Pagtatanghal sa tema ng pagpipinta ng ika-20 siglo. Kultura ng unang kalahati ng ika-20 siglo: pamumulaklak o pagkasira

Antonova Yulia Alexandrovna

Proyekto ng pananaliksik - pagtatanghal sa pagpipinta ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo sa panitikan

I-download:

Preview:

Upang gamitin ang preview ng mga presentasyon, lumikha ng iyong sarili ng isang Google account (account) at mag-log in dito: https://accounts.google.com

Mga slide caption:

Pagpipinta ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo. K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. Vrubel Research project para sa isang aralin sa panitikan, 11th grade student na si Yulia Antonova; MKOU "Medvedskaya secondary school No. 17" ng distrito ng Efremovsky ng rehiyon ng Tula ". Guro Antonova Nadezhda Nikolaevna

Ang kulturang Ruso ay isa sa mga sanga ng makapangyarihang puno ng mundo karaniwang kultura ng tao. Ang mga artista ay masakit na naghahanap ng pagkakaisa at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Sa oras na ito ng "mga bisperas", ang mga inaasahan ng mga pagbabago sa buhay panlipunan ay nagbunga ng maraming uso, asosasyon, pagpapangkat, salungatan ng iba't ibang pananaw sa mundo at panlasa. Sa artistikong buhay ng Russia sa simula ng ika-20 siglo, ang mga asosasyon na "World of Art" at "Union of Russian Artists" ay may mahalagang papel. Isang bagong salita sa pagpasok ng siglo ang sasabihin ni K.A. Korovin, V.A. Serov at M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939) Mapagbigay na likas na matalino, si Korovin ay nakikibahagi sa parehong portrait at still life, ngunit ang kanyang paboritong genre ay nanatiling landscape. Dinala niya sa sining ang malakas na makatotohanang tradisyon ng kanyang mga guro mula sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture - Savrasov at Polenov, ngunit mayroon siyang ibang pananaw sa mundo, nagtatakda siya ng iba't ibang mga gawain. Ang kanyang mga French landscape, pinagsama sa pangalang "Paris Lights", ay medyo impresyonistikong pagsulat, na may pinakamataas na kultura ng etude. Mga matatalas at instant na impresyon ng buhay ng isang malaking lungsod: tahimik na mga kalye sa iba't ibang oras ng araw, mga bagay na natunaw sa isang maaliwalas na kapaligiran, na hinulma ng isang "nanginginig" na vibrating smear, isang stream ng mga stroke na lumilikha ng ilusyon ng isang kurtina ng ulan o urban na hangin na puspos ng libu-libong iba't ibang mga singaw ng hangin - mga tampok na nakapagpapaalaala sa mga tanawin ng Manet, Pissarro, Monet.

Paris. Boulevard ng Capucines. 1906 Hindi tulad ng mga artistang Pranses na kinikilala lamang ang "mga maliliwanag na kulay ng kalikasan, na ipinanganak ng araw", hinahangad niyang pumili hindi sa araw, ngunit kumplikadong pag-iilaw sa umaga at gabi, upang ipakita ang "katauhan ng lungsod, na nagbabago sa buong araw."

Paris sa gabi. Italian boulevard. 1908, Tretyakov Gallery Ito ay sinabi na para sa kapakanan ng kinang, Korovin espesyal na binili para sa gabi landscape napakamahal na mga pintura mula sa Swedish factory Blacks, na nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na kalidad at ningning. Sila ay, sa mga salita ng artist mismo, "mga tunay na paboreal."

Isda, alak at prutas. 1916 Napanatili ni Korovin ang parehong mga tampok ng impressionistic etude, kamangha-manghang kasiningan sa lahat ng iba pang mga genre, pangunahin sa portrait at still life, ngunit gayundin sa mga pandekorasyon na panel, sa inilapat na sining, sa theatrical scenery, na siya ay nakikibahagi sa buong buhay niya.

Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) ay isa sa pinakamahalagang artista, isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagsisimula ng siglo. Si Serov ay pinalaki sa mga kilalang pigura ng kulturang musikal ng Russia (ang ama ay isang sikat na kompositor, ang ina ay isang pianista), nag-aral kasama sina Repin at Chistyakov, pinag-aralan ang pinakamahusay na mga koleksyon ng museo sa Europa at, sa pagbalik mula sa ibang bansa, pumasok sa bilog ng Abramtsevo. ... Sa Abramtsevo, dalawang larawan ang isinulat, kung saan nagsimula ang kaluwalhatian ni Serov, na pumasok sa sining na may sariling, liwanag at patula na pananaw sa mundo. Ang kanyang "Girl with Peaches" (portrait of Verusha Mamontova, 1887, Tretyakov Gallery) at "Girl illuminated by the sun" (portrait of Masha Simanovich, 1888, Tretyakov Gallery) ay kumakatawan sa isang buong yugto sa Russian painting.

VA Serov "Girl with Peaches" Si Vera Mamontova ay nakaupo sa isang kalmadong posisyon sa mesa, ang mga peach ay nakakalat sa isang puting tablecloth sa harap niya. Siya mismo at ang lahat ng mga bagay ay ipinakita sa pinaka kumplikadong kapaligiran ng liwanag-hangin. Ang sikat ng araw ay bumabagsak sa tablecloth, sa mga damit, isang plato sa dingding, isang kutsilyo. Ang batang babae na inilalarawan na nakaupo sa mesa ay nasa organikong pagkakaisa sa lahat ng materyal na mundong ito, na kasuwato nito, ay puno ng mahalagang pangamba, panloob na paggalaw.

Batang babae na iluminado ng araw (Portrait of M. Ya. Simonovich). 1888 Ang mga prinsipyo ng plein air painting ay higit na ipinahayag sa larawan ng pinsan ng artist na si Masha Simanovich, na ipininta sa open air. Ang mga kulay dito ay ibinibigay sa isang kumplikadong pakikipag-ugnayan sa isa't isa, perpektong inihahatid nila ang kapaligiran ng isang araw ng tag-araw, mga reflexes ng kulay na lumilikha ng ilusyon ng mga sinag ng araw na dumudulas sa mga dahon. Umalis si Serov mula sa kritikal na realismo ng kanyang guro na si Repin patungo sa "poetic realism" (ang termino ng DV Sarabyanov).

Mga tampok ng pagkamalikhain Ang mga imahe ay napuno ng isang pakiramdam ng kagalakan ng buhay, isang maliwanag na pakiramdam ng pagiging, isang maliwanag na matagumpay na kabataan. Nakamit ito sa pamamagitan ng "magaan" na impressionistic na pagpipinta, paghubog ng mga form na may pabago-bago, libreng brushstroke, na lumilikha ng impresyon ng isang kumplikadong kapaligiran na may liwanag na hangin. Ngunit hindi tulad ng mga Impresyonista, hindi kailanman natutunaw ni Serov ang isang bagay sa kapaligirang ito upang ito ay mag-dematerialize, ang kanyang komposisyon ay hindi mawawala ang katatagan nito. Si Serov ay isang malalim na pag-iisip na artista, patuloy na naghahanap ng mga bagong anyo ng artistikong pagpapatupad ng katotohanan. Sa inspirasyon ng Art Nouveau, ang mga ideya ng pagiging patag at pagtaas ng dekorasyon ay makikita hindi lamang sa mga makasaysayang komposisyon, kundi pati na rin sa kanyang larawan ng mananayaw na si Ida Rubinstein, sa kanyang mga sketch para sa The Abduction of Europa at Odyssey at Navzicae. Mahalaga na sa pagtatapos ng kanyang buhay si Serov ay lumiliko sa sinaunang mundo. Sa isang mala-tula na alamat, na binibigyang-kahulugan niya nang malaya, sa labas ng mga klasikong canon, nais niyang makahanap ng pagkakaisa, ang paghahanap kung saan itinalaga ng artista ang lahat ng kanyang trabaho.

"The Abduction of Europa" Mahirap paniwalaan nang sabay-sabay na ang larawan ni Verusha Mamontova at "The Abduction of Europa" ay ipininta ng parehong master, si Serov ay napakarami sa kanyang ebolusyon mula sa impressionistic na pagiging tunay ng mga portrait at landscape ng 80-90s hanggang Art Nouveau sa mga makasaysayang motibo at komposisyon mula sa sinaunang mitolohiya.

Odysseus at Nausicaa. 1910 Isang araw, sa panahon ng isang bagyo, si Odysseus ay itinapon sa isang isla sa Dagat Mediteraneo, kung saan nakilala niya ang prinsesa na si Navzikaya, na naglalaba ng mga damit. Inutusan ng prinsesa na pakainin at inumin ang bayani, bigyan siya ng malinis na damit, dahil ang pagbabalik ng bayani ng Digmaang Trojan sa kanyang katutubong isla ng Ithaca ay mahaba at masakit.

Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) Ang mundo ng Vrubel ay isang panahon sa kasaysayan ng hindi lamang Ruso, kundi pati na rin ang kultura ng mundo. Nag-iwan si Vrubel ng mahigit 200 gawa. Kabilang sa mga ito ang mga portrait, painting, decorative panels, illustrations, sketch ng theater curtains, sculptural works, building projects, striking in scope and breadth of the creative range. Si Vrubel, na inspirasyon ng mga monumento ng nakaraan, ay nagtrabaho sa maraming paraan sa kanyang sariling paraan, at madalas na nagtrabaho bilang isang katumbas ng mga dakilang masters ng nakaraan. Halos lahat ng mga pangunahing artistang Ruso noong ika-20 siglo ay nakaranas ng malakas at pangmatagalang impluwensya ng Vrubel. Ang kanyang paraan ng pagsulat na may "multi-colored cubes" (ayon kay FI Chaliapin) ay minsan ay binibigyang kahulugan bilang ang hangganan ng Kubismo. Gayunpaman, si Vrubel, na pinatunayan sa kanyang gawain na ang isang malalim na pag-unawa sa kalikasan ay natural na nagpapahiwatig ng isang paglipat sa kabilang panig ng mga panlabas na anyo nito, ay nakatayo sa mga pinagmulan ng hindi isang partikular na direksyon, ngunit halos lahat ng mga avant-garde na paghahanap ng sining ng Russia ng ika-20 siglo.

Demonyo (nakaupo). 1890 Tretyakov Gallery. Kumuha ng mga ilustrasyon para sa "The Demon", hindi nagtagal ay lumayo siya sa direktang paglalarawan at noong 1890 ay nilikha niya ang kanyang "Demon Sitting" - isang gawa, sa katunayan, walang plot, ngunit ang imahe ay walang hanggan, tulad ng mga imahe ni Mephistopheles, Faust , Don Juan. Ang imahe ng Demonyo ay ang sentral na imahe ng lahat ng gawain ni Vrubel, ang pangunahing tema nito.

“Nakakaupo na Demonyo” Sa isang liham sa aking kapatid na babae na may petsang Mayo 22, 1890, mababasa natin: “Sa loob ng halos isang buwan na ngayon ay sinusulat ko ang Demonyo, iyon ay, hindi gaanong napakalaking Demonyo, na isusulat ko sa paglipas ng panahon, ngunit isang demonyong kalahating hubad, may pakpak, batang malungkot na nagmumuni-muni na pigura ay nakaupo, niyakap ang kanyang mga tuhod, sa likuran ng paglubog ng araw at tumitingin sa isang namumulaklak na parang, kung saan ang mga sanga ay nakaunat sa kanya, yumuyuko sa ilalim ng mga bulaklak. Ito ang painting na kilala bilang "The Seated Demon" - ang una sa isang malawak na demonic suite na kinabibilangan ng mga painting, drawing, at sculpture. Ang "Vrubel's Demon" ay isang nilalang na una sa lahat ay nagdurusa. Ang pagdurusa ay nananaig sa kanya sa kasamaan. Nakita ng mga kontemporaryo sa kanyang "Mga Demonyo" ang isang simbolo ng kapalaran ng isang intelektwal, isang romantikong, mapanghimagsik na sinusubukang tumakas mula sa pangit na katotohanan patungo sa surreal na mundo ng mga panaginip, ngunit bumagsak sa magaspang na makalupang katotohanan. Ang pananabik para sa musika ng isang buong tao ay ang kanyang panloob na tuning fork. Isang makapangyarihang katawan na may mahigpit na pagkakahawak ng mga kamay, na parang, "pinisil" ng isang makitid na pahabang parihaba ng canvas; ang elemental na kapangyarihan ng bayani ay nakatali sa mga kristal ng kamangha-manghang mga kulay; ang kanyang mukha ay nagtatago ng kadakilaan at sa parehong oras ng kahinaan ng tao. Ang titig ng Demonyo, na bumaling sa walang hanggang mga lihim ng kalikasan, ay nakadirekta sa malayo, kung saan ang pulang-pula-gintong paglubog ng araw ay bumabasag sa kadiliman ng kalangitan. Ang mosaic masonry ng light-bearing strokes ay lumilikha ng isang imahe ng napakagandang patula na mundo. Noong dekada 90, nang ang artista ay nanirahan sa Moscow, ang istilo ng pagsulat ni Vrubel, na puno ng misteryo at halos kapangyarihan ng demonyo, ay nabuo, na hindi maaaring malito sa iba pa. Nililok niya ang anyo tulad ng isang mosaic, mula sa matalim na "faceted" na mga piraso ng iba't ibang kulay, na parang kumikinang mula sa loob. Ang mga kumbinasyon ng kulay ay hindi sumasalamin sa katotohanan ng relasyon ng kulay, ngunit may simbolikong kahulugan. Lumilikha siya ng sarili niyang mundo ng pantasiya, na may kaunting pagkakahawig sa katotohanan.

"Lilac" 1900 Sa sakahan ng Ukrainian, kung saan ginugol ng artista ang tag-araw, nagngangalit ang mga lilac. Upang maiparating ang lilac na mundong ito sa canvas, pinili ni Vrubel ang isang late na oras, kung kailan ang mundo ang pumalit sa gabi. Ang hangin ay tila lumapot, nagiging lila, at ang malalaking bungkos ng mga bulaklak ay nagsisimulang kumikinang dito na parang nag-iisa. Ang isang malaking canvas, na ganap na puno ng mga bulaklak na ito na kumikinang sa background ng itim at berdeng mga dahon, sa una ay tila eksaktong lilac. Ngunit nakikita ng mata ng artista sa isang lilac na ulap ang isang napakagandang kayamanan ng mga kulay: ngayon ay malalim na lila, ngayon ay maputlang lila, ngayon ay kulay-pilak na asul, ang mga bulaklak ay tila magkatugma sa isa't isa. Sa harapan ay isang batang babae na nakalugay ang buhok, na parang lumulutang mula sa kailaliman ng isang palumpong. Marahil ang Kaluluwa ng isang lilac ay nagpakita kay Vrubel?

"Lilac" Ang mga magagandang tula ay isinulat ni Osip Mandelstam pagkatapos ng isa sa mga eksibisyon: Ang pintor ay naglarawan para sa amin Isang malalim na pagkahilo ng lila At matingkad na mga hakbang ng mga kulay Sa canvas, naglatag siya ng mga langib. Naunawaan niya ang kapal ng mantika - Ang kanyang inihurnong tag-araw na Pinainit ng Utak na Lila Lumaki sa pagkapuno.

"Flying Demon" 1899 Timing Paulit-ulit, ibinalik ni Vrubel ang kanyang mga iniisip sa kanyang Demonyo, nagpaplanong sulatan siyang lumilipad. Para sa pagpipinta na ito, pinili ng artist ang isang makitid, mahabang canvas. Ang kalawakan sa lupa ay umaabot nang napakalawak dito. Ang demonyo ay nakasulat sa malaking sukat, ang kanyang mukha, balikat, mabibigat na pakpak na may kulay-pilak na kinang ay napakalapit. At ang lupain - ang maniyebe na mga taluktok ng mga bundok, ang mga lambak, ang inilaan na guhit ng ilog - malayo sa ibaba. Ang artista, at kasama niya ang madla, na nakatingin sa kanya mula sa taas, na parang umaaligid sa tabi ng Demonyo.

"Upang gisingin ang kaluluwa na may mga marangal na larawan mula sa maliliit na bagay ng pang-araw-araw na buhay." Ang Demonyong ito ay may ganap na kakaibang mukha kaysa sa "Nakaupo": mapagmataas, hindi malapitan. Ngunit sa kanyang mga mata - pananabik, walang pag-asa na kalungkutan. Isinulat ni M.Yu ang tungkol sa kanyang paglipad sa kanyang tula. Lermontov: Ang buong mundo ng Diyos ay ligaw at kahanga-hanga; ngunit ang mapagmataas na espiritu Mapanghamak na tumingin sa paligid ng Nilalang ng kanyang Diyos, At walang naaninag sa kanyang mataas na noo ... Tinanggihan ng Diyos, ang Demonyo ay lumulutang nang mataas sa ibabaw ng lupa, kung saan wala siyang lugar, tulad sa langit. Iniwan ni Vrubel ang gawain na hindi natapos. Ang isang bagong ideya ay umuusbong na sa kanyang imahinasyon ... Ang trahedyang ito ng artistikong pang-unawa sa mundo ay tumutukoy din sa mga katangian ng larawan ng Vrubel: mental discord, breakdown sa kanyang self-portraits, alertness, halos takot, ngunit din marangal lakas, monumentality - sa larawan ng S. Mamontov (1897, Tretyakov Gallery) , pagkalito, pagkabalisa - sa fairytale na imahe ng The Swan Princess (1900, Tretyakov Gallery), kahit na sa kanyang maligaya na pandekorasyon na mga panel ng Spain (1894, Tretyakov Gallery) at Venice (1893). , RM). Si Vrubel mismo ang bumalangkas sa kanyang gawain - "upang gisingin ang kaluluwa na may mga marangal na larawan mula sa maliliit na bagay ng pang-araw-araw na buhay."

Natalo ang demonyo. 1902 State Tretyakov Gallery. Ang pinaka-trahedya na gawain ng Vrubel. At kung sa unang bahagi ng canvas ay nararamdaman natin ang kaguluhan ng kapanganakan, kung saan nabubuhay ang pag-asa, kung gayon sa talunang Demon ay naghahari ang kapahamakan. Walang kayamanan ng mga kulay, walang pattern ng mga palamuti ang nagtatago sa trahedya ng isang sirang personalidad, ang kanyang sirang pigura, na bumabagsak mula sa matataas na langit, ay kitang-kita na naghihirap, na nahahawa sa buong mundo sa kanyang paligid ng kagandahan ng huling paglubog ng araw.

“Larawan ni V.Ya. Bryusov ". 1906 Ang State Tretyakov Gallery ay hindi natapos Ganap na bulag, maaari siyang gumuhit ng isang silweta ng isang kabayo o ibang tao nang hindi inaalis ang kanyang kamay sa papel, ngunit ang pagtanggal ng kanyang kamay ay hindi siya maaaring magpatuloy - hindi siya makakita. Ang huling larawan na maaari niyang ipinta ay isang magandang larawan ng makata na si V. Ya. Bryusov. Ang mga impresyon ng makata sa pakikipagpulong kay Vrubel ay nahahati sa unang mahirap: "Pumasok ako nang hindi tama, mabigat na lakad, na parang hinihila ang aking mga paa ... isang mahina, may sakit na lalaki, sa isang maruming gusot na kamiseta. Siya ay may isang mapula-pula mukha; mga mata - tulad ng isang ibong mandaragit; nakausli ang buhok sa halip na balbas. Unang impression: baliw!" Ngunit pagkatapos ay sinabi ni Bryusov kung paano nagbago ang artist sa panahon ng kanyang trabaho. “Sa buhay, sa lahat ng galaw ni Vrubel ay may kapansin-pansing pagkabigo ... Ngunit sa sandaling kumuha ng uling o lapis ang kamay ni Vrubel, nakakuha siya ng pambihirang kumpiyansa at katatagan. Ang mga linyang iginuhit niya ay hindi mapag-aalinlanganan. Ang malikhaing puwersa ay nakaligtas sa lahat ng nasa kanya. Namatay ang tao, nawasak, patuloy na nabuhay ang panginoon."

V. Bryusov at A. Blok tungkol kay Vrubel Si Bryusov ay labis na nasiyahan sa larawan at nagbiro pa na siya ay nagsusumikap na maging katulad ng ipinakita ni Vrubel. Pagkatapos ay lumitaw ang magagandang tula: Mula sa isang mapanlinlang at sikat na buhay Ang pangarap mo ay umaakit sa iyo Sa kalawakan ng azure na langit O sa kailaliman ng tubig na sapiro. Kami ay hindi maabot, kami ay hindi nakikita, Sa pagitan ng mga hukbo ng nanlilisik na puwersa, Ang mga seraphim ay bumaba sa iyo Sa ningning ng maraming kulay na mga pakpak. Mula sa mga tore ng bansang kristal, Sunud-sunuran sa hindi kapani-paniwalang kapalaran, Tumingin ng palihim at malungkot Naiads, tapat sa iyo. At sa oras ng nagniningas na paglubog ng araw Sa pagitan ng walang hanggang mga bundok ay nakita mo Kung paano ang diwa ng kamahalan at mga sumpa ay Nahulog sa mga puwang mula sa isang taas. At doon, sa mataimtim na disyerto, Ikaw lamang ang nakaunawa hanggang sa dulo ng Nakabukang mga pakpak ang kislap ng mga paboreal At ang kalungkutan ng mukha ng Eden! Hinangaan ng mga simbolistang makata ang gawa ng artista, naunawaan nila at naaayon sa interpretasyon ng Demonyo, ang makasagisag na istilo ng mga akda. Si Alexander Blok, isang matagal nang tagahanga ng artista, na nagsasalita sa serbisyo ng pang-alaala, ay nagsabi: "Iniwan niya sa amin ang kanyang mga Demonyo, bilang mga spellcaster laban sa lilang kasamaan, laban sa gabi. Bago magbukas si Vrubel at ang kanyang mga kauri sa sangkatauhan minsan sa isang siglo, nanginginig lang ako. Hindi natin nakikita ang mga mundong nakita nila ”. Namatay si Mikhail Aleksandrovich Vrubel noong Abril 1 (14), 1910, 54 taong gulang. Ang agarang sanhi ng kamatayan ay pneumonia.

- isang pagtatanghal sa Moscow art complex, na nagpapatuloy sa temang "Art of the XX century". Ito ay isang pagtatangka na magbigay ng ideya ng iba't ibang mga uso sa European fine arts noong ika-20 siglo.

Pagpipinta ng XX siglo - isang bagong wika ng sining

Mga paglalarawan sa pagtatanghal "Pagpipinta ng XX siglo - isang bagong wika ng sining", ay magpapakilala sa iyo sa ilan sa mga pangunahing trend sa visual arts ng ika-20 siglo. Walang panahon ang nagbigay sa mundo ng kultura ng sining na kasing dami ng pangalan at likha ng ikadalawampu siglo. Kasama ng makatotohanang sining, na patuloy na umuunlad sa kabila ng mga tawag ng avant-garde na sirain ang lumang sining, may mga uso tulad ng fauvism, expressionism, futurism, cubism, abstractionism, surrealism at iba pa " mga isms". Ang bagong wika ng sining ay hindi naiintindihan ng marami, na kadalasang nagbubunsod ng galit o panlilibak. Ang mga pangunahing pagbabago sa buhay ng lipunan ay humantong sa pagsilang ng mga bagong anyo sa sining.

Bagong wika ng sining

Mayroon bang isang bagay na nagkakaisa sa maraming direksyon na ito sa pagpipinta? Ang pangunahing bagay, sa aking opinyon, ay ang pagnanais na lumikha ng mga bagong anyo, ang pagtanggi sa "lumang sining", ang pagkahilig na sirain ang mga tradisyon. Kaugnay nito, ang mga manifesto ng Dadaists at Futurists ay katangian, kung saan hinahangad nilang bigyang-katwiran ang hitsura ng mga nilikha, kadalasang nakakagulat at nagdudulot ng pagkalito at pagkagalit sa mga mahilig sa sining:

Manipesto ng Futurismo

1909, Italy, Filippo Marinetti

Mula sa Italya, ipinapahayag namin sa buong mundo itong marahas, mapanirang, nagniningas na manifesto namin. Sa manifesto na ito, itinatatag namin ang Futurism ngayon, dahil gusto naming palayain ang aming lupain mula sa fetid gangrene ng mga propesor, archaeologist, talkers at antique dealers ...

Museo - mga sementeryo! .. Sa pagitan ng mga ito, walang alinlangan, mayroong isang pagkakatulad sa madilim na pinaghalong maraming mga katawan, na hindi kilala sa bawat isa. Ang mga museo ay mga pampublikong silid-tulugan, kung saan ang ilang mga katawan ay nakatakdang magpahinga magpakailanman sa tabi ng iba, kinasusuklaman o hindi kilala. Ang mga museo ay walang katotohanan na mga katayan ng mga artista at eskultor na walang awang nagpapatayan sa bawat isa sa pamamagitan ng mga hagod ng kulay at linya sa arena ng mga pader! ...

Itaas mo ang iyong ulo! Ipinagmamalaki ang aming mga balikat, nakatayo kami sa tuktok ng mundo at muling hinahamon ang mga bituin!

Ang mga pintor ng ika-20 siglo ay hindi nagtakda sa kanilang sarili ng layunin ng pagsasalamin sa katotohanan, kumbinsido sila na

"Ang layunin ng sining − hindi naghahatid ng mga impresyon mula sa katotohanan, a ang imahe ay dumaan sa personalidad ng artista ng kanyang kalunos-lunos at magulong diwa na pagalit sa tao »

Ganito, halimbawa, ang sining ng mga Expressionist, na ang gawain ay malakas na naiimpluwensyahan ng mga kaganapang pampulitika sa Europa noong unang kalahati ng ika-20 siglo.

Arte ba ito?

Ang Manifesto ng Dada Cannibal

1918, Paris, Francis Picabia

“... Walang amoy si Dada, wala siya, wala, wala.

Kumusta ang iyong pag-asa: wala

tulad ng iyong makalangit na palumpong: wala,

tulad ng iyong mga idolo: wala,

tulad ng iyong mga asawa sa pulitika: wala,

tulad ng iyong mga bayani: wala,

tulad ng iyong mga artista: wala,

tulad ng iyong mga relihiyon: wala"

“Ang galing ng Dadaismo!!!

“Si Dad si Art! Ito, sa aking opinyon, ay isa sa mga uso na nagkaroon ng malakas na katanyagan; tinanggihan ng nakararami at, bilang kinahinatnan, namuhay ng mabagyo at maikling buhay.
Ang Dadaism ay isang monumento sa isang plastik na bote, ito ay mga kuwadro na may mga bagay na nakadikit dito ... Ito ay isang pilosopiko na kahangalan, ito ay isang hadlang, ito ay isang pagtanggi sa lahat ng klasiko at tinatanggap ng karamihan. Si Dada ang lahat at wala. Ito ay at hindi.
Lahat meron, pero hindi lahat tinatanggap. Marahil, may amoy si Dada: ang amoy ng mapaghimagsik na kagalakan, ang amoy ng walang hanggang paghahanap para sa walang katotohanan "

Upang maunawaan ang sining ng ika-20 siglo, na mahirap unawain at madalas na hindi tinatanggap ng marami, ay tutulungan ng isang kahanga-hangang pelikula na nilikha ng mga matatalinong tao (sa literal na kahulugan) ng Arzamas Academy:

Minsan, sa paghahanap ng mga bagong anyo sa sining, ang mga pintor ng ika-20 siglo ay nagkakait ng nilalaman na mauunawaan ng mga connoisseurs ng tradisyunal na sining, nakakagulat at nakakagulat sa manonood, gaya ng ginawa ng ilang Dadaista at surrealist.

Isa sa mga uri ng pamamaraan ng pagbuo ng XX siglo. Ang paraan ng komposisyon (theoretically binuo ni A. Schoenberg), kung saan ang musikal na tela ng isang piraso ay nagmula sa isang serye ng 12-tono ng isang tiyak na istraktura, at wala sa 12 tunog ng chromatic scale ang nauulit. Ang serye ay maaaring lumitaw sa parehong pahalang (sa anyo ng isang tema na melody), at patayo (sa anyo ng mga consonance), o pareho sa parehong oras. Ito ay lumitaw sa proseso ng pagbuo ng atonal na musika. Kilala ang iba't ibang uri ng mga diskarteng dodecaphonic. Sa mga ito, ang mga pamamaraan ng Schoenberg at J.M. Hauer ay nakakuha ng pinakamalaking kahalagahan. Ang kakanyahan ng pamamaraan ng dodecaphony ni Schoenberg ay nakasalalay sa katotohanan na ang mga melodic na tinig at harmonies na bumubuo sa isang partikular na akda ay ginawa nang direkta o sa huli mula sa isang solong pangunahing mapagkukunan - isang napiling pagkakasunud-sunod ng lahat ng 12 tunog ng chromatic scale, na binibigyang kahulugan bilang isang pagkakaisa . Ang pagkakasunod-sunod ng mga tunog na ito ay tinatawag na isang serye. Ang mga kinatawan ng dodecaphony ay sina Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg, J. M. Hauer, Hindemith, Igor Stravinsky, Shostakovich, Pierre Boulez, atbp.

Andrey Onufrievich BembelSi Andrey Bembel ay ipinanganak noong Oktubre 17, 1905 sa lungsod ng Velizh, Vitebsk
ruin, kung saan natanggap niya ang kanyang pangunahing edukasyon sa isang male gymnasium.
Mula 1924 hanggang 1927 nag-aral siya sa Vitebsk Art College sa ilalim ng Kerzin
M.A. , pagkatapos noong 1931 nagtapos siya sa Leningrad Academy of Arts.
Mula noong 1947 sa pagtuturo, isa sa mga organizer at ang una
mga guro ng Minsk Art School. Mula noong 1953 - sa Belarusian
Theatre at Art Institute. Tagapangulo ng Union of Artists ng BSSR.

Zair Isaakovich Azgur

Alexey Konstantinovich Glebov

Sergei Ivanovich Selikhanov

TRABAHO

Vladimir Ivanovich Zhbanov

Pinaka sikat na mga gawa

Ivan Yakimovich Misko

Gumagana sa larangan ng easel at monumental na iskultura. Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay astronautics at mga bayani nito.

PAGPIPINTA

Mikhail Andreevich Savitsky

paglikha

Danzig May Volfovich

Leonid Dmitrievich Schemelev

ARKITEKTURA