Ang huli na muling pagbabangon ng Italyano ay maikli. Mga yugto ng pag-unlad ng Italian Renaissance at ang kanilang mga katangian

Ang kultura ng Renaissance sa Italya ay dumaan sa ilang yugto ng pag-unlad. Ang kanilang mga hangganan ay minarkahan ng mga siglo - XIV, XV, XVI siglo. (sa Italian Trecento, Quattrocento, Cinquecento) at magkakasunod na mga hangganan sa loob ng mga ito.

Sa Italian Renaissance, ang mga sumusunod na pangunahing panahon ay karaniwang nakikilala: proto-renaissance(pre-Renaissance) - huling bahagi ng XIII-unang bahagi ng XIV na siglo. - isang transisyonal na panahon sa pagitan ng Middle Ages at ng Renaissance mismo; Maagang Renaissance - panahon mula sa kalagitnaan ng siglo XIV. hanggang mga 1475; mature, o Mataas na Renaissance - huling quarter ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo (quadrocento); at ang panahon ng XVI-unang bahagi ng XVII na siglo. - Huling Renaissance(cinquecento).

Sa kultura ng Italyano noong XIII-XIV na siglo. laban sa background ng malakas pa ring tradisyon ng Byzantine at Gothic, nagsimulang lumitaw ang mga tampok ng isang bagong sining - ang hinaharap na sining ng Renaissance. Samakatuwid, ang panahong ito ng kasaysayan nito ay tinawag na Proto-Renaissance (i.e., paghahanda sa pagsisimula ng Renaissance; mula sa Griyego"Protos" - "una"). Walang katulad na panahon ng paglipat sa alinman sa mga bansang Europeo. Sa Italy mismo, ang proto-Renaissance art ay umiral lamang sa Tuscany at Rome.

Ang yugto ng maagang humanismo ay natapos sa simula ng ika-15 siglo, na naglalagay ng isang programa para sa pagbuo ng isang bagong kultura batay sa studya humanitatis - isang malawak na hanay ng mga disiplinang makatao. Ipinatupad ni Quattrocento ang programang ito. Ang katangian para sa kanya ay ang paglitaw ng maraming mga sentro ng kultura ng Renaissance - sa Florence (nangunguna siya hanggang sa simula ng ika-16 na siglo) Milan, Venice, Roma, Naples at maliliit na estado - Ferrara, Mantua, Urbino, Bologna, Rimini . Ito ay paunang natukoy hindi lamang ang paglaganap ng humanismo at sining ng Renaissance sa lawak, kundi pati na rin ang kanilang pambihirang pagkakaiba-iba, ang pagbuo ng iba't ibang mga paaralan at mga uso sa loob ng kanilang balangkas. Noong ika-XV siglo. nabuo ang isang makapangyarihang kilusang makatao, na yumakap sa maraming aspeto ng kultural at panlipunang buhay ng Italya. Ang papel ng mga bagong intelihente sa istruktura ng lipunan at pag-unlad ng kultura ay tumaas nang malaki sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Mas kumpiyansa niyang iginiit ang kanyang posisyon sa sistema ng edukasyon, sa serbisyo publiko, sa larangan ng agham at panitikan, sining at arkitektura, sa kultural na konstruksyon sa pangkalahatan. Ito ay sa kanyang mga aktibidad na ang paghahanap at pag-aaral ng mga antigong monumento, ang paglikha ng mga bagong aklatan at mga koleksyon ng mga sinaunang gawa ng sining ay nauugnay, at sa simula ng pag-print ng libro sa Italya noong 60s ng ika-15 siglo. - at propaganda batay sa mga ideya ng Renaissance at mga prinsipyong ideolohikal.

Ang isang kapansin-pansing tampok ng panahon ay ang paghahanap para sa mga bagong anyo ng self-organization ng mga humanista, ang paglikha ng mga komunidad at akademya ng mga ito. Naapektuhan din ng mga bagong phenomena ang pag-unlad ng sining ng Renaissance sa mga art workshop (botteg) na nahulog mula sa mga lumang korporasyon ng bapor.

Sa pagtatapos ng siglo, ang kultura ng Renaissance ay sumakop na sa isang nangungunang posisyon sa maraming larangan ng espirituwal na buhay ng lipunan at sa sining. Ang impluwensya ng humanistic na edukasyon ay nagsimulang mag-iwan ng isang imprint sa isang bilang ng mga phenomena ng mga tao-lungsod, simbahan, marangal na kultura, kung saan, sa turn, ang kultura ng Renaissance mismo ay gumuhit.

Sa kulturang Italyano, ang mga katangian ng luma at bago ay magkakaugnay. "Ang huling makata ng Middle Ages" at ang unang makata ng bagong panahon, si Dante Alighieri (1265-1321), ay lumikha ng wikang pampanitikan ng Italyano. Ang gawain ni Dante ay ipinagpatuloy ng iba pang mahusay na Florentines ng XIV siglo - Francesco Petrarca (1304-1374), ang nagtatag ng European lyric poetry, at Giovanni Boccaccio (1313-1375), ang nagtatag ng genre ng nobela (maikling kuwento) sa panitikan ng mundo . Ang ipinagmamalaki ng panahon ay ang mga arkitekto at iskultor na sina Niccolo at Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio at ang pintor na si Giotto di Bondone.

Sa kultura ng Italian Renaissance, ang arkitektura at visual na sining ay sumasakop sa isang kilalang lugar. Noong ika-15 siglo, nalampasan ng Italya ang kasaganaan ng mga mahuhusay na master, ang saklaw at pagkakaiba-iba ng artistikong pagkamalikhain, at higit sa lahat, sa matapang na pagbabago nito. lahat ng iba pang bansa sa Europa. Ang sining ng Italyano ng Quattrocento ay nabuo sa loob ng balangkas ng mga lokal na paaralan. Sa arkitektura, nabuo ang mga paaralang Tuscan, Lombard, at Venetian, sa istilo kung saan ang mga bagong uso ay madalas na pinagsama sa mga lokal na tradisyon. Sa visual arts, pangunahin sa pagpipinta, ilang mga paaralan din ang nabuo - Florentine, Umbrian, North Italian, Venetian - na may sariling natatanging mga tampok na pangkakanyahan.

Ito ay sa masining na paglikha na ang bagong kultura ay natanto ang sarili nito nang may pinakadakilang pagpapahayag; ito ay sa sining na ito ay nakapaloob sa mga kayamanan kung saan ang panahon ay walang kapangyarihan. Harmony, ang kagandahan ay magkakaroon ng hindi matitinag na batayan sa tinatawag na golden ratio (ang terminong ito ay ipinakilala ni Leonardo da Vinci; nang maglaon ay ginamit ang isa pa: "divine proportion"), na kilala noong unang panahon, ngunit ang interes kung saan lumitaw nang eksakto noong ika-15 siglo. . kaugnay ng aplikasyon nito sa parehong geometry at sining, lalo na sa arkitektura. Ang Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng kagandahan, higit sa lahat ang kagandahan ng tao. Ang pagpipinta ng Italyano, na pansamantalang naging nangungunang anyo ng sining, ay naglalarawan ng magaganda, perpektong mga tao.

Pagpipinta Maagang renaissance kinakatawan ng pagkamalikhain Botticelli(1445-1510), na lumikha ng mga gawa sa relihiyoso at mitolohiyang paksa, kabilang ang mga kuwadro na "Spring" at "The Birth of Venus". Pangunahing arkitekto ng Maagang Renaissance - Brunelleschi(1377-1446). Sinikap niyang pagsamahin ang mga elemento ng sinaunang istilong Romano at Gothic, nagtayo siya ng mga templo, palasyo, kapilya.

Ang panahon ng Maagang Renaissance ay natapos sa pagtatapos ng ika-15 siglo, ito ay pinalitan ng Mataas na Renaissance - ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng makatao na kultura ng Italya. Noon ang mga ideya tungkol sa karangalan at dignidad ng tao, ang kanyang mataas na kapalaran sa Lupa ay ipinahayag nang may pinakadakilang pagkakumpleto at kapangyarihan. Ang mga Titan ng Mataas na Renaissance ay Leonardo da Vinci(1456-1519), Raphael Santi(1483-1520), ang huling dakilang kinatawan ng kultura ng High Renaissance ay Michelangelo Buonarotti(1475-1654). Giorgione (1477-1510) at Titian(1477-1576).

Ang Sining ng Mataas na Renaissance ay isang buhay na buhay at masalimuot na proseso ng artistikong may nakasisilaw na pagtaas at pagbaba at kasunod na mga krisis. Ang ginintuang edad ng sining ng Italyano ay ang edad ng kalayaan. Ang mga pintor ng High Renaissance ay nagtataglay ng lahat ng paraan ng imahe - isang matalas at matapang na pagguhit na nagpapakita ng isla ng katawan ng tao, kulay na naghahatid na ng hangin, at mga anino, at liwanag. Ang mga batas ng pananaw ay kahit papaano ay agad na pinagkadalubhasaan ng mga artista, na parang walang anumang pagsisikap. Ang mga numero ay lumipat, at ang pagkakaisa ay nakamit sa kanilang kumpletong pagpapalaya. Ang pagkakaroon ng pinagkadalubhasaan ang anyo, chiaroscuro, na pinagkadalubhasaan ang ikatlong dimensyon, ang mga artista ng Mataas na Renaissance ay pinagkadalubhasaan ang nakikitang mundo sa lahat ng walang katapusang pagkakaiba-iba nito, sa lahat ng mga kalawakan at mga lihim na lugar nito, upang maipakita ito sa amin nang hindi na sa fractional na detalye, ngunit sa isang malakas na paglalahat, sa buong ningning ng maaraw nitong kagandahan.

Ang panahon ng Italian Renaissance o ang Italian Renaissance, isang panahon ng kultura at ideolohikal na pag-unlad ng bansa mula sa katapusan ng XIII hanggang XVI siglo. isang bagong pinakamahalagang yugto sa pag-unlad ng kultura ng daigdig. Ang lahat ng uri ng sining ay umabot sa walang uliran na kasaganaan sa panahong ito. Ang interes sa tao sa panahon ng Renaissance ay nagpasiya ng isang bagong ideyal ng kagandahan.

Sa kasaysayan ng sining, ginagamit ang mga pangalan ng Italyano noong mga siglo, kung saan bumagsak ang pagsilang at pag-unlad ng sining ng Renaissance ng Italya. Kaya, ang ika-13 siglo ay tinatawag na duchento, ang ika-14 - trecento, ika-15 - quattrocento, ika-16 - cinquecento.

Ipinatupad ni Quattrocento ang programang ito. Ang katangian para sa kanya ay ang paglitaw ng maraming mga sentro ng kultura ng Renaissance - sa Florence (siya ang nangunguna hanggang sa simula ng ika-16 na siglo) Milan, Venice, Roma, Naples.

Sa arkitektura, isang partikular na malaking papel ang ginampanan ng apela sa klasikal na tradisyon. Ipinakita nito ang sarili hindi lamang sa pagtanggi sa mga anyo ng Gothic at ang muling pagkabuhay ng sinaunang sistema ng pagkakasunud-sunod, kundi pati na rin sa klasikal na proporsyonalidad, sa pagbuo ng isang sentrik na uri ng mga gusali sa arkitektura ng templo na may madaling nakikitang espasyo sa loob. Lalo na maraming mga bagong bagay ang nilikha sa larangan ng sibil na arkitektura. Sa panahon ng Renaissance, ang mga multi-storey na gusali ng lungsod (mga bulwagan ng bayan, bahay ng mga merchant guild, unibersidad, bodega, pamilihan, atbp.) ay nakakuha ng mas eleganteng hitsura, isang uri ng palasyo ng lungsod (palazzo) ang lumilitaw - ang tirahan ng isang mayamang burgher, pati na rin ang isang uri ng country villa. Ang mga isyu na may kaugnayan sa pagpaplano ng mga lungsod ay nireresolba sa isang bagong paraan, ang mga sentro ng lunsod ay muling itinatayo.

Ang sining ng Renaissance ay nahahati sa apat na yugto:

Proto-Renaissance (huli XIII - I kalahati ng XIV siglo),

Maagang Renaissance (II kalahati ng XIV - unang bahagi ng XV siglo),

Mataas na Renaissance (katapusan ng ika-15 siglo, ang unang tatlong dekada ng ika-16 na siglo),

Late Renaissance (kalagitnaan at ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo)

PROTORENESSANCE.

Ang kulturang Italyano ay nagtatamasa ng napakatalino na pagtaas. Ang pagbuo ng proto-Renaissance tendencies ay nagpatuloy nang hindi pantay. Ang isang tampok ng arkitektura ng simbahan ng Italyano ay ang pagtayo ng mga domes sa intersection ng central nave at transept. Kabilang sa mga pinakatanyag na monumento ng Italian version na ito ng Gothic ay ang katedral sa Siena (XIII-XIV na siglo) Sa kulturang Italyano, ang mga katangian ng luma at bago ay magkakaugnay. Sa arkitektura, iskultura at pagpipinta, ang mga kilalang master na naging pagmamalaki ng panahon ay sumulong - sina Niccolo at Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, na ang gawain ay higit na tinutukoy ang karagdagang pag-unlad ng sining ng Italyano, na naglalagay ng mga pundasyon para sa renewal.

Niccolo Pisano - Ang pulpito ng puti, rosas-pula at madilim na berdeng marmol ay isang buong istraktura ng arkitektura, na madaling makita sa lahat ng panig. Ayon sa tradisyon ng medyebal, sa mga parapet (sa mga dingding ng pulpito) ay may mga kaluwagan na naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay ni Kristo, sa pagitan nila ay ang mga pigura ng mga propeta at mga alegorikal na birtud. Ang mga haligi ay nakapatong sa likod ng mga nakahiga na leon. Ginamit ni Niccolo Pisano ang mga tradisyunal na plot at motibo dito, gayunpaman, ang upuan ay kabilang sa isang bagong panahon.

Roman School (Pietro Cavallini (sa pagitan ng 1240 at 1250 - mga 1330)

paaralang Florentine (cimabue)

Paaralan sa Siena (Ang sining ng Siena ay minarkahan ng mga tampok ng pinong pagiging sopistikado at pandekorasyon. Ang mga manuskrito na may larawang Pranses at mga gawa ng artistikong sining ay pinahahalagahan sa Siena. Noong XIII-XIV siglo, isa sa mga pinaka-eleganteng katedral ng Italian Gothic ay itinayo dito , sa harapan kung saan nagtrabaho si Giovanni Pisano noong 1284-1297 .)

SINING NG MAAGANG RENAISSANCE

isang mapagpasyang punto ng pagbabago ang nagaganap sa sining ng Italya. Ang paglitaw ng isang makapangyarihang sentro ng Renaissance sa Florence ay nangangailangan ng pagpapanibago ng buong kulturang artistikong Italyano.

Isang pagliko patungo sa realismo. Naging nangungunang sentro ng kultura at sining ang Florence. Tagumpay ng Bahay ng Medici. Noong 1439. itinatag ang Platonic Academy. Laurentian Library, Medici Art Collection. Isang bagong pagpapahalaga sa kagandahan - isang pagkakahawig sa kalikasan, isang pakiramdam ng proporsyon.

Sa mga gusali, ang eroplano ng dingding ay binibigyang diin. Ang materyalidad ng Bruneleschi, Alberti, Benedetto da Maiano.

Si Filippo Brunelleschi (1337-1446) ay isa sa pinakadakilang arkitekto ng Italya noong ika-15 siglo. Binubuo nito ang istilo ng Renaissance. Ang makabagong papel ng master ay napansin ng kanyang mga kontemporaryo. Nakipaghiwalay sa Gothic, hindi umaasa si Brunelleschi sa mga klasikal na klasiko kundi sa arkitektura ng Proto-Renaissance at sa pambansang tradisyon ng arkitektura ng Italyano, na nagpapanatili sa mga elemento ng mga klasiko sa buong Middle Ages. Ang gawain ni Brunelleschi ay nakatayo sa pagliko ng dalawang panahon: sa parehong oras nakumpleto nito ang tradisyon ng Proto-Renaissance at naglalagay ng pundasyon para sa isang bagong landas sa pag-unlad ng arkitektura.

Donatello (1386-1466) - ang dakilang Florentine sculptor na tumayo sa pinuno ng mga masters na minarkahan ang simula ng kasagsagan ng Renaissance. Sa sining ng kanyang panahon, kumilos siya bilang isang tunay na innovator. Si Donatello ang una sa mga masters ng Renaissance na nagawang lutasin ang problema ng isang matatag na setting ng figure, upang maihatid ang organikong kabuuan ng katawan, ang kabigatan nito, ang masa. Isa siya sa mga unang gumamit ng teorya ng linear na pananaw sa kanyang mga gawa.

HIGH REVIVAL

Ito ang oras ng pinakamalapit na pakikipag-ugnayan ng iba't ibang larangan ng artistikong at intelektwal na pagkamalikhain sa batayan ng pinagsama-samang komunidad ng mga bagong posisyon sa pananaw sa mundo, at iba't ibang uri ng sining - sa batayan ng isang bagong istilo na naging karaniwan para sa kanilang buong grupo. Ang kultura ng Renaissance sa oras na ito ay nakakuha ng walang uliran na kapangyarihan at malawakang pagkilala sa lipunang Italyano.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Ang nagtatag ng mataas na Renaissance. Para sa kanya, ang sining ay ang kaalaman ng mundo. Malalim na mga pagtutukoy. Mga pangkalahatang porma. Isang mahusay na siyentipiko.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Iskultor, pintor, arkitekto

Noong 1508, inimbitahan ni Pope Julius II si Michelangelo na ipinta ang kisame ng Sistine Chapel

LATE RENAISSANCE

masters ng late Renaissance - Palladio, Veronese, Tintoretto. Nagrebelde si Master Tintoretto laban sa mga itinatag na tradisyon sa visual arts - ang pagtalima ng simetrya, mahigpit na balanse, static; pinalawak ang mga hangganan ng espasyo, puspos ito ng dinamika, dramatikong aksyon, nagsimulang ipahayag ang damdamin ng tao nang mas malinaw. Siya ang lumikha ng mga eksena sa karamihan ng tao na puno ng pagkakaisa ng karanasan.

Kabanata "Panimula", seksyong "Sining ng Italya". Pangkalahatang Kasaysayan ng Art. Tomo III. sining ng Renaissance. May-akda: E.I. Rothenberg; inedit ni Yu.D. Kolpinsky at E.I. Rotenberg (Moscow, State Publishing House "Art", 1962)

Sa kasaysayan ng artistikong kultura ng Renaissance, ang Italya ay gumawa ng isang kontribusyon ng pambihirang kahalagahan. Ang napakalaking sukat ng pinakadakilang kasaganaan na minarkahan ang Renaissance ng Italya ay tila kapansin-pansin na kabaligtaran sa maliliit na sukat ng teritoryo ng mga republikang urban kung saan nagmula ang kultura ng panahong ito at nakaranas ng mataas na pagtaas nito. Ang sining sa mga siglong ito ay sinakop ang isang hindi pa nagagawang posisyon sa pampublikong buhay. Ang artistikong paglikha, tila, ay naging isang walang kabusugan na pangangailangan para sa mga tao sa panahon ng Renaissance, isang pagpapahayag ng kanilang hindi mauubos na enerhiya. Sa mga pangunahing sentro ng Italya, nakuha ng hilig sa sining ang pinakamalawak na seksyon ng lipunan - mula sa mga naghaharing lupon hanggang sa mga karaniwang tao. Ang pagtatayo ng mga pampublikong gusali, ang pag-install ng mga monumento, ang dekorasyon ng mga pangunahing gusali ng lungsod ay isang bagay ng pambansang kahalagahan at ang paksa ng pansin ng mga matataas na opisyal. Ang paglitaw ng mga natitirang gawa ng sining ay naging isang pangunahing pampublikong kaganapan. Ang pangkalahatang paghanga para sa mga natitirang master ay maaaring mapatunayan ng katotohanan na ang pinakadakilang mga henyo ng panahon - Leonardo, Raphael, Michelangelo - ay nakatanggap ng pangalang divino - banal mula sa kanilang mga kontemporaryo.

Sa mga tuntunin ng pagiging produktibo nito, ang Renaissance, na nagtagal ng halos tatlong siglo sa Italya, ay lubos na maihahambing sa isang buong milenyo kung saan nabuo ang sining ng medieval. Kahanga-hanga ang napaka-pisikal na sukat ng lahat ng bagay na nilikha ng mga masters ng Italian Renaissance - ang maringal na mga gusali ng munisipyo at malalaking katedral, kahanga-hangang mga palasyo at villa ng patrician, mga gawa ng iskultura sa lahat ng anyo nito, hindi mabilang na mga monumento ng pagpipinta - mga fresco cycle, monumental. mga komposisyon ng altar at mga easel painting ... Ang pagguhit at pag-ukit, mga miniature na sulat-kamay at ang bagong umuusbong na naka-print na mga graphic, pandekorasyon at inilapat na sining sa lahat ng anyo nito - sa katunayan, wala ni isang lugar ng buhay-sining na hindi nakaranas ng mabilis na pagtaas. Ngunit marahil ang higit na kapansin-pansin ay ang hindi pangkaraniwang mataas na antas ng sining ng sining ng Renaissance ng Italya, ang tunay na kahalagahan nito sa buong mundo bilang isa sa mga tugatog ng kultura ng tao.

Ang kultura ng Renaissance ay hindi pag-aari ng Italya lamang: ang saklaw ng pagpapalaganap nito ay sumasakop sa marami sa mga bansa sa Europa. Kasabay nito, sa isang partikular na bansa, natagpuan ng mga indibidwal na yugto ng ebolusyon ng sining ng Renaissance ang kanilang nangingibabaw na pagpapahayag. Ngunit sa Italya, ang bagong kultura ay hindi lamang lumitaw nang mas maaga kaysa sa ibang mga bansa, ngunit ang mismong landas ng pag-unlad nito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pambihirang pagkakasunud-sunod ng lahat ng mga yugto - mula sa Proto-Renaissance hanggang sa huling Renaissance, at sa bawat isa sa mga yugtong ito ng Italyano. Ang sining ay nagbigay ng mataas na resulta, na higit sa karamihan ng mga kaso ng pagkamit ng mga paaralan ng sining sa ibang mga bansa (Sa kasaysayan ng sining, ayon sa kaugalian, ang mga pangalan ng Italyano noong mga siglong iyon ay malawakang ginagamit kung saan bumagsak ang pagsilang at pag-unlad ng sining ng Renaissance ng Italya (bawat isa sa mga Ang pinangalanang siglo ay kumakatawan sa isang tiyak na milestone sa ebolusyon na ito). Kaya, ang ika-13 siglo ay tinatawag na Ducento, ang ika-14 - trecento, ika-15 - quattrocento, ika-16 - cinquecento.). Dahil dito, naabot ng Renaissance artistic culture ang isang espesyal na pagkakumpleto ng pagpapahayag sa Italya, na lumilitaw, wika nga, sa pinaka-integral at klasikal na kumpletong anyo nito.

Ang paliwanag ng katotohanang ito ay nauugnay sa mga tiyak na kondisyon kung saan naganap ang makasaysayang pag-unlad ng Renaissance Italy. Ang panlipunang base na nag-ambag sa paglitaw ng isang bagong kultura ay tinukoy dito nang napakaaga. Nasa 12-13 na siglo, nang ang Byzantium at ang mga Arabo bilang resulta ng mga Krusada ay itinulak pabalik mula sa mga tradisyunal na ruta ng kalakalan sa rehiyon ng Mediteraneo, ang hilagang mga lungsod ng Italya, at higit sa lahat Venice, Pisa at Genoa, kinuha ang lahat ng tagapamagitan. kalakalan sa pagitan ng Kanlurang Europa at Silangan. Sa parehong mga siglo, naranasan ng produksyon ng handicraft ang pagtaas nito sa mga sentrong gaya ng Mila, Florence, Siena at Bologna. Ang naipon na yaman ay namuhunan sa malaking sukat sa industriya, kalakalan, at pagbabangko. Ang kapangyarihang pampulitika sa mga lungsod ay kinuha ng Polansky estate, iyon ay, mga artisan at mangangalakal, na nagkakaisa sa mga workshop. Sa pag-asa sa kanilang lumalagong kapangyarihang pang-ekonomiya at pampulitika, sinimulan nilang labanan ang mga lokal na panginoong pyudal, na naghahanap ng ganap na pag-agaw ng kanilang mga karapatang pampulitika. Ang pagpapalakas sa mga lungsod ng Italyano ay nagpahintulot sa kanila na matagumpay na maitaboy ang pagsalakay mula sa ibang mga estado, lalo na ang mga emperador ng Aleman.

Sa oras na ito, ang mga lungsod sa ibang mga bansa sa Europa ay nagsimula na rin sa landas ng pagtatanggol sa kanilang mga karapatang pangkomunidad laban sa mga pag-aangkin ng mga makapangyarihang pyudal na panginoon. II Gayunpaman ang mga mayayamang lungsod ng Italy ay naiiba sa bagay na ito mula sa mga sentrong lunsod sa kabilang panig ng Alps sa isang mapagpasyang tampok. Sa labis na kanais-nais na mga kondisyon ng pampulitikang kalayaan at kalayaan mula sa mga pyudal na institusyon sa mga lungsod ng Italya, ang mga anyo ng isang bagong, kapitalistang kaayusan ay isinilang. Ang pinakaunang mga anyo ng kapitalistang produksyon ay pinaka-malinaw na ipinakita sa industriya ng tela ng mga lungsod ng Italya, pangunahin ang Florence, kung saan ginagamit na ang mga anyo ng dispersed at sentralisadong paggawa, at ang tinatawag na mga senior workshop, na mga unyon ng mga negosyante, ay nagtatag ng isang sistema ng malupit na pagsasamantala sa mga upahang manggagawa. Ang katibayan ng kung gaano ang Italy ay nangunguna sa ibang mga bansa sa landas ng pang-ekonomiya at panlipunang pag-unlad ay ang katotohanan na nasa ika-14 na siglo na. Alam ng Italya hindi lamang ang mga anti-pyudal na kilusan ng mga magsasaka na umunlad sa ilang rehiyon ng bansa (halimbawa, ang pag-aalsa ni Fra Dolcino noong 1307), o ang mga pag-aalsa ng mga plebs sa lunsod (ang kilusan na pinamumunuan ni Cola di Rienzi sa Roma noong 1347-1354), kundi pati na rin ang mga pag-aalsa ng mga inaaping manggagawa laban sa mga negosyante sa pinaka-advanced na mga sentrong pang-industriya (Chompi revolt sa Florence noong 1374). Sa parehong Italya, mas maaga kaysa sa kahit saan pa, nagsimula ang pagbuo ng maagang burgesya - ang bagong uri ng lipunan, na kinakatawan ng mga grupong Polan. Mahalagang bigyang-diin na ang maagang burgesya na ito ay may mga palatandaan ng isang radikal na pagkakaiba mula sa medyebal na burgesya. Ang kakanyahan ng pagkakaibang ito ay pangunahing nauugnay sa mga salik na pang-ekonomiya, dahil sa Italya lumitaw ang mga naunang kapitalistang anyo ng produksyon. Ngunit hindi gaanong mahalaga ang katotohanan na sa mga advanced na sentro ng burgesya ng Italya noong ika-14 na siglo. nagtataglay ng lahat ng kapunuan ng kapangyarihang pampulitika, na pinalawak ito sa mga pag-aari ng lupain na katabi ng mga lungsod. Ang ganitong kapunuan ng kapangyarihan ay hindi alam ng mga magnanakaw sa ibang mga bansa sa Europa, na ang mga karapatang pampulitika ay karaniwang hindi lumalampas sa mga limitasyon ng mga pribilehiyo ng munisipyo. Ang pagkakaisa ng kapangyarihang pang-ekonomiya at pampulitika ang nagbigay sa ari-arian ng popolan ng Italya ng mga espesyal na tampok na nagpaiba dito kapwa sa mga medieval na burgher at mula sa burgesya noong panahon ng post-Renaissance sa mga absolutistang estado noong ika-17 siglo.

Ang pagbagsak ng sistemang pyudal na ari-arian at ang paglitaw ng mga bagong ugnayang panlipunan ay nagsasangkot ng mga pundamental na pagbabago sa pananaw sa mundo at kultura. Ang rebolusyonaryong katangian ng panlipunang kaguluhan, na bumubuo sa kakanyahan ng Renaissance, ay nagpakita mismo sa mga advanced na urban republika ng Italya na may pambihirang liwanag.

Sa mga tuntunin ng panlipunan at ideolohikal na edad, ang Renaissance sa Italya ay isang masalimuot at magkasalungat na proseso ng pagkawasak ng luma at ang pagbuo ng bago, noong ang mga reaksyunaryo at progresibong elemento ay nasa isang estado ng pinakamalalang pakikibaka, at mga ligal na institusyon, panlipunan. kaayusan, kaugalian, gayundin ang mga ideolohikal na pundasyon mismo, ay hindi pa nakakamit ang kawalang-paglabag na inilaan ng panahon at awtoridad ng simbahan ng estado. Samakatuwid, ang mga katangian ng mga tao noong panahong iyon bilang personal na enerhiya at inisyatiba, lakas ng loob at tiyaga sa pagkamit ng itinakdang layunin, ay natagpuan ang labis na mayabong na lupa para sa kanilang sarili sa Italya at maaaring ipakita ang kanilang sarili dito nang lubos. Ito ay hindi para sa wala na ito ay sa Italya na ang mismong uri ng tao ng Renaissance ay umunlad sa pinakadakilang ningning at pagkakumpleto nito.

Ang katotohanan na ang Italya ay nagbigay ng isang natatanging halimbawa ng isang mahaba at hindi pangkaraniwang mabungang ebolusyon ng sining ng Renaissance sa lahat ng mga yugto nito ay pangunahin na dahil sa katotohanan na ang tunay na impluwensya ng mga progresibong panlipunang bilog sa larangan ng ekonomiya at pulitika ay nanatili dito. hanggang sa mga unang dekada ng ika-16 na siglo. Mabisa rin ang impluwensyang ito noong panahon kung kailan nagsimula ang paglipat mula sa sistemang komunal tungo sa tinatawag na paniniil (mula noong ika-14 na siglo) sa maraming sentro ng bansa. Ang pagpapalakas ng sentralisadong kapangyarihan sa pamamagitan ng paglipat nito sa mga kamay ng nag-iisang pinuno (na nagmula sa pyudal o pinakamayayamang pamilyang mangangalakal) ay bunga ng pagtindi ng tunggalian ng mga uri sa pagitan ng mga naghaharing lupon ng burges at masa ng mga nakabababang uri sa kalunsuran. Ngunit ang mismong pang-ekonomiya at panlipunang istruktura ng mga lungsod ng Italya ay nakabatay pa rin sa mga nakaraang pananakop, at hindi para sa wala na ang pag-abuso sa kapangyarihan ng mga pinunong iyon na nagtangkang magtatag ng isang rehimen ng bukas na personal na diktadura ay sinundan ng mga aktibong protesta ng malawak na saray. ng populasyon sa lunsod, na kadalasang humahantong sa pagpapatalsik sa mga maniniil. Ang mga ito o yaong mga pagbabago sa mga anyo ng kapangyarihang pampulitika na naganap sa panahon na sinusuri ay hindi maaaring sirain ang mismong diwa ng mga malayang lungsod, na nanatili sa mga advanced na sentro ng Italya hanggang sa malagim na pagtatapos ng Renaissance.

Ang sitwasyong ito ay nakikilala ang Renaissance Italy mula sa iba pang mga bansa sa Europa, kung saan ang mga bagong pwersang panlipunan ay dumating upang palitan ang lumang legal na kaayusan mamaya at ang kronolohikal na lawak ng Renaissance mismo ay samakatuwid ay mas maikli. At dahil ang bagong uring panlipunan ay hindi maaaring kumuha ng ganoong kalakas na posisyon sa mga bansang ito tulad ng sa Italya, ang Renaissance coup ay ipinahayag sa kanila sa hindi gaanong mapagpasyang mga anyo at ang mga pagbabago sa artistikong kultura mismo ay walang ganoong binibigkas na rebolusyonaryong katangian.

Gayunpaman, nangunguna sa ibang mga bansa sa landas ng panlipunan at kultural na pag-unlad, natagpuan ng Italya ang sarili sa likod nila sa isa pang mahalagang isyung pangkasaysayan: ang pagkakaisa sa politika ng bansa, ang pagbabago nito sa isang malakas at sentralisadong estado ay hindi praktikal para sa kanya. Ito ang ugat ng makasaysayang trahedya ng Italya. Mula noong ang mga kalapit na malalaking monarkiya, at higit sa lahat France, pati na rin ang Banal na Imperyo ng Roma, na kinabibilangan ng mga estado ng Aleman at Espanya, ay naging makapangyarihang mga kapangyarihan, ang Italya, na nahahati sa maraming naglalabanang rehiyon, ay natagpuan ang sarili na walang pagtatanggol laban sa pagsalakay ng mga dayuhan. mga hukbo... Ang kampanya sa Italya na isinagawa ng mga Pranses noong 1494 ay nagbukas ng panahon ng mga digmaan ng pananakop, na natapos sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. ang pagbihag ng mga Kastila sa halos buong teritoryo ng bansa at ang pagkawala ng kalayaan nito sa loob ng ilang siglo. Ang mga panawagan para sa pag-iisa ng Italya mula sa pinakamahuhusay na isipan ng bansa at mga indibidwal na praktikal na pagtatangka sa direksyong ito ay hindi maaaring pagtagumpayan ang tradisyonal na separatismo ng mga estadong Italyano.

Ang mga ugat ng separatismong ito ay dapat na hanapin hindi lamang sa makasariling patakaran ng mga indibidwal na pinuno, lalo na ang mga papa, ang mga mapait na kaaway ng pagkakaisa ng Italya, ngunit higit sa lahat sa mismong batayan ng sistemang pang-ekonomiya at panlipunan na itinatag noong Renaissance. sa mga advanced na rehiyon at sentro ng bansa. Ang pagkalat ng isang bagong kaayusan sa ekonomiya at panlipunan sa loob ng balangkas ng isang karaniwang estado ng Italya ay naging hindi praktikal sa oras na iyon, hindi lamang dahil ang mga anyo ng sistemang komunal ng mga republika sa lunsod ay hindi mailipat sa pamamahala ng isang buong bansa. , ngunit dahil din sa mga kadahilanang pang-ekonomiya: ang paglikha ng isang solong sistemang pang-ekonomiya sa isang sukat ng buong Italya sa antas noon ng mga produktibong pwersa ay imposible. Ang malawak na pag-unlad ng sinaunang burgesya, na may ganap na mga karapatang pampulitika, katangian ng Italya, ay maaari lamang maganap sa loob ng mga hangganan ng maliliit na republika sa kalunsuran. Sa madaling salita, ang pagkakawatak-watak ng bansa ay isa sa mga hindi maiiwasang kinakailangan para sa pag-usbong ng gayong makapangyarihang kultura ng Renaissance gaya ng kultura ng Italya, dahil ang gayong pag-unlad ay posible lamang sa mga kondisyon ng hiwalay na mga independiyenteng lungsod-estado. Tulad ng ipinakita ng kurso ng mga makasaysayang kaganapan, sa mga sentralisadong monarkiya, ang sining ng Renaissance ay hindi nakakuha ng isang malinaw na rebolusyonaryong katangian tulad ng sa Italya. Nasusumpungan ng konklusyon na ito ang kumpirmasyon nito sa katotohanan na kung ang Italya sa politika ay natagpuan ang sarili nito sa paglipas ng panahon depende sa gayong malakas na absolutist na kapangyarihan tulad ng France at Spain, kung gayon sa mga tuntunin ng kultura at artistikong - kahit na sa panahon ng pagkawala ng kalayaan ng Italya - ang pag-asa. naging kabaligtaran....

Kaya, sa mismong mga kinakailangan para sa pinakamalaking pagtaas ng kultura ng Renaissance ng Italya, ang mga dahilan para sa inaasahang pagbagsak ay inilatag. Siyempre, hindi ito nangangahulugan na hindi progresibo ang mga panawagan para sa pagkakaisa ng bansa, lalo na sa panahon ng matinding krisis pampulitika ng Italya sa mga unang dekada ng ika-16 na siglo. Ang mga apela na ito ay hindi lamang tumutugma sa mga adhikain ng malawak na saray ng populasyon, na ang pananakop ng lipunan at pagsasarili ay binantaan, ngunit sila rin ay salamin ng tunay na proseso ng lumalagong pagsasama-sama ng kultura ng iba't ibang rehiyon ng Italya. Hindi nagkakaisa sa bukang-liwayway ng Renaissance dahil sa hindi pagkakapantay-pantay ng kanilang pag-unlad ng kultura, maraming mga rehiyon ng bansa ang naiugnay na ng malalim na espirituwal na pagkakaisa noong ika-16 na siglo. Ang nanatiling imposible sa estado-politikal na globo ay naisakatuparan sa ideolohikal at masining na globo. Ang Republican Florence at ang papal na Roma ay naglalabanang estado, ngunit ang pinakamalaking Florentine masters ay nagtrabaho sa Florence at Roma, at ang masining na nilalaman ng kanilang mga gawang Romano ay nasa antas ng pinakaprogresibong mga mithiin ng Florentine Republic na mapagmahal sa kalayaan.

Ang labis na mabungang pag-unlad ng sining ng Renaissance sa Italya ay pinadali hindi lamang ng panlipunan, kundi pati na rin ng makasaysayang at masining na mga kadahilanan. Ang sining ng Renaissance ng Italya ay may utang sa pinagmulan nito hindi sa sinuman, ngunit sa ilang mga mapagkukunan. Sa panahon na humahantong sa Renaissance, ang Italya ay ang sangang-daan ng ilang medieval na kultura. Sa kaibahan sa ibang mga bansa, parehong mga pangunahing linya ng medieval European art - Byzantine at Roman-Gothic, kumplikado sa ilang mga rehiyon ng Italya sa pamamagitan ng impluwensya ng sining ng Silangan - natagpuan ang pantay na makabuluhang pagpapahayag dito. Ang parehong mga linya ay nag-ambag sa pagbuo ng Renaissance art. Mula sa pagpipinta ng Byzantine, nakuha ng Italian Proto-Renaissance ang isang perpektong magandang istraktura ng mga imahe at mga anyo ng mga monumental na pictorial cycle; ang Gothic imagery system ay nag-ambag sa pagtagos ng emosyonal na kaguluhan at isang mas kongkretong persepsyon ng realidad sa sining ng ika-14 na siglo. Ngunit ang mas mahalaga ay ang katotohanan na ang Italya ay ang tagapag-ingat ng artistikong pamana ng sinaunang mundo. Sa isang anyo o iba pa, natagpuan ng sinaunang tradisyon ang repraksyon nito sa sining ng medieval na Italyano, halimbawa, sa iskultura ng panahon ng mga Hohenstaufens, ngunit sa Renaissance lamang, simula sa ika-15 siglo, ang antigong sining ay nabuksan sa mga mata ng mga artista sa tunay na liwanag nito bilang isang aesthetically perpektong pagpapahayag ng mga batas ng realidad mismo ... Ang kumbinasyon ng mga salik na ito ay nilikha sa Italya ang pinaka-mayabong na lupa para sa pagsilang at pagtaas ng sining ng Renaissance.

Ang isa sa mga tagapagpahiwatig ng pinakamataas na antas ng pag-unlad ng sining ng Renaissance ng Italya ay ang katangian nitong malawak na pag-unlad ng pang-agham at teoretikal na pag-iisip. Ang maagang paglitaw ng mga teoretikal na gawa sa Italya ay mismong katibayan ng mahalagang katotohanan na ang mga kinatawan ng advanced na sining ng Italyano ay natanto ang kakanyahan ng rebolusyon na naganap sa kultura. Ang kamalayan ng malikhaing aktibidad sa isang napakalaking lawak ay nagpasigla sa artistikong pag-unlad, dahil pinahintulutan nito ang mga Italian masters na sumulong hindi sa pamamagitan ng pangangapa, ngunit sa pamamagitan ng sadyang pagtatakda at paglutas ng ilang mga gawain.

Ang interes ng mga artista sa mga problemang pang-agham sa oras na iyon ay mas natural dahil sa kanilang layunin na kaalaman sa mundo ay umaasa sila hindi lamang sa emosyonal na pang-unawa nito, kundi pati na rin sa makatwirang pag-unawa sa pinagbabatayan ng mga batas. Ang pagsasanib ng kaalamang pang-agham at masining, na katangian ng Renaissance, ang dahilan kung bakit marami sa mga artista ang kasabay na mga natatanging siyentipiko. Sa pinakakapansin-pansin na anyo, ang tampok na ito ay ipinahayag sa personalidad ni Leonardo da Vinci, ngunit sa isang antas o iba pa ito ay katangian ng napakaraming mga pigura ng kulturang artistikong Italyano.

Ang teoretikal na kaisipan sa Renaissance Italy ay nabuo sa dalawang pangunahing channel. Sa isang banda, ito ang problema ng aesthetic ideal, sa solusyon kung saan umaasa ang mga artista sa mga ideya ng Italian humanists tungkol sa mataas na kapalaran ng tao, tungkol sa mga pamantayang etikal, tungkol sa lugar na kanyang sinasakop sa kalikasan at lipunan. . Sa kabilang banda, ito ang mga praktikal na isyu ng sagisag ng artistikong ideal na ito sa pamamagitan ng bagong, Renaissance art. Ang kaalaman ng mga masters ng Renaissance sa larangan ng anatomy, ang teorya ng pananaw at ang doktrina ng mga proporsyon, na resulta ng pang-agham na pag-unawa sa mundo, ay nag-ambag sa pag-unlad ng mga paraan ng larawang wika, kasama ang tulong kung saan ang mga masters na ito ay nakapagpakita ng katotohanan sa sining. Sa mga teoretikal na gawa na nakatuon sa iba't ibang uri ng sining, ang isang malawak na iba't ibang mga isyu ng artistikong kasanayan ay isinasaalang-alang. Sapat na banggitin bilang mga halimbawa ang pagbuo ng mga tanong ng pananaw sa matematika at ang aplikasyon nito sa pagpipinta, na isinagawa nina Brunelleschi, Alberti at Piero della Francesca, isang komprehensibong kalipunan ng artistikong kaalaman at teoretikal na konklusyon, na binubuo ng hindi mabilang na mga tala ni Leonardo da Vinci , mga gawa at pahayag tungkol sa iskultura ni Ghiberti, Michelangelo at Cellini, architectural treatises ni Alberti, Averlino, Francesco di Giorgio Martini, Palladio, Vignola. Sa wakas, sa katauhan ni George Vasari, ang kultura ng Italian Renaissance ay naglagay ng unang art historian na sinubukan sa kanyang mga talambuhay ng mga artistang Italyano na maunawaan ang sining ng kanyang panahon sa mga makasaysayang termino. Ang kayamanan at lawak ng saklaw ng mga gawang ito ay kinumpirma ng katotohanan na ang mga ideya at konklusyon ng mga Italian theoreticians ay nagpapanatili ng kanilang praktikal na kahalagahan sa loob ng maraming siglo pagkatapos ng kanilang paglitaw.

Nalalapat ito sa isang mas malaking lawak sa napaka-malikhaing mga nagawa ng mga masters ng Italian Renaissance, na gumawa ng isang mahalagang kontribusyon sa lahat ng uri ng plastic arts, madalas na natukoy ang landas ng kanilang pag-unlad sa mga susunod na panahon.

Sa arkitektura ng Renaissance Italy, ang mga pangunahing uri ng pampubliko at tirahan na istruktura na ginamit sa arkitektura ng Europa mula noon ay nilikha, at ang mga paraan ng wikang arkitektura ay binuo, na naging batayan ng pag-iisip ng arkitektura sa mahabang panahon ng kasaysayan. Ang pangingibabaw ng sekular na prinsipyo sa arkitektura ng Italyano ay ipinahayag hindi lamang sa pamamayani ng pampubliko at pribadong mga gusali ng isang sekular na layunin dito, kundi pati na rin sa katotohanan na ang mga espiritistikong elemento ay inalis sa pinaka-matalinghagang nilalaman ng mga relihiyosong gusali - nagbigay sila ng daan. sa mga bago, makatao na mithiin. Sa sekular na arkitektura, ang nangungunang lugar ay kinuha ng uri ng residential city house-palace (palazzo) - orihinal na tirahan ng isang kinatawan ng mayayamang merchant o entrepreneurial na pamilya, at noong ika-16 na siglo. - ang tirahan ng isang maharlika o pinuno ng estado. Nakuha sa paglipas ng panahon ang mga tampok ng isang gusali hindi lamang pribado, kundi pati na rin pampubliko, ang Renaissance palazzo ay nagsilbing prototype para sa mga pampublikong gusali sa mga sumunod na siglo. Sa arkitektura ng simbahan ng Italya, ang espesyal na pansin ay binayaran sa imahe ng isang nakasentro na domed na istraktura. Ang imaheng ito ay tumutugma sa ideya ng isang perpektong anyo ng arkitektura na nanaig sa Renaissance, na nagpahayag ng ideya ng isang personalidad ng Renaissance sa maayos na balanse sa nakapaligid na mundo. Ang pinaka-mature na solusyon sa problemang ito ay ibinigay nina Bramante at Michelangelo sa mga proyekto ng Cathedral of St. Pedro sa Roma.

Kung tungkol sa wika ng arkitektura mismo, ang mapagpasyang salik dito ay ang muling pagbabangon at pag-unlad ng sinaunang sistema ng kaayusan sa isang bagong batayan. Para sa mga arkitekto ng Renaissance Italy, ang order ay isang architectural system na idinisenyo upang biswal na ipahayag ang tectonic na istraktura ng isang gusali. Ang proporsyonalidad na likas sa taong likas sa pagkakasunud-sunod ay itinuturing na isa sa mga pundasyon ng humanistic na ideolohikal na nilalaman ng imaheng arkitektura. Pinalawak ng mga arkitekto ng Italyano ang mga posibilidad ng komposisyon ng pagkakasunud-sunod kumpara sa mga sinaunang masters, na pinamamahalaang makahanap ng isang organikong kumbinasyon nito sa dingding, arko at vault. Ang buong bulto ng gusali ay inisip nila bilang natatakpan ng kaayusan ng kaayusan, na nakakamit ng malalim na makasagisag na pagkakaisa ng gusali kasama ang natural na kapaligiran nito, dahil ang mga klasikal na utos mismo ay sumasalamin sa ilang mga natural na batas.

Sa pagpaplano ng lunsod, ang mga arkitekto ng Renaissance Italy ay nahaharap sa malalaking paghihirap, lalo na sa unang bahagi ng panahon, dahil ang karamihan sa mga lungsod ay may siksik na pag-unlad ng kapital na nasa Middle Ages. Gayunpaman, ang mga advanced na theorist at practitioner ng early Renaissance architecture ay nagdulot ng mga pangunahing problema sa pagpaplano ng lunsod, na isinasaalang-alang ang mga ito bilang mga kagyat na gawain ng bukas. Kung ang kanilang matapang na pangkalahatang mga ideya sa pagpaplano ng lunsod ay hindi ganap na magagawa sa oras na iyon at samakatuwid ay nanatiling pag-aari ng mga treatise ng arkitektura, kung gayon ang ilang mahahalagang gawain, lalo na ang problema sa paglikha ng isang sentro ng lunsod - ang pagbuo ng mga prinsipyo para sa pagbuo ng pangunahing plaza ng lungsod. - ay natagpuan noong ika-16 na siglo. ang kanyang napakatalino na solusyon, halimbawa sa Piazza San Marco sa Venice at sa Capitoline square sa Roma.

Sa visual arts, ang Renaissance Italy ay nagbigay ng pinakamatingkad na halimbawa ng pagpapasya sa sarili ng ilang uri ng sining, dati noong Middle Ages, na nasa ilalim ng arkitektura, at ngayon ay nakakuha ng ganap na mapanlikhang kalayaan. Sa mga tuntunin ng ideolohiya, ang prosesong ito ay nangangahulugan ng pagpapalaya ng iskultura at pagpipinta mula sa relihiyon-espiritwalistikong mga dogma ng Middle Ages na nakagapos sa kanila, at isang apela sa mga imaheng puspos ng bago, makatao na nilalaman. Kaayon nito, naganap ang paglitaw at pagbuo ng mga bagong uri at genre ng sining, kung saan natagpuan ang isang bagong nilalamang ideolohikal. Ang eskultura, halimbawa, pagkatapos ng isang libong taong pahinga, sa wakas ay nakuhang muli ang batayan ng makasagisag na pagpapahayag nito, na nagiging isang malayang estatwa at isang grupo. Lumawak din ang saklaw ng matalinghagang saklaw ng iskultura. Kasama ang mga tradisyunal na imahe na nauugnay sa kultong Kristiyano at sinaunang mitolohiya, na sumasalamin sa mga pangkalahatang ideya tungkol sa tao, ang layunin nito ay naging isang tiyak na indibidwalidad ng tao, na ipinakita mismo sa paglikha ng mga monumento na monumento sa mga pinuno at condottier, pati na rin. tulad ng sa malawakang pagpapakalat ng mga sculptural portrait sa mga form na portrait bust. Ang uri ng iskultura, na binuo sa Middle Ages, bilang isang kaluwagan, ay sumasailalim sa isang radikal na pagbabagong-anyo, ang mga mapanlikhang posibilidad na kung saan, salamat sa paggamit ng mga diskarte ng isang kaakit-akit na pananaw na imahe ng espasyo, lumawak dahil sa isang mas kumpletong komprehensibo pagpapakita ng buhay na kapaligiran sa paligid ng isang tao.

Tulad ng para sa pagpipinta, dito, kasama ang walang uliran na pag-usbong ng monumental na komposisyon ng fresco, kinakailangan na lalo na bigyang-diin ang katotohanan ng paglitaw ng pagpipinta ng easel, na minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa ebolusyon ng pinong sining. Sa mga genre ng pagpipinta, kasama ang mga komposisyon sa mga tema ng bibliya at mitolohiko, na sumakop sa isang nangingibabaw na posisyon sa pagpipinta ng Renaissance ng Italya, dapat isa-isa ang larawan, na nakaranas ng unang kasaganaan nito sa panahong ito. Ang mga unang mahahalagang hakbang ay ginawa rin sa mga bagong genre gaya ng makasaysayang pagpipinta sa wastong kahulugan ng salita at tanawin.

Ang pagkakaroon ng isang mapagpasyang papel sa proseso ng pagpapalaya ng ilang mga uri ng pinong sining, ang Italian Renaissance sa parehong oras ay napanatili at binuo ang isa sa mga pinakamahalagang katangian ng kulturang sining ng medieval - ang prinsipyo ng synthesis ng iba't ibang uri ng sining, ang kanilang pag-iisa. sa isang karaniwang matalinghagang grupo. Ito ay pinadali ng mas mataas na kahulugan ng artistikong organisasyon na likas sa mga masters ng Italyano, na nagpapakita ng sarili sa kanila kapwa sa pangkalahatang disenyo ng anumang kumplikadong arkitektura at artistikong kumplikado, at sa bawat detalye ng isang hiwalay na gawain na kasama sa kumplikadong ito. Kasabay nito, sa kaibahan sa medieval na pag-unawa sa synthesis, kung saan ang iskultura at pagpipinta ay nasa ilalim ng arkitektura, ang mga prinsipyo ng Renaissance synthesis ay batay sa isang uri ng pagkakapantay-pantay ng bawat isa sa mga anyo ng sining, dahil sa kung saan ang mga tiyak na katangian ng iskultura. at pagpipinta sa loob ng balangkas ng isang pangkalahatang artistikong grupo ay nakakakuha ng mas mataas na bisa ng aesthetic na epekto. Mahalagang bigyang-diin dito na ang mga palatandaan ng paglahok sa isang malaking makasagisag na sistema ay dinadala hindi lamang ng mga gawa na direktang kasama sa anumang artistikong kumplikado sa pamamagitan ng kanilang layunin, ngunit hiwalay din na kinuha ang mga independiyenteng monumento ng iskultura at pagpipinta. Maging ito man ay ang napakalaki na David ni Michelangelo o ang miniature na Madonna ng Conestabile ni Raphael, ang bawat isa sa mga gawang ito ay potensyal na naglalaman ng mga katangian na ginagawang posible na isaalang-alang ito bilang isang posibleng bahagi ng isang karaniwang artistikong grupo.

Ang partikular na Italian monumental-synthetic na bodega ng sining ng Renaissance ay pinadali ng mismong kalikasan ng mga masining na larawan ng iskultura at pagpipinta. Sa Italya, hindi tulad ng ibang mga bansa sa Europa, ang aesthetic ideal ng Renaissance na tao ay nabuo nang maaga, bumalik sa mga turo ng mga humanista tungkol sa uomo universale, tungkol sa perpektong tao, kung saan ang kagandahan ng katawan at lakas ng isip ay magkakasuwato na pinagsama. . Bilang nangungunang tampok ng imaheng ito, ang konsepto ng birtu (kagitingan) ay iniharap, na may napakalawak na kahulugan at nagpapahayag ng aktibong prinsipyo sa isang tao, ang layunin ng kanyang kalooban, ang kakayahang ipatupad ang kanyang matayog na mga plano sa kabila ng lahat ng hadlang. Ang tiyak na kalidad ng makasagisag na ideyal ng Renaissance ay hindi ipinahayag sa lahat ng mga artistang Italyano sa isang bukas na anyo tulad ng, halimbawa, sa Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna at Mikalangelo - mga master kung saan ang mga imahe ng isang kabayanihan ay nananaig. Ngunit ito ay palaging naroroon sa mga imahe ng isang maayos na bodega, halimbawa, sa Raphael at Giorgione, para sa pagkakaisa ng mga imahe ng Renaissance ay malayo sa nakakarelaks na kalmado - sa likod nito palagi mong nararamdaman ang panloob na aktibidad ng bayani at ang kanyang kamalayan ng kanyang lakas ng moralidad.

Sa buong ika-15 at ika-16 na siglo, ang aesthetic ideal na ito ay hindi nanatiling hindi nagbabago: depende sa mga indibidwal na yugto ng ebolusyon ng Renaissance art, ang iba't ibang aspeto nito ay nakabalangkas dito. Sa mga larawan ng maagang Renaissance, halimbawa, ang mga katangian ng hindi matitinag na panloob na integridad ay mas malinaw. Ang mas kumplikado at mas mayaman ay ang espirituwal na mundo ng mga bayani ng High Renaissance, na nagbibigay ng pinaka matingkad na halimbawa ng maayos na saloobin na likas sa sining ng panahong ito. Sa mga sumunod na dekada, sa paglaki ng hindi malulutas na mga kontradiksyon sa lipunan, ang panloob na pag-igting sa mga imahe ng mga masters ng Italyano ay tumaas, isang pakiramdam ng dissonance at trahedya na salungatan ay lumitaw. Ngunit sa buong panahon ng Renaissance, ang mga iskultor at pintor ng Italyano ay nananatiling nakatuon sa isang kolektibong imahe, sa isang pangkalahatang masining na wika. Ito ay salamat sa pagsusumikap para sa pinaka-pangkalahatang pagpapahayag ng masining na mga mithiin na nagtagumpay ang mga panginoong Italyano, sa mas malaking lawak kaysa sa mga panginoon ng ibang mga bansa, sa paglikha ng mga larawan ng ganoon kalawak na tunog. Ito ang ugat ng kakaibang unibersal ng kanilang makasagisag na wika, na naging isang uri ng pamantayan at modelo ng sining ng Renaissance sa pangkalahatan.

Ang napakalaking papel ng malalim na binuo na mga ideyang humanistic para sa sining ng Italyano ay naipakita na sa walang alinlangan na nangingibabaw na posisyon na ang imahe ng tao ay matatagpuan dito - isa sa mga tagapagpahiwatig nito ay ang paghanga sa magandang katawan ng tao, na katangian ng mga Italyano, na kung saan ay itinuturing ng mga humanista at artista bilang imbakan ng isang magandang kaluluwa. Sa karamihan ng mga kaso, ang pang-araw-araw at natural na kapaligiran na nakapalibot sa isang tao ay hindi naging isang bagay ng parehong malapit na atensyon para sa mga manggagawang Italyano. Ang binibigkas na anthropocentrism na ito, ang kakayahang ipakita ang kanilang mga ideya tungkol sa mundo lalo na sa pamamagitan ng imahe ng isang tao, ay nagbibigay sa mga bayani ng mga masters ng Italian Renaissance ng isang komprehensibong lalim ng nilalaman. Ang landas mula sa pangkalahatan hanggang sa indibidwal, mula sa kabuuan hanggang sa partikular ay katangian ng mga Italyano hindi lamang sa mga monumental na imahe, kung saan ang kanilang napakahusay na katangian ay isang kinakailangang anyo ng artistikong pangkalahatan, kundi pati na rin sa isang genre bilang isang portrait. At sa kanyang mga gawa sa portrait, ang pintor ng Italyano ay nagpapatuloy mula sa isang tiyak na uri ng personalidad ng tao, na may kaugnayan sa kung saan nakikita niya ang bawat partikular na modelo. Alinsunod dito, sa Italian Renaissance portrait, sa kaibahan sa portrait na mga larawan sa sining ng ibang mga bansa, ang typifying prinsipyo ay nangingibabaw sa mga indibidwal na tendensya.

Ngunit ang dominasyon ng isang tiyak na ideyal sa sining ng Italyano ay hindi nangangahulugang isang leveling at labis na pagkakapareho ng mga masining na desisyon. Ang pagkakaisa ng mga ideolohikal at mapanlikhang mga kinakailangan ay hindi lamang hindi nagbukod sa pagkakaiba-iba ng mga malikhaing talento ng bawat isa sa malaking bilang ng mga masters na nagtrabaho sa panahong ito, ngunit, sa kabaligtaran, kahit na mas maliwanag na binibigyang diin ang kanilang mga indibidwal na katangian. Kahit na sa loob ng isa, higit pa, ang pinakamaikling yugto ng sining ng Renaissance - ang tatlong dekada kung saan bumagsak ang Mataas na Renaissance, madali nating mahuhuli ang mga pagkakaiba sa pang-unawa ng imahe ng tao sa mga pinakadakilang master sa panahong ito. Kaya, ang mga karakter ni Leonardo ay namumukod-tangi sa kanilang malalim na espirituwalidad at intelektwal na kayamanan; Ang sining ni Raphael ay pinangungunahan ng isang pakiramdam ng maayos na kalinawan; ang mga titanic na imahe ni Michelangelo ay nagbibigay ng pinakamatingkad na pagpapahayag ng heroic efficacy ng tao sa panahong ito. Kung babalikan natin ang mga pintor ng Venetian, kung gayon ang mga larawan ni Giorgione ay umaakit sa kanilang banayad na liriko, habang ang senswal na kalabisan ni Titian at iba't ibang emosyonal na galaw ay mas malinaw. Ang parehong naaangkop sa nakalarawan na wika ng mga pintor ng Italyano: kung ang mga Florentine-Roman masters ay pinangungunahan ng linear-plastic na paraan ng pagpapahayag, kung gayon sa mga Venetian, ang coloristic na prinsipyo ay may tiyak na kahalagahan.

Ang ilang mga aspeto ng Renaissance imaginative perception ay nakatanggap ng iba't ibang repraksyon sa sining ng Italian Renaissance, depende sa iba't ibang yugto ng ebolusyon nito at sa mga tradisyong nabuo sa mga indibidwal na teritoryal na paaralan ng sining. Dahil ang pag-unlad ng ekonomiya at kultura ng mga estadong Italyano ay hindi pare-pareho, ayon sa pagkakabanggit, ang kanilang kontribusyon sa sining ng Renaissance ay naiiba sa mga indibidwal na panahon nito. Tatlo sa maraming mga artistikong sentro ng bansa ay dapat makilala - Florence, Roma at Venice, na ang sining, sa isang tiyak na makasaysayang pagkakasunud-sunod, ay kumakatawan sa pangunahing linya ng Renaissance ng Italya sa loob ng tatlong siglo.

Ang makasaysayang papel ng Florence sa paghubog ng kultura ng Renaissance ay lalong makabuluhan. Si Florence ay nangunguna sa bagong sining mula sa panahon ng Proto-Renaissance hanggang sa High Renaissance. Ang kabisera ng Tuscany ay naging, parang, ang pokus ng pang-ekonomiya, pampulitika at kultural na buhay ng Italya mula ika-13 hanggang sa simula ng ika-16 na siglo, at ang mga kaganapan sa kasaysayan nito, na nawala ang kanilang lokal na katangian, nakakuha ng pangkalahatang kahalagahan ng Italyano. Ang parehong ganap na naaangkop sa sining ng Florentine ng mga siglong ito. Ang Florence ay naging lugar ng kapanganakan o tahanan ng marami sa mga pinakadakilang master mula Giotto hanggang Michelangelo.

Mula sa katapusan ng ika-15 hanggang sa simula ng ika-16 na siglo. bilang nangungunang sentro ng artistikong buhay ng bansa, kasama ang Florence, ang Rome ay inilalagay sa harap. Gamit ang espesyal na posisyon nito bilang kabisera ng mundong Katoliko, ang Roma ay naging isa sa pinakamalakas na estado sa Italya, na inaangkin ang nangungunang papel sa kanila. Alinsunod dito, ang masining na patakaran ng mga papa ay nahuhubog, na, upang palakasin ang awtoridad ng Roman pontificate, ay umaakit sa mga pinakadakilang arkitekto, eskultor at pintor sa kanilang korte. Ang pagtaas ng Rome bilang pangunahing sentro ng sining ng bansa ay kasabay ng pagsisimula ng High Renaissance; Napanatili ng Roma ang nangungunang posisyon nito sa unang tatlong dekada ng ika-16 na siglo. Ang pinakamahusay na mga gawa ng Bramante, Raphael, Michelangelo at maraming iba pang mga masters na nagtrabaho sa Roma, na nilikha sa mga taong ito, ay minarkahan ang zenith ng Renaissance. Ngunit sa pagkawala ng kalayaang pampulitika ng mga estadong Italyano, sa panahon ng krisis ng kultura ng Renaissance, ang papa Roma ay naging isang muog ng reaksyong ideolohikal, na nakadamit sa anyo ng isang kontra-repormasyon. Mula noong dekada 40, nang ang Kontra-Repormasyon ay naglunsad ng malawak na opensiba laban sa mga pananakop ng kultura ng Renaissance, ang pangatlo sa pinakamalaking sentro ng sining, ang Venice, ay naging tagapag-ingat at tagapagpatuloy ng mga progresibong ideyal ng Renaissance.

Ang Venice ang huli sa malalakas na republikang Italyano na nagtanggol sa kanilang kalayaan at nagpapanatili ng malaking bahagi ng kanilang malawak na kayamanan. Nananatili hanggang sa katapusan ng ika-16 na siglo. isang pangunahing pugad ng kultura ng Renaissance, ito ay naging kuta ng pag-asa para sa inalipin na Italya. Ang Venice ang nakatakdang magbigay ng pinakamabungang pagsisiwalat ng mga makasagisag na katangian ng huling Renaissance ng Italya. Ang gawain ni Titian sa huling panahon ng kanyang aktibidad, pati na rin ang pinakamalaking kinatawan ng ikalawang henerasyon ng mga pintor ng Venetian noong ika-16 na siglo. - Ang Veronese at Tintoretto ay hindi lamang isang pagpapahayag ng makatotohanang prinsipyo ng sining ng Renaissance sa isang bagong yugto ng kasaysayan - naghanda ito ng daan para sa mga pinaka-makasaysayang promising elemento ng realismo ng Renaissance, na ipinagpatuloy at binuo sa isang bagong mahusay na artistikong panahon - sa pagpipinta ng ika-17 siglo.

Nasa panahon na nito, ang sining ng Italian Renaissance ay may napakalawak na kahalagahan sa Europa. Outstripping ang natitirang bahagi ng Europa sa landas ng ebolusyon ng Renaissance sining sa mga tuntunin ng kronolohikal. Nauna rin sa kanila ang Italy sa paglutas ng marami sa pinakamahahalagang gawaing masining na iniharap ng panahon. Samakatuwid, para sa lahat ng iba pang pambansang kultura ng Renaissance, ang pagbabalik sa gawain ng mga panginoong Italyano ay nangangailangan ng isang matalim na hakbang sa pagbuo ng isang bago, makatotohanang sining. Nasa ika-16 na siglo, ang pagkamit ng isang tiyak na antas ng artistikong kapanahunan sa mga bansang Europa ay imposible nang walang malalim na malikhaing asimilasyon ng mga pananakop ng sining ng Italyano. Ang mga magagaling na pintor gaya nina Durer at Holbein sa Germany, El Greco sa Spain, napakahusay na arkitekto gaya ng Dutchman na si Cornelis Floris, ang Espanyol na si Juan de Herrera, ang Englishman na si Pnigo Jones ay may utang na loob sa pag-aaral ng sining ng Renaissance Italy. Ang saklaw ng aktibidad ng mga arkitekto at pintor ng Italyano mismo, na kumalat sa buong Europa mula Espanya hanggang Sinaunang Russia, ay katangi-tangi sa kalawakan nito. Ngunit, marahil, ang papel ng Renaissance ng Italya ay higit na makabuluhan bilang pundasyon ng kultura ng modernong panahon, bilang isa sa pinakamataas na pagkakatawang-tao ng makatotohanang sining at ang pinakadakilang paaralan ng artistikong kasanayan.

Ano ang Renaissance. Iniuugnay natin ang Renaissance sa mga tagumpay sa larangan ng kultura, pangunahin sa larangan ng sining. Bago ang kaisipang tingin ng lahat na kahit na medyo pamilyar sa kasaysayan ng sining, may mga magkakasuwato na maganda at marangal na mga imahe na nilikha ng mga artista: magiliw na Madonnas at matatalinong santo, magigiting na mandirigma at mamamayan na puno ng kahalagahan. Ang kanilang mga pigura ay taimtim na tumataas laban sa background ng mga marmol na arko at mga haligi, sa likod kung saan ay kumalat ang maliwanag na mga transparent na landscape.

Si Art ay palaging nagsasalita tungkol sa kanyang panahon, tungkol sa mga taong nabuhay noon. Anong uri ng mga tao ang lumikha ng mga larawang ito, puno ng dignidad, kapayapaan sa loob, tiwala sa kanilang sariling halaga?

Ang terminong "Renaissance" ay unang ginamit ni Giorgio Vasari noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. sa kanyang aklat tungkol sa mga sikat na Italyano na pintor, eskultor at arkitekto ng XIII-XVI na siglo. Ang pangalan ay lumitaw sa sandaling ang panahon mismo ay nagtatapos. Si Vasari ay naglagay ng isang tiyak na kahulugan sa konseptong ito: ang pamumulaklak, pagbangon, muling pagkabuhay ng sining. Nang maglaon, ang pagsusumikap para sa muling pagkabuhay ng mga sinaunang tradisyon sa kultura, na likas sa panahong ito, ay nagsimulang ituring na hindi gaanong mahalaga.

Ang kababalaghan ng Renaissance ay nabuo ng mga kondisyon at pangangailangan ng buhay ng lipunan sa bisperas ng Bagong Panahon (iyon ay, ang oras sa daan patungo sa pagbuo ng isang pang-industriya na lipunan), at ang pag-apila sa sinaunang panahon ay naging posible upang mahanap. angkop na mga anyo para sa pagpapahayag ng mga bagong ideya at mood. Ang makasaysayang kahalagahan ng panahong ito ay nakasalalay sa pagbuo ng isang bagong uri ng personalidad at sa paglikha ng mga pundasyon ng isang bagong kultura.

Mga bagong uso sa buhay ng lipunang Italyano. Upang mas madaling maunawaan ang kakanyahan ng mga pagbabago na nagsimula sa panlipunan at espirituwal na mga spheres, ito ay kinakailangan upang isipin kung paano ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan ay binuo sa Middle Ages. Pagkatapos ang pagkatao ng tao ay natunaw sa maliit na kolektibong iyon (pamayanan ng mga magsasaka, kaayusan ng kabalyero, kapatiran sa monasteryo, pagawaan ng bapor, merchant guild), kung saan ang isang tao ay nakalakip sa pamamagitan ng mga pangyayari sa kanyang pinagmulan at kapanganakan. Siya mismo at lahat ng nakapaligid sa kanya ay nakilala siya, una sa lahat, bilang, halimbawa, isang fra (kapatid na lalaki) - isang miyembro ng monastic na kapatiran, at hindi bilang isang tiyak na tao na may isang tiyak na pangalan.

Ang mga ugnayan sa pagitan ng mga tao, mga pamantayan ng pag-uugali at ang kanilang pang-unawa ay binuo nang detalyado at malinaw na tinukoy. Kung nakatuon lamang tayo sa teoretikal na bahagi ng usapin, masasabi natin ito: obligado ang klero na manalangin para sa lahat ng layko, obligado ang maharlika na protektahan ang lahat mula sa posibleng panlabas na banta, at suportahan at pakainin ng mga magsasaka. ang una at ikalawang estate. Sa pagsasagawa, ang lahat ng ito ay, siyempre, malayo sa teoretikal na idyll, ngunit ang pamamahagi ng mga tungkulin ng tungkulin ay eksakto iyon. Ang hindi pagkakapantay-pantay ng lipunan ay matatag na nakabaon sa kamalayan ng publiko, ang bawat uri ay may sariling mahigpit na tinukoy na mga karapatan at obligasyon, gumanap ng isang panlipunang papel na mahigpit na naaayon sa katayuan sa lipunan nito. Ang kapanganakan ay nagtakda ng indibidwal sa isang tiyak na lugar sa istruktura ng lipunan; maaari niyang baguhin ang kanyang posisyon halos eksklusibo sa loob ng balangkas ng yugto ng panlipunang hagdan kung saan siya kabilang sa pinagmulan.

Ang pagiging nakakabit sa isang tiyak na panlipunang angkop na lugar ay humadlang sa malayang pag-unlad ng indibidwal ng tao, ngunit nagbigay sa kanya ng ilang mga garantiyang panlipunan. Kaya, ang lipunang medieval ay nakatuon sa immutability, katatagan bilang isang perpektong estado. Ito ay kabilang sa uri ng mga tradisyonal na lipunan, ang pangunahing kondisyon para sa pagkakaroon nito ay konserbatismo, subordination sa mga tradisyon at kaugalian.

Ang lumang pananaw sa mundo ay nakatuon sa katotohanan na ang buhay sa lupa ay isang maikling panahon lamang kung kailan inihahanda ng isang tao ang kanyang sarili para sa pangunahing, walang hanggan, ibang makamundong buhay. Sinakop ng kawalang-hanggan ang panandaliang katotohanan. Ang mga pag-asa para sa magagandang pagbabago ay eksklusibong nauugnay sa totoong buhay na ito, kasama ang Walang Hanggan. Ang makalupang mundo, ang "lambak ng kalungkutan", ay interesado lamang kung ito ay isang mahinang pagmuni-muni ng isa pang pangunahing mundo. Ang saloobin sa tao ay ambivalent - sa kanya ay mahigpit nilang pinaghiwalay ang kanyang makalupa, mortal at makasalanang prinsipyo, na dapat hinahamak at kinasusuklaman, at ang dakila, espirituwal, na tanging bagay na karapat-dapat na umiral. Ang isang ascetic na monghe na tinalikuran ang mga kagalakan at alalahanin ng buhay sa lupa ay itinuturing na isang perpekto.

Ang isang tao ay bahagi ng isang maliit na pamayanang panlipunan, at samakatuwid ang lahat ng kanyang mga aktibidad, kabilang ang mga malikhain, ay nakita bilang resulta ng sama-samang pagsisikap. Sa katunayan, ang pagkamalikhain ay hindi nakikilala, at ang aming kaalaman sa gawain ng ito o iyon na iskultor o pintor ng Middle Ages ay random at pira-piraso. Ang lungsod, ang komunidad ay nagtatayo ng isang katedral, at ang lahat ng mga detalye nito ay bahagi ng isang solong kabuuan, na idinisenyo para sa mahalagang pang-unawa. Ang mga master architect, master mason, master carver, master painters ay nagtayo ng mga dingding, lumikha ng mga eskultura at mga stained-glass na bintana, pininturahan ang mga dingding at mga icon, ngunit halos wala sa kanila ang sinubukang i-immortalize ang kanilang pangalan para sa susunod na henerasyon. Sa isip, dapat silang magparami sa pinakamahusay na posibleng paraan, upang kopyahin kung ano ang pinabanal ng awtoridad ng reseta at itinuturing na "orihinal" na dapat tularan.

Ang unang hakbang tungo sa paglitaw ng mga bagong uso sa buhay ng lipunan ay ang paglago at pag-unlad ng mga lungsod. Ang Apennine Peninsula, na may pinahabang bota nito na nakakabit sa kalawakan ng Dagat Mediteraneo, ay sumakop sa isang lubhang kapaki-pakinabang na posisyon sa mundo ng medieval. Ang mga pakinabang ng lokasyong ito ay naging lalong maliwanag nang magsimulang bumuhay ang buhay pang-ekonomiya sa Kanluran, at ang pangangailangan para sa pakikipag-ugnayan sa kalakalan sa mayayamang bansa sa Gitnang Silangan ay tumaas. Mula noong siglo XII. nagsimula ang kasagsagan ng mga lungsod ng Italy. Ang impetus para sa mabilis na pag-unlad ng ekonomiya sa kalunsuran ay ang mga krusada: ang mga kabalyero na naglakbay upang sakupin ang Holy Sepulcher ay nangangailangan ng mga barko upang tumawid sa dagat; armas upang labanan; mga produkto at iba't ibang gamit sa bahay. Ang lahat ng ito ay inaalok ng mga artistang Italyano, mangangalakal, mandaragat.

Ang Italya ay hindi bumuo ng isang malakas na sentral na pamahalaan, kaya ang bawat lungsod, kasama ang nakapalibot na kanayunan, ay naging lungsod-estado, na ang kaunlaran ay nakasalalay sa husay ng mga artisan nito, ang liksi ng mga mangangalakal nito, i.e. mula sa negosyo at lakas ng lahat ng residente.

Ang industriya at kalakalan, na puro sa mga lungsod, ay naging batayan ng pang-ekonomiyang buhay ng lipunan na umiral sa Itadia noong XIV-XV na siglo. Ang sistema ng guild ay napanatili, at ang mga miyembro lamang ng mga guild ang may karapatang sibil, i.e. hindi lahat ng residente ng lungsod. At ang iba't ibang mga workshop ay naiiba nang malaki sa antas ng impluwensya: halimbawa, sa Florence, sa 21 na mga workshop, ang pinakamalaking impluwensya ay tinangkilik ng "senior workshop", na pinag-isa ang mga tao ng pinaka-prestihiyosong propesyon. Ang mga miyembro ng senior workshop, ang mga "mataba," ay, sa katunayan, mga negosyante, at ang mga bagong tampok sa buhay pang-ekonomiya ay nagpakita ng kanilang mga sarili sa paglitaw ng mga elemento (sa ngayon ay mga elemento lamang!) Ng isang bagong kaayusan sa ekonomiya.

lungsod ng Renaissance. Ang kultura ng Renaissance ay isang kultura sa lunsod, ngunit ang lungsod na nagsilang dito ay kapansin-pansing naiiba sa medieval na lungsod. Sa panlabas, ito ay hindi masyadong kapansin-pansin: ang parehong matataas na pader, ang parehong magulong pagpaplano, ang parehong katedral sa pangunahing plaza, ang parehong makitid na kalye. "Ang lungsod ay lumago tulad ng isang puno: pinapanatili ang hugis nito, ngunit lumalaki ang laki, at ang mga pader ng lungsod, tulad ng mga singsing sa isang hiwa, ay minarkahan ang mga milestone ng paglago nito." Kaya sa Florence noong siglo XIII. tumagal ng dalawang beses sa isang siglo upang mapalawak ang singsing ng mga pader. Sa kalagitnaan ng siglo XIV. nadagdagan ng 8 beses ang espasyong inilaan para sa pag-unlad ng lungsod. Inalagaan ng pamahalaan ang pagtatayo at pangangalaga ng mga pader.

Ang gate ng lungsod ay nagsilbing isang punto ng pakikipag-ugnayan sa labas ng mundo. Ang mga bantay na nakatayo sa mga tarangkahan ay nangolekta ng isang tungkulin mula sa mga mangangalakal at magsasaka na dumating sa lungsod, pinoprotektahan din nila ang lungsod mula sa isang posibleng pag-atake ng kaaway. Bago ang simula ng panahon ng artilerya, ang mga pader na may malakas na pintuan ay sapat na maaasahang proteksyon laban sa mga panlabas na panghihimasok, pagkain at tubig lamang ang magiging sapat. Ang limitasyon na ito ay ginawa itong pisilin, dagdagan ang bilang ng mga palapag ng mga gusali. Ang Italya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtatayo ng mga matataas na tore ng mga karibal na mayayamang pamilya, ang mga vertical nito, kasama ang mga kampanilya ng mga simbahan, ay nagbigay sa skyline ng lungsod ng hitsura ng isang batong kagubatan. Ang hitsura ng Siena, halimbawa, ay inilarawan sa mga linya ng A. Blok: "Itinulak mo ang mga punto ng mga simbahan at mga tore sa kalangitan".

Ang lungsod ay isang artipisyal na organisadong espasyo. Mga kalye at parisukat ng mga lungsod ng Italy noong ika-13 siglo. nilagyan ng mga bato o maliliit na bato. Karamihan sa pang-araw-araw na buhay ng mga tao ay naganap sa kalye. Sa kalye, naglalatag sila ng mga paninda, nakipagkalakalan, nakipagtransaksyon ng pera, mga mangangalakal, nagpapalit ng pera, artisan, sa kalye sa ilalim ng canopy, madalas na nagtatrabaho ang mga artisan, sa kalye o sa liwasan na kanilang nakilala upang pag-usapan ang iba't ibang isyu, sa plaza. sa harap ng katedral ay may mga talumpati ng mga mangangaral, sa mga sangang-daan ang mga tagapagbalita ay nagpahayag ng balita tungkol sa mga kapanganakan, pagkalugi, pagkamatay, kasal, pagpatay. Ang buhay ng bawat naninirahan sa lungsod ay dumaan sa harap ng mga kapitbahay.

Ang gitnang parisukat ay pinalamutian hindi lamang ng isang maringal na katedral, kundi pati na rin ng mga eskultura. Ang isang halimbawa ng gayong palamuti ay sa Florence ang parisukat sa harap ng Palazzo Vecchio (town hall). Sa harap na bahagi ng lungsod, ang kalapitan ng mga lumang gusali ng istilong Romanesque (sa mas mababang lawak ng Gothic) at mga bagong gusali ng Renaissance ay lalong kapansin-pansin. Ang mga residente ng mga kalapit na lungsod ay nag-agawan sa isa't isa upang palamutihan ang mga parisukat, simbahan at pampublikong gusali.

Sa siglo XIV-XV. sa mga lungsod ng Italyano ay nagkaroon ng mabilis na pagtatayo, ang mga lumang gusali ay giniba at pinalitan ng mga bago. Ang pagkasira ng mga gusali ay hindi palaging ang dahilan para dito - nagbago ang mga panlasa, lumago ang kasaganaan, at sa parehong oras ang pagnanais na magpakita ng mga bagong pagkakataon. Ang isang halimbawa ng ganitong uri ay matatagpuan sa siglong XIV. pagtatayo ng bagong Florentine Cathedral (Duomo, mas kilala bilang Santa Maria del Fiori), ang simboryo kung saan ang pinakamalaki sa panahon nito sa Kanluran.

Kung minsan ang mayayamang pamilya ay nagkakaisa ng ilang lumang tirahan sa likod ng inayos na harapan. Kaya, ang arkitekto na si LB Alberti, na kinomisyon ng pamilyang Ruchelai, ay nagtayo ng isang palazzo sa isang bagong istilo, na nagtatago ng walong bahay sa likod ng isang rusticated na harapan. Ang daanan sa pagitan ng mga bahay ay ginawang patyo. Ginawang posible ng diskarteng ito na isama ang mga tirahan, bodega at tindahan, loggia at hardin sa iisang complex. Ang pangunahing anyo ng arkitektura ng isang sekular na gusali ng lungsod -palazzo - mga palasyo mayayamang taong-bayan na may hugis-parihaba na hugis na may patyo. Ang mga façades ng palazzo, na nakaharap sa kalye, ay tumutugma sa mga kondisyon ng pamumuhay na katangian ng mga republika ng lungsod ng Italya. Binibigyang-diin ang pagpoproseso ng magaspang na bato (rustication), na inilatag sa ibabaw ng dingding ng ibabang palapag, makapal na dingding, maliliit na bintana - lahat ng ito ay nagpapaalala na ang gayong palasyo ay maaaring magsilbing isang maaasahang kanlungan sa panahon ng maraming mga salungatan sa politika sa loob ng lungsod.

Ang mga interior ay binubuo ng isang suite ng mga silid, pinalamutian ng mga kuwadro na gawa sa dingding at natatakpan ng mga kisameng gawa sa kahoy, pinalamutian ng mga inukit, at mas madalas na may mga stucco na kisame. Sa mga seremonyal na okasyon, ang mga dingding ay pinalamutian ng mga karpet sa dingding (tapestries), na nag-ambag din sa pagpapanatili ng init sa lugar. Maluwag NS

mga silid (stanza), mga hagdanan ng marmol ay lumikha ng impresyon ng solemne na karilagan. Ang mga bintana ay sarado na may mga kahoy na shutter, kung minsan sila ay natatakpan ng may langis na lino, at kalaunan (ngunit ito ay halos isang makasalanang luho!), Sila ay napuno ng maliliit na piraso ng salamin na ipinasok sa isang lead binding. Ang pangunahing heating device ay nanatiling apuyan sa kusina, pati na rin ang mga fireplace sa malalaking seremonyal na bulwagan, na mas pinalamutian kaysa sa pinainit. Samakatuwid, sinubukan nilang bigyan ang mga kama ng isang canopy at bakod ang nakapalibot na espasyo na may mabibigat na kurtina. Imposibleng painitin ang buong silid gamit ang isang mainit na bato o isang bote ng mainit na tubig. Bilang isang patakaran, ang ulo lamang ng pamilya ang may "kaniyang sariling" silid, isang study-studio, "isang lugar ng trabaho sa mga sulat ng mga manuskrito, mga pagmumuni-muni, nag-iisa na kaalaman sa mundo at sa sarili", at ang natitirang sambahayan. namuhay nang magkasama. Ang pang-araw-araw na buhay ng isang mayamang pamilya ay kadalasang naganap sa looban at sa mga nakapalibot na gallery.

Medyo kakaunti, ngunit napakalaki at pinalamutian nang husto ng mga ukit at mga pintura, ang mga kasangkapan ay nagpapatunay sa pagnanais para sa kaginhawahan. Ang pinakakaraniwang piraso ng muwebles ay isang dibdib ng kasal (cassone), isang upuan sa dibdib na may likod, mga malalaking cabinet na pinalamutian ng mga detalye ng arkitektura, mga mesa, mga armchair, at mga stool. Ang interior ay pinalamutian hindi lamang ng mga kuwadro na gawa sa dingding, kundi pati na rin ng mga tansong lampara, pininturahan na mga keramika (majolica), mga salamin sa inukit na mga frame, mga pinggan na pilak at salamin, mga lace tablecloth.

Maraming mga arkitekto ang nangangarap na baguhin ang hitsura ng mga lungsod alinsunod sa mga bagong panlasa, ngunit imposible ito: ang malaking konstruksyon ay nangangailangan ng malaking pondo at walang mas kaunting awtoridad upang ipatupad ang napakalaking demolisyon ng mga bahay. Pagkatapos ng lahat, para dito kinakailangan na gibain ang napakaraming mga bahay, upang ilipat ang napakaraming tao, ngunit walang pera para dito. Samakatuwid, kailangan nilang makuntento sa pagtatayo ng mga indibidwal na gusali, kadalasang mga katedral o palazzo ng mga mayayamang pamilya. Ang mga lungsod ay unti-unting itinayo, kung kinakailangan at posible, nang walang anumang plano, at ang kanilang hitsura ay nanatiling higit sa medieval.

Ang mga ideal na lungsod ng Renaissance ay lumitaw halos eksklusibo sa mga blueprint at bilang mga background sa mga larawang komposisyon. "Ang modelo ng lungsod ng Renaissance ay isang bukas na modelo. Ang core ay ... ang libreng espasyo ng parisukat, na bumubukas palabas na may pagtingin sa mga bukas na kalye, na may mga tanawin sa malayo, sa kabila ng mga pader ng lungsod ... ito ay kung paano ang lungsod ay inilalarawan ng mga artista, ito ay kung paano ang mga may-akda ng nakikita ito ng mga treatise ng arkitektura. Ang lungsod ng Renaissance ay perpektong hindi nagtatanggol sa sarili laban sa bukas na espasyo ng isang hindi lungsod, sa kabaligtaran, kinokontrol ito, sinasakop ito ... Ang lungsod ay hindi dapat sumunod sa lokalidad, ngunit sakupin ito ... Ang lungsod ng Middle Ages ay patayo. Ang lungsod ng ika-15 siglo ay perpektong naisip bilang pahalang ... "Isinasaalang-alang ng mga arkitekto na nagdisenyo ng mga bagong lungsod ang pagbabago ng mga kondisyon at, sa halip na karaniwang mga pader ng kuta, iminungkahing magtayo ng mga nagtatanggol na kuta sa paligid ng lungsod.

Ang hitsura ng mga tao. Ang panlabas na anyo ng mga tao ay nagbago, ang mundo ng mga bagay kung saan sila nakapaligid sa kanilang mga sarili ay nagbago. Siyempre, ang mga tirahan ng mahihirap (isang maliit na istrakturang kahoy o isang silid sa likod ng isang tindahan na walang bintana) ay nanatiling pareho sa daan-daang taon na ang nakalilipas. Ang mga pagbabago ay nakaapekto sa may-kaya, mayamang bahagi ng populasyon.

Nagbago ang mga damit ayon sa mood at panlasa ng panahon. Ang mga panlasa ay natukoy na ngayon sa pamamagitan ng mga pangangailangan at kakayahan ng mga sibilyan, ang mayayamang taong-bayan, sa halip na ang klase ng militar ng mga kabalyero. Ang mga panlabas na damit ay tinahi mula sa maraming kulay, kadalasang may pattern na tela tulad ng brocade, velvet, tela, mabigat na seda. Ang linen ay nagsimulang gamitin nang eksklusibo bilang isang mas mababang damit, na ipinakita sa pamamagitan ng lacing at slits ng itaas na damit. "Ang panlabas na kasuotan ng isang matatandang mamamayan, kahit na hindi siya humawak ng anumang elective office, ay kinakailangang mahaba, malawak at nagbigay sa kanyang hitsura ng isang imprint ng gravity at kahalagahan." Maiksi ang damit ng mga kabataan. Binubuo ito ng isang kamiseta, isang waistcoat na may stand-up na kwelyo at masikip na pantalon-medyas na nakatali sa waistcoat, kadalasan ay may iba't ibang kulay. Kung sa siglo XV. ang kagustuhan ay ibinigay sa maliwanag at magkakaibang mga kulay, pagkatapos ay mula sa simula ng XYI siglo. mas sunod sa moda ang mga single-color na damit na pinalamutian ng balahibo at isang chain na gawa sa mahalagang metal.

Mga damit ng kababaihan noong ika-15 siglo. ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lambot ng hugis at maraming kulay. Sa ibabaw ng isang kamiseta at damit na may mahabang makitid na manggas, isang mataas na baywang at isang malaking parisukat na neckline, isang balabal (sikoru), na binubuo ng tatlong mga panel, ay isinusuot. Ang panel sa likod ay nahulog sa likod sa mga libreng fold, at dalawang istante ay naka-draped sa panlasa ng may-ari. Ang pangkalahatang silweta ay nakapagpapaalaala sa sinaunang panahon. Sa simula ng siglo XVI. ang pahalang na dibisyon ay binibigyang-diin sa mga damit ng kababaihan. Ang puntas, na naka-frame sa neckline at mga gilid ng manggas, ay nagsimulang maglaro ng isang mahalagang papel sa dekorasyon ng damit. Ang baywang ay ibinaba sa isang natural na lugar, ang neckline ay ginawang mas malaki, ang mga manggas ay mas makapal, ang palda ay malambot. Ang mga damit ay dapat na i-highlight ang kagandahan ng isang malakas, malusog na babae.

Ang pagkatuklas ng tao na "I". Sa buhay ng Italian Renaissance society, ang luma at ang bagong ay magkakasamang nabubuhay at nagsasama. Ang isang tipikal na pamilya sa panahong iyon ay isang malaking pamilya, na nagsasama ng ilang henerasyon at ilang sangay ng mga kamag-anak, na nasa ilalim ng ulo-patriarch, ngunit sa tabi ng nakagawiang hierarchy na ito, ang isa pang ugali ay lumitaw na nauugnay sa paggising ng personal na kamalayan sa sarili.

Sa katunayan, sa paglitaw sa Italya ng mga kondisyon para sa paglitaw ng isang bagong istrukturang pang-ekonomiya at isang bagong lipunan, ang mga kinakailangan para sa mga tao, kanilang pag-uugali, saloobin sa mga gawain sa mundo at mga alalahanin ay nagbago. Ang produksyon ng kalakalan at handicraft, na puro sa mga lungsod, ay naging batayan ng buhay pang-ekonomiya ng bagong lipunan. Ngunit bago ang karamihan ng populasyon ay tumutok sa mga lungsod, bago lumitaw ang mga pabrika, pabrika, laboratoryo, may mga lumitaw na mga taong nagawang lumikha sa kanila, mga taong masigla, nagsusumikap para sa patuloy na pagbabago, nakikipaglaban upang maitatag ang kanilang lugar sa buhay. Nagkaroon ng pagpapalaya ng kamalayan ng tao mula sa hipnosis ng Kawalang-hanggan, pagkatapos kung saan ang halaga ng sandali, ang kahalagahan ng isang mabilis na daloy ng buhay, ang pagnanais na mas ganap na maranasan ang kapunuan ng pagiging ay nagsimulang madama nang mas matalas.

Ang isang bagong uri ng personalidad ay lumitaw, na nailalarawan sa pamamagitan ng tapang, lakas, pagkauhaw sa aktibidad, malaya mula sa pagsunod sa mga tradisyon at panuntunan, na may kakayahang kumilos sa isang hindi pangkaraniwang paraan. Ang mga taong ito ay interesado sa iba't ibang problema sa buhay. Kaya, sa mga aklat ng opisina ng mga mangangalakal ng Florentine, kabilang sa mga numero at listahan ng iba't ibang mga kalakal, ang isa ay makakahanap ng pangangatwiran tungkol sa kapalaran ng mga tao, tungkol sa Diyos, tungkol sa pinakamahalagang mga kaganapan sa buhay pampulitika at masining. Sa likod ng lahat ng ito, madarama ng isang tao ang pagtaas ng interes sa Tao, sa sarili.

Ang isang tao ay nagsimulang isaalang-alang ang kanyang sariling pagkatao bilang isang bagay na natatangi at mahalaga, higit na makabuluhan dahil mayroon itong kakayahang patuloy na mapabuti. Ang hypertrophied na pakiramdam ng sariling personalidad sa lahat ng pagiging natatangi nito ay lubos na sumisipsip sa taong Renaissance. Natuklasan niya ang kanyang sariling pagkatao, lumulubog nang may kasiyahan sa kanyang sariling espirituwal na mundo, na nabigla sa pagiging bago at kumplikado ng mundong ito.

Ang mga makata ay lalong sensitibong kumukuha at naghahatid ng mood ng panahon. Sa mga liriko na soneto ni Francesco Petrarca, na nakatuon sa magandang Laura, kitang-kita na ang pangunahing tauhan nila ay ang may-akda mismo, at hindi ang layon ng kanyang pagsamba. Sa katunayan, ang mambabasa ay halos walang nalalaman tungkol kay Laura, maliban na siya ay mismong pagiging perpekto, na nagtataglay ng mga ginintuang kulot at isang gintong karakter. Ang kanilang kasiyahan, kanilang mga karanasan, kanilang Ang pagdurusa ay inilarawan ni Petrarch sa mga sonnet. Nang malaman ang pagkamatay ni Laura, ang aking nagluksa siya sa pagkaulila:

Kinanta ko ang tungkol sa kanyang mga gintong kulot,

Hinila ko ang kanyang mga mata at kamay,

Iginagalang ang pagdurusa na may makalangit na kaligayahan,

At ngayon siya ay malamig na alikabok.

At ako, na walang parola, sa isang shell bilang isang sire Sa pamamagitan ng isang bagyo na hindi bago sa akin,

Lumutang ako sa buhay, namumuno nang random.

Dapat itong isipin na ang pagtuklas ng personal na "I" ay nababahala lamang sa kalahati ng sangkatauhan - mga lalaki. Ang mga babae ay itinuturing sa mundong ito bilang mga nilalang na walang sariling halaga. Kinailangan nilang alagaan ang sambahayan, manganak at magpalaki ng maliliit na bata, pasayahin ang mga lalaki sa kanilang kaaya-ayang hitsura at asal.

Sa pagsasakatuparan ng "I" ng tao, ang pagkakaroon ng mga resulta ay itinuturing na mahalaga, at hindi ang globo ng aktibidad kung saan nakamit ang mga ito - kung ito ay isang itinatag na negosyo sa kalakalan, isang kahanga-hangang iskultura, isang napanalunang labanan o isang kahanga-hangang tula o pagpipinta. . Maraming alam, maraming basahin, pag-aralan ang mga banyagang wika, kilalanin ang mga gawa ng mga sinaunang may-akda, maging interesado sa sining, maunawaan ang maraming tungkol sa pagpipinta at tula - ito ang perpekto ng tao sa Renaissance. Ang mataas na bar ng mga kinakailangan para sa personalidad ay ipinakita sa gawain ni Baldazar Castiglione "Sa courtier" (1528): "Gusto kong ang ating courtier ay higit pa sa pangkaraniwan sa panitikan ... upang alam niya hindi lamang ang Latin, kundi pati na rin ang Griyego. ... para makilala niya ng mabuti ang mga makata, pati na ang mga mananalumpati at mananalaysay, at ... marunong sumulat ng tula at tuluyan ... hindi ako matutuwa sa aming courtier, kung hindi pa siya isang musikero ... May isa pang bagay na binibigyan ko ng malaking kahalagahan: ito ay ang kakayahang gumuhit at ang kaalaman sa pagpipinta.

Sapat na maglista ng ilang pangalan ng mga sikat na tao noong panahong iyon upang maunawaan kung gaano kaiba ang mga interes ng mga itinuturing na tipikal na kinatawan ng kanilang panahon. Si Leon Batista Alberti ay isang arkitekto, iskultor, connoisseur ng sinaunang panahon, inhinyero. Si Lorenzo Medici ay isang estadista, isang napakatalino na diplomat, makata, connoisseur at patron ng sining. Si Verrocchio ay isang iskultor, pintor, mag-aalahas, mathematician. Si Michelangelo Buonarroti ay isang iskultor, pintor, arkitekto, makata. Raphael Santi - pintor, arkitekto. Lahat sila ay matatawag na heroic personalities, titans. Kasabay nito, hindi dapat kalimutan ng isa na ang kadakilaan ay nagpapakilala sa sukat, ngunit hindi tinatasa ang kanilang pagganap. Ang mga Titans ng Renaissance ay hindi lamang mga tagalikha, ngunit mahusay din na mga henyo ng kanilang bansa.

Ang karaniwang mga paniwala ng kung ano ang "pinahihintulutan" at kung ano ang "labag sa batas" ay nawala ang kanilang kahulugan. Kasabay nito, ang mga lumang alituntunin ng mga relasyon sa pagitan ng mga tao ay nawala ang kanilang kahulugan, na, marahil, ay hindi nagbigay ng ganap na malikhaing kalayaan, ngunit napakahalaga para sa buhay sa lipunan. Ang pagnanais na igiit ang sarili ay nagkaroon ng iba't ibang anyo - ang gayong saloobin ay maaaring at hindi lamang makabuo ng mga makikinang na artista, makata, palaisip, na ang mga aktibidad ay naglalayon sa paglikha, kundi pati na rin ang mga henyo ng pagkawasak, mga henyo ng kontrabida. Ang isang halimbawa ng ganitong uri ay ang mga paghahambing na katangian ng dalawang sikat na kontemporaryo, na ang rurok ng aktibidad ay bumagsak sa pagliko ng ika-15-16 na siglo.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - isang tao kung kanino mas madaling sabihin ang hindi niya alam kaysa ilista kung ano ang kaya niya. Ang kilalang pintor, iskultor, arkitekto, inhinyero, makata, musikero, naturalista, matematiko, chemist, pilosopo - lahat ng ito ay naaangkop kay Leonardo. Gumawa siya ng isang proyekto para sa isang sasakyang panghimpapawid, isang tangke, kumplikadong mga pasilidad ng patubig at marami pang iba. Nagtrabaho siya kung saan ito ay mas maginhawa upang makahanap ng mga patron mula sa mga naghaharing piling tao, madaling baguhin ang mga ito, at namatay sa France, kung saan nakasulat sa kanyang lapida na siya ay isang "dakilang Pranses na artista". Ang kanyang pagkatao ay naging personipikasyon ng malikhaing diwa ng Renaissance.

Ang kontemporaryo ni Leonardo ay ang sikat na condottiere Cesare Borgia (1474-1507). Ang malawak na edukasyon ay pinagsama sa kanya ng mga likas na talento at walang pigil na pagkamakasarili. Ang kanyang ambisyon ay nagpakita mismo sa isang pagtatangka na lumikha ng isang malakas na estado sa gitna ng Italya. Kung siya ay magtagumpay, pinangarap niyang pag-isahin ang buong bansa; siya ay isang mahusay at matagumpay na kumander at mahusay na pinuno. Upang makamit ang kanyang layunin, ang dalisay na eksperto at mahilig sa kagandahan ay gumamit ng panunuhol, panlilinlang, at pagpatay. Ang ganitong mga pamamaraan ay tila katanggap-tanggap sa kanya para sa kapakanan ng pagkamit ng isang mahusay na layunin - ang paglikha ng isang malakas na estado sa gitna ng Italya. Ang mga pangyayari ay humadlang kay C. Borgia na maisakatuparan ang kanyang mga plano.

Sina Leonardo da Vinci at Cesare Borgia ay mga kontemporaryo, parehong tipikal ng kanilang kritikal na panahon, nang ang mga lumang tuntunin at pamantayan ng buhay ng tao ay nawawalan ng kahalagahan, at ang mga bago ay hindi pa tinatanggap ng lipunan. Ang personalidad ng tao ay nagsusumikap para sa pagpapatibay sa sarili, gamit ang anumang paraan at pagkakataon. Para sa kanya, ang mga lumang ideya tungkol sa "mabuti" at "masama", tungkol sa "pinahihintulutan" at "labag sa batas" ay nawalan din ng kahulugan. "Ang mga tao ay nakagawa ng pinakamabagsik na krimen at hindi nagsisi sa kanila sa anumang paraan, at ginawa nila ito dahil ang huling pamantayan para sa pag-uugali ng tao ay itinuturing na ang taong nadama ang kanyang sarili sa paghihiwalay." Kadalasan sa isang tao, ang walang pag-iimbot na debosyon sa kanyang sining at walang pigil na kalupitan ay pinagsama. Ganito, halimbawa, ang iskultor at mag-aalahas na si B. Cellini, kung saan sinabi nila: "isang tulisan na may mga kamay ng isang diwata."

Ang pagnanais ng indibidwal para sa pagpapahayag ng sarili sa anumang paraan ay tinatawag na titanism. Ang mga Titans ng Renaissance ay naging personipikasyon ng isang panahon na natuklasan ang halaga ng tao "AKO AY", ngunit tumigil bago ang problema ng pagtatatag ng ilang mga patakaran sa mga relasyon sa pagitan ng mga carrier ng maraming iba't ibang "I".

Saloobin patungo sa taong malikhain at ang posisyon ng artista sa lipunan. Nagkaroon ng pagliko patungo sa uri ng sibilisasyon na nagpapahiwatig ng aktibong interbensyon ng tao sa kapaligiran - hindi lamang sa pagpapabuti ng sarili, kundi pati na rin ang pagbabago ng kapaligiran - kalikasan, lipunan - sa pamamagitan ng pag-unlad ng kaalaman at ang kanilang aplikasyon sa praktikal na globo. Kaya, ang pinakamahalagang bagay sa isang tao ay kinilala bilang kanyang kakayahan para sa pagsasakatuparan sa sarili at pagkamalikhain (sa pinakamalawak na kahulugan ng salita). Ito, sa turn, ay ipinapalagay ang pag-abandona sa komprehensibong regulasyon para sa pagkilala sa pribadong inisyatiba. Ang medieval ideal ng contemplative life ay pinalitan ng isang bagong ideal ng isang aktibo, aktibong buhay, na nagpapahintulot sa pag-iwan ng nakikitang ebidensya ng pananatili ng isang tao sa Earth. Ang pangunahing layunin ng pag-iral ay nagiging aktibidad: upang magtayo ng isang magandang gusali, masakop ang maraming lupain, magpalilok ng isang iskultura o magpinta ng isang larawang luluwalhati sa lumikha nito, yumaman at iwanan ang isang maunlad na kumpanya ng kalakalan, makahanap ng isang bagong estado, gumawa ng isang tula o mag-iwan ng maraming supling - lahat ng ito ay sa isang tiyak na kahulugan ay katumbas, pinapayagan nito ang isang tao na iwanan ang kanilang marka. Ginawa ng sining na posible para sa malikhaing prinsipyo na maipakita ang sarili sa isang tao, habang ang mga resulta ng pagkamalikhain ay nagpapanatili ng memorya sa kanya sa loob ng mahabang panahon, dinala siya nang mas malapit sa imortalidad. Ang mga tao sa panahong iyon ay kumbinsido:

Maaaring lampasan ng paglikha ang lumikha:

Aalis ang Lumikha, talunin ng kalikasan,

Gayunpaman, ang imahe na nakuha niya

Ito ay magpapainit ng mga puso sa loob ng maraming siglo.

Ang mga linyang ito ng Michelangelo Buonarroti ay maaaring maiugnay hindi lamang sa masining na paglikha. Ang pagnanais para sa pagpapahayag ng sarili, ang kalunos-lunos na pagpapatibay sa sarili ay naging kahulugan ng espirituwal na buhay ng lipunang Italyano sa panahong ito. Ang taong-tagalikha ay lubos na pinahahalagahan at nauugnay, una sa lahat, sa artist-tagalikha.

Ganito ang pananaw ng mga artista sa kanilang sarili, at hindi ito sumalungat sa opinyon ng publiko. Ang mga salitang sinabi umano ng mag-aalahas at iskultor ng Florentine na si Benvenuto Cellini sa isang courtier ay kilala: "Maaaring isa lamang ang katulad ko sa buong mundo, at mayroong sampu na katulad mo sa bawat pinto." Sinasabi ng alamat na ang pinuno, kung saan nagreklamo ang courtier tungkol sa kabastusan ng artist, ay sumuporta kay Cellini, at hindi ang courtier.

Ang isang artista ay maaaring yumaman, tulad ni Perugino, makatanggap ng isang titulo ng maharlika, tulad ng Mantegna o Titian, maging bahagi ng pinakamalapit na bilog ng mga pinuno, tulad ni Leonardo o Raphael, ngunit karamihan sa mga artista ay may katayuan ng mga artisan at itinuturing ang kanilang sarili bilang ganoon. Ang mga iskultor ay nasa parehong pagawaan kasama ang mga mason, mga pintor na may mga parmasyutiko. Ayon sa mga ideya ng kanilang panahon, ang mga artista ay kabilang sa gitnang stratum ng mga taong-bayan, mas tiyak sa mas mababang strata ng stratum na ito. Karamihan sa kanila ay itinuturing na mga taong nasa middle-income na kailangang patuloy na magtrabaho at maghanap ng mga order. Si D. Vasari, na nagsasalita tungkol sa kanyang malikhaing landas, ay patuloy na nagsasaad na upang matupad ang isang utos ay kailangan niyang pumunta sa Naples, isa pa sa Venice, ang pangatlo sa Roma. Sa pagitan ng mga paglalakbay na ito, bumalik siya sa kanyang katutubong Arezzo, kung saan mayroon siyang bahay, na palagi niyang nilagyan, pinalamutian, pinalawak. Ang ilang mga artista ay may sariling mga bahay (noong ika-15 siglo sa Florence ang isang bahay ay nagkakahalaga ng 100-200 florin), ang iba ay umupa. Ang pintor ay gumugol ng halos dalawang taon sa pagpipinta ng isang medium-sized na fresco, nakatanggap ng 15-30 florin para dito, at ang halagang ito ay kasama rin ang halaga ng materyal na ginamit. Ang iskultor ay gumugol ng halos isang taon sa paggawa ng iskultura at nakatanggap ng mga 120 florin para sa kanyang trabaho. Sa huling kaso, ang mas mahal na mga consumable ay dapat isaalang-alang.

Bilang karagdagan sa mga pagbabayad sa pera, kung minsan ang mga master ay binigyan ng karapatang kumain sa monasteryo. Inilarawan ng omniscient na si Vasari ang kaso ng pintor na si Paolo Uchello, na matagal at masigasig na pinakain ng abbot ng keso hanggang sa tumigil ang master para magtrabaho. Matapos magreklamo ang artista sa mga monghe na siya ay pagod sa keso, at iniulat nila ito sa abbot, binago ng huli ang menu.

Ito ay kagiliw-giliw na ihambing ang impormasyon tungkol sa sitwasyon sa pananalapi ng dalawang pantay (at mataas) na pinahahalagahan ng mga kontemporaryong iskultor na sina Donatello at Ghiberti. Ang una sa kanila, sa pamamagitan ng kanyang kalikasan at paraan ng pamumuhay, ay isang taong pabaya sa usapin ng pera. Ang alamat ay nagpapatotoo na inilagay niya ang lahat ng kanyang (malaking) kita sa isang wallet na nakasabit sa pintuan, at lahat ng miyembro ng kanyang pagawaan ay maaaring kunin mula sa perang ito. Kaya, noong 1427, ang maluwalhating master na si Donatello ay umupa ng isang bahay para sa 15 florin sa isang taon at nagkaroon ng netong kita (ang pagkakaiba sa pagitan ng kung ano ang kanyang utang at kung ano ang kanyang utang) - 7 florin. Economic Lorenzo Ghiberti sa parehong 1427 ay nagkaroon ng isang bahay, isang kapirasong lupa, isang bank account (714 florins) at isang netong kita ng 185 florin.

Ang mga manggagawa ay kusang-loob na kumuha ng iba't ibang mga order upang palamutihan ang mga simbahan, rich palazzo, at palamutihan ang mga holiday sa buong lungsod. "Ang kasalukuyang hierarchy ng mga genre ay hindi umiiral: ang mga bagay na sining ay tiyak na gumagana sa likas na katangian ... Ang mga imahe ng altar, pininturahan na mga dibdib, mga larawan, at mga ipinintang banner ay lumabas mula sa isang workshop ... ang pagkakaisa ng master sa kanyang trabaho, kung saan siya ay pinunasan. ang mga pintura mismo, nakadikit ang brush sa kanyang sarili, pinagsama ang frame sa kanyang sarili - kaya hindi niya nakita ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng pagpipinta ng altar at ng dibdib.

Ang mga kumpetisyon sa pagitan ng mga artista para sa karapatang makatanggap ng isang kapaki-pakinabang na utos ng gobyerno ay karaniwang gawain. Ang pinakatanyag sa mga kumpetisyon na ito ay ang kumpetisyon para sa karapatang gumawa ng mga pintuan para sa Florentine baptistery (binyag), na inayos noong mga unang taon ng ika-15 siglo. Si San Giovanni ay mahal sa lahat ng mga residente ng lungsod, dahil sila ay nagbinyag doon, pinagkalooban ng pangalan ng bawat isa sa kanila, mula doon nagsimula ang bawat isa sa kanyang buhay. Ang lahat ng mga sikat na master ay nakibahagi sa kumpetisyon, at ito ay napanalunan ni Lorenzo Ghiberti, na kalaunan ay buong pagmamalaki na isinulat tungkol dito sa kanyang Mga Tala.

Isa pang sikat na kompetisyon ang naganap makalipas ang isang siglo. Ito ay isang order para sa dekorasyon ng silid ng konseho, na ibinigay ng Florentine Señoria sa dalawa sa pinakasikat na magkaribal, sina Leonardo da Vinci at Michelangelo Buonarroti. Ang eksibisyon ng mga karton (life-size na mga guhit) na ginawa ng mga master ay naging isang kaganapan sa pampublikong buhay ng republika.

Humanismo. Ang mga nag-iisip ng Middle Ages ay niluwalhati sa tao ang kahanga-hanga, espirituwal na prinsipyo at isinumpa ang base, sa katawan. Ang mga tao sa bagong panahon ay niluwalhati ang kaluluwa at katawan sa isang tao, isinasaalang-alang ang mga ito na pantay na maganda at pantay na makabuluhan. Samakatuwid ang pangalan ng ideolohiyang ito - humanismo (homo- tao).

Ang Renaissance humanism ay kinabibilangan ng dalawang bahagi: humanismo, mataas na espirituwalidad ng kultura; at isang kumplikadong mga disiplinang makatao na naglalayong pag-aralan ang makalupang buhay ng isang tao, tulad ng gramatika, retorika, pilolohiya, kasaysayan, etika, pedagogy. Sinikap ng mga humanista na ibaling ang buong sistema ng kaalaman sa solusyon sa mga problema ng buhay ng tao sa lupa. Ang semantic core ng humanism ay ang paggigiit ng isang bagong pag-unawa sa isang personalidad na may kakayahang malayang pag-unlad ng sarili. Kaya, ang pangunahing takbo ng makasaysayang pananaw ng pag-unlad ng modernisasyon - pagbabago, pag-renew, pagpapabuti, ay ipinakita dito.

Ang mga humanista ay hindi marami, ngunit isang maimpluwensyang panlipunang saray ng lipunan, ang nangunguna sa hinaharap na intelihensya. Kasama sa humanistic intelligentsia ang mga kinatawan ng mga taong-bayan, maharlika, at klero. Natagpuan nila ang aplikasyon ng kanilang kaalaman at interes sa iba't ibang aktibidad. Sa mga humanista, maaaring pangalanan ng isa ang mga natitirang pulitiko, abogado, mahistrado, at mga manggagawa sa sining.

Ang tao sa isipan ng mga tao noong panahong iyon ay inihalintulad sa isang mortal na diyos. Ang kakanyahan ng Renaissance ay nakasalalay sa katotohanan na ang tao ay kinilala bilang "korona ng paglikha", at ang nakikitang mundong mundo ay nakakuha ng isang malayang halaga at kahalagahan. Ang buong pananaw sa mundo ng panahon ay naglalayong luwalhatiin ang mga merito at kakayahan ng tao, hindi nagkataon na natanggap nito ang pangalang humanismo.

Ang medyebal na theocentrism ay pinalitan ng anthropocentrism. Ang tao bilang pinakaperpektong nilikha ng Diyos ay nasa sentro ng atensyon ng mga pilosopo at artista. Ang anthropocentrism ng Renaissance ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang paraan. Kaya, ang paghahambing ng mga istrukturang arkitektura sa katawan ng tao, na ginawa noong unang panahon, ay dinagdagan sa espiritung Kristiyano. “Si Leon Batista Alberti, na nagbukod ng biblikal na anthropomorphism mula sa paganong Vitruvius, na inihambing ang mga proporsyon ng mga haligi sa mga proporsyon ng taas at kapal ng isang tao ... siya, kasunod ni Augustine the Blessed, ay iniugnay ang mga proporsyon ng tao sa mga parameter ng arka ni Noe at ang templo ni Solomon. Ang kasabihan na "tao ang sukatan ng lahat ng bagay" ay may kahulugang aritmetika para sa Renaissance.

Ang Italyano na humanist, na nabuhay sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, ay nakapagpahayag ng kakanyahan ng anthropocentrism nang lubos na nakakumbinsi. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Siya ay nagmamay-ari ng isang sanaysay na tinatawag na "Speech on Human Dignity." Ang pangalan mismo ay mahusay magsalita, kung saan ang evaluative na sandali - "dignidad ng tao" ay binibigyang diin. Sa kasulatang ito, ang Diyos, na nakikipag-usap sa isang tao, ay nagsabi: "Sa gitna ng mundo, inilagay kita, upang mas madali para sa iyo na tumagos sa iyong tingin sa kapaligiran. Nilikha kita bilang isang nilalang na hindi makalangit, ngunit hindi lamang makalupa, hindi mortal, ngunit hindi rin imortal, upang ikaw, alien sa mga hadlang, ay maging isang manlilikha sa iyong sarili at sa wakas ay bumuo ng iyong sariling imahe."

Ang isang tao ay naging pinakaperpektong nilikha, mas perpekto kaysa sa mga makalangit na nilalang, dahil sila ay pinagkalooban ng kanilang sariling dignidad mula pa sa simula, at ang isang tao ay maaaring paunlarin ang mga ito sa kanyang sarili, at ang kanyang kagitingan, ang kanyang kadakilaan ay nakasalalay lamang sa kanyang personal. mga katangian (virtu). Narito ang isinulat ng arkitekto at manunulat na si Leon Batista Alberti tungkol sa mga kakayahan ng tao: “Kaya naunawaan ko na nasa ating kapangyarihan na makamit ang lahat ng papuri, sa anumang kagitingan, sa tulong ng ating sariling sigasig at kasanayan, at hindi lamang sa pamamagitan ng biyaya. ng kalikasan at panahon. .. "Ang mga siyentipiko-humanista ay naghahanap ng kumpirmasyon ng kanilang saloobin sa tao mula sa mga pilosopo ng ibang mga panahon at natagpuan ang mga katulad na pananaw sa mga nag-iisip ng sinaunang panahon.

Sinaunang pamana. Ang ugali ng pag-asa sa isang tiyak na awtoridad ay ginawa ng mga humanist na maghanap ng kumpirmasyon ng kanilang mga pananaw kung saan nakakita sila ng mga ideya na magkatulad sa espiritu - sa mga gawa ng mga sinaunang may-akda. Ang "Pag-ibig para sa mga sinaunang tao" ay naging isang tampok na katangian na nagpapakilala sa mga kinatawan ng ideolohikal na kalakaran na ito. Ang pag-master ng espirituwal na karanasan ng unang panahon ay dapat na mag-ambag sa pagbuo ng isang perpektong moral na tao, at samakatuwid ay sa espirituwal na paglilinis ng lipunan.

Ang Middle Ages ay hindi kailanman ganap na nasira sa sinaunang nakaraan. Itinuturing ng mga Italian humanist ang antiquity bilang isang ideal. Ang mga nag-iisip ng nakaraang milenyo ay pinili si Aristotle sa mga sinaunang may-akda, ang mga humanista ay higit na naaakit ng mga sikat na orator (Cicero) o mga mananalaysay (Titus Livy), mga makata. Sa mga gawa ng mga sinaunang tao, ang pinakamahalaga ay ang mga kaisipan tungkol sa espirituwal na kadakilaan, mga malikhaing posibilidad, mga kabayanihan ng mga tao. Si F. Petrarch ay isa sa mga unang nagsimulang partikular na maghanap ng mga antigong manuskrito, mag-aral ng mga sinaunang teksto at sumangguni sa mga sinaunang may-akda bilang pinakamataas na awtoridad. Tinalikuran ng mga humanista ang medieval na Latin at sinubukang isulat ang kanilang mga gawa sa klasikal na "Cicero" Latin, na pinilit silang ipasailalim ang mga kinakailangan ng gramatika sa mga katotohanan ng modernong buhay. Pinag-isa ng klasikal na Latin ang mga matatalinong iskolar nito sa buong Europa, ngunit inihiwalay ang kanilang "republika ng mga iskolar" mula sa mga hindi bihasa sa masalimuot ng Latin.

Muling Pagkabuhay at Mga Tradisyong Kristiyano. Ang bagong kalagayan ng pamumuhay ay humihingi ng pagtanggi sa mga lumang Kristiyanong mithiin ng pagpapakumbaba at kawalang-interes sa makalupang buhay. Ang pathos ng pagtanggi na ito ay kapansin-pansin sa kultura ng Renaissance. Kasabay nito, walang pagtanggi sa pagtuturo ng Kristiyano. Ang mga taong Renaissance ay patuloy na itinuturing ang kanilang sarili na mabubuting Katoliko. Laganap ang kritisismo sa simbahan at sa mga pinuno nito (lalo na sa monasticism), ngunit ito ay pagpuna sa mga tao ng simbahan, at hindi sa turong Kristiyano. Bukod dito, pinuna ng mga humanist hindi lamang ang imoralidad ng pag-uugali ng ilan sa mga churchmen, para sa kanila ang napaka medyebal na ideal ng withdrawal, ang pagtanggi sa mundo ay hindi katanggap-tanggap. Narito ang isinulat ng humanist na si Kalyuccio Salutati sa kanyang kaibigan na nagpasyang maging monghe: "Huwag kang maniwala, O Pellegrino, na ang pagtakas sa mundo, pag-iwas sa paningin ng magagandang bagay, pagkukulong sa iyong sarili sa isang monasteryo o pagretiro sa isang skete ay ang landas tungo sa pagiging perpekto."

Ang mga ideyang Kristiyano ay magkakasamang umiral nang mapayapa sa isipan ng mga taong may mga bagong kaugalian ng pag-uugali. Kabilang sa mga tagapagtanggol ng mga bagong ideya ay maraming pinuno ng Simbahang Katoliko, kabilang ang mga may pinakamataas na ranggo, hanggang sa at kabilang ang mga kardinal at papa. Sa sining, lalo na sa pagpipinta, nanatiling nangingibabaw ang mga tema ng relihiyon. Ang pinakamahalaga, ang mga ideyal ng Renaissance ay kinabibilangan ng Kristiyanong espirituwalidad, ganap na dayuhan sa sinaunang panahon.

Pinahahalagahan ng mga kontemporaryo ang aktibidad ng mga humanista bilang pinakamataas na tagumpay ng kultura ng kanilang panahon, mas alam ng mga inapo ang kanilang mataas na natutunan na pag-aaral sa pamamagitan ng sabi-sabi. Para sa mga kasunod na henerasyon, ang kanilang gawain, sa kaibahan sa mga likha ng mga artista, arkitekto at iskultor, ay interesado bilang isang makasaysayang kababalaghan. Samantala, ito ay tiyak na mga pedantic connoisseurs ng Latin, ang mga mahilig sa pangangatwiran

0 mga birtud ng mga sinaunang tao ang bumuo ng mga pundasyon ng isang bagong pananaw sa mundo, tao, kalikasan, itinanim sa lipunan ng mga bagong etikal at aesthetic na mithiin. Ang lahat ng ito ay naging posible na humiwalay sa mga tradisyon ng Middle Ages at bigyan ang umuusbong na kultura ng isang panibagong hitsura. Samakatuwid, para sa mga inapo, ang kasaysayan ng Italya ng Renaissance ay, una sa lahat, ang kasaysayan ng pamumulaklak ng sining ng Italyano.

Problema sa paglilipat ng espasyo. Ang Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang magalang, halos magalang na saloobin sa kaalaman at pag-aaral. Ito ay sa kahulugan ng kaalaman sa pinakamalawak na kahulugan ng salita na ang salitang "agham" ay ginamit noon. Mayroon lamang isang paraan ng pagkuha ng kaalaman - pagmamasid, pagmumuni-muni. Ang pinaka-progresibong sangay ng kaalaman sa panahong ito ay naging kaalaman na may kaugnayan sa visual na pag-aaral ng panlabas na mundo.

"Ang mahabang proseso ng pagkahinog ng mga agham ng kalikasan at buhay ay nagsisimula na sa ika-13 siglo. At ang simula nito ay isang rebolusyon sa pag-unlad ng pangitain, na nauugnay sa pag-unlad ng optika at ang pag-imbento ng mga baso ... Ang pagtatayo ng linear na pananaw ay pinalawak ang larangan ng pagtingin nang pahalang at sa gayon ay limitado ang pangingibabaw ng vertical na nakadirekta patungo sa kalangitan sa ito." Ang mata ng tao ay nagsilbing mapagkukunan ng impormasyon. Tanging isang artista, isang tao na hindi lamang matalas ang mata, ngunit may kakayahang makuha at maihatid sa manonood ang hitsura ng isang bagay o kababalaghan na hindi nakikita ng manonood, ngunit nais malaman, ay nakapaghatid ng impormasyon. , lumikha ng nakikitang larawan ng anumang bagay. Kaya naman ang sigasig at pagmamalaki sa mga salita ni D. Vasari, na sumulat: "Ang mata, na tinatawag na bintana ng kaluluwa, ay ang pangunahing paraan kung saan ang pangkalahatang pakiramdam ay maaaring makita ang walang katapusang mga nilikha ng kalikasan sa pinakadakilang kayamanan at karilagan . .."

Hindi kataka-taka, kung gayon, na iginagalang ng mga tao ng Renaissance ang pagpipinta bilang isang agham, at ang pinakamahalaga sa mga agham: "Oh, kamangha-manghang siyensya, pinapanatili mong buhay ang mortal na kagandahan ng mga mortal, ginagawa silang mas matibay kaysa sa mga nilikha ng kalikasan, na patuloy na nagbabago ng panahon, na nagdadala sa kanila sa hindi maiiwasang pagtanda ... "Inulit ni Leonardo da Vinci sa iba't ibang paraan sa kanyang mga tala.

Ang pinakamahalaga sa kasong ito ay ang paglipat ng ilusyon ng dami ng bagay, ang lokasyon nito sa espasyo, i.e. ang kakayahang lumikha ng isang maaasahang pagguhit. Ang kulay, sa kabilang banda, ay gumaganap ng isang subordinate na papel, nagsilbing karagdagang dekorasyon. "Ang pananaw ay ang pangunahing larong intelektwal noong panahong iyon ..."

Si Vasari sa kanyang "Biographies" ay espesyal na nabanggit ang sigasig ng isang bilang ng mga artista noong ika-15 siglo. ang pag-aaral ng linear na pananaw. Kaya, ang pintor na si Paolo Uchello ay literal na "nakabitin" sa mga problema ng pananaw, itinalaga ang lahat ng kanyang mga pagsisikap sa wastong pagtatayo ng espasyo, pag-aaral na ihatid ang ilusyon ng pagbawas at pagbaluktot ng mga detalye ng arkitektura. Ang asawa ng artista ay "madalas na sinabi na si Paolo ay gumugol ng buong gabi sa kanyang studio sa paghahanap ng mga batas ng pananaw at kapag tinawag niya siya upang matulog, sinagot niya siya:" Oh, anong kaaya-aya ang pananaw na ito!

Mga yugto ng Renaissance ng Italya. Ang kultura ng Italian Renaissance ay dumaan sa ilang yugto. Ang mga pangalan ng panahon ay tradisyonal na tinutukoy ng siglo:

• - ang pagliko ng XIII-XIV na siglo. - Duchento, Proto-Renaissance (Pre-Renaissance). Center - Florence;
• - siglo XIV. -trecento (Maagang Renaissance);
• - XV siglo. - Quattrocento (pagdiriwang ng kultura ng Renaissance). Kasama ng Florence, lumilitaw ang mga bagong sentrong pangkultura sa Milan, Ferrara, Mantua, Urbino, Rimini;
• - siglo XVI. -Cinquecento, kabilang ang: High Renaissance (unang kalahati ng ika-16 na siglo), ang pamumuno sa buhay kultural ay dumaan sa Roma, at ang Late Renaissance (50-80s ng ika-16 na siglo), nang ang Venice ay naging huling sentro ng kultura ng Renaissance.

Proto-Renaissance. Sa mga unang yugto ng Renaissance, ang Florence ang pangunahing sentro ng bagong kultura. Iconic Poet Figures Dante Alighieri (1265-1321 ) at ang artistang si Giotto di Bondone (1276-1337 ), parehong lumabas mula sa Florence, parehong mga personalidad na tipikal para sa isang bagong makasaysayang panahon - aktibo, aktibo, masigla. Isa lamang sa kanila, si Dante, na naging aktibong bahagi sa pakikibakang pampulitika, ay nagtapos ng kanyang buhay bilang isang politikal na pagpapatapon, at ang isa pa, si Giotto, na hindi lamang isang sikat na artista, kundi isang arkitekto, ay namuhay bilang isang kagalang-galang at maunlad na lungsod. naninirahan. (sa kalahati). Ang bawat isa sa kanyang sariling larangan ng pagkamalikhain ay isang innovator at tagakumpleto ng mga tradisyon sa parehong oras.

Ang huling kalidad ay higit na katangian ni Dante. Ang kanyang pangalan ay ginawang walang kamatayan sa pamamagitan ng tula na "The Divine Comedy", na nagsasabi tungkol sa mga pagala-gala ng may-akda sa kabilang mundo. Ang lahat ng mga pangunahing ideya ng medieval worldview ay puro sa gawaing ito. Ang luma at ang bagong magkakasamang nabubuhay sa loob nito. Medyo medyebal ang balangkas, ngunit muling isinalaysay sa bagong paraan. Una sa lahat, mahalagang tandaan na inabandona ni Dante ang Latin. Ang tula ay nakasulat sa diyalektong Tuscan. Ang imahe ng isang medyebal na patayong larawan ng sansinukob ay ibinigay: ang mga bilog ng Impiyerno, ang bundok ng Purgatoryo, ang espasyo ng Paraiso, ngunit ang pangunahing karakter ay si Dante mismo, na sinamahan ng makatang Romano na si Virgil sa kanyang paggala sa Impiyerno at Purgatoryo, at sa Paraiso nakilala niya ang "divine Beatrice", ang babaeng minahal ng makata sa buong buhay niya. Ang tungkuling itinalaga sa mortal na babae sa tula ay nagpapahiwatig na ang may-akda ay higit na tumitingin sa hinaharap kaysa sa nakaraan.

Ang tula ay pinaninirahan ng maraming mga karakter, aktibo, hindi matitinag, masigla, ang kanilang mga interes ay nabaling sa makalupang buhay, sila ay nag-aalala tungkol sa makalupang mga hilig at mga gawa. Ang iba't ibang mga kapalaran, karakter, sitwasyon ay dumaan sa harap ng mambabasa, ngunit ito ang mga tao sa darating na panahon, na ang espiritu ay hindi nakabukas sa kawalang-hanggan, ngunit sa panandaliang interes "dito at ngayon". Mga kontrabida at martir, bayani at biktima na pumukaw ng habag at poot - lahat sila ay humanga sa kanilang sigla at pagmamahal sa buhay. Gumawa si Dante ng napakalaking larawan ng uniberso.

Ang artist na si Giotto ay nagtakda sa kanyang sarili ng layunin na tularan ang kalikasan, na magiging pundasyon ng mga pintor ng susunod na panahon. Ipinakita nito ang sarili sa pagnanais na ihatid ang volumetricness ng mga bagay, na gumagamit ng liwanag at anino na pagmomodelo ng mga figure, na nagpapakilala ng landscape at interior sa imahe, sinusubukang ayusin ang imahe bilang isang platform ng entablado. Bilang karagdagan, tinalikuran ni Giotto ang medyebal na tradisyon ng pagpuno sa buong espasyo ng mga dingding at kisame ng mga pagpipinta na pinagsasama ang iba't ibang mga paksa. Ang mga dingding ng mga kapilya ay natatakpan ng mga fresco, na nakaayos sa mga sinturon, at ang bawat sinturon ay nahahati sa ilang nakahiwalay na mga pintura na nakatuon sa isang hiwalay na yugto at naka-frame ng isang ornamental pattern-frame. Ang manonood, na dumadaan sa mga dingding ng kapilya, ay sinusuri ang iba't ibang mga yugto, na parang binubuklat ang mga pahina ng isang libro.

Ang pinakasikat na mga gawa ni Giotto ay mga wall painting (frescoes) sa mga simbahan sa Assisi at Padua. Sa Assisi, ang mga mural ay nakatuon sa buhay

Francis of Assisi, ilang sandali bago ay binilang sa mga banal. Ang Padua cycle ay nauugnay sa mga kwento ng Bagong Tipan na nagsasabi sa kuwento ng buhay ng Birheng Maria at Hesukristo.

Ang inobasyon ni Giotto ay hindi lamang sa paggamit ng mga bagong pamamaraan, hindi lamang sa "pagkopya" ng kalikasan (na kung saan ay masyadong literal na naiintindihan ng kanyang mga kagyat na tagasunod - jottesques), ngunit sa paglilibang ng isang bagong pang-unawa sa mundo na may mga diskarte sa larawan. Ang mga imaheng nilikha niya ay puno ng lakas ng loob at kalmadong kadakilaan. Pareho silang si Maria, na taimtim na tinatanggap ang balita ng kanyang pagkahirang ("Pagpapahayag"), at ang mabait na St. Francis, niluluwalhati ang pagkakaisa at pagkakaisa ng sansinukob ("St. Francis na nangangaral sa mga ibon"), at si Kristo, mahinahong sinalubong ang taksil na halik ni Hudas ("Ang Halik ni Hudas"). Sina Dante at Giotto ay itinuturing na mga master na nagsimulang bumuo ng tema ng heroic na tao sa Italian Renaissance.

Trecento. Ang kaluwalhatian sa panahong ito ay dinala ng mga masters na bumuo ng isang liriko na tema sa sining. Ang makikinig na mga saknong ng mga sonnet ni Petrarch tungkol sa magandang Laura ay umaalingawngaw sa katangi-tanging linearity ng mga gawa ng Sienese artist. Ang mga pintor na ito ay naiimpluwensyahan ng mga tradisyon ng Gothic: matulis na mga spire ng mga simbahan, matulis na mga arko, 5-hugis na liko ng mga figure, flatness ng imahe at pandekorasyon na mga linya ay nakikilala ang kanilang sining. Ang pinakatanyag na kinatawan ng paaralang Sienese ay isinasaalang-alang Simone Martini (1284-1344). Karaniwan para sa kanya ang komposisyon ng altar na naglalarawan sa eksena ng Annunciation, na naka-frame sa pamamagitan ng katangi-tanging ginintuan na mga ukit na bumubuo ng mga pahabang arko ng Gothic. Binabago ng ginintuang background ang buong eksena sa isang kamangha-manghang pangitain, at ang mga pigura ay puno ng pandekorasyon na biyaya at kakaibang biyaya. Ang walang katawan na pigura ni Mary na kakatwang nakatungo sa isang ginintuang trono, ang kanyang maselan na mukha ay nagpapaalala sa atin ng mga linya ni Blok: "pinapikit ng mapanlinlang na mga Madonna ang kanilang mahabang mata." Ang mga artista ng bilog na ito ay bumuo ng liriko na linya sa sining ng Renaissance.

Sa siglong XIV. nagaganap ang pagbuo ng wikang pampanitikan ng Italyano. Ang mga manunulat noong panahong iyon ay kusang sumulat ng mga nakakatawang kwento tungkol sa mga pangyayari sa lupa, mga kaguluhan sa tahanan at mga pakikipagsapalaran ng mga tao. Interesado sila sa mga sumusunod na tanong: paano kumilos ang isang tao sa ilang mga pangyayari; Paano tumutugma ang mga salita at gawa ng mga tao sa isa't isa? Ang ganitong mga maikling kwento (nobela) ay pinagsama sa mga koleksyon na bumubuo ng isang uri ng "katauhan na komedya" ng panahong iyon. Ang pinakasikat sa mga ito, Ang Decameron »Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), ay isang encyclopedia ng pang-araw-araw na buhay at mga kaugalian ng buhay sa panahon nito.

Para sa salinlahi Francesco Petrarca (1304-1374) - ang unang liriko na makata ng modernong panahon. Para sa kanyang mga kontemporaryo, siya ang pinakadakilang pulitikal na palaisip, pilosopo, pinuno ng mga kaisipan ng ilang henerasyon. Tinatawag siya ang unang humanista. Sa kanyang mga treatise, binuo ang mga pangunahing pamamaraan at tema na likas sa humanismo. Si Petrarch ang bumaling sa pag-aaral ng mga sinaunang may-akda, palagi niyang tinutukoy ang kanilang awtoridad, nagsimulang magsulat ng tama ("Cicero") Latin, napagtanto ang mga problema ng kanyang panahon sa pamamagitan ng prisma ng sinaunang karunungan.

Sa musika, ang mga bagong uso ay nagpakita ng kanilang sarili sa mga gawa ng mga masters tulad ni F. Landini. Ang direksyon na ito ay nakatanggap ng pangalang "bagong sining". Noong panahong iyon, ipinanganak ang mga bagong musikal na anyo ng sekular na musika, tulad ng ballad at madrigal. Sa pamamagitan ng pagsisikap ng mga kompositor ng "bagong sining", ang himig, pagkakaisa at ritmo ay pinagsama sa isang solong sistema.

Quattrocento. Binubuksan ng panahong ito ang aktibidad ng tatlong masters: ang arkitekto Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), iskultor Donatello(1386-1466 ), pintor Masaccio (1401-1428 ). Ang kanilang bayan, ang Florence, ay nagiging isang kinikilalang sentro ng isang bagong kultura, na ang pangunahing ideolohiya ay ang pagluwalhati sa tao.

Sa mga istrukturang arkitektura ng Brunelleschi, ang lahat ay napapailalim sa kadakilaan ng tao. Ito ay ipinakita sa katotohanan na ang mga gusali (kahit na malalaking simbahan) ay itinayo upang ang isang tao ay hindi magmukhang nawala at hindi gaanong mahalaga doon, tulad ng sa isang Gothic na katedral. Ang mga magaan na arcade (mga elemento na walang analogue noong unang panahon) ay pinalamutian ang mga panlabas na gallery ng Orphanage, magaan at mahigpit na mga silid sa loob na itinakda sa isang seryosong mood, isang marilag at magaan na octahedral na simboryo ang pumuno sa espasyo ng Katedral ng Santa Maria della Fiore. Ang mga facade ng city palaces-palazzo, kung saan ang magaspang na pagmamason ng unang palapag (rustication) ay itinayo ng mga eleganteng portal, ay puno ng matinding pagpigil. Ito ang impresyon na hinahangad ng arkitekto na si Filippo Brunelleschi.

Ang iskultor na si Donato, na bumaba sa kasaysayan ng sining sa ilalim ng kanyang palayaw na Donatello, ay muling binuhay ang isang uri ng free-standing sculpture na nakalimutan noong Middle Ages. Nagawa niyang pagsamahin ang antigong ideal ng isang maayos na nabuong katawan ng tao na may Kristiyanong espirituwalidad at matinding intelektwalidad. Ang mga imaheng nilikha niya, maging ito man ay ang agitated at tense na propetang si Avvakum ("Tsukkone"), ang nag-iisip na mananakop na si David, ang mahinahong nakakonsentrang Maria Anunziata, ang kakila-kilabot na Gattamelata sa kanyang walang pag-aalinlangan na katigasan ng ulo, ay niluluwalhati ang kabayanihan na prinsipyo sa tao.

Ipinagpatuloy ni Tomaso Masaccio ang mga reporma sa pagpipinta ni Giotto. Ang kanyang mga figure ay napakalaki at mariin na materyal ("Madonna and Child with St. Anna"), nakatayo sila sa lupa, at hindi "lumulutang" sa hangin ("Adan at Eba, Pinatalsik mula sa Paraiso"), sila ay inilagay sa isang puwang na pinamamahalaang ihatid ng artist gamit ang mga diskarte ng isang sentral na pananaw ("Trinity").

Ang mga fresco ni Masaccio sa Brancacci Chapel ay naglalarawan sa mga apostol na kasama ni Kristo sa kanyang makalupang paglalagalag. Ito ay mga ordinaryong tao, mangingisda at artisan. Ang artista, gayunpaman, ay hindi naghahangad na bihisan sila ng basahan upang bigyang-diin ang kanilang pagiging simple, ngunit iniiwasan ang mga mayayabong na damit na magpapakita ng kanilang pagiging eksklusibo at pagiging eksklusibo. Mahalaga para sa kanya na ipakita ang walang hanggang kahulugan ng mga nangyayari.

Sinubukan ng mga Renaissance masters ng gitnang Italya na iwasan ang ganitong uri ng detalye. Itinuring na mas mahalaga na ihatid ang tipikal, pangkalahatan, at hindi indibidwal, hindi sinasadya, upang maihatid ang kadakilaan ng isang tao. Para dito, halimbawa, si Piero della Francesca ay gumamit ng mga pamamaraan tulad ng paggamit ng "mababang abot-tanaw" at ang asimilasyon ng mga pigura ng tao, na nakabalot sa malalawak na balabal, sa mga anyong arkitektura ("Ang Reyna ng Sheba bago si Solomon").

Kasabay ng kabayanihang tradisyong ito, nabuo ang isa pa, liriko. Ito ay pinangungunahan ng decorativeness, multicolor (ang ibabaw ng maraming mga painting ng panahong iyon ay kahawig ng mga eleganteng carpet), patterning. Ang mga character na inilalarawan ng mga masters ng trend na ito ay mapanglaw na nag-iisip, puno ng malambot na kalungkutan. Ang maliliit na bagay sa pang-araw-araw na buhay, ang mga kakaibang detalye ay bumubuo ng isang mahalagang bahagi ng kanilang pagiging kaakit-akit. Kasama sa mga artista ng lupong ito ang mga Florentine masters at ang mga artista ng ibang mga paaralan. Ang pinakasikat sa kanila ay sina Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Ang pinakamatalino na master ng trend na ito ay ang Florentine Sandro Botticelli (1445-1510 ). Ang nakakaantig, nakakaantig na kagandahan ng kanyang Madonnas at Venus ay nauugnay para sa marami sa sining ng Quattrocento sa pangkalahatan. Katangi-tanging kupas na mga kulay, kakaiba, ngayon ay umaagos, ngayon ay kumikislap na mga linya, mga magaan na pigura na dumudulas sa ibabaw ng lupa at hindi nagpapansinan. Si Botticelli ay isa sa mga pinakakaakit-akit na artista ng Renaissance, na ang trabaho ay pinagsasama ang impluwensya ng medieval aesthetics, katatasan sa mga bagong artistikong pamamaraan at isang premonisyon ng krisis ng humanistic na kultura. Ang kanyang pagpipinta ay naglalaman ng mga paksang mitolohiko, alegoriko at biblikal. Ang mga balangkas na ito ay naihatid sa pamamagitan ng brush ng isang inosente at taos-pusong tao na sumali sa mga pilosopikal na ideya ng Neo-Platonismo.

Ang sining ni Botticelli ay umunlad sa korte ng hindi opisyal na pinuno ng Florence, ang bangkero na si Lorenzo Medici, na isang tipikal na panlipunan at pampulitika na pigura sa kanyang panahon: isang tuso at maparaan na politiko, isang matigas na pinuno, isang masigasig na tagahanga ng sining, isang mahusay na makata. Hindi siya nakagawa ng mga kalupitan gaya ng S. Malatesta o C. Borgia, ngunit sa pangkalahatan ay sumunod sa parehong mga prinsipyo sa kanyang mga aksyon. Siya ay nailalarawan (muli sa diwa ng mga panahon) na may pagnanais na ipakita ang panlabas na karangyaan, karilagan, kasiyahan. Sa ilalim niya, ang Florence ay sikat sa mga makikinang na karnabal nito, isang obligadong bahagi kung saan ang mga naka-costume na prusisyon, kung saan ang mga maliliit na pagtatanghal sa teatro ay ginanap sa mga mitolohiko at alegoriko na mga tema, na sinamahan ng mga sayaw, pag-awit, at pagbigkas. Inaasahan ng mga pagdiriwang na ito ang pagbuo ng sining sa teatro, na nagsimula sa susunod na siglo ng XVI.

Ang krisis ng mga ideya ng humanismo. Ang humanismo ay nakatuon sa pagluwalhati sa tao at naka-pin ng mga pag-asa sa katotohanan na ang isang malayang pagkatao ng tao ay maaaring walang katapusang pagbutihin, at sa parehong oras ay bubuti ang buhay ng mga tao, ang mga relasyon sa pagitan nila ay magiging mabait at maayos. Dalawang siglo na ang lumipas mula nang magsimula ang kilusang makatao. Ang kusang enerhiya at aktibidad ng mga tao ay lumikha ng maraming - kahanga-hangang mga gawa ng sining, mayayamang kumpanya ng kalakalan, mga scholarly treatise at nakakatawang maikling kwento, ngunit ang buhay ay hindi naging mas mahusay. Bukod dito, ang pag-iisip ng posthumous na kapalaran ng matapang na mga tagalikha ay nag-aalala nang higit pa at mas matalas. Ano ang makapagbibigay-katwiran sa makalupang aktibidad ng isang tao mula sa pananaw ng kanyang posthumous life? Ang humanismo at ang buong kultura ng Renaissance ay hindi nagbigay ng sagot sa tanong na ito. Ang personal na kalayaan, na nakasulat sa bandila ng humanismo, ay nagbunga ng problema ng personal na pagpili sa pagitan ng mabuti at masama. Ang pagpili ay hindi palaging ginawa pabor sa mabuti. Ang pakikibaka para sa kapangyarihan, impluwensya, kayamanan ay humantong sa patuloy na madugong sagupaan. Ang mga lansangan, mga bahay at maging ang mga simbahan ng Florence, Milan, Roma, Padua at lahat ng mga lungsod at bayan ng Italya ay napuno ng dugo. Ang kahulugan ng buhay ay nabawasan sa pagkuha ng kongkreto at nasasalat na mga tagumpay at tagumpay, ngunit sa parehong oras ay wala itong mas mataas na katwiran. Bukod dito, ang "laro na walang mga patakaran", na naging panuntunan ng buhay, ay hindi maaaring tumagal ng masyadong mahaba. Ang sitwasyong ito ay nagbunga ng lumalagong pagnanais na ipakilala ang isang elemento ng organisasyon at katiyakan sa buhay ng lipunan. Ito ay kinakailangan upang mahanap ang pinakamataas na katwiran, ang pinakamataas na pampasigla para sa galit na galit na pagkulo ng enerhiya ng tao.

Ni ang humanistic na ideolohiya, na nakatuon sa paglutas ng mga problema ng makalupang buhay, o ang lumang Katolisismo, na ang etikal na ideal ay nakadirekta sa isang puro mapagnilay-nilay na buhay, ang makapagbibigay ng isang sulat sa pagitan ng nagbabagong pangangailangan ng buhay at ng kanilang ideolohikal na paliwanag. Ang relihiyosong dogma ay kailangang umangkop sa mga pangangailangan ng isang lipunan ng mga aktibo, masigasig, independiyenteng mga indibidwalista. Gayunpaman, ang mga pagtatangka sa mga reporma sa simbahan sa Italya, na siyang sentro ng ideolohikal at organisasyonal ng daigdig ng Katoliko, ay tiyak na mabibigo.

Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa nito ay ang pagtatangka ng Dominican monghe na si Girolamo Savonarola na isagawa ang ganitong uri ng reporma sa mga kondisyon ng Florence. Matapos ang pagkamatay ng napakatalino na si Lorenzo Medici, nakaranas si Florence ng krisis sa politika at ekonomiya. Pagkatapos ng lahat, ang karilagan ng hukuman ng Medici ay sinamahan ng isang pagkasira sa ekonomiya ng Florence, isang pagpapahina ng posisyon nito sa mga kalapit na estado. Ang mahigpit na Dominican monghe na si Savonarola, na nanawagan para sa pag-abandona sa karangyaan, ang pagtugis ng walang kabuluhang sining at ang pagtatatag ng hustisya, ay nakakuha ng napakalaking impluwensya sa lungsod. Karamihan sa mga taong-bayan (kabilang ang mga artista tulad nina Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) ay masigasig na nagsimulang labanan ang kasamaan, sinisira ang mga luxury goods, sinusunog ang mga gawa ng sining. Sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng curia ng Roma, si Savonarola ay ibinagsak at pinatay, ang kapangyarihan ng oligarkiya ay naibalik. Ngunit ang matanda, matahimik at masayang pagtitiwala sa mga mithiin na naglalayong luwalhatiin ang perpektong tao ay wala na.

Mataas na Renaissance. Ang pagbagsak ng kalunos-lunos ng emansipasyon at pagpapalaya ay naging ubod ng humanistikong ideolohiya. Nang maubos ang kanyang mga posibilidad, hindi maiiwasan ang isang krisis. Ang isang maikling panahon, mga tatlong dekada, ay ang sandali ng huling pag-alis bago ang simula ng pagkawasak ng buong sistema ng mga ideya at mood. Sa oras na ito, ang sentro ng pag-unlad ng kultura ay lumipat mula sa Florence, na nawawalan ng kagitingan at kaayusan ng republika, patungo sa Roma, ang sentro ng teokratikong monarkiya.

Sa sining, tatlong mga master ang lubos na nagpahayag ng High Renaissance. Masasabi, bagaman, siyempre, medyo may kondisyon, na ang pinakamatanda sa kanila, Leonardo da Vinci (1452-1519 ), pinuri ang talino ng tao, ang isip na nag-aangat sa isang tao sa ibabaw ng kalikasan sa paligid niya; ang pinakabata, Raphael Santi (1483-1520 ), lumikha ng mga imahe na perpektong maganda, na naglalaman ng pagkakatugma ng mental at pisikal na kagandahan; a Michelangelo Buonarroti (1475-1564) niluwalhati ang lakas at lakas ng tao. Ang mundong nilikha ng mga artista ay realidad, ngunit naalis sa lahat ng bagay na maliit at hindi sinasadya.

Ang pangunahing bagay na iniwan ni Leonardo sa mga tao ay ang kanyang pagpipinta, na niluluwalhati ang kagandahan at isip ng isang tao. Ang una sa mga independiyenteng gawa ni Leonardo - ang pinuno ng isang anghel, na isinulat para sa "Pagbibinyag" ng kanyang guro na si Verrocchio, ay namangha sa madla sa kanyang maalalahanin, maalalahanin na hitsura. Ang mga karakter ng artista, maging ang batang si Maria na nakikipaglaro sa isang bata ("Benois Madonna"), ang magandang Cichilia ("Lady with an Ermine"), o ang mga apostol at si Kristo sa eksena ng "The Last Supper" ay, una sa lahat , mga nilalang na nag-iisip. Sapat na upang alalahanin ang pagpipinta na kilala bilang larawan ni Mona Lisa (La Gioconda). Ang hitsura ng isang mahinahong nakaupong babae ay puno ng gayong pananaw at lalim na tila nakikita at nauunawaan niya ang lahat: ang damdamin ng mga taong nakatingin sa kanya, ang pagiging kumplikado ng kanilang buhay, ang kawalang-hanggan ng Cosmos. Sa likod niya ay isang maganda at misteryosong tanawin, ngunit siya ay tumataas sa itaas ng lahat, siya ang pangunahing bagay sa mundong ito, siya ay nagpapakilala sa katalinuhan ng tao.

Sa personalidad at gawain ni Rafael Santi, ang pagsusumikap para sa pagkakaisa, panloob na balanse, at kalmado na dignidad, na katangian ng Italian Renaissance, ay lubos na ipinakita. Hindi lang mga painting at architectural works ang naiwan niya. Ang kanyang pagpipinta ay napaka-magkakaibang sa paksa, ngunit kapag pinag-uusapan nila ang tungkol kay Raphael, ang mga larawan ng kanyang mga Madonna ay unang pumasok sa isip. Mayroon silang isang makatarungang halaga ng pagkakatulad, na ipinakita sa kalinawan ng kaisipan, kadalisayan ng bata at kalinawan ng panloob na mundo. Kabilang sa mga ito ay may nag-iisip, mapangarapin, malandi, nakatuon, bawat isa ay naglalaman ng isa o ibang aspeto ng isang imahe ng isang babae na may kaluluwa ng isang bata.

Ang pinakasikat sa Raphael's Madonnas, ang Sistine Madonna, ay nahuhulog sa hanay na ito. Ganito inilarawan ang impresyon ng mga sundalong Sobyet na nakakita nito noong 1945 mula sa minahan, kung saan ito itinago ng mga Nazi, ay inilarawan: “Walang anuman sa larawan sa una ang pumipigil sa iyong pansin; dumudulas ang iyong tingin, hindi tumitigil sa anuman, hanggang sa sandaling iyon, hanggang sa makatagpo ito ng isa pang titig na patungo sa iyo. Madilim, malapad na mga mata nang mahinahon at maingat na tumitingin sa iyo, na nababalot ng isang transparent na anino ng mga pilikmata; at ngayon may isang bagay na hindi malinaw ang pumukaw sa iyong kaluluwa, na ginagawa kang maingat ... Sinusubukan mo pa ring maunawaan kung ano ang problema, kung ano ang eksaktong nasa larawan ang nag-alerto sa iyo, naalarma ka. At ang iyong mga mata ay hindi sinasadyang muli at muli ay umabot sa kanyang titig ... Ang hitsura ng Sistine Madonna, na medyo nababalot ng kalungkutan, ay puno ng kumpiyansa sa hinaharap, kung saan siya, sa gayong kadakilaan at pagiging simple, ay nagdadala ng kanyang pinakamahalaga. anak."

Ang isang katulad na pang-unawa sa larawan ay inihahatid ng mga sumusunod na linya ng taludtod: "Ang mga kaharian ay nasawi, ang mga dagat ay natuyo, / Ang mga kuta ay nasunog sa lupa, / si Aona sa kalungkutan ng ina / Mula sa nakaraan hanggang sa hinaharap siya ay pumunta."

Sa gawain ni Raphael, ang pagnanais na mahanap ang karaniwan, ang tipikal sa indibidwal ay lalong maliwanag. Nagsalita siya tungkol sa katotohanan na dapat siyang makakita ng maraming magagandang babae upang maisulat ang Beauty.

Ang paglikha ng larawan, ang mga artista ng Italian Renaissance ay nakatuon ang kanilang pansin hindi sa mga detalye na tumutulong upang ipakita ang indibidwal sa isang tao (ang hugis ng mga mata, ang haba ng ilong, ang hugis ng mga labi), ngunit sa pangkalahatan. -pangkaraniwan, na bumubuo ng "tiyak" na mga katangian ng isang Tao.

Si Michelangelo Buonarroti ay parehong kahanga-hangang makata at isang napakatalino na iskultor, arkitekto, pintor. Kasama rin sa mahabang malikhaing buhay ni Michelangelo ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kultura ng Renaissance; siya, na nakaligtas sa karamihan ng mga titans ng Renaissance, ay kailangang obserbahan ang pagbagsak ng humanistic ideals.

Ang lakas at enerhiya na tumatagos sa kanyang mga gawa ay tila sobra-sobra, napakalaki. Sa gawain ng master na ito, ang mga pathos ng paglikha, katangian ng panahon, ay pinagsama sa trahedya na pakiramdam ng tadhana ng pathos na ito. Ang kaibahan sa pagitan ng pisikal na kapangyarihan at kawalan ng kapangyarihan ay naroroon sa isang bilang ng mga sculptural na imahe, tulad ng mga figure ng "Mga Alipin", "Mga Bihag", ang sikat na iskultura na "Gabi", gayundin sa mga larawan ng mga Sibyl at mga propeta sa kisame ng Sistine Chapel.

Ang isang partikular na trahedya na impresyon ay ginawa ng pagpipinta na naglalarawan sa eksena ng Huling Paghuhukom sa kanlurang dingding ng Sistine Chapel. Ayon sa historyador ng sining, “ang nakataas na kamay ni Kristo ay ang pinagmulan ng vortex spherical movement, na nagaganap sa palibot ng gitnang oval ... Ang mundo ay gumagalaw, nakabitin ito sa kailaliman, ang buong hanay ng mga katawan ay nakabitin. sa ibabaw ng kalaliman sa“ Huling Paghuhukom ”... Sa isang galit na pagsabog ay itinaas ang kamay ni Kristo. Hindi, siya ay hindi isang tagapagligtas sa mga tao ... at si Michelangelo ay hindi nais na aliwin ang mga tao ... Ang Diyos na ito ay ganap na hindi pangkaraniwan ... siya ay walang balbas at mabilis na kabataan, siya ay makapangyarihan sa kanyang pisikal na lakas, at lahat ng kanyang lakas. ay binigay sa galit. Ang Kristong ito ay walang awa. Ngayon ito ay magiging kasabwat lamang ng kasamaan."

Renaissance sa Venice: isang pagdiriwang ng kulay. Ang mayamang republikang mangangalakal ay naging sentro ng Late Renaissance. Sinakop ng Venice ang isang espesyal na posisyon sa mga sentro ng kultura ng Italya. Ang mga bagong uso ay tumagos doon nang maglaon, na ipinaliwanag ng malakas na konserbatibong sentimyento na umiral sa oligarkyang republikang mangangalakal na ito, na nauugnay sa malapit na relasyon sa Byzantium at malakas na naiimpluwensyahan ng "paraang Byzantine."

Samakatuwid, ang diwa ng Renaissance ay nagpapakita ng sarili sa sining ng mga Venetian lamang mula sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. sa mga gawa ng ilang henerasyon ng mga artista ng pamilyang Bellini.

Bilang karagdagan, ang pagpipinta ng Venetian ay may isa pang kapansin-pansing pagkakaiba. Sa visual arts ng iba pang mga paaralang Italyano, ang pangunahing bagay ay pagguhit, ang kakayahang ihatid ang dami ng mga katawan at bagay gamit ang itim at puti na pagmomolde (ang sikat sfumato Leonardo da Vinci), habang ang mga Venetian ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa pag-apaw ng kulay. Ang mahalumigmig na kapaligiran ng Venice ay nag-ambag sa katotohanan na ang mga artista ay nagbigay ng malaking pansin sa kaakit-akit ng kanilang trabaho. Hindi kataka-taka, ang mga Venetian ang unang Italyano na pintor na bumaling sa oil painting technique na binuo sa hilaga ng Europa, sa Netherlands.

Ang tunay na pag-unlad ng paaralang Venetian ay nauugnay sa pagkamalikhain Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ang maagang namatay na master na ito ay nag-iwan ng ilang mga painting. Ang tao at kalikasan ang pangunahing tema ng mga akdang tulad ng "Concert ng Bansa", "Sleeping Venus", "Thunderstorm". "Ang isang masayang pagkakasundo ay naghahari sa pagitan ng kalikasan at ng tao, na, mahigpit na pagsasalita, ang pangunahing tema ng imahe." May mahalagang papel ang kulay sa pagpipinta ni Giorgione.

Ang pinakatanyag na kinatawan ng paaralang Venetian ay Titian Vecelio, na ang taon ng kapanganakan ay hindi alam, ngunit siya ay namatay na isang napakatanda, noong 1576 sa panahon ng isang epidemya ng salot. Nagpinta siya ng mga larawan sa mga paksang biblikal, mitolohiya, alegoriko. Sa kanyang pagpipinta ay may matibay na simulang nagpapatibay sa buhay, ang mga bayani at mga pangunahing tauhang babae ay puno ng lakas at pisikal na kalusugan, marilag at maganda. Ang enerhiya ng salpok at paggalaw ay pantay na puspos ng imahe ng altar ng Pag-akyat ni Maria (Assunta) at ang antigong motibo ng Bacchanalia. Parehong "Denarius of Caesar" ("Christ and Judas") at "Earthly and Heavenly Love" ay puno ng pilosopikal na implikasyon. Pinuri ng artist ang babaeng kagandahan ("Venus of Urbinskaya", "Danae", "Girl with Fruit") at ang kalunos-lunos na sandali ng pagpanaw ng isang tao ("Lamentation of Christ", "Entombment"). Ang maringal na magagandang larawan, magkakasuwato na mga detalye ng mga anyo ng arkitektura, magagandang bagay na pumupuno sa mga interior, ang malambot at mainit na kulay ng mga kuwadro na gawa - lahat ay nagpapatotoo sa pag-ibig sa buhay na likas sa Titian.

Ang parehong tema ay patuloy na binuo ng isa pang Venetian, Paolo Veronese (1528-1588 ). Ito ay ang kanyang malakihang "Feasts" at "Festivities", ang kanyang mga alegorya sa kaluwalhatian ng kasaganaan ng Venetian Republic na una sa lahat ay pumasok sa isip sa mga salitang "Venetian painting". Kulang ang Veronese sa versatility at wisdom ng Titian. Mas decorative ang painting niya. Ito ay nilikha pangunahin upang palamutihan ang palazzo ng Venetian oligarkiya at upang palamutihan ang mga opisyal na gusali. Ang masayang ugali at katapatan ay naging isang masayang pagdiriwang ng buhay ang panegyric na pagpipinta na ito.

Dapat pansinin na ang mga Venetian ay mas malamang kaysa sa mga kinatawan ng iba pang mga paaralang Italyano na makatagpo ng mga antigong paksa.

Mga ideyang pampulitika. Naging malinaw na ang makatao na paniniwala na ang isang malaya at makapangyarihang tao ay magiging masaya at magpapasaya sa lahat ng tao sa paligid niya ay hindi makatwiran, at nagsimula ang paghahanap para sa iba pang mga pagpipilian para sa pagkamit ng kaligayahan. Habang ang pag-asa para sa kakayahan ng isang indibidwal na lumikha ng mga kondisyon para sa isang masaya o hindi bababa sa kalmado na buhay ng mga tao ay namamatay, ang atensyon ay inilipat sa mga posibilidad ng isang organisadong komunidad ng tao - ang estado. Ang Florentine ay ang pinagmulan ng modernong kaisipang pampulitika Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), na isang statesman, historian, playwright, military theorist, philosopher. Sinubukan niyang maunawaan kung paano dapat ayusin ang lipunan upang ang mga tao ay mamuhay nang mas mahinahon. Ang malakas na kapangyarihan ng pinuno ay kung ano, sa kanyang opinyon, ay maaaring magbigay ng kaayusan. Hayaang ang pinuno ay maging malupit tulad ng isang leon at tuso tulad ng isang soro, hayaan siyang, pinapanatili ang kanyang kapangyarihan, alisin ang lahat ng mga karibal. Ang walang limitasyon at walang kontrol na kapangyarihan ay dapat mag-ambag, ayon kay Machiavelli, sa paglikha ng isang malaki at makapangyarihang estado. Sa ganitong kalagayan, karamihan sa mga tao ay mamumuhay nang payapa, nang walang takot sa kanilang buhay at ari-arian.

Ang mga aktibidad ni Machiavelli ay nagpatotoo sa katotohanan na ang oras ng "laro na walang mga patakaran" ay medyo pagod sa lipunan, na mayroong pangangailangan na lumikha ng isang puwersa na maaaring magkaisa ng mga tao, ayusin ang mga relasyon sa pagitan nila, magtatag ng kapayapaan at katarungan - bilang isang puwersa. , nagsimulang isaalang-alang ang estado.

Ang lugar ng sining sa buhay ng lipunan. Tulad ng nabanggit na, ang pinaka-ginagalang na globo ng aktibidad sa oras na iyon ay artistikong paglikha, dahil ito ay sa wika ng sining na ang panahon sa kabuuan ay ipinahayag ang sarili nito. Ang kamalayan sa relihiyon ay nawawala ang malawak na impluwensya nito sa buhay ng lipunan, at ang kaalamang pang-agham ay nasa simula pa lamang, kaya ang mundo ay napagtanto sa pamamagitan ng sining. Ginampanan ng sining ang papel na sa Middle Ages ay kabilang sa relihiyon, at sa lipunan ng Bago at modernong panahon, sa agham. Ang uniberso ay napagtanto hindi bilang isang sistemang mekanismo, ngunit bilang isang mahalagang organismo. Ang pangunahing paraan ng pag-unawa sa kapaligiran ay pagmamasid, pagmumuni-muni, pag-aayos ng kanyang nakita, at ito ay pinakamahusay na natiyak sa pamamagitan ng pagpipinta. Hindi nagkataon na tinawag ni Leonardo da Vinci ang pagpipinta bilang isang agham, bukod pa rito, ang pinakamahalaga sa mga agham.

Maraming mga katotohanan ang nagpapatotoo sa kahalagahan ng hitsura ng isang namumukod-tanging gawa ng sining sa mga mata ng mga kontemporaryo.

Nabanggit sa itaas ang mga paligsahan sa pagitan ng mga artista para sa karapatang makatanggap ng isang kumikitang utos ng gobyerno. Ang parehong kontrobersyal ay ang tanong kung saan dapat tumayo ang "David" ni Michelangelo, at pagkaraan ng ilang dekada, lumitaw ang parehong problema sa pag-install ng "Perseus" ni B. Cellini. At ito ay ilan lamang sa mga pinakatanyag na halimbawa ng ganitong uri. Ang saloobing ito patungo sa paglitaw ng mga bagong artistikong likha na idinisenyo upang palamutihan at luwalhatiin ang lungsod ay ganap na natural para sa urban na buhay ng Renaissance. Ang panahon ay nagsalita tungkol sa sarili nito sa wika ng mga gawa ng sining. Samakatuwid, ang bawat kaganapan sa buhay pansining ay naging mahalaga para sa buong lipunan.

Mga tema at interpretasyon ng mga plot sa sining ng Italian Renaissance. Sa kauna-unahang pagkakataon sa isang libong taon ng pagkakaroon ng kulturang Kristiyano, sinimulan ng mga artista na ilarawan ang makalupang mundo, itinataas, pinamamayanihan, pinapanginoon ito. Ang mga tema ng sining ay nanatiling halos eksklusibong relihiyoso, ngunit sa loob ng balangkas ng tradisyonal na temang ito, lumipat ang interes, medyo nagsasalita, sa mga paksang nagpapatibay sa buhay.

Ang unang bagay na nasa isip kapag binanggit ang Italian Renaissance ay ang imahe ni Maria kasama ang sanggol, na kinakatawan ng isang binibini (Madonna) na may isang nakakaantig na magandang bata. "Madonna and Child", "Madonna with Saints" (ang tinatawag na "Holy Interview"), "Holy Family", "Adoration of the Magi", "Christmas", "Procession of the Magi" - ito ang mga paboritong tema ng sining ng kapanahunan. Hindi, parehong ginawa ang "Mga Krucifix" at "Panaghoy", ngunit hindi ang talang ito ang pangunahing isa. Ang mga kostumer at artista, na isinama ang kanilang mga hangarin sa nakikitang mga imahe, ay natagpuan sa tradisyonal na mga paksang pangrelihiyon na nagdadala ng pag-asa at pananampalataya sa isang maliwanag na simula.

Kabilang sa mga character ng mga sagradong alamat, lumitaw ang mga larawan ng mga totoong tao, tulad ng mga donor(mga donor), na matatagpuan sa labas ng frame ng komposisyon ng altar o bilang mga karakter sa masikip na prusisyon. Sapat nang alalahanin ang "The Adoration of the Magi" ni S. Botticelli, kung saan ang mga miyembro ng pamilyang Medici ay nakikilala sa isang eleganteng pulutong ng mga mananamba at kung saan, marahil, naglagay din ang artist ng self-portrait. Kasabay nito, ang mga independiyenteng larawan ng portrait ng mga kontemporaryo, na ipininta mula sa buhay, mula sa memorya, mula sa mga paglalarawan, ay naging laganap. Sa mga huling dekada ng ika-15 siglo. nagsimulang lalong maglarawan ang mga artista ng mga eksenang may likas na mitolohiya. Ang ganitong mga imahe ay dapat na palamutihan ang mga lugar ng palazzo. Ang mga eksena mula sa modernong buhay ay isinama sa mga komposisyong panrelihiyon o mitolohiko. Sa sarili nito, ang pagiging moderno sa pang-araw-araw na pagpapakita nito ay hindi masyadong interesado sa mga artista; binihisan nila ang matataas, perpektong mga tema sa pamilyar na nakikitang mga imahe. Ang mga master ng Renaissance ay hindi mga realista sa modernong kahulugan ng salita; muli nilang nilikha ang mundo ng Tao, na dinalisay mula sa pang-araw-araw na buhay, gamit ang mga paraan na magagamit nila.

Kasunod ng mga diskarte ng linear na pananaw, nilikha ng mga artist sa eroplano ang ilusyon ng isang three-dimensional na espasyo na puno ng mga figure at bagay na mukhang three-dimensional. Ang mga tao sa mga pintura ng Renaissance ay ipinakita bilang marilag at mahalaga. Puno ng kaseryosohan at solemnidad ang kanilang mga postura at kilos. Isang makitid na kalye o isang maluwang na parisukat, isang silid na inayos nang elegante o malayang nakakalat na mga burol - lahat ay nagsisilbing backdrop para sa mga pigura ng mga tao.

Sa Italian Renaissance painting, ang landscape o interior ay pangunahing frame para sa mga figure ng tao; Ang banayad na black-and-white na pagmomodelo ay lumilikha ng impresyon ng materyalidad, ngunit hindi mahalay, ngunit katangi-tanging mahangin (hindi nagkataon na itinuturing ni Leonardo na ang kalagitnaan ng araw sa maulap na panahon ay ang perpektong oras para magtrabaho, kapag ang ilaw ay malambot at nagkakalat); ang mababang abot-tanaw ay ginagawang monumental ang mga pigura, na para bang ang kanilang mga ulo ay nakadikit sa langit, at ang pagpigil ng kanilang mga postura at mga kilos ay nagbibigay sa kanila ng solemnidad at kamahalan. Ang mga karakter ay hindi palaging maganda sa mga tampok ng mukha, ngunit sila ay palaging puno ng panloob na kahalagahan at kahalagahan, pagpapahalaga sa sarili at kalmado.

Mga artista sa lahat ng bagay at laging umiiwas sa mga sukdulan at aksidente. Ganito inilarawan ng kritiko ng sining ang mga impresyon sa museo ng pagpipinta ng Italian Renaissance: "Ang mga bulwagan ng sining ng Italyano noong XIV-XVI na mga siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kawili-wiling tampok - nakakagulat na tahimik sila na may kasaganaan ng mga bisita at iba't ibang mga iskursiyon . .. Ang katahimikan ay dumadaloy mula sa mga dingding, mula sa mga kuwadro na gawa - ang marangal na katahimikan ng mataas na kalangitan, malambot na burol, malalaking puno. At - malalaking tao ... Ang mga tao ay mas malaki kaysa sa langit. Ang mundo na kumakalat sa likuran nila - na may mga kalsada, mga guho, mga pampang ng ilog, mga lungsod at mga kastilyong kabalyero - nakikita natin na parang mula sa isang taas ng paglipad. Ito ay malawak, detalyado at magalang na inalis."

Sa kuwento ng eksibisyon ng mga karton na ginawa nina Leonardo at Michelangelo para sa Council Hall (ang mga pagpipinta ay hindi kailanman natapos ng alinman sa isa o ng iba), ito ay nagkakahalaga ng pagbibigay pansin sa katotohanan na tila napakahalaga para sa mga Florentine na makita ang mga karton. Lalo nilang pinahahalagahan ang pagguhit na naghahatid ng anyo, ang dami ng mga bagay at katawan na inilalarawan, pati na rin ang ideolohikal na konsepto na sinubukang ipatupad ng master. Para sa kanila, ang kulay sa pagpipinta ay, sa halip, isang karagdagan, na nagbibigay-diin sa anyo na nilikha ng pagguhit. At isa pang bagay: sa paghusga sa mga natitirang kopya, ang parehong mga gawa (nakatuon sila sa dalawang labanan na mahalaga para sa kasaysayan ng lungsod-estado ng Florence) ay magiging isang tipikal na pagpapakita ng diskarte ng Renaissance sa sining, kung saan ang pangunahing bagay ay lalaki. Sa lahat ng pagkakaiba sa pagitan ng karton ni Leonardo at Michelangelo, ang mga mandirigmang kabayo sa Leonardo ("Labanan ng Angiari"), na nahuli ng kaaway habang lumalangoy sa ilog, sa Michelangelo ("Labanan ng Kashine"), - ang pangkalahatang diskarte sa ang pagtatanghal ng itinatanghal ay halata, na nangangailangan upang i-highlight ang pigura ng tao, subordinating ang nakapalibot na espasyo dito. Pagkatapos ng lahat, ang mga aktor ay mas mahalaga kaysa sa lugar ng aksyon.

Ito ay kagiliw-giliw na subaybayan kung paano ang mood ng panahon ay makikita sa sining, paghahambing ng ilang mga gawa na nakatuon sa paglalarawan ng parehong balangkas. Isa sa mga paboritong paksa noon ay ang kwento ni Saint Sebastian, na pinatay ng mga sundalong Romano dahil sa kanyang pangako sa Kristiyanismo. Ang temang ito ay naging posible upang ipakita ang kabayanihan ng isang tao, na may kakayahang magsakripisyo ng kanyang buhay para sa kanyang mga paniniwala. Bilang karagdagan, ang balangkas ay naging posible upang lumiko sa imahe ng isang hubad na katawan, upang mapagtanto ang humanistic ideal - isang maayos na kumbinasyon ng isang magandang hitsura at isang magandang kaluluwa ng tao.

Sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. ilang mga papel ang naisulat sa paksang ito. Ang mga may-akda ay medyo hindi magkatulad na mga master: Perugino, Antonello de Mesina at iba pa. Kung titingnan mo ang kanilang mga kuwadro na gawa, ang isa ay nabighani ng kalmado, isang pakiramdam ng panloob na dignidad, na nababalot ng imahe ng isang magandang hubad na binata na nakatayo malapit sa isang haligi o puno at nananaginip na nakatingin sa langit. Sa likod niya ay isang mapayapang rural landscape o isang maaliwalas na town square. Tanging ang pagkakaroon ng mga arrow sa katawan ng isang binata ang nagsasabi sa manonood na kami ay nahaharap sa isang eksena sa pagbitay. Sakit, trahedya, kamatayan ay hindi nararamdaman. Ang magagandang kabataang ito, na pinag-isa ng kapalaran ng martir na si Sebastian, ay batid ang kanilang imortalidad, tulad ng nadama ng mga taong nanirahan sa Italya noong ika-15 siglo ang kanilang kawalang-hanggan at kapangyarihan.

Sa pagpipinta, ipininta ng pintor na si Andrea Mantegna, mararamdaman ang trahedya ng nangyayari, ang kanyang St. Pakiramdam ni Sebastian ay namamatay na siya. At sa wakas, sa kalagitnaan ng siglo XVI. Sinulat ni Titian Vecelio ang kanyang St. Sebastian. Walang detalyadong landscape sa canvas na ito. Ang lugar ng pagkilos ay nakabalangkas lamang. Walang mga random na figure sa background, walang warrior-executioner na tumututok sa kanilang biktima, walang makapagsasabi sa manonood ng kahulugan ng sitwasyon, at sa parehong oras ay may pakiramdam ng isang trahedya na wakas. Ito ay hindi lamang ang kamatayan ng isang tao, ito ay ang kamatayan ng buong mundo, na nasusunog sa pulang-pula na apoy ng isang unibersal na sakuna.

Kahalagahan ng kultura ng Italian Renaissance. Ang lupa na nagsilang sa kultura ng Italian Renaissance ay nawasak noong ika-16 na siglo. Karamihan sa bansa ay sumailalim sa mga dayuhang pagsalakay, ang bagong istrukturang pang-ekonomiya ay pinahina ng paggalaw ng mga pangunahing ruta ng kalakalan sa Europa mula sa Mediterranean hanggang sa Atlantiko, ang mga republika ng populasyon ay nahulog sa ilalim ng pamamahala ng mga ambisyosong mersenaryong condottier, at ang pagdagsa ng indibidwal na enerhiya ay nawala. panloob na katwiran nito at unti-unting namatay sa mga kondisyon ng muling pagbabangon ng pyudal na kaayusan (refeudalization ng lipunan). Ang isang pagtatangka na lumikha ng isang bagong lipunan batay sa pagpapalaya ng tao, sa inisyatiba ng entrepreneurship, ay nagambala sa Italya sa mahabang panahon. Bumagsak ang bansa.

Ngunit ang kultural na tradisyon na nilikha ng lipunang ito, na kumalat sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng mga masters ng Italyano sa buong Europa, ay naging isang pamantayan para sa kultura ng Europa sa kabuuan, nakakuha ng karagdagang buhay sa bersyon nito, na nakabaon sa pangalan ng "mataas", "natutunan. "kultura. Ang mga nananatiling monumento ng kultura ng Renaissance - magagandang gusali, estatwa, kuwadro na gawa sa dingding, kuwadro na gawa, tula, matalinong mga akda ng mga humanista, may mga tradisyon na naging sa susunod na tatlo at kalahating siglo (hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo) para sa kultura ng mga taong iyon na nasa ilalim ng impluwensya nito, at ang impluwensyang ito ay unti-unting kumalat nang napakalawak.

Ito ay lalong nagkakahalaga ng pagpuna at pag-highlight sa kahalagahan ng visual na sining ng Italian Renaissance na may pagnanais na ihatid sa eroplano ng isang dingding o board, isang sheet ng papel, na nakapaloob sa isang canvas frame, ang ilusyon ng isang three-dimensional na espasyo. napuno ng illusory volumetric na mga imahe ng mga tao at mga bagay - kung ano ang matatawag "Sa tabi ng bintana ni Leonardo Danilov I.Ye. Lungsod ng Italya noong ika-15 siglo. Reality, mito, imahe. Moscow, 2000, p. 22, 23. Tingnan ang: V.P. Golovin. Ang mundo ng isang maagang Renaissance artist. M .: Publishing house ng Moscow State University, 2002. P. 125. Boyadzhiev G. Italian notebook. M., 1968.S. 104.

Panimula

Historiography

Ang mga pangunahing yugto ng Renaissance

Maagang renaissance

Mataas na Renaissance

Huling Renaissance

Mga katangian ng arkitektura ng Renaissance

sining ng Renaissance

Konklusyon

Bibliograpiya

Panimula

"Nilikha kita bilang isang nilalang na hindi makalangit, ngunit hindi lamang makalupa, hindi mortal, ngunit hindi rin imortal, upang ikaw, na alien sa mga hadlang, ay maging iyong sariling lumikha at sa wakas ay makabuo ng iyong sariling imahe. Binibigyan ka ng pagkakataong mahulog sa antas ng isang hayop, ngunit din ng pagkakataong tumaas sa antas ng isang nilalang na tulad ng diyos - salamat lamang sa iyong panloob na kalooban ... "

Ito ang sinabi ng Diyos kay Adan sa treatise ng Italian humanist na si Pico della Mirandola "Sa dignidad ng tao." Sa mga salitang ito, ang espirituwal na karanasan ng Renaissance ay pinaliit, ang pagbabago sa kamalayan na kanyang ginawa ay ipinahayag.

Arkitektura ng Renaissance - ang panahon ng pag-unlad ng arkitektura sa mga bansang Europeo mula sa simula ng ika-15 hanggang sa simula ng ika-17 siglo, sa pangkalahatang kurso ng Renaissance at ang pag-unlad ng mga pundasyon ng espirituwal at materyal na kultura ng Sinaunang Greece at Roma. . Ang panahong ito ay isang watershed moment sa History of Architecture, lalo na kaugnay ng dating istilo ng arkitektura, ang Gothic. Ang Gothic, sa kaibahan sa arkitektura ng Renaissance, ay humingi ng inspirasyon sa sarili nitong interpretasyon ng Classical art.

Historiography

Ang salitang "renaissance" (French renaissance) ay nagmula sa terminong "la rinascita", na unang ginamit ni Giorgio Vasari sa aklat na "Biographies of the most famous Italian painters, sculptors and architects" na inilathala noong 1550-1568.

Ang terminong "Renaissance" upang tukuyin ang kaukulang panahon ay ipinakilala ng Pranses na istoryador na si Jules Michelet, ngunit ang Swiss historian na si Jacob Burckhardt sa kanyang aklat na "Culture of the Italian Renaissance" ay nagpahayag ng kahulugan nang mas ganap, ang kanyang interpretasyon ay nabuo ang batayan ng modernong pag-unawa ng Italian Renaissance. Ang paglalathala ng album ng mga guhit na "Buildings of Modern Rome o Collection of Palaces, Houses, Churches, Monasteries, and Other Most Significant Public Structures in Rome" na inilathala ni Paul Le Taruill noong 1840 ay nagdulot ng lumalaking interes sa panahon ng Renaissance. Pagkatapos ang Renaissance ay itinuturing na isang istilo na "ginagaya ang sinaunang".

Ang unang kinatawan ng kalakaran na ito ay maaaring tawaging Filippo Brunelleschi, na nagtrabaho sa Florence, isang lungsod, kasama ang Venice, na itinuturing na isang monumento ng Renaissance. Pagkatapos ay kumalat ito sa iba pang mga lungsod ng Italya, France, Germany, England, Russia at iba pang mga bansa.

Ang mga pangunahing yugto ng Renaissance

Karaniwan ang Italian Renaissance ay nahahati sa tatlong panahon. Sa kasaysayan ng sining, maaari nating pag-usapan ang pag-unlad ng mga pinong sining at iskultura sa balangkas ng maagang direksyon ng Renaissance noong ika-14 na siglo. Sa kasaysayan ng arkitektura, iba ang sitwasyon. Dahil sa krisis pang-ekonomiya noong ika-14 na siglo, ang panahon ng Renaissance sa arkitektura ay nagsimula lamang sa simula ng ika-15 siglo at tumagal hanggang sa simula ng ika-17 siglo sa Italya at mas matagal na lampas sa mga hangganan nito.

Tatlong pangunahing panahon ay maaaring makilala:

· Maagang Renaissance o Quattrocento, halos kapareho ng ika-15 siglo.

· High Renaissance, unang quarter ng ika-16 na siglo.

· Mannerism o Late Renaissance (ika-2 kalahati ng siglo XVI. siglo XVII).

Sa ibang mga bansa sa Europa, ang kanilang sariling istilo ng pre-Renaissance ay nabuo, at ang Renaissance mismo ay hindi nagsimula nang maaga noong ika-16 na siglo, ang istilo ay inihugpong sa mga umiiral nang tradisyon, bilang isang resulta kung saan ang mga gusali ng Renaissance sa iba't ibang mga rehiyon ay maaaring magkaroon. bahagyang katulad na mga tampok.

Sa Italya mismo, ang arkitektura ng Renaissance ay pumasa sa Mannerist na arkitektura, na kinakatawan sa medyo iba't ibang mga tendensya sa mga gawa nina Michelangelo, Giulio Romano at Andrea Palladio, na pagkatapos ay muling isinilang sa Baroque, gamit ang mga katulad na diskarte sa arkitektura sa ibang pangkalahatang konteksto ng ideolohiya.

Maagang renaissance

Sa panahon ng Quattrocento, ang mga pamantayan ng klasikal na arkitektura ay muling natuklasan at nabuo. Ang pag-aaral ng mga antigong sample ay humantong sa asimilasyon ng mga klasikal na elemento ng arkitektura at dekorasyon.

Ang espasyo, bilang bahagi ng arkitektura, ay nakaayos sa paraang naiiba sa mga representasyong medieval. Ito ay batay sa lohika ng mga proporsyon, ang anyo at pagkakasunud-sunod ng mga bahagi ay napapailalim sa geometry, at hindi intuwisyon, na isang katangian na katangian ng mga medieval na gusali. Ang unang halimbawa ng panahon ay maaaring tawaging Basilica ng San Lorenzo sa Florence, na itinayo ni Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (Italyano Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) - ang dakilang Italyano na arkitekto ng Renaissance.

Si Filippo Brunelleschi ay ipinanganak sa Florence sa pamilya ng notaryo na Brunelleschi di Lippo. Bilang isang bata, si Filippo, kung kanino ipapasa ang pagsasanay ng kanyang ama, ay nakatanggap ng isang humanistic na pagpapalaki at ang pinakamahusay na edukasyon para sa oras na iyon: nag-aral siya ng Latin, nag-aral ng mga sinaunang may-akda.

Ang pag-abandona sa karera ng isang notaryo, si Filippo mula 1392 ay nag-aral, marahil sa isang panday ng ginto, at pagkatapos ay nagsanay bilang isang baguhan sa isang panday ng ginto sa Pistoia; Nag-aral din siya ng pagguhit, pagmomodelo, pag-ukit, eskultura at pagpipinta, sa Florence nag-aral siya ng mga makinang pang-industriya at militar, nakakuha ng makabuluhang kaalaman sa matematika sa panahong iyon sa pagtuturo ni Paolo Toscanelli, na, ayon kay Vasari, ay nagturo sa kanya ng matematika. Noong 1398, sumali si Brunelleschi sa Arte della Seta, na kinabibilangan ng mga panday-ginto. Sa Pistoia, ang batang Brunelleschi ay nagtrabaho sa mga pilak na pigura ng altar ni St. Jacob - ang kanyang mga gawa ay labis na naiimpluwensyahan ng sining ni Giovanni Pisano. Sa trabaho sa mga eskultura, si Brunelleschi ay tinulungan ni Donatello (siya noon ay 13 o 14 taong gulang) - mula noon, ang pagkakaibigan ay nagbigkis sa mga panginoon habang buhay.

Noong 1401, bumalik si Filippo Brunelleschi sa Florence, nakibahagi sa isang kumpetisyon na inihayag ni Arta di Calimala (workshop ng mga mangangalakal ng tela) upang palamutihan ang dalawang tansong pintuan ng Florentine Baptistery na may mga relief. Sina Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti at ilang iba pang mga master ay nakibahagi sa kompetisyon kasama niya. Ang kumpetisyon, na pinamumunuan ng 34 na mga hukom, kung saan ang bawat master ay kailangang magsumite ng isang bronze relief na "The Sacrifice of Isaac" na ginawa niya, ay tumagal ng isang taon. Ang kumpetisyon ay natalo kay Brunelleschi - Ang kaluwagan ni Ghiberti ay nalampasan siya sa masining at teknikal na paraan (ito ay hinulma mula sa isang piraso at mas magaan ng 7 kg kaysa sa relief ni Brunelleschi).

Nasaktan ng katotohanan na natalo siya sa kumpetisyon, iniwan ni Brunelleschi ang Florence at nagpunta sa Roma, kung saan, marahil, nagpasya siyang mag-aral ng sinaunang iskultura sa pagiging perpekto. Sa Roma, ang batang Brunelleschi ay bumaling mula sa plastik tungo sa sining ng gusali, simulang maingat na sukatin ang natitirang mga guho, pag-sketch ng mga plano para sa buong gusali at mga plano para sa mga indibidwal na bahagi, mga kapital at cornice, mga projection, mga uri ng mga gusali at lahat ng mga detalye ng mga ito. Kinailangan niyang hukayin ang mga backfilled na bahagi at pundasyon, kailangan niyang iguhit ang mga planong ito sa isang solong kabuuan sa bahay, ibalik ang hindi ganap na buo. Kaya't napuno siya ng espiritu ng sinaunang panahon, nagtatrabaho tulad ng isang modernong arkeologo na may sukat na tape, isang pala at isang lapis, natutong makilala ang mga uri at istraktura ng mga sinaunang gusali at nilikha ang unang kasaysayan ng arkitektura ng Roma sa mga folder gamit ang kanyang mga sketch.

Mga gawa ni Bruneleski:

1401-1402 kompetisyon sa temang "Sakripisyo ni Abraham" mula sa Lumang Tipan; isang proyekto ng mga bronze relief para sa hilagang mga pintuan ng Florentine baptistery (28 relief na nakapaloob sa isang quadrifolium na may sukat na 53 × 43 cm). Natalo si Brunelleschi. Ang kompetisyon ay napanalunan ni Lorenzo Ghiberti. "Nasakit sa mga desisyon ng komisyon, si Brunelleschi ay tumalikod sa kanyang bayan at nagtungo sa Roma ... upang pag-aralan ang tunay na sining doon." Ang relief ay nasa Bargello National Museum, Florence.

1412-1413 Pagpapako sa Krus sa Simbahan ng Santa Maria Novella (Santa Maria Novella), Florence.

1417-1436 Ang simboryo ng Katedral ng Santa Maria del Fiore, o simpleng Duomo, ay pa rin ang pinakamataas na gusali sa Florence (114.5 m), na idinisenyo sa paraang ang buong populasyon ng lungsod ay magkasya sa loob. sumasakop sa lahat ng lupain ng Tuscan "ang isinulat tungkol sa siya si Leon Battista Alberti.

1419-1428 Lumang sakristiya (Sagrestia Vecchia) ng Simbahan ng San Lorenzo, Florence. Noong 1419, ang customer na si Giovanni di Bicci, tagapagtatag ng pamilya Medici, ama ni Cosimo il Vecchio, ay nagplano na muling itayo ang katedral, na noon ay isang maliit na simbahan ng parokya, ngunit pinamamahalaang ni Brunelleschi na tapusin lamang ang lumang sacristy, ang New Sacristy (Sagrestia). Nuova ), na dinisenyo ni Michelangelo.

1429-1443 kapilya (chapel) ng Pazzi (Cappella de'Pazzi), na matatagpuan sa patyo ng Franciscan Church of Santa Croce (Santa Croce) sa Florence. Ito ay isang maliit na domed na gusali na may portico.

· Nagsimula noong 1434, ang Simbahan ng Santa Maria degli Angeli, sa Florence, ay nanatiling hindi natapos.

1436-1487 Simbahan ng Santo Spirito, natapos pagkamatay ng arkitekto. "Ang centric domed na gusali ng pantay na mga parisukat at gilid na bahagi na may mga chapel niches ay pinalawak pagkatapos ng pagdaragdag ng isang longitudinal na gusali hanggang sa isang patag na bubong na basilica na haligi."

· Inilunsad noong 1440, ang Pitti Palace (Palazzo Pitti) ay natapos lamang noong ika-18 siglo. Ang gawain ay naantala noong 1465 dahil sa ang katunayan na ang mangangalakal na si Luca Pitti, ang mangangalakal na nag-utos sa palasyo, ay nabangkarote, at ang Medici (Eleanor ng Toledska, asawa ni Cosimo I) ay bumili ng tirahan noong 1549, na eksaktong nais ni Luca Pitti. upang magbigay ng kasangkapan, na nag-order ng mga bintanang kapareho ng laki ng mga pintuan sa Medici Palazzo.

Ayon kay Brunelleschi, ang isang tunay na palasyo ng Renaissance ay dapat ganito ang hitsura: isang tatlong-palapag, hugis-parisukat na gusali, na may pagmamason ng tinabas na batong Florentine (direktang na-quarry sa lugar kung saan matatagpuan ang mga hardin ng Boboli, sa likod ng palasyo), na may 3 malalaking entrance door sa unang palapag. Ang dalawang itaas na palapag ay pinutol ng 7 mga bintana na matatagpuan sa bawat panig at pinagsama ng isang linya ng mga balkonaheng tumatakbo sa buong haba ng harapan.

Noong 1972 lamang nalaman na si Brunelleschi ay inilibing sa Katedral ng Santa Reparata (IV-V siglo, sa Florence) sa nakaraang simbahan, sa mga labi kung saan itinayo ang Cathedral of Santa Maria del Fiore. ).