นักแต่งเพลงที่ดีที่สุดของศตวรรษที่ 19 ผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียและชาวต่างประเทศที่โดดเด่น

คำว่า "นักแต่งเพลง" ปรากฏขึ้นครั้งแรกในศตวรรษที่ 16 ในอิตาลี และตั้งแต่นั้นมาก็ถูกใช้เพื่อแสดงถึงบุคคลที่มีส่วนร่วมในการแต่งเพลง

นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนดนตรีเวียนนามีนักประพันธ์ที่โดดเด่นเช่น Franz Peter Schubert เป็นตัวแทน เขาสานต่อประเพณีแนวจินตนิยมและมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงทั้งรุ่น ชูเบิร์ตได้สร้างภาพยนตร์รักเยอรมันมากกว่า 600 เรื่อง ยกระดับแนวนี้ไปอีกขั้น

Franz Peter Schubert

โยฮันน์ สเตราส์ ชาวออสเตรียอีกคนหนึ่งกลายเป็นที่รู้จักจากละครโอเปร่าและรูปแบบการเต้นดนตรีเบาๆ เขาเป็นคนที่ทำให้วอลทซ์เป็นการเต้นรำที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในเวียนนาซึ่งยังคงถือลูกบอลอยู่ นอกจากนี้ มรดกของเขายังรวมถึงลายโพลก้า ควอดริล บัลเลต์และโอเปร่า

โยฮันน์ สเตราส์

ตัวแทนที่โดดเด่นของความทันสมัยในดนตรีของปลายศตวรรษที่ 19 คือ Richard Wagner ชาวเยอรมัน โอเปร่าของเขาไม่ได้สูญเสียความเกี่ยวข้องและความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

Giuseppe Verdi

แว็กเนอร์สามารถเปรียบเทียบได้กับบุคคลผู้ยิ่งใหญ่ของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลี จูเซปเป้ แวร์ดี ซึ่งยังคงซื่อสัตย์ต่อประเพณีการแสดงโอเปร่าและมอบลมหายใจใหม่ให้กับโอเปร่าอิตาลี

Peter Ilyich Tchaikovsky

ในบรรดานักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ชื่อของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky โดดเด่น เขาโดดเด่นด้วยสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ที่ผสมผสานประเพณีไพเราะของยุโรปเข้ากับมรดกรัสเซียของ Glinka

นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninov ถือเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ฉลาดที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 สไตล์ดนตรีของเขามีพื้นฐานมาจากประเพณีแนวโรแมนติกและดำรงอยู่ควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหวแนวเปรี้ยวจี๊ด เนื่องด้วยบุคลิกลักษณะเฉพาะและขาดความคล้ายคลึงกันทำให้งานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากนักวิจารณ์ทั่วโลก

อิกอร์ เฟโดโรวิช สตราวินสกี้

นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดอันดับสองของศตวรรษที่ 20 คือ Igor Fedorovich Stravinsky รัสเซียโดยกำเนิด เขาอพยพไปฝรั่งเศส และสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาแสดงความสามารถเต็มกำลัง Stravinsky เป็นผู้ริเริ่ม ไม่กลัวที่จะทดลองจังหวะและสไตล์ ในงานของเขา อิทธิพลของประเพณีรัสเซีย องค์ประกอบของขบวนการเปรี้ยวจี๊ดต่างๆ และสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวได้รับการสืบสาน ซึ่งเขาถูกเรียกว่า "ปิกัสโซในดนตรี"

นักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในบทความนี้สามารถเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่เคยมีมา

แม้ว่าจะเป็นไปไม่ได้ที่จะเปรียบเทียบดนตรีที่สร้างขึ้นในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา แต่นักประพันธ์เพลงเหล่านี้มีความโดดเด่นอย่างชัดเจนเมื่อเทียบกับภูมิหลังของคนรุ่นเดียวกัน ในงานของพวกเขา พวกเขาพยายามขยายขอบเขตของดนตรีคลาสสิก เพื่อให้ได้ความสูงใหม่ที่ไม่เคยมีมาก่อน

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมทั้งหมดที่ระบุไว้ด้านล่างมีค่าควรแก่ตำแหน่งแรก ดังนั้นรายการนี้ไม่ได้นำเสนอโดยความสำคัญของนักแต่งเพลง แต่อยู่ในรูปแบบของข้อมูลเพื่อคนรู้จัก

สำหรับโลกคลาสสิก เบโธเฟนเป็นบุคคลสำคัญ หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีผลงานมากที่สุดในโลก เขาแต่งผลงานของเขาในแนวเพลงที่มีอยู่ทั้งหมดในยุคของเขา เป็นลางสังหรณ์ของยุคโรแมนติกทางดนตรี ผลงานบรรเลงถือเป็นมรดกที่สำคัญที่สุดของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

นักแต่งเพลงและออร์แกนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีโลก เป็นตัวแทนของยุคบาโรก ตลอดชีวิตของเขา เขาเขียนงานมากกว่าพันชิ้น อย่างไรก็ตาม ในช่วงชีวิตของเขา มีการตีพิมพ์เพียงสิบกว่างานเท่านั้น เขาทำงานในทุกประเภทของเวลายกเว้นโอเปร่า เขาเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์ Bach ซึ่งมีชื่อเสียงที่สุดในด้านดนตรี

นักแต่งเพลงและวาทยกร ซึ่งเป็นนักไวโอลินและนักออร์แกนจากออสเตรีย มีความทรงจำทางดนตรีที่เหลือเชื่อและหูอันน่าทึ่ง เขาเริ่มสร้างสรรค์ผลงานตั้งแต่อายุยังน้อยและเชี่ยวชาญด้านดนตรีทุกประเภท ซึ่งเขาได้รับการยอมรับอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ในประวัติศาสตร์

งานที่ลึกลับและลึกลับที่สุดของโมสาร์ท - "บังสุกุล" ยังไม่เสร็จสมบูรณ์โดยผู้เขียน สาเหตุของเรื่องนี้คือเสียชีวิตกะทันหันเมื่ออายุสามสิบห้าปี งานเกี่ยวกับบังสุกุลเสร็จสมบูรณ์โดยนักเรียน Franz Susmeier ของเขา

นักแต่งเพลง นักเขียนบทละคร วาทยกร และปราชญ์ชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ เขามีผลกระทบอย่างมากต่อความทันสมัยและวัฒนธรรมยุโรปทั้งหมดโดยทั่วไปในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่สิบเก้าและยี่สิบ

ตามคำสั่งของ Ludwig II แห่ง Bavaria โรงละครโอเปร่าถูกสร้างขึ้นใน Bayreuth ตามความคิดของ Wagner มันมีไว้สำหรับงานของนักแต่งเพลงเท่านั้น ละครเพลงของ Wagner ดำเนินมาจนถึงทุกวันนี้

นักแต่งเพลง วาทยกร และนักวิจารณ์เพลงชาวรัสเซียเป็นหนึ่งในเมโลดี้ที่เก่งที่สุดในโลก ผลงานของเขามีส่วนอย่างมากต่อการพัฒนาโลกคลาสสิก ในบรรดาผู้รักดนตรีคลาสสิก เขาเป็นนักแต่งเพลงที่ได้รับความนิยมอย่างมาก ในผลงานของเขา Pyotr Ilyich Tchaikovsky ประสบความสำเร็จในการรวมรูปแบบของซิมโฟนีตะวันตกเข้ากับประเพณีของรัสเซีย

นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่จากออสเตรีย วาทยกร นักไวโอลิน และ "ราชาแห่งเพลงวอลทซ์" ที่คนทั้งโลกรู้จัก งานของเขาอุทิศให้กับดนตรีเต้นรำและโอเปร่า ในมรดกของเขา มีวอลทซ์ ควอดริล โพลก้า มากกว่าห้าร้อยรายการ และยังมีโอเปร่าและบัลเลต์อีกหลายตัว ในศตวรรษที่สิบเก้า ต้องขอบคุณสเตราส์ วอลทซ์จึงได้รับความนิยมอย่างมากในกรุงเวียนนา

นักแต่งเพลงชาวอิตาลี นักกีตาร์และนักไวโอลินที่เก่งกาจ บุคลิกที่สดใสและแปลกตามากในประวัติศาสตร์ดนตรี เขาเป็นอัจฉริยะที่ได้รับการยอมรับในศิลปะดนตรีโลก ความคิดสร้างสรรค์ทั้งหมดของชายผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ปกคลุมไปด้วยความลึกลับบางอย่าง ต้องขอบคุณปากานินีเอง เขาค้นพบเทคนิคไวโอลินแบบใหม่ที่ไม่เคยรู้จักมาก่อนในผลงานของเขา เขายังเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางดนตรีอีกด้วย

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมเหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาและการโปรโมต ดนตรีของพวกเขาได้รับการทดสอบตามเวลาและทุกชั่วอายุคน เป็นที่ต้องการในทุกวันนี้ บางทีอาจจะมากกว่าในช่วงชีวิตของพวกเขาด้วยซ้ำ พวกเขาสร้างผลงานอมตะที่ยังคงมีชีวิตอยู่และส่งต่อไปยังรุ่นต่อ ๆ ไป แบกอารมณ์และความรู้สึกที่ทำให้คุณนึกถึงนิรันดร์

ดังนั้น ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนจึงได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่สาม ผลงานของเขาทิ้งรอยประทับฝังลึกในจิตวิญญาณและจิตใจของผู้ฟังที่เก่งกาจที่สุด ความสำเร็จที่แท้จริงในคราวเดียวคือการแสดงรอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีผู้เยาว์ที่ 9 ของผู้แต่งซึ่งในตอนจบของเสียงร้องประสานเสียงที่มีชื่อเสียง "Ode to Joy" กับข้อความของเสียงชิลเลอร์ ภาพยนตร์สมัยใหม่เรื่องหนึ่งนำเสนอการตัดต่อที่ดีของซิมโฟนีทั้งหมด อย่าลืมตรวจสอบ!

L. van Beethoven Symphony No. 9 ใน D minor (ตัดต่อวิดีโอ)

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninoff เป็นนักแต่งเพลง นักเปียโน และผู้ควบคุมวงชาวรัสเซีย

4 คอนเสิร์ต "Rhapsody on a Theme of Paganini" (1934) สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, พรีลูด, etudes-paintings สำหรับเปียโน, 3 ซิมโฟนี (2438-2479), แฟนตาซี "Cliff" (1893), บทกวี "Isle of the Dead" (1909), Symphonic Dances (1940) สำหรับวงออเคสตรา, cantata Spring (1902), บทกวี Bells (1913) สำหรับคอรัสและวงออเคสตรา, โอเปร่า Aleko (1892), The Covetous Knight, Francesca da Rimini (ทั้ง 1904), ความรัก

ในผลงานของ Sergei Vasilyevich Rachmaninoff นักแต่งเพลงและนักเปียโนอัจฉริยะ ประเพณีของศิลปะรัสเซียและยุโรปผสมผสานกันอย่างกลมกลืน สำหรับนักดนตรีและผู้ฟังส่วนใหญ่ การประพันธ์เพลงของรัคมานินอฟเป็นสัญลักษณ์ทางศิลปะของรัสเซีย รูปแบบของบ้านเกิดนั้นเป็นตัวเป็นตนด้วยกองกำลังพิเศษในผลงานของ Sergei Rachmaninoff ความโศกเศร้าที่โรแมนติกถูกรวมเข้ากับดนตรีของเขาด้วยอารมณ์ของบทเพลงที่ครุ่นคิด ความไพเราะอันไพเราะที่ไม่รู้จักเหนื่อย ความกว้างและอิสระในการหายใจ - ด้วยพลังแห่งจังหวะ ดนตรีของรัคมานินอฟเป็นส่วนสำคัญของความโรแมนติกตอนปลายของยุโรป หลังปี 1917 Rachmaninoff ถูกบังคับให้ไปอยู่ต่างประเทศ - ในสวิตเซอร์แลนด์และสหรัฐอเมริกา กิจกรรมการแต่งเพลงและการแสดงของเขากลายเป็นปรากฏการณ์ โดยที่เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงชีวิตทางวัฒนธรรมของตะวันตกในยุค 20-40 ศตวรรษที่ XX

มรดกของรัคมานินอฟมีทั้งโอเปร่าและซิมโฟนี แชมเบอร์โวคอล และดนตรีประสานเสียง แต่ผู้แต่งได้แต่งขึ้นเพื่อเปียโนโดยเฉพาะ เขามุ่งสู่ความมีคุณธรรมอันทรงพลังและยิ่งใหญ่ พยายามเปรียบเสมือนเปียโนในความมีชีวิตชีวาของสีต่างๆ กับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ผลงานของรัคมานินอฟเชื่อมระหว่างยุคสมัยและวัฒนธรรมต่างๆ ช่วยให้นักดนตรีชาวรัสเซียรู้สึกถึงความสัมพันธ์ที่ลึกซึ้งกับประเพณียุโรป และสำหรับนักดนตรีตะวันตก Rachmaninov เปิดประเทศรัสเซีย - แสดงให้เห็นถึงความมั่งคั่งทางจิตวิญญาณที่แท้จริง

Richard Strauss

Richard Strauss เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันในช่วงปลายยุคจินตนิยม โดยเฉพาะอย่างยิ่งมีชื่อเสียงในด้านบทกวีไพเราะและโอเปร่าของเขา เขายังเป็นวาทยกรที่โดดเด่นอีกด้วย

รูปแบบของ Richard Strauss ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ Chopin, Schumann, Mendelssohn ได้รับอิทธิพลจากดนตรีของริชาร์ด วากเนอร์ สเตราส์จึงหันมาใช้โอเปร่า งานชิ้นแรกประเภทนี้คือ Guntram (1893) นี่เป็นงานโรแมนติก ภาษาดนตรีของเขาเรียบง่ายท่วงทำนองไพเราะไพเราะ

ตั้งแต่ปี 1900 โอเปร่าได้กลายเป็นแนวเพลงชั้นนำในผลงานของ Richard Strauss ผลงานของผู้แต่งมีความโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและความชัดเจนของภาษาดนตรี ซึ่งผู้เขียนใช้แนวการเต้นประจำวัน

กิจกรรมสร้างสรรค์ของสเตราส์กินเวลานานกว่าเจ็ดสิบปี นักแต่งเพลงเริ่มต้นจากความโรแมนติกตอนปลาย จากนั้นมาที่การแสดงออกและในที่สุดก็หันมาใช้นีโอคลาสซิซิสซึ่ม

อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช สไครอาบิน

ตั้งแต่ยังเด็ก เขาหลงใหลในเสียงเปียโน และเมื่ออายุได้ 3 ขวบ เขานั่งเล่นเครื่องดนตรีเป็นชั่วโมงแล้ว ปฏิบัติกับมันเสมือนเป็นสิ่งมีชีวิต หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนสอนดนตรีมอสโก อเล็กซานเดอร์เริ่มจัดคอนเสิร์ตและการสอน แต่ความปรารถนาในการแต่งเพลงมีมากขึ้น เขาเริ่มแต่งและรวมผลงานของเขาไว้ในละครของนักเปียโนคนอื่นๆ ทันที

"ศิลปะควรเป็นงานรื่นเริง" เขากล่าว "ควรยกระดับและมีเสน่ห์" อันที่จริง ดนตรีของเขาดูกล้าหาญ แปลกใหม่ และการแสดงซิมโฟนีที่สองของเขาเมื่อวันที่ 21 มีนาคม พ.ศ. 2446 ในมอสโกกลายเป็นเรื่องอื้อฉาวโดยธรรมชาติ มีคนชื่นชมบางคนกระทืบและผิวปาก ... แต่ Scriabin ไม่อาย: เขารู้สึกเหมือนพระเมสสิยาห์ผู้ประกาศศาสนาใหม่ - ศิลปะ เขาเชื่อในพลังแห่งการเปลี่ยนแปลง เขาคิดว่าในเวลานั้นเป็นแฟชั่นในระดับดาวเคราะห์ ปรัชญาลึกลับของ Scriabin สะท้อนให้เห็นในภาษาดนตรีของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในความกลมกลืนเชิงนวัตกรรมที่ก้าวข้ามขอบเขตของโทนเสียงแบบดั้งเดิม

Scriabin ฝันถึงประเภทสังเคราะห์ใหม่ที่ไม่เพียง แต่เสียงและสีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกลิ่นและพลาสติกของการเต้นอีกด้วย แต่แผนยังไม่เสร็จ Scriabin เสียชีวิตในมอสโกเมื่อวันที่ 14 (27), 2458 ชีวิตของเขา ชีวิตอัจฉริยะนั้นสั้นและสดใส

Sergei Prokofiev

Sergei Prokofiev เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต ซึ่งเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20

คำจำกัดความของ "นักแต่งเพลง" นั้นเป็นเรื่องปกติสำหรับ Prokofiev ในฐานะ "มนุษย์"

ในเพลงของ Prokofiev เราสามารถได้ยินความกลมกลืนที่ไม่ลงรอยกันอย่างรวดเร็วของ Prokofiev จังหวะที่สปริงตัว มอเตอร์ที่แห้งผากอย่างจงใจ คำติชมตอบสนองทันที: "นักเขียนหนุ่มที่ยังไม่สำเร็จการศึกษาด้านศิลปะของเขาที่อยู่ในทิศทางที่รุนแรงของสมัยใหม่ได้ก้าวไปไกลกว่าภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ในความกล้าหาญของเขา"

ผู้ร่วมสมัยหลายคนของ Prokofiev รุ่นเยาว์และแม้แต่นักวิจัยในงานของเขามองข้าม "กระแสโคลงสั้น ๆ " ในเพลงของเขา ผ่านภาพที่คมชัดเสียดสีและเสียดสีเหน็บแนมผ่านจังหวะที่หยาบและหนักหน่วงโดยเจตนา และมีหลายคน น้ำเสียงที่ไพเราะและขี้อายเหล่านี้ในวัฏจักรเปียโน "Fleetingness" และ "Sarcasm" ในรูปแบบด้านข้างของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Second Sonata ในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ โดย Balmont, Apukhtin, Akhmatova

สามารถพูดเกี่ยวกับ Prokofiev ได้: นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่พบสถานที่ของเขาท่ามกลางผู้เปลี่ยนชีวิตที่ยิ่งใหญ่

มิลี่ บาลากิเรฟ

Miliy Balakirev - นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย, นักเปียโน, ผู้ควบคุมวง (1836 / 37-1910)

"กำมืออันทรงพลัง" ก่อตั้งขึ้น - ชุมชนของคนที่มีใจเดียวกันซึ่งทำให้ดนตรีรัสเซียมีจำนวนมาก

ความเป็นผู้นำของ Balakirev ในแวดวงได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยรสนิยมที่ไร้ที่ติของเขา ความคิดในการวิเคราะห์ที่ชัดเจน และความรู้เกี่ยวกับเนื้อหาดนตรีจำนวนมาก อารมณ์ครอบงำในวงกลมซึ่งแสดงโดยนักวิจารณ์คนหนึ่งในเวลานั้น: "ดนตรีสามารถเคลื่อนย้ายภูเขา" ธรรมชาติของ Balakirev มีพลังและมีเสน่ห์มาก ในแวดวงเขารับบทบาทผู้จัดงานอย่างรวดเร็ว

เขาปฏิบัติต่อแวดวงในฐานะความคิดสร้างสรรค์: เขาสร้าง "อิทธิพล" นักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ จากนั้นเขาก็แต่งจานเพลงในอนาคตของรัสเซีย

แนวคิดของโรงเรียนดนตรีฟรีมาที่ Balakirev ทีละน้อย

ในปี พ.ศ. 2405 โรงเรียนดนตรีฟรีได้เปิดและจัดคอนเสิร์ตครั้งแรก Balakirev ทำหน้าที่เป็นผู้ควบคุมวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ตัวเขาเองเขียนมาก แต่เขาไม่ได้รู้สึกพึงพอใจอย่างสร้างสรรค์จากสิ่งที่เขาสร้างขึ้น ดังที่ซีซาร์ ชุยเขียนไว้ "จนกระทั่งเขาสิ้นพระชนม์ พระองค์ตรัสว่า เฉพาะสิ่งที่เราเขียนภายใต้ปีกของพระองค์เท่านั้นที่ดี"

กลาซูนอฟ อเล็กซานเดอร์ คอนสแตนติโนวิช

Alexander Glazunov - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต (1865-1936)

Glazunov เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 สานต่อขนบธรรมเนียมของ Mighty Handful และ Tchaikovsky เขาได้รวมสาขาดนตรีรัสเซียที่ไพเราะและไพเราะเข้ากับงานของเขา ในมรดกสร้างสรรค์ของ Glazunov หนึ่งในสถานที่หลักเป็นของดนตรีไพเราะหลายประเภท มันสะท้อนภาพวีรบุรุษของมหากาพย์รัสเซีย, รูปภาพของธรรมชาติพื้นเมือง, ความเป็นจริงของรัสเซีย, เพลงของชาวสลาฟและชาวตะวันออก ผลงานของ Glazunov โดดเด่นด้วยความโล่งใจของธีมดนตรี เสียงเต็มและชัดเจนของวงออเคสตรา การใช้เทคนิคโพลีโฟนิกในวงกว้าง (เขาใช้เสียงพร้อมกันของธีมต่างๆ ในบรรดาผลงานที่ดีที่สุดของ Glazunov ก็ยังมี Concerto for Violin and Orchestra (1904)

การมีส่วนร่วมของ Glazunov กับดนตรีบรรเลงแชมเบอร์เช่นเดียวกับประเภทบัลเล่ต์ (Raymonda. 1897 เป็นต้น) มีความสำคัญ ตามประเพณีของไชคอฟสกี Glazunov ได้พัฒนาบทบาทของดนตรีในบัลเล่ต์ให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและเพิ่มคุณค่าให้กับเนื้อหา Glazunov รับผิดชอบในการจัดเตรียมเพลงสวดและเพลงรัสเซีย เช็ก กรีก เขาสร้างโอเปร่า "Prince Igor" ร่วมกับ Rimsky-Korsakov และบันทึกส่วนที่ 1 ของซิมโฟนีที่ 3 ของ Borodin จากความทรงจำ มีส่วนร่วมในการเตรียมการตีพิมพ์ผลงานของ M.I. Glinka เรียบเรียง Marseillaise (1917) ซึ่งเป็นผลงานจำนวนหนึ่งโดยนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียและชาวต่างประเทศ

Nikolay Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต (2424-2493)

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky ร่วมกับ Prokofiev และ Stravinsky เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่สะท้อนอารมณ์ของปัญญาชนที่มีความคิดสร้างสรรค์ของรัสเซียในช่วงก่อนการปฏิวัติ พวกเขาเข้าสู่รัสเซียหลังเดือนตุลาคมด้วยสิทธิ์ของผู้เชี่ยวชาญเก่าและเมื่อเห็นความหวาดกลัวรอบตัวพวกเขาไม่สามารถกำจัดความรู้สึกของความซับซ้อนได้ อย่างไรก็ตาม พวกเขาสร้างขึ้นโดยสุจริต (หรือเกือบจะตรงไปตรงมา) โดยสะท้อนถึงความเป็นจริงรอบตัวพวกเขา

สื่อมวลชนในสมัยนั้นเขียนว่า: “ซิมโฟนีที่ 27 เป็นผลงานของศิลปินโซเวียต คุณไม่ลืมมันสักนาที” เขาถือเป็นหัวหน้าโรงเรียนซิมโฟนีของสหภาพโซเวียต ผลงานดนตรีของ Myaskovsky สะท้อนให้เห็นถึงเวลาของเขา โดยรวมแล้วเขาเขียน 27 ซิมโฟนี 13 ควอร์เตต 9 เปียโนโซนาตาและงานอื่น ๆ ซึ่งหลายชิ้นกลายเป็นสถานที่สำคัญในดนตรีโซเวียต นักแต่งเพลงมีลักษณะเป็นการผสมผสานระหว่างหลักการทางปัญญาและอารมณ์ ดนตรีของ Myaskovsky เป็นต้นฉบับซึ่งมีความเข้มข้นของความคิดและในเวลาเดียวกันด้วยความเข้มข้นของความสนใจ ในสมัยของเรา เราสามารถเชื่อมโยงงานของ N. Myaskovsky แตกต่างไปจากเดิมได้ แต่ซิมโฟนีของเขาทั้ง 27 วงสะท้อนให้เห็นถึงชีวิตในยุคโซเวียตอย่างไม่ต้องสงสัย

Nikolay Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov - นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย (1844-1908)

ผลงานของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ N. Rimsky-Korsakov ซึ่งเกือบทั้งหมดเป็นของศตวรรษที่ 19 เป็นเหมือนเข็มเจาะเข้าสู่ศตวรรษที่ 20 เขาอาศัยและทำงานในศตวรรษที่นี้มาแปดปี นักแต่งเพลงเปรียบเสมือนสะพานเชื่อมโลกดนตรีสองศตวรรษเข้าด้วยกัน ร่างของ Rimsky-Korsakov ก็น่าสนใจเช่นกันเพราะเขาเรียนรู้ด้วยตนเองเป็นหลัก

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilyevich Sviridov - นักแต่งเพลงนักเปียโนชาวโซเวียต (2458-2541)

เพลงของ Georgy Sviridov เนื่องจากความเรียบง่ายจึงแยกแยะได้ง่ายจากผลงานของนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ แต่ความเรียบง่ายนี้คล้ายกับการพูดน้อย เพลงของ Sviridov มีความหมายที่ไม่โอ้อวด แต่มีการแสดงออกในสาระสำคัญและไม่ได้อยู่ในรูปแบบที่แต่งแต้มด้วยความสุขที่หลากหลาย เธอมีโลกภายในที่ร่ำรวยอารมณ์ที่แท้จริงของเธอถูกยับยั้ง ... เพลงของ Sviridov เข้าใจง่ายซึ่งหมายความว่าเป็นสากล แต่ในขณะเดียวกันก็มีใจรักอย่างสุดซึ้งเนื่องจากธีมของมาตุภูมิไหลผ่านเหมือนด้ายสีแดง G. Sviridov ตามที่อาจารย์ D. Shostakovich กล่าวว่า "ไม่เคยเบื่อกับการคิดค้นภาษาดนตรีใหม่" โดยมองหา "วิธีการแสดงภาพแบบใหม่" ดังนั้นเขาจึงถือเป็นหนึ่งในนักเขียนที่น่าสนใจที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20

บ่อยครั้งที่ G. Sviridov เป็นที่รู้จักในฐานะนักแต่งเพลงซึ่งมีเสียงร้องยาก เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่ดนตรีได้สะสมอยู่ในคลังสร้างสรรค์ของเขาเพื่อรอผู้แสดง สไตล์การแสดงแบบดั้งเดิมสำหรับดนตรีของ Sviridov มักไม่เข้ากัน นักแต่งเพลงเองกล่าวว่าความแปลกใหม่และความซับซ้อนของเสียงเพลงของเขานั้นเกิดจากการที่คำพูดนั้นได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง ในเรื่องนี้เขาระลึกถึงนักแสดงและกวีผู้มีชื่อเสียงและทันสมัยในยุคนั้น “ วันนี้ - ยืนยัน Sviridov - พวกเขาจะไม่สร้างความประทับใจให้กับเรา คำพูดของพวกเขาดูเหมือนกับเราไม่ว่าจะมารยาท บางครั้งก็ดูน่ารัก บางครั้งก็เรียบง่ายเกินไป กวี Igor Severyanin มีความทันสมัยทั้งในด้านภาพและคำศัพท์และตอนนี้เขาถูกมองว่าเป็นพิพิธภัณฑ์ " คุณสมบัติใหม่ของการพูดมักจะรบกวนนักร้อง แต่ตาม Sviridov มันควรจะทำงานในทิศทางนี้

อาจไม่มีใครมาก่อน Sviridov ได้พัฒนาและเสริมสร้างแนวเสียงร้องมากมาย - oratorio, cantata, คอรัส, โรมานซ์ ... สิ่งนี้ทำให้ G. Sviridov กลายเป็นนักแต่งเพลงชั้นนำไม่เพียง แต่ในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั่วโลกด้วย

อิกอร์ สตราวินสกี้

Stravinsky Igor Fedorovich - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ควบคุมวง (1882-1971)

สตราวินสกีใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตนอกรัสเซีย แต่เขาไม่เคยหยุดการเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย เขาได้รับแรงบันดาลใจจากวัฒนธรรมรัสเซียและภาษารัสเซีย และเขาก็ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกอย่างแท้จริง ชื่อของสตราวินสกี้ยังคงอยู่ในหูของผู้ที่สนใจดนตรีเพียงเล็กน้อย เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์โลกของวัฒนธรรมดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ในฐานะปรมาจารย์ด้านการผสมผสานประเพณีดนตรีของความทันสมัยและความเก่าแก่

ผลงานของ Stravinsky ทำลายกรอบที่กำหนดไว้เปลี่ยนทัศนคติต่อคติชนวิทยา พวกเขาช่วยให้เข้าใจว่าเพลงพื้นบ้านที่รับรู้ผ่านปริซึมของความทันสมัยนั้นมีชีวิตขึ้นมาได้อย่างไรในมือของนักแต่งเพลง ขอบคุณนักประพันธ์เพลงเช่น Stravinsky เมื่อปลายศตวรรษที่ 20 ศักดิ์ศรีของคติชนวิทยาเพิ่มขึ้นและดนตรีของ ethno พัฒนาขึ้น

โดยรวมแล้วนักแต่งเพลงเขียนเพลงออเคสตราแปดเพลงสำหรับโรงละครบัลเล่ต์: "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring", "Apollo Musaget", "Fairy Kiss", "Playing Cards", "Orpheus", " อากอน". นอกจากนี้ เขายังสร้างสรรค์ผลงานบัลเลต์ด้วยการร้องเพลง 3 ชิ้น ได้แก่ "Baika", "Pulcinella", "Les Noces"

ทานีฟ เซอร์เกย์ อิวาโนวิช

แนวเพลงอิมเพรสชั่นนิสม์

Taneyev Sergei Ivanovich - นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย, นักเปียโน, อาจารย์ (2399-2458)

ชื่อของนักดนตรีและครูผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ไม่ค่อยมีใครเอ่ยถึงในทุกวันนี้ แต่เมื่อตรวจสอบอย่างละเอียดถี่ถ้วนแล้ว ก็ทำให้เกิดความเคารพอย่างแท้จริง เขาไม่ได้มีชื่อเสียงในฐานะนักแต่งเพลง แต่อุทิศชีวิตทั้งหมดให้กับมอสโก Conservatory ศึกษานักดนตรีที่โดดเด่นอย่างไม่ต้องสงสัยเช่น S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Glier, K. Igumnov และคนอื่น ๆ นักเรียนของ P. Tchaikovsky, S. Taneyev ได้สร้างโรงเรียนขึ้นมาทั้งโรงเรียนที่แยกนักประพันธ์ชาวรัสเซียและโซเวียตออกจากนักประพันธ์เพลงทั่วโลก นักเรียนทุกคนของเขายังคงสานต่อประเพณีของซิมโฟนีของทานีฟ บุคคลที่มีชื่อเสียงมากมายในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เช่น ลีโอ ตอลสตอย เรียกเขาว่าเพื่อนของพวกเขาและถือว่าเป็นเกียรติที่ได้สื่อสารกับเขา

ทาเนเยฟเปรียบได้กับโสกราตีสที่ทิ้งนักเรียนจำนวนมากไว้โดยไม่ได้เขียนงานเชิงปรัชญาอย่างจริงจัง

Taneyev พัฒนาทฤษฎีดนตรีมากมาย สร้างผลงานที่ไม่เหมือนใคร "จุดหักเหที่เคลื่อนไหวได้ของการเขียนที่เข้มงวด" (1889-1906) และผลสืบเนื่อง "การสอนเกี่ยวกับ Canon" (ปลาย 90s-1915) ศิลปินทุกคนที่อุทิศชีวิตให้กับงานศิลปะ ฝันว่าลูกหลานจะไม่ลืมชื่อของเขา ในช่วงหลายปีสุดท้ายของชีวิต Taneyev กังวลมากว่าเขาเขียนผลงานไม่กี่ชิ้นที่เกิดจากการดลใจ แม้ว่าเขาจะเขียนมากและเข้มข้นก็ตาม ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1905 ถึงปี 1915 เขาได้เขียนบทร้องประสานเสียงและวงเสียงหลายรอบ ชิ้นส่วนเครื่องดนตรีแชมเบอร์

Dmitry Dmitrievich Shostakovich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - นักแต่งเพลงโซเวียตนักเปียโน (2449-2518)

ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Shostakovich เป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 โดยไม่ต้องสงสัย ผู้ร่วมสมัยที่รู้จักเขาอย่างใกล้ชิดแย้งว่าเขาให้เหตุผลบางอย่างเช่นนี้ทำไมต้องกังวลถ้าลูกหลานยังรู้จักคุณจากงานดนตรี? โชสตาโควิชไม่ได้ทำให้ความสัมพันธ์กับเจ้าหน้าที่แย่ลง แต่ในทางดนตรี เขาประท้วงต่อต้านความรุนแรงส่วนตัว

เขาเขียนซิมโฟนีหมายเลข 7 (อุทิศให้กับการปิดล้อมเลนินกราด)

Shostakovich เห็นด้วยตาของเขาเอง: ผู้คนตายอย่างไรเครื่องบินและระเบิดบินอย่างไรเขาลองในงาน "Symphony No. 7" เพื่อสะท้อนเหตุการณ์ทั้งหมดที่ผู้คนได้รับ

แสดง Symphony of the Bolshoi Symphony Orchestra ของคณะกรรมการวิทยุเลนินกราด ในช่วงวันที่ถูกล้อม นักดนตรีหลายคนอดตาย การซ้อมถูกยกเลิกในเดือนธันวาคม เมื่อพวกเขากลับมาเล่นในเดือนมีนาคม มีนักดนตรีที่อ่อนแอเพียง 15 คนเท่านั้นที่สามารถเล่นได้ อย่างไรก็ตาม คอนเสิร์ตก็เริ่มขึ้นในเดือนเมษายน ในเดือนพฤษภาคม เครื่องบินส่งเพลงซิมโฟนีไปยังเมืองที่ถูกปิดล้อม เพื่อเติมเต็มวงออเคสตรา นักดนตรีที่หายไปถูกส่งมาจากด้านหน้า

Shostakovich ตอบโต้การรุกรานของฟาสซิสต์ด้วยซิมโฟนีหมายเลข 7 (1941) ซึ่งอุทิศให้กับเมืองเลนินกราดและได้รับการยอมรับจากทั่วโลกว่าเป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์

อิมเพรสชั่นนิสม์

ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 เทรนด์ใหม่ปรากฏขึ้น - อิมเพรสชั่นนิสม์ (อิมเพรสชั่นนิสม์ฝรั่งเศสจากความประทับใจ - "ความประทับใจ") ในขั้นต้นปรากฏในภาพวาดฝรั่งเศส นักดนตรีอิมเพรสชันนิสต์พยายามถ่ายทอดความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อน แสวงหาความซับซ้อนและความซับซ้อนของเสียง นั่นคือเหตุผลที่พวกเขาใกล้เคียงกับสัญลักษณ์ทางวรรณกรรม (70s ของศตวรรษที่ XIX - 10 ปีของศตวรรษที่ XX) ซึ่งมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสเช่นกัน

Symbolists สำรวจทรงกลมที่ไม่รู้จักและลึกลับพยายามรู้จัก "โลกในอุดมคติ" ที่ซ่อนอยู่ภายใต้ความเป็นจริง คีตกวีอิมเพรสชันนิสต์มักหันไปใช้กวีนิพนธ์และการแสดงเชิงสัญลักษณ์

ผู้ก่อตั้งดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์คือนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสนักเปียโนและผู้ควบคุมวง Claude Debussy (1862-1918) ความสามัคคี (และไม่ใช่ทำนอง) มาก่อนในงานของเขามีบทบาทสำคัญในการเปล่งเสียงของวงออเคสตรา สิ่งสำคัญคือความแตกต่างของเสียงซึ่งสะท้อนอารมณ์ความรู้สึกและความประทับใจเช่นเดียวกับในภาพวาด

นักแต่งเพลงพยายามหวนคืนสู่ความชัดเจนของความสามัคคี ความเรียบง่ายของท่วงทำนองและรูปแบบ ความงามและการเข้าถึงของภาษาดนตรี พวกเขาหันไปหาเสียงประสาน ฟื้นฟูดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด

Max Reger

คุณสมบัติของแนวโรแมนติกตอนปลายและนีโอคลาสซิซิสซึ่มถูกรวมเข้าด้วยกันในผลงานของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันและผู้ควบคุมวง Max Reger เขาเขียนเรื่องออร์เคสตรา เปียโน ไวโอลิน วิโอลา แชมเบอร์ตระการตา Reger พยายามทำความเข้าใจมรดกของศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งประสบการณ์ของ Johann Sebastian Bach และในผลงานของเขา เขาหันไปหาภาพทางดนตรีของยุคอดีต อย่างไรก็ตามในฐานะผู้ชายในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX Reger อิ่มตัวเพลงด้วยความกลมกลืนดั้งเดิมและ Timbres ที่ผิดปกติ

นีโอคลาสซิซิสซึ่ม

นีโอคลาสซิซิสซึ่มกลายเป็นหนึ่งในสิ่งที่ตรงกันข้ามกับประเพณีโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 เช่นเดียวกับกระแสที่เกี่ยวข้อง นอกจากนี้ ความสนใจในนิทานพื้นบ้านเพิ่มขึ้น ซึ่งนำไปสู่การสร้างระเบียบวินัยทั้งหมด - ชาติพันธุ์วิทยา ซึ่งศึกษาพัฒนาการของคติชนวิทยาทางดนตรีและเปรียบเทียบกระบวนการทางดนตรีและวัฒนธรรมในชนชาติต่างๆ ของโลก บางคนหันไปหาต้นกำเนิดของวัฒนธรรมโบราณ (Karl Orff) หรือพึ่งพาศิลปะพื้นบ้านทั้งหมด (Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai) ในเวลาเดียวกัน ผู้แต่งยังคงทำการทดลองในการเรียบเรียงอย่างต่อเนื่อง และค้นพบแง่มุมและความเป็นไปได้ใหม่ๆ ของภาษา ภาพ และโครงสร้างที่กลมกลืนกัน

การล่มสลายของหลักการด้านสุนทรียศาสตร์ของศตวรรษที่ 19 วิกฤตการณ์ทางการเมืองและเศรษฐกิจในตอนต้นของศตวรรษใหม่ ซึ่งผิดปกติมากพอ มีส่วนทำให้เกิดการสังเคราะห์แบบใหม่ที่นำไปสู่การแทรกซึมของศิลปะประเภทอื่น ๆ เข้าสู่ดนตรี: จิตรกรรม กราฟิก สถาปัตยกรรม วรรณกรรม และแม้แต่ภาพยนตร์ อย่างไรก็ตาม กฎหมายทั่วไปที่ครอบงำแนวปฏิบัติของนักแต่งเพลงตั้งแต่สมัยของ I.S. บาคแตกสลายและเปลี่ยนรูป

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 กระบวนการที่ยาวนานและยากลำบากในการเรียนรู้ประเพณี สไตล์ และประเภทของวัฒนธรรมยุโรปโดยนักดนตรีรัสเซียได้สิ้นสุดลง ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX วิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกได้กลายเป็นสถาบันการศึกษาที่มั่นคง นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นในยุคนั้นและนักแสดงที่ยอดเยี่ยมมากมายออกมาจากกำแพงของพวกเขา โรงเรียนของนักบรรเลง นักร้อง และนักเต้นได้พัฒนาขึ้น ศิลปะโอเปร่าและบัลเล่ต์ของรัสเซียเอาชนะประชาชนชาวยุโรป บทบาทสำคัญในการพัฒนาโรงละครดนตรีเล่นโดยโรงละคร Imperial Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกโอเปร่ารัสเซียส่วนตัวซึ่งสร้างขึ้นโดยนักอุตสาหกรรมชาวรัสเซียและผู้ใจบุญ Savva Ivanovich Mamontov (1841-1918)

ในดนตรีรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ คุณลักษณะของแนวโรแมนติกตอนปลายและอิมเพรสชั่นนิสม์ถูกเชื่อมโยงเข้าด้วยกัน อิทธิพลของกระแสวรรณกรรมและศิลปะ และเหนือสิ่งอื่นใดคือสัญลักษณ์นั้นยอดเยี่ยม อย่างไรก็ตาม ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ได้พัฒนารูปแบบของตนเอง งานของพวกเขาแทบจะไม่สามารถนำมาประกอบกับกระแสใด ๆ และนี่คือข้อพิสูจน์ถึงวุฒิภาวะของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซีย

ความประทับใจแรกที่ได้รับเมื่อคุ้นเคยกับดนตรีของศตวรรษที่ 20 คือมีช่องว่างระหว่างศิลปะดนตรีในยุคปัจจุบันและศตวรรษก่อนหน้าทั้งหมด - มีความแตกต่างที่สำคัญในลักษณะเสียงของผลงาน

แม้แต่องค์ประกอบ 10-30 ปี ศตวรรษที่ XX ดูเหมือนจะตึงเครียดและรุนแรงเกินไปในเสียง อันที่จริง ดนตรีของศตวรรษที่ 20 ก็เหมือนกับในศตวรรษก่อน ๆ ที่สะท้อนถึงโลกแห่งจิตวิญญาณและอารมณ์ของผู้คน เพราะจังหวะของชีวิตของบุคคลนั้นเร่งขึ้น กลายเป็นเข้มงวดและตึงเครียดมากขึ้น

เหตุการณ์โศกนาฏกรรมและความขัดแย้ง - สงคราม การปฏิวัติ ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี เผด็จการและประชาธิปไตย ไม่เพียงแต่ทำให้ประสบการณ์ทางอารมณ์ในคนแย่ลงเท่านั้น แต่ยังนำมนุษยชาติไปสู่ขอบเหวแห่งการทำลายล้างอีกด้วย นั่นคือเหตุผลที่หัวข้อของการเผชิญหน้าระหว่างความเป็นและความตายได้กลายเป็นกุญแจสำคัญในดนตรีของศตวรรษที่ 20 แก่นเรื่องของความรู้ในตนเองของแต่ละบุคคลกลายเป็นสิ่งที่สำคัญไม่น้อยสำหรับงานศิลปะ

ศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยนวัตกรรมมากมายในงานศิลปะและวรรณคดีที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงที่ร้ายแรงในจิตสำนึกสาธารณะในช่วงการปฏิวัติและสงครามโลกครั้งที่สอง ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในทศวรรษก่อนเดือนตุลาคม ธีมของความคาดหวังของการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่จะกวาดล้างระบบสังคมเก่าที่ไม่ยุติธรรมส่งผ่านศิลปะรัสเซียทั้งหมดและโดยเฉพาะดนตรี . ไม่ใช่นักประพันธ์เพลงทุกคนที่ตระหนักถึงความหลีกเลี่ยงไม่ได้ ความจำเป็นในการปฏิวัติและเห็นอกเห็นใจกับมัน แต่ทุกคนหรือเกือบทุกคนรู้สึกถึงความตึงเครียดก่อนเกิดพายุ

ตามปกติแล้วเนื้อหาใหม่จำเป็นต้องมีรูปแบบใหม่ และนักประพันธ์เพลงหลายคนก็เกิดแนวคิดในการต่ออายุภาษาดนตรีอย่างสิ้นเชิง ประการแรก พวกเขาละทิ้งระบบโหมดและปุ่มแบบยุโรปดั้งเดิม แนวความคิดของดนตรีบรรเลงปรากฏขึ้น นี่คือเพลงที่ระบบเสียงที่ชัดเจนไม่ได้ถูกกำหนดโดยหู และคอร์ด (ความสามัคคี) เชื่อมต่อกันอย่างอิสระโดยไม่ต้องปฏิบัติตามกฎเกณฑ์ที่เข้มงวด เสียงที่ผิดปกติกลายเป็นคุณลักษณะที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งของภาษาดนตรีของศตวรรษที่ 20 เพื่อถ่ายทอดภาพชีวิตสมัยใหม่ พวกเขาใช้เอฟเฟกต์เสียงที่ผิดปกติ (เสียงกระทบและบดของโลหะ เครื่องมือเครื่องจักรดังก้อง และเสียง "อุตสาหกรรม") อื่นๆ และคิดค้นเครื่องมือใหม่ อย่างไรก็ตาม อีกวิธีหนึ่งให้ผลลัพธ์ที่น่าสนใจยิ่งขึ้น นักประพันธ์เพลงได้ทดลองกับเครื่องดนตรีดั้งเดิม: การผสมเสียงต่ำ การเล่นในเครื่องบันทึกที่ไม่ธรรมดา เทคนิคการเปลี่ยนแปลง และปรากฎว่าวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิกหรือรูปแบบโอเปร่าสามารถแสดงชีวิตของเมืองได้อย่างสมบูรณ์แบบด้วยระบบเสียงและเสียงที่ซับซ้อนและที่สำคัญที่สุด - ความคิดที่คาดเดาไม่ได้และ "หงิกงอ" ของจิตใจมนุษย์ในตอนท้ายของ สหัสวรรษที่ 2

อย่างไรก็ตาม การค้นหาเชิงนวัตกรรมไม่ได้นำไปสู่การละทิ้งประเพณี ศตวรรษที่ 20 ได้รื้อฟื้นมรดกทางดนตรีของยุคอดีต หลังจากสองร้อยสามร้อยปีแห่งการลืมเลือน ผลงานของ Monteverdi, Corelli และ Vivaldi ปรมาจารย์ชาวเยอรมันและฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 17 ก็เริ่มส่งเสียงอีกครั้ง

ทัศนคติต่อคติชนวิทยาเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง ในศตวรรษที่ XX เทรนด์ใหม่ปรากฏขึ้น - neo-folklorism (จากภาษากรีก "neos" - "ใหม่" และ "คติชนวิทยา") ผู้สนับสนุนของเขาเรียกร้องให้ใช้เพลงพื้นบ้านซึ่งบันทึกในพื้นที่ชนบทห่างไกล ไม่ได้ "ทำให้เรียบ" ในเขตเมือง เมื่อเข้าสู่องค์ประกอบที่ซับซ้อนของซิมโฟนี โซนาตา หรือโอเปร่า เพลงดังกล่าวได้นำความหลงใหลที่ไม่เคยมีมาก่อน สีสันและโทนเสียงมาสู่ดนตรีอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ทิศทางศิลปะใหม่ได้ก่อตัวขึ้นในวัฒนธรรมยุโรป - การแสดงออก (จากภาษาละติน Expressio - "การแสดงออก") ตัวแทนสะท้อนผลงานของพวกเขาถึงมุมมองที่น่าเศร้าของชายคนหนึ่งในยุคสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง - ความสิ้นหวังความเจ็บปวดความกลัวความเหงา “ศิลปะคือการขอความช่วยเหลือจากผู้ที่กำลังประสบชะตากรรมของมนุษยชาติในตัวเอง” Arnold Schoenberg (1874-1951) ผู้ก่อตั้งการแสดงออกทางดนตรีเขียน

Arnold Schoenberg

การแสดงออกทางดนตรีพัฒนาขึ้นในออสเตรียอย่างแม่นยำยิ่งขึ้นในเมืองหลวงเวียนนา ผู้สร้างคือ Arnold Schoenberg, Alban Berg และ Anton Webern ชุมชนนักประพันธ์เพลงสร้างสรรค์เข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีภายใต้ชื่อโรงเรียน New Vienna (Novovenskaya) ปรมาจารย์แต่ละคนมีแนวทางของตนเองในงานศิลปะ แต่ผลงานของพวกเขามีความเหมือนกันมาก อย่างแรกเลย - จิตวิญญาณอันน่าเศร้าของดนตรี ความปรารถนาสำหรับประสบการณ์ที่เฉียบขาดและแรงกระแทกอย่างลึกล้ำ ตามด้วยการค้นหาทางจิตวิญญาณอย่างเข้มข้น ความปรารถนาในทุกวิถีทางเพื่อค้นหาอุดมคติทางศาสนาและศีลธรรมที่คนสมัยใหม่ส่วนใหญ่สูญหายไป ในที่สุด นักประพันธ์เพลงทั้งสามก็ได้พัฒนาวิธีการแต่งเพลงเพียงวิธีเดียว นั่นคือระบบโดเดคาโฟน ซึ่งเปลี่ยนแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับโครงสร้างโมดอลและฮาร์โมนิกของชิ้นงานไปอย่างมาก

งานของ Schoenberg แก้ปัญหาหลักอย่างหนึ่ง - เป็นการแสดงออกถึงความทุกข์ทรมานของมนุษย์ผ่านดนตรี ลางสังหรณ์ที่หนักหน่วงและเจ็บปวด ความรู้สึกสยองขวัญอันน่าสยดสยองได้รับการถ่ายทอดอย่างยอดเยี่ยมในงานยุคแรกๆ - Five Pieces for Orchestra (1909) ในอารมณ์และรูปแบบ สิ่งเหล่านี้เป็นโหมโรงของห้อง แต่ถูกเขียนขึ้นสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ และภาพวาดเสียงที่ละเอียดอ่อนและโปร่งใสสลับกันด้วย "เสียงร้อง" อันทรงพลังของลมและเสียงกลองทิมปานี

ผลจากการไตร่ตรองของ Schoenberg เกี่ยวกับเหตุการณ์ในสงครามโลกครั้งที่สองคือคันทานา "ผู้รอดชีวิตแห่งวอร์ซอ" (1947) สำหรับผู้อ่าน คอรัส และวงออเคสตรา เรื่องราวจากพยานผู้เห็นเหตุการณ์ที่แท้จริงเกี่ยวกับการสังหารหมู่ของพวกนาซีที่มีต่อชาวสลัมชาวยิวในกรุงวอร์ซอถูกใช้เป็นข้อความ ดนตรีขององค์ประกอบขนาดใหญ่นี้ ซึ่งสร้างขึ้นจากซีรีส์เดียว ยังคงไว้ซึ่งประเพณีการแสดงออกที่ดีที่สุด - มันซับซ้อน โศกนาฏกรรม และสะเทือนอารมณ์อย่างรุนแรง นักแต่งเพลงดูเหมือนจะพยายามนำเสนอวีรบุรุษของเขาต่อหน้าพระเจ้าและนิรันดรและด้วยเหตุนี้จึงแสดงให้เห็นว่าความทุกข์ทรมานของพวกเขาไม่ได้ไร้ประโยชน์ แคนทาทาจบลงด้วยการสวดมนต์ และเพลงของเธอซึ่งอิงจากเสียงในซีรีส์เดียวกัน เติบโตขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติจากความมืดมิดอันน่าสลดใจของภาคก่อนๆ

เปรี้ยวจี๊ด

เงื่อนไขใหม่ของความเป็นจริงทางสังคมมีผลกระทบต่อวัฒนธรรมศิลปะโดยรวมในแง่หนึ่งทำให้เกิดลมหายใจใหม่ของประเพณีคลาสสิกและในอีกด้านหนึ่งทำให้เกิดศิลปะใหม่ - เปรี้ยวจี๊ด (จากฝรั่งเศส “เปรี้ยวจี๊ด” - ไปข้างหน้า) หรือความทันสมัย ​​(จาก lat. "modernus" - ใหม่ทันสมัย) สะท้อนให้เห็นถึงใบหน้าของเวลาได้อย่างเต็มที่ โดยพื้นฐานแล้ว คำว่า "ลัทธิสมัยใหม่" หมายถึงกระแสศิลปะ การเคลื่อนไหว โรงเรียน และกิจกรรมของปรมาจารย์แต่ละคนของศตวรรษที่ 20 ซึ่งประกาศเสรีภาพในการแสดงออกว่าเป็นพื้นฐานของวิธีการสร้างสรรค์ของพวกเขา

แนวดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดครอบคลุมช่วงยุค 50-90 ศตวรรษที่ XX มันเกิดขึ้นหลังจากสงครามโลกครั้งที่สองโดยไม่ได้ตั้งใจ: แรงกระแทกของสงครามและการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วในวิถีชีวิตทำให้เกิดความผิดหวังในคุณค่าทางศีลธรรมและวัฒนธรรมของยุคก่อน ตัวแทนของคนรุ่น 50-60s ฉันต้องการเป็นอิสระจากประเพณีเพื่อสร้างภาษาศิลปะของตัวเอง

แนวเพลงแนวเปรี้ยวจี๊ดมักจะหมายถึงดนตรีที่เป็นรูปธรรม โดยอาศัยความอิสระของพยัญชนะวรรณยุกต์และไม่ใช่ช่วงฮาร์มอนิก: การเปล่งเสียงเป็นเทคนิคประเภทหนึ่งของนักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ โดยใช้เสียงที่มีสีสันเป็นหลัก (ละติน "sonorus" - เสียงดัง หนวกหู) และแทบไม่สนใจการเชื่อมต่อระดับเสียงที่แม่นยำ ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ การค้นหาครั้งแรกในทิศทางของเปรี้ยวจี๊ดได้ดำเนินการในตอนต้นของศตวรรษที่ยี่สิบโดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย A.N. สไครบิน ดนตรีของเขาเอาชนะผู้ฟังบางคนด้วยพลังที่สร้างแรงบันดาลใจ ส่วนคนอื่นๆ โกรธเคืองด้วยความแปลกประหลาด

หนึ่ง. สไครบิน

การค้นหาวิธีการสร้างสรรค์ใหม่ๆ ทำให้เกิดรูปแบบที่ไม่ธรรมดามากมาย นักแต่งเพลงใช้เทคนิคการบันทึกเสียงและการสร้างเสียงแบบอิเล็กทรอนิกส์ - เครื่องบันทึกเทป เครื่องสังเคราะห์เสียง และคอมพิวเตอร์ - เป็นเครื่องมือ "คลาสสิก" ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา การเกิดขึ้นของดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เกิดจากความปรารถนาที่จะดึงความสนใจไปที่ "คลาสสิก" ของคนรักป๊อปและร็อคหลายล้านคน (ซึ่งเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์มีบทบาทนำ) อย่างไรก็ตาม นักแต่งเพลงที่ทำงานในด้านนี้มีเป้าหมายที่แตกต่างกันเช่นกัน พวกเขากำลังพยายามสำรวจความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของมนุษย์กับโลกแห่งเทคโนโลยี ซึ่งทำให้จิตสำนึกของผู้คนครอบงำมากขึ้น บทสนทนา "สด" ของนักดนตรีที่มี "คู่" แบบอิเล็กทรอนิกส์ในผลงานที่มีความสามารถมากที่สุดใช้ความหมายเชิงสัญลักษณ์ที่ลึกซึ้ง

เหอเผิง

ตั้งแต่ยุค 50 ในดนตรีเช่นเดียวกับในรูปแบบอื่น ๆ ของศิลปะ (เช่นในโรงละคร) มีทิศทางที่จะเกิดขึ้น (จากภาษาอังกฤษ, เกิดขึ้น - "เกิดขึ้น", "เกิดขึ้น") แหล่งที่มาของงานถือได้ว่าเป็นผลงาน "4" 33 "(1954) โดยนักแต่งเพลงชาวอเมริกัน John Cage (เกิดปี 1912) นักเปียโนเข้าสู่เวทีซึ่งเป็นเวลาสี่นาทีสามสิบสามวินาที ... นั่งเงียบ ๆ ที่เปียโนแล้ว ลุกขึ้นและจากไป รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นพร้อมกับเรื่องอื้อฉาว: ประชาชนที่รู้แจ้งตัดสินใจว่าพวกเขาถูกรังแกและฆราวาสมีโอกาสพูดอย่างประชดประชันว่า: "ฉันทำได้" ความตั้งใจที่จะทำให้สาธารณชนตกใจเป็นส่วนหนึ่งของ แผนของผู้เขียน แต่มันไม่ได้จบในตัวเอง , เคจกลายเป็นงานดนตรีปรากฏการณ์ของความเป็นจริงโดยรอบ: ความเงียบในความคาดหมายของการเริ่มต้นของเกม, เสียงที่ทำโดยผู้ชม (ไอ, กระซิบ, ลั่นดังเอี๊ยดของเก้าอี้, ฯลฯ ) ผู้ชมและนักดนตรีจึงทำหน้าที่เป็นทั้งนักแสดงและในฐานะผู้เขียนโดยธรรมชาติ ดนตรีถูกเปลี่ยนจากภาพการได้ยินเป็นภาพซึ่งต่อมาได้กลายเป็นจุดเด่นของ Happening: การแสดงของชิ้นนี้กลายเป็น a ละครใบ้ที่ไม่มีเสียง จอห์น เคจ

ศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์ นับเป็นการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในทุกแง่มุมของภาษาดนตรี ในศตวรรษที่ 20 ดนตรีมักเป็นแหล่งกำเนิดของภาพสะท้อนของเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในยุคที่เลวร้าย ซึ่งผู้เห็นเหตุการณ์และผู้ร่วมสมัยเป็นคีตกวีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคนี้ ซึ่งกลายมาเป็นนักประดิษฐ์และนักปฏิรูป

บทสรุป

เหตุการณ์โศกนาฏกรรมและความขัดแย้ง - สงคราม การปฏิวัติ ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี เผด็จการและประชาธิปไตย ไม่เพียงแต่ทำให้ประสบการณ์ทางอารมณ์ในคนแย่ลงเท่านั้น แต่ยังนำมนุษยชาติไปสู่ขอบเหวแห่งการทำลายล้างอีกด้วย นั่นคือเหตุผลที่หัวข้อของการเผชิญหน้าระหว่างความเป็นและความตายได้กลายเป็นกุญแจสำคัญในดนตรีของศตวรรษที่ 20

แก่นของความรู้ในตนเองของแต่ละบุคคลกลายเป็นสิ่งที่สำคัญไม่น้อยสำหรับงานศิลปะ ตัวแทนของคนรุ่นต่อๆ มาต้องการที่จะรู้สึกเป็นอิสระจากขนบธรรมเนียมประเพณี เพื่อสร้างภาษาศิลปะของตนเอง

ศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 มีมากมายผิดปกติ บางทีอาจไม่มีรูปแบบดนตรีประวัติศาสตร์เดียวที่จะไม่สะท้อนให้เห็นในลานตาดนตรีที่มีสีสันของศตวรรษที่ 20 ในแง่นี้ ศตวรรษได้กลายเป็นก้าวสำคัญ ทุกสิ่งทุกอย่างที่สะสมโดยการพัฒนาดนตรีในศตวรรษก่อนหน้าและความคิดริเริ่มทั้งหมดของวัฒนธรรมดนตรีระดับชาติก็กลายเป็นสมบัติร่วมกันในทันใด

ทุกยุคทุกสมัยได้มอบอัจฉริยภาพแก่เรา ไม่ว่าจะเป็นนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ XIX หรือ XX ผลงานของพวกเขาได้ก้าวไปสู่ความสำเร็จครั้งสำคัญในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติแล้ว และได้กลายเป็นแบบอย่างสำหรับคนทุกรุ่น ไม่เพียงแต่ในด้านดนตรีเท่านั้น และถึงแม้จะกำหนดการสร้างไว้ก็ตาม พวกเขาก็ยังถูกเรียกให้รับใช้ เพื่อความสุขของผู้คน

บรรณานุกรม

2. Vetlugina N.A. พัฒนาการด้านดนตรีของเด็ก - ม.: การศึกษา, 2511.

3. นิตยสาร "การศึกษาก่อนวัยเรียน" №5-1992 ปี แนะนำให้เด็กก่อนวัยเรียนรู้จักวัฒนธรรมประจำชาติรัสเซีย

4. Komissarova Visual ช่วยในการศึกษาดนตรีของเด็กก่อนวัยเรียน - ม.: การศึกษา, 2000.

5. บ้านของฉัน โครงการศึกษาคุณธรรมและความรักชาติของเด็กก่อนวัยเรียน สำนักพิมพ์ "โมเสค" - การสังเคราะห์, มอสโก, 2548

6. เทปลอฟ บีเอ็ม จิตวิทยาความสามารถทางดนตรี, 2490.

7. Teplov B.M. ปัญหาความแตกต่างของแต่ละบุคคล - ม.: การศึกษา, 2504, - หน้า. 231.

8. Orff K. ระบบการศึกษาดนตรี. - ม. -ล. 1970. หน้า 21.

9. Forrai K. อิทธิพลของการศึกษาดนตรีต่อการพัฒนาบุคลิกภาพของเด็กก่อนวัยเรียน // การศึกษาดนตรีในโลกสมัยใหม่ //, 1973

นี่คือรายชื่อผู้แต่ง 10 คนที่คุณควรรู้ มันปลอดภัยที่จะพูดเกี่ยวกับพวกเขาแต่ละคนว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่เคยเป็นมา แม้ว่าในความเป็นจริง เป็นไปไม่ได้และเป็นไปไม่ได้เลยจริงๆ ที่จะเปรียบเทียบเพลงที่เขียนในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา อย่างไรก็ตาม นักประพันธ์เพลงเหล่านี้มีความโดดเด่นจากผู้ร่วมสมัยในฐานะนักแต่งเพลงที่แต่งเพลงที่มีมาตรฐานสูงสุดและพยายามผลักดันขอบเขตของดนตรีคลาสสิกไปสู่ขีดจำกัดใหม่ รายการนี้ไม่มีลำดับใดๆ เช่น ความสำคัญหรือความชอบส่วนบุคคล นักประพันธ์เพลงยอดเยี่ยมเพียง 10 คนที่คุณควรรู้

นักแต่งเพลงแต่ละคนมาพร้อมกับข้อเท็จจริงในชีวิตของเขาที่คู่ควรกับคำพูดโดยจำได้ว่าคุณจะดูเหมือนผู้เชี่ยวชาญ และเมื่อคลิกลิงก์ไปยังชื่อ คุณจะพบประวัติทั้งหมดของเขา และแน่นอน คุณสามารถฟังผลงานที่สำคัญชิ้นหนึ่งของอาจารย์แต่ละคนได้

บุคคลที่สำคัญที่สุดในดนตรีคลาสสิกของโลก หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีผลงานและเป็นที่นับถือมากที่สุดในโลก เขาทำงานในทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขารวมทั้งโอเปร่า, บัลเล่ต์, ดนตรีสำหรับการแสดงละคร, การแต่งเพลงประสานเสียง มรดกที่สำคัญที่สุดในมรดกของเขาคือผลงานบรรเลง: เปียโน ไวโอลิน และเชลโลโซนาตา คอนแชร์โตสำหรับเปียโน ไวโอลิน ควอเตตส์ การทาบทาม ซิมโฟนี ผู้ก่อตั้งยุคโรแมนติกในดนตรีคลาสสิก

ความจริงที่น่าสนใจ.

ในตอนแรกเบโธเฟนต้องการอุทิศซิมโฟนีที่สาม (1804) ให้กับนโปเลียน นักแต่งเพลงรู้สึกทึ่งกับบุคลิกของชายผู้นี้ ซึ่งหลายคนดูเหมือนจะเป็นวีรบุรุษที่แท้จริงในช่วงเริ่มต้นรัชกาลของเขา แต่เมื่อนโปเลียนประกาศตนเป็นจักรพรรดิ เบโธเฟนได้ขีดฆ่าการอุทิศตนบนหน้าชื่อเรื่องและเขียนเพียงคำเดียวว่า "วีรบุรุษ"

"มูนไลท์ โซนาต้า" โดย แอล. บีโธเฟนฟัง:

2. (1685-1750)

นักแต่งเพลงและออร์แกนชาวเยอรมัน ตัวแทนแห่งยุคบาโรก หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี ในช่วงชีวิตของเขา Bach เขียนงานมากกว่า 1,000 ชิ้น ทุกประเภทที่สำคัญของเวลานั้นแสดงอยู่ในงานของเขา ยกเว้นโอเปร่า; เขาสรุปความสำเร็จของศิลปะดนตรีในยุคบาโรก ผู้ก่อตั้งราชวงศ์ดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุด

ความจริงที่น่าสนใจ.

ในช่วงชีวิตของเขา บาคถูกประเมินต่ำเกินไปจนมีผลงานตีพิมพ์ไม่ถึงสิบชิ้น

Toccata และ Fugue ใน D minor โดย J.S.Bach,ฟัง:

3. (1756-1791)

นักแต่งเพลง นักเล่นเครื่องดนตรี และผู้ควบคุมวงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ ตัวแทนของ Vienna Classical School นักไวโอลินอัจฉริยะ นักเปียโน นักเล่นออร์แกน ผู้ควบคุมวง เขามีหูที่ยอดเยี่ยมสำหรับดนตรี ความทรงจำ และความสามารถในการด้นสด ในฐานะนักแต่งเพลงที่เก่งในทุกประเภท เขาได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีคลาสสิก

ความจริงที่น่าสนใจ.

เมื่อเป็นเด็ก Mozart ท่องจำและบันทึก Miserere (แมว บทสวดบทสดุดีที่ 50 ของ David) โดย Grigorio Allegri ชาวอิตาลี โดยได้ฟังเพียงครั้งเดียว

"Little Night Serenade" โดย ดับบลิว.เอ. โมสาร์ท, ฟัง:

4. (1813-1883)

นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน, วาทยกร, นักเขียนบทละคร, นักปรัชญา. เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อวัฒนธรรมยุโรปในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX โดยเฉพาะอย่างยิ่งสมัยใหม่ โอเปร่าของ Wagner ตื่นตาตื่นใจกับขนาดที่ยิ่งใหญ่และคุณค่าของมนุษย์นิรันดร์

ความจริงที่น่าสนใจ.

แว็กเนอร์มีส่วนร่วมในการปฏิวัติที่ล้มเหลวในปี ค.ศ. 1848-1849 ในเยอรมนี และถูกบังคับให้ต้องซ่อนตัวจากการจับกุมกับฟรานซ์ ลิสซ์ท์

"Flight of the Valkyries" จากโอเปร่า "Valkyrie" โดย R. Wagnerฟัง

5. (1840-1893)

นักแต่งเพลงชาวอิตาลี บุคคลสำคัญของโรงเรียนโอเปร่าอิตาลี แวร์ดีมีความรู้สึกของการแสดงบนเวที อารมณ์ และฝีมือที่ไร้ที่ติ เขาไม่ได้ปฏิเสธประเพณีโอเปร่า (ต่างจาก Wagner) แต่ตรงกันข้ามพัฒนาพวกเขา (ประเพณีของโอเปร่าอิตาลี) เขาเปลี่ยนโอเปร่าอิตาลีเติมด้วยความสมจริงและทำให้มันเป็นเอกภาพโดยรวม

ความจริงที่น่าสนใจ.

แวร์ดีเป็นชาตินิยมอิตาลีและได้รับเลือกเข้าสู่รัฐสภาอิตาลีแห่งแรกในปี 2403 หลังจากที่อิตาลีได้รับอิสรภาพจากออสเตรีย

ทาบทามโอเปร่า "La Traviata" โดย D. Verdiฟัง:

7. อิกอร์ เฟโดโรวิช สตราวินสกี้ (1882-1971)

นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย (อเมริกัน - หลังการย้ายถิ่นฐาน) วาทยกรนักเปียโน หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ยี่สิบ งานของสตราวินสกี้เป็นหนึ่งเดียวตลอดอาชีพการงานของเขา แม้ว่ารูปแบบงานของเขาจะแตกต่างกันในแต่ละช่วงเวลา แต่แก่นแท้และรากของรัสเซียยังคงอยู่ ซึ่งปรากฏอยู่ในผลงานทั้งหมดของเขา เขาถือว่าเป็นหนึ่งในนักประดิษฐ์ชั้นนำของศตวรรษที่ 20 การใช้จังหวะและความสามัคคีที่เป็นนวัตกรรมของเขาได้สร้างแรงบันดาลใจและเป็นแรงบันดาลใจให้นักดนตรีหลายคน ไม่ใช่แค่ในดนตรีคลาสสิกเท่านั้น

ความจริงที่น่าสนใจ.

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1 เจ้าหน้าที่ศุลกากรชาวโรมันได้ยึดรูปเหมือนของสตราวินสกีโดยปาโบล ปิกัสโซ เมื่อผู้แต่งกำลังจะออกจากอิตาลี ภาพเหมือนถูกวาดในลักษณะแห่งอนาคต และเจ้าหน้าที่ศุลกากรเข้าใจผิดว่าวงกลมและเส้นเหล่านี้เป็นวัสดุลับที่เข้ารหัสบางประเภท

ห้องสวีทจากบัลเล่ต์โดย I.F. Stravinsky "The Firebird"ฟัง:

8. โยฮันน์ สเตราส์ (1825-1899)

นักแต่งเพลง วาทยกร และนักไวโอลิน ชาวออสเตรีย "ราชาแห่งวอลทซ์" เขาทำงานเกี่ยวกับดนตรีเต้นรำและละคร มรดกทางดนตรีของเขาประกอบด้วยวอลทซ์ โพลเลกา ควอดริลส์ และดนตรีเต้นรำประเภทอื่นๆ มากกว่า 500 แบบ รวมถึงโอเปร่าและบัลเลต์อีกหลายรายการ ต้องขอบคุณเขาที่ทำให้เพลงวอลทซ์ได้รับความนิยมอย่างมากในกรุงเวียนนาในศตวรรษที่ 19

ความจริงที่น่าสนใจ.

พ่อของโยฮันน์สเตราส์ก็เป็นโยฮันน์และเป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียงด้วยดังนั้น "ราชาแห่งวอลซ์" จึงถูกเรียกว่าน้องหรือลูกชายของเขาโจเซฟและเอ็ดเวิร์ดน้องชายของเขาก็เป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงเช่นกัน

Waltz โดย J. Strauss "บนแม่น้ำดานูบสีฟ้าที่สวยงาม", ฟัง:

9. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873-1943)

นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนดนตรีคลาสสิกเวียนนา และเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางดนตรี ในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา ชูเบิร์ตมีส่วนสำคัญในดนตรีออร์เคสตรา แชมเบอร์ และเปียโน ซึ่งมีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงทั้งรุ่น อย่างไรก็ตาม ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของเขาคือการพัฒนาความรักในเยอรมัน ซึ่งเขาสร้างมากกว่า 600 เรื่อง

ความจริงที่น่าสนใจ.

เพื่อนนักดนตรีของชูเบิร์ตและเพื่อนนักดนตรีมารวมตัวกันและแสดงดนตรีของชูเบิร์ต การประชุมเหล่านี้เรียกว่า "Schubertiads" (Schubertiads) แฟนคลับวงแรก!

"Ave Maria" โดย F.P. Schubert, ฟัง:

ต่อในหัวข้อของนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมที่คุณควรรู้ เนื้อหาใหม่

โรงเรียนแต่งเพลงของรัสเซีย ซึ่งเป็นผู้สืบทอดประเพณีซึ่งเป็นโรงเรียนของสหภาพโซเวียตและรัสเซียในปัจจุบัน เริ่มต้นขึ้นในศตวรรษที่ 19 โดยมีนักประพันธ์เพลงที่ผสมผสานศิลปะดนตรียุโรปเข้ากับท่วงทำนองพื้นบ้านรัสเซีย โดยเชื่อมโยงรูปแบบยุโรปเข้ากับจิตวิญญาณของรัสเซีย

คุณสามารถบอกได้มากมายเกี่ยวกับบุคคลที่มีชื่อเสียงเหล่านี้ พวกเขาทั้งหมดไม่ใช่เรื่องง่าย และบางครั้งก็น่าเศร้า แต่ในการทบทวนนี้ เราได้พยายามให้คำอธิบายสั้นๆ เกี่ยวกับชีวิตและผลงานของนักประพันธ์เพลงเท่านั้น

1. มิคาอิล อิวาโนวิช กลินคา

(1804-1857)

Mikhail Ivanovich Glinka ขณะแต่งโอเปร่า Ruslan และ Lyudmila พ.ศ. 2430 ศิลปิน Ilya Efimovich Repin

"ในการสร้างความงามเราต้องเป็นวิญญาณที่บริสุทธิ์"

Mikhail Ivanovich Glinka เป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกของรัสเซียและเป็นนักแต่งเพลงคลาสสิกชาวรัสเซียคนแรกที่ประสบความสำเร็จระดับโลก ผลงานของเขาตามประเพณีดนตรีพื้นบ้านรัสเซียที่มีอายุหลายศตวรรษเป็นคำใหม่ในศิลปะดนตรีของประเทศของเรา

เกิดในจังหวัด Smolensk เขาได้รับการศึกษาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การก่อตัวของโลกทัศน์และแนวคิดหลักของงานของ Mikhail Glinka ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการสื่อสารโดยตรงกับบุคคลเช่น A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig แรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ในงานของเขาถูกเพิ่มเข้ามาด้วยการเดินทางไปยุโรประยะยาวในช่วงต้นทศวรรษ 1830 และได้พบกับนักประพันธ์เพลงชั้นนำในยุคนั้น - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn และต่อมากับ G. Berlioz, J. เมเยอร์เบียร์.

ความสำเร็จมาถึง MI Glinka ในปี 1836 หลังจากการแสดงโอเปร่า "Ivan Susanin" ("Life for the Tsar") ซึ่งทุกคนได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นเป็นครั้งแรกในโลกดนตรีศิลปะการร้องเพลงรัสเซียและไพเราะและโอเปร่ายุโรป การฝึกฝนถูกรวมเข้าด้วยกันและฮีโร่ก็ปรากฏตัวเช่น Susanin ซึ่งภาพสรุปคุณสมบัติที่ดีที่สุดของตัวละครประจำชาติ

VF Odoevsky อธิบายโอเปร่าว่าเป็น "องค์ประกอบใหม่ในงานศิลปะ และช่วงเวลาใหม่เริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ - ช่วงเวลาของดนตรีรัสเซีย"

โอเปร่าที่สอง - มหากาพย์ Ruslan และ Lyudmila (1842) ซึ่งทำงานบนพื้นหลังของการเสียชีวิตของ Pushkin และในสภาพความเป็นอยู่ที่ยากลำบากของนักแต่งเพลงเนื่องจากสาระสำคัญที่ล้ำลึกของงานได้รับการตอบรับอย่างคลุมเครือจาก ผู้ชมและเจ้าหน้าที่ และนำประสบการณ์ MI Glinka หลังจากนั้นเขาเดินทางบ่อยสลับกันอยู่ในรัสเซียและต่างประเทศโดยไม่หยุดเขียน มรดกของเขารวมถึงงานรัก ๆ ใคร่ ๆ ไพเราะและแชมเบอร์ ในปี 1990 เพลงรักชาติของ Mikhail Glinka เป็นเพลงชาติอย่างเป็นทางการของสหพันธรัฐรัสเซีย

อ้างเกี่ยวกับ M.I. Glinka:“โรงเรียนซิมโฟนีของรัสเซียทั้งหมด เหมือนกับต้นโอ๊กในลูกโอ๊กทั้งหมด ถูกล้อมรอบด้วยแฟนตาซีซิมโฟนิกของคามารินสกายา PI Tchaikovsky

ความจริงที่น่าสนใจ: Mikhail Ivanovich Glinka ไม่ได้มีสุขภาพที่ดี แม้ว่าเขาจะเป็นคนง่าย ๆ และรู้ภูมิศาสตร์เป็นอย่างดี บางทีถ้าเขาไม่ได้เป็นนักแต่งเพลง เขาก็จะกลายเป็นนักเดินทาง เขารู้ภาษาต่างประเทศหกภาษา รวมทั้งเปอร์เซีย

2.Alexander Porfireevich Borodin

(1833-1887)

Alexander Porfirevich Borodin หนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียชั้นนำในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นอกเหนือจากความสามารถในฐานะนักแต่งเพลงแล้ว ยังเป็นนักวิทยาศาสตร์-เคมี แพทย์ ครู นักวิจารณ์ และมีความสามารถด้านวรรณกรรมอีกด้วย

เกิดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตั้งแต่วัยเด็กทุกคนรอบตัวเขาสังเกตเห็นกิจกรรมความกระตือรือร้นและความสามารถที่ผิดปกติของเขาในทิศทางต่าง ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านดนตรีและเคมี

A.P. Borodin เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียเขาไม่มีครูสอนดนตรีมืออาชีพความสำเร็จทั้งหมดของเขาในด้านดนตรีต้องขอบคุณการทำงานอิสระในการเรียนรู้เทคนิคการแต่งเพลง

การก่อตัวของ A.P. Borodin ได้รับอิทธิพลจากผลงานของ M.I. Glinka (สำหรับนักประพันธ์ชาวรัสเซียทุกคนในศตวรรษที่ 19) และแรงกระตุ้นสำหรับการยึดครองที่หนาแน่นด้วยการแต่งเพลงในช่วงต้นทศวรรษ 1860 นั้นได้รับจากสองเหตุการณ์ - ประการแรกความคุ้นเคยและการแต่งงานกับนักเปียโนที่มีความสามารถ ES Protopopova และประการที่สอง พบกับ MA Balakirev และเข้าร่วมชุมชนสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่รู้จักกันในชื่อ "The Mighty Handful"

ในตอนท้ายของปี 1870 และในปี 1880 AP Borodin ได้เดินทางและท่องเที่ยวมากมายในยุโรปและอเมริกา พบกับนักประพันธ์เพลงชั้นนำในยุคของเขา ชื่อเสียงของเขาเติบโตขึ้น เขากลายเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงและโด่งดังที่สุดในยุโรป ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19

ศูนย์กลางในการทำงานของ AP Borodin ถูกครอบครองโดยโอเปร่า "Prince Igor" (พ.ศ. 2412-2433) ซึ่งเป็นตัวอย่างของมหากาพย์วีรบุรุษระดับชาติในด้านดนตรีและตัวเขาเองไม่สามารถทำให้เสร็จได้ (เสร็จสิ้นโดยเขา เพื่อน AA Glazunov และ NA Rimsky-Korsakov) ใน "เจ้าชายอิกอร์" กับพื้นหลังของภาพตระหง่านของเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์สะท้อนความคิดหลักของงานทั้งหมดของนักแต่งเพลง - ความกล้าหาญความสงบยิ่งใหญ่ผู้สูงศักดิ์ทางจิตวิญญาณของคนรัสเซียที่ดีที่สุดและความแข็งแกร่งอันยิ่งใหญ่ของคนรัสเซียทั้งหมด ประจักษ์ในการป้องกันบ้านเกิดเมืองนอน

แม้ว่าที่จริงแล้ว A.P. Borodin จะทิ้งผลงานไว้ค่อนข้างน้อย แต่งานของเขามีความหลากหลายมากและเขาถือว่าเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษของดนตรีไพเราะของรัสเซียซึ่งมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและชาวต่างประเทศหลายชั่วอายุคน

คำคมเกี่ยวกับ เอ.พี. โบโรดิน:“พรสวรรค์ของ Borodin นั้นทรงพลังและโดดเด่นไม่แพ้กันทั้งในซิมโฟนีและโอเปร่าและความรัก คุณสมบัติหลักของมันคือความแข็งแกร่งและความกว้างขนาดมหึมาขอบเขตมหึมาความเร่งรีบและความเร่งรีบรวมกับความหลงใหลความอ่อนโยนและความงามที่น่าทึ่ง " VV Stasov

ความจริงที่น่าสนใจ:ชื่อของโบโรดินมาจากปฏิกิริยาทางเคมีของเกลือเงินของกรดคาร์บอกซิลิกกับฮาโลเจน ส่งผลให้เกิดไฮโดรคาร์บอนที่มีฮาโลเจน ซึ่งเขาได้ตรวจสอบครั้งแรกในปี พ.ศ. 2404

3. Petrovich Mussorgsky เจียมเนื้อเจียมตัว

(1839-1881)

"เสียงของคำพูดของมนุษย์ในฐานะการแสดงออกของความคิดและความรู้สึกภายนอกควรกลายเป็นดนตรีที่แท้จริงถูกต้อง แต่มีศิลปะและมีศิลปะอย่างมาก"

เจียมเนื้อเจียมตัว Petrovich Mussorgsky เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่เก่งที่สุดคนหนึ่งของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นสมาชิกของ Mighty Handful ผลงานที่เป็นนวัตกรรมของ Musorgsky นั้นล้ำหน้ากว่าเวลามาก

เกิดที่จังหวัดปัสคอฟ เช่นเดียวกับคนที่มีความสามารถหลายคนตั้งแต่วัยเด็กเขาแสดงความถนัดทางดนตรีศึกษาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นทหารตามประเพณีของครอบครัว เหตุการณ์ชี้ขาดที่ระบุว่า Mussorgsky ไม่ได้เกิดมาเพื่อรับราชการทหาร แต่เพื่อดนตรี คือการพบกับ MA Balakirev และเข้าร่วม "Mighty Handful"

Mussorgsky ยอดเยี่ยมในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเขา - โอเปร่า Boris Godunov และ Khovanshchina เขาได้บันทึกเหตุการณ์สำคัญทางดนตรีในประวัติศาสตร์รัสเซียด้วยความแปลกใหม่ที่ดนตรีรัสเซียไม่เคยรู้จักมาก่อนเขาแสดงให้เห็นการผสมผสานระหว่างฉากพื้นบ้านยอดนิยมและ หลากหลายประเภท เอกลักษณ์เฉพาะของชาวรัสเซีย โอเปร่าเหล่านี้ในหลายฉบับ ทั้งโดยผู้แต่งและผู้ประพันธ์เพลงอื่นๆ เป็นหนึ่งในโอเปร่ารัสเซียที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก

ผลงานที่โดดเด่นอีกชิ้นหนึ่งของ Mussorgsky คือวงจรของชิ้นส่วนเปียโน "Pictures at an Exhibition" วัตถุย่อส่วนที่มีสีสันและสร้างสรรค์ถูกแทรกซึมไปด้วยบทเพลงของรัสเซียและความเชื่อดั้งเดิม

มีทุกอย่างในชีวิตของ Mussorgsky - ทั้งความยิ่งใหญ่และโศกนาฏกรรม แต่เขามักจะโดดเด่นด้วยความบริสุทธิ์ทางวิญญาณและความเสียสละอย่างแท้จริง

ปีสุดท้ายของเขานั้นยาก - ความไม่เป็นระเบียบในชีวิต, การขาดการรับรู้ถึงความคิดสร้างสรรค์, ความเหงา, การติดแอลกอฮอล์, ทั้งหมดนี้กำหนดความตายก่อนวัยอันควรของเขาที่ 42, เขาทิ้งงานค่อนข้างน้อย, บางงานก็เสร็จโดยนักแต่งเพลงคนอื่น

ท่วงทำนองที่เฉพาะเจาะจงและความกลมกลืนของนวัตกรรมของ Mussorgsky คาดการณ์คุณลักษณะบางอย่างของการพัฒนาดนตรีของศตวรรษที่ 20 และมีบทบาทสำคัญในการสร้างรูปแบบของนักแต่งเพลงระดับโลกหลายคน

คำพูดเกี่ยวกับ M.P. Mussorgsky:"เสียงรัสเซียในขั้นต้นในทุกสิ่งที่ Musorgsky ทำ" N. Roerich

ความจริงที่น่าสนใจ:ในตอนท้ายของชีวิต Mussorgsky ภายใต้แรงกดดันจาก "เพื่อน" ของ Stasov และ Rimsky-Korsakov ได้สละลิขสิทธิ์ผลงานของเขาและนำเสนอต่อ Tertiy Filippov

4. Pyotr Ilyich Tchaikovsky

(1840-1893)

“ฉันเป็นศิลปินที่สามารถและควรให้เกียรติมาตุภูมิของฉัน ฉันรู้สึกถึงพลังทางศิลปะที่ยิ่งใหญ่ในตัวฉัน ฉันยังไม่ได้ทำหนึ่งในสิบของสิ่งที่ฉันสามารถทำได้ และฉันต้องการทำมันด้วยสุดพลังของจิตวิญญาณของฉัน "

Pyotr Ilyich Tchaikovsky ซึ่งอาจเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19 ได้ยกระดับศิลปะดนตรีของรัสเซียให้สูงขึ้นอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน เขาเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงคลาสสิคของโลกที่สำคัญที่สุด

ไชคอฟสกีเป็นชนพื้นเมืองของจังหวัดวัตกาถึงแม้จะเป็นบิดาในยูเครน แต่ไชคอฟสกีก็แสดงความสามารถทางดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก แต่การศึกษาและการทำงานครั้งแรกของเขาอยู่ในสาขานิติศาสตร์

ไชคอฟสกีเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลง "มืออาชีพ" ชาวรัสเซียคนแรกๆ เขาศึกษาทฤษฎีดนตรีและการแต่งเพลงที่โรงเรียนสอนดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแห่งใหม่

ไชคอฟสกีถือเป็นนักแต่งเพลง "ตะวันตก" ตรงกันข้ามกับบุคคลพื้นบ้านของ "กำมือทรงพลัง" ซึ่งเขามีความสัมพันธ์ที่ดีที่สร้างสรรค์และเป็นมิตร แต่งานของเขาไม่ได้ตื้นตันใจไปกับจิตวิญญาณของรัสเซีย มรดกซิมโฟนิกตะวันตกของ Mozart, Beethoven และ Schumann กับประเพณีรัสเซียที่สืบทอดมาจาก Mikhail Glinka

นักแต่งเพลงนำชีวิตที่กระฉับกระเฉง - เขาเป็นครู, ผู้ควบคุมวง, นักวิจารณ์, บุคคลสาธารณะ, ทำงานในสองเมืองหลวง, ไปเที่ยวยุโรปและอเมริกา

ไชคอฟสกีเป็นคนที่ค่อนข้างไม่มั่นคงทางอารมณ์, ความกระตือรือร้น, ความสิ้นหวัง, ความไม่แยแส, อารมณ์ร้อน, ความโกรธรุนแรง - อารมณ์เหล่านี้เปลี่ยนแปลงไปในตัวเขาค่อนข้างบ่อย, เป็นคนที่เข้ากับคนง่าย, เขามักจะดิ้นรนเพื่อความเหงา

เป็นเรื่องยากที่จะแยกแยะสิ่งที่ดีที่สุดจากงานของไชคอฟสกี เขามีผลงานหลายชิ้นที่ขนาดเท่ากันในเกือบทุกแนวดนตรี - โอเปร่า บัลเลต์ ซิมโฟนี แชมเบอร์มิวสิค และเนื้อหาของเพลงของไชคอฟสกีนั้นเป็นสากล: ด้วยท่วงทำนองที่เลียนแบบไม่ได้ มันรวบรวมภาพของชีวิตและความตาย ความรัก ธรรมชาติ วัยเด็ก ผลงานของวรรณกรรมรัสเซียและโลกถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ กระบวนการลึกของชีวิตจิตวิญญาณสะท้อนอยู่ในนั้น

อ้างจากผู้แต่ง:"ชีวิตมีเสน่ห์เฉพาะเมื่อมันประกอบด้วยการสลับกันของความสุขและความเศร้าโศกของการต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่วของแสงและเงาในคำพูด - ของความหลากหลายในความสามัคคี"

"พรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมต้องทำงานหนักมาก"

คำพูดเกี่ยวกับนักแต่งเพลง: “ ฉันพร้อมทั้งวันทั้งคืนที่จะยืนเฝ้าเกียรติยศที่ระเบียงบ้านที่ Pyotr Ilyich อาศัยอยู่ - ฉันเคารพเขามากเพียงใด” A.P. Chekhov

ความจริงที่น่าสนใจ:มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์มอบตำแหน่ง Doctor of Music ให้แก่ไชคอฟสกีในกรณีที่ไม่ได้เรียนและไม่ได้ปกป้องวิทยานิพนธ์ของเขา และสถาบันวิจิตรศิลป์แห่งปารีสก็เลือกให้เขาเป็นสมาชิกที่เกี่ยวข้อง

5. Nikolay Andreevich Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์ ซึ่งเป็นหนึ่งในบุคคลที่สำคัญที่สุดในการสร้างมรดกทางดนตรีของรัสเซียอันล้ำค่า โลกที่แปลกประหลาดของเขาและการบูชาความงามอันเป็นนิรันดร์ของจักรวาลความชื่นชมในปาฏิหาริย์ของชีวิตความสามัคคีกับธรรมชาติไม่มีความคล้ายคลึงกันในประวัติศาสตร์ดนตรี

เกิดในจังหวัดโนฟโกรอดตามประเพณีของครอบครัวเขากลายเป็นนายทหารเรือบนเรือรบเขาเดินทางไปหลายประเทศในยุโรปและสองทวีปอเมริกา เขาได้รับการศึกษาด้านดนตรีครั้งแรกจากแม่ของเขา จากนั้นจึงเรียนแบบตัวต่อตัวจากนักเปียโน F. Canille และอีกครั้ง ต้องขอบคุณ MABalakirev ผู้จัดงาน The Mighty Handful ผู้แนะนำ Rimsky-Korsakov ให้รู้จักกับชุมชนดนตรีและมีอิทธิพลต่องานของเขา ทำให้โลกไม่แพ้นักแต่งเพลงที่มีความสามารถ

สถานที่ศูนย์กลางในมรดกของ Rimsky-Korsakov ประกอบด้วยโอเปร่า - 15 ผลงานซึ่งแสดงให้เห็นถึงความหลากหลายของประเภทการตัดสินใจด้านโวหารโวหารที่น่าทึ่งการประพันธ์เพลง แต่มีสไตล์พิเศษ - ด้วยความสมบูรณ์ขององค์ประกอบออเคสตรา เส้นเสียงไพเราะเป็นหลัก

ทิศทางหลักสองประการทำให้งานของนักแต่งเพลงแตกต่าง: ประการแรกคือประวัติศาสตร์รัสเซียส่วนที่สองคือโลกแห่งเทพนิยายและมหากาพย์ซึ่งเขาได้รับฉายาว่า "นักเล่าเรื่อง"

นอกเหนือจากกิจกรรมสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระโดยตรงแล้ว NA Rimsky-Korsakov ยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักประชาสัมพันธ์ผู้รวบรวมคอลเล็กชั่นเพลงพื้นบ้านซึ่งเขาแสดงความสนใจอย่างมากรวมถึงผู้สรุปผลงานของเพื่อนของเขา - Dargomyzhsky, Mussorgsky และ Borodin . Rimsky-Korsakov เป็นผู้สร้างโรงเรียนนักแต่งเพลงในฐานะครูและหัวหน้าของ St. Petersburg Conservatory เขาสำเร็จการศึกษานักแต่งเพลงผู้ควบคุมวงดนตรีประมาณสองร้อยคนรวมถึง Prokofiev และ Stravinsky

คำพูดเกี่ยวกับนักแต่งเพลง:“Rimsky-Korsakov เป็นคนรัสเซียมากและเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย ฉันเชื่อว่าสาระสำคัญของรัสเซียในขั้นต้นนี้ซึ่งเป็นพื้นฐานของคติชนวิทยา - รัสเซียควรได้รับการชื่นชมเป็นพิเศษในวันนี้ " Mstislav Rostropovich

ข้อเท็จจริงผู้แต่ง:นิโคไล อันดรีวิชเริ่มบทเรียนเรื่องความแตกต่างครั้งแรกของเขาดังนี้:

- ตอนนี้ฉันจะพูดมากและคุณจะฟังอย่างตั้งใจ จากนั้นฉันจะพูดน้อยลงและคุณจะฟังและคิดและในที่สุดฉันจะไม่พูดเลยและคุณจะคิดด้วยหัวของคุณเองและทำงานด้วยตัวเองเพราะงานของฉันในฐานะครูคือไม่จำเป็นสำหรับคุณ . ..