ประเภทเครื่องดนตรี Chamber เล่นจิ๋ว Wolfgang Amadeus Mozart

ออกแบบมาเพื่อแสดงในห้องเล็ก ๆ โดยนักแสดงกลุ่มเล็ก ๆ

คำว่า "แชมเบอร์มิวสิค" พบครั้งแรกในปี 1555 ที่ N. Vi-chen-ti-no ในศตวรรษที่สิบหก - สิบแปด "ka-mer-noy" na-zy-wa-li secular music-ku (in-cal-ny ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ใน-st-ru-men-tal-nuyu) sound-chav-shuyu ใน home-mash-them condition-vi-y และที่สอง; ในศตวรรษที่ 17-18 ในประเทศส่วนใหญ่ของลาน Eu-ro-py mu-zy-kan-ty no-si-li ชื่อ "ka-mer-mu-zy-kan-tov" (ในรัสเซีย นี่คือชื่อของ essence-st-in-va-lo ใน XVIII - ต้นศตวรรษที่ XIX ใน Av-st-ry และ Germany เป็นชื่อกิตติมศักดิ์สำหรับ in-Stru-men-ta-list so-keep-no -els-no-no). ในศตวรรษที่ 18 เชมเบอร์มิวสิค zvu-cha-la ใน ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh ในวงแคบของ zn-to-kov และ lu-bi-te-lei ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 ไร่ -va- มีผับ - คอนเสิร์ตส่วนตัวในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 พวกเขาได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตนักดนตรีในยุโรป ด้วย ras-pro-st-ra-no-no-public-private-concert ka-mer-ny-mi is-pol-no-te-la-mi เริ่มเรียก mu-zy-kan-tov มืออาชีพ - ร้องเพลงในคอนเสิร์ตด้วยการใช้ดนตรีแชมเบอร์ครึ่งไม่มีเลย us-to-chi-ty-py ka-mer-no-go en-samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, sext-stet, sep-tete, ok-tete แต่ - ไม่ de-qi-meth In-cal-ny en-sambl ในองค์ประกอบของ ko-to-ro-go จะเข้าสู่-close-zi-tel-แต่จาก 10 ถึง 20 เป็นครึ่ง ni-te-lei เป็น right-vi - แท้จริง, นา - ซี - วา - ซยากา - เม - ญ - ญฺญ; in-st-ru-ment-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih มากกว่า 12 is-full-no-te-lei, - ka-mer-nym หรือ-ke-st-rum ( gran-ni-tsy ระหว่าง-zh-du ka-mer-nym และ sym-phonic ขนาดเล็กหรือ-ke-st-rum ไม่ใช่-op-re-de-len-ny)

รูปแบบของดนตรีแชมเบอร์ที่พัฒนามากที่สุดใน st-ru-ment-tal-naya คือไซคลิกโค - นา - ทา (ในศตวรรษที่ 17-18 - ทรีโอ - โค - นา - ทา, ซอล - นายาโค - นา - ทา co-pro-w-de-nia หรือ co-pro-w-de-ni bass-with con-ti-nuo; classic images -cy - at A. Ko-rel-li, I.S.Ba-ha). ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 J.Haydn, K. Diet-ters-dor-fa, L. Bok-ke-ri-ni, V.A Mo-tsar-ta sfor-mi-ro-va - มีประเภทต่างๆ ของ co-na-ty แบบคลาสสิก (sol-noy และ an-samb-le-voy), trio, quart-te-ta, quin-te-ta (one-no-time-no กับ ti-pi-za-qi -she is-half-ni-tel-s-st-vov), us-ta-no-saw-las op-re-de-len-naya การเชื่อมต่อระหว่าง ha-rak-te-rum จาก-lo-ze- Niya ka-zh-doy party และอาจเป็น -nos-mi inst-st-ru-men-ta สำหรับ ko-ro-go เธอ pre-na-zn-che-na (ก่อนปล่อยให้ไป - กา - ลอใช้ -full-ness ของหนึ่งเดียวและ co-chi-no-nia ที่แตกต่างกัน so-hundred-va-mi inst-st-ru-men-tov) สำหรับ in-st-ru-ment-tal-no-go en-samb-la (bow-to-go quart-te-ta) ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 so-chi-nya-li L. van Beth -ho-ven, F.Su-bert, F.Men-del-son, R.Su-man และ com-zi-to-ry อื่น ๆ อีกมากมาย ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ตัวอย่างของดนตรีเชมเบอร์ถูกสร้างขึ้นโดย I.Brams, E.Grieg, S. Frank, B. Sme-ta-na, A.Dvor-Jacques ในศตวรรษที่ XX - K. De-bus-si, M. Ra-vel, P. Hin-de-mit, L. Janacek-, B. Bar-tok ฯลฯ

ในรัสเซีย kamernoe mu-zi-tsi-ro-va-ras-pro-stra-ni-els ตั้งแต่ยุค 1770; ครั้งแรกใน st-ru-men-tal-nye en-samb-li na-pi-sal DS Bort-nyan-sky การพัฒนาดนตรีแชมเบอร์ต่อไปโดย A.A.Alyab-e-va, M.I.Glin-ki และ dos-tig-la vy-so-cha-she - ระดับศิลปะในผลงานสร้างสรรค์ของ PI Chaikov-sko และ AP Bo-ro-di - นะ. ให้ความสนใจอย่างมากกับ ude-la-li ka-mer-no-mu an-samb-lyu S.I. Ta-ne-ev, A.K. Gla-zun-nov, S.V. Rakh -man-ni-nov, N. Ya. Myas-kov -sky, DD Shos-ta-kovich, SS Pro-kof-ev ในกระบวนการของพัฒนาการทางประวัติศาสตร์รูปแบบของดนตรีเชมเบอร์ได้เปลี่ยนไปอย่างมีนัยสำคัญโดยเข้าใกล้ซิมโฟนี - เช - สกิมเวอร์ - ทู - ออซ - โน - คอนเสิร์ต - นิม (sim-pho-ni-zation ของการทะเลาะ - เต้ -tov ที่ Bet-ho-ve-na, Chay-kov-sko-go, quart-te-tov และ quin-te-tov - ที่ Shu-man-na และ Brahm-sa ลักษณะของคอนเสิร์ตใน Co-na -takh สำหรับไวโอลินและเปียโน: หมายเลข 9“ Krey-tse-ro- howl” Bet-ho-ve-na, so-na-te Fran-ka, No. 3 Brahmsa, No. 3 Gri-ha)

ในทางกลับกันในศตวรรษที่ XX มีการแข่งซิมโพนีแบบโปร - ประเทศที่ไม่ใช่นิ - เก็ต - ชิ - ลี่และคอนเสิร์ตสำหรับคนไม่ใหญ่ - โช th-l-th-st -va in-st-ru-men-tov ซึ่งได้กลายเป็นประเภทที่แตกต่างกัน แต่มีสไตล์ - mi ka-mer-zh-dv: ka-mer-naya sim -phony (ตัวอย่างเช่น sym-phoniya Shos ที่ 14 -ta-ko-vi-cha), "music-zy-ka for ... " (Mu-zy-ka สำหรับเครื่องสาย, บีท - และเช - เลอ - ส - บาร์ - ทู - กา), คอนเสิร์ต - ติ - แต่ ฯลฯ ดนตรีแชมเบอร์ประเภทพิเศษคือ in-st-ru-ment-tal-ny-nia-ty-ry (ในศตวรรษที่ XIX-XX พวกเขาไม่ได้แทบจะไม่ถึง - e-di-nya-sya - ยะ). เปียโน "เพลงที่ไม่มีคำว่า" Men-del-so-na, pies-si Shu-ma-na, wal-si, nok-tür-nes, pre-people และ etu-dy F. Sho-p- na, การผสมผสานเปียโนแบบคามิติของรูปแบบขนาดเล็ก AN Skrya-bin, Rakh-ma-ni-no-va, N.K Met-no-ra, ชิ้นเปียโน Chai-kov-sko-go, Pro-coffee-e -va หลายชิ้นสำหรับหลากหลายในประเทศและต่างประเทศ com-zi-to-ditch สีเบจ

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 19 สถานที่ที่โดดเด่นสำหรับดนตรี za-nya-la และ vo-kal-naya (ประเภทของเพลงและ ro-man-sa) ได้รับความนิยม Kom-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki แนะนำประเภทของ in-cal-noi min-nia-ty-ry เช่นเดียวกับรอบ pe-sen-ny ("Pre- red stranded- ni-chi-ha "และ" Winter way "โดย F. Shu-ber-ta," Love in this way "โดย R. Shu-man และอื่น ๆ ) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 I. บราห์มส์ทุ่มเทความสนใจอย่างมากกับดนตรีแชมเบอร์ในผลงานสร้างสรรค์ของ X. Wol-fa ka-mery vo-kal - ประเภทใดก็ได้สำหรับ -nya- ไม่ว่าจะเป็นเพลงที่เป่าใน Zenie Shi-ro-บางส่วนของการพัฒนาประเภทของ song-ni และ ro-man-sa po-lu-chi-li ในรัสเซียความสูงทางศิลปะอยู่ในตัวพวกเขา M.I. Glin-ka, PI Chaikov-sky, AP Bo-ro- din, MP Mu-sorg-sky, NA Rim-sky-Kor-sa-kov, S V. Rakh-man-ni-nov, S. S. Pro-kof-ev, D. D. Shos-ta-kovich, G. V. Svir-dov

เมื่อต้นศตวรรษที่ 17 เวียนนากลายเป็นศูนย์กลางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรป ความสัมพันธ์กับวัฒนธรรมอิตาลีเช็กโปแลนด์เยอรมันและรัสเซียทำให้ดนตรีออสเตรียและการแสดงศิลปะคันธนูมีรสชาติพิเศษ การเกิดขึ้นของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 กลายเป็นกระแสสำคัญในศิลปะยุโรปโดยทั่วไป ประเพณีพื้นบ้านได้รับขอบเขตที่เพียงพอสำหรับการพัฒนาของพวกเขา วงดนตรีคือการแสดงละครที่มีดนตรีและการเต้นรำขบวน - คาร์นิวัลการแสดงความเงียบสงบตามท้องถนนการแสดงศาลที่สวยงามเป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัสในโรงละคร “ โรงละครโอเปร่า” กำลังได้รับความนิยมอย่างล้นหลามอารามและวิหารต่างแข่งขันกันในการแสดงละครลึกลับและโอเปร่าทางศาสนา การเผยแพร่ดนตรีที่แพร่หลายและแพร่หลายเช่นนี้ในสังคมชั้นต่างๆยังไม่ได้รับการพัฒนาเช่นนี้ในประเทศอื่น

ในบรรดาเครื่องสายไวโอลินและวิโอลาเป็นที่นิยมมากที่สุด ศูนย์การศึกษาดนตรีระดับมืออาชีพที่เก่าแก่ที่สุดในออสเตรีย ได้แก่ มหาวิทยาลัยศาลและโบสถ์ในโบสถ์ โบสถ์ที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรปคือโบสถ์ Hapsburg Court ในเวียนนา (อันโตนิโอซาลิเอรีนักดนตรีชาวอิตาลีเป็นหนึ่งในผู้นำของโบสถ์นี้) โบสถ์ยังปรากฏในเมืองอื่น ๆ ชื่อของ Leopold และ Wolfgang Amadeus Mozart เกี่ยวข้องกับ Salzburg Chapel

ประเภทหลักในดนตรีบรรเลงของออสเตรียในศตวรรษที่ 17 ได้แก่ ชุดบรรเลงประสานเสียงโกรอสโซประเภทของโซนาตาทั้งสามคน

โยฮันน์ไฮน์ริชชเมลเซอร์ (1623 - 1680) - นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย ชื่อของเขาเกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของนักไวโอลินประเภทใหม่ - โซโลอัจฉริยะ เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่พัฒนาประเพณีโซนาตาของอิตาลีในออสเตรีย ผลงานที่สำคัญที่สุดของ Schmelzer คือคอลเลกชันของ sonatas 6 ชุดซึ่งเขาใช้โน้ตคู่และเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน

ไฮน์ริชบีเบอร์ (ค.ศ. 1644 - 1704) - นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวออสเตรียนักเรียนและลูกศิษย์ของ Schmelzer ปรมาจารย์ด้านศิลปะไวโอลินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 17 ในบรรดาผลงานจำนวนมากสิ่งที่มีค่าที่สุดคือวงจรของโซนาต้าไวโอลิน 15 ตัว (รวมถึงงานที่เป็นโปรแกรม) ซึ่งใช้ scordatura โน้ตคู่และเทคนิคอื่น ๆ ของเทคนิคไวโอลินอัจฉริยะ บีเบอร์แสดงความเคารพต่อเอฟเฟกต์การสร้างคำเลียนเสียงที่เลียนแบบการร้องเพลงของนกไนติงเกลนกกาเหว่าไก่นกกระทาและเสียงร้องของกบไก่และแมว Passacaglia for Solo Violin เป็นสารานุกรมของเทคนิคไวโอลินจากศตวรรษที่ 17

คาร์ลดิทเทอร์สดอร์ฟ (1739-1799)- นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวออสเตรียที่โดดเด่นคนหนึ่งในศตวรรษที่ 18 ระดับศิลปะการแสดงของเขาสูงผิดปกติ เขาสร้างไวโอลินคอนแชร์โตสิบสี่ชุดการเบี่ยงเบนความแตกต่างสิบสองสำหรับไวโอลินและเชลโลสองตัวซิมโฟนีจำนวนมากห้องและดนตรีโอเปร่า Haydn ร่วมกับ J. Haydn เขากลายเป็นผู้สร้างดนตรีคลาสสิกควอเตทด้วยไวโอลินเดี่ยว

วัฒนธรรมดนตรีของเวียนนาได้สร้างเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการปรากฏตัวของรูปแบบคลาสสิกในผลงานของ J. Haydn และ W. A. \u200b\u200bMozart

โจเซฟไฮเดิน (1732 - 1809) - หนึ่งในนักแต่งเพลงที่มีผลงานไวโอลินในรูปแบบใหม่ ไวโอลินสำหรับ Haydn เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีโปรดของเขา Haydn เขียนเพลงในประเภทและรูปแบบที่หลากหลาย แต่ความสำคัญหลักของ Haydn อยู่ที่การพัฒนาดนตรีบรรเลง (ไพเราะและแชมเบอร์) เขาเป็นเจ้าของผลงานจำนวนมากรวมถึงไวโอลินคอนแชร์โตเก้าคน (รอดชีวิตสี่คน) โซนาต้าไวโอลินสิบสองเพลงคู่สำหรับไวโอลินและวิโอลาหกตัววงเครื่องสายมากกว่าแปดสิบชิ้นทรีออสการเบี่ยงเบนและงานอื่น ๆ ในการแสดงซิมโฟนีของเขานักไวโอลินคนแรกเล่นบทบาทนำซึ่งได้รับความไว้วางใจให้ใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องเกือบทั้งหมด

โซนาต้าควอเตตและคอนแชร์โตในยุคแรกของเขาเป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของสไตล์และเทคนิคที่กล้าหาญ องค์ประกอบของ Rococo ปรากฏชัดเจนที่สุดใน minuets ของ Haydn ดังที่สามารถสังเกตได้ใน Mozart

QuartetsHaydn มีบทบาทเช่นเดียวกับประเภทของดนตรีควอเตทเช่นเดียวกับในดนตรีไพเราะนั่นคือเขาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งดนตรีแนวนี้ Haydn เขียน quartets ตลอดอาชีพการงานของเขา แต่สิ่งที่ดีที่สุดคือย้อนกลับไปในยุค 80 และ 90

ควอเตตของ Haydn เติบโตมาจากการทำดนตรีในบ้านซึ่งการเล่นควอเตตเป็นเรื่องธรรมดามาก อย่างไรก็ตามด้วยความลึกและความสดใสของเนื้อหาดนตรีรวมถึงความสมบูรณ์แบบของรูปแบบวงดนตรีของ Haydn จึงก้าวข้ามขอบเขตอันคับแคบของชีวิตนักดนตรีในบ้านและมีบทบาทสำคัญในชีวิตคอนเสิร์ต

พวกเขาไม่มีเครื่องประดับภายนอกที่เรียกว่าสไตล์ "กล้าหาญ" อีกต่อไปซึ่งเป็นการตกแต่งที่สวยงามของดนตรีซาลอน พวกเขาผสมผสานความเรียบง่ายของการเต้นรำพื้นบ้านและท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านเข้ากับความเชี่ยวชาญที่โดดเด่นในการเปล่งเสียงของช่องท้องและการปรับแต่งรูปแบบ ความสนุกสนานความกระตือรือร้นและอารมณ์ขันแบบพื้นบ้านของหลาย ๆ สี่คนกระตุ้นแม้กระทั่งทัศนคติเชิงลบจากนักวิจารณ์อนุรักษ์นิยมที่เห็นในควอร์ตของ Haydn“ เป็นการดูถูก

เพลง”,“ ปล่อยตัวเอง”. แต่ไม่เพียง แต่ความกระตือรือร้นร่าเริงเท่านั้นที่เป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีเชมเบอร์ของ Haydn ในควอเตตของเขาการไล่ระดับของอารมณ์และความรู้สึกนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่เนื้อเพลงเบา ๆ ไปจนถึงโศกเศร้าหรือแม้แต่อารมณ์ที่น่าเศร้า

ในควอเตตนวัตกรรมของ Haydn บางครั้งก็อาจหาญกว่าในซิมโฟนีเสียอีก แม้จะมีความสำคัญเป็นอันดับต้น ๆ ของไวโอลินตัวแรกในฐานะเสียงด้านบน แต่เครื่องดนตรีทั้งสี่ก็มีบทบาทที่ค่อนข้างเป็นอิสระในพื้นผิวโดยรวมของวงดนตรี ในงานหลายชิ้นในระหว่างการดำเนินการตามหัวข้อรองและการพัฒนาของพวกเขาจะมีการแนะนำเครื่องมือทั้งสี่ซึ่งมีบทบาทค่อนข้างแข็งขัน สิ่งนี้ทำให้พื้นผิวสี่เสียงมีความเป็นโพลีโฟนิกที่เฉพาะเจาะจงบนพื้นฐานโฮโมโฟนิก - ฮาร์มอนิกทำให้ผ้าดนตรีทั้งหมดเคลื่อนที่ได้ ในควอเตตของเขา Haydn ยังใช้รูปแบบโพลีโฟนิกพิเศษด้วยความเต็มใจ ดังนั้นบางครั้งรอบชิงชนะเลิศของควอเต็ต เป็นที่เชื่อกันอย่างกว้างขวางว่าเบโธเฟนเป็นคนแรกที่นำการต่อสู้มาสู่ประเภทของควอเตตในบทประพันธ์สุดท้ายของเขา แต่เห็นได้ชัดว่า Haydn ทำก่อน Beethoven!

ในควอเตตบางส่วนของเขาส่วนตรงกลางจะถูกจัดเรียงใหม่นั่นคือมินิเอทเป็นส่วนที่สอง (ไม่ใช่ส่วนที่สามตามธรรมเนียม) และส่วนที่ช้าจะอยู่ในอันดับที่สามก่อนที่จะถึงตอนจบ การเปลี่ยนแปลงลำดับของชิ้นส่วนตรงกลางนี้เกิดจากลักษณะของส่วนปลายของวงจรและการพิจารณาการออกแบบที่เกี่ยวข้องกับหลักการของความเปรียบต่างซึ่งอยู่ภายใต้รูปแบบของวัฏจักร ในรูปแบบของซิมโฟนีการจัดเรียงใหม่ของทั้งสองส่วนตรงกลางถูกแสดงครั้งแรกในซิมโฟนีที่เก้าของเบโธเฟน

นอกจากนี้ในสี่กลุ่ม "รัสเซีย" (สี่เหล่านี้อุทิศให้กับแกรนด์ดยุคพอลแห่งรัสเซียจากนั้นเป็นทายาทแห่งบัลลังก์) ในปี 1781 Haydn แทนที่จะเป็น minuet แนะนำ scherzo และ scherzando ซึ่งในบางส่วนเป็นส่วนที่สอง ของวงจร ความคิดเห็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าเบโธเฟนแนะนำ scherzo แทน minuet เป็นครั้งแรกในวงจรโซนาตา - ซิมโฟนีนั้นเป็นจริงเฉพาะในส่วนที่เกี่ยวข้องกับซิมโฟนีและโซนาตาสเท่านั้น แต่ไม่ใช่กับควอเทต

วงดนตรีสี่วงดนตรีสามวงและวงดนตรีอื่น ๆ ของ Haydn แสดงถึงส่วนสำคัญที่สำคัญและมีคุณค่าทางศิลปะของมรดกคลาสสิกในสาขาดนตรีบรรเลง

ในผลงานของ Haydn การสร้างโซนาต้าไวโอลินคลาสสิกและไวโอลินคอนแชร์โตเกิดขึ้น

Haydn สามารถสังเคราะห์ประเพณีของมืออาชีพและพื้นบ้านนำเสนอน้ำเสียงและจังหวะพื้นบ้านเข้ากับดนตรีของเขา

ในฐานะตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา Haydn ถูกนำมาใช้อย่างกว้างขวางในดนตรีของเขาและเปลี่ยนแนวดนตรีพื้นบ้านของออสเตรียด้วยความสมบูรณ์และความหลากหลายโดยผสมผสานองค์ประกอบของชาติที่แตกต่างกัน: เยอรมันใต้ฮังการีสลาฟ ในบรรดาธีมพื้นบ้านของแหล่งกำเนิดสลาฟ Haydn ได้ใช้ธีมพื้นบ้านของโครเอเชียอย่างกว้างขวาง บ่อยครั้งที่เขาหันไปหาท่วงทำนองพื้นบ้านแท้ ๆ แต่บ่อยครั้งที่เขาสร้างท่วงทำนองของตัวเองด้วยจิตวิญญาณของเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ

คติชนวิทยาของออสเตรียฝังลึกลงไปในงานของ Haydn จนกลายเป็น "ธรรมชาติที่สอง" ของเขา ท่วงทำนองมากมายที่แต่งขึ้นโดยตัวเราเอง

Haydn กลายเป็นที่นิยมและร้องเพลงแม้กระทั่งกับผู้ที่ไม่รู้จักชื่อผู้สร้างของพวกเขา

ในเพลงบรรเลงของ Haydn (โซโล่, แชมเบอร์และซิมโฟนี) วงจรโซนาตา - ซิมโฟนีได้รับการผสมผสานแบบคลาสสิกที่สมบูรณ์แบบและสมบูรณ์แบบ ผลงานทั้งสี่ส่วนรวมกันเป็นแนวคิดทางศิลปะชิ้นเดียวแสดงออกถึงแง่มุมต่างๆของชีวิต โดยปกติแล้วการเคลื่อนไหวครั้งแรก (โซนาตาอัลโลโร) เป็นสิ่งที่น่าทึ่งที่สุดหุนหันพลันแล่น ส่วนที่สอง (ช้า) มักเป็นขอบเขตของประสบการณ์โคลงสั้น ๆ การไตร่ตรองอย่างสงบ การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม (minuet) นำมาสู่บรรยากาศของการเต้นรำและเชื่อมต่อวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนีกับชุดเต้นรำของศตวรรษที่ 17-18 ส่วนที่สี่ (รอบสุดท้าย) ประกอบด้วยประเภทและชีวิตประจำวันและใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านและดนตรีเต้นรำเป็นพิเศษ เพลงในผลงานของ Haydn โดยทั่วไป (มีข้อยกเว้นบางประการ) มีประเภทและลักษณะประจำวันไม่เพียง แต่ดนตรีในส่วนที่สามและสี่ของวงจร แต่ยังรวมถึงสองเพลงแรกด้วยการเต้นรำและการแต่งเพลง แต่ในเวลาเดียวกันแต่ละส่วนมีหน้าที่หลักในการแสดงละครและมีส่วนร่วมในการพัฒนาอย่างค่อยเป็นค่อยไปการเปิดเผยความคิดของงานทั้งหมด

ดับเบิลยูเอโมซาร์ท (1756-1791) เกิดในครอบครัวของนักไวโอลินและนักแต่งเพลงชื่อดัง Leopold Mozart ความสามารถทางดนตรีของโมสาร์ทปรากฏตัวตั้งแต่อายุยังน้อยเมื่อเขาอายุได้ประมาณสามขวบ ลีโอโปลด์พ่อของเขาเป็นหนึ่งในนักการศึกษาดนตรีชั้นนำของยุโรป หนังสือของเขา "The Experience of a Solid Violin School" ตีพิมพ์ในปี 1756 ซึ่งเป็นปีที่โมสาร์ทถือกำเนิดขึ้นหลายฉบับและได้รับการแปลเป็นหลายภาษารวมทั้งภาษารัสเซีย พ่อของ Wolfgang สอนพื้นฐานของการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดไวโอลินและออร์แกน

ข้อมูลแรกเกี่ยวกับการเล่นโมสาร์ทบนไวโอลินย้อนหลังไปถึงอายุ 4 ขวบ ไวโอลินตัวแรกทำงาน - 16 sonatas สำหรับไวโอลินและคลาเวียร์ เขาสร้างคอนแชร์โตสสำหรับไวโอลิน 6-7 คอนเสิร์ตซิมโฟนีสำหรับไวโอลินและวิโอลาคอนโซโฟนสำหรับไวโอลิน 2 ตัวคอนเสิร์ตรอนโด 2 ตัว Adagio และ Andante โซนาต้าไวโอลิน 35 ตัวคู่ดูโอ 2 ตัวสำหรับไวโอลินและวิโอลาคู่สำหรับไวโอลินสองตัวทรีออส quartets, divertissements และงานห้องอื่น ๆ

ความถูกต้องของคอนเสิร์ต Es-dur ยังคงเป็นที่สงสัย คอนเสิร์ตเดี่ยวไวโอลินครั้งสุดท้ายคือคอนเสิร์ต D-dur หรือที่รู้จักกันในชื่อหมายเลข 7 เขาสร้างขึ้นสำหรับวันเกิดของพี่สาวและแสดงเป็นครั้งแรก นี่เป็นหนึ่งในการปรากฏตัวต่อหน้าสาธารณชนครั้งสุดท้ายของโมสาร์ทในฐานะนักไวโอลิน ประวัติของคอนเสิร์ตนั้นไม่ธรรมดา เกือบ 130 ปีงานนี้ยังไม่เป็นที่รู้จัก ในปีพ. ศ. 2378 ได้มีการทำสำเนาลายเซ็นของบาโย ต้นฉบับหายไปและพบเฉพาะในห้องสมุดเบอร์ลินเท่านั้น ทั้งสองสำเนาเกือบจะเหมือนกันคอนเสิร์ตได้รับการตีพิมพ์และแสดงครั้งแรกในปี 2450 โดยนักแสดงหลายคน

ลักษณะเด่นของผลงานของ Mozart คือการผสมผสานที่น่าทึ่งของรูปแบบที่เข้มงวดชัดเจนเข้ากับอารมณ์ที่ลึกซึ้ง เอกลักษณ์ของงานของเขาอยู่ที่ความจริงที่ว่าเขาไม่เพียง แต่เขียนในทุกรูปแบบและประเภทที่มีอยู่ในยุคของเขาเท่านั้น แต่ในแต่ละงานเขายังทิ้งผลงานที่มีความสำคัญอย่างยั่งยืน ดนตรีของโมสาร์ทแสดงให้เห็นถึงความเชื่อมโยงหลายอย่างกับวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกัน (โดยเฉพาะอิตาลี) แต่เป็นของดินแดนเวียนนาแห่งชาติและแสดงถึงบุคลิกที่สร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่

โมสาร์ทเป็นนักประพันธ์ดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่ง ท่วงทำนองของมันผสมผสานคุณสมบัติของเพลงพื้นบ้านของออสเตรียและเยอรมันเข้ากับความไพเราะของแคนทิเลน่าของอิตาลี แม้ว่าผลงานของเขาจะโดดเด่นด้วยกวีนิพนธ์และความสง่างามที่ละเอียดอ่อน แต่ก็มักมีท่วงทำนองของธรรมชาติที่กล้าหาญพร้อมด้วยความน่าสมเพชที่น่าทึ่งและองค์ประกอบที่ตัดกัน

ความสำคัญของงานไวโอลินของ W.A. Mozart ไม่สามารถประเมินเกินจริงได้ มันมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงไม่เพียง แต่ในโรงเรียนเวียนนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่น ๆ ด้วย ผลงานของเขาเป็นตัวอย่างของการตีความไวโอลินซึ่งเป็นตัวอย่างของการใช้ความสามารถในการแสดงออก จาก Mozart มาถึงแนวการแสดงความไพเราะของไวโอลินคอนแชร์โตการใช้ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ต

ในสาขาดนตรีบรรเลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โมซาร์ทซึ่งใช้และสรุปความสำเร็จที่ดีที่สุดไม่เพียง แต่เป็นปรมาจารย์ของ Mannheim และ Viennese ในรุ่นเก่าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประสบการณ์สร้างสรรค์ของ Haydn ถึงจุดสูงสุดด้วย นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ทั้งสองเป็นคนรุ่นที่แตกต่างกันและเป็นเรื่องธรรมดาที่โมสาร์ทในกระบวนการสร้างทักษะของเขาได้ศึกษาจากผลงานของ Haydn ซึ่งเขาให้ความสำคัญอย่างมาก แต่วิวัฒนาการที่สร้างสรรค์ของ Mozart นั้นรวดเร็วกว่าวิวัฒนาการของ Haydn ซึ่งมีผลงานที่ดีที่สุด (London Symphonies, the last quartets, oratorios) เขียนขึ้นหลังจากการเสียชีวิตของ Mozart อย่างไรก็ตามการแสดงซิมโฟนีสามครั้งสุดท้ายของโมสาร์ท (พ.ศ. 2331) ตลอดจนซิมโฟนีและผลงานห้องแชมเบอร์ก่อนหน้าของเขาแสดงให้เห็นถึงขั้นตอนการบรรเลงของยุโรปที่เป็นผู้ใหญ่ในอดีตมากกว่าผลงานชิ้นสุดท้ายของ Haydn

ลุดวิกฟานเบโธเฟน (พ.ศ. 2313 - พ.ศ. 2370) ขั้นตอนที่สำคัญที่สุดถัดไปในวิวัฒนาการโวหารของวงดนตรีเครื่องใช้ในห้องในช่วงเวลาแห่งการตรัสรู้นั้นเกี่ยวข้องกับงานของลุดวิกฟานเบโธเฟน ในปี 1787 ขณะอยู่ที่เวียนนาเขาได้ไปเยี่ยมโมสาร์ทและชื่นชมงานศิลปะของเขา หลังจากย้ายไปเวียนนาครั้งสุดท้ายเบโธเฟนได้พัฒนาเป็นนักแต่งเพลงร่วมกับ I. Haydn การแสดงคอนเสิร์ตของหนุ่มสาว Beethoven ในเวียนนาปรากเบอร์ลินเดรสเดนและบูดาประสบความสำเร็จอย่างมาก เบโธเฟนกำลังได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในฐานะนักแสดงและนักแต่งเพลง ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 เขาเป็นผู้เขียนผลงานมากมายสำหรับเปียโนและวงดนตรีประเภทต่างๆ

ตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา คีตกวีเขียนในทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขารวมถึงโอเปร่าบัลเล่ต์ดนตรีสำหรับการแสดงละครงานประสานเสียง แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดในมรดกของเขาคือผลงานบรรเลง: เปียโนไวโอลินและเชลโลโซนาต้าคอนแชร์โตสำหรับเปียโนไวโอลินควอเทอร์โอวเรซซิมโฟนี

L. Beethoven ตาม Haydn และ Mozart ได้พัฒนารูปแบบของดนตรีคลาสสิกในการตีความส่วนหลักและส่วนรองเขาได้หยิบยกหลักการของความแตกต่างมาใช้เป็นการแสดงออกถึงความสามัคคีของฝ่ายตรงข้าม เบโธเฟนเป็นเจ้าของไวโอลินและวิโอลา หนึ่งในการประพันธ์เพลงที่เก่าแก่ที่สุด - รูปแบบไวโอลินในธีม "The Marriage of Figaro" เสียงดนตรีวิโอลาและเปียโน คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตราโดย L. Beethoven เป็นจุดสุดยอดของการแสดงดนตรีประสานเสียงไวโอลินในวัฒนธรรมดนตรีโลก สำหรับสายโค้งเบโธเฟนได้สร้างคอนแชร์โตสามตัวสำหรับไวโอลินเชลโลและเปียโนพร้อมวงออเคสตราความรักสำหรับไวโอลินสองแบบโซนาต้าไวโอลินสิบตัว (ที่ 5 - "สปริง", อันดับ 9 - "ครอตเซอร์"), โซนาต้า 5 แบบสำหรับเชลโลและเปียโนรูปแบบของเชลโล และเปียโน (ตามธีมโดยฮันเดลและโมซาร์ท) สิบหกควอร์เตตคอลเลกชันของสามคนสำหรับไวโอลินเชลโลและเปียโน ไม่มีใครจำเพลงไพเราะของ L. Beethoven ได้: ซิมโฟนีเก้าเพลง, เพลงไพเราะที่แสดงถึง "Coriolanus" และ "Egmont" ซึ่งได้เข้าสู่บทเพลงของดนตรีออเคสตราอย่างแน่นหนา

เครื่องมือและเหนือสิ่งอื่นใดผลงานไพเราะของลุดวิกฟานเบโธเฟนมีลักษณะเป็นโปรแกรมที่เด่นชัด เนื้อหาหลักของผลงานที่กล้าหาญของเบโธเฟนสามารถแสดงออกได้ในคำว่า "ผ่านการต่อสู้เพื่อชัยชนะ" การต่อสู้แบบวิภาษวิธีระหว่างความขัดแย้งของชีวิตพบได้ในเบโธเฟนเป็นศิลปะที่สดใส

ศูนย์รวมโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรูปแบบโซนาต้า - ซิมโฟนีโอโวเทเรซโซนาตาสควอเทต ฯลฯ ลุดวิกฟานเบโธเฟนได้พัฒนาหลักการของโซนาตาอย่างกว้างขวางโดยอาศัยการต่อต้านและการพัฒนาธีมที่ตัดกันตลอดจนองค์ประกอบที่ขัดแย้งกันภายในแต่ละธีม เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของ Beethoven รุ่นก่อน ๆ ในโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา - WA Mozart และ J. ยิ่งลึกลงไปความขัดแย้งระหว่างตอนที่ตัดกันจะรุนแรงขึ้น เบโธเฟนดำเนินการต่อจากการประพันธ์ดนตรีที่ได้รับการอนุมัติโดย Haydn และขยายเพียงเล็กน้อย แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ได้รับพลังอันมหาศาลของเสียงออเคสตราซึ่งมีความแตกต่างที่สดใส ลุดวิกฟานเบโธเฟนได้เปลี่ยนมินิเอทเก่า ๆ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของซิมโฟนีและโซนาตาสให้กลายเป็นสเคอร์โซโดยให้ "มุขตลก" นี้มีขอบเขตการแสดงออกที่กว้างขวางตั้งแต่ความสนุกสนานที่เปล่งประกายอันทรงพลัง (ในซิมโฟนีที่ 3) ไปจนถึงการแสดงออกถึงความวิตกกังวลและความห่วงใย (ในช่วง ซิมโฟนีครั้งที่ 5). มีการกำหนดบทบาทพิเศษให้กับรอบชิงชนะเลิศในซิมโฟนีและรหัส (บทสรุป) ในการโจ่งแจ้งซิมโฟนีและโซนาตาส พวกเขามีขึ้นเพื่อแสดงความรู้สึกแห่งชัยชนะ

ผลงานของเบโธเฟนเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก ชีวิตและผลงานทั้งหมดของเขาพูดถึงบุคลิกไททานิกของนักแต่งเพลงผู้ซึ่งผสมผสานความสามารถทางดนตรีอันชาญฉลาดเข้ากับอารมณ์ที่กระปรี้กระเปร่าและดื้อรั้นกอปรด้วยเจตจำนงที่ไม่ย่อท้อและความสามารถในการมีสมาธิภายในอันยิ่งใหญ่ อุดมการณ์อันสูงส่งบนพื้นฐานของจิตสำนึกในหน้าที่สาธารณะเป็นจุดเด่นของเบโธเฟนในฐานะนักดนตรีพลเมือง การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ร่วมสมัยเบโธเฟนสะท้อนให้เห็นในผลงานของเขาเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวที่เป็นที่นิยมในยุคนี้ซึ่งเป็นแนวคิดที่ก้าวหน้าที่สุด ยุคปฏิวัติกำหนดเนื้อหาและทิศทางใหม่ของดนตรีของเบโธเฟน ความกล้าหาญในการปฏิวัติสะท้อนให้เห็นในภาพศิลปะหลักชิ้นหนึ่งของเบโธเฟน - บุคลิกภาพที่กล้าหาญดิ้นรนทุกข์ทรมานและได้รับชัยชนะในท้ายที่สุด

เขาเป็นผู้ริเริ่มที่แท้จริงนักต่อสู้ที่ไม่ยอมแพ้เขารวบรวมแนวคิดเชิงอุดมการณ์ที่ชัดเจนในดนตรีที่เรียบง่ายและชัดเจนอย่างน่าประหลาดใจสามารถเข้าถึงความเข้าใจของผู้ฟังในวงกว้าง ยุคสมัยเปลี่ยนไปและดนตรีอมตะของเบโธเฟนยังคงสร้างความตื่นเต้นและสร้างความพึงพอใจให้กับผู้คน

MBU DO "โรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กเขต Simferopol"

สาขา Kolchugino

รายงาน

ในหัวข้อ: "ประเภทของดนตรีบรรเลงในห้องของคีตกวีคลาสสิก "

เสร็จสมบูรณ์โดย: นักดนตรี

Firsova Natalia Alexandrovna

2558

ประเภทของดนตรีบรรเลงในห้องในผลงานของนักประพันธ์เพลงคลาสสิก

ดนตรีบรรเลงในห้องแชมเบอร์เป็นเรื่องที่ละเอียดอ่อนตอบสนองและตอบสนองต่อปรากฏการณ์ทั้งหมดในยุคร่วมสมัย: การปฏิวัติ (สังคมและวัฒนธรรม) เหตุการณ์ทางสังคมและการเมืองระดับโลกความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีการเกิดขึ้นของแนวโน้มใหม่และแนวโน้มในด้านต่างๆของ ศิลปะ. ศตวรรษที่ 21 ก็ไม่มีข้อยกเว้น ในขั้นตอนนี้แนวโน้มหลักประการหนึ่งของดนตรีบรรเลงในห้องสมัยใหม่คือการสังเคราะห์ในความหมายที่กว้างที่สุดของคำ: การสังเคราะห์ศิลปะการสังเคราะห์ประเภทต่างๆและทิศทางของดนตรีนั่นคือการสังเคราะห์ในความหมายของบทสนทนาและ ความยืดหยุ่นของดนตรี

พื้นที่

เนื่องจากความเฉพาะเจาะจงในฐานะประเภทดนตรีที่น่าดึงดูดประการแรกคือโลกภายในของผู้ฟังและผู้แต่งเพลงจึงเป็นพื้นที่ประเภทนี้ที่สามารถรองรับแนวคิดทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ที่หลากหลายทั้งในอดีตและ ครั้งใหม่และครั้งล่าสุดและทำให้สามารถเชื่อมโยงศิลปะดนตรีกับจิตวิทยาได้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นสำหรับความซับซ้อนความหลากหลายและความคลุมเครือในบางกรณีเพื่อค้นหาผู้ฟังผู้เชี่ยวชาญนักแสดงของคุณ

ต้นกำเนิดของดนตรีเชมเบอร์ย้อนกลับไปในยุคกลาง คำว่า "Chamber Music" ได้รับการอนุมัติในXvi- XVII ศตวรรษและเป็นครั้งแรกที่คำนี้ปรากฏในปี 1635 ในคอลเลกชันของนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Joe Arrigoni ความแตกต่างระหว่างดนตรีคริสตจักรและดนตรีแชมเบอร์ถูกระบุไว้ในประเภทเสียงร้องในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ตัวอย่างแรกสุดที่รู้จักกันดีของดนตรีแชมเบอร์ "L" anticamusicaridottaallamoderna "Nicolo Vicentino (1555) ใน Venice G. และดนตรีบรรเลงในห้องไม่แตกต่างกันในรูปแบบ: ความแตกต่างของโวหารระหว่างพวกเขาเกิดขึ้นอย่างชัดเจนในศตวรรษที่ 18 ที่ 2 Kvants เขียนในปี 1752 ว่าดนตรีแชมเบอร์ต้องการ "ภาพเคลื่อนไหวและอิสระทางความคิดมากกว่ารูปแบบคริสตจักร" รูปแบบการบรรเลงที่สูงที่สุดคือวงรอบ โซนาต้า (sonatadacamera) ซึ่งสร้างขึ้นบนพื้นฐานของชุดเต้นรำที่แพร่หลายมากที่สุดในศตวรรษที่ 17 คือโซนาต้าทั้งสามแบบที่มีความหลากหลาย - โซนาต้าแบบคริสตจักรและแชมเบอร์ซึ่งค่อนข้างน้อย - โซนาตาเดี่ยว (ที่ไม่มีผู้ใช้หรือมาพร้อมกับเบสโซคอนทูโอ) ของ trio sonatas และ solos (ด้วย bassocontinuo) sonatas ถูกสร้างขึ้นโดย A.Corelli ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVII-XVIII ประเภทของคอนแชร์โตครอสโซเกิดขึ้นในตอนแรกยังแบ่งออกเป็นคริสตจักรและห้องต่างๆ ตัวอย่างเช่นใน A.Corelli การแบ่งนี้มีความชัดเจนมาก - จาก 12 concertigrossi (op. 7) ที่สร้างโดยเขา 6 เขียนในรูปแบบคริสตจักรและ 6 - ในรูปแบบห้อง มีเนื้อหาคล้ายกับ sonatas dachiesa และ dacamera ของเขาเอง กลางศตวรรษที่ 18 การแบ่งออกเป็นประเภทคริสตจักรและห้องแชมเบอร์ค่อยๆสูญเสียความหมายไป แต่ความแตกต่างระหว่างดนตรีแชมเบอร์และคอนเสิร์ต (ออเคสตราและคอรัส) จะชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ

ในกลางศตวรรษที่ 18 ในผลงานของ J.Hydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W. A. \u200b\u200bMozart วงดนตรีประเภทคลาสสิกได้ถูกสร้างขึ้น - โซนาตา, ทรีโอ, ควอเตต ฯลฯ

มีความเป็นไปได้ในการแสดงออกที่หลากหลายวงดนตรี (โดยเฉพาะวงธนู) ดึงดูดความสนใจของนักแต่งเพลงเกือบทั้งหมดและกลายเป็น "สาขาห้อง" ของประเภทไพเราะ ดังนั้นวงดนตรีจึงสะท้อนทิศทางหลักทั้งหมดของศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 17-20 - ตั้งแต่ลัทธิคลาสสิก (J.Hydn, L. Boccherini, W. A. \u200b\u200bMozart, L. van Beethoven) และแนวโรแมนติก (F.Schubert, F.Mendelssohn, R. Schumann ฯลฯ ) ไปจนถึงขบวนการนามธรรมที่ล้ำสมัย ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 I. Brahms, A. Dvořák, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank สร้างตัวอย่างที่โดดเด่นของดนตรีบรรเลงในห้อง - K. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten และคนอื่น ๆ

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียมีส่วนร่วมอย่างมากในการบรรเลงดนตรีและดนตรี ในรัสเซียการแพร่กระจายของดนตรีเชมเบอร์เริ่มขึ้นในทศวรรษที่ 70 ศตวรรษที่สิบเก้า วงดนตรีบรรเลงชุดแรกเขียนโดย D.S.Bortnyansky เพลง Chamber ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมโดย A. A. Alyabyev และ M. I. Glinka และถึงระดับสูงสุดของงานศิลปะ ระดับในผลงานของ P. I. Tchaikovsky และ A. P. Borodin: ผลงานในห้องของพวกเขาโดดเด่นด้วยเนื้อหาระดับชาติที่เด่นชัดจิตวิทยา ให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับวงดนตรีของ A.K. Glazunov และ S.V. Rachmaninov และสำหรับ S.I Taneev มันกลายเป็นความคิดสร้างสรรค์ประเภทหลัก มรดกทางดนตรีของคีตกวีโซเวียตมีความหลากหลายและหลากหลายเป็นพิเศษ: สายหลักของมันคือโคลงสั้น ๆ และน่าทึ่ง (N.Ya. Myaskovsky), โศกนาฏกรรม (D. D. Shostakovich), เนื้อเพลงและมหากาพย์ (S. S. Prokofiev), A. I. Khachaturyan และแนวเพลงพื้นบ้าน

เป็นที่น่าจดจำว่าดนตรีบรรเลงในห้องสมัยใหม่ได้ผ่านช่วงเวลาสามช่วงของการสร้าง:

ช่วงแรกระหว่างปีค. ศ. 1450 ถึงปี ค.ศ. 1650 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยการพัฒนาเทคนิคการเล่นวิโอลาและเครื่องดนตรีของตระกูลอื่น ๆ การแยกเพลงบรรเลงอย่างหมดจดทีละน้อยกับความโดดเด่นอย่างต่อเนื่องของสไตล์ฟรี ในบรรดาผลงานที่ยังหลงเหลืออยู่ในช่วงเวลานี้ซึ่งเขียนขึ้นโดยเฉพาะสำหรับการแต่งเพลงโดยไม่มีเสียงเป็นเรื่องเพ้อฝันและแคนซัสของ Orlando Gibbons (1610), sonatas โดย Giovanni Gabrieli (1615);

ช่วงที่สองระหว่างปี ค.ศ. 1650 ถึงปี ค.ศ. 1750 ถูกกำหนดโดยการแพร่กระจายของประเภทของทรีโอโซนาตาส (โดยปกติจะประกอบด้วยไวโอลินสองตัวและเชลโลพร้อมคลาเวียร์ที่ให้พื้นฐานฮาร์มอนิก) และวงดนตรีอื่น ๆ ทั้งที่เป็นเครื่องมือและด้วยเสียงซึ่งเป็น จำเป็นต้องมาพร้อมกับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่เรียกว่าดิจิตอลเบส (คอร์ด) ในบรรดาเจ้านายของทั้งสามคนคือ sonatas ของช่วงเวลานี้ - ArcangeloCorelli, Henry Purcell, G.Handel;

ช่วงที่สามตั้งแต่ปีค. ศ. 1750 ถึงปัจจุบันถูกครอบงำโดยวงเครื่องสายประกอบด้วยไวโอลินสองตัววิโอลาและเชลโล

วันนี้ตามกฎแล้วเพลงบรรเลงในห้องจะดำเนินการโดยวงดนตรีในชุดดังต่อไปนี้:

เครื่องดนตรีเดี่ยว (สายหรือลม) และเปียโน

คู่เปียโน (เปียโนสองมือหรือเปียโนสี่มือ);

String trio (ไวโอลินวิโอลาและเชลโล); เปียโนทรีโอ (ไวโอลินเชลโลและเปียโน);

วงเครื่องสาย (ไวโอลินสองตัววิโอลาและเชลโล);

วงดนตรีเปียโน (ไวโอลินวิโอลาเชลโลและเปียโน);

String Quintet (วงสตริงพร้อมวิโอลาและหรือเชลโล);

Quintet เปียโน (เปียโนบวกวงสตริง) และอื่น ๆ

ตลอดศตวรรษที่สิบแปด มีการพัฒนาอย่างรวดเร็ววัฒนธรรมการแสดงเครื่องมือ... การพัฒนาดนตรีบรรเลงในห้องในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษมีความเกี่ยวข้องกับการแสดงของนักดนตรีต่างชาติที่ได้รับเชิญซึ่งสอนขุนนางชาวรัสเซีย ดังนั้นการใช้ประโยชน์จึงแพร่กระจายไปในสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูง ในยุค 80 - 90 ตัวอย่างแรกของดนตรีบรรเลงในห้องของรัสเซียปรากฏขึ้น: นักดนตรีชาวรัสเซียพัฒนาโซนาตาเดี่ยวรูปแบบต่างๆและวงดนตรีในห้อง มันอยู่ในวงดนตรีที่เนื้อหาทางปัญญาของดนตรีเป็นที่ประจักษ์ .. ในยุคของปีเตอร์มหาราชดนตรีบรรเลงในรัสเซียเริ่มฟื้นคืนชีพ แต่อยู่ภายใต้อิทธิพลตะวันตกที่แข็งแกร่งแล้ว

ในที่สุดดนตรีบรรเลงประเภทห้องร่วมสมัยก็ได้ถูกสร้างขึ้นในผลงานของคลาสสิกเวียนนา - J. Haydn, W. A. \u200b\u200bMozart, L. van Beethoven นี่คือโซนาต้าทรีโอควอเตทควินเตทวงดนตรีซึ่งมีการมอบสถานที่ขนาดใหญ่ให้กับเครื่องสาย

ดนตรีบรรเลงของ Chamber ได้ดูดซับลักษณะทางโวหารของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทอื่น ๆ แอล. แวนเบโธเฟนได้แสดงความคิดเห็นในหลาย ๆ ด้านทำให้พวกเขามีความทะเยอทะยานมากขึ้นทั้งในด้านรูปแบบและเนื้อหา และ "Kreutzer Sonata" ที่มีชื่อเสียงของเขาสำหรับไวโอลินและเปียโนเป็นผลงานที่ไพเราะอย่างแท้จริงในความเข้มข้นของอารมณ์ ในผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติก F. Schubert, F.Mendelssohn, R.Schumann, I. Brahms จุดเริ่มต้นที่เป็นโคลงสั้น ๆ (โดยเฉพาะในประเภทเพชรประดับ) มีความแข็งแกร่งอย่างผิดปกติ ("เพลงที่ไม่มีคำพูด" โดย F. Mendelssohn)

ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียประเภทของดนตรีบรรเลงในห้องได้รับการตีความในรูปแบบที่แปลกประหลาดและลึกซึ้งในระดับชาติ องค์ประกอบของเสียงย่อยของชาวรัสเซียพฤกษ์เปลี่ยนแปลงตัวเองตามธรรมชาติและเป็นธรรมชาติในสี่กลุ่มของ A.P. Borodin และ A.K. Glazunov ในกลุ่มสามคนและสี่คนของ P.I. Tchaikovsky PI Tchaikovsky สร้างผลงานจำนวนค่อนข้างน้อยสำหรับวงดนตรีบรรเลง: วงดนตรีสามชุด (ไม่นับหนึ่งในช่วงต้นซึ่งเขียนขึ้นระหว่างปีของการศึกษาที่เรือนกระจกและไม่ได้รับหมายเลขประจำเครื่อง) ซึ่งผู้เขียนสร้างขึ้นในช่วงหนึ่งห้า ปี (พ.ศ. 2414-2418) สามคนเปียโนและเครื่องสาย ควอเตตที่สองซึ่งบังเอิญเป็นหนึ่งในผลงานโปรดของผู้เขียนรวมถึงแนวเพลงพื้นบ้านและหลักการโคลงสั้น ๆ ส่วนบุคคล

ในช่วง พ.ศ. 2443-2560 ในรัสเซียดนตรีบรรเลงได้รับความสนใจจากนักประพันธ์ชาวรัสเซียอย่างใกล้ชิด เราสามารถพูดได้ว่าเธอไม่เคยมีตำแหน่งสำคัญในการทำงานมาก่อน A. Glazunov, S. Taneyev, S.Rachmaninov, A.Criabin, A. Lyadov, A. Arensky, S. Lyapunov, N.Medtner เริ่มต้น S. Prokofiev สร้างผลงานเครื่องมือจำนวนมากที่ทำให้ประหลาดใจด้วยเนื้อหาโวหาร และความหลากหลายของแนวเพลง ประการแรกควรสังเกตถึงพัฒนาการของประเภทคอนเสิร์ตซึ่งแม้จะเริ่มเข้ามาในหมู่นักแต่งเพลงบางคน "บีบ" ซิมโฟนี (Piano Concertos โดย S. Rachmaninov, S. Prokofiev) ช่วงนี้มีคอนเสิร์ตไวโอลินไม่มาก

รายการตามลำดับเวลาเปิดขึ้นด้วยคอนเสิร์ตโดย AS Arensky (1901) ซึ่งดำเนินต่อไปในงานนี้ตามประเพณีของ PI Tchaikovsky; ตามด้วยคอนเสิร์ตของ A. K. Glazunov (1904) และ S. M. Lyapunov (1915) อิทธิพลของ M. A. Balakirev และ A. K.

ตามลำดับการพัฒนาไวโอลินคอนแชร์โตของรัสเซียในช่วงเวลานี้เสร็จสมบูรณ์โดยคอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตราแรกของ S. Prokofiev (พ.ศ. 2458-2460) แผนการแสดงคอนเสิร์ตครั้งสำคัญ - Suite for Violin and Orchestra (1909) - เขียนโดย S.I Taneev ด้วยการประพันธ์ที่กล่าวถึงข้างต้นเพียงเล็กน้อยจึงมีผลงานชิ้นเอกของแท้ - คอนแชร์โต้ของก. กลาซูนอฟคอนแชร์โต้คนแรกของ S. Prokofiev ซึ่งรวมอยู่ในกองทุนทองคำของไวโอลินคลาสสิกระดับโลก ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 เป็นยุครุ่งเรืองของโซนาตาของรัสเซียอย่างไรก็ตามส่วนใหญ่สำหรับเปียโน

นอกจากนี้ยังมีการเขียนโซนาตาสสำหรับไวโอลินและเปียโนจำนวนมากแม้ว่าในหมู่พวกเขาจะไม่มีปรากฏการณ์ที่โดดเด่นเช่นโซนาต้าเปียโนโดย A.Criabin หรือ S. Prokofiev โซนาต้าไวโอลินส่วนใหญ่ที่ล้นหลามในช่วงเวลานี้ไม่มีลักษณะที่เป็นนวัตกรรมใหม่โดยยังคงดำเนินต่อไปตามประเพณีของคลาสสิกของรัสเซียอย่างอดทนยิ่งไปกว่านั้นในแง่ของความรู้สึกเชิงวิชาการ นั่นคือโซนาต้าโดย C. A. Cui (1911) ซึ่งไม่ได้ทำให้เกิดการตอบสนองใด ๆ ในเวลานั้น นั่นคือโซนาตาสของ "Belyaevites" - VI Malishevsky, AA Winkler ซึ่งหน้าเว็บที่น่าดึงดูดบางหน้าไม่ได้ละเมิดภาพรวมของความเป็นอยู่ที่ดีของ "นักวิชาการ" และความราบรื่นของโวหาร

สิ่งเหล่านี้เป็นคำประพันธ์ที่ไพเราะ แต่ไม่ได้เป็นต้นฉบับมากนักซึ่งธีมที่เป็นกลางในแง่ของสัญชาติและสไตล์จะมีผลเหนือกว่าแม้ว่าน้ำเสียงของรัสเซียจะลื่นไหล โซนาต้าไวโอลินของ AF Gedike แตกต่างอย่างชัดเจนจากผลงานของ Belyaevites โดยจุดเริ่มต้นของ "Bach" โซนาต้าที่ไพเราะไพเราะของ L. V. Nikolaev ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่นักไวโอลิน (ซึ่งรอดชีวิตมาได้ในสมัยโซเวียต)

ในบรรดาผลงานไวโอลินประเภทนี้โซนาต้าสองตัวของ G.V. Catoire ซึ่งเป็นศิลปินที่ละเอียดอ่อนและประณีตควรมีความโดดเด่นเป็นพิเศษ รากเหง้าของผลงานของ G. Catoire อยู่ในดนตรีของ P. Tchaikovsky, S. Taneyev, A. Glazunov โดยผสมผสานกันอย่างแปลกประหลาดกับองค์ประกอบโวหารของอิมเพรสชั่นนิสต์และ A. แกรนด์โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน op. 15 G. Catoire พร้อมด้วยบทกวีที่ตื่นเต้นเร้าใจ I ท่อนโดย "Barcarole" และฉากสุดท้ายของอิมเพรสชั่นนิสต์ ("อัพ" ที่ยอดเยี่ยม) ควรได้รับการประเมินว่าเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดในการพัฒนาประเภทของโซนาตาไวโอลินรัสเซียในยุคนั้น

โซนาตาของ MF Gnesin มีโทนเสียงแบบอัตวิสัยที่มืดมนซึ่งน้ำเสียงของเพลงพื้นบ้านของชาวยิวจะได้รับในกรอบของเสียงประสานแบบโครมาไดซ์ที่สวยงาม หนึ่งในโซนาต้าไวโอลินรัสเซียที่ดีที่สุด - Sonata op 21 h-moll (1909-1910) โดย N.K. Medtner รูปแบบขนาดเล็กค่อนข้างมีการพัฒนาที่ดี แต่ในแง่ของประเภทและความหลากหลายของโวหารวรรณกรรมไวโอลินนั้นด้อยกว่าวรรณกรรมเปียโนอย่างมีนัยสำคัญ สถานที่ที่โดดเด่นในนั้นถูกครอบครองโดยบทละครที่เป็นโคลงสั้น ๆ และประเภท - ความรักความสง่างาม "ภาพสะท้อน" "ความฝัน" เขาวงกตและเพลงวอลทซ์บางครั้งก็มีการแต่งเนื้อเพลงและร้านเสริมสวย

ในแง่โคลงสั้น ๆ และประเภทที่มีแนวโน้มไปสู่ท่วงทำนองโรแมนติกบทละครของ A. Arensky "Presdelaier", 6 ภาพร่างสำหรับไวโอลินและเปียโน, A. T. Grechaninov "Lullaby", "Reflection", "Regrets" - op. 9, 1895, F. Akimenko "Lullaby", 1902, J. Vitola "Two Pieces", "Romance", Suite โดย S. Barmotin "Prelude", "Little Poem", "Lullaby", "Scherzando", Ecloga, Mazurka , Elegy, Oriental Picture, Little Waltz ชิ้นไวโอลินขนาดเล็กที่มีความสำคัญทางศิลปะมากที่สุดเป็นของ A.K. Glazunov ได้แก่ "Meditation" และ "Mazur-oberek" ซึ่งจัดทำโดยผู้แต่งเองและสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา "การทำสมาธิ" กลายเป็นเพลงประกอบละครในคอนเสิร์ตของนักไวโอลิน

ไวโอลินหลายชิ้นเขียนโดย N. K. Medtner: 3 nocturnes (op. 16, 1907), 2 canzones (op. 43, 1924)

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่สำคัญส่วนใหญ่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 จ่ายส่วยให้วงดนตรีประเภทแชมเบอร์และสำหรับบางคนดนตรีเชมเบอร์กลายเป็นรูปแบบหลักของความคิดสร้างสรรค์ (S.I Taneev) ในเวลาเดียวกันมันเป็นสิ่งจำเป็นที่จะต้องชี้ให้เห็นว่ามันอยู่ในสนามของวงดนตรีที่ประเพณีของคลาสสิกรัสเซียในศตวรรษที่ 19 นั้นมีความมั่นคงเป็นพิเศษและบางทีแนวโน้มของนักวิชาการก็แสดงออกมาโดยเฉพาะ บังคับ.

Glazunov ผลงานของนักแต่งเพลงในแวดวง Belyaev เป็นผลงานวิชาการอย่างยิ่งยกเว้น A. พื้นที่ของดนตรีนี้ยังคงไม่ได้รับความสนใจจากเทรนด์ใหม่ ๆ สามชิ้นสำหรับวงเครื่องสายโดย I.F. Stravinsky (1914) เกือบจะเป็นข้อยกเว้น วงดนตรีประเภทนี้ดึงดูดนักแต่งเพลงหลายคนของวง Belyaev ในวรรณกรรมห้องสมัยนี้ได้แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลที่แข็งแกร่งของ P. Tchaikovsky พวกเขาเห็นได้ชัดเจนมากใน AS Arensky ใน 2 ควอร์เตตและ 2 เปียโน 3 ตัว The First Piano Trio (1894) ได้รับความนิยมเป็นพิเศษโดยมีทำนองเพลงโรแมนติกและอารมณ์ที่หรูหรา

จนถึงปัจจุบันหนึ่งในผลงานที่แพร่หลายมากที่สุดซึ่งใช้กันอย่างแพร่หลายในการปฏิบัติยังคงเป็น Elegiac Trio No. 2 (d-moll) โดย S. V. Rachmaninov ซึ่งอุทิศให้กับความทรงจำของ P. I. Tchaikovsky (1893) Rachmaninov ให้มันใกล้เคียงกับ นักเปียโนสามคนของ Tchaikovsky ดนตรีบรรเลงในห้องร่วมสมัยที่มีความสำคัญทางอุดมการณ์และศิลปะได้กลายเป็นดนตรีไพเราะ ซิมโฟนีมักจะออกมาใกล้เคียงกับประเภทแชมเบอร์เช่นเช่นซิมโฟนีที่ 14 และ 15 โดย D. D. Shostakovich

เพลงบรรเลงของ Chamber มีไว้สำหรับนักแสดงกลุ่มเล็ก ๆ มีความโดดเด่นด้วยการให้ความสนใจกับโลกภายในของบุคคลในฐานะบุคคลซึ่งตรงกันข้ามกับการแสดงออกโดยทั่วไปของแรงบันดาลใจของคนจำนวนมากในแนวเพลงไพเราะ ลักษณะที่ยิ่งใหญ่ของซิมโฟนีความเก่งกาจที่มีประสิทธิภาพของคอนเสิร์ตเป็นหลักการที่ผิดปกติสำหรับดนตรีแชมเบอร์ ในทางกลับกันมันมีความโดดเด่นด้วยเศรษฐกิจของวิธีการแสดงออกที่มีความเป็นอิสระอย่างมากของแต่ละฝ่ายและกิจกรรมสร้างสรรค์ของสมาชิกแต่ละคนในวง ในขั้นต้นดนตรีเชมเบอร์มีไว้สำหรับผู้ฟังในวงแคบ ๆ และมักจะแสดงที่บ้านต่อมาในห้องแสดงคอนเสิร์ตพิเศษขนาดเล็ก

ดนตรีแชมเบอร์มีฟังก์ชั่นที่โดดเด่นของเครื่องมือวัดซึ่งเป็นสัดส่วนที่แน่นอนของความสามารถพิเศษเนื่องจากการไล่ระดับสีภายในของประเภทในบางครั้งได้มาเฉพาะการวางแนวลำดับที่สัมพันธ์กับพารามิเตอร์เชิงปริมาณหลัก

ดนตรีบรรเลงในห้องร่วมสมัยในเชิงอุดมคติและความสำคัญทางศิลปะได้กลายเป็นดนตรีไพเราะ ซิมโฟนีมักจะออกมาใกล้เคียงกับประเภทแชมเบอร์ซึ่งเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ M. Khalitova

ในดนตรียุโรปตะวันออกและปัจจุบันดนตรีไครเมียตาตาร์สามารถนำมาประกอบกับมันได้เช่นเดียวกับการก่อตัวของโรงเรียนการแต่งเพลงแห่งชาติการปรับตัวของประเภทแชมเบอร์ในระดับชาติได้รับการแสดงออกอย่างแข็งขันมากขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ผ่านมา จนถึงปัจจุบัน. ดังนั้นดนตรีประเภทแชมเบอร์แบบดั้งเดิมจึงถูกเก็บรักษาไว้ที่นี่อีกต่อไปและด้วยเหตุนี้ความสนใจในวงดนตรีคลาสสิกเช่นในผลงานของ M. Khalitova: คอนเสิร์ต "Ashyk-name" คอนเสิร์ตสำหรับทรัมเป็ตและวงออเคสตรา "At the foot of Demerdzhi", "Epitaph for cello and orchestra" และอื่น ๆ

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอล Casio SA-46 แม้จะมีขนาดเล็กและมีเพียง 32 คีย์ แต่ไม่ใช่แค่ของเล่น แต่เป็นเครื่องดนตรีที่สมบูรณ์แบบสำหรับผู้เริ่มต้น ประการแรกมีโพลีโฟนี 8 โน้ตที่มั่นคงและให้เสียงที่ยอดเยี่ยมของ 100 โทนเสียงในตัวและ 50 สไตล์ และประการที่สองแป้นพิมพ์ขนาดเล็กของรุ่นนี้เหมาะสำหรับเด็ก ๆ

4690 ถู

สมุดโน๊ต 16l. RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 มม.) บล็อกสีเดียวออฟเซ็ต 65 กรัมสีเต็ม กระดาษปิด, กระดาษออฟเซ็ต 120 g. ตัวยึด - เย็บกระดาษด้านยาว /

27 ถู

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอล Casio SA-47 แม้จะมีขนาดเล็กและมีเพียง 32 คีย์ไม่ใช่แค่ของเล่น แต่เป็นเครื่องดนตรีที่สมบูรณ์แบบสำหรับผู้เริ่มต้น ประการแรกมีโพลีโฟนี 8 โน้ตที่มั่นคงและให้เสียงที่ยอดเยี่ยมของโทนเสียงในตัวทั้งหมด 100 โทนและ 50 สไตล์ และประการที่สองแป้นพิมพ์ขนาดเล็กของรุ่นนี้เหมาะสำหรับเด็ก ๆ

สัมผัสเดียวกับเสียงที่คุณชื่นชอบ: ปุ่มสวิตช์เปียโน / ออร์แกนช่วยให้คุณเลือกเสียงได้อย่างรวดเร็ว หากต้องการเปลี่ยนเพียงกดปุ่ม

การแสดงดนตรี 100 โทนที่ครอบคลุมให้คุณภาพที่ยอดเยี่ยม

ท่วงทำนองสำหรับทุกรสนิยม: ท่วงทำนองการเรียนรู้ 100 ท่วงทำนองเปิดโอกาสให้คุณฝึกฝนสไตล์ที่แตกต่างกัน

ชัดเจนและใช้งานง่าย: จอแสดงผล LCD ช่วยให้เข้าถึงฟังก์ชั่นเครื่องมือทั้งหมดได้อย่างรวดเร็ว

เลือกจังหวะที่เหมาะสม แผ่นกลองเป็นการแนะนำโลกของการตีกลองดิจิตอล ปุ่มห้าปุ่มสำหรับกลองเดี่ยวหรือเครื่องเคาะช่วยให้เล่นจังหวะได้ง่ายและให้คุณโซโล่เดี่ยวด้วยการแตะเพียงครั้งเดียว

ความสามารถในการปิดเมโลดี้เป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการใช้มือขวา มีการเสนอองค์ประกอบ 10 รายการเพื่อการเรียนรู้

4690 ถู

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอล Casio SA-76 44 คีย์มอบประสบการณ์ดนตรีที่ไม่เหมือนใครให้กับผู้เริ่มต้นทุกคน 100 โทนเสียง 50 สไตล์เพลงในเครื่องเพื่อการเรียนรู้โปรเซสเซอร์เสียงรุ่นล่าสุดพร้อมโพลีโฟนี 8 โน้ตที่จริงจังสำหรับซินธิไซเซอร์เช่นเดียวกับจอแสดงผล LCD ที่ช่วยให้เข้าใจสัญกรณ์ 2 บรรทัดตั้งแต่ขั้นตอนแรกทั้งหมดนี้ทำให้ เป็นเครื่องมือช่วยที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักดนตรีมือใหม่

สัมผัสเดียวกับเสียงที่คุณชื่นชอบ: ปุ่มสวิตช์เปียโน / ออร์แกนช่วยให้คุณเลือกเสียงได้อย่างรวดเร็ว หากต้องการเปลี่ยนเพียงกดปุ่ม

การแสดงดนตรี 100 โทนที่ครอบคลุมให้คุณภาพที่ยอดเยี่ยม

ท่วงทำนองสำหรับทุกรสนิยม: ท่วงทำนองการเรียนรู้ 100 ท่วงทำนองเปิดโอกาสให้คุณฝึกฝนสไตล์ที่แตกต่างกัน

ชัดเจนและใช้งานง่าย: จอแสดงผล LCD ช่วยให้เข้าถึงฟังก์ชั่นเครื่องมือทั้งหมดได้อย่างรวดเร็ว

เลือกจังหวะที่เหมาะสม แผ่นกลองเป็นการแนะนำโลกของการตีกลองดิจิตอล ปุ่มห้าปุ่มสำหรับกลองเดี่ยวหรือเครื่องเคาะช่วยให้เล่นจังหวะได้ง่ายและให้คุณโซโล่เดี่ยวด้วยการแตะเพียงครั้งเดียว

ความสามารถในการปิดเมโลดี้เป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการใช้มือขวา มีการเสนอองค์ประกอบ 10 รายการเพื่อการเรียนรู้

ลำโพง: 2 x 0.8 W

ไม่รวมอะแดปเตอร์ไฟฟ้า

5890 ถู

ชุด Ernie Ball Hybrid Slinky เป็นการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างสาย Super Slinky และ Regular Slinky สายเหล่านี้สามารถใช้กับกีต้าร์ไฟฟ้า - อะคูสติกได้เช่นกัน สาย Ernie Ball ได้รับการผลิตตามมาตรฐานคุณภาพสูงสุดและเทคโนโลยีกระบวนการผลิตเพื่อให้มั่นใจถึงความแข็งแรงความน่าเชื่อถือและความทนทาน

Ernie Ball Hybrid Slinky เป็นแกนเหล็กหกเหลี่ยมที่ห่อด้วยเหล็กชุบนิกเกิล สายทำจากเหล็กกล้าคาร์บอนสูงที่ผ่านการชุบแข็งเป็นพิเศษซึ่งให้การสร้างเสียงที่สมดุลและปลดปล่อยความสามารถของเครื่องดนตรีของคุณอย่างเต็มที่

แกน: เหล็ก

499 ถู

ซีรี่ส์ Ernie Ball Reinforced Plain (RPS) เป็นสตริง Slinky รุ่นเสริมความแข็งแรง สามสายแรกมีขดลวดบรอนซ์พิเศษซึ่งจะช่วยยึดการบิดของลูกบอลซึ่งจะช่วยป้องกันไม่ให้คลายตัวซึ่งน่าเสียดายที่เป็นเรื่องธรรมดา สตริงสามสายสุดท้ายมีคุณสมบัติใกล้เคียงกับสตริงจากซีรี่ส์ Nickel Wound สายรัดบาดแผลนิกเกิล Slinky RPS แบบไฮบริดทำจากวัสดุที่พัฒนาขึ้นเป็นพิเศษทำให้มีความเหนียวพอที่จะต้านทานการแตกหักซึ่งจะรับประกันความทนทาน และทั้งหมดนี้ไม่ได้เป็นค่าใช้จ่ายของเสียงที่เป็นเอกลักษณ์ของสาย Ernie Ball ซึ่งช่วยให้นักดนตรีทั่วโลกสามารถสร้างพื้นที่สร้างสรรค์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองได้

เครื่องวัดสตริง: 9-11-16-26-36-46
ขดลวด: เหล็กชุบนิกเกิล
แกน: เหล็ก

602 ถู

Native Instruments Komplete Audio 6 มีทุกสิ่งที่คุณต้องการในการบันทึกเล่นและแสดงดนตรี ในเคสโลหะที่ค่อนข้างเล็กและแข็งแรงจะมี I / O แบบอนาล็อกสี่ตัว, I / O แบบดิจิทัล อินพุตไมโครโฟนสองช่อง

อาจทุกคนไม่สนใจดนตรี มันมาพร้อมกับมนุษยชาติอย่างแยกไม่ออกมันเป็นไปไม่ได้ที่จะระบุว่าเมื่อใดที่คน ๆ หนึ่งเรียนรู้ที่จะรับรู้มัน เป็นไปได้มากว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อบรรพบุรุษของเราพยายามแสดงอารมณ์ของเขากระทบพื้นตั้งแต่นั้นมามนุษย์และดนตรีก็เชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออกปัจจุบันมีประเภทสไตล์และทิศทางมากมาย นี่คือคติชนวิทยาจิตวิญญาณและในที่สุดดนตรีบรรเลงคลาสสิก - ดนตรีไพเราะและดนตรีแชมเบอร์ เกือบทุกคนรู้ว่าทิศทางนี้คืออะไรดนตรีเชมเบอร์มีอยู่อย่างไร แต่ความแตกต่างและคุณสมบัติของมันมีเพียงไม่กี่อย่าง ลองคิดออกในบทความต่อไป

ประวัติความเป็นมาของดนตรีเชมเบอร์

ประวัติความเป็นมาของดนตรีเชมเบอร์ย้อนกลับไปในยุคกลาง ในศตวรรษที่ 16 ดนตรีเริ่มไปไกลกว่าโบสถ์ในโบสถ์ ผู้เขียนบางคนเริ่มเขียนผลงานที่แสดงนอกกำแพงโบสถ์สำหรับนักเลงกลุ่มเล็ก ๆ ควรสังเกตว่าในตอนแรกสิ่งเหล่านี้เป็นเพียงเสียงร้องเท่านั้นและเพลงบรรเลงในห้องจะปรากฏขึ้นมากในภายหลัง แต่สิ่งแรกก่อน

ดนตรีแชมเบอร์ตรึงใจ ชื่อนี้มาจากภาษาอิตาลีคำว่ากล้อง ("ห้อง") ทุกคนคงจำได้ แตกต่างจากดนตรีของคริสตจักรและโรงละครเดิมทีดนตรีเชมเบอร์ตั้งใจที่จะแสดงในบ้านโดยกลุ่มเล็ก ๆ สำหรับผู้ฟังในวงแคบ ตามกฎแล้วการแสดงจะจัดขึ้นที่บ้านและต่อมาในห้องแสดงคอนเสิร์ตขนาดเล็ก ดนตรีบรรเลงในห้องแชมเบอร์ได้รับความนิยมสูงสุดในศตวรรษที่ 18-19 เมื่อมีการจัดคอนเสิร์ตในลักษณะเดียวกันในห้องนั่งเล่นทั้งหมดของบ้านที่ร่ำรวย ต่อมาขุนนางได้แนะนำตำแหน่งนักดนตรีเต็มเวลาด้วยซ้ำ

ภาพเพลงแชมเบอร์

ในขั้นต้นดนตรีเชมเบอร์มีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงต่อหน้าคนกลุ่มเล็ก ๆ ที่เป็นผู้ชื่นชอบและผู้เชี่ยวชาญ และขนาดของห้องที่จัดคอนเสิร์ตทำให้นักแสดงและผู้ฟังสามารถติดต่อกันได้อย่างใกล้ชิด ทั้งหมดนี้สร้างบรรยากาศที่เป็นเอกลักษณ์ของการเป็นเจ้าของ บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมศิลปะดังกล่าวจึงโดดเด่นด้วยความสามารถสูงในการเปิดอารมณ์โคลงสั้น ๆ และความแตกต่างของประสบการณ์ของมนุษย์

ประเภทของดนตรีแชมเบอร์ได้รับการออกแบบอย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้สำหรับการส่งผ่านด้วยความช่วยเหลือของพูดน้อย แต่ในขณะเดียวกันก็มีการตรวจสอบวิธีการอย่างละเอียด แตกต่างจากที่ที่มีการแสดงโดยกลุ่มของเครื่องดนตรีในองค์ประกอบดังกล่าวมีการเขียนส่วนของตัวเองสำหรับเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นและทุกชิ้นมีความเท่าเทียมกันในทางปฏิบัติ

ประเภทของวงดนตรีเครื่องใช้ในห้อง

ด้วยพัฒนาการของประวัติศาสตร์ดนตรีเชมเบอร์ก็พัฒนาขึ้นด้วย ทิศทางดังกล่าวควรมีลักษณะเฉพาะบางอย่างที่เกี่ยวข้องกับนักแสดงไม่จำเป็นต้องมีการพิสูจน์ วงดนตรีที่ทันสมัย \u200b\u200bได้แก่ :

• duets (นักแสดงสองคน);
• ทั้งสามคน (สมาชิกสามคน);
• สี่ (สี่);
• quintets (ห้า);
• sextets (หก);
• กะบัง (เจ็ด);
• อ็อกเต็ต (แปด)
• nonets (เก้า);
• เดซิเมตร (สิบ)

ในขณะเดียวกันองค์ประกอบของเครื่องมือก็มีความหลากหลายมาก สามารถรวมสตริงทั้งสองได้และสามารถรวมสตริงได้เพียงสตริงหรือเฉพาะลมในกลุ่มเดียว และอาจมีวงดนตรีผสม - เปียโนมักจะรวมอยู่ในนั้น โดยทั่วไปองค์ประกอบของพวกเขาถูก จำกัด ไว้เพียงสิ่งเดียวนั่นคือจินตนาการของนักแต่งเพลงและส่วนใหญ่มักจะไม่ จำกัด นอกจากนี้ยังมีวงดนตรีออเคสตร้า - กลุ่มนักดนตรีไม่เกิน 25 คน

ประเภทดนตรีในห้องบรรเลง

ดนตรีประเภทแชมเบอร์ร่วมสมัยเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของผลงานของนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมเช่น W. A. \u200b\u200bMozart, L. Beethoven, I. Haydn เป็นปรมาจารย์เหล่านี้ที่สร้างผลงานที่ไม่มีใครเทียบได้ในแง่ของความแม่นยำในเนื้อหาและความลึกซึ้งทางอารมณ์ Sonatas, duets, trios, quartets และ quintets เคยได้รับการยกย่องให้เป็นละครโรแมนติกที่โด่งดังที่สุดในศตวรรษที่ 19: F.Mendelssohn, R.Schumann, F.Schubert, F.Chopin นอกจากนี้ประเภทของเพชรประดับเครื่องใช้ (nocturnes, intermezzo) ได้รับความนิยมอย่างมากในเวลานั้น

นอกจากนี้ยังมีคอนเสิร์ตแชมเบอร์ห้องสวีทฟิวเจอร์แคนตาตัส แม้กระทั่งในศตวรรษที่ 18 แนวเพลงแชมเบอร์มีความหลากหลายมาก นอกจากนี้พวกเขายังดูดซับลักษณะโวหารของเทรนด์และสไตล์อื่น ๆ ตัวอย่างเช่นความปรารถนาของแอล. เบโธเฟนที่จะผลักดันขอบเขตของปรากฏการณ์ดังกล่าวเนื่องจากดนตรีเชมเบอร์นั้นถูกตรวจสอบอย่างชัดเจนว่างานเช่น Kreutzer Sonata นั้นไม่ด้อยไปกว่าการสร้างสรรค์แบบไพเราะในรูปแบบ monumentalism และความรุนแรงทางอารมณ์

แนวเพลงโวคอลแชมเบอร์

ในศตวรรษที่ 19 ดนตรีแนวโวคอลแชมเบอร์ได้รับความนิยมอย่างมาก เพลงศิลปะและความโรแมนติกแนวใหม่ที่เกิดขึ้นได้รับการยกย่องเช่น R.Schumann, F.Schubert, I. Brahms นักแต่งเพลงชาวรัสเซียมีส่วนร่วมอันล้ำค่าต่อผลงานเพลงเชมเบอร์ระดับโลก ความรักอันงดงามของ M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, M. P. Mussorgsky, M. A. Rimsky-Korsakov ไม่ปล่อยให้ใครสนใจแม้แต่วันนี้ นอกจากของชิ้นเล็กแล้วยังมีประเภทของเชมเบอร์โอเปร่า แสดงถึงการมีนักแสดงจำนวนน้อยและไม่จำเป็นต้องมีห้องขนาดใหญ่สำหรับการผลิต

เพลง Chamber วันนี้

แน่นอนว่าทุกวันนี้แทบไม่มีบ้านไหนเลยเหมือนในหลายศตวรรษที่ผ่านมาที่วงดนตรีในห้องเล่นกันโดยมีผู้คนอยู่ในวง จำกัด อย่างไรก็ตามตรงกันข้ามกับแบบแผนที่มีอยู่ทิศทางนี้ยังคงได้รับความนิยมอย่างมาก ห้องจัดแสดงดนตรีออร์แกนและแชมเบอร์ทั่วโลกรวบรวมแฟนเพลงหลายล้านคนทั้งผลงานของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกและนักประพันธ์ร่วมสมัย เทศกาลจัดขึ้นเป็นประจำซึ่งนักแสดงที่มีชื่อเสียงและหน้าใหม่จะแบ่งปันงานศิลปะของพวกเขา