Ang layunin ng paglikha ng isang serye ng mga metodolohikal na pag-unlad sa disiplina na "Domestic musical literature ng XX - XXI na siglo" para sa mga mag-aaral sa ika-apat na taon ng mga paaralan ng musika ay, una sa lahat, ang systematization ng modernong musicological literature, pati na rin ang pagsusuri ng mga gawaing hindi napag-isipan noon sa disiplinang ito. Ang nagpapahiwatig sa kontekstong ito ay ang mga pangunahing lugar ng mga malikhaing problema ni D. D. Shostakovich at ang kultural at makasaysayang kapaligiran ng kalagitnaan ng ika-20 siglo.

* * *

Ang ibinigay na panimulang fragment ng aklat na The Work of D. D. Shostakovich at Russian Musical Culture of the Mid-20th Century. Dami IV ng kurso sa pagsasanay na "Domestic musical literature ng ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo" (S.V. Venchakova) ay ibinigay ng aming kasosyo sa libro - ang litro ng kumpanya.

PANIMULA

Ang programa ng kursong "Musical Literature" ay naglalayong paunlarin ang pag-iisip ng musika ng mga mag-aaral, pagbuo ng mga kasanayan sa pagsusuri ng mga gawang musikal, at pagkuha ng kaalaman tungkol sa mga batas ng musikal na anyo at mga detalye ng musikal na wika.

Ang paksang "Domestic musical literature ng ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo" ay ang pinakamahalagang bahagi ng propesyonal na pagsasanay ng mga mag-aaral sa teoretikal at gumaganap na mga departamento ng musika at mga paaralan ng sining.

Sa proseso ng pag-aaral ng kurso, mayroong isang proseso ng pagsusuri at systematization ng iba't ibang mga tampok ng musikal at artistikong phenomena, ang kaalaman kung saan ay direktang kahalagahan para sa kasunod na pagganap at pagtuturo ng pagsasanay ng mga mag-aaral. Nilikha ang mga kundisyon para sa pang-agham at malikhaing kamalayan ng mga problema sa sining at pag-unawa sa iba't ibang gumaganap na interpretasyon ng mga modernong istilo ng musika. Sa pangkalahatan, ang isang nababaluktot na sistema ng dalubhasang pagsasanay ay nililikha, nang walang kriterya ng "makitid na pagdadalubhasa", na nag-aambag sa pagpapalalim ng mga propesyonal na kasanayan at ang pag-activate ng malikhaing interes ng mga mag-aaral sa trabaho.

Ang isang holistic na pag-aaral ng artistikong at aesthetic na mga uso at estilo ay batay sa pagsasama-sama ng kaalaman ng mga mag-aaral sa iba't ibang larangan: ang kasaysayan ng dayuhan at Ruso na musika (bago ang ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo), kulturang sining ng mundo, pagsusuri ng musikal. gumagana, gumaganap na kasanayan, na nagsisiguro sa pagbuo ng bagong propesyonal na pangkalahatang kaalaman .

Metodolohikal na pag-unlad sa paksa: "Ang gawain ni D. D. Shostakovich. Ilang yugto ng malikhaing istilo"

Layunin ng aralin: upang masubaybayan ang ilang yugto ng malikhaing istilo ng namumukod-tanging kompositor ng Russia noong ikadalawampu siglo D. D. Shostakovich (1906 - 1975) sa konteksto ng tradisyon at pagbabago.

Plano ng aralin:

1. D. D. Shostakovich: artist at oras

Ang gawain ni D. Shostakovich ay kumakatawan sa isang napakahalagang panahon kapwa sa sining at sa buhay. Ang mga gawa ng sinumang mahusay na artista ay mauunawaan lamang sa konteksto ng kanyang panahon. Ngunit ang oras na makikita sa sining ng artist ay mahirap maunawaan sa labas ng pagkamalikhain. Inilalahad ng sining ang tunay na diwa, katangian at kontradiksyon nito. Nananatiling isang artista sa kanyang panahon, iniisip at itinayo ni Shostakovich ang kanyang artistikong mundo sa mga anyo at pamamaraan na umuunlad sa kultura.

Si Shostakovich, na bumaling sa lahat ng mga genre ng musika, muling inisip ang mga tula ng mga paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang kanyang musika ay parehong malakas na sumasalamin sa parehong panlabas at panloob na mundo ng tao, pagsalungat sa kasamaan sa lahat ng mga pagpapakita nito, ang lakas ng espiritu - kapwa ng isang indibidwal na tao at ng isang buong bansa - sa pamamagitan ng matalim na magkakaibang mga paghahambing, hindi inaasahang "pagsalakay" at pagbabago ng mga plano. Si Shostakovich ay isa sa mga artista na ganap na nakaranas ng presyon ng totalitarianism ng Sobyet. Ang ipinahayag niya sa musika ay hindi palaging tumutugma sa kanyang tunay na iniisip at damdamin, ngunit ito lamang ang pagkakataong lumikha at marinig. Si Shostakovich ay isang master ng naka-encrypt na expression; ang kanyang musika ay naglalaman ng mga katotohanan tungkol sa nakaraan at kasalukuyan na hindi maipahayag sa mga salita.

2. Sa problema ng periodization ng gawain ni D. Shostakovich

Ang periodization ng gawain ni D. D. Shostakovich ay isa sa pinakamahalagang tanong sa musicological literature, na walang malinaw na sagot. Sa maraming mga monographic na gawa tungkol sa kompositor, mayroong iba't ibang mga opinyon, ang pagsusuri na ginagawang posible upang matuklasan ang pangunahing pamantayan para sa kanilang pagkakaiba - ang prinsipyo na kinuha bilang batayan para sa periodization.

Mula sa punto ng view ng pagbuo at ebolusyon ng estilo, ang sining ni Shostakovich ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto: ang pagbuo ng kanyang sariling estilo, ang kapanahunan at kasanayan ng artist, at ang mga huling taon ng kanyang buhay at pagkamalikhain. Gayunpaman, ang mga musicologist na nagmumungkahi ng periodization na ito ay nagpapahiwatig ng iba't ibang time frame. M. Sabinina singles out ang 1920s - kalagitnaan ng 1930s. (bago ang paglikha ng Fourth Symphony noong 1936), 1936 – 1968 at 1968 – 1975. Tinawag ni S. Kentova ang tatlumpung taon na 1945 - 1975 na huling panahon. Si L. Danilevich ay sumunod sa isang ganap na naiibang posisyon. Ang pagkuha ng ideolohikal at semantikong nilalaman ng musika ni Shostakovich bilang batayan, ipinakita ng mananaliksik ang pitong yugto: ang mga unang taon - ang 1920s; humanistic na tema na ipinakilala noong 1930s; taon ng Great Patriotic War - 1941 - 1945 (paglikha ng Ikapito at Ikawalong symphony); post-war period - 1945 - 1954 (paglikha ng Tenth Symphony noong 1953); kasaysayan at modernidad ng ikalawang kalahati ng 1950s - unang bahagi ng 1960s - bago ang paglikha ng Ninth Quartet noong 1964; pagtugon sa mga walang hanggang problema ng sining mula sa ikalawang kalahati ng 1960s at huling 1970s. Ang mananaliksik na si L. Hakobyan, na isinasaalang-alang ang malikhaing landas ng kompositor sa konteksto ng panahon ng Sobyet, ay nagpapatunay sa pagkakaroon ng walong panahon ng pagkamalikhain:

1920s (bago ang Third Symphony; ang pangunahing gawain ay ang opera na "The Nose");

Ang simula ng 1930s - 1936 - ang taon na lumitaw ang mga artikulong "Confusion Instead of Music" at "Ballet Falsity" sa Pravda (bago ang Fourth Symphony);

1937 – 1940 – isang pagbabagong punto at krisis sa pagkamalikhain dulot ng impluwensyang ideolohikal (mula sa Fifth Symphony hanggang sa Quintet);

1941 - 1946/47 - mga taon ng digmaan (mula sa Seventh Symphony hanggang sa Third String Quartet);

1948 - 1952 - ang unang mga taon pagkatapos ng digmaan. Noong 1948, naganap ang First All-Union Congress of Soviet Composers, at isang resolusyon ang inilabas sa opera na "The Great Friendship" ni V. Muradeli, na nagsilbing pangalawang pampublikong "pagkasira" ng Shostakovich (mula sa First Violin Concerto sa Fifth String Quartet);

1953 - 1961 - "pagtunaw" ng panahon ng post-Stalin (mula sa Ikasampung Symphony hanggang sa Ika-labindalawa);

1962 - 1969 - ang paghantong ng pagkamalikhain at ang panahon ng malubhang karamdaman ng kompositor (mula sa Ikalabintatlong Symphony hanggang Ika-labing-apat);

1970 - 1975 - pagkumpleto ng malikhaing landas.

Pansinin ang politicization ng buong kultural na buhay ng panahon ng Sobyet, itinuturing ni L. Akopyan si Shostakovich ang tanging isa na nagawang "dalhin ang kanyang regalo... sa lahat ng talamak at talamak na yugto, pagbabago at pagpapatawad ng kanyang panahon."

Ang mga nakalistang diskarte ay pantay na may karapatang umiral: ang kanilang mga may-akda, na isinasaalang-alang ang sining ni Shostakovich mula sa iba't ibang mga anggulo, ay sumasakop sa pinakamahalagang aspeto ng gawa ng artist.

Ang isang bilang ng mga yugto ay nakikilala din kapag nailalarawan ang mga partikular na genre. Kaya naman, nag-panahon si M. Sabinina symphony nag-uugnay sa mga kakaibang interpretasyon nito ng kompositor. Bilang resulta, itinalaga ng musicologist ang mga sumusunod na yugto: ang "pagbuo" ng genre ay nauugnay sa paglikha ng mga symphony No. 1, No. 2, No. 3, No. 4; "mga paghahanap sa larangan ng arkitekto at pag-unlad ng materyal na musikal" - ang panahon ng paglikha ng mga symphony No. 5, No. 6, No. 7, No. 8, No. 9, No. 10; masinsinang pagbabago sa larangan ng interpretasyon ng genre - mga symphony ng programa No. 11, No. 12, No. 13, No. 14; Inuri ng mananaliksik ang ikalabinlimang symphony bilang kabilang sa ikalawang yugto.

3. Listahan ng mga gawa ni D. D. Shostakovich

O kaya. 1. Scherzo para sa orkestra. 1919;

O kaya. 2. Walong preludes para sa piano. 1919 – 1920;

Op. 3. Tema at mga pagkakaiba-iba para sa orkestra. 1921 – 1922;

Op. 5. Tatlong kamangha-manghang sayaw para sa piano. 1922;

Op. 6. Suite para sa dalawang piano. 1922;

Op. 7. Scherzo para sa orkestra. 1923;

Op. 8. Unang trio para sa violin, cello at piano. 1923;

Op. 9. Tatlong piraso para sa cello at piano. Fantasia, Prelude, Scherzo. 1923 – 1924;

Op. 10. Unang simponya. 1924 – 1925;

Op. 11. Dalawang piraso para sa string octet. Prelude, Scherzo. 1924 – 1925;

Op. 12. Unang sonata para sa piano. 1926;

Op. 13. Aphorisms. Sampung piraso para sa piano. Recitative, Serenade, Nocturne, Elehiya, Funeral March, Etude, Dance of Death, Canon, Legend, Lullaby. 1927;

Op. 14. Pangalawang symphony "Dedikasyon sa Oktubre". Para sa orkestra at koro. 1927;

Op. 15. "Ilong". Opera sa 3 acts, 10 scenes. 1927 – 1928;

Op. 16. “Tahiti Trot.” Orchestral transcription ng kanta ni V. Youmans. 1928;

Op. 17. Dalawang dula ni Scarlatti. Transkripsyon para sa brass band. 1928;

Op. 18. Musika para sa pelikulang “New Babylon”. 1928 – 1929;

Op. 19. Musika para sa dula ni V. Mayakovsky na "The Bedbug". 1929;

Op. 20. Symphony No. 3 "May Day". Para sa orkestra at koro. 1929;

Op. 21. Anim na romansa batay sa mga salita ng mga makatang Hapones para sa boses at orkestra. "Pag-ibig", "Bago Magpatiwakal", "Hindi Maingat na Pagtingin", "Sa Una at Huling Panahon", "Pag-ibig na Walang Pag-asa", "Kamatayan". 1928 – 1932;

Op. 22. "Golden Age". Ballet sa 3 kilos. 1929 – 1930;

Op. 23. Dalawang piraso para sa orkestra. Intermisyon, Pangwakas. 1929;

Op. 24. Musika para sa dula ni A. Bezymensky na "Shot". 1929

Op. 25. Musika para sa dulang "Virgin Land" nina A. Gorbenko at N. Lvov. 1930;

O kaya. 26. Musika para sa pelikulang "Alone". 1930;

O kaya. 27. "Bolt". Ballet sa 3 kilos. 1930 – 1931;

O kaya. 28. Musika para sa dula ni A. Piotrovsky na "Rule, Britannia." 1931;

O kaya. 29. "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova"). Opera sa 4 na gawa, 9 na eksena. 1930-1932;

O kaya. 30. Musika para sa pelikulang "Golden Mountains". 1931;

O kaya. 31. Musika para sa palabas sa sirko na "Conditionally Killed" ni V. Voevodin at E. Ryss. 1931;

O kaya. 32. Musika para sa trahedya ni W. Shakespeare na "Hamlet". 1931 – 1932;

O kaya. 33. Musika para sa pelikulang "Papalapit". 1932;

O kaya. 34. Dalawampu't apat na preludes para sa piano. 1932 – 1933;

O kaya. 35. Unang konsiyerto para sa piano at orkestra. 1933;

O kaya. 36. Musika para sa animated na pelikulang “The Tale of the Priest and His Worker Balda.” 1936;

O kaya. 37. Musika para sa dulang “The Human Comedy” na hango kay Balzac. 1933-1934;

O kaya. 38. Musika para sa pelikulang "Love and Hate." 1934;

O kaya. 39. "Maliwanag na Agos." Ballet sa 3 acts, 4 scenes. 1934 – 1935;

O kaya. 40. Sonata para sa cello at piano. 1934;

O kaya. 41. Musika para sa pelikulang "Maxim's Youth". 1934;

O kaya. 41. Musika para sa pelikulang "Girlfriends". 1934 – 1935;

Op. 42. Limang fragment para sa orkestra. 1935;

O kaya. 43. Symphony No. 4. 1935 – 1936;

O kaya. 44. Musika para sa dula ni A. Afinogenov na "Salute, Spain". 1936;

O kaya. 45. Musika para sa pelikulang "The Return of Maxim". 1936 – 1937;

O kaya. 47. Ikalimang Symphony. 1937;

O kaya. 48. Musika para sa pelikulang "Volochaev Days". 1936 – 1937;

O kaya. 49. Unang string quartet. 1938;

O kaya. 50. Musika para sa pelikulang "Vyborg Side". 1938;

O kaya. 51. Musika para sa pelikulang "Friends". 1938;

O kaya. 52. Musika para sa pelikulang "The Great Citizen" (unang yugto). 1938;

O kaya. 53. Musika para sa pelikulang "The Man with a Gun." 1938;

O kaya. 54. Ikaanim na Symphony. 1939;

O kaya. 55. Musika para sa pelikulang "The Great Citizen" (ikalawang yugto). 1939;

O kaya. 56. Musika para sa animated na pelikulang “Silly Mouse.” 1939;

O kaya. 57. Quintet para sa piano at string quartet. 1940;

O kaya. 58. Instrumentasyon ng opera ni Mussorgsky na "Boris Godunov". 1939 – 1940;

O kaya. 58a. Musika para sa trahedya ni Shakespeare na "King Lear". 1940;

O kaya. 59. Musika para sa pelikulang "The Adventures of Korzinkina." 1940;

O kaya. 60. Ikapitong Symphony. 1941;

O kaya. 61. Pangalawang sonata para sa piano. 1942;

O kaya. 63. "Katutubong Leningrad". Vocal-orchestral suite sa dulang "Fatherland". 1942;

O kaya. 64. Musika para sa pelikulang "Zoya". 1944;

O kaya. 65. Ikawalong Symphony. 1943;

O kaya. 66. Musika para sa dulang "Russian River". 1944;

O kaya. 67. Pangalawang trio para sa piano, violin at cello. 1944;

O kaya. 68. Pangalawang string quartet. 1944;

O kaya. 69. Kuwaderno ng mga bata. Anim na piraso para sa piano. Marso, Waltz, "Bear", "Funny Tale", "Sad Tale", "Clockwork Doll". 1944 – 1945;

O kaya. 70. Ikasiyam na Symphony. 1945;

O kaya. 71. Musika para sa pelikulang "Ordinaryong Tao". 1945;

O kaya. 73. Ikatlong String Quartet. 1946;

O kaya. 74. "Tula tungkol sa Inang Bayan" - para sa mga soloista, koro at orkestra. 1947;

O kaya. 75. Musika para sa pelikulang "Young Guard" (dalawang yugto). 1947 – 1948;

O kaya. 76. Musika para sa pelikulang "Pirogov". 1947;

O kaya. 77. Konsiyerto para sa biyolin at orkestra. 1947 – 1948;

O kaya. 78. Musika para sa pelikulang "Michurin". 1948;

O kaya. 79. "Mula sa Jewish folk poetry." Vocal cycle para sa soprano, contralto at tenor na may saliw ng piano. “Pag-iyak para sa Patay na Sanggol”, “Mapagmalasakit na Ina at Tiyahin”, “Lullaby”, “Bago ang Mahabang Paghihiwalay”, “Babala”, “Iniwanang Ama”, “Awit ng Pangangailangan”, “Taglamig”, “Ang Magandang Buhay” , "Song" girls", "Happiness". 1948;

O kaya. 80. Musika para sa pelikulang "Meeting on the Elbe". 1948;

O kaya. 81. “Awit ng mga Kagubatan.” Oratorio para sa mga soloista, boys choir, mixed choir at orchestra sa lyrics ni E. Dolmatovsky. 1949;

O kaya. 82. Musika para sa pelikulang "The Fall of Berlin". 1949;

O kaya. 83. Ikaapat na String Quartet. 1949;

O kaya. 84. Dalawang romansa sa mga salita ni Lermontov para sa boses at piano. "Ballad", "Morning of the Caucasus". 1950;

O kaya. 85. Musika para sa pelikulang "Belinsky". 1950;

O kaya. 87. Dalawampu't apat na prelude at fugues para sa piano. 1950 – 1951;

O kaya. 88. Sampung tula para sa walang saliw na halo-halong koro batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. "Matapang, mga kaibigan, sumulong tayo!", "Isa sa marami", "Sa kalye!", "Kapag nagkita tayo sa panahon ng paglipat", "Isinagawa", "Ikasiyam ng Enero", "Natahimik ang mga belated volleys. ”, “Nanalo sila”, "May Song", "Song". 1951;

O kaya. 89. Musika para sa pelikulang "Unforgettable 1919". 1951;

O kaya. 90. "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan." Cantata para sa boys' choir, mixed choir at orchestra sa lyrics ni E. Dolmatovsky. 1952;

O kaya. 91. Apat na monologue sa mga salita ni Pushkin para sa boses at piano. "Sipi", "Ano ang nasa iyong pangalan", "Sa kailaliman ng Siberian ores", "Paalam". 1952;

O kaya. 92. Ikalimang String Quartet. 1952;

O kaya. 93. Ikasampung Symphony. 1953;

O kaya. 94. Concertino para sa dalawang piano. 1953;

O kaya. 95. Musika para sa dokumentaryong pelikulang "Awit ng mga Dakilang Ilog". 1954;

O kaya. 96. Festive overture. 1954;

O kaya. 97. Musika para sa pelikulang "Gadfly". 1955;

O kaya. 99. Musika para sa pelikulang "Unang Eselon". 1955 – 1956;

O kaya. 101. Ikaanim na String Quartet. 1956;

O kaya. 102. Pangalawang konsiyerto para sa piano at orkestra. 1957;

O kaya. 103. Ikalabing-isang Symphony. 1957;

O kaya. 104. Dalawang pagsasaayos ng mga awiting katutubong Ruso para sa halo-halong koro na walang saliw. "Ang hangin ay umihip", "Kung paano ako pinalo ng aking asawa nang masakit, anak." 1957;

O kaya. 105. "Moscow, Cheryomushki." Komedya sa musika sa tatlong yugto. 1958;

O kaya. 106. Pelikula "Kovanshchina". Pag-edit ng musika at instrumentasyon. 1959;

O kaya. 107. Konsiyerto para sa cello at orkestra. 1959;

O kaya. 108. Ikapitong String Quartet. 1960;

O kaya. 109. Satires (mga larawan ng nakaraan) - limang romansa para sa boses at piano batay sa mga tula ni Sasha Cherny. "Pagpuna", "Paggising ng Spring", "Descendants", "Hindi Pagkakaunawaan", "Kreutzer Sonata". 1960;

O kaya. 110. Ikawalong string quartet. 1960;

O kaya. 111. Musika para sa pelikulang “Five Days – Five Nights”. 1960;

O kaya. 112. Ikalabindalawang Symphony. 1961;

O kaya. 113. Ikalabintatlong Symphony para sa soloista, male choir at orkestra, lyrics ni E. Yevtushenko. 1962;

O kaya. 114. "Katerina Izmailova." Opera sa apat na kilos, siyam na eksena. Bagong edisyon. 1963;

O kaya. 115. Overture sa Russian at Kyrgyz folk themes. 1963;

O kaya. 116. Musika para sa pelikulang "Hamlet". 1963 – 1964;

O kaya. 117. Ika-siyam na String Quartet. 1964;

O kaya. 118. Ikasampung String Quartet. 1964;

O kaya. 119. "Pagbitay kay Stepan Razin." Tula para sa soloista, halo-halong koro at orkestra, lyrics ni E. Yevtushenko. 1964;

O kaya. 120. Musika para sa pelikulang "A Year Like Life." 1965;

O kaya. 122. Ika-labing-isang String Quartet. 1966;

O kaya. 123. "Paunang salita sa kumpletong koleksyon ng aking mga gawa at pagmumuni-muni sa paunang salita na ito" - para sa boses (bass) na may piano. 1966;

O kaya. 124. Orkestra na bersyon ng dalawang koro ni A. Davidenko: "Ang kalye ay nag-aalala" at "Sa ikasampung milya". 1966;

O kaya. 125. Instrumentasyon ng Cello Concerto ni R. Schumann. 1966;

O kaya. 126. Pangalawang konsiyerto para sa cello at orkestra. 1967;

O kaya. 127. Pitong romansa batay sa mga tula ni Alexander Blok. Para sa boses, violin, cello at piano. "Awit ng Ophelia", "Gamayun - ang propetikong ibon", "Nagkasama kami", "Natutulog ang lungsod", "Bagyo", "Mga lihim na palatandaan", "Musika". 1967;

O kaya. 128. Romansa "Spring, Spring" batay sa mga tula ni Pushkin. 1967;

O kaya. 129. Pangalawang konsiyerto para sa biyolin at orkestra. 1967;

O kaya. 130. Funeral at triumphal prelude para sa symphony orchestra sa memorya ng mga bayani ng Labanan ng Stalingrad. 1967;

O kaya. 132. Musika para sa pelikulang "Sofya Perovskaya". 1967;

O kaya. 133. Ikalabindalawang String Quartet. 1968;

O kaya. 134. Sonata para sa violin at piano. 1968;

O kaya. 135. Ika-labing-apat na Symphony. 1969;

O kaya. 136. "Katapatan." Isang cycle ng ballads para sa walang kasamang male choir, lyrics ni E. Dolmatovsky. 1970;

O kaya. 137. Musika para sa pelikulang “King Lear”. 1970;

O kaya. 138. Ikalabintatlong String Quartet. 1970;

O kaya. 139. "March of the Soviet Police" para sa brass band. 1970;

O kaya. 140. Orkestrasyon ng anim na romansa batay sa mga tula nina Raleigh, Burns at Shakespeare (part 62) para sa bass at chamber orchestra. 1970;

O kaya. 141. Ikalabinlimang Symphony. 1971;

O kaya. 142. Ika-labing-apat na String Quartet. 1973;

O kaya. 143. Anim na tula ni Marina Tsvetaeva para sa contralto at piano. "Aking mga tula", "Saan nagmula ang gayong lambing", "Dialogue ng Hamlet na may budhi", "Ang Makata at ang Tsar", "Hindi, ang drum beat", "Anna Akhmatova". 1973;

O kaya. 143a. Anim na tula ni Marina Tsvetaeva para sa contralto at chamber orchestra. 1975;

O kaya. 144. Ikalabinlimang String Quartet. 1974;

O kaya. 145. Suite para sa bass at piano, mga tula ni Michelangelo Buonaroti. "Katotohanan", "Umaga", "Pag-ibig", "Paghihiwalay", "Galit", "Dante", "Exile", "Creativity", "Night", "Death", "Immortality". 1974;

O kaya. 145a. Suite para sa bass at symphony orchestra, mga tula ni Michelangelo Buonarroti. 1974;

O kaya. 146. Apat na tula ni Kapitan Lebyadkin. Para sa bass at piano. Mga salita ni F. Dostoevsky. "The Love of Captain Lebyadkin", "Cockroach", "Ball for Governesses", "Socialite". 1975;

O kaya. 147. Sonata para sa viola at piano. 1975.

4. Shostakovich at mga tradisyon

Ang sining ni Shostakovich ay konektado sa pinakamahusay na mga tradisyon ng musikang Ruso at mundo. Ang pagkakaroon ng isang natatanging intuwisyon, ang artist ay sensitibong tumugon sa mga salungatan sa lipunan sa mundo, pati na rin ang mga sikolohikal, etikal at pilosopikal na mga salungatan, na nagpapakita sa kanyang trabaho ng mga pinaka-pagpindot na mga problema ng kanyang panahon. Para sa kanya, ang paglilingkod sa sining ay hindi mapaghihiwalay sa paglilingkod sa tao, lipunan at sa Inang Bayan. Dito sila nanggaling pangkalahatang bisa karamihan sa kanyang mga gawa pamamahayag At pagkamamamayan mga paksa. Ang pagtatasa ng gawa ng kompositor ay malinaw na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng aesthetic at ideological na mga posisyon na katangian ng ika-20 siglo. Ang paglikha ng First Symphony ay nagdala ng katanyagan sa mundo ng may-akda; ang Seventh Symphony ay inihambing sa mga gawa ni Beethoven sa mga tuntunin ng antas ng emosyonal na epekto. Sa katunayan, nagawa ni Shostakovich na buhayin ang karaniwang Beethovenian na uri ng symphonism, na mayroong heroic pathos at philosophical depth.

Ang pagnanais para sa isang epektibong impluwensya sa pampublikong buhay, sa mga tagapakinig, kamalayan sa seryosong etikal na layunin ng musika - lahat ng mga prinsipyong ito ay katangian ng pinakamalaking dayuhang kompositor, kabilang ang P. Hindemith, A. Honegger, B. Bartok, C. Orff, F. Poulenc. Ang ganitong mga uso sa sining ay hindi maaaring hindi sinamahan ng pag-asa sa mga klasikal na tradisyon, ang paghahanap para sa mga bagong pagkakataon sa kanila, at pagpapalakas ng mga ugnayan sa katutubong sining, na tumutuon sa moral, pilosopiko at aesthetic na karanasan ng sangkatauhan. Ang oryentasyon ng marami sa mga gawa ni Shostakovich patungo sa klasikal na sining ay kasabay ng mga katulad na phenomena sa gawain ng isang bilang ng mga dayuhang may-akda ng panahong ito. Kaya, lumingon sa linya ng nagpapahayag na paraan, anyo at genre ng Bach, natagpuan ni Shostakovich ang kanyang sarili sa globo ng mga phenomena ng modernong Western musical art noong 20s - 30s ng ika-20 siglo (kabilang sa mga kompositor ng Kanluran ng panahong ito, ang gawain ni Hindemith dapat bigyang pansin lalo na). Ang ilang mga klasikal na tendensya ng estilo ni Shostakovich ay sumasalamin sa sining ni Haydn at Mozart. Ang parehong mga istilong aspeto ay malinaw na nakikita sa gawain ni Prokofiev. Sa pangkalahatan, ang "tradisyonalismo" ni Shostakovich ay may sariling mga yugto ng ebolusyon at indibidwal na mga kinakailangan.

Ang mga pangunahing linya ng pagpapatuloy sa gawain ni Shostakovich ang symphonist ay maaaring malinaw na masubaybayan, una sa lahat, sa pamamagitan ng gawain nina Tchaikovsky at Mahler, bilang pinakamalaking kinatawan ng post-Beethoven symphonism. Ang unang symphony ni Shostakovich ay nagbigay ng na-update na interpretasyon ng genre, na nagpapakilala sikolohikal na drama, ang mga klasikal na halimbawa nito ay ipinakita ni Tchaikovsky. Ang aspetong ito ang magkakaroon ng mahalagang papel sa symphony ni Shostakovich. Ang ikaapat na symphony na may kumplikadong pilosopiko at trahedya na konsepto, espesyal na sukat ng anyo, at matalim na kaibahan ay nagpapatotoo sa pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Mahler. Ang katangian ay ang pagkakaroon ng isang tragicomic na elemento sa musika ni Shostakovich at ang kanyang paggamit ng mga pang-araw-araw na genre (kaugnay nito, ang Piano Preludes ng Op. 34 at ang marka ng opera na "Katerina Izmailova" ay nagpapahiwatig, kung saan ang iba't ibang mga nagpapahayag na epekto ay ginamit, na nagmumula sa mga banal na ritmikong intonasyon at genre - mula sa katatawanan hanggang sa trahedya na katawa-tawa) . Dapat pansinin na madalas ding ginagamit ni Tchaikovsky ang lugar na ito ng musikal na sining, ngunit sa ibang anyo - nang hindi gumagamit ng isang multifaceted na konteksto, kabalintunaan at pag-aalis ng mga aesthetic na eroplano. Tulad nina Tchaikovsky at Mahler, para kay Shostakovich ang tanong ng pagka-orihinal ng mga paraan ay hindi sapat na kahalagahan.

Ang mga estilistang impluwensya ng sining ng Bach, Beethoven at Mussorgsky ay multidimensional sa mga tuntunin ng pagkakakilanlan ng mga matalinghagang globo at artistikong intensyon. Ang Fifth at Seventh Symphony ni Shostakovich ay nire-refract ang mga imahe ng mga kabayanihan ni Beethoven; ang paggamit ng genre ng martsa (kadalasang ginagamit ni Mahler), ang mga larawan ng isang matagumpay na prusisyon sa pagmamartsa ay minana rin mula sa Beethoven. Ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ng Bach sa isang bagong yugto ng kasaysayan ay dapat isama ang paglikha ni Shostakovich ng mga musikal na imahe na nauugnay sa immutability ng moral na tungkulin. Ito ay, una sa lahat, mga yugto ng chorale sa mga symphonic cycle, passacaglia (intermission sa pagitan ng ika-4 at ika-5 na eksena ng "Katerina Izmailova"), na nagsisilbing sentro ng pilosopikal ng trabaho. Gumagamit din ang kompositor ng passacaglia at chaconnes bilang mga independiyenteng bahagi ng isang cyclic na anyo o mga panloob na seksyon nito (ang gitnang yugto ng finale ng Seventh Symphony, ang ika-4 na paggalaw ng Eighth Symphony, ang mabagal na bahagi ng Piano Trio, ang Third Quartet, ang Unang Violin Concerto). Sa ilang mga kaso, lumilitaw ang polyphonic sample ng musika ni Shostakovich sa synthesis sa mga intonasyon ng kanta ng Ruso sa mga kondisyon ng subvocal texture (Intermezzo mula sa Piano Quintet op. 57).

Ang impluwensya ni Mussorgsky ay multifaceted at pinahusay ng sariling epic tendencies ni Shostakovich sa sining. Sa bagay na ito, dapat bigyang-pansin ang vocal, vocal-symphonic at instrumental genres - quartets at concerts. Kabilang sa mga akda ang symphony No. 13 at No. 14, "Sampung choral poems na batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata," at ang tula na "The Execution of Stepan Razin." Ang Shostakovich at Mussorgsky ay magkatulad din sa kanilang diskarte sa alamat ng Russia at ang pagpili ng materyal na intonasyon. Si Shostakovich ay malapit sa pamamaraan ni Mussorgsky, ang lumikha ng makatotohanang mga tauhan ng bayan at tanyag na mga eksena, at ang kanyang saloobin sa kasaysayan ng mga tao. Tulad ng nalalaman, isinama ni Mussorgsky ang imahe ng mga tao sa lahat ng pagiging kumplikado nito. Ang isang katulad na dialecticism ay katangian din ng Shostakovich (dapat tandaan ang magkakaibang paglalarawan ng mga tao sa opera na "Katerina Izmailova", mga episode mula sa "The Execution of Stepan Razin", atbp.), na nagpapakita ng mga panloob na kontradiksyon.

"Iginagalang ko si Mussorgsky, itinuturing ko siyang pinakadakilang kompositor ng Russia," ang isinulat ni Shostakovich. Napansin ng mga musicologist ang mga tampok ng istilo ni Mussorgsky na nasa unang mga gawa ni Shostakovich, lalo na, sa "Two Fables on Krylov's Poems for Voice and Orchestra" (op. 4, 1921). Ang prinsipyo ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng musika at mga salita, na ginagamit ni Mussorgsky sa opera na "Kasal", ay ipinatupad sa unang opera ni Shostakovich na "The Nose", na nilikha din batay sa prosa ni N. Gogol, tulad ng "Kasal" ni Mussorgsky.

Lubos na pinahahalagahan ni Shostakovich ang kakayahan ni Mussorgsky na masuri na maunawaan ang mga kaganapan sa kasaysayan ng Russia (tulad ng makikita sa mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina"), at upang mahanap ang mga pinagmulan ng hinaharap na mga problema sa lipunan at moral.

Ang kompositor, na pinalaki ang mga mithiin ng rebolusyon, ay nasaksihan ang brutal na presyon ng makina ng estado, na nag-depersonalize ng mga tao. Ang ideyang ito ay nakatalukbong na sa Second Symphony ("Dedikasyon sa Oktubre", 1927), kung saan, kasama ang pagpapakita ng malalaking eksena sa karamihan ng mga tao na tipikal ng mga unang post-rebolusyonaryong taon, lumilitaw ang intonasyon at melodic na pagliko ng mga trahedya na kanta ng mga bilanggo. .

Ang tema ng pagmamanipula ng kamalayan ng masa, na humahantong sa hindi makatarungang kalupitan, ay ginagawang katulad din ni Shostakovich kay Mussorgsky. Ang isang halimbawa ay ang eksena ng pagsasaya ng mga tao sa panahon ng masaker sa isang pambansang bayani sa tulang "The Execution of Stepan Razin."

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ni Shostakovich ay inookupahan ng gawain sa pag-aaral ng malikhaing pamana ng Mussorgsky - ang orkestrasyon at pag-edit ng mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina", ang vocal cycle na "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan". Parehong inilalarawan ng dalawang artista ang walang hanggang tema ng Kamatayan sa kanilang sining.

Ang mga koneksyon ni Shostakovich sa klasikal na panitikan ng Russia ay malawak. Sa mga manunulat, ang espesyal na pagbanggit ay dapat gawin ng Gogol (ang papel ng katawa-tawa) at Dostoevsky (psychologism). Kadalasan ang kakatuwa na elemento sa musika ni Shostakovich ay bumubuo ng isang synthesis ng maaasahang makatotohanang mga detalye na may hyperbole (pagmamalabis). Ang ganitong mga imahe ay lumalaki sa malakihang sikolohikal na paglalahat. Tulad ni Gogol, ginagamit ni Shostakovich ang pamamaraan ng "pagbaba" ng antas ng kalungkutan sa pamamagitan ng pagdadala ng lantarang bastos. Gayundin, ang parehong mga may-akda ay pinagsama sa pamamagitan ng kanilang pansin sa pagsusuri ang duality ng kalikasan ng tao. Ang indibidwal na pagka-orihinal ng estilo ni Shostakovich ay nagmumula sa maraming mga sangkap na bumubuo na may mataas na intensity ng kanilang synthesis.

Ang paksa ng isang espesyal na pag-aaral ay ang paggamit ng kompositor ng materyal na sipi. Ang pamamaraang ito, tulad ng alam mo, ay palaging nakakatulong na "basahin ang layunin ng may-akda." Ipinakilala rin ng kompositor ang mga autoquotation bilang mga nauugnay na metapora (kabilang sa mga naturang gawa ay ang Eighth Quartet). Sa sining, matagal nang nagaganap ang proseso ng crystallization at consolidation ng intonation-symbols. Ang hanay ng pagkilos ng naturang mga tema ay pinalawak salamat sa paboritong pamamaraan ng kompositor ng mga polar transformation at metamorphoses. Ang pamamaraan ng genre generalization ay aktibong kasangkot sa prosesong ito, ngunit sa kaso ng generalization ng mga elemento ng genre na pinagmulan sa anumang typified formula, Shostakovich pagkatapos ay malayang itinapon ito bilang isang katangian na stroke. Ang pagtatrabaho sa gayong mga pamamaraan ay naglalayong lumikha ng isang maaasahang "kapaligiran" hangga't maaari.

Ayon sa maraming mga mananaliksik, ang eksperimento sa larangan ng sound matter ay may kaunting atraksyon para kay Shostakovich. Ang mga elemento ng seriality at sonorism ay ginagamit nang may matinding pagpigil. Sa mga gawa ng mga nakaraang taon (sa mga symphony No. 14 at No. 15, ang huling quartets, ang Viola Sonata, mga vocal cycle sa mga teksto ni Akhmatova at Michelangelo), ang mga tema ng labindalawang tono ay matatagpuan. Sa pangkalahatan, ang ebolusyon ng istilo ni Shostakovich sa mga nagdaang panahon ay nakadirekta sa pag-save ng mga nagpapahayag na paraan.

5. Ang ilang mga tampok ng estilo ng D. D. Shostakovich: melody, armonya, polyphony

Ang pinakamalaking mananaliksik ng gawain ng kompositor, si L. Danilevich, ay sumulat: "Minsan sa panahon ng mga klase ni Dmitry Dmitrievich kasama ang kanyang mga mag-aaral, lumitaw ang isang pagtatalo: ano ang mas mahalaga - ang himig (tema) o ang pag-unlad nito. Tinukoy ng ilan sa mga estudyante ang unang paggalaw ng Fifth Symphony ni Beethoven. Ang tema mismo ng kilusang ito ay elementarya, hindi kapansin-pansin, at lumikha si Beethoven ng isang napakatalino na gawa batay dito! At sa unang Allegro ng Third Symphony ng parehong may-akda, ang pangunahing bagay ay wala sa tema, ngunit sa pag-unlad nito. Sa kabila ng mga argumentong ito, nangatuwiran si Shostakovich na ang materyal na pampakay, ang himig, ay may pangunahing kahalagahan pa rin sa musika.

Ang mga salitang ito ay kinumpirma ng buong gawain ni Shostakovich. Kabilang sa mahahalagang katangian ng estilista ng kompositor ay pagiging kanta, na sinamahan ng iba pang mga uso, at ang synthesis na ito ay malinaw na ipinakita sa mga instrumental na genre.

Una sa lahat, dapat pansinin ang impluwensya ng alamat ng Russia. Ang ilan sa mga melodies ni Shostakovich ay may ilang pagkakatulad sa mga hugot na liriko na kanta, panaghoy at panaghoy; epikong epiko, himig ng sayaw. Mahalaga na ang kompositor ay hindi kailanman sumunod sa landas ng stylization; malalim niyang pinoproseso ang folklore melodic turns alinsunod sa mga indibidwal na katangian ng kanyang musikal na wika.

Ang vocal interpretasyon ng mga sinaunang katutubong awit ay makikita sa maraming komposisyon. Kabilang sa mga ito: "The Execution of Stepan Razin", "Katerina Izmailova" (choirs of convicts); sa bahagi mismo ni Katerina, natagpuan ng mga mananaliksik ang mga intonasyon ng isang liriko at pang-araw-araw na pag-iibigan sa lunsod ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang kantang “A Tattered Peasant” (“I had a godfather”) ay puno ng mga komiks na sayaw na kanta at himig.

Ang himig ng ikatlong bahagi ng oratorio na "Song of the Forests" ("Memory of the Past") ay nakapagpapaalaala sa katutubong awiting Ruso na "Luchinushka". Sa ikalawang bahagi - "Bihisan natin ang Inang Bayan sa mga kagubatan" - kabilang sa mga melodic na intonasyon ay may katulad na pagliko sa isa sa mga motibo ng awiting Ruso na "Hey, let's go"; Ang tema ng huling fugue ay kahawig ng himig ng lumang kanta na "Glory".

Lumilitaw ang mga malungkot na liko ng panaghoy at panaghoy, lalo na, sa ikatlong bahagi ng oratorio, sa choral poem na "The Ninth of January", sa Eleventh Symphony, at sa ilang piano preludes at fugues.

Gumawa si Shostakovich ng maraming instrumental melodies na nauugnay sa genre ng folk lyrical song. Kabilang dito ang: mga tema mula sa unang kilusan ng Trio, ang finale ng Second Quartet, at ang mabagal na paggalaw ng First Cello Concerto. Ang globo ng Russian folk dance ay inihayag sa mga finale ng First Violin Concerto, ang Tenth Symphony (side part).

Ang rebolusyonaryong pagsulat ng kanta ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar sa musika ni Shostakovich. Kasama ang kabayanihan na "aktibo" na mga intonasyon ng mga kanta ng rebolusyonaryong pakikibaka, ginamit ni Shostakovich ang mga melodic, kabilang ang mga katangian ng melodic na pagliko ng mga kanta ng mahirap na paggawa at pagpapatapon - makinis na triplet na paggalaw na may nangingibabaw na paggalaw ng pababa. Ang ganitong mga intonasyon ay naroroon sa mga tulang koro. Ang parehong uri ng melodic na paggalaw ay nangyayari sa Sixth at Tenth Symphony.

Mahalaga ring tandaan ang impluwensya ng mga kanta ng masa ng Sobyet. Ang kompositor mismo ay nagtrabaho nang mabunga sa lugar na ito. Kabilang sa mga akdang nagpapakita ng kaugnayan sa melodic sphere na ito ay ang oratorio na “Awit ng mga Kagubatan,” ang cantata na “The Sun Shines Over Our Motherland,” at ang Festive Overture.

Ang isang melodically rich recitative, na naghahatid hindi lamang ng mga intonasyon ng pakikipag-usap, kundi pati na rin ang mga kaisipan at damdamin ng mga karakter, ay pumupuno sa musikal na tela ng opera na "Katerina Izmailova". Ang cycle na "From Jewish Folk Poetry" ay nagpapakita ng maraming halimbawa ng mga partikular na katangian ng musika na ipinatupad gamit ang vocal at speech techniques, na may vocal declamation na kinukumpleto ng instrumental. Ang ugali na ito ay nabuo sa mga huling yugto ng boses ni Shostakovich.

Ang instrumental na "recitability" ay malinaw na kumakatawan sa pagnanais ng kompositor na ihatid ang "musika ng pagsasalita" nang tumpak hangga't maaari, na nagpapakita ng napakalaking pagkakataon para sa mga makabagong pakikipagsapalaran.

Sinabi ni L. Dolzhansky: “Kapag nakikinig tayo sa ilang symphony at iba pang instrumental na gawa ni Shostakovich, para bang nabubuhay ang mga instrumento, nagiging mga tao, mga tauhan sa drama, trahedya, at kung minsan ay komedya. Ang isa ay nakakakuha ng pakiramdam na ito ay "isang teatro kung saan ang lahat ay halata, hanggang sa punto ng pagtawa o luha" (mga salita ni K. Fedin tungkol sa musika ni Shostakovich). Ang isang galit na tandang ay nagbibigay daan sa isang bulong, isang malungkot na bulalas, isang daing ay nagiging mapanuksong tawa. Ang mga instrumento ay kumakanta, umiiyak at tumatawa. Siyempre, ang impresyong ito ay nilikha hindi lamang ng mga intonasyon mismo; Ang papel ng mga timbre ay napakahusay."

Ang deklarasyon, bilang isang espesyal na kalidad ng instrumentalism ni Shostakovich, ay higit na nauugnay sa monologo ng pagtatanghal. Ang mga instrumental na "monologues," na minarkahan ng ritmikong kalayaan at kung minsan ay improvisational na istilo, ay naroroon sa lahat ng symphony, violin at cello concerto, at quartets.

At ang isa pang lugar ng melody kung saan ipinakita ang pagiging malikhain ni Shostakovich ay ang "dalisay" na instrumentalismo, malayo sa parehong kanta at "pakikipag-usap" na mga intonasyon. Ang mga ito ay mga tema na nailalarawan sa pagkakaroon ng "tense" na mga intonasyon at malawak na melodic leaps (ikaanim, ikapito, oktaba, wala). Ang mga instrumental melodies ni Shostakovich ay madalas na malinaw na nagpapahayag; sa isang bilang ng mga kaso nakakakuha ito ng mga tampok ng motority, sadyang "mekanikal" na paggalaw. Ang mga halimbawa ng naturang mga tema ay: ang fugue theme mula sa unang bahagi ng Fourth Symphony, ang "toccata" mula sa Eighth, ang piano fugue theme Des-dur.

Sa ilang mga kaso, isinama ni Shostakovich ang melodic na mga liko na may pang-apat na intonasyon. Ito ang mga tema ng First Violin Concerto (ang pangalawang tema ng side part na Nocturne, Scherzo, Passacaglia); tema ng piano fugue B major; tema ng kilusan V (“Sa alerto”) mula sa Ika-labing-apat na Symphony; tema ng pag-iibigan "Saan nagmula ang gayong lambing?" sa mga salita ni M. Tsvetaeva at iba pa. Isinalin ni Shostakovich ang mga pariralang ito sa iba't ibang paraan, puspos ng isang tiyak na semantika na dumaan sa mga siglo. Ang ikaapat na galaw ay ang thematic grain ng liriko na melody ni Andantino mula sa Fourth Quartet. Ang mga galaw na katulad sa istraktura ay naroroon din sa scherzo, trahedya at heroic na tema ng kompositor, kaya nagkakaroon ng pangkalahatang kahulugan.

Ang mga tampok ng melodic, harmony at polyphony ng Shostakovich ay bumubuo ng isang synthesis sa larangan ng modal na pag-iisip. Kahit na si Rimsky-Korsakov ay wastong itinuro ang isa sa mga katangian ng pambansang tampok ng musikang Ruso - ang paggamit ng pitong hakbang na mga mode. Ipinagpatuloy ni Shostakovich ang tradisyong ito sa modernong yugto ng kasaysayan. Sa mga kondisyon ng Aeolian mode, ang fugue theme at Intermezzo mula sa Quintet op. 57; Ang tema mula sa unang bahagi ng Trio ay naglalaman din ng mga pariralang pinagmulan ng alamat. Ang simula ng Seventh Symphony ay kumakatawan sa isang halimbawa ng Lydian mode. Fugue C major mula sa cycle na "24 Preludes and Fugues" ay nagpapakita ng iba't ibang uri ng mga mode (ang fugue na ito ay hindi kailanman gumagamit ng mga itim na key).

Sa Shostakovich, kung minsan ang isang mode ay mabilis na nagbibigay daan sa isa pa, at ito ay nangyayari sa loob ng balangkas ng isang istruktura ng musika, isang tema. Ang pamamaraan na ito ay nagbibigay ng isang espesyal na personalidad. Ngunit ang pinakamahalagang bagay sa interpretasyon ng mode ay ang madalas na pagpapakilala ng mas mababang (mas madalas na mas mataas) na mga hakbang ng sukat. Kaya, sa proseso ng pagtatanghal, lumilitaw ang mga bagong mode, at ang ilan sa mga ito ay hindi ginamit bago ang Shostakovich. Ang ganitong mga istruktura ng modal ay ipinakita hindi lamang sa himig, kundi pati na rin sa pagkakaisa, sa lahat ng aspeto ng pag-iisip ng musikal (isang mahalagang dramatikong papel ang ginampanan ng isa sa mga mode na ito sa Eleventh Symphony, na tumutukoy sa istraktura ng pangunahing butil ng intonasyon ng buong cycle, pagkuha ng kahulugan ng leitintonation).

Bilang karagdagan sa iba pang mga ibinabang hakbang, ipinakilala ni Shostakovich ang mababang VIII (nasa mode na ito, kasama ang paglahok ng pangalawang mababang hakbang, na nilikha ang tema ng pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng Fifth Symphony). Ang VIII mababang hakbang ay nagpapatunay sa prinsipyo ng hindi pagsasara ng mga octaves. Ang pangunahing tono ng fret (sa halimbawang ibinigay ay ang tunog "d") ang isang octave na mas mataas ay tumigil sa pagiging pangunahing tono at ang oktaba ay hindi nagsasara. Ang pagpapalit ng purong oktaba para sa pinababang isa ay maaari ding mangyari kaugnay ng iba pang antas ng sukat.

Sa ilang mga kaso, ang kompositor ay gumagamit ng bitonality (ang sabay-sabay na tunog ng dalawang tonality). Mga katulad na halimbawa: isang episode mula sa unang paggalaw ng Second Piano Sonata; isa sa mga seksyon ng fugue sa ikalawang bahagi ng Ika-apat na Symphony ay nakasulat sa polytonally: apat na tonalities ang pinagsama dito - d-moll, es-moll, e-moll at f-moll.

Dapat pansinin na si Shostakovich ay gumawa ng mga kagiliw-giliw na pagtuklas sa larangan ng pagkakaisa. Halimbawa, sa ikalimang eksena ng opera na "Katerina Izmailova" (ang eksena kasama ang multo) mayroong isang chord na binubuo ng lahat ng pitong tunog ng diatonic series (isang ikawalong tunog sa bass ay idinagdag sa kanila). Sa pagtatapos ng pagbuo ng unang paggalaw ng Ikaapat na Symphony, mayroong isang chord na binubuo ng labindalawang iba't ibang mga tunog. Ang harmonic na wika ng kompositor ay nagpapakita ng mga halimbawa ng parehong napakahusay na kumplikado at, sa kabaligtaran, pagiging simple. Ang mga functional na simpleng harmonies ay naroroon sa cantata na "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang-bayan." Ang mga kagiliw-giliw na halimbawa ng maharmonya na pag-iisip ay ipinakita sa mga susunod na gawa, na pinagsasama ang makabuluhang kalinawan, minsan transparency, na may pag-igting. Sa pamamagitan ng pag-iwas sa mga kumplikadong polyphonic complex, hindi pinasimple ng kompositor ang mismong lohika ng harmonic na wika.

Si Shostakovich ay isa sa mga pinakadakilang polyphonist ng ika-20 siglo. Para sa kanya, ang polyphony ay isa sa napakahalagang paraan ng musikal na sining. Ang mga tagumpay ng kompositor sa lugar na ito ay nagpayaman sa kultura ng musika sa mundo; sa parehong oras, minarkahan nila ang isang bagong yugto sa kasaysayan ng polyphony ng Russia.

Tulad ng alam mo, ang pinakamataas na polyphonic form ay ang fugue. Gumawa si Shostakovich ng maraming fugues - para sa orkestra, koro at orkestra, quintet, quartet, piano. Ipinakilala niya ang form na ito hindi lamang sa mga symphonic cycle at chamber works, kundi pati na rin sa ballet (“Golden Age”) at musika sa pelikula (“Golden Mountains”). Ang kinikilalang tugatog sa larangan ng polyphonic thinking ay ang paglikha ng cycle na "24 Preludes and Fugues," na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Bach noong ika-20 siglo.

Kasama ng fugue, ginagamit ng kompositor ang sinaunang anyo ng passacaglia (isang episode mula sa opera na "Katerina Izmailova" - ang intermission sa pagitan ng mga eksena IV at V). Isinailalim niya ang sinaunang anyo na ito, tulad ng fugue form, sa paglutas ng mga problemang nauugnay sa sagisag ng modernong realidad. Halos lahat ng passacaglia ni Shostakovich ay kalunos-lunos at naglalaman ng mahusay na nilalamang humanistic.

Ang polyphony bilang isang pamamaraan ay ipinakita sa paraan ng pag-unlad ng maraming mga seksyon ng eksposisyon, ang pagbuo ng mga bahagi na kumakatawan sa isang sonata form. Ipinagpatuloy ng kompositor ang mga tradisyon ng Russian subvocal polyphony (choral poems "On the Street", "Awit", ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Tenth Symphony).

6. "Autographic" chord ng D. D. Shostakovich

Kamakailan lamang, lumitaw ang mga kagiliw-giliw na pag-aaral na nakatuon sa pagsusuri ng mode-harmonic na paraan ng musika ni Shostakovich, pati na rin ang kanyang "autobiographical" chord system. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito (mga chord na may mga linear na tono na lumilitaw sa ilalim ng ilang harmonic, linear-contrapuntal at metrhythmic na kondisyon) ay naging isa rin sa mga katangian ng estilo ng kompositor.

Sa mga pag-aaral na nakatuon sa musikal na wika ng Shostakovich, isang espesyal na lugar ang ibinibigay sa structural refraction ng dating nabuo na materyal, na bumubuo ng isang bagong kalidad ng tunog. Ito ay dahil sa mga espesyal na katangian ng komunikasyon ng musika ng kompositor. Ang pagtuon sa tagapakinig, katangian ng Shostakovich, ay nangangailangan ng katiyakan ng semantiko mula sa mga paraan ng musikal. Ang paunang pampakay na tema ay maaaring magbago nang malaki sa proseso ng pagtatanghal, ngunit, salamat sa pandinig na memorya, kinikilala at nagsisilbing isang pilosopikal at etikal na paraan ng paghahatid ng ideya ng sanaysay.

Ang kalidad ng "pagbabago ng kilala" ay ganap na ipinakita sa mga chord ni Shostakovich. Sa akda ni L. Savvina na "Shostakovich: mula sa pagkakatugma ng montage hanggang sa mga hilera ng labindalawang tono" ay nabanggit na "Sa maraming mga pagkakaiba-iba ng chord, binibigyang diin ni Shostakovich ang istrukturang kadaliang kumilos ng mga consonance, na nag-aambag sa pagbuo ng isang variant na multiplicity ng mga form ng chord: sila ay patuloy na nagbabago, nakakapasok, nagpaparamdam sa isa't isa, nawawalan ng katatagan at pagpapanatili." Ito ay nararapat na makita bilang impluwensya ng isang polyphonic complex ng mga paraan ng pagpapahayag. Ang mga pangkalahatang katangian ng pagkakaisa ni Shostakovich bilang polyphonic ay paulit-ulit na binanggit ng mga mananaliksik. Kaya, sinabi ni G. Kocharova na sa mga gawa ni Shostakovich "...Sa pamamagitan ng koordinasyon ng grupo ng mga boses sa texture, ang pangunahing batas ng polyphonic harmony ay gumagana - ang batas ng hindi pagkakaisa ng mga punto ng harmonic na konsentrasyon (sa mga tuntunin ng antas ng dissonance o sa functional na kahulugan). ...ang mga panandaliang "node", "unison", kung saan ang functional na kahulugan ng mga tono at mga elemento ng texture ay nagtutugma, ay kumakatawan sa isang uri ng pagkakatulad sa lumang uri ng mga cadence na "nag-ipon" ng enerhiya ng paggalaw ng mga boses sa klasikal polyphony.” Ito ay tiyak na may "cadancing" ng isang mataas na pagkakasunud-sunod, na may diin sa metro-ritmikong makabuluhang beat, na ang natatanging chord ng may-akda ni Shostakovich, na wala pang detalyadong paglalarawan sa panitikan, ay nauugnay. Ito ang chord na maaaring italaga bilang autographic.

Sinabi ni S. Nadler: “Ang autographic chords ni Shostakovich ay isang espesyal na paggamit ng mga linear na tono. Ang expression na napupunta sa diskarteng ito ay nagbubunga ng isang qualitatively different sound ng non-chord sounds, ginagawa silang umiral hindi lamang sa isang "iba't ibang tunog" kumpara sa iba pang mga tunog ng chord, ngunit sa isang "iba't ibang oras." Ito ay isang chord ng "non-verbal" microfunctions na nagpapahayag ng saloobin patungo sa lokal na tonic at sa parehong oras ay nakakaapekto sa sandali ng katotohanan, ang sandali ng pananaw." Maraming mga musicologist ang nagsasalita tungkol sa isang espesyal na uri ng pang-unawa at pagtatanghal ng "oras" na katangian ng musika ni Shostakovich.

Maaari nating tapusin na ang autographic chords ni Shostakovich ay nagmula sa isang polytemporal linear na kalikasan. Gaya ng sinabi ni E. Sokolova, "Kahit na ang mga triad ay madalas na binibigyang-kahulugan ng kompositor bilang dobleng tunog, ngunit may mga idinagdag na tono." Ang non-chord na tunog, na bumubuo ng isang kinakailangang bahagi ng naturang chord, ay binibigyang kahulugan sa isang dalawahang temporal na posisyon.

Sa unang pagkakataon, lumitaw ang mga chord ng may-akda ni Shostakovich sa unang bahagi ng kanyang pagkamalikhain. Naitala na ito sa opera na "The Nose" sa unang eksena (No. 2, number 23, volume 2 - ang figure ng mga string na binabalangkas ang perspektibo ng rehistro). Ang displacement ng tonal microcenter sa fragment na ito (mula sa tunog "A" sa "es") lumilikha ng "intonasyon sa malayo," at ang hitsura ng buong pigura sa simula ng isang bagong parirala ay nagbibigay-diin sa kahalagahan ng maharmonya na kaganapan. Ang hitsura ng mga chord ng may-akda ay dahil sa ang katunayan na ang episode na ito ay nagpapakita ng isang kumplikadong pananaw ng balangkas na may hiwalay na semantiko na katangian ng bawat linya. Ang "tragifarcical" na mga dramatikong sandali ng opera na "The Nose" ay kinakatawan ng mga chord ng may-akda: No. 9 ("Sa isang ekspedisyon sa pahayagan," numero 191, vol. 2), No. 11 ("Kovalyov's Apartment," numero 273 , tomo 2; numero 276, tomo 14). Ang patunay ng kahalagahan ng chord na ito ay ang konsentrasyon nito "sa paligid" ng pangunahing polyphonic number ng opera: ang Intermission sa pagitan ng ika-5 at ika-6 na eksena. Ang kaibahan ng isa pang uri ng chord na may polyphonic "penetration" sa lihim na kakanyahan ng mga kaganapan ay napaka katangian ng indibidwal na polyphonic poetics ni Shostakovich at ito ay bahagi ng pangkalahatang sistema ng kanyang polyphonic "hearing" ng mundo.

Noong unang bahagi ng 30s ng ika-20 siglo, sa opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk", ang papel ng mga chord ng may-akda ay tumaas nang malaki, na nauugnay sa pagnanais ng kompositor na mapansin sa isang bukas na trahedya na paraan, kumpara sa unang bahagi ng panahon. nang natakpan ang orihinal na trahedya ng pangitain ng mundo. Ang hangganan para sa pagbabago ng anggulo ng pagtingin sa mga kaganapan - mula sa nakakatawa hanggang sa trahedya - ay ang cycle na "Anim na Romansa sa Mga Tula ng Japanese Poets", na medyo "autographic" sa tunog. Sa siklo na ito, ang iba pang mga tampok ng estilo ni Shostakovich ay nagsisimulang bigyang-diin, na sa unang bahagi ng panahon ay umiral sa isang nakatagong anyo, at sa gitnang panahon ay nakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan. Una sa lahat, ito ay isang aktibong "monologization" ng musikal na pag-iisip at isang diin sa libreng metrical na pag-unlad ng pag-iisip. Ang mga katangiang ito ay nauugnay sa isang pangkalahatang pagbabago sa mood ng kompositor. Sa oras na ito, hindi lamang ang mga katangian ng pagsasalita ng isang musikal na salaysay ay hinahasa, ngunit ang kahalagahan ng trahedya na pananalita bilang isang paraan ng pagtugon sa nakikinig ay tumataas.

Sa gitnang panahon, ang mga chord ng may-akda ay magiging pangunahing "autograph" ng vertical ni Shostakovich. Bilang halimbawa, maaari nating banggitin ang chain ng cadence chords sa coda ng finale ng "borderline" sa pagitan ng maaga at gitnang yugto ng Fourth Symphony (mga numero 243 - 245). Ang pagtaas ng bahagi ng ganitong uri ng mga chord ay nauugnay sa pangkalahatang extroversion ng estilo sa musika ni Shostakovich mula 30s hanggang 50s (itinuturing ng mga mananaliksik na ang paglikha ng Eighth Symphony ang pinakatuktok ng panahong ito).

Salamat sa gayong mga chord, ang accent ng may-akda ng maraming mga gawa ay agad na nakikilala. Kasama sa mga pagbubukod, sa partikular, ang hindi natapos na opera na "Ang Mga Manlalaro," kung saan ang mga chord na ito ay hindi tumutugma sa pangkalahatang dramatikong linya at ganap na bumangon nang hiwalay sa pangkalahatang salaysay. Ang papel na ipinapalagay ni Shostakovich sa oras ng paglikha ng opera ("ang trahedya na makata ng ating panahon," sa mga salita ni I. Sollertinsky), "ay hindi pinahintulutan" ang pagpapatupad ng farcical plot. Ito ay hindi nagkataon na ang opera, na binubuo lamang ng ikatlong bahagi ng daan at nagtataglay ng hindi maikakaila na mga dramatikong merito at kamangha-manghang intriga sa musika, ay nanatiling hindi natapos. Mayroon ding mga komposisyon mula sa 50s na may medyo maliit na papel ng autographic chords ng may-akda. Halimbawa, ang unang paggalaw ng Symphony No. 11 (bago ang numero 1). Ang mga chord sa fragment na ito, ayon sa mga mananaliksik, ay walang espesyal na enerhiya na katangian ng musika ni Shostakovich at kadalasang nauugnay sa isang mas mataas na tunog. Gayunpaman, sa bahaging ito (sa numero 17) ang kalidad ng musikal na pagpapahayag ng may-akda na may cathartic na kahulugan ay nakuha (ang chord ng "may-akda" sa numero 18).

Sa mas malaking lawak, ang "pagpapahina" ng autographic chords ay katangian ng Symphony No. 12. Ang isang espesyal na autographic na tunog ay naging katangian ng patayong musika ng Shostakovich sa nakalipas na 15 taon. Ang isang makabuluhang pagbabago sa susunod na istilo ay may kinalaman sa mga awtorisadong chord. Sa lahat ng nakaraang panahon ito ay aktibong ginagamit. Madalas na lumilitaw, ang mga harmonic na "autograph", na naiiba sa pag-andar at acoustic sonority, ay may isang bagay na karaniwan na malinaw na nakikilala ng tainga bilang isang katangian ng accent ng may-akda: ang aktibidad at inisyal ng chord sa isang punto ng oras. Naipakita ito sa tekstura sa paraang kumilos ang chord ng may-akda sa "walang tao" na espasyong kontrapuntal. Tila tumagos ito sa buong tela, na naging isang patayong seksyon ng texture. Sa susunod na panahon, ang naturang chord ay nagiging madalang na pangyayari. Kapag siya ay lumitaw, siya ay nagiging passive, dahil ang lugar sa space-time continuum ay ginagamit mula sa posisyon ng ibang dramatikong kahulugan.

Kaya, ang mga signature chords ni Shostakovich ay isa sa mga pinaka makabuluhang tampok ng estilo. Ang pagkakaroon ng lumitaw sa mga unang gawa, ito ay sumasailalim sa mga pagbabago na katulad ng iba pang paraan ng pagpapahayag. Sa kabila ng mga pagbabagong pangkakanyahan, ang kalidad ng istilong ito ay gumaganap ng pangunahing papel nito sa kabuuan ng kanyang trabaho, na nag-indibidwal sa musikal na pananalita ni Shostakovich.

6. Ang ilang mga tampok ng sonata form

Si Shostakovich ay ang may-akda ng isang bilang ng mga sonata cycle, symphonic at chamber (symphony, concertos, sonatas, quartets, quintets, trios). Ang pormang ito ay naging partikular na mahalaga sa kanya. Ito ay pinaka malapit na tumutugma sa kakanyahan ng pagkamalikhain at nagbigay ng sapat na pagkakataon upang ipakita ang "dialectics ng buhay." Isang symphonist sa pamamagitan ng bokasyon, ginamit ni Shostakovich ang sonata cycle upang isama ang kanyang pangunahing mga malikhaing konsepto.

Para kay Shostakovich, ang mga sonata ay hindi bababa sa lahat ng isang pamamaraan na nagbubuklod sa kompositor ng akademikong "mga tuntunin." Binigyang-kahulugan niya ang istruktura ng sonata cycle at ang mga bahagi nito sa sarili niyang paraan.

Napansin ng maraming mananaliksik ang espesyal na papel ng mabagal na tempo sa mga unang bahagi ng mga siklo ng sonata. Ang hindi nagmamadaling pag-unlad ng musikal na materyal ay sumusunod kasama ng isang unti-unting konsentrasyon ng panloob na dinamika, na humahantong sa emosyonal na "mga pagsabog" sa kasunod na mga seksyon. Kaya, dahil sa paggamit ng isang mabagal na tempo, ang "zone" ng salungatan sa unang bahagi ng Fifth Symphony ay inilipat sa pag-unlad. Ang isang kagiliw-giliw na halimbawa ay ang Eleventh Symphony, kung saan walang isang kilusan na nakasulat sa anyo ng sonata, ngunit ang lohika ng pag-unlad nito ay naroroon sa mismong pamamaraan ng apat na bahagi na cycle (ang unang kilusan - Adagio - ay gumaganap ng papel ng prologue).

Dapat pansinin ang espesyal na tungkulin ng mga panimulang seksyon. May mga pagpapakilala sa Una, Ikaapat, Ikalima, Ikaanim, Ikawalo, Ikasampung Symphony. Sa Ikalabindalawang Symphony, ang introduction theme din ang tema ng pangunahing bahagi. Ang kaibahan sa pagitan ng mga tema ng isang eksposisyon sa Shostakovich ay madalas na hindi pa nagpapakita ng pangunahing salungatan. Ang pinakamahalagang elemento ng diyalektiko ay labis na nakalantad sa pag-unlad, na emosyonal na sumasalungat sa paglalahad. Kadalasan ang tempo ay bumibilis, ang musikal na wika ay nakakakuha ng a O mas mataas na intonation modal sharpness. Ang pag-unlad ay nagiging napaka-dynamic at kapansin-pansing matindi.

Minsan gumagamit si Shostakovich ng mga hindi pangkaraniwang uri ng mga pag-unlad. Kaya, sa unang bahagi ng Sixth Symphony, ang pagbuo ay binubuo ng mga pinahabang solo, tulad ng mga improvisasyon ng mga instrumento ng hangin. Sa unang bahagi ng Seventh Symphony, ang pagbuo ay bumubuo ng isang independiyenteng cycle ng variation (invasion episode).

Karaniwang dina-dinamize ng kompositor ang mga reprise na seksyon, na nagpapakita ng mga larawan sa mas mataas na emosyonal na antas. Kadalasan ang simula ng isang reprise ay tumutugma sa lugar ng pangkalahatang rurok.

Ang scherzo ni Shostakovich ay kumakatawan sa iba't ibang interpretasyon ng genre - tradisyonal (masayahin, nakakatawa, kung minsan ay may kabalintunaan). Ang iba pang uri ay mas tiyak: ang genre ay binibigyang-kahulugan ng kompositor hindi sa direkta nito, ngunit sa kondisyonal na kahulugan nito; ang saya at katatawanan ay nagbibigay-daan sa katawa-tawa, pangungutya, at madilim na pantasya. Ang artistic novelty ay wala sa anyo, hindi sa compositional structure; ang nilalaman, imahe, at mga paraan ng "paglalahad" ng materyal ay bago. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng isang scherzo ng ganitong uri ay ang ikatlong kilusan ng Eighth Symphony; Ang ganitong uri ng scherzo ay "pumapasok" din sa mga unang bahagi ng mga cycle ng Ikaapat, Ikalima, Ikapito, at Ikawalong symphony.

Matapang na pinagsasama ni Shostakovich ang trahedya at scherzo - hindi nagbabala, ngunit, sa kabaligtaran, nagpapatibay sa buhay - sa Ikalabintatlong Symphony.

Ang kumbinasyon ng iba't ibang at kahit na magkasalungat na mga elemento ng artistikong ay isa sa mga makabuluhang pagpapakita ng pagbabago ni Shostakovich.

Ang mabagal na paggalaw, na matatagpuan sa loob ng mga sonata cycle na nilikha ni Shostakovich, ay nagpapakita ng iba't ibang mga imahe. Kung ang scherzos ay madalas na sumasalamin sa negatibong bahagi ng buhay, kung gayon sa mabagal na paggalaw ay nagpapakita ng mga positibong larawan ng kabutihan, kagandahan, kalikasan, at kadakilaan ng espiritu ng tao. Tinutukoy nito ang etikal na kahalagahan ng musikal na pagmumuni-muni ng kompositor - kung minsan ay malungkot at mahigpit, kung minsan ay napaliwanagan.

Nalutas ni Shostakovich ang problema ng mga huling paggalaw sa iba't ibang paraan. Ang ilan sa mga finale nito ay nagpapakita ng hindi inaasahang interpretasyon (sa partikular, sa Thirteenth Symphony, ang una at penultimate na mga paggalaw ay trahedya, at sa finale ay may tawanan, at ang episode na ito ay napaka-organic sa pangkalahatang lohika ng cycle).

Ilang pangunahing uri ng symphonic at chamber finales ng Shostakovich ang dapat tandaan. Una sa lahat, may mga kabayanihan na pagtatapos, na nagsasara ng ilang mga siklo kung saan ang mga kabayanihan-tragic na tema ay ipinahayag. Ang ganitong uri ng huling kilusan ay nakita na sa Unang Symphony. Ang pinakakaraniwang mga halimbawa nito ay nasa Fifth, Seventh, at Eleventh Symphony. Ang finale ng Trio ay ganap na kabilang sa kaharian ng trahedya. Ang parehong ay totoo sa laconic huling kilusan ng Ika-labing-apat na Symphony.

Si Shostakovich ay may masasayang, maligaya na pagtatapos na malayo sa kabayanihan. Kulang sila sa mga larawan ng pakikibaka, pagtagumpayan ng mga hadlang; naghahari ang walang katapusang saya. Ito ang huling Allegro ng First Quartet, ang finale ng Sixth Symphony; Ang mga finale ng ilang mga konsiyerto ay dapat isama sa parehong kategorya, bagama't ang mga ito ay nalutas nang iba. Ang finale ng First Piano Concerto ay pinangungunahan ng katawa-tawa at buffooner; Ang Burlesque mula sa First Violin Concerto ay nagpapakita ng larawan ng isang katutubong pagdiriwang.

Ang partikular na tala ay ang mga liriko na pagtatapos. Kaya, sa finale ng Quintet op. 57, ng Sixth Quartet, ang mga liriko na pastoral na imahe ay masalimuot na pinagsama sa araw-araw na mga elemento ng sayaw. Ang mga hindi pangkaraniwang uri ng mga finale ay batay sa sagisag ng magkasalungat na emosyonal na mga globo, kapag sinasadya ng kompositor ang "hindi magkatugma." Ito ang mga finale ng Fifth at Seventh Quartets; ang finale ng Fifteenth Symphony "nakuha" polarity pagiging.

Ang paboritong diskarte ni Shostakovich ay bumalik sa mga finale sa mga kilalang tema mula sa mga nakaraang paggalaw. Ang mga ganitong episode ay madalas na kumakatawan sa mga climax zone. Kabilang sa mga naturang gawa ay ang mga finale ng Una, Ikawalo, Ikasampu, Ika-labing-isang Symphony.

Sa maraming pagkakataon ang anyo ng mga finale ay sonata o rondo sonata. Tulad ng sa mga unang bahagi ng mga cycle, malaya niyang binibigyang kahulugan ang istrukturang ito (pinaka malaya sa mga finale ng Ikaapat at Ikapitong symphony).

Si Shostakovich ay gumagawa ng kanyang mga sonata cycle nang iba, binabago ang bilang ng mga bahagi at ang pagkakasunud-sunod ng kanilang paghahalili. Pinagsasama nito ang mga katabing bahagi na tumatakbo nang walang pagkaantala, na lumilikha ng isang cycle sa loob ng isang cycle. Ang pagkahumaling sa pagkakaisa ng kabuuan ay nag-udyok kay Shostakovich na ganap na iwanan ang mga caesuras sa pagitan ng mga paggalaw sa Ika-labing-isang at Ikalabindalawang Symphony. Sa Ika-labing-apat na Symphony, ang kompositor ay lumihis mula sa pangkalahatang mga pattern ng anyo ng sonata-symphonic cycle, na pinapalitan ang mga ito ng iba pang nakabubuo na mga prinsipyo.

Ang pagkakaisa ng kabuuan ay ipinahayag sa Shostakovich din sa isang komplikadong, branched system ng leitmotif-intonation na mga koneksyon.

7. Ilang mga prinsipyo ng orkestrasyon

Mahalagang tandaan ang kahusayan ni Shostakovich sa larangan ng timbre dramaturgy. Si Shostakovich ay hindi nakatuon sa timbre na "pagpipinta", ngunit sa pagkilala sa emosyonal at sikolohikal na kakanyahan ng mga timbre, na iniugnay niya sa mga damdamin at karanasan ng tao. Kaugnay nito, ang istilo ng orkestra ni Shostakovich ay may pagkakatulad sa mga pamamaraan ng pagsulat ng orkestra nina Tchaikovsky, Mahler, at Bartok.

Ang orkestra ni Shostakovich ay, una sa lahat, isang orkestra ng trahedya, kung saan ang pagpapahayag ng mga timbre ay umabot sa pinakamalaking intensity. Ang symphonic at operatic na musika ay nagbibigay ng maraming mga halimbawa ng timbre embodiment ng mga dramatikong salungatan sa tulong ng tanso at mga string. Mayroong ganitong mga halimbawa sa mga gawa ni Shostakovich. Madalas niyang iugnay ang "kolektibong" timbre ng grupong tanso sa mga larawan ng kasamaan, pagsalakay, at pagsalakay ng mga pwersa ng kaaway. Ito ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Fourth Symphony, na ipinagkatiwala sa mga instrumentong tanso - dalawang trumpeta at dalawang trombone sa isang oktaba. Dinoble sila ng mga biyolin, ngunit ang timbre ng mga biyolin ay hinihigop ng malakas na tunog ng tanso. Ang dramatikong pag-andar ng tanso (pati na rin ang pagtambulin) sa pag-unlad ay malinaw na natukoy. Ang isang dinamikong fugue ay humahantong sa kasukdulan: ang tema ay tinutugtog ng walong sungay nang sabay-sabay, pagkatapos ay pumasok ang apat na trumpeta at tatlong trombone. Ang buong episode ay sumusunod sa isang battle rhythm na nakatalaga sa apat na instrumento ng percussion.

Ang parehong dramatikong prinsipyo ng paggamit ng seksyon ng tanso ay ipinahayag sa pagbuo ng unang paggalaw ng Fifth Symphony. Sinasalamin din ng brass dito ang negatibong linya ng musical dramaturgy. Mas maaga, sa eksibisyon, ang timbre ng mga string ay nangingibabaw. Sa simula ng pag-unlad, ang pinag-isipang muli na pangunahing tema, ngayon ang sagisag ng kasamaan, ay itinalaga sa mga sungay, pagkatapos ang tema ay lumipat sa mga trumpeta sa mababang rehistro. Sa kasukdulan, tatlong trumpeta ang tumutugtog sa parehong tema, na binago sa isang martsa. Ang mga ibinigay na halimbawa ay nagpapakita, sa partikular, ang dramatikong papel ng iba't ibang timbre at mga rehistro: ang parehong instrumento ay maaaring magkaroon ng magkaiba, kahit na kabaligtaran ng mga dramatikong kahulugan.

Ang grupo ng tanso ay minsan ay gumaganap ng ibang tungkulin, na nagiging tagapagdala ng isang positibong prinsipyo. Ang isang katulad na halimbawa ay ang huling dalawang paggalaw ng Fifth Symphony. Pagkatapos ng Largo, ang mga unang bar ng finale, na nagmamarka ng pagbabago sa symphonic na aksyon, ay minarkahan ng pagpapakilala ng mga instrumentong tanso, na naglalaman ng end-to-end na aksyon sa finale, na nagpapatunay ng malakas na kalooban na optimistikong mga imahe.

Tulad ng iba pang mga pangunahing symphonist, si Shostakovich ay bumaling sa mga string kapag ang musika ay kailangan upang ihatid ang matinding damdamin. Ngunit nangyayari rin na ang mga instrumento ng string ay gumaganap ng kabaligtaran na dramatikong pag-andar para sa kanya, na nagsasama, tulad ng mga instrumentong tanso, mga negatibong imahe. Nagiging malamig at malupit ang tunog. Mayroong mga halimbawa ng naturang sonority sa Ikaapat, Ikawalo, at Ika-labing-apat na symphony. Ito ay kung paano malinaw na ipinakita ang pamamaraan ng "alienation": ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe o sitwasyon at ang "disenyo" nito sa musika.

Para kay Shostakovich, ang papel ng mga instrumento ng pagtambulin ay napakahalaga. Ang mga ito ay pinagmumulan ng drama at nagdadala ng matinding panloob na tensyon sa musika. Ang pagkakaroon ng isang matalas na pakiramdam ng mga nagpapahayag na kakayahan ng mga indibidwal na instrumento ng pangkat na ito, ipinagkatiwala sa kanila ni Shostakovich ang pinakamahalagang solo. Kaya, na sa Unang Symphony ginawa niya ang timpani solo ang pangkalahatang paghantong ng buong cycle. Ang invasion sequence mula sa Seventh Symphony ay nauugnay sa ritmo ng isang snare drum. Sa Ikalabintatlong Symphony, naging leittimbre ang tunog ng kampana. Mayroon ding grupo at solo na mga yugto ng percussion sa Eleventh at Twelfth Symphony.

8. Ang gawain ni D. Shostakovich sa konteksto ng modernong musikal na sining

Ang istilong multidimensional na sining ng Shostakovich ay nagtatanghal ng isang musikal na "chronicle", na nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na musikal at pilosopikal na pag-aaral ng mga panlabas at panloob na mundo - mula sa makasaysayang, panlipunan at sikolohikal na pananaw. Ang patuloy na panggigipit sa ideolohiya, na nagdulot ng protesta at galit ng artista, ay nakahanap ng paraan, gaya ng nalalaman, sa marami sa mga pinaka-matinding parodies sa musika, na kasunod na inakusahan ng "formalism", "pagkalito", atbp. Ang nihilistic na saloobin ni Shostakovich patungo sa totalitarian system, na higit na tumutukoy sa nilalaman ng musika, isang espesyal na makasagisag na istraktura ng pagpapahayag ang nagpasiya sa gawa ng may-akda pangunahin sa larangan ng symphonic at chamber-instrumental na genre. Mahalaga na para sa lahat ng kritikal na mood at konsentrasyon ng trahedya sa musika, ang Shostakovich ay hindi maihihiwalay na nauugnay sa mga tradisyon ng "Panahon ng Pilak" - una sa lahat, ang romantikong paniniwala sa pagbabagong kapangyarihan ng sining. Ang pagmamana ng grotesqueness, ang ideya ng musikal na "pagdodoble", ang sikolohiya ng romantikong panahon, hindi siya kailanman tumawid sa linya masining.

Ang isa sa mga makasaysayang merito ng Shostakovich the Citizen ay na siya, na puwersahang hinila sa partido, sa kalaunan ay naging pinakamalakas na pigura na nagawang "ilabas ang susunod na henerasyon ng mga kompositor mula sa linya ng apoy."

Ang apela ni Shostakovich sa naka-quote na materyal (kabilang ang baroque at classical) ay hindi lamang isang masining, ngunit isang espesyal at etikal na kahulugan. Ang Lumikha, na nasa espirituwal na “pagkatapon,” ay bumaling sa musikal na tradisyon. Ito ang malikhaing gawain ng musikal na "pagmuni-muni" na kasunod na ipinagpatuloy ng mga neo-romantikong kompositor sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, at sa gayon ay bumubuo ng mga malalim na kakulangan sa espirituwal at personal na mga lugar.

Isinulat ng modernong musikero na si L. Ptushko: “...Ang pamarisan para sa sadyang hindi maliwanag na pagtatanghal ng nilalaman ng isang gawaing pangmusika ay kabilang din kay Shostakovich. Ginamit ang malawak na paggamit ng semantic binary na katangian ng mga istrukturang pangmusika at ang semantikong pagbabago ng "mga tema ng werewolf," ipinakita ng kompositor ang ideya ng "dualism" - isang hindi binabanggit na prinsipyo ng buhay ng Sobyet, ang pangunahing "sakit" ng lipunan - ang moral ambivalence ng Stalinist "teatro" ng kamatayan, kung saan ang naturang pagpapalit ng mga tungkulin ay naganap na may diabolical virtuosity ". At ang protesta ng kompositor na ito laban sa amateurism sa sining, ang pagkasira ng kultura at ang tunay na "pagkamatay ng may-akda" ay, tulad ng alam natin, ang pinakamahalagang tema ng musika ni Shostakovich.

Imaginative aesthetic kategorya ng kamatayan, na naging isang espesyal na simbolo ng postmodernity at konektado sa simula at katapusan ng siglo, ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa gawain ni Shostakovich. Ang Symphony No. 8, No. 11, No. 13, No. 14 ay nakatuon sa temang ito; "The Execution of Stepan Razin" at marami pang ibang gawa. Sa kanila, tila hinulaan ng may-akda ang mga trahedya sa hinaharap para sa isang lipunan na yurakan ang espirituwalidad nito at pinahintulutan itong maabot ang mass personal na debalwasyon. Ang pagtatanggol sa mga makatao na posisyon ng sining, ang kompositor hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay iginiit ang malikhaing kapangyarihan nito, na nagdidirekta sa musikal at pilosopikal na pag-iisip sa larangan ng eksistensyalismo (isang direksyon sa modernong pilosopiya at panitikan na nag-aaral ng pagkakaroon ng tao at nagpapatunay ng intuwisyon bilang pangunahing pamamaraan ng pag-unawa sa katotohanan).

Ang malikhaing landas ng kompositor, ayon sa isang bilang ng mga mananaliksik, ay nakadirekta mula sa layunin Upang subjective at pagpapalakas ng introvert na prinsipyo, sa pagtatapos ng buhay napagtanto ng artist ang pagkamalikhain bilang ang kahulugan ng buhay. Ito ay maaaring kumpirmahin sa pamamagitan ng apela ng kompositor sa mga susunod na vocal cycle sa mga walang hanggang tema sa tula ng M. Tsvetaeva, A. Blok, Michelangelo. Ang simbolismo ng mga musikal na elehiya ng "ginintuang" edad ng Pushkin-Glinka, na lumitaw sa "tahimik" na mga semantikong culmination ng Ika-labing-apat at Ikalabinlimang symphony, ay nagpapatotoo din sa marami. Ang mga fragment na ito ay nagpapakita ng lalim ng eksistensyal na pag-iral ng kompositor, na nag-aangat sa kanyang musikal na pagmuni-muni sa itaas ng kaguluhan ng kasalukuyan sa mundo ng kagandahan.

Nangaral ang kompositor lalim ng katotohanan sa sining, nag-uugnay sa mga panahon, oras at espasyo. Ang espirituwal na pagbabantay, katotohanan, sinadyang kamangmangan, at pagsuway sa karahasan ay minarkahan ang buhay at gawain ng maraming magagaling na artista noong ika-20 siglo - A. Akhmatova, M. Zoshchenko, atbp. Pag-sublimate sa mga detalye ng kulturang Ruso, ang relihiyoso at moral na kakanyahan nito, pangangaral ang katotohanan at ang pinakamataas na katarungan sa pamamagitan ng walang muwang na pagiging simple at asetisismo ng pagpapahayag; sa junction ng trahedya at komiks, ang tunay na sining ay inihayag.

Ang gawaing ito ay nagpapakita ng ilang mga aspeto ng malikhaing istilo ng mahusay na kompositor ng Russia noong ika-20 siglo D. D. Shostakovich - ipinahiwatig ang kanyang mga posisyon sa ideolohikal at ideolohikal; mga tampok ng mode-harmonic, polyphonic na pag-iisip, mga prinsipyo ng orkestrasyon, mga tampok ng sonata form, ang papel ng mga tradisyon. Ang mga aesthetic na katwiran para sa paggamit ng mga autobiographical chord ng kompositor ay ibinibigay din. Kasama rin sa gawain ang kumpletong listahan ng mga gawa ng may-akda.

Mga gawa ni Dmitry Dmitrievich Shostakovich ayon sa genre, na nagpapahiwatig ng pamagat, taon ng paglikha, genre/performer, na may mga komento.

Mga Opera

• The Nose (pagkatapos ng N.V. Gogol, libretto ni E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis at ang may-akda, 1928, na itinanghal noong 1930, Leningrad Maly Opera Theater)
• Lady Macbeth ng Mtsensk (Katerina Izmailova, pagkatapos ng N. S. Leskov, libretto ni Preis at ng may-akda, 1932, itinanghal noong 1934, Leningrad Maly Opera House, Moscow Musical Theater na pinangalanang V. I. Nemirovich-Danchenko; bagong edisyon noong 1956, nakatuon sa N. V. Shostakovich, staged noong 1963, Moscow Musical Theater na pinangalanang K. S. Stanislavsky at V. I. Nemirovich-Danchenko)
• Mga manlalaro (ayon kay Gogol, hindi natapos, pagtatanghal ng konsiyerto noong 1978, Leningrad Philharmonic)

Mga balete

• Ginintuang Panahon (1930, Leningrad Opera at Ballet Theater)
• Bolt (1931, ibid.)
• Bright Stream (1935, Leningrad Maly Opera House)

Komedya sa musika

• Moscow, Cheryomushki (libretto ni V. Z. Mass at M. A. Chervinsky, 1958, itinanghal noong 1959, Moscow Operetta Theater)

Para sa mga soloista, koro at orkestra

• oratorio Song of the Forests (mga salita ni E. Ya. Dolmatovsky, 1949)
• cantata Ang araw ay sumisikat sa ating Inang-bayan (mga salita ni Dolmatovsky, 1952)

Mga tula

• Tula tungkol sa Inang Bayan (1947)
• Ang pagbitay kay Stepan Razin (mga salita ni E. A. Yevtushenko, 1964)

Para sa koro at orkestra

• Himno sa Moscow (1947)
• Anthem ng RSFSR (mga salita ni S. P. Shchipachev, 1945)

Para sa orkestra

• 15 symphony (No. 1, F minor op. 10, 1925; No. 2 - Oktubre, na may huling koro sa mga salita ni A. I. Bezymensky, H major op. 14, 1927; No. 3, Pervomaiskaya, para sa orkestra at koro, mga salita ni S. I. Kirsanov, Es-major op. 20, 1929; No. 4, c-moll op. 43, 1936; No. 5, d-moll op. 47, 1937; No. 6, h-moll op. 54 , 1939; No. 7, C major op. 60, 1941, na nakatuon sa lungsod ng Leningrad; No. 8, C minor op. 65, 1943, na nakatuon sa E. A. Mravinsky; No. 9, Es major op. 70, 1945 ; No. 10, e-moll op. 93, 1953; No. 11, 1905, g-moll op. 103, 1957; No. 12-1917, na nakatuon sa memorya ni V. I. Lenin, d-moll op. 112, 1961; No. 13, b-moll op. 113, lyrics ni E. A. Evtushenko, 1962; No. 14, op. 135, lyrics ni F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. Kuchelbecker at R. M. Rilke, 1969, na inilaan sa B Britten, No. 15, op. 141, 1971)
• symphonic poem Oktubre (op. 131, 1967)
• Overture sa Russian at Kyrgyz folk themes (op. 115, 1963)
• Festive Overture (1954)
• 2 scherzo (op. 1, 1919; op. 7, 1924)
• Overture sa opera na "Christopher Columbus" ni Dressel (op. 23, 1927)
• 5 fragment (op. 42, 1935)
• Novorossiysk chimes (1960)
• Ang libing at pagtatagumpay na pasimula sa memorya ng mga bayani ng Labanan ng Stalingrad (op. 130, 1967)

Mga suite

• mula sa opera Nose (op. 15-a, 1928)
• mula sa musika para sa ballet na The Golden Age (op. 22-a, 1932)
• 5 ballet suite (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931)
• mula sa musika hanggang sa mga pelikulang Golden Mountains (op. 30-a, 1931)
• Pagpupulong sa Elbe (op. 80-a, 1949)
• Unang echelon (op. 99-a, 1956)
• mula sa musika hanggang sa trahedya na "Hamlet" ni Shakespeare (op. 32-a, 1932)

Konsiyerto para sa instrumento at orkestra

• 2 para sa piano (C minor op. 35, 1933; F major op. 102, 1957)
• 2 para sa biyolin (a-moll op. 77, 1948, na nakatuon kay D. F. Oistrakh; cis-moll op. 129, 1967, na nakatuon sa kanya)
• 2 para sa cello (Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966)

Para sa brass band

• Marso ng pulisya ng Sobyet (1970)

Para sa jazz orchestra

• Suite (1934)

Chamber instrumental ensembles

Para sa violin at piano

• sonata (d-moll op. 134, 1968, na nakatuon kay D. F. Oistrakh)

Para sa viola at piano

• sonata (op. 147, 1975)

Para sa cello at piano

• sonata (d-moll op. 40, 1934, na nakatuon kay V. L. Kubatsky)
• 3 piraso (op. 9, 1923-24)
• 2 piano trios (op. 8, 1923; op. 67, 1944, sa memorya ng I. P. Sollertinsky)
• 15 mga string. quartets (No. l, C-dur op. 49, 1938: No. 2, A-dur op. 68, 1944, dedicated to V. Ya. Shebalin; No. 3, F-dur op. 73, 1946, dedicated sa Beethoven Quartet; No. 4, D-dur op. 83, 1949; No. 5, B-dur op. 92, 1952, na nakatuon sa Beethoven Quartet; No. 6, G-dur op. 101, 1956; No. 7, fis-moll op. 108, 1960, na nakatuon sa alaala ni N. V. Shostakovich; No. 8, c-moll op. 110, 1960, na nakatuon sa alaala ng mga biktima ng pasismo at digmaan; No. Es-dur op. 117, 1964, na nakatuon kay I. A. Shostakovich ; No. 10, As-dur op. 118, 1964, na nakatuon sa M. S. Weinberg; No. 11, F-moll op. 122, 1966, bilang memorya ng V. P. Shirisky ; No. 12, Des-dur op. 133, 1968 , na nakatuon kay D. M. Tsyganov; No. 13, b-moll, 1970, na nakatuon kay V. V. Borisovsky; No. 14, Fis-dur op. 142, 1973, na nakatuon sa S. P. Shirinsky; No. 15, es-moll op. 144, 1974)
• piano quintet (g minor op. 57, 1940)
• 2 piraso para sa string octet (op. 11, 1924-25)

Para sa piano

• 2 sonata (C major op. 12, 1926; B minor op. 61, 1942, na nakatuon kay L. N. Nikolaev)
• 24 Preludes (op. 32, 1933)
• 24 Preludes and Fugues (op. 87, 1951)
• 8 Preludes (op. 2, 1920)
• Aphorisms (10 plays, op. 13, 1927)
• 3 kamangha-manghang sayaw (op. 5, 1922)
• Notebook ng mga Bata (6 na piraso, op. 69, 1945)
• Dances of the Dolls (7 piraso, walang op., 1952)

Para sa 2 piano

• concertino (op. 94, 1953)
• suite (op. 6, 1922, na nakatuon sa alaala ni D. B. Shostakovich)

Para sa boses at orkestra

• 2 pabula ni Krylov (op. 4, 1922)
• 6 na romansa batay sa mga salita ng mga makatang Hapones (op. 21, 1928-32, na nakatuon kay N.V. Varzar)
• 8 English at American folk songs sa mga teksto ni R. Burns at iba pa, isinalin ni S. Ya. Marshak (nang walang op., 1944)

Para sa koro at piano

• Panunumpa sa People's Commissar (mga salita ni V. M. Sayanov, 1942)

Para sa choir a cappella

• Sampung tula batay sa mga salita ng mga makatang rebolusyonaryo ng Russia (op. 88, 1951)
• 2 pagsasaayos ng mga awiting katutubong Ruso (op. 104, 1957)
• Fidelity (8 ballad sa lyrics ni E. A. Dolmatovsky, op. 136, 1970)

Para sa boses, violin, cello at piano

• 7 romansa sa mga salita ni A. A. Blok (op. 127, 1967)
• vocal cycle "Mula sa Jewish Folk Poetry" para sa soprano, contralto at tenor na may piano (op. 79, 1948)

Para sa boses at piano

• 4 na romansa sa mga salita ni A. S. Pushkin (op. 46, 1936)
• 6 na romansa sa mga salita nina W. Raleigh, R. Burns at W. Shakespeare (op. 62, 1942; bersyon na may chamber orchestra)
• 2 kanta sa lyrics ni M. A. Svetlov (op. 72, 1945)
• 2 romansa sa mga salita ni M. Yu. Lermontov (op. 84, 1950)
• 4 na kanta sa lyrics ni E. A. Dolmatovsky (op. 86, 1951)
• 4 na monologo sa mga salita ni A. S. Pushkin (op. 91, 1952)
• 5 romansa sa mga salita ni E. A. Dolmatovsky (op. 98, 1954)
• Mga Kantang Espanyol (Op. 100, 1956)
• 5 satires sa mga salita ni S. Cherny (op. 106, 1960)
• 5 romansa batay sa mga salita mula sa magazine na "Crocodile" (op. 121, 1965)
• Spring (mga salita ni Pushkin, op. 128, 1967)
• 6 na tula ni M. I. Tsvetaeva (op. 143, 1973; bersyon na may chamber orchestra)
• Suite Sonnets ni Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; bersyon na may chamber orchestra)
• 4 na tula ni Kapitan Lebyadkin (mga salita ni F. M. Dostoevsky, op. 146, 1975)

Para sa mga soloista, koro at piano

• pagsasaayos ng mga awiting katutubong Ruso (1951)

Musika para sa mga palabas sa teatro ng drama

• “The Bedbug” ni Mayakovsky (1929, Moscow, V. E. Meyerhold Theater)
• "Shot" ni Bezymensky (1929, Leningrad TRAM)
• “Birgin Land” nina Gorbenko at Lvov (1930, ibid.)
• "Pamahalaan, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.)
• Shakespeare's Hamlet (1932, Moscow, Vakhtangov Theater)
• “The Human Comedy” ni Sukhotin, pagkatapos ng O. Balzac (1934, ibid.)
• "Salute, Spain" ni Afinogenov (1936, Leningrad Drama Theater na pinangalanang Pushkin)
• Shakespeare's King Lear (1941, Leningrad Bolshoi Drama Theater na pinangalanang Gorky)

Musika para sa mga pelikula

• "Bagong Babylon" (1929)
• "Nag-iisa" (1931)
• "Golden Mountains" (1931)
• "Papalapit" (1932)
• "Pag-ibig at Poot" (1935)
• "Mga Girlfriend" (1936)
• "Kabataan ni Maxim" (1935)
• "Ang Pagbabalik ni Maxim" (1937)
• "Vyborg Side" (1939)
• "Mga araw ng Volochaevsky" (1937)
• "Mga Kaibigan" (1938)
• "Taong may Baril" (1938)
• "Great Citizen" (2 episodes, 1938-39)
• "Silly Mouse" (cartoon, 1939)
• "Ang Pakikipagsapalaran ng Korzinkina" (1941)
• "Zoe" (1944)
• "Ordinaryong Tao" (1945)
• "Pirogov" (1947)
• "Young Guard" (1948)
• "Michurin" (1949)
• "Pagpupulong sa Elbe" (1949)
• "Ang Di-malilimutang Taon 1919" (1952)
• "Belinsky" (1953)
• "Pagkakaisa" (1954)
• "Ang Gadfly" (1955)
• "Unang Eselon" (1956)
• "Hamlet" (1964)
• "Isang Taon Tulad ng Buhay" (1966)
• "King Lear" (1971), atbp.

Instrumentasyon ng mga gawa ng ibang mga may-akda

• M. P. Mussorgsky - mga opera na "Boris Godunov" (1940), "Khovanshchina" (1959), vocal cycle na "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan" (1962)
• opera "Rothschild's Violin" ni V. I. Fleishman (1943)
• mga koro A. A. Davidenko - "Sa ikasampung milya" at "Ang kalye ay nag-aalala" (para sa koro at orkestra, 1962)

Mga pangunahing gawa

15 symphony

Symphony No. 2 “Dedicated to October”

No. 3 "Pervomaiskaya"

No. 6 "Nakatuon sa alaala ni Lenin"

No. 7 "Nakatuon sa kinubkob na Leningrad.

No. 8 “Ang Dakilang Digmaang Patriotiko”

No. 9 "Araw ng Tagumpay"

(kabilang sa mga symphony na ito - ikapitong "Leningrad" symphony, ikalabing-isang "1905", ikalabindalawa "1917" sa memorya ng V.I. Lenin, ikalabintatlo para sa orkestra, koro at bass)

Opera "Katerina Izmailova"

Vocal-symphonic na tula na "The Execution of Stepan Razin"

Oratorio "Awit ng mga Kagubatan"

Concerto para sa violin, cello at piano na may orkestra

15 string quartets

Quintet para sa piano, dalawang violin, viola at cello

Trio para sa piano, violin at cello

24 preludes at fugues para sa piano

Mga vocal cycle, mga kanta (kabilang sa mga ito "Awit ng Mundo", "Awit tungkol sa Kontra")

Musika para sa mga pelikulang "Karl Marx", "Papalapit", "Hamlet", "Man with a Gun", "Young Guard" at marami pang iba.

Maikling tungkol sa pagkamalikhain

Sobyet na musikal at pampublikong pigura, kompositor, guro, pianista. Noong 1954 siya ay naging People's Artist ng USSR. Noong 1965 - Doctor of Art History, at noong 1966 - Bayani ng Socialist Labor. Miyembro ng CPSU mula noong 1960. Noong 1923 nagtapos siya sa Leningrad Conservatory kasama si L.V. Nikolaev, majoring sa piano, at noong 1925, kasama si M.O. Steinberg, majoring in composition. Bilang isang pianist, nagbigay siya ng mga konsiyerto. Ginampanan niya ang kanyang mga gawa habang nakikilahok sa mga ensemble. Noong 1927, ginawaran siya ng honorary diploma sa Warsaw sa 1st International Piano Competition. F. Chopin. Mula 1937 nagturo siya ng komposisyon (mula 1939 bilang isang propesor) sa Leningrad Conservatory, mula 1943 hanggang 1948 - sa Moscow Conservatory. Ang kanyang mga estudyante ay sina: K. S. Khachaturyan, K. Karaev, G. G. Galynin, R. S. Bunin, G. V. Sviridov, J. Gadzhiev, G. I. Ustvolskaya, O. A. Evlakhov, Yu. A. Levitin, B. A. Tchaikovsky, B. I. Tishchenko. Mula 1957 - Kalihim ng Union of Composers ng USSR, mula 1960 hanggang 1968 - Unang Kalihim ng Union of Composers ng RSFSR. Mula 1949 siya ay naging miyembro ng Soviet Peace Committee, mula 1942 - isang miyembro ng Slavic Committee ng USSR, at mula 1968 - isang miyembro ng World Peace Committee. Mula noong 1958 - Pangulo ng USSR Society - Austria. Honorary doctor ng maraming unibersidad, miyembro ng maraming foreign art academies. Noong 1954 natanggap niya ang International Peace Prize, noong 1958 - ang Lenin Prize. Nanalo siya ng USSR State Prize nang maraming beses: noong 1941, 1942, 1946, 1950, 1952 at 1968. Natanggap din niya ang State Prize ng RSFSR (noong 1974), ang Prize na pinangalanan. J. Sibelius (noong 1958), at noong 1976 - ang State Prize ng Ukrainian SSR.

Ang pagkamalikhain ni Shostakovich, magkakaiba at multifaceted sa mga genre, ay naging isang klasiko ng mundo at kulturang musikal ng Sobyet noong ika-20 siglo. Ang kahalagahan ni Shostakovich bilang isang symphonist ay lalong napakalaki. Sa kabuuan, lumikha siya ng 15 symphony at sa lahat ng mga ito ay malalim na mga konsepto ng pilosopikal, ang pinaka kumplikadong mundo ng mga karanasan ng tao, trahedya at matinding salungatan ay natanto. Naglalaman ang mga ito ng boses ng isang humanist artist na lumalaban sa kawalan ng hustisya at kasamaan sa lipunan. Nagawa ni Shostakovich na lumikha ng kanyang sariling natatanging at indibidwal na istilo, na ginagaya ang pinakamahusay na mga tradisyon ng dayuhan at Ruso na musika (L. Beethoven, P. I. Tchaikovsky, J. S. Bach, G. Mahler, M. P. Mussorgsky). Ang mga tampok ng kanyang istilo, tulad ng polyphonization ng texture, dinamika ng pag-unlad, banayad na liriko, madalas na may bahid ng kabalintunaan o katatawanan, hindi inaasahang matalinghagang pagbabago ng mga tema at kaibahan, ay lumitaw sa 1st symphony ng 1925. Ang symphony na ito ay nagdala ng katanyagan sa may-akda nito. At ang ika-4 (1936) at ika-5 (1937) symphony ay nagsasalita tungkol sa pagiging malikhain ni Shostakovich. Sa pamamagitan ng paraan, tinukoy mismo ng may-akda ang ideya ng huli bilang "pagbuo ng pagkatao" - mula sa madilim na mga kaisipan sa pamamagitan ng paglaban sa pangwakas na paninindigan ng buhay. Tulad ng para sa ika-7 symphony, na isinulat noong 1941, ito ay isang tunay na monumento sa kabayanihan ng mga taong Sobyet sa panahon ng Great Patriotic War. Sinimulan ni Shostakovich ang kanyang ikapitong symphony sa kinubkob na Leningrad, at inialay ito sa lungsod na ito. Ang dramatikong epekto ng symphony ay batay sa matinding tunggalian sa pagitan ng tema ng pasistang pagsalakay at tema ng Inang Bayan. Nagkaroon ng political resonance ang symphony sa buong mundo, dahil napuno ito ng passionate pathos ng pagtuligsa sa militarismo. Ang 8th Symphony, na binuo noong 1943, ay nauugnay din sa mga tema ng militar. Ito ang hinalinhan ng ilang mga komposisyon ni Shostakovich na inspirasyon ng kilusang pangkapayapaan. Ang 10th Symphony, na isinulat noong 1953, ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga diskarte sa pag-unlad at mga intonasyon ng kanta. Ang ika-11 at ika-12 symphony, na binuo ni Shostakovich noong 1957 at 1961, ayon sa pagkakabanggit, ay nakatuon sa mga tema ng Rebolusyon ng 1905 at ng Rebolusyong Oktubre ng 1917. Minarkahan nila ang turn ng kompositor sa programmatic. Ang ika-11 symphony ay umasa sa karanasan ng musika mula sa makasaysayang-rebolusyonaryong mga pelikula noong 30s, pati na rin ang karanasan ng "Sampung Tula" para sa koro batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makatang Ruso (1951). Ito ay batay sa mga himig ng aktwal na mga rebolusyonaryong kanta. Inialay ng kompositor ang ika-12 symphony kay Lenin. Ito ay nakatuon kay V.I. Lenin. Sa loob nito, inihayag ni Shostakovich ang tema ng pakikibaka ng bayan sa ngalan ng kaligayahan at kalayaan. Ang ika-13 symphony, na isinulat noong 1962 na may mga tula ni E., ay matatawag na symphony-oratorio. A. Yevtushenko. Siya ay poster-catchy sa musikal na wika. Ito ay nakatuon sa kasalukuyang mga problema ng moralidad ng sibil. Tinuligsa niya ang kakila-kilabot na mga krimen ng Nazism, ngunit sa parehong oras ay pinupuri ang katutubong katatawanan, pasensya at espirituwal na kagandahan ng babaeng Ruso, at hindi makasarili na paglilingkod sa katotohanan. Ang ika-14 na symphony ay hindi mas mababa sa mga monumental na symphony sa kanilang pilosopikal na pag-unawa at lawak ng saklaw ng mga phenomena sa buhay. Isinulat noong 1969 sa mga tula ni F. Garcia Lorca at iba pa, ito ay parang kamara sa sukat ng mga bahagi nito at ng kanilang komposisyon. Ang prototype ng gawaing ito, ayon kay Shostakovich, ay Mussorgsky's Songs and Dances of Death. Nagawa nitong ituon ang drama at katarantaduhan, madamdaming liriko at trahedya. Ang ika-15 symphony, na nilikha niya noong 1971, ay nagsasara sa ebolusyon ng huli na symphony ng kompositor. Sa bahagi, ito ay sumasalamin sa ilan sa kanyang mga naunang gawa. Ang motif ng kapalaran mula sa "Ring of the Nibelung" ni R. Wagner at mga panipi mula sa overture sa "William Tell" ni Rossini ay organikong kasama sa tela ng symphony.

Gumawa din si Shostakovich ng isang mahusay na kontribusyon sa pag-unlad ng musikal na teatro. Ngunit ang gawain ng kompositor sa lugar na ito ay walang pakundangan na nagambala ng mga artikulo ng editoryal ng pahayagan ng Pravda - "Ballet falsehood" (na may petsang Pebrero 6, 1936) at "Confusion sa halip na musika" (isinulat isang linggo bago, Enero 28, 1936). Ang mga gawa sa entablado ni Shostakovich ay lubos na naimpluwensyahan ni V. E. Meyerhold. Ang opera na "The Nose" ay ang orihinal na musical embodiment ng kwento ni N.V. Gogol. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng matapang na paggamit nito ng mga kumplikadong paraan ng modernong compositional technique, multifaceted at contrapuntal na paglikha ng ensemble at crowd scene, at mabilis na pagbabago ng mga episode. Ang pinakamahalagang palatandaan sa kasaysayan ng lahat ng sining ng opera, at sa gawain din ni Shostakovich, ay ang opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova", pagkatapos ng N. S. Leskov, 1932). Ang satirical sharpness sa paglalarawan ng mga negatibong karakter ay pinagsama sa kahanga-hanga, malupit na trahedya at espirituwal na lyrics. Ang pagiging malapit ng sining ni Shostakovich sa sining ng M. P. Mussorgsky ay napatunayan ng sikolohikal na lalim, kayamanan at katotohanan ng mga larawang pangmusika, at ang pangkalahatan ng mga intonasyon ng katutubong awit, lalo na sa pangwakas, sa paglalarawan ng mahirap na paggawa. Ang epikong lawak ng vocal-symphonic na tula na "The Execution of Stepan Razin" (sa mga salita ni Yevtushenko, 1964) ay sumasalamin sa nagpapahayag na paraan ni Mussorgsky at sa kanyang ideolohikal at aesthetic na mga utos. Lumilitaw din ang mga ito sa tema ng "maliit na tao" sa vocal cycle na "From Jewish Folk Poetry" (1948). Bilang karagdagan, si Shostakovich ang may pananagutan sa orkestra na edisyon ng mga opera na "Boris Godunov" (1940) at "Khovanshchina" (1959), pati na rin ang orkestrasyon ng vocal cycle na "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan" (1962). ni Mussorgsky. Ang mga pangunahing kaganapan para sa buhay musikal ng Sobyet ay ang hitsura ng ilang mga konsyerto para sa byolin, para sa piano, para sa cello at orkestra at maraming mga gawa sa silid ni Shostakovich. Kabilang dito ang 24 na preludes at fugues para sa piano (sa pamamagitan ng paraan, ito ang unang tulad ng cycle sa Russian music), 15 string quartets, isang piano quintet, isang trio sa memorya ng I. I. Sollertinsky, mga siklo ng mga romansa sa mga salita ni A. A. Blok, M. I. Tsvetaeva, A. S. Pushkin at Michelangelo Buonarroti.

Ang ilang mga gawa mula sa huling bahagi ng 40s - maagang 50s. (halimbawa, ang oratorio na "Awit ng mga Kagubatan" noong 1949; ang ikot ng boses sa mga salita ni Dolmatovsky noong 1951; ang cantata na "The Sun Shines Over Our Motherland" noong 1952) ay nailalarawan sa pamamagitan ng sadyang pagiging simple ng pagsulat. Ngunit maaari itong ipaliwanag nang simple: Ang pagnanais ni Shostakovich na sagutin ang mga akusasyon ng "anti-nasyonal na pormalismo" na ipinasa sa resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks "Sa opera na "The Great Friendship" ni V. Muradeli" na may petsang Pebrero 10, 1948. Ang mahabang trabaho ng kompositor sa sinehan ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglikha ng mga musikal na imahe, ang paggamit ng mga gumaganang mass revolutionary songs at urban folklore. Ito ang "The Golden Mountains" ng 1931, "The Counter" ng 1932 , ang trilogy tungkol sa Maxim ng 1935-1939, "The Man with a Gun" ng 1938- 1948, "The Young Guard" ng 1948, "The Gadfly" ng 1955. Ngunit ang musika ng mga susunod na pelikula ay nailalarawan sa pamamagitan ng symphonized na mga prinsipyo ng pag-unlad (“Hamlet” ng 1964 at “King Lear” ng 1971). na nanalo ng unibersal na pagkilala at nagkaroon ng malakas na epekto sa paglago ng mundo at sining ng musikal ng Sobyet.

Mga gawa: Operas - "The Nose" (pagkatapos ng N.V. Gogol, 1930, Leningrad), "Lady Macbeth of Mtsensk" ("Katerina Izmailova", pagkatapos ng N.S. Leskov, 1934, Leningrad, Moscow; bagong edisyon 1956, produksyon 1963, Moscow), "Mga Manlalaro" (pagkatapos ng Gogol, hindi natapos, pagtatanghal ng konsiyerto, 1978, Leningrad), mga ballet - "The Golden Age" (1930, Leningrad), "Bolt" (1931, ibid.), "Bright Stream" ( 1935, Leningrad, Moscow ), musikal na komedya "Moscow - Cheryomushki" (1959, Moscow); para sa orkestra, koro at soloista - oratorio "Song of the Forests" (mga salita ni E. A. Dolmatovsky, 1949), cantata "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan" (mga salita ni Dolmatovsky, 1952), "Tula tungkol sa Inang Bayan" (1947) , satirical cantata "Rayok" (lyrics ni L. N. Lebedinsky, circa 1960), "Execution of Stepan Razin" (lyrics by E. A. Yevtushenko, 1964), para sa orchestra at choir - "Anthem of the RSFSR" (lyrics by S. P. Shchipachev) , “Hymn to Moscow” (1947); para sa orkestra - 15 symphony (1925; "Oktubre", 1927; "May Day", 1929; 1936; 1937; 1939; 1941; 1943; 1945; 1953; 1905, 1957; 1969; 19697; 19697; 19697; 19697; 1) , "Festive Overture" (1954), symphonic poem "Oktubre" (1967), suites, overtures, atbp.; mga konsyerto na may orkestra - 2 para sa cello (1959, 1966), 2 para sa byolin (1948, 1967), 2 para sa piano (1933, 1957), chamber instrumental ensembles - sonatas para sa cello (1934) na may piano, para sa byolin (1968) , para sa viola (1975), 2 piano trio (1923, 1944), 15 string quartets (1938, 1944, 1946, 1949, 1952, 1956, 1960, 1960, 1964, 1964, 1976, 1976 4) , piano quintet (1940), para sa piano - 2 sonata (1926, 1942), 24 preludes (1933), 24 preludes at fugues (1951), atbp.; para sa koro a cappella - 10 tula batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makatang Ruso (1951), atbp.; 7 romansa sa mga salita ni A. A. Blok para sa cello, violin, boses at piano (1967), para sa boses at piano - vocal cycle na "From Jewish Folk Poetry" para sa contralto, soprano at tenor na may piano (1948), mga kanta at romansa sa mga salita ni M. Yu. Lermontov, A. S. Pushkin, M. I. Tsvetaeva, S. Cherny, W. Shakespeare, M. A. Svetlov, R. Burns at iba pa, suite Sonnets ni Michelangelo Buonarroti (para sa bass at piano, 1974) at iba pa, musika para sa mga pelikula, drama mga pagtatanghal sa teatro.

Mga Larawan ni Shostakovich.D.D.

(1906-1975).

Mahusay na kompositor ng Russia noong ika-20 siglo. Isang kababalaghan hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa kultura ng mundo. Ang kanyang musika ay ang pinaka kumpletong katotohanan tungkol sa kanyang panahon, na ipinahayag sa pamamagitan ng pagsulat. Ito ay ipinahayag hindi ng isang manunulat, ngunit ng isang musikero. Ang salita ay hindi kasama, hindi pinarangalan, ngunit ang mga tunog ay nananatiling libre. Kalunos-lunos. panahon – ang totalitarian na panahon ng kapangyarihang Sobyet. Prokofiev at Shostakovich - 2 henyo, musika. pantay-pantay ang mga pagkakataon. Prokofiev ay isang European henyo, at Shostak. - Sobyet, ang tinig ng kanyang panahon, ang tinig ng trahedya ng kanyang mga tao.

Ang pagkamalikhain ay multifaceted. Sinakop niya ang lahat ng genre at anyo ng kanyang panahon: mula sa kanta hanggang sa opera at symphony. Mahusay na nilalaman: mula sa magagandang trahedya na mga kaganapan hanggang sa mga pang-araw-araw na eksena. Ang kanyang musika ay isang pagtatapat sa unang tao, ipinahayag. at sermon. Mayroong pangunahing tema - ang pag-aaway ng mabuti at masama. Tragic na pang-unawa. Isang panahon na walang awa, nakakasira sa budhi. Nagpasya siya kung paano mabubuhay ang isang tao. Iba't ibang mukha ng kasamaan. May bagong pagkakatugma sa musika (chaos, dodecaphony). Estilo: musika XX siglo sa lahat ng paghihirap. Melodics ay hindi pangunahing sa ika-20 siglo, ito ay naging instrumental sa kalikasan.

Ang Shostakovich ay may 2 uri:

Mga himig na lumalawak- 5 symphony. 1 oras. PP.

Melodies sa lalim- 5 symphony 1 oras na GP.

Malawak na hanay, gumagalaw sa malawak na pagitan, pagkasira.

LAD - sarili nitong menor de edad, Phrygian minor na may ibinabang ika-2 at ika-4 na digri. Mula sa Russian musika mayroong ritmikong kalayaan - madalas na pagbabago ng metro. Ang mga imahe ng kasamaan ay mekanikal.

Polyphony - ang pinakamalaking polyphonist ng ika-20 siglo, bahagi ng paraan ng pagpapahayag ay mahalaga, pinalawak ang saklaw ng polyphony. Fugue, fugato, canon, passacaglia - prusisyon ng libing. Binuhay ni Shostakovich ang genre na ito. Fugue sa isang symphony, sa ballet, sa sinehan.

Ang symphony ni Shostakovich at ang papel nito sa musika. kultura ng ika-20 siglo. Mga isyu. Mga tampok na katangian ng drama at ang istraktura ng cycle.

Kababalaghan sa kultura ng mundo. Ginawa ng symphony si Shostakovich na isang mahusay na Ruso. kompositor, isang halimbawa ng moral na katatagan. Siya ay isang pilosopo, isang artista, at isang mamamayan. Symphony - instrumental. mga drama kung saan nakapaloob ang kanyang pag-unawa sa buhay.

Symphonic dramaturgy:

1h- nakasulat sa anyong sonata, ngunit sa mabagal na tempo. Ang kompositor ay nagsisimula sa pagmuni-muni, hindi sa aksyon. Nagsisimula ang salungatan sa pagitan ng pagkakalantad at pag-unlad. Ang kasukdulan ay ang katapusan ng pag-unlad, ang simula ng muling pagbabalik. Hindi tumpak ang muling pagpapalabas (Leningrad Symphony).

2h-scherzo ng 2 uri. 1) tradisyonal na kagalakan. walang muwang na musika.2) kasamaan - satire, dark fantasy.

3h-mabagal na poste ng mataas, mga larawan ng kabutihan, kadalisayan, minsan ay isang anyo ng passacaglia.

4h- finale, heroic character, grotesque, ironic, carnival, mas madalas na lyrical finales.

Symphony No. 1 F minor 1925. Isinulat sa edad na 19. Ito ay isang kaganapan sa loob ng bansa at sa ibang bansa.4 na bahagi. Ito ay kakaiba, kakaiba.1h sa sonata form. GP - magarbong martsa, PP - waltz. Matapos makapagtapos mula sa konserbatoryo, pumasok siya sa buhay ng Sobyet, simula. oras para sa mga eksperimento. Nagsulat ng musika. para sa mga pelikula, theatrical productions, nagsulat ng 2 symphony.

2nd symphony"Dedikasyon sa Oktubre."

3rd symphony"Pervomayskaya" - isang bahagi, na may mga koro sa mga tula ng mga makata ng Komsomol. Puno ng sigasig, ang kagalakan ng pagbuo ng isang bagong mundo.

2 ballet: "Golden Age", "Bolt"

Symphony

Opera "Lady Macbeth ng Mtsensk". Matagumpay itong itinanghal, pagkatapos ay nawasak, sila ay pinatalsik sa loob ng 30 taon, at ang symphony ay ipinagbabawal na gumanap. Ito ay isang punto ng pagbabago para kay Shostakovich. Nahati ang kanyang kamalayan.

D. Shostakovich. Symphony No. 5 sa D minor. Ang mga problema ng trabaho at ang pagsisiwalat nito sa conflict musical dramaturgy.

Symphony ng pagsisisi, pagwawasto. Muling binigyang-kahulugan ng mga kontemporaryo: "Tungkol sa kung paano nakikipagpunyagi ang isang tao sa kanyang mga pagkukulang at naghahanda para sa isang bagong buhay." Isinulat noong 1937. Ang petsa ay sumisimbolo sa rurok ng panunupil, ito ang tinig ng katotohanan. Tungkol sa kung paano sinusubukan ng isang tao na mapanatili ang kanyang kaluluwa sa malupit na mga kondisyon. Ang kanyang pinaka-klasikong symphony. 4 na paggalaw.

1 oras- sonata moderato. Vst.: energetic exclamations ng orkestra - ang tinig ng budhi. Ito ay tumatakbo sa buong symphony. Gl.p. – isang gumagala-gala na pag-iisip, na nagpupumilit sa paghahanap ng daan palabas. P.p. - contrast, lumalabas. Binuo - ang menacing stomp ng fo-no. Ang tempo ay mas mabilis, ang mga tema ay baluktot - isang pagtatangka na baluktutin ang buhay ng isang tao. Ayon sa prinsipyo ng pagtaas ng alon, mayroong isang galit na martsa sa tuktok ng huling alon. Matatapos ang 1 oras. maliit na code, ngunit napakahalaga. Naubos lahat ng lakas. Coda - isang pagod na hininga - isang tahimik, transparent na celesta. Pagkapagod.

2h.– scherzo-window, bukas. Isang pagtatangkang kalimutan ang lahat ng hirap ng buhay. Sayaw, mga ritmo ng pagmamartsa. Ang mga huling seksyon ay isang masayang serye ng mga ironic na sketch. Ang gitnang bahagi ay isang trio - solo violin - isang marupok, walang pagtatanggol na himig.

3h.–largo, bumalik sa pag-iisip. Sonata form na walang pag-unlad. Isang imahe ng awa, habag, pagdurusa. Isa sa mga tuktok ng kanyang pagkamalikhain ay Gopak - malalim, tunay na tao. Naaalala ko ang isang kanta: malungkot, kahanga-hangang v.p. , p.p. - isang malungkot na tinig ng isang tao, ang intonasyon ng panalangin, pagdurusa. Walang pag-unlad, ngunit isang reprise - kung ano ang malungkot ay nagiging galit, madamdamin.

4h.- ang pangwakas ay ang pinakapambihira, mapait, kakila-kilabot na bahagi ng simponya. Ang tawag nila sa kanya ay heroic. Nagsisimula ito sa D minor at nagtatapos sa D major. Ang pakikibaka ng isang tao sa labas ng mundo - dinudurog siya nito (kahit sinisira siya). Nagsisimula sa isang tremolo brass chord. Paano tunog ng timpani tulad ng mga beats? Larawan ng isang prusisyon, karamihan ng tao, pusa. Dinadala tayo nito nang may kakila-kilabot na puwersa.

D. Shostakovich. Symphony No. 7, C major, "Leningradskaya". Kasaysayan ng paglikha. Mga tampok ng software. Mga tampok ng dramaturgy na hugis muse ng part 1.

(1941). Ito ay isinulat nang napakabilis, dahil ang materyal at konsepto ay binuo bago ang digmaan. Ito ay isang sagupaan sa pagitan ng tao at ng hindi makatao. Nakumpleto ito sa Kuibyshev, kung saan naganap ang unang pagganap nito. 1st execution sa Leningrad, Agosto 9, 1942. Sa araw na ito, binalak ng mga Aleman na kunin ang lungsod. Ang iskor ay inihatid sa pamamagitan ng eroplano, si K. Iliasberg ang konduktor, at ang orkestra ay kinabibilangan ng mga pinakakaraniwang nabubuhay na tao. Ang symphony ay agad na nakakuha ng katanyagan sa buong mundo; naging simbolo ito ng katapangan ng tao. Ang symphony ay may 4 na bahagi, ang pinakasikat at perpekto ay 1 oras. Ang mga pamagat para sa bawat bahagi ay ipinaglihi, ngunit pagkatapos ay inalis.

1 oras– Sonat.f. Sa halip na pag-unlad - isang bagong yugto at isang malaking pagbabago na muling pagbabalik. Paglalahad– isang imahe ng isang mapayapa, makatwirang buhay ng tao; episode– pagsalakay, digmaan, kasamaan; muling pagbabalik– isang nawasak na mundo. GP – C major, pagmamartsa, pag-awit; PP – G – pangunahing liriko, tahimik, banayad, larawan ng kapayapaan ng isip, kaligayahan; episode - Nais kong bigyang-diin na ito ay ibang buhay, kaya ang pagbuo ng episode sa bagong materyal, sa anyo ng isang soprano ostinato, na sumasagisag sa kasamaan. Panay ang ritmo. E-flat major na walang mga deviation sa iba pang mga key. Ang paksa ay hangal, masama, walang pagbabago. Tema at 11 mga pagkakaiba-iba. Ito ay mga pagkakaiba-iba ng timbre, kung saan sa bawat pagkakaiba-iba ang tema ay nakakakuha ng mga bagong lilim, na parang mula sa pagiging walang mukha ay nagiging mayaman. Sa bawat pagkakaiba-iba siya ay nagiging mas kahila-hilakbot at hindi nakakatugon sa anumang pagtutol, tanging sa huling pagkakaiba-iba ay nakatagpo siya ng isang balakid at pumasok sa labanan. Nangyayari ang pagkasira; reprise - isang requiem para sa isang nasirang buhay. GP – C menor de edad, PP – panambitan sa libing. Bassoon solo. Binabago ng bawat sukat ang metro mula ¾-13/4. Ang lahat ng mga tema ay ganap na nabago. Ang bahagi ay tumatagal ng 30 minuto.

D. Shostakovich. Symphony No. 9, Es major. Mga problema, istraktura at musika. dramaturhiya.

(1945). Ang symphony ay inaasahang magiging isang ode sa tagumpay. Ngunit nagdulot ito ng pagkalito at hindi nakilala. Mapanlinlang ang symphony. Maikli, 20 min. Malalim, nakatago. Sa simula pa lang ang gaan at kalokohan ng musika.

1 oras– Sonata allegro. Ang GP ay isang masayahin, pilyong kanta, ang PP ay isang pilyo, mapaglarong kanta.

2h.-Moderato. Ang mga iniisip ng isang tao tungkol sa kinabukasan ay nag-iisa sa kanyang sarili.Sonata form na walang pag-unlad. 1 paksa – klarinete. Isang nakakaantig na pag-amin ng isang napaka-personal na kalikasan, pagkatapos ay idinagdag ang iba pang mga espirituwal na instrumento at isang pag-uusap ang naganap; Paksa 2 – nahuhulaan ang hinaharap, mga chromatic na galaw. Isang mapait na premonisyon, nakakatakot kung ano ang mangyayari sa hinaharap.

(3,4,5 na oras nang walang pagkaantala)

3h.– Presto. Bayanihang Scherzzo. Ang pakiramdam ng buhay na tumatakbo. Sereina - solo sa trumpeta - isang tawag sa dakila, maganda.

4h. - Largo. 4 trombones (instrumento ng kapalaran). Dumating ang isang tema kung saan naririnig ang tinig ng kapalaran at tao (ang tinig ng bassoon). Upang mabuhay, kailangan mong magpanggap, "magsuot ng maskara."

5h. - Mabilis na pagtatapos. Musika na may "mask face" ng ibang tao, ngunit napanatili ang buhay.

Sa symphony na ito, hinulaan ni Šrstakovich kung ano ang mangyayari sa kanya sa loob ng ilang taon. Pagkatapos ng symphony na ito, isang madilim na panahon ang darating, kung saan ang lahat ng musika ay nawasak. Pagkatapos ng ika-9, hindi siya sumulat ng isang symphony sa loob ng 8 taon.

Ang piano ay may mahalagang papel sa aking malikhaing tadhana. Ang kanyang unang mga impresyon sa musika ay nauugnay sa kanyang ina na tumutugtog ng instrumentong ito; ang kanyang mga unang komposisyon ng mga anak ay isinulat para sa piano, at sa konserbatoryo si Shostakovich ay nag-aral hindi lamang bilang isang kompositor, kundi pati na rin bilang isang pianista. Nagsimulang magsulat para sa piano sa kanyang kabataan, nilikha ni Dmitry Dmitrievich ang kanyang huling mga gawa sa piano noong 1950s. Maraming mga gawa ang nahiwalay sa bawat isa sa pamamagitan ng mga taon, ngunit hindi ito pumipigil sa amin na pag-usapan ang tungkol sa kanilang pagpapatuloy, tungkol sa pare-parehong ebolusyon ng pagiging malikhain ng piano. Nasa kanyang unang mga gawa, lumilitaw ang mga partikular na tampok ng pianism ni Shostakovich - lalo na, ang transparency ng texture kahit na naglalaman ng mga trahedya na imahe. Sa hinaharap, ang synthesis ng instrumental na prinsipyo na may vocal at speech, polyphony na may homophony ay nagiging lalong mahalaga.

Habang nag-aaral sa conservatory - noong 1919-1921. – Nilikha ni Dmitry Dmitrievich ang Limang Preludes para sa piano. Ito ay bahagi ng isang kolektibong gawaing ipinaglihi niya sa pakikipagtulungan sa dalawa pang kompositor ng mag-aaral, sina Pavel Feldt at Georgy Klemenets, na bawat isa ay gagawa ng walong prelude. Ang gawain ay hindi nakumpleto - labing walong prelude lamang ang isinulat, lima sa mga ito ay pag-aari ni Shostakovich. Ang kompositor ay bumalik sa ideya ng paglikha ng dalawampu't apat na prelude na sumasaklaw sa lahat ng mga susi pagkalipas ng maraming taon.

Ang unang nai-publish na paglikha ni Shostakovich ay ang Three Fantastic Dances, na isinulat ng kompositor noong 1921-1922. Ang mga sayaw ay may malinaw na tinukoy na batayan ng genre - martsa, waltz, gallop. Ang kaaya-ayang liwanag ay pinagsama sa mga nakakagulat na break sa melodies, at pagiging simple sa pagiging sopistikado. Ang petsa ng unang pagtatanghal ng mga Sayaw ay hindi pa naitatag, ngunit alam na ang unang gumanap ay ang may-akda mismo. Ang gawaing ito, na isinulat ng isang binata - halos isang tinedyer - ay tinatangkilik pa rin ang atensyon ng mga gumaganap ngayon. Ang indibidwal na istilo ng hinaharap na makabagong kompositor ay halata na sa Three Fantastic Dances - kaya sa kalagitnaan ng ikadalawampu siglo, si Marian Koval, na inakusahan ang kompositor sa mga pahina ng "Soviet Music" ng "decadence and formalism," itinuturing na kinakailangang banggitin ang gawaing ito.

Ang isang mahalagang milestone sa pag-unlad ng estilo ni Shostakovich ay ang Sonata No. 1, na nilikha noong 1926. Ang hindi kinaugalian ng trabaho ay hindi lamang nasa isang kilusan nito - at noong ika-19 na siglo ay nilikha ang one-movement sonatas (tandaan lamang ang paglikha) , Shostakovich dito ay inabanduna hindi lamang ang tonality, kundi pati na rin ang itinatag na mga scheme Sa anyo ito ay hindi gaanong sonata bilang isang pantasiya, kung saan ang mga tema at motif ay malayang nagpapalit-palit. Ang pagtanggi sa mga pianistikong tradisyon ng romantikismo, ang kompositor ay nagbibigay ng kagustuhan sa interpretasyon ng percussion ng instrumento. Ang sonata ay napakahirap itanghal, na nagpapatunay sa mahusay na pianistic na kasanayan ng lumikha. Ang gawain ay hindi nagdulot ng labis na kasiyahan sa mga kontemporaryo. Tinawag ito ng guro ni Shostakovich na si Leonid Nikolaev na "Sonata para sa metronom na may saliw ng piano," ang musicologist na si Mikhail Druskin ay nagsalita tungkol sa "isang malaking kabiguan sa creative." Mas pabor siya sa sonata (sa kanyang opinyon, ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang kanyang impluwensya ay nadama sa trabaho), ngunit kahit na nabanggit niya na ang sonata ay "kaaya-aya, ngunit malabo at mahaba."

Parehong makabago at sa maraming paraan na hindi maintindihan ng kanyang mga kontemporaryo ay ang piano cycle na "", na isinulat sa simula ng 1927. Dito, ang kompositor ay "nagtatalo" nang mas matapang sa mga tradisyon kahit na sa larangan ng paggawa ng tunog ng piano.

Ang piano ay nilikha noong 1942. Ang pangunahing paglikha na ito, na kabilang sa mature na panahon ng pagkamalikhain, ay maihahambing sa lalim ng nilalaman sa mga symphony na nilikha ni Shostakovich noong panahong iyon.

Tulad ni Sergei Sergeevich Prokofiev, nagbigay pugay si Shostakovich sa musika para sa mga bata sa kanyang gawaing piano. Ang unang gawain ng ganitong uri - "Children's Notebook" - ay nilikha niya noong 1944-1945. Ang mga anak ng kompositor - anak na si Maxim at anak na babae na si Galina - ay natutong tumugtog ng piano. Si Maxim ay gumawa ng mahusay na pag-unlad (na kalaunan ay naging isang konduktor), ngunit si Galya ay mas mababa sa kanyang kapatid kapwa sa kakayahan at sa kasipagan. Upang hikayatin siyang mag-aral nang mabuti, nangako ang kanyang ama na bubuo ng isang dula para sa kanya, at kapag natutunan niya itong mabuti, isa pa, atbp. Kaya't ipinanganak ang isang serye ng mga dulang pambata: "March", "Bear", "A Merry Tale ”, “Isang Sad Tale” , "Clockwork Doll", "Birthday". Ang anak na babae ng kompositor ay huminto sa kanyang pag-aaral sa musika, ngunit ang mga dula kung saan siya ang unang tagapalabas ay ginaganap pa rin ngayon ng mga mag-aaral ng mga paaralan ng musika. Ang isa pang gawain na tinutugunan sa mga bata, ngunit mas mahirap gawin, ay "Mga Sayaw ng mga Manika," kung saan ginamit ng kompositor ang pampakay na materyal mula sa kanyang mga ballet.