วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศสำหรับโรงเรียนดนตรี ตู่

(การให้คะแนน: 3 , เฉลี่ย: 3,67 จาก 5)

ชื่อเรื่อง วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ

เกี่ยวกับหนังสือ "วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" โดย I. A. Prokhorov

ตำราชื่อ "วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" รวบรวมโดย I. Prokhorova มีไว้สำหรับการศึกษาอิสระ ซึ่งจะอธิบายความสั้นและการเข้าถึงได้ของการนำเสนอเนื้อหา

หนังสือ "วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ" จะแนะนำนักเรียนเกี่ยวกับชีวประวัติสั้น ๆ และผลงานที่ดีที่สุดของนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียง เด็ก ๆ จะสามารถเรียนรู้เกี่ยวกับชีวิตและการทำงานของอัจฉริยะเช่น I.S. Bach, J. Haydn, W.A. โมสาร์ท, แอล. เบโธเฟน, เอฟ. ชูเบิร์ต และ เอฟ. โชแปง I. Prokhorova ไม่ได้อธิบายรายละเอียดของนักประพันธ์เพลงที่มีพรสวรรค์ในรายละเอียดมากเกินไปในตำราเรียนคุณจะพบวันสำคัญของชีวิตกำเนิดชื่อและชื่อเรื่องสาขาวิชากิจกรรมเงื่อนไขที่มีอิทธิพลต่อการเลือกอาชีพ หนังสือเล่มนี้จะบอกเกี่ยวกับขั้นตอนหลักของชีวิตและการทำงานของนักดนตรี มุมมองทางสังคมและการเมืองของพวกเขา

สิ่งพิมพ์ "Musical Literature of Foreign Countries" จัดทำขึ้นสำหรับนักเรียนโรงเรียนดนตรี อย่างไรก็ตาม ทุกคนที่ไม่สนใจงานคลาสสิกจะพบสิ่งที่น่าสนใจในหนังสือเล่มนี้สำหรับตัวเอง I. Prokhorova เสริมแต่งข้อความด้วยคำอธิบายเกี่ยวกับแนวคิดทางดนตรีและที่ไม่ใช่ดนตรี ซึ่งทำให้เนื้อหาวิชาการน้อยลง ส่วนที่อธิบายชีวิตของนักดนตรีถูกนำเสนอในบริบทของชีวิตทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของประเทศในยุโรปในสมัยนั้น สิ่งนี้ทำให้นักเรียนมีโอกาสเข้าใจอย่างลึกซึ้งและกว้างขึ้นเกี่ยวกับเงื่อนไขที่นักประพันธ์เพลงในตำนานอาศัยและทำงาน

เนื่องจากหนังสือ "วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ" มีไว้สำหรับการอ่านที่บ้าน งานไพเราะทั้งหมดที่อยู่ในนั้นจึงนำเสนอในรูปแบบสี่มือ เป็นที่น่าสังเกตว่าเรื่องราวเกี่ยวกับงานของ Bach ซึ่งตามโปรแกรมมีการศึกษาในช่วงปลายปีนั้นถูกวางไว้ที่จุดเริ่มต้น ผู้เขียนใช้ขั้นตอนนี้เพื่อประโยชน์ในการสังเกตลำดับเหตุการณ์ของการนำเสนอ

ผู้เรียบเรียงหนังสือเล่มนี้มั่นใจว่าการใช้หนังสือเรียนเป็นประจำจะทำให้นักเรียนได้ลิ้มรสความคุ้นเคยในตัวเองกับวรรณกรรมดนตรียอดนิยมและเป็นวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้ เด็กๆ จะสามารถพัฒนาและเสริมสร้างทักษะในการอ่านดนตรีด้วยสายตา ตลอดจนทำความคุ้นเคยกับการแสดงด้วยมือทั้งสี่ข้าง
การเรียนรู้ด้วยตนเองของผลงานที่มีชื่อเสียงจะช่วยให้พวกเขาสามารถดำเนินการในระหว่างบทเรียนต่อหน้าเด็กคนอื่น ๆ ซึ่งจะทำให้ชั้นเรียนแบบกลุ่มมีความกระฉับกระเฉงและปรับปรุงการรับรู้ของดนตรีคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ

บนเว็บไซต์ของเราเกี่ยวกับหนังสือ lifeinbooks.net คุณสามารถดาวน์โหลดได้ฟรีโดยไม่ต้องลงทะเบียน หรืออ่านหนังสือออนไลน์ "วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ" โดย I. A. Prokhorov ใน epub, fb2, txt, rtf, รูปแบบ pdf สำหรับ iPad, iPhone, Android และ Kindle หนังสือเล่มนี้จะทำให้คุณมีช่วงเวลาที่น่ารื่นรมย์และมีความสุขในการอ่านอย่างแท้จริง คุณสามารถซื้อเวอร์ชันเต็มได้จากพันธมิตรของเรา นอกจากนี้ คุณยังจะได้พบกับข่าวสารล่าสุดจากโลกแห่งวรรณกรรม เรียนรู้ชีวประวัติของนักเขียนคนโปรดของคุณ สำหรับนักเขียนมือใหม่ มีส่วนแยกต่างหากที่มีคำแนะนำและเคล็ดลับที่เป็นประโยชน์ บทความที่น่าสนใจ ซึ่งต้องขอบคุณการที่คุณจะได้ลองใช้มือในการเขียน

จากคอมไพเลอร์
หนังสือเล่มนี้เป็นหนังสือเรียนเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีในยุคประวัติศาสตร์นั้น ซึ่งเริ่มในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 หนังสือเรียนดังกล่าวปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก: ฉบับที่ห้าจบลงอย่างที่คุณทราบด้วยงานของ K-Debussy และ M. Ravel
หนังสือเล่มนี้ประกอบด้วยคำอธิบายของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติหลายแห่งซึ่งกำหนดโครงสร้างโดยรวม ส่วนแรกให้คำอธิบายของกระบวนการทั่วไปที่ดำเนินการในลักษณะของตนเองในศิลปะดนตรีของประเทศต่าง ๆ และในการทำงานของนักแต่งเพลงที่มีบุคลิกต่างกัน ส่วนต่อๆ มาแต่ละส่วนจะประกอบด้วยภาพรวมของวัฒนธรรมดนตรีของประเทศหนึ่งๆ เช่นเดียวกับส่วน monographic ที่อุทิศให้กับงานของนักประพันธ์เพลงที่สำคัญที่สุดของโรงเรียนนี้ เฉพาะส่วนที่อุทิศให้กับงานของ I. Stravinsky ที่แตกต่างกันในโครงสร้าง: ไม่มีบทวิจารณ์เบื้องต้น และนี่เป็นที่เข้าใจได้: หลังจากใช้ชีวิตส่วนใหญ่นอกรัสเซียเนื่องจากสถานการณ์พิเศษ Stravinsky ยังคงเป็นอาจารย์ชาวรัสเซียและไม่ได้อยู่ในโรงเรียนต่างประเทศใด ๆ อิทธิพลที่เด็ดขาดของหลักการสร้างสรรค์ของเขาที่มีต่อนักดนตรีชั้นนำเกือบทั้งหมดในศตวรรษของเรานั้นไม่ได้ทำให้เราลบ Stravinsky ออกจากภาพรวมของการพัฒนาศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 การรวมบท monographic นี้ในตำราเรียนวรรณกรรมดนตรีต่างประเทศก็เนื่องมาจากลักษณะเฉพาะของหลักสูตรที่โรงเรียน: เมื่อถึงเวลาที่พวกเขาศึกษาดนตรีต่างประเทศของศตวรรษที่ 20 นักเรียนไม่คุ้นเคยกับบุคลิกภาพหรือ เพลงของ I. Stravinsky พวกเขาจะหันไปที่หน้านี้ของศิลปะดนตรีเฉพาะเมื่อสิ้นสุดหลักสูตรที่สี่โดยพิจารณาเฉพาะช่วงแรกของงานนักแต่งเพลงชาวรัสเซียเท่านั้น

ความสนใจของผู้เรียบเรียงและผู้แต่งหนังสือเรียนมุ่งเน้นไปที่การแสดงกระบวนการทางดนตรีและประวัติศาสตร์ทั่วไปของยุคนั้นที่อยู่ระหว่างการพิจารณา และในการวิเคราะห์ผลงานที่โดดเด่นที่สุดที่กลายเป็นงานคลาสสิกแห่งศตวรรษของเรา ในมุมมองของความซับซ้อนเป็นพิเศษของเหตุการณ์ต่างๆ ของศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ความแตกต่าง ทางแยกระหว่างกัน และการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว บททบทวนจึงครอบคลุมพื้นที่ในหนังสือเล่มนี้มากกว่าฉบับที่แล้วมาก อย่างไรก็ตาม ตามหลักการของระเบียบวิธีวิทยานิพนธ์ ผู้เรียบเรียงพยายามที่จะให้ความสำคัญกับการวิเคราะห์งานดนตรี ซึ่งในกรณีนี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อแสดงความหลากหลายของวิธีการสร้างสรรค์ วิธีคิด การตัดสินใจเกี่ยวกับโวหารที่แตกต่างกัน และความหลากหลายของ เทคนิคการแต่งเพลงของปรมาจารย์แห่งศตวรรษของเรา

เนื่องจากหนังสือเล่มนี้ให้ภาพกว้างๆ ของศิลปะดนตรี และการวิเคราะห์ในหลายกรณีก็ซับซ้อนมาก (ซึ่งส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยเนื้อหาเอง) ผู้เรียบเรียงจึงพิจารณาว่าเป็นไปได้ที่จะกล่าวถึงหนังสือเรียนนี้กับนักเรียนไม่เพียงแต่ การแสดง แต่ยังรวมถึงแผนกทฤษฎีของโรงเรียนดนตรีด้วย เนื้อหาของหนังสือเล่มนี้ช่วยให้สามารถเลือกแนวทางในกระบวนการศึกษาได้ ความลึกและรายละเอียดของการศึกษาบทต่างๆ ถูกกำหนดโดยครูเอง ขึ้นอยู่กับระดับความพร้อมของนักเรียน วัสดุอุปกรณ์ในกระบวนการศึกษาพร้อมโน้ตและบันทึกเสียง และจำนวนชั่วโมงที่หลักสูตรจัดสรรสำหรับส่วนนี้ ของหลักสูตร
ผู้เขียนกลุ่มใหญ่ทำงานเกี่ยวกับหนังสือเล่มนี้ ดังนั้นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ในการนำเสนอเนื้อหาในรูปแบบต่างๆ ในเวลาเดียวกัน คอมไพเลอร์พยายามรักษาหลักการระเบียบวิธีแบบเดียวกัน

เนื้อหา
จากคอมไพเลอร์
วิธีการพัฒนาศิลปะดนตรีต่างประเทศของศตวรรษที่ XX
วัฒนธรรมดนตรีของออสเตรีย
กุสตาฟ มาห์เลอร์
ความคิดสร้างสรรค์ของแกนนำ “บทเพลงของลูกศิษย์เดินทาง”
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ ซิมโฟนีแรก
อาร์โนลด์ เชงแบร์ก
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
"ผู้รอดชีวิตจากวอร์ซอ"
อัลบัน แบร์ก
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ละครเพลง Wozzeck
คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและออเคสตรา
แอนตัน เวเบอร์น
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
วัฒนธรรมทางดนตรีของประเทศเยอรมนี
ริชาร์ด สเตราส์
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ บทกวีไพเราะ "Don Juan" และ "Til Ulenspiegel"
พอล ฮินเดมิท
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ ซิมโฟนี "ศิลปินมาติส"
CARL ORF
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ประเภทหลักของงานของ Karl Orff และคุณลักษณะของพวกเขา
โอเปร่า "สาวฉลาด"
"คาร์มีน่า บูรณะ"
อิกอร์ สตราวินสกี้
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
"ซิมโฟนีแห่งสดุดี"
โอเปร่า "Oedipus Rex"
วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส
อาร์เธอร์ โอเนกเกอร์
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละครและคำปราศรัย Oratorio "โจนออฟอาร์คที่เสา"
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ ซิมโฟนีที่สาม ("พิธีกรรม")
ดาเรียส มิโจ
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
แกนนำ-เครื่องดนตรี, ความคิดสร้างสรรค์. "ปราสาทแห่งไฟ"
Francis Poulenc
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
โอเปร่า "เสียงของมนุษย์"
วัฒนธรรมดนตรีของสเปน
มานูเอล เด ฟอลลา
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
บัลเล่ต์ "ความรักคือแม่มด"
โอเปร่า "ชีวิตสั้น"

คลังเพลง เราดีใจที่คุณพบและดาวน์โหลดสื่อที่คุณสนใจในคลังเพลงของเรา ห้องสมุดมีการอัพเดทผลงานและวัสดุใหม่ๆ อยู่เสมอ และครั้งต่อไปคุณจะพบกับสิ่งใหม่และน่าสนใจสำหรับคุณอย่างแน่นอน ห้องสมุดของโครงงานเสร็จสมบูรณ์ตามหลักสูตร ตลอดจนสื่อการสอนที่แนะนำสำหรับการสอนและการขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของนักเรียน ทั้งนักเรียนและครูจะพบข้อมูลที่เป็นประโยชน์ที่นี่ ห้องสมุดยังนำเสนอวรรณกรรมระเบียบวิธี สัตว์เลี้ยงของเรา นักแต่งเพลงและนักแสดง ศิลปินร่วมสมัย ที่นี่คุณจะได้พบกับชีวประวัติของศิลปินที่มีชื่อเสียง นักแต่งเพลง นักดนตรีที่มีชื่อเสียงตลอดจนผลงานของพวกเขา ในส่วนงาน เราโพสต์บันทึกการแสดงที่จะช่วยคุณในการเรียนรู้ คุณจะได้ยินเสียงของงานนี้ สำเนียง และความแตกต่างของงาน เรากำลังรอคุณอยู่ที่ classON.ru VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin 1810 - 1949 การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย เธอมีมากขึ้นเรื่อย ๆ ตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 10 ก่อนคริสต์ศักราช ทัศนศิลป์กำลังพัฒนา และศิลปินวาดภาพนักดนตรีที่ประกอบพิธีทางศาสนา การรณรงค์ทางทหาร การล่าสัตว์ ขบวนแห่อันเคร่งขรึม การเต้นรำด้วยการร้องเพลงและการเล่นเครื่องดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพดังกล่าวได้รับการเก็บรักษาไว้บนผนังของวัดและแจกันเซรามิกที่พบในระหว่างการขุดค้น การเขียนปรากฏขึ้น - และผู้แต่งต้นฉบับแนะนำข้อความบทกวีของเพลงและเพลงสวดให้ข้อมูลที่น่าสนใจเกี่ยวกับชีวิตดนตรี เมื่อเวลาผ่านไป นักเขียนให้ความสนใจอย่างมากกับการอภิปรายเชิงปรัชญาเกี่ยวกับดนตรี สังคมที่สำคัญ รวมถึงบทบาททางการศึกษา ตลอดจนการศึกษาเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับองค์ประกอบของภาษา ข้อมูลนี้ส่วนใหญ่ได้รับการเก็บรักษาไว้เกี่ยวกับดนตรีในบางประเทศของโลกโบราณ เช่น ในจีนโบราณ อินเดียโบราณ อียิปต์โบราณ โดยเฉพาะในประเทศที่เรียกว่าโบราณ - กรีกโบราณและโรมโบราณซึ่งเป็นรากฐานของวัฒนธรรมยุโรป ถูกวาง2. บทนำ ดนตรีตั้งแต่สมัยโบราณถึง J.S. Bach ลูก ๆ ที่รัก! ปีที่แล้วคุณมีบทเรียนในวรรณคดีดนตรีแล้ว พวกเขาหารือเกี่ยวกับองค์ประกอบพื้นฐานของภาษาดนตรี รูปแบบและแนวดนตรีบางประเภท ความเป็นไปได้ในการแสดงและภาพของดนตรี และวงออเคสตรา ในเวลาเดียวกัน การสนทนาดำเนินไปอย่างอิสระเกี่ยวกับยุคต่างๆ - ไม่ว่าจะเกี่ยวกับสมัยโบราณหรือเกี่ยวกับความทันสมัย ​​หรือย้อนกลับไปหลายศตวรรษซึ่งห่างไกลจากเราน้อยลงหรือมากขึ้น และตอนนี้ก็ถึงเวลาทำความคุ้นเคยกับวรรณกรรมดนตรีตามลำดับเวลา - ประวัติศาสตร์ - ลำดับที่1 เกี่ยวกับดนตรีในกรีกโบราณ เราได้รับข้อมูลเกี่ยวกับดนตรีของโลกโบราณได้อย่างไร หลักฐานที่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับบทบาททางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ของสมัยโบราณคือความจริงที่ว่าในกรีกโบราณในศตวรรษที่ 8 ก่อนคริสต์ศักราช การแข่งขันกีฬาสาธารณะ - การแข่งขันกีฬาโอลิมปิก - เกิดขึ้น . และสองศตวรรษต่อมา การแข่งขันดนตรีเริ่มขึ้นที่นั่น - เกม Pythian ซึ่งถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลของการแข่งขันสมัยใหม่ เกม Pythian จัดขึ้นที่วัดซึ่งสร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ Apollo เทพเจ้าแห่งดวงอาทิตย์และแสงสว่าง ตามตำนานเมื่อเอาชนะงูหลามยักษ์ตัวเขาเองได้ก่อตั้งเกมเหล่านี้ขึ้น เป็นที่ทราบกันดีว่าเมื่อแซกกัดจากเมืองอาร์กอสชนะแล้ว เล่นบน aulos ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมใกล้กับโอโบ ซึ่งเป็นรายการเล่นเกี่ยวกับการต่อสู้ของอพอลโลด้วย Python สำหรับดนตรีกรีกโบราณมีความเกี่ยวข้องกับกวีนิพนธ์ เต้นรำ, โรงละคร. บทกวีมหากาพย์ผู้กล้าหาญ "Iliad" และ "Odyssey" ซึ่งมาจากกวีในตำนาน Homer ถูกขับร้องด้วยเสียงร้อง นักร้องมักจะเหมือนกับออร์ฟัสในตำนานผู้เขียนทั้งข้อความกวีและดนตรีและพวกเขาก็มาพร้อมกับพิณ มีการบรรเลงเพลงประสานเสียงพร้อมการแสดงโขน ในโศกนาฏกรรมและคอเมดี้ของกรีกโบราณ คณะนักร้องประสานเสียงมีบทบาทอย่างมาก: เขาให้ความเห็นเกี่ยวกับการกระทำ แสดงทัศนคติของเขา ขณะขุดค้น นักโบราณคดีพบเครื่องดนตรีที่ง่ายที่สุด (เช่น เครื่องมือลม - กระดูกสัตว์ที่มีรูเจาะ) และตั้งใจแน่วแน่ ที่พวกเขาสร้างขึ้นเมื่อประมาณสี่หมื่นปีก่อน ดังนั้นศิลปะดนตรีจึงมีอยู่แล้ว หลังจากที่แผ่นเสียงถูกประดิษฐ์ขึ้นในปี พ.ศ. 2420 ซึ่งเป็นเครื่องมือแรกสำหรับการบันทึกเสียงด้วยกลไกและการจำลองเสียง นักดนตรีและนักวิจัยก็เริ่มเดินทางไปยังมุมต่างๆ ของโลก ซึ่งชนเผ่าบางเผ่ายังคงมีวิถีชีวิตดั้งเดิม จากตัวแทนของชนเผ่าดังกล่าว ด้วยความช่วยเหลือของแผ่นเสียง พวกเขาบันทึกตัวอย่างการร้องเพลงและเพลงบรรเลง แต่แน่นอนว่าการบันทึกดังกล่าวเป็นเพียงแนวคิดคร่าวๆ ว่าดนตรีเป็นอย่างไรในสมัยโบราณ คำว่า "ลำดับเหตุการณ์" (หมายถึง "ลำดับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในเวลา") มาจากคำภาษากรีกสองคำคือ "โครโนส" ("เวลา") และ "โลโก้" ("หลักคำสอน") 1 คำภาษาละติน "antiguus" หมายถึง "โบราณ" คำว่า "โบราณ" มาจากคำนี้หมายถึงประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของกรีกโบราณและโรมโบราณ 2 2 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียตามการกระทำของวีรบุรุษ นักดนตรีสมัยใหม่มีข้อมูลบางอย่างเกี่ยวกับดนตรีในโลกยุคโบราณและยังอิจฉานักประวัติศาสตร์ด้านศิลปะอื่นๆ สำหรับอนุสาวรีย์ที่งดงามของสถาปัตยกรรมโบราณจำนวนมาก ศิลปกรรมโบราณ โดยเฉพาะอย่างยิ่งประติมากรรม ได้รับการอนุรักษ์ ต้นฉบับจำนวนมากที่มีข้อความของโศกนาฏกรรมและคอเมดี้โดยนักเขียนบทละครโบราณผู้ยิ่งใหญ่ได้ถูกค้นพบ แต่งานดนตรีที่สร้างขึ้นในยุคเดียวกันและแม้กระทั่งในเวลาต่อมาก็ยังไม่เป็นที่รู้จักสำหรับเรา ทำไมมันเกิดขึ้น? ความจริงก็คือมันเป็นงานที่ยากมากในการประดิษฐ์ระบบโน้ตดนตรี (โน้ต) ที่แม่นยำและสะดวกสบายเพียงพอ ซึ่งเป็นระบบที่คุณแต่ละคนเชี่ยวชาญเมื่อคุณเพิ่งเริ่มเรียนดนตรี ต้องใช้เวลาหลายศตวรรษในการแก้ปัญหา จริงอยู่ ชาวกรีกโบราณคิดค้นสัญกรณ์ตัวอักษร พวกเขากำหนดขั้นตอนของโหมดดนตรีด้วยตัวอักษรบางตัว แต่ไม่ได้เพิ่มสัญญาณจังหวะ (จากขีดกลาง) เสมอไป ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เท่านั้น นักวิทยาศาสตร์ได้ไขความลับของสัญกรณ์นี้ อย่างไรก็ตาม หากพวกเขาสามารถถอดรหัสอัตราส่วนของเสียงที่มีความสูงในต้นฉบับดนตรีกรีกโบราณได้อย่างแม่นยำ อัตราส่วนของระยะเวลาจะอยู่ที่ประมาณเท่านั้น ยิ่งไปกว่านั้น ยังพบต้นฉบับน้อยมาก และมีบันทึกของงานโมโนโฟนิกเพียงไม่กี่ชิ้น (เช่น เพลงสวด) และบ่อยครั้งกว่านั้น - ชิ้นส่วนของต้นฉบับ ทัศนวิสัยที่เพียงพอ ดังนั้นนักดนตรีจึงใช้ไอคอนคำใบ้เสริมมานานแล้ว ไอคอนเหล่านี้ถูกวางไว้เหนือคำพูดของบทสวดและแสดงถึงเสียงเดี่ยวหรือกลุ่มย่อย พวกเขาไม่ได้ระบุอัตราส่วนที่แน่นอนของเสียงทั้งในส่วนสูงหรือในระยะเวลา แต่ด้วยการจารึกของพวกเขา พวกเขาเตือนนักแสดงถึงทิศทางของท่วงทำนองที่รู้จักมันด้วยใจและส่งต่อจากรุ่นสู่รุ่น ในประเทศแถบยุโรปตะวันตกและยุโรปกลาง ซึ่งจะมีการกล่าวถึงเพลงในหนังสือเรียนเล่มนี้ต่อไป ไอคอนดังกล่าวเรียกว่า neumes neumes ถูกใช้เพื่อบันทึกเพลงสวดคาทอลิกโบราณ - บทสวดเกรกอเรียน ชื่อสามัญนี้มาจากพระนามของสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 3 ตามตำนานเล่าว่า เมื่อปลายศตวรรษที่ 6 เขาได้รวบรวมคอลเลกชั่นหลักของบทสวดแบบโมโนโฟนิกเหล่านี้ ตั้งใจให้แสดงระหว่างพิธีในโบสถ์โดยผู้ชายและเด็กผู้ชายเท่านั้น - ร้องเดี่ยวและพร้อมเพรียงกันโดยคณะนักร้องประสานเสียง พวกเขาจะเขียนข้อความสวดมนต์แบบละติน แต่ในศตวรรษที่ 11 นักบวชชาวอิตาลีชื่อ Guido d'Arezzo ("จาก Arezzo") ได้คิดค้นวิธีการบันทึกแบบใหม่ เขาสอนนักร้องประสานเสียงในอารามและต้องการให้พวกเขาจดจำบทสวดฝ่ายวิญญาณได้ง่ายขึ้น เมื่อถึงเวลานั้น neumes เริ่มวางบนเส้นแนวนอนด้านบนและด้านล่างเส้นนี้สอดคล้องกับเสียงเฉพาะหนึ่งเสียงและกำหนดระดับความสูงโดยประมาณของการบันทึก และ Guido ได้แนวคิดในการวาดเส้นขนานสี่เส้น ทันที (“ไม้บรรทัด”) ที่ระยะห่างเท่ากันจากกันและกันและวาง neumes บนพวกเขาและระหว่างพวกเขา นี่คือวิธีที่บรรพบุรุษของทีมงานดนตรีสมัยใหม่ - เหมือนผืนผ้าใบที่เรียงรายอย่างเคร่งครัดซึ่งทำให้สามารถระบุอัตราส่วนระดับเสียงได้อย่างแม่นยำ โดยโทนเสียงและ semitones และในขณะเดียวกันโน้ตดนตรีก็มีภาพมากขึ้น - เหมือนภาพวาดที่แสดงถึงการเคลื่อนไหวของท่วงทำนอง การโค้งงอ เสียงที่สอดคล้องกับผู้ปกครอง Guido ได้กำหนดตัวอักษรของตัวอักษรละติน สไตล์ของพวกเขาเริ่มต้นขึ้น ต่อมาเปลี่ยนเป็นป้ายที่เรียกว่ากุญแจ "นั่ง" บนไม้บรรทัดและระหว่างพวกเขาเมื่อเวลาผ่านไปพวกเขากลายเป็นบันทึกย่อแยกกันซึ่งในตอนแรกศีรษะมีรูปร่างเป็นสี่เหลี่ยม คำถามและภารกิจ 1. นักวิทยาศาสตร์ระบุว่าเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดถูกสร้างขึ้นเมื่อใด มันพูดว่าอะไร? 2. แผ่นเสียงคืออะไร ประดิษฐ์ขึ้นเมื่อใด และนักวิจัยเริ่มใช้อย่างไร 3.เกี่ยวกับดนตรีของประเทศใดในโลกโบราณ ข้อมูลส่วนใหญ่ถูกเก็บรักษาไว้? กำหนดบนแผนที่ - รอบ ๆ ทะเลสามประเทศดังกล่าวตั้งอยู่ 4. การแข่งขันดนตรีโบราณ - Pythian Games - เริ่มจัดขึ้นเมื่อใดและที่ไหน? 5. ดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะใดในกรีกโบราณ? 6. ชาวกรีกโบราณประดิษฐ์สัญกรณ์อะไร? มันไม่ถูกต้องในทางใด? ตำแหน่ง "สมเด็จพระสันตะปาปาแห่งโรม" จัดขึ้นโดยนักบวชที่เป็นหัวหน้าคริสตจักรคาทอลิกในฐานะองค์กรทางจิตวิญญาณระหว่างประเทศ นิกายโรมันคาทอลิกเป็นหนึ่งในลัทธิคริสต์นิกายออร์โธดอกซ์และโปรเตสแตนต์ 4 ชาวโรมันโบราณพูดภาษาละติน หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันในปี 476 ภาษาละตินก็ค่อยๆ หยุดพูด จากนั้นจึงเรียกว่าภาษาโรมานซ์ - อิตาลี, ฝรั่งเศส, สเปน, โปรตุเกส 3 วิธีสร้างสัญกรณ์ที่สะดวกขึ้นในยุคกลาง (จุดเริ่มต้นของช่วงเวลาประวัติศาสตร์นี้ถือเป็นโฆษณาศตวรรษที่ 6) สัญกรณ์ตัวอักษรเกือบลืมไปแล้ว 3 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ข่าวลือเกี่ยวกับวิธีการบันทึกแบบใหม่ - เช่นเดียวกับปาฏิหาริย์บางอย่าง - ถึง Pope John XIX เขาเรียก Guido มากับตัวเองและร้องเพลงที่ไม่รู้จักตามบันทึกที่คิดค้นขึ้น ในอนาคตจำนวนไม้บรรทัดคู่ขนานมีการเปลี่ยนแปลงหลายครั้ง มันเกิดขึ้น - เพิ่มขึ้นเป็นสิบแปด เฉพาะตอนปลายศตวรรษที่ 17 เท่านั้นที่พนักงานห้าบรรทัดในปัจจุบัน "ชนะ" นอกจากนี้ยังใช้คีย์ต่างๆ มากมาย เฉพาะในศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่เสียงแหลมและเบสกลายเป็นกุญแจสำคัญ หลังจากการประดิษฐ์ Guido d'Arezzo งานยากอีกอย่างหนึ่งได้รับการแก้ไขเป็นเวลานาน - วิธีปรับปรุงสัญกรณ์เพื่อระบุอัตราส่วนที่แน่นอนของเสียงไม่เพียง แต่ในความสูง แต่ยังอยู่ในระยะเวลา หลังจากนั้นครู่หนึ่งพวกเขาก็นึกถึง โดยใช้สัญลักษณ์ทางดนตรีสำหรับสิ่งนี้ รูปทรงต่างกัน กฎทั่วไปหลายข้อถูกเพิ่มเข้าไปในสิ่งนี้ในตอนแรก ทำให้ยากต่อการนำไปใช้ในทางปฏิบัติ และในช่วงหลายศตวรรษ สัญกรณ์ที่สะดวกยิ่งขึ้นก็ค่อยๆ พัฒนาขึ้น ซึ่งเป็นสิ่งที่เราทำต่อ มาใช้ตอนนี้ หลังจากเริ่มศตวรรษที่ 17 ก็มีการปรับปรุงในรายละเอียดเท่านั้น และหลักจังหวะของมันที่ค้นหามาแสนนานตอนนี้ก็ดูจะง่ายที่สุดแล้ว ประกอบด้วยบันทึกทั้งฉบับ ในระยะเวลาเท่ากับสองส่วนเสมอ - แตกต่างกันในสไตล์, ครึ่งหนึ่ง - สองในสี่, หนึ่งในสี่ - สองในแปดและอื่น ๆ ที่แท่งเริ่มแยกแท่งในศตวรรษที่ 16 และขนาดที่จุดเริ่มต้นของ โน้ตดนตรีถูกระบุโดยไม่ล้มเหลว คือตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 อย่างไรก็ตามในเวลานั้นไม่เพียง แต่ต้นฉบับดนตรีเท่านั้น แต่ยังพิมพ์โน้ตด้วย สำหรับการพิมพ์เพลงเริ่มขึ้นไม่นานหลังจากการประดิษฐ์การพิมพ์ - ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ในโลกยุคโบราณและเป็นเวลานานในยุคกลาง ดนตรีมักจะเป็นแบบโมโนโฟนิก มีข้อยกเว้นเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ตัวอย่างเช่น นักร้องเล่นเพลงและพากย์เสียง (นั่นคือ เล่นพร้อมกัน) ขณะเล่นเครื่องดนตรี ในเวลาเดียวกัน เสียงและเครื่องมือในบางครั้งอาจแยกย้ายกันไปเล็กน้อย เบี่ยงเบนจากกันและกัน และในไม่ช้าก็มาบรรจบกันอีกครั้ง ดังนั้นในกระแสเสียงแบบโมโนโฟนิก "เกาะ" ของเสียงสองเสียงจึงเกิดขึ้นและหายไป แต่ในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุคแรกและยุคที่สองของเรา โกดังโพลีโฟนิกเริ่มพัฒนาอย่างต่อเนื่องและต่อมาได้กลายเป็นที่โดดเด่นในศิลปะดนตรีระดับมืออาชีพ การก่อตัวที่ซับซ้อนและยาวนานนี้เน้นที่ด้านดนตรีของคริสตจักรคาทอลิกเป็นหลัก คดีเริ่มต้นด้วยการประดิษฐ์ (โดยใคร - ไม่ทราบ) ของเทคนิคต่อไปนี้ นักร้องคนหนึ่ง (หรือนักร้องหลายคน) แสดงเสียงหลัก - ทำนองเพลงเกรกอเรียนที่นุ่มนวลช้าๆ และเสียงที่สองเคลื่อนไหวขนานกันอย่างเคร่งครัด - เป็นจังหวะเดียวกันตลอดเวลาเท่านั้นที่ระยะห่างของอ็อกเทฟหรือควอร์ตหรือห้าส่วน ถึงหูของเราแล้ว ฟังดูน่าสงสารมาก "ว่างเปล่า" แต่เมื่อพันปีที่แล้ว เสียงร้องดังก้องอยู่ใต้ซุ้มประตูโบสถ์ มหาวิหาร ที่ตื่นตาตื่นใจและยินดี ได้เปิดโอกาสใหม่ๆ ในการสื่อความหมายสำหรับดนตรี หลังจากนั้นไม่นาน นักดนตรีในโบสถ์เริ่มมองหาวิธีการนำเสียงที่สองที่ยืดหยุ่นและหลากหลายมากขึ้น จากนั้นพวกเขาก็เริ่มผสมผสานเสียงสามสี่เสียงเข้าด้วยกันอย่างชำนาญมากขึ้นเรื่อย ๆ ต่อมาบางครั้งก็มีเสียงมากขึ้น คำถามและภารกิจ 1. อะไรไม่สะดวกในทางปฏิบัติสัญกรณ์จดหมาย? 2. neumes บอกอะไรแก่นักร้องประสานเสียงในยุคกลาง? 3. บทสวดเกรกอเรียนคืออะไรและทำไมจึงเรียกว่าบทนี้ 4. อธิบายสาระสำคัญของการประดิษฐ์ของ Guido d'Arezzo 5. งานต่อไปที่จะแก้ไขหลังจากการประดิษฐ์ของ Guido คืออะไร 6. สัญกรณ์ไม่เปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญอีกต่อไปตั้งแต่เมื่อไหร่ นักดนตรีคริสตจักร Perotyn เขาเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของการร้องเพลง ศิลปะ - Parisian "School of Notre Dame" ("School of Our Lady") บทสวดของ Perotin ฟังในอาคารที่มีความงามโดดเด่นนี่คืออนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงของสถาปัตยกรรมกอธิคยุคกลางซึ่งอธิบายโดยนักเขียนชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ XIX Victor Hugo ในเรื่องที่มีชื่อเสียง ในนวนิยายเรื่อง "วิหารนอเทรอดาม" โพลีโฟนีเริ่มพัฒนาในเพลงอย่างไร โพลิโฟนีจึงเริ่มพัฒนา แปลจากภาษากรีกคำนี้แปลว่า "พหุโฟนี" แต่พหุโฟนีจะเรียกเฉพาะพลีโฟนีประเภทนี้เท่านั้น เสียงที่เท่าเทียมกันตั้งแต่สองเสียงขึ้นไปพร้อมกัน นอกจากนี้ แต่ละเสียงยังมีแนวไพเราะที่เป็นอิสระ ถ้าเสียงหนึ่งนำไปสู่เมโลดี้หลักในขณะที่คนอื่น ๆ อยู่ภายใต้ (ประกอบ, มากับมัน) นี่ก็เป็นพหูพจน์ - อีก ต้องขอบคุณการปรับปรุงของสัญกรณ์ค่อยๆโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากศตวรรษที่ 13 ต้นฉบับดนตรีเริ่มมีมากขึ้น และถอดรหัสได้แม่นยำยิ่งขึ้น สิ่งนี้ทำให้เป็นไปได้ที่จะทำความคุ้นเคยกับข้อมูลเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีในสมัยก่อนด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความสำเร็จของสัญกรณ์ใกล้เคียงกับจุดเริ่มต้นของการพัฒนาโพลีโฟนีซึ่งเป็นเวทีสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี 4 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย มวลกลายเป็นประเภทดนตรีที่สำคัญ มิสซาสามัญ 5 ประกอบด้วยบทสวดหลักหกบทสำหรับบทสวดมนต์ภาษาละติน เหล่านี้คือ "Kiriyo Eleison" ("พระเจ้า โปรดเมตตา") "Gloria" ("Glory"), "Credo" ("ฉันเชื่อ"), "Sanctus" ("Holy"), "Benedictus" ("Blessed" ) และ “ Agnus Dei" ("ลูกแกะของพระเจ้า") ในขั้นต้น บทสวดเกรกอเรียนดังขึ้นเป็นเสียงเดียวในฝูง แต่ราวๆ ศตวรรษที่ 15 มวลได้กลายเป็นวัฏจักรของชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน 6 ในเวลาเดียวกัน การลอกเลียนแบบก็เริ่มถูกนำมาใช้อย่างชำนาญมาก แปลจากภาษาละตินว่า "เลียนแบบ" แปลว่า "เลียนแบบ" ในดนตรี บางครั้งเราสามารถเลียนแบบเสียงพิเศษของดนตรีได้ ตัวอย่างเช่น เสียงนกไนติงเกล เสียงเรียกของนกกาเหว่า เสียงของคลื่นทะเล จากนั้นจะเรียกว่าสร้างคำหรือสร้างคำ และการเลียนแบบในดนตรีเป็นเทคนิคดังกล่าวเมื่อหลังจากทำนองที่ลงท้ายด้วยเสียงหนึ่ง เสียงอื่น (หรือไม่ถูกต้องทีเดียว) ซ้ำจากเสียงอื่น เสียงอื่นอาจเข้ามาในลักษณะเดียวกัน ในดนตรีพ้องเสียง การเลียนแบบอาจปรากฏขึ้นชั่วครู่ และในเพลงโพลีโฟนิก นี่เป็นหนึ่งในวิธีหลักในการพัฒนา ช่วยให้การเคลื่อนไหวไพเราะเกือบจะต่อเนื่อง: การหยุดชั่วคราวและจังหวะพร้อมกันในทุกเสียงเกิดขึ้นในเพลงโพลีโฟนิกเท่านั้นในรูปแบบของข้อยกเว้นที่หายาก7 เมื่อผสมผสานการเลียนแบบกับอุปกรณ์โพลีโฟนิกอื่น ๆ นักแต่งเพลงทำให้ฝูงของพวกเขาเป็นงานประสานเสียงขนาดใหญ่ซึ่งมีเสียงสี่หรือห้าเสียงพันกันเป็นผ้าเสียงที่ซับซ้อน ในนั้นท่วงทำนองของบทสวดเกรกอเรียนนั้นแยกแยะได้ยากและยากที่จะได้ยินคำอธิษฐาน มีแม้กระทั่งมวลชนที่ใช้ท่วงทำนองของเพลงฆราวาสยอดนิยมเป็นเพลงหลัก สถานการณ์นี้ทำให้เจ้าหน้าที่ฝ่ายวิญญาณคาทอลิกกังวลสูงสุด ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 16 โดยทั่วไปจะมีการห้ามการร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกระหว่างพิธีในโบสถ์ แต่การห้ามดังกล่าวไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่ยอดเยี่ยม Palestrina ซึ่งใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในกรุงโรมและอยู่ใกล้กับราชสำนักของสมเด็จพระสันตะปาปา (ชื่อเต็มของเขาคือ Giovanni Pierluigi da Palestrina นั่นคือ "จาก Palestrina" - เมืองเล็กๆ ใกล้กรุงโรม) ปาเลสไตน์พร้อมกับมวลชนของเขา (และเขาเขียนมากกว่าหนึ่งร้อยคน) จัดการลักษณะที่ปรากฏของพหุเสียง เนื่องจากดนตรีประกอบมีพื้นฐานเกี่ยวกับคอร์ด-ฮาร์โมนิก คลังเสียงของการนำเสนอดนตรีจึงเรียกอีกอย่างว่าเสียงประสาน-ฮาร์โมนิก คำถามและภารกิจ 1. ต้นฉบับดนตรีถูกถอดรหัสมากขึ้นเรื่อย ๆ ตั้งแต่เมื่อไหร่? 2. ความสำเร็จของโน้ตตรงกับเวทีใหม่ที่สำคัญอะไรในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี? 3. โพลีโฟนีค่อยๆก่อตัวในเพลงอะไรและบนพื้นฐานของท่วงทำนองอะไร? 4. อะไรคือเสียงสองเสียงคู่ขนาน? ร้องเพลงคู่ขนานหลายสี่ ห้า และอ็อกเทฟ 5. ความแตกต่างระหว่างพหุเสียงกับพ้องเสียงคืออะไร? โพลีโฟนียังคงพัฒนาต่อไปอย่างไร ในขณะที่โพลิโฟนีเริ่มพัฒนาในการร้องเพลงของโบสถ์ โมโนโฟนียังคงครอบงำในดนตรีฆราวาส ตัวอย่างเช่น การบันทึกเพลงโมโนโฟนิกจำนวนมากซึ่งแต่งและดำเนินการโดยกวี-นักร้องยุคกลางในศตวรรษที่ 12-14 ได้ถูกถอดรหัสแล้ว ในภาคใต้ของฝรั่งเศสในโพรวองซ์พวกเขาถูกเรียกว่า troubadours ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส - trouvers ในเยอรมนี - minnesingers หลายคนเป็นอัศวินที่มีชื่อเสียงและในเพลงของพวกเขามักจะร้องเพลงถึงความงดงามและคุณธรรมของ "นางงาม" ที่พวกเขาบูชา ท่วงทำนองของเพลงของกวี-นักร้องเหล่านี้มักจะใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้าน รวมทั้งเพลงเต้นรำ และจังหวะก็อยู่ภายใต้จังหวะของข้อความบทกวี ต่อมาในศตวรรษที่ XIV-XVI กวี - นักร้องชาวเยอรมันจากบรรดาช่างฝีมือรวมตัวกันในการประชุมเชิงปฏิบัติการเรียกตัวเองว่า Meistersingers (“ นักร้องหลัก”) โพลีโฟนีของคริสตจักรและโมโนโฟนีเพลงฆราวาสไม่ได้ถูกแยกออกจากกัน ดังนั้นใน เสียงที่เพิ่มเข้ามาในบทสวดฝ่ายวิญญาณของบทสวดเกรกอเรียน อิทธิพลของเพลงฆราวาส (เช่น เพลงของนักร้องและคณะนักร้องประสานเสียง) เริ่มสังเกตเห็นได้ชัดเจน ในเวลาเดียวกันในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 งานโพลีโฟนิกทางโลกล้วนปรากฏในฝรั่งเศส โดยที่ส่วนของเสียงทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากท่วงทำนองเพลงและตัวบทไม่ได้แต่งเป็นภาษาละติน แต่เป็นภาษาฝรั่งเศส เมื่อเวลาผ่านไปในเพลงของคริสตจักรคาทอลิกยังมีมวลชนพิเศษที่กำหนดเวลาให้ตรงกับวันหยุดของโบสถ์ จำได้ว่าเป็นวัฏจักร เป็นผลงานของส่วนต่างๆ ที่แยกจากกัน (หรือชิ้นส่วน) ที่รวมกันเป็นหนึ่งโดยความคิดร่วมกัน ) เป็นเทิร์นที่ไพเราะและกลมกลืนที่เติมเต็มบทเพลงทั้งหมดหรือส่วนที่ 5 6 5 www.classON.ru การศึกษาในขอบเขตของศิลปะรัสเซียเพื่อพิสูจน์ว่าการประพันธ์แบบโพลีโฟนิกในขณะที่ยังคงมีความชำนาญมากสามารถให้เสียงที่โปร่งใสและสามารถได้ยินข้อความเกี่ยวกับพิธีกรรมได้อย่างชัดเจน ดนตรีของชาวปาเลสไตน์เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของการประสานเสียงประสานเสียงแบบโบราณที่เรียกว่ารูปแบบเข้มงวด มันนำเราไปสู่โลกแห่งการไตร่ตรองอย่างประเสริฐ - ราวกับว่ามันแผ่รัศมีที่สงบนิ่งและสม่ำเสมอ กวี นักดนตรี นักวิทยาศาสตร์ และผู้รักศิลปะ พวกเขาถูกครอบงำด้วยความคิดที่จะสร้างการร้องเพลงเดี่ยวที่แสดงออกในรูปแบบใหม่พร้อมกับการบรรเลงและผสมผสานเข้ากับการแสดงละคร นี่คือที่มาของโอเปร่าชุดแรกซึ่งพล็อตที่นำมาจากตำนานโบราณ อย่างแรกคือ “แดฟนี” แต่งโดยผู้แต่งจาโคโป เปริ (ร่วมกับวาย. เกาหลี) และกวีโอ. ดำเนินการในปี ค.ศ. 1597 ในเมืองฟลอเรนซ์ (งานโดยรวมยังไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้) ในตำนานเทพเจ้ากรีกโบราณ Daphne เป็นลูกสาวของเทพแห่งแม่น้ำ Ladon และเทพธิดาแห่งดิน Gaia หนีจากการประหัตประหารของ Apollo เธอสวดอ้อนวอนเพื่อขอความช่วยเหลือจากเหล่าทวยเทพและกลายเป็นลอเรล (ในภาษากรีก "แดฟนี" - "ลอเรล") - ต้นไม้ศักดิ์สิทธิ์ของอพอลโล เนื่องจากอพอลโลถือเป็นเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์ของศิลปะ ผู้ชนะของเกม Pythian จึงได้รับการสวมมงกุฎด้วยพวงหรีดลอเรล ผู้ก่อตั้งซึ่งถือเป็นอพอลโล พวงหรีดลอเรลและกิ่งลอเรลที่แยกจากกันได้กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งชัยชนะ สง่าราศี และรางวัล โอเปร่าอีกสองชิ้นที่แต่งขึ้นในปี 1600 (หนึ่งโดย J. Peri และอีกเรื่องโดย G. Caccini) ทั้งคู่เรียกว่า "Eurydice" เพราะทั้งคู่ใช้ข้อความบทกวีเดียวกันตามตำนานกรีกโบราณของนักร้องในตำนาน Orpheus โอเปร่าอิตาลีชุดแรกดำเนินการในพระราชวังและบ้านเรือนของชนชั้นสูง วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องดนตรีโบราณสองสามชิ้น นำโดยนักดนตรีที่เล่น cembalo (ชื่อภาษาอิตาลีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด) ยังไม่มีการทาบทามใดๆ และการเริ่มต้นของการแสดงก็ประกาศด้วยการประโคมทรัมเป็ต และในส่วนของเสียงร้องนั้นมีการท่องจำซึ่งการพัฒนาทางดนตรีนั้นอยู่ภายใต้ข้อความกวี อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า ดนตรีก็เริ่มได้รับความสำคัญที่เป็นอิสระและมีความสำคัญมากขึ้นในโอเปร่า นี่คือข้อดีของนักแต่งเพลงโอเปร่าที่โดดเด่นคนแรก - Claudio Monteverdi โอเปร่าครั้งแรกของเขา - "Orpheus" - จัดแสดงในปี 1607 ใน Mantua ฮีโร่ของเธอเป็นนักร้องในตำนานคนเดิมอีกครั้งที่เอาใจ Hades เทพเจ้าแห่งยมโลกแห่งความตายด้วยงานศิลปะของเขา และเขาได้ปล่อย Eurydice ภรรยาอันเป็นที่รักของ Orpheus สู่โลก แต่สภาพของฮาเดส - ก่อนออกจากอาณาจักรอย่ามองที่ยูริไดซ์ - ออร์ฟัสฝ่าฝืนและสูญเสียเธอไปตลอดกาลอีกครั้ง ดนตรีของ Monteverdi ทำให้เรื่องราวที่น่าเศร้านี้มีการแสดงอารมณ์เชิงโคลงสั้นและน่าทึ่งอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ส่วนเสียงร้อง คณะนักร้องประสานเสียง ตอนของวงออร์เคสตรามีความหลากหลายมากขึ้นในธรรมชาติใน Orpheus ของ Monteverdi ในงานนี้ สไตล์อันไพเราะเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งเป็นลักษณะเด่นที่สำคัญที่สุดของดนตรีโอเปร่าของอิตาลี ตามตัวอย่างของฟลอเรนซ์ โอเปร่าเริ่มเรียบเรียงและแสดงไม่เฉพาะในมันตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในเมืองต่างๆ ของอิตาลี เช่น โรม เวนิส และเนเปิลส์ด้วย ความสนใจในประเภทใหม่เริ่มเกิดขึ้นในประเทศยุโรปอื่น ๆ และคำถามและภารกิจ 1 . ใครคือนักร้อง, troubadour, minnesingers และ mastersingers? 2. มีความเชื่อมโยงระหว่างเสียงประสานของโบสถ์โบราณกับท่วงทำนองเพลงฆราวาสหรือไม่? 3. ตั้งชื่อส่วนหลักของมวลธรรมดา 4. ยกตัวอย่างการสร้างคำในเพลง 5. อะไรเรียกว่าเลียนแบบในดนตรี? 6. ปาเลสไตน์จัดการเพื่อบรรลุผลอะไรกับมวลชนของเขา? กำเนิดของโอเปร่า Oratorio และ cantata ก่อนต้นศตวรรษที่ 17 - ศตวรรษแรกของยุคประวัติศาสตร์ที่เรียกว่า Modern Times - เหตุการณ์ที่มีความสำคัญอย่างยิ่งเกิดขึ้นในศิลปะดนตรี: โอเปร่าเกิดในอิตาลี ดนตรีถูกนำมาใช้ในการแสดงละครต่างๆตั้งแต่สมัยโบราณ ในนั้นพร้อมกับหมายเลขบรรเลงและการร้องประสานเสียงร้องเดี่ยวเช่นเพลงสามารถดำเนินการได้ และในละครโอเปร่า นักร้องและนักร้องกลายเป็นนักแสดงและนักแสดง การร้องเพลงของพวกเขาพร้อมกับวงออเคสตราร่วมกับการแสดงบนเวทีเริ่มถ่ายทอดเนื้อหาหลักของการแสดง มันถูกเติมเต็มด้วยฉาก, เครื่องแต่งกาย, และมักจะเต้น - บัลเล่ต์. ดังนั้นในโอเปร่า ดนตรีจึงนำชุมชนศิลปะต่างๆ ที่ใกล้ชิดกัน นี่เป็นการเปิดโอกาสทางศิลปะใหม่ๆ ให้กับเธอ นักร้องโอเปร่าเริ่มถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์ส่วนบุคคลของผู้คนด้วยพลังที่ไม่เคยมีมาก่อน ทั้งที่สนุกสนานและเศร้าโศก ในเวลาเดียวกัน ความหมายที่สำคัญที่สุดในการแสดงโอเปร่าคือการผสมผสานระหว่างเสียงร้องเดี่ยวกับดนตรีบรรเลงของวงออเคสตรา และถ้าจนถึงศตวรรษที่ 17 ดนตรีมืออาชีพในยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่พัฒนาขึ้นในคริสตจักรและมวลเป็นประเภทที่ใหญ่ที่สุดโรงละครดนตรีก็กลายเป็นศูนย์กลางหลักและประเภทที่ใหญ่ที่สุดคือโอเปร่า ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 ในเมืองฟลอเรนซ์ของอิตาลี กลุ่มที่ 6 ได้รวบรวม www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในด้านศิลปะในรัสเซีย ผู้ปกครองถือเป็นธรรมเนียมที่จะเชิญนักดนตรีชาวอิตาลีเข้ารับราชการในศาล สิ่งนี้มีส่วนทำให้ดนตรีอิตาลีกลายเป็นเพลงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปมาเป็นเวลานาน ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 โอเปร่าแห่งชาติของตัวเองเกิดขึ้นซึ่งแตกต่างจากของอิตาลี ผู้ก่อตั้ง - Jean-Baptiste L yul l และ - ชาวอิตาลีโดยกำเนิด อย่างไรก็ตาม เขาสัมผัสได้ถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมฝรั่งเศสอย่างถูกต้อง และสร้างลักษณะโอเปร่าแบบฝรั่งเศส ในโอเปร่าของ Lully บทสวดและบทเพลงเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่มีลักษณะการบรรยาย ด้านหนึ่ง ครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ และอีกด้านหนึ่ง การเต้นรำบัลเล่ต์ การเดินขบวนอันเคร่งขรึม และคณะนักร้องประสานเสียงที่ยิ่งใหญ่ เครื่องแต่งกายอันงดงาม การแสดงปาฏิหาริย์โดยใช้เครื่องแสดงละคร ทั้งหมดนี้สอดคล้องกับความเฉลียวฉลาดและความงดงามของชีวิตในราชสำนักในรัชสมัยของกษัตริย์หลุยส์ที่ 14 ของฝรั่งเศส โอเปร่าครั้งแรกในเยอรมนี Daphne (1627) สร้างขึ้นโดย Heinrich Schüttz นักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคก่อนบาค แต่เพลงของเธอไม่รอด และไม่มีเงื่อนไขสำหรับการพัฒนาประเภทโอเปร่าในประเทศ: พวกเขามีรูปร่างเฉพาะเมื่อเริ่มศตวรรษที่ 19 เท่านั้น และในงานของ Schutz สถานที่หลักถูกครอบครองโดยองค์ประกอบเสียงร้องที่แสดงออกถึงข้อความทางจิตวิญญาณ ในปี ค.ศ. 1689 โอเปร่าอังกฤษเรื่องแรกคือ Dido และ Aeneas โดย Henry Purcell นักแต่งเพลงที่มีความสามารถโดดเด่นได้แสดงในลอนดอน ดนตรีของโอเปร่านี้ดึงดูดใจด้วยเนื้อร้องที่จริงใจ บทกวีแฟนตาซี และภาพที่มีสีสันในชีวิตประจำวัน อย่างไรก็ตาม หลังจากการเสียชีวิตของ Purcell เป็นเวลาเกือบสองศตวรรษ ไม่มีนักสร้างสรรค์ดนตรีที่โดดเด่นในหมู่นักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษ ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พร้อมกับโอเปร่าและในอิตาลี o r a t o r y และ cant ata ถือกำเนิดขึ้น คล้ายกับโอเปร่าที่ศิลปินเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตราก็มีส่วนร่วมในการแสดงของพวกเขาด้วย และในการที่พวกเขายังให้เสียงร้องประสานเสียง บทบรรยาย คณะนักร้องประสานเสียง คณะนักร้องประสานเสียง ตอนของวงออเคสตรา แต่ในโอเปร่า เราเรียนรู้เกี่ยวกับพัฒนาการของเหตุการณ์ (โครงเรื่อง) ไม่เพียงแต่จากสิ่งที่ศิลปินเดี่ยวร้องเพลง แต่ยังได้เรียนรู้จากสิ่งที่พวกเขาทำและสิ่งที่เกิดขึ้นโดยทั่วไปบนเวทีด้วย และใน oratorio และ cantata ไม่มีการแสดงบนเวที พวกเขาจะแสดงในคอนเสิร์ตโดยไม่มีเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์ แต่ยังมีความแตกต่างระหว่าง oratorio และ cantata แม้ว่าจะไม่ชัดเจนเสมอไป โดยปกติ oratorio เป็นงานที่มีขนาดใหญ่กว่าและมีโครงเรื่องทางศาสนาที่พัฒนาแล้ว มักมีบุคลิกที่ดราม่าถึงขีดสุด ในเรื่องนี้ บทบรรยายของนักร้อง-ผู้บรรยายมักจะรวมอยู่ใน oratorio oratorios ทางจิตวิญญาณประเภทพิเศษคือ "ความหลงใหล" หรือ "เฉยเมย" (แปลจากภาษาละติน - "ความทุกข์") "ความหลงใหล" บอกถึงการทนทุกข์และการสิ้นพระชนม์ของพระเยซูคริสต์ซึ่งถูกตรึงบนไม้กางเขน 7 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Cantatas ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของข้อความด้วยวาจาแบ่งออกเป็นฝ่ายวิญญาณและฆราวาส ในศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 มีห้อง cantatas ขนาดเล็กจำนวนมากเกิดขึ้นในอิตาลี ประกอบด้วยบทสวดสองหรือสามบทสลับกับเพลงสองหรือสามเพลง ในอนาคต cantatas ที่มีลักษณะเคร่งขรึมเด่นกลายเป็นที่แพร่หลาย cantatas ฝ่ายวิญญาณและ "ความหลงใหล" ของสิ่งปลูกสร้างต่างๆ ได้รับการพัฒนามากที่สุดในเยอรมนี arias และเป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะปรับใช้การเคลื่อนไหวทางอัจฉริยะ ในมรดกของ Corelli และ Vivaldi สถานที่ขนาดใหญ่เป็นของประเภทสามโซนาตา ในโซนาตาทั้งสามส่วนใหญ่ สองส่วนหลักเล่นโดยไวโอลิน และส่วนที่สามมาพร้อมกับฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกน ด้วยเสียงเบสที่เพิ่มเป็นสองเท่าด้วยเชลโลหรือบาสซูน หลังจากโซนาต้าทั้งสามคน โซนาต้าสำหรับไวโอลินหรือเครื่องดนตรีอื่นพร้อมกับฮาร์ปซิคอร์ดก็ปรากฏขึ้น เช่นเดียวกับคอนแชร์โต้กรอสโซ - คอนแชร์โต้สำหรับวงออเคสตรา (ก่อน - สตริง) ผลงานหลายประเภทเหล่านี้มีลักษณะเป็นโซนาตาแบบเก่า โดยปกติแล้วจะเป็นวัฏจักรสี่ส่วนที่มีอัตราส่วนความเร็วจังหวะช้า-เร็ว-ช้า-เร็ว ต่อมาในศตวรรษที่ 18 วีวัลดีเริ่มแต่งคอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและเครื่องดนตรีอื่นๆ ร่วมกับวงออเคสตรา มีวัฏจักรสามส่วน: "เร็ว-ช้า-เร็ว" คำถามและภารกิจ 1. โอเปร่าเกิดที่ไหนและเมื่อไหร่? อธิบายว่าโอเปร่าแตกต่างจากการแสดงละครด้วยดนตรีอย่างไร 2. วิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดในดนตรีโอเปร่าคืออะไร? 3. โอเปร่าเรื่องแรกที่เขียนโดย Claudio Monteverdi คืออะไรและมีคุณสมบัติอะไรบ้างในดนตรี? 4. บอกเราเกี่ยวกับคุณลักษณะของโอเปร่าฝรั่งเศสแบบเก่า 5. ตั้งชื่อโอเปร่าแรกที่เขียนในเยอรมนีและโอเปร่าแรกที่เขียนในอังกฤษ 6. อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่าง oratorio และ cantata จากโอเปร่า? 7. "ความหลงใหล" ("passive") คืออะไร? แม้แต่ในอียิปต์โบราณ ออร์แกนยังเริ่มต้นประวัติศาสตร์ที่มีอายุหลายศตวรรษ เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 มันได้กลายเป็นเครื่องมือที่ซับซ้อนมากและมีความเป็นไปได้ทางศิลปะอย่างกว้างขวาง อวัยวะขนาดเล็กนั้นสามารถพบได้แม้ในบ้านส่วนตัว ใช้สำหรับฝึกซ้อม เล่นท่วงทำนองเพลงลูกทุ่งและนาฏศิลป์หลากหลายรูปแบบ และอวัยวะขนาดใหญ่ที่มีท่อวาววับเป็นแถว ร่างกายไม้แกะสลักของพวกเขาก็ส่งเสียงเหมือนอย่างที่พวกเขาทำในตอนนี้ในโบสถ์และอาสนวิหาร ปัจจุบันนี้ยังมีออร์แกนอยู่ในห้องแสดงคอนเสิร์ตหลายแห่ง ในอวัยวะสมัยใหม่ มีท่อหลายพันท่อและคีย์บอร์ด (คู่มือ) มากถึงเจ็ดปุ่ม ซึ่งอยู่เหนือบันไดอีกอันหนึ่ง มีท่อมากมายเพราะแบ่งออกเป็นกลุ่ม - รีจิสเตอร์ รีจิสเตอร์เปิดและเปิดสวิตช์ด้วยคันโยกพิเศษเพื่อให้ได้สี (เสียงต่ำ) ที่แตกต่างกัน อวัยวะยังติดตั้งคันเหยียบ นี่คือแป้นเหยียบทั้งแป้นของแป้นขนาดใหญ่หลายแป้น ด้วยการกดด้วยเท้า ออร์แกนสามารถดึงและรักษาเสียงเบสได้เป็นเวลานาน (เสียงที่คงอยู่ดังกล่าวเรียกอีกอย่างว่าแป้นเหยียบหรือจุดออร์แกน) ในแง่ของความสมบูรณ์ของเสียงต่ำ ถ้าเป็นไปได้ ในการเปรียบเทียบเปียโนที่เบาที่สุดกับฟอร์ติสซิโมที่ดังสนั่น ออร์แกนไม่มีความเท่าเทียมกันในเครื่องดนตรี ในศตวรรษที่ 17 ศิลปะออร์แกนมีดอกบานเต็มที่ในเยอรมนี เช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ นักออร์แกนในโบสถ์ชาวเยอรมันเป็นทั้งนักแต่งเพลงและนักแสดง พวกเขาไม่เพียง แต่มาพร้อมกับบทสวดทางวิญญาณเท่านั้น แต่ยังแสดงเดี่ยวด้วย ในหมู่พวกเขามีพรสวรรค์และด้นสดหลายคนที่ดึงดูดผู้คนจำนวนมากด้วยการเล่นของพวกเขา หนึ่งในนั้นที่โดดเด่นที่สุดคือ Dietrich Buxtehude โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค เดินมาจากเมืองอื่นเพื่อฟังเขาเล่น งานที่หลากหลายและกว้างขวางของ Buxtehude แสดงถึงประเภทหลักของดนตรีออร์แกนในสมัยนั้น ในด้านหนึ่ง สิ่งเหล่านี้คือโหมโรง เพ้อฝัน และดนตรีบรรเลงของศตวรรษที่ 17 ทั้งประเภทและรูปแบบ เป็นเวลานาน ที่การเล่นเครื่องดนตรีส่วนใหญ่มักจะเพิ่มเสียงร้องหรือการเต้นรำเป็นสองเท่า นอกจากนี้ยังมีการจัดเตรียมการเรียบเรียงเสียงร้องอีกด้วย การพัฒนาดนตรีบรรเลงอย่างอิสระทวีความรุนแรงขึ้นในศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในเวลาเดียวกัน เทคนิคทางศิลปะที่พัฒนาขึ้นในเสียงประสานนั้นยังคงพัฒนาต่อไป พวกเขาได้รับการเสริมแต่งด้วยองค์ประกอบของโกดังแบบโฮโมโฟนิกซึ่งมีพื้นฐานมาจากเพลงและการเต้นรำ ในเวลาเดียวกัน ความสำเร็จทางการแสดงของดนตรีโอเปร่าเริ่มมีอิทธิพลต่อการแต่งเพลงบรรเลง ไวโอลินพร้อมกับความสามารถอัจฉริยะที่ยอดเยี่ยมมีเสียงไพเราะมาก และในบ้านเกิดของโอเปร่าในอิตาลีนั้นดนตรีไวโอลินเริ่มพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จโดยเฉพาะ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 งานของ Arcangelo Corelli เจริญรุ่งเรืองและกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Antonio Vivaldi เริ่มต้นขึ้น นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นเหล่านี้ได้สร้างผลงานบรรเลงโดยมีส่วนร่วมและมีบทบาทนำของไวโอลิน ในนั้น ไวโอลินสามารถร้องเพลงได้อย่างชัดเจนเหมือนเสียงมนุษย์ในโอเปร่า 8 www.classON.ru Children's education in the field of Russian art toccatas. ในนั้น ตอนแบบโพลีโฟนิกจะสลับกับท่อนและคอร์ดด้นสดอย่างอิสระ ในทางกลับกัน สิ่งเหล่านี้เป็นชิ้นส่วนที่สร้างขึ้นอย่างเข้มงวดมากขึ้น ซึ่งนำไปสู่การเกิดขึ้นของความทรงจำ ซึ่งเป็นรูปแบบที่ซับซ้อนที่สุดของโพลีโฟนีเลียนแบบ Buxtehude ยังได้ทำการดัดแปลงอวัยวะหลายอย่างของนักร้องประสานเสียงโปรเตสแตนต์ในรูปแบบของการร้องเพลงประสานเสียง ต่างจากบทสวดเกรกอเรียน นี่คือชื่อทั่วไปของบทสวดฝ่ายวิญญาณ ไม่ใช่ภาษาละติน แต่เป็นภาษาเยอรมัน พวกเขาปรากฏตัวในศตวรรษที่ 16 เมื่อลัทธิโปรเตสแตนต์รูปแบบใหม่แยกออกจากนิกายโรมันคาทอลิก พื้นฐานอันไพเราะของบทเพลงโปรเตสแตนต์คือเพลงพื้นบ้านของเยอรมัน ในศตวรรษที่ 17 คณะนักร้องประสานเสียงเริ่มเล่นเพลงโปรเตสแตนต์โดยนักบวชทุกคนโดยได้รับการสนับสนุนจากออร์แกน สำหรับการเตรียมการร้องประสานเสียงดังกล่าว โกดังคอร์ดสี่เสียงที่มีท่วงทำนองในเสียงบนเป็นเรื่องปกติ ต่อมาโกดังดังกล่าวถูกเรียกว่าโคราช แม้ว่าจะเกิดในงานบรรณาการก็ตาม ออร์แกนยังเล่นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดแบบเครื่องสายและเรียบเรียงสำหรับพวกเขา ชื่อสามัญสำหรับผลงานของเครื่องดนตรีเหล่านี้คือ clavier music8 ข้อมูลแรกเกี่ยวกับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดเครื่องสายมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 14-15 ในศตวรรษที่ 17 ฮาร์ปซิคอร์ดได้กลายเป็นที่นิยมมากที่สุด ดังนั้นจึงเรียกว่าในฝรั่งเศสในอิตาลีเรียกว่า cembalo ในเยอรมนี - kielflugel ในอังกฤษ - ฮาร์ปซิคอร์ด ชื่อของเครื่องดนตรีขนาดเล็กในฝรั่งเศสคือ epinet ในอิตาลี - หนามของอังกฤษ - พรหมจารี ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นบรรพบุรุษของเปียโน ซึ่งเริ่มใช้ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 เมื่อคุณกดคีย์ของฮาร์ปซิคอร์ด ขนนก หรือลิ้นหนัง ซึ่งติดอยู่กับท่อนไม้ ดูเหมือนจะหนีบสาย ปรากฎว่ากระตุกมีเสียงดังและในขณะเดียวกันก็มีเสียงกรอบแกรบเล็กน้อย สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ความแรงของเสียงไม่ได้ขึ้นอยู่กับความแรงของการเป่าที่แป้น ดังนั้นจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้าง crescendos และ diminuendos - ไม่เหมือนกับเปียโนซึ่งเป็นไปได้เนื่องจากการเชื่อมต่อคีย์ที่ยืดหยุ่นกว่าด้วยค้อนที่กระทบกับสาย ฮาร์ปซิคอร์ดอาจมีคีย์บอร์ดสองหรือสามคีย์บอร์ดและอุปกรณ์ที่ช่วยให้คุณเปลี่ยนสีของเสียงได้ เสียงของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดขนาดเล็กอีกชนิดหนึ่ง - คลาวิคอร์ด - อ่อนกว่าเสียงฮาร์ปซิคอร์ด แต่ในทางกลับกัน การเล่นคลาวิคอร์ดที่ไพเราะยิ่งขึ้นเป็นไปได้เพราะสายของมันไม่ได้ถูกดึงออก แต่มีการกดแผ่นโลหะไว้ หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกคือชุดที่ประกอบด้วยหลายส่วนในรูปแบบที่เขียนด้วยคีย์เดียว ในแต่ละส่วนมักใช้ท่าเต้นบางประเภท พื้นฐานของชุดเก่าคือการเต้นรำสี่แบบที่แตกต่างกันซึ่งไม่ได้อธิบายที่มาของชาติอย่างชัดเจนเสมอไป เหล่านี้เป็นเพลงเดินแบบสบาย ๆ (อาจมาจากเยอรมนี) เสียงระฆังที่คล่องตัวมากขึ้น (จากฝรั่งเศส) sarabande ที่ช้า (จากสเปน) และ gigue ที่เร็ว (จากไอร์แลนด์หรืออังกฤษ) ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 ตามตัวอย่างของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวปารีส ห้องชุดเริ่มเสริมด้วยการเต้นรำแบบฝรั่งเศส เช่น มินูเอต์ กาโวตต์ บอร์เร และแพสเซปี พวกเขาถูกแทรกระหว่างการเต้นรำหลักสร้างส่วนกลาง ("จำนวนเต็ม" ในภาษาละตินหมายถึง "ระหว่าง") ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศสโบราณมีความโดดเด่นด้วยความสง่างาม ความสง่างาม และเครื่องประดับอันไพเราะเล็กๆ มากมาย เช่น รอยหยักและการบรรเลง รูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสมีความเจริญรุ่งเรืองในผลงานของฟรองซัวส์ คูเปอริง (1668 - 1733) ซึ่งมีชื่อเล่นว่ามหาราช เขาสร้างบทละครประมาณสองร้อยครึ่งและรวมเป็นห้องสวีท 27 ห้อง พวกเขาค่อยๆเริ่มถูกครอบงำด้วยบทละครที่มีชื่อรายการต่างๆ ส่วนใหญ่มักจะเป็นภาพเหมือนฮาร์ปซิคอร์ดขนาดเล็กของผู้หญิง - ภาพร่างเสียงที่มีจุดมุ่งหมายอย่างดีของลักษณะนิสัยลักษณะท่าทาง ตัวอย่างเช่นคือบทละคร "Gloomy", "Touching", "Nimble", "Scattered", "Mischievous" Johann Sebastian Bach ผู้ร่วมสมัยที่ยอดเยี่ยมของเขาแสดงความสนใจอย่างมากในดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส รวมถึงบทละครของ Francois Couperin คำถามและภารกิจ 1. การพัฒนาอิสระของประเภทบรรเลงทวีความรุนแรงขึ้นเมื่อใด 2. เครื่องดนตรีโปรดของ Arcangelo Corelli และ Antonio Vivaldi คืออะไร 3. บอกเราเกี่ยวกับโครงสร้างของอวัยวะ 4. ออร์แกนอาร์ตในประเทศใดเจริญรุ่งเรืองเป็นพิเศษ? บทสวดโปรเตสแตนต์คืออะไร? 5. บอกเราเกี่ยวกับอุปกรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ด ท่าเต้นแบบใดที่ใช้ในส่วนหลักของชุดฮาร์ปซิคอร์ดแบบเก่า ดังนั้นส่วนเกริ่นนำของหนังสือเรียนจึงได้แนะนำเหตุการณ์สำคัญบางอย่างในโลกดนตรีตั้งแต่สมัยโบราณโดยสังเขป เป็น "การเดินทางท่องเที่ยว" ทางประวัติศาสตร์เพื่อช่วยให้คุ้นเคยกับมรดกของนักดนตรีชาวยุโรปตะวันตกผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งทำงานในศตวรรษที่ 18 และ 19 มากขึ้น ในบางครั้ง กลาเวียร์ถูกเรียกว่าดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมด รวมถึงเครื่องดนตรีประเภทเป่าคีย์บอร์ด - ออร์แกน 8 9 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย เส้นทางชีวิตของโยฮัน ร็อด ครอบครัว วัยเด็ก Johann Sebastian Bach เกิดในปี 1685 ที่เมืองทูรินเจีย ซึ่งเป็นหนึ่งในภูมิภาคทางตอนกลางของเยอรมนี ในเมืองเล็กๆ ของ Eisenach ที่รายล้อมไปด้วยป่าไม้ ในทูรินเจียในขณะนั้น ผลกระทบร้ายแรงของสงครามสามสิบปี (ค.ศ. 1618-1648) ซึ่งกลุ่มมหาอำนาจยุโรปสองกลุ่มใหญ่ได้ปะทะกันนั้นยังคงรู้สึกอยู่ สงครามทำลายล้างนี้เกิดขึ้นกับบรรพบุรุษของโยฮันน์ เซบาสเตียน ผู้ซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานฝีมือของเยอรมันและสภาพแวดล้อมของชาวนา ทวดของเขาชื่อวีทเป็นคนทำขนมปัง แต่เขาชอบดนตรีมากจนไม่เคยแยกจากพิณซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่คล้ายแมนโดลินเลย แม้แต่เล่นในขณะที่กำลังโม่แป้งระหว่างเดินทางไปโรงสี และในบรรดาลูกหลานของเขาซึ่งตั้งรกรากอยู่ในทูรินเจียและภูมิภาคใกล้เคียง มีนักดนตรีมากมายที่ทุกคนที่ฝึกฝนอาชีพนี้ถูกเรียกว่า "บาค" ที่นั่น เหล่านี้คือนักออร์แกนในโบสถ์ นักไวโอลิน นักเป่าขลุ่ย นักเป่าแตร บางคนแสดงความสามารถเป็นนักแต่งเพลง พวกเขาอยู่ในบริการของเทศบาลเมืองและที่ศาลของผู้ปกครองของอาณาเขตและขุนนางรองซึ่งเยอรมนีถูกแบ่งออก Sebastian Bach 1685-1750 อัศจรรย์คือชะตากรรมของดนตรีของนักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ผู้นี้ ซึ่งผ่านไปกว่าสามร้อยปีแล้ว ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการยอมรับเป็นส่วนใหญ่ในฐานะนักเล่นออร์แกนและนักเลงเครื่องดนตรี และหลังจากการตายของเขา เขาเกือบถูกลืมไปเป็นเวลาหลายทศวรรษ แต่แล้วพวกเขาก็ค่อย ๆ ค้นพบงานของเขาอีกครั้งและชื่นชมเขาในฐานะสมบัติทางศิลปะอันล้ำค่า ทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้ มีความลึกไม่สิ้นสุดและเนื้อหาที่เป็นมนุษย์ “ไม่ใช่สตรีม! “ทะเลคงเป็นชื่อของเขา” ดังนั้นเกี่ยวกับ Bach อัจฉริยะทางดนตรีอีกคนหนึ่ง - Beethoven9 บาคเองก็สามารถเผยแพร่ผลงานของเขาได้เพียงเล็กน้อยเท่านั้น ตอนนี้มีมากกว่าพันเล่มที่ตีพิมพ์ (หายไปอีกหลายเล่ม) ผลงานชุดแรกที่สมบูรณ์ของ Bach เริ่มพิมพ์ในเยอรมนีหนึ่งร้อยปีหลังจากที่เขาเสียชีวิต และต้องใช้ปริมาณมหาศาลถึงสี่สิบหกเล่ม และเป็นไปไม่ได้เลยที่จะคำนวณคร่าวๆ ว่าพิมพ์ไปเท่าไร และเพลงของ Bach แยกออกมาอีกกี่ฉบับที่ยังคงพิมพ์อยู่ในประเทศต่างๆ ความต้องการอย่างต่อเนื่องของมันนั้นยิ่งใหญ่มาก สำหรับมันตรงบริเวณที่กว้างขวางและมีเกียรติไม่เพียง แต่ในละครเพลงโลกเท่านั้น แต่ยังอยู่ในสถานที่เพื่อการศึกษาด้วย Johann Sebastian Bach ยังคงเป็นครูของทุกคนที่เกี่ยวข้องกับดนตรีอย่างแท้จริง เขาเป็นครูที่จริงจังและเข้มงวด ต้องการความสามารถในการมีสมาธิเพื่อที่จะเชี่ยวชาญศิลปะการแสดงโพลีโฟนิก แต่ผู้ที่ไม่กลัวความยุ่งยากและใส่ใจในข้อกำหนดของเขาอย่างใกล้ชิดจะรู้สึกเบื้องหลังความเข้มงวดของเขาถึงความเมตตาที่ชาญฉลาดและจริงใจที่เขาสอนด้วยการสร้างสรรค์ที่สวยงามอมตะของเขา บ้านใน Eisenach ที่ JSBach เกิด 9 "Bach" หมายถึง "สตรีม" ในภาษาเยอรมัน 10 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย พ่อของ Johann Sebastian เป็นนักไวโอลิน นักดนตรีประจำเมืองและในราชสำนักใน Eisenach เขาเริ่มสอนดนตรีให้กับลูกชายคนสุดท้องและส่งเขาไปโรงเรียนคริสตจักร ด้วยเสียงสูงที่ไพเราะ เด็กชายร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโรงเรียน เมื่ออายุได้ 10 ขวบ พ่อแม่ของเขาก็เสียชีวิต พี่ชายซึ่งเป็นนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ในเมือง Ohrdruf ที่อยู่ใกล้เคียงดูแลเด็กกำพร้า เขามอบหมายให้น้องชายของเขาไปที่สถานศึกษาในท้องถิ่นและให้บทเรียนออร์แกนแก่เขา ต่อมาโยฮันน์ เซบาสเตียนก็กลายเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ด นักไวโอลิน และนักไวโอลินด้วย และตั้งแต่วัยเด็กเขาเชี่ยวชาญการแต่งเพลงด้วยตัวเขาเองโดยเขียนบทประพันธ์ของผู้แต่งหลายคน เขาต้องเขียนโน้ตเพลงใหม่ที่เขาสนใจเป็นพิเศษในคืนเดือนหงาย แอบจากพี่ชายของเขา แต่เมื่อการทำงานหนักเป็นเวลานานเสร็จสิ้น เขาค้นพบสิ่งนี้ โกรธ Johann Sebastian สำหรับการกระทำที่ไม่ได้รับอนุญาตของเขาและนำต้นฉบับไปจากเขาอย่างไร้ความปราณี จุดเริ่มต้นของชีวิตอิสระ ลือเนอบวร์ก เมื่ออายุได้สิบห้าปี Johann Sebastian ได้ก้าวย่างอย่างเด็ดขาด - เขาย้ายไปที่เมืองLüneburgทางตอนเหนือของเยอรมันที่อยู่ห่างไกลจากที่ซึ่งเขาเข้าเรียนที่โรงเรียนที่โบสถ์อารามในฐานะผู้ถือทุน ในห้องสมุดโรงเรียน เขาสามารถทำความคุ้นเคยกับต้นฉบับการประพันธ์เพลงของนักดนตรีชาวเยอรมันจำนวนมาก ในลือเนอบวร์กและฮัมบูร์กซึ่งเขาไปตามถนนในชนบท เราสามารถฟังการเล่นของนักเล่นออร์แกนที่มีความสามารถ เป็นไปได้ว่าในฮัมบูร์ก Johann Sebastian ไปเยี่ยมชมโรงละครโอเปร่า - ในเวลานั้นมีเพียงแห่งเดียวในเยอรมนีที่ให้การแสดงไม่ใช่ภาษาอิตาลี แต่เป็นภาษาเยอรมัน เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนได้สำเร็จในอีกสามปีต่อมาและเริ่มหางานทำใกล้กับบ้านเกิดของเขา ไวมาร์ หลังจากทำงานเป็นนักไวโอลินและนักเล่นออร์แกนในช่วงสั้น ๆ ในสามเมือง Bach ในปี ค.ศ. 1708 ได้แต่งงานแล้วตั้งรกรากอยู่ในไวมาร์ (ทูรินเจีย) เป็นเวลาเก้าปี ที่นั่นเขาเป็นนักเล่นออแกนที่ศาลของดยุค แล้วรองหัวหน้าคาเปลลา (ผู้ช่วยหัวหน้าโบสถ์ - กลุ่มนักร้องและนักบรรเลง) ในช่วงวัยรุ่น ในโอห์ดรูฟ บาคเริ่มแต่งดนตรีโดยเฉพาะเพื่อจัดกลุ่มนักร้องประสานเสียงโปรเตสแตนต์สำหรับออร์แกน ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เขาโปรดปราน และในไวมาร์ ผลงานออร์แกนอันโดดเด่นของเขาจำนวนหนึ่งก็ปรากฏขึ้น เช่น Toccata และ Fugue ใน D minor, Passacaglia10 ใน C minor, พรีลูดร้องประสานเสียง เมื่อถึงเวลานั้น บาคได้กลายเป็นนักแสดงและด้นสดที่ไม่มีใครเทียบได้ในด้านออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด สิ่งนี้ได้รับการยืนยันอย่างน่าเชื่อถือจากกรณีต่อไปนี้ เมื่อบาคไปที่เดรสเดน เมืองหลวงของแซกโซนี ซึ่งพวกเขาตัดสินใจจัดการแข่งขันระหว่างเขากับหลุยส์ มาร์ชอง นักออร์แกนและนักเปียโนชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง แต่ก่อนหน้านี้เขาเคยได้ยินว่าบาคเล่นฮาร์ปซิคอร์ดด้วยความเฉลียวฉลาดในการสร้างสรรค์ที่น่าทึ่งอย่างไร เขาก็รีบหนีจากเดรสเดนไปอย่างลับๆ การแข่งขันไม่ได้เกิดขึ้น ที่ศาลไวมาร์มีโอกาสทำความคุ้นเคยกับผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีและฝรั่งเศส บาคปฏิบัติต่อความสำเร็จของพวกเขาด้วยความสนใจและความคิดริเริ่มทางศิลปะอย่างมาก ตัวอย่างเช่น เขาได้จัดเตรียมฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนของคอนแชร์โตไวโอลินของ Antonio Vivaldi ฟรีหลายครั้ง นี่คือที่มาของการแสดงคอนแชร์โตของคลาเวียร์ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี เป็นเวลาสามปีในไวมาร์ บาคควรจะแต่งบทสวดมนต์ใหม่ทุกวันอาทิตย์ที่สี่ โดยรวมแล้วมีงานมากกว่าสามสิบชิ้นเกิดขึ้นในลักษณะนี้ อย่างไรก็ตาม เมื่อหัวหน้าวงดนตรีในศาลสูงอายุ ซึ่งทำหน้าที่จริงโดย Bach เสียชีวิต ตำแหน่งที่ว่างนั้นไม่ได้มอบให้เขา แต่ให้ลูกชายธรรมดาของผู้ตาย ด้วยความโกรธเคืองจากความอยุติธรรมดังกล่าว บาคจึงยื่นใบลาออก สำหรับ "ความต้องการที่ไม่สุภาพ" เขาถูกกักบริเวณในบ้าน แต่เขาแสดงความกล้าหาญ ยืนหยัด หยิ่งทะนง ยืนกรานในตนเอง และอีกหนึ่งเดือนต่อมา ดยุคต้องยอม "คำสั่งที่ไม่ปรานี" อย่างไม่เต็มใจเพื่อปล่อยนักดนตรีผู้ดื้อดึงเข้าไปในป่า โคเธน. ในตอนท้ายของปี 1717 บาคและครอบครัวของเขาย้ายไปที่โคเธน เจ้าชายเลียวโปลด์ อันฮัลต์แห่งเคอเธน ผู้ปกครองรัฐเล็กๆ แห่งหนึ่งในละแวกทูรินเจียเป็นผู้เสนอตำแหน่งหัวหน้าวงดนตรีให้กับเขา เขาเป็นนักดนตรีที่ดี - เขาร้องเพลง เล่นฮาร์ปซิคอร์ดและวิโอลาดากัมบ้า 11 เจ้าชายได้ให้การสนับสนุนทางการเงินแก่หัวหน้าวงดนตรีคนใหม่และปฏิบัติต่อเขาด้วยความเคารพอย่างสูง หน้าที่ของบาคซึ่งใช้เวลาค่อนข้างน้อย รวมถึงการกำกับโบสถ์ของนักร้องและนักบรรเลงเพลง 18 คน ร่วมกับเจ้าชาย และเล่นฮาร์ปซิคอร์ดด้วยตัวเขาเอง ใน Köthen มีงาน Bach มากมายสำหรับเครื่องมือต่างๆ เพลง Clavier มีความหลากหลายมากในหมู่พวกเขา ในอีกด้านหนึ่ง สิ่งเหล่านี้เป็นชิ้นส่วนสำหรับผู้เริ่มต้น - Passacaglia เป็นการเต้นรำแบบสามทางช้าที่มีต้นกำเนิดจากสเปน ชิ้นส่วนบรรเลงที่เกิดขึ้นในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลงที่มีท่วงทำนองซ้ำแล้วซ้ำเล่าในเสียงเบส 10 11 Viola da gamba เป็นเครื่องดนตรีโบราณที่มีลักษณะคล้ายเชลโล 11 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย โหมโรงเล็กสิ่งประดิษฐ์สองส่วนและสามส่วน พวกเขาเขียนโดย Bach เพื่อศึกษากับลูกชายคนโตของเขา Wilhelm Friedemann ในทางกลับกัน นี่เป็นงานแรกจากสองเล่มของงานอนุสรณ์ - "The Well-Tempered Clavier" ซึ่งรวมบทโหมโรงและความทรงจำ 48 บท และองค์ประกอบสำคัญของแผนคอนเสิร์ต - "Chromatic Fantasy and Fugue" การสร้างห้องชุดคลาเวียร์สองชุดที่เรียกว่า "ฝรั่งเศส" และ "อังกฤษ" เป็นของยุคเคอเธนเช่นกัน เจ้าชายเลียวโปลด์ทรงพาบาคเสด็จพระราชดำเนินไปยังรัฐเพื่อนบ้าน เมื่อโยฮันน์ เซบาสเตียนกลับมาจากการเดินทางดังกล่าวในปี ค.ศ. 1720 เขาได้รับความเศร้าโศกอย่างท่วมท้น - มาเรีย บาร์บารา ภรรยาของเขาเพิ่งเสียชีวิต เหลือลูกสี่คน (อีกสามคนเสียชีวิตก่อนกำหนด) หนึ่งปีครึ่งต่อมา Bach แต่งงานใหม่อีกครั้ง Anna Magdalena ภรรยาคนที่สองของเขามีเสียงที่ดีและมีดนตรีมาก เมื่อศึกษากับเธอ บาคได้รวบรวม "สมุดบันทึก" สองเล่มจากผลงานของเขาเองและบางส่วนจากผลงานของผู้เขียนคนอื่นๆ Anna Magdalena เป็นเพื่อนที่ใจดีและเอาใจใส่ในชีวิตของ Johann Sebastian เธอให้กำเนิดลูกสิบสามคนแก่เขา ซึ่งหกคนรอดชีวิตมาได้จนถึงวัยผู้ใหญ่ ไลป์ซิก ในปี ค.ศ. 1723 บาคย้ายไปที่ไลพ์ซิกซึ่งเป็นศูนย์กลางการค้าและวัฒนธรรมที่สำคัญของแซกโซนี ใกล้กับทูรินเจีย เขารักษาความสัมพันธ์ที่ดีกับเจ้าชายเลียวโปลด์ แต่ในโคเธน ความเป็นไปได้ของกิจกรรมทางดนตรีมีจำกัด ไม่มีออร์แกนขนาดใหญ่หรือคณะนักร้องประสานเสียง นอกจากนี้ บาคยังมีบุตรชายคนโตที่เขาต้องการให้การศึกษาที่ดี ในเมืองไลพ์ซิก บาครับตำแหน่งต้นเสียง - หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงเด็กชายและครูสอนโรงเรียนสอนร้องเพลง ที่โบสถ์เซนต์โทมัส (Thomaskirche) เขาต้องยอมรับเงื่อนไขที่จำกัดหลายประการ เช่น "ไม่ออกจากเมืองโดยไม่ได้รับอนุญาตจากเจ้าเมือง" คันทอร์บาคมีหน้าที่อื่นอีกมากมาย เขาต้องแบ่งคณะนักร้องประสานเสียงโรงเรียนเล็ก ๆ และวงออเคสตราขนาดเล็กมาก (หรือมากกว่าวงดนตรี) เพื่อให้เสียงเพลงบรรเลงในระหว่างการรับใช้ในโบสถ์สองแห่ง เช่นเดียวกับในงานแต่งงาน งานศพ และในงานเฉลิมฉลองต่างๆ และไม่ใช่นักร้องประสานเสียงทุกคนที่มีความสามารถทางดนตรีที่ดี บ้านโรงเรียนสกปรก ถูกทอดทิ้ง นักเรียนได้รับอาหารไม่ดีและแต่งตัวขอทาน บาคซึ่งในขณะเดียวกันถือเป็น "ผู้อำนวยการดนตรี" ของไลพ์ซิกได้ดึงความสนใจจากหน่วยงานของคริสตจักรและการบริหารเมือง (ผู้พิพากษา) ต่อทั้งหมดนี้ แต่ในทางกลับกัน เขาได้รับความช่วยเหลือทางวัตถุเพียงเล็กน้อย แต่กลับได้รับความช่วยเหลือเล็กน้อยจากสำนักงานย่อยและตำหนิติเตียน กับนักเรียนเขามีส่วนร่วมไม่เพียง แต่ในการร้องเพลง แต่ยังในการเล่นเครื่องดนตรีนอกจากนี้เขายังจ้างครูละตินสำหรับพวกเขาด้วยค่าใช้จ่ายของเขาเอง โบสถ์และโรงเรียนเซนต์โธมัส (ซ้าย) ในเมืองไลพ์ซิก (จากการแกะสลักเก่า). แม้จะมีสถานการณ์ชีวิตที่ยากลำบาก Bach ก็มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์อย่างกระตือรือร้น ในช่วงสามปีแรกของการรับใช้ เขาได้แต่งและฝึกฝนคันทาทาทางจิตวิญญาณใหม่กับคณะนักร้องประสานเสียงแทบทุกสัปดาห์ โดยรวมแล้วมีการเก็บรักษาผลงานของ Bach ประมาณสองร้อยชิ้นในประเภทนี้ และยังรู้จักคันทาตาฆราวาสของเขาอีกหลายโหล ตามกฎแล้วพวกเขาให้การต้อนรับและแสดงความยินดีกับบุคคลผู้สูงศักดิ์หลายคน แต่ในหมู่พวกเขามีข้อยกเว้นเช่นการ์ตูนเรื่อง "Coffee Cantata" ที่เขียนในภาษาไลพ์ซิกซึ่งคล้ายกับฉากจากละครตลก เรื่องราวเล่าว่า Lizhen เด็กสาวที่มีชีวิตชีวาคนหนึ่งเสพติดกาแฟรูปแบบใหม่ โดยขัดต่อเจตจำนงและคำเตือนของพ่อของเธอ Schlendrian ผู้เฒ่าบ่น ในเมืองไลพ์ซิก บาคได้สร้างผลงานเสียงร้องและเครื่องดนตรีที่โดดเด่นที่สุดของเขา - The Passion ตาม John, Passion ตาม Matthew12 และ Mass in B minor ใกล้เคียงกับพวกเขาในเนื้อหา เช่นเดียวกับการประพันธ์เพลงที่หลากหลายรวมถึง เล่มที่สอง " กลาเวียร์อารมณ์ดี” คอลเล็กชั่นของจอห์นและแมทธิว (รวมถึงมาระโกและลุค) เป็นผู้ติดตามคำสอนของพระเยซูคริสต์ผู้รวบรวมพระกิตติคุณ - เรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตบนโลกของเขาความทุกข์ ("ความหลงใหล") และ ความตาย. "พระกิตติคุณ" ในภาษากรีกหมายถึง "ข่าวดี" 12 12 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย "The Art of the Fugue" เขาเดินทางไปเดรสเดน ฮัมบูร์ก เบอร์ลิน และเมืองอื่นๆ ของเยอรมัน เล่นออร์แกนที่นั่น ทดสอบเครื่องดนตรีใหม่ เป็นเวลากว่าสิบปีแล้วที่ Bach เป็นหัวหน้าวิทยาลัยดนตรีไลพ์ซิก - สังคมที่ประกอบด้วยนักศึกษามหาวิทยาลัยและผู้รักดนตรี - นักเล่นดนตรีและนักร้อง ภายใต้การดูแลของ Bach พวกเขาได้จัดคอนเสิร์ตสาธารณะจากผลงานที่มีลักษณะทางโลก ในการสื่อสารกับนักดนตรี เขาเป็นคนแปลกหน้าสำหรับความเย่อหยิ่งใด ๆ และพูดถึงทักษะที่หายากของเขาดังนี้: "ฉันต้องทำงานหนักใครก็ตามที่ยากจะประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน" ความกังวลมากมาย แต่ความสุขมากมายทำให้ Bach ครอบครัวใหญ่ของเขา ในแวดวงของเธอ เขาสามารถจัดคอนเสิร์ตที่บ้านได้ทั้งหมด ลูกชายสี่คนของเขากลายเป็นนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียง เหล่านี้คือวิลเฮล์ม ฟรีดมันน์และคาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอล (ลูกของมาเรีย บาร์บารา), โยฮันน์ คริสตอฟ ฟรีดริช และโยฮันน์ คริสเตียน (ลูกของแอนนา มักดาเลนา) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สุขภาพของบาคทรุดโทรมลง สายตาของเขาแย่ลงอย่างรวดเร็ว ในช่วงต้นปี 1750 เขาเข้ารับการผ่าตัดตาสองครั้งที่ไม่ประสบความสำเร็จ เขาตาบอด และเสียชีวิตในวันที่ 28 กรกฎาคม Johann Sebastian Bach ใช้ชีวิตอย่างขยันขันแข็ง ส่องสว่างด้วยแรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยม เขาไม่ได้ทิ้งทรัพย์สมบัติไว้มากมาย และแอนนา มักดาเลนาเสียชีวิตในอีกสิบปีต่อมาในสถานสงเคราะห์คนยากจน และลูกสาวคนสุดท้องของ Bach, Regina Susanna ซึ่งอาศัยอยู่จนถึงศตวรรษที่ 19 ได้รับการช่วยเหลือจากความยากจนด้วยการบริจาคส่วนตัวซึ่ง Beethoven มีส่วนร่วมอย่างมาก ความคิดสร้างสรรค์ ดนตรีของ Bach เชื่อมโยงกับวัฒนธรรมของประเทศบ้านเกิดของเขา ผลงานของทั้งชาวเยอรมัน และนักประพันธ์เพลงต่างประเทศ ในงานของเขา เขาได้ขยายความและเติมเต็มความสำเร็จของศิลปะดนตรียุโรป แคนทาทาส่วนใหญ่ "John Passion", "Matthew Passion", Mass in B minor และงานอื่น ๆ อีกมากมายเกี่ยวกับตำราทางจิตวิญญาณเขียนขึ้นโดย Bach มิใช่เพียงตามหน้าที่หรือตามจารีตประเพณีของนักดนตรีในโบสถ์เท่านั้น แต่ยังอบอุ่นด้วยความรู้สึกทางศาสนาที่จริงใจ พวกเขาเต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจต่อความเศร้าโศกของมนุษย์ ตื้นตันด้วยความเข้าใจในความสุขของมนุษย์ เมื่อเวลาผ่านไปพวกเขาก็ไปไกลกว่าวัดและทำ ไม่หยุดที่จะสร้างความประทับใจให้ผู้ฟังจากเชื้อชาติและศาสนาต่าง ๆ อย่างลึกซึ้ง องค์ประกอบทางจิตวิญญาณและฆราวาสของ Bach นั้นสัมพันธ์กันในความเป็นมนุษย์ที่แท้จริงของพวกเขา โลกทั้งใบของภาพดนตรี ทักษะโพลีโฟนิกที่ไม่มีใครเทียบได้ของ Bach นั้นเสริมด้วยวิธีการฮาร์โมโฟนิก-ฮาร์โมนิก ธีมเสียงร้องของเขาเต็มไปด้วยเทคนิคการพัฒนาเครื่องมือ และธีมของบรรเลงมักจะอิ่มตัวทางอารมณ์ ราวกับว่าสิ่งสำคัญกำลังถูกร้องและออกเสียงโดยไม่ใช้คำพูด Toccata และ Fugue ใน D Minor for Organ13 ผลงานยอดนิยมนี้เริ่มต้นด้วยเสียงร้องที่น่าตกใจแต่กล้าหาญ ได้ยินเสียงสามครั้ง ตกลงมาจากคู่หนึ่งไปอีกคู่หนึ่ง และนำไปสู่เสียงประสานดังสนั่นในส่วนล่าง ดังนั้น ในตอนต้นของ toccata จะมีการสรุปพื้นที่เสียงที่มืดมิดและยิ่งใหญ่ไว้ 1 คำถามและภารกิจของ Adagio 1 . อะไรคือสิ่งที่ผิดปกติเกี่ยวกับชะตากรรมของดนตรีของ Bach? 2. บอกเราเกี่ยวกับบ้านเกิดของ Bach บรรพบุรุษของเขาและวัยเด็กของเขา 3. ชีวิตอิสระของ Bach เริ่มต้นเมื่อใดและที่ไหน 4. กิจกรรมของ Bach ใน Weimar ดำเนินไปอย่างไรและจบลงอย่างไร? 5. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับชีวิตของ Bach ใน Köthen และผลงานของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา 6. Bach เล่นเครื่องดนตรีอะไรและเครื่องดนตรีอะไรที่เขาโปรดปราน? 7. ทำไมบาคตัดสินใจย้ายไปไลพ์ซิก และเขาประสบปัญหาอะไรที่นั่น? 8. บอกเราเกี่ยวกับกิจกรรมของ Bach ในฐานะนักแต่งเพลงและ Bach ในฐานะนักแสดงในไลพ์ซิก บอกชื่อผลงานที่เขาสร้างที่นั่น Toccata (ในภาษาอิตาลี "toccata" - "touch", "hit" จากกริยา "toccare" "touch", "touch") เป็นผลงานชิ้นเอกสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด 13 13 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ยิ่งกว่านั้น ได้ยินเสียงทางเดินอัจฉริยะ "หมุนวน" อันทรงพลังและ "กระเด็น" คอร์ดกว้าง มีการคั่นหลายครั้งด้วยการหยุดชั่วคราวและหยุดบนคอร์ดแบบขยาย การต่อต้านการเคลื่อนไหวเร็วและช้านี้ชวนให้นึกถึงการระแวดระวังระแวดระวังระหว่างการต่อสู้กับองค์ประกอบที่รุนแรง และหลังจาก toccata ที่สร้างขึ้นโดยอิสระฟรีแล้ว ความทรงจำก็ดังขึ้น มุ่งเน้นไปที่การพัฒนาเลียนแบบของชุดรูปแบบหนึ่งซึ่งหลักการที่เอาแต่ใจอย่างแรงกล้า ควบคุมกองกำลังธาตุ: 2 Allegro moderato ความทรงจำพัฒนาเป็น coda - ส่วนสุดท้ายและสุดท้าย ที่นี่อีกครั้งองค์ประกอบด้นสดของ toccata แตกออก แต่ในที่สุดเธอก็สงบลงด้วยคำพูดที่จำเป็นที่ตึงเครียด และแถบสุดท้ายของงานทั้งหมดถูกมองว่าเป็นชัยชนะที่รุนแรงและสง่างามของเจตจำนงของมนุษย์ที่ไม่หยุดยั้ง งานออร์แกนกลุ่มพิเศษของ Bach เป็นบทร้องประสานเสียง ในหมู่พวกเขาองค์ประกอบโคลงสั้น ๆ จำนวนหนึ่งมีความโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ลึกซึ้ง ในตัวพวกเขาเสียงของท่วงทำนองประสานเสียงนั้นอุดมไปด้วยเสียงประกอบที่พัฒนาขึ้นอย่างอิสระ นี่คือวิธีการนำเสนอ ตัวอย่างเช่น หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของ Bach คือเพลงประสานเสียงใน F minor Clavier music Inventions Bach ได้รวบรวมคอลเล็กชั่นเพลงง่ายๆ หลายชิ้นจากผลงานที่เขาแต่งขณะสอนวิลเฮล์ม ฟรีดมันน์ ลูกชายคนโตของเขา หนึ่งในคอลเล็กชั่นเหล่านี้ เขาวางชิ้นส่วนโพลีโฟนิกสองเสียงสิบห้าชิ้นไว้ในสิบห้าปุ่มและเรียกสิ่งเหล่านี้ว่า "สิ่งประดิษฐ์" แปลจากภาษาละตินคำว่า "การประดิษฐ์" หมายถึง "การประดิษฐ์", "การประดิษฐ์" สิ่งประดิษฐ์สองส่วนของ Bach ที่มีให้สำหรับการแสดงโดยนักดนตรีมือใหม่ มีความโดดเด่นอย่างแท้จริงในแง่ของความเฉลียวฉลาดแบบโพลีโฟนิก และในขณะเดียวกันก็แสดงถึงการแสดงออกทางศิลปะ ดังนั้น การประดิษฐ์สองส่วนแรกใน C major จึงเกิดขึ้นจากธีมสั้นๆ ที่ราบรื่นและไม่เร่งรีบของตัวละครที่สงบและมีเหตุผล ร้องโดยเสียงบนและเลียนแบบ _ ซ้ำในอ็อกเทฟอื่นทันที - อันล่าง: 14 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียลูกบอลเด้งดึ๋ง ในระหว่างการทำซ้ำ (เลียนแบบ) ของเสียงบนเสียงจะดำเนินต่อไปอย่างไพเราะ นี่คือการต่อต้านรูปแบบเสียงเบสที่เกิดขึ้น นอกจากนี้ ความขัดแย้งนี้ - ด้วยรูปแบบไพเราะเหมือนกัน - บางครั้งเสียงเมื่อชุดรูปแบบปรากฏขึ้นอีกครั้งในเสียงหนึ่ง (แถบ 2-3, 7-8, 8-9) ในกรณีเช่นนี้ ฝ่ายค้านจะเรียกว่าคงอยู่ เช่นเดียวกับในงานโพลีโฟนิกอื่น ๆ มีส่วนต่าง ๆ ในการประดิษฐ์นี้ซึ่งธีมไม่ได้ฟังในรูปแบบที่สมบูรณ์ แต่ใช้เฉพาะเทิร์นแต่ละอันเท่านั้น ส่วนดังกล่าวจะถูกวางไว้ระหว่างการนำเสนอของหัวข้อและเรียกว่าส่วนสลับฉาก ความสมบูรณ์โดยรวมของการประดิษฐ์ในภาษา C มาจากการพัฒนาตามธีมเดียว ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับเพลงโพลีโฟนิก ตรงกลางของชิ้นส่วนมีการออกจากคีย์หลักและกลับมาถึงจุดสิ้นสุด เมื่อฟังการประดิษฐ์นี้ เราสามารถจินตนาการได้ว่านักเรียนสองคนตั้งใจเรียนซ้ำบทเรียน พยายามบอกกันและกันให้ดีขึ้นด้วยการแสดงออกที่มากขึ้น ในงานชิ้นนี้ ซึ่งมีโครงสร้างคล้ายกับสิ่งประดิษฐ์หลัก C เทคนิคพิเศษมีบทบาทอย่างมาก ตามการแนะนำเบื้องต้นของธีม ในเสียงบน เสียงล่างเลียนแบบไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังมีความต่อเนื่อง (การโต้แย้ง) ดังนั้นในบางครั้งจึงเกิด Canonical และเลียนแบบหรือไลแคนนอนอย่างต่อเนื่อง พร้อมกับการประดิษฐ์สองเสียง บาคได้แต่งเพลงโพลีโฟนิกสามเสียงสิบห้าชิ้นในคีย์เดียวกัน เขาตั้งชื่อพวกเขา! "ซิมโฟนี" (แปลจากภาษากรีก - "พยัญชนะ") ในสมัยก่อนมักเรียกงานเครื่องดนตรีประเภทโพลีโฟนิก แต่ต่อมากลายเป็นเรื่องปกติที่จะเรียกชิ้นส่วนเหล่านี้ว่าสิ่งประดิษฐ์สามส่วน พวกเขาใช้เทคนิคที่ซับซ้อนมากขึ้นในการพัฒนาโพลีโฟนิก ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือการประดิษฐ์สามส่วนใน F minor (เก้า) เริ่มต้นด้วยการแนะนำธีมที่ตัดกันสองแบบพร้อมกัน พื้นฐานของหนึ่งในนั้นซึ่งให้เสียงเป็นเสียงเบสคือการสืบเชื้อสายที่ตึงเครียดที่วัดตามเซมิโทนของสี การเคลื่อนไหวดังกล่าวเกิดขึ้นบ่อยครั้งในบทเพลงโศกนาฏกรรมจากโอเปร่าเก่า มันเหมือนเสียงเศร้าโศกของชะตากรรมที่ชั่วร้าย, โชคชะตา. หัวข้อที่สองที่อยู่ตรงกลาง เสียงอัลโตเต็มไปด้วยความเศร้าโศกเศร้า: ในอนาคต ธีมที่สามจะเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับสองธีมนี้ด้วยคำอุทานอ้อนวอนที่จริงใจยิ่งขึ้น จนถึงตอนจบของละคร เสียงของโชคชะตาอันชั่วร้ายยังคงไม่หยุดยั้ง แต่เสียงแห่งความเศร้าโศกของมนุษย์ไม่หยุด พวกเขามีประกายแห่งความหวังของมนุษย์ที่ไม่อาจดับได้ และครู่หนึ่งดูเหมือนว่าจะกะพริบในคอร์ด F major สุดท้าย Symphony ของ Bach ใน B Minor Harpsichord ที่ Bach House ใน Eisenach 15 www.classON.ru Children's Education in the Russian Art Sphere (สิ่งประดิษฐ์สามส่วนหมายเลข 15) มีความโดดเด่นด้วยการแทรกเนื้อเพลง ในคำนำของต้นฉบับสิ่งประดิษฐ์และ "ซิมโฟนี" ของเขา Bach ระบุว่าพวกเขาควรช่วยพัฒนา "รูปแบบการร้องเพลง" บนฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเรื่องยากที่จะบรรลุ ดังนั้น Bach จึงชอบที่บ้านรวมทั้งในชั้นเรียนกับนักเรียนเพื่อใช้เครื่องมือคีย์บอร์ดเครื่องสายแบบอื่น - clavichord เสียงที่เบาไม่เหมาะกับการแสดงคอนเสิร์ต แต่ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ไม่เหมือนฮาร์ปซิคอร์ดตรงที่สายคลาวิคอร์ดไม่ได้ถูกถอนออก แต่ถูกหนีบอย่างอ่อนโยนด้วยแผ่นโลหะ สิ่งนี้มีส่วนทำให้เกิดความไพเราะของเสียงและช่วยให้คุณสร้างเฉดสีแบบไดนามิก ดังนั้น บาคจึงเล็งเห็นถึงความเป็นไปได้ของเสียงที่ไพเราะและสอดคล้องกันซึ่งนำไปสู่เปียโน ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ยังคงไม่สมบูรณ์ในการออกแบบในสมัยของเขา และความปรารถนาของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่นี้ควรเป็นที่จดจำของนักเปียโนสมัยใหม่ทุกคน Courante เป็นการเต้นรำแบบสามคนที่มีต้นกำเนิดจากฝรั่งเศส แต่สำหรับเสียงระฆังฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ความซับซ้อนและมารยาทในการเข้าจังหวะก็เป็นเรื่องปกติ Courante ในชุดของ Bach ใน C minor นั้นคล้ายกับแนวการเต้นที่หลากหลายของอิตาลี - มีชีวิตชีวาและคล่องตัวกว่า สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยการผสมผสานที่ยืดหยุ่นของเสียงสองเสียงที่ดูเหมือนจะกระตุ้นซึ่งกันและกัน: "ชุดภาษาฝรั่งเศส" ใน C minor Three ชุดของ clavier suite ของ Bach มีชื่อต่างกัน ตัวเขาเองเรียกห้องสวีททั้งหกห้องที่รวมอยู่ในคอลเล็กชั่นที่สามว่า “พาร์ทิทัส” (ชื่อของห้องชุด “พาร์ทิต้า” ไม่ได้มีแค่ในตัวเขาเท่านั้น14) และอีกสองคอลเลกชัน - หกชิ้น - เริ่มถูกเรียกว่า "French Suites" และ "English Suites" หลังจากการตายของ Bach ด้วยเหตุผลที่ไม่ชัดเจน ส่วนที่สองของ "French Suites" เขียนด้วยคีย์ของ C minor ตามประเพณีที่กำหนดไว้ในห้องสวีทโบราณ ประกอบด้วยสี่ส่วนหลัก - Allemande, Courante, Sarabande และ Gigue รวมถึงส่วนกลางอีกสองส่วน - Aria และ Minuet แทรกระหว่าง Sarabande และ Gigue Allemande เป็นการเต้นรำที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ XVI-XVII ในหลายประเทศในยุโรป - อังกฤษ เนเธอร์แลนด์ เยอรมนี ฝรั่งเศส และอิตาลี ตัวอย่างเช่น วงดนตรีเยอรมันในสมัยก่อนเป็นการเต้นรำแบบกลุ่มที่น่าเบื่อหน่าย แต่เมื่อเข้าไปในห้องคลาเวียร์ ในศตวรรษที่ 18 อัลเลอมองด์เกือบจะสูญเสียลักษณะการเต้นไป จาก "บรรพบุรุษ" ของเธอ เธอยังคงเดินอย่างสงบสบายด้วยขนาดสี่หรือสองในสี่ ในที่สุดมันก็กลายเป็นโหมโรงที่สร้างขึ้นอย่างหลวม ๆ ดูเหมือนโหมโรงโคลงสั้น ๆ ที่รอบคอบและ Allemande จากชุดของ Bach ใน C minor ส่วนใหญ่มักมีเสียงสามเสียงเป็นผู้นำของพวกเขา แต่บางครั้งเสียงที่สี่ก็เชื่อมต่อกับพวกเขา ในเวลาเดียวกัน เสียงที่ไพเราะที่สุดคือเสียงบน: Sarabande เป็นการเต้นรำแบบสเปนสามส่วน เมื่อเร็ว เจ้าอารมณ์ และต่อมาช้า เคร่งขรึม มักใกล้กับขบวนแห่ศพ sarabande จากห้องชุด Bach มีอายุตั้งแต่ต้นจนจบในคลังสินค้าสามส่วน การเคลื่อนไหวของเสียงกลางและล่างนั้นเข้มงวดและเข้มข้นอยู่เสมอ (หนึ่งในสี่และแปดมีอำนาจเหนือกว่า) และการเคลื่อนไหวของเสียงบนนั้นฟรีและคล่องตัวมากขึ้นแสดงออกมาก โน้ตตัวที่สิบหกมีชัยที่นี่ มักจะเคลื่อนที่เป็นช่วงกว้าง (ที่ห้า หก เจ็ด) ดังนั้นการนำเสนอดนตรีสองชั้นที่ตัดกันจึงถูกสร้างขึ้นทำให้เกิดเสียงที่เข้มข้นขึ้น15: "แบ่งออกเป็นส่วน ๆ " - คำว่า "partita" แปลมาจากภาษาอิตาลี (จากคำกริยา "partire" - "เพื่อแบ่ง") ใน sarabande เสียงบนชั้นนำไม่ได้แตกต่างมากนักกับส่วนที่เหลือ แต่เสริมด้วยพวกเขา 14 15 16 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Prelude and Fugue ใน C minor จากเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier Prelude และ Fugue ใน C Major, Prelude and Fugue ใน C Minor, Prelude และ Fugue ใน C Sharp Major, Prelude และ Fugue C-sharp minor - และอื่นๆ ตลอด 12 ครึ่งเสียงที่รวมอยู่ในอ็อกเทฟ ผลที่ได้คือ "โหมโรงและความทรงจำ" สองส่วนทั้งหมด 24 รอบในคีย์หลักและรองทั้งหมด นี่คือวิธีการสร้างทั้งโวลุ่ม (ทั้งหมด - 48 พรีลูดและฟิวก์) ของ Well-Tempered Clavier ของ Bach ผลงานอันยิ่งใหญ่นี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปะดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก เสียงโหมโรงและความทรงจำจากสองเล่มนี้รวมอยู่ในเพลงฝึกหัดและการแสดงคอนเสิร์ตของนักเปียโนมืออาชีพทุกคน ในช่วงเวลาของ Bach ในที่สุดอารมณ์ก็ค่อยๆ สร้างขึ้นในการปรับแต่งเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด - การแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นสิบสองเซมิโทนเท่า ๆ กัน ก่อนหน้านี้ ระบบการปรับแต่งเองนั้นซับซ้อนกว่า เมื่ออยู่กับเธอ ในคีย์ที่มีอักขระมากกว่าสามหรือสี่ตัว ช่วงเวลาและคอร์ดบางช่วงก็ฟังดูไม่เข้าท่า ดังนั้นผู้แต่งจึงหลีกเลี่ยงการใช้คีย์ดังกล่าว บาคเป็นคนแรกที่พิสูจน์ได้อย่างยอดเยี่ยมใน The Well-Tempered Clavier ว่าด้วยอารมณ์ที่เท่าเทียมกัน คีย์ทั้ง 24 คีย์สามารถใช้ได้กับความสำเร็จที่เท่าเทียมกัน สิ่งนี้ได้เปิดโลกทัศน์ใหม่สำหรับนักประพันธ์เพลง เช่น ความสามารถในการปรับแต่ง (การเปลี่ยนผ่าน) จากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง ใน Clavier ที่มีอารมณ์ดี Bach ได้สร้างประเภทของวัฏจักรการเคลื่อนไหวสองแบบ "โหมโรงและความทรงจำ" โหมโรงถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระ ในนั้นบทบาทสำคัญอาจเป็นของโกดังและการแสดงด้นสด สิ่งนี้สร้างความแตกต่างให้กับความทรงจำในฐานะงานโพลีโฟนิกอย่างเคร่งครัด ในเวลาเดียวกัน ส่วนต่าง ๆ ของวงจร "โหมโรงและความทรงจำ" จะรวมกันไม่เพียงแค่โทนเสียงทั่วไปเท่านั้น ในแต่ละกรณีการเชื่อมต่อภายในที่ละเอียดอ่อนจะปรากฏในแบบของตนเอง คุณสมบัติทั่วไปเหล่านี้สามารถติดตามได้ใน Prelude และ Fugue ใน C minor จากหนังสือเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier โหมโรงประกอบด้วยสองส่วนหลัก ครั้งแรกที่กว้างขวางกว่านั้นเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่สิบหกอย่างรวดเร็วในมือทั้งสองข้าง มันอิ่มตัวจากภายในด้วยองค์ประกอบที่ไพเราะและฮาร์โมนิกที่แสดงออก ดูเหมือนว่ากระแสน้ำที่ไหลไม่หยุดไหลราวกับถูกจำกัดโดยชายฝั่ง: Gigue เป็นการเต้นรำที่รวดเร็วและกระปรี้กระเปร่าซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากไอร์แลนด์และอังกฤษ16 ในสมัยก่อน กะลาสีชาวอังกฤษชอบเต้นจิ๊ก ในห้องสวีท กิ๊กมักจะเป็นการเคลื่อนไหวขั้นสุดท้าย ใน C minor Giguet ของเขา Bach มักใช้เทคนิคการเลียนแบบตามบัญญัติระหว่างเสียงทั้งสอง (เช่นในการประดิษฐ์ใน F major) การนำเสนอของละครเรื่องนี้เต็มไปด้วยจังหวะที่ “กระเด้ง”: เมื่อเปรียบเทียบกับความเปรียบต่างระหว่าง Allemande และ Courante ความเปรียบต่างระหว่าง Sarabande และ Gigue จะคมชัดกว่า แต่มันอ่อนลงโดยส่วนเพิ่มเติมสองส่วนแทรกระหว่างพวกเขา ท่อนที่ชื่อ "อาเรีย" ไม่ได้ให้เสียงเหมือนท่อนร้องเดี่ยวในโอเปร่ามากนัก แต่เหมือนเพลงที่สงบและแยบยล Minuet ถัดไปคือการเต้นรำแบบฝรั่งเศสที่ผสมผสานความคล่องตัวเข้ากับความสง่างาม ดังนั้นในชุดเครื่องมือนี้ ด้วยโทนเสียงทั่วไปเดียว ทุกส่วนจึงถูกเปรียบเทียบในรูปเปรียบเทียบต่างกัน ขนาดของจิ๊กส่วนใหญ่เป็นแบบสามทาง ในศตวรรษที่สิบแปดส่วนใหญ่เป็น 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 16 17 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียในเสียงกลาง ธีมที่ชัดเจน นูน และเป็นที่จดจำพร้อมจังหวะการเต้นที่ยืดหยุ่น: 11 Moderato Energetic perseverance ถูกรวมเข้ากับธีมที่มีความสง่างามและเจ้าเล่ห์ ผ่านความสงบเยือกเย็น นี่เป็นโอกาสสำหรับการพัฒนาที่หลากหลายและเป็นพลวัตต่อไป ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนา ธีมจะฟังดูเบา - เป็นครั้งเดียวที่ดำเนินการในคีย์หลัก (E-flat major) ในการบรรเลง ของสามข้อความหลักของธีมในคีย์หลัก (C minor) ส่วนที่สองในเบส ได้รับขอบเขตอันทรงพลังที่ทำให้นึกถึงพลังธรรมชาติที่โหมกระหน่ำในโหมโรง และอีกอย่างหนึ่ง การใช้งานธีม Fugue ขั้นสุดท้ายจบลงด้วยคอร์ดหลักเฮาส์ที่รู้แจ้ง ในความคล้ายคลึงกันระหว่างตอนจบของโหมโรงและความทรงจำ ความสัมพันธ์ทางอารมณ์ภายในของส่วนที่ตัดกันของวัฏจักรจะถูกเปิดเผย เมื่อสะสมพลังงานอันทรงพลังแล้ว กระแสนี้ที่ส่วนท้ายของส่วนแรก อย่างที่มันเป็น ล้นเกินขอบ และในตอนต้นของส่วนถัดไป มันก็จะยิ่งใจร้อนมากขึ้นไปอีก ขู่ว่าจะกวาดล้างทุกสิ่งที่ขวางหน้า จุดสุดยอดของโหมโรงนี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยการเปลี่ยนจังหวะเป็นจังหวะที่เร็วที่สุด (Pgesto) และการใช้อุปกรณ์โพลีโฟนิก - แคนนอนสองเสียง แต่องค์ประกอบที่ดุเดือดก็หยุดลงทันทีด้วยจังหวะคอร์ดและวลีที่มีความหมายของการท่องจำ นี่คือการเปลี่ยนแปลงครั้งที่สองของจังหวะ - เป็นจังหวะที่ช้าที่สุด (Adagio) และหลังจากเปลี่ยนจังหวะครั้งที่สามเป็น A11eggo ที่เร็วปานกลางในแถบสุดท้ายของพรีลูด อวัยวะโทนิกจะชี้ไปที่เบสค่อยๆ ชะลอการเคลื่อนไหวของส่วนที่สิบหกในมือขวา มันจะค่อยๆ กระจายตัวและหยุดนิ่งบนคอร์ด C major มีความสงบสุขสงบ หลังจากการโหมโรงที่เป็นอิสระและด้นสดเสร็จสิ้น ความสนใจจะเปลี่ยนไปยังระนาบที่แตกต่างและตัดกัน ความทรงจำสามเสียงเริ่มต้นขึ้น คำนี้ในภาษาละตินและอิตาลีหมายถึง "วิ่ง", "บิน", "กระแสเร็ว" ในดนตรี ความทรงจำคืองานโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน ซึ่งเสียงต่างๆ ดูเหมือนจะสะท้อนและไล่ตามกันและกัน ความทรงจำส่วนใหญ่มีพื้นฐานมาจากธีมเดียว พบน้อยกว่าคือความทรงจำที่มีสองรูปแบบและมักไม่ค่อยมีรูปแบบสามหรือสี่รูปแบบ และตามจำนวนเสียง ความทรงจำคือสอง สาม สี่ และห้าส่วน ความทรงจำที่มืดมนเพียงคนเดียวเริ่มต้นด้วยการนำเสนอธีมในคีย์หลักในหนึ่งเสียง ธีมนั้นจะถูกเลียนแบบสลับกันโดยเสียงอื่นๆ นี่คือรูปแบบส่วนแรกของความทรงจำซึ่งเป็นนิทรรศการ ในส่วนที่สอง - การพัฒนา - ธีมจะปรากฏเฉพาะในคีย์อื่น และในส่วนที่สาม ส่วนสุดท้าย - การบรรเลง9 - มันถูกดำเนินการอีกครั้งในคีย์หลัก แต่ไม่มีการนำเสนอในเสียงเดียวอีกต่อไป นิทรรศการที่นี่ไม่มีซ้ำแน่นอน ในความทรงจำ ใช้การโต้แย้งและการสลับฉากที่คงอยู่ไว้อย่างแพร่หลาย C-minor fugue ที่เป็นปัญหาของ Bach เริ่มต้นขึ้นแล้ว โดยปรากฏใน Fugue ซึ่งเป็นเพลงโพลีโฟนิกรูปแบบสูงสุด - ได้เติบโตเต็มที่และมีการออกดอกที่สดใสที่สุดในงานของ Bach Anton Grigoryevich Rubinshtein นักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวรัสเซียผู้โด่งดังแห่งศตวรรษที่ 19 ในหนังสือของเขาเรื่อง "Music and Its Representatives" เขียนชื่นชม "Clavier อารมณ์ดี" ที่ใครๆ ก็พบว่ามี "ความทรงจำทางศาสนา วีรบุรุษ เศร้าโศก สง่างาม, โศกเศร้า, อารมณ์ขัน, อภิบาล, ตัวละครที่น่าทึ่ง; ในสิ่งหนึ่งที่พวกเขาทั้งหมดเหมือนกัน - ในความงาม ... ” อายุของ Johann Sebastian Bach เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Georg Friedrich Handel (1685-1759) - ปรมาจารย์ด้านการประสานเสียงที่ยอดเยี่ยมนักออร์แกนอัจฉริยะ ชะตากรรมของเขาแตกต่างกัน เขาใช้ชีวิตส่วนใหญ่นอกประเทศเยอรมนี โดยย้ายจากประเทศหนึ่งไปยังอีกประเทศหนึ่ง (เขาอาศัยอยู่ในอังกฤษมาหลายสิบปี) 18 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Handel เป็นผู้แต่งโอเปร่า oratorios ผลงานเครื่องมือต่างๆ การก่อตัวของสไตล์คลาสสิกในดนตรี คำถามและภารกิจ 1 . งานทางจิตวิญญาณและทางโลกของบาคมีอะไรที่เหมือนกัน? 2. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะโดยนัยของ Toccata และ Fugue ใน D minor สำหรับอวัยวะ 3. ร้องเพลงเกี่ยวกับสิ่งประดิษฐ์ของ Bach ที่คุณรู้จัก ฝ่ายค้านเมื่อถูกเรียกว่าระงับคืออะไร? 4. การสลับฉากในงานโพลีโฟนิกคืออะไร? เลียนแบบใดที่เรียกว่าบัญญัติหรือบัญญัติ? 5. ตั้งชื่อและอธิบายส่วนหลักของ "French Suite" ใน C minor 6. Clavier ที่มีอารมณ์ดีของ Bach สร้างขึ้นอย่างไร? 7. อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่างโหมโรงและความทรงจำ? แสดงด้วยตัวอย่าง Prelude and Fugue ใน C minor จากเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier มีความคล้ายคลึงกันระหว่างพวกเขาด้วยหรือไม่? โรงละครดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงกลางและครึ่งหลังเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในทุกด้านของศิลปะดนตรียุโรป เมื่อเริ่มต้นศตวรรษนี้ ละครสองประเภทก็ค่อยๆ ปรากฏในโอเปร่าอิตาลี - โอเปร่าซีเรีย (จริงจัง) และโอเปร่าบัฟฟา (การ์ตูน) โครงเรื่องในตำนานและประวัติศาสตร์ยังคงปรากฏอยู่ในละครโอเปร่าซึ่งมีวีรบุรุษ "สูง" ปรากฏขึ้น - เทพในตำนาน, ราชาแห่งรัฐโบราณ, ผู้บัญชาการในตำนาน และในละครควาย โครงเรื่องได้กลายเป็นเรื่องที่ทันสมัยทุกวัน วีรบุรุษที่นี่เป็นคนธรรมดาที่แสดงความกระตือรือร้นและสมจริง The Servant Lady ของ Giovanni Battista Pergolesi โดย Giovanni Battista Pergolesi ซึ่งปรากฏต่อสาธารณชนในปี 1733 ที่เมืองเนเปิลส์ เป็นตัวอย่างแรกที่โดดเด่นของควายอุปรากร นางเอกสาวใช้ที่กล้าได้กล้าเสีย Serpina แต่งงานกับ Uberto เจ้านายที่ขี้โมโหของเธออย่างช่ำชองและกลายเป็นเมียน้อยด้วยตัวเธอเอง เช่นเดียวกับโอเปร่าบัฟฟาของอิตาลีในยุคแรกๆ หลายเรื่อง เดิมที The Servant Madam ถูกใช้เป็นเวทีสลับฉากระหว่างช่วงพักระหว่างการแสดงโอเปร่าชุด The Proud Prisoner ของ Pergolesi (จำได้ว่าคำว่า "สลับฉาก" มาจากภาษาละตินและแปลว่า "ปฏิสัมพันธ์") ในไม่ช้า The Servant-Madam ก็มีชื่อเสียงโด่งดังในหลายประเทศในฐานะงานอิสระ โอเปร่าการ์ตูนเกิดในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มันเกิดขึ้นจากการแสดงตลกขบขันที่ร่าเริงและมีไหวพริบพร้อมดนตรีที่ฉายในโรงภาพยนตร์ที่งาน Parisian และเพื่อให้กลายเป็นละครตลกที่เสียงร้องกลายเป็นลักษณะสำคัญของตัวละคร ตัวอย่างของการแสดงควายของอิตาลีช่วยงานแฟร์คอเมดี้ของฝรั่งเศส สำหรับการแสดงในปารีสนี้ คณะอุปรากรของ "ผู้คลั่งไคล้" ของอิตาลีมีความสำคัญอย่างมาก เมื่อเมืองหลวงของฝรั่งเศสหลงเสน่ห์ "Servant Madam" ของ Pergolesi อย่างแท้จริง ละครตลกฝรั่งเศสต่างจากควายอุปรากรของอิตาลี ตัวเลขที่เพิ่มขึ้นไม่ใช่การท่อง แต่ใช้บทสนทนาสนทนา Singspire ยังถูกสร้างขึ้น - โอเปร่าการ์ตูนหลากหลายภาษาเยอรมันและออสเตรียซึ่งปรากฏในครั้งที่สอง งานหลัก งานแกนนำและเพลง "Passion ตาม John", "Passion ตาม Matthew" Mass ใน B minor Sacred cantatas (ประมาณ 200 คนรอดชีวิตมาได้ ) และ cantatas ฆราวาส (รอดชีวิตกว่า 20 คน) วงดนตรี 4 ห้อง (“โอบล้อม”) 6 “บรันเดนบูร์ก คอนแชร์โต” คอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวพร้อมแชมเบอร์ออร์เคสตรา 7 คอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด 3 คอนแชร์โตสำหรับสองคน 2 สำหรับสามฮาร์ปซิคอร์ด 2 คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินคอนแชร์โต้สำหรับสองคน ไวโอลิน ใช้ได้กับเครื่องดนตรีโค้งคำนับ 3 โซนาต้าและ 3 พาร์ทสำหรับไวโอลิน โซโล 6 โซนาต้าสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด 6 สวีท (“โซนาต้า”) สำหรับเชลโล โซโล ออร์แกน 70 บทร้องประสานเสียงโหมโรงและความทรงจำ Toccata และ fugue ใน D minor Passacaglia ใน C minor Keyboard Works Collection “Little Preludes and Fugues” 15 สิ่งประดิษฐ์สองส่วนและ 15 สิ่งประดิษฐ์สามส่วน (“ซิมโฟนี”) 48 โหมโรงและความทรงจำของ Clavier ที่มีอารมณ์ดี 6 “ฝรั่งเศส และ 6 ห้องชุด "อังกฤษ" 6 ห้อง (บางส่วน) "คอนแชร์โต้อิตาลี" สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดโซโล "จินตนาการและความทรงจำของโครมาติก" "ศิลปะแห่งความทรงจำ" 19 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียในช่วงกลางของ XVIII ศตวรรษที่ 17 ภาษาดนตรีของโอเปร่าการ์ตูนทุกประเภทมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านและท่วงทำนองการเต้น ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ประเภทโอเปร่าที่จริงจังได้รับการปฏิรูปอย่างรุนแรงโดยนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Christoph Willibald Gluck (1714-1787) เขาเขียนโอเปร่าแนวปฏิรูปเรื่องแรกของเขาคือ Orpheus and Eurydice (1762) โดยอิงจากเรื่องราวของนักร้องชาวกรีกโบราณในตำนาน ซึ่งถูกใช้ซ้ำแล้วซ้ำเล่าในโอเปร่าตั้งแต่ยุคแรกสุด (เรื่องนี้ถูกกล่าวถึงในบทนำ) Gluck เดินตามเส้นทางที่ยากลำบากในการปฏิรูปของเขาในโอเปร่า เขาเคยไปเยี่ยมเยียนประเทศต่างๆ ในยุโรป ทั้งเยอรมนี ออสเตรีย เดนมาร์ก เช่นเดียวกับในสาธารณรัฐเช็กซึ่งมีชาวสลาฟอาศัยอยู่ร่วมกับอิตาลีในอังกฤษ ก่อนตั้งรกรากอย่างมั่นคงในเวียนนา Gluck ได้แสดงละครโอเปร่า 17 เรื่องของเขาที่โรงละครในมิลาน เวนิส เนเปิลส์ ลอนดอน โคเปนเฮเกน ปราก และเมืองอื่นๆ โอเปร่าประเภทนี้ดำเนินการในโรงละครศาลของหลายประเทศในยุโรป ข้อยกเว้นคือฝรั่งเศส ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 พวกเขายังคงแต่งและแสดงโอเปร่าอย่างจริงจังในสไตล์ฝรั่งเศสดั้งเดิมเท่านั้น แต่กลัคได้ศึกษาบทเพลงโอเปร่าของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสชื่อดังอย่าง Jean-Baptiste Lully และ Jean-Philippe Rameau อย่างละเอียดถี่ถ้วน นอกจากนี้ Gluck ยังเขียนและแสดงละครในกรุงเวียนนาได้สำเร็จแปดงานในรูปแบบใหม่ของโอเปร่าการ์ตูนฝรั่งเศส เขาคุ้นเคยกับการแสดงอุปรากรควายอิตาลีเป็นอย่างดีอย่างไม่ต้องสงสัย กับซิงสปีลของเยอรมันและออสเตรีย ความรู้ทั้งหมดนี้ทำให้ Gluck สามารถต่ออายุหลักการประพันธ์เพลงที่ล้าสมัยไปแล้วสำหรับโอเปร่าที่จริงจัง ในละครปฏิรูปของเขา ซึ่งแสดงครั้งแรกในกรุงเวียนนาและต่อจากนั้นในปารีส กลัคเริ่มถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์ของตัวละครด้วยความจริงใจที่เข้มข้นยิ่งขึ้น ความเข้มข้นและประสิทธิผลที่เหนือกว่า เขาปฏิเสธที่จะรวบรวมข้อความที่มีพรสวรรค์ในเพลงสรรเสริญและเพิ่มความชัดเจนของการท่อง โอเปร่าของเขามีจุดมุ่งหมายมากขึ้นในแง่ของการพัฒนาดนตรีและเวที และมีความกลมกลืนกันมากขึ้นในการเรียบเรียง ดังนั้นในภาษาดนตรีและในการสร้างการ์ตูนใหม่และโอเปร่าที่จริงจังที่ได้รับการปฏิรูปแล้วจึงมีการระบุคุณลักษณะที่แตกต่างที่สำคัญของรูปแบบคลาสสิกใหม่ - ประสิทธิภาพเชิงรุกของการพัฒนาความเรียบง่ายและความชัดเจนของวิธีการแสดงออกความกลมกลืนขององค์ประกอบและขุนนางทั่วไป และบุคลิกอันประเสริฐของดนตรี สไตล์นี้ค่อยๆ ก่อตัวขึ้นในดนตรียุโรปในช่วงศตวรรษที่ 18 เติบโตเต็มที่ในปี ค.ศ. 1770-1780 และครอบงำจนถึงกลางทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 ควรสังเกตว่าคำจำกัดความของ "คลาสสิก" อาจมีความหมายอื่นที่กว้างกว่า "คลาสสิก" (หรือ "คลาสสิก") เรียกอีกอย่างว่าดนตรีและงานศิลปะอื่น ๆ ที่ได้รับการยอมรับว่าเป็นแบบอย่าง สมบูรณ์แบบ ไม่มีที่เปรียบ - โดยไม่คำนึงถึงเวลาของการสร้าง ในแง่นี้มวลชนของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลี Palestrina ในศตวรรษที่ 16, โอเปร่าของ Prokofiev และซิมโฟนีของ Shostakovich นักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 20 สามารถเรียกได้ว่าคลาสสิกหรือคลาสสิก ดนตรีบรรเลง ในระดับสากลเช่นเดียวกับการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck ศตวรรษที่ 18 ได้เห็นการพัฒนาอย่างเข้มข้นของดนตรีบรรเลง ดำเนินการโดยความพยายามร่วมกันของนักแต่งเพลงจากหลายประเทศในยุโรป อาศัยการร้องและการเต้น การพัฒนาความชัดเจนแบบคลาสสิกและไดนามิกของภาษาดนตรี พวกเขาค่อยๆ ก่อตัวแนวใหม่ของงานบรรเลงแบบวัฏจักร เช่น ซิมโฟนีคลาสสิก โซนาตาคลาสสิก วงเครื่องสายคลาสสิก รูปแบบโซนาต้ามีความสำคัญอย่างยิ่งในพวกเขา ดังนั้นวัฏจักรของเครื่องมือจึงเรียกว่าโซนาตาหรือโซนาต้าซิมโฟนี แบบฟอร์มโซนาต้า คุณรู้อยู่แล้วว่ารูปแบบสูงสุดของเพลงโพลีโฟนิกคือความทรงจำ และรูปแบบโซนาตาเป็นรูปแบบสูงสุดของดนตรีฮาร์โมนิกแบบโฮโมโฟนิก ซึ่งบางครั้งสามารถใช้เทคนิคโพลีโฟนิกได้เพียงบางครั้งเท่านั้น ในการก่อสร้างทั้งสองรูปแบบนี้มีความคล้ายคลึงกัน เช่นเดียวกับความทรงจำ มีสามส่วนหลักในรูปแบบโซนาตา: การอธิบาย การพัฒนา และการสรุป แต่ยังมีความแตกต่างที่สำคัญระหว่างพวกเขา ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างรูปแบบโซนาตาและความทรงจำจะปรากฏทันทีในคำอธิบายที่ 18 ความทรงจำส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบเดียวทั้งหมดซึ่งดำเนินการสลับกันในแต่ละนิทรรศการ คำภาษาเยอรมันนี้มาจาก "singen" ("ร้องเพลง") และ “เกม” (“เล่น”) . 18 คำนี้มาจากภาษาละติน หมายถึง "การนำเสนอ", "การแสดง" 20 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย และในการอธิบายรูปแบบโซนาตาตามกฎแล้วจะมีสองธีมหลักปรากฏขึ้นซึ่งแตกต่างกันมากหรือน้อยในตัวละคร ประการแรก ธีมของส่วนหลักจะดังขึ้น หลังจากนั้น ธีมของส่วนด้านข้างจะปรากฏขึ้น แต่ไม่ว่าในกรณีใดคุณควรเข้าใจคำจำกัดความของ "ด้าน" เป็น "รอง" อันที่จริงแล้ว ธีมของส่วนด้านข้างนั้นไม่ได้มีบทบาทสำคัญในรูปแบบโซนาต้ามากไปกว่าธีมของส่วนหลัก คำว่า "รอง" ถูกใช้ที่นี่เพราะไม่เหมือนกับคำแรก มันจำเป็นต้องฟังในคำอธิบายไม่ใช่ในคีย์หลัก แต่ในอีกความหมายหนึ่ง นั่นคือ ราวกับว่าอยู่ในคีย์รอง ในดนตรีคลาสสิก หากส่วนหลักในนิทรรศการเป็นส่วนสำคัญ ส่วนด้านข้างจะระบุในคีย์ของส่วนหลัก (เช่น หากคีย์ของส่วนหลักคือ C เมเจอร์ ดังนั้นคีย์ของส่วนด้านข้างคือ G วิชาเอก). หากส่วนหลักในคำอธิบายเป็นคีย์รอง แสดงว่าส่วนด้านข้างเป็นคีย์คู่ขนาน (เช่น ถ้าคีย์ของส่วนหลักคือ C minor คีย์ของส่วนด้านข้างจะเป็น E-flat major) มีทั้งมัดเล็กหรือชุดเชื่อมต่อระหว่างฝ่ายหลักและฝ่ายข้างเคียง ธีมลายนูนที่เป็นอิสระและไพเราะอาจปรากฏขึ้นที่นี่ แต่บ่อยครั้งมีการใช้น้ำเสียงสูงต่ำของธีมของส่วนหลัก ส่วนเชื่อมต่อทำหน้าที่เป็นส่วนเปลี่ยนผ่านไปยังส่วนด้านข้าง โดยจะปรับเป็นปุ่มของส่วนด้านข้าง ดังนั้นความเสถียรของวรรณยุกต์จึงถูกละเมิด ข่าวลือเริ่มคาดว่าจะมีการเริ่มต้น "งานดนตรี" ใหม่ ปรากฏว่าเป็นธีมปาร์ตี้ข้างทาง บางครั้งการอธิบายอาจนำหน้าด้วยการแนะนำ และหลังจากส่วนข้างเคียง อาจมีข้อสรุปเล็กๆ หรือส่วนสุดท้ายทั้งหมด ซึ่งมักใช้ธีมอิสระ นี่คือวิธีที่การจัดแสดงสิ้นสุดลงโดยแก้ไขโทนสีของส่วนด้านข้าง ตามทิศทางของผู้แต่ง การแสดงทั้งหมดอาจถูกทำซ้ำ การพัฒนา - ส่วนที่สองของแบบฟอร์มโซนาต้า ในนั้น หัวข้อที่คุ้นเคยจากนิทรรศการปรากฏในเวอร์ชันใหม่ สลับกันในลักษณะต่างๆ และนำมาเปรียบเทียบกัน ปฏิสัมพันธ์ดังกล่าวมักไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหาทั้งหมด แต่เป็นลวดลายและวลีที่แยกออกมาจากพวกเขา นั่นคือหัวข้อที่กำลังพัฒนานั้นถูกแบ่งออกเป็นองค์ประกอบแยกจากกันเผยให้เห็นพลังงานที่มีอยู่ในนั้น ในกรณีนี้ มีการเปลี่ยนแปลงคีย์บ่อยครั้ง (คีย์หลักไม่ค่อยได้รับผลกระทบที่นี่และไม่นาน) ธีมและองค์ประกอบต่างๆ ดูเหมือนจะส่องสว่างขึ้นในคีย์ต่างๆ ที่แตกต่างกัน โดยแสดงให้เห็นจากมุมมองใหม่ หลังจากการพัฒนาในการพัฒนาไปถึงความตึงเครียดที่สำคัญที่จุดไคลแม็กซ์ ทิศทางของการพัฒนาก็เปลี่ยนทิศทาง ในตอนท้ายของส่วนนี้กำลังเตรียมการกลับไปที่คีย์หลักและมีการบรรเลงซ้ำ การบรรเลงเป็นส่วนที่สามของรูปแบบโซนาตา มันเริ่มต้นด้วยการกลับมาของส่วนหลักในคีย์หลัก ส่วนเชื่อมต่อไม่นำไปสู่คีย์ใหม่ ในทางตรงกันข้าม มันแก้ไขคีย์หลัก ซึ่งตอนนี้ทำซ้ำทั้งส่วนรองและส่วนสุดท้าย ดังนั้นการบรรเลงด้วยความเสถียรของวรรณยุกต์ทำให้สมดุลธรรมชาติที่ไม่เสถียรของการพัฒนาและให้ความสามัคคีแบบคลาสสิกทั้งหมด การบรรเลงบางครั้งสามารถเสริมด้วยการสร้างขั้นสุดท้าย - coda (มาจากคำภาษาละตินหมายถึง "หาง") ดังนั้น เมื่อมีความทรงจำเกิดขึ้น ความสนใจของเราจะเน้นไปที่การฟัง การคิด และความรู้สึกเป็นความคิดทางดนตรีอย่างหนึ่ง ซึ่งรวมเป็นหนึ่งธีม เมื่อได้ยินงานในรูปแบบโซนาตา การได้ยินของเราจะเป็นไปตามการเปรียบเทียบและการโต้ตอบของสองธีมหลัก (และส่วนเสริม) - ราวกับว่าเป็นไปตามการพัฒนาของกิจกรรมดนตรีต่างๆ การกระทำทางดนตรี นี่คือข้อแตกต่างที่สำคัญระหว่างความเป็นไปได้ทางศิลปะของรูปแบบดนตรีทั้งสองนี้ วงจรโซนาต้าคลาสสิก (โซนาต้า-ซิมโฟนี) ประมาณช่วงที่สามของศตวรรษที่ 18 วัฏจักรโซนาตาคลาสสิกได้ก่อตัวขึ้นในดนตรีในที่สุด ก่อนหน้านี้งานบรรเลงถูกครอบงำโดยรูปแบบของห้องชุดซึ่งชิ้นส่วนที่ช้าและเร็วสลับกันและรูปแบบของโซนาตาเก่าก็ใกล้เคียง ในตอนนี้ ในรอบโซนาตาคลาสสิกนั้น จำนวนชิ้นส่วน (โดยปกติคือสามหรือสี่ส่วน) ถูกกำหนดอย่างแม่นยำแล้ว แต่เนื้อหาของพวกมันมีความซับซ้อนมากขึ้น การเคลื่อนไหวครั้งแรกมักจะเขียนในรูปแบบโซนาตาซึ่งได้กล่าวถึงในย่อหน้าก่อนหน้า เธอเดินเร็วหรือเร็วปานกลาง ส่วนใหญ่มักจะเป็น A11eggo ดังนั้นการเคลื่อนไหวดังกล่าวจึงมักเรียกว่าโซนาตาอัลเลโกร ดนตรีในนั้นมักจะมีพลัง มีพลัง มักจะตึงเครียด ดราม่า การเคลื่อนไหวที่สองมักจะแตกต่างกับจังหวะแรกในจังหวะและลักษณะทั่วไป มักจะช้า ไพเราะและไพเราะที่สุด แต่ก็อาจแตกต่างกันได้ เช่น คล้ายกับการเล่าเรื่องช้าๆ หรือ การร่ายรำอย่างสง่างาม ในรอบ 3 ตอน ภาคสุดท้าย ภาค 3 ตอนจบก็เร็วอีกครั้ง ปกติจะเร็วกว่า แต่เข้มข้นกว่าในการพัฒนาภายในน้อยกว่า เป็นครั้งแรก ตอนจบของโซนาต้าคลาสสิก (โดยเฉพาะซิมโฟนี) มักจะวาดภาพความสนุกสนานในเทศกาลที่แออัด และธีมของพวกเขาก็ใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ ในกรณีนี้มักใช้รูปแบบ rondo (จากภาษาฝรั่งเศส "ronde" - "circle") ดังที่คุณทราบ ส่วนแรกที่นี่ (ละเว้น) ซ้ำหลายครั้ง สลับกับส่วนใหม่ (ตอน) 21 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซียโอเปร่าครั้งแรกของเขา? 3. สไตล์คลาสสิกได้เติบโตไปเมื่อไรและสไตล์คลาสสิกครอบงำดนตรีจนถึงเวลาใด? อธิบายความแตกต่างระหว่างคำจำกัดความทั้งสองของ "คลาสสิก" 4. อะไรคือความคล้ายคลึงกันในโครงสร้างทั่วไประหว่าง fugue และ sonata form? และความแตกต่างหลักระหว่างพวกเขาคืออะไร? 5. ตั้งชื่อส่วนหลักและส่วนเพิ่มเติมของแบบฟอร์มโซนาตา วาดไดอะแกรมของเธอ 6. ส่วนหลักและส่วนด้านข้างของรูปแบบโซนาตามีความสัมพันธ์กันอย่างไรในการแสดงออกและการชดใช้ 7. การพัฒนาในรูปแบบโซนาตาเป็นเรื่องปกติอย่างไร? 8. อธิบายส่วนต่างๆ ของวงจรโซนาตาแบบคลาสสิก 9. ตั้งชื่อประเภทหลักของวงจรโซนาตาคลาสสิกตามองค์ประกอบของนักแสดง ทั้งหมดนี้ทำให้รอบชิงชนะเลิศของรอบสี่ส่วนแตกต่างออกไป แต่ในนั้นระหว่างส่วนสุดโต่ง (ที่หนึ่งและสี่) สองส่วนตรงกลางจะถูกวางไว้ หนึ่ง - ช้า - ในซิมโฟนีมักจะเป็นครั้งที่สองและในสี่ - ที่สาม การเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 คือ Minuet ซึ่งเกิดขึ้นที่สองในสี่ ดังนั้นเราจึงพูดถึงคำว่า "โซนาต้า", "ควอเทต", "ซิมโฟนี" ความแตกต่างระหว่างรอบเหล่านี้ขึ้นอยู่กับองค์ประกอบของนักแสดง สถานที่พิเศษเป็นของวงซิมโฟนี ซึ่งเป็นผลงานของวงออเคสตรา ออกแบบมาเพื่อให้เสียงในห้องขนาดใหญ่ต่อหน้าผู้ฟังจำนวนมาก ในแง่นี้ คอนแชร์โต้อยู่ใกล้กับซิมโฟนี ซึ่งเป็นองค์ประกอบสามการเคลื่อนไหวสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีวงออเคสตราคลอ วัฏจักรเครื่องดนตรีแชมเบอร์ที่พบบ่อยที่สุดคือโซนาตา (สำหรับเครื่องดนตรีหนึ่งหรือสองเครื่อง) ทรีโอ (สำหรับเครื่องดนตรีสามชิ้น) ควอเตต (สำหรับเครื่องดนตรีสี่ชิ้น) เครื่องดนตรีสี่ชิ้น (สำหรับห้าเครื่อง)19 รูปแบบโซนาตาและวงจรโซนาตา-ซิมโฟนี เช่นเดียวกับสไตล์คลาสสิกในดนตรี ก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 18 ซึ่งเรียกว่า “ยุคแห่งการตรัสรู้” (หรือ “ยุคแห่งการตรัสรู้”) เช่นเดียวกับ “อายุ แห่งเหตุผล”. ในศตวรรษนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งหลัง ตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า "อสังหาริมทรัพย์ที่สาม" ได้รับการเสนอชื่อในหลายประเทศในยุโรป คนเหล่านี้คือคนที่ไม่มีตำแหน่งขุนนางหรือตำแหน่งทางจิตวิญญาณ พวกเขาประสบความสำเร็จในการทำงานและความคิดริเริ่มของตนเอง ได้ประกาศอุดมคติของ "มนุษย์ปุถุชน" ผู้เปี่ยมด้วยพลังสร้างสรรค์ จิตใจที่ผ่องใส และความรู้สึกลึกล้ำจากธรรมชาตินั้นเอง อุดมการณ์ประชาธิปไตยที่มองโลกในแง่ดีนี้สะท้อนให้เห็นในทางของตัวเองด้วยดนตรีและศิลปะและวรรณคดีรูปแบบอื่นๆ ตัวอย่างเช่น ชัยชนะของจิตใจมนุษย์และมือที่ไม่เหน็ดเหนื่อยในตอนเริ่มต้นของการตรัสรู้ได้รับการเชิดชูโดยนวนิยายชื่อดังของ Daniel Defoe นักเขียนชาวอังกฤษซึ่งตีพิมพ์ในปี 1719 The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe โจเซฟ ไฮเดิน 1732-1809 ดนตรีสไตล์คลาสสิกมีวุฒิภาวะและเฟื่องฟูในผลงานของโจเซฟ ไฮเดิน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท และลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ชีวิตและผลงานของแต่ละคนเป็นเวลานานในกรุงเวียนนา เมืองหลวงของออสเตรีย ดังนั้น Haydn, Mozart และ Beethoven จึงถูกเรียกว่าคลาสสิกแบบเวียนนา ออสเตรียเป็นอาณาจักรข้ามชาติ ในนั้นพร้อมกับชาวออสเตรียซึ่งมีภาษาเยอรมันเป็นภาษาแม่ชาวฮังกาเรียนและชาวสลาฟต่าง ๆ รวมถึงเช็ก, เซิร์บ, โครแอต เพลงและคำถามและการมอบหมายของพวกเขา 1 . บอกชื่อละครตลกแห่งชาติในศตวรรษที่ 18 อะไรคือความแตกต่างระหว่างการสร้างอุปรากรควายอิตาลีกับการสร้างอุปรากรการ์ตูนฝรั่งเศส? 2. กิจกรรมของนักปฏิรูปโอเปร่าผู้ยิ่งใหญ่อย่าง Christoph Willibald Gluck เกี่ยวข้องกับประเทศและเมืองใดบ้าง เขาเขียนพล็อตเรื่องใด ชื่อของวัฏจักรเครื่องดนตรีอื่น ๆ ของแชมเบอร์ - เซ็กเทต (6), เซปเทต (7), ออคเต็ต (8), nonet (9), เดซิเมท (10) ความหมายของคำว่า "chamber music" มาจากคำว่า "camera" ในภาษาอิตาลี - "room" จนถึงศตวรรษที่ 19 มีการแต่งเพลงสำหรับเครื่องดนตรีหลายชนิดที่บ้านนั่นคือพวกเขาถูกเข้าใจว่าเป็น "ดนตรีในห้อง" 19 22 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในด้านท่วงทำนองศิลปะรัสเซียสามารถได้ยินได้ทั้งในหมู่บ้านและในเมือง ในเวียนนา ดนตรีโฟล์กดังขึ้นทุกหนทุกแห่ง - ในใจกลางและในเขตชานเมือง ที่สี่แยกถนน ในสวนสาธารณะและสวนสาธารณะ ในร้านอาหารและผับ ในบ้านส่วนตัวที่ร่ำรวยและยากจน เวียนนายังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของวัฒนธรรมดนตรีอาชีพ โดยมีศูนย์กลางอยู่ที่ราชสำนัก โบสถ์ของขุนนาง 1 และห้องโถงของชนชั้นสูง วิหาร และโบสถ์ ละครโอเปร่าของอิตาลีได้รับการปลูกฝังมานานแล้วในเมืองหลวงของออสเตรีย ตามที่กล่าวมาแล้ว Gluck เริ่มการปฏิรูปโอเปร่าของเขา ดนตรีประกอบกับงานเฉลิมฉลองของศาลอย่างล้นเหลือ แต่ชาวเวียนนาก็เต็มใจเข้าร่วมการแสดงตลกด้วยดนตรีซึ่งเป็นที่มาของซิงสปิลและพวกเขาก็ชอบเต้นรำมาก ในสามเพลงคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ของเวียนนา Haydn เป็นเพลงที่เก่าแก่ที่สุด เขาอายุ 24 ปีเมื่อ Mozart เกิดและ 38 ปีเมื่อ Beethoven เกิด ไฮเดนมีชีวิตที่ยืนยาว เขารอดชีวิตจากโมสาร์ทซึ่งเสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ เกือบสองทศวรรษ และยังมีชีวิตอยู่เมื่อเบโธเฟนได้สร้างผลงานที่โตเต็มที่แล้วส่วนใหญ่ของเขา สำหรับโรงละครส่วนตัวของเจ้าชาย เขาเขียนโอเปร่ามากกว่าสองโหลในประเภทซีเรีย บัฟฟา เช่นเดียวกับโอเปร่า "หุ่นกระบอก" หลายเรื่องสำหรับการแสดงที่เล่นโดยหุ่นกระบอก แต่พื้นที่ของความสนใจและความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์หลักของเขาคือดนตรีไพเราะและแชมเบอร์ 2 รวมแล้วมีมากกว่า 800 องค์ประกอบ3 ในหมู่พวกเขามีซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ ควอเตตเครื่องสายมากกว่า 80 รายการ และโซนาต้ากลาเวียร์มากกว่า 60 รายการมีความสำคัญเป็นพิเศษ ในตัวอย่างที่โตเต็มที่ด้วยความสมบูรณ์ ความสว่าง และความคิดริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ที่สุด โลกทัศน์ในแง่ดีของนักประพันธ์เพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ได้เปิดเผย บางครั้งทัศนคติที่สดใสนี้ถูกกำหนดโดยอารมณ์ที่เศร้าหมอง พวกเขามักจะเอาชนะความรักที่ไม่สิ้นสุดของ Haydn การสังเกตอย่างกระตือรือร้นอารมณ์ขันร่าเริงเรียบง่ายมีสุขภาพดีและในเวลาเดียวกันการรับรู้บทกวีของความเป็นจริงโดยรอบ เส้นทางชีวิตในวัยเด็ก โรเราและไฮน์บวร์ก Franz Joseph Haydn เกิดในปี 1732 ในหมู่บ้าน Rorau ซึ่งตั้งอยู่ทางตะวันออกของออสเตรีย ใกล้ชายแดนฮังการีและอยู่ไม่ไกลจากเวียนนา พ่อของ Haydn เป็นโค้ชที่มีทักษะ แม่ของเขาทำหน้าที่เป็นพ่อครัวในที่ดินของเคานต์ ซึ่งเป็นเจ้าของ Rorau Josef ลูกชายคนโตของเขาซึ่งถูกเรียกว่า Zepperl อย่างสนิทสนมในครอบครัว พ่อแม่เริ่มคุ้นเคยกับความอุตสาหะ ความถูกต้อง ความสะอาด แต่เนิ่นๆ พ่อของ Haydn ไม่รู้จักดนตรีเลย แต่เขาชอบร้องเพลง เล่นพิณด้วยตัวเขาเอง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่ออยู่ในเพลงของเขา แขกมารวมตัวกันในบ้านหลังเล็ก Zepperl ร้องเพลงด้วยเสียงสีเงินใส เผยให้เห็นหูที่โดดเด่นสำหรับดนตรี และเมื่อเด็กชายอายุเพียงห้าขวบ เขาถูกส่งไปยังเมืองไฮน์เบิร์กที่อยู่ใกล้เคียงเพื่อไปหาญาติห่าง ๆ ที่เป็นผู้นำโรงเรียนและคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ ในเมืองไฮน์เบิร์ก Sepperl เรียนรู้ที่จะอ่าน เขียน นับ ร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียง และเริ่มฝึกฝนทักษะการเล่นคลาวิคอร์ดและไวโอลิน แต่มันไม่ง่ายสำหรับเขาที่จะอยู่ในครอบครัวที่แปลกประหลาด หลายปีต่อมา เขาจำได้ว่าจากนั้นเขาก็ได้รับ "คนตีมากกว่าอาหาร" ทันทีที่ Zepperl ไปถึง Hainburg เขาได้รับคำสั่งให้เรียนรู้ที่จะตีกลองทิมปานีเพื่อเข้าร่วมในขบวนแห่คริสตจักรเดียวกันกับดนตรี เด็กชายหยิบตะแกรง ดึงผ้าขึ้นมา แล้วเริ่มออกกำลังกายอย่างขยันขันแข็ง เขาทำงานสำเร็จลุล่วงไปด้วยดี เฉพาะเมื่อจัดขบวนเท่านั้นที่พวกเขาต้องแขวนเครื่องดนตรีไว้ข้างหลังคนที่เตี้ยมาก และเขาหลังค่อมซึ่งทำให้เกิดเสียงหัวเราะจากผู้ชม ในโบสถ์ของมหาวิหารเซนต์สตีเฟนในกรุงเวียนนา หลังจากเยี่ยมชมเมือง Hainburg หัวหน้าวงดนตรีของมหาวิหารเวียนนาและนักแต่งเพลงในศาล Georg Reuter ได้ดึงความสนใจไปที่ความสามารถทางดนตรีที่โดดเด่น Haydn เป็นผู้เชื่อที่จริงใจ เขาเป็นผู้เขียนมวลชนจำนวนหนึ่งและงานร้องและบรรเลงอื่น ๆ ที่อิงจากตำราทางจิตวิญญาณ 23 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Zepperl ดังนั้นในปี ค.ศ. 1740 ไฮเดนวัยแปดขวบพบว่าตัวเองอยู่ในเมืองหลวงของออสเตรีย ซึ่งเขาได้รับการยอมรับให้เป็นนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ของอาสนวิหารเซนต์สตีเฟน (หลัก) ทำมันเอง การเริ่มต้นชีวิตอิสระที่ยากลำบาก เมื่ออายุได้สิบแปดปี เสียงของชายหนุ่มเริ่มขาดหายไป - เสียงแหบแห้งและสูญเสียความยืดหยุ่นชั่วคราว เขาถูกโยนออกจากโบสถ์อย่างหยาบคายและไร้ความปราณี เมื่อพบว่าตัวเองไม่มีที่พักพิงและเงินทุน เขาอาจตายจากความหิวโหยและความหนาวเย็นได้หากเขาไม่ได้รับการปกป้องมาระยะหนึ่งจากนักร้องที่คุ้นเคยซึ่งอาศัยอยู่กับภรรยาและลูกของเขาในห้องเล็กๆ ใต้หลังคา ไฮเดนเริ่มรับงานดนตรีใดๆ ที่ปรากฎขึ้น: เขาคัดลอกโน้ต ให้บทเรียนเพนนีในการร้องเพลง เล่นกลาเวียร์ เข้าร่วมเป็นนักไวโอลินในวงดนตรีบรรเลงที่บรรเลงขับกล่อมในเวลากลางคืนเพื่อเป็นเกียรติแก่ชาวเมืองคนหนึ่ง ในที่สุด เขาก็สามารถเช่าห้องเล็กๆ บนชั้นหกและชั้นสุดท้ายของบ้านในใจกลางกรุงเวียนนาได้ ห้องถูกลมเจาะไม่มีเตาในฤดูหนาวน้ำมักจะแข็งตัว ไฮเดนอยู่ในสภาพเช่นนี้เป็นเวลาสิบปี แต่เขาไม่ได้เสียหัวใจและมีส่วนร่วมอย่างกระตือรือร้นในงานศิลปะที่เขาโปรดปราน “เมื่อข้าพเจ้านั่งที่คลาเวียร์ที่แก่และกินหนอน” เขาเล่าในวัยชราว่า “ข้าพเจ้าไม่ได้อิจฉาความสุขของกษัตริย์องค์ใดเลย” Haydn ได้รับการช่วยเหลือให้เอาชนะความยากลำบากในชีวิตประจำวันด้วยบุคลิกที่ร่าเริงและมีชีวิตชีวาของเขา ตัวอย่างเช่น ครั้งหนึ่ง ในตอนกลางคืน เขาวางเพื่อนนักดนตรีไว้ที่มุมเปลี่ยวบนถนนสายหนึ่งของกรุงเวียนนา และเมื่อสัญญาณของเขา ทุกคนก็เล่นตามที่เขาชอบ ผลที่ได้คือ "คอนเสิร์ตแมว" ซึ่งทำให้เกิดความปั่นป่วนในหมู่ผู้อยู่อาศัยโดยรอบ นักดนตรีสองคนลงเอยที่ตำรวจ แต่ผู้ยุยงของ "เซเรเนด" อื้อฉาวไม่ได้ส่งผู้ร้ายข้ามแดน คุ้นเคยกับนักแสดงตลกชื่อดัง Haydn ได้แต่งเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "The Lame Demon" ร่วมกับเขา และได้รับเงินจำนวนเล็กน้อย20 ทำหน้าที่เป็นทหารราบ Haydn เริ่มมีชื่อเสียงในกรุงเวียนนาทั้งในฐานะครูและนักแต่งเพลงทีละน้อย เขาได้พบกับคนดัง นักดนตรีและคนรักดนตรี ในบ้านของข้าราชการที่มีชื่อเสียง เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงแชมเบอร์ตระการตาและสร้างเครื่องสายเครื่องแรกสำหรับคอนเสิร์ตในที่ดินในชนบทของเขา และไฮเดนเขียนซิมโฟนีแรกของเขาในปี ค.ศ. 1759 เมื่อเขาได้รับวงออเคสตราเล็ก ๆ ที่เขาจำหน่าย กลายเป็นหัวหน้าห้องสวดมนต์ของเคาท์ มอร์ซิน การนับเก็บเฉพาะนักดนตรีที่ยังไม่แต่งงาน Haydn ซึ่งแต่งงานกับลูกสาวของช่างทำผมชาวเวียนนา ถูกบังคับให้เก็บเป็นความลับ แต่สิ่งนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปี 1760 เมื่ออยู่ในเวียนนา เมืองที่สวยงามขนาดใหญ่ที่มีอาคารและสถาปัตยกรรมตระการตา คลื่นแห่งความประทับใจที่สดใสใหม่ๆ เสียงเพลงลูกทุ่งข้ามชาติดังขึ้น ในอาสนวิหารและในราชสำนักซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงได้แสดงด้วย มีการแสดงเสียงร้องและบรรเลงอันเคร่งขรึม แต่สภาพความเป็นอยู่กลับกลายเป็นเรื่องยากอีกครั้ง ในห้องเรียน การซ้อมและการแสดง คณะนักร้องประสานเสียงเหนื่อยมาก พวกเขาได้รับอาหารไม่ดีพวกเขาอดอาหารครึ่งหนึ่งอย่างต่อเนื่อง พวกเขาถูกลงโทษอย่างรุนแรงจากการแกล้ง ไฮเดนตัวน้อยยังคงศึกษาศิลปะการร้องเพลง เล่นกลาเวียร์และไวโอลินอย่างขยันขันแข็งต่อไป และเขาต้องการแต่งเพลงจริงๆ อย่างไรก็ตาม รอยเตอร์ไม่ได้สนใจเรื่องนี้ ยุ่งมากกับงานของตัวเองตลอดเก้าปีของ Haydn อยู่ในโบสถ์ เขาให้บทเรียนเพียงสองบทเรียนในการเขียนเรียงความ แต่โจเซฟไล่ตามเป้าหมายอย่างดื้อรั้น ขยัน ไม่กี่ปีต่อมาเขาได้เขียนบทเพลงอีกเรื่องหนึ่งชื่อว่า "The New Lame Imp" 20 24 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย กิจการวัตถุของเคานต์สั่นสะเทือนและเขายุบโบสถ์ของเขา การแต่งงานของ Haydn ไม่ประสบความสำเร็จ คนที่เขาเลือกมีลักษณะนิสัยที่หนักใจและไม่พอใจ เธอไม่ได้สนใจงานแต่งของสามีเลย - จนถึงขั้นที่เธอทำแผ่นพับและแผ่นรองซับจากต้นฉบับของงานประพันธ์ของเขา ไม่กี่ปีต่อมา Haydn เริ่มแยกจากภรรยาของเขา พวกเขาไม่มีลูก ในโบสถ์ของเจ้าชายเอสเตอร์เฮซี่ ในปี ค.ศ. 1761 ชาวฮังการีผู้มั่งคั่ง; Prince Pal Antal Esterhazy เชิญ Haydn ไปที่ Eisenstadt ในตำแหน่งรอง kapellmeister นับจากนั้นเป็นต้นมา บริการของ Haydn กับครอบครัว Esterhazy ก็เริ่มขึ้น ซึ่งกินเวลานานสามทศวรรษ ห้าปีต่อมาเขากลายเป็นหัวหน้าวงดนตรี - หลังจากที่นักดนตรีสูงอายุที่ดำรงตำแหน่งนี้เสียชีวิต ทายาทของ Pala Antal ซึ่งเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2305 มีความโดดเด่นด้วยความมุ่งมั่นของเขาในด้านความหรูหราและความบันเทิงราคาแพง Myklosh 1 น้องชายของเขามีชื่อเล่นว่าผู้ยิ่งใหญ่ ไม่กี่ปีต่อมา เขาย้ายที่อยู่อาศัยจาก Eisenstadt ไปยังวังในชนบทแห่งใหม่ซึ่งมีห้องพัก 126 ห้อง ล้อมรอบด้วยสวนสาธารณะขนาดใหญ่ สร้างโรงอุปรากรขนาด 400 ที่นั่งและโรงละครหุ่นกระบอกในบริเวณใกล้เคียง และเพิ่มจำนวนนักดนตรีในโบสถ์ได้อย่างมีนัยสำคัญ . การทำงานในนั้นทำให้เฮย์เดนได้รับการสนับสนุนทางการเงินที่ดีและนอกจากนี้ - โอกาสในการเขียนจำนวนมากและทดสอบตัวเองในทางปฏิบัติทันทีโดยกำกับการแสดงดนตรีของผลงานใหม่ของเขา ในเอสเตอร์เฮส (ตามที่เรียกว่าที่พำนักของเจ้าชายแห่งใหม่) มักจะมีการจัดงานเลี้ยงต้อนรับที่แออัดซึ่งมักมีแขกต่างชาติระดับสูงเข้ามามีส่วนร่วม ด้วยเหตุนี้งานของ Haydn จึงกลายเป็นที่รู้จักนอกประเทศออสเตรีย แต่มีในทั้งหมดนี้อย่างที่พวกเขาพูด อีกด้านหนึ่งของเหรียญ เมื่อเขาเข้ารับราชการ Haydn ได้เซ็นสัญญาตามที่เขากลายเป็นคนรับใช้ดนตรี เขาต้องปรากฏตัวทุกวัน ก่อนและหลังอาหารค่ำ ที่หน้าพระราชวังด้วยวิกผมแบบแป้งและถุงน่องสีขาว เพื่อฟังคำสั่งของเจ้าชาย สัญญาบังคับให้ Haydn เขียนเพลงใด ๆ ที่เจ้านายของเขาต้องการไม่แสดงการประพันธ์ใหม่ให้ใครรู้และยิ่งกว่านั้นเพื่อไม่ให้ใครเขียนมันออกไป แต่ให้เก็บไว้เพียงเพื่อเจ้านายของเขาโดยปราศจากความรู้และพระคุณ ขออนุญาตไม่เขียนอะไรให้ใคร" . นอกจากนี้ Haydn ยังต้องปฏิบัติตามระเบียบในโบสถ์และพฤติกรรมของนักดนตรี ให้บทเรียนแก่นักร้อง และรับผิดชอบต่อความปลอดภัยของเครื่องดนตรีและโน้ต เขาไม่ได้อาศัยอยู่ในวัง แต่ในหมู่บ้านใกล้เคียงในบ้านหลังเล็ก ๆ จาก Eisenstadt ราชสำนักเคยย้ายไปเวียนนาในฤดูหนาว และจากเอสเตอร์ฮาซี เฮย์เดนสามารถเข้าไปในเมืองหลวงได้เป็นครั้งคราวกับเจ้าชายหรือได้รับอนุญาตเป็นพิเศษ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาใน Eisenstadt และ Esterhase ไฮเดนได้เปลี่ยนจากนักดนตรีมือใหม่มาเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยม ซึ่งผลงานของเขาได้บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบทางศิลปะขั้นสูง และไม่เพียงแต่ได้รับการยอมรับในออสเตรียเท่านั้น แต่ยังอยู่ไกลเกินขอบเขตอีกด้วย ดังนั้นเขาจึงเขียน "Paris Symphonies" หกรายการ (หมายเลข 82-87) โดยคำสั่งจากเมืองหลวงของฝรั่งเศสซึ่งพวกเขาประสบความสำเร็จในปี 1786 การประชุมของ Haydn กับ Wolfgang Amadeus Mozart ในกรุงเวียนนาย้อนหลังไปถึงช่วงทศวรรษที่ 1780 การสร้างสายสัมพันธ์ที่เป็นมิตรมีผลดีต่องานของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสอง เมื่อเวลาผ่านไป Haydn เริ่มตระหนักถึงตำแหน่งที่ต้องพึ่งพาของเขามากขึ้น ในจดหมายของเขาถึงเพื่อน ๆ จาก Esterhazy ในกรุงเวียนนาซึ่งเขียนขึ้นในช่วงครึ่งแรกของปี 1790 มีวลีดังกล่าว: “ ตอนนี้ - ฉันกำลังนั่งอยู่ในถิ่นทุรกันดาร - ถูกทอดทิ้ง - เหมือนเด็กกำพร้าที่ยากจน - เกือบจะไม่มีผู้คน - เศร้า .. เจ้าชายคนสุดท้ายของ Esterhazy เป็นเจ้าของที่ดินอันกว้างใหญ่มีข้าราชการหลายคนและดำเนินชีวิตในวังของพวกเขา พิเศษ 25 www.classON.ru การศึกษาของลูกในแวดวงศิลปะรัสเซีย ไม่รู้เป็นหัวหน้าวงดนตรีหรือหัวหน้าวงดนตรีมาหลายวันแล้ว... การเป็นทาสตลอดเวลานั้นช่างน่าเศร้า...» เทิร์นใหม่ โชคชะตา. การเดินทางไปอังกฤษ Miklós Esterházy เสียชีวิตในฤดูใบไม้ร่วงปี 1790 เขาเป็นคนรักดนตรีที่รู้แจ้ง เล่นเครื่องสาย และไม่สามารถชื่นชมในแบบของเขาเองได้ เช่น "คนใช้ดนตรี" อย่างไฮเดน เจ้าชายได้มอบบำเหน็จแก่เขาตลอดชีวิต Antal ทายาทของ Miklos ไม่สนใจดนตรี ไล่ออกจากโบสถ์ แต่อยากให้นักแต่งเพลงชื่อดังยังคงเป็นหัวหน้าวงดนตรีของเขาต่อไป เขายังเพิ่มการจ่ายเงินให้กับ Haydn ผู้ซึ่งเป็นอิสระจากหน้าที่ราชการและสามารถกำจัดตัวเองได้อย่างสมบูรณ์ ไฮเดนย้ายไปอยู่เวียนนาด้วยความตั้งใจที่จะแต่งเพลง และในตอนแรกปฏิเสธข้อเสนอเพื่อไปเยือนประเทศอื่นๆ แต่แล้วเขาก็ตกลงที่จะเสนอการเดินทางไกลไปอังกฤษและในตอนต้นของปี พ.ศ. 2334 ก็มาถึงลอนดอน ดังนั้น เมื่อใกล้ถึงวันเกิดอายุครบ 60 ปี Haydn ได้เห็นทะเลด้วยตาของตัวเองเป็นครั้งแรก และพบว่าตัวเองอยู่ในสถานะอื่นเป็นครั้งแรก ต่างจากออสเตรียซึ่งยังคงเป็นศักดินา-ชนชั้นสูงในทางของตน อังกฤษเป็นประเทศที่เป็นชนชั้นนายทุนมานานแล้ว และสังคม รวมทั้งดนตรี ชีวิตในลอนดอนแตกต่างจากเวียนนามาก ในลอนดอนซึ่งเป็นเมืองใหญ่ที่มีสถานประกอบการอุตสาหกรรมและการพาณิชย์มากมาย คอนเสิร์ตไม่ได้มีไว้สำหรับบุคคลที่ได้รับเชิญไปยังพระราชวังและร้านเสริมสวยของขุนนาง แต่จัดในห้องโถงสาธารณะซึ่งทุกคนมาโดยเสียค่าธรรมเนียม ชื่อของ Haydn ในอังกฤษรายล้อมไปด้วยรัศมีแห่งความรุ่งโรจน์แล้ว ทั้งนักดนตรีที่มีชื่อเสียงและบุคคลระดับสูงปฏิบัติต่อเขาไม่เพียงเท่าเทียม แต่ยังให้ความเคารพเป็นพิเศษด้วย ผลงานใหม่ของเขาในการแสดงซึ่งเขาทำหน้าที่เป็นวาทยกร ได้พบปะกันอย่างกระตือรือร้นและได้รับค่าตอบแทนอย่างไม่เห็นแก่ตัว Haydn จัดวงออเคสตราขนาดใหญ่ 40-50 คนนั่นคือสองเท่าของโบสถ์ Esterhazy มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ดได้รับปริญญาดุษฎีบัณฑิตกิตติมศักดิ์ ไฮเดนกลับมาที่เวียนนาในหนึ่งปีครึ่งต่อมา ระหว่างทางแวะเยี่ยมชมเมืองบอนน์ของเยอรมัน ที่นั่นเป็นครั้งแรกที่เขาได้พบกับหนุ่มน้อย ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ซึ่งในไม่ช้าก็ย้ายไปเวียนนาด้วยความตั้งใจที่จะเรียนกับไฮเดน แต่เบโธเฟนไม่ได้เรียนรู้บทเรียนจากเขานานนัก อัจฉริยะทางดนตรีสองคน อายุและอารมณ์ต่างกันเกินไป ไม่พบความเข้าใจซึ่งกันและกันอย่างแท้จริงในตอนนั้น อย่างไรก็ตาม Beethoven ได้อุทิศเปียโนโซนาตาสามตัว (หมายเลข 1-3) ให้กับ Haydn ในระหว่างการตีพิมพ์ การเดินทางครั้งที่สองของ Haydn ไปอังกฤษเริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2337 และกินเวลาเพียงปีครึ่ง ความสำเร็จกลับมามีชัยอีกครั้ง จากผลงานมากมายที่สร้างมา ในระหว่างการเดินทางเหล่านี้และในการเชื่อมต่อกับพวกเขา สิบสองสิ่งที่เรียกว่า "ลอนดอนซิมโฟนี" มีความสำคัญเป็นพิเศษ ปีสุดท้ายของชีวิตและความคิดสร้างสรรค์ Miklós II เจ้าชายองค์ต่อไปของ Esterházy สนใจดนตรีมากกว่ารุ่นก่อน ดังนั้นบางครั้ง Haydn จึงเริ่มวิ่งจากเวียนนาไปยัง Eisenstadt และเขียนมวลชนหลายคนตามคำสั่งของเจ้าชาย งานหลักของนักแต่งเพลงในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา - สอง oratorios ที่ยิ่งใหญ่ "The Creation of the World" และ "The Seasons" - ได้ดำเนินการในกรุงเวียนนาด้วยความสำเร็จอย่างมาก (หนึ่งในปี 1799 และอีกงานในปี 1801) การพรรณนาถึงความโกลาหลในสมัยโบราณ ซึ่งโลกได้เกิดขึ้น การสร้างโลก การกำเนิดชีวิตบนโลก และการสร้างมนุษย์ - นั่นคือเนื้อหาของ oratorios แรกเหล่านี้ สี่ส่วนของ oratorio ที่สอง ("ฤดูใบไม้ผลิ", "ฤดูร้อน", "ฤดูใบไม้ร่วง", "ฤดูหนาว") ประกอบด้วยภาพร่างดนตรีที่มีจุดมุ่งหมายอย่างดีของธรรมชาติในชนบทและชีวิตชาวนา 26 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย หลังจากปี 1803 Haydn ไม่ได้เขียนอย่างอื่น เขาใช้ชีวิตอย่างเงียบ ๆ ล้อมรอบด้วยรัศมีภาพและเกียรติยศ Haydn เสียชีวิตในฤดูใบไม้ผลิปี 1809 ที่จุดสูงสุดของสงครามนโปเลียนเมื่อฝรั่งเศสเข้าสู่กรุงเวียนนา เชลโลและดับเบิลเบส กลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ประกอบด้วยขลุ่ย โอโบ คลาริเน็ต และบาสซูน 21 กลุ่มเครื่องทองเหลืองของ Haydn ประกอบขึ้นจากเขาและท่อ และเขาใช้เฉพาะกลองทิมปานีจากเครื่องเพอร์คัชชัน และสุดท้ายลอนดอนซิมโฟนีที่สิบสองเขาได้เพิ่มสามเหลี่ยม , ฉาบและกลอง คำถามและภารกิจ 1. นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่สามคนใดที่เรียกว่าดนตรีคลาสสิกของเวียนนา อะไรอธิบายคำจำกัดความดังกล่าว? 2. บอกเราเกี่ยวกับชีวิตดนตรีของเวียนนาในศตวรรษที่ 18 3. ตั้งชื่อแนวดนตรีหลักในงานของ Haydn 4. วัยเด็กและเยาวชนของ Haydn ผ่านที่ไหนและอย่างไร? 5. Haydn เริ่มต้นการเดินทางอิสระอย่างไร? 6..ชีวิตและงานของ Haydn ดำเนินไปอย่างไรระหว่างที่เขารับใช้ในโบสถ์ของเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี? 7. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับการเดินทางไปอังกฤษของ Haydn และชีวิตช่วงท้ายๆ ของเขา ความคิดสร้างสรรค์ที่ไพเราะ เมื่อ Haydn เขียนซิมโฟนีแรกของเขาในปี ค.ศ. 1759 งานประเภทนี้มีอยู่แล้วและยังคงถูกสร้างขึ้นต่อไป เกิดขึ้นในอิตาลี เยอรมนี ออสเตรีย และประเทศอื่นๆ ในยุโรป ตัวอย่างเช่น ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีที่เรียบเรียงและแสดงในเมืองมานไฮม์ของเยอรมันซึ่งมีวงออเคสตราที่ดีที่สุดในเวลานั้น ได้รับชื่อเสียงโดยทั่วไป ในบรรดานักแต่งเพลงที่เรียกว่า "โรงเรียนมานไฮม์" นั้นมีชาวเช็กจำนวนมาก หนึ่งในบรรพบุรุษของซิมโฟนีคือโอเปร่าอิตาลีสามส่วน (ด้วยอัตราส่วนของส่วนต่างๆตามจังหวะ: "เร็ว - ช้า - เร็ว") ในยุคแรก ("ยุคก่อนคลาสสิก") ซิมโฟนี เส้นทางสู่ซิมโฟนีคลาสสิกในอนาคตยังคงถูกปูไว้ จุดเด่นคือความสำคัญของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความสมบูรณ์แบบของรูปแบบ ตามเส้นทางนี้ Haydn มาถึงซิมโฟนีที่โตเต็มที่ของเขาในปี 1780 และในขณะเดียวกัน ซิมโฟนีที่โตเต็มที่ของโมสาร์ทที่ยังอายุน้อยก็ปรากฏตัวขึ้น ก้าวหน้าอย่างรวดเร็วอย่างน่าอัศจรรย์สู่จุดสูงสุดของความเชี่ยวชาญทางศิลปะ Haydn ได้สร้าง London Symphonies ซึ่งครองตำแหน่งความสำเร็จของเขาในประเภทนี้ หลังจากการตายก่อนวัยอันควรของ Mozart ซึ่งทำให้เขาตกใจอย่างสุดซึ้ง ในซิมโฟนีที่โตเต็มที่ของ Haydn องค์ประกอบทั่วไปต่อไปนี้ของวัฏจักรสี่การเคลื่อนไหวได้เกิดขึ้น: sonata allegro, การเคลื่อนไหวช้า, minuet และ finale (มักจะอยู่ในรูปของ rondo หรือ sonata allegro) ในเวลาเดียวกัน องค์ประกอบคลาสสิกของวงออเคสตราจากเครื่องดนตรีสี่กลุ่มถูกกำหนดในคุณสมบัติหลัก กลุ่มชั้นนำ - สตริง ประกอบด้วยไวโอลิน วิโอลา เฮย์เดนไม่เคยใช้คลาริเน็ต แม้แต่ในลอนดอนซิมโฟนี พวกเขาปรากฏเพียงห้า (จากสิบสอง) 21 27 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ซิมโฟนีนี้เรียกว่า "ทหาร" นอกจากนี้ยังมีชื่อสำหรับซิมโฟนีอื่นๆ ของ Haydn ด้วย ในกรณีส่วนใหญ่ นักแต่งเพลงจะไม่ได้รับและทำเครื่องหมายเพียงรายละเอียดเดียว ซึ่งมักจะเป็นภาพ เช่น การเลียนแบบเสียงกึกก้องในส่วนที่ช้าของซิมโฟนี "ไก่" หรือ "ฟ้อง" - ในส่วนที่ช้าของซิมโฟนี " ชั่วโมง". เรื่องพิเศษเกี่ยวข้องกับซิมโฟนีใน F-sharp minor ซึ่งมีชื่อว่า "อำลา" มันมีส่วนที่ห้าเพิ่มเติม (แม่นยำกว่าคือ Adagio ของประเภท coda) ในระหว่างการแสดง สมาชิกวงออเคสตราจะจุดเทียนไขที่คอนโซล หยิบเครื่องดนตรีและจากไป มีเพียงนักไวโอลินสองคนเท่านั้นที่ยังคงอยู่ ซึ่งเล่นไวโอลินคันสุดท้ายอย่างเงียบ ๆ และเศร้าและจากไป มีคำอธิบายต่อไปนี้สำหรับเรื่องนี้ ราวกับครั้งหนึ่งในฤดูร้อน เจ้าชายมิโคลสที่ 1 ได้เลื่อนนักดนตรีของโบสถ์ในเอสเตอร์ฮาซให้ล่าช้ากว่าปกติ และพวกเขาต้องการพักผ่อนโดยเร็วที่สุดเพื่อที่จะได้เจอครอบครัวของพวกเขาที่อาศัยอยู่ในไอเซนชตัดท์ และตอนจบที่สองที่ไม่ธรรมดาของ Farewell Symphony เป็นการบอกใบ้ถึงสถานการณ์เหล่านี้ นอกจากการแสดงซิมโฟนีแล้ว Haydn ยังมีผลงานอื่นๆ มากมายสำหรับวงออเคสตรา รวมถึงเพลงเดี่ยวมากกว่าร้อยเพลง และทันใดนั้นทุกอย่างก็เปลี่ยนไปอย่างสนุกสนาน: การแสดงโซนาตาอัลเลโกรเริ่มต้นขึ้น แทนที่จะเป็นจังหวะช้า - เร็ว (Allegro con spirito - "เร็วด้วยความกระตือรือร้น") แทนที่จะเป็นเสียงเบสที่หนักแน่น - แรงจูงใจแรกของมือถือ ธีมการเต้นที่ร่าเริงสดใสของส่วนหลักเกิดจากเสียงเดียวกันของ G และ A-flat ในทะเบียนสูง ลวดลายทั้งหมดของชุดรูปแบบนี้ ซึ่งระบุไว้ในคีย์หลัก เริ่มต้นด้วยการทำซ้ำของเสียงแรก - ราวกับว่ามีการเหยียบย่ำอย่างแรง: ซิมโฟนีใน E-flat major นี่คือ "ลอนดอนซิมโฟนี" ที่สิบเอ็ดจากสิบสองเพลงของ Haydn คีย์หลักคือ E-flat major เป็นที่รู้จักกันในนาม "ซิมโฟนีลูกคอตีกลอง" 22. ซิมโฟนีอยู่ในสี่การเคลื่อนไหว ส่วนแรกเริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ เสียงลูกคอ (“เศษส่วน”) ของกลองทิมปานีที่ปรับตามเสียงโทนิกอย่างนุ่มนวล เป็นเหมือนเสียงฟ้าร้องที่อยู่ห่างไกล จากนั้นธีมของการแนะนำก็แผ่ออกไปใน "หิ้ง" ที่กว้างอย่างราบรื่น ขั้นแรก จะเล่นพร้อมกันคู่แปดเสียงโดยเชลโล ดับเบิลเบส และบาสซูน ดูเหมือนว่าเงาลึกลับบางอย่างกำลังลอยอยู่อย่างเงียบ ๆ และบางครั้งก็หยุดลง ที่นี่พวกเขาลังเลและหยุดนิ่ง: ในแถบสุดท้ายของการแนะนำพร้อมเพรียงกันสลับกันหลายครั้งในเสียงข้างเคียง G และ A-flat บังคับให้หูคาดหวัง - จะเกิดอะไรขึ้นต่อไป ชุดรูปแบบนี้จะทำซ้ำสองครั้งโดยใช้เครื่องสายเปียโน เสริมด้วยเสียงคำรามของการเต้นรำที่สนุกสนาน ให้เสียงที่มีพลังในวงออเคสตราทั้งหมด เสียงดังก้องไปทั่วอย่างรวดเร็ว และความลึกลับปรากฏขึ้นอีกครั้งในส่วนที่เชื่อมต่อกัน ความเสถียรของโทนเสียงขาดหายไป มีการมอดูเลตใน B-flat major (เด่นของ E-flat major) - คีย์ของส่วนด้านข้าง ไม่มีธีมใหม่ในส่วนที่เชื่อมต่อ แต่ได้ยินแรงจูงใจดั้งเดิมของธีมของ Timpani - ซีกโลกที่มีผิวหนังเหยียดอยู่เหนือพวกเขาซึ่งถูกแทงด้วยไม้สองท่อน แต่ละซีกโลกสามารถผลิตเสียงได้เพียงระดับเสียงเดียว ซิมโฟนีคลาสสิกมักใช้ซีกสองซีกที่ปรับให้เข้ากับยาชูกำลังและเด่น 22 28 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียของส่วนหลักและการเตือนความจำที่อยู่ห่างไกลจากหัวข้อของการแนะนำ: นิทรรศการจบลงด้วยการยืนยันของคีย์ของส่วนด้านข้าง (B-flat major) การอธิบายซ้ำแล้วซ้ำเล่า และการพัฒนาตามมา มันอิ่มตัวด้วยการเลียนแบบโพลีโฟนิกและการพัฒนาโทนสี - ฮาร์โมนิกของลวดลายที่แยกได้จากธีมของส่วนหลัก ธีมของเกมด้านข้างปรากฏขึ้นเมื่อสิ้นสุดการพัฒนา มันถูกดำเนินการทั้งหมดในคีย์ของ D-flat major ซึ่งห่างไกลจากคีย์หลัก นั่นคือ ดูเหมือนว่าในสภาพแสงใหม่ที่ไม่ปกติ และวันหนึ่ง (หลังจากหยุดชั่วคราวด้วยเฟอร์มาตา) เสียงสูงต่ำของธีมลึกลับของการแนะนำก็ปรากฏขึ้นในเบสด้วย การพัฒนาเสียงส่วนใหญ่มาจากเปียโนและเปียโน และมีเพียงบางครั้งเท่านั้น - มือขวาและฟอร์ทิสซิโมด้วยสำเนียง sforzando ที่แยกจากกัน สิ่งนี้ช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับความลึกลับ ลวดลายจากธีมของปาร์ตี้หลักในการพัฒนาบางครั้งคล้ายกับการเต้นรำที่ยอดเยี่ยม ใครๆ ก็นึกภาพออกว่านี่คือการเต้นรำของแสงสีลึกลับ ซึ่งบางครั้งก็สว่างวาบ ในการบรรเลงซ้ำในคีย์ของ E-flat major ไม่เพียงแต่ส่วนหลักเท่านั้น แต่ยังมีการทำซ้ำส่วนด้านข้างและข้ามเครื่องผูก ความลึกลับบางอย่างปรากฏในรหัส มันเริ่มต้นเช่นเดียวกับบทนำด้วยจังหวะ Adagio เสียงลูกคอของ Timpani ที่เงียบและการเคลื่อนไหวพร้อม ๆ กันอย่างช้าๆ แต่ในไม่ช้า ในตอนท้ายของส่วนแรก จังหวะที่รวดเร็ว เสียงที่ดัง และการเต้น "กระทืบ" ที่ร่าเริงก็กลับมา ส่วนที่สองของซิมโฟนี - Andante - เป็นการเปลี่ยนแปลงในสองธีม - เพลงใน C minor และเพลงเดินขบวนใน C major โครงสร้างของสิ่งที่เรียกว่ารูปแบบคู่เหล่านี้มีดังต่อไปนี้: ชุดรูปแบบที่หนึ่งและที่สองได้รับการสรุป จากนั้นจึงปฏิบัติตาม: รูปแบบแรกของชุดรูปแบบแรก รูปแบบที่หนึ่งของชุดรูปแบบที่สอง รูปแบบที่สองของชุดรูปแบบแรก รูปแบบที่สอง รูปแบบของธีมและโค้ดที่สอง ตามเนื้อหาของธีมที่สอง จนถึงทุกวันนี้ นักวิจัยโต้แย้งเกี่ยวกับสัญชาติของหัวข้อแรก นักดนตรีชาวโครเอเชียเชื่อว่านี่เป็นเพลงพื้นบ้านโครเอเชียในแง่ของคุณลักษณะ ในขณะที่นักดนตรีชาวฮังการีเชื่อว่านี่เป็นเพลงฮังการี Serbs, Bulgarians, Poles ก็พบลักษณะประจำชาติของพวกเขาเช่นกัน ข้อพิพาทนี้ไม่สามารถแก้ไขได้ด้วยความมั่นใจเพราะการบันทึกหัวข้อของส่วนด้านข้างเป็นการเต้นรำที่ร่าเริงอีกครั้ง แต่เมื่อเปรียบเทียบกับปาร์ตี้หลัก เธอไม่ได้กระฉับกระเฉง แต่ดูสง่างามและเป็นผู้หญิงมากกว่า ทำนองที่บรรเลงบนไวโอลินด้วยโอโบ การบรรเลงเพลงวอลทซ์ตามแบบฉบับทำให้ธีมนี้ใกล้เคียงกับผู้ลงจอดมากขึ้น - การเต้นรำแบบออสเตรียและเยอรมันใต้ซึ่งเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษของวอลทซ์: 29 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในด้านศิลปะรัสเซียของท่วงทำนองเก่าและไม่พบคำพูด เห็นได้ชัดว่าคุณลักษณะของเพลงสลาฟและฮังการีหลายเพลงได้รวมเข้าด้วยกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เป็นการเคลื่อนไหวที่แปลกประหลาดสำหรับวินาทีที่เพิ่มขึ้น (E-flat - fadiez): รูปแบบของชุดรูปแบบที่สองกลับมาทำงานต่อด้วยดอกยางที่กล้าหาญซึ่งประดับประดาด้วยข้อความอัจฉริยะ - ขลุ่ยเกรซ และในโค้ดขนาดใหญ่ การเปลี่ยนแปลงที่ไม่คาดคิดในการพัฒนา "งานดนตรี" ก็เกิดขึ้น ประการแรก ธีมการเดินขบวนจะเปลี่ยนเป็นเสียงที่นุ่มนวลและโปร่งใส จากนั้นแนวคิดที่แยกออกมาจากมันด้วยจังหวะประจะพัฒนาอย่างเข้มข้น สิ่งนี้นำไปสู่การปรากฏตัวอย่างกะทันหันของโทนเสียงของ E-flat major หลังจากนั้นบทสุดท้ายของธีมการเดินขบวนจะฟังดูสดใสและเคร่งขรึมใน C major ส่วนที่สามของซิมโฟนี - มินูเอต - เดิมทีผสมผสานท่าเดินอันสง่างามของการเต้นรำในสังคมชั้นสูงด้วยการก้าวกระโดดและจังหวะที่กว้างตามอำเภอใจในทำนอง: บทสวดและบทที่สองเป็นธีมหลักในการเดินขบวน ตรงกันข้ามกับจังหวะแรก มันมีความสัมพันธ์บางอย่างกับมัน - จังหวะที่สี่ การขึ้นและลงของทำนองของท่วงทำนองและขั้นตอนที่สี่ที่ยกระดับ (ฟาดิเอซ): ธีมแปลก ๆ นี้มีการเคลื่อนไหวที่ราบรื่นและสงบ ใน Trio - ส่วนตรงกลางของ Minuet ซึ่งอยู่ระหว่างส่วนแรกกับการทำซ้ำที่แน่นอน23: การแสดงหัวข้อแรกโดยใช้เครื่องสายเปียโนและ pianissimo เป็นเหมือนการบรรยายที่สบายๆ เหมือนจุดเริ่มต้นของเรื่องราวเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่ไม่ปกติบางอย่าง ครั้งแรกของสิ่งเหล่านี้อาจถูกนำเสนอด้วยการนำเสนออย่างกระทันหันของหัวข้อที่สองในการเดินขบวน ซึ่งมีการเพิ่มเครื่องมือลมเข้ากับกลุ่มเครื่องสาย โทนการเล่าเรื่องจะคงไว้ในรูปแบบแรกของธีมแรก แต่เสียงสะท้อนที่โศกเศร้าและระแวดระวังก็เข้ามาสมทบกับเสียงของเธอ ในรูปแบบแรกของธีมที่สอง ไวโอลินโซโลจะแต่งทำนองเพลงด้วยข้อความที่มีลวดลายแปลกตา ในรูปแบบที่สองของธีมแรก การบรรยายจะมีตัวละครที่วุ่นวายและกระวนกระวายใจในทันใด (ใช้เครื่องดนตรีทั้งหมด รวมทั้งกลองทิมปานี) ในช่วงที่สอง Minuet (หรือมากกว่านั้นเป็นส่วนที่แปลกประหลาดอย่างมากในแง่ของตัวละคร) แตกต่างกับธีมพื้นบ้านและในชีวิตประจำวันในด้านหนึ่งส่วนแรกและส่วนที่สองของซิมโฟนีและอีกด้านหนึ่งเป็นส่วนสุดท้าย , ส่วนที่สี่ - ตอนจบ. ในที่นี้ อย่างที่ควรจะเป็นในอัลเลโกรโซนาตาคลาสสิก ในนิทรรศการนี้ ส่วนหลักจะถูกนำเสนอในคีย์หลักของ E-flat major ส่วนด้านข้างอยู่ในคีย์เด่นของ B-flat major และในการบรรเลงทั้ง พวกเขาฟังใน E-flat major อย่างไรก็ตาม ในส่วนด้านข้าง เป็นเวลานาน ส่วนตรงกลางของงานออร์เคสตรามักจะใช้เครื่องดนตรีสามชิ้น นี่คือที่มาของชื่อ "ทรีโอ" 23 30 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซียเป็นหัวข้อใหม่อย่างสมบูรณ์ มันถูกสร้างขึ้นจากเนื้อหาของธีมของพรรคหลัก มาจากคำภาษาฝรั่งเศส "ronde" ซึ่งแปลว่า "circle" หรือ "round dance" คำถามและภารกิจ 1. Haydn และ Mozart มาแต่งเพลงซิมโฟนีที่โตเต็มที่เมื่อไหร่? 2. ซิมโฟนี Haydn มักประกอบด้วยส่วนใดบ้าง? ตั้งชื่อกลุ่มเครื่องดนตรีในวงออเคสตราของ Haydn 3. คุณรู้จักชื่อวงซิมโฟนีของ Haydn อะไร? 4. ทำไมซิมโฟนีของ Haydn ใน E-flat major จึงเรียกว่า "with tremolo หรือ Taurus"? มันขึ้นต้นด้วยส่วนไหนครับ? 5. อธิบายธีมหลักของรูปแบบโซนาตาในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีนี้ 6. ส่วนที่สองของซิมโฟนีเขียนในรูปแบบใดและในหัวข้อใด 7. อธิบายหัวข้อหลักและส่วนต่างๆ ของส่วนที่สาม 8. อะไรคือลักษณะเฉพาะของความสัมพันธ์ระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนข้างในตอนจบ? อะไรคือความเชื่อมโยงระหว่างลักษณะของดนตรีในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีและในตอนจบของมัน? ดังนั้น ปรากฎว่าตอนจบทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากธีมเดียว นักแต่งเพลงราวกับอยู่ในเกมที่สลับซับซ้อน จะใช้ธีมต่อโดยสมบูรณ์ หรือผสมผสานรูปแบบต่างๆ และองค์ประกอบแต่ละอย่างอย่างชำนาญ และเธอก็น่าสนใจในตัวเอง ท้ายที่สุดแล้ว พื้นฐานฮาร์โมนิกก็ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก ซึ่งเรียกว่า "การเคลื่อนไหวสีทอง" ของเขาสองเขา ซึ่งเป็นสัญญาณทั่วไปของการล่าเขา และมีเพียงเมโลดี้เต้นรำที่ใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านของโครเอเชียเท่านั้นที่ซ้อนทับบนพื้นฐานนี้ มันเริ่มต้นด้วย "การกระทืบ" ในเสียงหนึ่งและในอนาคตแรงจูงใจนี้ซ้ำแล้วซ้ำอีกหลายครั้งเลียนแบบย้ายจากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่ง สิ่งนี้ชวนให้นึกถึงบรรทัดฐานการเปิดของธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกและวิธีพัฒนาที่นั่น นอกจากนี้ ผู้แต่งระบุจังหวะเดียวกันในรอบสุดท้าย - Allegro con spirito ดังนั้นในตอนจบ องค์ประกอบของการเต้นรำพื้นบ้านที่ร่าเริงจึงเข้าครอบงำในที่สุด แต่ที่นี่มีลักษณะพิเศษ - ดูเหมือนการเต้นรำแบบกลมที่ซับซ้อน การเต้นรำแบบกลุ่มที่การเต้นรำผสมผสานกับเพลงและการกระทำของเกม สิ่งนี้ได้รับการยืนยันจากข้อเท็จจริงที่ว่าในนิทรรศการนั้น ส่วนหลักจะถูกทำซ้ำในคีย์หลักเพิ่มอีกสองครั้ง - หลังจากช่วงเปลี่ยนผ่านเล็กน้อยและหลังส่วนด้านข้าง นั่นคือดูเหมือนว่าจะกลับมาทำการเคลื่อนไหวเป็นวงกลม และนี่จะแนะนำคุณสมบัติของแบบฟอร์มรอนโดในรูปแบบโซนาตา คำว่า "rondo" ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ความคิดสร้างสรรค์ของ clavier เมื่อ Haydn สร้างสรรค์ผลงานเกี่ยวกับ clavier เปียโนก็ค่อยๆ แทนที่ harpsichord และ clavichord จากการฝึกดนตรี Haydn เขียนบทประพันธ์ในยุคแรกๆ ของเขาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดโบราณเหล่านี้ และในฉบับต่อมาเขาเริ่มระบุว่า "สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหรือเปียโน" และในท้ายที่สุด บางครั้งมีเพียง "สำหรับเปียโน" เท่านั้น ในบรรดาผลงานของนักปราชญ์ของเขา สถานที่ที่สำคัญที่สุดคือโซนาตาเดี่ยว ก่อนหน้านี้เชื่อกันว่า Haydn มีเพียง 52 คน แต่ด้วยการค้นหานักวิจัยทำให้จำนวนนี้เพิ่มขึ้นเป็น 62 ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือโซนาต้าใน D major และ E minor24 โซนาตาในดีเมเจอร์ ธีมของส่วนหลักซึ่งเริ่มต้นในส่วนแรกของโซนาตานี้คือการเต้นรำที่สาดกระเซ็นด้วยความปิติยินดีและความเบิกบานใจกับการกระโดดอ็อกเทฟที่ซุกซนแบบเด็กๆ โน้ตเกรซ รอยเปื้อนและการทำซ้ำของเสียง เพลงดังกล่าวสามารถจินตนาการได้ว่ากำลังเล่นในละครโอเปร่า: ในฉบับก่อนหน้า โซนาตาเหล่านี้พิมพ์เป็น "หมายเลข 37" และ "หมายเลข 34" และในฉบับต่อมาเป็น "หมายเลข 50" และ "หมายเลข 53" . 24 31 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย แต่จากนั้นกระโดดซุกซนจากส่วนหลักก็เจาะเข้าสู่การพัฒนาธีมของส่วนด้านข้างและจากนั้น - การเคลื่อนไหวจู้จี้จุกจิกจากส่วนเชื่อมต่อ มันจะตึงเครียดมากขึ้น กว้างใหญ่ และสงบลงในทันใด - ราวกับเป็นการตัดสินใจในทันที หลังจากนั้น นิทรรศการก็จบลงด้วยงานเลี้ยงเต้นรำครั้งสุดท้าย มีความยุ่งยากในการพัฒนาอีกมาก ที่นี่อ็อกเทฟกระโดดจากธีมของส่วนหลัก ย้ายไปทางซ้ายมือ กลายเป็นคนซุกซนมากขึ้น และการเคลื่อนไหวของเนื้อเรื่องก็เข้าถึงความตึงเครียดและขอบเขตที่กว้างกว่าในการพัฒนาธีมของส่วนรองในนิทรรศการ ในการบรรเลง เสียงของด้านข้างและส่วนสุดท้ายในคีย์หลัก (D major) ทำให้เกิดอารมณ์อันเบิกบานอย่างมั่นคง ความเปรียบต่างที่รุนแรงที่สุดถูกนำมาใช้ในโซนาตาโดยการเคลื่อนไหวครั้งที่สองสั้นๆ ซึ่งช้าและมีลักษณะจำกัด มันเขียนด้วยคีย์ที่มีชื่อเดียวกันใน D minor เสียงเพลงอันหนักหน่วงของ sarabande ได้ยิน - การเต้นรำแบบเก่าซึ่งมักจะมีลักษณะเป็นขบวนแห่ศพ และในคำอุทานไพเราะที่แสดงออกถึงความไพเราะด้วยแฝดสามและตัวเลขจังหวะเป็นจุด มีความคล้ายคลึงกันกับท่วงทำนองแห่งความโศกเศร้าของชาวยิปซีฮังการี: ข้อความที่ร่าเริงและจุกจิกของส่วนที่สิบหกเติมส่วนที่เชื่อมโยง และธีมของส่วนด้านข้าง (ในคีย์ของ A major) ก็สามารถเต้นได้เพียง จำกัด และสง่างามมากขึ้น: 32 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซีย Sonata ใน E Minor . เขาเตรียมตัวอย่างขยันขันแข็ง แต่ก็ไม่สามารถดำเนินการได้เนื่องจากหน้าที่ราชการของเขาในโบสถ์เอสเตอร์เฮซี่ เป็นไปได้ว่าความฝันของการเดินทาง "ไปต่างประเทศ" อันห่างไกลและประสบการณ์ที่เกี่ยวข้องกับพวกเขานั้นสะท้อนให้เห็นใน E minor sonata ที่เกิดขึ้นในขณะนั้น นี่เป็นเพียงหนึ่งในไม่กี่โซนาตาเล็กๆ ที่เขียนโดย Haydn ซึ่งในการเคลื่อนไหวครั้งแรก ตัวละครที่เป็นโคลงสั้น ๆ ที่เด่นชัดจะถูกรวมเข้ากับจังหวะที่เร็วมาก แก่นของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเริ่มด้วยโซนาตาก็แปลกเช่นกัน แต่ในงานศิลปะที่มองโลกในแง่ดีของ Haydn ภาพที่มืดมนของความตายมักจะถูกครอบงำด้วยภาพที่สดใสของชีวิต และส่วนที่สองของ D minor ของโซนาตานี้ไม่ได้จบลงที่โทนิค แต่บนคอร์ดที่โดดเด่นส่งผ่านโดยตรงไปยังตอนจบของ D major 25 ที่เร่งรีบ ตอนจบถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของ rondo โดยที่ธีมหลัก - การละเว้น (ในคีย์หลักของ D major) - ทำซ้ำสามครั้งและระหว่างซ้ำจะมีส่วนที่เปลี่ยนแปลง - ตอน: ตอนแรกอยู่ใน D minor และครั้งที่สอง - ใน G major เฉพาะตอนแรกในตอน D minor เท่านั้น ความทรงจำอันเศร้าโศกเล็ดลอดผ่านเข้ามา - เสียงสะท้อนจากส่วนตรงกลาง ตอนที่สองใน G major นั้นร่าเริงอย่างไม่ระมัดระวังและนำไปสู่การ "ม้วนสาย" การ์ตูนของมือขวาและมือซ้ายในโน้ตเดียวกัน และธีมหลักที่บินและเต้นรำของตอนจบ (ละเว้น rondo) เป็นหนึ่งในเรื่องที่ร่าเริงที่สุดของ Haydn: วลีเปิดของหัวข้อนี้ประกอบขึ้นจากการรวมกันของสององค์ประกอบ ในมือซ้ายของเบส เปียโนจะขยับด้วยโทนิคสามตัว เหมือนกับเสียงเรียกให้รีบไปที่ไหนสักแห่งที่อยู่ห่างไกล และในพระหัตถ์ขวานั้น ให้ทำตามที่สั่นสะท้านราวกับสงสัย คำตอบที่สั่นคลอนแรงจูงใจ การเคลื่อนไหวโดยทั่วไปของธีมนั้นนุ่มนวล เป็นลูกคลื่น และโยกเยก นอกจากนี้ ขนาดของการเคลื่อนไหวครั้งแรก - 6/8 - เป็นเรื่องปกติของประเภทบาร์คารอล - "เพลงในน้ำ"26. ในส่วนการโยง มีการมอดูเลต G major ขนานกับ E minor - คีย์ของด้านข้างและส่วนสุดท้าย ส่วนที่เชื่อมต่อและส่วนสุดท้ายซึ่งเต็มไปด้วยทางเดินที่เคลื่อนไหวของส่วนที่สิบหก ล้อมกรอบส่วนด้านข้าง - เบา ชวนฝัน ซึ่งระบุด้วยคำภาษาอิตาลีว่า "attacca subito il Finale" ซึ่งหมายถึง "เพื่อเริ่มตอนจบทันที" ในขั้นต้น เพลงของเรือกอนโดลิเย่เวเนเชียนถูกเรียกว่าบาร์คารอลส์ ชื่อของประเภทมาจากคำภาษาอิตาลี "barca" - "boat" 25 26 33 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียราวกับทะยานขึ้น: ธรรมชาติด้วยเสียงสัญญาณราวกับว่ากำลังเรียกร้องให้เดินทางกลับหัวใจดูเหมือนจะเริ่มต้นขึ้นด้วยความวิตกกังวลที่สนุกสนาน! และที่นี่ หลังจากการเปลี่ยนคอร์ด ธีมหลักของการเคลื่อนไหวที่สาม (ตอนจบ) จะปรากฏขึ้น นี่คือการละเว้นของรูปแบบ rondo ที่เขียน Finale ดูเหมือนว่าเพลงประกอบที่ได้รับแรงบันดาลใจซึ่งช่วยในการเร่ง "เต็มเรือ" ไปยังดินแดนดั้งเดิมของพวกเขา: ดังนั้นโครงร่างของรูปแบบรอนโดในตอนจบจึงเป็นดังนี้: ละเว้น (E minor) ตอนแรก (E major) , ละเว้น (E minor), ตอนที่สอง (E major), ละเว้น (E minor) ทั้งสองตอนมีความเกี่ยวโยงกับบทภาวนาและต่อกันด้วยความสัมพันธ์อันไพเราะ เมื่อเสียงเชื่อม ส่วนรองและส่วนสุดท้ายส่งเสียง จินตนาการจะดึงภาพที่น่าดึงดูด ลมพัดอย่างอิสระเพียงใด การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วนั้นเปี่ยมไปด้วยความสุขเพียงใด นอกจากนี้ในการพัฒนาซึ่งสร้างขึ้นจากวัสดุของส่วนหลักการเชื่อมต่อและส่วนสุดท้ายการเบี่ยงเบนในคีย์รองจะมีผลเหนือกว่า โดยหลักแล้ว นั่นคือ ไม่สำคัญ แต่เป็นโทนเสียงรอง ส่วนที่สองและสุดท้ายที่กลายเป็นเสียงที่กว้างขวางมากขึ้นในการบรรเลง อย่างไรก็ตาม ความโศกเศร้าและความสงสัยทางวิญญาณก็พ่ายแพ้ไปในที่สุดด้วยการพยายามไปให้ไกลโดยไม่มีใครรู้ นั่นคือความหมายของแถบสุดท้ายของการเคลื่อนไหวครั้งแรกซึ่งการกล่าวเริ่มต้นของธีมของพรรคหลักซ้ำแล้วซ้ำอีกอย่างน่าทึ่ง ส่วนที่สองของโซนาตา ช้า ใน G major เป็นเพลงบรรเลงชนิดหนึ่ง อัดแน่นไปด้วยอารมณ์ครุ่นคิดเบาๆ สีอ่อนของเธอเต็มไปด้วยเสียงสะท้อนของนกที่ร้องเจี๊ยก ๆ ลำธารที่พึมพำ: คำถามและงาน 1. ตั้งชื่อแนวเพลงหลักของเพลงกลาเวียร์ของ Haydn โซนาต้าของเขารู้จักกี่คน? 2. อธิบายส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของโซนาตาใน D major มีการเชื่อมต่อในส่วนนี้ระหว่างส่วนหลักและส่วนด้านข้างหรือไม่? 3. การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของโซนาต้าใน D major ทำให้เกิดความแตกต่างอะไรกับดนตรี? ความสัมพันธ์กับตอนจบคืออะไร? 4. บอกเราเกี่ยวกับคุณสมบัติของโครงสร้างและลักษณะของธีมของส่วนหลักของส่วนแรกของโซนาตาใน E minor ครบถ้วนและกำหนดลักษณะหัวข้อและส่วนที่เหลือของส่วนนี้ 5. ลักษณะของการเคลื่อนไหวที่สองของโซนาตาใน E minor คืออะไร? 6. บอกเราเกี่ยวกับรูปแบบของตอนจบของโซนาต้าใน E minor และลักษณะของธีมหลัก ผลงานหลัก ซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ (104) ชุดคอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีและวงออเคสตราต่างๆ กว่า 80 ควอเตต (สำหรับไวโอลิน 2 ตัว วิโอลาและเชลโล) (83) 62 clavier sonatas Creation and Seasons oratorios 24 โอเปร่า การเรียบเรียงเพลงสก็อตและไอริช อย่างไรก็ตาม ไม่ว่า การพักผ่อนที่เงียบสงบช่างหวานเหลือเกินในอ้อมอกของ 34 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียที่เขียนในหลายประเภท - ซิมโฟนีของเขา, คอนแชร์โต, วงดนตรีต่างๆ, โซนาต้าเปียโน, บังสุกุลสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง, ศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา พรสวรรค์อันมหัศจรรย์ที่พัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็วและผิดปกติของโมสาร์ทซึ่งสร้างขึ้นจากชื่อของเขา รัศมีแห่ง "ปาฏิหาริย์ทางดนตรี" ในตำนาน ลักษณะสดใส; เขาได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปิน A. S. Pushkin ในละคร ("โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ น้อย ๆ") "Mozart and Salieri" โอเปร่าในชื่อเดียวกันโดย N. A. Rimsky Korsakov 27 ถูกเขียนขึ้นโดยอิงจากมัน Mozart เป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของ P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 เส้นทางชีวิต ครอบครัว. วัยเด็กตอนต้น. บ้านเกิดของโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท ซึ่งเกิดในเดือนมกราคม ค.ศ. 1756 คือเมืองซาลซ์บูร์กของออสเตรีย แม่น้ำซาลซัคแผ่กว้างออกไปอย่างงดงามอย่างงดงามบนฝั่งที่เป็นเนินเขาของแม่น้ำซาลซัค ซึ่งไหลไปตามเชิงเขาทางทิศตะวันออกของเทือกเขาแอลป์ ซาลซ์บูร์กเป็นเมืองหลวงของอาณาเขตเล็กๆ ผู้ปกครองซึ่งมีศักดิ์ศรีทางจิตวิญญาณของอาร์คบิชอป Leopold Mozart บิดาของ Wolfgang Amadeus รับใช้ในโบสถ์ของเขา เขาเป็นนักดนตรีที่จริงจังและมีการศึกษาสูง - เป็นนักแต่งเพลง นักไวโอลิน นักเล่นออร์แกนและครูที่เก่งกาจ "โรงเรียนสอนเล่นไวโอลิน" เผยแพร่โดยเขาเผยแพร่ในหลายประเทศ รวมถึงรัสเซีย จากลูกทั้งเจ็ดของ Leopold และ Anna Maria ภรรยาของเขา มีเพียงสองคนที่รอดชีวิต - ลูกชายคนสุดท้อง Wolfgang Amadeus และลูกสาว Maria Anna (Nannerl) ซึ่งแก่กว่า! พี่ชายเป็นเวลาสี่ปีครึ่ง เมื่อพ่อของเขาเริ่มสอน Nannerl ที่มีความสามารถที่ยอดเยี่ยมในการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ในไม่ช้าเขาก็เริ่มเรียนกับวูล์ฟกังวัย 3 ขวบโดยสังเกตหูที่ดีที่สุดและความทรงจำทางดนตรีที่น่าทึ่งของเขาเป็นเวลาสี่ปีที่เด็กชายพยายามทำ แต่งเพลง และฮาร์ปซิคอร์ดที่ยังหลงเหลือชิ้นแรกของเขาถูกบันทึกโดยบิดาของเขา เมื่อผู้เขียนอายุเพียงห้าขวบ มีเรื่องเล่าว่าโวล์ฟกังวัย 4 ขวบพยายามแต่งเพลงบรรเลงเปียโนได้อย่างไร เขาใช้ปากกาจุ่มนิ้วลงในบ่อน้ำหมึกแล้วหยดหมึกลงบนกระดาษโน้ตเพลง ไม่ใช่เมื่อพ่อของฉันมองดูบันทึกแบบเด็กๆ นี้ ผ่านรอยเปื้อนที่เขาค้นพบความหมายทางดนตรีอย่างไม่ต้องสงสัยในนั้น หนึ่งในอัจฉริยะด้านดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย Wolfgang Amadeus Mozart มีอายุเพียง 35 ปี ในจำนวนนี้ เขาแต่งเพลงมาเป็นเวลา 30 ปี และทิ้งมรดกไว้มากกว่า 600 งาน มีส่วนสนับสนุนอันประเมินค่ามิได้แก่กองทุนทองคำแห่งศิลปะโลก โจเซฟ ไฮเดน ผู้เป็นพี่คนปัจจุบันเป็นผู้ให้การประเมินของขวัญอันสร้างสรรค์ของโมสาร์ทที่ซื่อสัตย์ที่สุดและซื่อสัตย์ที่สุดในช่วงชีวิตของเขา “... ลูกของคุณ” เขาเคยพูดกับพ่อของโวล์ฟกัง อะมาดิอุส “เป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่ฉันรู้จักเป็นการส่วนตัวและด้วยชื่อ เขามีรสนิยม และยิ่งไปกว่านั้น ความรู้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการจัดองค์ประกอบ ดนตรีของ Haydn และ Mozart ที่เรียกกันว่าคลาสสิกแบบเวียนนานั้น มีการรับรู้ถึงโลกในแง่ดีอย่างมีประสิทธิภาพ เป็นการรวมกันระหว่างความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติในการแสดงความรู้สึกด้วยความสูงส่งและลึกซึ้งในบทกวี ในเวลาเดียวกัน ความสนใจทางศิลปะของพวกเขามีความแตกต่างกันอย่างมาก Haydn นั้นใกล้ชิดกับภาพพื้นบ้านในชีวิตประจำวันและภาพโคลงสั้น ๆ ที่ยิ่งใหญ่กว่า และสำหรับ Mozart - อันที่จริงแล้วเป็นภาพที่มีโคลงสั้น ๆ และเชิงโคลงสั้น ๆ - ดราม่า งานศิลปะของ Mozart มีเสน่ห์เป็นพิเศษด้วยความอ่อนไหวต่อประสบการณ์ทางอารมณ์ของบุคคล เช่นเดียวกับความแม่นยำและความมีชีวิตชีวาในศูนย์รวมของตัวละครต่างๆ ของมนุษย์ สิ่งนี้ทำให้เขาเป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าที่โดดเด่น โอเปร่าของเขา และเหนือสิ่งอื่นใด The Marriage of Figaro, Don Giovanni และ The Magic Flute ประสบความสำเร็จอย่างไม่เปลี่ยนแปลงในศตวรรษที่ 3 โดยได้จัดแสดงบนเวทีของโรงละครดนตรีทุกแห่ง หนึ่งในสถานที่ที่มีเกียรติที่สุดในโลกการแสดงคอนเสิร์ตถูกครอบครองโดยผลงานของ Mozart เวอร์ชันที่ Salieri วางยาพิษ Mozart ด้วยความอิจฉาเป็นเพียงตำนาน ไชคอฟสกีเรียบเรียงเปียโนสี่ชิ้นโดยโมสาร์ทและแต่งชุดโมสาร์เทียน่าจากเปียโนเหล่านั้น 27 28 35 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียจะแสดงไวโอลินคอนแชร์โต้... เล่นบนแป้นพิมพ์ที่คลุมด้วยผ้าเช็ดหน้าและราวกับว่าอยู่ต่อหน้าต่อตาเขาแล้วจากระยะไกลเขาจะตั้งชื่อทั้งหมด เสียงที่ทีละหนึ่งหรือในคอร์ดที่พวกเขาจะถูกนำมาบนกลาเวียร์หรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ หรือเผยแพร่โดยวัตถุ - ระฆัง, แก้ว, นาฬิกา ในท้ายที่สุดเขาจะด้นสดไม่เพียงแค่ฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น แต่ยังอยู่ในออร์แกนตราบเท่าที่ผู้ชมต้องการและในทุก ๆ คีย์ที่ยากที่สุดที่พวกเขาเรียกเขาว่า ... ” ทริปคอนเสิร์ตครั้งแรก Leopold Mozart ตัดสินใจเริ่มทัวร์คอนเสิร์ตที่ศูนย์ดนตรีสำคัญๆ กับลูกๆ ที่มีพรสวรรค์ของเขา การเดินทางครั้งแรก - ไปยังเมืองมิวนิกของเยอรมนี - เกิดขึ้นเมื่อต้นปี พ.ศ. 2305 เมื่อโวล์ฟกังเพิ่งอายุได้หกขวบ หกเดือนต่อมา ครอบครัว Mozart ไปเวียนนา ที่นั่น โวล์ฟกังและแนนเนิร์ลแสดงที่ราชสำนัก ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม และได้รับของขวัญมากมาย ในฤดูร้อนปี 1763 Mozarts ได้เดินทางไปปารีสและลอนดอนอย่างยิ่งใหญ่ แต่ก่อนอื่นพวกเขาได้ไปเยือนเมืองต่างๆ ของเยอรมัน และระหว่างทางกลับ - อีกครั้งที่ปารีส เช่นเดียวกับในอัมสเตอร์ดัม กรุงเฮก เจนีวา และเมืองอื่นๆ อีกหลายเมือง การแสดงของโมสาร์ทตัวน้อย โดยเฉพาะโวล์ฟกัง สร้างความประหลาดใจและความชื่นชมในทุกที่ แม้แต่ในราชสำนักที่งดงามที่สุด ตามธรรมเนียมในสมัยนั้น โวล์ฟกังปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมผู้สูงศักดิ์ในชุดสูทสีดำปักและวิกผมแบบมีแป้ง แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ประพฤติตัวด้วยความฉับไวแบบเด็กๆ เช่น กระโดดคุกเข่าไปหาจักรพรรดินี . คอนเสิร์ตที่กินเวลานาน 4-5 ชั่วโมงติดต่อกันทำให้นักดนตรีตัวเล็กๆ เหนื่อยหน่าย และกลายเป็นความบันเทิงสำหรับสาธารณชน นี่คือสิ่งที่กล่าวไว้ในประกาศฉบับหนึ่ง: “... เด็กผู้หญิงอายุสิบสองและเด็กชายในปีที่เจ็ดจะเล่นคอนแชร์โตฮาร์ปซิคอร์ด .. นอกจากนี้ เด็กชาย 36 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ทัวร์คอนเสิร์ตดำเนินต่อไปนานกว่าสามปีและนำประสบการณ์ที่แตกต่างกันมากมายของโวล์ฟกัง เขาได้ยินงานบรรเลงและเสียงร้องมากมาย ได้พบกับนักดนตรีที่โดดเด่นหลายคน (ในลอนดอน - กับโยฮันน์ เซบาสเตียน บาค ลูกชายคนสุดท้องของโยฮันน์ คริสเตียน) ระหว่างการแสดง โวล์ฟกังศึกษาองค์ประกอบอย่างกระตือรือร้น ในปารีส โซนาต้าสี่ตัวสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ดของเขาถูกตีพิมพ์ออกมา ซึ่งบ่งชี้ว่านี่เป็นผลงานของเด็กชายอายุ 7 ขวบ ในลอนดอน เขาเขียนซิมโฟนีเรื่องแรกของเขา กลับซาลซ์บูร์กและพักที่เวียนนา โอเปร่าครั้งแรก ในตอนท้ายของปี พ.ศ. 2309 ทั้งครอบครัวกลับไปซาลซ์บูร์ก โวล์ฟกังเริ่มมีส่วนร่วมในการแต่งอย่างเป็นระบบภายใต้การแนะนำของพ่อของเขา Mozarts ใช้เวลาทั้งหมดในปี 1768 ในกรุงเวียนนา ภายใต้สัญญากับโรงละคร โวล์ฟกังอายุสิบสองปีเขียนตามนางแบบชาวอิตาลี ละครควายเรื่อง The Imaginary Simple Girl ในสามเดือน การซ้อมเริ่มขึ้น แต่การแสดงเริ่มถูกเลื่อนออกไปและถูกยกเลิกโดยสิ้นเชิง (อาจเป็นเพราะความอิจฉาของคนอิจฉา) มันเกิดขึ้นเฉพาะในปีหน้าในซาลซ์บูร์ก ในกรุงเวียนนา โวล์ฟกังยังแต่งเพลงอีกหลายชิ้น รวมทั้งซิมโฟนีห้าชิ้น และประสบความสำเร็จในการประกอบพิธีมิสซาที่อุทิศให้กับโบสถ์ใหม่ การเดินทางไปอิตาลี ตั้งแต่ปลายปี พ.ศ. 2312 ถึงต้นปี พ.ศ. 2316 โวล์ฟกัง อะมาดิอุสได้เดินทางไปอิตาลีกับบิดาเป็นเวลานานถึงสามครั้ง ใน "ดินแดนแห่งดนตรี" แห่งนี้ โมสาร์ทรุ่นเยาว์ได้แสดงอย่างประสบความสำเร็จในเมืองต่างๆ มากกว่าสิบแห่ง รวมถึงโรม เนเปิลส์ มิลาน ฟลอเรนซ์ เขาแสดงซิมโฟนี เล่นฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน และออร์แกน โซนาต้าและฟิวก์ที่แต่งกลอนสดตามธีมที่กำหนด ร้องตามตำรา เล่นงานยากจากสายตาได้ดีเยี่ยม และเล่นซ้ำในคีย์อื่นๆ เขาไปเยี่ยมโบโลญญาสองครั้งซึ่งบางครั้งเขาได้บทเรียนจากอาจารย์ที่มีชื่อเสียง - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลง Padre Martini หลังจากผ่านการทดสอบที่ยากลำบากอย่างยอดเยี่ยม (หลังจากเขียนองค์ประกอบโพลีโฟนิกโดยใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน) Mozart วัย 14 ปีได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Bologna Philharmonic Academy เป็นข้อยกเว้นพิเศษ และตามกฎบัตรอนุญาตเฉพาะนักดนตรีที่มีอายุถึงยี่สิบปีและมีประสบการณ์ในการพำนักเบื้องต้นในสถาบันที่มีอำนาจนี้เท่านั้น ในกรุงโรม การเยี่ยมชมโบสถ์น้อยซิสทีนในวาติกัน (ที่พำนักของสมเด็จพระสันตะปาปา) 29 โมสาร์ทเคยได้ยินองค์ประกอบทางจิตวิญญาณแบบโพลีโฟนิกขนาดใหญ่สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงสองคนโดย Gregorio Allegri นักแต่งเพลงชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 17 งานนี้ถือเป็นทรัพย์สินของสมเด็จพระสันตะปาปาและไม่ได้รับอนุญาตให้คัดลอกหรือแจกจ่าย แต่โมสาร์ทเขียนคะแนนการร้องประสานเสียงที่ซับซ้อนทั้งหมดจากความทรงจำ และคณะนักร้องประสานเสียงของสมเด็จพระสันตะปาปาก็ยืนยันความถูกต้องของการบันทึกเสียง อิตาลี ซึ่งเป็นประเทศที่ยิ่งใหญ่ไม่เพียงแค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรมด้วย ทำให้โมสาร์ทมีความประทับใจทางศิลปะมากมาย เขารู้สึกทึ่งเป็นพิเศษเมื่อได้เยี่ยมชมโรงอุปรากร ชายหนุ่มคนนี้เชี่ยวชาญโอเปร่าสไตล์อิตาลีมากจนเขาเขียนโอเปร่าสามเรื่องในเวลาอันสั้น ซึ่งจากนั้นก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในมิลาน เหล่านี้เป็นละครโอเปราสองเรื่อง - "Mithridates ราชาแห่งปอนตุส" และ "ลูเซียส ซุลลา" - และละครอภิบาลเรื่องพล็อตเรื่องในตำนาน "Ascanio in Alba"30 การเดินทางไปเวียนนา มิวนิก มันไฮม์ ปารีส แม้จะประสบความสำเร็จในการสร้างสรรค์และคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม แต่โวล์ฟกัง อมาดิอุสล้มเหลวในการรับราชการที่ศาลของผู้ปกครองรัฐอิตาลีคนใดคนหนึ่ง ฉันต้องกลับไปที่ซาลซ์บูร์ก ที่นี่ แทนที่อาร์คบิชอปที่สิ้นพระชนม์ ผู้ปกครองคนใหม่ที่เผด็จการและหยาบคายมากกว่ากลับขึ้นครองราชย์ มันกลายเป็นเรื่องยากมากขึ้นสำหรับ Mozarts ซึ่งอยู่ในบริการของเขาจะได้รับลาสำหรับการเดินทางครั้งใหม่ และโรงอุปรากรซึ่งโมสาร์ทปรารถนาจะแต่งก็ไม่มีในซาลซ์บูร์ก และโอกาสอื่นๆ สำหรับกิจกรรมทางดนตรีก็มีจำกัด การเดินทางไปเวียนนาสำหรับนักดนตรีสองคนนั้นเป็นไปได้ก็ต่อเมื่ออาร์ชบิชอปแห่งซาลซ์บูร์กต้องการเยี่ยมชมเมืองหลวงของออสเตรียเท่านั้น เขายังยอมให้พวกโมสาร์ทเดินทางไปอย่างไม่เต็มใจ มิวนิก ซึ่งเป็นสถานที่จัดแสดงควายอุปรากรรุ่นใหม่ของนักประพันธ์เพลง และสำหรับการเดินทางครั้งต่อไป มีเพียง Wolfgang Amadeus เท่านั้นที่ได้รับอนุญาตด้วยความยากลำบาก พ่อของเขาถูกบังคับให้อยู่ในซาลซ์บูร์ก และแม่ของเขาเดินทางไปกับลูกชายของเขา จุดแวะพักระยะยาวครั้งแรกเกิดขึ้นที่เมืองมานไฮม์ในเยอรมนี ที่นี่ Wolfgang Amadeus และ Anna Maria ได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นจากหนึ่งในผู้นำของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราที่มีชื่อเสียงในขณะนั้น ซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนนักประพันธ์เพลง Mannheim ยุคก่อนคลาสสิก ในเมืองมานไฮม์ โมสาร์ทแต่งโดยศิลปินชาวอิตาลี รวมทั้งมีเกลันเจโล 30 ราชอาณาจักรปอนตุสเป็นรัฐโบราณในทะเลดำ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นชายฝั่งตุรกีในปัจจุบัน ("ปองต์ ยูซินัส" ซึ่งก็คือ "ทะเลที่เอื้ออาทร" ซึ่งเป็นชื่อกรีกโบราณสำหรับทะเลดำ) ลูเซียส ซุลลา เป็นบุคคลสำคัญของกองทัพกรีกและการเมือง Pastoral (จากคำภาษาอิตาลี "pastore" - "shepherd") เป็นงานที่มีโครงเรื่องที่ทำให้ชีวิตในอุดมคติอยู่ในอ้อมอกของธรรมชาติ โบสถ์น้อยซิสทีน - คริสตจักรบ้านของพระสันตะปาปาในวาติกัน; มันถูกสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปาซิกตัสที่ 4 ผนังและเพดานของโบสถ์ถูกทาสีด้วย 29 37 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียมีผลงานจำนวนหนึ่งซึ่งส่วนใหญ่เป็นเครื่องดนตรีซึ่งมีรูปแบบดนตรีที่โตเต็มที่แล้ว แต่ไม่มีตำแหน่งงานว่างถาวรสำหรับ Wolfgang Amadeus ที่นี่เช่นกัน ในฤดูใบไม้ผลิปี 1778 โมสาร์ทและแม่ของเขามาถึงปารีส อย่างไรก็ตาม ความหวังที่จะได้รับการยอมรับอย่างแท้จริงที่นั่นและครอบครองตำแหน่งที่โดดเด่นนั้นไม่เป็นจริง ในเมืองหลวงของฝรั่งเศส เด็กอัศจรรย์ ของเล่นที่ดูเหมือนมีชีวิตนี้ ถูกลืมไปแล้ว และพวกเขาล้มเหลวในการจดจำพรสวรรค์ที่เฟื่องฟูของนักดนตรีหนุ่ม โมสาร์ทไม่โชคดีทั้งกับการจัดคอนเสิร์ตหรือได้รับคำสั่งให้แสดงโอเปร่า เขาอาศัยอยู่กับรายได้ที่น่าสังเวชจากบทเรียนสำหรับโรงละครเขาทำได้แค่เขียนเพลงสำหรับบัลเล่ต์ตัวเล็ก "Trinkets" ผลงานที่โดดเด่นใหม่ออกมาจากปากกาของเขา แต่แล้วพวกเขาก็ไม่ได้ดึงดูดความสนใจอย่างจริงจังกับตัวเอง และในฤดูร้อนของ Wolfgang Amadeus ได้รับความเศร้าโศกอย่างหนัก: แม่ของเขาล้มป่วยและเสียชีวิต ต้นปีหน้า โมสาร์ทกลับมายังซาลซ์บูร์ก โอเปร่า ไอโดมีนีโอ เลิกกับอาร์คบิชอปและย้ายไปเวียนนา เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในอีกไม่กี่ปีข้างหน้าสำหรับโมสาร์ทคือการสร้างและการแสดงละครโอเปร่า Idomeneo ราชาแห่งเกาะครีตในมิวนิกซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก ที่นี่คุณสมบัติที่ดีที่สุดของซีรีส์โอเปร่าอิตาลีถูกรวมเข้ากับหลักการของการปฏิรูปโอเปร่าของกลัค ซึ่งเป็นการปูทางไปสู่การเกิดขึ้นของผลงานโอเปร่าชิ้นเอกของโมสาร์ทที่มีสีสันสดใส ... มันคือ 1781 โมสาร์ทอายุ 25 ปี เขาเป็นผู้เขียนผลงานสามร้อยครึ่ง เต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์ใหม่ๆ และสำหรับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก เขาเป็นเพียงคนใช้ดนตรี ซึ่งเจ้านายที่เย่อหยิ่งและเผด็จการกดขี่และอับอายมากขึ้นเรื่อย ๆ บังคับให้เขานั่งที่โต๊ะในห้องของผู้คน "เหนือพ่อครัว แต่ต่ำกว่าคนขี้แพ้" ไม่อนุญาตให้เขานั่งที่โต๊ะในห้องของผู้คน ไปทุกที่โดยไม่ได้รับอนุญาต และไม่ดำเนินการใด ๆ ทั้งหมดนี้กลายเป็นสิ่งที่ทนไม่ได้สำหรับโมสาร์ทและเขายื่นลาออก อาร์คบิชอปปฏิเสธเขาสองครั้งด้วยการสาปแช่งและดูถูก และผู้ติดตามของเขาเตะนักดนตรีออกจากประตูอย่างหยาบคาย แต่เมื่อเขาประสบกับความตกตะลึงทางวิญญาณ ยังคงแน่วแน่ในการตัดสินใจของเขา โมสาร์ทเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่คนแรกที่แยกตัวออกจากตำแหน่งนักดนตรีในศาลที่มีความมั่นคงทางการเงินแต่ต้องพึ่งพาอาศัยกันอย่างภาคภูมิใจ เวียนนา: ทศวรรษที่ผ่านมา โมสาร์ทตั้งรกรากอยู่ในเวียนนา เขาได้ออกจากเมืองหลวงของออสเตรียในช่วงเวลาสั้นๆ เท่านั้น ตัวอย่างเช่น ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับการผลิตโอเปร่า Don Giovanni ครั้งแรกของเขาในกรุงปราก หรือระหว่างทัวร์คอนเสิร์ตสองครั้งในเยอรมนี ในปี ค.ศ. 1782 เขาได้แต่งงานกับคอนสแตนซ์ เวเบอร์ ซึ่งโดดเด่นด้วยบุคลิกร่าเริงและการแสดงละครเวทีของเธอ เด็กเกิดทีละคน (แต่ในหกคน สี่คนเสียชีวิตตั้งแต่ยังเป็นทารก) รายได้ของโมสาร์ทจากการแสดงคอนเสิร์ตในฐานะนักแสดงเพลงกลาเวียร์ของเขา จากการตีพิมพ์บทประพันธ์และการผลิตโอเปร่านั้นไม่ปกติ นอกจากนี้ โมสาร์ทซึ่งเป็นคนใจดี ไว้วางใจ และปฏิบัติไม่ได้ ไม่รู้ว่าจะจัดการเรื่องเงินอย่างรอบคอบอย่างไร การแต่งตั้งเมื่อปลายปี พ.ศ. 2330 ในตำแหน่งนักดนตรีแชมเบอร์ในศาลซึ่งได้รับค่าตอบแทนเพียงเล็กน้อยซึ่งได้รับคำสั่งให้แต่งเพลงเต้นรำเพียงอย่างเดียวไม่ได้ช่วยเขาให้พ้นจากความต้องการเงินที่มีประสบการณ์บ่อยครั้ง ในช่วงเวลา 10 ปีที่เวียนนา โมสาร์ทได้สร้างผลงานใหม่มากกว่าสองร้อยชิ้น ในหมู่พวกเขาประสบความสำเร็จทางศิลปะที่สดใสที่สุดในหลายประเภท ในปีแห่งการแต่งงานของ Mozart ผลงานเพลงของเขาเรื่อง The Abduction from the Seraglio อันเป็นประกายได้รับการจัดแสดงในกรุงเวียนนาด้วยความสำเร็จอย่างมาก อารมณ์ขัน31. และโอเปร่าบัฟฟา "การแต่งงานของฟิกาโร" ต้นฉบับโดย; ประเภท "ละครครึกครื้น" "ดอนฮวน" และเทพนิยาย "ขลุ่ยวิเศษ" ซึ่งเกิดขึ้นในปีที่ผ่านมาเวียนนาอยู่ในยอดเขาสูงสุดที่โรงละครดนตรีเข้าถึงได้ทั้งหมด! ประวัติของเขา ซิมโฟนีที่ดีที่สุดสามรายการของเขา ซึ่งกลายเป็นครั้งสุดท้าย รวมถึงเพลงใน G minor (หมายเลข 40) Mozart เขียนเมื่อฤดูร้อนปี 1788 ในทศวรรษเดียวกัน ผลงานบรรเลงอื่น ๆ ของผู้แต่งได้ปรากฏตัวขึ้น - วงดุริยางค์สี่ส่วน "Little Night Serenade" เปียโนคอนแชร์โตจำนวนหนึ่ง โซนาตา และคณะต่างๆ Mozart อุทิศเครื่องสายหกเครื่องให้กับ Haydn ซึ่งเขาได้พัฒนามิตรภาพอันอบอุ่น Mozart ได้ศึกษาผลงานของ Bach และ Handel ด้วยความสนใจอย่างมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ผลงานล่าสุดของ Mozart คือ Requiem ซึ่งเป็นงานรวมกลุ่มผู้ตายสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยว และวงออเคสตรา ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2334 ชายคนหนึ่งซึ่งไม่ต้องการให้ชื่อแก่ผู้แต่งได้รับคำสั่งให้นักแต่งเพลง มันดูลึกลับ อาจก่อให้เกิดลางสังหรณ์ที่มืดมน เพียงไม่กี่ปีต่อมาปรากฏว่าคำสั่งนั้นมาจากเคานต์ชาวเวียนนาที่ต้องการซื้องานของคนอื่นและส่งต่อให้เป็นของเขาเอง โมสาร์ทป่วยหนัก ไม่สามารถทำบังสุกุลให้สมบูรณ์ได้ เสร็จสมบูรณ์ตามแบบร่างของนักเรียนนักแต่งเพลงคนหนึ่ง มีเรื่องเล่าว่าในคืนก่อนวันมรณกรรมของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งต่อมาในคืนวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334 เพื่อน ๆ ร้องเพลงร่วมกับเขาในบางส่วนของงานที่ยังทำไม่เสร็จ ตามการออกแบบที่เศร้าโศกในบังสุกุล การแสดงอารมณ์เชิงโคลงสั้นและน่าทึ่งที่ได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีของโมสาร์ทจึงมีความประณีตและจริงจังเป็นพิเศษ เนื่องจากขาดเงินทุน โมสาร์ทจึงถูกฝังในหลุมศพทั่วไปสำหรับ 31 32 Seraglio ซึ่งเป็นผู้หญิงครึ่งหนึ่งในบ้านของขุนนางตะวันออกผู้มั่งคั่ง คำภาษาละติน "requiem" หมายถึง "สันติภาพ" 38 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซียนั้นยากจน และสถานที่ฝังศพของเขายังไม่ทราบแน่ชัด สำหรับซูซานนา เคาน์เตสแต่งตัวในชุดของเธอ ภรรยาของเขาอับอาย Almaviva ถูกบังคับให้ไม่ป้องกัน Figaro และ Susanna จากการเฉลิมฉลองงานแต่งงานของพวกเขาอีกต่อไป ซึ่งสิ้นสุด "วันที่บ้าคลั่ง" อย่างสนุกสนานและมีความสุขซึ่งเต็มไปด้วยเหตุการณ์ที่ไม่คาดคิดทุกประเภท โอเปร่าเริ่มต้นด้วยการทาบทามที่ได้รับความนิยมอย่างมากและมักแสดงในคอนเสิร์ตซิมโฟนี 34 ซึ่งแตกต่างจากทาบทามอื่นๆ อีกมาก ทาบทามนี้ไม่ได้ใช้ธีมที่ฟังในโอเปร่าเอง ที่นี่อารมณ์ทั่วไปของการกระทำที่ตามมาได้รับการถ่ายทอดอย่างเต็มตา ความรวดเร็วอันน่าทึ่ง และความเบิกบานใจที่เดือดพล่าน ทาบทามเขียนในรูปแบบโซนาตา แต่ไม่มีการพัฒนาซึ่งถูกแทนที่ด้วยการเชื่อมต่อสั้น ๆ ระหว่างการอธิบายและการชดใช้ ในเวลาเดียวกัน มีห้ารูปแบบที่แตกต่างอย่างชัดเจนและแทนที่กันอย่างรวดเร็ว ชุดแรกและชุดที่สองเป็นชุดหลัก ชุดที่สามและชุดที่สี่ ชุดข้าง ชุดที่ห้า ชุดสุดท้าย พวกเขาทั้งหมดมีพลัง แต่ในขณะเดียวกันก็มีลักษณะพิเศษของตัวเอง ธีมแรกของส่วนหลักที่เล่นโดยเครื่องสายและบาสซูนพร้อมกัน เคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วด้วยความคล่องตัวที่ซุกซน: คำถามและการมอบหมาย 1. ดนตรีของ Mozart มีอะไรที่เหมือนกันกับดนตรีของ Haydn? และอะไรคือความแตกต่างระหว่างความสนใจทางศิลปะของงานคลาสสิกเวียนนาทั้งสองเรื่องนี้? 2. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับครอบครัวและวัยเด็กของ Wolfgang Amadeus Mozart 3. โมสาร์ทแสดงเป็นเด็กน้อยในประเทศและเมืองใดบ้าง การแสดงเหล่านี้เป็นอย่างไรบ้าง? 4. โมสาร์ทเขียนควายโอเปร่าครั้งแรกเมื่ออายุเท่าไหร่? เรียกว่าอะไรและวางไว้ที่ไหน? 5. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับทริปอิตาลีของโมสาร์ทรุ่นเยาว์ 6. โมสาร์ทไปเมืองใดในภายหลัง การเดินทางไปปารีสของเขาประสบความสำเร็จหรือไม่? 7. บอกเราเกี่ยวกับการพักของ Mozart กับ Salzburg Archbishop 8. บรรยายชีวิตและการทำงานของโมสาร์ทในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา ตั้งชื่อผลงานหลักที่เขาสร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ โอเปร่า "การแต่งงานของฟิกาโร" การแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าของโมสาร์ท "การแต่งงานของฟิกาโร" เกิดขึ้นที่เวียนนาในปี พ.ศ. 2329 นักแต่งเพลงเองก็ทำฮาร์ปซิคอร์ดสำหรับการแสดงสองครั้งแรก ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก แต่มีการวัดซ้ำหลายครั้ง บท (ข้อความด้วยวาจา) ของโอเปร่านี้ในสี่องก์เขียนเป็นภาษาอิตาลีโดย Lorenzo da Ponte โดยอิงจากเรื่องตลกของนักเขียนชาวฝรั่งเศส Beaumarchais Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro ในปี 1875 P.I. Tchaikovsky แปลบทนี้เป็นภาษารัสเซีย และในการแปลของเขา โอเปร่าดำเนินการในประเทศของเรา โมสาร์ทเรียกการแต่งงานของฟิกาโรว่าเป็นควายโอเปร่า แต่มันไม่ใช่แค่เรื่องตลกที่ให้ความบันเทิงกับสถานการณ์ที่ตลกขบขัน ตัวละครหลักแสดงโดยดนตรีเป็นตัวละครมนุษย์ที่มีชีวิตต่างๆ และแนวคิดหลักของการเล่นของ Beaumarchais ก็ใกล้เคียงกับ Mozart เพราะมันประกอบด้วยความจริงที่ว่าคนใช้ของ Count Almaviva Figaro และเจ้าสาวของเขาคือคนใช้ Susanna กลายเป็นคนฉลาดและดีกว่าเจ้านายที่มีชื่อซึ่งพวกเขาเปิดเผยแผนการอย่างคล่องแคล่ว ตัวนับเองชอบซูซานนา และเขาพยายามจะชะลอการแต่งงานของเธอ แต่ฟิกาโรและซูซานนาเอาชนะอุปสรรคทั้งหมดที่เกิดขึ้นอย่างแยบยล ดึงดูดภรรยาของเคานต์และเครูบิโนผู้เยาว์วัยให้อยู่เคียงข้างพวกเขา ในการให้บริการของผู้มีเกียรติ ธีมที่เชื่อมโยงกันของปาร์ตี้หลัก ปาร์ตี้ที่เต็มไปด้วยความแตกต่างส่วนใหญ่ จำได้ว่าคำว่า "ทาบทาม" มาจากกริยาภาษาฝรั่งเศส "ouvrir" ซึ่งแปลว่า "เปิด" "เพื่อเริ่มต้น" 33 34 39 www.classON.ru ความกล้าหาญ การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียพร้อมทางเดินขนาดหัวข้อแรกของส่วนด้านข้างปรากฏขึ้นทำนองที่ไวโอลินบรรเลง ธีมนี้มีจังหวะที่แปลกประหลาด ตามอำเภอใจเล็กน้อย แต่มีลักษณะคงอยู่: ตัวเลขเสียงร้อง ดังนั้นหมายเลขเดี่ยวตัวแรกในส่วนของฟิกาโร (เธอได้รับความไว้วางใจให้ทำเสียงบาริโทน) - อาเรียขนาดเล็ก (cavatina) - ดังขึ้นทันทีหลังจากที่ซูซานนาแจ้งคู่หมั้นของเธอว่าการนับเริ่มติดตามการเกี้ยวพาราสีของเธอ ในเรื่องนี้ฟิกาโรเยาะเย้ยท่วงทำนองในการเคลื่อนไหวของ minuet - การเต้นรำแบบสังคมชั้นสูงที่กล้าหาญ (ส่วนสุดโต่งของรูปแบบการบรรเลงสามส่วนของ cavatina): ธีมที่สองของส่วนด้านข้างคล้ายกับเครื่องหมายอัศเจรีย์ชี้ขาด: และ ธีมของส่วนสุดท้ายนั้นสมดุลที่สุด ราวกับว่ากำลังจัดการทุกอย่าง: ชิ้นส่วนต่างๆ ถูกทำซ้ำแล้วในคีย์หลักของ D major พวกเขาเข้าร่วมโดย coda โดยเน้นย้ำถึงบุคลิกที่ร่าเริงและมีชีวิตชีวาของทาบทาม ในโอเปร่า Mozart นี้ พื้นที่ขนาดใหญ่ถูกครอบครองโดยกลุ่มนักร้อง ส่วนใหญ่เป็นเพลงคลอ (สำหรับสองตัวละคร) และ tercetes (สำหรับอักขระสามตัว) พวกเขาจะถูกคั่นด้วยบทบรรยายพร้อมกับฮาร์ปซิคอร์ด และการกระทำที่สอง สาม และสุดท้าย ที่สี่จบลงด้วยรอบชิงชนะเลิศ - วงดนตรีขนาดใหญ่ที่มีส่วนร่วมของตัวละครหกถึงสิบเอ็ดตัว โซโลรวมอยู่ในการพัฒนาแบบไดนามิกของการกระทำในรูปแบบต่าง ๆ ในส่วนตรงกลางของ cavatina การเคลื่อนไหวที่ถูก จำกัด จะถูกแทนที่ด้วยจังหวะที่รวดเร็วและท่วงทำนองสามจังหวะที่หรูหราจะถูกแทนที่ด้วยจังหวะสองจังหวะที่แน่วแน่ ที่นี่ฟิกาโรแสดงความตั้งใจแน่วแน่ที่จะป้องกันไม่ให้ "แผนการร้ายกาจของเจ้านายของเขาในทุกวิถีทาง: มันถูกจ่าหน้าถึงหน้าหนุ่ม Cherubino เขาบังเอิญได้ยินวิธีที่เคานต์พยายามประกาศความรักต่อซูซาน และพยานที่ไม่ต้องการดังกล่าวได้รับคำสั่งให้ไปรับราชการทหาร ในเพลงของเขา ฟิกาโรเย้ยหยันสถานการณ์อย่างสนุกสนานและเฉียบแหลม วาดภาพชายหนุ่มที่ถูกเอาอกเอาใจจากชีวิตในราชสำนัก รูปภาพของชีวิตทหารที่โหดร้าย ในดนตรี สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นโดยการผสมผสานทักษะการเต้นที่เร้าใจกับท่วงท่าการประโคม "นักรบ" ที่เก่งกาจ นี่คือบทกลอนที่ออกเสียงสามครั้งในรูปแบบของรอนโด: อีกเพลงหนึ่งเป็นเพลงแนวเพลงเล็กๆ ที่ดูเหมือนเพลง “เลือดร้อนทำให้ใจเต้นแรง” นี่เป็นคำสารภาพความรู้สึกอ่อนโยนที่ถูกจำกัดมากขึ้น โดยจ่าหน้าถึงเคาน์เตสอย่างขี้อาย: ซูซานนา (นักร้องเสียงโซปราโน) มีลักษณะเฉพาะในหลาย ๆ วงว่ามีพลัง คล่องแคล่ว และมีไหวพริบ ไม่ด้อยกว่าฟิกาโรในเรื่องนี้ ในเวลาเดียวกัน ภาพลักษณ์ของเธอถูกแต่งขึ้นอย่างละเอียดในบทเพลงที่ไพเราะชวนฝันจากองก์ที่สี่ ในนั้น Susanna พูดกับฟิกาโรอย่างอ่อนโยน: สำหรับ Cherubino เอง (ส่วนของเขาดำเนินการโดยเสียงผู้หญิงต่ำ - เมซโซ - โซปราโน) เขาอธิบายในสองอาเรียในฐานะชายหนุ่มที่กระตือรือร้น ยังไม่เข้าใจตัวเอง ความรู้สึกพร้อมจะตกหลุมรักทุกคนก้าว หนึ่งในนั้นมีทั้งเพลงไพเราะและสั่นสะท้าน “บอกแล้ว อธิบายไม่ถูก” มันผสมผสานความไพเราะเข้ากับจังหวะราวกับว่ามันเต้นเป็นจังหวะด้วยความตื่นเต้น: 41 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซีย คำถามและภารกิจ 1 . Le nozze di Figaro ของ Mozart ฉายรอบปฐมทัศน์เมื่อไหร่และที่ไหน? 2. บทละครมีพื้นฐานมาจากเรื่องตลกเรื่องใด? 3. แนวคิดหลักของงานนี้คืออะไร? 4. ทาบทามให้โอเปร่าสร้างขึ้นอย่างไร? 5. บอกเราเกี่ยวกับคุณสมบัติของตัวเลขโซโลสองตัวในส่วนของฟิกาโร 6. เสียงอะไรที่ได้รับมอบหมายให้เป็นส่วนหนึ่งของ Cherubino? ขับขานบทเพลงแห่งบทเพลงของเขา 7. Susanna มีลักษณะอย่างไรในการแสดงตระการตาและอย่างไร - ในเพลงจากบทที่สี่? รูปแบบที่สี่ (ด้วยการโยนมือซ้ายไปทางขวา) ในทางตรงกันข้ามจะกวาดล้างอย่างกล้าหาญมากขึ้น รูปแบบที่ห้า โดยที่จังหวะเริ่มต้นที่ไม่เร่งรีบของ Andante grazioso ถูกแทนที่ด้วยจังหวะที่ช้ามาก - Adagio เป็นเพลงบรรเลงไพเราะที่แต่งแต้มด้วยสีสัน จากนั้นการเปลี่ยนจังหวะเป็นเร็ว (Allegro) สอดคล้องกับลักษณะการเต้นที่ร่าเริงของรูปแบบที่หกล่าสุด การเคลื่อนไหวที่สองของโซนาตาคือมินูเอต ตามปกติ มันถูกสร้างขึ้นในรูปแบบการบรรเลงสามการเคลื่อนไหวโดยมีการทำซ้ำที่แน่นอนในการบรรเลงเพลงของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ระหว่างพวกเขาคือส่วนตรงกลาง (Trio) 35. ในทุกส่วนของ Minuet น้ำเสียงที่แน่วแน่และเฉียบขาดของผู้ชายจะถูกนำมาเปรียบเทียบกับน้ำเสียงที่นุ่มนวลและนุ่มนวลของผู้หญิง Sonata ใน A Major สำหรับโซนาตาที่รู้จักกันดีของ Clavier Mozart ใน A major หรือที่เรียกกันทั่วไปว่า Turkish March Sonata เป็นวงจรที่สร้างขึ้นผิดปกติ การเคลื่อนไหวครั้งแรกในที่นี้ไม่ใช่โซนาตาอัลเลโกร แต่มีหกรูปแบบในธีมที่เบาและสงบและสง่างามอย่างแยบยล ดูเหมือนเพลงที่สามารถร้องได้อารมณ์ดีและสงบสุขในชีวิตดนตรีของชาวเวียนนา ในจังหวะที่แกว่งไปมาเบาๆ มีความคล้ายคลึงกับการเคลื่อนไหวของซิซิลีอา - เพลงเต้นรำหรือเต้นรำแบบอิตาลีโบราณ: นักแต่งเพลงเรียกส่วนที่สามของโซนาตา (ตอนจบ) "A11a Turca" - "In the Turkish way" ต่อมาได้มีการกำหนดให้ชื่อ "Turkish March" เป็นตอนจบ ไม่มีอะไรที่เหมือนกันกับโครงสร้างทางดนตรีพื้นบ้านของตุรกีและดนตรีอาชีพ ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับหูชาวยุโรป แต่ในศตวรรษที่ 18 ในยุโรปซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงละคร แฟชั่นเกิดขึ้นสำหรับการเดินขบวนตามอัตภาพเรียกว่า "ตุรกี" พวกเขาใช้สีเสียงต่ำของวงออเคสตรา "Janissary" ซึ่งถูกครอบงำด้วยเครื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชัน - กลองใหญ่และบ่วง, ฉาบ, สามเหลี่ยม ทหารของหน่วยทหารราบของกองทัพตุรกีเรียกว่า Janissaries ชาวยุโรปมองว่าดนตรีของการเดินขบวนของพวกเขานั้นดุร้ายมีเสียงดัง "ป่าเถื่อน" ไม่มีความแตกต่างที่คมชัดระหว่างรูปแบบต่างๆ แต่ทั้งหมดมีลักษณะที่แตกต่างกัน ในรูปแบบแรก การเคลื่อนไหวไพเราะที่ไพเราะและน่าเกรงขามมีชัย ในรูปแบบที่สอง - ความขี้เล่นที่สง่างามผสมผสานกับสีสันที่ขบขัน รูปแบบที่สาม - อันเดียวที่เขียนไม่ใช่ในวิชาเอก แต่ในรุ่นเยาว์ - เต็มไปด้วยรูปไพเราะที่น่าเศร้าเล็กน้อยเคลื่อนไหวอย่างเท่าเทียมกันราวกับว่ามีความประหม่าอย่างอ่อนโยน: ในตอนท้ายของทรีโอมีสัญกรณ์ "Minuetto da capo" . อิตาลี - "จากหัว", "ตั้งแต่ต้น" 35 "Da capo" แปลจาก 42 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ตอนจบเขียนในรูปแบบที่ผิดปกติ สามารถกำหนดเป็นคอรัสสามส่วน (ในเอก) การขับคอรัสซ้ำๆ ทำให้โครงสร้างของท่อนสุดท้ายมีลักษณะเหมือนรอนโด การเคลื่อนไหวครั้งแรก - ด้วยลวดลาย "วงกลม" อย่างง่ายดาย (ผู้เยาว์) - และการเคลื่อนไหวระดับกลาง - ด้วยการเคลื่อนไหวทางที่ไพเราะ (F-sharp minor) - ผสมผสานการเต้นที่สง่างามอย่างเป็นธรรมชาติด้วยดอกยางที่ชัดเจน: เชื่อกันมานานแล้วว่า โมสาร์ทแต่งเพลงโซนาต้าใน A major ในฤดูร้อนปี 1778 ที่ปารีส แต่แล้วพวกเขาก็ค้นพบข้อมูลว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นในอีกไม่กี่ปีต่อมาในกรุงเวียนนา ข้อมูลดังกล่าวมีความเป็นไปได้มากขึ้นเพราะในปี พ.ศ. 2325 ได้มีการเปิดตัวภาพยนตร์เดี่ยวของ Mozart เรื่อง "The Abduction from the Seraglio" ในนั้นการกระทำเกิดขึ้นในตุรกีและในเพลงของทาบทามและในคณะนักร้องประสานเสียงที่เหมือนเดินขบวนการเลียนแบบเพลง "Janissary" นั้นสังเกตเห็นได้ชัดเจน อีกอย่าง มันมีเสียงดังไหม? โมสาร์ทได้เพิ่มโคดา "เจนิสซารี" ที่ปลอมแปลงไว้ใน A major ต่อตอนจบของวุฒิสภาในปี ค.ศ. 1784 เท่านั้นเมื่อมีการตีพิมพ์ผลงาน เป็นที่น่าสังเกตว่าในโซนาตา เช่นเดียวกับใน "The Abduction from the Seraglio" บทบาทสำคัญคือประเภทของเพลงและการเดินขบวน ทั้งหมดนี้ การเชื่อมต่อของดนตรีบรรเลงกับดนตรีละครซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโมสาร์ทได้ปรากฏออกมา คำถามและภารกิจ 1. อะไรคือสิ่งที่ผิดปกติเกี่ยวกับวัฏจักรของ Mozart's sonata ใน A major? บอกเราเกี่ยวกับลักษณะของธีมและรูปแบบต่างๆ หกรูปแบบในส่วนแรกของงานนี้ 2. การเต้นรำประเภทใดที่ใช้ในส่วนที่สองของโซนาต้า? 3. อธิบายว่าทำไมตอนจบของโซนาต้าใน A major จึงเรียกว่า Turkish March ลักษณะเฉพาะของการก่อสร้างคืออะไร? ร้องเพลงในธีมหลัก 4. ดนตรีและการแสดงละครของ Mozart สะท้อนถึงเพลง "Turkish March" อย่างไร? ซิมโฟนีในจีไมเนอร์ แต่งในเวียนนาในปี 1788 ซิมโฟนีอินจีไมเนอร์! (ฉบับที่ 40) เป็นหนึ่งในผลงานที่ได้รับแรงบันดาลใจมากที่สุดจากนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีคือโซนาตาอัลเลโกรในจังหวะที่เร็วมาก มันเริ่มต้นด้วยธีมของส่วนหลักที่ดึงดูดใจทันทีว่าเป็นคำสารภาพเชิงโคลงสั้น ๆ ที่เป็นความลับและจริงใจ ขับร้องโดยไวโอลินบรรเลงคลอไปกับเครื่องสายอื่นๆ จังหวะที่ตื่นเต้นเหมือนกันเป็นที่จดจำได้ในท่วงทำนองของมันเหมือนกับช่วงเริ่มต้นของเพลงแนวแรกของ Cherubino จากโอเปร่า The Marriage of Figaro (ดูตัวอย่างที่ 37) แต่ตอนนี้มันกลายเป็น "ผู้ใหญ่" มากขึ้นเนื้อเพลงที่จริงจังและกล้าหาญ: คอรัส (ในเอก) ฟังสามครั้งมันเหมือนกับ "การละเว้นเสียงของ Janissary" ในส่วนของมือซ้ายการเลียนแบบกลองคือ ได้ยิน: ในเรื่องนี้ "Turkish March" บางครั้งเรียกว่า "Rondo ในสไตล์ตุรกี" ("Rondo alla Turca") 36 43 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย มีพัฒนาการเล็กน้อย) แต่ไม่มีความแตกต่างในนั้นทุกอย่างเป็นไปตามอารมณ์ที่สดใสทั่วไปซึ่งถูกกำหนดตั้งแต่เริ่มต้นในส่วนหลักที่ฟังบนเครื่องสาย: ความเป็นชายของตัวละครได้รับการปรับปรุงในส่วนที่เชื่อมต่อซึ่งส่วนหลักพัฒนา . มีการมอดูเลตเป็น B-flat major ขนานกับ G minor - คีย์ของส่วนด้านข้าง ธีมจะสว่างกว่า สง่างามกว่าและเป็นผู้หญิงมากกว่าเมื่อเทียบกับธีมหลัก มันถูกแต่งสีตามโทนสี เช่นเดียวกับการสลับของเสียงต่ำของเครื่องสายและเครื่องเป่าลมไม้ ในการวัดที่เจ็ด ตัวเลขที่ "สั่นไหว" เบา ๆ ของโน้ตสามสิบวินาทีสองอันปรากฏขึ้นที่นี่ ในอนาคต มันจะแทรกซึมเข้าไปในแนวไพเราะของธีมทั้งหมด จากนั้นดูเหมือนว่าจะล้อมรอบพวกมัน ปรากฏในรีจิสเตอร์ต่างๆ ด้วยเครื่องดนตรีที่แตกต่างกัน เป็นเหมือนเสียงสะท้อนของธรรมชาติที่สงบสุข มีเพียงบางครั้งที่ถูกรบกวนเล็กน้อยเท่านั้น ตอนนี้พวกเขาได้ยินพวกเขาอยู่ใกล้ ๆ จากนั้นในระยะไกล ตามประเพณีที่จัดตั้งขึ้น การเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีคือ Minuet แต่ในส่วนตรงกลางเท่านั้น - Trio - เป็นแบบดั้งเดิมอย่างชัดเจน ด้วยการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น ความไพเราะของเสียงและโทนเสียงใน G major Trio ได้กำหนด G-minor main ซึ่งเป็นส่วนสุดโต่งของ Minuet นี้ ซึ่งโดยรวมแล้วถือว่าไม่ธรรมดาในแง่ของความหนักแน่นเชิงโคลงสั้นและดราม่า ดูเหมือนว่าหลังจากการไตร่ตรองอย่างเงียบ ๆ ของธรรมชาติซึ่งรวมอยู่ใน Andante ตอนนี้ฉันต้องกลับสู่โลกแห่งความวิตกกังวลและความไม่สงบทางวิญญาณที่ครอบงำส่วนแรกของซิมโฟนี ซึ่งสอดคล้องกับการกลับมาของคีย์หลักของซิมโฟนี - G minor: พลังงานระเบิดใหม่เกิดขึ้นในส่วนสุดท้าย ที่นี่บทบาทนำเป็นของการพัฒนาซ้ำและต่อเนื่องของบรรทัดฐานแรก - สามเสียงของธีมของส่วนหลัก ด้วยการเริ่มต้นของการพัฒนาที่ค่อนข้างกว้างขวาง เมฆดูเหมือนจะรวมตัวกันอย่างกระวนกระวายใจ จากเลนส์ B-flat แบบเบา มีการเลี้ยวที่แหลมคมไปยังคีย์ที่อยู่ห่างไกลอันมืดมนของ F-sharp minor ในการพัฒนาธีมของฝ่ายหลักพัฒนาอย่างมาก มันผ่านช่วงของคีย์ทั้งหมด แบ่งออกเป็นวลีและลวดลายที่แยกจากกัน และมักจะเลียนแบบเสียงต่างๆ ของวงออเคสตรา แรงจูงใจแรกของธีมนี้เต้นเป็นจังหวะอย่างหนักหน่วง แต่ในที่สุดการเต้นของเขาก็อ่อนลง ยับยั้งการสั่นของเขา และการชดใช้ก็มาถึง อย่างไรก็ตาม ผลกระทบของความรุนแรงอันสูงส่งที่เกิดขึ้นในการพัฒนานั้นสะท้อนให้เห็นในส่วนนี้ของส่วนแรก ความยาวของส่วนต่อเชื่อมเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด นำไปสู่การนำเสนอด้านข้างและส่วนสุดท้ายที่ไม่มีส่วนสำคัญอีกต่อไป แต่ในคีย์หลักของ G minor ซึ่งทำให้เสียงดูน่าทึ่งยิ่งขึ้น การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีคือ Andante ใน E flat major มันตัดกับท่อนแรกที่ไพเราะและไพเราะด้วยความเงียบสงบที่นุ่มนวล แบบฟอร์ม Andante ยังเป็นโซนาตา (โดยที่ G minor เป็นคีย์หลักและส่วนที่สี่ของซิมโฟนี - ตอนจบที่ดำเนินไปอย่างรวดเร็ว ตอนจบเขียนในรูปแบบโซนาตา ธีมชั้นนำในส่วนนี้ของซิมโฟนีคือ ธีมของส่วนหลัก ประกอบกับธีมของส่วนหลักของส่วนแรก เป็นธีมบรรเลงของ Mozart ที่สว่างที่สุด แต่ถ้าหัวข้อในขบวนการแรกฟังดูเหมือนเป็นการสารภาพเชิงโคลงสั้น ๆ ที่อ่อนโยนและน่าเคารพ ธีมของตอนจบก็คือการดึงดูดด้วยบทเพลงและดราม่าที่เต็มไปด้วยความกล้าหาญ และเราจะตัดสินใจ 44 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในศิลปะของ รัสเซีย 2. บอกเราเกี่ยวกับธีมหลักของส่วนแรกของซิมโฟนีและการพัฒนาของพวกเขา 3. ดนตรีมีลักษณะอย่างไรในส่วนที่สองและสามของซิมโฟนี? 4. อะไรเป็นแกนนำในตอนจบของซิมโฟนี? ตัวละครแตกต่างจากตัวละครในหัวข้อหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างไร? 5. ธีมของส่วนหลักของตอนจบสร้างขึ้นอย่างไร? การพัฒนาในการพัฒนาขึ้นอยู่กับอะไร? ผลงานหลัก แรงดึงดูดอันร้อนแรงนี้เกิดจากการที่ทำนองขึ้นอย่างรวดเร็วตามเสียงคอร์ด และท่วงทำนองอันไพเราะที่มีพลังวนเวียนอยู่รอบๆ เสียงหนึ่งดูเหมือนจะตอบสนองต่อแรงกระตุ้นของมัน เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี ธีมที่สง่างามของส่วนด้านข้างของตอนจบนั้นสดใสเป็นพิเศษในการแสดงเมื่อแสดงใน B flat major: โอเปร่า 19 รายการ Requiem ซิมโฟนีประมาณ 50 รายการ คอนแชร์โต 27 รายการสำหรับคลาเวียร์และออเคสตรา 5 คอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน และวงออเคสตรา คอนแชร์โตที่มีวงออเคสตราคลอสำหรับขลุ่ย คลาริเน็ต บาสซูน เขา ขลุ่ยที่มีฮาร์ป เครื่องสาย (มากกว่า 20 ตัว) และกลุ่มโซนาต้าสำหรับคลาเวียร์ สำหรับไวโอลินและคลาเวียร์ รูปแบบต่างๆ จินตนาการ รอนดอส มินูเอตสำหรับคลาเวียร์ ส่วนสุดท้ายจะขึ้นอยู่กับ องค์ประกอบที่สองของธีมของส่วนหลัก ในการพัฒนาตอนจบ องค์ประกอบแรกที่น่าสนใจของธีมของฝ่ายหลักจะพัฒนาอย่างเข้มข้นเป็นพิเศษ ความตึงเครียดสูงเกิดขึ้นได้จากความเข้มข้นของวิธีการพัฒนาแบบฮาร์มอนิกและโพลีโฟนิก ดำเนินการในหลายคีย์และการลอกเลียนแบบ ในการบรรเลง การแสดงของส่วนด้านข้างในคีย์หลักของ G minor ถูกบดบังด้วยความเศร้าเล็กน้อย และองค์ประกอบที่สองของธีมของส่วนหลัก (ตัวเลขยืนยันและมีพลัง) เช่นเดียวกับในนิทรรศการ ฟังเป็นหัวใจของส่วนสุดท้ายในการบรรเลงเพลงบรรเลง เป็นผลให้ตอนจบในการสร้าง Mazart ที่แยบยลนี้ก่อให้เกิดจุดสูงสุดที่สดใสและน่าทึ่งของวงจรโซนาตา - ซิมโฟนิกทั้งหมดอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนในจุดมุ่งหมายผ่านการพัฒนาที่เป็นรูปเป็นร่าง Ludwig van Beethoven 1770-1827 นักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Ludwig van Beethoven เป็นนักดนตรีที่อายุน้อยที่สุดในสามคนที่เรียกว่าคลาสสิกเวียนนา เบโธเฟนบังเอิญมีชีวิตอยู่และสร้างขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 และ 19 ในยุคของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ยิ่งใหญ่และการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ เยาวชนของเขาใกล้เคียงกับเวลา คำถามและการมอบหมาย 1 . Mozart สร้าง Symphony ใน G minor No. 40 เมื่อใดและที่ไหน 45 www.classON.ru การศึกษาศิลปะเด็กในรัสเซีย