(ในโบราณตะวันออกพื้นบ้านดนตรีแจ๊สดนตรีบางประเภทในศตวรรษที่ 20)

องค์ประกอบนี้แสดงถึงบุคลิกของผู้แต่ง (ผู้แต่งเพลง) กิจกรรมสร้างสรรค์ที่มีจุดมุ่งหมายของเขาโดยแยกออกจากผู้สร้างและจากนั้นก็เป็นงานที่มีอยู่โดยไม่ขึ้นกับเขาการรวมตัวกันของเนื้อหาในโครงสร้างเสียงที่กำหนดไว้อย่างแม่นยำเครื่องมือทางเทคนิคที่ซับซ้อนซึ่งจัดระบบ โดยทฤษฎีดนตรีและนำเสนอในสาขาความรู้พิเศษ (ในหลักสูตรองค์ประกอบ) การกำหนดองค์ประกอบเป็นลายลักษณ์อักษรต้องใช้สัญกรณ์ดนตรีที่สมบูรณ์แบบ การรวมหมวดหมู่ขององค์ประกอบและสถานะของนักแต่งเพลงมีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของแนวคิดเรื่องบุคลิกภาพของมนุษย์ที่เป็นอิสระ - ผู้สร้างผู้สร้าง (การระบุชื่อของผู้แต่งได้กลายเป็นบรรทัดฐานตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 จุดสุดยอดของหลักการส่วนบุคคลและอำนาจในองค์ประกอบ - ในศตวรรษที่ 19)

การเรียบเรียงดนตรีและศิลปะมีความเสถียร มันเอาชนะความลื่นไหลอย่างต่อเนื่องของเวลาสร้างความเป็นเอกลักษณ์ที่ทำซ้ำได้อย่างเท่าเทียมกันขององค์ประกอบหลักของดนตรี - ความสูงจังหวะตำแหน่งของวัสดุ ฯลฯ ด้วยความเสถียรขององค์ประกอบทำให้สามารถสร้างเสียงดนตรีที่ ช่วงเวลาที่ยาวตามอำเภอใจหลังจากการสร้าง ในขณะเดียวกันองค์ประกอบที่คำนวณเสมอสำหรับเงื่อนไขบางประการของการแสดงและการทำงานในชีวิตทางดนตรีย่อมกลายเป็นสิ่งที่บ่งบอกถึงทัศนคติด้านสุนทรียศาสตร์ในอดีตและทางสังคมที่กำหนดไว้ในความเป็นจริงซึ่งเป็นภาพลักษณ์ของศิลปะ เมื่อเทียบกับรูปแบบคติชนประยุกต์ (เพลงการเต้นรำ) และการกระทำ (พิธีการศาสนาทุกวัน) รวมอยู่ในกระบวนการชีวิตโดยตรงการแต่งเพลงเป็นภาพสะท้อนความเป็นจริงทางศิลปะมากกว่า

ตั้งแต่สมัยโบราณความคิดเกี่ยวกับดนตรีที่รวมเป็นหนึ่งเดียวมีความเกี่ยวข้องกับข้อความ (หรือการเต้นรำ - เมตริก) แนวคิดเรื่องการประพันธ์ภาษาละตินนำหน้าด้วยแนวคิดของกรีกเรื่อง melopeia ในยุคกลางคำว่า "componere" ถูกนำมาใช้โดย Guido d'Arezzo ใน Micrologue (c.) องค์ประกอบนี้เข้าใจได้ว่าเป็นการประมวลผลของนักร้องประสานเสียงโดยนัยเชิงลึก (cantus firmus) โยฮันเนสเดอโกรเฮโอ (เกี่ยวกับดนตรี, ค.) เรียกแนวคิดนี้กับดนตรีโพลีโฟนิก ("musica composita") และใช้คำว่า "ผู้ประพันธ์" ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา John Tinctoris ("ตัวกำหนดของศัพท์ดนตรี",) "ได้เน้นช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ในวาระสุดท้าย (ผู้แต่ง -" ผู้เขียนใหม่บางส่วน ") ใน" หนังสือเกี่ยวกับศิลปะแห่งความขัดแย้ง "() เขา แยกแยะความแตกต่างอย่างชัดเจน iotated - "res facta" (เทียบเท่ากับ "cantus compositus" ใน "ตัวกำหนด" และชั่วคราว ("super librim cantare")

ในรัสเซียคำสอนแรกเกี่ยวกับการประพันธ์เพลงคือ "ไวยากรณ์ Musiki" ของ Nikolai Diletskiy (มอสโก, 1679, บรรณาธิการอื่น ๆ - 1681); ในบรรดาผู้เขียนคู่มือคนอื่น ๆ : I. L. Fuks (คำแปลภาษารัสเซีย - "Practical. Guide to composing music", St. Petersburg, 1830), I. K. Gunke ("Guide to composing music", part I-3, St. Petersburg, 1859- 63), MF Gnesin ("หลักสูตรเริ่มต้นขององค์ประกอบเชิงปฏิบัติ", M.-L. , 1941)

มูลนิธิวิกิมีเดีย พ.ศ. 2553.

ดูว่า "การประพันธ์ดนตรี" ในพจนานุกรมอื่น ๆ มีอะไรบ้าง:

- ... วิกิพีเดีย

สารานุกรมสมัยใหม่

องค์ประกอบ - (จากการเพิ่มการเรียบเรียงภาษาละตินการเรียบเรียง) 1) การสร้างงานศิลปะ (วรรณกรรมดนตรีภาพ ฯลฯ ) เนื่องจากเนื้อหาลักษณะจุดมุ่งหมายและส่วนใหญ่กำหนดการรับรู้… .. . พจนานุกรมสารานุกรมภาพประกอบ

- (จาก Lat. compositio composing binding), 1) การสร้างงานศิลปะเนื่องจากเนื้อหาลักษณะจุดประสงค์และส่วนใหญ่กำหนดการรับรู้ การจัดองค์ประกอบเป็นองค์ประกอบการจัดระเบียบที่สำคัญที่สุดของ ... … พจนานุกรมสารานุกรมใหญ่

และ; ก. [จาก lat. compilation] 1. โครงสร้างที่ตั้งและอัตราส่วนของส่วนประกอบของงานวรรณกรรมศิลปะ K. นวนิยาย. K. โอเปร่า. K. ภาพวาด. ความเชี่ยวชาญในการจัดองค์ประกอบ 2. งาน (ดนตรีภาพวาด ฯลฯ ) ที่มี ... … พจนานุกรมสารานุกรม

องค์ประกอบ - และ, w. 1) (อะไร) โครงสร้างของงานวรรณกรรมและศิลปะที่ตั้งและอัตราส่วนของชิ้นส่วน องค์ประกอบของพระวจนะเกี่ยวกับกองทหารของอิกอร์ องค์ประกอบของภาพวาด คำพ้องความหมาย: Architect / nick, building / ning, structure / ra 2) Work (music, painting, etc. ) พจนานุกรมยอดนิยมของภาษารัสเซีย

คำนี้มีความหมายอื่นดูที่องค์ประกอบ Composition (lat. Composito composition, composition) เป็นหมวดหมู่ของดนตรีวิทยาและสุนทรียศาสตร์ทางดนตรีซึ่งแสดงลักษณะของดนตรีในรูปแบบของการเรียบเรียงและ ... ... Wikipedia

Composition (จาก Lat. Compositio - การรวบรวม, การเรียบเรียง), 1) การสร้างงานศิลปะเนื่องจากเนื้อหาลักษณะและวัตถุประสงค์และส่วนใหญ่กำหนดการรับรู้ K. เป็นองค์ประกอบการจัดระเบียบที่สำคัญที่สุด ... … สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตที่ยิ่งใหญ่

- (อิมโพรไวซาซิโอเนของอิตาลีจากอิมโพรไวซัสละตินที่ไม่คาดคิดกะทันหัน) ในอดีตเป็นประเภทดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งกระบวนการแต่งเพลงเกิดขึ้นโดยตรงระหว่างการแสดง แต่เดิม ... ... Wikipedia

ชิ้นดนตรีเป็นผลมาจากการสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง

แนวคิดของการจัดองค์ประกอบโดยรวมทางศิลปะที่สมบูรณ์ไม่ได้เป็นรูปเป็นร่างทันที การก่อตัวของมันเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการลดลงของบทบาทของหลักการอิมโพรไวส์ในศิลปะดนตรีและการปรับปรุงสัญกรณ์ดนตรีซึ่งในขั้นตอนหนึ่งของการพัฒนาทำให้สามารถบันทึกคุณสมบัติที่สำคัญของงานดนตรีได้อย่างถูกต้อง เป็นผลให้องค์ประกอบนี้ได้รับความหมายที่ทันสมัยเฉพาะในศตวรรษที่ 13 เมื่อวิธีการแก้ไขไม่เพียง แต่ระดับเสียงเท่านั้น แต่ยังพัฒนาระยะเวลาของเสียงในสัญกรณ์ดนตรีด้วย องค์ประกอบใด ๆ สะท้อนให้เห็นทั้งลักษณะทั่วไปและลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรีในยุคที่กำหนด

ประวัติความเป็นมาของดนตรีเป็นประวัติศาสตร์ของการประพันธ์ดนตรีในผลงานที่โดดเด่นของนักดนตรีหลักในหลาย ๆ ด้าน องค์ประกอบจะไม่สมบูรณ์อย่างแน่นอน - ไม่ว่าจะอยู่ในขอบเขตของงานศิลปะชิ้นเดียวหรือในระดับของทิศทางศิลปะเทรนด์สไตล์ องค์ประกอบไม่ใช่สถานะ แต่เป็นกระบวนการ ตามคำจำกัดความของเอส. แดเนียลองค์ประกอบคือความคิดตระหนักและรับรู้ว่าเป็น "กระบวนการที่ตระหนักถึงการพัฒนาความคิดหลักการจัดองค์ประกอบเช่นลำต้นของต้นไม้ซึ่งเชื่อมโยงรากและมงกุฎของต้นไม้กิ่งก้านของ รูปแบบภาพ "

งานศิลปะแต่ละชิ้นเป็นภาพสะท้อนของช่วงเวลาในประวัติศาสตร์มากกว่าหนึ่งครั้ง แต่เป็นการผสมผสานระหว่างความเป็นสากลและความเป็นจริงความดั้งเดิมและนวัตกรรมความสุขที่เป็นที่รู้จักและไม่รู้จักของสิ่งที่จดจำได้ง่ายและประหลาดใจต่อหน้าสิ่งที่ผิดปกติ ใหม่.

เพลง

ความเชี่ยวชาญที่แท้จริงความสามารถในการควบคุมวิธีการแสดงออกของศิลปะการแสดงขึ้นอยู่กับปัจจัยอื่น ๆ ในระดับของวัฒนธรรมดนตรี ท้ายที่สุดแล้วดนตรีเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของการแสดงละครในเกือบทุกประเภท ดนตรีเป็นสื่อที่แสดงออกถึงศิลปะ

ไม่มีหนังสือเล่มใดสามารถแทนที่เพลงได้ สามารถดึงดูดความสนใจช่วยให้เข้าใจลักษณะเฉพาะของรูปแบบดนตรีเพื่อทำความคุ้นเคยกับความตั้งใจของผู้ประพันธ์ แต่หากไม่ได้ฟังเพลงความรู้ทั้งหมดที่ได้รับจากหนังสือเล่มนี้จะยังคงไม่ตายนักวิชาการ ยิ่งเรือฟังเพลงอย่างสม่ำเสมอและตั้งใจมากเท่าไหร่เขาก็ยิ่งเริ่มได้ยินมากขึ้นเท่านั้น และการฟังและการได้ยินไม่ใช่สิ่งเดียวกัน มันเกิดขึ้นที่ดนตรีชิ้นหนึ่งในตอนแรกดูเหมือนซับซ้อนไม่สามารถเข้าถึงการรับรู้ได้ เราไม่ควรรีบสรุป ด้วยการออดิชั่นซ้ำหลายครั้งเนื้อหาที่เป็นจินตนาการของมันมักจะถูกเปิดเผยและจะกลายเป็นที่มาของความสุขทางสุนทรียะ

แต่ในการสัมผัสกับเสียงดนตรีคุณจำเป็นต้องรับรู้ถึงเนื้อผ้าของเสียงนั้นเอง หากคน ๆ หนึ่งมีปฏิกิริยาทางอารมณ์กับดนตรี แต่ในขณะเดียวกันก็มีเพียงเล็กน้อยเท่านั้นที่สามารถแยกแยะแยกแยะ "ได้ยิน" เนื้อหาที่แสดงออกทั้งหมดจะเข้าถึงเขาได้เพียงส่วนเล็ก ๆ

โดยวิธีการใช้ดนตรีในการดำเนินการแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก: พล็อตและเงื่อนไข

เพลงประกอบในการเล่นมีฟังก์ชั่นมากมาย ในบางกรณีจะให้เพียงคำอธิบายทางอารมณ์หรือความหมายของฉากใดฉากหนึ่งโดยไม่ก้าวก่ายละครโดยตรง ในอีกกรณีหนึ่งเพลงของพล็อตอาจเป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดในการแสดงละคร

เพลงหัวเรื่องสามารถ:

·กำหนดลักษณะของตัวละคร;

·ระบุสถานที่และเวลาดำเนินการ

·สร้างบรรยากาศอารมณ์ของการแสดงบนเวที

·บอกเกี่ยวกับการกระทำที่ผู้ดูมองไม่เห็น

แน่นอนว่าฟังก์ชั่นที่ระบุไว้ไม่ได้ใช้วิธีการที่หลากหลายในการใช้เพลงพล็อตในการแสดงละคร

การนำดนตรีแบบมีเงื่อนไขมาใช้ในการเล่นนั้นยากกว่าดนตรีประกอบ การประชุมอาจขัดแย้งกับความเป็นจริงของชีวิตที่แสดงบนเวที ดังนั้นดนตรีที่มีเงื่อนไขจำเป็นต้องมีเหตุผลภายในที่น่าเชื่อเสมอ ในขณะเดียวกันความเป็นไปได้ในการแสดงออกของดนตรีดังกล่าวนั้นกว้างมากเพราะมันมีความหลากหลายของวงออเคสตราเช่นเดียวกับวิธีการร้องและการร้องเพลงประสานเสียง

เพลงตามเงื่อนไขสามารถ:

·เพิ่มอารมณ์ในการสนทนาและการพูดคนเดียว

อธิบายตัวละคร

เพื่อเน้นการสร้างองค์ประกอบที่สร้างสรรค์ของการแสดง

·ทำให้ความขัดแย้งรุนแรงขึ้น

ฟังก์ชั่นทั่วไปอย่างหนึ่งของดนตรีในการแสดงคือการแสดงภาพประกอบ การวาดภาพประกอบเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นการเชื่อมต่อโดยตรงระหว่างดนตรีและการแสดงบนเวที: ตัวละครได้รับข่าวดี - เขาร้องเพลงตลกหรือเต้นรำกับเสียงของชุดวิทยุ ดนตรีหลังเวทีแสดงให้เห็นภาพของพายุพายุ ดนตรีที่มีเสียงอย่างน่าทึ่งเป็นการแสดงออกถึงสถานการณ์ที่น่าทึ่งบนเวที ฯลฯ ตัวอย่างของการใช้ดนตรีนี้สามารถพบได้ในเกือบทุกการแสดง โดยอาศัยอารมณ์ที่เด่นชัดดนตรีมีผลต่อบรรยากาศทางอารมณ์ของการแสดงอย่างแข็งขันเมื่อทำหน้าที่ที่น่าทึ่ง

ดนตรีกลายเป็นจุดเริ่มต้นทางอารมณ์ที่กระตือรือร้นมากขึ้นเรื่อย ๆ มันเกี่ยวข้องกับการกระทำบรรยากาศของการแสดงและได้รับการออกแบบมาเพื่อเปิดเผยและเสริมสาระสำคัญของละคร ดังนั้นความสามารถของนักแสดงและผู้กำกับในการรู้สึกถึงโครงสร้างทางอารมณ์และจังหวะของดนตรีความสามารถและความสามารถในการสร้างฉากที่น่าตื่นเต้นการแสดงและการเคลื่อนไหวในดนตรีและด้วยดนตรีจึงมีความสำคัญมาก

เมโลดี้เป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี เมื่อนักร้องร้องเพลงโดยไม่มีคนมาร่วมเราจะได้ยินท่วงทำนอง - "ความคิดทางดนตรีที่แสดงออกมาเป็นเสียงเดียว" ท่วงทำนองนี้สามารถเป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระ เพลงสำหรับการแสดงส่วนใหญ่เลือกตามเงื่อนไขเนื่องจากพล็อตเรื่องนี้กำหนดไว้ล่วงหน้าโดยนักเขียนบทละครในคำพูดของเขาต่อบทละคร

การเลือกวัสดุดนตรีเป็นกระบวนการที่ซับซ้อน การใช้ชิ้นส่วนของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของผู้แต่งคนใดคนหนึ่งหรือคนอื่นผู้กำกับได้ "สร้างใหม่" งานใหม่เชิงคุณภาพแบบองค์รวมที่ตรงตามลักษณะและโครงสร้างทั้งหมดของการแสดงบนเวที หากท่วงทำนองเหล่านี้อยู่ในประเภทเดียวกันคีย์สไตล์การแสดงจะเป็นแบบองค์รวมสมบูรณ์มากขึ้น ดังนั้นจึงขอแนะนำให้เลือกเพลงจากผลงานของนักประพันธ์คนหนึ่งหรือหลายคนที่มีบุคลิกสร้างสรรค์ใกล้เคียง

โปรดจำไว้ว่าดนตรีเป็นวิธีการแสดงออกอย่างหนึ่งของการแสดงเราควรจำไว้ว่าศิลปะเรียนรู้ชีวิตด้วยตรรกะของความประหลาดใจตามธรรมชาติดังนั้นผู้กำกับจึงต้องเป็นคนที่แตกต่างในการจัดแสงเสียง“ จังหวะของการแสดงองค์ประกอบทั้งหมด จากนั้นการเล่นจะฟังดูเหมือนซิมโฟนีและจะเปล่งประกายด้วย "หอยมุก"

เมื่อมองแวบแรกการทำเพลงอาจดูเหมือนเป็นงานที่ยากอย่างไม่น่าเชื่อ และคำถามแรกที่เกิดขึ้นสำหรับผู้ที่ต้องการสร้างทำนองเพลงของตัวเองคือ“ จะเริ่มที่ไหนดี” แต่ความสวยงามของการประพันธ์ดนตรีคือไม่มีกฎเกณฑ์ที่ชัดเจนไม่มีข้อ จำกัด ใด ๆ ที่บอกคุณว่าจะเริ่มต้นที่ไหนและจะทำงานอย่างไรให้เสร็จสิ้น แต่แน่นอนว่ามีหลายวิธีที่จะช่วยให้คุณเริ่มต้นกระบวนการสร้างสรรค์ได้

แม้ว่าจะมีหลายวิธีในการจัดองค์ประกอบ แต่ก็มีสามสิ่งที่ควรคำนึงถึง:

• ความสามัคคี
• ทำนอง

นี่คือดนตรีพื้นฐานสามเพลง คุณสามารถจัดเรียงด้วยตัวคุณเองในลำดับใดก็ได้ผสมบางส่วนหรือเพิกเฉยต่อบางส่วนทั้งหมด นักแต่งเพลงหลายคนทดลองโดยไม่คำนึงถึงความกลมกลืนและ / หรือทำนองหรือจังหวะเวลา

คุณสามารถเพิ่มอีกหนึ่งองค์ประกอบ - สวิง ในขณะที่วงสวิงมักเรียกว่าดนตรีแจ๊สและดนตรีแบบทันควัน แต่คุณไม่ควรทิ้งมันหากคุณกำลังสร้างเพลงในสไตล์ที่แตกต่างออกไป

นอกจากนี้ยังควรจำไว้ว่าคุณต้องมีทักษะในการทำเพลง:

1. ความสามารถในการอ่านจากบันทึก

นี่คือจุดแรกและสำคัญที่สุด แม้ว่าคุณจะใช้ซอฟต์แวร์บางตัวที่เขียนแผ่นเพลงให้คุณคุณก็ควรจะอ่านจากแผ่นงานได้ และแน่นอนคุณต้องรู้เรื่องดนตรี นี่คือสิ่งพื้นฐานที่สุดที่นักดนตรีควรจะทำได้ คุณจำเป็นต้องรู้ว่าเครื่องหมายหยุดชั่วคราวมีลักษณะอย่างไรซึ่งเครื่องหมายนี้แสดงถึงเอฟเฟกต์ต่างๆ (staccato, tremolo, piano, forte เป็นต้น)

2. คุณต้องรู้จักดนตรีสไตล์ต่างๆ

คุณอาจพบว่าไม่มีจุดหมายที่จะศึกษาดนตรีสไตล์อื่นนอกเหนือจากเพลงที่คุณชอบและนี่เป็นความผิดพลาดอย่างมาก อย่าคิดว่าเมทัลเฮดที่โหดเหี้ยมจะฟังเพลงคลาสสิกไม่ได้ - ร็อคสตาร์หลายคนพูดซ้ำ ๆ ว่าพวกเขารักและฟังดนตรีคลาสสิก คนรักดนตรีแจ๊สไม่ควรมองข้ามรูปแบบดนตรีที่เรียบง่ายกว่านี้และผู้ฟังคลาสสิกที่มีความซับซ้อนไม่ควรแหงนจมูกในการแร็พและฮิปฮอป และไม่ใช่เพราะดนตรีทุกเพลงควรค่าแก่ความสนใจแม้ว่ามันจะเป็นเช่นนั้นก็ตาม การฟังสไตล์ที่แตกต่างจะช่วยให้คุณเปิดโลกทัศน์และเรียนรู้เทคนิคใหม่ ๆ ทางดนตรี นอกจากนี้พยายามอย่าเพียงแค่ฟังเพลงเพื่อความเพลิดเพลิน แต่แท้จริงแล้ว“ แยกชิ้นส่วน” ออกเป็นเครื่องดนตรีแยกต่างหาก วิเคราะห์สิ่งที่คุณได้ยิน ลองหาวิธีสร้างเสียงนี้หรือเสียงนั้น

3. รู้ว่าเครื่องดนตรีมีเสียงอย่างไร

พยายามค้นหาว่าเครื่องดนตรีที่มีอยู่แต่ละตัวฟังดูเป็นอย่างไร (อย่างน้อยก็เป็นเสียงที่พบบ่อยที่สุด) คุณจำเป็นต้องรู้ว่าเสียงเอฟเฟกต์ "แกดเจ็ต" และอื่น ๆ เป็นอย่างไร แน่นอนคุณสามารถพูดได้ว่าคุณจะไม่สร้างผลงานดนตรีที่ซับซ้อน แต่การยังคงรู้ว่าเสียงของเครื่องดนตรีอย่างน้อยก็ช่วยให้คุณพัฒนาการได้ยินและเปิดโลกทัศน์ให้กว้างขึ้น บางทีในอนาคตคุณอาจต้องการเพิ่มคนอื่น ๆ ในเครื่องมือของคุณ

การฝึกอบรม

ฟังเพลงโปรดทั้งหมดของคุณและลองคิดดูว่ามีรูปแบบอะไรบางอย่างที่เหมือนกัน มีข้อความที่ตัดกันหรือไม่? มีกี่ตัว? นานแค่ไหน? มีเทคนิคซ้ำหรือไม่? จังหวะของทำนองซ้ำหรือไม่? องค์ประกอบเหล่านี้สร้างอารมณ์ใด พวกเขาทำมันได้อย่างไร? พวกเขายึดติดกับคีย์เดียวกันหรือไม่?

วิเคราะห์และจดบันทึกซึ่งจะเป็นแหล่งความคิดสำหรับคุณ

ขั้นตอนที่ 1: สไตล์

ตัดสินใจว่าคุณจะสร้างสรรค์เพลงในสไตล์ใด ฟังการแต่งเพลงในรูปแบบนี้และวิเคราะห์ว่าใช้เทคนิคใดองค์ประกอบทั้งหมดยึดติดกับมาตรวัดเดียวกัน (เช่น 4/4) พิจารณาว่าคุณจะทำสิ่งที่คล้ายกันหรือทดลอง

ขั้นตอนที่ 2: แบบฟอร์ม

ตัดสินใจเกี่ยวกับรูปร่างขององค์ประกอบของคุณ การประพันธ์ดนตรีส่วนใหญ่ประกอบด้วยส่วนที่เท่ากัน (ส่วนที่ซ้ำกัน) หรือส่วนที่แตกต่างกัน (ส่วนที่ตัดกัน) กำหนดความยาวขององค์ประกอบว่าจะมีกี่ส่วน โปรดจำไว้ว่าแต่ละสไตล์มีชุดรูปแบบทั่วไปของตัวเองเช่นรูปแบบ AABA 32 บาร์ในดนตรีแจ๊สหรือช่วงบลูส์ประกอบด้วยสามวลีแต่ละแบบมี 4 มาตรา คุณสามารถใช้หนึ่งในสิ่งที่มีอยู่หรือสร้างขึ้นเอง แค่พยายามอย่าให้มันซับซ้อนเกินไป

ขั้นตอนที่ 3: สร้างไอเดียของคุณ

ใช้อุปกรณ์เพื่อจดไอเดียของคุณ เล่นเพลงสักสองสามเพลงที่ตรงใจคุณ หรือร้องเพลง เพลงเหล่านี้ไม่จำเป็นต้องสมบูรณ์แบบไม่มีใครได้ยิน แต่คุณ

ขั้นตอนที่ 4: แรงจูงใจทางดนตรีครั้งแรก

ตอนนี้ฟังสิ่งที่คุณบันทึก มีอะไรที่คุณชอบที่คุณสามารถพัฒนาเป็นท่วงทำนองเต็มรูปแบบได้หรือไม่? หากคุณไม่สามารถเลือกสิ่งที่ต้องการได้คุณสามารถอ้างอิงถึงจังหวะและโน้ตที่มีอยู่แล้วได้ตลอดเวลา โปรดจำไว้ว่าภาพร่างที่คุณกำลังสร้างในขั้นตอนนี้ไม่จำเป็นต้องซับซ้อน งานของคุณคือการสร้างรากฐานที่คุณจะพัฒนา

ขั้นตอนที่ 5: เปลี่ยนแรงจูงใจของคุณ

ตอนนี้คุณมีแรงจูงใจแล้วคุณสามารถดำเนินการต่อไปนี้: คุณสามารถขยายย่อให้สั้นลงเล่นแบบอื่น ๆ ทำซ้ำ คุณสามารถเปลี่ยนแปลงเพียงเล็กน้อยหรือคุณสามารถเปลี่ยนแปลงได้โดยไม่ต้องจดจำ เมื่อทำเช่นนี้คุณจะสร้างวลีดนตรี - ความคิดหรือความคิดที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ขั้นตอนที่ 6: ส่วนความคมชัด

ดนตรีเกือบทุกสไตล์มีส่วนที่ตัดกันซึ่งช่วยเพิ่มความสนุกสนานให้กับชิ้นงาน ฟังก์ชั่นนี้ดำเนินการโดยบริดจ์ในเพลงป๊อปหรือร็อคส่วน B ในดนตรีแจ๊สการพัฒนาโซนาต้าคลาสสิก หากต้องการเขียนส่วนที่ตัดกันให้ทำซ้ำขั้นตอนที่ 4 และ 5 พยายามอย่าเล่นธีมหลักของคุณ คุณสามารถทำได้ในจังหวะที่แตกต่างกันให้อารมณ์ที่แตกต่างไปและอื่น ๆ

ขั้นตอนที่ 7: รวบรวมทุกอย่างเข้าด้วยกัน

ณ จุดนี้คุณมีส่วนที่ตัดกันสองสามส่วนตอนนี้คุณต้องรวมเข้าด้วยกัน ลองนึกถึงรูปแบบที่คุณต้องการสร้างทำนองเพลงของคุณมันจะเหมาะกับมันไหม อย่ากลัวที่จะเปลี่ยนแปลงอะไร ดูว่าเมโลดี้ของคุณดูสมบูรณ์หรือไม่หรือต้องเพิ่มอย่างอื่น คุณคิดว่าจำเป็นต้องเพิ่มอย่างอื่นหรือไม่?

ขั้นตอนที่ 8: การจัดเตรียม

เปลี่ยนเมโลดี้ให้เป็นดนตรีแบบครบวงจรโดยเพิ่มการจัดแต่งและสำรองด้วยเมโลดี้ด้านซ้ายเช่น (ถ้าคุณเล่นเปียโน) พิจารณาว่าคุณจำเป็นต้องเพิ่มเครื่องดนตรีหรือเสียงร้องอื่น ๆ หรือไม่ โดยทั่วไปพยายามอย่างเต็มที่เพื่อให้การเรียบเรียงของคุณฟังดูดีอย่างที่ควรจะเป็น คุณสามารถขอความช่วยเหลือจากนักดนตรีที่คุณรู้จักเพื่อให้พวกเขาเพิ่มสิ่งที่น่าสนใจให้กับการแต่งเพลงของคุณ

การประพันธ์ดนตรี (lat. Compositio - การประพันธ์, การเรียบเรียง) เป็นหมวดหมู่ของดนตรีวิทยาและสุนทรียศาสตร์ทางดนตรีที่แสดงลักษณะของดนตรีในรูปแบบของงานดนตรีที่เสร็จสมบูรณ์ในทางตรงกันข้ามกับความแปรปรวนของศิลปะพื้นบ้านและการด้นสดในบางประเภท เพลง.

ปัจจุบันคำว่า "องค์ประกอบ" ใช้กันอย่างแพร่หลายในกิจกรรมต่างๆของมนุษย์: ในทัศนศิลป์ (ประติมากรรมและกราฟิก) และวรรณกรรม (การจัดวางองค์ประกอบของงานที่มีแรงจูงใจ) การก่อสร้าง (วัสดุผสม) เป็นต้น ในงานศิลปะคำนี้มักถูกระบุด้วยพล็อตและระบบของภาพและโครงสร้างของงานศิลปะ เพื่อจุดประสงค์นี้จะใช้คำอธิบาย - สถาปัตยกรรมศาสตร์การก่อสร้างการก่อสร้าง ในที่สุดคำนี้กำหนดให้งานที่มีศิลปะหลายประเภท (การประพันธ์วรรณกรรมและดนตรี) หรือประกอบด้วยชิ้นส่วนของงานประเภทต่างๆ

องค์ประกอบดนตรีถือว่า:

• นักแต่งเพลงและกิจกรรมสร้างสรรค์ที่มีจุดมุ่งหมาย
• งานที่แยกออกจากผู้สร้างและที่มีอยู่เป็นอิสระจากเขา
• ศูนย์รวมของเนื้อหาในโครงสร้างเสียงที่เป็นกลาง
• เครื่องมือทางเทคนิคที่ซับซ้อนซึ่งจัดระบบโดยทฤษฎีดนตรี

ศิลปะแต่ละประเภทมีลักษณะเฉพาะด้วยเทคนิคบางอย่างซึ่งการผสมผสานเป็นสิ่งที่จำเป็นสำหรับงานสร้างสรรค์ ดนตรีเป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะที่ใช้แรงงานมากที่สุด ดังนั้นผู้สร้างดนตรี - นักแต่งเพลง - ต้องการอุปกรณ์ทางเทคนิคโดยเฉพาะ "ถ้าไม่มีทักษะในงานศิลปะ" D. Kabalevsky กล่าว "ไม่สามารถทำได้เพียงขั้นตอนเดียว" ยิ่งไปกว่านั้นเขาเชื่อว่าในผลงานของนักแต่งเพลงความคิดสร้างสรรค์นั้นมีอยู่ไม่เกินสิบเปอร์เซ็นต์ส่วนที่เหลือคือเทคนิค - ความรู้และความสามารถในการใช้เทคนิค

คำว่า "วิธีการสร้างสรรค์" ใช้เพื่อกำหนดลักษณะวิธีการแต่งเพลงที่เป็นลักษณะเฉพาะของนักแต่งเพลงคนใดคนหนึ่ง นักแต่งเพลงที่โดดเด่นทุกคนที่เขียนดนตรีออเคสตร้ามีหูเสียงต่ำที่พัฒนามาอย่างดีเช่น แนวคิดภายในเกี่ยวกับเสียงจริง “ ความคิดทางดนตรีไม่ปรากฏสำหรับฉันเป็นอย่างอื่นนอกจากในรูปแบบภายนอกที่สอดคล้องกัน ... ฉันประดิษฐ์ไอเดียดนตรีส่วนใหญ่ในเวลาเดียวกับเครื่องมือวัด” - นี่คือวิธีที่ PI เขียนเกี่ยวกับวิธีการสร้างสรรค์ของเขา ไชคอฟสกี. ความคิดภายในเกี่ยวกับการทำให้เกิดเสียงที่แท้จริงทำให้ V.A Mozart สามารถขัดเกลาคะแนนของการประพันธ์ดนตรีออเคสตร้าได้จนถึงขนาดที่เหลือเพียงการเขียนข้อความดนตรีเท่านั้น

ดังนั้นการเรียบเรียงจึงเป็นการสอนเกี่ยวกับปฏิสัมพันธ์ของการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบในรูปแบบดนตรี (โครงสร้างการเรียบเรียง) เช่นเดียวกับพื้นผิวซึ่งทำหน้าที่เป็นหลักการจัดระเบียบของพื้นที่ทางศิลปะรูปแบบ - โครงร่างจะกลายเป็นอีกด้านหนึ่งของดนตรีทั้งหมดซึ่งเกี่ยวข้องกับกฎของการพัฒนาชั่วคราวของงาน

แน่นอนวิธีการสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นในกระบวนการทำงานหนักของเขาเอง ผู้แต่งสามารถสร้างและปรับปรุงองค์ประกอบของเขาด้วยความช่วยเหลือของแนวคิดภายในเกี่ยวกับเสียงจริงใช้สมุดงาน (สมุดร่าง) รวมทั้งเปียโนหรือคอมพิวเตอร์
จุดเริ่มต้นของการทำงานในเรียงความควรได้รับการพิจารณาการก่อตัวของแผนทั่วไปซึ่งสามารถแยกแยะได้สามขั้นตอน:

• ความหมายของแนวดนตรีและการอธิบายภาพ (พล็อต)
• เหตุผลของโครงร่างรูปแบบคลาสสิก
• ทางเลือกของวิธีการสร้างสรรค์: การแต่งเพลง (ตามการเตรียมการเบื้องต้นหรือโดยการ "สร้าง" ทีละน้อย) ทำนองที่เป็นรูปเป็นร่างที่สอดคล้องกับภาพลักษณ์ของความกลมกลืนพื้นผิวเสียงที่พัฒนาเพิ่มเติมจากโพลีโฟนิก

สำหรับเพลงหนึ่ง ๆ แง่มุมเช่นการเข้าถึงการรับรู้เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง ความสามารถของนักแต่งเพลงในการคำนึงถึงรูปแบบของการรับรู้ทางหู B. Asafiev เรียกว่า "การวางแนวของแบบฟอร์มต่อผู้ฟัง" ประกอบด้วยการกระตุ้นความสนใจของผู้ฟังไปยังช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดของการทำงานให้การพักผ่อนในเวลาที่เหมาะสมสำหรับการได้ยินหลังจากเครียดมากการกระตุ้นความคาดหวังบางอย่างให้เหตุผลหรือละเมิดความเฉื่อยของการรับรู้การได้ยินการชี้นำการรับรู้ไปตามเส้นทางที่จำเป็น ฯลฯ .

วัตถุประสงค์ของบทเรียน:

เนื้อหาบทเรียนดนตรี:

Ø L. Beethoven

Ø M. Ravel. เล่นน้ำ. ส่วน (ฟัง)

Ø L. Dubravin, บทกวี M. Plyatskovskyเกล็ดหิมะ (ร้องเพลง).

วัสดุเพิ่มเติม:

ภาพของนักแต่งเพลง

ระหว่างชั้นเรียน:

I. ช่วงเวลาขององค์กร

II. ข้อความหัวข้อบทเรียน

หัวข้อบทเรียน:“ การประพันธ์ดนตรี. องค์ประกอบดนตรีคืออะไร”.

สาม. ทำงานในหัวข้อของบทเรียน

การพยายามทำความเข้าใจและอธิบายชิ้นส่วนของดนตรีเราเชื่อมั่นว่าเนื้อหาของเพลงนั้นไม่สามารถแยกออกจากรูปแบบได้ซึ่งทั้งระบบของภาพตัวละครและอารมณ์จะเผยให้เห็นในองค์ประกอบ (โครงสร้างของชิ้นส่วน) โดยความซับซ้อนหรือความเรียบง่ายขององค์ประกอบเราตัดสินความซับซ้อนและขนาดของเนื้อหาซึ่งอาจแตกต่างกันมากจากนั้นจึงเปลี่ยนเป็นปัญหาเล็ก ๆ ของชีวิตจากนั้นจึงกำหนดงานระดับโลกที่เป็นสากล

ฉันเตือนคุณ:

“ เราเรียกปรากฏการณ์ทางศิลปะในดนตรีวรรณกรรมหรือศิลปกรรมซึ่งสะท้อนถึงเหตุการณ์สำคัญบางอย่างในชีวิต” D.Kabalevsky

1. ภาพแสดงให้เห็นถึงปรากฏการณ์ในชีวิตบางอย่างของบุคลิกภาพ แต่บุคลิกภาพมักเกี่ยวข้องกับบรรยากาศของยุคสมัยที่เขาอาศัยอยู่

2. ภาพสะท้อนบุคลิกของศิลปินและยุคสมัยที่เขาอาศัยอยู่เสมอ

ศิลปะที่ยอดเยี่ยมศิลปะแห่งความคิดที่ยอดเยี่ยมและความรู้สึกลึกซึ้งสามารถปลุกคุณสมบัติที่ดีที่สุดของเขาในตัวบุคคลได้

"ดนตรีควรจุดไฟจากจิตวิญญาณของมนุษย์" - เบโธเฟนพูดเอง คติประจำใจของเขาคือ "ฝ่าฟัน - สู่ชัยชนะ!" - แสดงออกอย่างชัดเจนในซิมโฟนีที่ห้า มันมีภาพของการต่อสู้ที่รุนแรงในนามของชีวิตที่สดใสความฝันที่มักอาศัยอยู่ในผู้คนและสิ่งที่พวกเขาต้องการสร้าง

ลุดวิกฟานเบโธเฟน (พ.ศ. 2313 - พ.ศ. 2370)

"คนสร้างชะตาชีวิตตัวเอง!" - Beethoven ยืนยัน

ความเชื่อในชีวิตของเบโธเฟนในชัยชนะเป็นสิ่งที่น่าอัศจรรย์ เป็นเรื่องยากที่จะหาคนที่โชคชะตาก่อให้เกิดผลกระทบมากมายเช่นวัยเด็กที่เยือกเย็น (การเมาสุราของพ่อความเจ็บป่วยและการเสียชีวิตของแม่ที่รักการรับใช้ที่น่ารังเกียจตั้งแต่อายุสิบเอ็ดขวบ) ความวุ่นวายอย่างต่อเนื่องการสูญเสียเพื่อนและ ในที่สุดการระเบิดที่น่ากลัวที่สุด - หูหนวก เพื่อให้เข้าใจถึงความโชคร้ายของนักแต่งเพลงที่หูหนวกอย่างเต็มที่ก็เพียงพอที่จะจินตนาการถึงศิลปินตาบอด แต่เบโธเฟนไม่ยอมแพ้ เขาแต่งเพลง และอะไร! "Appassionata" ซิมโฟนีที่ห้าเก้า ฯลฯ ในชั่วโมงที่ยากลำบากที่สุดเขาเขียนว่า "ฉันอยากเกาะคอของโชคชะตามันจะไม่สามารถทำให้ฉันล้มลงกับพื้นได้อย่างแน่นอน" ชีวิตได้ยืนยันคำขวัญของนักแต่งเพลง เขาต่อสู้และได้รับชัยชนะ ฉันชนะเพราะฉันต่อสู้

Romain Rolland เขียนว่า: "เขาเป็นเพื่อนที่ดีที่สุดและเข้มแข็งที่สุดของทุกคนที่ต้องทนทุกข์และต่อสู้"

Ø L. Beethoven ซิมโฟนีหมายเลข 5 ฉันเคลื่อนไหว Fragment (การฟัง)

งานร้องและประสานเสียง

Ø L. Dubravin, บทกวี M. Plyatskovskyเกล็ดหิมะ (ร้องเพลง).

IV. สรุปบทเรียน.

“ ดนตรีซิมโฟนีมีพลังและหนักแน่นมากจนสามารถรวบรวมการต่อสู้ของมวลมนุษยชาติต่อความอยุติธรรมทั้งหมดที่ขวางทางอยู่ และไม่ใช่แค่การต่อสู้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพแห่งชัยชนะที่กำลังจะมาถึงด้วย!”

D. Kabalevsky

V. การบ้าน

เรียนรู้เพลงและเตรียมพร้อมสำหรับคำตอบ

บทเรียน 21

หัวข้อ: ผลงานชิ้นเอกทางดนตรีในสิบหกมาตรการ (ช่วงเวลา).

วัตถุประสงค์ของบทเรียน:

Øเรียนรู้ที่จะรับรู้ว่าดนตรีเป็นส่วนสำคัญในชีวิตของทุกคน

Øพัฒนาทัศนคติที่เอาใจใส่และมีเมตตาต่อโลกรอบตัวเรา

Øเพื่อส่งเสริมการตอบสนองทางอารมณ์ต่อปรากฏการณ์ทางดนตรีความต้องการประสบการณ์ทางดนตรี

Øพัฒนาความสนใจในดนตรีผ่านการแสดงออกอย่างสร้างสรรค์แสดงออกในการสะท้อนดนตรีความคิดสร้างสรรค์ของตัวเอง

Øการสร้างวัฒนธรรมของผู้ฟังขึ้นอยู่กับความคุ้นเคยกับความสำเร็จสูงสุดของศิลปะดนตรี

Øการรับรู้ผลงานดนตรีอย่างมีสติ (ความรู้เกี่ยวกับแนวดนตรีและรูปแบบดนตรีวิธีการแสดงออกทางดนตรีการรับรู้ถึงความสัมพันธ์ระหว่างเนื้อหาและรูปแบบในดนตรี)

เนื้อหาบทเรียนดนตรี:

Ø ฉ. โชแปง.

Ø L. Dubravin, บทกวี M. Plyatskovskyเกล็ดหิมะ (ร้องเพลง).

วัสดุเพิ่มเติม:

ภาพเหมือนของ F.Chopin

ระหว่างชั้นเรียน:

I. ช่วงเวลาขององค์กร

“ Polonaise” โดย F. Chopin

II. ข้อความหัวข้อบทเรียน

หัวข้อบทเรียน: ผลงานชิ้นเอกทางดนตรีในสิบหกมาตรการ (ช่วงเวลา)

สาม. ทำงานในหัวข้อของบทเรียน

การเขียนบนกระดาน:

วันนี้เราจะมีการพบปะกับงานศิลปะอีกครั้ง: โลกแห่งความรู้สึกและการสะท้อนการเปิดเผยและการค้นพบ

คุณสังเกตไหมว่าบทเรียนของวันนี้เริ่มต้นด้วยดนตรีทันที เธอคุ้นเคยกับคุณหรือไม่? งานนี้คืออะไร? ใครเป็นผู้เขียน?

D: - ใช่เพลงนี้เราคุ้นเคย นี่คือ "Polonaise" โดย Frederic Chopin นักแต่งเพลงชาวโปแลนด์

W: - ใช่จริงๆนี่คือ "Polonaise" แล้วคุณรู้ไหมว่ามันคืออะไร?

D: - นี่คือขบวนแห่ต้อนรับที่เกิดในโปแลนด์และเปิดบอลในประเทศต่างๆในศตวรรษที่ 19

D: - นี่คือนักแต่งเพลงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 นักเปียโนที่เก่งกาจ ดนตรีของเขามีความโดดเด่นด้วยความเก่งสง่าการเต้นรำและความเพ้อฝัน

W: ทำได้ดีจริงๆโชแปงได้รับการขนานนามว่าเป็นนักแต่งเพลงที่มีบทกวีมากที่สุด แต่ฉันอยากจะเตือนคุณว่าชะตากรรมของบุคคลนี้เป็นเรื่องที่น่าเศร้าเพราะ ชีวิตช่วงสั้น ๆ ของเขา (ประมาณ 40 ปี!) และช่วงเวลาสุดท้ายที่เขาใช้ชีวิตในต่างแดนห่างไกลจากบ้านเกิดเมืองนอนอันเป็นที่รักซึ่งเขารักมากคิดถึงมันอย่างมากและทุ่มเทดนตรีทั้งหมดให้กับมัน

“ โชแปงอยู่ห่างไกลจากดินแดนบ้านเกิดของเขา

หลงรักโปแลนด์ที่สวยงามของเขา

จำเธอได้เขาพูดว่ากำลังจะตาย:

"ฉันให้ใจกับวอร์ซอ!"

พยายามจำไว้ว่าโชแปง“ ให้ใจ” ผลงานชิ้นไหนที่เขาแต่ง? โปสเตอร์บนกระดานสามารถช่วยคุณเลือกโปสเตอร์ที่คุณต้องการ (มีโปสเตอร์หลายใบบนกระดานพร้อมชื่อประเภทดนตรี):

D: - Fryderyk Chopin ประกอบด้วย waltzes, mazurkas, polonaises, preludes, nocturnes

U: - ทำได้ดีมากกับงานนี้ตั้งชื่อทุกประเภทได้อย่างถูกต้อง

W: - วันนี้เพลงที่น่าทึ่งของ Fryderyk Chopin จะช่วยให้เราเข้าใจความลับอีกอย่างของดนตรีนั่นคือความลับของรูปแบบดนตรีซึ่งเราได้พูดคุยกันหลายบทเรียน ตอนนี้เราจะเปลี่ยนเป็นรูปแบบดนตรีที่ง่ายที่สุดรูปแบบหนึ่ง ดูที่กระดานและอ่านชื่อหัวข้อบทเรียนของวันนี้ -“ Musical Masterpiece in 16 Measures” (จดไว้)

แนวคิดทางศิลปะและการสอนของบทเรียนในวันนี้นำมาจากคำพูดของนักเขียนชาวฝรั่งเศสในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 Romain Rolland อ่านพวกเขาคิดและบอกฉันว่าคุณเข้าใจพวกเขาอย่างไรในรูปแบบของดนตรีที่เรากำลังจะไป วันนี้ได้รับรู้?

D: - อาจเป็นไปได้ว่ารูปแบบของเพลงที่จะกล่าวถึงในวันนี้มีขนาดเล็กและเรียบง่ายมาก

W: - ท่อนที่เราได้ยินเรียกว่า "โหมโรงหมายเลข 7" จำได้ไหมว่า“ เล่นหน้า” คืออะไร?

D: - โหมโรงเป็นชิ้นส่วนเล็ก ๆ ที่มีบทบาทเป็นบทนำหรือย่อส่วนอิสระ

D: - ขวา ดังนั้นงานของ F. Chopin ที่จะฟังในวันนี้จึงมีขนาดเล็กมากมันพอดีกับส่วนเล็ก ๆ ของหน้ากระดาษธรรมดา (ฉันแสดงไว้ในหนังสือเรียนหน้า 78)

ตอนนี้คุณจะได้ยินงานนี้และคุณจะทำงานสร้างสรรค์ขนาดเล็กให้เสร็จโดยแบ่งออกเป็น 3 กลุ่ม (เป็นไปได้ในแถว)

เขาจะค้นหาและเขียนคำจำกัดความจากพจนานุกรมเกี่ยวกับอารมณ์ความงามที่สะท้อนถึงความรู้สึกและประสบการณ์ของงานนี้

เขาจะคิดและตัดสินว่ามีความคิดทางดนตรีอย่างใดอย่างหนึ่งหรือหลายอย่าง ค้นหาจุดสุดยอดของงานชิ้นนี้ทำเครื่องหมายโดยยกมือขึ้น

แนะนำสิ่งที่ผู้แต่งสามารถบอกผู้ฟังเกี่ยวกับเพลงนี้

ดังนั้นเรามาฟังและทำงานกันเถอะ

ประสิทธิภาพของ "โหมโรง" และแบบสำรวจและการวิเคราะห์การตอบสนองของเด็ก

U: - ทำได้ดีมากคุณกำหนดความนุ่มนวลของน้ำเสียงที่เป็นความลับได้อย่างถูกต้องโครงสร้างคอร์ดของเสียงความสงบที่สูงส่งและเบาของดนตรี ในงานเล็ก ๆ นี้ได้ผสมผสานประเพณีทางประวัติศาสตร์อันสูงส่งของดนตรียุโรปเข้าด้วยกันโดยผสมผสานทั้งต้นกำเนิดการเต้นรำที่มีจิตวิญญาณอันยอดเยี่ยมและอ่อนโยน

ราวกับว่าเราได้ยินข้อความทางดนตรีของนักแต่งเพลง อย่างที่เราเห็นข้อความนี้พูดน้อยมากในเพลงเรียกว่าช่วงเวลา

ช่วงเวลาเป็นหนึ่งในองค์ประกอบของรูปแบบดนตรีในการสร้างความคิดทางดนตรีอย่างหนึ่ง ช่วงเวลาแบ่งออกเป็น 2 ข้อเสนอเท่า ๆ กัน (แสดงให้พวกเขาเขียนคำจำกัดความของช่วงเวลาลงในสมุดบันทึก)

ลองมาฟังงานนี้อีกครั้ง แต่ตอนนี้มีข้อความจากผู้เขียนเอง

การอ่านจดหมายของโชแปงกับพื้นหลังของดนตรี:

“ ... ที่รักห่างเหินคนเดียว!

เหตุใดชีวิตของเราจึงถูกจัดวางไว้อย่างนี้ฉันควรจะอยู่ห่างจากคุณแยกจากคุณ ฉันจำเสียงกรอบแกรบของใบไม้ทุกใบทุกใบหญ้าฉันเห็นใบหน้าที่รักฉันรู้สึกถึงคุณบ้านเกิดเมืองนอนที่รักของฉัน ...

ทุกคืนคุณมาหาฉันด้วยท่วงทำนองที่คลุมเครือไม่ว่าจะเป็นเพลงหรือการเต้นรำที่ชื่นชอบ - mazurka และฉันก็อยากให้ความฝันนี้ไม่มีวันจบสิ้น ... ”

W: - อะไรคือความคิดที่อยู่เบื้องหลังผลงานเพลง 16 บาร์ของโชแปง?

D: - ความรักและความทรงจำของมาตุภูมิโปแลนด์

W: - คุณคงจำได้จากการสนทนาครั้งก่อนของเราเกี่ยวกับผลงานของ Fryderyk Chopin ว่าความรักที่มีต่อมาตุภูมิของคนเก่งคนนี้นั้นยิ่งใหญ่มากจนหลังจากการตายของเขาตามคำร้องขอของเอฟโชแปงหัวใจของเขาก็ถูกพรากไป ออกจากอกของเขาและเหมือนของที่ระลึกอันศักดิ์สิทธิ์ถูกส่งต่อไปยังบ้านเกิดของเขาไปยังวอร์ซอ วันนี้มีกำแพงล้อมรอบโบสถ์หลักแห่งหนึ่ง (วัด) ในวอร์ซอและบทกวีต่อไปนี้เป็นพยานถึงสิ่งนี้:

“ มีคริสตจักรแห่งหนึ่งในวอร์ซอ

ที่นั่นกำแพงซ่อนศาลเจ้าสำหรับมนุษยชาติ -

หัวใจของโชแปง -

ความเงียบเต็มไปด้วยการเต้นของหัวใจจนถึงทุกวันนี้!”

…นี่คือชีวิตที่แสนสั้น แต่สดใสในนามของความรักที่มีต่อมาตุภูมิ ชีวิตก็เหมือนช่วงเวลาหนึ่ง

วันนี้ในบทเรียนจะมีการดำเนินงานอีกหนึ่งเรื่องซึ่งจะยืนยันความคิดเรื่องความไม่ยั่งยืนของชีวิต

Ø ฉ. โชแปง. โหมโรงใน A Major, Op. 28 ฉบับที่ 7 (การได้ยิน)

โหมโรงนี้มีขนาดเล็กมากจนทั้งหมดสามารถใส่ลงในส่วนเล็ก ๆ ของหน้าธรรมดาได้

ช่วงเวลาหนึ่งซึ่งเป็นคำบรรยายทางดนตรีขนาดเล็กที่สมบูรณ์อาจมีการพูดนอกเรื่องการขยายการเพิ่มเติมทุกประเภท แต่ไม่มีสิ่งนี้ในบทนำของ Chopin รูปแบบของมันมีความโดดเด่นด้วยโครงสร้างซ้ำ ๆ นั่นคือท่วงทำนองในประโยคที่สองเริ่มต้นด้วยแรงจูงใจเช่นเดียวกับประโยคแรกระยะเวลาเท่ากันประกอบด้วยแปดมาตรการ (ในเพลงเรียกว่าความเป็นเหลี่ยม) ความเรียบง่ายของการนำเสนอแบบมีพื้นผิว