จิตรกรรม ดนตรี สถาปัตยกรรมของยุโรปในยุค XIX - ต้นศตวรรษที่ XX ศิลปินต่างชาติผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินชั้นนำของยุโรปแห่งศตวรรษที่ 19

จิตรกรชาวเยอรมัน Franz Xaver Winterhalter เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีจากภาพเหมือนของหญิงสาวสวยในศตวรรษที่ 19 เขาเกิดในปี พ.ศ. 2348 ในประเทศเยอรมนี แต่หลังจากได้รับการศึกษาด้านวิชาชีพแล้วเขาย้ายไปปารีสซึ่งเขาได้รับการแต่งตั้งให้เป็นจิตรกรในราชสำนัก ภาพเหมือนของครอบครัวสังคมชั้นสูงทั้งชุดทำให้ศิลปินโด่งดังอย่างไม่น่าเชื่อ

และเขาก็กลายเป็นที่นิยมโดยเฉพาะในหมู่สตรีฆราวาส เพราะเขาผสมผสานความคล้ายคลึงของภาพเหมือนอย่างชำนาญเข้ากับความสามารถในการ "นำเสนอ" วัตถุของงานของเขา อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์ปฏิบัติต่อเขาอย่างเยือกเย็น ซึ่งไม่ได้ขัดขวางไม่ให้เขากลายเป็นที่นิยมมากขึ้นเรื่อยๆ ในหมู่ผู้หญิงในสังคมชั้นสูง ไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังไปทั่วโลกอีกด้วย

อเล็กซานเดอร์ ดูมัสพูดเรื่องนี้เกี่ยวกับเขา

สาวๆ ต่างรอคอยที่จะถึงคิวของพวกเขาเป็นเวลาหลายเดือนเพื่อเข้าไปในห้องทำงานของวินเทอร์ฮอลเตอร์ ... พวกเขาลงทะเบียน พวกเขามีหมายเลขประจำเครื่องและรอ - หนึ่งปี อีกสิบแปดเดือน ที่สาม - สองปี ชื่อเรื่องมากที่สุดมีข้อดี ผู้หญิงทุกคนใฝ่ฝันที่จะมีภาพวาดของ Winterhalter ในห้องส่วนตัวของพวกเขา ...

ผู้หญิงจากรัสเซียไม่รอดจากชะตากรรมเช่นนี้

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา ได้แก่ ภาพเหมือนของจักรพรรดินียูจีเนีย (นี่คือนางแบบที่เขาโปรดปราน)

และจักรพรรดินีเอลิซาเบธแห่งบาวาเรีย (1865)
ที่นี่คุณต้องหยุดและหยุดชั่วคราว ...
ทุกสิ่งเชื่อมต่อกันในโลกนี้ได้อย่างไร! ชีวิตของราชวงศ์ฮับส์บูร์กและเอลิซาเบธ ความสัมพันธ์ระหว่างเธอกับแม่สามี ชะตากรรมของรูดอล์ฟ ลูกชายของเธอ และภาพยนตร์เรื่อง "เมเยอร์ลิ่ง" ประวัติออสเตรีย-ฮังการี และบทบาทของเอวา การ์ดเนอร์ และฉัน สตรีชาวจังหวัดเล็กๆ เก็บภาพเหมือนของ Franz และจ้องจอคอมพิวเตอร์อย่างจดจ่อ ...
ฉันอ่านสารานุกรมเกี่ยวกับชีวิตของ Sissy เกี่ยวกับลูก ๆ ของเธอจำภาพยนตร์เรื่องนี้และดูภาพบุคคลและรูปถ่าย ...
อันที่จริงการวาดภาพเป็นหน้าต่างสู่โลกทางโลกและโลกแห่งความรู้ ...

Franz Xaver Winterhalter เกิดเมื่อวันที่ 20 เมษายน พ.ศ. 2348 ในหมู่บ้านเล็ก ๆ ของ Mensenschwad ในป่าดำ Baden เขาเป็นลูกคนที่หกในครอบครัวของ Fidel Winterhalter เกษตรกรและผู้ผลิตเรซิน และ Eva Meyer ภรรยาของเขาซึ่งมาจากครอบครัว Menzenschwand เก่า พี่น้องแปดคนของฟรานซ์ มีเพียงสี่คนเท่านั้นที่รอดชีวิต

พ่อของเขาแม้ว่าเขาจะเป็นชาวนา แต่ก็มีผลกระทบอย่างมากต่อชีวิตของศิลปิน

ตลอดชีวิตของเขา Winterhalter ได้ใกล้ชิดกับครอบครัวของเขา โดยเฉพาะกับพี่ชายของเขา Hermann (1808-1891) ซึ่งเป็นศิลปินเช่นกัน

หลังจากไปโรงเรียนที่อารามเบเนดิกตินในบลาซินในปี พ.ศ. 2361 Winterhalter วัย 13 ปีออกจาก Mentzenschwand เพื่อศึกษาการวาดภาพและการแกะสลัก
เขาศึกษาการพิมพ์หินและการวาดภาพใน Freiburg ที่สตูดิโอของ Karl Ludwig Schuler (1785-1852) ในปี ค.ศ. 1823 เมื่ออายุได้สิบแปดปีโดยได้รับการสนับสนุนจากนักอุตสาหกรรม Baron von Eichtal เขาออกจากมิวนิก
ในปี พ.ศ. 2368 เขาได้รับทุนจากแกรนด์ดุ๊กแห่งบาเดนและเริ่มเรียนหลักสูตรที่สถาบันศิลปะมิวนิกภายใต้การแนะนำของปีเตอร์ คอร์เนลิอุส แต่ศิลปินหนุ่มไม่ชอบวิธีการสอนของเขา และวินเทอร์ฮอลเตอร์ก็สามารถหาครูคนอื่นที่ สามารถสอนการวาดภาพเหมือนฆราวาสให้กับเขาได้ และนั่นคือโจเซฟ สตีลเลอร์
ในเวลาเดียวกัน Winterhalter หาเลี้ยงชีพด้วยการเป็นช่างพิมพ์หิน

วินเทอร์ฮอลเตอร์เข้าสู่วงการศาลในปี พ.ศ. 2371 ในเมืองคาร์ลสรูเฮอ เมื่อเขากลายเป็นครูสอนวาดภาพให้กับเคาน์เตสโซเฟียแห่งบาเดน โอกาสอันเป็นมงคลในการประกาศตัวเองว่าห่างไกลจากทางใต้ของเยอรมนีมาถึงศิลปินในปี พ.ศ. 2375 เมื่อได้รับการสนับสนุนจากแกรนด์ดุ๊กเลียวโปลด์แห่งบาเดนเขามีโอกาสเดินทางไปอิตาลี (พ.ศ. 2376-2477)

ในกรุงโรมเขาวาดภาพแนวโรแมนติกในสไตล์ของ Louis-Leopold Robert และใกล้ชิดกับผู้อำนวยการ French Academy Horace Vernet

เมื่อเขากลับมาที่คาร์ลสรูห์ Winterhalter วาดภาพเหมือนของแกรนด์ดยุกเลียวโปลด์แห่งบาเดนและภรรยาของเขา และกลายเป็นจิตรกรในราชสำนัก

อย่างไรก็ตามเขาออกจากบาเดนและย้ายไปฝรั่งเศส

ที่นิทรรศการ 1836 ได้รับความสนใจจากภาพวาดแนวของเขา "Il dolce Farniente"

และอีกหนึ่งปีต่อมา "อิล เดคาเมรอน" ก็ได้รับเกียรติเช่นกัน ผลงานทั้งสองชิ้นเป็นภาพเขียนเชิงวิชาการในสไตล์ราฟาเอล
ที่ Salon of 1838 เขาได้รับรูปเหมือนของเจ้าชายแห่ง Wagram กับลูกสาวตัวน้อยของเขา
ภาพวาดประสบความสำเร็จอาชีพของ Franz ในฐานะจิตรกรภาพเหมือนได้รับการคุ้มครอง

ในหนึ่งปีเขาเขียนจดหมายถึงหลุยส์-มารีแห่งออร์เลอ็องส์ สมเด็จพระราชินีแห่งเบลเยียมพร้อมกับพระโอรสของพระองค์

บางทีต้องขอบคุณภาพวาดนี้ วินเทอร์ฮอลเตอร์จึงกลายเป็นที่รู้จักของแมรี่ อมาเลียแห่งเนเปิลส์ ราชินีแห่งฝรั่งเศส มารดาของราชินีแห่งเบลเยียม

ดังนั้น Winterhalter จึงกลายเป็นแฟชั่นอย่างรวดเร็วในปารีส เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นจิตรกรในราชสำนักของหลุยส์-ฟิลิปป์ พระมหากษัตริย์แห่งฝรั่งเศส ซึ่งมอบหมายให้พระองค์สร้างภาพบุคคลของครอบครัวใหญ่ของเขา Winterhalter มีคำสั่งมากกว่าสามสิบคำสั่งที่จะเติมเต็มให้กับเขา

ความสำเร็จนี้ทำให้ศิลปินได้รับชื่อเสียงในฐานะนักเลงภาพเหมือนราชวงศ์และชนชั้นสูง: ผสมผสานความแม่นยำของภาพเหมือนบุคคลเข้ากับการประจบสอพลออย่างชำนาญ เขาแสดงให้เห็นถึงความโอ่อ่าตระการตาในแบบสมัยใหม่ที่มีชีวิตชีวา ออเดอร์มาเรื่อยๆ...

อย่างไรก็ตาม ในวงการศิลปะ Winterhalter ได้รับการปฏิบัติแตกต่างออกไป
นักวิจารณ์ที่ยกย่องการเปิดตัวของเขาในนิทรรศการที่ 1936 Salon หันหลังให้กับเขาในฐานะศิลปินที่ไม่ควรเอาจริงเอาจัง ทัศนคตินี้คงอยู่ตลอดอาชีพการงานของ Winterhalter และทำให้งานของเขาแตกต่างออกไปในลำดับชั้นของการวาดภาพ

วินเทอร์ฮอลเตอร์เองมองว่าคำสั่งของรัฐบาลชุดแรกของเขาเป็นเวทีชั่วคราวก่อนจะกลับไปทาสีวัตถุและฟื้นฟูอำนาจทางวิชาการ เขาตกเป็นเหยื่อของความสำเร็จของตัวเอง และเพื่อความสบายใจของเขาเอง เขาจึงต้องทำงานเฉพาะในประเภทภาพเหมือนเท่านั้น นี่เป็นพื้นที่ที่เขาไม่เพียง แต่เป็นนักเลงและประสบความสำเร็จเท่านั้น แต่ยังร่ำรวยอีกด้วย
แต่ Winterhalter ได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติและการอุปถัมภ์ของราชวงศ์

สมเด็จพระราชินีวิกตอเรียเป็นหนึ่งในบรรดานางแบบที่สง่างามของพระองค์ Winterhalter เสด็จเยือนอังกฤษครั้งแรกในปี พ.ศ. 2385 และกลับมาที่นั่นหลายครั้งเพื่อวาดภาพเหมือนของวิกตอเรีย เจ้าชายอัลเบิร์ต และครอบครัวที่กำลังเติบโตของพวกเขา สร้างผลงานทั้งหมดประมาณ 120 ชิ้นสำหรับพวกเขา ภาพวาดส่วนใหญ่อยู่ใน Royal Collection ซึ่งเปิดให้จัดแสดงที่พระราชวังบักกิงแฮมและพิพิธภัณฑ์อื่นๆ

Winterhalter ยังวาดภาพตัวแทนของขุนนางอังกฤษหลายคนซึ่งส่วนใหญ่เป็นส่วนหนึ่งของวงศาล

การล่มสลายของ Louis Philippe ในปี 1848 ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อชื่อเสียงของศิลปิน Winterhalter ย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์และทำงานตามคำสั่งในเบลเยียมและอังกฤษ
ปารีสยังคงเป็นบ้านเกิดของศิลปิน: การหยุดรับคำสั่งให้วาดภาพเหมือนในฝรั่งเศสทำให้เขากลับไปวาดภาพตามธีมและหันไปหาตำนานของสเปน

นี่คือลักษณะที่ปรากฏของภาพวาด Florinda (1852, Metropolitan Museum, New York) ซึ่งเป็นการเฉลิมฉลองความงามของผู้หญิงอย่างสนุกสนาน
ในปีเดียวกันนั้นเอง เขาขอแต่งงานกับเขา แต่ถูกปฏิเสธ; Winterhalter ยังคงเป็นปริญญาตรีที่อุทิศให้กับงานของเขา

หลังจากการขึ้นครองบัลลังก์ของนโปเลียนที่ 3 ความนิยมของศิลปินก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด นับจากนั้นเป็นต้นมา Winterhalter ก็กลายเป็นจิตรกรวาดภาพหลักของราชวงศ์และราชสำนักฝรั่งเศส

จักรพรรดินียูจีนีหญิงชาวฝรั่งเศสผู้งดงามกลายเป็นนางแบบที่เขาโปรดปรานและปฏิบัติต่อศิลปินอย่างดีเยี่ยม

ในปี พ.ศ. 2398 วินเทอร์ฮอลเตอร์วาดภาพผลงานชิ้นเอกของเขาว่า "จักรพรรดินียูจีนีรายล้อมด้วยเหล่าสาวใช้แห่งเกียรติยศ" ซึ่งเขาวาดภาพพระนางในชนบท รวบรวมดอกไม้กับสาวใช้ผู้มีเกียรติ ภาพวาดดังกล่าวได้รับการตอบรับอย่างดีจัดแสดงให้สาธารณชนได้ชมและจนถึงทุกวันนี้อาจเป็นงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของอาจารย์

ในปี ค.ศ. 1852 เขาเดินทางไปสเปนเพื่อเขียนจดหมายถึงสมเด็จพระราชินีอิซาเบลลาที่ 2 ซึ่งทำงานให้กับราชวงศ์โปรตุเกส ตัวแทนของขุนนางรัสเซียที่มาปารีสก็มีความสุขที่ได้รับภาพเหมือนของพวกเขาจากปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง
ในฐานะศิลปินของราชวงศ์ Winterhalter เป็นที่ต้องการของราชสำนักของสหราชอาณาจักรอย่างต่อเนื่อง (ตั้งแต่ปี 1841) สเปน เบลเยียม รัสเซีย เม็กซิโก เยอรมนี และฝรั่งเศส

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 จิตรกรรมเป็นเลิศในศิลปะของยุโรปตะวันตก ตัวแทนของ neoclassicism คือ Jacques-Louis David (1748-1825) ภาพวาด "คำสาบานของ Horatii" (1784) ตามคำสั่งของรัฐทำให้เขามีชื่อเสียง หลังการปฏิวัติ เดวิดได้รับเลือกเป็นสมาชิกของอนุสัญญา และจากนั้นก็มีส่วนร่วมในการเมืองปฏิวัติในสาขาศิลปะ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของยุคปฏิวัติ The Death of Marat (1793) เป็นของพู่กันของ David ฌอง ปอล มารัตเป็นหนึ่งในผู้นำรัฐประหารจาโคบิน เขาถูกชาร์ล็อตต์ คอร์เดย์ ฆ่า ในภาพ เดวิดแสดงภาพมารัตที่ถูกสังหาร เดวิดประทับใจกับการเสียชีวิตอันน่าสลดใจของมารัตที่เขาวาดภาพเสร็จภายในสามเดือน และมันถูกแขวนไว้เป็นอันดับแรกในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ที่ซึ่งผู้คนหลายพันคนเดินผ่านไปมา และจากนั้นก็อยู่ในห้องประชุมของการประชุม

ในรัชสมัยของนโปเลียน ดาวิดปฏิบัติตามคำสั่งศาล นโปเลียนเลือกเดวิดเป็นจิตรกรคนแรก โดยคาดเดาองค์ประกอบการโฆษณาชวนเชื่อของพรสวรรค์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ ภาพเหมือนของนโปเลียนของ David ยกย่องจักรพรรดิในฐานะวีรบุรุษของชาติคนใหม่ (Bonaparte's Crossing the Saint-Bernard Pass, Portrait of Napoleon) ความสมบูรณ์แบบโดดเด่นด้วยภาพเหมือนอันน่าทึ่งของมาดามเรคามิเย่ ซึ่งเป็นเครื่องยืนยันถึงความมุ่งมั่นของผู้เขียนที่มีต่อความคลาสสิก

นักเรียนของ David คือ Antoine Gros (1771-135) ในภาพวาด "นโปเลียนบนสะพาน Arkolsky" ศิลปินจับภาพช่วงเวลาที่กล้าหาญที่สุดช่วงหนึ่งในชีวิตของจักรพรรดิในอนาคต นายพลโบนาปาร์ตหนุ่มนำการโจมตีเป็นการส่วนตัว หยิบธงที่ร่วงหล่น และการต่อสู้ก็ชนะ Gro สร้างชุดภาพวาดเกี่ยวกับจักรพรรดิทั้งชุด ยกย่องความกล้าหาญ ความสูงส่ง และความเมตตา (เช่น "โบนาปาร์ตมาเยือนกาฬโรคในจาฟฟา")

ผู้ยึดมั่นในอุดมคติแบบคลาสสิกคือ Jean Opost Dominique Ingres (1780-1867) ในฐานะศิลปิน เขาทำงานให้กับบุคคลทั่วไปเป็นอย่างมาก แต่ยังดำเนินการตามคำสั่งของรัฐบาลด้วย Ingres ศึกษากับ David และตลอดชีวิตของเขายังคงเป็นแชมป์แห่งความคลาสสิค ในผลงานของเขา Ingres ประสบความสำเร็จในระดับสูงและการโน้มน้าวใจทางศิลปะซึ่งรวบรวมแนวคิดเกี่ยวกับความงามอย่างลึกซึ้ง

ศิลปิน Théodore Gericault (1791-1824) เป็นปรมาจารย์ที่มีชื่อเกี่ยวข้องกับความสำเร็จอันยอดเยี่ยมครั้งแรกของแนวโรแมนติกในฝรั่งเศส ในผืนผ้าใบยุคแรกของเขา (ภาพเหมือนของทหาร, ภาพม้า), อุดมคติแบบโบราณได้ลดลง, สไตล์เฉพาะตัวที่ลึกซึ้งพัฒนาขึ้น ภาพวาดของ Gericault "The Raft of Medusa" ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของศิลปินร่วมสมัยในฝรั่งเศส คนที่หนีจากเรืออับปางประสบทั้งความหวังและความสิ้นหวัง ภาพนี้ไม่เพียงแต่บอกเล่าถึงความพยายามครั้งสุดท้ายของผู้ประสบภัย แต่ยังกลายเป็นสัญลักษณ์ของฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ซึ่งผ่านจากความสิ้นหวังไปสู่ความหวัง

Eugene Delacroix (1798-1863) กลายเป็นหัวหน้าแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสในการวาดภาพ ศิลปินสร้างภาพจำนวนมาก: ฉากจากนรกของดันเต้ วีรบุรุษแห่งผลงานของไบรอน เช็คสเปียร์และเกอเธ่ การต่อสู้ของชาวกรีกเพื่อต่อต้านการปกครองของตุรกี ซึ่งทำให้ทั้งยุโรปตื่นเต้น ในปี ค.ศ. 1830 เหตุการณ์ทางการเมืองหลักคือการปฏิวัติเดือนกรกฎาคม ซึ่งจบลงด้วยความพ่ายแพ้และการฟื้นฟูสถาบันพระมหากษัตริย์ในฝรั่งเศส Delacroix ในปี 1830 วาดภาพ "Liberty Leading the People (28 กรกฎาคม 1830)" ผู้หญิงที่ยกธงไตรรงค์ของสาธารณรัฐฝรั่งเศสแสดงถึงอิสรภาพ เสรีภาพนำกลุ่มกบฏขณะที่พวกเขาปีนรั้วกั้น เรื่องราวของการต่อสู้ตามท้องถนนกลายเป็นภาพมหากาพย์ และภาพลักษณ์ของ Freedom on the barricades กลายเป็นตัวตนของการต่อสู้ ชาวฝรั่งเศสหลายชั่วอายุคน ภาพวาดของเดลาครัวซ์ได้กลายเป็นอนุสรณ์แห่งความกล้าหาญของประชาชน ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของสาธารณรัฐ

ในเยอรมนีตัวแทนของแนวโรแมนติกคือ Caspar David Friedrich (1774-1840) ภาพวาดธรรมชาติของเขาได้แนะนำทิศทางที่โรแมนติกแก่สาธารณชนชาวเยอรมันเป็นครั้งแรก หัวข้อหลักในงานของเขาคือหัวข้อของการสูญเสียมนุษย์ที่น่าเศร้าในโลก ยอดเขา ท้องทะเลอันกว้างใหญ่ และต้นไม้แปลกประหลาดเป็นแรงจูงใจบ่อยครั้งในภูมิประเทศของเขา ตัวละครที่คงเส้นคงวาในผลงานของเขาคือภาพโรแมนติกของคนเร่ร่อน ผู้ใคร่ครวญธรรมชาติในความฝัน ผลงานของ Caspar David Friedrich ได้รับการชื่นชมอย่างแท้จริงในศตวรรษที่ 20 เท่านั้น

ในยุโรปในศตวรรษที่ XIX ชีวิตศิลปะส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการเกิดขึ้นของกลุ่มศิลปินซึ่งมีมุมมองเกี่ยวกับศิลปะใกล้เคียงกันมาก ในเยอรมนี ชาวนาซารีนซึ่งเลียนแบบจิตรกรชาวเยอรมันและอิตาลีในศตวรรษที่ 18 ได้เข้าขัดแย้งกับพวกนีโอคลาสสิก และหันมานับถือศาสนาคริสต์และนับถือศาสนาคริสต์ ธีมหลักของภาพวาดของบีเดอร์-ไมเออร์ (รูปแบบพิเศษในศิลปะของเยอรมนีและออสเตรีย) คือชีวิตประจำวันของบุคคล ซึ่งเชื่อมโยงกับบ้านและครอบครัวของเขาอย่างแยกไม่ออก ความสนใจของ Biedermeier ไม่ใช่ในอดีต แต่ในปัจจุบันไม่ใช่สิ่งที่ยิ่งใหญ่ แต่ในส่วนเล็ก ๆ มีส่วนทำให้เกิดแนวโน้มการวาดภาพที่สมจริง

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX หลักการสำคัญของศิลปะคือความสมจริง จิตรกรชาวฝรั่งเศส Camille Corot (1796-1875) เลือกประเภทภูมิทัศน์ที่ไม่เป็นที่รู้จักในวงการวิชาการ Koro ได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากสภาวะเปลี่ยนผ่านของธรรมชาติ ซึ่งทำให้สามารถละลายร่างและต้นไม้ในหมอกควันในอากาศได้

กลุ่มศิลปินที่ตั้งรกรากอยู่ในหมู่บ้าน Barbizon ทำให้ชื่อนี้เป็นอมตะในประวัติศาสตร์การวาดภาพ จิตรกรของโรงเรียน Barbizon กำลังมองหาวิชาง่ายๆ มักจะหันไปใช้ภูมิทัศน์และพัฒนาลักษณะพิเศษของภาพ ฟรีและโคลงสั้น ๆ พวกเขาวาดธรรมชาติอย่างเรียบง่าย แต่พวกเขาทำได้โดยถ่ายทอดการเปลี่ยนสีที่ละเอียดอ่อนซึ่งแสดงถึงการเล่นของแสงและอากาศ ในภาพวาดของบาร์บิซอน นักวิจารณ์ศิลปะมองว่าหนึ่งในแหล่งที่มาของอิมเพรสชั่นนิสม์ในอนาคต เนื่องจากชาวบาร์บิซอนพยายามถ่ายทอดความประทับใจที่สดใสของธรรมชาติ

ภาพวาดโดย Jean Francois Millet (1814-1875) และ Gustave Courbet (1819-1877) สามารถนำมาประกอบกับลัทธินิยมนิยมได้เช่นกัน งานของ Millet ได้รับอิทธิพลจากชาว Barbizon (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในบั้นปลายชีวิตของเขาเขาถูกครอบงำด้วยภูมิประเทศ) ธีมหลักของงานของเขาคือชีวิตชาวนาและธรรมชาติ ในภาพวาดของศิลปิน เราเห็นตัวละครที่เคยถูกมองว่าไม่คู่ควรกับพู่กันของจิตรกร นั่นคือ ชาวนาที่เหนื่อยล้า เหนื่อยกับการทำงานหนัก ขอทาน และถ่อมตน Millet พัฒนาธีมทางสังคมในรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิง ซึ่งพบความต่อเนื่องใน Gustave Courbet Courbet แสดงความเข้าใจในบทบาทของศิลปะในคำพูดต่อไปนี้:

“เพื่อให้สามารถแสดงออกถึงขนบธรรมเนียม ภาพลักษณ์ของยุคสมัยตามการประเมินของข้าพเจ้า ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นบุคคลหนึ่งในการสร้างสรรค์งานศิลปะที่มีชีวิต นั่นคืองานของฉัน” ตำแหน่งของ Courbet ในฐานะนักสู้สำหรับงานศิลปะใหม่ทำให้เขามีส่วนร่วมในเหตุการณ์ Paris Commune

ความเป็นธรรมชาติในฐานะรูปแบบการวาดภาพสะท้อนให้เห็นในผลงานของจิตรกรชาวเยอรมัน เช่น Adolf von Menzel (1815-1905) และ Wilhelm Leibl (1844-1900) ศิลปินมีความสนใจในภาพลักษณ์ของชีวิตประจำวัน เป็นครั้งแรกที่หัวข้ออุตสาหกรรมและธีมงานของชาวนาและวิถีชีวิตของพวกเขาฟังในงานของพวกเขา

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในศิลปะของอังกฤษ แนวโน้มของทั้งนีโอคลาสซิซิสซึ่มและแนวโรแมนติกก็สะท้อนออกมา

William Bleick (1757-1827) ไม่เพียง แต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นกวีอีกด้วย เขาทำงานในเทคนิคอุบาทว์และสีน้ำเขียนฉากจากพระคัมภีร์จากงานวรรณกรรมเช่นเช็คสเปียร์สร้างภาพประกอบสำหรับดันเต้ ในประวัติศาสตร์ศิลปะอังกฤษ ผลงานของเบลคมีความโดดเด่น ศิลปินเสียชีวิตด้วยความยากจนการรับรู้มาหาเขาในศตวรรษที่ XX เท่านั้น

จิตรกรภูมิทัศน์ชาวอังกฤษได้เปิดหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์การวาดภาพ John Constable (1776-1837) วาดภาพสเก็ตช์ด้วยน้ำมันซึ่งแสดงถึงสถานที่ที่คุ้นเคยกับเขาตั้งแต่วัยเด็ก ในความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความสดชื่นของความประทับใจตามธรรมชาติ เขาได้ละทิ้งรายละเอียดที่เขียนไว้อย่างรอบคอบ ผลงานของตำรวจมีชื่อเสียงในฝรั่งเศส มีอิทธิพลต่อการพัฒนาภาพวาดของฝรั่งเศส ความกระตือรือร้นของพวกเขารอดชีวิตจาก Theodore Gericault

ทิวทัศน์ของวิลเลียม เทิร์นเนอร์ (พ.ศ. 2318-2494) มีอารมณ์โรแมนติก ศิลปินชอบวาดภาพพายุในทะเล ฝนโปรยปราย และพายุฝนฟ้าคะนอง เขาทำงานทั้งสีน้ำและน้ำมัน

ตำแหน่งที่โดดเด่นในการวาดภาพในอังกฤษยังคงเป็นโรงเรียนวิชาการ ผลงานของสมาชิกของ Royal Academy of Arts ซึ่งแสดงในลักษณะดั้งเดิมนั้นได้รับความนิยมจากสาธารณชน อย่างไรก็ตาม ในอังกฤษ มีการก่อตั้งสมาคมศิลปินขึ้น เรียกว่า "ภราดรภาพแห่งกลุ่มพรีราฟาเอล" พวกเขาถูกดึงดูดโดยจิตวิญญาณทางศาสนาของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศิลปินที่ทำงานก่อนราฟาเอล) ในงานของพวกเขา ชาวพรีราฟาเอลแสดงแนวโรแมนติกต่อยุคอื่น ๆ (ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงหลงใหลในยุคกลาง) งานของ Pre-Raphaelites ได้รับการสนับสนุนโดย John Ruskin (1819-1900) นักเขียนและนักวิจารณ์ศิลปะที่กลายมาเป็นผู้แต่งหนังสือ Modern Painters ชาวพรีราฟาเอลหันไปใช้วิชาในพันธสัญญาใหม่ วาดภาพจากธรรมชาติมากมาย และเปลี่ยนเทคนิคการวาดภาพแบบดั้งเดิม: ภาพบนผืนผ้าใบของพวกเขาโดดเด่นด้วยโทนสีที่สดใสและสดใหม่

ในบรรดาจิตรกรในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX Edouard Manet (1832-1883) โดดเด่นด้วยความสามารถอันยอดเยี่ยมของเขา ธีมทางประวัติศาสตร์คุ้นเคยกับเขา แต่ไม่ได้ทำให้ศิลปินหลงใหลเขาเริ่มพรรณนาถึงชีวิตชาวปารีสหลายด้าน วิจารณ์อย่างเป็นทางการไม่ยอมรับศิลปินภาพวาดที่เป็นนวัตกรรมของเขาถูกประณามประท้วงยั่วยุ นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Manet "Breakfast on the Grass" และ "Olympia" ต่อสาธารณชนดูเหมือนท้าทายต่อภาพลักษณ์ของร่างกายผู้หญิงเปลือยเปล่า และที่สำคัญที่สุดคือลักษณะของผู้เขียนที่พยายามถ่ายทอดความสมบูรณ์ของแสงแดด ปารีสกลายเป็นแรงบันดาลใจให้กับงานของ Manet อย่างต่อเนื่อง ไม่ว่าจะเป็นฝูงชนในเมือง ร้านกาแฟและโรงละคร ถนนในเมืองหลวง งานของ Manet คาดว่าจะมีทิศทางใหม่ในการวาดภาพ - อิมเพรสชั่นนิสม์,แต่ตัวศิลปินเองไม่ได้เข้าร่วมขบวนการนี้แม้ว่าเขาจะเปลี่ยนรูปแบบการสร้างสรรค์ของเขาบ้างภายใต้อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ ในตอนท้ายของชีวิตของ Manet เขาได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางและได้รับรางวัล Order of the Legion of Honor

การประชุมเชิงปฏิบัติการของ Edouard Manet ซึ่งครั้งหนึ่งได้กลายเป็นศูนย์กลางของชีวิตศิลปะได้รวมกลุ่มศิลปินทั้งหมดเข้าด้วยกันซึ่งประทับใจกับการค้นพบอันงดงามของเจ้าของ คณะลูกขุน Salon ปฏิเสธภาพวาดของพวกเขาเช่น Manet พวกเขาถูกจัดแสดงเป็นการส่วนตัวในสิ่งที่เรียกว่า "ร้านเสริมสวยของผู้ถูกขับไล่" (นั่นคือจิตรกรที่ถูกปฏิเสธนิทรรศการโดยคณะลูกขุนของซาลอนอย่างเป็นทางการ) นิทรรศการซึ่งจัดขึ้นในสถานที่ของสตูดิโอถ่ายภาพในปี 1874 นำเสนอโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดโดย Claude Monet "Impression พระอาทิตย์ขึ้น". ตามชื่อนี้ นักวิจารณ์คนหนึ่งเรียกผู้เข้าร่วมว่าอิมเพรสชันนิสต์ (impression ในภาษาฝรั่งเศส "impression") นี่คือชื่อของทิศทางศิลปะในช่วงสามศตวรรษที่ 19 ที่เกิดจากชื่อเล่นแดกดัน ศิลปินเช่น Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Opost Renoir (1841-1919), Alfred Smelei (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) ตามเนื้อผ้าเป็นของ Impressionists

เช่นเดียวกับชาวบาร์บิโซเนียน อิมเพรสชันนิสต์วาดภาพธรรมชาติ และพวกเขายังเป็นคนแรกที่พรรณนาถึงชีวิตในเมืองที่เต็มไปด้วยพลัง ชาวบาร์บิโซเนียนวาดภาพของพวกเขาในสตูดิโอ ขณะที่อิมเพรสชันนิสต์ออกไปในที่โล่ง "ในที่โล่ง" พวกเขาสังเกตเห็นว่าภูมิทัศน์เดียวกันเปลี่ยนแปลงไปตามสภาพแสงที่แตกต่างกันในสภาพอากาศที่มีแดดจัดและมีเมฆมาก เวลาพระอาทิตย์ขึ้นและพระอาทิตย์ตก พวกเขาพยายามรักษาความสดของความประทับใจในทันทีในภาพวาด พวกเขาวาดภาพอย่างรวดเร็ว ละทิ้งสีผสม และใช้สีสดใสบริสุทธิ์ โดยแยกเป็นลายเส้น

นี่คือที่มาของทิศทางศิลปะใหม่ การเกิดขึ้นของมันได้รับอิทธิพลไม่เพียง แต่จากความสำเร็จของศิลปินชาวยุโรปคนก่อน ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการประดิษฐ์ภาพถ่าย (ไม่จำเป็นต้องมีการเลียนแบบชีวิตดั้งเดิม) ความคุ้นเคยกับศิลปะตะวันออก (แม่พิมพ์ไม้ญี่ปุ่นที่มีความต่อเนื่อง มุมมองที่ผิดปกติ สีสันที่กลมกลืนกันกลายเป็น ที่มาของเทคนิคทางศิลปะใหม่ๆ)

อิมเพรสชั่นนิสม์ไม่ได้เป็นเพียงอีกทิศทางหนึ่งในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังพบพัฒนาการในด้านประติมากรรม ดนตรี และวรรณกรรมอีกด้วย อิมเพรสชันนิสม์กลายเป็นการปฏิวัติในการรับรู้ของโลก: อัตวิสัยของการรับรู้ของมนุษย์ถูกค้นพบและแสดงให้เห็นอย่างเปิดเผย ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX และในศตวรรษที่ XX มันเป็นกระแสศิลปะที่แสดงถึงการรับรู้ของโลกของศิลปินในรูปแบบต่าง ๆ ที่มักจะไม่คาดคิดซึ่งจะกลายเป็นศิลปะร่วมสมัยอย่างแท้จริง อิมเพรสชันนิสต์ค้นพบสัมพัทธภาพของการรับรู้ของมนุษย์ อัตวิสัยของมัน อีกไม่นานในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ "ทฤษฎีสัมพัทธภาพ" แบบเดียวกันจะถูกค้นพบโดยฟิสิกส์เชิงทฤษฎี ศิลปะเผยให้เห็นความสามารถในการคาดการณ์และแสดงแนวโน้มของเวลาและการเปลี่ยนแปลงในจิตสำนึกของสังคมด้วยวิธีที่ไม่เหมือนใคร

เป็นเวลา 12 ปีที่ Impressionists ได้จัดนิทรรศการแปดครั้ง ภูมิทัศน์ชนบทและในเมือง ภาพบุคคล ฉากในชีวิตประจำวัน - พวกเขาได้ค้นพบงานศิลปะอย่างแท้จริงในการวาดภาพทุกประเภท ผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ประกอบด้วยทิศทางศิลปะที่เป็นนวัตกรรมซึ่งศิลปินได้รับความสำเร็จที่ดีที่สุดของกันและกัน

การค้นพบของอิมเพรสชันนิสต์เป็นพื้นฐานสำหรับศิลปินรุ่นต่อไป ตัวแทน นีโออิมเพรสชันนิสม์กลายเป็น Georges Seurat (1859-1891) และ Paul Signac (1863-1935) Neo-Impressionists เปลี่ยนรูปแบบการวาดภาพในงานศิลปะของพวกเขามีความฉลาดมากขึ้น

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 ศิลปินชาวฝรั่งเศสสี่คน: Paul Cezanne (1839-1906), Vincent Van Gogh (1853-1890), Paul Gauguin (1848-1903) และ Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) โดยไม่มีเป็นทางการ เข้าร่วมกลุ่ม แต่สร้างทิศทางใหม่ - โพสต์อิมเพรสชันนิสม์(จาก Lat. "โพสต์" - "หลัง") Post-Impressionists อยู่ใกล้กับ Impressionists ด้วยความผิดหวังในสังคมร่วมสมัยของพวกเขา ศิลปินหันไปวาดภาพธรรมชาติ แต่ไม่ได้พยายามจับภาพรัฐในทันทีอีกต่อไปเหมือนที่อิมเพรสชั่นนิสต์ทำ แต่เพื่อเรียนรู้แก่นแท้ของสิ่งต่าง ๆ ที่ซ่อนอยู่ภายใต้รูปลักษณ์ของพวกเขา ในภาพนิ่งและภาพบุคคล Cezanne มองหารูปทรงเรขาคณิตที่มั่นคง ผืนผ้าใบของแวนโก๊ะสื่อถึงอารมณ์ของศิลปินด้วยความหมายและโทนสีที่ผิดปกติ Gauguin พรรณนาถึงชีวิตของชาวตาฮิติในอุดมคติโดยจินตนาการของเขา ชีวิตที่ไม่มีใครแตะต้องโดยอารยธรรม ถ่ายทอดธรรมชาติที่แปลกใหม่ด้วยการผสมสีที่น่าอัศจรรย์ ในโปสเตอร์และภาพพิมพ์ของ Toulouse-Lautrec ชีวิตของโบฮีเมียในปารีสปรากฏขึ้นต่อหน้าเรา ผลงานของ Post-Impressionists เป็นจุดเริ่มต้นของการค้นหาศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 Fauvism, Cubism, Expressionism เกิดขึ้นในงานของ Impressionists

ในการวาดภาพและกราฟิก สัญลักษณ์และความทันสมัยได้แสดงออกในผลงานของศิลปินยุโรปทั้งกลุ่ม

Aubrey Beardsley (1872-1898) อาศัยอยู่เพียงยี่สิบห้าปี แต่งานของเขามีผลกระทบอย่างมากต่อการก่อตัวของสไตล์อาร์ตนูโว เขาเป็นที่รู้จักในฐานะนักวาดภาพประกอบหนังสือเป็นหลัก กราฟิกดูมีสไตล์และซับซ้อน พร้อมการปรับแต่งการเคลื่อนไหวที่แปลกใหม่ที่ยืดหยุ่น วรรณกรรมเป็นแรงบันดาลใจหลักสำหรับศิลปิน งานของ Beardsley ได้รวบรวมแนวคิดและหลักการต่างๆ ของความทันสมัยไว้มากมาย โดยทั่วไปแล้ว ความทันสมัยมีลักษณะเฉพาะโดยการแสดงด้นสดในหัวข้อจากยุคและรูปแบบที่แตกต่างกัน ซึ่งเป็นการผสมผสานที่แปลกประหลาดระหว่างความชั่วร้ายและจิตวิญญาณ

ศิลปินชาวฝรั่งเศส ปิแอร์ ปูวิส เด ชาวานเนส (ค.ศ. 1824-1898) สามารถเปลี่ยนโครงเรื่องที่เรียบง่ายและไม่อวดดีให้กลายเป็นองค์ประกอบเชิงสัญลักษณ์ได้ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากภาพโบราณโดยใช้พวกเขาในแผง ผลงานของเขาคือความเก๋ไก๋ในสมัยโบราณ ซึ่งเป็นการตีความของสมัยโบราณโดยชายคนหนึ่งในปลายศตวรรษที่ 19

จิตรกรชาวฝรั่งเศส Gustave Moreau (1826-1898) มีความเกี่ยวข้องกับสัญลักษณ์ เขาพยายามทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยความมหัศจรรย์ของโครงเรื่องและความงามที่สดใสของสีและรูปแบบสีที่แสดงออกและอารมณ์ที่รุนแรง

อิมเพรสชั่นนิสม์ สัญลักษณ์ ความทันสมัย

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีแนวโน้มปรากฏในศิลปะตะวันตก ซึ่งภายหลังจะเรียกว่า "สมัยใหม่" ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 60 ถือได้ว่าเป็นเทรนด์แรก แนวโน้มนี้ยังไม่ทันสมัยอย่างสมบูรณ์ มันละทิ้งความสมจริงและเคลื่อนห่างออกไปเรื่อยๆ โดยไม่ทำลายมันทั้งหมด อิมเพรสชั่นนิสม์ยังไม่ใช่ความทันสมัย แต่มันไม่สมจริงอีกต่อไป อาจถือได้ว่าเป็นจุดเริ่มต้นของความทันสมัยเนื่องจากคุณสมบัติหลักมีอยู่แล้วในนั้น

ประการแรกเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนในการเน้นจากวัตถุหนึ่งไปอีกวัตถุหนึ่ง จากความเที่ยงธรรมและความจริงไปจนถึงความรู้สึกส่วนตัว ในลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ สิ่งสำคัญไม่ใช่วัตถุที่ปรากฎ แต่เป็นการรับรู้ ความประทับใจที่กระตุ้นในตัวศิลปิน ความเที่ยงตรงต่อวัตถุทำให้เกิดความเที่ยงตรงต่อการรับรู้ ความเที่ยงตรงต่อความประทับใจชั่วขณะหนึ่ง หลักการของ "ความไม่ซื่อสัตย์ต่อวัตถุ" จะกลายเป็นหนึ่งในหลักการพื้นฐานของสุนทรียศาสตร์สมัยใหม่ กลายเป็นหลักการของการผิดรูปอย่างมีสติ การบิดเบือนและการสลายตัวของวัตถุ หลักการของการปฏิเสธวัตถุ ความเที่ยงธรรม และอุปมาอุปไมย ศิลปะกลายเป็นศิลปะการแสดงตัวตนของศิลปินมากขึ้นเรื่อยๆ

สัญญาณที่สองประกอบด้วยความสนใจเป็นพิเศษในการทดลอง การค้นหาวิธีการแสดงเพิ่มเติม เทคนิคทางเทคนิคและศิลปะ ในเรื่องนี้ จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์ทำตามตัวอย่างของนักวิทยาศาสตร์ พวกเขามีส่วนร่วมอย่างกระตือรือร้นในการสลายตัวของโทนสีการเล่นของการสะท้อนสีและการผสมสีที่ผิดปกติ พวกเขาชอบความลื่นไหล การเปลี่ยนแปลง ความคล่องตัว พวกเขาไม่ทนต่อสิ่งที่แช่แข็งและคงที่ กระบวนการปฏิสัมพันธ์ของวัตถุกับบรรยากาศ อากาศ แสง หมอก หมอกควัน และแสงแดด เป็นที่สนใจของนักประพันธ์อิมเพรสชันนิสต์ ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงมีความก้าวหน้าอย่างมากในด้านสีและรูปร่าง

ในอิมเพรสชันนิสม์ ความหลงใหลในการทดลอง การค้นหาเทคนิคใหม่ๆ การแสวงหาความแปลกใหม่และความคิดริเริ่มยังไม่สิ้นสุดในตัวเอง อย่างไรก็ตาม กระแสความทันสมัยที่ตามมาจำนวนมากได้มาถึงสิ่งนี้ ซึ่งเป็นผลมาจากการที่ศิลปินปฏิเสธจากผลลัพธ์สุดท้าย จากงานศิลปะ เข้าใจว่าเป็นสิ่งที่เสร็จสิ้นและสมบูรณ์

คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของอิมเพรสชั่นนิสม์ ซึ่งส่วนหนึ่งเป็นผลที่ตามมาและความต่อเนื่องโดยตรงของสิ่งที่กล่าวไปแล้วนั้น เกี่ยวข้องกับการออกจากประเด็นทางสังคม ชีวิตจริงมีอยู่ในผลงานของอิมเพรสชันนิสต์ แต่ปรากฏในรูปแบบของการแสดงภาพ การจ้องมองของศิลปินดูเหมือนจะเหินไปบนพื้นผิวของปรากฏการณ์ทางสังคม โดยเน้นไปที่ความรู้สึกเกี่ยวกับสีเป็นหลัก ไม่จมปลักอยู่กับมัน และไม่พรวดพราดเข้าไป ในกระแสความทันสมัยที่ตามมา แนวโน้มนี้ทวีความรุนแรงขึ้น ทำให้เป็นสังคมและแม้กระทั่งต่อต้านสังคม

บุคคลสำคัญของอิมเพรสชั่นนิสม์คือ C. Monet "(1840-1926), C. Pissaro (1830-1903), O. Renoir (1841-1919)

อิมเพรสชั่นนิสม์ที่สมบูรณ์ที่สุดคืองานของโมเนต์ หัวข้อโปรดในผลงานของเขาคือภูมิทัศน์ - ทุ่งนา ป่าไม้ แม่น้ำ สระน้ำรก เขาให้คำจำกัดความความเข้าใจเกี่ยวกับภูมิทัศน์ดังนี้: "ภูมิทัศน์คือความประทับใจในทันที" จากภาพวาดของเขา “พระอาทิตย์ขึ้น อิมเพรสชั่น "เป็นชื่อของเทรนด์ทั้งหมด (ในภาษาฝรั่งเศส" อิมเพรสชั่น "-" อิมเพรสชั่น ") "กองหญ้า" ที่มีชื่อเสียงทำให้เขามีชื่อเสียงมากที่สุด นอกจากนี้เขายังแสดงความชื่นชอบเป็นพิเศษต่อภาพน้ำ ด้วยเหตุนี้ เขาจึงสร้างโรงซ่อมเรือแบบพิเศษ ซึ่งช่วยให้เขาสามารถชมพฤติกรรมของน้ำ ซึ่งเป็นภาพสะท้อนของวัตถุในนั้นเป็นเวลาหลายชั่วโมง ทั้งหมดนี้ Monet ประสบความสำเร็จอย่างน่าประทับใจซึ่งทำให้ E. Manet เรียกเขาว่า "Raphael of the Water" ภาพวาด "อาสนวิหารรูออง" ก็มีความโดดเด่นไม่แพ้กัน

K. Pissarro ชอบภูมิทัศน์ในเมือง - ภาพของบ้าน, ถนน, ถนนที่เต็มไปด้วยรถม้าและการเดินเล่นในที่สาธารณะ, ชีวิตประจำวัน, ฉากต่างๆ

O. Renoir ให้ความสำคัญกับภาพนู้ดเป็นอย่างมาก โดยเฉพาะภาพผู้หญิง ตัวอย่างที่โดดเด่นของงานศิลปะภาพเหมือนของเขาคือภาพเหมือนของศิลปิน J. Samary นอกจากนี้เขายังวาดภาพ "อาบน้ำในแม่น้ำแซน", "มูแลงเดอลากาแลตต์"

ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 80 อิมเพรสชั่นนิสม์เริ่มประสบกับวิกฤตและเกิดกระแสน้ำอิสระสองกระแส - นีโออิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์

นำเสนอครั้งแรกโดยศิลปิน J. Seurat และ P. Signac โดยอาศัยความสำเร็จของศาสตร์แห่งสี พวกเขานำคุณลักษณะบางอย่างของอิมเพรสชั่นนิสม์ - การสลายตัวของโทนสีให้เป็นสีที่บริสุทธิ์และความหลงใหลในการทดลอง - มาสู่ข้อสรุปเชิงตรรกะของพวกเขา แนวโน้มนี้ไม่ได้กระตุ้นความสนใจมากนักทั้งในด้านศิลปะและสุนทรียภาพ

Post-Impressionism “ดูเหมือนจะเป็นปรากฏการณ์ที่มีประสิทธิผลและน่าสนใจมากกว่า ตัวเลขหลักคือ P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) และ P. Gauguin (1848 - 1903) ซึ่ง P. Cezanne โดดเด่น

ในงานของเขา P. Cezanne รักษาสิ่งที่สำคัญที่สุดในอิมเพรสชั่นนิสม์และในขณะเดียวกันก็สร้างงานศิลปะใหม่ซึ่งพัฒนาแนวโน้มที่จะย้ายออกจากวัตถุจากรูปลักษณ์ภายนอก ในเวลาเดียวกัน เขาสามารถเอาชนะธรรมชาติลวงตาและชั่วคราวของสิ่งที่ปรากฎ ซึ่งเป็นลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสม์ได้

การเสียสละความคล้ายคลึงภายนอกของวัตถุ P. Cezanne ที่มีพลังพิเศษถ่ายทอดคุณสมบัติและคุณสมบัติหลักของมัน ความมีสาระ ความหนาแน่นและความเข้มข้นของวัตถุ ชนิดของ "สิ่งของ" ในการสร้างผลงานต่างจากอิมเพรสชั่นนิสม์ เขาไม่เพียงใช้ประสาทสัมผัสทางภาพเท่านั้น แต่ยังใช้ประสาทสัมผัสทั้งหมดอีกด้วย ในงานของเขา เขาแสดงหลักการส่วนตัวอย่างชัดเจนและทรงพลัง ตามที่ระบุไว้โดย P. Picasso P. Cezanne เขียนตัวเองมาตลอดชีวิต

ในบรรดาผลงานของ P. Cezanne เราสามารถแยกแยะได้เช่น "Self-portrait", "Fruits", "Still life with drapery", "The Banks of the Marne", "Lady in blue" P. Cezanne มีอิทธิพลอย่างมากต่อความทันสมัยที่ตามมาทั้งหมด A. Matisse เรียกเขาว่า "ครูทั่วไป" ของศิลปินรุ่นเยาว์มากมายซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักและมีชื่อเสียง

นอกจากการวาดภาพแล้ว อิมเพรสชั่นนิสม์ยังได้แสดงให้เห็นในงานศิลปะรูปแบบอื่นอีกด้วย ในดนตรีเขาได้รับอิทธิพลจากนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส C. Debussy (1862 - 1918) ในงานประติมากรรม - โดยประติมากรชาวฝรั่งเศส A. Rodin (1840 - 1917)

ในยุค 80 แนวโน้มของสัญลักษณ์เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งถือได้ว่าเป็นสมัยใหม่อย่างสมบูรณ์ เป็นที่แพร่หลายมากที่สุดในกวีนิพนธ์และวรรณคดี สัญลักษณ์ยังคงเป็นแนวโรแมนติกและ "ศิลปะเพื่อศิลปะ" ซึ่งเต็มไปด้วยความรู้สึกผิดหวังในโลกรอบตัวเขา พยายามค้นหาความงามอันบริสุทธิ์และสุนทรียภาพอันบริสุทธิ์

ในแถลงการณ์ของพวกเขา Symbolists ประกาศตนว่าเป็นนักร้องแห่งความเสื่อมโทรม ความเสื่อมโทรม และความหายนะของโลกชนชั้นนายทุน พวกเขาต่อต้านตัวเองต่อวิทยาศาสตร์และปรัชญาเชิงบวก โดยเชื่อว่าเหตุผลและตรรกะที่มีเหตุผลไม่สามารถเจาะเข้าไปในโลกแห่ง "ความเป็นจริงที่ซ่อนอยู่" "แก่นแท้ในอุดมคติ" และ "ความงามนิรันดร์" มีเพียงศิลปะเท่านั้นที่สามารถทำได้ - ด้วยจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ สัญชาตญาณของบทกวี และความเข้าใจอันลึกลับ สัญลักษณ์แสดงลางสังหรณ์ที่น่าสลดใจของความวุ่นวายทางสังคมที่กำลังจะเกิดขึ้น ยอมรับว่าเป็นการทดสอบการชำระล้างและการจ่ายเงินเพื่ออิสรภาพทางจิตวิญญาณที่แท้จริง

บุคคลสำคัญของสัญลักษณ์ฝรั่งเศสคือกวี S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891) ประการแรกถือเป็นบรรพบุรุษของกระแส ที่สองสร้างผลงานชิ้นเอกที่ยอดเยี่ยมของเนื้อเพลง A. Rembo กลายเป็นหนึ่งในกวีที่สร้างสรรค์และยอดเยี่ยมที่สุดในฝรั่งเศส เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสของศตวรรษที่ 20

สัญลักษณ์ได้กลายเป็นที่แพร่หลายในหลายประเทศในยุโรป ในอังกฤษเขาเป็นตัวแทนของนักเขียน O. Wilde (1854 - 1900) ผู้เขียนนวนิยายชื่อดัง The Picture of Dorian Grey รวมถึงบทกวี The Ballad of Reading Prison ในออสเตรียกวี R.M. Rilke (1875 - 1926) อยู่ใกล้กับสัญลักษณ์ซึ่งแสดงออกในลักษณะพิเศษในผลงานของเขา "The Book of Images" และ "The Book of Hours" ตัวแทนที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งของ Symbolism คือนักเขียนบทละครและกวีชาวเบลเยียม M. Maeterlink (1862 - 1949) ผู้เขียน "Blue Bird" ที่มีชื่อเสียง

ศตวรรษที่ 19 มีความสำคัญพื้นฐานในประวัติศาสตร์ของตะวันตก ในเวลานี้อารยธรรมรูปแบบใหม่ได้ถูกสร้างขึ้น - อุตสาหกรรม มันขึ้นอยู่กับความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ดังนั้นหนึ่งในอุดมคติหลักของการตรัสรู้ - อุดมคติของความก้าวหน้าของเหตุผล - ได้รับเป็นศูนย์รวมที่สมบูรณ์ที่สุด

การเพิ่มขึ้นของระบอบประชาธิปไตยแบบชนชั้นนายทุนมีส่วนทำให้เสรีภาพทางการเมืองขยายตัว สำหรับอุดมคติและค่านิยมอื่น ๆ ของการตรัสรู้มนุษยนิยมการนำไปใช้นั้นประสบปัญหาและอุปสรรคอย่างร้ายแรง ดังนั้น การประเมินทั่วไปของศตวรรษที่ 19 จึงไม่คลุมเครือ

ในอีกด้านหนึ่ง มีความสำเร็จและความสำเร็จอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนของอารยธรรม ในเวลาเดียวกัน อารยธรรมอุตสาหกรรมที่เกิดขึ้นใหม่กำลังเริ่มบีบคั้นวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณมากขึ้นเรื่อยๆ

ประการแรก เรื่องนี้ส่งผลต่อศาสนา และด้านอื่นๆ ของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ เช่น ปรัชญา ศีลธรรม และศิลปะ โดยทั่วไปเราสามารถพูดได้ว่าในศตวรรษที่ 19 ในโลกตะวันตกมีแนวโน้มที่เป็นอันตรายในการลดทอนความเป็นมนุษย์ซึ่งเป็นผลมาจากระบบของการล่าอาณานิคมในปลายศตวรรษและในศตวรรษที่ 20 - สงครามโลกครั้งที่สอง

ศิลปะยุโรปปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

การก่อตัวของอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะของยุโรป อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน มันมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับชีวิตทางสังคม ความต้องการทางจิตวิญญาณและวัตถุของผู้คน ด้วยการพึ่งพาอาศัยกันของผู้คนที่เพิ่มขึ้น กระแสศิลปะและความสำเร็จทางวัฒนธรรมได้แพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว

จิตรกรรม. แนวจินตนิยมและความสมจริงแสดงออกด้วยพลังพิเศษในการวาดภาพ สัญญาณของความโรแมนติกมากมายอยู่ในผลงานของศิลปินชาวสเปน Francisco Goya (1746-1828) ด้วยพรสวรรค์และการทำงานหนัก ลูกชายของช่างฝีมือผู้น่าสงสารจึงกลายเป็นจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ งานของเขาประกอบด้วยยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ภาพเหมือนศิลปะของผู้หญิงสเปนนั้นงดงามมาก พวกเขาเขียนด้วยความรักและความชื่นชม เราอ่านความภาคภูมิใจในตนเอง ความภาคภูมิใจ และความรักในชีวิตบนใบหน้าของนางเอกโดยไม่คำนึงถึงภูมิหลังทางสังคมของพวกเขา

ไม่เคยหยุดที่จะตะลึงในความกล้าหาญที่โกยา จิตรกรในราชสำนัก วาดภาพเหมือนกลุ่มของราชวงศ์ ก่อนหน้าเราไม่ใช่ผู้ปกครองหรือผู้ชี้ขาดชะตากรรมของประเทศ แต่ค่อนข้างธรรมดา แม้แต่คนธรรมดา การหันมาสู่ความสมจริงของ Goya ยังปรากฏให้เห็นจากภาพวาดของเขา ซึ่งอุทิศให้กับการต่อสู้อย่างกล้าหาญของชาวสเปนเพื่อต่อต้านกองทัพของนโปเลียน

Charles IV และครอบครัวของเขา เอฟโกย่า. ด้านซ้าย (ในเงา) ศิลปินวาดภาพตัวเอง

บุคคลสำคัญในแนวโรแมนติกของยุโรปคือจิตรกรชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Eugene Delacroix (1798-1863) ในงานของเขา เขาใส่จินตนาการและจินตนาการเหนือสิ่งอื่นใด เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ของแนวโรแมนติกและแน่นอนของศิลปะฝรั่งเศสทั้งหมดคือภาพวาดของเขา "Freedom Leading the People" (1830) ศิลปินทำให้การปฏิวัติในปี 1830 เป็นอมตะบนผืนผ้าใบ หลังจากภาพวาดนี้ Delacroix ไม่ได้หันไปสู่ความเป็นจริงของฝรั่งเศสอีกต่อไป เขาเริ่มให้ความสนใจในหัวข้อของตะวันออกและแผนประวัติศาสตร์ที่ความโรแมนติกที่ดื้อรั้นสามารถปลดปล่อยจินตนาการและจินตนาการของเขาได้ฟรี

จิตรกรแนวความจริงที่สำคัญ ได้แก่ Gustave Courbet ชาวฝรั่งเศส (1819-1877) และ Jean Millet (1814-1875) ตัวแทนของเทรนด์นี้มุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดธรรมชาติอย่างแท้จริง เน้นที่ชีวิตประจำวันและการทำงานของมนุษย์ แทนที่จะเป็นวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์และในตำนานที่มีลักษณะคลาสสิกและความโรแมนติก คนธรรมดาก็ปรากฏตัวในงานของพวกเขา: ชนชั้นนายทุนชาวนาและคนงาน ชื่อของภาพวาดพูดสำหรับตัวเอง: "Stone Crushers", "Knitters", "Gathers of Wheat"

เจ้าหน้าที่ของนายพรานขี่ม้าของ Imperial Guard กำลังโจมตี 2355 Theodore Gericault (1791-1824) ศิลปินคนแรกของแนวโรแมนติก ภาพวาดแสดงถึงความโรแมนติกของยุคนโปเลียน

Courbet เป็นคนแรกที่ใช้แนวคิดเรื่องความสมจริง เขากำหนดวัตถุประสงค์ของงานของเขาดังนี้: "เพื่อให้สามารถถ่ายทอดขนบธรรมเนียม ความคิด การปรากฏตัวของผู้คนในยุคนั้นในการประเมินของฉัน ไม่ใช่แค่ศิลปิน แต่ยังเป็นพลเมือง เพื่อสร้างงานศิลปะที่มีชีวิต "

ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ XIX ฝรั่งเศสกลายเป็นผู้นำในการพัฒนาศิลปะยุโรป มันอยู่ในภาพวาดฝรั่งเศสที่เกิดอิมเพรสชั่นนิสม์ (จากอิมเพรสชั่น - อิมเพรสชั่นของฝรั่งเศส) เทรนด์ใหม่ได้กลายเป็นเหตุการณ์สำคัญของยุโรป จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์พยายามถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะบนผืนผ้าใบของการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องและละเอียดอ่อนในสถานะของธรรมชาติและมนุษย์

ในตู้โดยสารชั้นสาม พ.ศ. 2405 O. Daumier (1808-1879) หนึ่งในศิลปินดั้งเดิมที่สุดในยุคของเขา Balzac เปรียบเทียบเขากับ Michelangelo อย่างไรก็ตาม Daumier มีชื่อเสียงในเรื่องการ์ตูนล้อเลียนทางการเมืองของเขา "ในตู้โดยสารชั้นสาม" เป็นภาพลักษณ์ของชนชั้นแรงงานที่ไม่อยู่ในอุดมคติ

ผู้หญิงอ่านหนังสือ. ค. โคโรต์ (พ.ศ. 2339-2418) ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังมีความสนใจเป็นพิเศษในการเล่นแสงซึ่งเป็นบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสต์ ในเวลาเดียวกัน งานของเขามีตราประทับของความสมจริง

The Impressionists ปฏิวัติเทคนิคการวาดภาพ พวกเขามักจะทำงานกลางแจ้ง สีและแสงในงานของพวกเขามีบทบาทมากกว่าภาพวาด จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียง ได้แก่ ออกุสต์ เรอนัวร์, โคล้ด โมเนต์, เอ็ดการ์ เดอกาส์ อิมเพรสชั่นนิสม์มีผลกระทบอย่างมากต่อปรมาจารย์ด้านแปรง เช่น Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Paul Gauguin

ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น 2425 คลอดด์ โมเนต์ (1840-1926) มักจะวาดวัตถุเดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของวันเพื่อตรวจสอบผลกระทบของแสงที่มีต่อสีและรูปร่าง

ดอกทานตะวันในแจกัน วี. แวนโก๊ะ (1853-1890)

โบสถ์ประจำหมู่บ้าน. วี. แวนโก๊ะ

เอีย ออราน่า มาเรีย. ป. โกแกง (1848-1903) ความไม่พอใจของศิลปินต่อวิถีชีวิตแบบยุโรปทำให้เขาต้องออกจากฝรั่งเศสและอาศัยอยู่ในตาฮิติ ประเพณีศิลปะท้องถิ่น ธรรมชาติหลากสีของโลกรอบข้าง มีผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อการก่อตัวของสไตล์ศิลปะของเขา

สีชมพูและสีเขียว อี. เดกาส์ (1834-1917)

หญิงสาวกับแมนโดลิน 2453 ปาโบลปีกัสโซ (2424-2516) จิตรกรชาวสเปนที่ทำงานในฝรั่งเศส ตอนอายุสิบขวบเขาเป็นศิลปินและตอนอายุสิบหกมีการจัดนิทรรศการครั้งแรก เขาปูทางไปสู่ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมซึ่งเป็นทิศทางการปฏิวัติในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 Cubists ละทิ้งภาพของอวกาศมุมมองทางอากาศ พวกมันเปลี่ยนวัตถุและร่างมนุษย์เป็นการผสมผสานระหว่างเส้นเรขาคณิตและระนาบต่างๆ (ตรง เว้า และโค้ง) Cubists กล่าวว่าพวกเขาไม่ได้เขียนตามที่เห็น แต่ตามที่พวกเขารู้

ร่ม. โอ เรอนัวร์

เช่นเดียวกับกวีนิพนธ์ ภาพวาดในสมัยนี้เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ที่รบกวนจิตใจและคลุมเครือ ในเรื่องนี้ผลงานของศิลปินสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์ Odilon Redon (1840-1916) มีลักษณะเฉพาะมาก โลดโผนของเขาในยุค 80 การวาด "แมงมุม" - ลางร้ายของสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง แมงมุมมีใบหน้ามนุษย์ที่น่าขนลุก หนวดของมันเคลื่อนไหวก้าวร้าว ผู้ชมไม่ทิ้งความรู้สึกของหายนะที่กำลังจะเกิดขึ้น

สถาปัตยกรรม. การพัฒนาอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อสถาปัตยกรรมยุโรป ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีได้ส่งเสริมให้เกิดนวัตกรรม ในศตวรรษที่ XIX อาคารขนาดใหญ่ของรัฐและความสำคัญสาธารณะถูกสร้างขึ้นเร็วกว่ามาก ตั้งแต่นั้นมา มีการใช้วัสดุใหม่ ๆ ในการก่อสร้าง โดยเฉพาะเหล็กและเหล็กกล้า ด้วยการพัฒนาการผลิตในโรงงาน การขนส่งทางรถไฟ และเมืองใหญ่ โครงสร้างรูปแบบใหม่จึงปรากฏขึ้น - สถานีรถไฟ สะพานเหล็ก ธนาคาร ร้านค้าขนาดใหญ่ อาคารนิทรรศการ โรงละครใหม่ พิพิธภัณฑ์ ห้องสมุด

สถาปัตยกรรมในศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยรูปแบบที่หลากหลาย ความยิ่งใหญ่ และจุดประสงค์ในการใช้งานจริง

หน้าอาคาร Paris Opera สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2404-2410 แสดงออกถึงทิศทางที่ผสมผสานซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาโรก

ตลอดศตวรรษ สไตล์นีโอคลาสสิกเป็นที่แพร่หลายมากที่สุด อาคารบริติชมิวเซียมในลอนดอนซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2366-2390 แสดงให้เห็นภาพสถาปัตยกรรมโบราณ (คลาสสิก) จนถึงปี 60 แฟชั่นคือสิ่งที่เรียกว่า "สไตล์ประวัติศาสตร์" ซึ่งแสดงออกด้วยการเลียนแบบสถาปัตยกรรมของยุคกลางที่โรแมนติก ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX มีการหวนคืนสู่แบบโกธิกในการก่อสร้างโบสถ์และอาคารสาธารณะ (นีโอ-กอธิค เช่น นิวโกธิก) ตัวอย่างเช่น สภาผู้แทนราษฎรในลอนดอน ทิศทางใหม่ของอาร์ตนูโว (ศิลปะใหม่) ตรงกันข้ามกับนีโอกอธิค โดดเด่นด้วยโครงร่างที่คดเคี้ยวของอาคาร ห้อง รายละเอียดภายในที่คดเคี้ยว ในตอนต้นของศตวรรษที่ XX ทิศทางอื่นเกิดขึ้น - ความทันสมัย สไตล์อาร์ตนูโวมีความโดดเด่นในด้านการใช้งานจริง ความรุนแรง และความรอบคอบ การไม่มีการตกแต่ง สไตล์นี้สะท้อนถึงแก่นแท้ของอารยธรรมอุตสาหกรรมและเกี่ยวข้องกับยุคสมัยของเรามากที่สุด

ในอารมณ์ศิลปะยุโรปของ XIX ตอนปลาย - ต้นศตวรรษที่ XX ถูกตรงกันข้าม ด้านหนึ่งการมองโลกในแง่ดีและความสุขล้นของการเป็นอยู่ ในทางกลับกัน มีความไม่เชื่อในศักยภาพที่สร้างสรรค์ของมนุษย์ และในเรื่องนี้ไม่ควรมองหาความขัดแย้ง ศิลปะสะท้อนให้เห็นในแบบของตัวเองว่าเกิดอะไรขึ้นในโลกแห่งความเป็นจริง สายตาของกวี นักเขียน และศิลปินดูเฉียบคมและเฉียบคมขึ้น พวกเขาเห็นสิ่งที่คนอื่นไม่เห็นและไม่เห็น

จิตรกรรม

แนวจินตนิยมและความสมจริงแสดงออกด้วยพลังพิเศษในการวาดภาพ สัญญาณของความโรแมนติกมากมายอยู่ในผลงานของศิลปินชาวสเปน Francisco Goya (1746-1828)ด้วยพรสวรรค์และการทำงานหนัก ลูกชายของช่างฝีมือผู้น่าสงสารจึงกลายเป็นจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ งานของเขาประกอบด้วยยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ภาพเหมือนศิลปะของผู้หญิงสเปนนั้นงดงามมาก พวกเขาเขียนด้วยความรักและความชื่นชม เราอ่านความภาคภูมิใจในตนเอง ความภาคภูมิใจ และความรักในชีวิตบนใบหน้าของนางเอกโดยไม่คำนึงถึงภูมิหลังทางสังคมของพวกเขา

บุคคลสำคัญในแนวโรแมนติกของยุโรปคือจิตรกรชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Eugene Delacroix (1798-1863)ในงานของเขา เขาใส่จินตนาการและจินตนาการเหนือสิ่งอื่นใด เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ของแนวโรแมนติกและแน่นอนของศิลปะฝรั่งเศสทั้งหมดคือภาพวาดของเขา "Freedom Leading the People" (1830) ศิลปินทำให้การปฏิวัติในปี 1830 เป็นอมตะบนผืนผ้าใบ หลังจากภาพวาดนี้ Delacroix ไม่ได้หันไปสู่ความเป็นจริงของฝรั่งเศสอีกต่อไป เขาเริ่มให้ความสนใจในหัวข้อของตะวันออกและแผนประวัติศาสตร์ที่ความโรแมนติกที่ดื้อรั้นสามารถปลดปล่อยจินตนาการและจินตนาการของเขาได้ฟรี

จิตรกรแนวความจริงที่สำคัญ ได้แก่ Gustave Courbet ชาวฝรั่งเศส (1819-1877) และ Jean Millet (1814-1875)ตัวแทนของเทรนด์นี้มุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดธรรมชาติอย่างแท้จริง เน้นที่ชีวิตประจำวันและการทำงานของมนุษย์ แทนที่จะเป็นวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์และในตำนานที่มีลักษณะคลาสสิกและความโรแมนติก คนธรรมดาก็ปรากฏตัวในงานของพวกเขา: ชนชั้นนายทุนชาวนาและคนงาน ชื่อของภาพวาดพูดสำหรับตัวเอง: "Stone Crushers", "Knitters", "Gatherers of Ears"

เจ้าหน้าที่ของทหารพรานขี่ม้าของ Imperial Guard ไปโจมตี 2355 Theodore Gericault (1791-1-2467) ศิลปินคนแรกของแนวโรแมนติก ภาพวาดแสดงถึงความโรแมนติกของยุคนโปเลียน

Courbet เป็นคนแรกที่ใช้แนวคิดเรื่องความสมจริง เขากำหนดเป้าหมายของงานดังนี้: "เพื่อให้สามารถถ่ายทอดขนบธรรมเนียม ความคิด ภาพลักษณ์ของผู้คนในยุคนั้นในการประเมินของฉัน ไม่ใช่แค่ศิลปิน แต่ยังเป็นพลเมือง เพื่อสร้างงานศิลปะที่มีชีวิต "

ในตู้โดยสารชั้นสาม พ.ศ. 2405 O. Daumier (1808-1879) หนึ่งในศิลปินดั้งเดิมที่สุดในยุคของเขา Balzac เปรียบเทียบเขากับ Michelangelo
อย่างไรก็ตาม Daumier มีชื่อเสียงในเรื่องการ์ตูนล้อเลียนทางการเมืองของเขา "ในตู้โดยสารชั้นสาม" เป็นภาพลักษณ์ของชนชั้นแรงงานที่ไม่อยู่ในอุดมคติ

ผู้หญิงอ่านหนังสือ. ค. โคโรต์ (พ.ศ. 2339-2418) ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังมีความสนใจเป็นพิเศษในการเล่นแสงซึ่งเป็นบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสต์
ในเวลาเดียวกัน งานของเขามีตราประทับของความสมจริง

ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น 2425
Claude Monet (1840-1926) มักวาดวัตถุเดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน เพื่อสำรวจผลกระทบของแสงที่มีต่อสีและรูปร่าง

เอีย ออราน่า มาเรีย. ป. โกแกง (1848-1903) ความไม่พอใจของศิลปินต่อวิถีชีวิตแบบยุโรปทำให้เขาต้องออกจากฝรั่งเศสและอาศัยอยู่ในตาฮิติ
ประเพณีศิลปะท้องถิ่น ธรรมชาติหลากสีของโลกรอบข้าง มีผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อการก่อตัวของสไตล์ศิลปะของเขา

จิตรกรชาวสเปนที่ทำงานในฝรั่งเศส ตอนอายุสิบขวบเขาเป็นศิลปินและตอนอายุสิบหกมีการจัดนิทรรศการครั้งแรก เขาปูทางไปสู่ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมซึ่งเป็นทิศทางการปฏิวัติในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 Cubists ละทิ้งภาพของอวกาศมุมมองทางอากาศ พวกมันเปลี่ยนวัตถุและร่างมนุษย์เป็นการผสมผสานระหว่างเส้นเรขาคณิตและระนาบต่างๆ (ตรง เว้า และโค้ง) Cubists กล่าวว่าพวกเขาไม่ได้เขียนตามที่เห็น แต่ตามที่พวกเขารู้

ดนตรี

ในดนตรีไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเช่นในศิลปะรูปแบบอื่น แต่เธอก็ได้รับอิทธิพลจากอารยธรรมอุตสาหกรรม การปลดปล่อยชาติ และขบวนการปฏิวัติที่สั่นสะเทือนยุโรปตลอดศตวรรษ ในศตวรรษที่ XIX ดนตรีไปไกลกว่าวังของขุนนางและวัดในโบสถ์ เธอกลายเป็นคนฆราวาสและเข้าถึงได้ง่ายขึ้นสำหรับประชากรทั่วไป การพัฒนาการตีพิมพ์มีส่วนทำให้การพิมพ์แผ่นเพลงและการเผยแพร่ผลงานดนตรีเป็นไปอย่างรวดเร็ว ในเวลาเดียวกัน เครื่องดนตรีใหม่ก็ถูกสร้างขึ้นและเครื่องดนตรีเก่าก็ได้รับการปรับปรุง เปียโนได้กลายเป็นส่วนสำคัญและเป็นเรื่องธรรมดาในบ้านของชนชั้นนายทุนยุโรป

จนถึงปลายศตวรรษที่ 19 ทิศทางที่โดดเด่นในดนตรีคือแนวโรแมนติก ร่างยักษ์ของเบโธเฟนยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของมัน Ludwig von Beethoven (1770-1827) เคารพมรดกคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ถ้าเขาเปลี่ยนแปลงกฎเกณฑ์ของศิลปะดนตรี เขาทำอย่างระมัดระวัง พยายามไม่รุกรานบรรพบุรุษของเขา ในเรื่องนี้เขาแตกต่างจากกวีโรแมนติกหลายคนซึ่งมักจะล้มล้างทุกคนและทุกสิ่ง เบโธเฟนเป็นอัจฉริยะที่แม้จะหูหนวก เขาสามารถสร้างผลงานอมตะได้ Ninth Symphony และ Moonlight Sonata อันโด่งดังของเขาได้เติมเต็มคลังสมบัติของศิลปะดนตรี

นักดนตรีโรแมนติกได้รับแรงบันดาลใจจากเพลงลูกทุ่งและจังหวะการเต้น พวกเขามักจะเปลี่ยนงานเป็นวรรณกรรม - Shakespeare, Goethe, Schiller บางคนแสดงความชอบในการสร้างผลงานออเคสตราขนาดมหึมาซึ่งไม่เคยเห็นในศตวรรษที่ 18 แต่ความทะเยอทะยานนี้ตอบสนองต่อการก้าวย่างอันทรงพลังของอารยธรรมอุตสาหกรรม! นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Hector Berlioz รู้สึกทึ่งกับความยิ่งใหญ่ของการออกแบบของเขาเป็นพิเศษดังนั้น เขาจึงแต่งเพลงสำหรับวงออเคสตรา ซึ่งประกอบด้วยเครื่องดนตรี 465 ชิ้น รวมถึง 120 เชลโล เบส 37 ตัว เปียโน 30 ตัว และพิณ 30 ตัว

เขามีเทคนิคอัจฉริยะที่มีข่าวลือว่ามีเพียงมารเองเท่านั้นที่สอนให้เขาเล่นไวโอลิน ระหว่างการแสดงดนตรี นักไวโอลินสามารถหักสามสายและเล่นต่อด้วยความหมายเดิมบนสายที่เหลือเพียงสายเดียว

ในศตวรรษที่ XIX หลายประเทศในยุโรปได้มอบนักแต่งเพลงและนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ให้กับโลก ในออสเตรียและเยอรมนี วัฒนธรรมของชาติและโลกได้รับการเสริมสร้างโดย Franz Schubert และ Richard Wagner ในโปแลนด์ - โดย Frederic Chopin ในฮังการี - โดย Franz Liszt ในอิตาลี - โดย Gioachino Rossini และ Giuseppe Verdi ในสาธารณรัฐเช็ก - Bedrich Smetana ในนอร์เวย์ - โดย Edvard Grieg ในรัสเซีย - Glinka, Rimsky Korsakov, Borodin, Mussorgsky และ Tchaikovsky

ตั้งแต่ยุค 20 ศตวรรษที่สิบเก้า ในยุโรป ความหลงใหลในการเต้นรำครั้งใหม่เริ่มต้นขึ้น - วอลทซ์ Waltz มีต้นกำเนิดในออสเตรียและเยอรมนีเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 มีต้นกำเนิดมาจากชาวออสเตรีย - การเต้นรำแบบชาวนาดั้งเดิม

สถาปัตยกรรม

การพัฒนาอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อสถาปัตยกรรมยุโรป ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีได้ส่งเสริมให้เกิดนวัตกรรม ในศตวรรษที่ XIX อาคารขนาดใหญ่ของรัฐและความสำคัญสาธารณะถูกสร้างขึ้นเร็วกว่ามาก ตั้งแต่นั้นมา มีการใช้วัสดุใหม่ ๆ ในการก่อสร้าง โดยเฉพาะเหล็กและเหล็กกล้า ด้วยการพัฒนาการผลิตในโรงงาน การขนส่งทางรถไฟ และเมืองใหญ่ โครงสร้างรูปแบบใหม่จึงปรากฏขึ้น - สถานีรถไฟ สะพานเหล็ก ธนาคาร ร้านค้าขนาดใหญ่ อาคารนิทรรศการ โรงละครใหม่ พิพิธภัณฑ์ ห้องสมุด

ตลอดศตวรรษ สไตล์นีโอคลาสสิกเป็นที่แพร่หลายมากที่สุดอาคารบริติชมิวเซียมในลอนดอนซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2366-2390 แสดงให้เห็นภาพสถาปัตยกรรมโบราณ (คลาสสิก) จนถึงปี 60 แฟชั่นคือสิ่งที่เรียกว่า "สไตล์ประวัติศาสตร์" ซึ่งแสดงออกด้วยการเลียนแบบสถาปัตยกรรมของยุคกลางที่โรแมนติก ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX มีการหวนคืนสู่แบบโกธิกในการก่อสร้างโบสถ์และอาคารสาธารณะ (นีโอ-กอธิค เช่น นิวโกธิก) ตัวอย่างเช่น สภาผู้แทนราษฎรในลอนดอน ทิศทางใหม่ของอาร์ตนูโว (ศิลปะใหม่) ตรงกันข้ามกับนีโอกอธิค โดดเด่นด้วยโครงร่างที่คดเคี้ยวของอาคาร ห้อง รายละเอียดภายในที่คดเคี้ยว ในตอนต้นของศตวรรษที่ XX ทิศทางอื่นเกิดขึ้น - ความทันสมัย สไตล์อาร์ตนูโวมีความโดดเด่นในด้านการใช้งานจริง ความรุนแรง และความรอบคอบ การไม่มีการตกแต่ง สไตล์นี้สะท้อนถึงแก่นแท้ของอารยธรรมอุตสาหกรรมและเกี่ยวข้องกับยุคสมัยของเรามากที่สุด

เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะรู้

“ฉันชอบวาดภาพดวงตาของผู้คน ไม่ใช่โบสถ์ ... จิตวิญญาณมนุษย์ แม้แต่วิญญาณขอทานที่โชคร้าย ... ในความคิดของฉัน น่าสนใจกว่ามาก” Vincent Van Gogh กล่าว ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ใช้ชีวิตมาทั้งชีวิตอย่างยากจนข้นแค้น มักไม่มีเงินซื้อผ้าใบและทาสี และแทบไม่ต้องพึ่งพาน้องชายของเขาเลย ผู้ร่วมสมัยไม่รู้จักข้อดีใด ๆ ในตัวเขา เมื่อแวนโก๊ะเสียชีวิต มีเพียงไม่กี่คนที่ติดตามโลงศพ มีเพียงสองหรือสามโหลในยุโรปเท่านั้นที่สามารถชื่นชมงานศิลปะของเขา ซึ่งศิลปินผู้ยิ่งใหญ่กล่าวถึงอนาคต แต่หลายปีผ่านไป ในศตวรรษที่ XX ความรุ่งโรจน์ที่สมควรได้รับแม้ว่าจะล่าช้ามาถึงศิลปิน ตอนนี้จ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับภาพวาดของ Van Gogh ตัวอย่างเช่น ภาพวาด "ดอกทานตะวัน" ถูกขายทอดตลาดในราคา 39.9 ล้านเหรียญสหรัฐ แต่ความสำเร็จนี้ถูกบดบังด้วยภาพวาด Irises ซึ่งขายได้ในราคา 53.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

ข้อมูลอ้างอิง:
V.S.Koshelev, I.V. Orzhekhovsky, V.I.Sinitsa / ประวัติศาสตร์โลกในยุคปัจจุบัน XIX - ต้น ศตวรรษที่ XX, 1998

ความคลาสสิคซึ่งเป็นรูปแบบศิลปะในศิลปะยุโรปสมัยศตวรรษที่ 17 – ต้นศตวรรษที่ 19 หนึ่งในลักษณะที่สำคัญที่สุดคือการดึงดูดรูปแบบศิลปะโบราณให้เป็นมาตรฐานด้านสุนทรียภาพและจริยธรรมในอุดมคติ ลัทธิคลาสสิคนิยมซึ่งพัฒนาขึ้นจากการโต้เถียงกันอย่างเฉียบพลันกับศิลปะบาโรก ได้พัฒนาเป็นระบบรูปแบบที่ครบถ้วนสมบูรณ์ในวัฒนธรรมศิลปะของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17

ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 (ในประวัติศาสตร์ศิลปะต่างประเทศมักถูกเรียกว่านีโอคลาสซิซิสซึ่ม) ซึ่งกลายเป็นสไตล์ยุโรปทั่วไปก็ก่อตัวขึ้นส่วนใหญ่ในอกของวัฒนธรรมฝรั่งเศสภายใต้อิทธิพลที่แข็งแกร่งที่สุดของความคิดของการตรัสรู้ ในสถาปัตยกรรม มีการกำหนดรูปแบบใหม่ของคฤหาสน์ที่สวยงาม อาคารสาธารณะสำหรับพิธีการ จัตุรัสกลางเมืองที่เปิดกว้าง (Gabriel Jacques Ange และ Soufflot Jacques Germain) การค้นหาสถาปัตยกรรมรูปแบบใหม่ที่ไร้ระเบียบ ความปรารถนาในความเรียบง่ายที่รุนแรงในการทำงานของ Ledoude Claude Nicolas คาดหวังสถาปัตยกรรมของยุคคลาสสิก - สไตล์เอ็มไพร์ ความน่าสมเพชของพลเมืองและบทเพลงที่ผสมผสานกันอย่างลงตัวในพลาสติก (Pigalle Jean Baptiste และ Houdon Jean Antoine) ทิวทัศน์ที่ตกแต่งอย่างสวยงาม (Robert Hubert) ละครที่กล้าหาญของภาพประวัติศาสตร์และภาพเหมือนมีอยู่ในผลงานของ Jacques Louis David จิตรกรคลาสสิกนิยมของฝรั่งเศส ในศตวรรษที่ 19 การวาดภาพแบบคลาสสิก แม้จะมีกิจกรรมของปรมาจารย์หลัก ๆ เช่น Jean Auguste Dominique Ingres ก็ตาม แต่กลับกลายเป็นศิลปะซาลอนที่ขอโทษอย่างเป็นทางการหรืออวดอ้าง โรมกลายเป็นศูนย์กลางสากลของลัทธิคลาสสิกยุโรปในศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งประเพณีของนักวิชาการส่วนใหญ่โดดเด่นด้วยการผสมผสานที่มีลักษณะเฉพาะของรูปแบบขุนนางและอุดมคติอันเย็นชา (จิตรกรชาวเยอรมัน Anton Raphael Mengs ประติมากร: Italian Canova Antonio และ Danish Thorvaldsen Bertel ). สถาปัตยกรรมของความคลาสสิกของเยอรมันนั้นโดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่ที่รุนแรงของอาคารของ Karl Friedrich Schinkel สำหรับภาพวาดและพลาสติกที่ดูสง่างามอย่างครุ่นคิด - ภาพเหมือนของเดือนสิงหาคมและ Wilhelm Tischbein ประติมากรรมโดย Johann Gottfried Schadov ในแบบคลาสสิกของอังกฤษ อาคารโบราณของโรเบิร์ต อดัม สวนสาธารณะแบบพัลลาเดียนของวิลเลียม แชมเบอร์ส ภาพวาดที่เคร่งครัดอย่างประณีตของ J. Flaxman และเครื่องเคลือบของ J. Wedgwood นั้นมีความโดดเด่น ความคลาสสิคในแบบฉบับของตัวเองพัฒนาขึ้นในวัฒนธรรมศิลปะของอิตาลี สเปน เบลเยียม ประเทศในแถบสแกนดิเนเวีย และสหรัฐอเมริกา สถานที่ที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ศิลปะโลกถูกครอบครองโดยศิลปะคลาสสิกของรัสเซียในช่วงปี 1760 - 1840

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 3 แรกของศตวรรษที่ 19 บทบาทนำของลัทธิคลาสสิกได้หายไปเกือบทุกที่ มันถูกแทนที่ด้วยรูปแบบต่างๆ ของการผสมผสานทางสถาปัตยกรรม ประเพณีทางศิลปะของลัทธิคลาสสิคฟื้นคืนชีพในนีโอคลาสซิซิสซึ่มในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

ฌอง ออกุสต์ โดมินิก อิงเกรส, (พ.ศ. 2323-2410) - ศิลปินชาวฝรั่งเศส ผู้นำด้านวิชาการของยุโรปในศตวรรษที่ 19 ได้รับการยอมรับ
ในงานของ Ingres - การค้นหาความสามัคคีที่บริสุทธิ์
เคยศึกษาที่สถาบันวิจิตรศิลป์ตูลูส หลังจากจบการศึกษาจากสถาบันการศึกษาเขาย้ายไปปารีสซึ่งในปี พ.ศ. 2340 เขาได้เป็นนักเรียนของ Jacques-Louis David ในปี ค.ศ. 1806-1820 เขาศึกษาและทำงานในกรุงโรม จากนั้นจึงย้ายไปฟลอเรนซ์ ซึ่งเขาใช้เวลาอีกสี่ปี ในปี ค.ศ. 1824 เขากลับมาที่ปารีสและเปิดโรงเรียนสอนวาดภาพ ใน 1,835 เขากลับมาที่กรุงโรมในฐานะผู้อำนวยการ French Academy. ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1841 จนถึงสิ้นชีวิตเขาอาศัยอยู่ในปารีส

Academism (fr. Academisme) - แนวโน้มในการวาดภาพยุโรปของศตวรรษที่ XVII-XIX จิตรกรรมเชิงวิชาการเกิดขึ้นระหว่างการพัฒนาสถาบันศิลปะในยุโรป พื้นฐานโวหารของการวาดภาพเชิงวิชาการในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 คือความคลาสสิคในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - การผสมผสาน
วิชาการเติบโตขึ้นตามรูปแบบภายนอกของศิลปะคลาสสิก ผู้ติดตามมีลักษณะเช่นนี้เนื่องจากเป็นการให้เหตุผลเกี่ยวกับรูปแบบศิลปะของโลกยุคโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อิงเกรส ภาพเหมือนของตระกูลริเวียร์ 1804-05

แนวโรแมนติก

แนวโรแมนติก- ปรากฏการณ์ที่เกิดจากระบบชนชั้นนายทุน. ในฐานะที่เป็นโลกทัศน์และรูปแบบการสร้างสรรค์งานศิลปะ มันสะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้ง: ช่องว่างระหว่างสิ่งที่จำเป็นกับสิ่งที่เป็น อุดมคติและความเป็นจริง การตระหนักรู้ถึงความไม่เป็นจริงของอุดมคติและค่านิยมที่เห็นอกเห็นใจของการตรัสรู้ทำให้เกิดตำแหน่งทางอุดมการณ์ทางเลือกสองทาง แก่นแท้ของประการแรกคือการดูหมิ่นความเป็นจริงพื้นฐานและปิดตัวเองในเปลือกของอุดมคติอันบริสุทธิ์ สาระสำคัญของข้อที่สองคือการตระหนักถึงความเป็นจริงเชิงประจักษ์ ละทิ้งการให้เหตุผลทั้งหมดเกี่ยวกับอุดมคติ จุดเริ่มต้นของโลกทัศน์ที่โรแมนติกคือการปฏิเสธความจริงอย่างเปิดเผย การยอมรับช่องว่างที่ผ่านไม่ได้ระหว่างอุดมคติกับชีวิตจริง ความไร้เหตุผลของโลกแห่งสิ่งต่าง ๆ

มีทัศนคติเชิงลบต่อความเป็นจริง การมองโลกในแง่ร้าย การตีความของพลังทางประวัติศาสตร์ว่าอยู่นอกเหนือความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน ความลึกลับ และการสร้างตำนาน ทั้งหมดนี้กระตุ้นให้ค้นหาวิธีแก้ปัญหาความขัดแย้งไม่ใช่ในโลกแห่งความเป็นจริง แต่ในโลกแห่งจินตนาการ

มุมมองที่โรแมนติกครอบคลุมทุกด้านของชีวิตฝ่ายวิญญาณ - วิทยาศาสตร์ ปรัชญา ศิลปะ ศาสนา ได้แสดงออกมาเป็น ๒ เวอร์ชัน คือ

ประการแรก ในโลกนี้ดูเหมือนจะเป็นอัตวิสัยของจักรวาลที่ไม่มีที่สิ้นสุด พลังงานสร้างสรรค์ของจิตวิญญาณทำหน้าที่เป็นจุดเริ่มต้นที่สร้างความสามัคคีให้กับโลก โลกทัศน์ที่โรแมนติกรุ่นนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยภาพลักษณ์ของโลกในแง่เทวะ การมองโลกในแง่ดี และความรู้สึกที่สูงส่ง

ประการที่สอง - ในนั้นอัตวิสัยของมนุษย์ถือเป็นรายบุคคลและโดยส่วนตัวเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นโลกที่ลึกล้ำในตนเองของบุคคลที่ขัดแย้งกับโลกภายนอก ทัศนคตินี้มีลักษณะการมองโลกในแง่ร้าย ซึ่งเป็นทัศนคติที่น่าเศร้าต่อโลก

หลักการดั้งเดิมของแนวโรแมนติกคือ "โลกคู่": การเปรียบเทียบและความขัดแย้งของโลกแห่งความจริงและจินตภาพ วิธีแสดงโลกคู่นี้เป็นสัญลักษณ์

สัญลักษณ์ที่โรแมนติกแสดงถึงการผสมผสานที่เป็นธรรมชาติของภาพลวงตาและโลกแห่งความเป็นจริง ซึ่งแสดงออกในลักษณะของอุปมา อติพจน์ และการเปรียบเทียบเชิงกวี ยวนใจแม้จะมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับศาสนา แต่ก็มีอารมณ์ขันประชดประชันความฝัน รูปแบบและบรรทัดฐานสำหรับศิลปะทุกแขนงแนวโรแมนติกประกาศดนตรีซึ่งตามความโรแมนติกองค์ประกอบของชีวิตองค์ประกอบของเสรีภาพและชัยชนะของความรู้สึกฟัง

ความโรแมนติกที่เพิ่มขึ้นนั้นเกิดจากปัจจัยหลายประการ ประการแรก สังคมและการเมือง: การปฏิวัติฝรั่งเศสระหว่างปี ค.ศ. 1769-1793 สงครามนโปเลียน สงครามเพื่ออิสรภาพของละตินอเมริกา ประการที่สอง เศรษฐกิจ: การปฏิวัติอุตสาหกรรม การพัฒนาระบบทุนนิยม ประการที่สาม ก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของปรัชญาเยอรมันคลาสสิก ประการที่สี่ พัฒนาบนพื้นฐานและภายในกรอบของรูปแบบวรรณกรรมที่มีอยู่ ได้แก่ การตรัสรู้ อารมณ์ความรู้สึก

ความรุ่งเรืองของแนวโรแมนติกเกิดขึ้นในช่วงปี พ.ศ. 2338-2573 - ช่วงเวลาของการปฏิวัติยุโรปและขบวนการปลดปล่อยชาติและความโรแมนติกแสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวัฒนธรรมของเยอรมนี อังกฤษ รัสเซีย อิตาลี ฝรั่งเศส สเปน

แนวโรแมนติกมีอิทธิพลอย่างมากในด้านมนุษยธรรมและแนวความคิดเชิงบวก - ในด้านวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ เทคนิคและการปฏิบัติ

ฌอง หลุยส์ อังเดร ธีโอดอร์ เจริโคต์ (1791-1824).
นักเรียนครู่หนึ่ง C. Vernet (1808-1810) และ P. Guerin (1810-1811) ที่อารมณ์เสียกับวิธีการถ่ายทอดธรรมชาติของเขาไม่เป็นไปตามหลักการของโรงเรียน Jacques-Louis David และการเสพติดรูเบนส์ แต่ต่อมาก็รับรู้ถึงความทะเยอทะยานของ Gericault
Gericault เขียนฉากต่อสู้เป็นหลัก แต่หลังจากเดินทางไปอิตาลีในปี พ.ศ. 2360-2562 เขาวาดภาพขนาดใหญ่และซับซ้อน "The Raft of the Medusa" (ตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ กรุงปารีส) ซึ่งกลายเป็นการปฏิเสธแนวโน้มของ Davidic โดยสิ้นเชิงและการเทศนาเกี่ยวกับความสมจริงอย่างมีคารมคมคาย ความแปลกใหม่ของโครงเรื่อง บทละครที่ลึกซึ้งขององค์ประกอบและความจริงที่สำคัญของงานเขียนที่เชี่ยวชาญนี้ไม่ได้รับการชื่นชมในทันที แต่ในไม่ช้ามันก็ได้รับการยอมรับแม้กระทั่งจากผู้สนับสนุนรูปแบบการศึกษาและทำให้ศิลปินมีชื่อเสียงในฐานะนักประดิษฐ์ที่มีความสามารถและกล้าหาญ

ความตึงเครียดและละครที่น่าสลดใจ ในปีพ. ศ. 2361 Gericault ได้ทำงานในภาพวาด "The Raft of Medusa" ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของแนวโรแมนติกของฝรั่งเศส Delacroix โพสท่าให้เพื่อนของเขาได้เห็นการกำเนิดขององค์ประกอบที่ทำลายความคิดทั่วไปเกี่ยวกับการวาดภาพ ต่อมา Delacroix เล่าว่าเมื่อเห็นภาพที่เสร็จแล้ว เขา "วิ่งอย่างมีความสุขอย่างคนบ้า และหยุดไม่ได้จนกว่าจะถึงบ้าน"
โครงเรื่องของภาพขึ้นอยู่กับเหตุการณ์จริงที่เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 2 กรกฎาคม พ.ศ. 2359 นอกชายฝั่งเซเนกัล จากนั้นเรือรบ "เมดูซ่า" ก็อับปางบนชายฝั่งอาร์เจน ห่างจากชายฝั่งแอฟริกา 40 ไมล์ ผู้โดยสารและลูกเรือ 140 คนพยายามหลบหนีโดยการขึ้นแพ มีเพียง 15 คนเท่านั้นที่รอดชีวิต และในวันที่สิบสองของการเร่ร่อนของพวกเขาก็ถูกหยิบขึ้นมาโดยเรือสำเภาอาร์กัส รายละเอียดของการเดินเรือของผู้รอดชีวิตทำให้ความคิดเห็นของประชาชนในปัจจุบันตกตะลึงและซากเรือได้กลายเป็นเรื่องอื้อฉาวในรัฐบาลฝรั่งเศสเนื่องจากกัปตันเรือไร้ความสามารถและขาดความพยายามที่จะช่วยเหลือผู้ที่ตกเป็นเหยื่อ

การแก้ปัญหาเป็นรูปเป็นร่าง
ผืนผ้าใบขนาดยักษ์สร้างความประทับใจด้วยพลังแห่งการแสดงออก Gericault สามารถสร้างภาพที่สดใส โดยรวมภาพเดียวคือคนตายและคนเป็น ความหวัง และความสิ้นหวัง ภาพวาดนำหน้าด้วยงานเตรียมการขนาดใหญ่ Gericault ได้ทำการศึกษาจำนวนมากเกี่ยวกับการตายในโรงพยาบาลและศพของผู้ถูกประหารชีวิต แพเมดูซ่าเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายของเจอริโคต์
ในปี ค.ศ. 1818 เมื่อ Gericault ทำงานเกี่ยวกับภาพวาด "The Raft of Medusa" ซึ่งวางรากฐานสำหรับแนวโรแมนติกของฝรั่งเศส Eugene Delacroix ซึ่งโพสท่าให้เพื่อนของเขาได้เห็นการกำเนิดขององค์ประกอบที่ทำลายความคิดปกติเกี่ยวกับการวาดภาพทั้งหมด ต่อมา Delacroix เล่าว่าเมื่อเห็นภาพที่เสร็จแล้ว เขา "วิ่งอย่างมีความสุขอย่างคนบ้า และหยุดไม่ได้จนกว่าจะถึงบ้าน"

ปฏิกิริยาสาธารณะ
เมื่อ Gericault จัดแสดง "The Raft of Medusa" ที่ Salon ในปี พ.ศ. 2362 ภาพดังกล่าวได้ปลุกเร้าความขุ่นเคืองของสาธารณชนเนื่องจากศิลปินซึ่งตรงกันข้ามกับบรรทัดฐานทางวิชาการของเวลานั้นไม่ได้ใช้รูปแบบขนาดใหญ่ดังกล่าวเพื่อพรรณนาพล็อตเรื่องวีรบุรุษ ศีลธรรม หรือคลาสสิก .
ภาพวาดนี้ได้มาในปี พ.ศ. 2367 และปัจจุบันอยู่ในห้องที่ 77 บนชั้น 1 ของ Denon Gallery ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ยูจีน เดลาครัวซ์(พ.ศ. 2341 - พ.ศ. 2406) - จิตรกรและศิลปินกราฟิคชาวฝรั่งเศสหัวหน้าขบวนการโรแมนติกในภาพวาดยุโรป
แต่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์และการสื่อสารกับจิตรกรรุ่นเยาว์ Theodore Gericault กลายเป็นมหาวิทยาลัยที่แท้จริงของ Delacroix ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขารู้สึกทึ่งกับผลงานของปรมาจารย์ผู้เฒ่า ในขณะนั้น ผืนผ้าใบจำนวนมากสามารถเห็นได้ที่นั่น ถูกจับระหว่างสงครามนโปเลียนและยังไม่ได้ส่งคืนเจ้าของ เหนือสิ่งอื่นใด ศิลปินผู้ทะเยอทะยานถูกดึงดูดโดยนักระบายสีที่ยอดเยี่ยม - Rubens, Veronese และ Titian แต่ธีโอดอร์ เจริโคต์มีอิทธิพลต่อเดลาครัวซ์มากที่สุด

ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2373 ปารีสได้ก่อกบฏต่อราชวงศ์บูร์บง Delacroix เห็นอกเห็นใจพวกกบฏและสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นใน "เสรีภาพผู้นำประชาชน" ของเขา (ในประเทศของเรางานนี้เรียกอีกอย่างว่า "เสรีภาพบนเครื่องกีดขวาง") จัดแสดงที่ร้านเสริมสวยในปี พ.ศ. 2374 ผืนผ้าใบดังกล่าวทำให้เกิดการอนุมัติจากสาธารณชนอย่างล้นหลาม รัฐบาลใหม่ซื้อภาพวาด แต่ในขณะเดียวกันก็สั่งให้ถอดออกทันที สิ่งที่น่าสมเพชของภาพวาดนั้นดูอันตรายเกินไป

จิตรกรรม

ดนตรี

สถาปัตยกรรม

แนวโรแมนติก

ทางเลือกของบรรณาธิการ