อิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรี ดื่มด่ำกับดนตรีอิมเพรสชันนิสม์ในธีม

ต้นทาง

อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีมีมาก่อน เหนือสิ่งอื่นใด อิมเพรสชันนิสม์ในภาพวาดฝรั่งเศส พวกเขาไม่เพียงแต่มีรากเหง้าร่วมกัน แต่ยังมีความสัมพันธ์แบบเหตุและผลด้วย และอิมเพรสชันนิสม์หลักในวงการเพลง Claude Debussy และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Eric Satie เพื่อนและผู้บุกเบิกเส้นทางนี้และ Maurice Ravel ผู้ซึ่งรับช่วงต่อจาก Debussy ได้ค้นหาและพบการเปรียบเทียบไม่เพียง แต่ยังหมายถึงการแสดงออกในการทำงานของ Claude Monet , Paul Cezanne, Puvis de Chavannes และ Henri de Toulouse-Lautrec

ในตัวมันเอง คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ที่เกี่ยวข้องกับดนตรีนั้นมีเงื่อนไขชัดเจนและเป็นการเก็งกำไร (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Claude Debussy เองก็คัดค้านซ้ำแล้วซ้ำเล่า อย่างไรก็ตาม ไม่มีการเสนอสิ่งใดเป็นการตอบแทนที่ชัดเจน) เป็นที่แน่ชัดว่าวิธีการวาดภาพที่เกี่ยวข้องกับการมองเห็นและศิลปะดนตรี ซึ่งส่วนใหญ่มาจากการได้ยิน สามารถเชื่อมโยงถึงกันได้ด้วยความช่วยเหลือจากความคล้ายคลึงเชื่อมโยงที่พิเศษและละเอียดอ่อนซึ่งมีอยู่ในจิตใจเท่านั้น พูดง่ายๆ ก็คือ ภาพลักษณ์ที่คลุมเครือของปารีส "ในสายฝนในฤดูใบไม้ร่วง" และเสียงเดียวกัน "ที่ถูกบดบังด้วยเสียงของหยดที่ตกลงมา" ในตัวเองมีคุณสมบัติของภาพทางศิลปะ แต่ไม่ใช่กลไกที่แท้จริง การเปรียบเทียบโดยตรงระหว่างวิธีการทาสีและดนตรีทำได้โดยผ่าน .เท่านั้น บุคลิกของผู้แต่งผู้ซึ่งได้รับอิทธิพลส่วนตัวจากศิลปินหรือภาพวาดของพวกเขา หากศิลปินหรือนักแต่งเพลงปฏิเสธหรือไม่รู้จักความเชื่อมโยงดังกล่าว อย่างน้อยก็ยากที่จะพูดถึงพวกเขา อย่างไรก็ตาม เรามีคำสารภาพว่าเป็นสิ่งประดิษฐ์ที่สำคัญและ (ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญที่สุด)ผลงานของตัวละครหลักของอิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรี มันคือ Erik Satie ที่แสดงความคิดนี้อย่างชัดเจนมากกว่าที่เหลือ โดยเน้นอย่างต่อเนื่องว่าเขาเป็นหนี้ศิลปินในงานของเขามากแค่ไหน เขาดึงดูด Debussy เข้ามาด้วยความคิดริเริ่มของเขา เป็นอิสระ หยาบคาย และมีไหวพริบที่กัดกร่อน ซึ่งไม่ได้ละเว้นอำนาจใด ๆ เลย นอกจากนี้ Satie ยังสนใจ Debussy ด้วยนวัตกรรมเปียโนและเสียงร้องที่เขียนขึ้นอย่างกล้าหาญ แม้ว่าจะไม่ใช่มือมืออาชีพก็ตาม ด้านล่างนี้คือคำที่ Satie พูดกับเพื่อนที่เพิ่งค้นพบในปี 1891 Debussy กระตุ้นให้เขาก้าวไปสู่รูปแบบใหม่:

เมื่อฉันได้พบกับ Debussy เขาเต็มไปด้วย Mussorgsky และมองหาหนทางที่หาได้ไม่ง่ายนัก ในเรื่องนี้ ข้าพเจ้าล่วงเกินเขามานานแล้ว ทั้งรางวัลโรมันและคนอื่น ๆ ไม่ได้ทำให้ฉันผิดหวังเพราะฉันเป็นเหมือนอดัม (จากสวรรค์) ที่ไม่เคยได้รับรางวัลใด ๆ - ขี้เกียจแน่นอน!…ในขณะนั้น ฉันกำลังเขียน The Son of the Stars ถึงบทโดย Péladan และอธิบายให้ Debussy ฟังถึงความจำเป็นที่ชาวฝรั่งเศสจะต้องปลดปล่อยตัวเองจากอิทธิพลของหลักการ Waggerian ซึ่งไม่สอดคล้องกับแรงบันดาลใจตามธรรมชาติของเรา ฉันยังบอกด้วยว่าแม้ว่าฉันจะไม่เคยต่อต้าน Wagnerist เลย แต่ฉันก็ยังคิดว่าเราควรจะมีดนตรีเป็นของตัวเอง และถ้าเป็นไปได้ ก็ไม่มี "กะหล่ำปลีเปรี้ยวเยอรมัน" แต่ทำไมไม่ใช้วิธีการแสดงภาพแบบเดียวกันสำหรับจุดประสงค์เหล่านี้ที่เราเห็นใน Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec และอื่นๆ ทำไมไม่โอนเงินเหล่านี้เป็นเพลง? ไม่มีอะไรง่ายไปกว่านี้แล้ว นั่นไม่ใช่สิ่งที่แสดงออกอย่างแท้จริงหรอกหรือ?

- (เอริค ซาตี้, "Claude Debussy", ปารีส, 2466)

แต่ถ้า Satie ได้รับอิมเพรสชั่นนิสม์ที่โปร่งใสและตระหนี่จากภาพวาดสัญลักษณ์ของ Puvis de Chavannes แล้ว Debussy (ผ่าน Satie คนเดียวกัน) ก็ได้รับอิทธิพลเชิงสร้างสรรค์จากอิมเพรสชั่นนิสต์หัวรุนแรงอย่าง Claude Monet และ Camille Pissarro

เพียงแค่ระบุชื่อผลงานที่โดดเด่นที่สุดของ Debussy หรือ Ravel เพื่อให้ได้ภาพที่สมบูรณ์ของผลกระทบต่อผลงานของพวกเขาทั้งภาพและภูมิทัศน์ของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ ดังนั้นในช่วงสิบปีแรก Debussy เขียน "Clouds", "Prints" (เป็นรูปเป็นร่างมากที่สุดซึ่งเป็นภาพร่างเสียงสีน้ำ - "Gardens in the rain"), "Images" (อันแรกหนึ่งในผลงานชิ้นเอก ของเปียโนอิมเพรสชั่นนิสม์ “Reflections on the water” ชวนให้นึกถึงภาพเขียนอันโด่งดังของ Claude Monet "ความประทับใจ: พระอาทิตย์ขึ้น") ... ตามสำนวนที่รู้จักกันดีของ Mallarmé นักแต่งเพลงอิมเพรสชันนิสม์ศึกษา "ได้ยินเสียงแสง", ถ่ายทอดเสียงการเคลื่อนไหวของน้ำ, การผันผวนของใบไม้, ลมหายใจของลม และการหักเหของแสงแดดในอากาศยามเย็น. ชุดไพเราะ "The Sea from Dawn to Noon" สามารถสรุปภาพร่างภูมิทัศน์ของ Debussy ได้อย่างเพียงพอ

แม้ว่าเขามักจะโฆษณาว่าเขาปฏิเสธคำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" แต่ Claude Debussy ก็ยังพูดซ้ำ ๆ ว่าเป็นศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่แท้จริง ดังนั้นเมื่อพูดถึงผลงานออร์เคสตราที่โด่งดังที่สุดของเขา " Nocturnes" Debussy ยอมรับว่าแนวคิดเรื่องแรก ("Clouds") เข้ามาในความคิดของเขาในวันที่มีเมฆมากวันหนึ่งเมื่อเขามองไปที่แม่น้ำแซนจาก สะพานคองคอร์ด ... ส่วนขบวนในส่วนที่สอง ("งานเฉลิมฉลอง") แนวคิดนี้เกิดจาก Debussy: "... ในขณะที่พิจารณาการปลดทหารของกองกำลังรักษาการณ์ของพรรครีพับลิกันในระยะไกลซึ่งมีหมวกกันน็อก ส่องแสงระยิบระยับภายใต้แสงอาทิตย์ยามอัสดง ... ท่ามกลางหมู่เมฆฝุ่นสีทอง” . ในทำนองเดียวกัน ผลงานของ Maurice Ravel สามารถใช้เป็นหลักฐานทางวัตถุที่มีการเชื่อมโยงโดยตรงจากภาพวาดกับดนตรีที่มีอยู่ในขบวนการอิมเพรสชันนิสต์ ภาพและเสียงอันโด่งดัง "Play of water", วัฏจักรของชิ้นส่วน "Reflections", คอลเล็กชั่นเปียโน "Rustle of the Night" - รายการนี้ยังไม่สมบูรณ์และสามารถดำเนินการต่อได้ สาตีค่อนข้างแตกต่างออกไป เช่นเคย ผลงานชิ้นหนึ่งที่สามารถเรียกได้ว่าเรื่องนี้ก็คือ บางทีอาจจะเป็น

โลกรอบตัวในเพลงของอิมเพรสชั่นนิสม์ถูกเปิดเผยผ่านแว่นขยายของการสะท้อนทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อน ความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนซึ่งเกิดจากการไตร่ตรองถึงการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยที่เกิดขึ้นรอบ ๆ คุณสมบัติเหล่านี้สร้างอิมเพรสชั่นนิสม์ที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะอื่นที่มีอยู่ในสัญลักษณ์ทางวรรณกรรมคู่ขนาน Eric Satie เป็นคนแรกที่หันไปหาผลงานของ Josephine Péladan ไม่นาน ผลงานของ Verlaine, Mallarme, Louis และ - โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Maeterlinck พบว่ามีการนำไปใช้โดยตรงในเพลงของ Debussy, Ravel และผู้ติดตามบางคน

Ramon Casas (1891) "โรงสีเงิน" (ภาพวาดแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ด้วยร่างของ Satie)

ด้วยความแปลกใหม่ที่เห็นได้ชัดของภาษาดนตรี อิมเพรสชั่นนิสม์มักจะสร้างเทคนิคการแสดงความรู้สึกบางอย่างของศิลปะในสมัยก่อน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ดนตรีของนักเปียโนชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ยุคโรโกโก เราต้องการเพียงระลึกถึงบทละครที่โด่งดังเช่น Couperin และ Rameau ในชื่อ "Little Windmills" หรือ "The Hen"

ในยุค 1880 ก่อนพบกับ Eric Satie และงานของเขา Debussy รู้สึกทึ่งกับงานของ Richard Wagner และหลงใหลในสุนทรียภาพทางดนตรีของเขาอย่างสมบูรณ์ หลังจากพบกับ Satie และจากช่วงเวลาของการสร้างผลงานชิ้นแรกของเขาที่เกี่ยวกับความประทับใจ Debussy ได้ย้ายด้วยความเฉียบแหลมอย่างน่าประหลาดใจไปยังตำแหน่งของการต่อต้าน Wagnerism ของกลุ่มติดอาวุธ การเปลี่ยนแปลงนี้เกิดขึ้นอย่างกะทันหันและกะทันหันจนเพื่อนสนิทคนหนึ่งของ Debussy (และนักเขียนชีวประวัติ) นักดนตรีชื่อดัง Émile Vuyermeaux แสดงความงงงันโดยตรง:

การต่อต้าน Wagnerism ของ Debussy นั้นปราศจากความยิ่งใหญ่และความสูงส่ง เป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจว่านักดนตรีรุ่นเยาว์ซึ่งเยาวชนทั้งหมดหลงใหลในความมึนเมาของทริสตันและใครในการพัฒนาภาษาของเขาในการค้นพบท่วงทำนองที่ไม่มีที่สิ้นสุด ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นหนี้มากกับคะแนนนวัตกรรมนี้เยาะเย้ยดูถูก อัจฉริยะที่ทำให้เขามาก!

- (Emile Vuillermoz, “Claude Debussy”, Geneve, 2500.)

ในเวลาเดียวกัน Vuyermeaux ซึ่งเชื่อมต่อภายในด้วยความสัมพันธ์ของความเป็นศัตรูและความเกลียดชังส่วนตัวกับ Erik Satie ไม่ได้กล่าวถึงเขาโดยเฉพาะและปล่อยให้เขาเป็นลิงค์ที่ขาดหายไปในการสร้างภาพที่สมบูรณ์ แท้จริงแล้ว ศิลปะฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ถูกบดบังด้วยละครเพลงของวากเนเรียน ยืนยันตัวเองผ่านอิมเพรสชั่นนิสม์. เป็นเวลานาน ที่สถานการณ์นี้ (และลัทธิชาตินิยมที่เพิ่มขึ้นระหว่างสงครามทั้งสามกับเยอรมนี) ทำให้ยากที่จะพูดถึงอิทธิพลโดยตรงของรูปแบบและสุนทรียศาสตร์ของ Richard Wagner ที่มีต่อลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ บางทีคนแรกที่ชี้ประเด็นนี้ก็คือนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงในแวดวงของ Cesar Franck - Vincent d'Andy ผู้ร่วมสมัยที่มีอายุมากกว่าและเพื่อนของ Debussy ในงานที่มีชื่อเสียงของเขา "Richard Wagner และอิทธิพลของเขาต่อศิลปะดนตรีของฝรั่งเศส" สิบปีหลังจากการตายของ Debussy เขาแสดงความคิดเห็นในรูปแบบหมวดหมู่:

“ศิลปะของ Debussy นั้นไม่อาจโต้แย้งได้จากงานศิลปะของผู้แต่ง Tristan; มันวางอยู่บนหลักการเดียวกันโดยอาศัยองค์ประกอบและวิธีการเดียวกันในการสร้างทั้งหมด ข้อแตกต่างเพียงอย่างเดียวคือ Debussy ตีความหลักการอันน่าทึ่งของ Wagner ... เพื่อที่จะพูด a la francaise».

- (Vincent d'Indy. Richard Wagner และลูกชายมีอิทธิพลต่อ sur l'art music francais)

ตัวแทนของอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรี

Debussy และ Satie (ภาพโดยสตราวินสกี้ 2453)

ฝรั่งเศสยังคงเป็นสภาพแวดล้อมหลักสำหรับการเกิดขึ้นและการดำรงอยู่ของดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์โดยที่ Maurice Ravel ทำหน้าที่เป็นคู่แข่งของ Claude Debussy อย่างต่อเนื่องหลังจากปี 1910 เขายังคงเป็นหัวหน้าและผู้นำของอิมเพรสชันนิสต์เพียงคนเดียว Eric Satie ซึ่งทำหน้าที่เป็นผู้ค้นพบสไตล์เนื่องจากธรรมชาติของเขาไม่สามารถก้าวไปสู่การปฏิบัติคอนเสิร์ตที่กระตือรือร้นได้และตั้งแต่ปี 1902 ก็ประกาศตัวเองอย่างเปิดเผยไม่เพียง แต่ในการต่อต้านอิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ยังได้ก่อตั้งรูปแบบใหม่มากมายไม่เพียงเท่านั้น ตรงกันข้าม แต่ก็เป็นศัตรูกับเขาด้วย ที่น่าสนใจในสถานะการณ์นี้อีกสิบถึงสิบห้าปี Sati ยังคงเป็นเพื่อนสนิท เพื่อน และคู่ต่อสู้ของ Debussy และ Ravel "อย่างเป็นทางการ" ซึ่งดำรงตำแหน่ง "Forerunner" หรือผู้ก่อตั้งรูปแบบดนตรีนี้ ในทำนองเดียวกัน Maurice Ravel แม้จะมีความสัมพันธ์ที่ยากมากและบางครั้งก็ขัดแย้งกันอย่างเปิดเผยกับ Eric Satie ก็ไม่เบื่อที่จะพูดซ้ำว่าการพบปะกับเขามีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับเขาและเน้นย้ำซ้ำ ๆ ว่าเขาเป็นหนี้ Eric Satie มากแค่ไหน ในการทำงานของเขา แท้จริงแล้ว ในทุกโอกาส Ravel ได้ย้ำสิ่งนี้กับ Sati ด้วยตัวเอง "ด้วยตนเอง" ซึ่งทำให้สิ่งนี้ประหลาดใจที่คนทั่วไปรู้จัก "เงอะงะและแยบยลแห่งยุคใหม่".

ผู้ติดตามเพลงอิมเพรสชั่นนิสม์ของ Debussy คือนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 - Florent Schmitt, Jean-Jules Roger-Ducas, Andre Caplet และอื่น ๆ อีกมากมาย Ernest Chausson ซึ่งเป็นเพื่อนกับ Debussy และในปี 1893 ได้คุ้นเคยกับภาพร่างแรกของ " Afternoon of a Faun" จากมือ ในการแสดงเปียโนของผู้แต่ง ได้สัมผัสเสน่ห์ของรูปแบบใหม่นี้เร็วกว่ารูปแบบอื่นๆ ผลงานล่าสุดของ Chausson มีร่องรอยของผลกระทบของอิมเพรสชั่นนิสม์ที่เพิ่งเริ่มต้นอย่างชัดเจน - และใคร ๆ ก็เดาได้เพียงว่างานต่อมาของผู้เขียนคนนี้อาจมีหน้าตาเป็นอย่างไรหากเขามีชีวิตอยู่อย่างน้อยอีกสักหน่อย ตาม Chausson - และ Wagnerists คนอื่น ๆ สมาชิกของวง Cesar Franck ได้รับอิทธิพลจากการทดลองอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งแรก ดังนั้น Gabriel Piernet และ Guy Ropartz และแม้แต่ Vincent d'Andy วากเนอร์นิสต์ออร์โธดอกซ์ส่วนใหญ่ (นักแสดงคนแรกของผลงานออร์เคสตราของ Debussy หลายชิ้น) ได้ยกย่องความงามของอิมเพรสชั่นนิสม์ในงานของพวกเขาอย่างเต็มที่ ดังนั้น Debussy (ราวกับมองย้อนกลับไป) ยังคงมีชัยเหนืออดีตไอดอลของเขา - Wagner ซึ่งอิทธิพลอันทรงพลังของเขาเองเอาชนะด้วยความยากลำบากเช่นนี้ ... อาจารย์ที่เคารพอย่าง Paul Dukas ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากตัวอย่างแรกของอิมเพรสชั่นนิสม์และใน ก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง - อัลเบิร์ต รูสเซล ซึ่งอยู่ใน Second Symphony (1918) แล้ว ได้ละทิ้งงานแนวอิมเพรสชันนิสม์ ไปสู่ความผิดหวังครั้งใหญ่ของแฟนๆ

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 องค์ประกอบแต่ละส่วนของสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ได้รับการพัฒนาในโรงเรียนนักแต่งเพลงชาวยุโรปอื่น ๆ โดยผสมผสานในลักษณะที่แปลกประหลาดกับประเพณีของชาติ จากตัวอย่างเหล่านี้ เรียกได้ว่าโดดเด่นที่สุด: ในสเปน - Manuel de Falla ในอิตาลี - Ottorino Respighi ในบราซิล - Heitor Villa-Lobos ในฮังการี - Bela Bartok ต้นในอังกฤษ - Frederick Delius, Cyril Scott, Ralph Vaughan Williams, Arnold Bax และ Gustav Holst ในโปแลนด์ - Karol Szymanowski ในรัสเซีย - Igor Stravinsky ต้น - (ในสมัย ​​Firebird), Lyadov ตอนปลาย Mikalojus Konstantinas Chiurlionis และ Nikolai Cherepnin

โดยทั่วไปควรตระหนักว่าชีวิตของสไตล์ดนตรีนี้ค่อนข้างสั้นแม้ตามมาตรฐานของศตวรรษที่ XX ที่หายวับไป ร่องรอยแรกของการจากไปของสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีและความปรารถนาที่จะขยายขอบเขตของรูปแบบของความคิดทางดนตรีที่มีอยู่ในนั้นสามารถพบได้ในผลงานของ Claude Debussy ตัวเองหลังปี 1910 สำหรับผู้ค้นพบรูปแบบใหม่ Erik Satie เขาเป็นคนแรกที่ออกจากกลุ่มผู้สนับสนุนอิมเพรสชั่นนิสม์หลังจากฉายรอบปฐมทัศน์ของPelléasในปี 1902 และสิบปีต่อมาเขาได้จัดการวิจารณ์ คัดค้าน และคัดค้านแนวโน้มนี้โดยตรง ในตอนต้นของยุค 30 ของศตวรรษที่ XX อิมเพรสชั่นนิสม์ได้กลายเป็นแบบเก่าแล้วกลายเป็นรูปแบบประวัติศาสตร์และออกจากเวทีศิลปะร่วมสมัยไปโดยสิ้นเชิงละลาย (เป็นองค์ประกอบที่มีสีสันแยกจากกัน) - ในผลงานของปรมาจารย์โวหารที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง แนวโน้ม (เช่น องค์ประกอบแต่ละส่วนของอิมเพรสชั่นนิสม์สามารถแยกแยะได้ในผลงานของ Olivier Messiaen, Takemitsu Toru, Tristan Murai และคนอื่นๆ

หมายเหตุ

1. ชเนียร์สัน จี.ดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 - ม.: ดนตรี, 2507. - ส. 23.
2. Eric Satie, ยูริ คนอนความทรงจำย้อนหลัง. - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก. : Center for Middle Music & Faces of Russia, 2010. - S. 510. - 682 p. - ไอ 978-5-87417-338-8
3. เอริค สาตี.อีครีส - ปารีส: รุ่นแชมป์ Libre, 1977. - S. 69.
4. เอมิล วุยเลอร์มอซ.โคล้ด เดบุสซี่. - เจนีวา 2500. - ส. 69.
5. โคล้ด เดบุสซี่.จดหมายที่เลือก (รวบรวมโดย A. Rozanov) - L.: ดนตรี, 2529. - ส. 46.
6. แก้ไขโดย G.V. Keldyshพจนานุกรมสารานุกรมดนตรี - M.: สารานุกรมโซเวียต, 1990. - S. 208.
7. ชเนียร์สัน จี.ดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 - ม.: ดนตรี, 2507. - ส. 22.
8. วินเซนต์ ดีอินดี้. Richard Wagner และลูกชายมีอิทธิพลต่อภาษาฝรั่งเศสทางดนตรี - ปารีส 2473 - ส. 84.
9. วอลคอฟ เอส.ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - ที่สอง. - M.: "Eksmo", 2008. - S. 123. - 572 p. - 3000 เล่ม - ไอ 978-5-699-21606-2
10. Ravel ในกระจกของจดหมายของเขา - L.: ดนตรี, 2531. - ส. 222.
11. เรียบเรียงโดย เอ็ม เจอราร์ด และ อาร์ ชาลู Ravel ในกระจกของจดหมายของเขา - ล.: ดนตรี, 2531. - ส. 220-221.
12. ชเนียร์สัน จี.ดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 - ม.: ดนตรี, 2507 - ส. 154.
13. ฟิเลนโก จีดนตรีฝรั่งเศสในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 - L.: ดนตรี, 2526. - ส. 12.

แหล่งที่มา

• พจนานุกรมสารานุกรมดนตรี ed. G.V. Keldysha, มอสโก, "สารานุกรมโซเวียต" 1990.
• Ravel ในกระจกของจดหมายของเขา คอมไพเลอร์ ม.เจอราร์ดและ ร. ชาลู., แอล., ดนตรี, 1988.
• ชเนียร์สัน จี.ดนตรีฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 20, 2nd ed. - ม., 1970;
• Vincent d'Indy. Richard Wagner และลูกชายมีอิทธิพลต่อภาษาฝรั่งเศสทางดนตรี ปารีส 2473;
• Erik Satie, "Ecrits", - รุ่นแชมป์ Libre, 1977;
• แอน เรย์ Satie, - ซึย, 1995;
• โวลตา ออร์เนลลา, Erik Satie, Hazan, Paris, 1997;
• Emile Vuillermoz, "Claude Debussy", เจนีวา, 2500.

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพและดนตรี

ศิลปินทุกคนจนถึงศตวรรษที่ 19 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 แม้จะอยู่ในโรงเรียนต่างๆ กัน แต่มีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกันคือ พวกเขาสร้างภาพวาดภายในผนังของสตูดิโอ โดยเลือกใช้แสงที่เป็นกลางและใช้แอสฟัลต์บราวน์อย่างกว้างขวาง ด้วยเหตุนี้ ภาพเขียนจึงมักมีสีที่ไม่ออกเสียง

ทันใดนั้น ในยุค 60 คนหนุ่มสาวอวดดีปรากฏตัวขึ้นในปารีส โดยลากผืนผ้าใบที่ค่อนข้างใหญ่ไปกับพวกเขาเพื่อสเก็ตช์และเขียนลงบนพวกเขาด้วยสีที่สะอาดจากหลอดโดยตรง ยิ่งกว่านั้นพวกเขาวางมันไว้ใกล้กันเช่น: แดงกับเขียวหรือเหลืองและม่วงเรียกคู่เหล่านี้ว่าเป็นสีเพิ่มเติม จากความเปรียบต่างเหล่านี้ สีที่วางเรียงกันเป็นเส้นใหญ่ดูสดใสเหลือทน และวัตถุที่ศิลปินใหม่ไม่ได้พยายามวาดโครงร่างด้วยเส้นชั้นความสูงสูญเสียความคมชัดของรูปร่างและละลายไปในสิ่งแวดล้อม เพื่อที่จะปรับปรุงการละลายนี้ จิตรกรหน้าใหม่กำลังมองหาเทคนิคพิเศษจากธรรมชาติ: พวกเขาชอบหมอกควัน หมอก ฝน; ชื่นชมการที่แสงส่องกระทบร่างคนใต้ร่มเงาของต้นไม้ สิ่งแรกที่รวมศิลปินรุ่นเยาว์คือความปรารถนาที่จะเขียนในที่โล่ง ยิ่งกว่านั้นไม่ต้องเขียนภาพร่างเตรียมการอย่างที่จิตรกรภูมิทัศน์เคยทำ แต่วาดภาพด้วยตัวมันเอง พวกเขาเคยรวมตัวกันที่Café Guerbois ในปารีส (นี่ไม่ใช่เพียงที่กิน แต่เป็นแหล่งกำเนิดของวัฒนธรรมฝรั่งเศสใหม่) พวกเขายังเด็ก ไม่มีใครรู้จัก บางครั้งพวกเขาถูกจัดแสดงแยกกันในซาลอนและถูกวิจารณ์โดยความเห็นอกเห็นใจอย่างดีที่สุดและประชาชนก็หัวเราะออกมาทันที

ศิลปินเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่ง ต่อต้านด้วยความคิดสร้างสรรค์และวิธีการใหม่ทั้งหมดซึ่งขัดกับประเพณีและหลักการของการวาดภาพคลาสสิก ในปี พ.ศ. 2417 ได้มีการรวมตัวกันที่นิทรรศการกลุ่มแรกผลงานของพวกเขาทำให้เกิดความตกใจอย่างแท้จริง เป็นนิทรรศการของศิลปินอิสระ เป็นอิสระจากสถาบันการศึกษา ศิลปะอย่างเป็นทางการ ประเพณีที่ล้าสมัย การวิจารณ์ ของประชาชนชาวฟิลิปปินส์ นี่คือชื่อศิลปินใหม่เหล่านี้: Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley, Auguste Renoir, Paul Cezanne, Berthe Morisot Claude Monet แสดงให้เห็นภาพวาด "Impression พระอาทิตย์ขึ้น". อิมเพรสชั่น - อิมเพรสชั่นนิสต์ในฝรั่งเศส: ดังนั้นชื่ออิมเพรสชั่นนิสต์นั่นคือ "อิมเพรสชั่นนิสต์" คำนี้เผยแพร่โดยนักข่าว Louis Leroy เป็นเรื่องตลก แต่ศิลปินเองก็ยอมรับเพราะมันแสดงสาระสำคัญของแนวทางสู่ธรรมชาติอย่างแท้จริง

อิมเพรสชันนิสต์เชื่อว่างานศิลปะคือการสะท้อนความประทับใจของโลกรอบข้างอย่างถูกต้อง - สิ่งมีชีวิตและเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ชีวิตคือชุดของช่วงเวลาพิเศษ นั่นคือเหตุผลที่งานของศิลปินคือการสะท้อนความเป็นจริงในความแปรปรวนที่ไม่หยุดยั้ง วัตถุและสิ่งมีชีวิตไม่จำเป็นต้องถูกพรรณนาอย่างที่เป็น แต่เมื่อพวกเขามองในขณะนี้ และอาจดูแตกต่างออกไปเนื่องจากระยะทางหรือมุมรับภาพ เนื่องจากการเปลี่ยนแปลงของสภาพแวดล้อมในอากาศ ช่วงเวลาของวัน แสงสว่าง เพื่อสะท้อนความประทับใจของเขาอย่างถูกต้อง ศิลปินต้องไม่ทำงานในสตูดิโอ แต่ในธรรมชาตินั่นคือในที่โล่ง และเพื่อที่จะถ่ายทอดภาพที่รวดเร็วในภูมิทัศน์โดยรอบได้อย่างถูกต้อง คุณต้องวาดภาพให้เร็วและทำให้ภาพสมบูรณ์ภายในเวลาไม่กี่ชั่วโมงหรือหลายนาที และไม่ใช่เหมือนในสมัยก่อน ในสองสามสัปดาห์หรือหลายเดือน เนื่องจากความเป็นจริงโดยรอบปรากฏขึ้นต่อหน้าศิลปินในมุมมองใหม่ ช่วงเวลาที่เขาจับภาพจึงเป็นเอกสารของนาที

ทิศทางใหม่ซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนในการวาดภาพก็มีอิทธิพลต่อศิลปะประเภทอื่นเช่นกัน: กวีนิพนธ์และดนตรี อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีเป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ที่สุดในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสสองคน: Claude Debussy และ Maurice Ravel เช่นเดียวกับในการวาดภาพ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีได้ก่อตัวขึ้นในสภาพแวดล้อมของการต่อสู้ดิ้นรนอย่างต่อเนื่องระหว่างแบบดั้งเดิมกับของใหม่ ก่อตั้งขึ้นเพื่อต่อต้านประเพณี "วิชาการ" ของศิลปะดนตรีของฝรั่งเศสที่ล้าสมัย แต่ยังคงรักษาไว้อย่างเหนียวแน่นในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เด็ก Debussy และ Ravel รู้สึกอย่างเต็มที่ การทดลองเชิงสร้างสรรค์ครั้งแรกของพวกเขาพบกับทัศนคติที่ไม่เป็นมิตรจากผู้นำของ Paris Conservatory และ Academy of Fine Arts รวมถึงภาพวาดของศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ มีการวิจารณ์เชิงลบสำหรับผลงานดังกล่าวโดย Debussy เช่นบทเพลงไพเราะ "Zuleima", ชุดไพเราะ "Spring", cantata "The Chosen One" นักแต่งเพลงถูกกล่าวหาว่ามีเจตนาโดยเจตนา "ทำสิ่งที่แปลก เข้าใจยาก เป็นไปไม่ได้" ใน "ความรู้สึกที่เกินจริงของสีสันทางดนตรี" การไม่อนุมัติตำแหน่งศาสตราจารย์ในโรงเรียนสอนดนตรีมีสาเหตุมาจากเปียโนเปียโนของ Ravel เรื่อง The Play of Water และเขาไม่ได้รับ Prix de Rome ในปี 1903 และในปี ค.ศ. 1905 คณะลูกขุนไม่อนุญาตให้เขาแข่งขัน ความอยุติธรรมที่เห็นได้ชัดในการตัดสินใจของคณะลูกขุนทำให้เกิดการประท้วงที่รุนแรงจากส่วนสำคัญของชุมชนดนตรีในปารีส มีเรื่องที่เรียกว่า "คดี" ของ Ravel ซึ่งได้รับการกล่าวถึงอย่างกว้างขวางในสื่อ Debussy และ Ravel ต้องเดินทางไปในงานศิลปะเพียงลำพัง เพราะพวกเขาแทบไม่มีคนและเพื่อนร่วมงานที่มีความคิดเหมือนๆ กัน ทั้งชีวิตและเส้นทางที่สร้างสรรค์ของพวกเขาเต็มไปด้วยการค้นหาและการทดลองที่กล้าหาญในด้านแนวดนตรีและวิธีการของภาษาดนตรี

อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีเกิดขึ้นจากประเพณีประจำชาติของศิลปะฝรั่งเศส สีสัน, การตกแต่ง, ความสนใจในศิลปะพื้นบ้าน, ในวัฒนธรรมโบราณ, บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของการเขียนโปรแกรมเป็นคุณลักษณะของดนตรีฝรั่งเศสมาโดยตลอด ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานของ Debussy และ Ravel แต่แน่นอนว่าอิทธิพลโดยตรงและมีผลมากที่สุดต่อทิศทางใหม่ของดนตรีคืออิมเพรสชั่นนิสม์แบบภาพ

งานของศิลปินและนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชันนิสต์มีความเหมือนกันมาก ก่อนอื่นนี่เป็นหัวข้อที่เกี่ยวข้อง ธีมหลักคือ ภูมิประเทศ».

จุดเน้นของจิตรกรคือภูมิทัศน์ในเมืองซึ่งเมืองดึงดูดศิลปินในการมีปฏิสัมพันธ์กับกระบวนการทางธรรมชาติทั่วไป ความแตกต่างของบรรยากาศ ในภาพวาด "คาปูชินบูเลอวาร์ดในปารีส" โดย C. Monet องค์ประกอบนี้สร้างขึ้นจากความแตกต่างของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของคนเดินเท้าและรูปแบบคงที่ของบ้านและลำต้นของต้นไม้ เกี่ยวกับความแตกต่างของสีอบอุ่นและเย็น ในความแตกต่างทางโลกที่แสดงออก - ร่างที่ถูกแช่แข็งสองร่างถูกปิดจากเวลาที่ไหลเร็ว ภาพมีความพร่ามัวและเข้าใจยาก มีความรู้สึกทับซ้อนกันหลายภาพที่ถ่ายจากจุดหนึ่งในเฟรมเดียว แวบวับ วิบวับ เคลื่อนไหว ไม่มีรายการ มีชีวิตของเมือง (แม้แต่ศิลปินในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19, Delacroix กล่าวว่าเขาต้องการทาสีไม่ใช่ดาบ แต่เป็นความฉลาดของดาบ)

ศิลปินและภาพของธรรมชาติให้ความสนใจเป็นอย่างมาก แต่พวกมันมีภูมิทัศน์ที่ตัวแบบถอยกลับไปเป็นแบ็คกราวด์ และตัวละครหลักของภาพก็จะกลายเป็นแสงที่เปลี่ยนแปลงได้และไม่แน่นอน Claude Monet ได้แนะนำแนวทางปฏิบัติในการทำงานกับชุดผ้าใบที่มีลวดลายเดียวกันในแสงที่ต่างกัน ภาพชุดแต่ละภาพมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เพราะมันเปลี่ยนจากแสงที่เปลี่ยนไป

ทัศนคติที่ผิดปกติต่อภูมิทัศน์และนักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์

ไม่มีนักประพันธ์เพลงคนใดในอดีตที่รวบรวมความหลากหลายและความสมบูรณ์ของหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับภาพธรรมชาติ ยิ่งไปกว่านั้น Debussy และ Ravel ในภาพของธรรมชาติยังถูกดึงดูดโดยสิ่งที่เคลื่อนไหว: ฝน น้ำ เมฆ ลม หมอก และอื่นๆ ที่คล้ายคลึงกัน ตัวอย่างเช่นบทละครของ Debussy: "Wind on the Plain", "Gardens in the Rain", "Fogs", "Sails", "What the West Wind Saw", "Heather", "The Play of Water" โดย Ravel . เสียงละครเรื่อง Gardens in the Rain ของ Debussy

ในงานดังกล่าว เทคนิคบางอย่างของการแสดงเสียง ลักษณะของดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์ได้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจน พวกเขาสามารถอธิบายได้ว่าเป็น "กระแสน้ำ" ("เล่นน้ำ" โดย Ravel, "Sails" โดย Debussy), "ใบไม้ร่วง" ("Dead Leaves" โดย Debussy), "ริบหรี่ของแสง" ("Moonlight" โดย Debussy) , "breath of the night" (" Prelude of the Night" โดย Ravel, "Fragrances of the Night" โดย Debussy), "Rustle of Leaves" และ "Blow of the Wind" ("Wind on the Plain" โดย Debussy) การเล่น Wind on the Plain ของ Debussy

กับพื้นหลังของดนตรี - เรื่องราวเกี่ยวกับภาพวาดของ Monet ... แล้วในตอนเช้า Monet ในสวนด้วยผ้าใบขนาดใหญ่ มันคงไม่ใช่เรื่องง่ายเลยที่จะลากเขาไปที่ริมสระน้ำ ไปที่พุ่มไม้ดอก ใกล้กับที่จิตรกรนั่งลง เขาทำงานอย่างรวดเร็วอย่างเร่งรีบ: ดวงอาทิตย์เคลื่อนผ่านท้องฟ้าอย่างไม่หยุดหย่อน ระยะทางมีเมฆมากและมีหมอกหนาขึ้นอีกเล็กน้อยและรังสีของดวงอาทิตย์ที่ทะลุผ่านอากาศเย็นที่โปร่งแสงจะตกลงบนพื้นด้วยจุดสีที่ต่างกันโดยสิ้นเชิง แน่นอน Monet ไม่ได้วาดในที่สุดเขาก็ขับไล่ภาพวาดออกจากภาพ เขาทำงานโดยตรงกับสี โดยใช้สีบริสุทธิ์ ใช้มันเป็นจังหวะเล็กๆ ข้างหนึ่งอยู่ติดกับอีกสีหนึ่งบนพื้นสีขาว และผืนผ้าใบดูเหมือนจะเป็นเพียงพื้นผิวเรียบๆ แต่เราต้องถอยห่างจากมันเพียงเล็กน้อยเท่านั้นและปาฏิหาริย์ก็เกิดขึ้น - จังหวะผสมกันและกลายเป็นดอกไม้ที่สดใสซึ่งถูกลมพัดพาไปเป็นระลอกคลื่นที่ไหลผ่านน้ำและเสียงสั่นและเสียงของใบไม้ - ใช่เสียง ได้ยินในภาพและรู้สึกถึงกลิ่นหอม ภาพสะท้อนโดยตรงในสีสันของช่วงเวลาที่เปลี่ยนแปลงของชีวิต ระหว่างดวงตาของศิลปินที่อ่านสีและผืนผ้าใบซึ่งใช้สีเทียบเท่ากับสีนี้ ไม่มีอะไรเลย - ไม่มีเจตนา ไม่มีความคิด ไม่มีโครงเรื่องวรรณกรรม - นั่นคือวิธีการทำงานแบบใหม่ นี่คือศิลปะที่แสดงมุมมองโลกทัศน์ของบุคคลในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นี่คือการค้นพบของโคลด โมเนต์

อย่างไรก็ตาม เมื่อวาดภาพธรรมชาติ ผู้แต่งไม่ได้พยายามหาวิธีแก้ปัญหาของภาพอย่างหมดจด มันเป็นสิ่งสำคัญสำหรับพวกเขาที่จะถ่ายทอดอารมณ์ความรู้สึกทัศนคติที่มีต่อภาพกวีนี้ ดังนั้นคำพูดที่เป็นความลับและใกล้ชิดเป็นพิเศษ ภาพร่างภูมิทัศน์แต่ละภาพมีการระบายสีตามอารมณ์ ไม่ว่าจะเป็นความสงบ การไตร่ตรองในความฝัน หรือการสะท้อนอันสง่างาม อารมณ์ที่รุนแรงและมืดมนในบางครั้งสามารถแทนที่ด้วยความสุขที่ทำให้มึนเมาได้ในทันที IV Nestyev พูดอย่างแม่นยำมาก: “ภาพเสียงที่มีเสน่ห์ของ Debussy - รูปภาพของทะเล, ป่า, ฝน, เมฆยามค่ำคืน - มักจะตื้นตันไปด้วยสัญลักษณ์ของอารมณ์ "ความลึกลับของสิ่งที่อธิบายไม่ได้" พวกเขาได้ยินความรักที่อ่อนล้าหรือบันทึกย่อ แห่งความเศร้าโศกหรือความปิติยินดีอันแพรวพราว"

นอกจาก "แนวโคลงสั้น ๆ" แล้ว ธีมของ "ภาพเหมือนโคลงสั้น ๆ" ก็กลายเป็นเรื่องปกติสำหรับพวกอิมเพรสชันนิสต์ ในงานดังกล่าว ผู้แต่งสามารถสร้างภาพดนตรีที่เหมือนจริงและเหมือนจริงได้โดยใช้จังหวะที่แม่นยำเพียงไม่กี่ครั้ง ตัวอย่างเช่น ภาพเหมือนดนตรี: เต็มไปด้วยอารมณ์ขันพร้อมลักษณะพิลึก บทละคร "นายพล Lyavin the Eccentric" หรือแสงสีที่มีความเศร้าเล่น "หญิงสาวผมป่าน" เสียงละครเรื่อง "Girl with Flaxen Hair" ของ Debussy

กับพื้นหลังของดนตรี เรื่องราวเกี่ยวกับภาพวาดโดย Renoir ... Renoir ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับนักแสดงสาวเรื่อง Comedy Francaise Jeanne Samary “ ผิวแบบไหนกันแน่ที่ส่องสว่างทุกสิ่งรอบตัว” - นี่คือวิธีที่ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์แสดงความชื่นชม เขาเป็นคนที่ถักทอภาพเหมือนของเธอด้วยสีสันที่ล้นออกมาซึ่งส่องแสงด้วยแสงอันอบอุ่นบนใบหน้า, คอ, หน้าอก, ชุดสีขาวของเธอ เธอก้าวออกมาจากส่วนลึกของห้องนั่งเล่น ใบหน้าของเธอสว่างขึ้น ดวงตาของเธอลุกเป็นไฟและมืดลง แก้มของเธอแดงขึ้นอย่างนุ่มนวล ผ้าไหมของกระโปรงของเธอกระพือเล็กน้อย แต่จงก้าวไปอีกขั้นหนึ่งกับจีนน์ แล้วเธอจะออกมาจากกระแสแสงและทุกอย่างจะเปลี่ยนไป และมันจะเป็นจีนน์ที่ต่างออกไป และจำเป็นต้องวาดภาพเหมือนอีกภาพหนึ่ง หนึ่งช่วงเวลาที่สวยงามโดยบังเอิญ...

ในจิตรกรแนวอิมเพรสชันนิสต์ เรามักจะเจอภาพเหมือนของนางแบบ หญิงสาวจากแถบชานเมือง เหล่าสาวมิลเนอร์กำลังเต้นรำในร้านกาแฟเล็กๆ ของมงต์มาตร์ นักบัลเล่ต์ ศิลปิน จ็อกกี้ ชนชั้นนายทุนน้อย ผู้มาเยี่ยมเยียนร้านกาแฟ ภาพลักษณ์ของชาวปารีสร่วมสมัยที่มีเสน่ห์คือหัวใจสำคัญของงานของออกุสต์ เรอนัวร์ ในภาพเหมือนของ Jeanne Samary ดวงตาสีฟ้าสดใสและริมฝีปากสีแดงดึงดูดสายตา สีสดใสของมรกตและชมพูน่าดึงดูด ในภาพพอร์ตเทรตของอิมเพรสชันนิสต์ มันไม่ใช่คำอธิบายทางโหงวเฮ้งของใบหน้าและการเปิดเผยเชิงจิตวิทยาเชิงลึกของตัวละครที่ดึงดูด แต่ลักษณะเฉพาะของบุคลิกภาพที่เปิดเผยผ่านการชำเลืองมองคร่าวๆ เอียงศีรษะ ปั้นพิเศษ , กิริยา.

พวกเขายังถูกดึงดูดโดยประเภทของชีวิตประจำวัน - ประชาชนในร้านกาแฟ, ชาวเรือที่สถานีเรือ, บริษัท ในสวนสาธารณะเพื่อปิกนิก, การแข่งเรือ, ว่ายน้ำ, เดิน - ทั้งหมดนี้เป็นโลกที่ไม่มีกิจกรรมพิเศษและกิจกรรมหลัก เกิดขึ้นในธรรมชาติ เอฟเฟกต์มหัศจรรย์ของผิวน้ำ: การบวมน้ำ การเล่น การสะท้อนที่เจิดจ้า รูปแบบของเมฆ และการแกว่งไกวของใบไม้ นี่คือความหลงใหลที่แท้จริงของพวกอิมเพรสชันนิสต์ และมีเพียง Edgar Degas เท่านั้นที่พบในประเภทชีวิตประจำวันที่สามารถดึงดูดใจอิมเพรสชั่นนิสต์ได้: เขาแสดงความเป็นจริงของเมืองสมัยใหม่โดยใช้เทคนิคของโรงภาพยนตร์ในอนาคต - การจัดเฟรม, แสดงชิ้นส่วน, ซูมเข้าในกล้อง, มุมที่ไม่คาดคิด เขาเขียนว่า “นั่งแทบเท้าของนักเต้น ฉันจะเห็นหัวของเธอล้อมรอบด้วยจี้โคมระย้า” ในภาพสเก็ตช์ของเขา เราสามารถเห็นร้านกาแฟที่มีกระจกสะท้อนหลายแบบ ควันชนิดต่างๆ - ควันบุหรี่ ควันรถจักรไอน้ำ ควันปล่องไฟในโรงงาน เขาทำงานเป็นสีพาสเทลจนได้เอฟเฟกต์สีที่ไม่ธรรมดา คอร์ดตกแต่งสีน้ำเงินและสีส้มที่ไพเราะใน Blue Dancers ดูเหมือนจะเปล่งประกายในตัวเอง

นักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชันนิสต์ยังหันไปหาฉากประเภทอีกด้วย ในการสเก็ตช์แนวเพลง Debussy ใช้แนวดนตรีในชีวิตประจำวัน การเต้นรำจากยุคและผู้คนที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่น การเต้นรำพื้นบ้านของสเปนในละคร "Interrupted Serenade", "Gate of the Alhambra" การเล่นของ Debussy "The Interrupted Serenade" มีเสียง

Debussy ยังหันไปใช้จังหวะที่ทันสมัย ในละครเพลง "Minstrels" เขาใช้เพลงป็อปแดนซ์สมัยใหม่ kek-walk เสียงเพลง "Minstrels" ของ Debussy

มีบทละครที่ได้รับแรงบันดาลใจจากลวดลายที่เหลือเชื่อและเป็นตำนาน - "นางฟ้า - นักเต้นที่น่ารัก", "มหาวิหารจม", "การเต้นรำของเป็ก" บทละครจำนวนหนึ่งเกี่ยวข้องกับงานศิลปะประเภทอื่นๆ: ด้วยบทกวี (“กลิ่นหอมและเสียงในอากาศยามเย็นที่ลอยอยู่”, “ระเบียงที่ส่องสว่างด้วยแสงจันทร์”) พร้อมงานศิลปะโบราณ (“นักเต้นเดลเฟีย”, “คาโนปา”) . สิ่งสำคัญคือต้องเน้นว่าในการถ่ายทอดตัวแบบเหล่านี้ทั้งหมด รวมถึงการถ่ายทอด "ทิวทัศน์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ" Debussy ให้ความสนใจในบรรยากาศรอบๆ ภาพนี้เป็นหลัก นั่นคือเขาวาดปรากฏการณ์พร้อมกับพื้นหลังโดยรอบ Debussy จำเป็นต้องแสดงการรับรู้ทางอารมณ์ของปรากฏการณ์นี้ร่วมกับการเชื่อมโยงทางสายตาหรือการได้ยินทุกประเภท ดังนั้นภาพที่เขาวาดมักจะไม่มั่นคง เข้าใจยาก คลุมเครือ เข้าใจยาก สิ่งนี้เชื่อมโยงกับความปรารถนาของผู้แต่งในการถ่ายทอดความประทับใจโดยตรงต่อปรากฏการณ์หรือภาพ ดังนั้นความดึงดูดของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชั่นนิสต์จึงไม่ใช่รูปแบบขนาดใหญ่ แต่สำหรับภาพย่อซึ่งง่ายต่อการถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะจากปรากฏการณ์ต่าง ๆ การเปลี่ยนแปลงของอารมณ์

ผลงานของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชันนิสต์เป็นแบบเป็นโปรแกรม กล่าวคือ พวกเขามีชื่อ และในชุด Nocturnes ของ Debussy มีคำนำวรรณกรรมเล็กๆ ก่อนงานทั้งสามชิ้น คีตกวีอิมเพรสชันนิสต์มีลักษณะเฉพาะด้วยการเขียนโปรแกรมเชิงภาพและการไตร่ตรอง โดยไม่มีการพัฒนาอย่างแข็งขันของภาพ โครงเรื่อง หัวข้อโปรแกรมและข้อคิดเห็นทางวรรณกรรมมีเงื่อนไข พวกเขาแสดงเฉพาะแนวคิดบทกวีทั่วไป ภาพและภาพ ไม่ใช่แนวคิดของงาน นอกจากนี้ราวกับว่าไม่ต้องการ "กำหนด" ความคิดของเขาเกี่ยวกับนักแสดงและผู้ฟังเช่น Debussy ในโหมโรงเช่นใส่ชื่อเรื่องไว้ที่ท้ายบทโดยใส่ไว้ในวงเล็บและล้อมรอบด้วยจุด สำหรับ Debussy การแสดงละครของเขาที่เป็นรูปเป็นร่างมีความสำคัญมาก เนื่องจากพวกเขาไม่มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่องของโครงเรื่อง งานที่งดงามและมีสีสันจึงมาก่อน เพื่อแสดงออกให้ถูกต้องที่สุด Debussy ใช้วาจาบ่งชี้ในงานของเขา คำพูดของนักแต่งเพลงนั้นน่าทึ่งในด้านความหลากหลายและความสว่าง สิ่งเหล่านี้เป็นคำอุปมาอุปมัยและคำอธิบายที่ชัดเจนสำหรับนักแสดง ตัวอย่างเช่น "เหมือนเสียงแตรที่อยู่ห่างไกล", "เหมือนความเศร้าโศกและอ่อนโยน", "เหมือนกีตาร์", "เกือบกลอง", "ฟังเบา ๆ ในหมอกหนา", "สั่น", "ฉุนเฉียว" , “ประหม่าและมีอารมณ์ขัน”. อาจเป็นคำอธิบายโดยละเอียดได้ เช่น ใน "Steps in the Snow": "จังหวะนี้ควรสอดคล้องกับเสียงในพื้นหลังที่น่าเศร้าและเย็นชาของภูมิทัศน์" ข้อบ่งชี้ของผู้เขียนดังกล่าวเน้นย้ำถึงความต้องการของผู้แต่งในการทำหน้าที่รองด้านเทคนิค งานอัจฉริยะ ไปจนถึงงานภาพ ภาพ และศิลปะ

ลักษณะทั่วไปในผลงานของศิลปินอิมเพรสชันนิสต์และนักประพันธ์เพลงไม่เพียงแต่พบได้เฉพาะในด้านเนื้อหา ธีม แต่ยังรวมถึงวิธีการทางศิลปะด้วย

มุมมองที่ผิดปกติของโลกรอบตัวเขากำหนดเทคนิคการวาดภาพโดยอิมเพรสชันนิสต์ Plein air เป็นกุญแจสำคัญในวิธีการของพวกเขา พวกเขาไม่ผ่านการค้นพบทางวิทยาศาสตร์หลักในทัศนศาสตร์เกี่ยวกับการสลายตัวของสี สีของวัตถุคือความประทับใจของบุคคล ซึ่งเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาจากแสง อิมเพรสชั่นนิสต์ใช้สีบนผืนผ้าใบเฉพาะสีที่มีอยู่ในสเปกตรัมแสงอาทิตย์โดยไม่มีโทนสีกลางของ chiaroscuro และไม่ต้องผสมสีเหล่านี้ล่วงหน้าบนจานสี พวกเขาใช้สีในจังหวะเล็ก ๆ แยกกันซึ่งในระยะไกลทำให้เกิดการสั่นสะเทือนในขณะที่รูปทรงของวัตถุสูญเสียความคมชัด

อิมเพรสชั่นนิสต์ไม่เพียงปรับปรุงระบบสีอ่อนของการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเทคนิคการจัดองค์ประกอบด้วย สถาบันสอนให้สร้างองค์ประกอบเหมือนเวทีในโรงละคร - อยู่ตรงหน้าคุณในแนวนอนในขณะที่ปฏิบัติตามกฎของมุมมองเชิงเส้นอย่างเคร่งครัด ในอิมเพรสชันนิสต์ เราเห็นจุดไตร่ตรองที่หลากหลายที่สุด - จากด้านบน จากระยะไกล จากภายใน และอื่น ๆ ตรงกันข้ามกับหลักการของศิลปะเชิงวิชาการซึ่งรวมถึงการวางตำแหน่งบังคับของตัวละครหลักในใจกลางของภาพ, สามมิติของพื้นที่, การใช้เค้าโครงทางประวัติศาสตร์, อิมเพรสชันนิสต์นำเสนอหลักการใหม่สำหรับการรับรู้และการสะท้อนของ โลกโดยรอบ พวกเขาหยุดแบ่งวัตถุออกเป็นวัตถุหลักและรอง พวกเขาขับไล่การบรรยายออกจากภาพ อิมเพรสชันนิสต์มุ่งเน้นไปที่การศึกษาธรรมชาติของแสง การสังเกตอย่างระมัดระวังของแสงสีโดยเฉพาะ อิมเพรสชั่นนิสต์เข้าสู่ขอบเขตของการเปลี่ยนแปลงของความเป็นจริงเป็นครั้งแรกซึ่งแทบจะสังเกตไม่เห็นด้วยตาธรรมดาซึ่งดำเนินไปอย่างรวดเร็วจนสามารถสังเกตได้ด้วยตาที่ได้รับการฝึกฝนเท่านั้นและดำเนินการด้วยความเร็วที่เร็วกว่าการสร้าง a รูปภาพ. ผลกระทบของช่วงเวลาที่ยืดเยื้อ - "รวดเร็ว" - ถูกนำมาใช้ 25 ปีก่อนการค้นพบภาพยนตร์

อิมเพรสชั่นนิสม์ที่งดงามมีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีในด้านการแสดงออก เช่นเดียวกับในการวาดภาพ การค้นหา Debussy และ Ravel มีจุดมุ่งหมายเพื่อขยายขอบเขตของวิธีการแสดงภาพที่จำเป็นในการรวบรวมภาพใหม่ และประการแรกคือการเพิ่มคุณค่าสูงสุดของด้านดนตรีที่มีสีสันและมีสีสัน การค้นหาเหล่านี้สัมผัสได้ถึงโหมด ความกลมกลืน เมโลดี้ จังหวะเมโทร พื้นผิว เครื่องมือวัด Debussy และ Ravel สร้างภาษาดนตรีแนวใหม่ที่น่าประทับใจ

คุณค่าของท่วงทำนองซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักในการแสดงอารมณ์ของดนตรีนั้นอ่อนลง และหลอมรวมเป็นพื้นหลังที่กลมกลืนกัน ไม่มีท่วงทำนองที่สดใสและกว้าง มีเพียงวลีไพเราะสั้นๆ เท่านั้นที่สั่นไหว แต่บทบาทของความสามัคคีก็เพิ่มขึ้นอย่างผิดปกติ ความหมายที่มีสีสันของมันมาก่อน ในงานของอิมเพรสชันนิสต์ สีมีความสำคัญมาก ความสดใสของเสียงเกิดขึ้นได้โดยใช้คอร์ดรูปแบบใหม่ที่ไม่ธรรมดาของโครงสร้างเทอร์เชียนและไม่ใช่เทอร์เชียน โดยผสมผสานกันเพื่อขจัดแรงโน้มถ่วงของตะกั่วโทน ความสามัคคีที่ซับซ้อนและไม่เสถียรเป็นลักษณะเฉพาะ: สามที่เพิ่มขึ้น, คอร์ดที่เจ็ดที่ลดลง, คอร์ดที่ไม่ใช่คอร์ด พวกเขาขยายเสียงแนวตั้งเป็นสิบสองเสียง ล้อมรอบโครงสร้างระดับอุดมศึกษาด้วยโทนด้านข้าง ใช้การเคลื่อนที่แบบขนานของคอร์ด ตัวอย่างเช่น ใน ละครของ Debussy เรื่อง The Sunken Cathedral

เฟรตมีบทบาทสำคัญในการสร้างเสียงที่มีสีสันเป็นพิเศษ Debussy และ Ravel มักหันไปใช้โหมดพื้นบ้านแบบเก่า: Dorian, Phrygian, Mixolydian, pentatonic ตัวอย่างเช่นในการเล่น "เจดีย์" - มาตราส่วนเพนทาโทนิก พวกเขาใช้ความหงุดหงิดกับสองวินาทีที่ขยายออกไป - "Gate of the Alhambra" การผสมผสานที่ผิดปกติของทั้งตัวหลักและตัวรอง - "Snow is dance" นอกเหนือจากโหมดหลักและโหมดย่อยแล้ว พวกเขายังเปลี่ยนเป็นโหมดทั้งโทน - "Sails" ไปจนถึงโหมดสี - "Alternating Thirds" ความหลากหลายของจานสีที่เป็นกิริยาช่วยของนักดนตรีอิมเพรสชั่นนิสต์นั้นคล้ายคลึงกับการเพิ่มสีสันให้กับจานสีของศิลปินอิมเพรสชันนิสต์

สำหรับเพลงของ Debussy และ Ravel มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะ: การเปลี่ยนแปลงที่ไม่คาดคิดของกุญแจที่อยู่ห่างไกล, การเปรียบเทียบโทนิกของกุญแจที่แตกต่างกัน, การใช้ความสามัคคีที่ไม่สอดคล้องกันที่ไม่ได้รับการแก้ไข ทั้งหมดนี้นำไปสู่การเบลอของความรู้สึกของโทนสี, รากฐานที่เป็นกิริยาช่วย, การบดบังของยาชูกำลัง ดังนั้นความไม่แน่นอนของวรรณยุกต์ความไม่แน่นอน "ความสมดุล" ระหว่างโทนเสียงที่อยู่ห่างไกลโดยไม่มีความชอบที่ชัดเจนสำหรับหนึ่งในนั้น เป็นการเตือนความทรงจำของการเล่น Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนบนผืนผ้าใบของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ และการวางเคียงกันของยาชูกำลังสามกลุ่มหรือการผกผันของพวกมันในปุ่มที่อยู่ห่างไกลทำให้เกิดความรู้สึกคล้ายกับการวาดเส้นเล็ก ๆ ของสี "บริสุทธิ์" ที่วางเคียงข้างกันบนผืนผ้าใบและสร้างชุดสีใหม่ที่ไม่คาดคิด ตัวอย่างเช่น: น็อคเทิร์น "เมฆ" ในละครเรื่องนี้ Debussy ได้ให้คำนำในวรรณกรรมดังต่อไปนี้: “เมฆเป็นภาพท้องฟ้าที่ไม่เคลื่อนไหวโดยมีเมฆสีเทาอย่างช้าๆ และความเศร้าโศกผ่านไปและละลาย ถอยออกไป ถูกแสงสีขาวบังไว้อย่างแผ่วเบา ละครเรื่องนี้สร้างภาพที่งดงามราวภาพวาดของความลึกที่ไม่มีที่สิ้นสุดของท้องฟ้าด้วยสีที่ยากต่อการกำหนดสี ซึ่งเฉดสีต่างๆ ผสมกันอย่างน่าประหลาด ลำดับที่ห้าและสามที่ค่อยๆ เคลื่อนตัวไปราวกับกำลังแกว่งไปมานั้นสร้างความรู้สึกของบางสิ่งที่เยือกแข็ง โดยจะเปลี่ยนเฉดสีเป็นครั้งคราวเท่านั้น เสียงเล่น Debussy "Clouds"

เทียบกับพื้นหลังของเพลง: ... ภาพดนตรีนี้สามารถเปรียบเทียบได้กับทิวทัศน์ของ Claude Monet ซึ่งอุดมไปด้วยช่วงของสีอย่างไม่สิ้นสุดความสมบูรณ์ของเงามัวซึ่งปกปิดการเปลี่ยนสีจากสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่ง ความเป็นหนึ่งเดียวของรูปแบบภาพในการถ่ายโอนภาพเขียนของทะเล ท้องฟ้า แม่น้ำ มักจะบรรลุผลโดยเขาจากการไม่สามารถแบ่งแยกแผนผังที่ห่างไกลและใกล้เคียงในภาพได้ เกี่ยวกับหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดโดย Monet - "Sailboat in Arzantey" - นักวิจารณ์ศิลปะชาวอิตาลีชื่อดัง Lionello Venturi เขียนว่า: กลายเป็นรากฐานของท้องฟ้าแห่งสวรรค์ คุณรู้สึกถึงการเคลื่อนไหวของอากาศอย่างต่อเนื่อง

ร่วมกับภาษาฮาร์มอนิก การประสานกันมีบทบาทสำคัญในงานของอิมเพรสชันนิสต์ สไตล์วงดนตรีของ Debussy โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มที่โดดเด่นเป็นพิเศษ Debussy มีพรสวรรค์ที่น่าอัศจรรย์ที่จะได้ยินเสียงภายในของเครื่องดนตรี นั่นคือจิตวิญญาณที่เปล่งเสียงของมัน การทำลายแบบเหมารวมและความคิดที่เป็นนิสัย Debussy ได้ค้นพบเสียงที่สวยงามและไม่เคยมีมาก่อนซึ่งดูเหมือนเป็นธรรมชาติสำหรับทุกคน ความสามารถนี้ทำให้นักแต่งเพลงเข้าใจและเปิดเผยแก่นแท้ของเครื่องดนตรี เธอช่วยให้ได้ยินเสียงอัลโตฟลุตซึ่งเป็นเสียงอันน่าเศร้าของเขาที่หายไปในใบไม้ ในเสียงของเขา - ความเศร้าโศกของเสียงของมนุษย์ที่กลบด้วยเสียงพึมพำของน้ำและในความสามัคคีของสตริง - เม็ดฝนที่ไหลจากใบเปียก Debussy ขยายความเป็นไปได้ของสีสันของวงออเคสตราอย่างมาก นักแต่งเพลงไม่ค่อยแนะนำเครื่องดนตรีใหม่ๆ ในวงออเคสตรา แต่ใช้เทคนิคใหม่ๆ มากมายในการเปล่งเสียงทั้งเครื่องดนตรีเดี่ยวและกลุ่มของวงออเคสตรา เสียงที่ "บริสุทธิ์" ของ Debussy มีอิทธิพลเหนือกลุ่มของวงออเคสตรา (เครื่องสาย, เครื่องลมไม้, เครื่องทองเหลือง) ไม่ค่อยผสมกัน แต่ฟังก์ชันที่มีสีสันและสีสันของแต่ละกลุ่มและเครื่องดนตรีเดี่ยวของแต่ละคนเพิ่มขึ้น กลุ่มเครื่องสายสูญเสียความสำคัญที่ครอบงำ และลมไม้เข้ายึดที่ศูนย์กลางเนื่องจากลักษณะที่สดใสของไม้ บทบาทของพิณเพิ่มขึ้นเสียงของมันทำให้เกิดความโปร่งใสความรู้สึกของอากาศ Debussy ใช้การลงทะเบียนเครื่องดนตรีที่ผิดปกติ เทคนิคการเล่นที่หลากหลาย Debussy ใช้เสียงของมนุษย์เป็นสีทามใหม่ ตัวอย่างเช่นในละคร "Sirens" จากชุด "Nocturnes" สิ่งสำคัญสำหรับผู้แต่งคือไม่ต้องบรรยายถึงเสียงร้องของไซเรน แต่เพื่อถ่ายทอดการเล่นแสงบนคลื่นทะเลจังหวะที่หลากหลายของทะเล . ละครไซเรนของเดบัสซี่

ศิลปะของ Debussy และ Ravel เช่นเดียวกับผืนผ้าใบของศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ ร้องเพลงเกี่ยวกับโลกแห่งประสบการณ์ตามธรรมชาติของมนุษย์ สื่อถึงความรู้สึกสนุกสนานของชีวิต เปิดเผยให้ผู้ฟังเห็นโลกกวีที่สวยงามของธรรมชาติ ทาสีด้วยสีเสียงที่ละเอียดอ่อนและเป็นต้นฉบับ

ตั้งแต่สมัยโบราณสุนทรียศาสตร์ของโลกถูกครอบงำโดยทฤษฎีการเลียนแบบในงานศิลปะอิมเพรสชั่นนิสต์อนุมัติแนวคิดใหม่ตามที่ศิลปินควรรวบรวมบนผืนผ้าใบของเขาไม่ใช่โลกวัตถุประสงค์รอบตัวเขา แต่เป็นความประทับใจส่วนตัวของเขาในโลกนี้ แนวโน้มมากมายในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ตามมาด้วยวิธีอิมเพรสชั่นนิสม์แบบใหม่

มีแบบทดสอบย่อยในตอนท้ายของบทเรียนในระยะแรก เสนอให้เลือก: จากเปียโนสามตัว และจากนั้นจากชิ้นส่วนดนตรีไพเราะสามชิ้น ผลงานของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชันนิสม์ ในวินาที - จากการ์ดที่เสนอพร้อมชิ้นส่วนของการวิเคราะห์ภาพวาดคุณต้องเลือกการ์ดที่เป็นของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์

1. เสน่ห์ของนางแบบรุ่นเยาว์นั้นดูจะสื่อถึงความรู้สึกได้ดีที่สุดเมื่อตัดกับฉากหลังที่มีระยะห่างสีเขียวใสของภูมิทัศน์และท้องฟ้าสีครามที่อ่อนโยน ภูมิทัศน์ที่ไม่มีที่สิ้นสุดนี้ดูสวยงาม ชวนให้นึกถึงความใหญ่โตของโลก
2. ความรู้สึกของขนาดความรู้สึกของความใหญ่โตและขอบเขตของสิ่งที่เกิดขึ้น ตัวเลขเชิงเปรียบเทียบเป็นศูนย์กลางของความหมายของภาพ: โปรไฟล์โบราณแบบคลาสสิก ลำตัวประติมากรรมที่ทรงพลัง แนวคิดเรื่องเสรีภาพดูเหมือนจะปรากฏชัดในหญิงสาวสวยคนหนึ่ง
3. ด้วยการวาดเส้นเล็ก ๆ ศิลปินสร้างเกมของดวงอาทิตย์ตอนเที่ยงบนผ้าใบซึ่งก่อให้เกิดเฉดสีมากมาย ดอกไม้สดใสสั่นไหวในแสงเงายาวผันผวน เดรสสีขาวของผู้หญิงเขียนด้วยโทนสีน้ำเงิน ซึ่งเป็นสีของเงาที่ตกลงมาจากร่มสีเหลือง ช่วงเวลาสั้นๆ ของชีวิตในสวนที่บานสะพรั่งอยู่บนผืนผ้าใบนี้
4. ลูกบอลสีชมพูที่ไม่มีรังสีโผล่ออกมาจากก้อนเมฆ ระบายสีท้องฟ้าและอ่าว สะท้อนเป็นเส้นทางที่กระพือปีกบนผิวน้ำ หมอกที่เปียกชื้นทำให้เงาของวัตถุนุ่มนวลขึ้น รอบๆ ทุกสิ่งดูไม่มั่นคง ขอบเขตระหว่างท้องฟ้ากับแม่น้ำแทบจะมองไม่เห็น อีกนาทีหนึ่ง หมอกในตอนเช้าจะจางหายไป และทุกอย่างจะเปลี่ยนไป
5. การเปลี่ยนแปลงทางดนตรีของจุดสีที่ส่องประกายบนใบหน้า ทรงผม การแต่งกาย พื้นหลัง เล่นโดยศิลปินในผืนผ้าใบอันวิจิตรงดงามนี้ ทำซ้ำในพัดที่กางออก ก่อตัวขึ้นในภาพลักษณ์ของหญิงสาวช่างฝันและอ่อนโยนราวกับดอกไม้ที่สวยงาม
6. พื้นที่ของภูมิทัศน์ซึ่งเน้นความไม่สมดุลเล็กน้อยนั้นเกิดขึ้นจากแนวต้นไม้ รูปทรงของร่าง และจุดสีของสีขาว เขียว น้ำเงิน และเงาที่สั่นสะเทือนบนพื้น แสงแดดที่ทำให้มองไม่เห็นทำให้ร่างของปริมาตรหายไปซึ่งกลายเป็นภาพเงา อิสระแห่งจังหวะ ความสดชื่นอันเจิดจ้าของจานสี ภาพลวงตาของแสง ความสงบของอารมณ์กลายเป็นคุณสมบัติหลักของรูปแบบการวาดภาพใหม่ ภาพที่มีเสน่ห์เฉพาะตัวของบรรยากาศ ดูมีการตกแต่งและสำคัญอย่างผิดปกติ
7. ตัดออกจากกรอบ เลื่อนในแนวทแยงเล็กน้อย ดูเหมือนภาพหลอนลึกลับของอดีต พระอาทิตย์ในตอนเที่ยงจุดไฟระนาบของอาคารด้านหน้าด้วยเปลวไฟสีทองอ่อน แต่แสงจากด้านในของหินก็มาจากด้านในเช่นเดียวกัน

1. Jean Auguste Dominique Ingres ภาพเหมือนของ Mademoiselle Riviere, 1805, Paris, Louvre
2. E. Delacroix, "อิสรภาพนำพาผู้คน", 1831, Paris, Louvre
3. C. Monet, Lady in the Garden, 1867, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, State Hermitage
4. C. Monet, “ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น” 2416 ปารีส พิพิธภัณฑ์ Marmotan
5. O. Renoir "Girl with a fan", 2424, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, State Hermitage
6. C. Monet, "ผู้หญิงในสวน", 2429, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ออร์แซ
7. C. Monet, "วิหาร Rouen ตอนเที่ยง", 2435, มอสโก, GIII im. เช่น. พุชกิน.

อิมเพรสชั่นนิสม์(ความประทับใจ - ความประทับใจ) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เกิดขึ้นในยุค 70 ของศตวรรษที่ XIX ในภาพวาดฝรั่งเศสและแสดงออกในดนตรีวรรณกรรมโรงละคร แก่นแท้ของอิมเพรสชั่นนิสม์อยู่ในการแก้ไขที่ละเอียดอ่อนที่สุดของช่วงเวลาของความเป็นจริงเชิงพื้นที่แบบสุ่ม

อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีเกิดขึ้นในช่วงปลายยุค 80 และต้นยุค 90 ของศตวรรษที่ 19 สิ่งสำคัญในดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์คือการถ่ายทอดอารมณ์ที่ได้รับความหมายเชิงสัญลักษณ์การตรึงสภาพทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนซึ่งเกิดจากการไตร่ตรองถึงโลกภายนอก คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ซึ่งใช้ในความหมายประณามหรือเยาะเย้ยโดยนักวิจารณ์ดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ต่อมาได้กลายเป็นคำจำกัดความที่ยอมรับกันโดยทั่วไปซึ่งครอบคลุมปรากฏการณ์ทางดนตรีที่หลากหลายในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

คุณสมบัติอิมเพรสชั่นนิสม์ของดนตรีของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสแสดงออกด้วยความรักในแนวบทกวี (“Images”, “Nocturnes”, “The Sea” โดย C. Debussy, “The Play of Water” โดย M. Ravel, ฯลฯ ) และ วิชาในตำนาน (“ Afternoon of a Faun” โดย C. Debussy ) ซึ่งถ่ายทอดโดยนักประพันธ์เพลงที่มีความละเอียดอ่อนเป็นพิเศษในรายละเอียดของตัวละคร

ในดนตรีอิมเพรสชันนิสม์ ความแปลกใหม่ของศิลปะมักถูกรวมเข้ากับภาพในอดีต (“The Tomb of Couperin” โดย M. Ravel, “The Children's Corner” โดย C. Debussy) ความสนใจในเรื่องย่อ (“The Sorcerer's Apprentice” โดย ป. ดุ๊ก)

สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์มีอิทธิพลต่อแนวดนตรีหลักทั้งหมด: แทนที่จะพัฒนาซิมโฟนีแบบหลายส่วน นักแต่งเพลงประกอบด้วยภาพสเก็ตช์ไพเราะ ภาพสเก็ตช์ โปรแกรมย่อขนาดย่อที่บีบอัดได้แพร่กระจายไปในเพลงเปียโน เพลงโรแมนติกถูกแทนที่ด้วยเสียงร้องย่อส่วนที่มีความโดดเด่นของการท่อง รวมกับพื้นหลังเครื่องดนตรีที่เป็นรูปเป็นร่างที่มีสีสัน

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์ได้แผ่ขยายไปทั่วฝรั่งเศส ในสเปน M. de Falla ในอิตาลี O. Respighi, A. Casella และคนอื่นๆ ได้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส อิมเพรสชั่นนิสม์แบบอังกฤษได้รวมอยู่ในงานของ F. Dilius, S. Scott ตัวอย่างที่ชัดเจนของอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีโปแลนด์คือผลงานของ K. Szymanowski ที่มีภาพโบราณและตะวันออกโบราณที่ประณีตบรรจง (“Aretuza Fountain”, “Songs of Hafiz” เป็นต้น) ในรัสเซีย ตัวแทนที่โดดเด่นของดนตรีอิมเพรสชันนิสม์คือ N. Cherepnin, S. Vasilenko, A. Skryabin

ผลงานของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ได้เสริมคุณค่าของสื่อความหมายทางดนตรีในด้านความกลมกลืนอย่างมาก ซึ่งส่งผลให้ระบบโทนเสียงขยายตัว ในทางกลับกัน เป็นการปูทางสำหรับนวัตกรรมฮาร์มอนิกมากมายของศตวรรษที่ 20

ดนตรีร่วมสมัย.แนวคิดของ "ดนตรีสมัยใหม่" ครอบคลุมทุกกระแสและกระแสที่เป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20

การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในประวัติศาสตร์และหายนะระดับโลกได้ก่อให้เกิดรูปแบบศิลปะที่หลากหลายอย่างที่ไม่เคยปรากฏมาก่อน ซึ่งหลายๆ รูปแบบได้รับการเสนอชื่อโดยนักประพันธ์เพลงหลักซึ่งมีส่วนสำคัญต่อการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของโลก

(อิมเพรสชั่นนิสม์ฝรั่งเศสจากความประทับใจ - ความประทับใจ) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เกิดขึ้นในยุค 70 ศตวรรษที่ XIX ในภาพวาดฝรั่งเศสแล้วปรากฏในดนตรีวรรณกรรมโรงละคร จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์ที่โดดเด่น (C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir และคนอื่นๆ) ได้เสริมเทคนิคการวาดภาพสัตว์ป่าด้วยเสน่ห์ที่เย้ายวนทั้งหมด แก่นแท้ของงานศิลปะของพวกเขาคือการตรึงความประทับใจชั่วขณะ ในลักษณะพิเศษของการสร้างสภาพแวดล้อมแสงด้วยความช่วยเหลือของโมเสกที่ซับซ้อนของสีบริสุทธิ์ จังหวะการตกแต่งคร่าวๆ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีเกิดขึ้นในช่วงปลายยุค 80 และต้นยุค 90 เขาค้นพบการแสดงออกที่คลาสสิกของเขาในผลงานของ C. Debussy

การประยุกต์ใช้คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" กับดนตรีนั้นเป็นไปโดยพลการ: อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีไม่เหมือนกับการเคลื่อนไหวในบาร์นี้ในการวาดภาพ สิ่งสำคัญในดนตรีของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชั่นนิสต์คือการถ่ายทอดอารมณ์ที่ได้รับความหมายของสัญลักษณ์การตรึงสภาพทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนซึ่งเกิดจากการไตร่ตรองถึงโลกภายนอก สิ่งนี้นำอิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีเข้ามาใกล้ศิลปะของกวีสัญลักษณ์ซึ่งโดดเด่นด้วยลัทธิของ "อธิบายไม่ได้" คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ซึ่งใช้โดยนักวิจารณ์ดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในแง่ประณามหรือประชดประชัน ต่อมาได้กลายเป็นคำจำกัดความที่ยอมรับกันโดยทั่วไป ครอบคลุมปรากฏการณ์ทางดนตรีที่หลากหลายในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ทั้งในฝรั่งเศสและประเทศอื่นๆ ในยุโรป

ลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ของดนตรีของ C. Debussy, M. Ravel, P. Duke, F. Schmitt, J. Roger-Ducas และนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสคนอื่น ๆ ได้ประจักษ์ในความดึงดูดใจของภูมิทัศน์ที่ได้แรงบันดาลใจจากบทกวี (" Afternoon of a Faun", "Nocturnes", "Sea" Debussy, "The Play of Water", "Reflections", "Daphnis and Chloe" โดย Ravel ฯลฯ ) ความใกล้ชิดกับธรรมชาติความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่เกิดจากการรับรู้ถึงความงามของทะเล ท้องฟ้า ป่าไม้ มีความสามารถตามที่ Debussy กล่าวที่จะปลุกเร้าจินตนาการของผู้แต่งเพื่อนำเทคนิคเสียงใหม่มาสู่ชีวิตโดยปราศจากอนุสัญญาทางวิชาการ อีกด้านของอิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีคือจินตนาการอันประณีตที่สร้างขึ้นโดยตำนานโบราณหรือตำนานยุคกลางซึ่งเป็นโลกที่แปลกใหม่ของชาวตะวันออก ความแปลกใหม่ของวิธีการทางศิลปะมักถูกผสมผสานโดยนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วยการใช้ภาพศิลปะโบราณอันวิจิตรงดงาม (ภาพวาดสไตล์โรโคโค ดนตรีโดยนักเปียโนชาวฝรั่งเศส)

อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีสืบทอดคุณลักษณะบางอย่างที่มีอยู่ในแนวโรแมนติกตอนปลายและโรงเรียนระดับชาติของศตวรรษที่ 19: ความสนใจในการประพันธ์บทกวีของสมัยโบราณและดินแดนที่ห่างไกลในเสียงต่ำและความกลมกลืนและการฟื้นคืนชีพของระบบกิริยาแบบโบราณ บทกวีย่อของ F. Chopin และ R. Schumann ภาพวาดเสียงของ F. Liszt ผู้ล่วงลับ การค้นพบสีสันของ E. Grieg, NA Rimsky-Korsakov เสรีภาพในการเปล่งเสียงและการแสดงด้นสดโดยธรรมชาติของ MP Mussorgsky พบว่ามีความต่อเนื่องดั้งเดิมใน ผลงานของ Debussy และ Ravel การสรุปความสำเร็จของรุ่นก่อนอย่างมีพรสวรรค์ อาจารย์ชาวฝรั่งเศสเหล่านี้ในขณะเดียวกันก็ขัดขืนอย่างรวดเร็วต่อการให้ความรู้ด้านวิชาการเกี่ยวกับประเพณีที่โรแมนติก การพูดเกินจริงที่น่าสมเพชและการแสดงละครเพลงของ R. Wagner มากเกินไป พวกเขาต่อต้านศิลปะแห่งอารมณ์ที่ถูกจำกัดและพื้นผิวที่ขี้เหนียวที่โปร่งใส สิ่งนี้ยังสะท้อนให้เห็นในความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นประเพณีฝรั่งเศสโดยเฉพาะเรื่องความชัดเจน ความประหยัดของวิธีการแสดงออก ซึ่งตรงกันข้ามกับความหนักหน่วงและความรอบคอบของแนวโรแมนติกของเยอรมัน

ในตัวอย่างดนตรีอิมเพรสชันนิสม์จำนวนมาก มีทัศนคติเกี่ยวกับชีวิตที่แสดงออกอย่างกระตือรือร้น ซึ่งทำให้พวกเขาเกี่ยวข้องกับภาพวาดของอิมเพรสชันนิสต์ ศิลปะสำหรับพวกเขาคือทรงกลมแห่งความสุขชื่นชมความงามของสีประกายของแสงโทนสีอันเงียบสงบ ในขณะเดียวกันก็หลีกเลี่ยงความขัดแย้งที่เฉียบแหลมและความขัดแย้งทางสังคมอย่างลึกซึ้ง

ดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์มักจะมีลักษณะที่ละเอียดอ่อน ความอ่อนโยน และการเปลี่ยนแปลงของภาพเสียงได้อย่างคล่องแคล่ว "การฟังนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชันนิสม์ ส่วนใหญ่คุณจะหมุนไปในวงกลมของเสียงสีรุ้งที่คลุมเครือ อ่อนโยนและเปราะบางจนถึงขั้นที่ดนตรีกำลังจะสลายไปในทันทีทันใด ... มีเพียงในจิตวิญญาณของคุณเป็นเวลานานโดยทิ้งเสียงสะท้อนและภาพสะท้อนของนิมิตที่ไม่มีตัวตนที่ทำให้มึนเมา " (VG Karatygin)

สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์มีอิทธิพลต่อแนวดนตรีหลักทั้งหมด: แทนที่จะพัฒนาซิมโฟนีหลายส่วน สเก็ตช์ไพเราะเริ่มได้รับการปลูกฝัง ผสมผสานความนุ่มนวลของสีน้ำของการวาดภาพด้วยเสียงกับความลึกลับของอารมณ์เชิงสัญลักษณ์ ในเพลงเปียโน - โปรแกรมย่อขนาดย่อที่บีบอัดอย่างเท่าเทียมกันโดยใช้เทคนิคพิเศษของเสียง "เรโซแนนซ์" และภูมิทัศน์ที่งดงาม เพลงโรแมนติกถูกแทนที่ด้วยเสียงร้องย่อส่วนที่มีความเด่นของการท่องจำ รวมกับภาพที่มีสีสันของพื้นหลังบรรเลง ในโรงอุปรากร อิมเพรสชั่นนิสม์นำไปสู่การสร้างละครเพลงที่มีเนื้อหากึ่งตำนาน โดดเด่นด้วยบรรยากาศอันละเอียดอ่อนที่น่าหลงใหล ความโลภ และความเป็นธรรมชาติของการบรรยายเสียงร้อง ด้วยการแสดงออกทางจิตวิทยาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ภาพนิ่งของการแสดงละคร (Pelleas และMélisande โดย Debussy) ส่งผลกระทบต่อพวกเขา

ผลงานของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ได้เสริมคุณค่าทางดนตรีและการแสดงออกอย่างมากมาย สิ่งนี้ใช้ได้กับทรงกลมของความกลมกลืนเป็นหลักด้วยเทคนิคของความเท่าเทียมและการร้อยสตริงที่แปลกประหลาดของจุดประสานที่มีสีสันที่ยังไม่ได้แก้ไข อิมเพรสชันนิสต์ขยายระบบวรรณยุกต์สมัยใหม่อย่างมีนัยสำคัญ ปูทางสำหรับนวัตกรรมฮาร์มอนิกมากมายของศตวรรษที่ 20 (แม้ว่าความชัดเจนของการเชื่อมต่อที่ใช้งานได้จะลดลงอย่างเห็นได้ชัด) ความซับซ้อนและการบวมของคอร์ดเชิงซ้อน (nonchords, undecimaccords, altered และ harmonies ที่สี่) ถูกรวมเข้ากับการทำให้เข้าใจง่าย, การจัดลำดับของการคิดแบบโมดอล (โหมดธรรมชาติ, เพนทาโทนิก, คอมเพล็กซ์ทั้งโทน) การประสานกันของนักประพันธ์เพลงอิมเพรสชันนิสม์ถูกครอบงำด้วยสีสันที่บริสุทธิ์ ไฮไลท์ที่แปลกประหลาด มักใช้โซโลของเป่าลมไม้ ทางเดินของพิณ การแบ่งสตริงที่ซับซ้อน และเอฟเฟกต์คอน ซอร์ดิโน พื้นหลัง ostinato ที่ไหลสม่ำเสมอและตกแต่งอย่างหมดจดโดยทั่วไป จังหวะบางครั้งไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ท่วงทำนองไม่ได้มีลักษณะเฉพาะด้วยโครงสร้างที่โค้งมน แต่ด้วยการแสดงออกสั้นๆ วลี-สัญลักษณ์ ชั้นแรงจูงใจ ในเวลาเดียวกัน ในดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์ ความสำคัญของแต่ละเสียง เสียงต่ำ และคอร์ดได้รับการปรับปรุงเป็นพิเศษ และเผยให้เห็นความเป็นไปได้ที่ไม่จำกัดสำหรับการขยายโหมด ความสดใหม่เป็นพิเศษในดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์มาจากการดึงดูดใจบ่อยครั้งในแนวเพลงและการเต้นรำ การใช้กิริยาช่วยอย่างละเอียดอ่อน องค์ประกอบจังหวะที่ยืมมาจากคติชนของชนชาติตะวันออก สเปน และแจ๊สนิโกรในยุคแรก .

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีแผ่ขยายออกไปนอกพรมแดนของฝรั่งเศสโดยได้รับคุณลักษณะระดับชาติเฉพาะในหมู่ชนชาติต่างๆ ในสเปน M. de Falla ในอิตาลี O. Respighi อายุน้อย A. Casella และ J. F. Malipiero ได้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส อิมเพรสชั่นนิสม์ดนตรีของอังกฤษมีลักษณะเฉพาะกับภูมิทัศน์ "ทางเหนือ" (F. Dilius) หรือความแปลกใหม่ (S. Scott) ในโปแลนด์ การแสดงอิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีแสดงโดย K. Szymanowski (จนถึงปี 1920) ด้วยภาพโบราณอันประณีตของเขาและ Dr. ทิศตะวันออก. อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศสได้รับประสบการณ์เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และนักแต่งเพลงชาวรัสเซียบางคน (N. N. Cherepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko ในช่วงปีแรก ๆ ของการทำงาน) ใน A.N. Scriabin คุณลักษณะที่สร้างขึ้นอย่างอิสระของอิมเพรสชั่นนิสม์ถูกรวมเข้ากับความปีติยินดีและแรงกระตุ้นที่มีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้า การผสมผสานของประเพณีดนตรีของ N. A. Rimsky-Korsakov กับเอฟเฟกต์ดั้งเดิมของอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศสนั้นสามารถสังเกตได้ในช่วงแรก ๆ ของ I. F. Stravinsky ("The Firebird", "Petrushka", โอเปร่า "The Nightingale") ในเวลาเดียวกัน Stravinsky และ S. S. Prokofiev พร้อมด้วย B. Bartok กลายเป็นผู้ริเริ่มแนวทาง "ต่อต้านอิมเพรสชันนิสม์" ใหม่ในดนตรียุโรปในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง

I.V. Nestiev

อิมเพรสชั่นนิสม์ดนตรีฝรั่งเศส

ผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสรายใหญ่ที่สุดสองคนคือ Debussy และ Ravel เป็นปรากฏการณ์ที่สำคัญที่สุดในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ซึ่งเป็นประกายสดใสของศิลปะที่มีมนุษยธรรมและบทกวีอย่างลึกซึ้งในช่วงเวลาที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในการพัฒนา ของวัฒนธรรมฝรั่งเศส

ชีวิตศิลปะของฝรั่งเศสในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 มีความโดดเด่นในด้านความหลากหลายและความแตกต่างที่โดดเด่น ในอีกด้านหนึ่ง การปรากฏตัวของ "การ์เมน" อันชาญฉลาด - จุดสุดยอดของสัจนิยมในอุปรากรฝรั่งเศส ทั้งชุดที่ลึกซึ้งในการออกแบบ งานไพเราะและห้องแสดงที่มีนัยสำคัญทางศิลปะโดย Franck, Saint-Saens, Fauré และ Debussy; ในทางกลับกัน การครอบงำในชีวิตดนตรีของเมืองหลวงฝรั่งเศสของสถาบันเช่น Paris Conservatory, Academy of Fine Arts ที่มีลัทธิประเพณี "วิชาการ" ที่ตายแล้ว

ความเปรียบต่างที่โดดเด่นไม่น้อยไปกว่านั้นคือการแพร่กระจายในชั้นที่กว้างที่สุดของสังคมฝรั่งเศสของชีวิตดนตรีในรูปแบบประชาธิปไตยเช่นสังคมร้องเพลงมวลชน จิตวิญญาณที่เฉียบแหลมทางสังคมของกิจกรรมของ Chansonniers ชาวปารีส และด้วยสิ่งนี้ - การเกิดขึ้นของอัตนัยอย่างยิ่ง แนวโน้มในศิลปะฝรั่งเศส - สัญลักษณ์ซึ่งตอบสนองความสนใจของชนชั้นสูงด้านสุนทรียะของสังคมชนชั้นกลางเป็นหลักด้วยสโลแกน "ศิลปะเพื่อชนชั้นสูง"

ในสภาพแวดล้อมที่ยากลำบากเช่นนี้ หนึ่งในแนวโน้มที่น่าสนใจและมีชีวิตชีวาที่สุดในศิลปะฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ถือกำเนิดขึ้น - อิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งเกิดขึ้นครั้งแรกในการวาดภาพ จากนั้นในบทกวีและดนตรี

ในทัศนศิลป์ ทิศทางใหม่นี้รวบรวมศิลปินที่มีความสามารถพิเศษเฉพาะตัว - E. Manet, C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro และคนอื่นๆ คงจะผิดถ้าจะถือว่าศิลปินที่อยู่ในรายชื่อทั้งหมดมีแนวคิดแบบอิมเพรสชันนิสม์อย่างไม่มีเงื่อนไข เพราะแต่ละคนมีเนื้อหาวิชาที่เขาโปรดปราน ซึ่งเป็นลักษณะการเขียนที่เป็นต้นฉบับ แต่ในตอนแรกพวกเขารวมกันด้วยความเกลียดชังต่อศิลปะ "เชิงวิชาการ" อย่างเป็นทางการ ต่างจากชีวิตของฝรั่งเศสสมัยใหม่ ไร้มนุษยธรรมที่แท้จริง และการรับรู้โดยตรงต่อสิ่งแวดล้อม

“ นักวิชาการ” โดดเด่นด้วยความชอบเป็นพิเศษสำหรับบรรทัดฐานความงามของศิลปะโบราณสำหรับวิชาในตำนานและพระคัมภีร์ในขณะที่ธีมและทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินในยุคก่อนเช่น Camille Corot และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Gustave Courbet กลายเป็น ใกล้ชิดกับพวกอิมเพรสชันนิสต์มากขึ้น

สิ่งสำคัญที่อิมเพรสชั่นนิสต์สืบทอดมาจากศิลปินเหล่านี้คือพวกเขาออกจากเวิร์กช็อปในที่โล่งและเริ่มเขียนจากธรรมชาติโดยตรง นี่เป็นการเปิดหนทางใหม่ให้พวกเขาเข้าใจและแสดงโลกรอบตัวพวกเขา K. Pissarro กล่าวว่า: "คุณไม่สามารถคิดเกี่ยวกับวิธีการเขียนภาพที่จริงจังอย่างแท้จริงโดยปราศจากธรรมชาติ" คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของวิธีการสร้างสรรค์ของพวกเขาคือการถ่ายโอนความประทับใจโดยตรงจากปรากฏการณ์ใดปรากฏการณ์หนึ่ง สิ่งนี้ก่อให้เกิดนักวิจารณ์บางคนจัดประเภทพวกเขาว่าเป็นลัทธิธรรมชาตินิยม จากนั้นจึงนำแฟชั่นด้วยการรับรู้ "ภาพถ่าย" ที่ผิวเผินเกี่ยวกับโลก หรือเพื่อกล่าวหาว่าพวกเขาแทนที่การแสดงปรากฏการณ์ที่แท้จริงของความเป็นจริงด้วยความรู้สึกส่วนตัวล้วนๆ หากการประณามอัตวิสัยนิยมมีเหตุผลสำหรับศิลปินจำนวนหนึ่ง ข้อกล่าวหาของลัทธินิยมนิยมก็ไม่ได้รับการพิสูจน์อย่างดี เพราะส่วนใหญ่ (โมเนต์ เรอนัวร์ เดอกาส์ แวนโก๊ะ) มีภาพเขียนจำนวนหนึ่ง แม้ว่าจะดูเหมือนเป็นภาพสเก็ตช์ทันที ราวกับดึง " จากชีวิต" ออกไป แท้จริงแล้วปรากฏเป็นผลจากการค้นหาและเลือกลักษณะทั่วไปและลักษณะทั่วไปอย่างลึกซึ้งของการสังเกตชีวิตมาอย่างยาวนาน

อิมเพรสชันนิสต์ส่วนใหญ่มักเน้นถึงความสำคัญของการเลือกหัวข้อเฉพาะสำหรับภาพวาดของพวกเขา เอดูอาร์ด มาเนต์ ผู้เป็นพี่คนโตกล่าวว่า “สีเป็นเรื่องของรสนิยมและความอ่อนไหว แต่คุณต้องมีอะไรจะพูด มิฉะนั้น - ลาก่อน! .. คุณต้องตื่นเต้นกับหัวข้อด้วย

ธีมหลักของงานคือฝรั่งเศส - ธรรมชาติ ชีวิต และผู้คน: หมู่บ้านชาวประมงและถนนสายปารีสที่อึกทึก สะพานในมอเรต์ และมหาวิหารชื่อดังในรูออง ชาวนาและนักบัลเล่ต์ ซักรีด และชาวประมง

การเปิดเผยที่แท้จริงบนผืนผ้าใบของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์คือภูมิทัศน์ แรงบันดาลใจด้านนวัตกรรมของพวกเขาถูกเปิดเผยที่นี่ในความหลากหลายและความสมบูรณ์ของเฉดสีและความแตกต่าง บนผืนผ้าใบของอิมเพรสชั่นนิสต์ สีสันของธรรมชาติที่มีชีวิตชีวาปรากฏขึ้น ความรู้สึกของความโปร่งใสของอากาศ การเล่น Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนที่สุด ฯลฯ

หัวข้อใหม่ ความสนใจในธรรมชาติอย่างมหาศาลเรียกร้องภาษาภาพพิเศษจากอิมเพรสชันนิสต์ การค้นพบรูปแบบโวหารของการวาดภาพตามความสามัคคีของรูปแบบและสี พวกเขาสามารถพิสูจน์ได้ว่าสีในภาพสามารถเกิดขึ้นได้โดยไม่จำเป็นต้องผสมสีในจานสี แต่เป็นผลมาจากโทนสีที่ "บริสุทธิ์" จำนวนหนึ่งที่สร้างส่วนผสมทางแสงที่เป็นธรรมชาติมากขึ้น เงานั้นไม่เพียงเป็นผลมาจากการที่ตัวแบบมีแสงน้อยเท่านั้น แต่ยังสามารถทำให้เกิดสีใหม่ได้อีกด้วย สีนั้นก็เหมือนกับเส้นตรงที่สามารถ "ทำให้ตาบอด" วัตถุ ทำให้วัตถุมีรูปร่างที่ชัดเจนและชัดเจน เป็นต้น

ความแปลกใหม่ของหัวข้อและโดยเฉพาะอย่างยิ่งวิธีการของศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ทำให้เกิดทัศนคติเชิงลบอย่างมากจากวงการศิลปะอย่างเป็นทางการในปารีส สื่ออย่างเป็นทางการเรียกนิทรรศการครั้งแรกของอิมเพรสชันนิสต์ว่า "ความพยายามในศีลธรรมอันดีทางศิลปะ" ในการเคารพปรมาจารย์ศิลปะฝรั่งเศสคลาสสิก

ในสภาพแวดล้อมของการต่อสู้อย่างต่อเนื่องระหว่างแนวโน้มดั้งเดิมและใหม่ในการวาดภาพและกวีนิพนธ์ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีได้ก่อตัวขึ้น นอกจากนี้ยังเกิดขึ้นเป็นการต่อต้านโดยตรงต่อประเพณี "วิชาการ" ที่ล้าสมัย แต่ยังคงยึดมั่นในศิลปะดนตรีของฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ผ่านมา ตัวแทนคนแรกและโดดเด่นที่สุดของเทรนด์นี้คือ Claude Debussy Maurice Ravel กลายเป็นนักแต่งเพลงที่สานต่อแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของ Debussy ในหลาย ๆ ด้าน แต่ในขณะเดียวกันก็พบเส้นทางการพัฒนาดั้งเดิมของเขา การทดลองเชิงสร้างสรรค์ครั้งแรกของพวกเขาพบกับทัศนคติที่ไม่เป็นมิตรจากการเป็นผู้นำของสถาบันทางการ - Paris Conservatory, Academy of Fine Arts รวมถึงภาพวาดของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกเขาต้องเดินไปตามทางศิลปะเพียงลำพัง เพราะพวกเขาแทบไม่มีคนและเพื่อนร่วมงานที่มีความคิดเหมือนๆ กัน ชีวิตทั้งชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์ของ Debussy และ Ravel เป็นเส้นทางของการค้นหาที่เจ็บปวดและการค้นพบธีมและโครงเรื่องใหม่อย่างมีความสุข การทดลองที่กล้าหาญในด้านแนวดนตรีและวิธีการของภาษาดนตรี

ด้วยต้นกำเนิดร่วมกันของงาน สภาพแวดล้อมทางศิลปะ ศิลปินทั้งสองมีความเฉพาะตัวในภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของพวกเขา สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการเลือกธีมและโครงเรื่องบางอย่างและในทัศนคติต่อนิทานพื้นบ้านของชาติและในธรรมชาติของวิวัฒนาการของเส้นทางสร้างสรรค์ของแต่ละคนและในลักษณะที่สำคัญมากมายของสไตล์

อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรี (เช่นเดียวกับการวาดภาพ) เติบโตขึ้นบนพื้นฐานของประเพณีประจำชาติของศิลปะฝรั่งเศส สิ่งนี้แสดงให้เห็นใน Debussy และ Ravel อย่างเข้มแข็ง แม้ว่าจะไม่สามารถมองเห็นความสัมพันธ์ภายนอกกับศิลปะพื้นบ้านของฝรั่งเศสได้เสมอไป (ซึ่งตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดสำหรับพวกเขาอาจเป็นงานระดับชาติที่ลึกซึ้งของ Wiese) ในการติดต่อกับวรรณคดีร่วมสมัยและภาพวาด (ซึ่ง มักเป็นแบบอย่างของดนตรีฝรั่งเศสในยุคประวัติศาสตร์ต่างๆ) โดยมีบทบาทพิเศษในงานโปรแกรมดนตรีบรรเลง โดยมีความสนใจเป็นพิเศษในวัฒนธรรมโบราณ แต่ปรากฏการณ์ที่ใกล้เคียงและตรงที่สุดที่เตรียมอิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรียังคงเป็นกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสสมัยใหม่ (ซึ่งในเวลานั้นร่างของกวี Paul Verlaine ผู้ซึ่งใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์มาก่อน) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งอิมเพรสชั่นนิสต์ภาพ หากอิทธิพลของกวีนิพนธ์ (ส่วนใหญ่เป็นสัญลักษณ์) พบได้บ่อยในงานแรกของ Debussy และ Ravel อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ภาพที่มีต่องานของ Debussy (และในระดับที่น้อยกว่าใน Ravel) กลับกลายเป็นว่ากว้างและมีผลมากขึ้น

ในงานของศิลปินอิมเพรสชันนิสม์และนักประพันธ์เพลง พบธีมที่เกี่ยวข้อง: ฉากประเภทที่มีสีสัน ภาพสเก็ตช์ภาพเหมือน แต่ภูมิทัศน์ตรงบริเวณสถานที่พิเศษ

มีลักษณะทั่วไปในวิธีการทางศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์ภาพและดนตรี - ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความประทับใจครั้งแรกโดยตรงของปรากฏการณ์ ดังนั้นแรงดึงดูดของอิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้อยู่ที่ขนาดมหึมา แต่สำหรับรูปแบบย่อส่วน (ในการวาดภาพ - ไม่ใช่ในปูนเปียกหรือองค์ประกอบขนาดใหญ่ แต่สำหรับภาพเหมือน, ภาพร่าง; ในดนตรี - ไม่ใช่ซิมโฟนี oratorio แต่เพื่อความโรแมนติก, เปียโน หรือวงดนตรีย่อส่วนพร้อมการแสดงท่าทางด้นสดฟรี) (นี่เป็นลักษณะเฉพาะของ Debussy มากกว่า Ravel ในงานที่โตเต็มที่ของเขา Ravel แสดงความสนใจเป็นพิเศษในรูปแบบเครื่องดนตรีขนาดใหญ่ - โซนาตาคอนแชร์โต้ตลอดจนโอเปร่าและบัลเล่ต์)

ที่สำคัญที่สุด รูปภาพอิมเพรสชั่นนิสม์มีอิทธิพลต่อดนตรีในด้านวิธีการแสดงออก เช่นเดียวกับในการวาดภาพ การค้นหา Debussy และ Ravel มีจุดมุ่งหมายเพื่อขยายขอบเขตของวิธีการแสดงออกที่จำเป็นในการรวบรวมภาพใหม่ และประการแรกคือการเพิ่มคุณค่าสูงสุดของด้านดนตรีที่มีสีสันและมีสีสัน การค้นหาเหล่านี้เกี่ยวข้องกับโหมดและความกลมกลืน ท่วงทำนองและจังหวะของเมโทร เท็กซ์เจอร์ และเครื่องมือวัด คุณค่าของท่วงทำนองในฐานะองค์ประกอบหลักในการแสดงออกของดนตรีนั้นอ่อนลง ในเวลาเดียวกัน บทบาทของภาษาฮาร์โมนิกและสไตล์ออร์เคสตราก็เพิ่มขึ้นอย่างผิดปกติ เนื่องจากความสามารถของพวกเขา พวกเขามีแนวโน้มที่จะถ่ายทอดหลักการเชิงภาพและเชิงสีมากกว่า

วิธีการแสดงออกแบบใหม่ของนักประพันธ์เพลงแนวอิมเพรสชันนิสต์สำหรับความคิดริเริ่มและความเฉพาะเจาะจงทั้งหมดมีความคล้ายคลึงกับภาษาภาพของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ การดึงดูด Debussy และ Ravel บ่อยครั้งไปสู่โหมดพื้นบ้านแบบเก่า (pentatonic, Dorian, Phrygian, Mixolydian และอื่น ๆ ) รวมถึงมาตราส่วนทั้งโทนสีร่วมกับหลักและรองตามธรรมชาตินั้นคล้ายคลึงกับการเพิ่มสีสันของจานสี ของศิลปินอิมเพรสชันนิสม์ “การทรงตัว” ที่ยืดเยื้อระหว่างสองโทนเสียงที่อยู่ห่างไกลโดยปราศจากความชอบที่ชัดเจนสำหรับหนึ่งในนั้น เป็นการเตือนความทรงจำของการเล่น Chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อนบนผืนผ้าใบ การเรียงต่อกันของยาชูกำลังสามกลุ่มหรือการผกผันของพวกมันในปุ่มที่อยู่ห่างไกลทำให้เกิดความรู้สึกคล้ายกับการวาดเส้นเล็กๆ ของสี "บริสุทธิ์" ที่วางเคียงข้างกันบนผืนผ้าใบและก่อให้เกิดการผสมสีใหม่ที่ไม่คาดคิด เป็นต้น

ผลงานของ Debussy และ Ravel (เช่นเดียวกับศิลปินอิมเพรสชันนิสต์) ก็ได้รับผลกระทบจากข้อจำกัดบางประการของสุนทรียศาสตร์แบบอิมเพรสชันนิสต์เช่นกัน พบการแสดงออกในขอบเขตของหัวข้อที่แคบลง ขอบเขตทางศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่างของงานของพวกเขา (โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบกับผู้บุกเบิกผู้ยิ่งใหญ่ของพวกเขา Berlioz ดนตรีแห่งยุคปฏิวัติฝรั่งเศส) โดยไม่สนใจธีมวีรบุรุษประวัติศาสตร์และสังคม ในทางตรงกันข้าม ทิวทัศน์ทางดนตรี ฉากประเภท ภาพเหมือนที่มีลักษณะเฉพาะ มักเป็นที่ชื่นชอบของภูมิทัศน์ทางดนตรี ฉากประเภท ภาพบุคคล มักเป็นตำนานหรือเทพนิยายน้อยกว่า แต่ในขณะเดียวกัน Debussy และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Ravel ได้เอาชนะข้อจำกัดของสุนทรียศาสตร์แบบอิมเพรสชันนิสม์ และสร้างผลงานที่ลึกซึ้งทางจิตวิทยาเช่น Second Piano Concerto และ The Tomb of Couperin (Ravel) ที่ยิ่งใหญ่ในแง่ของขนาด ของการพัฒนาไพเราะ, Waltz และ Bolero ( Ravel), ภาพสีสันสดใสของวิถีชีวิตพื้นบ้านเช่น "Iberia" และ "Celebrations" (Debussy), "Spanish Rhapsody" (Ravel)

ต่างจากแนวโน้มมากมายในศิลปะสมัยใหม่ที่เฟื่องฟูในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 (การแสดงออก คอนสตรัคติวิสต์ วิถีชีวิตเมือง และอื่นๆ) ผลงานของศิลปินชาวฝรั่งเศสสองคนนั้นมีความโดดเด่นจากการไม่มีการปรับแต่งที่เจ็บปวดอย่างสมบูรณ์ การทดแทนการรับรู้ทางอารมณ์ของสิ่งรอบข้างด้วย "การสร้าง" ของดนตรี ศิลปะของ Debussy และ Ravel เช่นเดียวกับภาพวาดของ Impressionists ร้องเพลงเกี่ยวกับโลกแห่งประสบการณ์ของมนุษย์ตามธรรมชาติ ซึ่งบางครั้งก็น่าทึ่งมาก แต่มักจะสื่อถึงความรู้สึกสนุกสนานของชีวิต มองโลกในแง่ดีจริงๆ

ผลงานส่วนใหญ่ของพวกเขาดังเช่นที่เคยเป็นมา เปิดให้ผู้ฟังได้สัมผัสกับโลกแห่งธรรมชาติแห่งบทกวีที่สวยงาม โดยทาสีด้วยสีสันที่ละเอียดอ่อน มีเสน่ห์ และน่าหลงใหลของจานเสียงที่เข้มข้นและเป็นต้นฉบับ

ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของมรดกของ Debussy และ Ravel ถูกกำหนดโดย Romain Rolland อย่างเหมาะสมและแม่นยำ โดยกล่าวว่า "ฉันมองว่า Ravel เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวงการดนตรีฝรั่งเศสเสมอมา พร้อมกับ Rameau และ Debussy หนึ่งในนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ."

ข. ไอโอนิน

แนวโน้มศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 โดยอิงจากความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะ ความรู้สึกส่วนตัว และอารมณ์ของศิลปิน เดิมทีมีต้นกำเนิดมาจากภาพวาดฝรั่งเศส จากนั้นจึงเผยแพร่ไปยังศิลปะและประเทศอื่นๆ ในการออกแบบท่าเต้น ความปรารถนาที่จะแก้ไขช่วงเวลา ลักษณะของอิมเพรสชันนิสม์ อาศัยการแสดงด้นสดและต่อต้านการสร้างสรรค์รูปแบบศิลปะที่สมบูรณ์ ในโรงละครบัลเล่ต์ที่ใช้เทคนิคการเต้นที่ซับซ้อนและรูปแบบการเต้นที่พัฒนาขึ้น อิมเพรสชั่นนิสม์ที่สม่ำเสมอจะหมายถึงการทำลายตนเอง ดังนั้นจึงไม่ได้รับความนิยมอย่างมาก อิมเพรสชั่นนิสม์แสดงออกส่วนใหญ่ในสิ่งที่เรียกว่า เต้นรำฟรี ก. ดันแคนปกป้องแนวคิดเรื่อง "การปลดปล่อยร่างกาย" และการตีความดนตรีโดยสัญชาตญาณโดยไม่มีสิ่งใดเลย มาตรฐานการเต้น อิมเพรสชั่นนิสม์ในการเต้นรำก็แพร่หลายในเยอรมนีเช่นกัน M. M. Fokin พยายามทำให้อิมเพรสชั่นนิสม์เข้าใกล้ฉากบัลเล่ต์มากขึ้น การสร้างฉากจากยุคต่างๆ ในการแสดงขึ้นมาใหม่ ("Pavilion of Armida", "Chopiniana", both - 1907; "Egyptian Nights", 1908 เป็นต้น), Fokine หันไปใช้สไตล์ที่เก๋ไก๋ ต่อมาในผลงานของเขา โครงสร้างของการเต้นรำเริ่มเบลอมากขึ้นเรื่อยๆ แบบฟอร์มที่เสร็จสมบูรณ์ (pas de deux, adagio, การเปลี่ยนแปลง ฯลฯ) ถูกปฏิเสธและล้อเลียน (เช่น ในบัลเลต์หนวดเครา) ในเวลาเดียวกัน คุณลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสม์ในงานของ Fokine เป็นเพียงแง่มุมเดียว

ในอนาคต การแสดงที่ยิ่งใหญ่จะถูกแทนที่ด้วยขนาดเล็กมากขึ้นเรื่อยๆ อย่างไรก็ตาม ในการแสวงหาความเที่ยงตรงของการถ่ายโอนความประทับใจในทันที เนื้อหาในหัวข้อก็ถูกฉีกเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย และบทละครก็ถูกละเลย อิมเพรสชั่นนิสม์หมดความเป็นไปได้อย่างรวดเร็ว

บัลเล่ต์ สารานุกรม, SE, 1981