ศิลปะดนตรีในยุคกลาง วัฒนธรรมดนตรีในยุคกลาง

หลัก / สามีนอกใจ

คำว่า "ดนตรียุคแรก" หมายถึงช่วงเวลาตั้งแต่ ค.ศ. 457 (วันที่อาณาจักรโรมันล่มสลาย) และจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 (ปลายยุคบาโรก) มันหมายถึงประเพณีดนตรีของยุโรปโดยเฉพาะ

ยุคนี้โดดเด่นด้วยความหลากหลาย: วัฒนธรรม - ชาติพันธุ์และสังคมการเมือง ยุโรปเป็นกลุ่มชนที่แตกต่างกันและมีมรดกทางดนตรีเป็นของตัวเอง ทุกแง่มุมของชีวิตทางสังคมถูกกำกับโดยคริสตจักร และดนตรีก็ไม่มีข้อยกเว้น: 10 ศตวรรษแรกของการพัฒนา "ดนตรียุคแรก" มีลักษณะเฉพาะคืออิทธิพลและการมีส่วนร่วมของคณะสงฆ์นิกายโรมันคา ธ อลิกอย่างกว้างขวาง งานดนตรีของคนนอกศาสนาและแนวปฏิบัติที่ไม่ใช่คริสเตียนถูกระงับด้วยวิธีการทั้งหมดที่เป็นไปได้

บทสวดทางศาสนา

ในยุคกลางมีความแตกต่างกันหลายช่วงเวลา ดนตรีในช่วงต้นยุคกลางตั้งแต่ ค.ศ. 457 จนถึงปีค. ศ. 800 มักสวมใส่บ่อยที่สุดมันคือบทสวดมนต์หรือบทสวดเกรกอเรียน พวกเขาได้รับการตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 ซึ่งตามตำนานที่มีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้เป็นผู้เขียนผลงานประเภทนี้ครั้งแรก บทสวดเกรกอเรียนเดิมทีเป็นแบบโมโนโฟนิกและไม่มีอะไรมากไปกว่าบทสวดมนต์ในภาษาละติน (มักไม่ค่อยเป็นภาษากรีกหรือสลาโวนิกโบสถ์เก่า) การประพันธ์ผลงานส่วนใหญ่ของนักประวัติศาสตร์ยังไม่ได้รับการจัดตั้งขึ้น การร้องเพลงแบบเกรกอเรียนแพร่หลายในศตวรรษต่อมาและยังคงเป็นรูปแบบดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดจนถึงรัชสมัยของชาร์เลอมาญ

พัฒนาการของพฤกษ์

ชาร์ลส์ที่ 1 ขึ้นครองบัลลังก์ฝรั่งเศสในปีค. ศ. 768 ถือเป็นการเริ่มต้นก้าวใหม่ในประวัติศาสตร์ยุโรปโดยทั่วไปและโดยเฉพาะดนตรี คริสตจักรคริสเตียนดำเนินการรวมทิศทางของการร้องเพลงเกรกอเรียนที่มีอยู่ในเวลานั้นและการสร้างบรรทัดฐานที่เหมือนกันของพิธีสวด

ในเวลาเดียวกันปรากฏการณ์ของดนตรีโพลีโฟนิกก็เกิดขึ้นโดยมีเสียงตั้งแต่สองเสียงขึ้นไปแทนเสียงเดียว หากรูปแบบโบราณของพฤกษ์สันนิษฐานโดยเฉพาะความเครียดระดับแปดนั่นคือเสียงคู่ขนานของเสียงสองเสียงจากนั้นพฤกษ์ในยุคกลางก็คือเสียงของเสียงที่มีช่วงเวลาตั้งแต่พร้อมเพรียงกันถึงสี่ ออร์แกไนซ์ในศตวรรษที่ 9 และ diaphonies ของศตวรรษที่ 10-12 เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของดนตรีประเภทนี้

สัญกรณ์ดนตรี

คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของดนตรีในยุคกลางคือการพยายามเขียนโน้ตเพลงโดยเจตนาเป็นครั้งแรก คะแนนจะเริ่มเขียนโดยใช้ตัวอักษรละตินพวกเขาได้รับรูปแบบเชิงเส้น Guido Aretinsky ซึ่งมีชีวิตอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 10 และ 11 และถือเป็นผู้ก่อตั้งสัญกรณ์ดนตรีในที่สุดก็ทำให้ระบบสัญกรณ์ตัวอักษรและสัญกรณ์ผิดปกติอย่างเป็นทางการ

Guido Aretinsky

โรงเรียนดนตรียุคกลาง

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 มีการจัดตั้งโรงเรียนดนตรีที่แยกจากกัน ดังนั้นดนตรีของ School of Saint Martial จากเมือง Limoges ของฝรั่งเศสจึงมีลักษณะเฉพาะด้วยธีมหลักเดียวที่ผสมผสานกับออแกนสองตอนที่รวดเร็ว School of Notre Dame Cathedral ก่อตั้งโดยพระสงฆ์ Leonin และ Perotin มีชื่อเสียงในด้านผลงานโพลีโฟนิกที่โดดเด่น Spanish School of Santiago de Compostela ได้กลายเป็นสวรรค์สำหรับนักแสวงบุญที่อุทิศตนให้กับดนตรีและกลายเป็นนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุคกลาง ผลงานของโรงเรียนสอนภาษาอังกฤษโดยเฉพาะ "Worcester Fragments" รอดมาได้ด้วย "Old Hall Manuscript" ซึ่งเป็นคอลเล็กชันเพลงในยุคกลางของอังกฤษที่สมบูรณ์แบบที่สุด

เพลงฆราวาสยุคกลาง

นอกจากดนตรีคริสตจักรซึ่งมีลำดับความสำคัญในยุคกลางแล้วดนตรีฆราวาสก็พัฒนาขึ้นด้วย สิ่งเหล่านี้รวมถึงผลงานของกวีดนตรีที่เดินทาง: นักดนตรีนักดนตรีนักดนตรีมินเนสซิงเกอร์ พวกเขาเองที่เป็นจุดเริ่มต้นของการเกิด

ศิลปะดนตรีในยุคกลางได้รับการพัฒนามานานกว่า 1,000 ปี นี่เป็นขั้นตอนที่ตึงเครียดและขัดแย้งกันในวิวัฒนาการของความคิดทางดนตรี - จากเรื่องเดียว (monophony) ไปจนถึงพฤกษ์ที่ซับซ้อนที่สุด ในยุคกลางเครื่องดนตรีในยุโรปจำนวนมากได้รับการปรับปรุงประเภทของทั้งคริสตจักรและดนตรีฆราวาสก่อตั้งขึ้นโรงเรียนดนตรีที่มีชื่อเสียงในยุโรปได้ก่อตั้งขึ้น: ดัตช์ฝรั่งเศสเยอรมันอิตาลีสเปน ฯลฯ

ในยุคกลางการพัฒนาดนตรีมีสองทิศทางหลักคือดนตรีศักดิ์สิทธิ์และทางโลกเพื่อความบันเทิง ในขณะเดียวกันดนตรีฆราวาสก็ถูกศาสนาประณามและถือว่าเป็น

ดนตรีเป็นหนึ่งในเครื่องมือของศาสนาซึ่งเป็นเครื่องมือ "ที่มีประโยชน์" ที่ตอบสนองจุดประสงค์ของคริสตจักรเช่นเดียวกับวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนอย่างหนึ่ง ดนตรีดำเนินการควบคู่ไปกับคณิตศาสตร์วาทศาสตร์ตรรกะเรขาคณิตดาราศาสตร์และไวยากรณ์ คริสตจักรได้พัฒนาโรงเรียนสอนร้องเพลงและแต่งเพลงโดยให้ความสำคัญกับสุนทรียภาพทางดนตรีเชิงตัวเลข (สำหรับนักวิชาการในยุคนั้นดนตรีคือการฉายภาพจำนวนลงในเรื่องของเสียง) นี่เป็นอิทธิพลของลัทธิเฮลเลนิสต์ตอนปลายแนวความคิดของพีธากอรัสและเพลโต ด้วยแนวทางนี้ดนตรีจึงไม่ได้มีความหมายที่เป็นอิสระ แต่เป็นชาดกของดนตรีที่สูงส่งและศักดิ์สิทธิ์

ดังนั้นดนตรีจึงแบ่งออกเป็น 3 ประเภท:

ดนตรีโลกคือดนตรีทรงกลมดาวเคราะห์ ตามสุนทรียภาพทางดนตรีและตัวเลขในยุคกลางดาวเคราะห์แต่ละดวงในระบบสุริยะได้รับเสียงโทนเสียงและการเคลื่อนไหวของดาวเคราะห์ทำให้เกิดดนตรีสวรรค์ นอกจากดาวเคราะห์แล้วฤดูกาลต่างๆยังได้รับการถ่ายทอดด้วยโทนสีของมันเอง
ดนตรีของมนุษย์ - อวัยวะทุกส่วนของร่างกายจิตวิญญาณของมนุษย์ได้รับเสียงของตัวเองซึ่งก่อให้เกิดความสอดคล้องกลมกลืนกัน
ดนตรีบรรเลง - ศิลปะการเล่นเครื่องดนตรีดนตรีเพื่อความบันเทิงลำดับชั้นต่ำสุด

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์คือเสียงร้องประสานเสียงและดนตรีฆราวาสเป็นดนตรีบรรเลง ดนตรีบรรเลงถือได้ว่าเบาไม่สำคัญและนักทฤษฎีดนตรีในยุคนั้นไม่ได้ให้ความสำคัญกับมันอย่างจริงจัง แม้ว่างานฝีมือของนักแสดงจะต้องการทักษะการแสดงที่ยอดเยี่ยมจากนักดนตรี

ช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงจากยุคกลางไปสู่ยุคสมัยใหม่ในยุโรปซึ่งกินเวลาเกือบสองศตวรรษครึ่ง ในช่วงเวลานี้การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในหลาย ๆ ด้านของชีวิต วิทยาศาสตร์และศิลปะเจริญรุ่งเรือง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบ่งออกเป็นหลายองค์ประกอบและขั้นตอนของการพัฒนา นอกจากนี้ยังเกี่ยวข้องกับความเชื่อโชคลางต่าง ๆ ซึ่งฝังรากลึกจนทุกวันนี้ต้องใช้ความพยายามอย่างมากในการหักล้างสิ่งเหล่านี้

สิ่งแรกและอาจเป็นความเข้าใจผิดหลักคือการพิจารณา (เช่นอุดมการณ์หลายประการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) การฟื้นฟูการฟื้นฟูการฟื้นคืนชีพของวัฒนธรรมและอารยธรรมอย่างแม่นยำซึ่งเกิดขึ้นหลังจาก "ยุคกลาง" อันป่าเถื่อนเป็นเวลานานซึ่งเป็นช่วงเวลาที่มืดมน ช่วงเวลาแห่งความแตกแยกในการพัฒนาวัฒนธรรม อคตินี้มีพื้นฐานมาจากความไม่รู้ที่สมบูรณ์ของยุคกลางและความเชื่อมโยงระหว่างมันกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตัวอย่างเช่นการตั้งชื่อพื้นที่สองด้านที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง - กวีนิพนธ์และชีวิตทางเศรษฐกิจ ดันเต้อาศัยอยู่ในศตวรรษที่สิบสามนั่นคือ เมื่อถึงจุดสุดยอดของยุคกลาง Petrarch - ใน XIV สำหรับชีวิตทางเศรษฐกิจยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่แท้จริงยังตกอยู่ในศตวรรษที่ 13 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการค้าและการธนาคาร พวกเขากล่าวว่าเราเป็นหนี้ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการค้นพบของนักเขียนในสมัยโบราณ แต่นี่ก็เป็นความเชื่อทางไสยศาสตร์เช่นกัน เป็นที่ทราบกันดีว่าในช่วงเวลานี้มีการค้นพบต้นฉบับภาษากรีกโบราณเพียงสองฉบับส่วนที่เหลืออยู่ในตะวันตกแล้ว (ส่วนใหญ่อยู่ในฝรั่งเศส) สำหรับยุโรปตะวันตกมีประสบการณ์การหวนกลับไปสู่สมัยโบราณที่เกี่ยวข้องกับความสนใจในมนุษย์และธรรมชาติในศตวรรษที่ 12 และ 13 .
ความเชื่อทางไสยศาสตร์ที่สองเกี่ยวข้องกับการผสมผสานระหว่างสององค์ประกอบของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งตรงข้ามกันคือสิ่งที่เรียกว่ามนุษยนิยมและวิทยาศาสตร์ธรรมชาติใหม่ มนุษยนิยมเป็นปฏิปักษ์ต่อตรรกะเหตุผลใด ๆ วิทยาศาสตร์ธรรมชาติใด ๆ ซึ่งถือว่าเป็นแรงงาน "เชิงกล" ที่ไม่คู่ควรกับผู้เพาะเลี้ยงที่เรียกว่าเป็นนักเขียนวาทศิลป์นักการเมือง ร่างของมนุษย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่รวมทั้งราสมุสแห่งรอตเทอร์ดามและกาลิเลโอเข้าด้วยกันเป็นตำนานและความเชื่อในภาพเดียวของโลกที่มีอยู่ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็ไม่มีอะไรมากไปกว่าความเชื่อโชคลาง
อคติประการที่สามคือการยกย่องปรัชญาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาว่า "ยิ่งใหญ่" เมื่อเทียบกับนักวิชาการที่นำหน้า

ในความเป็นจริงยกเว้นนิโคลัสแห่งคูซานสกี (ห่างไกลจากจิตวิญญาณแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) และกาลิเลโอ (ซึ่งอาศัยอยู่ในตอนท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) นักปรัชญาแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตามคำกล่าวที่ถูกต้องของคริสเทลเลอร์นั้นไม่ดีหรือไม่ดี - พวกเขาไม่ใช่นักปรัชญาเลย หลายคนเป็นนักเขียนนักวิทยาศาสตร์ผู้ชื่นชอบตำราโบราณที่โดดเด่นมีชื่อเสียงในด้านความคิดเยาะเย้ยและเฉียบแหลมทักษะทางวรรณกรรม แต่พวกเขาแทบไม่มีอะไรเกี่ยวข้องกับปรัชญาเลย ดังนั้นการต่อต้านพวกเขากับนักคิดในยุคกลางจึงเป็นความเชื่อทางไสยศาสตร์ที่บริสุทธิ์

- ความเข้าใจผิดอีกประการหนึ่งคือการพิจารณาว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการปฏิวัติที่รุนแรงซึ่งเป็นการทำลายอดีตโดยสิ้นเชิง อันที่จริงแล้วในช่วงเวลานี้มีการเปลี่ยนแปลงที่ลึกซึ้งเกิดขึ้น แต่ทุกอย่างเชื่อมโยงกับอดีตและไม่ว่าในกรณีใดต้นกำเนิดของพวกเขาสามารถพบได้ในยุคกลาง การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ฝังรากลึกในอดีตจนผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Huizinga มีเหตุผลทุกประการที่เรียกยุคนี้ว่า "การล่มสลายของยุคกลาง"

ในที่สุดก็เป็นความเชื่อทางไสยศาสตร์เช่นกันที่ผู้คนที่อาศัยอยู่ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างน้อยที่สุดก็คือพวกโปรเตสแตนต์นักบวชผู้ไม่เชื่อในพระเจ้าหรือผู้มีเหตุผลด้วยจิตวิญญาณ ในความเป็นจริงตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีชื่อเสียงส่วนใหญ่และในสาขาปรัชญาเกือบทุกคนตั้งแต่เลโอนาร์โดฟิซิโนไปจนถึงกาลิเลโอและกัมปาเนลลาเป็นชาวคาทอลิกซึ่งมักจะเป็นผู้สนับสนุนและปกป้องความเชื่อคาทอลิกอย่างกระตือรือร้น ด้วยเหตุนี้มาร์ซิลิโอฟิซิโนเมื่ออายุ 40 ปีจึงรับเอาความเชื่อของคริสเตียนมาใช้และสร้างศาสนาคริสต์นิกายคาทอลิกสำหรับยุคใหม่

นักทฤษฎีดนตรีแห่งยุคกลาง Guido Aretinsky (ปลายศตวรรษที่ 10) ให้คำจำกัดความของดนตรีไว้ดังนี้:

"ดนตรีคือการเคลื่อนไหวของเสียงที่เปล่งออกมา"

ในคำจำกัดความนี้นักทฤษฎีดนตรีในยุคกลางได้แสดงทัศนคติต่อดนตรีของวัฒนธรรมดนตรียุโรปทั้งหมดในยุคนั้น

แนวดนตรีของคริสตจักรและดนตรีฆราวาส

แหล่งที่มาของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของยุคกลางคือสภาพแวดล้อมของอาราม บทสวดนี้ได้รับการเรียนรู้จากหูในโรงเรียนสอนร้องเพลงและเผยแพร่ในสภาพแวดล้อมของโบสถ์ ในแง่ของการปรากฏตัวของบทสวดต่างๆมากมายคริสตจักรคาทอลิกจึงตัดสินใจที่จะบัญญัติและควบคุมบทสวดที่สะท้อนให้เห็นถึงเอกภาพของหลักคำสอนของคริสเตียน

ดังนั้นการร้องประสานเสียงจึงปรากฏขึ้นซึ่งกลายเป็นตัวตนของประเพณีดนตรีของคริสตจักร โดยพื้นฐานแล้วประเภทอื่น ๆ ได้รับการพัฒนาสร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับวันหยุดบางวันบริการของพระเจ้า

เพลงศักดิ์สิทธิ์ของยุคกลางแสดงโดยประเภทต่อไปนี้: Chorale, Gregorian chant - บทสวดทางศาสนาแบบโมโนโฟนิกในภาษาละตินซึ่งมีการควบคุมอย่างชัดเจนโดยผู้ขับร้องบางส่วน - โดยศิลปินเดี่ยว

- - มิสซาคือการรับใช้อันศักดิ์สิทธิ์หลักของคริสตจักรคาทอลิกประกอบด้วยส่วนที่มั่นคง 5 ส่วน (ordinarium) - I. Kyrie eleison (พระเจ้ามีเมตตา) II กลอเรีย (สง่าราศี), III. Credo (ฉันเชื่อว่า), IV Sanctus (ศักดิ์สิทธิ์), V. Agnus Dei (ลูกแกะของพระเจ้า)
  - การสวดละครพิธีกรรม - บริการอีสเตอร์หรือคริสต์มาสซึ่งบทสวดแบบเกรกอเรียนสลับกับท่วงทำนองเพลงโทรปที่ไม่ได้รับการรับรองการสวดประกอบพิธีกรรมโดยคอรัสบางส่วนของตัวละคร (Mary, Evangelist) - ศิลปินเดี่ยวบางครั้งมีลักษณะของเครื่องแต่งกายปรากฏขึ้น
  - Mystery เป็นละครเวทีที่มีรายละเอียดการแสดงบนเวทีเครื่องแต่งกาย
  - Rondel (rondo, ru) เป็นประเภทโพลีโฟนิกของยุคกลางที่โตเต็มที่และตอนปลายซึ่งมีพื้นฐานมาจากทำนองของผู้แต่ง (ตรงข้ามกับการร้องประสานเสียงที่เป็นที่ยอมรับ) ซึ่งดำเนินการในลักษณะที่แสดงโดยนักร้องเดี่ยวที่เข้ามาในทางกลับกัน (รูปแบบศีลตอนต้น)
  - Proprium เป็นส่วนหนึ่งของประเภทมวลซึ่งจะเปลี่ยนแปลงไปตามปฏิทินของคริสตจักร (ตรงข้ามกับส่วนที่ไม่เปลี่ยนแปลงของมวล - ออร์ดินาเรียม)
  - แอนติโฟนเป็นดนตรีประเภทประสานเสียงที่เก่าแก่ที่สุดของคริสตจักรโดยอาศัยการสลับส่วนของกลุ่มการร้องประสานเสียงสองกลุ่ม

ตัวอย่างเพลงในโบสถ์:

1) สวดมนต์ kyrie eleyson

2) ลำดับเหยื่อ Pashali

ดนตรีฆราวาสในยุคกลางส่วนใหญ่เป็นดนตรีของนักดนตรีที่เดินทางและโดดเด่นด้วยเสรีภาพความเป็นตัวของตัวเองและอารมณ์ นอกจากนี้ดนตรีฆราวาสยังเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมการปกครองแบบอัศวินของขุนนางศักดินา เนื่องจากจรรยาบรรณที่กำหนดไว้สำหรับอัศวินมารยาทอันงดงามความเอื้ออาทรความเอื้ออาทรหน้าที่ในการรับใช้สาวงามพรรคเหล่านี้จึงอดไม่ได้ที่จะหาภาพสะท้อนของพวกเขาในบทเพลงของคณะนักแสดงและผู้ติดตาม

พวกเขาแสดงดนตรีฆราวาสโดยละครใบ้นักเล่นกลนักแสดงหรือนักดนตรีนักดนตรี (ในฝรั่งเศส) คนงานเหมืองแร่ shpielmans (ในประเทศดั้งเดิม) hohlars (ในสเปน) ควาย (ในรัสเซีย) ศิลปินเหล่านี้ไม่เพียงต้องสามารถร้องเพลงเล่นและเต้นรำได้เท่านั้น แต่ยังสามารถแสดงละครสัตว์เทคนิคมายากลฉากละครและต้องสร้างความบันเทิงให้กับผู้ชมด้วยวิธีอื่น ๆ
เนื่องจากความจริงที่ว่าดนตรีเป็นหนึ่งในศาสตร์และได้รับการสอนในมหาวิทยาลัยขุนนางศักดินาและผู้มีเกียรติที่ได้รับการศึกษาสามารถนำความรู้ไปใช้ในงานศิลปะได้
ดังนั้นดนตรีจึงพัฒนาขึ้นในสภาพแวดล้อมของศาล ตรงกันข้ามกับการบำเพ็ญตบะของคริสเตียนดนตรีที่มีความกล้าหาญได้เชิดชูความรักอันเย้ายวนและอุดมคติของสาวงาม ในบรรดาคนชั้นสูงในฐานะนักดนตรีที่รู้จักกันดี - Guillaume - VII, Count of Poitiers, Duke of Aquitaine, Jean Brienne - King of Jerusalem, Pierre Mauclair - Duke of Brittany, Thibaut Champagne - King of Navarre

คุณสมบัติหลักและลักษณะของดนตรีฆราวาสในยุคกลาง:

- - ตามคติชนไม่ได้แสดงในภาษาละติน แต่เป็นภาษาพื้นเมืองภาษาถิ่น
  - ไม่ใช้สัญกรณ์ในหมู่ศิลปินที่หลงทางดนตรีเป็นประเพณีปากเปล่า (ต่อมาการเขียนดนตรีที่พัฒนาขึ้นในสภาพแวดล้อมของศาล)
  - ธีมหลักคือภาพของบุคคลในความหลากหลายของชีวิตทางโลกของเขาซึ่งเป็นความรักที่กระตุ้นความรู้สึกในอุดมคติ
  - ความน่าเบื่อ - เป็นวิธีการแสดงความรู้สึกของแต่ละบุคคลในรูปแบบบทกวีและบทเพลง
  - การแสดงเสียงและการบรรเลงบทบาทของเครื่องดนตรียังไม่สูงมากนักการบรรเลงส่วนใหญ่เป็นการแนะนำตัวคั่นและรหัส
  - ท่วงทำนองมีความหลากหลาย แต่จังหวะในเวลาเดียวกัน - บัญญัติ - นี่คืออิทธิพลของดนตรีคริสตจักรมีเพียง 6 ประเภทของจังหวะ (โหมดจังหวะ) และแต่ละประเภทมีเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างอย่างเคร่งครัด

นักเลงนักดนตรีและมินเนสซิงเกอร์ที่เล่นดนตรีแนวอัศวินอย่างสุภาพสร้างแนวเพลงดั้งเดิมของตัวเอง:

- - เพลง "Weaving" และ "May"
  - Rondo - รูปแบบขึ้นอยู่กับการละเว้นการทำซ้ำ
  - Ballad - รูปแบบเพลงข้อความ - ดนตรี
  - Virele - รูปแบบบทกวีภาษาฝรั่งเศสแบบเก่าที่มีฉันท์สามบรรทัด (บรรทัดที่สามจะสั้นลง) คำคล้องจองและคอรัสเดียวกัน
  - มหากาพย์วีรบุรุษ ("เพลงของโรแลนด์", "เพลงแห่งนิเบลลุง")
  - เพลงของนักรบครูเสด (เพลงของปาเลสไตน์)
  - Canzona (คนที่เรียกว่า minnesingers - alba) - ความรักเพลงเนื้อเพลง

ขอบคุณพัฒนาการของวัฒนธรรมเมืองในศตวรรษที่ X - XI ศิลปะฆราวาสเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันมากขึ้น นักดนตรีที่เดินทางท่องเที่ยวต่างเลือกวิถีชีวิตแบบนั่งประจำที่มากขึ้นเรื่อย ๆ โดยอาศัยอยู่ในเมืองทั้งหมด

เป็นเรื่องที่น่าสนใจสำหรับนักดนตรีที่หลงทางในศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม กลับไปที่หัวข้อทางจิตวิญญาณ การเปลี่ยนจากภาษาละตินเป็นภาษาท้องถิ่นและความนิยมอย่างมากของนักแสดงเหล่านี้ทำให้พวกเขามีส่วนร่วมในการแสดงทางจิตวิญญาณในมหาวิหารแห่งสตราสบูร์กรูอ็องแร็งส์ แคมไบ. เมื่อเวลาผ่านไปนักดนตรีเดินทางบางคนได้รับสิทธิ์ในการจัดการแสดงในปราสาทของคนชั้นสูงและที่ศาลของฝรั่งเศสอังกฤษซิซิลีและประเทศอื่น ๆ

เมื่อถึงศตวรรษที่ 12-13 พระผู้ลี้ภัยนักวิชาการด้านการเดินทางและลูกหลานของกลุ่มนักบวชชั้นล่าง - Vagants and Goliards - ปรากฏตัวในหมู่นักดนตรีที่เดินทาง

นักดนตรีประจำสร้างเวิร์กช็อปดนตรีทั้งหมดในเมืองยุคกลาง - ภราดรภาพแห่งเซนต์จูเลียน (ปารีส 1321) ภราดรภาพแห่งเซนต์นิโคลัส (เวียนนา 1288) เป้าหมายของสมาคมเหล่านี้คือเพื่อปกป้องสิทธิของนักดนตรีรักษาและถ่ายทอดประเพณีอาชีพ

ในศตวรรษที่สิบสาม - สิบหก แนวเพลงใหม่เกิดขึ้นซึ่งพัฒนาต่อไปในยุคของ Ars Nova:

- - Motet (มาจากภาษาฝรั่งเศส - "word") เป็นประเภทโพลีโฟนิกที่มีความแตกต่างกันของเสียงที่ไพเราะจับใจความแตกต่างของข้อความในเวลาเดียวกันบางครั้งแม้ในภาษาที่แตกต่างกันอาจมีทั้งเนื้อหาทางโลกและทางจิตวิญญาณ
  - Madrigal (จากภาษาอิตาลี - "เพลงในภาษาพื้นเมือง" เช่นภาษาอิตาลี) - เพลงรักโคลงสั้น ๆ เพลงอภิบาล
  - Caccia (จากภาษาอิตาลี - "การล่าสัตว์") เป็นเสียงร้องในหัวข้อการล่าสัตว์

ดนตรีฆราวาสโดยนักร้องและนักแต่งเพลงมืออาชีพ

ข้อมูลเพิ่มเติม:

ในยุคข้อมูลข่าวสารซึ่งเป็นยุคแห่งเทคโนโลยีชั้นสูงเรามักลืมนึกถึงคุณค่าทางจิตวิญญาณที่ยั่งยืน หนึ่งในคุณค่าเหล่านี้คือดนตรีคลาสสิกซึ่งเป็นมรดกทางจิตวิญญาณของบรรพบุรุษของเรา ดนตรีคลาสสิกคืออะไรทำไมคนสมัยใหม่ถึงต้องการ? ทำไมหลายคนคิดว่าเรื่องนี้น่าเบื่อมาก มาลองทำความเข้าใจกับคำถามยาก ๆ เหล่านี้คุณมักจะได้ยินความเห็นที่ว่าดนตรีคลาสสิกน่าจะเป็นเพลงที่เขียนไว้เมื่อนานมาแล้ว ไม่เป็นเช่นนั้นเนื่องจากแนวคิดนี้หมายถึงสิ่งที่ดีที่สุดที่ถูกสร้างขึ้นในโลกแห่งดนตรีตลอดช่วงเวลาของการดำรงอยู่ของอารยธรรมมนุษย์ โซนาต้าของ Beethoven สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 และความโรแมนติกของ Sviridov ซึ่งเขียนขึ้นเมื่อ 40 ปีก่อนล้วนเป็นเรื่องคลาสสิก! สิ่งสำคัญคือดนตรีนี้ได้รับการทดสอบของเวลา และในสมัยของเบโธเฟนและตอนนี้มีตัวแทนจำหน่ายงานศิลปะที่ผลิตผลิตภัณฑ์ดนตรีคุณภาพต่ำ ผลิตภัณฑ์นี้เสื่อมสภาพเร็วมากและงานศิลปะของแท้ก็สวยงามมากขึ้นทุกวัน

ลักษณะของบันทึก

การเขียนสิ่งประดิษฐ์ที่ยิ่งใหญ่ของมนุษยชาติทำให้สามารถสะสมและส่งต่อความคิดความคิดและความประทับใจให้กับคนรุ่นหลังได้ สิ่งประดิษฐ์อีกอย่างหนึ่งซึ่งไม่น้อยไปกว่าสัญกรณ์ดนตรีทำให้สามารถถ่ายทอดเสียงและดนตรีไปยังลูกหลานได้ ก่อนโน้ตดนตรีในยุโรปมีการใช้สัญญาณพิเศษ - neumas

ผู้ประดิษฐ์ระบบดนตรีสมัยใหม่คือพระภิกษุเบเนดิกติน Guido Aretinsky (Guido d'Arezzo) (990-1050) Arezzo เป็นเมืองเล็ก ๆ ในทัสคานีไม่ไกลจากฟลอเรนซ์ บราเดอร์กุยโดในอารามท้องถิ่นสอนนักร้องประสานเสียงถึงวิธีการสวดในโบสถ์ ธุรกิจนี้ไม่ง่ายและยาวนาน ความรู้และทักษะทั้งหมดถูกถ่ายทอดด้วยปากเปล่าในการสื่อสารโดยตรง นักร้องภายใต้การแนะนำของครูและจากเสียงของเขาเรียนรู้เพลงสวดแต่ละเพลงและแต่ละบทของพิธีมิสซาคาทอลิกอย่างสม่ำเสมอ ดังนั้น "หลักสูตรการศึกษา" เต็มรูปแบบจึงใช้เวลาประมาณ 10 ปี

Guido Aretinsky เริ่มทำเครื่องหมายเสียงด้วยโน้ต (จากคำภาษาละติน nota - sign) โน้ตสี่เหลี่ยมสีเทาวางอยู่บนเสาซึ่งประกอบด้วยเส้นขนานสี่เส้น ตอนนี้มีห้าบรรทัดเหล่านี้และโน้ตจะแสดงเป็นวงกลม แต่หลักการที่ Guido แนะนำยังคงไม่เปลี่ยนแปลง โน้ตที่สูงขึ้นจะแสดงบนไม้บรรทัดที่สูงขึ้น มีโน้ตเจ็ดตัวซึ่งเป็นรูปแปดเหลี่ยม

กุยโดตั้งชื่อให้กับโน้ตทั้งเจ็ดของอ็อกเทฟ: ut, re, mi, fa, sol, la, si นี่คือพยางค์แรกของเพลงสวดเซนต์ จอห์น. แต่ละบรรทัดของเพลงสวดนี้จะร้องด้วยโทนเสียงที่สูงกว่าเพลงก่อนหน้า

โน้ตของคู่ถัดไปมีชื่อเหมือนกัน แต่ร้องด้วยเสียงที่สูงขึ้นหรือต่ำลง ในขณะที่คุณย้ายจากคู่หนึ่งไปยังอีกตัวหนึ่งความถี่ของเสียงที่ระบุโดยโน้ตตัวเดียวกันจะเพิ่มขึ้นหรือลดลงครึ่งหนึ่ง ตัวอย่างเช่นเครื่องดนตรีได้รับการปรับให้เข้ากับโน้ต A ของคู่แรก บันทึกนี้สอดคล้องกับความถี่ 440 เฮิร์ตซ์ หมายเหตุสำหรับถัดไปวินาทีคู่แปดจะสอดคล้องกับความถี่ 880 เฮิร์ตซ์

ชื่อของโน้ตทั้งหมดยกเว้นตัวแรกลงท้ายด้วยเสียงสระพวกเขาสะดวกในการร้องเพลง ut พยางค์ปิดและไม่สามารถร้องเพลงได้เหมือนคนอื่น ๆ ดังนั้นชื่อของโน้ตตัวแรกของอ็อกเทฟจึงเปลี่ยนเป็นทำในศตวรรษที่สิบหก (น่าจะมาจากคำภาษาละติน Dominus - Lord) โน้ตสุดท้ายของคู่แปดคือการหดตัวของสองคำในบรรทัดสุดท้ายของเพลงสวด Sancte Ioannes ในประเทศที่ใช้ภาษาอังกฤษชื่อโน้ต "si" เปลี่ยนเป็น "ti" เพื่อไม่ให้สับสนกับตัวอักษร C ซึ่งใช้ในสัญกรณ์ดนตรี

Guido ได้สอนตัวอักษรแปลก ๆ นี้ให้กับนักร้องและยังสอนให้พวกเขาร้องเพลงจากโน้ตด้วย นั่นคือสิ่งที่เรียกว่า solfeggio ในโรงเรียนดนตรีสมัยใหม่ ตอนนี้ก็เพียงพอแล้วที่จะเขียนทั้งมวลลงในโน้ตและนักร้องก็สามารถร้องเพลงที่จำเป็นได้ด้วยตัวเอง ไม่จำเป็นต้องสอนแต่ละเพลงเป็นการส่วนตัวอีกต่อไป กุยโดต้องควบคุมกระบวนการเท่านั้น เวลาในการฝึกอบรมสำหรับนักร้องลดลงห้าเท่า แทนที่จะสิบปี - สองปี.!

โล่ที่ระลึกใน Arezzo บน Via Ricasolli ในบ้านที่ Guido เกิด มันแสดงให้เห็นถึงโน้ตสี่เหลี่ยม

ต้องบอกว่าพระกุยโดแห่งอาเรสโซไม่ใช่คนแรกที่คิดบันทึกเพลงโดยใช้ป้าย ก่อนหน้าเขาในยุโรปตะวันตกมีระบบ neumas อยู่แล้ว (จากภาษากรีกคำว่า "pneumo" - ลมหายใจ) มีป้ายติดอยู่เหนือข้อความของเพลงสดุดีเพื่อบ่งบอกถึงการขึ้นหรือลงของโทนเพลง ในรัสเซียเพื่อจุดประสงค์เดียวกันพวกเขาใช้ระบบ "ตะขอ" หรือ "แบนเนอร์" ของตนเอง

กระดาษโน้ตทรงสี่เหลี่ยมของ Guido Aretinsky วางอยู่บนไม้เท้าสี่บรรทัดกลายเป็นระบบที่ง่ายและสะดวกที่สุดในการบันทึกเพลง ต้องขอบคุณเธอสัญกรณ์ดนตรีที่แพร่กระจายไปทั่วโลก ดนตรีออกจากคริสตจักรและไปที่พระราชวังของผู้ปกครองและขุนนางก่อนจากนั้นจึงไปที่โรงละครห้องแสดงคอนเสิร์ตและจัตุรัสกลางเมืองกลายเป็นทรัพย์สินส่วนกลาง

ไม่สบายใจคืออะไร

Frets เป็นหนึ่งในคำศัพท์กลางในทฤษฎีดนตรี การทำความเข้าใจวิธีการสร้างและใช้อย่างมีทักษะจะเปิดโอกาสให้นักดนตรีเป็นไปได้ไม่ จำกัด และมักจะเป็นไปไม่ได้ที่จะอธิบายได้อย่างชัดเจนว่าการเปลี่ยนแปลงที่น่าสนใจถูกสร้างขึ้นในองค์ประกอบเฉพาะอย่างไร - ถ้าคนไม่เข้าใจว่าความสามัคคีคืออะไร แต่มีสิ่งที่จับได้: คำว่า "สามัคคี" ถูกใช้โดยนักดนตรีเองซึ่งมักมีความหมายไม่เหมือนกัน ทำไมถึงเป็นเช่นนั้น? แล้วมันคืออะไรล่ะ? ความสับสนเกิดจากความหมายที่แตกต่างกันมากของคำนี้ในยุคต่างๆ

เราไม่ทราบว่าการรับรู้ของเราถูกเลี้ยงดูและผูกติดกับดนตรีคลาสสิกมากเพียงใด (ในขณะที่แนวคิดของ "ดนตรีสมัยใหม่" เป็นการออกไปจากหลักการคลาสสิก) ยุคแห่งความคลาสสิกเป็นการทำลายประวัติศาสตร์ครั้งใหญ่ในการรับรู้ของมนุษย์ที่มีต่อโลก หลังจากยุคกลางผู้คนค้นพบและหลงใหลในศิลปะโบราณ งานคลาสสิกใด ๆ สร้างขึ้นจากศีลที่เข้มงวดจึงเผยให้เห็นความกลมกลืนและความสอดคล้องกันของจักรวาล คลาสสิกสร้างลำดับโครงสร้าง - ลำดับชั้นที่ชัดเจนของสูงสุดและต่ำสุดหลักและรองส่วนกลางและรอง ดังนั้นตัวอย่างเช่นเริ่มต้นด้วยคลาสสิกเวียนนาและดนตรีโรแมนติกเราคิดในระบบ - "major-minor" มันคืออะไรและมีผลต่อการรับรู้ของเราอย่างไร?

หลักและรองเป็นเครื่องชั่งวรรณยุกต์ โหมดวรรณยุกต์คือระบบความสัมพันธ์ระหว่างโทนเสียง หมายความว่าอย่างไร? โทนคืออะไร? ลองคิดออก สมมติว่าคุณมีเปียโนอยู่ข้างหน้าคุณ: ดูที่คีย์บอร์ด: do-re-mi-fa-sol-la-si ตามปกติ, ปุ่มสีขาว 7 ปุ่มและปุ่มสีดำอีก 5 ปุ่มระหว่างกันรวม 12 ปุ่มระยะห่างระหว่างแต่ละปุ่ม สองคนเป็นเซมิโทน มีเซมิโทนระหว่างสีดำและสีขาวที่อยู่ติดกันเสมอ ระหว่างสีขาวที่อยู่ติดกัน - โทน (มีข้อยกเว้น mi-fa และ si-do คือเซมิโทน)

ชุดของโทนเสียงและเซมิโทนใด ๆ เป็นสเกล ในยุคแห่งความคลาสสิกพวกเขาเริ่มสร้างมันขึ้นมาด้วยการอยู่ใต้บังคับบัญชาอย่างเข้มงวดของโทนเสียงทั้งหมดให้กับยาชูกำลัง - โทนหลัก นี่คือมาตราส่วนหลักหรือรอง เพลงวรรณยุกต์ทั้งหมด (คลาสสิกทั้งหมด) สร้างขึ้นอย่างแม่นยำโดยอาศัยความสัมพันธ์ระหว่างพยัญชนะหลักและรอง โดยหูเราแยกความแตกต่างระหว่างหลักและรองโดยสังหรณ์ใจโดยวิธีที่เป็นสี - "สุข" หรือ "เศร้า" โหมดตัวแปรคือเมื่อชิ้นส่วนหนึ่งมีทั้งคุณสมบัติหลักและคุณสมบัติรองในเวลาเดียวกัน แต่มีหลักการทั่วไปคือวรรณยุกต์

อย่างไรก็ตามหลักการนี้ไม่ใช่วิธีเดียวที่เป็นไปได้ ก่อนยุคคลาสสิกเมื่อทุกอย่างถูกจัดลำดับให้เป็นระบบวรรณยุกต์ที่กลมกลืนกันในที่สุดความคิดทางดนตรีก็แตกต่างออกไป Ionian, Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aeolian, Locrian ... นี่คือโหมดอ็อกเทฟของชาวกรีก จากนั้นก็มีโหมดคริสตจักรของดนตรีเกรกอเรียน นี่คือโหมดโมดอลทั้งหมด พวกเขาแต่งเพลงในสมัยโบราณยุคกลางประเพณีดนตรีตะวันออกเป็นกิริยา (เช่นรากัสอินเดียหรืออาหรับมาคัมเป็นต้น) กิริยายังมีชัยในดนตรีของยุโรปยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญจากรูปลักษณ์วรรณยุกต์ที่เราคุ้นเคย? ในโหมดวรรณยุกต์จะมีการกำหนดฟังก์ชั่นของคอร์ดและคอร์ดหลักอย่างเข้มงวดในขณะที่ในเพลงโมดอลจะเบลอกว่ามาก สำหรับโมดอลสเกลสเกลเองมีความสำคัญโดยรวม - และความหมายและสีสันที่สามารถนำมาสู่ดนตรีได้ นั่นคือเหตุผลที่เราสามารถแยกแยะดนตรีอินเดียออกจากเสียงประสานเสียงในยุคกลางด้วยหูได้อย่างง่ายดายโดยพิจารณาจากพยัญชนะและท่าทางดนตรี

เมื่อถึงศตวรรษที่ยี่สิบนักแต่งเพลงดูเหมือนจะลองใช้เสียงทุกชนิดในดนตรีที่มีวรรณยุกต์ “ ฉันเบื่อปีศาจ!” พวกเขาพูดและในการค้นหาสีใหม่พวกเขาหันไปหาแบบเก่า - กิริยาและการเคลื่อนไหว นี่คือวิธีการใหม่ที่เกิดขึ้น โหมดใหม่ปรากฏขึ้นในดนตรีสมัยใหม่เช่นเพลงบลูส์ ยิ่งไปกว่านั้นแนวเพลงพิเศษได้เกิดขึ้น - แจ๊สโมดอล ยกตัวอย่างเช่น Miles Davis เรียกว่าเพลงโมดอล "ความเบี่ยงเบนจากสเกลโน้ตเจ็ดตัวปกติซึ่งทุกโน้ตดูเหมือนจะไม่ได้โฟกัส" และเขาบอกว่า "เดินไปทางนี้คุณจะไปไม่มีที่สิ้นสุด" บรรทัดล่างคือหลักการของวรรณยุกต์และกิริยาไม่สามารถใช้ร่วมกันได้ ในชิ้นเดียวสัญญาณของพวกเขาสามารถผสมกันได้ Modality ก็คืออีกชั้นหนึ่งที่ซ้อนทับบน "major / minor" ที่เราคุ้นเคย และการใช้โหมดโมดอลที่แตกต่างกันจะทำให้สีของเพลงเปลี่ยนไปตัวอย่างเช่นการหมุนของ phrygian fret นั้นมืดมนเพราะสเกลของมันส่วนใหญ่จะลดลง การรู้คุณสมบัติกิริยาเหล่านี้สามารถช่วยให้คุณได้รับเสียงที่น่าสนใจหากคุณกำลังเขียนเพลง

สีอารมณ์ตัวละคร - นี่คือสัญญาณของความสามัคคีที่เราได้ยิน แต่มักไม่รู้ตัว บ่อยครั้งในเพลงเราถูกดึงดูดโดยการเปลี่ยนกิริยา - เพราะมันผิดปกติ การได้ยินเพลงคลาสสิกทำให้สิ่งนี้หลุดออกไปจากชีวิตประจำวัน ทั้งหมดนี้และอื่น ๆ อีกมากมายจะถูกเปิดเผยเมื่อคุณเข้าใจภาษาของดนตรี

ดนตรีในยุคกลางเป็นช่วงเวลาของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีโดยครอบคลุมตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 5 ถึงคริสต์ศตวรรษที่ 14

ยุคกลางเป็นยุคที่ยิ่งใหญ่ในประวัติศาสตร์ของมนุษย์ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการครอบงำของระบบศักดินา

ช่วงเวลาของวัฒนธรรม:

ต้นยุคกลาง - ศตวรรษที่ V - X

ผู้ใหญ่ยุคกลาง - XI - ศตวรรษที่สิบสี่

ในปี 395 จักรวรรดิโรมันแยกออกเป็นสองส่วน: ตะวันตกและตะวันออก ทางตะวันตกบนซากปรักหักพังของกรุงโรมในศตวรรษที่ 5-9 มีรัฐอนารยชน: Ostrogoths, Visigoths, Franks และอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 9 อันเป็นผลมาจากการล่มสลายของจักรวรรดิชาร์เลอมาญสามรัฐได้ก่อตั้งขึ้น ที่นี่: ฝรั่งเศสเยอรมนีอิตาลี คอนสแตนติโนเปิลก่อตั้งโดยจักรพรรดิคอนสแตนตินบนที่ตั้งของอาณานิคมของกรีกไบแซนเทียมกลายเป็นเมืองหลวงของภาคตะวันออก - ด้วยเหตุนี้ชื่อของรัฐ

ในยุคกลางวัฒนธรรมดนตรีรูปแบบใหม่กำลังเกิดขึ้นในยุโรป - แบบศักดินาซึ่งรวมศิลปะมืออาชีพการทำดนตรีสมัครเล่นและนิทานพื้นบ้าน เนื่องจากคริสตจักรมีอำนาจเหนือทุกด้านของชีวิตจิตวิญญาณพื้นฐานของศิลปะดนตรีมืออาชีพจึงเป็นกิจกรรมของนักดนตรีในวัดและอาราม ศิลปะอาชีพทางโลกในขั้นต้นจะแสดงโดยนักร้องที่สร้างและแสดงนิทานมหากาพย์ในศาลในบ้านของคนชั้นสูงในหมู่นักรบ ฯลฯ (กวี, หนังตะลุง ฯลฯ ) เมื่อเวลาผ่านไปรูปแบบการทำดนตรีของอัศวินแบบสมัครเล่นและกึ่งมืออาชีพพัฒนาขึ้น: ในฝรั่งเศส - ศิลปะของคณะและนักดนตรี (Adam de la Hal, ศตวรรษที่สิบสาม) ในเยอรมนี - Minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, ศตวรรษที่สิบสาม - สิบสาม) และช่างฝีมือในเมือง ประเภทเพลงและรูปแบบของเพลงทุกประเภทได้รับการปลูกฝังในปราสาทศักดินาและในเมืองต่างๆ (มหากาพย์ "รุ่งอรุณ" รอนโดเลอไวเรลบัลลาดแคนโซนลอดาส ฯลฯ )

เครื่องดนตรีใหม่ ๆ เข้ามาในชีวิตประจำวันรวมถึงเครื่องดนตรีที่มาจากตะวันออก (วิโอลาพิณ ฯลฯ ) วงดนตรี (การประพันธ์ที่ไม่เสถียร) ปรากฏขึ้น คติชนเจริญรุ่งเรืองในสภาพแวดล้อมของชาวนา นอกจากนี้ยังมีการแสดงแบบ "มืออาชีพชาวบ้าน" เช่นนักเล่าเรื่องศิลปินสังเคราะห์พเนจร (นักเล่นปาหี่ละครใบ้นักแสดง shpielmans ควาย) ดนตรีอีกครั้งทำหน้าที่ประยุกต์หลักและปฏิบัติทางจิตวิญญาณ ความคิดสร้างสรรค์ปรากฏเป็นหนึ่งเดียวกับการแสดง (โดยปกติจะอยู่ที่คนคนเดียว)

เนื้อหาของเพลงแนวเพลงรูปแบบวิธีการแสดงออกจะค่อยๆเพิ่มขึ้นอย่างช้าๆแม้ว่าจะเป็นไปอย่างช้าๆ ในยุโรปตะวันตกตั้งแต่ศตวรรษที่ VI-VII ระบบการควบคุมอย่างเคร่งครัดของดนตรีคริสตจักรแบบโมโนโฟนิก (โมโนโฟนิก) ตามโหมดไดอะโทนิก (การร้องเพลงเกรกอเรียน) ถูกสร้างขึ้นโดยรวมการบรรยาย (สดุดี) และการร้องเพลง (เพลงสวด) ในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษที่ 1 และ 2 พฤกษ์เกิดขึ้น แนวเพลงใหม่ (ประสานเสียง) และแกนนำ (ประสานเสียงและออร์แกน) กำลังก่อตัวขึ้น: ออร์แกน, โมเตต, การนำไฟฟ้า, จากนั้นมวล ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่สิบสองโรงเรียนนักแต่งเพลง (สร้างสรรค์) แห่งแรกก่อตั้งขึ้นที่วิหาร Notre-Dame (Leonin, Perotin) ในช่วงเปลี่ยนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (สไตล์อาร์สโนวาในฝรั่งเศสและอิตาลีศตวรรษที่สิบสี่) ในดนตรีมืออาชีพเสียงเดียวดายถูกแทนที่ด้วยพฤกษ์ดนตรีเริ่มค่อยๆปลดปล่อยตัวเองจากฟังก์ชั่นที่ใช้งานได้จริง (พิธีกรรมในโบสถ์) ความสำคัญของแนวทางโลก รวมถึงเพลงที่เพิ่มขึ้น (Guillaume de Machaut)

พื้นฐานทางวัตถุของยุคกลางประกอบด้วยความสัมพันธ์ศักดินา วัฒนธรรมยุคกลางก่อตัวขึ้นในสภาพที่ดินในชนบท ในอนาคตสภาพแวดล้อมในเมือง - ชาวเมือง - กลายเป็นพื้นฐานทางสังคมของวัฒนธรรม ด้วยการก่อตัวของรัฐฐานันดรหลักถูกสร้างขึ้น: นักบวชขุนนางผู้คน

ศิลปะในยุคกลางมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับคริสตจักร ความเชื่อของคริสเตียนเป็นพื้นฐานของปรัชญาจริยธรรมสุนทรียภาพและชีวิตฝ่ายวิญญาณทั้งหมดในเวลานี้ เต็มไปด้วยสัญลักษณ์ทางศาสนาศิลปะถูกนำมาจากโลกชั่วคราว - ไปสู่จิตวิญญาณนิรันดร์

นอกเหนือจากวัฒนธรรมคริสตจักรอย่างเป็นทางการ (ระดับสูง) แล้วยังมีวัฒนธรรมทางโลก (ระดับรากหญ้า) - ชาวบ้าน (ชั้นทางสังคมระดับล่าง) และแบบอัศวิน (ในทางศาล)

ศูนย์กลางหลักของดนตรีมืออาชีพในยุคกลางตอนต้นคือมหาวิหารโรงเรียนสวดมนต์กับพวกเขาอารามซึ่งเป็นศูนย์กลางการศึกษาเพียงแห่งเดียวในยุคนั้น พวกเขาเรียนภาษากรีกและละตินคณิตศาสตร์และดนตรี

โรมเป็นศูนย์กลางหลักของดนตรีคริสตจักรในยุโรปตะวันตกในช่วงยุคกลาง ในตอนท้ายของ 6 - ต้นศตวรรษที่ 7 ความหลากหลายของดนตรีคริสตจักรในยุโรปตะวันตกถูกสร้างขึ้น - บทสวดเกรกอเรียนซึ่งตั้งชื่อตามสมเด็จพระสันตปาปาเกรกอรีที่ 1 ผู้ดำเนินการปฏิรูปการร้องเพลงในโบสถ์รวบรวมและสั่งบทสวดต่างๆของโบสถ์ เพลงเกรกอเรียนเป็นเพลงคาทอลิกแบบโมโนโฟนิกที่มีการรวมประเพณีการร้องเพลงเก่าแก่หลายศตวรรษของชนชาติต่างๆในตะวันออกกลางและยุโรป (ซีเรียยิวกรีกโรมัน ฯลฯ ) เข้าด้วยกัน มันเป็นการตีแผ่ทำนองเพลงเดี่ยวแบบโมโนโฟนิกที่ราบรื่นซึ่งถูกเรียกร้องให้แสดงเจตจำนงเดียวซึ่งเป็นจุดสนใจของนักบวชตามหลักการของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก ลักษณะของดนตรีนั้นเข้มงวดไม่มีตัวตน การขับร้องประสานเสียงดำเนินการโดยนักร้อง (ด้วยเหตุนี้ชื่อ) บางส่วนโดยศิลปินเดี่ยว การเคลื่อนไหวบนพื้นฐานของโหมดไดอะโทนิคมีผลเหนือกว่า การร้องเพลงแบบเกรกอเรียนอนุญาตให้มีการไล่ระดับสีได้มากมายตั้งแต่การร้องเพลงสดุดีอย่างช้าๆอย่างรุนแรงไปจนถึงวันครบรอบ

การสวดมนต์แบบเกรกอเรียนทำให้ผู้ฟังแปลกแยกจากความเป็นจริงกระตุ้นให้เกิดความอ่อนน้อมถ่อมตนนำไปสู่การไตร่ตรองการปลดอาถรรพ์ อิทธิพลนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยข้อความในภาษาละตินซึ่งไม่สามารถเข้าใจได้สำหรับผู้ที่นับถือศาสนาคริสต์จำนวนมาก จังหวะของการร้องเพลงถูกกำหนดโดยข้อความ มันคลุมเครือไม่มีกำหนดเนื่องจากลักษณะของการเน้นเสียงของข้อความ

การสวดมนต์เกรกอเรียนประเภทต่างๆถูกนำมารวมกันในการนมัสการหลักของคริสตจักรคาทอลิกซึ่งเป็นพิธีมิสซาซึ่งมีการจัดตั้งส่วนที่มั่นคงห้าส่วน:

Kyrie eleison (พระเจ้ามีเมตตา)

กลอเรีย (สง่าราศี)

Credo (ฉันเชื่อว่า)

Sanctus (ศักดิ์สิทธิ์)

Agnus Dei (ลูกแกะของพระเจ้า)

เมื่อเวลาผ่านไปองค์ประกอบของดนตรีพื้นบ้านเริ่มซึมเข้าสู่บทสวดแบบเกรกอเรียนผ่านเพลงสวดลำดับและโทร ถ้าเพลงสดุดีร้องโดยนักร้องและนักเทศน์นักร้องมืออาชีพเพลงสวดนั้นในตอนแรกจะมีการแสดงโดยนักบวช พวกเขาถูกแทรกเข้าไปในการนมัสการอย่างเป็นทางการ (มีลักษณะของดนตรีพื้นบ้าน) แต่ในไม่ช้าส่วนของเพลงสวดก็เริ่มเข้ามาแทนที่เพลงสดุดีซึ่งนำไปสู่การปรากฏของมวลโพลีโฟนิก

ลำดับแรกเป็นข้อความย่อยของทำนองเพลงครบรอบเพื่อให้เสียงหนึ่งของเมโลดี้มีพยางค์แยกกัน การจัดลำดับกลายเป็นประเภทที่แพร่หลาย (ที่นิยมมากที่สุดคือ "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater") "Dies irae" ถูกใช้โดย Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninoff (มักใช้เป็นสัญลักษณ์แห่งความตาย)

ตัวอย่างแรกของพฤกษ์มาจากอาราม - ออแกนนัม (การเคลื่อนไหวในแนวขนานที่ห้าหรือควอร์ต), จิเมล, โฟเบอร์ดอน (คอร์ดที่หกขนานกัน), ความประพฤติ ผู้แต่ง: Leonin และ Perotin (12-13 ศตวรรษ - วิหาร Notre Dame)

ผู้ให้บริการดนตรีพื้นบ้านทางโลกในยุคกลาง ได้แก่ ละครใบ้นักเล่นปาหี่นักดนตรีในฝรั่งเศสนักเล่นเพลงในประเทศที่มีวัฒนธรรมเยอรมัน hohlars ในสเปนควายในรัสเซีย ศิลปินที่เดินทางเหล่านี้เป็นผู้เชี่ยวชาญที่มีความสามารถหลากหลายพวกเขาผสมผสานการร้องเพลงการเต้นรำการเล่นเครื่องดนตรีต่างๆกับเวทมนตร์ศิลปะละครสัตว์และการเชิดหุ่น

อีกด้านหนึ่งของวัฒนธรรมฆราวาสคือวัฒนธรรมอัศวิน (ทางศาล) (วัฒนธรรมของขุนนางศักดินาฆราวาส) คนชั้นสูงเกือบทั้งหมดเป็นอัศวินตั้งแต่นักรบที่ยากจนไปจนถึงกษัตริย์ รหัสอัศวินพิเศษกำลังถูกสร้างขึ้นตามที่อัศวินพร้อมด้วยความกล้าหาญและความกล้าหาญต้องมีมารยาทที่ดีงามได้รับการศึกษาใจกว้างใจกว้างรับใช้สุภาพสตรีที่สวยงามอย่างซื่อสัตย์ ทุกแง่มุมของชีวิตอัศวินสะท้อนให้เห็นในศิลปะดนตรีและบทกวีของคณะ (โพรวองซ์ - ฝรั่งเศสตอนใต้) นักดนตรี (ฝรั่งเศสตอนเหนือ) นักขุดแร่ (เยอรมนี) ศิลปะการแสดงดนตรีเกี่ยวข้องกับเนื้อเพลงความรักเป็นหลัก ประเภทของเนื้อเพลงรักที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือแคนโซนา (ในบรรดาเพลงมินเนสซิงเกอร์ - "เพลงยามเช้า" - Albs)

Truvers ซึ่งใช้ประโยชน์จากประสบการณ์ของคณะละครเวทีอย่างกว้างขวางได้สร้างแนวเพลงดั้งเดิมของตัวเอง: "เพลงทอผ้า", "เพลงเดือนพฤษภาคม" ส่วนที่สำคัญของประเภทดนตรีของกลุ่มนักดนตรีนักดนตรีและนักดนตรีประเภทมินเนสซิงเกอร์คือประเภทเพลงและการเต้นรำ: rondo, ballad, viirele (งดเว้นรูปแบบ) เช่นเดียวกับมหากาพย์ที่กล้าหาญ (มหากาพย์ฝรั่งเศส "Song of Roland", เยอรมัน - "Song of the Nibelungs "). เพลงของ Crusader เป็นเรื่องธรรมดาในหมู่ minnesingers

ลักษณะเฉพาะของศิลปะการแสดงดนตรีนักดนตรีและเครื่องแต่งกาย:

ความเดียวเป็นผลมาจากการเชื่อมต่ออย่างแยกไม่ออกระหว่างทำนองและข้อความบทกวีซึ่งตามมาจากสาระสำคัญของศิลปะดนตรีและบทกวี Monophonicity ยังสอดคล้องกับการตั้งค่าสำหรับการแสดงออกของประสบการณ์ของตนเองเป็นรายบุคคลสำหรับการประเมินเนื้อหาส่วนบุคคลของข้อความนั้น (บ่อยครั้งการแสดงออกของประสบการณ์ส่วนตัวถูกจัดกรอบโดยการสรุปภาพธรรมชาติ)

การแสดงเสียงเป็นหลัก บทบาทของเครื่องดนตรีไม่มีความสำคัญ: มันถูก จำกัด ไว้ที่การแสดงนำการสอดแทรกและการต่อท้ายโดยวางกรอบทำนองเสียงร้อง

ยังคงเป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงศิลปะของอัศวินในฐานะมืออาชีพ แต่เป็นครั้งแรกในเงื่อนไขของการสร้างดนตรีแบบฆราวาสทิศทางดนตรีและบทกวีอันทรงพลังถูกสร้างขึ้นด้วยวิธีการแสดงออกที่ซับซ้อนและการเขียนดนตรีที่ค่อนข้างสมบูรณ์แบบ

ความสำเร็จที่สำคัญอย่างหนึ่งของยุคกลางที่เติบโตเต็มที่เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ X-XI คือการพัฒนาเมือง (วัฒนธรรมเบอร์เกอร์) ลักษณะสำคัญของวัฒนธรรมในเมืองคือการต่อต้านคริสตจักรการวางแนวรักอิสระการเชื่อมโยงกับคติชนเสียงหัวเราะและลักษณะงานรื่นเริง รูปแบบสถาปัตยกรรมโกธิคกำลังพัฒนา ประเภทโพลีโฟนิกใหม่กำลังก่อตัวขึ้น: ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13-14 ถึงศตวรรษที่ 16 - motet (จากภาษาฝรั่งเศส - "word" สำหรับ motet โดยทั่วไปแล้วจะมีความไพเราะที่แตกต่างกันของเสียงที่ใส่ข้อความที่แตกต่างกันในเวลาเดียวกัน - บ่อยครั้งแม้ในภาษาต่างกัน), madrigal (จากอิตาลี - "เพลงในภาษาพื้นเมือง" เช่นอิตาลี ข้อความรักโคลงสั้น ๆ พระ) คัชชา (จากภาษาอิตาลี - "ล่า" - ท่อนที่เปล่งออกมาจากข้อความที่แสดงถึงการล่าสัตว์)

นักดนตรีพื้นบ้านที่เดินทางจากวิถีชีวิตเร่ร่อนไปเป็นคนที่อยู่ประจำสร้างตึกทั้งเมืองและจัดตั้ง“ เวิร์กช็อปนักดนตรี” แบบหนึ่ง เริ่มต้นในศตวรรษที่ 12 Vagants and Goliards ได้เข้าร่วมกับนักดนตรีพื้นบ้าน - ผู้คนที่ถูกแยกประเภทจากชนชั้นต่างๆ (เด็กนักเรียน, พระผู้ลี้ภัย, นักบวชพเนจร) ในทางตรงกันข้ามกับนักเล่นกลที่ไม่รู้หนังสือ - ตัวแทนทั่วไปของศิลปะแห่งประเพณีปากเปล่า - คนเร่ร่อนและโกลิเดอร์มีความรู้: พวกเขารู้ภาษาละตินและกฎของการเรียบเรียงแบบคลาสสิกดนตรีประกอบ - เพลง (วงกลมของภาพเกี่ยวข้องกับวิทยาศาสตร์ของโรงเรียนและนักเรียน ชีวิต) และแม้กระทั่งองค์ประกอบที่ซับซ้อนเช่นการดำเนินการและการเคลื่อนไหว ...

มหาวิทยาลัยได้กลายเป็นศูนย์กลางสำคัญของวัฒนธรรมดนตรี ดนตรีหรือมากกว่าอะคูสติกดนตรีร่วมกับดาราศาสตร์คณิตศาสตร์ฟิสิกส์เข้าสู่ Quadrium นั่นคือ วงจรของสี่สาขาวิชาที่ศึกษาในมหาวิทยาลัย

ดังนั้นในเมืองยุคกลางจึงมีศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรีที่มีลักษณะแตกต่างกันและการวางแนวทางสังคม: สมาคมของนักดนตรีพื้นบ้านดนตรีในศาลดนตรีของอารามและวิหารการฝึกดนตรีของมหาวิทยาลัย

ทฤษฎีดนตรีในยุคกลางมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเทววิทยา ในบทความเชิงทฤษฎีดนตรีบางเรื่องที่ลงมาถึงเราดนตรีถูกมองว่าเป็น "ผู้รับใช้ของคริสตจักร" ในบรรดาตำราที่โดดเด่นของยุคกลางตอนต้นนั้นโดดเด่นด้วยหนังสือ "เกี่ยวกับดนตรี" ของออกัสติน 6 เล่ม, หนังสือ 5 เล่มของ Boethius "On the Establishment of Music" และอื่น ๆ สถานที่ที่ยอดเยี่ยมในบทความเหล่านี้มอบให้กับประเด็นทางวิชาการที่เป็นนามธรรมหลักคำสอนของ บทบาทของดนตรีและอื่น ๆ

ระบบทำให้หงุดหงิดในยุคกลางได้รับการพัฒนาโดยตัวแทนของศิลปะดนตรีมืออาชีพของคริสตจักรนั่นคือเหตุผลที่ชื่อ "โบสถ์เฟรต" ถูกกำหนดให้เป็นเฟร็ตในยุคกลาง Ionian และ Aeolian ถูกกำหนดให้เป็นโหมดหลัก

ทฤษฎีดนตรีในยุคกลางหยิบยกหลักคำสอนเรื่อง hexachords ในการทำให้ไม่สบายใจแต่ละครั้งใช้ 6 องศาในการฝึก (ตัวอย่างเช่น do, re, mi, fa, sol, la) X ถูกหลีกเลี่ยงตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ร่วมกับฟะมันกลายเป็นสี่ขยายซึ่งถือว่าไม่สอดคล้องกันมากและเรียกว่า "ปีศาจในดนตรี"

การบันทึกที่ไม่ถูกต้องมีการใช้กันอย่างแพร่หลาย Guido Aretinsky ปรับปรุงระบบสัญกรณ์ดนตรี สาระสำคัญของการปฏิรูปของเขามีดังนี้: การปรากฏตัวของสี่บรรทัดอัตราส่วนที่สามระหว่างแต่ละบรรทัดเครื่องหมายสำคัญ (ตามตัวอักษรเดิม) หรือการระบายสีของเส้น นอกจากนี้เขายังแนะนำการกำหนดพยางค์สำหรับหกองศาแรกของมาตราส่วน: ut, re, mi, fa, sol, la

มีการนำสัญกรณ์บุรุษมาใช้ซึ่งการวัดจังหวะบางอย่างถูกกำหนดให้กับโน้ตแต่ละตัว (ละติน mensura - การวัดการวัด) ชื่อของระยะเวลา: maxim, longa, brevis ฯลฯ

ศตวรรษที่สิบสี่ - ช่วงเปลี่ยนผ่านระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะของฝรั่งเศสและอิตาลีในศตวรรษที่สิบสี่เรียกว่า "Ars nova" (มาจากภาษาละติน - ศิลปะใหม่) และในอิตาลีมีสมบัติทั้งหมดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น คุณสมบัติหลัก: ปฏิเสธที่จะใช้ดนตรีประเภทคริสตจักรโดยเฉพาะและดึงดูดความสนใจไปที่ประเภทห้องร้องและบรรเลงของฆราวาส (บัลลาด, คัชชา, มาดริกัล), การบรรจบกับการแต่งเพลงในชีวิตประจำวัน, การใช้เครื่องดนตรีต่างๆ Ars nova ตรงกันข้ามกับสิ่งที่เรียกว่า ars antiqua (lat. ars antiqua - ศิลปะเก่าแก่) หมายถึงศิลปะดนตรีก่อนต้นศตวรรษที่สิบสี่ ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ ars nova ได้แก่ Guillaume de Machaut (ศตวรรษที่ 14 ฝรั่งเศส) และ Francesco Landino (ศตวรรษที่ 14 ในอิตาลี)

ดังนั้นวัฒนธรรมดนตรีของยุคกลางแม้จะมีวิธีการที่ จำกัด แต่ก็แสดงถึงระดับที่สูงกว่าเมื่อเทียบกับดนตรีของโลกโบราณและมีข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเฟื่องฟูของศิลปะดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ดนตรียุคกลางคณะเกรกอเรียน

วัฒนธรรมทางดนตรีของการต่อต้าน, ปานกลาง, การให้เช่า

ANTIQUITY

วัฒนธรรมดนตรีของกรีกโบราณเป็นเวทีประวัติศาสตร์แห่งแรกในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของยุโรป ในขณะเดียวกันก็เป็นการแสดงออกสูงสุดของวัฒนธรรมของโลกโบราณและเผยให้เห็นความเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมเก่าแก่ของตะวันออกกลางอย่างไม่ต้องสงสัย - อียิปต์ซีเรียปาเลสไตน์ อย่างไรก็ตามสำหรับการเชื่อมต่อทางประวัติศาสตร์ทั้งหมดนี้วัฒนธรรมดนตรีของกรีกโบราณโดยไม่ซ้ำเส้นทางที่เดินทางโดยประเทศอื่น ๆ : มีรูปลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองความสำเร็จที่ไม่อาจโต้แย้งได้ซึ่งบางส่วนส่งต่อไปยังยุคกลางของยุโรปและ จากนั้นในระดับที่มากขึ้นไปจนถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ซึ่งแตกต่างจากศิลปะประเภทอื่น ๆ ดนตรีของโลกโบราณไม่ได้ทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ใด ๆ ไว้ในประวัติศาสตร์ใด ๆ ที่เท่าเทียมกับพวกเขา ในประวัติศาสตร์อันยาวนานแปดศตวรรษ - ตั้งแต่ศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช โดย 111 ศตวรรษที่ BC - มีเพียงสิบเอ็ดตัวอย่างของดนตรีกรีกโบราณที่กระจัดกระจายซึ่งมีชีวิตรอดในสัญกรณ์ของเวลานั้น จริงอยู่นี่เป็นการบันทึกท่วงทำนองครั้งแรกในยุโรปที่มาถึงเรา

คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมของกรีกโบราณซึ่งภายนอกแทบจะไม่เคยมีใครรับรู้มาก่อนและดังนั้นเราจึงไม่สามารถเข้าใจได้คือการมีอยู่ของดนตรีในความเป็นหนึ่งเดียวกับศิลปะอื่น ๆ ในระยะแรกหรือในการสังเคราะห์กับพวกเขา - ในยุครุ่งเรือง ดนตรีที่เชื่อมโยงกับบทกวีอย่างแยกไม่ออก (เพราะฉะนั้นเนื้อเพลง) ดนตรีในฐานะผู้มีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ในโศกนาฏกรรมดนตรีและการเต้นรำ - นี่คือปรากฏการณ์ลักษณะเฉพาะของชีวิตศิลปะกรีกโบราณ ยกตัวอย่างเช่นเพลโตมีความสำคัญอย่างมากต่อดนตรีบรรเลงโดยไม่ขึ้นอยู่กับการเต้นรำและการร้องเพลงโดยอ้างว่ามันเหมาะสำหรับความรวดเร็วเท่านั้นโดยไม่ลังเลและสำหรับการพรรณนาถึงเสียงร้องของสัตว์:

"การใช้ขลุ่ยเพียงออเดี่ยวและซิธาราประกอบด้วยสิ่งที่ไร้รสนิยมสูงและคู่ควรกับนักมายากลเท่านั้น" ต้นกำเนิดของโศกนาฏกรรมกรีกซึ่งเป็นศิลปะชั้นสูงและซับซ้อนมาจากเทพนิยายจากการกระทำที่มีมนต์ขลังจากความเชื่อของผู้คน ต้นกำเนิดของตำนานกรีกโบราณเกี่ยวกับนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ - Orpheus, Olimp, Marsyas - ย้อนกลับไปในยุคแรกสุด

ข้อมูลสำคัญเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรียุคแรกในกรีซจัดทำโดยมหากาพย์ Homeric ซึ่งเกี่ยวข้องกับการแสดงดนตรี: The Iliad, The Odyssey

นอกจากการแสดงเดี่ยวของผลงานมหากาพย์ในศตวรรษ U11-VI แล้วยังเป็นที่รู้จักประเภทการร้องเพลงพิเศษอีกด้วย เพลงบนเกาะครีตถูกรวมเข้ากับการเคลื่อนไหวของพลาสติกด้วยการเต้นรำ (hyporchema); ประเภทการร้องเพลงประสานเสียงได้รับการปลูกฝังกันอย่างแพร่หลายใน Sparta ตั้งแต่ศตวรรษที่ 7 เป็นที่ทราบกันดีว่าชาวสปาร์ตันให้ความสำคัญทางการศึกษากับดนตรีเป็นอย่างมาก การสอนศิลปะดนตรีไม่ใช่ลักษณะของวิชาชีพสำหรับพวกเขา แต่เป็นเพียงส่วนหนึ่งของระบบการศึกษาทั่วไปของเยาวชน จากที่นี่จึงเกิดทฤษฎี ethos ซึ่งพิสูจน์โดยนักคิดชาวกรีก

เทรนด์ใหม่ในดนตรีและศิลปะบทกวีของกรีกโบราณซึ่งนำเสนอธีมและภาพโคลงสั้น ๆ ที่เหมาะสมเกี่ยวข้องกับชื่อของ Ionian Archilochus (ศตวรรษที่ VII) และ "ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนเลสเบี้ยน Alcaeus และ Sappho (เทิร์น ของศตวรรษที่ 1 และ 6) การเริ่มต้นบทกวีเพิ่มขึ้นและบทบาทของทำนองเพลงในงานของพวกเขาคำว่า "เนื้อเพลง" มาจากพิณ

กวีนิพนธ์เนื้อเพลงของศตวรรษที่ 6 มีหลายประเภทเช่นเพลงสรรเสริญเพลงงานแต่งงาน

ศตวรรษที่คลาสสิกของโศกนาฏกรรมคือศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช BC: ผลงานของนักโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Aeschylus (ประมาณ 525-456), Sophocles (c. 496-, Euripides (ค. 480-406) นี่เป็นช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดของวัฒนธรรมศิลปะกรีกในยุคของ Phidias และ Polycletus เช่นอนุสาวรีย์ของสถาปัตยกรรมคลาสสิกเช่นวิหารพาร์เธนอนในเอเธนส์ซึ่งเป็นศตวรรษที่ดีที่สุดในงานศิลปะของโลกยุคโบราณการจัดฉากโศกนาฏกรรมถือเป็นเทศกาลสาธารณะและอยู่ในขอบเขตของสังคมที่เป็นเจ้าของทาสซึ่งค่อนข้าง ตัวละครที่เป็นประชาธิปไตยในวงกว้าง: มีประชาชนทุกคนเข้าร่วมโรงละครที่ได้รับผลประโยชน์จากรัฐสำหรับเรื่องนี้เป็นตัวแทนของประชาชนบนเวทีที่น่าเศร้าและพูดในนามของพวกเขา

นักเขียนบทละครเป็นทั้งกวีและนักดนตรี เขาทำทุกอย่างด้วยตัวเอง ตัวอย่างเช่น Aeschylus เขามีส่วนร่วมในการแสดงละครของเขา ต่อมามีการแบ่งหน้าที่ของกวีนักดนตรีนักแสดงและผู้กำกับมากขึ้น นักแสดงก็เป็นนักร้อง การร้องเพลงประสานเสียงผสมผสานกับการเคลื่อนไหวของพลาสติก

ในยุคเฮลเลนิสติกศิลปะไม่ได้เติบโตมาจากกิจกรรมทางศิลปะของพลเมืองอีกต่อไปมันเป็นมืออาชีพอย่างสมบูรณ์

ทุกสิ่งที่เขียนในกรีกโบราณเกี่ยวกับศิลปะดนตรีและสิ่งที่สามารถตัดสินได้ด้วยความมั่นใจจากวัสดุที่ยังมีชีวิตอยู่จำนวนมากขึ้นอยู่กับแนวคิดเกี่ยวกับทำนองเพลง (ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับคำกวี) สิ่งนี้เห็นได้ชัดไม่เพียง แต่จากเนื้อหาของผลงานทางทฤษฎีพิเศษเท่านั้น แต่ยังมาจากข้อความทางจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ทั่วไปของนักคิดชาวกรีกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดด้วย ดังนั้นหลักการของความน่าเบื่อซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรีกรีกโบราณจึงได้รับการยืนยันอย่างสมบูรณ์

คำตัดสินโบราณที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับศิลปะดนตรีคือสิ่งที่เรียกว่าหลักคำสอนเรื่อง ethos ซึ่งนำเสนอโดยเพลโตซึ่งพัฒนาและลึกซึ้งยิ่งขึ้นโดยอริสโตเติล ประเพณีโบราณเชื่อมโยงการรวมประเด็นทางการเมืองและดนตรีเข้าด้วยกันโดยมีชื่อของ Domon of Athens อาจารย์ของโสกราตีสและเพื่อนของ Pericles เพลโตได้รับแนวคิดจากผลประโยชน์ของดนตรีที่มีต่อการเลี้ยงดูของพลเมืองที่มีค่าควรซึ่งเขาได้พัฒนาในหนังสือ "The State" และ "Laws" เพลโตกำหนดบทบาทแรก (ท่ามกลางศิลปะอื่น ๆ ) ให้กับดนตรีในการศึกษาชายหนุ่มให้เป็นคนที่กล้าหาญฉลาดมีคุณธรรมและมีความสมดุลนั่นคือพลเมืองในอุดมคติ ในขณะเดียวกันเพลโตก็เชื่อมต่อผลกระทบของดนตรีกับผลกระทบของยิมนาสติก ("การเคลื่อนไหวของร่างกายที่สวยงาม") และในทางกลับกันเขาอ้างว่าท่วงทำนองและจังหวะดึงดูดจิตวิญญาณมากที่สุดและให้กำลังใจ บุคคลที่เลียนแบบความงามที่ศิลปะดนตรีมอบให้เขา

"เมื่อวิเคราะห์แล้วว่าอะไรคือสิ่งที่สวยงามในเพลงเพลโตพบว่าสิ่งนี้ต้องตัดสินด้วยคำพูดความกลมกลืนและจังหวะตามความคิดในช่วงเวลาของเขาเขาปฏิเสธทุกโหมดที่น่าเศร้าและผ่อนคลายและตั้งชื่อเฉพาะ Dorian และ Phrygian เท่านั้น ในทำนองเดียวกันนักปรัชญารับรู้ในบรรดาเครื่องดนตรีมีเพียงคิฟาราและพิณโดยปฏิเสธคุณสมบัติทางจริยธรรมของคนอื่น ๆ ทั้งหมดดังนั้นผู้ถือจริยธรรมจากมุมมองของเพลโตไม่ใช่งานศิลปะไม่ใช่ภาพของมันและไม่ใช่แม้แต่ หมายถึงระบบที่แสดงออก แต่มีเพียงโหมดหรือเสียงต่ำของเครื่องมือซึ่งคุณภาพทางจริยธรรมบางอย่างได้รับการแก้ไขตามที่ได้รับการแก้ไข

อริสโตเติลตัดสินจุดประสงค์ของดนตรีในวงกว้างมากขึ้นโดยอ้างว่าไม่ควรให้บริการอย่างใดอย่างหนึ่ง แต่มีวัตถุประสงค์หลายประการและใช้อย่างมีประโยชน์: I) เพื่อการศึกษา 2) เพื่อการทำให้บริสุทธิ์ 3) เพื่อความบันเทิงทางปัญญานั่นคือเพื่อประโยชน์ของ สงบเงียบและพักผ่อนจากกิจกรรมที่ต้องออกแรง ... จากนี้เป็นที่ชัดเจน - ยังคงอริสโตเติล - แม้ว่าคุณจะสามารถใช้เฟร็ตทั้งหมดได้ แต่ก็ไม่ควรนำไปใช้ในลักษณะเดียวกัน "0 เขาตัดสินลักษณะของอิทธิพลของดนตรี ในจิตใจด้วยวิธีนี้:

“ จังหวะและท่วงทำนองประกอบด้วยการแสดงความโกรธและความอ่อนโยนความกล้าหาญและการกลั่นกรองที่ใกล้เคียงที่สุดกับความเป็นจริงและคุณสมบัติที่ตรงกันข้ามทั้งหมดรวมทั้งคุณสมบัติทางศีลธรรมอื่น ๆ สิ่งนี้ชัดเจนจากประสบการณ์: เมื่อเรารับรู้จังหวะและทำนองเพลงด้วยหูของเราอารมณ์จิตของเราก็เปลี่ยนไปเช่นกัน นิสัยของการประสบกับอารมณ์เศร้าหรือสนุกสนานเมื่อรับรู้สิ่งที่เลียนแบบความเป็นจริงนำไปสู่ความจริงที่ว่าเราเริ่มสัมผัสกับความรู้สึกเดียวกันเมื่อเผชิญกับความจริง [ทุกวัน]” 3. และในที่สุดอริสโตเติล ได้ข้อสรุปดังต่อไปนี้:“ ... ดนตรีสามารถมีอิทธิพลบางอย่างต่อด้านจริยธรรมของจิตวิญญาณ และเนื่องจากดนตรีมีคุณสมบัติดังกล่าวดังนั้นจึงควรรวมไว้ในจำนวนวิชาเพื่อให้ความรู้แก่เยาวชนด้วย "

Pythagoras นักปรัชญาและนักคณิตศาสตร์ (ศตวรรษที่ 6) ได้กำหนดความหมายของนักคิดชาวกรีกคนแรกที่เขียนเกี่ยวกับดนตรีมานานแล้ว เขาให้เครดิตกับการพัฒนาครั้งแรกของหลักคำสอนของช่วงเวลาดนตรี (พยัญชนะและความไม่สอดคล้องกัน) บนพื้นฐานของความสัมพันธ์ทางคณิตศาสตร์อย่างหมดจดที่ได้จากการแบ่งสตริง โดยทั่วไปแล้วชาวพีทาโกรัส - หลังจากรูปแบบของวัฒนธรรมตะวันออกโบราณ (ส่วนใหญ่ของอียิปต์ทั้งหมด) - ยึดติดกับความสำคัญทางเวทย์มนตร์กับตัวเลขและสัดส่วนโดยเฉพาะอย่างยิ่งคุณสมบัติที่มีมนต์ขลังและการบำบัดของดนตรี ในที่สุดด้วยโครงสร้างการคาดเดาเชิงนามธรรมชาวพีทาโกรัสก็มาถึงความคิดของสิ่งที่เรียกว่า "ความกลมกลืนของทรงกลม" โดยเชื่อว่าร่างกายของสวรรค์ซึ่งอยู่ในอัตราส่วนที่เป็นตัวเลข ("ฮาร์มอนิก") ควรทำให้เกิดเสียงและผลิต " สามัคคีสวรรค์ "เมื่อย้าย.

สำหรับหลักคำสอนเรื่อง ethos ต่อมานัก Neoplatonists โดยเฉพาะ Plotinus (ศตวรรษที่ 3) คิดใหม่ด้วยจิตวิญญาณลึกลับทางศาสนากีดกันสิ่งที่น่าสมเพชของพลเมืองซึ่งครั้งหนึ่งเคยมีอยู่ในตัวเขาในกรีซ จากจุดนี้เส้นตรงยาวไปถึงมุมมองที่สวยงามของยุคกลาง การลดลงของวัฒนธรรมโบราณในยุคของการสลายตัวของระบบทาสนั้นเอื้อต่อการพัฒนางานศิลปะคริสเตียนที่ประสบความสำเร็จในหลาย ๆ แง่มุมซึ่งตรงข้ามกับสุนทรียศาสตร์และการปฏิบัติทางดนตรีของกรุงโรมในศตวรรษก่อน ๆ ไม่สามารถปฏิเสธได้ว่าความเชื่อมโยงบางอย่างระหว่างมรดกแห่งสมัยโบราณและการพัฒนาความคิดทางสุนทรียศาสตร์ในเวลาต่อมาก่อตัวขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของทั้งสองยุค

MEDIEVAL MUSIC CULTURE

ในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตกเป็นการยากที่จะพิจารณาช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่ยาวนานและกว้างของยุคกลางเป็นช่วงเวลาเดียวแม้จะเป็นยุคใหญ่ยุคหนึ่งที่มีกรอบลำดับเวลาร่วมกัน จุดเริ่มต้นแห่งแรกของยุคกลาง - หลังการล่มสลายของอาณาจักรโรมันตะวันตกในปี 476 มักถูกกำหนดให้เป็นศตวรรษที่ 6 ในขณะเดียวกันพื้นที่ของศิลปะดนตรีเพียงแห่งเดียวที่ทิ้งอนุสรณ์สถานไว้คือจนถึงศตวรรษที่ 12 มีเพียงดนตรีของโบสถ์คริสต์เท่านั้น ความซับซ้อนที่แปลกประหลาดทั้งหมดของปรากฏการณ์ที่เกี่ยวข้องถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการเตรียมการทางประวัติศาสตร์อันยาวนานเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 2 และรวมถึงแหล่งที่อยู่ห่างไกลจากยุโรปตะวันตกไปยังตะวันออก - ไปยังปาเลสไตน์ซีเรียอเล็กซานเดรีย นอกจากนี้วัฒนธรรมดนตรีของคริสตจักรในยุคกลางไม่ได้หนีจากมรดกของกรีกโบราณและโรมโบราณแม้ว่า "บรรพบุรุษของคริสตจักร" และนักทฤษฎีในภายหลังที่เขียนเกี่ยวกับดนตรีในหลาย ๆ ด้านก็ไม่เห็นด้วยกับศิลปะของคริสตจักรคริสเตียน โลกศิลปะของคนนอกศาสนาในสมัยโบราณ

เหตุการณ์สำคัญอันดับสองซึ่งเป็นจุดเปลี่ยนจากยุคกลางไปสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้เกิดขึ้นพร้อมกันในยุโรปตะวันตก: ในอิตาลี - ในศตวรรษที่ 15 ในฝรั่งเศส - ในวันที่ 16 ในประเทศอื่น ๆ การต่อสู้ระหว่างแนวโน้มในยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ต่างกัน พวกเขาทั้งหมดเข้าใกล้ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยมรดกที่แตกต่างกันของยุคกลางโดยสรุปข้อสรุปของตัวเองจากประสบการณ์ทางประวัติศาสตร์มากมาย สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในพัฒนาการของวัฒนธรรมศิลปะในยุคกลางซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 11-12 และเกิดจากกระบวนการทางสังคมและประวัติศาสตร์ใหม่ ๆ (การเติบโตของเมืองสงครามครูเสดความก้าวหน้าของชั้นทางสังคมใหม่ ศูนย์วัฒนธรรมฆราวาสที่เข้มแข็งแห่งแรก ฯลฯ )

อย่างไรก็ตามด้วยทฤษฎีสัมพัทธภาพหรือความคล่องตัวของแง่มุมตามลำดับเหตุการณ์ด้วยความเชื่อมโยงทางพันธุกรรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้กับอดีตและความไม่สม่ำเสมอของการเปลี่ยนแปลงไปสู่อนาคตวัฒนธรรมดนตรีของยุคกลางของยุโรปตะวันตกมีลักษณะเป็นปรากฏการณ์ที่สำคัญและกระบวนการที่เป็นเอกลักษณ์ของ และคิดไม่ถึงในเงื่อนไขอื่น ๆ และเวลาอื่น ๆ นี่คือประการแรกการเคลื่อนไหวและการดำรงอยู่ในยุโรปตะวันตกของชนเผ่าและชนชาติต่างๆในขั้นตอนต่างๆของพัฒนาการทางประวัติศาสตร์โครงสร้างส่วนใหญ่และระบบการเมืองต่างๆและด้วยความปรารถนาอันแน่วแน่ของคริสตจักรคาทอลิกที่จะรวมคนทั้งกว้างใหญ่ โลกหลายด้านที่เต็มไปด้วยพายุไม่เพียง แต่ลัทธิอุดมการณ์ทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงหลักการทั่วไปของวัฒนธรรมดนตรีด้วย ประการที่สองนี่คือความเป็นคู่ของวัฒนธรรมดนตรีที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ตลอดยุคกลางทั้งหมด: ศิลปะของคริสตจักรได้ต่อต้านความหลากหลายของดนตรีพื้นบ้านทั่วยุโรป ในศตวรรษที่ I-XIII รูปแบบใหม่ของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีทางโลกได้ถือกำเนิดขึ้นแล้วและดนตรีของคริสตจักรก็เปลี่ยนไปอย่างมาก แต่กระบวนการใหม่เหล่านี้เกิดขึ้นแล้วในเงื่อนไขของระบบศักดินาที่พัฒนาแล้ว

ดังที่คุณทราบลักษณะพิเศษของวัฒนธรรมยุคกลางการศึกษาในยุคกลางศิลปะในยุคกลางส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการพึ่งพาคริสตจักรคริสเตียน

ดนตรีของคริสตจักรคริสเตียนมีรูปแบบดั้งเดิมแม้ในสภาพทางประวัติศาสตร์ที่มีอำนาจสูงของอาณาจักรโรมัน ความเชื่อในชีวิตหลังความตายในการตอบแทนสูงสุดสำหรับทุกสิ่งที่ทำบนโลกตลอดจนแนวคิดเรื่องการชดใช้บาปของมนุษยชาติโดยการเสียสละของพระคริสต์ที่ถูกตรึงบนไม้กางเขนนั้นสามารถทำให้มวลชนหลงเสน่ห์ได้

การเตรียมบทสวดเกรกอเรียนในประวัติศาสตร์เป็นบทสวดของคริสตจักรคริสเตียนที่โดดเด่นนั้นยาวนานและหลากหลาย

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 4 ตามที่ทราบกันดีว่าการแบ่งอาณาจักรโรมันออกเป็นตะวันตก (โรม) และตะวันออก (ไบแซนเทียม) เกิดขึ้นซึ่งชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ซึ่งต่อมาก็แตกต่างกันไป ดังนั้นคริสตจักรทางตะวันตกและตะวันออกจึงแยกออกจากกันเนื่องจากศาสนาคริสต์ได้กลายเป็นรัฐในเวลานั้น

ด้วยการแบ่งส่วนของจักรวรรดิโรมันและการก่อตัวของศูนย์กลางสองแห่งของคริสต์ศาสนจักรเส้นทางแห่งศิลปะของสงฆ์ซึ่งอยู่ในขั้นตอนของการก่อตัวขั้นสุดท้ายในส่วนใหญ่ก็ถูกแยกออกจากกันในตะวันตกและตะวันออก

กรุงโรมได้ปรับเปลี่ยนทุกสิ่งที่คริสตจักรคริสเตียนมีอยู่ในแบบของตัวเองและบนพื้นฐานนี้ได้สร้างงานศิลปะที่เป็นที่ยอมรับ - บทสวดแบบคริสต์ศักราช

ด้วยเหตุนี้เพลงของคริสตจักรซึ่งได้รับการคัดเลือกจัดทำเป็นรูปแบบเผยแพร่ภายในปีคริสตจักรได้รับการรวบรวมภายใต้พระสันตปาปาเกรกอรี รหัสอย่างเป็นทางการคือ antiphonary ท่วงทำนองการร้องเพลงที่รวมอยู่ในนั้นได้รับชื่อ บทสวดเกรกอเรียน และกลายเป็นพื้นฐานของการร้องเพลงสวดของคริสตจักรคาทอลิก ชุดของบทสวดเกรกอเรียนมีมาก

คลังข้อมูลของการสวดเกรกอเรียนตั้งแต่ศตวรรษที่ 11-12 และจากนั้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำหน้าที่เป็นพื้นฐานเบื้องต้นสำหรับการสร้างองค์ประกอบโพลีโฟนิกซึ่งท่วงทำนองของลัทธิได้รับการพัฒนาที่หลากหลายที่สุด

ยิ่งคริสตจักรโรมันขยายอิทธิพลไปยังยุโรปมากเท่าไหร่เพลงเกรกอเรียนก็ยิ่งแพร่กระจายจากโรมไปทางเหนือและตะวันตก

การปฏิรูปสัญกรณ์ดนตรีดำเนินการโดยนักดนตรีชาวอิตาลีนักทฤษฎีและอาจารย์ Guido d "Arezzo ในไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 11

การปฏิรูปของ Guido นั้นแข็งแกร่งในความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติของความคิดดั้งเดิม: เขาวาดเส้นสี่เส้นและวางเนฟมาสไว้บนพวกเขาหรือระหว่างพวกเขาทำให้พวกเขามีความหมายระดับสูงที่แน่นอนทั้งหมด นวัตกรรมอีกอย่างของ Guido of Arezzo ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วสิ่งประดิษฐ์ของเขาคือการเลือกสเกลหกขั้นตอนที่แน่นอน (do-re-mi-fa-sol-la)

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 11 ในวันที่ 12 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 13 สัญญาณของการเคลื่อนไหวใหม่ได้เกิดขึ้นในชีวิตทางดนตรีและงานดนตรีของหลายประเทศในยุโรปตะวันตก - ในตอนแรกน้อยลงอย่างเห็นได้ชัดจากนั้นก็มีมากขึ้นเรื่อย ๆ -. จากรูปแบบดั้งเดิมของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางการพัฒนารสนิยมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ไปสู่การทำดนตรีประเภทอื่น ๆ ที่ก้าวหน้ามากขึ้นไปจนถึงหลักการสร้างสรรค์ทางดนตรีที่แตกต่างกัน

ในศตวรรษที่สิบสาม - สิบสามข้อกำหนดเบื้องต้นทางประวัติศาสตร์ค่อยๆเกิดขึ้นไม่เพียง แต่สำหรับการเพิ่มกระแสความคิดสร้างสรรค์ใหม่ ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเผยแพร่ที่เป็นที่รู้จักไปทั่วยุโรปตะวันตกด้วย ดังนั้นนวนิยายหรือเรื่องราวในยุคกลางที่ก่อตัวขึ้นบนดินของฝรั่งเศสในศตวรรษที่สิบสาม - สิบสามจึงไม่เหลือเพียงปรากฏการณ์ของฝรั่งเศสเท่านั้น นอกเหนือจากนวนิยายเรื่อง Tristan และ Isolde และเรื่องราวของ Aucassin และ Nicolette แล้ว Parsifal และ Poor Henry ก็ได้เข้าสู่ประวัติศาสตร์วรรณคดี สถาปัตยกรรมสไตล์กอธิคแบบใหม่ที่แสดงโดยตัวอย่างคลาสสิกในฝรั่งเศส (มหาวิหารในปารีสชาร์ตร์แร็งส์) พบการแสดงออกในเมืองเยอรมันและเช็กในอังกฤษเป็นต้น

การออกดอกครั้งแรกของดนตรีทางโลกและเนื้อร้องบทกวีซึ่งเริ่มขึ้นในโพรวองซ์ตั้งแต่ศตวรรษที่สิบสองจากนั้นก็ยึดฝรั่งเศสตอนเหนือตอบสนองในสเปนและต่อมาพบการแสดงออกในภาษามินเนซังของเยอรมัน ด้วยความคิดริเริ่มทั้งหมดของแต่ละกระแสและพวกเขาทำให้เกิดความสม่ำเสมอใหม่ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคในวงกว้าง ในทำนองเดียวกันการเกิดขึ้นและการพัฒนาของพฤกษ์ในรูปแบบมืออาชีพซึ่งอาจเป็นสิ่งสำคัญที่สุดของวิวัฒนาการทางดนตรีในเวลานั้นเกิดขึ้นจากการมีส่วนร่วมของไม่เพียง แต่โรงเรียนสร้างสรรค์ของฝรั่งเศสเท่านั้นและยิ่งไปกว่านั้นไม่ใช่แค่กลุ่มนักดนตรีกลุ่มเดียวเท่านั้น จากมหาวิหารนอเทรอดามไม่ว่าพวกเขาจะมีบุญมากเพียงใด

น่าเสียดายที่เราตัดสินแนวทางของดนตรียุคกลางในระดับหนึ่งโดยคัดเลือก ตามสถานะของแหล่งที่มามันเป็นไปไม่ได้ที่จะติดตามการเชื่อมต่อที่เฉพาะเจาะจงตัวอย่างเช่นในการพัฒนาพฤกษ์ระหว่างแหล่งที่มาในเกาะอังกฤษและรูปแบบในทวีปโดยเฉพาะอย่างยิ่งในระยะแรก

เมืองในยุคกลางกลายเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่สำคัญในที่สุด ก่อตั้งมหาวิทยาลัยแห่งแรกในยุโรป (โบโลญญาปารีส) การก่อสร้างในเมืองขยายใหญ่ขึ้นมีการสร้างมหาวิหารที่ร่ำรวยและการบริการจากสวรรค์ได้ดำเนินการอย่างเอิกเกริกด้วยการมีส่วนร่วมของนักร้องประสานเสียงที่ดีที่สุด (พวกเขาได้รับการฝึกฝนในโรงเรียนพิเศษ - เมตริซาส - ที่โบสถ์ขนาดใหญ่) ลักษณะทุนการศึกษาของสงฆ์ในยุคกลาง (และทุนการศึกษาดนตรีโดยเฉพาะ) ไม่ได้มุ่งเน้นเฉพาะในอารามอีกต่อไป รูปแบบใหม่ดนตรีคริสตจักรรูปแบบใหม่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมของเมืองยุคกลางอย่างไม่ต้องสงสัย หากพวกเขาเตรียมบางส่วนโดยกิจกรรมก่อนหน้านี้ของนักดนตรี - พระสงฆ์ที่เรียนรู้ (เช่น Hoekbald of Saint-Amand และ Guido of Arezzo) หากตัวอย่างของพฤกษ์ในช่วงต้นมาจากโรงเรียนสงฆ์ของฝรั่งเศสโดยเฉพาะจากอารามของชาตร์และ Limoges ยังคงสอดคล้องกันการพัฒนารูปแบบใหม่ของพฤกษ์เริ่มต้นขึ้นในปารีสในศตวรรษที่ 12-13

วัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางที่แตกต่างกันและมีความสำคัญมากในตอนแรกนั้นเกี่ยวข้องกับกิจกรรมความสนใจที่หลากหลายและอุดมการณ์ของความกล้าหาญในยุโรป สงครามครูเสดไปทางตะวันออกการเคลื่อนไหวครั้งใหญ่ในระยะทางไกลการสู้รบการล้อมเมืองการต่อสู้ทางแพ่งการผจญภัยที่กล้าเสี่ยงการพิชิตดินแดนต่างประเทศการติดต่อกับชนชาติต่างๆในตะวันออกขนบธรรมเนียมวิถีชีวิตวัฒนธรรมที่ผิดปกติอย่างสิ้นเชิง ความประทับใจ - ทั้งหมดนี้ทิ้งร่องรอยไว้สู่โลกทัศน์ใหม่ของเหล่าอัศวิน - ครูเสด เมื่อส่วนหนึ่งของความกล้าหาญสามารถดำรงอยู่ได้ในสภาพที่สงบสุขความคิดที่มีอยู่ก่อนหน้านี้เกี่ยวกับการให้เกียรติอัศวิน (แน่นอนว่ามีข้อ จำกัด ทางสังคม) รวมกับลัทธิของผู้หญิงที่สวยงามและการรับใช้อัศวินต่อเธอด้วยอุดมคติของความรักในราชสำนักและ บรรทัดฐานของพฤติกรรมที่เกี่ยวข้อง ในตอนนั้นเองที่ดนตรีและศิลปะบทกวีของคณะละครได้รับการพัฒนาในช่วงแรก ๆ โดยเป็นตัวอย่างแรกในยุโรปที่เขียนเนื้อเพลงฆราวาส

ชั้นอื่น ๆ ของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางยังคงมีอยู่ซึ่งเกี่ยวข้องกับชีวิตพื้นบ้านกับกิจกรรมของนักดนตรีที่หลงทางพร้อมกับการเปลี่ยนแปลงที่กำลังจะมาถึงในสภาพแวดล้อมและวิถีชีวิตของพวกเขา

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 ถึงศตวรรษที่ 14 ข้อมูลเกี่ยวกับนักดนตรีพื้นบ้านที่หลงทางในยุคกลางมีมากขึ้นและแน่นอนมากขึ้น นักเล่นกลนักเล่นกลนักเล่นกลนักเล่นกล - ตามที่พวกเขาถูกเรียกในเวลาที่ต่างกันและในภูมิภาคต่าง ๆ เป็นเวลานานเป็นตัวแทนของวัฒนธรรมดนตรีทางโลกในยุคนั้นเท่านั้นจึงมีบทบาทสำคัญทางประวัติศาสตร์ โดยส่วนใหญ่แล้วมันอยู่บนพื้นฐานของการฝึกฝนดนตรีประเพณีการร้องเพลงของพวกเขาที่ก่อตัวขึ้นของเนื้อเพลงฆราวาสในศตวรรษที่ 12-13 พวกเขาซึ่งเป็นนักดนตรีเดินทางเหล่านี้ไม่ได้มีส่วนร่วมกับเครื่องดนตรีในขณะที่คริสตจักรปฏิเสธการมีส่วนร่วมของพวกเขาหรือรับมันไปด้วยความยากลำบาก นอกเหนือจากเครื่องดนตรีประเภทต่างๆ (ทรัมเป็ตแตรขลุ่ยแพนขลุ่ยปี่) เมื่อเวลาผ่านไปพิณ (จากสมัยก่อน) โมล (เครื่องดนตรีเซลติก) เครื่องดนตรีโค้งคำนับบรรพบุรุษของไวโอลินในอนาคต - รีบับ , viela, fidel (อาจมาจากตะวันออก)

ในความเป็นไปได้ทั้งหมดนักแสดงนักดนตรีนักเต้นนักกายกรรม (มักจะเป็นคนเดียว) ที่เรียกว่านักเล่นกลหรือชื่ออื่น ๆ ที่คล้ายกันมีประเพณีทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของตัวเองย้อนหลังไปในยุคที่ห่างไกล พวกเขาสามารถนำมาใช้ - หลังจากผ่านไปหลายชั่วอายุคน - มรดกของศิลปะการซิงโครตของนักแสดงโรมันโบราณซึ่งลูกหลานเรียกว่าประวัติศาสตร์และละครใบ้เร่ร่อนเป็นเวลานานเดินเตร่ไปทั่วยุโรปในยุคกลาง ตัวแทนกึ่งตำนานที่เก่าแก่ที่สุดของเซลติก (bards) และมหากาพย์ดั้งเดิมสามารถถ่ายทอดประเพณีของพวกเขาไปยังนักเล่นกลซึ่งแม้ว่าพวกเขาจะไม่สามารถซื่อสัตย์ต่อพวกเขาได้ แต่ก็ยังได้เรียนรู้บางสิ่งจากพวกเขาด้วยตนเอง ไม่ว่าในกรณีใดในศตวรรษที่ 9 เมื่อการกล่าวถึงประวัติศาสตร์และละครใบ้ก่อนหน้านี้ได้ถูกแทนที่ด้วยรายงานของนักเล่นกลคนเหล่านี้เป็นที่รู้จักส่วนหนึ่งในฐานะนักแสดงของมหากาพย์ ย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่งนักเล่นปาหี่จะแสดงในงานเฉลิมฉลองที่สนามหญ้า (ซึ่งพวกเขาแห่กันในบางวัน) ที่ปราสาทในหมู่บ้านและบางครั้งได้รับอนุญาตให้เข้าโบสถ์ ในบทกวีนวนิยายและเพลงในยุคกลางมักกล่าวถึงการมีส่วนร่วมของนักเล่นกลในงานรื่นเริงในการจัดวางแว่นตาทุกชนิดในที่โล่ง ตราบใดที่การแสดงเหล่านี้ซึ่งจัดขึ้นในวันหยุดสำคัญในโบสถ์หรือในสุสานมีการแสดงเป็นภาษาละตินเท่านั้นนักเรียนของโรงเรียนสงฆ์และนักบวชรุ่นเยาว์สามารถเข้าร่วมการแสดงได้ แต่ในศตวรรษที่ 13 ภาษาละตินถูกแทนที่ด้วยภาษาพื้นบ้านในท้องถิ่นและจากนั้นนักดนตรีที่เดินทางโดยอ้างว่าแสดงบทการ์ตูนและตอนต่างๆในการแสดงทางจิตวิญญาณได้จัดการอย่างใดอย่างหนึ่งเพื่อเจาะเข้าไปในจำนวนนักแสดงจากนั้นก็ประสบความสำเร็จด้วยมุขตลกของพวกเขาจาก ผู้ชมและผู้ฟัง ตัวอย่างเช่นในมหาวิหารแห่งสตราสบูร์กรูอองแร็งส์แคมไบ ในบรรดา "เรื่องราว" ที่นำเสนอในวันหยุด ได้แก่ "การกระทำ" ในวันคริสต์มาสและอีสเตอร์ "คร่ำครวญของพระนางมารีย์" "เรื่องราวของหญิงพรหมจารีที่ฉลาดและโง่เขลา" ฯลฯ เกือบทุกที่ในการแสดงเพื่อเอาใจผู้มาเยี่ยมชมหนึ่งหรือมากกว่านั้น ตอนการ์ตูนอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับการมีส่วนร่วมของกองกำลังชั่วร้ายหรือการผจญภัยและคำพูดของคนรับใช้ ที่นี่ขอบเขตสำหรับการแสดงความสามารถทางดนตรีของนักเล่นกลด้วยการเล่นกลแบบดั้งเดิมของพวกเขาได้เปิดขึ้น

นักแสดงหลายคนมีบทบาทพิเศษเมื่อพวกเขาเริ่มทำงานร่วมกับคณะนักแสดงร่วมกับอัศวินผู้มีพระคุณไปทุกที่มีส่วนร่วมในการแสดงเพลงของพวกเขาและเรียนรู้ศิลปะรูปแบบใหม่

เป็นผลให้สภาพแวดล้อมของ "คนพเนจร" นักเล่นปาหี่สปีลแมนนักแสดงหญิงมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญเมื่อเวลาผ่านไปโดยไม่ได้รวมเป็นหนึ่งเดียวในองค์ประกอบ สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกเช่นกันจากการหลั่งไหลของกองกำลังใหม่ - ผู้รู้หนังสือ แต่สูญเสียตำแหน่งที่มั่นคงในสังคมนั่นคือผู้แพ้ที่ถูกแยกประเภทจากคณะสงฆ์ผู้ไม่ประสงค์ดีนักวิชาการด้านการเดินทางและพระผู้ลี้ภัย หลังจากปรากฏตัวในหมู่นักแสดงและนักดนตรีที่เดินทางในศตวรรษที่สิบเก้าในฝรั่งเศส (และจากนั้นในประเทศอื่น ๆ ) พวกเขาได้รับชื่อของคนเร่ร่อนและโกลิอาร์ ด้วยแนวคิดและนิสัยในชีวิตใหม่ ๆ การรู้หนังสือบางครั้งแม้แต่ความรู้ที่รู้จักกันดีก็มาถึงชั้นของการเล่นกล

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 13 สมาคมกิลด์ของสปีลแมนนักเล่นกลนักเล่นกลได้ก่อตั้งขึ้นในศูนย์ต่างๆของยุโรปเพื่อปกป้องสิทธิของพวกเขากำหนดสถานที่ของพวกเขาในสังคมรักษาประเพณีอาชีพและส่งต่อให้กับนักเรียนของพวกเขา ในปี 1288 ภราดรภาพแห่งเซนต์ นิโคลัส "ซึ่งรวมกันเป็นนักดนตรีในปี 1321" ภราดรภาพแห่งเซนต์ Julien” ในปารีสเป็นองค์กรกิลด์ของนักแสดงในท้องถิ่น ต่อจากนั้นได้มีการจัดตั้งกิลด์ "royal minstrels" ขึ้นในอังกฤษ การเปลี่ยนไปใช้โครงสร้างกิลด์นี้โดยพื้นฐานแล้วทำให้ประวัติศาสตร์ของการเล่นกลในยุคกลางสิ้นสุดลง แต่นักดนตรีที่หลงทางอยู่ห่างไกลจากการตั้งถิ่นฐานอย่างสมบูรณ์ในภราดรภาพกิลด์เวิร์กช็อป การเร่ร่อนของพวกเขายังคงดำเนินต่อไปในศตวรรษที่ XIV, XV, XVI ครอบคลุมดินแดนอันกว้างใหญ่และในที่สุดก็สร้างดนตรีใหม่และการเชื่อมต่อประจำวันระหว่างภูมิภาคที่ห่างไกล

TRUBADURS, TRUVERS, MINNESINGERS

ศิลปะของคณะละครซึ่งมีต้นกำเนิดในโพรวองซ์ของศตวรรษที่สิบสองโดยพื้นฐานแล้วเป็นเพียงจุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหวที่สร้างสรรค์พิเศษซึ่งมีลักษณะเฉพาะของเวลาและเกือบทั้งหมดเกี่ยวข้องกับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะรูปแบบใหม่ทางโลก เป็นที่นิยมอย่างมากในโพรวองซ์ยุคแรกเริ่มที่วัฒนธรรมศิลปะฆราวาสเฟื่องฟู: การทำลายล้างและภัยพิบัติที่ค่อนข้างน้อยกว่าในอดีตในระหว่างการอพยพของผู้คนประเพณีงานฝีมือเก่าและความสัมพันธ์ทางการค้าที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นเวลานาน ในสภาพประวัติศาสตร์เช่นนี้วัฒนธรรมอัศวินจึงก่อตัวขึ้น

กระบวนการที่แปลกประหลาดของการพัฒนาศิลปะฆราวาสยุคแรกซึ่งเกิดขึ้นจากความคิดริเริ่มทางศิลปะของอัศวินโพรวองซ์ทำให้เกิดแหล่งที่มาของเพลงพื้นบ้านที่ไพเราะและแพร่กระจายไปในวงกว้างของชาวเมืองซึ่งพัฒนาขึ้นตามความหมายของเรื่องนี้ ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง

ศิลปะของคณะละครได้รับการพัฒนามาเกือบสองศตวรรษตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 11 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 ชื่อของนักดนตรีเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะกวี - นักดนตรีทางตอนเหนือของฝรั่งเศสในเมืองแชมเปญในเมืองอาร์ราส ในศตวรรษที่ 13 กิจกรรมของนักตัดขาจะเข้มข้นขึ้นในขณะที่ศิลปะของคณะละครโพรวองซ์สิ้นสุดลงในประวัติศาสตร์

Truvers ในระดับหนึ่งสืบทอดประเพณีสร้างสรรค์ของคณะ แต่ในขณะเดียวกันผลงานของพวกเขาก็ชัดเจนมากขึ้นว่าไม่เกี่ยวข้องกับอัศวิน แต่กับวัฒนธรรมเมืองในยุคนั้น อย่างไรก็ตามในบรรดาคณะมีตัวแทนจากแวดวงสังคมต่างๆ คณะแรก ได้แก่ Guillaume VII, Count of Poitiers, Duke of Aquitaine (1071 - 1127) และ Gascon Marcabrune ผู้น่าสงสาร

อย่างที่ทราบกันดีว่าคณะนักแสดงของ Provencal มักจะร่วมมือกับนักเล่นกลที่เดินทางไปกับพวกเขาแสดงเพลงของพวกเขาหรือร่วมร้องเพลงของพวกเขาราวกับว่ารวมหน้าที่ของคนรับใช้และผู้ช่วยในเวลาเดียวกัน คณะละครทำหน้าที่เป็นผู้มีพระคุณผู้ประพันธ์ดนตรีและนักเล่นกลเป็นผู้แสดง

ในดนตรีและศิลปะบทกวีของคณะละครประเภทของเพลงกวีที่มีลักษณะเฉพาะหลายประเภทโดดเด่น: อัลบา (เพลงแห่งรุ่งอรุณ) ทุ่งหญ้าเซอร์เวนตาเพลงของพวกครูเสดเพลงบทสนทนาไม่วายเพลงเต้นรำ รายการนี้ไม่ใช่การจัดหมวดหมู่ที่เข้มงวด เนื้อเพลงความรักมีอยู่ในอัลบั้มทุ่งหญ้าและเพลงเต้นรำ

Sirventa ไม่ใช่การกำหนดที่ชัดเจนมาก ไม่ว่าในกรณีใดนี่ไม่ใช่เพลงโคลงสั้น ๆ ฟังดูจากใบหน้าของอัศวินนักรบนักแสดงที่กล้าหาญมันสามารถเสียดสีกล่าวหามุ่งเป้าไปที่ทั้งชั้นเรียนในยุคสมัยหรือเหตุการณ์บางอย่าง ต่อมาแนวเพลงบัลลาดและรอนโดก็ปรากฏขึ้น

ตามที่สามารถตัดสินได้บนพื้นฐานของเนื้อหาของการศึกษาพิเศษศิลปะของคณะละครในที่สุดก็ไม่ได้แยกออกจากประเพณีในอดีตหรือจากความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีร่วมสมัยอื่น ๆ

ศิลปะของคณะละครเป็นจุดเชื่อมต่อที่สำคัญระหว่างรูปแบบดนตรีและบทกวีรูปแบบแรกในยุโรปตะวันตกระหว่างดนตรีและประเพณีในชีวิตประจำวันและแนวทางการสร้างสรรค์ทางดนตรีที่เป็นมืออาชีพอย่างมากในยุคสิบสาม - สิบสี่ศตวรรษ ในเวลาต่อมาตัวแทนของศิลปะนี้เองก็หันมาสนใจความเป็นมืออาชีพทางดนตรีแล้วได้เข้าใจรากฐานของความเชี่ยวชาญทางดนตรีแบบใหม่

นั่นคือ อดัมเดอลาฮาล (1237-1238 - 1287) หนึ่งในนักตัดเพลงคนสุดท้ายซึ่งเป็นชนพื้นเมืองของ Arras กวีชาวฝรั่งเศสนักแต่งเพลงนักเขียนบทละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 จากปี 1271 เขารับใช้ที่ศาลของเคานต์โรเบิร์ต d "อาร์ทัวส์ร่วมกับเขาไปเนเปิลส์เพื่อชาร์ลส์แห่งอองชูกษัตริย์แห่งซิซิลีในเนเปิลส์ในปี 1282 ระหว่างที่เขาอยู่ในเนเปิลส์" Game of Robin and Marion "คือ สร้างขึ้น - ผลงานที่ใหญ่ที่สุดและสำคัญที่สุดของนักแต่งเพลงกวี

ผลงานดังกล่าวเป็นประวัติความเป็นมาของการกำเนิดละครเพลงฝรั่งเศสในศตวรรษที่ XU111 และบทประพันธ์ของศตวรรษที่ 19

ตัวอย่างงานศิลปะของคณะละครสัตว์เข้ามาในเยอรมนีในศตวรรษที่ 12-13 และดึงดูดความสนใจไปที่นั่น เนื้อเพลงได้รับการแปลเป็นภาษาเยอรมันแม้บางครั้งเพลงจะมีคำใหม่ ๆ มากเกินไป พัฒนาการตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 (จนถึงต้นศตวรรษที่ 15) ของมินแซงของเยอรมันในฐานะศูนย์รวมทางศิลปะของวัฒนธรรมอัศวินในท้องถิ่นทำให้ความสนใจในดนตรีและศิลปะบทกวีของคณะละครฝรั่งเศสเข้าใจได้ค่อนข้างดี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่ผู้มินนิซิงเกอร์ยุคแรก ๆ

ศิลปะของ minnesingers พัฒนาช้ากว่าศิลปะของคณะละครในเกือบหนึ่งศตวรรษในสภาพแวดล้อมทางประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันเล็กน้อยในประเทศที่ในตอนแรกไม่มีรากฐานที่มั่นคงสำหรับการก่อตัวของโลกทัศน์ใหม่ที่เป็นโลกอย่างแท้จริง

ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ Minnesang ได้แก่ Walter von der Vogelweide กวีผู้เขียน Parsifal, Wolfram von Eschenbach ดังนั้นตำนานที่แฝงอยู่ใน "Tannhäuser" ของ Wagner จึงมีพื้นฐานมาจากข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์

อย่างไรก็ตามการรับใช้และการแสดงที่สนามไม่ได้ จำกัด เฉพาะกิจกรรมของนักขุดแร่ชาวเยอรมัน แต่เป็นสิ่งที่โดดเด่นที่สุดของพวกเขาที่ใช้ชีวิตส่วนสำคัญในการเดินทางไกล

ดังนั้นศิลปะของ minnesang จึงไม่ได้มีเพียงด้านเดียว แต่เป็นการผสมผสานแนวโน้มต่างๆเข้าด้วยกันและด้านความไพเราะโดยรวมมีความก้าวหน้ามากกว่าบทกวี ประเภทของเพลงที่หลากหลายในหมู่มินเนสซิงเกอร์นั้นมีหลายวิธีที่คล้ายคลึงกับเพลงที่ได้รับการปลูกฝังโดยกลุ่มโปรวองซ์: เพลงของพวกครูเสดเพลงรักประเภทต่างๆเพลงเต้นรำ

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของปลายยุคกลางยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่อง การนำเสนอดนตรีแบบโพลีโฟนิกได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง

พัฒนาการของการเขียนโพลีโฟนิกซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะคริสตจักรในตอนแรกนำไปสู่การเพิ่มแนวดนตรีใหม่ทั้งทางจิตวิญญาณและทางโลก ประเภทที่แพร่หลายที่สุดของพฤกษ์คือ motet.

Motet ซึ่งมีอนาคตที่ยิ่งใหญ่ได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในศตวรรษที่สิบสาม ต้นกำเนิดของมันย้อนกลับไปในศตวรรษก่อนหน้าเมื่อมันเกิดขึ้นโดยเกี่ยวข้องกับกิจกรรมสร้างสรรค์ของโรงเรียน Notre Dame และมีจุดประสงค์ทางพิธีกรรมในตอนแรก

motet ของศตวรรษที่ 13 เป็นชิ้นส่วนโพลีโฟนิก (โดยปกติจะเป็นสามส่วน) ที่มีขนาดเล็กหรือขนาดกลาง คุณลักษณะประเภทของ motet คือการพึ่งพาตัวอย่างทำนองสำเร็จรูป (จากเพลงของคริสตจักรจากเพลงฆราวาส) ซึ่งเสียงอื่น ๆ ที่มีลักษณะแตกต่างกันและบางครั้งก็มีต้นกำเนิดที่แตกต่างกัน ผลที่ได้คือการผสมผสานระหว่างท่วงทำนองที่แตกต่างกันโดยมีเนื้อร้องที่แตกต่างกัน

เครื่องมือ (viels, psalterium, organ) สามารถมีส่วนร่วมในการทำงานของมอเตอร์บางชนิด ในที่สุดในศตวรรษที่ 13 รูปทรงแปลก ๆ ในชีวิตประจำวันซึ่งได้รับชื่อ rondel, rota, ru (wheel) ได้รับความนิยม นี่เป็นเรื่องตลกที่เป็นที่รู้จักของนักเล่นสปีลแมนในยุคกลาง

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 13 ศิลปะดนตรีของฝรั่งเศสส่วนใหญ่ได้รับความนิยมในยุโรปตะวันตก วัฒนธรรมดนตรีและบทกวีของนักดนตรีและนักดนตรีตลอดจนขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาพฤกษ์ส่วนหนึ่งมีอิทธิพลต่อศิลปะดนตรีของประเทศอื่น ๆ ในประวัติศาสตร์ดนตรีศตวรรษที่ 13 (จากประมาณทศวรรษ 1230) ได้รับการกำหนดชื่อ "Ags antiqua" ("ศิลปะเก่า")

ARS NOVA ในฝรั่งเศส เครื่องกิลโดม

ประมาณปี 1320 ผลงานเชิงทฤษฎีดนตรีของ Philippe de Vitry ชื่อ Ags nova ถูกสร้างขึ้นในปารีส คำเหล่านี้ - "ศิลปะใหม่" - กลายเป็นปีก: จากคำจำกัดความของ "ยุคของ Ags nova" ซึ่งยังคงเรียกกันโดยทั่วไปในเพลงฝรั่งเศสในศตวรรษที่สิบสี่ สำนวน "ศิลปะใหม่" "โรงเรียนใหม่" "นักร้องใหม่" มักพบในช่วงเวลาของ Philippe de Vitry ไม่เพียง แต่ในผลงานทางทฤษฎีเท่านั้น ไม่ว่านักทฤษฎีจะสนับสนุนแนวโน้มใหม่หรือประณามพวกเขาไม่ว่าสมเด็จพระสันตะปาปาจะประณามพวกเขาทุกหนทุกแห่งล้วนมีความหมายถึงสิ่งใหม่ในการพัฒนาศิลปะดนตรีซึ่งไม่เคยมีมาก่อนการเกิดขึ้นของรูปแบบของพฤกษ์ที่พัฒนาแล้ว

ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ Ags nova ในฝรั่งเศส คือ Guillaume de Machaut- กวีและนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงในสมัยของเขาซึ่งมีการศึกษามรดกทางความคิดสร้างสรรค์ในประวัติศาสตร์วรรณคดีด้วย

ไม่ว่าการพัฒนารูปแบบโพลีโฟนิกจะซับซ้อนเพียงใดในศตวรรษที่สิบสี่สายดนตรีและศิลปะบทกวีที่มาจากคณะละครและนักดนตรีก็ไม่ได้สูญหายไปอย่างสิ้นเชิงในบรรยากาศของ French Ars nova ถ้า Philippe de Vitry เป็นนักดนตรีที่เรียนรู้มาเป็นหลักและ Guillaume de Machaut ก็กลายเป็น ปรมาจารย์แห่งกวีชาวฝรั่งเศสอย่างไรก็ตามทั้งสองคนเป็นกวี - นักดนตรีกล่าวคือในแง่นี้ดูเหมือนว่าพวกเขาจะสืบสานประเพณีของนักดนตรีในศตวรรษที่ 13 ในท้ายที่สุดไม่นานนักก็แยกกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Philippe de Vitry ซึ่งเริ่มแต่งเพลงในช่วงปี 1313-1314 และแม้แต่กิจกรรมของ Machaut (ตั้งแต่ปี 1320-1330) - จากปีสุดท้ายของชีวิตสร้างสรรค์ของอดัม de la Hal (ใจในปี 1286 หรือ 1287)

บทบาททางประวัติศาสตร์ของ Guillaume ds Machaut มีความสำคัญมากกว่า ถ้าไม่มีเขาก็จะไม่มี Ars nova ในฝรั่งเศสเลย มันเป็นความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีของเขาที่มีอยู่มากมายเป็นต้นฉบับหลายแนวเพลงที่เน้นคุณสมบัติหลักของยุคนี้ ในงานศิลปะของเขาเหมือนเดิมเส้นจะถูกรวบรวมส่งผ่านในแง่หนึ่งจากวัฒนธรรมดนตรีและบทกวีของคณะและนักดนตรีในเพลงที่มีมายาวนานในอีกด้านหนึ่งจากโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสของพฤกษ์ ศตวรรษที่ X11-X111

น่าเสียดายที่เราไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับเส้นทางชีวิตของ Machaut จนถึงปี 1323 เป็นที่รู้กันเพียงว่าเขาเกิดเมื่อประมาณ 1300 ที่ Machaut เขาเป็นกวีที่มีการศึกษาสูงและมีความรู้ในวงกว้างและเป็นผู้เชี่ยวชาญที่แท้จริงของงานฝีมือของเขาในฐานะนักแต่งเพลง ด้วยพรสวรรค์ที่สูงอย่างไม่อาจปฏิเสธได้แน่นอนว่าเขาควรได้รับการเตรียมตัวอย่างละเอียดสำหรับกิจกรรมวรรณกรรมและดนตรีวันแรกที่เกี่ยวข้องกับข้อเท็จจริงของชีวประวัติของ Machaut คือ 1322-1323 เมื่อการรับราชการของเขาในราชสำนักของกษัตริย์เริ่มขึ้นเมื่อเสมียนแล้ว ราชเลขาธิการ). เป็นเวลากว่ายี่สิบปีที่ Machaut อยู่ในราชสำนักของกษัตริย์แห่งโบฮีเมียบางครั้งก็อยู่ในปรากจากนั้นก็มีส่วนร่วมในแคมเปญการเดินทางงานเทศกาลการล่าสัตว์และอื่น ๆ อย่างต่อเนื่องเขามีโอกาสไปเยี่ยมเยียนบุคคลสำคัญ ศูนย์กลางของอิตาลีเยอรมนีโปแลนด์ ในทุกโอกาสทั้งหมดนี้ทำให้ Guillaume de Machaut ประทับใจมากมายและเสริมสร้างประสบการณ์ชีวิตของเขาอย่างสมบูรณ์ หลังจากการสิ้นพระชนม์ของกษัตริย์แห่งโบฮีเมียในปี ค.ศ. 1346 เขารับใช้กษัตริย์ฝรั่งเศสจอห์นเดอะกู๊ดและชาร์ลส์ที่ 5 และยังได้รับศีลที่มหาวิหารนอเทรอดามในแร็งส์ สิ่งนี้มีส่วนทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะกวี Machaut ได้รับการยกย่องอย่างสูงในช่วงชีวิตของเขาและหลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 1377 เขาก็ได้รับการยกย่องจากคนรุ่นเดียวกันในจารึกอันงดงาม Machaut มีอิทธิพลอย่างมากต่อกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสสร้างทั้งโรงเรียนซึ่งโดดเด่นด้วยรูปแบบของบทกวีที่เขาพัฒนาขึ้น

ขนาดของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีของ Machaut ที่มีการพัฒนาประเภทพหุภาคีความเป็นอิสระของตำแหน่งของเขาซึ่งส่งผลกระทบอย่างมากต่อกวีชาวฝรั่งเศสทักษะระดับสูงของนักดนตรีทั้งหมดนี้ทำให้เขามีบุคลิกที่สำคัญคนแรกในยุค ประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี

มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Machaut นั้นมากมายและหลากหลาย เขาสร้าง motets, ballads, rondos, canons ฯลฯ

หลังจาก Machaut เมื่อชื่อของเขาได้รับความเคารพอย่างสูงจากกวีและนักดนตรีและอิทธิพลของทั้งสองก็รู้สึกได้เขาไม่พบผู้สืบทอดที่สำคัญอย่างแท้จริงในหมู่นักประพันธ์ชาวฝรั่งเศส พวกเขาได้เรียนรู้มากมายจากประสบการณ์ของเขาในฐานะนักโพลีโฟนิสต์เชี่ยวชาญเทคนิคของเขายังคงปลูกฝังแนวเพลงเดียวกันกับที่เขาทำ แต่ปรับแต่งงานศิลปะของพวกเขาในรายละเอียดที่ซับซ้อนมากเกินไป

การเช่าซื้อ

ความสำคัญที่ยั่งยืนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสำหรับวัฒนธรรมและศิลปะของยุโรปตะวันตกได้รับการยอมรับจากนักประวัติศาสตร์มานานและกลายเป็นความรู้ทั่วไป ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแสดงโดยโรงเรียนสร้างสรรค์แห่งใหม่และมีอิทธิพลหลายแห่งชื่ออันรุ่งโรจน์ของ Francesco Landini ในฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 14 Guillaume Dufay และ Johannes Oquegem ในศตวรรษที่ 15 Josquin Despres ในตอนต้นศตวรรษที่ 16 และกาแล็กซี่ สไตล์คลาสสิกที่เข้มงวดอันเป็นผลมาจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Palestrina, Orlando Lasso

ในอิตาลีจุดเริ่มต้นของยุคใหม่เริ่มขึ้นสำหรับศิลปะดนตรีในศตวรรษที่สิบสี่ โรงเรียนดัตช์เป็นรูปเป็นร่างและมาถึงจุดสูงสุดแห่งแรกในวันที่ 15 หลังจากนั้นการพัฒนาก็ยังคงขยายตัวและอิทธิพลไม่ทางใดก็ทางหนึ่งได้จับอาจารย์ของโรงเรียนแห่งชาติอื่น ๆ สัญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏอย่างชัดเจนในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 แม้ว่าความสำเร็จด้านการสร้างสรรค์ของเธอจะยิ่งใหญ่และไม่อาจโต้แย้งได้แม้ในศตวรรษก่อน ๆ การเพิ่มขึ้นของศิลปะในเยอรมนีอังกฤษและประเทศอื่น ๆ ภายในวงโคจรของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานั้นย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16

ดังนั้นในศิลปะดนตรีของประเทศในยุโรปตะวันตกลักษณะที่ชัดเจนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจึงปรากฏขึ้นแม้ว่าจะมีความไม่สม่ำเสมอบ้างก็ตามภายในศตวรรษที่ XIV-XVI วัฒนธรรมศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยเฉพาะอย่างยิ่งวัฒนธรรมดนตรีไม่ต้องสงสัยเลยว่าไม่ได้หันเหไปจากความสำเร็จด้านการสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดในช่วงปลายยุคกลาง ความซับซ้อนทางประวัติศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีรากฐานมาจากข้อเท็จจริงที่ว่าระบบศักดินายังคงได้รับการอนุรักษ์ไว้เกือบทุกแห่งในยุโรปและมีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในการพัฒนาสังคมซึ่งในหลาย ๆ ด้านเป็นการเตรียมจุดเริ่มต้นของยุคใหม่ สิ่งนี้แสดงออกมาในขอบเขตทางเศรษฐกิจและสังคมชีวิตทางการเมืองในการขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของผู้ร่วมสมัย - ภูมิศาสตร์วิทยาศาสตร์ศิลปะในการเอาชนะเผด็จการทางจิตวิญญาณของคริสตจักรในการเพิ่มขึ้นของมนุษยนิยมการเติบโตของการตระหนักรู้ในตนเองที่สำคัญ คน. สัญญาณของการรับรู้ใหม่เกี่ยวกับโลกเกิดขึ้นพร้อมกับความสดใสเป็นพิเศษและจากนั้นก็ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในการสร้างสรรค์ทางศิลปะในการเคลื่อนไหวที่ก้าวหน้าของศิลปะต่างๆซึ่งการ“ ปฏิวัติจิตใจ” ที่ก่อให้เกิดกลิ่นไอของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความสำคัญอย่างยิ่ง

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าความเข้าใจในเชิงมนุษยนิยมในการ "ฟื้นฟู" ได้หลอมรวมพลังใหม่ ๆ ให้กับศิลปะในยุคนั้นเป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินค้นหาธีมใหม่ ๆ และกำหนดลักษณะของภาพและเนื้อหาของผลงานเป็นส่วนใหญ่ สำหรับศิลปะดนตรีมนุษยนิยมหมายถึงประการแรกคือการหยั่งลึกลงไปในความรู้สึกของมนุษย์การรับรู้คุณค่าทางสุนทรียศาสตร์แบบใหม่สำหรับพวกเขา สิ่งนี้มีส่วนในการระบุและการใช้คุณสมบัติที่แข็งแกร่งที่สุดของความจำเพาะทางดนตรี

สำหรับทั้งยุคโดยรวมความโดดเด่นที่ชัดเจนของประเภทเสียงโดยเฉพาะอย่างยิ่งการเปล่งเสียงเป็นลักษณะเฉพาะ ดนตรีบรรเลงเพียงช้าๆทีละน้อยเท่านั้นที่จะได้รับความเป็นอิสระ แต่การพึ่งพาโดยตรงกับรูปแบบเสียงและแหล่งที่มาในชีวิตประจำวัน (การเต้นรำเพลง) จะเอาชนะได้ในเวลาต่อมาเพียงเล็กน้อย ประเภทดนตรีหลักยังคงเกี่ยวข้องกับข้อความที่เป็นคำพูด

เส้นทางที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะดนตรีซึ่งเดินทางจาก 14 ถึงปลายศตวรรษที่ 16 นั้นไม่ได้เรียบง่ายและตรงไปตรงมาเช่นเดียวกับที่วัฒนธรรมทางจิตวิญญาณทั้งหมดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้พัฒนาเพียงอย่างเดียวและเป็นไปตามเส้นตรงจากน้อยไปมากเท่านั้น ศิลปะแห่งดนตรีและในสาขาที่เกี่ยวข้องมี "แนวโกธิค" เป็นของตัวเองและเป็นมรดกที่มั่นคงและหวงแหนในยุคกลาง

ศิลปะดนตรีของประเทศในยุโรปตะวันตกได้เข้าใกล้พรมแดนใหม่ในความหลากหลายของโรงเรียนที่สร้างสรรค์ในอิตาลีดัตช์ฝรั่งเศสเยอรมันสเปนอังกฤษและอื่น ๆ และในเวลาเดียวกันก็มีแนวโน้มทั่วไปที่แสดงออกอย่างชัดเจน ความคลาสสิกของสไตล์ที่เข้มงวดได้ถูกสร้างขึ้นแล้ว "การประสาน" แบบหนึ่งของพฤกษ์กำลังอยู่ระหว่างการเคลื่อนไหวสู่การเขียนคำพ้องเสียงรุนแรงขึ้นบทบาทของความเป็นตัวของตัวเองที่สร้างสรรค์ของศิลปินเพิ่มขึ้นความสำคัญของดนตรีในชีวิตประจำวันและผลกระทบต่อมืออาชีพระดับสูง ศิลปะได้รับการเสริมสร้างแนวดนตรีทางโลกได้รับการเสริมแต่งอย่างเป็นรูปเป็นร่างและเป็นรายบุคคล (โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงมาดริกัลของอิตาลี) ดนตรีบรรเลงในวัยเยาว์กำลังใกล้ถึงขีด จำกัด ของความเป็นอิสระ ศตวรรษที่ 17 รับสิ่งเหล่านี้โดยตรงจากศตวรรษที่ 16 เป็นมรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ARS NOVA ในอิตาลี FRANCZO LANDINI

ศิลปะดนตรีของอิตาลีในศตวรรษที่สิบสี่ (Trecento) สร้างความประทับใจโดยรวมของความสดใหม่ราวกับว่าเยาวชนในรูปแบบใหม่ที่เพิ่งเกิดขึ้น ดนตรีของ Ars เป็นเพลงใหม่ในอิตาลีมีความน่าดึงดูดและแข็งแกร่งด้วยลักษณะของอิตาลีล้วนๆและความแตกต่างจากศิลปะฝรั่งเศสในเวลาเดียวกัน Ars nova ในอิตาลีเป็นรุ่งอรุณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแล้วซึ่งเป็นลางบอกเหตุที่สำคัญ ไม่ใช่โดยบังเอิญที่ฟลอเรนซ์กลายเป็นศูนย์กลางของกิจกรรมสร้างสรรค์ของตัวแทนชาวอิตาลีแห่ง Arsnova ซึ่งความสำคัญนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อวรรณกรรมใหม่ของแนวทางมนุษยนิยมและในระดับใหญ่สำหรับงานวิจิตรศิลป์

ยุค Ars nova ครอบคลุมศตวรรษที่ 14 ตั้งแต่ประมาณทศวรรษที่ 1920 ถึงทศวรรษ 1980 และเป็นช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีทางโลกที่เฟื่องฟูอย่างแท้จริงในอิตาลี Ars novaa ของอิตาลีมีลักษณะเด่นด้วยความโดดเด่นที่ไม่อาจโต้แย้งได้ของงานทางโลกมากกว่างานทางจิตวิญญาณ ในกรณีส่วนใหญ่จะเป็นตัวอย่างของเนื้อเพลงหรือประเภทเพลงบางประเภท

ที่ศูนย์กลางของการเคลื่อนไหวของ Ars nova ร่างของ Francesco Landini ศิลปินที่มีพรสวรรค์ที่ร่ำรวยและมีพรสวรรค์ที่สร้างความประทับใจอย่างมากต่อผู้ร่วมสมัยชั้นนำได้พุ่งสูงขึ้น

Landini เกิดที่เมือง Fiesole ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ในครอบครัวของจิตรกร หลังจากไข้ทรพิษเกิดขึ้นในวัยเด็กเขาก็ตาบอดตลอดไป ตามที่ Villani เขาเริ่มเรียนดนตรีตั้งแต่เนิ่นๆ (ร้องเพลงแรกแล้วเล่นเครื่องสายและออร์แกน) พัฒนาการทางดนตรีของเขาดำเนินไปด้วยความเร็วที่ยอดเยี่ยมและทำให้คนรอบข้างประหลาดใจ เขามีความเชี่ยวชาญในการออกแบบเครื่องดนตรีมากมายทำการปรับปรุงและคิดค้นการออกแบบใหม่ ๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Francesco Landini แซงหน้านักดนตรีร่วมสมัยชาวอิตาลีทั้งหมด

เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษในการเล่นออร์แกนซึ่งเขาต่อหน้า Petrarch ได้รับการสวมมงกุฎด้วยลอเรลในเวนิสในปีค. ศ. 1364 นักวิจัยสมัยใหม่ระบุว่าผลงานแรก ๆ ของเขาคือปี 1365-1370 ในช่วงทศวรรษที่ 1380 ชื่อเสียงของ Landini ในฐานะนักแต่งเพลงได้บดบังความสำเร็จของผู้ร่วมสมัยชาวอิตาลีทั้งหมดของเขา แลนดินีเสียชีวิตในฟลอเรนซ์และถูกฝังอยู่ในโบสถ์ซานลอเรนโซ บนหลุมฝังศพของเขามีการระบุวันที่: 2 กันยายน 1397

วันนี้ 154 องค์ประกอบของ Landini เป็นที่รู้จัก เพลงบัลลาดมีอำนาจเหนือกว่าในหมู่พวกเขา

งานของ Landini เสร็จสมบูรณ์ในช่วง Ars Nova ของอิตาลี ไม่ต้องสงสัยเลยว่าระดับทั่วไปของงานศิลปะของ Landini และคุณสมบัติของเขาไม่อนุญาตให้เขาได้รับการพิจารณาว่าเป็นจังหวัดที่มีความดั้งเดิมดั้งเดิมและนับถือศาสนาอย่างหมดจด

ในช่วงสองทศวรรษที่ผ่านมาของศตวรรษที่ 11 การเปลี่ยนแปลงทางดนตรีของอิตาลีได้เกิดขึ้นซึ่งครั้งแรกเป็นการละเมิดความสมบูรณ์ของตำแหน่งของ Ars nova จากนั้นนำไปสู่การสิ้นสุดของยุคของเขา ศิลปะแห่งศตวรรษที่สิบเก้าเป็นช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ใหม่

วัฒนธรรมดนตรีมืออาชีพของยุคกลางในยุโรปมีความเกี่ยวข้องกับคริสตจักรเป็นหลักนั่นคือสาขาดนตรีของลัทธิ ศิลปะที่เต็มไปด้วยศาสนาเป็นงานที่เป็นที่ยอมรับและดันทุรัง แต่ถึงกระนั้นมันก็ไม่ได้ถูกแช่แข็งมันเปลี่ยนจากความไร้สาระทางโลกไปสู่โลกที่ละทิ้งจากการรับใช้พระเจ้า อย่างไรก็ตามพร้อมกับดนตรีที่ "เหนือกว่า" เช่นนี้มีคติชนวิทยาและผลงานของนักดนตรีที่เดินทางตลอดจนวัฒนธรรมอันสูงส่งของความกล้าหาญ

วัฒนธรรมดนตรีทางจิตวิญญาณของยุคกลางตอนต้น

ในช่วงต้นยุคกลางดนตรีมืออาชีพดังขึ้นเฉพาะในวิหารและโรงเรียนสอนร้องเพลงที่อยู่กับพวกเขาเท่านั้น ศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางของยุโรปตะวันตกคือเมืองหลวงของอิตาลี - โรมซึ่งเป็นเมืองที่ "ผู้มีอำนาจสูงสุดของคริสตจักร" ตั้งอยู่

ในปีค. ศ. 590-604 สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 ได้ปฏิรูปการร้องเพลงตามลัทธิ เขาจัดและรวบรวมบทสวดต่างๆไว้ในคอลเลกชั่น "Gregorian Antiphonarius" ขอบคุณ Gregory I ทิศทางที่เรียกว่าบทสวดเกรกอเรียนเกิดขึ้นในดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของยุโรปตะวันตก

นักร้องประสานเสียง - ตามกฎแล้วบทสวดแบบโมโนโฟนิกซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษของชาวยุโรปและตะวันออกกลาง มันเป็นท่วงทำนองโมโนโฟนิกที่ราบรื่นซึ่งได้รับการเรียกร้องให้เป็นแนวทางให้นักบวชเข้าใจรากฐานของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกและการยอมรับเจตจำนงเดียว ส่วนใหญ่เป็นการขับร้องประสานเสียงโดยนักร้องประสานเสียงและมีเพียงบางส่วนเท่านั้นที่แสดงโดยนักร้องเดี่ยว

พื้นฐานของบทสวดเกรกอเรียนคือการเคลื่อนไหวทีละน้อยตามเสียงของโหมด diatonic แต่บางครั้งในการร้องประสานเสียงแบบเดียวกันก็มีเพลงสดุดีที่ช้าและรุนแรงและการร้องเพลงไพเราะของแต่ละพยางค์

การแสดงท่วงทำนองดังกล่าวไม่ได้รับความไว้วางใจจากใครเพียงเพราะต้องใช้ทักษะการร้องระดับมืออาชีพจากนักร้อง เช่นเดียวกับดนตรีข้อความของบทสวดในภาษาละตินซึ่งนักบวชหลายคนไม่สามารถเข้าใจได้กระตุ้นให้เกิดความอ่อนน้อมถ่อมตนการปลีกตัวออกจากความเป็นจริงและการไตร่ตรอง บ่อยครั้งการจัดจังหวะของดนตรีก็ถูกกำหนดเงื่อนไขด้วยการขึ้นอยู่กับการติดตามข้อความ เพลงเกรกอเรียนไม่สามารถใช้เป็นดนตรีในอุดมคติได้ แต่เป็นบทสวดมนต์มากกว่า

มวล - ประเภทหลักของดนตรีคีตกวีในยุคกลาง

มิสซาคาทอลิก - บริการหลักของคริสตจักร เธอรวมการร้องเพลงเกรกอเรียนประเภทต่างๆเช่น:

แอนติโฟนิก (เมื่อนักร้องประสานเสียงสองคนร้องเพลงสลับกัน);
ตอบสนอง (ร้องเพลงเดี่ยวและประสานเสียงสลับกัน)

ชุมชนมีส่วนร่วมในการร้องเพลงสวดมนต์ร่วมกันเท่านั้น
ต่อมาในศตวรรษที่สิบสอง เพลงสวด (สดุดี) ลำดับ Tropes ปรากฏในมวล พวกเขาเป็นข้อความเพิ่มเติมที่มีคำคล้องจอง (ตรงข้ามกับการร้องประสานเสียงหลัก) และทำนองเพลงพิเศษ ข้อความเกี่ยวกับศาสนาเหล่านี้เป็นที่จดจำของนักบวชได้ดีกว่ามาก การร้องเพลงร่วมกับพระสงฆ์พวกเขามีท่วงทำนองที่หลากหลายและองค์ประกอบของพื้นบ้านเริ่มซึมเข้าไปในดนตรีศักดิ์สิทธิ์และเป็นโอกาสสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่ง (Notker Zaika และ Tokelon พระ - อาราม St. Golene) ต่อมาเพลงเหล่านี้โดยทั่วไปแทนที่ส่วนของเพลงสดุดีและทำให้เสียงของเพลงเกรกอเรียนสมบูรณ์ขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ

ตัวอย่างแรกของพฤกษ์เกิดขึ้นจากอารามเช่นออแกนนัม - การเคลื่อนไหวในควอร์ตขนานหรือที่ห้าจิเมลโฟเบอร์ดอน - การเคลื่อนไหวในคอร์ดที่หกพฤติกรรม ตัวแทนของดนตรีดังกล่าวคือนักแต่งเพลง Leonin และ Perotin (วิหาร Notre Dame - ศตวรรษที่สิบสาม - สิบสาม)

วัฒนธรรมดนตรีฆราวาสในยุคกลาง

ด้านฆราวาสของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางแสดงโดย: ในฝรั่งเศส - นักเล่นกล, ละครใบ้, นักแสดง , ในเยอรมนี - สปีลแมน, ในประเทศสเปน - โฮลาร์, ในประเทศรัสเซีย - ควาย... พวกเขาทั้งหมดเป็นศิลปินที่เดินทางมาและรวมกันในงานที่เล่นเครื่องดนตรีร้องเพลงเต้นรำมายากลโรงละครหุ่นละครสัตว์

องค์ประกอบอีกอย่างหนึ่งของดนตรีฆราวาสคืออัศวินที่เรียกกันว่า วัฒนธรรมของราชสำนัก ... สร้างขึ้นโดยรหัสอัศวินพิเศษกล่าวกันว่าอัศวินแต่ละคนไม่เพียง แต่ควรมีความกล้าหาญและความกล้าหาญเท่านั้น แต่ยังมีมารยาทที่ดีการศึกษาและจงรักภักดีต่อสุภาพสตรีที่สวยงาม ทุกแง่มุมของชีวิตของอัศวินเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในงาน คณะ (ฝรั่งเศสตอนใต้ - โพรวองซ์), กางเกง (ฝรั่งเศสตอนเหนือ), minnesingers(เยอรมนี).

งานของพวกเขานำเสนอในเนื้อเพลงรักเป็นหลักซึ่งเป็นแนวเพลงที่แพร่หลายมากที่สุดคือแคนโซนา (Albs - "Morning Songs" โดย minnesingers) นักดนตรีสร้างแนวเพลงของตัวเองขึ้นมาใช้อย่างกว้างขวาง: "เพลงเดือนพฤษภาคม", "เพลงทอผ้า"

ส่วนที่สำคัญที่สุดของประเภทดนตรีของตัวแทนของวัฒนธรรมราชสำนักคือประเภทเพลงและการเต้นรำเช่น rondo, viirele, ballad, heroic epic บทบาทของเครื่องดนตรีนั้นไม่มีความสำคัญมากนักมันลดลงไปที่การวางกรอบเสียงร้องด้วยบทนำการสลับฉากและการปิดท้าย

ผู้ใหญ่ในยุคกลางศตวรรษที่สิบสาม

คุณลักษณะเฉพาะของยุคกลางที่โตเต็มที่คือการพัฒนา วัฒนธรรมเบอร์เกอร์ ... จุดสนใจคือการต่อต้านคริสตจักรความคิดอิสระการเชื่อมโยงกับเสียงหัวเราะและคติชนในงานรื่นเริง ประเภทใหม่ของพฤกษ์ปรากฏขึ้น: motet ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยความไพเราะที่แตกต่างกันของเสียงยิ่งไปกว่านั้นข้อความที่แตกต่างกันจะถูกร้องพร้อมกันใน motet และแม้แต่ในภาษาที่แตกต่างกัน madrigal เป็นเพลงในภาษาแม่ (อิตาลี) kaccha เป็นเสียงร้องที่มีข้อความอธิบายการล่า

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 พวก Vagants และ Goliards ได้เข้าร่วมศิลปะพื้นบ้านซึ่งแตกต่างจากคนอื่น ๆ คืออ่านออกเขียนได้ มหาวิทยาลัยกลายเป็นพาหะของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลาง เนื่องจากระบบโมดอลของยุคกลางได้รับการพัฒนาโดยตัวแทนของดนตรีศักดิ์สิทธิ์พวกเขาจึงเริ่มถูกเรียกว่าโหมดคริสตจักร (โหมดไอโอเนียน, โหมดไอโอเลียน)

นอกจากนี้ยังมีการนำหลักคำสอนของ hexachords - ใช้เพียง 6 องศาในเฟรต พระ Guido Aretinsky ได้สร้างระบบที่สมบูรณ์แบบมากขึ้นสำหรับการบันทึกโน้ตซึ่งประกอบด้วย 4 บรรทัดซึ่งมีอัตราส่วนที่สามและเครื่องหมายสำคัญหรือการระบายสีของเส้น เขายังแนะนำชื่อพยางค์ของขั้นตอนนั่นคือความสูงของขั้นตอนเริ่มแสดงด้วยป้ายตัวอักษร

Ars Nova XIII-XV ศตวรรษ

ช่วงการเปลี่ยนแปลงระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือศตวรรษที่สิบสี่ ช่วงเวลานี้ในฝรั่งเศสและอิตาลีเรียกว่า Ars Nova นั่นคือ "ศิลปะใหม่" ถึงเวลาแล้วสำหรับการทดลองใหม่ ๆ ในงานศิลปะ นักแต่งเพลงเริ่มแต่งผลงานจังหวะที่ซับซ้อนกว่าก่อนหน้านี้มาก (Philippe de Vitry)

นอกจากนี้ยังแตกต่างจากดนตรีศักดิ์สิทธิ์เซมิโคลอนถูกนำมาใช้ที่นี่อันเป็นผลมาจากการเพิ่มขึ้นและลดลงแบบสุ่มเริ่มเกิดขึ้น แต่ยังไม่ได้มอดูเลต จากการทดลองดังกล่าวทำให้ได้รับผลงานที่น่าสนใจ แต่ก็ยังห่างไกลจากความสละสลวยอยู่เสมอ นักดนตรีทดลองที่ฉลาดที่สุดในยุคนั้นคือ Solyazh วัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางมีการพัฒนามากขึ้นเมื่อเทียบกับวัฒนธรรมของโลกโบราณแม้จะมีวิธีการที่ จำกัด และมีเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการออกดอกของดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา