Si Dmitry Vdovin mula sa master class ay gumawa ng isang atraksyon. Dmitry Vdovin: "Hindi kailanman magtataksil ang musika" - Ito ay isang malaking minus para sa mang-aawit

Kapansin-pansin na sa tatlong opera na ginanap sa pagdiriwang ng ROF ngayong taon, ang mga pangunahing bahagi ng tenor ay gaganapin ng mga mang-aawit mula sa Russia, at lahat sila ay mga mag-aaral ni Propesor Dmitry Yuryevich Vdovin.

Ang mga buwan ng tag-araw, tila, ay dapat magdala ng pagbaba sa tindi ng mga hilig sa teatro, ngunit hindi ito nangyayari. Sa tag-araw pa lamang ay maraming mahirap at napakaprestihiyosong mga kumpetisyon at pagdiriwang. Kabilang sa malaking bilang ng mga pagdiriwang, isang espesyal na lugar ang nabibilang sa ROF - ang Rossini Opera Festival, na ginaganap taun-taon sa lungsod ng Pesaro sa Italya, ang lugar ng kapanganakan ni Gioacchino Rossini. Sa Agosto 10, magaganap ang pagbubukas ng pagdiriwang na ito.

Ang programa ng ROF-2017 ay magbubukas sa isang pagganap ng opera na The Siege of Corinth ni G. Rossini, tenor na si Sergei Romanovsky sa titulong papel. Sa susunod na araw, Agosto 11, ang opera na The Touchstone ni G. Rossini ay isasagawa kasama ng tenor na Maxim Mironov. Ang Opera "Torvaldo at Dorlisca" ni G. Rossini ay ipapakita sa Agosto 12, ang tenor na si Dmitry Korchak ay aawit dito. Lahat sila ay mga mag-aaral ni Dmitry Vdovin.

- Ano ang sikreto ng "phenomenon ng paaralan ni Vdovin"?

Isang tanong na hindi madaling sagutin, dahil ito ay medyo "fanfare" sa kalikasan. At, tulad ng alam mo, "to the fanfare" maaari kang kumulog. (tumawa) Ngunit sa kabilang banda, hindi ako magpapatalo, may mga resulta at ang mga mang-aawit na nakatrabaho ko ay sumasakop sa isang tiyak at seryosong lugar sa teatro ng opera sa mundo. Nakapagtataka na sa aking pagdadalaga ay naging interesado ako kay Rossini. Ito ay dahil sa mga pag-record ng "The Barber of Seville" at "Italian in Algeria". Ang mga ito ay ginawa sa Russian, na kung saan ay gumaganap din ng isang mahalagang papel, ako ay masyadong bata at marahil ang pag-awit sa Italyano ay hindi sana nakabihag sa akin nang labis. Nabighani ako sa theatricality ni Rossini, sa kanyang katatawanan, sa kanyang kamangha-manghang melodic generosity at life hedonism. At sa akin, na nanirahan sa malupit na klima ng mga Urals at sa hindi gaanong malupit na mga kondisyon ng USSR, hindi lamang ang kanyang musika, ngunit ang kanyang buong kasaysayan (nabasa ko ang "Buhay ni Rossini" ni Stendhal) ay tila isang uri ng hindi pangkaraniwan at maligaya na mundo. Na kung saan maaari ko lamang makapasok bilang isang maliit na may-ari ng mga vinyl record.

Ngunit nangyari na sa simula ng aking gawaing pagtuturo, tatlong tenor ang dumating sa akin na may maliit na agwat sa oras, na naging mga espesyalista sa repertoire ng Rossinian. Totoo, ang lahat ay hindi naging simple. Ang 18-taong-gulang na si Maxim Mironov ay agad kong itinuring bilang isang tenor para kay Rossini dahil sa mga detalye ng kanyang hindi pangkaraniwang mataas at napaka-mobile na boses. Ang unang aria na ibinigay ko sa kanya ay Languir per una bella mula sa The Italian Girl sa Algiers at pagkatapos ay O come mai non senti mula sa Othello. At ngayon siya ay isa sa pinakamahusay na Lindor at Rodrigo.

Sergey Romanovsky... Ang mga unang buwan at kahit isang taon, marahil, mas pinag-aralan ko si Don Ottavio, Nemorino, Lensky sa kanya. Hindi, nagsimula kaming kumanta ng Cinderella sa lalong madaling panahon, at naaalala ko kung paano narinig ito ni Mironov sa unang pagkakataon nang tinawag niya ako sa telepono, tulad ng ibang kumakanta ng Rossini. Ito ay Romanovsky! Ngunit isang seryosong pagpasok kasama si Serezha sa Rossini ang nangyari nang magpasya akong gumawa ng isang semi-stage na pagganap ng Journey to Reims sa Moscow. Dapat kong sabihin na ang kuwentong ito ng 10 taon na ang nakakaraan ay nagpakilala sa maraming tao sa propesyon at sa mundo ng Rossini. Ngunit lalo na marami siyang ibinigay kay Romanovsky, na nag-iisang Count Liebenskoff. Ito ang pinakamahirap, pinaka-virtuoso na bahagi, at salamat dito ay naakit niya ang atensyon ng mga espesyalista, na marami sa kanila ay espesyal na pumunta sa Moscow sa oras na iyon upang makita ang aming praktikal na pagganap ng estudyante. Di-nagtagal pagkatapos noon, ginawa niya ang kanyang pasinaya sa papel na ito sa Italya, sa Treviso at Jesi, at sa lalong madaling panahon ito ay naging sa isang serye ng mga pagtatanghal sa La Scala, ang Liebenskoff ay kinanta naman nina Korczak at Romanovsky. Napaka-delikadong sandali, masyado pang maaga para mag-debut sa isang mahalagang teatro sa murang edad. Pero, gayunpaman, umusad ang lahat. Kinanta ni Mironov ang kanyang unang Rossini sa La Fenice sa Venice (Mohammed II), ito ang kanyang unang kontrata sa Kanluran mula noong kompetisyon ng Neue Stimmen, kung saan kinuha niya ang upper stratospheric E flat sa dulo ng aria ni Lindor. Sa pamamagitan ng paraan, dapat kong sabihin na sa simula ng 2000s ay walang napakaraming matataas na tenor ng Rossini gaya ngayon. Ang kumpetisyon ay tumaas nang husto.

Si Dmitry Korchak, na mas nakita ko bilang isang tenor para sa Mozart, French lyric opera at ang Russian repertoire (at naniniwala pa rin ako na ito ang kanyang pinakamalakas na puntos), gayunpaman ay nagsimulang kumanta ng maraming Rossini. Ang kanyang namumukod-tanging kakayahan sa musika ay nakakuha ng atensyon ng mga pangunahing konduktor (Muti, Chaya, Maazel, Zedda), gayundin si Ernesto Palacio, isang napakakilalang Rossini tenor noong nakaraan, kalaunan ay naging tagapagturo ni Juan Diego Flores, at ngayon ang unang tao sa Rossini world, ang pinuno ng festival , at ngayon ay ang Academy sa Pesaro, ang tinubuang-bayan ng Rossini. Siya, si Maestro Palacio, ang nagsama-sama sa aming tatlong tenor ngayong taon, na hindi ko maipagmamalaki.

May tatlong tenor sa ROF-2017, at lahat ng iyong mga mag-aaral. Ito ang Korchak, Mironov, Romanovsky. Magkaiba sila, siyempre, ngunit ano ang nagbubuklod sa kanila bilang iyong mga estudyante?

Sila ay may talento, napakatalino, bawat isa sa kanilang sariling paraan, at napakasipag. Hindi ko kayang tiisin ang mga tamad. Mga tamad na may-ari ng magagandang boses - para sa akin, ito ang mga philistines mula sa sining, isang uri ng mentally pot-bellied rentier ng kanilang vocal ability. Hindi naman ganoon ang tatlong ito. Napaka responsable, seryoso, maalalahanin na mga artista. Ito ang nagbubuklod sa kanila.

Noong Abril 17, 2017, ipinagdiriwang ng isa sa pinakasikat na guro ng opera sa mundo, si Dmitry Vdovin, ang kanyang ika-55 na kaarawan.

Ang kanyang mga mag-aaral ay nanalo sa pinaka-prestihiyosong mga kumpetisyon, nagtatrabaho siya sa pinakamahusay na mga sinehan, ngunit sa loob ng higit sa tatlumpung taon ay nanatili siyang tapat sa Bolshoi.

Ang pinuno ng Bolshoi Theatre Youth Opera Program, Honored Art Worker ng Russian Federation, Propesor Dmitry Vdovin ay tapat na nagsalita tungkol sa mga intricacies ng kanyang trabaho at kung gaano kabilis ang pagbabago ng mundo ng opera (at kung ano ang gagawin tungkol dito) sa isang eksklusibong panayam para sa Radio Orpheus.

– Kamakailan kang bumalik mula sa Metropolitan Opera, kung saan nagsagawa ka ng mga master class. Ano ang mga pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga programa sa kabataan at mang-aawit?

- Mas maraming pagkakatulad kaysa pagkakaiba. Nakakita ako ng mga programa ng kabataan sa Estados Unidos at nagsimulang magtrabaho doon. Noong binuksan namin ang Youth Program sa Bolshoi, ginamit ko ang karanasang ito, at ito ay makatwiran: bakit magbukas ng bisikleta? Kung tungkol naman sa level ng mga singers, kahit papaano ay immodes kung sasabihin kong mas mataas ang level ng mga singers natin. Ngunit, siyempre, may mga pagkakaiba.

Hindi tayo kasing-kosmopolitan at internasyonal gaya ng ating mga katapat sa New York, London o Paris. Sa ganitong kahulugan, tiyak na mayroon silang mas maraming pagkakataon. Upang makapagtrabaho sa Bolshoi Theater at sa pangkalahatan ay nakatira sa Moscow, kailangan mong magsalita ng Russian, at hindi ito madali para sa mga dayuhan. Marami kami sa kanila, ngunit kadalasan sila ay mga mamamayan ng mga republika ng dating USSR - inaanyayahan namin ang mga mang-aawit mula sa bilog na nagsasalita ng Ruso.

Pangalawa, ang mga kasamahan natin sa Kanluran sa malalaking sinehan minsan ay may mas malaking budget. Ngunit tila sa akin, gayunpaman, ang aming programa ay gumagana nang higit sa iba sa pag-unlad ng artist. Tawagin natin ang isang pala: sa maraming mga sinehan, ang pangunahing layunin ng naturang mga programa ay ang paggamit ng mga batang artista sa maliliit na tungkulin sa kasalukuyang repertoire.

- Ang isang baguhan na mang-aawit ay walang pagkakataon na kumanta gamit ang isang tunay na orkestra, upang gumanap sa isang pagganap ng opera. Ang mga sinehan sa kabisera ay masikip, saan makukuha ang kinakailangang karanasang ito?

- Iyon ang punto ng paglikha ng Programa ng Kabataan sa Bolshoi Theatre. Ang sistema ng edukasyon para sa mga vocalist sa Russia ay napaka-archaic. Mayroon tayong mga makabagong interbensyon sa pangkalahatang sistema ng edukasyon, ngunit kung minsan ang mga ito ay hindi inaakala, katawa-tawa, at hindi palaging umaayon sa ating mga tradisyon at kaisipan. Kaya ito ay sa Unified State Examination, na nagdulot ng pagtanggi sa lipunan at isang malaking pag-agos ng negatibong emosyon.

Siyempre, kailangan ang mga pagbabago sa vocal education system. Ang sistemang ito ay luma na, ito ay nabuo 100-150 taon na ang nakalilipas, nang ang mga unang conservatories ay nilikha. Ngayon ay dapat nating maunawaan na ang opera house ay naging sa maraming paraan ng isang teatro ng direktor. At nang ang umiiral na sistema ay nilikha, ang teatro ay puro vocal, at pinakamahusay, isang konduktor. Simula noon, marami na ang nagbago. Ang direktor ngayon ay isa sa mga pangunahing pigura; hindi lamang ang boses ang mahalaga para sa mang-aawit, kundi pati na rin ang kumikilos at pisikal na bahagi.

Pangalawa, kung 30 taon na ang nakalilipas sa ating bansa ang opera ay ginanap sa Russian, ngayon ang lahat ay ginanap sa orihinal na wika. Bilang karagdagan, ang mga pangangailangan sa musikal na teksto ay tumaas. Ngayon ay hindi na posible na kumanta nang malaya gaya ng pagkanta ng ating mga magagaling na mang-aawit kahit 30 taon na ang nakalilipas. At ang mang-aawit ay dapat magkaroon ng angkop na paghahanda para dito. Dapat palaging mayroong isang pagsasaayos ng pedagogical sa kasalukuyang panahon, ang mga kumplikadong tendensya nito.

Kung makikinig ka sa isang mang-aawit noong dekada 70, kailangan mong maunawaan na may mga bagay na hindi na magagawa ngayon. Ang mismong istraktura ng opera house at ang negosyo ng opera ay nagbago. Hindi sapat para sa isang mang-aawit na malaman lamang ang teatro ng Russia, kailangan niyang malaman ang mga uso ng teatro sa mundo, upang malaman ang mga inobasyon na dinadala ng mga artista, konduktor, direktor, at marami na silang nagbago sa pananaw ng opera.

- Hindi pa ba sapat ang dalawang programang opera para sa bansang tulad natin?

– Huwag kalimutan na ang Galina Vishnevskaya Center para sa Opera Singing ay umiiral pa rin. Malamang, sa maraming opera house ay may mga trainee group.

Ang programa ng kabataan, sa anyo kung saan ito ay umiiral sa malalaking sinehan, ay isang napakamahal na gawain. Kung ito ay talagang isang programa ng kabataan, at hindi isang uri ng grupong nagsasanay, kapag ang mga tao ay dadalhin sa panahon ng pagsubok at magpasya kung haharapin pa ito o hindi.

At ang programa ng kabataan ay mga guro, coach (piyanista-tutor), mga wika, entablado at pagsasanay sa pag-arte, mga klase at lugar, isang tiyak na bahagi ng lipunan. Ang lahat ng ito ay nagkakahalaga ng maraming pera. Hindi mayaman ang mga sinehan natin, I think they simply cannot afford it.

Ngunit sa Armenia, na palakaibigan sa amin, nagbukas sila kamakailan ng isang programa, at sa nakikita ko, gumagaling sila. Kung tungkol sa mga opera house sa Russia, hindi ko napapansin ang labis na interes sa kanilang bahagi sa kung ano ang ginagawa namin. Maliban, marahil, Yekaterinburg.

- Bakit hindi nila alam sa ibang mga sinehan? Baka kailangan nilang magpadala ng newsletter?

- Alam na alam ng lahat ang lahat. Ngunit ang mga dayuhang kasosyo ay interesado sa kung ano ang ginagawa namin sa Bolshoi Theater. Ang aming malapit na internasyonal na kooperasyon ay nagsimula sa Washington Opera, mayroon kaming patuloy na pakikipagtulungan sa La Scala Academy at iba pang mga programa sa opera sa Italya, sa tulong ng Italian Embassy at ang bukas-palad na suporta ni G. David Yakuboshvili, kung saan maraming salamat sa kanya.

Nagtatatag kami ng aktibong pakikipagtulungan sa Paris Opera at Metropolitan. Bilang karagdagan, nakikipagtulungan kami sa Queen Sonja Competitions sa Oslo, ang Paris Competition, na napaka-aktibong nagpo-promote ng kanilang mga artist. Nangyayari ito hindi lamang dahil tayo ay kumakatok sa kanilang mga pintuan, ito ay isang mutual partnership na interes.

– Ang isang batang mang-aawit sa Russia ay madalas na kinakailangang magbigay ng pambihirang ebidensya na siya ay may boses. Kinakailangang kumanta nang may napakalaking tunog na nanginginig ang mga dingding. Nahaharap ka ba dito o hindi?

"Nakikitungo ako sa mga gastos sa panlasa araw-araw. Mayroong ilang mga dahilan para dito. Ang tradisyon ay nabuo sa paraang humihingi ng malakas na pag-awit ang ating madla. Gustung-gusto ng manonood kapag maingay, kapag maraming high notes, saka magpapalakpakan ang mang-aawit. Nagkataon na medyo malakas din tumugtog ang aming orkestra. Ito ay isang uri ng performance mentality.

Tandang-tanda ko nang una akong dumating sa Met, ito ay ang Wagner's Tannhäuser sa loob ng isang minuto, ako ay namangha - ang orkestra sa ilalim ng direksyon ni James Levine ay tumugtog nang napakatahimik! Siya si Wagner! Ang aking mga tainga ay nasanay sa isang ganap na naiibang tunog, sa isang mas mahusay na dinamika. Napaisip ako: napakagandang marinig ang lahat ng mga mang-aawit sa anumang tessitura, walang mga problema sa balanse ng tunog, walang sinuman sa mga mang-aawit ang pinilit. Ibig sabihin, ang problema ay hindi lamang sa mga mang-aawit na kumakanta nang malakas, ngunit sa katotohanan na ang sistema, ang panlasa, ang mentalidad ng lahat ng kalahok sa pagtatanghal, kabilang ang mga manonood, ay nabuo sa ganitong paraan.

Bilang karagdagan, may mga seryosong problema sa acoustic sa karamihan ng aming mga bulwagan. Maraming mga sinehan ang may napaka-dry acoustics na hindi sumusuporta sa mga mang-aawit. Isa pang mahalagang kadahilanan: Ang mga kompositor ng opera ng Russia ay napakalaki, karamihan ay nagsusulat para sa dalawang malalaking teatro ng imperyal na may makapangyarihang mga orkestra at koro, mature at malalakas na boses ng mga soloista.

Halimbawa, sa Kanluran, ang bahagi ni Tatiana mula sa "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky ay itinuturing na napakalakas. Naniniwala ang ilan sa aking mga kasamahan na ang bahaging ito ay mas malakas kaysa sa bahagi ni Lisa sa The Queen of Spades. Mayroong ilang mga kadahilanan para dito - ang density ng orkestra, ang tense tessitura at ang pagpapahayag ng vocal part (lalo na sa Writing Scene at ang huling duet). At sa parehong oras, ang Onegin ay hindi ang pinakamalakas at epikong opera ng Russia sa mga tuntunin ng tunog, kung ihahambing sa iba pang mga opera ni Tchaikovsky, pati na rin ang mga gawa ng Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Borodin.

Narito ang lahat ay idinagdag nang sama-sama: makasaysayang mga kondisyon, pambansang tradisyon at pag-awit, pagsasagawa, pakikinig. Nang magbukas ang USSR at nagsimula kaming makatanggap ng impormasyon mula sa Kanluran, kung saan naiiba ang mga bagay, ang aming tradisyon ay medyo "malaking giling" na pagganap nang walang mga dynamic na pagkakaiba at espesyal na delicacy sa diskarte. Ang pang-aabuso sa naturang pagkanta ay naging sanhi ng pagbagsak ng mga karera ng maraming kilalang artista.

Dapat kong sabihin na hindi tayo ganap na nag-iisa dito - sa USA ay kumakanta rin sila nang malaki, dahil ang kanilang malalaking bulwagan ay kailangang patunugin doon. Sinasabi ng mga Amerikanong tagapagturo tulad ng isang mantra: "Huwag itulak!" (huwag pilitin!), pero madalas tulak-tulak ang mga mang-aawit. Ngunit gayon pa man, hindi ito umiiral doon hanggang sa dati at kung minsan ay patuloy na kasama natin.

– Paano magtrabaho sa paglipad ng tunog?

"Ang pinakamahalagang bagay ay palitan ang lakas ng kasanayan. Ito ang kahulugan ng bel canto school, na nagbibigay ng projection ng tunog sa bulwagan nang walang nakikitang pagsisikap at may iba't ibang sound dynamics (kabilang ang piano at pianissimo). Ang bawat isa ay mayroon nito nang paisa-isa, at ang mga pambansang paaralan ay iba pa rin. Kung maglalagay ka sa isang tipikal na kinatawan ng paaralang Amerikano, Pranses, Italyano at Ruso, maririnig mo ang isang malaking pagkakaiba sa teknolohiya, kahit na ngayon, kapag ang lahat ay medyo malabo at globalisado.

Ang mga pagkakaiba ay dahil sa wika. Ang wika ay hindi lamang pagsasalita, ang wika ay ang istraktura ng kagamitan, articulatory at phonetic features. Ngunit ang ideyal ng isang tunog ng pag-awit, iyon ay, ang resulta ng isang paaralan, ay katulad sa maraming bansa. Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa soprano, marami hindi lamang mga mang-aawit na Ruso, kundi pati na rin ang mga dayuhan, ang gustong kumanta tulad ni Anna Netrebko. At ilang tenor ang gumagaya kina Kaufman at Flores?

- Ito ay isang malaking minus para sa mang-aawit.

- Palagi namang ganyan. Bakit minus? Kung ang mang-aawit ay walang matutunan, ngunit pinili niya ang tamang reference point para sa kanyang sarili sa vocals, kung gayon ito ay maaaring makatulong. Ngunit ano ang gagawin kung mayroon kang parehong uri ng boses, ngunit ang reference point ay ang kabaligtaran? Madalas itong nangyayari, at ito ay puno ng sakuna. Halimbawa, ang bass, na nababagay sa isang mas mababang, malalim na repertoire, ay ginagaya ang bass cantante at umaawit ng isang mataas na repertoire, maliban sa pinsala, hindi ito nagdadala sa kanya ng anuman, at kabaliktaran. Mayroong hindi mabilang na mga halimbawa dito.

- Ang aming vocal school ay batay sa mababang basses. Ano ang high bass? Sa kasamaang palad, ang ganitong uri ng boses ay nauuri bilang baritones...

- Sa pangkalahatan, hindi alam ng mga tao sa ating bansa ang pagkakaroon ng ilang uri ng boses na talagang umiiral. Nang hindi isinasaalang-alang ang mga kategorya ng vocal na ito, na maaaring tawaging vocal role o uri ng boses o, gaya ng nakaugalian sa komunidad ng opera, "fach", imposibleng magturo. Hanggang kamakailan, marami ang hindi nakakaalam kung ano ang isang liriko na mezzo-soprano. Ang lahat ng mezzo ay kinailangang kumanta ng Lyubasha sa malalim at madilim na mga tinig. Kung hindi nila ma-voice ang dramatic repertoire, inilipat na lang sila sa soprano. Hindi ito humantong sa anumang mabuti.

Ang lyric na mezzo-soprano ay hindi isang borderline na boses, ito ay isang independiyenteng uri ng boses na may malawak at mahigpit na tinukoy na repertoire. Mayroon ding dramatic at lyric tenor, mayroon ding klasipikasyon para sa mezzo-soprano (dramatic, lyric). Bukod dito, ang mga liriko na mezzo mismo ay maaaring magkakaiba dahil sa mga tampok na pangkakanyahan at teknikal. Ang liriko na mezzo ay maaaring Handelian, Rossini, Mozartian, marahil ay may matinding pagkiling sa French lyric opera, na mayroon ding maraming tungkulin para sa boses na ito.

Ang parehong napupunta para sa bass-baritone. Mayroon kaming magagandang baritone basses sa Russia: Baturin, Andrei Ivanov, Savransky, ngayon ay Ildar Abdrazakov, Evgeny Nikitin, Nikolai Kazansky. Kung bubuksan mo ang listahan ng mga Met artist, isa sa pinakamalaking seksyon ng kanilang listahan ng mga mang-aawit ay ang bass-baritones. Napakahalaga nito, dahil ang bass-baritone ay perpekto para sa maraming mga tungkulin sa mga opera ng Handel at Mozart, at sa Russian opera mayroong mga tungkulin para sa bass-baritones - Demon, Prince Igor, Galitsky, Ruslan at Shaklovity ay maaaring nasa vocal na ito papel, at Tomsky, at maging si Boris Godunov.

Kung ang mang-aawit ay hinila nang mas mataas o mas mababa, magsisimula ang mga problema. Kung ang mang-aawit ay isang bass-baritone, hindi ito nangangahulugan na ang mang-aawit ay may isang maikling boses (iyon ay, nang walang matinding itaas o mas mababang mga tala), sa kabaligtaran, siya ay madalas na may napakalawak na saklaw. Ngunit ang ganitong uri ng boses ay may ibang kulay at ibang basic repertoire kaysa baritones o basses. Mga dalubhasa sa opera - mga conductor, pianist-tutor, casting director, kritiko at, siyempre, higit sa lahat, dapat malaman ng mga guro ang lahat ng mga subtleties na ito, makilala at marinig ang mga ito sa mga tinig ng mga mang-aawit.

Ang aming larangan (pag-awit ng opera) ay nangangailangan, tulad ng nararapat para sa anumang akademikong genre, mahusay na kaalaman, pag-unawa sa tradisyon, kawalang-kasiyahan, patuloy na paglago, patuloy na trabaho sa sarili at pag-aaral ng patuloy na pagbabago ng mga uso sa pagganap.

Kung nawalan ka ng interes sa pagpapabuti ng sarili, isinara ang iyong sarili sa iyong personal na mundo, o mas masahol pa, biglang nagpasya na naabot mo na ang pagiging perpekto at ganap na nasiyahan sa iyong sarili, nangangahulugan ito na natapos ka na bilang isang tao ng sining at dapat kang agad na umalis sa negosyong ito. Ang bawat isa sa atin na nagtuturo ay dapat patuloy na matuto para sa kanyang sarili. Ang mundo ng opera ay mabilis na gumagalaw sa isang tiyak na direksyon, maaari kang magtaltalan sa pinakamahusay o hindi, ngunit ito ay nagbabago. At kung ayaw mong malaman ang tungkol sa mga pagbabagong ito, ayaw mong makita ang mga ito, maunawaan ang mga ito at tumutugma sa kanila, pagkatapos ay paalam, ikaw ay isang hindi napapanahong karakter, at ang iyong mga mag-aaral ay hindi handa para sa mga katotohanan ng modernong yugto. .

Hinihiling ng mga kabataan ang kaalamang ito, kung minsan sila ay mas mahusay na kaalaman salamat sa Internet at sa mga posibilidad nito. Ang sinumang mag-aaral ay maaaring magbukas ng mga master class, halimbawa, Joyce Didonato o Juan Diego Flores, tingnan at ihambing kung ano ang kinakailangan sa kanya sa conservatory o sa paaralan at kung ano ang hinihiling ng mga napakatalino at pinakamahalagang napakamodernong mga artistang ito. Hindi ito nangangahulugan na humihingi sila ng masama mula sa amin, ngunit doon ito ay mabuti, ngunit kung minsan ang mga pagkakaiba ay makabuluhan. Kailangan mong magkaroon ng kamalayan sa mga detalyeng ito.

Sa pangkalahatan, ang paghahambing ay isang mahusay na bagay, ito ay sa paghahambing na ang isang propesyonal ay ipinanganak. Kapag ang isang mang-aawit ay nagsimulang ihambing ang mga boses, ang kanilang mga katangian, ang mga indibidwalidad ng mga artista at ang kanilang mga interpretasyon, pati na rin ang mga interpretasyon ng iba't ibang konduktor, direktor, guro, artista, musikero, atbp., pagkatapos ay ang kanilang sariling pag-iisip, pamamaraan ay nabuo at, karamihan mahalaga sa sining, masining na panlasa .

- Ngayon sinasabi nila na ang diploma ay hindi mahalaga. Ang mahalaga ay kung paano ka kumain. Ito ay totoo?

- Hindi naman ganyan ngayon. Kapag nakaupo ako sa hurado sa mga kumpetisyon at audition, nagbabasa ako ng mga resume ng mga mang-aawit, bihira akong makakita ng mga taong mag-aaral lamang nang pribado. Noong nakaraan, marami, lalo na ang mga mang-aawit na Italyano ay hindi nag-aral sa mga conservatories, kumuha ng mga aralin mula sa mga pribadong guro at agad na nagsimula ng kanilang mga karera. Ngayon, kapag ang mga kinakailangan para sa mga mang-aawit ay napakalawak at hindi limitado lamang sa boses, mas kakaunti ang mga ito. Pati na rin ang mga kahanga-hangang pribadong guro sa Italya, gayunpaman, tulad ng sa ibang lugar.

- May nalulutas na ngayon ang mga paligsahan? Anong mga kompetisyon ang dapat puntahan ng isang batang mang-aawit?

- Kapag pumunta ka sa isang kumpetisyon, dapat mong maunawaan kung ano ang gusto mo mula dito. Mayroong ilang mga posibleng dahilan para dito. Dahilan - ang tagumpay, ang pagnanais na manalo, ay ipinahiwatig sa lahat ng mga kaso, ito ay bahagi ng buhay ng artista, na araw-araw na tunggalian. May mga tinatawag na "competitive" na mang-aawit na may espesyal na hilig, at sa aking mga estudyante ay mayroon ding ganoon. Gustung-gusto nila ang mga mapagkumpitensyang pagsubok tulad nito, natutuwa sila sa kapaligiran ng kumpetisyon, ang adrenaline na ito, namumulaklak lang sila doon, habang nasasaktan ang marami sa kanilang mga kasamahan.

Unang Dahilan. Subukan ang iyong kamay. Upang maunawaan ang paunang antas ng kakayahan ng isang tao, ang tinatawag na “tumingin sa mga tao at ipakita ang sarili”. Ang mga kumpetisyon na hindi ang pinakamataas na antas ay angkop dito - mga lokal, mababa ang badyet. Hindi masamang magsimula sa kanila para sa mga napakabatang mang-aawit upang magsanay, magtayo ng mga kalamnan (hindi lamang vocal, kundi pati na rin ang kinakabahan, pakikipaglaban).

Kung ikaw ay isang batang mang-aawit at gusto mo lang subukan ang iyong kamay, hindi mo na kailangang pumunta sa mga pinakamalaking kumpetisyon sa antas ng kumpetisyon ng Francisco Viñas sa Barcelona, ​​​​Placido Domingo's Operalia, New Voices in Germany, ang BBC sa Cardiff, ang Queen Sonja competition sa Oslo o Queen Elizabeth sa Brussels.

Pangalawa dahilan. Para makahanap ng trabaho. Maaari itong maging isang kumpetisyon kung saan ang hurado ay binubuo ng mga direktor ng teatro, ahente at iba pang mga employer, o isang kompetisyon na minamahal ng mga ahente. Ang mga hurado ng mga kumpetisyon gaya ng Belvedere (Hans Gabor Competition) o ang Competizione dell'opera italiana (Hans-Joachim Frey) ay binubuo ng mga ahente at mga tagapangasiwa ng casting. Bagama't ang nasa itaas ay naiiba din dito.

Ang mga kumpetisyon na ito ay para sa mga nangangailangan ng mga ahente, nangangailangan ng trabaho, at karamihan sa mga mang-aawit na ito. Ito ay ibang uri ng kumpetisyon. Kung ikaw ay isang baguhan na artista, wala kang karanasan sa mapagkumpitensya, hindi mo kailangang pumunta sa mga pangunahing kumpetisyon na ito, kung saan pupunta ang mas maraming karanasan na mang-aawit, na may kasanayan sa pag-awit kasama ang isang orkestra, na, bilang karagdagan sa lahat, ay nagsanay ng mga nerbiyos.

Pangatlo ang dahilan. Pera. Well, hindi na kailangan para sa espesyal na pagiging sopistikado, ito ay anumang mga paligsahan na may mataas na premium na pondo. Maraming magagaling na mang-aawit sa South Korea na walang gaanong trabaho sa kanilang tinubuang-bayan ang lumilipat mula sa kumpetisyon patungo sa kumpetisyon, nananalo at nanalo ng mga parangal sa lahat ng oras, at sa gayon ay kumikita ng maayos.

Ang aming kumpetisyon sa Tchaikovsky ay isang kumpetisyon para sa ilang mga specialty, hindi lamang vocal. Ito ay nangyari, sa kasamaang-palad, na ang mga vocalist dito ay hindi kailanman naging spotlight. Marahil ang ika-4 na kumpetisyon lamang, na napanalunan nina Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya, at Kallas at Gobbi ay dumating sa trabaho sa hurado, ay nagdala ng espesyal na pansin sa seksyon ng boses.

Hindi ko alam kung ano ang dahilan, para sa akin ito ay napaka kakaiba at hindi maintindihan. Sa Tchaikovsky Competition, kami, ang mga vocalist, ay ilang uri ng mga tagalabas, marahil ito ay dahil sa ang katunayan na ang pag-awit sa Russian ay lumilikha pa rin ng isang tiyak na hadlang sa pagdating ng mga dayuhang kalahok. Ang kumpetisyon na ito ay palaging mahirap para sa aming mga dayuhang kasamahan. Partly because of our closeness, siguro dahil kulang ang mga agents at theater directors na dumating para magbigay ng trabaho. Ang rehimeng visa ay lumilikha din ng mga problema, at marami.

Tulad ng dati, ang Tchaikovsky vocal competition, kung pag-uusapan natin ang tungkol sa pagiging kinatawan nito sa internasyonal, ay isang lokal na kalikasan. Dati, depende rin ito sa kung paano gumagana ang hurado. Sa imbitasyon ni Irina Konstantinovna Arkhipova, ako ang executive secretary ng jury noong 1998, at ito ay gumawa ng medyo mabigat na impresyon sa akin. Sana ay nagbago na ito ngayon. Ngunit, sa parehong oras, may mga tagumpay sa kumpetisyon ng Tchaikovsky, na nagbigay ng isang mahusay na impetus sa kanyang karera.

Sa halimbawa ni Albina Shagimuratova, na nanalo noong 2007, nakita ko kung paano agad na bumaling sa kanya ang mga mata ng mga taong mahalaga sa mundo ng opera. Para sa kanya, ito ay isang malaking springboard sa kanyang propesyonal na buhay. Ngunit para sa maraming mga nanalo, hindi ito nagkaroon ng ganoong epekto.

Napakahirap para sa isang mang-aawit na suriin nang tama ang kanyang sarili. Ito ay napakahirap at, upang sabihin ang totoo, bihirang magtagumpay. Bukod dito, kasabay ng pagtaas ng pagpapahalaga sa sarili, may panganib ng pagsira sa sarili. Kadalasan ang ating pagpapahalaga sa sarili ay minamaliit at dinudurog ng iba. Ito ang aming Russian pedagogical mentality, kapwa sa pamilya at sa paaralan sa pinakamalawak na kahulugan ng salita. At mayroon akong mga ganitong kaso sa trabaho.

Mahal ko ang aking mga mag-aaral at pinahahalagahan sila, ngunit kung minsan ay tila sa akin na ang mang-aawit na ito ay masyadong maaga para sa kumpetisyon, na hindi pa siya handa. At ang mang-aawit mismo ay nagpasya na pumunta, at kapag dumating ako sa kumpetisyon at makita siya, ako mismo ay nagulat kung paano siya pinagsama at kung paano siya tunog. Mahalaga rin na tingnan ng mga guro mula sa labas ang iyong ginagawa. May iba pang mga sitwasyon na iniisip ko na ang mang-aawit ay mahusay, ngunit hindi siya nanalo. Pagkatapos ay nakikita ko sa aking sarili na ito ay tama. Lahat ng bagay sa ating propesyon ay hindi matatag, pabagu-bago, minsan subjective...

- Sa iyong Facebook page, nag-post ka ng impormasyon tungkol sa NYIOP auditions na inorganisa ni David Blackburn. Bakit mo iyon ginawa?

"Ang mga taong nagtapos sa isang institusyong pang-edukasyon ay nangangailangan ng trabaho. Ang anumang uri ng audition ay ang paraan upang makakuha ng trabaho. Dahil medyo marami akong subscriber, iniisip ko hindi lang ang mga estudyante ko, kundi pati na rin ang mga nakatira sa probinsya at walang sapat na contact at impormasyon lang. Naniniwala ako na dapat ko silang tulungan at isulat ang lahat ng bagay na maaaring maging interesado sa kanila.

Nag-post ako kamakailan ng impormasyon tungkol sa Youth Program ng Opera House sa Tenerife. Ang teatro na ito ay itinayo ng mahusay na Espanyol na arkitekto na si Calatrava at mayroong 2,000 upuan. Ang pamamahala ng teatro ay kahanga-hanga, ang programang ito ay pinamunuan ng aking kasamahan, ang Italyano na pianista na si Giulio Zappa, na nagtatrabaho sa amin sa Moscow. Maikli lang ang programa, ilang buwan lang, ngunit nakakagawa sila ng produksyon sa panahong ito. Isa rin itong pagkakataon para sa marami.

- Sasabihin ko sa iyo ang isang lihim - sa malapit na hinaharap, kasama ang mga kasosyo sa Russia at Asyano, plano kong lumikha ng isang malaking internasyonal na proyekto na "Russian-Asian House of Culture." Ano sa palagay mo?

– Malaki ang halaga ng anumang pagsisikap para sa pagpapalitan ng kultura. Ito ay isang mahalagang bagay. Ang Asya ay hindi lamang isang lumalagong pang-ekonomiyang merkado, kundi pati na rin ang isang malaking lumalagong cultural foothold. Kasama ang opera. Para sa kanila, ang Russia ay maaaring maging isang mahalagang koridor sa pagkonekta sa pagitan ng Kanluran at Silangan.

Naniniwala ako na dapat din tayong mag-imbita ng higit pa sa mga mang-aawit na ito, kung minsan ay kulang tayo sa kanilang malalaki at sanay na boses. At sa Asya, parami nang parami ang mga bagong concert hall at opera house na patuloy na nagbubukas. Nais din naming sa Youth Program na makipagtulungan sa China, na mayroong mahuhusay na mga sinehan at concert hall. Maraming magagaling na Asian na mang-aawit, sila ay napakatalino at masisipag. Nakarinig ako ng magagaling na mang-aawit mula sa China, Japan, India, Sri Lanka, Philippines, Taiwan sa mga kompetisyon. Ang mga mang-aawit sa South Korea ay ilan sa mga pinakamahusay sa mundo. Bakit hindi natin sila imbitahan, magtulungan, magtanghal nang sama-sama?

– Ano pa ang umaakit sa iyo sa buhay bukod sa opera?

– Gustung-gusto ko pa ring maglakbay, kahit na hindi kasing hilig ng 20-30 taon na ang nakalilipas. At talagang pinahahalagahan ko ang pakikipag-ugnayan ng tao. Dahil sa trabaho, sa kasamaang palad, wala akong sapat. Gusto kong gumugol ng mas maraming oras sa pamilya at mga kaibigan. Nang magsimula akong magtrabaho sa Bolshoi, nagsimula akong mawala ang mga koneksyon na ito. Ang teatro ay isa ring whirlpool. Ngayon nagbago ang isip ko. May mga mahihirap na pagbabago sa buhay ko, at napagtanto ko nang may partikular na katalinuhan kung gaano kahalaga ang pamilya at mga kaibigan.

Ang musika ay isa ring malaking kaligayahan, ang musika ay maaaring maging aliw para sa mga taong nawalan ng mahal sa buhay, na may mga problema, na hindi bata. At ang musika ay hindi kailanman nagtataksil. Sa palagay ko mayroon akong isang mahirap na karakter, ngunit nagbibigay ito sa akin ng malaking kagalakan upang matulungan ang mga kabataan, upang suportahan sila sa pinakamahirap na yugto ng kanilang malikhaing buhay. At huwag maghintay para sa isang sapat na tugon, pasasalamat at kahit na katapatan. Kung nandoon, maganda iyan; kung wala ito, huwag kang mabitin dito.

Ang isa pang maling kuru-kuro ng kabataan ay ang pagtingin sa karera at tagumpay bilang ganap na kahulugan ng buhay. Tila sa akin na maaga o huli ang ideyang ito ay nagiging isang malaking pagkabigo. Sa pagtingin sa mga taong nagmamahal lamang sa kanilang kaluwalhatian, hindi ako mapalagay. Malinaw na sa unang kalahati ng buhay mahalaga na makamit ang isang tiyak na taas, dahil ang iba pa, mas malalaking pagkakataon ay nagbubukas para sa iyo. Ngunit dapat nating maunawaan na ang isang mahusay na propesyonal na reputasyon ay isang kasangkapan lamang. At ang reputasyon o, mas tiyak, ang tagumpay ay hindi dapat maging pangunahing layunin, kung hindi, mag-isa ka.

Napagtanto ko rin sa paglipas ng panahon na kailangan mong palayain ang mga tao. Hindi para magpaalam sa kanila, lalo na ang bumitaw. Minsan madaling sabihin pero mahirap tanggapin. Pero kahit papaano natuto ako. Mayroon akong medyo maraming mga mag-aaral, kaya naging mahirap para sa akin na hawakan ang lahat ng maraming mga thread na ito (laughs).

Mahal na mahal ko ang karamihan ng aking mga mag-aaral, pinapanood ko kung paano sila nagpapatuloy sa buhay, at kung may kailangan sila, lagi akong natutuwa na babalik sila, masaya na tulungan sila. Bagama't minsan nakakainis ako kapag nakalimutan ang ating gawain, ang mga tao ay nagsisimulang kumanta ng hindi nababagay sa kanilang boses, nagsimulang gumawa ng iba pang mga katangahan, maging tamad, huminto sa paglaki, o kahit na simpleng pababain. Ngunit ito rin ay kalikasan ng tao, at ang mga batas ng Darwinismo na nauugnay dito. Ito ay natural na seleksyon.

Dati, kung may nangyari, buong responsibilidad ko ang anumang problema ng mga kasalukuyan at dating estudyante ko. Syempre, may kasalanan tayo, mga guro. Ngunit may iba pang mga dahilan - hindi sapat na kalusugan para sa ating propesyon, mga maling desisyon, kasakiman, katangahan, labis na pagpapahalaga sa ating sarili. Samakatuwid, pinilit ako ng buhay na tanggapin ang katotohanan na kami, mga guro, ay hindi makapangyarihan sa lahat. Ngayon ay natutuwa ako sa proseso. Hindi ko akalain na ang estudyanteng ito ay dapat talagang manalo sa lahat ng mga kumpetisyon sa mundo at kumanta sa Metropolitan. Ang meron ako dati...

- Ano ito? Vanity o perfectionism?

"Ang mga taong pumapasok sa sining ay ambisyoso. Gusto nilang maging una, at hindi ito maaaring maging kung hindi man. Sa paglipas ng panahon, ang isang karera ay nagiging isang tool kung saan makakahanap ka ng mga tamang kasosyo, magtrabaho kasama ang pinakamahusay na mga artista, konduktor, mga direktor sa pinakamahusay na mga yugto. Masaya ako na kabilang ako sa Bolshoi Theater, na aking hinahangaan mula noong edad na 14, nang ipagdiwang ng buong bansa ang ika-200 anibersaryo nito, at sa unang pagkakataon ay pumasok ako sa kamangha-manghang bulwagan na ito.

Sa edad na 17, dumating ako sa Bolshoi bilang isang mag-aaral na nagsasanay, para sa akin ito ay isang espesyal na teatro. At masaya ako na ganito na ang atmosphere namin ngayon sa teatro at may respeto at suporta sa isa't isa, napapaligiran ako ng mga mahuhusay na artista at sobrang interesado ako sa mga taong gumagawa ng mga desisyon dito. Kadalasan, kapag umalis ako patungo sa ibang (at hindi masama!) mga bansa at lugar, iniisip ko: Gusto kong bumalik sa lalong madaling panahon. Blessing na gusto ko ng umuwi. Sasakay ako sa isang eroplano, at inaasahan kong makita ang isang iyon bukas, gagawin natin ang aria na ito sa isang ito, bibigyan ko ng bagong materyal ang isang ito ...

Ano pa ang gusto mong matutunan sa buhay? Ano ang kulang mo?

– Nami-miss ko ang ilan pang mahahalagang wikang banyaga. Alam ko ang ilan sa kanilang mga pangunahing kaalaman, ngunit hindi ko natapos ang pag-aaral sa oras. Ngayon ay walang oras para dito - gumugugol ako ng 10-12 oras sa teatro. Kung alam ko lang ang mga wikang ito nang perpekto! Ngunit tandaan, tulad ni Raikin - hayaan ang lahat, ngunit may kulang! (tumawa).

Ang aking mga mag-aaral ay nanalo ng mga prestihiyosong kumpetisyon, nagtrabaho ako sa pinakamahusay na mga sinehan sa mundo, naupo sa hurado ng malalaking kumpetisyon. Ano pa ang mapapangarap ng isang guro? Ngayon ay mas makakatrabaho ko na ang mga lalaki at hindi gaanong iniisip ang sarili ko. Makaupo lang ako at magtrabaho. Ang pinakakahanga-hangang bagay ay nabuhay ako sa ganoong sandali na hindi ko iniisip: "Ah! Tatawagan ba nila ako? Hindi nila ako tinawagan ... At ngayon tinawag nila ako sa wakas!" Hindi, siyempre, ako ay parehong flattered at nalulugod kapag ang isang tao ay tinatawag na, ngunit ang kagalakan na ito ay isang mahusay na likas na gawain, hindi hihigit at hindi bababa.

Napakalaking kaligayahan na sa aking buhay ay may mga magagaling na guro at tagapayo. Sobrang miss ko na sila. Ang ilan, salamat sa Diyos, ay nasa mabuting kalusugan. Naaalala ko na tinanong ko si Irina Konstantinovna Arkhipova, ano ang pinaka kapana-panabik na bagay para sa iyo sa propesyon ng pagkanta? Sinabi niya na nakakakuha siya ng higit na kasiyahan mula sa pagtagumpayan ng mahirap. Nang mabigyan siya ng bagong tungkulin o materyal na mahirap matutunan at gampanan, naranasan niya ang napakalaking malikhaing euphoria mula sa pagtagumpayan ng mga paghihirap na ito.

Ngayon naiintindihan ko na siya. Kamakailan ay may isang kaso: Mayroon akong isang mahuhusay na mag-aaral, ngunit siya ay nagkaroon ng problema sa matataas na tala sa loob ng mahabang panahon. Naiintindihan ko na nasa hanay niya ang mga talang ito, ngunit natatakot siyang i-play ang mga iyon. Hindi ito dumikit ng mahabang panahon. At pagkatapos ay nagalit lang ako sa sarili ko at sa kanya at hinukay ko na lang ang problemang ito. Well, kailangan mong lutasin ito, sa huli! Ang mang-aawit na ito, sa aking palagay, ay natakot pa sa aking panggigipit. At biglang nagpunta ang mga talang ito! Parang may bagong ipinasok sa upper case nito.

Naranasan ko ang kaligayahan, marahil higit pa kaysa sa kanya. Lumipad ako tulad ng sa mga pakpak mula sa pakiramdam na kahapon ang mang-aawit ay kumanta nang mag-isa, at ngayon siya ay dumating sa klase, at narinig ko na siya ay nagkaroon ng isang pambihirang tagumpay, na ginawa namin ito! Siyempre, maganda kapag ang iyong estudyante ay nanalo sa isang kumpetisyon o gumawa ng kanyang debut sa isang magandang teatro, ngunit ang mas mahalaga ay ang mismong proseso ng trabaho, ang proseso ng pagtagumpayan.

- Minamahal na Dmitry Yuryevich, ang maikling biographical na impormasyon tungkol sa iyo ay matatagpuan sa net, ngunit magsimula muli tayo sa simula: mula sa iyong pamilya, mula pagkabata. Paano at saan ka nagsimulang sumali sa mundo ng musika, vocals, opera theater?

Ipinanganak at lumaki ako sa Sverdlovsk. Ang aking mga magulang, sa pangkalahatan, lahat ng mga kamag-anak, ay ganap na mga physicist at mathematician. Si Nanay ay isang guro ng mas mataas na matematika sa Ural State University, si tatay ay isang physicist, ang direktor ng isang malaking research institute, ang tiyuhin ay isang physicist, si tita ay isang algebraist, si kuya ay isang ulo. Department of Mathematics sa Academy na ngayon ay nasa Yekaterinburg. Nakakalat sa buong mundo ang mga pinsan at kapatid na babae - lahat ng mga mathematician.

Kaya ako ang tanging exception, gaya ng sinasabi nila, sa isang pamilya na hindi walang ... isang musikero!

Ngunit sa parehong oras, lahat ay nag-aral ng musika sa pagkabata: parehong tatay at kapatid. Ngunit heto ako, kahit papaano ay "naantala" dito. Nagtapos siya sa isang paaralan ng musika sa piano, pumasok sa GITIS sa departamento ng teatro. At pagkatapos ang aking pianismo ay naging lubhang kapaki-pakinabang, nabuhay ako sa pamamagitan nito, kasama ang mga bokalista. Iyon ay, ito ay isang uri ng "barter" - natutunan ko ang mga vocal mula sa mga kaibigan at kakilala at "binayaran" sila sa pamamagitan ng pagtugtog ng arias, mga romansa sa piano, pag-aaral ng mga bagong gawa sa kanila. Gusto ko talagang kantahin ang aking sarili sa aking kabataan, ngunit ang aking mga magulang, bilang mga seryosong tao, ay pinayuhan ako na kumuha muna ng isang mas maaasahang espesyalidad, kaya nagtapos ako sa institute bilang kritiko sa teatro, dalubhasa sa opera, at pagkatapos ay nagtapos sa paaralan.

Naku, wala akong nakilalang totoong vocal teacher na maniniwala sa akin, nagbigay ng panimula. Marahil ay walang sapat na mga personal na katangian para sa isang karera bilang isang soloista, at salamat sa Diyos na naunawaan ko ito sa oras. Lahat ng hindi nagagawa ay para sa ikabubuti. Sa pangkalahatan, medyo huli akong kumanta, sa edad na 30. Sa oras na iyon, maraming tao sa mundo ng opera ang nakakakilala sa akin sa ibang kapasidad. Ang sitwasyon ay maselan - sa Union of Theater Workers "inutusan" ko ang musikal na teatro. Ito ay isang asosasyon na hindi nabuhay nang matagal sa paghina ng Unyong Sobyet, na nag-aayos ng malalaking pagdiriwang at mga kumpetisyon na may milyun-milyong mga badyet at mabuting hangarin ...

Noong unang bahagi ng 90s, nagpunta ako sa Belgium upang mag-improve bilang isang vocal teacher, at nang inalok nila ako ng kontrata sa isang medyo malaking ahensya bilang isang mang-aawit, bigla kong napagtanto na huli na ang lahat, tulad ng sinasabi nila, "lahat ng singaw. lumabas", o sa halip, tumungo sa kabilang direksyon - para sa pagtuturo.

- Ngunit may mga makasaysayang halimbawa ng mga huling karera sa boses - tenor Nikandr Khanaev, na nagsimula sa 36, ​​bass na si Boris Gmyrya - sa 33, si Antonina Nezhdanova ay nag-debut sa propesyonal na yugto lamang sa 29.

Una, nabuhay sila sa simula hanggang kalagitnaan ng ika-20 siglo, mas malapit sa kanilang mga kontemporaryo, mas mahirap makahanap ng mga mang-aawit na nagsisimula sa edad na 30, at pagkatapos, bawat isa ay may sariling "margin ng kaligtasan" sa pagtitiyaga patungo sa pagkamit ng layunin.

Nang bumagsak ang Unyong Sobyet, nag-organisa kami ng isang konsiyerto at ahensya ng pagkilos "sa pagkawasak" ng STD, na medyo matagumpay. Naaalala ko ang mga araw na iyon na may espesyal na pasasalamat, dahil sa unang pagkakataon sa edad na 28 nagsimula akong maglakbay sa ibang bansa, bago iyon ay hindi nila ako pinalabas para sa ilang kadahilanan. Nagbigay ito ng malaking karanasan sa pakikinig, ang pagkakataong makilala ang pinakamahusay na mga paggawa ng mga opera sa mga yugto ng mundo, upang suriin ang mga tinig ng mga sikat na mang-aawit nang live. Natuklasan ko ang isang bagong mundo para sa aking sarili, kung saan kumanta sila na ganap na naiiba sa atin, na may mga pambihirang eksepsiyon.

Kinailangan kong sirain ang ilang mga ideya sa aking sarili, dahil ang bulung-bulungan ay "labo" ng tradisyon ng opera ng Sobyet, kapwa sa mabuti at masamang kahulugan ng salita. Rebuilt technically, stylistically, nagbago ang panlasa ko. Hindi madali, minsan nakakagawa siya ng mga katangahan. Sa loob ng ilang oras nag-aral ako sa mga lalaki sa halip dahil sa interes, ni hindi ko naaalala na kumuha ako ng pera para sa mga aralin.

At pagkatapos ay inanyayahan akong magturo ng mga vocal sa Gnessin School, sa Faculty of Musical Theatre Actors. Para sa akin, lalo na para sa isang karagdagang set, kinuha nila ang nag-iisang mag-aaral - Rodion Pogosov. Siya ay 16 taong gulang noon, hindi siya kumanta at sa pangkalahatan ay nangangarap na maging isang dramatikong artista. Ngunit hindi siya tinanggap sa mga unibersidad sa teatro, at "dahil sa kalungkutan" ay pumasok siya sa paaralan at lumapit sa akin. Nasa edad na 19, sa kanyang ika-3 taon, ginawa niya ang kanyang debut bilang Papageno sa Novaya Opera, at sa 21 siya ay naging pinakabatang kalahok sa programa ng kabataan sa Metropolitan, at iba pa. Ngayon si Rodion ay isang hinahangad na artista ng internasyonal na klase.

- Well, kahit na ang "unang pancake" ay hindi lumabas na bukol para sa iyo!

Oo, ang pagtatrabaho sa aking unang estudyante ay nangangailangan ng maraming lakas at lakas mula sa akin. Pinilit ko siyang mag-vocals sa lahat ng oras, kasama ang kanyang ina. Ang mga ito ay hindi ordinaryong mga klase dalawang beses sa isang linggo para sa 45 minuto, ngunit ang mga aralin halos araw-araw. Sa madaling salita, hinabol ko siya, nalampasan ang pagtutol at ayaw matuto. Maiintindihan mo - isang napakabata, bukod pa, hindi siya naniniwala sa kanyang mga kakayahan sa boses. Pinagtawanan pa niya ang mga mang-aawit, ang mismong proseso ng pagkanta sa akademya ay tila katawa-tawa sa kanya.

- Ito ay lumiliko na kailangan mong mag-aral mula sa simula! At ang isa ay nakakakuha ng impresyon na ang mga mag-aaral ni Vdovin - mas alam namin ang tungkol sa mga nagtapos ng Choir Academy - ay handa na ang mga lalaki mula pagkabata, kumanta mula sa edad na 6-7, napakahusay na musikero.

Ngayon sinasabi nila tungkol sa akin na kumuha ako ng "cream", ang pinakamahusay na mga boses, sa aking klase. At ano, kinakailangan na kunin ang masasama? O may kailangan ba akong patunayan sa isang tao? Ang sinumang normal na artist (artist, master) ay palaging pinipili ang pinakamahusay. Oo, ngayon ang mga kabataan ay lumalapit sa akin, nakikita ang mga resulta ng aking trabaho, at mayroon akong pagkakataon na pumili. At first binigyan nila ako ng iba't ibang estudyante. Kaya dumaan ako sa paaralan ng paghila ng mahihirap na mag-aaral nang buo, at sa palagay ko ito ay kinakailangan para sa isang batang guro.

- Mayroon bang ganap na walang pag-asa na mga pagpipilian? Para sa isang tao na tuluyang mawalan ng boses, o umalis sa kanyang vocal career, kahit na hindi mo kasalanan?

Ang napakabatang edad ng kasalukuyang mga baguhan ay isa rin sa mga problema. Noong nakaraan, nagsimula silang mag-aral ng vocals nang propesyonal sa edad na 23-25, lalo na ang mga lalaki, iyon ay, pagiging physically fit na tao, malakas hindi lamang sa katawan kundi pati na rin sa espiritu, na makabuluhang pinili ang kanilang propesyon. Ngayon ang mga 15-16 taong gulang ay pumupunta sa mga paaralan, sa Choir Academy sa aking klase - sa 17 taong gulang.

Lumalabas na sa edad na 22 ay graduate na sila. Mayroon akong ganoong lalaki, bass, napakahusay, nanalo ng mga kumpetisyon. Agad siyang dinala sa isang programa ng kabataan sa isa sa mga bansang Europeo, pagkatapos ay sa teatro. At yun nga - matagal na akong walang narinig tungkol sa kanya, wala na siya. Ang tinatawag na fest contracts sa repertory theaters ay lalong mapanganib para sa napakabatang vocalist. Ibig sabihin - kantahin ang lahat, angkop man ito o hindi nababagay sa iyong boses. Ngayon - Rossini, bukas - Mussorgsky, kinabukasan - Mozart, at iba pa hanggang sa Bernstein at sa operetta. Tingnan mo, hindi pa lumipas ang ilang taon, ngunit sa halip na isang boses - ang mga labi ng mga nakaraang kagandahan.

- Ngunit pagkatapos ng lahat, sa tradisyon ng Russian-Soviet, ang iba't ibang mga estilo at pangalan sa poster ay palaging kahalili, at ang mga nangungunang soloista ay kumanta din hindi 6-7 "La Traviata" o "Peak", dahil sila ay nasa Kanluran. , ngunit 4-5 pinaka magkakaibang mga tungkulin bawat buwan.

Naniniwala ako na ang mga regular na tropa at repertory theater ay luma na, masama sila para sa lahat: mga artista, konduktor, ang publiko. Una, palaging may kakapusan sa mga pag-eensayo upang mapanatiling maayos ang mga kasalukuyang pamagat. Walang sapat na pag-eensayo kahit na sa mga makapangyarihang ensemble gaya ng Metropolitan Opera sa New York o sa Vienna Staatsoper. Kaya't huwag isipin na ang lahat ay masama sa atin, ngunit lahat sila ay maunlad doon. Naaalala ko kung paano ginawa ng aking estudyante ang kanyang debut sa Met sa pinakamahirap na lead role nang walang isang yugto ng pag-eensayo! Iyon ay kung paano siya lumabas - at kumanta, at kahit na ang turntable ay natigil, at sinimulan niya ang aria mula sa likod ng mga eksena.

Kaya't hindi ako isang tagasuporta ng sistema ng repertoire, sa ating bansa ay itinuturing kong isang relic ng panahon ng Sobyet, hindi nauugnay sa sining, ngunit konektado lamang sa batas sa paggawa, ideolohiya, atbp. Kaya kami ngayon ay nakaupo sa isang patay na dulo at hindi alam kung ano ang gagawin. Ang mga mang-aawit ay hindi sigurado tungkol sa kanilang hinaharap, ngunit, sa pamamagitan ng paraan, ang propesyon ng isang opera artist sa pangkalahatan ay medyo delikado, ang boses ay masyadong marupok na isang instrumento, kung may pagdududa, maaari ka at dapat sa una ay pumili ng isa pang larangan. Ang mga konduktor ay hindi masaya, dahil ang mang-aawit ay hindi maaaring pantay na nakakumbinsi na gumanap ng Mozart ngayon at Prokofiev bukas. Ang publiko ngayon ay spoiled din at nangangailangan ng mga bituin o bagong pangalan. At ang mga kompromiso ay nakuha na nakakapinsala sa sining.

Sa isang libreng sitwasyon ng lanser, ang mga nangungunang mang-aawit ay palaging may mas maraming pagkakataon na makabisado ang tamang repertoire para sa kanila, upang matugunan ang mga kagiliw-giliw na konduktor, mga kasosyo ng pantay na antas, atbp. At kung gaano kaingat ang lahat ay maaaring mag-rehearse sa kaso ng isang production team para sa isang partikular na proyekto!

- Ngunit pagkatapos, sa isang sitwasyon kung saan walang kahit 5-6, at kung minsan kahit na 12 pagtatanghal ng parehong pangalan sa isang hilera, ang mga artist ay may epekto ng automatism, tulad ng mga soloista sa musikal? Halos hindi ko maintindihan kung paano posible na magsagawa ng daan-daang pagtatanghal nang sunud-sunod sa Broadway na may isang araw na walang pasok, madalas na walang kapalit, naglalarawan ng mga damdamin, tawa at luha sa entablado ...

Hindi tulad ng Broadway, sa opera house tuwing gabi ay hindi lumalabas ang mga artista (maliban sa mga emergency cases), palaging may isa o dalawang araw na pahinga. At ang mga pagtatanghal ay bihirang magpatuloy ng higit sa limang beses sa staging block. Ang pinakamahusay na mga sinehan, tulad ng Metropolitan, ay nagsisikap na tipunin ang pinakamahusay na gumaganap ng opera na ito sa buong mundo ngayon. At maniwala ka sa akin, sa isang kapaligiran ng mataas na propesyonalismo at pagiging perpekto ng bawat detalye, mas madali para sa isang artist na tumuon sa imahe.

Ang halimbawa ng Met ay kawili-wili din para sa publiko, dahil sa isang linggo maaari kang makinig sa mga gawa ng iba't ibang mga estilo sa pinakamahusay na pagganap. Pagkatapos ng lahat, hindi lihim na ang mga bisita, turista, mas madalas kaysa sa "mga katutubo" ay may posibilidad na makapunta sa opera house. Kaya, habang nasa New York noong Enero ng taong ito, sa loob ng ilang araw ay binisita ko ang talentadong baroque compilation na Enchanted Island, nakita ko ang kahindik-hindik na Faust, pagkatapos ay Tosca at Daughter of the Regiment. At para sa matamlay na "lokal" ang pinakamatagumpay na mga pamagat ay inuulit pagkatapos ng mga anim na buwan, tulad ng parehong "Anne Boleyn", na nagbukas ng kasalukuyang panahon ng opera.

Sa pangkalahatan, ang tema ng iba't ibang mga tradisyon ng pagkakaroon ng opera house ay nakakabaliw na kawili-wili at mahirap, ang bawat bansa ay may sariling mga makatwirang sandali na maaaring pagsamahin para sa kabutihan, kailangan mo lamang na malaman ang mga ito at malaman kung paano ito gagawin.

- Ikaw ba mismo, lalo na sa simula ng iyong karera sa pagtuturo, ay hindi nakagambala sa kakulangan ng iyong karanasan sa entablado?

Sa una, siyempre, oo, nakialam ito! Naturally, kapag nakaupo ako sa isang master class kasama si Elena Vasilievna Obraztsova, na aking sinasamba, natutuwa lang ako sa kanyang mga paghahambing, matalinghagang pananalita. Ang kanyang malawak na karanasan, magtrabaho kasama ang mga namumukod-tanging master, kasama ang kanyang personal na pinakamayamang artistikong pantasya - sama-sama ito ay nakakabighani! Kapag nagtatrabaho siya sa isang fragment mula sa isang opera o isang romansa na alam niyang mabuti, pagkatapos ay bumuo siya ng isang buong mundo na nilikha mula sa kaalaman at talento nang magkasama, kung saan mayroong hindi lamang pag-arte, kundi pati na rin ang pagdidirekta, at maging ang pagsasagawa.

Natututo ako sa lahat ng oras! Nag-aral siya habang nagtatrabaho kasama ang hindi malilimutang si Irina Konstantinovna Arkhipova, ngayon sa tabi ng Obraztsova, kasama si Evgeny Evgenievich Nesterenko, kasama ang mga guro ng aming Programang Kabataan. Dumadaan ako sa mga bahura ng mga bagong party at produksyon, kasama ang mga dayuhan, kasama ang aking mga estudyante. Ang lahat ng ito ay isang paghahanap, isang paaralan, isang pagpapayaman ng personal na kasanayan. Ako ay mapalad sa mga tuntunin ng oras, nagsimula akong aktibong magturo sa isang edad kung saan ang mga mang-aawit ng opera ay karaniwang nag-aalala lamang sa kanilang sarili at sa kanilang mga karera. Nagkaroon ako ng pagkakataong isawsaw ang aking sarili sa mga problema sa pedagogical nang napakalalim at malawak - upang makakuha ng karanasan sa pedagogical, upang gumana sa lahat ng uri ng mga boses, upang pag-aralan ang iba't ibang mga repertoires.

Hayaan akong gumawa ng isang medyo hindi inaasahang paghahambing dito. Mayroong isang opinyon na ang pinakamahusay na mga obstetrician ay mga lalaki, dahil hindi nila naiintindihan, isipin ang mga sakit sa panganganak at kumilos nang mas desidido at mahinahon.

Oo, marahil, ang sandali ng aking detatsment mula sa pagganap bilang tulad ay maaaring maging kapaki-pakinabang. Pinag-isipan ko ito nang husto at dumating sa konklusyon na ang pag-awit ng opera at vocal pedagogy ay dalawang magkaibang propesyon, magkapareho sa ilang mga paraan, siyempre, ngunit hindi sa lahat.

Paano sila umiiral, kung bumaling ka sa gamot, isang surgeon at isang diagnostician. Ang isang mahusay na siruhano na may "ginintuang mga kamay" ay maaaring gumawa ng isang mahinang pagsusuri, at kabaliktaran. Ang mga propesyon na ito ay nangangailangan ng iba't ibang kaalaman.

Ang sa amin, pedagogical, ay medyo makitid pagdating lamang sa vocal technique at nangangailangan ng isang malaking lawak ng mga pananaw kapag lumitaw ang mga tanong ng repertoire, kaalaman sa propesyon ng mang-aawit mula sa lahat ng panig. Oo, hindi ako kumakanta sa entablado, ngunit ginagawa ko ito sa lahat ng oras sa klase, na nagpapakita sa aking boses. Hindi ako tumugtog ng piano sa publiko, ngunit mahusay kong samahan ang mga mag-aaral. Ako ay isang tagapamahala, kaya maaari kong sabihin sa mga mag-aaral ang tungkol sa mga "pitfalls" ng mga kontrata, tungkol sa masama at magandang kondisyon ng pagganap. Maliban kung hindi ako mismo ang nagsagawa at nag-stage ng mga opera, ngunit, muli, ginagawa ko ang mga tungkuling ito sa mga pag-eensayo.

- At para sa lahat ng iyon, ikaw, Dmitry, ay isang pagbubukod sa panuntunan - isang matagumpay na guro ng boses na hindi gumanap sa entablado. Mayroon bang iba pang mga kasamahan na may katulad na kapalaran?

Maaari kong pangalanan si Svetlana Grigoryevna Nesterenko (ang kapangalan ng aming mahusay na bass), nagtutulungan kami sa Bolshoi Theater Youth Program, siya ang pinuno ng vocal department sa Choir Academy. V. S. Popova. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay sina Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva at marami pang ibang karapat-dapat na mang-aawit. At ang pangkalahatang publiko, bilang mga mang-aawit, ay hindi nakakaalam ng maraming natitirang mga guro sa Kanluran. Sa pangkalahatan, kami, mga guro ng boses, ay mga mandirigma sa hindi nakikitang harapan.

At sa lahat ng mga reklamo, ang pangkalahatang antas ng mga mang-aawit sa mundo ay medyo mataas na ngayon, mayroong isang tiyak na labis sa kanila, ngunit ang kakulangan ng kapaki-pakinabang na seryosong mga guro ng boses ay pare-pareho, dahil mayroong isang piraso ng propesyon, at nanatili. Narito ang kabalintunaan.

Sa simula ng trabaho, ang mga komento ng mga bihasang vocalist na ako, sinasabi nila, hindi ako isang mang-aawit sa aking sarili, hindi ako nag-amoy ng makeup, hindi sinubukan iyon, nasaktan, hindi gaanong, ngunit scratched. At ngayon - talagang walang pakialam. Huminahon ako sa ganitong diwa, napakaraming gawain ko, at ganoong responsibilidad para sa dose-dosenang matagumpay kong mga estudyante na nakakalat sa buong mundo. Kinakailangan na pigilan silang magkamali, mula sa pagnanais na umakyat sa maling repertoire, kailangan mong sumulat sa kanila, tawagan sila, kumbinsihin sila. Hanggang sa isang salungatan - ito ay bihira, ngunit nangyari na ito ay natapos sa isang away at pahinga (hindi sa aking bahagi). Gusto ng lahat na maging matanda, at kasabay nito, lahat ay mahina, tulad ng mga bata! Minsan hindi nila naiintindihan na ang kanilang mahusay na pag-awit ay ang aking malalim na interes, at hindi na ako ay isang malupit na may latigo, pumunta ako sa isang pagtatanghal o konsiyerto upang punahin sila ng malupit.

- Isang napakatanda at matalinong guro sa isang paaralan ng musika na palaging kaagad pagkatapos ng konsiyerto ay pinupuri lamang ang mga mag-aaral, at ipinagpaliban ang "debriefing" para sa susunod na araw. Dahil adrenaline ang entablado, gayunpaman, hindi sineseryoso ang kritisismo sa euphoria ng palakpakan, ngunit ang mga pakpak, ang pagnanais na tumugtog ng musika ay maaaring putulin ng isang bata sa isang matalim na pangungusap.

Sa ganitong kahulugan, mayroon akong isang mahirap na karakter. Alam kong mali ang ginagawa ko, bilang isang emosyonal at matigas na tao, ngunit hindi ko laging pigilan ang aking sarili, kahit na sinusubukan ko.

Kamakailan ay nagkaroon ng isang konsiyerto, lubhang hindi matagumpay. Kaya nangyari - isang mahirap na sitwasyon, kaunting mga pag-eensayo, mahinang pakikipag-ugnayan sa orkestra. Sa pagtatapos, pumunta ako sa mga lalaki at binanggit muli si E.V. Obraztsova: "Mga kasama, ngayon wala kaming teatro, ngunit isang club na pinangalanang Tsuryupa." Ang lahat, siyempre, ay naging napakalungkot, ngunit hindi nito napigilan ang pangalawang konsiyerto sa susunod na araw na maging mas mahusay!

Minsan, siyempre, sinasaktan mo ang mga estudyante. Ngunit sinasabi ko sa parehong oras: guys, ngunit nasaktan ko ang aking sarili at sinaktan ang aking sarili sa mga pangungusap, hindi ko sinisisi sa iyo ang lahat, ito ang aming mga karaniwang pagkakamali, ako mismo ay hindi natutulog sa gabi, nagdurusa ako, pinag-aaralan ko.

- Ang isang guro na hindi pinapagalitan ay ang parehong doktor na hindi gumagamot!

Mayroon ding mga isyu ng mga pagkakaiba sa pag-iisip. Isa sa aking mga kasamahan, ang aming napakatanyag na pianista at kahanga-hangang guro, minsan sa Amerika ay nagtaas ng boses sa kanyang puso at inihagis ang mga nota sa direksyon ng isang estudyante. Doon mismo - isang pagsisiyasat, pulisya, isang iskandalo ... Samakatuwid, sa USA ay hindi madali para sa akin na masanay na magtrabaho sa bagay na ito: mabuti, kung minsan gusto kong magdagdag ng mga emosyon, itaas ang aking boses sa isang mag-aaral, ngunit ito ay imposible doon.

Pero may ibang estudyante din! Nagulat ako sa aking unang pagbisita sa isang master class sa Houston. Lumapit sa akin ang isang magandang batang baritone at ipinakita sa akin ang aria ni Yeletsky. Inalok ko siya ng karagdagang aralin sa gabi, kung tutuusin. Nais niyang ipasa ang cavatina ng Figaro mula sa Seville. Ngunit sa alas-18, hanggang sa minuto, ang pianista ay tumayo at umalis - ang kanyang araw ng trabaho ay tapos na, ang lahat ay mahigpit. Napagtanto ko mismo na maghuhukay ako ng masyadong malalim sa bravura accompaniment ni Rossini, at sinabing: "Kakantahin mo ba ulit si Yeletsky?" Kusa siyang pumayag at namangha sa akin - sa ilang oras na lumipas mula noong klase sa umaga, naayos na niya ang lahat! Lahat ng komento ko sa pagbigkas, pagbigkas, intonasyon, nilalaman ng pag-arte - lahat ay isinasaalang-alang!

"Oo Kamusta ka?" Tinanong ko siya. "Maestro, umupo ako, tumingin sa mga tala sa loob ng 15 minuto, nakinig sa pag-record ng aming aralin, naintindihan ang sinabi mo - at handa na ang aria."

Para sa akin ito ay isang masayang pagkabigla! Pagbalik sa Moscow, kung paano niya siniraan ang kanyang sariling mga mag-aaral sa pangyayaring ito, dahil hanggang sa sabihin mo sa kanila ng dalawampung beses, hindi nila ito gagawin! Pumapasok sila sa klase nang walang tape recorder, minsan kahit walang lapis at dagdag na kopya ng musika para kumuha ng mga tala. Ano ang masasabi mo? Kailangan mong maging matigas.

- Mayroon kang mga babae sa iyong klase. Mayroon bang pagkakaiba sa mga diskarte?

Ito ay mas madali sa mga lalaki sa ilang mga lawak, ngunit walang mga babae sa klase magiging boring lang! Siyempre, ang boses ng babae ay humihiling sa akin ng ibang diskarte sa vocal reality, isang mas malaking konsentrasyon ng atensyon. Iba't ibang materyal, at, nang naaayon, iba't ibang mga tool. Nangangailangan ito ng mas maraming oras sa pag-iisip, mas maraming pagsisikap, at kahit na teknikal na kaalaman at karanasan. Ngunit, tulad ng ipinakita ng buhay, sa pangkalahatan, magagawa ko ito sa mga boses ng babae. At sa silid-aralan, ang pagkakaroon ng iba't ibang kasarian ay nagbibigay ng isang malaking kalamangan sa repertoire, maaari kang magsagawa ng mga ensemble, duet.

- Mayroon bang pangkalahatang krisis sa mga vocal sa mundo sa huling bahagi ng ika-20 - unang bahagi ng ika-21 siglo? inihambing, halimbawa, sa 60-70 ng ika-20 siglo, at kung gayon, bakit?

Kung gayon, ang krisis ay palaging umiiral. Sa panahon ng kasagsagan ng Callas at Del Monaco, may mga taong nagsalita nang may pananabik tungkol sa mga panahon ng Ponselle, Gigli at Caruso, at iba pa, pabalik sa panahon, sa simula ng ika-19 na siglo, hanggang sa ganap na maalamat na mga pangalan. Ito ay mula sa serye: "The sky was bluer and the grass was greener."

Sa prinsipyo, ang paaralan ay naging mas mahusay at mas pantay-pantay sa iba't ibang mga bansa, dahil nagsimula kaming manirahan sa isang solong espasyo ng impormasyon, nakakuha kami ng pagkakataon na madalas na marinig nang live o sa isang napaka-sariwang recording ang lahat ng pinakamahusay sa mga yugto ng opera sa mundo. Para sa maraming mga mahilig sa musika, ang pagsakay sa isang eroplano at sa ilang oras na mahanap ang iyong sarili sa anumang musical capital ay naging isang naa-access na katotohanan.

Sa aking palagay, nasa ibang lugar ang krisis. Napakaraming malalakas na propesyonal ngayon, dumarami ang mga walang trabaho sa gitnang mga tagapamahala, ngunit kakaunti ang namumukod-tanging, hindi pangkaraniwang mga boses. At hindi kahit na sa kagandahan, ngunit sa lakas, dami ng tunog.

- Sumasama ako sa iyo nang buong puso - iilan sa mga pinakamahuhusay na mang-aawit ng opera ngayon ay makikilala nang walang anunsyo sa radyo, bagama't ang "mga matatanda" - kaagad, mula sa dalawang tala!

At ito rin ang halaga ng teknolohiya! Ang lahat ay nagsimulang kumanta nang pantay-pantay. Maraming mga dating dakila ang nakikilala, hindi pangkaraniwan at maganda hindi lamang para sa kanilang mga merito, kundi pati na rin para sa "mga banal na iregularidad", tulad ng parehong walang kapantay na Callas. Kulang hindi lamang maliwanag na timbre, ngunit higit sa lahat ang sariling katangian, na may mga bihirang eksepsiyon. Bahagyang dahil ang mga mang-aawit ngayon ay lubos na umaasa sa diktadura ng direktor at ang kanilang propesyon ay wala sa unang hanay sa mga tuntunin ng kahalagahan para sa opera house.

- Oh, ang paborito naming paksa ay tungkol sa "re-operator"! Ano ang nararamdaman mo sa kanya?

May panahon sa musical theater ngayon na lahat tayo ay dumaranas ng karamdaman o masamang panahon. Naaalala pa ba natin noong pinag-aralan natin ang kasaysayan ng musika at pinag-usapan ang "pagbagsak ng opera" sa panahon ng Baroque, tungkol sa "konsiyerto sa kasuotan"? Sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, sa mga yugto ng mundo, kasama sina Callas at Luchino Visconti, ang opera ay nagsimulang sumanib sa mundo ng drama, sinehan, gumuhit ng mga larawan mula sa pagpipinta, at sa ilang mga paraan ay tumaas sa antas ng artistikong. Ngunit, bilang isang resulta, ang opera house ay napunta sa iba pang sukdulan, mannerism. Ito ay partikular na radikal sa Alemanya, kaya't sinabi na ni Peter Stein sa isang lugar, nang pinag-uusapan ang tungkol sa pagdidirekta ng opera ng Aleman: "Paumanhin, ngunit sa kontekstong ito ay hindi ako komportable na tawagin ang aking sarili na isang direktor ng Aleman, hindi ko itinuturing ang aking sarili."

Ngunit kawili-wili, sa loob ng maraming siglo ay pinag-uusapan ang pagkamatay ng opera. Napupunta siya sa sukdulan sa lahat ng oras. Ngunit kapag, tila, natapos na ang lahat, bigla siyang nakahanap ng ilang mga bagong paraan at muling lumitaw sa lahat ng kanyang kagandahan.

- Oo Oo! Kaya naman ang mga tradisyunal na produksyon ng costume, tulad ng Werther noong 2010 sa Bastille Opera sa Paris, Adrienne Lecouvreur noong nakaraang season sa Covent Garden, o ang pinakahuling Enchanted Island sa Met, ay pumutok sa palakpakan mula sa unang pagbukas ng kurtina. .

Ngunit sa sitwasyong ito ay hindi ko nais na magmukhang isang terry orthodox, isang retrograde at isang konserbatibo. Mayroong mga kamangha-manghang banayad at malalim na mga modernong produksyon ng mga opera.

Tinutukoy ng bawat isa ang antas ng panghihikayat at talento ng direktor mismo, at nakabuo din ako ng isang personal na opinyon sa bagay na ito. Sa tingin ko, kung ang produksyon ay may sariling malalim na lohika, kung ang bawat "putok ng baril", kung gayon ang produksyon ay isang tagumpay. At kung sa isang pagtatanghal ay pinagsama-sama lamang ng direktor ang lahat ng mga imahe at metapora na na-save niya sa mga nakaraang taon ng downtime, at hindi makatustos, at nakaupo kami at hindi naiintindihan - kung gayon bakit ganito? Sa teorya, ang literal na "paglalakad sa iyong ulo" ay maaari ding gawing kapani-paniwala, tulad ng ipinakita ni Natalie Dessay sa Ariadne auf Naxos.

- Ngunit hindi ba masasabi ng vocal master na si Vdovin na mahirap at hindi pisyolohikal na lumakad nang nakabaligtad habang kumakanta, upang tumayo para sa mga mag-aaral?

Hindi, sa kasamaang-palad, wala akong masabi, kahit na minsan ay nagagalit ako sa maraming bagay. Sa teatro - lahat ng tao ay umaasa, at dapat maging tapat sa plano ng direktor. Minsan nakikita ko na ang mga tao ay nahihiya na mapahiya sa entablado sa ilang uri ng layout ng direktor. Anong uri ng artistic persuasiveness ang pinag-uusapan natin dito! At ang pinakamalungkot na bagay ay na, bukod sa pagiging makasarili at kapritso, kung minsan ito ay walang kahulugan. Ngunit sa kabilang banda, sumasang-ayon ako na posible na magpakita ng isang artista kahit sa isang pangit na paraan, kung mayroon talagang malalim na gawaing pansining dito.

Ako ay isang dalubhasa sa teatro sa pamamagitan ng unang edukasyon, na ang unang pinuno ay si Pavel Alexandrovich Markov, at ang pangunahing master ay si Inna Natanovna Solovyova, mga dakilang tao. Nakakita ako ng magagandang oras para sa teatro - nagpunta ako sa mga pagtatanghal ni A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, at napakaraming mga paglilibot sa Moscow ...

- Mayroon bang mga mag-aaral na hindi gustong "lumuhod" sa ilalim ng paniniil ng mga direktor at iniisip lamang ang kanilang sarili sa isang purong, chamber-concert genre?

Nakilala ko ang isang tulad nito, gayunpaman, hindi ko siya estudyante. Nasa kanya ang lahat upang maging isang natitirang kababalaghan sa ating panahon - ito ay bass Dmitry Beloselsky. Umalis siya sa choir, sa mahabang panahon kumanta lang siya ng cantata-oratorio music, concerts. Hindi ko gustong pumunta sa opera. Kamakailan lamang, sa edad na 34, nagbago ang isip niya, pumunta sa Bolshoi Theater, at, salamat sa Diyos, iyon ang kaso. Sa edad na ito, mas marami siyang pagkakataon na hindi umalis sa karera nang maaga, upang bumuo ng isang mahabang matagumpay na karera na may katalinuhan at pang-unawa. Si Dmitry ay nagkakaroon na ngayon ng napakalaking tagumpay saanman siya gumanap. Mula sa Metropolitan hanggang sa Bolshoi. Ngunit, sa kasamaang palad, mahirap para sa isang "purong" mang-aawit ng konsiyerto na mabuhay sa pananalapi, ang propesyon ng isang performer ng kamara ay halos namamatay. Naku!

- Ang konsepto ba ng "Russian vocal school" ay may katuturan ngayon? Kaugnay nito, sa graduation concert ng Youth Program ng Bolshoi Theater noong nakaraang tagsibol, na ikaw, Dmitry, ang pinuno, hindi ako kasiya-siyang nagulat sa kung gaano kahusay, mas nakakumbinsi ang mga batang mang-aawit na nakayanan ang musikang Kanluranin, at kung gaano ito problema para sa sa kanila upang gumanap ng Russian.

Ang paaralang Ruso ay walang alinlangan na umiiral, dahil mayroong isang malaking pamana ng opera at wikang Ruso. At bilang isang bahagi - theatrical tradition. Ang Russian repertoire mismo ay nagdidikta ng ibang teknikal na diskarte kaysa sa mga gawa ng Italyano, Pranses, Aleman na musika. Ang problema, sa aking opinyon, ay ang aming musika ay pangunahing idinisenyo para sa napakalakas na boses, para sa mga mature na mang-aawit. Dahil ang karamihan sa mga opera ay isinulat para sa dalawang Imperial Theaters, na palaging sikat sa kanilang makapangyarihan at malalim na boses. Ang tanong kung saan mahahanap ang totoong Herman o Marfa para sa Khovanshchina ngayon ay nagiging mas mahirap na malutas ...

Sa pamamagitan ng paraan, sa Amerika, si Tatyana ay itinuturing na isang mas malakas na partido ng edad kaysa kay Lisa sa "Peak". At si Yeletsky ay mas malakas kaysa sa Count sa Le nozze di Figaro. Si Lensky at Onegin ay hindi rin itinuturing na mga tungkulin ng kabataan, tulad ng nakagawian sa amin, dahil isinulat ni Pyotr Ilyich ang kanyang mga liriko na eksena para sa mga mag-aaral ng Moscow Conservatory. Ngunit mayroong isang napaka-siksik na orkestrasyon at isang kumplikadong vocal tessitura, na may malalaking pagtalon pataas at pababa sa hanay, na, naniniwala sa akin, bilang isang guro, hindi lahat ng mga batang mang-aawit ay maaaring gawin. At dahil sa may problemang acoustics na mayroon tayo sa maraming bulwagan, at kung gaano kagustong tumugtog ang mga orkestra, kailangan mong magkaroon ng napakalakas na malalakas na boses para matiis ang lahat ng ito. Ipagpaumanhin mo, ngunit sa palagay ko ang cavatina ni Glinka's Antonida, halimbawa, ay napakahirap isulat na ang isang soprano ay dapat bigyan ng medalya sa mga pakpak para sa kanyang mahusay na pagganap! Ang isa pang maselan na punto - ang mga kompositor ng Ruso, para sa lahat ng kanilang henyo, ay hindi palaging nakabisado ang mga intricacies ng vocal writing. At ito ay nauunawaan - ang tradisyon ng opera mismo sa Russia ay hindi masyadong luma, at marami sa mga kinatawan nito ang natutunan ito sa kanilang sarili.

More about Glinka, in connection with the sensational last premiere of Ruslan, now I'm only talking about the vocal side, kasi may mga pahayag sa press na, wala raw makakanta ng maayos kumpara sa dating production ng the Bolshoi Theatre ng 70s BA Pokrovsky. Sasabihin ko bilang isang buhay na saksi at tagapakinig - oo, sa pagganap na iyon ay may napakatalino na Ruslan - Evgeny Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Ngunit kabilang sa kasaganaan ng mga character (at ang pagganap ay nasa 2-3 cast) mayroong mga mang-aawit na, sa hindi kilalang dahilan, ay lumitaw sa entablado ng Bolshoi Theater, at, hindi lihim na mayroong mga pagtatanghal, na nakapasok sa kung saan maaari kang mawalan ng interes sa opera magpakailanman, tulad nito.

Babalik ulit ako sa dibisyon ng mga genre - may mga magagaling na mang-aawit na kakaiba sa mga opera ni Mozart, at wala nang iba pa. At ang iba ay dapat kumanta ng eksklusibong musikang Ruso - ito ang kanilang matibay na punto. Ngunit kapag sinimulan nilang kantahin ito at iyon, mas malala ito para kay Mozart, at Glinka, at para sa mga nakikinig.

- Sa kasamaang palad, hindi lahat ng mga mang-aawit ay may sariling matino na analytical na isip at kalooban na tanggihan ang mga adventurous na proyekto, tulad ng iyong Dmitry Korchak, na inalok na kumanta ng Herman!

Oo, mahusay si Dima sa ganitong kahulugan, ngunit ang katotohanan na napakaliit ng musikang Ruso sa kanyang repertoire, dahil ang kanyang boses ay masyadong magaan - sayang, ginagawa niya ito nang napakahusay. At si Vasily Ladyuk din pala. Naaalala ko ang gabi nang gumanap siya ng mga pag-iibigan sa Russia - kahit na hindi ko gusto ang mga orchestrated chamber works, kamangha-mangha itong ginawa ni Mikhail Pletnev, isa sa mga pinakamahusay na konsiyerto sa pagtagos sa kahulugan ng musika ay naganap!

Sa pangkalahatan, upang kumanta ng musikang Ruso nang maayos, kailangan mong magtrabaho nang husto upang mapupuksa ang isang malaking bilang ng aming sariling mga cliché, mula sa pagkawala ng pakiramdam ng pagiging bago. Minsan ang mga dayuhan ay may nakakagulat na mga bagong shade, at kung minsan ay hindi namin sinasadyang maramdaman ang tradisyon bilang isang urtext, clichéd na pag-record ng isang kinikilalang klasiko ng eksenang Ruso noong unang panahon.

- Tungkol sa "pagdinig" ng mga lumang rekord. Ang pahayag ni Svyatoslav Teofilovich Richter ay matagal nang bumabaon sa kaluluwa na ang modernong kabataan, na pinalayaw ng pagkakaroon ng mga kagamitan sa pag-record ng tunog, ay nasanay sa patuloy na pagkontrol sa kanilang sarili mula sa labas, pagkatapos ng pagtatanghal. At ang mga nakaraang henerasyon ng mga musikero, na pinagkaitan ng pagpapalang ito ng sibilisasyon, ay binuo ang tinatawag na "prehearing", iyon ay, ang kakayahang madama ang susunod na pariralang musikal nang maaga, kasama ang panloob na tainga.

Sa paksang ito. Nakarinig ako kamakailan ng audio recording mula sa Met - "The Marriage of Figaro". At sa panahon ng mga ensemble, kung minsan ay hindi ko maintindihan, nakaupo nang walang mga tala, na naglalaro ngayon - ang Countess, Susanna o Cherubino. Dahil silang tatlo, sorry, little Rene Fleming! Siyempre, ang pagkakaroon ng mga sound recording ng lahat at lahat, You Tube, atbp. iwanan ang kanilang marka sa mga modernong performer, at ang clichéd na interpretasyon ay nanggagaling dito.

- Ngunit personal mo bang pinapayagan ang mga mag-aaral na gumamit ng teknolohiya sa mga aralin, pagtatanghal?

pinapayagan ko oo. Bilang isang tao sa teatro, naiintindihan ko na kapag nagsimula kang gumawa ng mga gawain kasama ang mga lalaki, hinahanap ang pinagmulan nito o ang musikal na imahe, mga sanhi at epekto, pagkatapos ay mawawala ang mga cliché, ang pressure ng audio at video recording ng ibang tao ay mawawala.

- Kailangan ba ng mga mang-aawit ng kontekstong pangkasaysayan, kaalaman tungkol sa oras at lugar ng pagkilos ng kanilang bayani, tungkol sa talambuhay ng may-akda?

Well, siyempre! Opera artist, singer ay dapat isang edukadong tao! Upang punan ang gawain, ang teksto na may kahulugan - kahit na sa katutubong wika, kinakailangan na maunawaan hindi lamang ang mga salita, kundi pati na rin ang buong sitwasyon sa paligid ng karakter, balangkas, mga koneksyon sa kasaysayan, kung ganoon ang materyal. Nakakatakot kapag ang mga kabataan ay hindi alam ang mga pangalan ng mga makata na sumulat ng mga teksto para sa mga romansa, o kapag sila ay nasa kawalan kung saan matatagpuan ang Flanders, na inaawit tungkol sa aria mula kay Don Carlos. O hindi isipin na ang aria ay naka-address sa kapareha at, sa esensya, ito ay isang duet.

Ang pinakamahalagang bagay ay upang bumuo ng masining na imahinasyon sa mang-aawit, upang makita at maunawaan niya kung ano ang nasa kaibuturan at sa pagitan ng mga linya.

- Isang medyo nakakapukaw na tanong: ano ang mas gusto mo - ang makikinang na vocal ng mang-aawit na sinamahan ng limitadong kasiningan at hindi matukoy na hitsura, o kabaligtaran, maliwanag na kasiningan na may napakakatamtamang boses?

Sa personal, mas gusto kong manatili sa bahay sa ganoong sitwasyon! Ngunit, seryoso, sa isang opera, ang napakatalino na kasiningan na sinamahan ng katamtaman na mga vocal ay hindi nararapat, maaaring mayroong isang hindi kapansin-pansin na vocalist sa mga tuntunin ng lakas o timbre, ngunit dapat niyang ganap na makabisado ang kanyang instrumento. Kung hindi man, sa anumang paraan, ang isang slender figure, regular na facial features at acting plasticity, kung sila ay ganap na makaligtaan ang mga tala, ay hindi magse-save - kung ano ang gagawin, isang sintetikong genre.

Samakatuwid, lubos naming pinahahalagahan ang pinakabihirang mga halimbawa ng pagkakaisa ng lahat: isang kahanga-hangang boses, musika, isang malaking pag-uugali sa pag-arte, na sinamahan ng isang maliwanag, napakalakas na kagandahan - tulad ni Vladimir Andreevich Atlantov sa entablado, na naghari sa entablado ng Bolshoi Teatro. Masaya akong nakilala siya noong mga taon ng aking pag-aaral. Ang Atlantov, marahil, ay hindi isang halimbawa ng isang perpekto, pinong vocal school, ngunit marami siyang ibinigay sa akin sa mga tuntunin ng pag-unawa sa proseso ng pag-awit ng opera, sa kung ano ang dapat na isang tunay na Artist.

Kinapanayam ni Tatyana Elagina

Mula 1987 hanggang 1992 - isang empleyado na responsable para sa trabaho sa larangan ng musikal na teatro ng Union of Theatre Workers ng USSR.

Noong 1992-93 Sinanay bilang vocal teacher sa European Center for Opera and Vocal Arts (ECOV) sa Belgium sa ilalim ng direksyon ni Michael Elaysen - pinuno ng vocal department ng Curtis Institute of Music sa Philadelphia.

Noong 1992, si Dmitry Vdovin ay naging artistikong direktor ng Moscow Center for Music and Theater - isang ahensya ng sining na nakipagtulungan sa mga pangunahing sinehan, pagdiriwang at mga organisasyong pangmusika.

Mula noong 1996, nakipagtulungan si Dmitry Vdovin sa mahusay na mang-aawit na Ruso na si Irina Arkhipova bilang isang guro at direktor ng kanyang Summer School, co-host ng kanyang mga proyekto sa telebisyon at konsiyerto.

Mula noong 1995 - isang guro, noong 2000-05. - Pinuno ng departamento ng boses ng State Musical College. Gnesins, noong 1999-2001. - Guro ng Russian Academy of Music. Gnesins.
Noong 2001-03 - Pinuno ng Departamento ng Solo Singing ng Academy of Choral Art. V.S.Popova (mula noong 2001 - Associate Professor, mula noong 2008 - Propesor ng Academy of Arts).

Nagbigay si Dmitry Vdovin ng mga master class sa maraming lungsod ng Russia, pati na rin sa USA, Mexico, Italy, Canada, Latvia, France, Poland. Siya ay isang permanenteng panauhing guro ng Youth Program sa Houston Grand Opera (HGO Studio).

Noong 1999-2009 - artistikong direktor at guro ng Moscow International School of Vocal Excellence, na naging posible na makapunta sa Moscow upang magtrabaho kasama ang mga batang mang-aawit ng pinakamalaking guro ng opera at mga espesyalista mula sa Russia, USA, Italy, Germany, Great Britain. Ang pinakamaliwanag na mga batang domestic opera star ng unang dekada ng bagong siglo ay dumaan sa Paaralan na ito.

Miyembro ng hurado ng maraming prestihiyosong kumpetisyon sa boses - ang International Competition. M. Glinka, I All-Russian Music Competition, International Vocal Competition. GB Viotti (Italy), ang mga International Competition sa Paris at Bordeaux (France), ang International Competition Competizione dell'Opera, ang International Competition sa Montreal (Canada), ang kompetisyon ng TV channel na "Culture" "Big Opera" at marami pang iba .

Mula noong 2009 - Artistic Director ng Youth Opera Program ng Bolshoi Theatre ng Russia.

Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ang mga nagwagi sa pinaka-prestihiyosong mga kumpetisyon, nangunguna sa mga soloista ng pinakamalaking mga sinehan sa mundo, tulad ng Bolshoi Theater, La Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera House, Covent Garden, Vienna State Opera, Berlin State. Opera, ang Paris National Opera, ang Real Theater sa Madrid at marami pang iba. .

Ang kilalang guro ng boses, pinuno ng Bolshoi Theater Youth Program na si Dmitry Vdovin ay nagdaos ng isang interactive na master class sa Yury Bashmet Winter International Music Festival sa Sochi.

Noong nagmamaneho ako dito, hindi ako sigurado na ang isang tao sa Olympics ay magiging interesado sa master class ng isang vocal teacher, - inamin ni Vdovin kaagad. - Ngunit natipon mo, na nangangahulugan na mayroong interes sa musika kahit na sa Olympics. Nagtatrabaho kami sa boses, at hindi ito isang instrumento na maaaring linisin ng basahan at ilagay sa isang sulok. Ito ang buong kumplikado ng aming trabaho.

Ang isang tampok ng mga master class sa mga pagdiriwang ni Yuri Bashmet ay heograpiya. Salamat sa pakikipagtulungan sa kumpanya ng Rostelecom, ang guro na dumating sa pagdiriwang ay nagsasagawa ng master class sa maraming lungsod nang sabay-sabay. Ang mga set ng video ay naka-install sa mga bulwagan ng mga paaralan ng musika, ang tunog at larawan nang walang anumang pagkaantala ay pumapasok sa organ hall ng Sochi Philharmonic. Sa oras na ito ang master class ay dinaluhan at, pinaka-mahalaga, Rostov, Yekaterinburg, Samara at Novosibirsk ay nakibahagi dito.

Ngunit pareho silang nagsimula sa Sochi. Si David Chikradze, isang 2nd year student ng Sochi School of Arts, ang unang nangahas na umakyat sa entablado, kumanta siya ng aria mula kay Handel, ang pangalawang romansa ng Demonyo, sa sikat na guro.

Mayroon kang magandang baritone, ngunit para sa pampublikong pagganap ay pinili nila ang isang piraso kung saan kailangan mong lumampas sa saklaw. Ngunit una, isang mahalagang tala. Pagdating sa master class, dapat kang magkaroon ng tatlong set ng mga tala - isa para sa accompanist, isa pa para sa guro, at ang pangatlo para sa iyong sarili. Bakit para sa sarili mo? Dahil nag-aalala ka, at malamang na makakalimutan mo ang maraming sinabi, kaya kailangan mong gumawa ng mga tala sa iyong kopya.

Lalo na mahigpit na sinaway ni Dmitry Vdovin ang mga batang artista para sa malabo o hindi tamang pagbigkas - parehong Ruso at Italyano.

Ang pagbigkas ay napakahalaga. Kadalasan kailangan mong kumanta sa Italyano, bilang karagdagan, ilang daang milyong tao ang nagsasalita ng wikang ito. Ang tamang pagbigkas ay magbibigay sa iyo ng susi sa pagganap, makinig sa kagandahan ng pagbigkas ng mga parirala ng mga Italyano!

Ang isa pang kalidad na hindi binalewala ni Vdovin ay ang likas na katangian ng mang-aawit.

Ang pag-awit ay dapat na kusang-loob, natural. Tulad ng sinabi ni Oscar Wilde, ang pinakamahirap na bagay ay ang pagiging natural. Kaya para sa pag-awit, ang pangunahing bagay ay manatiling natural. Ngayon sa opera ang papel ng direktor ng teatro ay naging mas mahalaga, ang mga artista ng opera ay kailangang magtrabaho nang husto sa mga imahe, at ang pagiging natural ang pinakamahalagang katulong para sa papel. Kumanta nang may labis na kasiyahan - tamasahin ang lumilipad na magandang tunog.

At pinaalalahanan ng master ang baritonong si David:

Ang Handel ay walang mga bahagi para sa mga baritone; ang mga baritono mismo ay lumitaw lamang noong ika-19 na siglo. Iiwan namin ang aria na ito sa mga tenor at counter-tenors, at maghahanap ka ng mas angkop para sa iyong boses.

Ang susunod na audition ay isang 12-taong-gulang na batang lalaki mula sa Samara, Valery Makarov, na nagpakita ng isang magandang treble lampas sa kanyang mga taon.

Maganda ang boses mo at may musicality ka, at mahalaga ito. Ang mga hiwalay na espesyalista ay nagtatrabaho sa mga bata, hindi ko ginagawa ito, ngunit sasabihin ko ang ilang mga saloobin. Ito ay isang matamis na kanta! Hindi yung kailangan mong ipakita yung lakas ng boses, pressure. Sa sandaling lumipat ka sa malambot na mga kulay, agad na naging malinaw kung ano ang iyong kinakanta. Tungkol Saan ang kantang ito? Ang bida ng kanta ay may isang matandang ina, at kinakantahan niya ito na tiyak na babalik ito sa kanya at yayakapin siya. Mayroon ka bang batang ina?

Oo! Walang pag-aalinlangan na sagot ni Valera.

At matanda na ang bida ng kantang ito. At tungkol sa pagbigkas. May mga salita sa Italyano na binibigkas na "mamma" at "mama" - mayroon silang magkaibang kahulugan - "mama" at "I love you", ayon sa pagkakabanggit. Sa kantang ito - "mama". Subukang kumanta nang mas madamdamin. Mayroon kang magandang timbre - at ang timbre ang pinakamagandang bagay sa boses.

Ang isa pang kinatawan mula sa Samara ay kumanta nang may labis na presyon. Nagsimulang ipaliwanag ni Vdovin ang tungkol sa pagtitipid sa mga visual na paraan.

Bago iangat ang himig, tinakpan ang boses. Ang pabalat ay hindi para itulak pabalik-balik ang boses, ngunit para gawing mas maliwanag! Kailangan mong kumanta nang mas musikal. Kapag lumabas ang isang binata, siyempre, lahat ay naghihintay ng isang boses, ngunit higit pa - sila ay naghihintay ng talento. Maraming boto. Ngunit nangyayari na ang boses ay maliit, ngunit sinasabi ng lahat - kung paano siya kumanta! Bigyang-pansin ang presentasyon ng materyal mismo.

Ang Novosibirsk ay ipinakita ng 18-taong-gulang na si Irina Kolcuganova, malumanay at mahiyain na kumanta ng aria ni Gilda mula sa Verdi's Rigoletto. Nakuha ni Vdovin ang pansin sa kung paano niya tinawag ang trabaho.

Kapag inanunsyo mo kung aling aria ang iyong kakantahin, palaging idagdag ang mga unang salita ng aria sa pamagat - at lahat ng tagapakinig mula sa iba't ibang bansa ay mauunawaan kung ano ang eksaktong kakantahin mo.

Mahina kang kumanta. Ang problema sa aming mga mang-aawit, na pinakikinggan ko sa mga audition sa Bolshoi Theater at sa mga kumpetisyon, ay hindi nila pinahahalagahan ang lambing. Gusto agad ng mga performer ng agresyon, isang malakas na paghahatid, sinusubukan nilang kantahin ang mga bahaging iyon na isinulat para sa mga mang-aawit ng isang mas malakas na kagamitan. At lambing - ito ay nakakaantig sa puso ng mga nakikinig. I-save ang lambing, hina sa iyong sarili - gawin itong iyong kalamangan.

Nagbigay si Vdovin ng isa pang mahalagang piraso ng payo tungkol sa kakayahang magpakita ng materyal.

Ang isa pang pangalan para sa aria na ito ay "The Story". Kailangan mong makita ang taong pinagsasabihan mo ng kuwentong ito, at sa kanya ang magsasabi sa aria. Sinabi ni Gilda kung paano siya nakalusot sa likod ng kanyang minamahal - mabuti, hindi ka makakanta ng forte dito! Alam ng lahat kung paano ito sa unang pag-ibig - palihim na palihim, ito ay isang espesyal na damdamin - at dapat itong ipakita sa nakikinig.

Sumunod si Rostov sa video broadcast. Ang 21-taong-gulang na baritone na si Vadim Popechuk ay sobrang emosyonal na umawit ng Leoncavallo. Una sa lahat, binigyang pansin ni Vdovin ang dumadagundong na palakpakan sa bulwagan ng Rostov Musical College.

Ang isang artista ay napakahirap na propesyon na kailangan mong suportahan siya at - pumalakpak! Kadalasan maraming mga eksperto ang nakaupo sa bulwagan ng Bolshoi Theater para sa mga audition, ngunit kumanta ang artist - at walang pumalakpak. mababa sa kanilang dignidad. At kailangan mong pumalakpak!

Tungkol sa pagganap ng Vadim, sinabi ito ng master:

Ang 21 taon ay hindi sapat para sa isang baritone. Ang aria ay isinulat para sa isang buong boses, isang mature na baritone. Si Leoncavallo ay mayroon nang maraming emosyon, at hindi mo kailangang manalig sa mga emosyon, manatiling legato, kung hindi, hindi Italyano, ngunit lilitaw ang gypsy intonation.

Kasunod ni Dmitry Vdovin ay bumuo ng isa pang mahalagang postulate:

Ang aming propesyon ay may kaugnayan sa matematika, kakaiba. Kailangan mong kalkulahin ang bawat pahinga, bawat tala, ang tagal ng bawat fermata. Para saan? Upang ang madla ay mahawa sa iyong mga damdamin sa mga iminungkahing pangyayari, ito ay mahalaga - tayo ay nasa teatro. Dapat malaman ng bokalista nang maaga ang eksaktong tagal ng bawat tala, alam kung kailan siya humihinga, - kalkulahin ang lahat sa millisecond.

At pagkatapos ay nagsimula ang tunay na atraksyon. Sa bulwagan, napansin ni Vdovin ang baritone na si Andrei Zhilikhovsky, na nakikilahok sa Youth Program ng Bolshoi Theater na pinangangasiwaan niya, at pumunta sa Sochi upang kumanta sa produksyon ni Yuri Bashmet ng Eugene Onegin. At inanyayahan si Andrei Zhilikhovsky sa entablado, na nag-aalok na kantahin siya ng isang duet kasama si Vadim, mga couplets naman. Nang mapansin ang naguguluhang hitsura ni Zhilikhovsky, ipinaliwanag niya na sasama sila mula sa Rostov. At ito ay gumana! Ang koneksyon ay naging matatag, nang walang kaunting pagkaantala (na madalas nating makita sa mga live na broadcast ng mga channel sa TV), - dalawang baritones ang kumanta, na pinagsama sa coda.

Hindi ko talaga gusto ang mga master class, dahil kakaunti ang maaaring talagang itama. Ngunit ito ay nagpapahintulot sa akin na magbigay ng ilang mga saloobin... Ngayon ang sitwasyon ay kamangha-manghang, kami ay nakaupo sa baybayin ng Black Sea, si Andrey ay mula sa Moldova, Vadim at ang saliw ay nasa Rostov. Mayroon kaming sariling Olympic Games!

Isa pang pagsasama mula sa Yekaterinburg. Kinanta ng 15-anyos na tenor na si Alexander ang romansa ni Tchaikovsky na "Sa gitna ng isang maingay na bola."

Ang materyal ay medyo hindi tumpak - maraming magagandang kanta, ngunit ang romansang ito ay para sa maraming matatandang tao, na may mahusay na karanasan sa buhay. Ngunit kumanta ka nang labis na nakakaantig na ito ay napakahalaga, at kailangan mong panatilihin ang thread na ito habang buhay. Kantahin ang lahat ng mga parirala sa Russian. Hindi "pipe", ngunit "pipe". Hindi "manipis", iyon ay isang hindi napapanahong pagbigkas, ngunit "payat". Kantahin ang lahat ng mga parirala ayon sa nararapat na tunog ayon sa mga patakaran ng wikang Ruso - at ito ay magiging mas malinaw at mas malakas. Hindi mo maaaring kantahin ang patinig na "U" - napupunta ito sa "O", at ang pang-unawa ng teksto ay naghihirap mula dito, na lalong mahalaga para sa isang pag-iibigan.

Sa wakas, nagbigay ng payo si Dmitry Vdovin sa lahat ng mga batang performer.

Palagi kong pinapayuhan ang mga batang artista - kumanta kahit saan at sa lahat ng makakaya mo. Magpakita sa lahat ng dako, lumahok sa mga kumpetisyon. Malaki ang bansa, at napakahirap masira. Ang lahat ay maaaring mag-aplay para sa pagpasok sa Youth Program ng Bolshoi Theatre. Ang isang anunsyo tungkol sa pagpasok sa Programa ng Kabataan ay malapit nang lumitaw sa website ng Bolshoi Theater, magsumite ng isang elektronikong aplikasyon - at makikinig kami sa iyo. Tandaan na palaging mayroong isang tao na makikinig sa iyo sa isang lugar sa pagdiriwang, magpapayo sa iyo, mag-imbita sa iyo sa isang lugar, tumulong - ito ay kung paano gumagana ang aming propesyonal na buhay.

Nagtapos ang master class sa pag-iibigan ni Tchaikovsky na "To the Yellow Fields" batay sa mga taludtod ni Alexei Tolstoy, na ginanap ni baritone Andrei Zhilikhovsky.

Vadim Ponomarev
Larawan - Alexey Molchanovsky