.

Melukis- karya lukisan dengan perwatakan yang lengkap (berbanding dengan lakaran dan kajian) dan nilai seni yang bebas. Terdiri daripada asas (kanvas, papan kayu atau logam, kadbod, kertas, batu, sutera, dll.), lapisan primer dan cat. Lukisan adalah salah satu jenis seni kuda-kuda. Lukisan itu datang dalam pelbagai genre. Mencipta gambar, artis bergantung pada alam semula jadi, tetapi dalam proses ini, imaginasi kreatif memainkan peranan penting. Penghujung abad ke-19 di seluruh Eropah ditandai dengan pandangan baru yang dinamik tentang dunia. Seorang artis pada pergantian abad ini harus sesuai dengan kehidupan yang sentiasa berubah: bukan untuk mencerminkan dunia di sekelilingnya (fotografi dan pawagam kini melakukan ini), tetapi untuk dapat menyatakan dalam lukisan keperibadiannya, batinnya. dunia, visinya sendiri. Ketinggian seni telah dicapai dalam lukisan pelukis yang cemerlang. Dalam arus modenisme yang pelbagai, plot itu hilang dan penggambaran ditinggalkan, dengan itu konsep gambar disemak dengan ketara. Beberapa artis yang tergolong dalam sekolah lukisan yang berbeza telah berpindah dari imej dunia (manusia, haiwan, alam semula jadi) seperti yang kita lihat. Pada lukisan mereka, dunia kelihatan cacat, kadang-kadang tidak dapat dikenali sepenuhnya, kerana artis lebih dipandu oleh imaginasi mereka daripada persepsi visual tentang fenomena di sekeliling kita.

Dalam perkembangan seni lukis, lukisan memainkan peranan yang penting.

Pengeluaran semula juga boleh dipanggil lukisan, jika dalam konteks yang sesuai tidak kira sama ada ia adalah salinan atau karya asli.

Lukisan dalam erti kata kiasan atau lebih umum ialah apa-apa karya seni yang lengkap dan tidak terpisahkan, termasuk penerangan yang jelas dan terang, lisan atau bertulis, daripada sejenis sifat.

Lukisan adalah seni satah dan satu sudut pandangan, di mana ruang dan kelantangan hanya wujud dalam ilusi. Terima kasih kepada kerumitan cara visual, lukisan mampu mencipta pada satah kedalaman ruang ilusi dan multidimensi realiti artistik yang berada di luar kawalan kaedah penggambaran lain. Setiap lukisan melakukan dua fungsi - grafik dan ekspresif dan hiasan. Bahasa pelukis hanya dapat difahami sepenuhnya oleh mereka yang mengetahui fungsi hiasan dan berirama satah gambar.

Dalam persepsi estetik, semua fungsi lukisan (baik hiasan, planar, dan grafik, ruang) mesti mengambil bahagian secara serentak. Untuk memahami dan memahami gambar dengan betul bermakna pada masa yang sama, secara tidak dapat dipisahkan, untuk melihat permukaan, dan kedalaman, dan corak, dan irama, dan imej.

Persepsi estetik sesuatu lukisan mendapat manfaat yang besar apabila ia disertakan dalam bingkai yang sesuai yang memisahkan lukisan itu daripada dunia sekeliling. Jenis lukisan oriental mengekalkan bentuk tradisional skrol terbuka yang digantung bebas (mendatar atau menegak). Lukisan, berbeza dengan lukisan monumental, tidak dikaitkan secara tegar dengan pedalaman tertentu. Ia boleh dikeluarkan dari dinding dan digantung dengan cara yang berbeza.

Kedalaman ruang ilusi lukisan

Profesor Richard Gregory menyifatkan "sifat pelik lukisan": "Lukisan adalah kelas objek yang unik kerana kedua-duanya boleh dilihat pada diri mereka sendiri dan sebagai sesuatu yang sama sekali berbeza daripada hanya sehelai kertas di mana ia dicat. Gambar adalah paradoks. Tiada objek boleh berada di dua tempat pada masa yang sama; tiada objek boleh menjadi dua dimensi dan tiga dimensi pada masa yang sama. Ini adalah bagaimana kita melihat gambar. Lukisan itu mempunyai saiz yang sangat spesifik, dan pada masa yang sama, ia menunjukkan saiz sebenar wajah, bangunan atau kapal manusia. Gambar adalah objek yang mustahil.

Keupayaan seseorang untuk bertindak balas terhadap situasi khayalan yang tidak hadir dalam lukisan adalah peringkat penting dalam perkembangan pemikiran abstrak.

Bagaimana lukisan dicipta

Lukisan ialah dunia rohani pelukis, pengalaman dan perasaannya diluahkan di atas kanvas atau kertas. Sukar untuk menerangkan bagaimana lukisan itu dicipta - lebih baik untuk melihatnya sendiri. Tidak mustahil untuk menyampaikan dengan kata-kata bagaimana artis melukis kanvas, dengan berus mana dia menyentuh kanvas, cat apa yang dia pilih. Semasa kerja, semuanya menjadi satu keseluruhan: artis, berus dan kanvas. Dan selepas gelombang pertama berus, keajaiban khas lukisan mula berfungsi di bengkel.

Gambar bukan sekadar kanvas yang dicat, ia mempengaruhi perasaan dan pemikiran, meninggalkan kesan pada jiwa, membangkitkan firasat.

Bagaimanakah lukisan itu dicipta?

Nampaknya, dengan cat, berus, di atas kanvas. Mungkin ada satu lagi jawapan universal: berbeza.

Kaedah lukisan sentiasa berubah sepanjang sejarah seni. Seniman Renaissance Itali bekerja dengan cara yang sama sekali berbeza daripada Rembrandt atau "orang Belanda kecil" abad ke-17, romantik - berbeza daripada impresionis, abstraksi, artis realistik kontemporari. Dan dalam rangka satu era dan juga satu arah, anda boleh menemui pelbagai jenis.

Artis realis masa lalu dan sekarang (jika kita memahami realisme dalam erti kata yang luas) disatukan oleh yang berikut:

Penciptaan karya penuh, dalam hal ini gambar, potret atau landskap, adalah mustahil tanpa kajian mendalam tentang kehidupan, sikap aktif terhadapnya dari pengarang. Cara pengetahuan artistik kehidupan adalah kerja dari alam semula jadi, kesan visual, analisis dan sintesis fenomena kehidupan.

Penciptaan lukisan adalah proses kreatif yang rumit dan susah payah, hasilnya tidak ditentukan oleh masa yang dihabiskan, tetapi oleh ukuran bakat artis, kemahiran, kekuatan dan keberkesanan penyelesaian imaginatif asal. Pencapaian yang paling penting dalam proses ini ialah asal usul dan pengukuhan konsep, pemerhatian langsung, lakaran, lakaran kehidupan, sebenarnya melukis gambar dengan pemprosesan bahan kehidupan yang kreatif dan aktif.

Dan apabila di dalam muzium atau di pameran, penonton menghampiri lukisan, maka sebelum membuat penilaian sendiri mengenainya, dia mesti ingat bahawa sentiasa ada orang yang hidup di belakangnya, seorang artis yang telah membuat karya sekeping hidupnya. , hati, saraf, bakat dan kemahiran. Kita boleh katakan lukisan itu adalah impian seorang artis yang menjadi kenyataan.

G. S. OSTROVSKY

Kelengkapan gambar

Dalam kehidupan, banyak yang berlaku secara kebetulan - dalam gambar tidak mungkin berlaku kemalangan seperti itu, segala-galanya mesti diselesaikan, secara logik. Pada titik manakah lukisan itu dianggap lengkap?

Sapuan berus bergambar pes virtuoso Rembrandt, yang sangat dihargai kemudian dan pada zaman kita, hanya menyebabkan kekeliruan di kalangan rakan seangkatan Rembrandt dan menimbulkan cemuhan dan ketajaman atas perbelanjaannya. Menentang pengkritiknya, Rembrandt mencabar ketepatan pemahaman mereka tentang kesempurnaan lukisan, menentang mereka dengan pemahamannya tentangnya, yang dia rumuskan dengan cara ini: gambar harus dianggap lengkap apabila artis mengatakan segala yang dia mahukan di dalamnya. Untuk tidak mendengar soalan yang membosankan dia tentang "ketidaklengkapan" lukisannya, Rembrandt berhenti membenarkan pelawat naif ke studionya untuk mendekati mereka, yang memandang dengan penuh rasa ingin tahu pada pukulan bravura lukisannya, menakutkan mereka bahawa mereka tidak boleh terlalu dekat dengan lukisan, kerana menghidu cat mereka adalah tidak sihat.

Matisse tentang lukisannya:

"Saya hanya cuba meletakkan pada kanvas warna-warna yang menyatakan perasaan saya. Perkadaran nada yang diperlukan boleh membuat saya mengubah bentuk angka atau mengubah komposisi. Sehingga saya mencapai perkadaran ini di semua bahagian gambar, saya melihat untuk itu dan terus bekerja. Kemudian tibalah saatnya, apabila semua bahagian memperoleh perkadaran akhir mereka, dan kemudian saya tidak boleh menyentuh gambar itu tanpa mengulanginya semula."

Bermula kira-kira dengan Impresionis, kategori lukisan, bentuk dan warna berkait rapat, telah berkembang bersama, seolah-olah menjadi proses yang berterusan: lukisan dan warna, pemodelan dan gubahan, nada dan garisan muncul dan berkembang seolah-olah pada masa yang sama. Proses melukis gambar boleh, boleh dikatakan, berterusan selama-lamanya, saat menyelesaikan kerja agak bersyarat: di mana-mana sahaja di atas kanvas, artis boleh meneruskannya, menindih pukulan baru pada yang serupa, tetapi berbaring di bawah. Wakil yang paling menarik dan konsisten bagi sistem ini ialah Cezanne. Dalam surat dan perbualan yang dirakam, dia berulang kali merumuskan kaedah lukisan campuran ini atau, lebih tepat lagi, kaedah lukisan yang tidak dibezakan. Pada bila-bila masa, kerja pada lukisan boleh terganggu, tetapi kerja itu tidak akan kehilangan nilai estetiknya. Gambar sedia bila-bila masa.

Sambungan ruang bergambar lukisan dengan ruang sebenar

Seniman dan ahli teori seni VAFavorsky menekankan dalam perjalanan teori gubahan bahawa karya yang benar-benar artistik adalah wujud dalam kewujudan dwi sejak lahir: sebagai objek di ruang sekeliling dan sebagai dunia yang agak tertutup dengan hubungan ruang-masanya sendiri. . Dalam lukisan, matlamat ini dicapai dengan menyelaraskan struktur dalaman gambar dengan bingkai, dalam arca - dengan ruang sekeliling (contoh klasik: patung dalam niche).

Untuk menghubungkan ruang visual dengan ruang sebenar di mana penonton berada, bingkai gambar digunakan. Artis juga bermain-main dengan berbilang "penghasilan semula bingkai" dalam imej itu sendiri, rima visual, ulangan garis menegak dan mendatar. Salah satu teknik ciri yang secara visual "menguatkan" imej dalam format segi empat tepat ialah "serong sudut". Pengasingan lukisan daripada seni bina menimbulkan sistem persepsi tertentu terhadap lukisan kuda-kuda. Kandungan utama gambar adalah ekspresi perwakilan holistik ruang. Komposisi itu diubah menjadi eksposisi di mana penonton berdiri di hadapan dunia yang berubah dalam hubungan spatio-temporal dan melihat dirinya di dalamnya seperti dalam cermin. Jadi kaca lutsinar Renaissance bertukar menjadi cermin zaman Klasikisme dan Baroque. Seni era pasca-Renaissance dicirikan dengan bermain dengan pantulan di cermin, memperkenalkan tokoh-mediator ke dalam komposisi gambar, orang yang, dengan kedudukan, rupa atau isyarat tangan mereka, menunjukkan tindakan yang berlaku di kedalaman gambar itu, seolah-olah mengundang untuk memasukinya. Sebagai tambahan kepada bingkai dalam komposisi sedemikian, proskenium muncul - bahagian depan pentas, sayap, kemudian tanah tengah, di mana tindakan utama berlaku, dan latar belakang - "latar belakang".

Artis biasanya meletakkan figura utama di pelan tengah gambar, menetapkannya pada mendatar mental seperti pada alas. Kedudukan garisan mendatar rujukan ini menentukan kedalaman "lapisan ruang" (dalam istilah planimetrik - lebih tinggi atau lebih rendah berbanding dengan tepi bawah bingkai gambar). Meletakkan garisan mendatar berulang kali, pelukis mencipta irama pergerakan tertentu ke kedalaman ruang khayalan. Terima kasih kepada ini, walaupun pada kanvas kecil, anda boleh menggambarkan ruang dalam mana-mana panjang dengan sebarang bilangan angka dan objek. Dalam eksposisi sedemikian, seseorang perlu menarik perhatian penonton secara khusus kepada fakta bahawa beberapa objek lebih dekat, sementara yang lain lebih jauh. Untuk ini, "penunjuk" digunakan: pengurangan perspektif, pengenalan tanda tempat skala (angka kecil orang di latar belakang), pelan bertindih, kontras tonal, bayang-bayang jatuh dari sumber cahaya di dalam atau di luar gambar. Satu lagi titik rujukan untuk pergerakan mental penonton dalam ruang gambar ialah pepenjuru, yang utama ialah "pepenjuru pintu masuk" (biasanya dari kiri ke kanan).

Gambar dalam gambar

Gambar dalam Gambar

Picture-in-Picture boleh digunakan dalam fungsi gubahan khusus. Organisasi hierarki yang serupa dibentangkan dalam kes imej gambar dalam gambar (serta lukisan dinding dalam lukisan dinding, dll.).

"Gambar dalam gambar" adalah teknik gubahan yang terdapat dalam seni lukisan bergambar klasik abad ke-16-17. Gambar dalam gambar boleh dikurniakan makna tersembunyi yang istimewa.

Teknik gubahan gambar dalam gambar boleh melaksanakan beberapa tugas:

menyatakan idea
menjelaskan plot
menentang atau mewujudkan keharmonian
menjadi butiran perabot (dalaman)

Selalunya, imej latar belakang dalam lukisan boleh difahami sebagai sejenis gambar dalam gambar, iaitu imej bebas, dibina mengikut undang-undang khasnya sendiri. Pada masa yang sama, imej latar belakang, pada tahap yang lebih besar daripada imej angka pada pelan utama, mematuhi tugas hiasan semata-mata, boleh dikatakan bahawa selalunya bukan dunia itu sendiri yang digambarkan di sini, tetapi hiasan dunia ini, iaitu, bukan imej itu sendiri yang dipersembahkan, tetapi imej imej ini.

Bagi Belanda, peta geografi, permaidani, lukisan, tingkap terbuka sebagai imej yang disertakan dalam gambar memperluaskan sempadan dunia atau berfungsi untuk mengembangkan makna alegoris plot utama. Vermeer, membuka tirai bengkelnya, menjadi panduan melalui tiga tahap realiti: ruang penonton, ruang bengkelnya, ruang karya seni (kanvas yang berdiri di atas kuda-kuda), menyamakan metamorfosis ini untuk belayar di lautan yang diplot pada peta geografi atau terbang di atas tanah yang dipetakan ...

Limpahan realiti - seni - mitos juga boleh diperhatikan dalam Velazquez, yang rela menggunakan teknik "gambar dalam gambar", seperti yang dicontohkan oleh "Meninas" dan "Spinners".

"Picture in picture" juga ada dalam "Venus in front of a mirror" oleh Velazquez, tetapi cermin berkabus itu hanya memantulkan bayangan dewi cinta.

Lukisan dan bingkai

Mana-mana imej yang dicipta oleh artis, kecuali hanya lukisan gua purba, mempunyai bingkai. Pembingkaian adalah bahagian yang perlu dan penting dalam komposisi, ia melengkapkannya, memberikan perpaduan. Bingkai boleh berada pada satah yang sama dengan lukisan atau komposisi grafik itu sendiri. Ia juga boleh dicipta secara khusus sebagai sejenis bentuk relief dengan bantuan elemen hiasan, arca dan seni bina. Selalunya terdapat bingkai segi empat tepat, agak kurang kerap - bulat dan bujur.

Bingkai membantu membezakan lukisan dari persekitaran sebagai sesuatu yang istimewa dan patut diberi perhatian, tetapi pada masa yang sama menghubungkannya dengan alam sekitar. Jadi, jika gaya bingkai bertepatan dengan penampilan artistik, struktur dan watak dalaman di mana lukisan itu terletak, ini menyumbang kepada integriti ensemble. Bergantung pada warna, ketepuan butiran hiasan dan arca, bingkai mempengaruhi kesan keseluruhan imej bergambar dengan ketara. Semua ini membolehkan kita bercakap tentang perpaduan gambar dan bingkai, di mana pembingkaian, tentu saja, tidak melakukan fungsi utama, tetapi sangat diperlukan.

Pembangunan lukisan kuda-kuda adalah sukar. Satu peristiwa penting dalam sejarahnya ialah peralihan daripada Zaman Pertengahan kepada Renaissance! Yang paling penting di dalamnya adalah keinginan untuk melepaskan diri dari kekakuan dan abstraksi imej ikonik yang berlaku pada Zaman Pertengahan. Sekitar abad ke-14, gambar dilahirkan dalam erti kata moden, dan dengannya muncul bingkai, masih berpakaian renda hiasan Gothic.

Bingkai pertama tidak sepenuhnya bertentangan dengan keseluruhan imej dan tidak terpisah daripadanya; bahan kedua-duanya adalah serupa, penyepuhan bersyarat latar belakang, sebagai contoh, ikon Rusia purba atau Byzantine, dihantar ke bingkai, dan imej itu sendiri sering "memercik" di atasnya. Kemudian sempadan antara gambar dan bingkai mula dikenali dengan lebih jelas. Namun, sebagai sejenis ingatan abad sebelumnya, bingkai itu telah mengekalkan warna keemasannya. Apabila latar belakang emas, yang menandakan dunia ketuhanan, hilang dari lukisan, penyepuhan bingkai mula dilihat secara bersyarat, dengan kata lain, sebagai sifat pembingkaian yang diperlukan, yang membantu menyerlahkan gambar di dalam bilik, untuk menarik pandangan penonton kepadanya.

Pada zaman Renaissance, idea melukis sebagai pemandangan dunia melalui tingkap berlaku, bingkai dengan bentuknya sangat jelas membayangkan idea yang berlaku dan bertindak balas kepadanya. Bingkai yang indah dan khidmat ini dibuat mengikut lukisan artis di bengkel khas atau oleh pembantu artis yang bekerja di bengkelnya.

Semasa Renaissance, lukisan sentiasa dibandingkan dengan cermin yang mencerminkan realiti, dan bingkai, yang dicipta seperti bingkai cermin hiasan, menekankan lagi perbandingan ini. Bingkai ini boleh dibuat bukan sahaja dari selat kayu dan plaster, tetapi juga dari bahan berharga, termasuk perak, gading, ibu mutiara, dll. Keberhargaan bahan itu seolah-olah sepadan dengan nilai lukisan, menguatkannya.

Tuan-tuan lama sangat memperhatikan bingkai, mengambil kira pengaruhnya dalam proses kerja, kadang-kadang mereka juga menulis dalam bingkai siap pakai, dengan mengambil kira nada tertentu dan irama hiasan bingkai. Oleh itu, gubahan oleh tuan lama sering mendapat manfaat besar dalam bingkai asalnya.

Pemerhatian bingkai tuan lama membolehkan kami mewujudkan satu lagi prinsip - korespondensi antara profil dan lebar bingkai dan saiz gambar: sebagai contoh, pelukis Belanda pernah memasukkan lukisan kecil mereka ke dalam bingkai besar dengan kedalaman yang mendalam. , pemprofilan semata-mata, yang, seolah-olah, membawa mata ke tengah-tengah gambar dan mengasingkannya daripada sebarang pengaruh persekitaran

Pada awal abad ke-20, suara mula kedengaran memanggil untuk meninggalkan bingkai sama sekali, sebagai sesuatu yang terlalu material, "mengasaskan" kerohanian seni. Pelbagai artis avant-garde, menyahut panggilan sedemikian, mula mempamerkan karya mereka tanpa bingkai. Walau bagaimanapun, hasil daripada inovasi ini, karya mereka sendiri tidak lagi menjadi lukisan dalam erti kata yang sempit. Ini adalah sejenis "objek", "bintik", selalunya tidak mempunyai makna yang jelas.

Walaupun kini tidak ada satu gaya dalam reka bentuk bingkai, seperti yang pernah ada, tetapi terdapat lebih daripada sebelumnya, korespondensi bingkai dengan cara individu artis.

Dalam beberapa tahun kebelakangan ini, di pameran seni, seseorang dapat melihat bahawa inersia berhubung dengan reka bentuk bingkai (biarlah, kata mereka, tetapi yang tidak begitu penting), yang menampakkan diri pada masa lalu dan di kalangan artis kita, bermula. untuk diatasi. Bingkai dicat dalam pelbagai nada, imej tambahan kecil dan inskripsi sering diletakkan pada mereka, pengukir membantu pelukis - bingkai dengan motif plastik yang kaya muncul.

Format gambar

Walau bagaimanapun, terdapat dua elemen khusus gambar, yang, seolah-olah, membuat peralihan dari satah ke imej, pada masa yang sama kepunyaan realiti gambar dan fiksyennya - format dan bingkai. Nampaknya format lukisan hanyalah alat artis, tetapi bukan ekspresi langsung konsep kreatifnya: lagipun, artis hanya memilih format. Sementara itu, sifat format berkait rapat dengan keseluruhan struktur dalaman sesebuah karya seni malah sering menunjukkan jalan yang betul untuk memahami hasrat artis. Sebagai peraturan, format dipilih sebelum permulaan kerja pelukis. Tetapi sebilangan artis terkenal yang suka menukar format gambar semasa kerja mereka, sama ada memotong kepingan daripadanya, kemudian menambah yang baharu (Velazquez sangat bersemangat untuk melakukan ini).

Format yang paling biasa untuk gambar ialah segi empat, dan segi empat sama tulen adalah kurang biasa daripada segi empat, lebih kurang memanjang ke atas atau lebar. Sesetengah era menghargai format bulat (tondo) atau bujur. Pilihan format tidak rawak, format biasanya mendedahkan hubungan organik yang mendalam dengan kandungan karya seni, dengan nada emosinya, dan dengan komposisi gambar, ia sama-sama jelas mencerminkan perangai individu artis dan rasa seluruh era. Kami merasakan hubungan sebab-akibat yang tersembunyi antara format dan niat artis di hadapan setiap lukisan, dari mana daya tarikan karya seni yang sebenar terpancar. Terdapat lukisan, yang kandungannya telah menjadi begitu bersatu dengan sifat format sehingga pergerakan perkadaran yang sedikit, nampaknya, sepatutnya mengganggu keseimbangan gaya dan ideologi lukisan itu.

Format mendatar, memanjang, secara amnya, sudah tentu lebih sesuai untuk gubahan naratif, untuk penempatan pergerakan yang konsisten melepasi penonton. Oleh itu, format ini mudah digunakan oleh artis yang mempunyai watak epik, berusaha untuk komposisi aktif, untuk tindakan, contohnya, pelukis Itali pada separuh ke-14 dan pertama abad ke-15 (terutamanya dalam gubahan fresco). Sebaliknya, format segi empat sama atau satu di mana ketinggian agak mendominasi lebar, seolah-olah, dengan serta-merta menghentikan dinamik tindakan dan memberikan komposisi watak perwakilan yang sungguh-sungguh - format jenis ini lebih disukai untuk altarpieces mereka oleh sarjana Renaissance Tinggi ("Sistine Madonna"). Sebaliknya, dengan penguasaan tinggi yang ketara berbanding lebar, komposisi sekali lagi memperoleh dinamik, tujahan yang kuat, tetapi kali ini naik atau turun; format yang begitu sempit adalah terutamanya yang disukai oleh artis bangsawan, hiasan (Crivelli) atau mistik (Mannerist, Greco) yang ingin menjelmakan emosi dan perasaan tertentu.

Hubungan antara format dan perangai individu artis juga tidak boleh dipertikaikan: fantasi dinamik Rubens memerlukan format yang lebih besar daripada fantasi Rembrandt yang terkawal dan penuh jiwa. Akhirnya, format adalah berkadar terus dengan teknik lukisan. Lebih luas, lebih bebas sapuan berus artis, lebih semula jadi keinginannya untuk format yang besar.

Orang ramai sentiasa merasakan keperluan untuk menghiasi bilik di mana mereka tinggal atau bekerja. Ia membantu menambah baik suasana, menambah keselesaan dan menceriakan. Dalam artikel itu, kami akan mempertimbangkan pilihan hiasan seperti lukisan, yang telah lama dianggap sebagai salah satu pilihan terbaik untuk menyelesaikan masalah sedemikian.

Hiasan kontemporari. Gambar modular

Lukisan modular ialah lukisan di mana imej dibahagikan kepada dua atau lebih bahagian, dan bahagian ini digunakan pada kanvas yang berasingan. Modul atau serpihan boleh mempunyai sebarang bentuk, lokasi dan orientasi berbanding satu sama lain. Dengan bantuan mereka, anda boleh menghiasi bilik untuk sebarang tujuan.

Perkaitan lukisan modular di pedalaman: bila dan di mana ia digunakan

Lukisan modular adalah item yang agak serba boleh yang memungkinkan untuk mengemas kini bahagian dalam apartmen berdasarkan keinginan dan keutamaan individu penduduknya. Permintaan untuk lukisan sedemikian juga dikondisikan oleh fakta bahawa ia adalah cara untuk membuat perubahan ketara dalam penampilan premis tanpa kos dan usaha. Satu-satunya kelemahan dan pada masa yang sama kelebihan adalah saiz lukisan yang besar, yang terdiri daripada tiga, empat atau lebih keping.

Lukisan modular memungkinkan untuk menutup ruang kosong yang besar di ruang tamu dan ruang tambahan. Bergantung pada skema warna umum dan gaya bilik, lukisan itu sendiri akan berbeza, bagaimanapun, lukisan modular sering menggambarkan landskap.

Apakah lukisan model untuk dinding

Antara jenis asas lukisan ialah:

Diptych... Ini adalah lukisan modular, terdiri daripada dua bahagian dan merupakan jenis lukisan yang paling mudah.
Triptych... Lukisan yang terdiri daripada tiga elemen.
Penaptych... Lukisan modular, dibahagikan kepada lima bahagian.
Polynaptych... Enam atau lebih.

Bilangan modul secara langsung mempengaruhi sifat dan dimensi hiasan, tetapi bukan kandungan lukisan itu sendiri. Tidak kira berapa banyak bahagian imej itu dibahagikan, setiap serpihan adalah sama penting dan memungkinkan untuk mengarang gambar yang lengkap.

Lukisan modular, sebagai peraturan, dibuat di atas kanvas dan mempunyai banyak kelebihan: fleksibiliti penggunaan, keaslian gaya, skala, reka bentuk yang tidak mengganggu.

Agar komposisi modular sesuai di dalam bilik tertentu, ia harus dipilih dengan betul. Anda harus dipandu oleh kriteria pemilihan berikut: palet warna, tema, bentuk geometri, bahagian dalam bilik.

Berbilang keping modular besar

Struktur modular besar beberapa bahagian adalah apa yang kebanyakan orang kaitkan dengan konsep ini. Lukisan modular bukan lagi sesuatu yang baru, dan digunakan secara meluas di pangsapuri dan di hotel dan restoran.

Imej, dibahagikan kepada banyak bahagian, dibezakan oleh keaslian dan keanehan, dan oleh itu mereka yang sering diberi perhatian apabila memilih. Adalah mungkin untuk membezakan beberapa jenis lukisan modular yang terdiri daripada beberapa serpihan.

Dipisahkan dalam 4 keping

Seperti yang dinyatakan di atas, lukisan yang terdiri daripada empat bahagian dipanggil polyptychs. Ia adalah penyelesaian reka bentuk moden untuk kedua-dua pengguna biasa dan penghias. Ensemble, yang dicipta daripada empat gubahan, memungkinkan untuk menghasilkan kesan unik pada kedua-dua hos dan tetamu. Panel di atas kanvas dalam empat bahagian menduduki bahagian besar dinding, tetapi disebabkan skalanya, imej itu nampaknya menjadi hidup di hadapan mata pemerhati.

Lukisan modular 4 bahagian disatukan oleh satu plot, warna dan komponen tematik. Tetapi saiz serpihan boleh sama sekali tidak sama. Mereka boleh menjadi saiz yang sama, turun dalam lata, atau bahkan pergi dengan gigi.

Sebagai peraturan, tidak seperti kanvas tradisional, imej dalam lukisan modular adalah mudah dan tidak rumit. Tugas mereka adalah untuk memberi kesan positif kepada orang biasa di jalanan dan kepada penikmat objek seni.

Set 3 bahagian

Lukisan modular tiga segmen, dipanggil triptychs, adalah beberapa penyelesaian reka bentuk yang paling berani dan asli dalam sejarah. Dengan bantuan mereka, anda boleh menghiasi mana-mana bahagian dalam dengan cara yang menarik dan luar biasa. Imej pada kanvas tersebut boleh diletakkan secara menegak atau mendatar dan dibahagikan kepada tiga bahagian, tetapi ia akan disatukan oleh satu tema dan gaya.

Tetapi, serpihan itu sendiri boleh menjadi sangat berbeza antara satu sama lain dalam lokasi dan saiz. Sebilangan besar variasi dalam susunan segmen triptych diketahui, dan oleh itu semua orang, walaupun pengguna yang canggih, akan dapat memilih pilihan mengikut citarasa mereka sendiri.

Transformer daripada 5 atau lebih bahagian

Ramai orang tersilap percaya bahawa gambar sedemikian mengambil banyak ruang, dan mereka mengabaikannya apabila memilih. Walau bagaimanapun, gambar segmen juga dibezakan oleh susunan serpihan yang luar biasa, yang boleh bukan sahaja mendatar, tetapi juga menegak, sewenang-wenangnya.

Salah satu kelebihan ketara imej sedemikian ialah apa yang dianggap ramai sebagai kelemahan utama - saiznya. Terima kasih kepada penskalaan besar, kanvas berkualiti tinggi memungkinkan untuk mendapatkan hiasan terbesar, paling berwarna dan terperinci pada dinding anda.

Cara menggantung lukisan modular dengan betul di dinding

Sebelum anda mula menghias dinding, anda perlu memahami cara melakukannya dengan betul. Terdapat beberapa cadangan:

Dalam kes apabila hubungan antara segmen adalah bersifat komposisi, maka serpihan harus digantung di dinding pada selang kecil.
Imej kompleks yang mencipta kesan visual harus diletakkan mengikut niat pengarang, yang boleh didapati dalam dokumentasi yang disertakan.
Dalam kes apabila perkaitan antara segmen dijalankan hanya disebabkan oleh warna atau plot, maka susunan bahagian boleh diubah mengikut kehendak.
Bahagian tepi bawah kanvas hendaklah berada pada paras mata pemerhati.
Komponen tematik dan semantik tidak boleh dilanggar.
Semua bahagian mesti menyala sama rata.
Serpihan besar dan berat harus diikat dengan selamat pada dinding.

Bagaimana untuk memilih pelekap untuk lukisan daripada beberapa komponen

Pilihan pemasangan yang mudah dan jelas ialah paku, serta gerudi dan skru. Walau bagaimanapun, ini jauh daripada satu-satunya pilihan yang mungkin:

Kanvas ringan boleh diikat dengan kemas dengan pin, jarum dan butang. Jika dinding tidak diperbuat daripada drywall, maka anda perlu membetulkannya terlebih dahulu, sebagai contoh, rel kayu.
Kanvas dengan serpihan saiz sederhana dan berat boleh dibetulkan dengan pita dua muka. Walau bagaimanapun, pelekap sedemikian mempunyai kelemahan, dinyatakan dalam kekekalannya - adalah mustahil untuk mengeluarkan pelekap sedemikian tanpa merosakkan salutan permukaan dinding.
Bukan sahaja kuku tradisional, tetapi juga "cecair" akan mengatasi kanvas berat.
Sebagai alternatif kepada pita dan pin keselamatan, anda boleh menggunakan Velcro dari kedai pakaian.

Jangan lupa tentang sistem khusus untuk melampirkan lukisan modular, yang sering boleh dibeli sebagai satu set. Mungkin ini bukan pilihan yang sangat menguntungkan, tetapi ia pastinya yang paling berkesan, terutamanya jika barang kemas tidak dirancang untuk dipindahkan.

Bagaimana untuk menggantung lukisan modular 5 keping

Pilihan pengikat untuk jenis ini dilakukan berdasarkan bahan dinding, berat dan saiz bahagian, serta mengambil kira kemungkinan pergerakan hiasan pada masa akan datang. Terlepas dari pilihan yang dipilih, pelekap mestilah selamat.

Bagaimana untuk memasang struktur besar modular

Struktur dengan serpihan besar, terutamanya jika ia diregangkan secara mendatar, mungkin memerlukan beberapa pengikat untuk setiap satu daripadanya. Di sini adalah penting untuk memerhatikan keseragaman dan peraturan untuk susunan bahagian, dan juga disyorkan untuk memberi perhatian kepada pengikat khas yang ditawarkan untuk pembelian dalam kit.

peduli apa

Dalam kes apabila struktur dipasang dengan selamat, maka penyelenggaraan berikutnya hanya memerlukan pemeriksaan keadaan pengikat, serta membersihkan permukaan produk dari habuk. Untuk tidak menyebabkan kerosakan, pembersihan boleh dilakukan dengan: kain flanel, penyapu bulu atau penyapu sintetik.

Lukisan modular adalah cara serba boleh untuk menambah keselesaan pada bilik, mewujudkan suasana yang betul, dan juga menekankan rasa dan status pemilik.