Ang mga huling pintura ni sandro botticelli. Paghahambing ng pang-unawa ng dalawang kuwadro na gawa ni Botticelli "The Coffin" Botticelli The Coffin Larawan

Si Sandro Botticelli ay ang unang pintor ng Europa na walang nakitang kasalanan sa isang hubad na babaeng katawan. Nakita niya rin sa kanya ang isang alegorya para sa tinig ng Diyos

1 VENUS... Ayon sa sinaunang mitolohiya, ang unang pinuno ng mundo, ang langit na si Uranus, ay pinalayas ng kanyang sariling anak na si Kronos. Ang mga patak ng dugo ng Uranus ay nahulog sa dagat at nabuo ang bula, mula sa kung saan si Venus, na nakatayo sa isang shell, ay ipinanganak. Sa pagpipinta ni Botticelli, nahihiya niyang tinakpan ang kanyang dibdib at dibdib. Tinatawag itong Petrochuk na "isang kilos ng mapang-akit na kadalisayan." Ayon sa mga kritiko sa sining, ang modelo para sa imahe ng Venus ay si Simonetta Vespucci, ang unang Florentine na kagandahan, ang minamahal ng nakababatang kapatid ni Lorenzo Medici, si Giuliano. Namatay siya sa kanyang pangunahin sa buhay mula sa pagkonsumo.
2 SINK - ang simbolo ng babaeng sinapupunan, kung saan lumitaw ang Venus.
3 Marshmallow - ang diyos ng kanlurang hangin sa tagsibol. Kinilala siya ng mga Neoplatonista kasama si Eros - ang diyos ng pag-ibig. Sa mito ng Venus, Zephyr, na may kanyang hininga, pinangunahan ang shell kasama ang diyosa sa isla ng Cyprus, kung saan siya ay naglalagay ng paa sa mundo.
4 FLORA - ang asawa ni Zephyr, ang diyosa ng mga bulaklak. Ang unyon nina Zephyr at Flora ay madalas na nakikita bilang isang alegorya ng pagkakaisa ng carnal (Flora) at pag-ibig sa espirituwal (Zephyr).
5 ROSE - isang simbolo ng paghihirap at pag-ibig na dulot ng kanyang mga tinik.
6 KAMYSH - isang simbolo ng kahinhinan ng Venus, na tila nahihiya sa kagandahan nito.
7 OPA TALLO (PAGLABAN) - isa sa apat na op, mga anak na babae nina Zeus at Themis. Si Ores ay may pananagutan para sa pagkakasunud-sunod sa kalikasan at nagpapataw ng iba't ibang mga panahon. "Sinundan" ni Tallo ang tagsibol at samakatuwid ay itinuturing na isang kasama ni Venus.
8 CORK - isang simbolo ng pagkamayabong, dahil lumalaki ito sa mga hinog na tinapay.
9 Ivy - ang halaman na ito, "hugging" trunks ng puno, ay sumisimbolo ng pagmamahal at katapatan.
10 BANAY - isang halaman na nakatuon sa Venus (ayon sa kwento ng sinaunang makatang Romano na si Ovid, nang ang diyosa ng pag-ibig ay naglalakad sa lupain ng Cyprus, tinakpan niya ang kanyang kahubaran sa mira) at samakatuwid ay itinuturing na isa pang simbolo ng pagkamayabong.
11 SCARLET MANTLE - isang simbolo ng banal na kapangyarihan na ang kagandahan ay nasa buong mundo.
12 MARGARITA - isang simbolo ng kawalang-kasalanan at kadalisayan.
13 ANEMON - isang simbolo ng trahedya ng pag-ibig, ang tasa kung saan dapat uminom si Venus sa mundo. Ayon sa mito, si Venus ay umibig sa kaibig-ibig na pastol na si Adonis. Ngunit ang pag-ibig ay maikli ang buhay: Namatay si Adonis habang ang pangangaso mula sa mga tandang ng isang ligaw na bulugan. Mula sa mga luha na ibinuhos ng diyosa sa katawan ng kanyang minamahal, isang anemone ang ipinanganak.
14 ORANGE TREE - sumisimbolo ng pag-asa para sa buhay na walang hanggan (ang orange ay isang evergreen na halaman).

Ang apela ni Botticelli sa isang paganong balangkas, at kahit na may isang hubo't hubad, maaaring, sa unang sulyap, ay tila kakaiba: noong mga unang bahagi ng 1480, ang artista ay tila italaga ang kanyang sarili sa sining ng Kristiyano. Noong 1481-1482 pininturahan ni Sandro ang Sistine Chapel sa Roma, at noong 1485 nilikha niya ang Theotokos cycle: "Madonna at Bata", "Madonna Magnificat" at "Madonna na may Aklat". Ngunit ito ay isang panlabas na salungatan. Ang katotohanan ay, sa mga tuntunin ng kanyang pananaw sa mundo, si Botticelli ay malapit sa Florentine Neoplatonists - isang bilog na pinamumunuan ng pilosopo na si Marsilio Ficino, na naghangad na ipagsama ang sinaunang karunungan sa doktrinang Kristiyano.

Ayon sa mga ideya ng Neoplatonists, ang hindi maintindihan na Diyos ay patuloy na nagkatawang-tao sa kagandahang-lupa, maging ito sa katawan o espirituwal na kagandahan - imposible ang isa kung wala ang iba. Sa gayon, ang paganong diyosa sa mga Neoplatonist ay naging alegorya ng tinig ng Diyos, na nagdadala sa mga tao ng paghahayag ng maganda, kung saan ang kaluluwa ay naligtas. Tinawag ni Marsilio Ficino si Venus ang nymph ng Sangkatauhan, "ipinanganak ng langit at higit pa sa iba na minamahal ng Diyos na Kataas-taasan. Ang kanyang kaluluwa ay ang kakanyahan ng Pag-ibig at Awa, ang kanyang mga mata ay Dignity at Magnanimity, ang kanyang mga kamay ay Pagkabukas-palad at Splendor, ang kanyang mga binti ay Kabutihan at Katamtaman. "

Ang nasabing synthesis ng Kristiyanismo at paganism ay naroroon din sa gawain ng Botticelli. "Ang komposisyon ng The Birth of Venus," isinulat ng artista sa artista na si Olga Petrochuk, "sa kamangha-manghang paraan ... tinapos ang nilalaman ng sinaunang mitolohiya sa medyebal na panimulang Kristiyanong pamamaraan ng" Pagbibinyag ". Ang hitsura ng isang paganong diyosa ay kung gayon ay inihalintulad sa muling pagsilang ng kaluluwa - hubad, tulad ng isang kaluluwa, siya ay lumitaw mula sa nagbigay-buhay na tubig ng binyag ... Ang artista ay nangangailangan ng maraming lakas ng loob at walang maliit na imbensyon, din, upang mapalitan ang pigura ni Cristo na may matagumpay na kahubaran ng isang batang babae - na pinapalitan ang ideya ng kaligtasan na may asceticism para sa ideya ng soberanya ni Eros ... "Ang espiritu ng Diyos ay naglalakad sa ibabaw ng tubig" ay narito na tinumbas ng hininga ni Eros, na binubuo ng mga hangin na lumilipad sa ibabaw ng dagat. "

"Venus" Botticelli - ang unang imahe ng isang ganap na hubad na babaeng katawan, kung saan ang hubad ay hindi sumisimbolo sa orihinal na kasalanan (tulad ng, halimbawa, sa imahe ni Eba). At sino ang nakakaalam, kung hindi ito para sa mga larawan ng isang matapang na artista, ang Giorgione's Sleeping Venus (c. 1510) o Titian's Venus of Urbino (1538) ay ipanganak?

Si Sandro Botticelli Sandro Botticelli ay may hawak na isang espesyal na lugar sa sining ng Renaissance ng Italya.Ang isang kontemporaryong Leonardo at ang batang si Michelangelo, isang artista na magkakasamang nagtatrabaho sa mga masters ng Great Renaissance, hindi niya, gayunpaman, ay kabilang sa maluwalhating panahon ng sining na Italyano, isang panahon na nagbubuod ng lahat sa itaas kung ano ang mga artistang Italyano na nagtatrabaho sa nakaraang dalawang daang taon. Kasabay nito, ang Botticelli ay halos hindi matatawag na artista - isang quattrocentist sa kamalayan na karaniwang nauugnay sa konseptong ito.

Kulang ito ng malulusog na pagdali ng mga masters ng Quattrocentist, ang kanilang masidhing pagkamausisa tungkol sa buhay sa lahat ng bagay, kahit na ang pinaka-araw-araw, ang mga pagpapakita nito, ang kanilang pagkagusto sa nakakaaliw na pagsasalaysay, ang pagkagusto na kung minsan ay nagiging walang malay na pag-uusap, ang kanilang patuloy na pag-eksperimento - sa isang salita, na masayang pagtuklas sa mundo at sining bilang isang paraan ng pag-alam sa mundong ito, na nagbibigay ng kagandahan sa kahit na ang pinaka-awkward at pinaka-awkward at pinaka prosaic na gawa sa panahong ito. Tulad ng mga magagaling na masters ng High Renaissance, ang Botticelli ay isang artista ng pagtatapos ng isang panahon; gayunpaman, ang kanyang sining ay hindi bunga ng landas na nilalakbay; sa halip, ito ay pagtanggi nito at bahagyang pagbabalik sa luma, pre-Renaissance masining na wika, ngunit sa isang mas mataas na degree na madamdamin, matindi, at patungo sa katapusan ng buhay kahit na masakit na paghahanap para sa mga bagong posibilidad ng artistikong pagpapahayag, isang bago, mas emosyonal na masining na wika. Ang kamangha-manghang synthesis ng mahinahon, may sariling mga imahe nina Leonardo at Raphael ay dayuhan sa Botticelli; ang kanyang mga pathos ay hindi ang landas ng layunin.

Sa lahat ng kanyang mga kuwadro na gawa, maaaring maramdaman ng isang tao ang ganoong antas ng pagiging indibidwal ng mga pamamaraan ng artistikong, tulad ng isang natatanging paraan, tulad ng isang panginginig sa boses ng mga linya, sa ibang salita, tulad ng isang antas ng pagkamalikhain na pagiging aktibo sa dayuhan ng Renaissance.

Kung ang mga panginoon ng Renaissance ay naghangad na ipahiwatig sa kanilang mga gawa ang kagandahan at pagiging regular ng mundo sa paligid nila, kung gayon ang Botticelli, kusang-loob o hindi gusto, ay nagpahayag nang una sa kanyang sariling mga karanasan, at samakatuwid ang kanyang sining ay tumatagal ng isang liriko na character at ang kakaibang autobiography na kakaiba sa mahusay na mga Olimpiko - Leonardo at Raphael.

Paradoxical sa maaaring ito ay tila, ngunit sa panloob na kakanyahan nito ang Botticelli ay mas malapit sa Michelangelo.Nagkaisa sila ng isang sakim na interes sa buhay pampulitika sa kanilang panahon, at isang pagnanasa para sa mga paghahanap sa relihiyon, at isang hindi masasalamin na panloob na koneksyon sa kapalaran ng kanilang katutubong lungsod. Dapat ito ang dahilan kung bakit pareho silang dalawa, tulad ng Hamlet, na may nasasakit na kalinawan na nadama sa kanilang mga puso ng isa sa ilalim ng lupa na panginginig ng paparating na sakuna, ang iba pang isang kakila-kilabot na crack na naghiwalay sa mundo. Naranasan ni Michelangelo ang trahedyang pagbagsak ng kulturang Renaissance ng Italya at ipinakita ito sa kanyang mga likha.

Si Botticelli ay walang pagkakataon na masaksihan ang mga kaganapan na nakagulat sa mahusay na Florentine: binuo niya bilang isang artista nang mas maaga, noong 70s at 80s. Ika-15 siglo, sa isang oras na tila sa kanyang mga kontemporaryo sa oras ng bukang-liwayway at kasaganaan ng Florence, ngunit agad niyang nadama at ipinahayag ang kawalang-hanggan ng katapusan kahit na bago dumating ang wakas na iyon.

Ipininta ni Botticelli ang kanyang pagpipinta na "The Birth of Venus" halos kasabay ng pagtatrabaho ni Leonardo sa "Madonna of the Rocks" (1483), at ang kanyang nakasisiglang "Lamentation" ("Entombment" Munich) ay kapanahon sa maagang "Panaghoy" ("Pieta" , 1498) Si Michelangelo - isa sa pinaka mahinahon at maayos na likha ng iskultor.Ang mabango at hindi matiyak na kumpiyansa na si David Michelangelo - isang napakahusay na imahe ng tagapagtanggol ng Florentine Republic - ay nilikha sa parehong taon (1500) at sa parehong Florence kung kailan at kung saan isinulat ni Botticelli ang kanyang " Pasko ", napuspos ng malalim na panloob na kaguluhan at masakit na mga alaala sa pagpapatupad ng Savonarola.

Sa mga gawa ng Botticelli noong huling dalawang dekada ng ika-15 siglo, ang mga tala ay tumunog na sa kalaunan, sa ikalawang dekada ng ika-16 na siglo, na nagresulta sa lahat ng nasasaklaw na trahedya at kalungkutan ng sibil ng Michelangelo.Ang Botticelli ay hindi isang titan, tulad ng Michelangelo, at ang mga bayani ng kanyang mga kuwadro ay hindi malungkot, sila ay nag-isip lamang at nagdadalamhati sa sibilyang Michelangelo. ay malungkot; at ang mundo ng Botticelli, ang arena ng kanyang aktibidad ay mas mabilis na makitid, pati na rin ang mas maliit at ang saklaw ng kanyang talento.

Sa loob ng mga taon ng kanyang pinakadakilang pagiging produktibo ng malikhaing, si Botticelli ay lubos na nauugnay sa korte ni Lorenzo Medici, at marami sa mga pinakatanyag na gawa ng artist noong 70-80s. nakasulat sa kanya sa kahilingan ng mga miyembro ng pamilyang ito; ang iba ay binigyang inspirasyon ng mga tula ng Poliziano, o naiimpluwensyahan ng mga kontrobersya sa panitikan sa mga humanist scholar na kaibigan ni Lorenzo the Magnificent.

Gayunpaman, mali ang ituring si Botticelli bilang artista lamang sa korte ng hindi pa natukoy na Duke ng Florence at ituring ang kanyang gawain bilang isang pagpapahayag ng mga pananaw at panlasa ng kanyang aristokratikong bilog, bilang isang pagpapakita ng pyudal na reaksyon sa sining. Ang akda ni Botticelli ay may mas malalim at mas pangkalahatang makabuluhang katangian, at ang kanyang koneksyon sa bilog ng Medici ay mas kumplikado at nagkakasalungatan kaysa sa unang tingin. Hindi sinasadya na ang kanyang pagnanasa sa mga gawa ng Savonarola, kung saan, kasama ang mga kawalang-kilos ng relihiyon, ay napakalakas na anti-aristokratikong pathos, pagkamuhi sa mayaman at pakikiramay sa mahihirap, ang pagnanais na ibalik ang Florence sa patriarchal at malupit na oras ng isang demokratikong republika.

Ang libangan na ito, na ibinahagi niya kay Botticelli at ang batang Michelangelo, ay tila dahil sa buong panloob na istraktura ng Botticelli, ang kanyang nadagdagan na pagiging sensitibo sa mga problema sa moralidad, ang kanyang madamdamin na paghahanap para sa panloob na kadalisayan at pagka-espiritwalidad, mga espesyal na kalinisang nagpapakilala sa lahat ng mga imahe sa kanyang mga kuwadro, kalinisang, na sa anumang paraan ay hindi katangian ng "paganong bilog ni Lorenzo", na may napakalayo na pagpapahintulot para sa mga isyung moral, pampubliko at personal.

Pinag-aralan ni Botticelli kasama ang Filippo Lippi, maagang "Madonnas" ni Botticelli na ulitin ang compositional solution at uri ng artist na ito, isa sa pinakamaliwanag at pinaka orihinal na masters ng Florentine quattrocente.Ang iba pang mga gawa ng Botticelli ng unang panahon, ang isang tao ay maaaring makahanap ng impluwensya ni Antonio Pollaiolo at Verrocchio.

Ngunit mas kawili-wili dito ang mga tampok ng bago, ang indibidwal na istilo na naramdaman sa mga maaga, semi-alagad na mga gawa ng panginoon, hindi lamang at hindi gaanong sa kalikasan ng mga nakalarawan na pamamaraan, tulad ng sa isang ganap na espesyal, halos hindi kanais-nais na kapaligiran ng espirituwalidad, isang uri ng patula na "fanning" ng mga imahe. Ang "Madonna" ni Botticelli para sa Orphanage sa Florence ay halos isang kopya ng sikat na "Madonna" ni Lippi sa Uffizi.Pero sa parehong oras, tulad ng sa mga gawa ng Lippi, ang lahat ng kagandahan ay namamalagi sa kawalang-pag-asa na kung saan ipinakita ng artist sa larawan ang mga tampok ng kanyang minamahal - kanya - namamaga na mga labi, at isang malapad, bahagyang paitaas na ilong, banal na nakatiklop na mga kamay na may mga namumulang daliri, isang siksik na katawan ng isang bata at isang masigla, kahit na medyo bastos na ngiti ng isang anghel na may mukha ng isang batang lalaki sa kalye sa pag-uulit ng Botticelli, lahat ng mga tampok na ito ay nawala: ang kanyang Madonna ay mas matangkad, payat, mayroon siyang malambing maliit na ulo, makitid, sloping balikat at magagandang mahabang braso. Si Madonna Lippi ay nakabihis ng isang kasuutan sa Florentine, at maingat na ipinaparating ng artista ang lahat ng mga detalye ng kanyang mga damit, hanggang sa fastener sa balikat; Ang Madonna Botticelli ay may isang hindi pangkaraniwang gupit na damit at isang mahabang balabal, ang gilid ng kung saan bumubuo ng isang maganda, bizarrely curved line.

Si Madonna Lippi ay masigasig na taimtim, ibinaba niya ang kanyang mga mata, ngunit nanginginig ang kanyang mga pilikmata, kailangan niyang magsikap sa kanyang sarili upang hindi tumingin sa manonood; Maalalahanin si Madonna Botticelli, hindi niya napapansin ang kanyang paligid.

Ang kapaligiran na ito ng malalim na pag-iisip at ilang uri ng panloob na pagkakaisa ng mga character ay naramdaman kahit na mas malakas sa isa pa, sa kalaunan, "Madonna" ni Botticelli, kung saan ipinakita ng isang anghel si Maria ng isang plorera ng mga ubas at tainga ng tinapay. Mga ubas at tainga - ang alak at tinapay ay isang simbolikong imahe ng sakramento; ayon sa artist, dapat silang bumuo ng semantiko at compositional center ng larawan, na pinagsama ang lahat ng tatlong mga pigura.

Itinakda ni Leonardo ang kanyang sarili ng isang katulad na gawain sa malapit na nauugnay na "Madonna Benois". Sa loob nito, inilalabas ni Maria ang isang bulaklak na may krusyal na bata - ang simbolo ng krus. Ngunit kinakailangan lamang ni Leonardo ang bulaklak na ito upang lumikha ng isang malinaw na nasasalat na sikolohikal na koneksyon sa pagitan ng ina at anak; kailangan niya ng isang bagay na kung saan maaari niyang pantayin na itutuon ang atensyon ng pareho at mabigyan ng kapaki-pakinabang sa kanilang mga kilos.

Ang plorera ng Botticelli na may mga ubas ay ganap ding sinisipsip ang atensyon ng mga character. Gayunpaman, hindi ito nagkakaisa, ngunit sa halip ay panloob na naghihiwalay sa kanila; pagtingin sa kanya nang may pag-iisip, nakalimutan nila ang isa't isa.Ang larawan ay naghahari ng isang kapaligiran ng pagmumuni-muni at panloob na kalungkutan. Ito ay higit sa lahat na pinadali ng likas na katangian ng pag-iilaw, kahit na, nagkalat, halos walang mga anino.

Ang maliwanag na ilaw ng Botticelli ay hindi nagtatapon sa espirituwal na pagpapalagayang loob, sa matalik na komunikasyon, habang nililikha ni Leonardo ang impresyon ng takip-silim: kanilang isinalin ang mga bayani, iwanan ang mga ito sa isa't isa. mga larawan. Sa katunayan, ang pigura ni Sebastian, ang kanyang pustura, at maging ang puno ng puno ng kahoy na kung saan siya nakakabit, halos eksaktong inuulit ang larawan ng Pollaiolo; ngunit sa Pollaiolo si Sebastian ay napapalibutan ng mga sundalo, binaril nila siya - at nakakaranas siya ng pagdurusa: ang kanyang mga binti ay nanginginig, ang kanyang likod ay nakakumbinsi, na ang kanyang mukha ay nakataas sa langit. ang pigura ng bayani ng Botticell ay nagpapahayag ng kumpletong pag-aalala sa kapaligiran, at kahit na ang posisyon ng kanyang mga kamay na nakatali sa likod ng kanyang likuran ay napapansin bilang isang kilos na nagpapahayag ng malalim na pag-iisip; ang parehong pagmumuni-muni ay nakasulat sa kanyang mukha, na ang kanyang mga kilay ay bahagyang nakataas na tila sa nagdadalamhalang sorpresa. "St Sebastian" na mga petsa mula sa 1474.

Ang ikalawang kalahati ng 70s at ikawalo ay dapat isaalang-alang bilang isang panahon ng malikhaing kapanahunan at ang pinakadakilang pag-unlad ng artist.

Nagsisimula ito sa sikat na Adoration of the Magi (c. 1475), na sinusundan ng lahat ng mga pinaka-makabuluhang akda ng Botticelli.Nagkaiba pa rin ang mga siyentipiko sa pakikipag-date ng mga indibidwal na mga kuwadro, at lalo na ito ay nababahala sa dalawang pinakasikat na mga kuwadro: Spring at Kapanganakan Venus ", ang ilang mga mananaliksik ay ipinagpalagay ang una sa kanila sa pagtatapos ng 1470s, ang iba ay ginusto ang isang susunod na petsa - 1480s. Maging tulad ng ito ay maaaring, "Spring" ay isinulat sa panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng pagkamalikhain na Botticelli at nangunguna sa medyo kalaunan na pagpipinta "Ang Kapanganakan ng Venus". Walang alinlangan, ang mga kuwadro na gawa ng "Pallas at Centaur", "Mars at Venus", ang sikat na tondo na naglalarawan sa Madonna na napapalibutan ng mga anghel ("The Magnification of the Madonna"), at mga fresco ng Sistine Chapel (1481- 1482) at ang mga fresco ng Villa Lemmy (1486), ipininta sa okasyon ng kasal nina Lorenzo Tornabuoni (pinsan ni Lorenzo na Magnificent) at Giovanna degli Albizzi.

Ang sikat na mga guhit para sa Banal na Komedya ng Dante ay nagmula din sa panahong ito. Tulad ng para sa pagpipinta ni Botticelli "Allegory of Slander", sa pagsasaalang-alang na ito, ang iba't ibang mga pagpapalagay ay ipinahayag.

Ang ilang mga mananaliksik ay nagpapakilala sa larawang ito sa oras ng "Spring" at "Venus", iyon ay, hanggang sa mga taon ng pinakadakilang pagnanasa ng Botticelli sa katagal; habang ang iba, sa kabaligtaran, ay binibigyang diin ang moralisasyong kalikasan ng gawain at ang pinataas nitong pagpapahayag at nakikita ito bilang isang gawain noong 1490s.

Sa The Adoration of the Magi (Uffizzi) ay marami pa rin ang Quattrocentism, higit sa lahat na medyo nakakainis na pagpapasiya na kung saan ang Botticelli, tulad ng Gozzoli at Lippi, ay naging eksena ng Ebanghelyo sa isang eksena ng masikip na pagdiriwang. Marahil, wala nang ibang pagpipinta ni Botticelli, mayroong iba't ibang mga poses, kilos, costume, alahas, kahit saan sila gumawa ng gayong ingay at pag-uusap.

At gayon pa man, hindi inaasahan, tunog ng mga espesyal na tala: ang pigura ni Lorenzo Medici, mapagmataas at nakalaan, buong pagmamalasakit na tahimik sa karamihan ng kanyang masiglang mga kaibigan, o ang brooding Giuliano, na nakulong sa isang itim na velvet na jacket.Ang lalaki na figure, maganda na na-draped sa isang light bughaw na balabal, hindi sinasadyang nakakaakit ng pansin. na tila magaan, halos transparent, at pinapaalala mo ang mahangin na damit ng Graces sa pagpipinta na "Spring"; at ang pangkalahatang hanay ng mga kulay na may umiiral na malamig na tono; at berde-ginintuang pagmuni-muni ng ilaw ng insidente mula sa kahit saan, hindi inaasahang kumikislap na ilaw sa sewn na gilid ng balabal, pagkatapos ay sa gintong takip, pagkatapos ay sa sapatos.

At ang matatas, libot na ilaw na ito, na bumabagsak mula sa itaas, pagkatapos ay mula sa ibaba, ay nagbibigay ng eksena ng isang hindi pangkaraniwang, kamangha-manghang, walang tiyak na oras na character.Ang kalabuan ng pag-iilaw ay sinasagot din ng kawalang-katiyakan ng spatial na konstruksyon ng komposisyon: ang mga figure ng pangalawang plano ay sa ilang mga kaso na mas malaki kaysa sa mga figure na matatagpuan sa harap ng gilid ng larawan; ang kanilang spatial na relasyon sa bawat isa ay hindi maliwanag na mahirap sabihin kung nasaan ang mga numero - malapit o malayo sa manonood.

Ang eksena na inilalarawan dito ay binago sa ilang uri ng engkanto, kung minsan sa labas ng oras at puwang. Si Botticelli ay isang kapanahon ng Leonardo, kasama niya ay nagtatrabaho siya sa workshop ni Verrocchio. Walang alinlangan, pamilyar siya sa lahat ng mga intricacies ng mga konstruksyon ng pananaw at pagmomolde ng chiaroscuro, kung saan ang mga artista ng Italya ay perpekto para sa mga 50 taon, para kanino ang pananaw ng siyentipiko at dami ng pagmomolde ay nagsilbing isang malakas na paraan ng muling paglikha ng layunin ng katotohanan sa sining.

Kabilang sa mga artista na ito ay mga tunay na makata ng pananaw, at una sa lahat ng Piero della Francesca, kung saan gumagana ang pagtatayo ng pananaw ng espasyo at ang paglipat ng dami ng mga bagay na naging isang mahiwagang paraan ng paglikha ng kagandahan. Parehong sina Leonardo at Raphael ay mahusay na makata ng chiaroscuro at pananaw, ngunit para sa maraming mga artista - quattrocentists, ang pananaw ay naging isang fetish, kung saan sinakripisyo nila ang lahat, at higit sa lahat kagandahan.

Kadalasan ay nahalili nila ang isang makasagisag na libangan ng reyalidad na may isang kamangha-manghang pagpaparami nito, isang maling haka-haka, isang ilusyon ng paningin at naively nagalak kapag pinamamahalaan nilang maglarawan ang isang pigura sa ilang hindi inaasahang anggulo, na nakakalimutan na ang gayong figure sa karamihan ng mga kaso ay nagbibigay ng impression ng hindi likas at unaesthetic, iyon ay sa huli ay isang kasinungalingan sa sining.Ang kontemporaryong Dominico Ghirlandaio ni Botticelli ay tulad ng isang mainip na manunulat ng prosa.

Ang mga kuwadro na gawa ni Ghirlandaio at ang kanyang maraming mga fresco ay nagbibigay ng impresyon ng detalyadong mga serye; ang mga ito ay mahusay na dokumentaryo na kahulugan, ngunit ang kanilang masining na halaga ay napakaliit. Ngunit sa mga artist ng Quattrocentist ay mayroong mga masters na lumikha ng mga diwata mula sa kanilang mga canvases; ang kanilang mga kuwadro na gawa, awkward, bahagyang nakakatawa, sa parehong oras na puno ng kamangha-manghang kagandahan.Ang nasabing artist ay si Paolo Uccello; ang mga elemento ng nabubuhay na pantasya ng tao ay malakas sa kanyang gawain, tutol sa labis na kaisipan ng Renaissance rationalism.

Ang mga kuwadro na gawa ni Botticelli ay malayo sa halos popular na walang imik na mga pintura ni Uchello. Oo, hindi ito dapat asahan mula sa isang artista, pamilyar sa lahat ng mga subtleties ng Renaissance humanism, isang kaibigan ni Poliziano at Pico della Mirandola, kasangkot sa Neo-Platonism na nilinang sa bilog ng Medici.Ang kanyang mga kuwadro na "Spring" at "The Birth of Venus" ay inspirasyon ng katangi-tanging tula ng Poliziano; marahil ay binigyan sila ng inspirasyon ng mga pagdiriwang sa korte ng Medici, at, malinaw naman, inilalagay sa kanila ni Botticelli ang ilang uri ng kumplikadong pilosopiko at kaparehong kahulugan; marahil ay sinubukan niya talaga ang imahen ni Aphrodite upang pagsamahin ang mga tampok ng pagan, body, Christian at spiritual beauty.

Nagtatalo pa ang mga siyentipiko tungkol sa lahat ng ito. Ngunit mayroong sa mga kuwadro na ito at ganap, hindi mapag-aalinlangan na kagandahan, nauunawaan sa lahat, kaya't hindi pa rin nawawala ang kanilang kahulugan. Ang Botticelli ay tumutukoy sa walang hanggang motibo ng isang katutubong kuwento, sa mga larawang nilikha ng pambansang pantasya at samakatuwid ay makabuluhan sa pangkalahatan.Maaari bang may alinlangan ang makasagisag na kahulugan ng isang matangkad na babaeng pigura sa isang puting damit na pinagtagpi ng mga bulaklak, na may isang wreath sa gintong buhok, na may isang garland ng mga bulaklak sa paligid ng kanyang leeg, na may hawak na mga bulaklak at sa mukha ng isang batang babae, halos isang binatilyo, bahagyang nahihiya, nakangiti nang mahiya? Para sa lahat ng mga tao, sa lahat ng wika, ang imaheng ito ay palaging nagsilbi bilang isang imahe ng tagsibol; sa mga katutubong kapistahan sa Russia na nakatuon sa pulong ng tagsibol, nang ang mga batang batang babae ay lumabas sa bukid upang "curl wreaths", ito ay naaangkop lamang sa isang pagpipinta ni Botticelli.

At kahit gaano karaming mga siyentipiko ang nagtalo tungkol sa kung sino ang kinakatawan ng isang half-hubad na babaeng pigura sa mga transparent na damit, na may mahabang pagkalat na buhok at isang sanga ng greenery sa kanyang mga ngipin - Flora, Spring at Zephyr, ang kanyang makasagisag na kahulugan ay ganap na malinaw: sa gitna ng mga sinaunang Greeks na tinawag siyang isang dryad o nymph, sa katutubong Tale ng Europa bilang isang engkanto sa kagubatan, sa mga talinghaga ng isang sirena.

At syempre, ang isang lumilipad na pigura sa kanan ay nauugnay sa ilang madidilim na masasamang pwersa ng kalikasan, mula sa pagpitik ng kaninong mga pakpak ang mga puno ay yumuko at yumuko. Ang Hesperides, at ang mahiwagang lupain ng mga diwata, kung saan palaging naghahari ang tag-araw. Ang apela ni Botticelli sa mga imahe ng katutubong pantasya ay hindi sinasadya.

Ang mga makata ng bilog ng Medici, at si Lorenzo mismo, ay malawakang ginagamit sa kanilang trabaho ang mga motif at anyo ng mga tula ng mga katutubong katutubong Italya, pinagsasama ito ng "kaaya-aya" na sinaunang tula, Latin at Greek. Ngunit anuman ang mga pampulitikang motibo ng interes na ito sa katutubong sining, lalo na sa mismong Lorenzo mismo, na nagtuloy sa pangunahing mga layunin ng demagogic, ang kahalagahan nito para sa pagbuo ng panitikang Italyano ay hindi maikakaila.

Ang Botticelli ay tumutukoy hindi lamang sa tradisyonal na mga character ng mga alamat ng alamat at mga engkanto; sa kanyang mga kuwadro na gawa sa "Spring" at "The Birth of Venus" na indibidwal na mga bagay ay nakakakuha ng katangian ng mga pangkalahatang simbolo ng patula. Hindi tulad ni Leonardo, isang madamdaming explorer, na may kamangha-manghang katumpakan, na nagsusumikap na kopyahin ang lahat ng mga tampok na istruktura ng mga halaman, ang Botticelli ay naglalarawan ng "mga puno sa pangkalahatan," isang larawang tulad ng kanta ng isang puno, na itinataguyod tulad ng isang engkanto na kuwento, na may pinakamahusay na mga katangian na ito ay payat, na may isang makinis na puno ng kahoy, na may malambot na dahon. gulugod na may mga bulaklak at prutas nang sabay.

At kung ano ang gagawin ng botanist upang matukoy ang iba't ibang mga bulaklak na nakakalat sa parang sa ilalim ng mga paa ng Spring, o yaong pinananatili niya sa mga kulungan ng kanyang damit: ang mga ito ay malago, sariwa at mabango, mukhang rosas, at carnation, at peonies; ito ay isang "bulaklak sa pangkalahatan", ang pinaka-kahanga-hangang mga bulaklak.At kahit na sa mismong tanawin, si Botticelli ay hindi naghahangad na muling likhain ito o ang larawang iyon; nangangahulugan lamang ito ng likas na katangian, na pinangalanan ang pangunahing at paulit-ulit na mga elemento nito: mga puno, kalangitan, lupa sa "Spring"; langit, dagat, mga puno, lupa sa "Ang Kapanganakan ng Venus". Ito ay "kalikasan sa pangkalahatan", maganda at hindi nagbabago.

Inilalarawan ang makalupang paraiso na ito, ang "gintong panahon" na ito, hindi kasama ng Botticelli ang mga kategorya ng espasyo at oras mula sa kanyang mga kuwadro na gawa.Ang langit ay makikita sa likod ng mga payat na mga puno ng puno, ngunit walang distansya, walang mga linya ng pananaw na humahantong sa kailaliman, na lampas sa itinatanghal.

Kahit na ang parang na kung saan ang mga figure ng pagtapak ay hindi nagbibigay ng impression ng lalim; mukhang isang karpet na nakabitin sa dingding, imposible na maglakad sa ibabaw nito. Ito marahil kung bakit ang lahat ng mga paggalaw ng mga numero ay may ilang mga espesyal, walang tiyak na oras na character: ang mga tao sa Botticelli ay mas malamang na naglalarawan ng paggalaw kaysa sa paglipat. mga hakbang; wala na siyang hakbang, walang pahalang na eroplano sa larawan, at walang yugto kung saan malayang malipat ang mga figure.

Ang figure ng paglalakad Venus ay hindi rin gumagalaw: masyadong mahigpit na nakasulat sa arko ng mga hilig na mga puno at napapaligiran ng isang halo ng greenery.Ang mga poses, ang mga paggalaw ng mga figure ay nakakakuha ng isang kakaibang bewitched character, ang mga ito ay walang tiyak na kahulugan, wala sa isang tiyak na pagkamakatuwiran: iniunat ni Zephyr ang kanyang mga kamay, ngunit hindi hawakan ang Flora; Ang hawakan lamang ng tagsibol, ngunit hindi kumuha ng mga bulaklak; Ang kanang kamay ni Venus ay nakaunat, na para bang nais niyang hawakan ang isang bagay, ngunit nag-freeze pa rin siya sa hangin; ang mga galaw ng habi ng mga kamay ng Graces ang mga kilos ng sayaw; wala silang anumang gayahin na pagpapahayag, hindi rin nila ipinapakita ang estado ng kanilang kaluluwa. Mayroong ilang uri ng agwat sa pagitan ng panloob na buhay ng mga tao at ang panlabas na pattern ng kanilang mga pustura at kilos.

At bagaman ang isang tiyak na eksena ay inilalarawan sa larawan, ang mga character na ito ay hindi nakikipag-usap sa bawat isa, sila ay nalubog sa kanilang sarili, tahimik, nag-iisip, panloob na nag-iisa. Hindi nila napansin ang bawat isa, ang tanging bagay na nagkaisa sa kanila ay isang karaniwang ritmo na sumasalamin sa larawan, tulad ng isang bugso ng hangin na sumabog mula sa labas.

At ang lahat ng mga numero ay sumusunod sa ritmo na ito; mahina ang kalooban at magaan, parang mga tuyong dahon na hinihimok ng hangin. Ang pinaka-kapansin-pansin na pagpapahayag nito ay ang pigura ng Venus na lumulutang sa dagat. Nakatayo siya sa gilid ng isang light shell, bahagyang hawakan ang kanyang mga paa, at dinala siya ng hangin sa lupa.Sa mga kuwadro na gawa ng Renaissance, ang tao ay palaging sentro ng komposisyon; ang buong mundo ay itinayo sa paligid sa kanya at para sa kanya, at ito ang siyang pangunahing katangian ng dramatikong pagsasalaysay, ang aktibong exponent ng nilalaman na nilalaman sa larawan.

Gayunpaman, sa mga kuwadro na gawa sa Botticelli, ang isang tao ay nawawala ang aktibong papel na ito, nagiging higit pa siya sa isang elemento ng passive, siya ay napapailalim sa mga puwersa na kumikilos mula sa labas, sumuko siya sa isang salpok ng pakiramdam o isang salpok ng ritmo. ang panahon kung kailan ang antropocentrism ng Renaissance ay pinalitan ng kamalayan ng personal na walang magawa, ang ideya na may mga puwersa sa mundo na independiyenteng tao, hindi napapailalim sa kanyang kalooban. Ang mga unang sintomas ng mga pagbabagong ito sa lipunan, ang unang peals ng bagyo na tumama sa Italya ng ilang dekada mamaya at natapos ang Renaissance, ay ang pagbagsak ng Florence sa pagtatapos ng ika-15 siglo at ang panatismong pangrelihiyon na sumikil sa lungsod sa ilalim ng impluwensya ng pangangaral, panatismo ng panatiko, na umabot sa Renaissance. at si Botticelli mismo, at pinilit ang Florentines, salungat sa karaniwang kahulugan at ang paggalang sa maganda, na pinalaki ng maraming siglo, upang itapon ang mga gawa ng sining sa apoy.

Ang isang malalim na kaunlaran ng kahalagahan sa sarili, isang mahinahon at kumpiyansa na kumpiyansa sa sarili na sumakop sa atin sa La Gioconda ni Leonardo ay dayuhan sa mga character sa mga kuwadro na gawa sa Botticelli.

Upang madama ito, sapat na upang tumingin ng mabuti sa mga mukha ng mga character sa kanyang Sistine frescoes at lalo na ang mga fresco ng villa ni Lemmy. Nararamdaman nila ang isang panloob na kawalan ng katiyakan, ang kakayahang sumuko sa salpok at mga inaasahan ng salpok na ito, handa nang magpasok.

Ang lahat ng ito ay ipinahayag nang may partikular na lakas sa mga guhit ni Botticelli sa Banal na Komedya ni Dante. Dito, kahit na ang napaka likas na katangian ng pagguhit - sa isang manipis na linya, nang walang mga anino at walang presyon - ay lumilikha ng isang pakiramdam ng kumpletong bigat ng mga figure; marupok at tila malinaw.Ang mga figure ni Dante at kanyang kasama, na paulit-ulit nang paulit-ulit sa bawat sheet, ay lilitaw sa isa o ibang bahagi ng pagguhit; ang pagwawalang-bahala sa alinman sa pisikal na batas ng grabidad o ang mga pamamaraan ng pagtatayo ng isang imahe na pinagtibay sa kanyang panahon, inilalagay ito ng artist ngayon mula sa ibaba, ngayon mula sa itaas, kung minsan ay patagilid at kahit baligtad. Minsan ang pakiramdam ay nilikha na ang artist mismo ay nakatakas mula sa globo ng grabidad, nawala ang pakiramdam ng tuktok at ibaba. Ang paglalarawan para sa "Paraiso" ay gumagawa ng isang partikular na malakas na impresyon. Mahirap na pangalanan ang isa pang artista na, na may tulad na pagkumbinsi at tulad ng simpleng paraan, ay maaaring ihatid ang pakiramdam ng walang hanggan na puwang at walang hanggan na ilaw.

Sa mga guhit na ito, ang mga numero ng Dante at Beatrice ay paulit-ulit na paulit-ulit.

Ang halos pag-igting ng manic kung saan ibabalik ng Botticelli ang 20 sheet sa parehong komposisyon - Beatrice at Dante, na nakapaloob sa isang bilog; ang kanilang mga pustura at kilos ay magkakaiba lamang. Mayroong isang pakiramdam ng isang liriko na tema, na parang pag-uusig sa artista, mula kung saan hindi niya magagawa at ayaw niyang palayain ang kanyang sarili.At isa pang tampok na lumilitaw sa huling mga guhit ng serye: Beatrice, ang embodimentong ito ng kagandahan, ay pangit at halos dalawang ulo na mas mataas kaysa kay Dante! Walang alinlangan na sa malaking pagkakaiba-iba na ito, hinahangad ni Botticelli na iparating ang malaking kahalagahan ng imahe ng Beatrice at, marahil, ang pakiramdam ng kanyang kahusayan at kanyang sariling kakulangan na naranasan ni Dante sa kanyang harapan. Ang problema ng ratio ng pisikal at espirituwal na kagandahan na patuloy na bumangon sa harap ng Botticelli, at sinubukan niya itong lutasin sa pamamagitan ng pagbibigay ng paganly magandang katawan ng kanyang Venus ang mukha ng isang maingat na Madonna.

Ang mukha ni Beatrice ay hindi maganda, ngunit siya ay kapansin-pansin na maganda, malaki at malakas na inspirasyon ng mga kamay at ilang espesyal na walang pasubaling biyaya ng paggalaw.

Sino ang nakakaalam, marahil ang reassessment na ito ng mga kategorya ng kagandahang pisikal at espiritwal na gumanap ng papel ng sermon ng Savonarola, na kinasusuklaman ang lahat ng kagandahang pang-katawan bilang ang sagisag ng pagan, makasalanan. Ang pagtatapos ng mga walong taong gulang ay maaaring isaalang-alang ang panahon kung saan nagsimula ang pagbukas ng akda sa Botticelli.Mukhang, panloob, nakipaghiwalay siya sa bilog ng Medici sa buhay ni Lorenzo the Magnificent, na namatay noong 1492. Ang mga antigong, paksa ng mitolohiya ay nawala sa kanyang gawa.

Kasama sa huling panahon na ito ang mga kuwadro na gawa ng "Pag-anunsyo" (Uffizi), "The Wedding of Our Lady" (Uffizi, 1490), "Pasko" - ang huling ng mga napetsahan na gawa ng Botticelli (1500), na nakatuon sa memorya ng Savonarola. Tulad ng para sa Munich na "Entombment", iniuugnay ng ilang mga mananaliksik hanggang sa katapusan ng 90s; ayon sa iba, ang pagpipinta na ito ay lumitaw sa paglaon, sa mga unang taon ng ika-16 na siglo, pati na rin ang mga kuwadro na gawa mula sa buhay ni St. Zinovia Kung sa mga kuwadro na gawa ng mga 1480 ay nagkaroon ng isang sensitibong disposisyon, isang pagpayag na sumuko sa isang salpok, kung gayon sa mga kalaunan nitong mga gawa ng Botticelli, ang mga character ay nawawala na ang lahat ng kapangyarihan sa kanilang sarili.

Ang isang malakas, halos kasiya-siyang pakiramdam ay nakakakuha sa kanila, ang kanilang mga mata ay sarado, sarado, sa kanilang mga paggalaw - pinalaki ang pagpapahayag, kawalang-sigla, na parang hindi na nila makontrol ang kanilang mga katawan at kumilos sa isang estado ng ilang kakaibang hypnotic na pagtulog. Nasa pagpipinta na "The Announce" na ipinakilala ng artista ang eksena, kadalasang napakatamad, hindi pangkaraniwang pagkalito.

Ang anghel ay sumabog sa silid at mabilis na lumuhod, at sa likuran niya, tulad ng mga jet ng hangin, na-dissected sa paglipad, ang kanyang transparent, tulad ng baso, bahagyang nakikitang mga veil ay tumaas.Ang kanyang kanang kamay na may isang malaking kamay at mahabang nerbiyos na mga daliri ay nakaunat kay Maria, at Maria na parang bulag, na parang nawawala, ay iniunat ang kanyang kamay upang salubungin siya. At parang ang mga panloob na mga alon, hindi nakikita ngunit malinaw na nakakaunawa, dumadaloy mula sa kanyang kamay sa kamay ni Mary at gawin ang kanyang buong katawan na manginig at yumuko. Sa pagpipinta na "Ang Kasal ng Ina ng Diyos" sa mga mukha ng mga anghel ang isa ay makakakita ng isang matigas, panahunan na obsesyon, at sa katulin ng kanilang mga postura at kilos - halos walang pag-iingat sa Bacchic.

Sa larawang ito, malinaw na maramdaman ng isang tao ang hindi lamang isang kumpletong pagwawalang-bahala para sa mga batas ng konstruksyon ng pananaw, kundi pati na rin isang mapagpasyang paglabag sa prinsipyo ng pagkakaisa ng punto ng pananaw sa mga imahe. para sa isang tao, para sa isang manonood, at lahat ng mga bagay ay inilalarawan na isinasaalang-alang ang kanyang pang-unawa - alinman sa itaas, o sa ibaba, o sa antas ng mata, depende sa kung saan ang perpekto, haka-haka na manonood. Ang prinsipyong ito ay umabot sa pinakamataas na pag-unlad nito sa "Huling Hapunan" ni Leonardo at sa mga fresco ng istasyon ng Raphael na della Seniatura.

Ang pagpipinta ni Botticelli na "The Wedding of Our Lady", tulad ng kanyang mga guhit para sa "The Divine Comedy", ay itinayo nang hindi isinasaalang-alang ang punto ng pananaw ng napapansin na paksa, at mayroong isang bagay na hindi makatwiran sa pagkalugi sa pagtatayo nito. Ito ay ipinahayag kahit na mas tiyak sa sikat na "Pasko" ng 1500, ang mga harap na numero dito ay kalahati ng laki ng mga numero sa ikalawang plano, at para sa bawat sinturon ng mga figure na nakaayos sa mga tier, at madalas kahit na para sa bawat indibidwal na pigura, ang sariling abot-tanaw ng pang-unawa ay nilikha.

Bukod dito, ang punto ng view ng mga figure ay hindi nagpapahayag sa kanilang layunin na lokasyon, kundi sa kanilang intrinsikong kabuluhan; kung gayon, si Maria, yumuko sa bata, ay inilalarawan sa ibaba, at si Joseph na nakaupo sa tabi niya ay nasa itaas.

Ang isang katulad na pamamaraan 40 taon mamaya ay inilapat ni Michelangelo sa kanyang fresco na "Ang Huling Paghuhukom". Sa Munich ng Botticelli na "Placing in the Coffin" angularity at ilang woodiness ng mga figure, na nagpapaalala sa isang katulad na larawan ng Dutch artist na si Rogier van der Weyden, ay pinagsama sa mga trahedya na pathetics ng Baroque. Ang katawan ng patay na si Kristo gamit ang kanyang malalang nahulog na kamay ay inaasahan ang ilan sa mga imahe ng Caravaggio, at naalala ng ulo ng walang kamalayan na si Maria ang mga imahe ni Bernini.

Si Botticelli ay isang direktang saksi sa mga unang sintomas ng papalapit na reaksyon ng pyudal. Siya ay nanirahan sa Florence, isang lungsod na sa loob ng maraming siglo ay tumayo sa pinuno ng pang-ekonomiyang, pampulitika at pangkulturang buhay ng Italya, sa isang lungsod na may mga tradisyunal na tradisyon ng republikano, na nararapat na itinuturing na forge ng kulturang Renaissance ng Italya.ito marahil kung bakit ipinahayag ang krisis ng Renaissance. una sa lahat, narito at narito na naganap sa tulad ng isang bagyo at tulad ng trahedyang character.

Ang huling 25 taon ng ika-15 siglo para sa Florence ay mga taon ng unti-unting paghihirap at pagkamatay ng republika at kabayanihan at hindi matagumpay na mga pagtatangka upang mai-save ito. Sa pakikibaka na ito para sa isang demokratikong Florence, laban sa lumalagong kapangyarihan ng Medici, ang mga posisyon ng pinaka-madamdaming tagapagtanggol sa isang kakaibang paraan kasabay ng mga posisyon ng mga tagasuporta ng Savonarola, na nagsisikap na ibalik ang Italya sa mga oras ng Gitnang Panahon, upang pilitin itong talikuran ang lahat ng mga nagawa ng Renaissance humanism, Renaissance art.

Sa kabilang banda, ito ay ang Medici, na humawak ng mga reaksyunaryong posisyon sa politika, na nagtatanggol sa humanismo at nagpapataw ng mga manunulat, siyentipiko, at artista sa bawat posibleng paraan. Sa ganoong sitwasyon, ang posisyon ng artist ay lalong mahirap. Hindi aksidente na samakatuwid si Leonardo da Vinci, na pantay na dayuhan sa kapwa pampulitika at relihiyosong libangan, ay umalis sa Florence at, naghahanap upang makahanap ng kalayaan ng pagkamalikhain, lumilipat sa Milan. Si Botticelli ay isang tao na may iba't ibang uri; hindi maihahiwalay na naiugnay ang kanyang kapalaran sa kapalaran ng Florence, siya ay masakit na hinagis sa pagitan ng humanismo ng bilog ng Medici at ang relihiyoso at moral na mga landas ng Savonarola.

At kapag, sa mga huling taon ng ika-15 siglo, nalutas ni Botticelli ang pagtatalo na ito sa pabor ng relihiyon, siya ay natahimik bilang isang artista. Ito ay lubos na maunawaan, samakatuwid, mula sa huling dekada ng kanyang buhay halos hindi isa sa kanyang mga gawa ay nakaligtas sa amin.Mga Sanggunian: I. Danilov "Sandro Botticelli", "ART" ed. "Enlightenment" (c) 1969 E. Rothenberg "Art of Italy ng ika-15 siglo" ed. "Art" Moscow (c) 1967 Jose Antonio de Urbina "The Prado", Scala publication ltd, London 1988-93.

Ano ang gagawin natin sa natanggap na materyal:

Kung ang materyal na ito ay naging kapaki-pakinabang sa iyo, mai-save mo ito sa iyong pahina sa mga social network:

Caravaggio. Posisyon sa kabaong. 1602-1604 Vatican Pinakothek

Sa harap natin ay ang katawan ni Cristo at 5 mga pigura. Hinawakan ni Saint John ang kanyang katawan mula sa gilid ng kanyang ulo. Ang bunsong alagad ni Cristo. Mula sa gilid ng kanyang mga paa, hinahawakan siya ni Nicodemus. Isang residente ng Judea, isang lihim na alagad ni Cristo.

Si Saint Mary ay nakasuot ng madilim na asul. Hinawakan niya ang kanyang kamay sa mukha ng kanyang anak. Nagpaalam sa kanya magpakailanman. Pinunasan ni Mary Magdalene ang kanyang mukha mula sa luha. At ang pinaka malayong figure ay si Maria Kleopova. Malamang, siya ay kamag-anak ni Cristo.

Ang mga numero ay napaka masikip. Para silang isang solong monolith. Protruding mula sa kadiliman.

Siyempre, ito ay isang obra maestra. Ngunit ano ang ginagawang natitirang pagpipinta na ito?

Tulad ng nakikita natin, kawili-wili ang komposisyon. Ngunit hindi orihinal. Ginamit ng wizard ang isang mayroon nang formula. Inilarawan si Kristo sa humigit-kumulang na parehong posisyon sa simula ng ika-16 na siglo. At ang mga wayista * kalahating siglo bago ang Caravaggio (1571-1610)

3. Realismo ng mga tao

Inilarawan ni Caravaggio si Saint Mary sa edad na 55. Mukhang mas matanda siya kaysa sa kanyang mga taon dahil sa kalungkutan na nangyari sa kanya. Tingnan mo ang mukha niya. Hindi ito isang matandang babae, dahil madalas siyang tinutukoy sa larawang ito. Ito ay isang babae sa kanyang 50s, pusong sumasakit.

Ang kanyang edad ay makatotohanan. Ito mismo ang hitsura ng isang babae na ang anak na lalaki ay 33.

Ang katotohanan ay bago ang Caravaggio, si Saint Mary ay inilalarawan bilang bata. Sa gayon pinapasadya ang kanyang imahe hangga't maaari.

Halimbawa, si Carracci, isang maliit, maraming nagtatag ng unang art academy, ay sumunod sa parehong kalakaran. Ang kanyang Saint Mary at Christ sa pagpipinta na "Pieta" ay halos kaparehong edad.

4. Pakiramdam ng dinamika

Ang Caravaggio ay naglalarawan ng isang sandali kapag ang mga lalaki ay nasa sobrang pag-igting. Mahirap para kay Saint John na hawakan ang kanyang katawan. Hindi madali para sa kanya. Siya ay awkwardly hinawakan ang kanyang mga daliri sa sugat sa dibdib ni Kristo.

Si Nicodemus ay nasa limitasyon din ng kanyang lakas. Ang mga ugat sa kanyang mga binti ay namamaga. Makikita na hinahawakan niya ang kanyang pasanin sa huling lakas.

Tila nakikita natin silang mabagal na ibinaba ang katawan ni Cristo. Ang ganitong hindi pangkaraniwang dinamika ay ginagawang mas makatotohanang ang larawan.

5. Ang sikat na tenebroso ng Caravaggio

Ang Caravaggio ay gumagamit ng pamamaraan ng tenebroso. Sa background - pitch kadiliman. At ang mga figure ay tila outline ng isang madilim na ilaw na nakadirekta sa kanila.

Maraming mga kontemporaryo ang pumuna sa Caravaggio sa paraang ito. Tinawag nila itong "basement". Ngunit ang partikular na pamamaraan na ito ay isa sa mga pinaka-katangian na tampok ng akda ni Caravaggio. Nagawa niyang mai-maximize ang lahat ng mga pakinabang nito.

Ang mga numero ay nakakakuha ng pambihirang kaluwagan. Ang damdamin ng mga bayani ay naging lubos na binibigkas. Mas kumpleto ang komposisyon.

Ang estilo na ito ay naging napakapopular na salamat sa Caravaggio. Kabilang sa kanyang mga tagasunod, ang Espanyol na artist na Zurbaran ay maaaring makilala.

Tingnan ang kanyang tanyag na pagpipinta na "The Lamb of God". Ito ay Tenebroso na lumilikha ng ilusyon ng katotohanan. Ang kordero ay nakahiga sa harap namin na parang buhay. Nag-iilaw ng isang madilim na ilaw

Si Caravaggio ay isang repormador ng pagpipinta. Siya ang nagtatag ng realismo. At Ang Entombment ay isa sa kanyang pinakadakilang likha.

Kinopya ito ng pinakamalaking masters. Kinukumpirma din nito ang halaga nito para sa sining ng mundo. Ang isa sa mga pinakatanyag na kopya ay kabilang sa Rubens.

Ang "Entombment" ay isang napakalungkot na balangkas. Ngunit ito ay tiyak para sa mga nasabing paksa na madalas na isinasagawa ng Caravaggio.

Sa palagay ko ito ay dahil sa sikolohikal na trauma. Sa edad na 6, napanood niya ang kanyang ama at lolo na namatay sa paghihirap mula sa bubonic na salot. Pagkatapos nito ay nagalit ang kanyang ina sa lungkot. Mula pagkabata, nalaman niya na ang buhay ay puno ng pagdurusa.

Ngunit hindi ito napigilan sa kanya na maging pinakadakilang artista. Totoo, siya ay nabuhay lamang ng 39 taon. Namatay siya. Nawala ang kanyang katawan nang walang bakas. Siguro, ang kanyang mga labi ay natagpuan lamang 400 taon mamaya! Sa 2010. Basahin ang tungkol dito sa artikulo

* Mga Mannerista - mga artista na nagtatrabaho sa istilo ng paraan (100-taong panahon sa pagitan ng Renaissance at Baroque, ika-16 siglo). Mga tampok na katangian: oversaturation ng komposisyon na may mga detalye, pinahabang, madalas na baluktot na mga katawan, alituntunin na plots, nadagdagan ang eroticism. Mga natitirang kinatawan:

Ang kwento ng gawa ng sikat na Florentine artist na Quattrocento (ika-15 siglo na sining ng Renaissance) Sandro Botticelli ay maaaring maging walang katapusang. Gayunpaman, kailangan mong tapusin ang iyong kwento minsan. At susubukan kong gawin iyon sa huling post na ito.

Ang pagtatapos ng siglo ay minarkahan para sa Florence ng nagniningas, rebolusyonaryong sermon ng Fra Girolamo Savonarola ... At habang ang "walang kabuluhan" (mga mahahalagang kagamitan, maluho na damit at gawa ng sining batay sa mga plots ng paganong mitolohiya) ay sinunog sa mga parisukat ng lungsod, ang mga puso ng mga Florentines ay nabalewala at isang rebolusyon na lumaki, sa halip na espirituwal kaysa sa sosyal, na unang sinaktan ang lahat ng mga sensitibo, sopistikadong isipan na tagalikha ng mga piling tao na intellectualism ng panahon ni Lorenzo.

Ang isang muling pagtatasa ng mga halaga, isang pagbawas sa interes sa mga haka-haka na di-pagkakatawang mga konstruksyon, isang taimtim na pangangailangan para sa pag-renew, ang pagnanais na muling makahanap ng malakas, totoong moral at espirituwal na mga pundasyon ay mga palatandaan ng isang malalim na pagkakatalo ng panloob na karanasan na naranasan ng maraming Florentines (kabilang ang Botticelli) na sa mga huling taon ng buhay ng Magnificent at naabot ang apogee nito Nobyembre 9, 1494 - sa kapistahan ng Tagapagligtas at araw ng pagpapatalsik sa Medici .

Botticelli, na nakatira sa ilalim ng parehong bubong kasama ang kanyang kapatid na si Simone, isang nakumbinsi na "lasing" (literal na "crybaby" - ito ang pangalan ng mga tagasunod ng Savonarola), malakas na naiimpluwensyahan ni Fra Girolamo , na hindi maaaring mag-iwan ng isang malalim na marka sa kanyang pagpipinta. Ito ay maliwanag na napatunayan ng dalawang larawan ng dambana na "Panaghoy ni Cristo" mula sa Munich Old Pinakothek at ang Milan Poldi Pezzoli Museum. Ang mga kuwadro na gawa ay mula sa paligid ng 1495 at ayon sa pagkakabanggit sa mga simbahan ng San Paolino at Santa Maria Maggiore.

Panaghoy ni Kristo, 1495, Milan, Poldi Pezzoli Museum

Dula sa Kristiyano Ang Botticelli ay naranasan una sa lahat bilang isang kalungkutan ng tao, bilang walang humpay na kalungkutan sa isang inosenteng biktima na dumaan sa landas ng krus ng pagdurusa at nakakahiyang pagpatay.Ang kapangyarihan ng karanasan ay nakakakuha ng bawat isa sa mga character at pinagsama ang mga ito sa isang buong nakagagalit. Ang nilalaman ay naiparating sa wika ng linya at kulay, na sa oras na ito ay sumailalim sa isang kapansin-pansing pagbabago sa gawain ng master.

Ang mga akusasyon ni Fra Girolamo Savonarola ay hindi nag-iwan ng kawalang-interes sa Botticelli; ang mga temang pangrelihiyon ay naging pangunahing nasa kanyang sining ... Sa mga taon 1489-1490 isinulat niya " Pagpapahayag"para sa mga Cistercian monghe (ngayon ay nasa gallery ng Uffizi).

Noong 1495, natapos ng artista ang huling bahagi ng mga gawa para sa Medici, pagpipinta sa isang villa sa Trebbio maraming mga gumagana para sa isang bahagi ng pamilyang ito, na kalaunan ay tinawag na "dei Popolani".

Noong 1501, nilikha ng artist ang "Mystical Christmas". Sa kauna-unahang pagkakataon, nilagdaan niya at pinetsahan ang kanyang pagpipinta.

Sa gitna ng drama ni Botticell, na malalim na personal at naka-imprinta sa lahat ng kanyang sining, ay ang polaridad ng dalawang mundo. Sa isang banda, ito ang kulturang humanistik na umunlad sa kapaligiran ng Medici, kasama ang mga chivalrous at pagan motives nito; sa kabilang banda, ang rebolusyonaryo at ascetic na espiritu ng Savonarola, kung saan tinukoy ng Kristiyanismo hindi lamang ang kanyang personal na etika, kundi pati na rin ang mga alituntunin ng buhay sibil at pampulitika, kaya't ang mga aktibidad ng "Christ, hari ng Florence" (ang inskripsyon na nais ng mga tagasunod ng Savonarola na gawin sa pagpasok sa Palazzo della Ang Signoria) ay ang kumpletong kabaligtaran ng kahanga-hanga at malupit na pamamahala ng Medici.

Ang pagnanais para sa mas malalim at drama ay malinaw na ipinakita sa mga mature na gawa ng Botticelli ng panahong ito. Ang isa sa kanila ay "Pinabayaan". Minsan mayroong isa pang pangalan para sa pagpipinta na ito - "Allegory of Virtue".

"Pinabayaan", 1490, Roma, Koleksyon ng Rospigliosi

Ang balangkas ng larawan ay walang pagsalang kinuha mula sa Bibliya: Tamar Pinatapon ng Amnon (http://www.bottichelli.infoall.info/txt/3pokinut.shtml). Ngunit ang nag-iisang makasaysayang katotohanang ito sa artistikong embodiment ay nakakakuha ng isang walang hanggan at unibersal na tunog: narito mayroong isang pakiramdam ng kahinaan ng isang babae, at pakikiramay sa kanyang kalungkutan at pinigilan ang kawalan ng pag-asa, at isang bingi na hadlang sa anyo ng mga saradong mga pintuan at isang makapal na dingding na nakapagpapaalaala sa mga dingding ng isang kastilyong medieval. Ang isang tao na nadurog ng kawalan ng pag-asa sa wala, walang buhay na kapaligiran ay walang alinlangan na isang espirituwal na larawan ng sarili ni Botticelli.

« Masungit"- Ang huling pagpipinta ni Botticelli sa isang sekular na tema. Maaaring magulat ang isa na ang tulad ng isang maliit na larawan (62x91) ay naglalaman ng maraming kahulugan at talento. Ang pagpipinta ay hindi inilaan para sa isang pader, ngunit para sa imbakan at malapit na pagsusuri, tulad ng isang hiyas.

Libel, circa 1490, Uffizi Gallery, Florence

Ang imahe ay nagpapaalala sa isang nawawalang pagpipinta ni Apelles, isang sikat na pintor noong una, na inilarawan ng makatang Lucian. Iniulat ni Lucian na ang pintor na si Antiphilos, dahil sa inggit sa kanyang mas matalinong kasamahan na si Apelles, ay inakusahan siyang kasangkot sa isang pagsasabwatan laban sa haring Egypt na si Ptolemy IV, sa korte kung saan pareho ang mga artista.

Ang inosenteng si Apelles ay itinapon sa bilangguan, ngunit ang isa sa mga tunay na sabwatan ay nagpahayag ng kanyang pagiging walang kasalanan. Pinahusay ni Haring Ptolemy ang pintor at binigyan siya ng Antipilos bilang alipin. Si Apelles, napuno pa rin ng kakila-kilabot sa kawalan ng katarungan, ipininta ang larawan sa itaas. Ginawa ni Botticelli ang balangkas tulad ng inilarawan.

Ang hari ay nakaupo sa isang trono sa isang silid na pinalamutian ng mga eskultura (kanan sa larawan). Allegorical na mga numero sa malapit Pagkakakilala, Paghinala at Kahuluganna walang pasensya na bumubulong ng mga alingawngaw sa mga tainga ng asno ng hari (simbolo ng katangahan). Nanlalabo ang kanyang mga mata, wala siyang nakitang nakapaligid sa kanya, ang kamay ay nakaunat sa Galit na nakatayo sa harap niya.

Galit sa itim, tinitingnan nang mabuti ang hari, iniunat ang kanyang kaliwang kamay sa kanya. Gamit ang kanang kamay, hinila ni Anger ang Slander pasulong. Masungit gamit ang kaliwang kamay ay may hawak siyang sulo, ang apoy ng hindi totoo, sinusunog ang katotohanan. Gamit ang kanang kamay ay hinila niya ang kanyang biktima ng buhok, hubad na kabataan - Kawalang-interes... Ang kawalang-malay sa pamamagitan ng kahubaran nito ay nagpapakita na hindi ito itinatago, ngunit walang kabuluhan, ang Innocence ay humihiling na maunawaan.

Panibugho at Panloloko tumayo sa likuran ng Slander, naghahabi ng mga puting ribon sa kanyang buhok at pinaliguan sila ng mga rosas. Panloob na maganda, ang mga kababaihan ay tuso na gumagamit ng mga simbolo ng kadalisayan upang pagandahin ang Slander.

Pagsisisi, isang matandang babae na itim, ay nakatayo sa tabi. Sa kapaitan ay tiningnan niya Ang katotohanansa kaliwa, nais na tulungan ang Innocence.

Ang katotohanan, katulad ng rebulto ng klasikal na diyosa ng perpektong kagandahan, tumuturo paitaas, sa Isa na kung saan nakasalalay ang pangwakas na paghatol sa katotohanan at kabulaanan. "Hubad" Katotohanan at Lungkot malayo sa hari at sa iba pa na hindi nila pinapansin. Ang katotohanan ay walang itinatago, habang ang iba ay itinago ang kanilang mga hangarin na may itim o kulay, maliwanag na damit.

Si James Hall, may-akda ng klasikong Diksyon ng Plots at Mga Simbolo sa Art, ay itinuro na sa pagpipinta ni Botticelli " Dumating na ang huling dalawang figure na Remorse at Truth, tila huli na upang makatipid ng Innocence».

Ang pinaka-nakakabagbag-damdamin, emosyonal na larawan ng huli na panahon ng gawain ng Botticelli ay "Entombment". Ito ay nailalarawan sa angularity at ilang woodiness ng mga figure. Ang katawan ng patay na si Kristo gamit ang kanyang malalang nahulog na kamay ay inaasahan ang ilan sa mga imahe ng Caravaggio, at naalala ng ulo ng walang kamalayan na si Maria ang mga imahe ni Bernini.

Entombment, 1495-1500, Munich, Alte Piñicothek

Sa gawaing ito, ang Botticelli ay tumataas sa trahedya na taas, umabot sa isang pambihirang emosyonal na kapasidad at laconicism.

Dapat pansinin na ang gawain ni Sandro Botticelli ay nakahiwalay sa sining ng Renaissance ng Italya. Si Botticelli ay kaparehong edad ni Leonardo da Vinci, na mahal na tinawag siyang "aming Botticelli."

Ngunit mahirap na i-ranggo siya sa mga tipikal na masters ng parehong Maaga at Mataas na Renaissance. Sa mundo ng sining, hindi siya isang mapagmataas na mananakop, tulad ng dati, o ang soberanong Master ng buhay, tulad ng huli.

Ang kaluluwa ng Botticelli, na napunit na ng mga pagkakasalungatan, na naramdaman ang kagandahan ng mundo na binuksan ng Renaissance, ngunit natatakot sa pagkakasala nito, ay hindi mapigilan ang paghihirap.Ang nagniningas na sermon ng monghe na si Savonarola ay nagawa ang kanilang trabaho. Sa mga huling taon ng kanyang buhay (namatay siya ng animnapu't apat na taong gulang sa 1510) Si Botticelli ay hindi sumulat ng anuman.

Ang mga magagandang kaakit-akit na figure, frozen na mga katawan ng plastik, malungkot na malungkot na mukha, magagandang mata na hindi napansin ang anumang bagay sa paligid ... Wala sa mga masters ng Florentine ang maaaring ihambing kay Sandro Botticelli sa kayamanan ng pantula na pantasya na nagdala sa kanya ng katanyagan sa kanyang buhay. Ngunit nakalimutan ang tungkol sa pagkakaroon nito sa loob ng tatlong mahabang siglo... Ang kawili-wili sa pinakadulo ng mga talento ng Italya ay muling napakita sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, na nakabihag sa Pre-Raphaelite painters na may pagkakaiba-iba ng mga kaugalian at pagkakaugnay ng mga pamamaraan ng artistikong artistikong pagkamalikhain, pagkamalikhain ng pagkamalikhain at lyricism ng pintor na ito. Kinuha ng Botticelli ang isang espesyal na lugar sa sining ng Maagang Renaissance hindi isang sakim na pagkamausisa tungkol sa buhay at pag-eksperimento, ngunit isang madamdamin na paghahanap para sa panloob na kadalisayan at espirituwalidad, isang espesyal na kalinisang nagpapakilala sa lahat ng mga imahe sa kanyang mga kuwadro na gawa. Nakaligtas si Botticelli sa "digmaan ng mga higante", dahil tinawag ng Florentines ang magkakasundo sa pagitan nina Leonardo da Vinci at Michelangelo, at ang paglitaw ng promising na Raphael Santi.

Ang mga customer ay tumalikod sa dating sikat na pintor. Nawala ang kaluluwa niya. Si Botticelli ay nanirahan sa kanyang mga araw sa bahay ng mga kapatid, napuno ng tinig ng kanilang maraming mga inapo. Bilang isang artista, namatay siya sa mundo. "Ang kanyang bituin,ayon kay Machiavelli - lumabas bago nakapikit ang kanyang mga mata. "

Ayon sa mga tala sa simbahan ng mga patay, namatay si Botticelli noong 1510, at noong Mayo 17 ay inilibing sa sementeryo ng Onisanti Church sa Florence, sa lungsod kung saan umusbong ang kanyang taimtim na nasasabik na sining, na nagpapanatili ng kanyang kagandahan at kagandahan hanggang ngayon.

Kapag naghahanda ng mga materyales para sa mensaheng ito, ginamit ang mga sumusunod na mapagkukunan:

SA. Berdyaev "Ang kahulugan ng pagkamalikhain", aklatan "Vekhi"

http://www.bottichelli.infoall.info/txt/3pozdn.shtml , http://smallbay.ru/bottichelli.html at iba pang mga mapagkukunan na nabanggit sa mga nakaraang post.

Tinatapos nito ang aming kwento tungkol sa gawain ni Sandro Botticelli. Hindi ko mailarawan ang lahat ng kanyang gawain, at hindi ito ang layunin ng mga post na ito. Ang kanilang pangunahing layunin ay upang makilala ang mga mambabasa sa kanyang gawain at upang makabuo ng interes sa pagpipinta ng Maagang Renaissance. Ang mga naapektuhan nito ay makakahanap ng lakas at pagnanais na masuri ang mas malalim sa pag-aaral ng kanyang gawain.

Inaasahan ko na ako, marahil hindi sa buong sukatan, nakamit ang layuning ito. Dapat hatulan ito ng mga mambabasa

| Italya | Michelangelo Merisi da Caravaggio | 1573-1610 | "Entombment" | 1602-1604 | langis sa canvas | 300x203 | Pinakothek Vatican |

"Limang tumayo sa gilid ng libingan ng libingan sa gayong kadiliman, na kung saan ang pinaka-bingi sa gabi ay tila malinaw na takip-silim. Napapalibutan sila ng itim na muteness ng tumigil na oras.
Sinabi ni Jesus, "Tapos na." At, nakayuko sa ulo, isinuko niya ang espiritu. Mula sa ikaanim na oras, ang kadiliman ay nasa buong mundo. At lumubog ang araw. Ang kadiliman ng kawalang-hanggan ay sumakop sa limang taong ito, at ibinaba nila ang pang-anim sa kadiliman. Ibinaba nila ang mga ito hindi lamang sa sementeryo ng kahalumigmigan ng sariwang hinukay na lupa - hinayaan nila silang magtungo sa walang hanggang pag-limot at hindi alam na siya ay babangon muli sa ikatlong araw, nagpaalam sila sa kanya magpakailanman. Ang batang babae, tulad ng iba pang dalawa, din si Maria, ay kumalat sa kanyang mga bisig at sa mga panig. Ito ay isang kilos na napunit sa pamamagitan ng isang hiyawan. Ang isang hiyawan ay nakatakas mula sa kanyang bibig - bakit, nasa gilid na siya ng pagod - tulad ng kanyang mga mata na gumulong. At ang buhok ay nabalisa: ang mourner ay pinahirapan lamang ito. Ang kalungkutan ng batang si Maria ay tunay, gayunpaman, mas madali para sa kanya kaysa sa iba: ang kanyang kalungkutan ay nakakahanap ng isang paraan sa paggalaw at tunog. Sa tabi sa kanya, medyo malapit sa madla - Magdalene. Ang kanyang mga luha ay hindi nakikita, ang kanyang mukha ay kalahati na natatakpan ng isang panyo, na kung saan, siya ay gumupit sa kanyang kamay, pinipilit sa kanyang mga mata. Hindi nagtago si Magdalene mula sa iba, ngunit ang kanyang pag-ibig, walang pag-asa, walang magawa na pag-ibig, na hindi naipakita sa iisang salita noong siya ay buhay, at kung saan ay hindi maiyak at sumigaw ngayon. Mayroon siyang mga tampok ng isang mahirap na naninirahan sa lunsod, hindi siya mukhang isang nagkasala na makasalanan, siya ay bata at malusog, ngunit ang kanyang kagandahan at kabataan ay hindi kinakailangan. Ibinigay sa kanya ng kapalaran ang isang walang silbi na regalo, at ngayon ibabalik niya ito sa kalikasan, pinatuyo sa mga panalangin ng pagsisisi at mga vigil. At ang isa pang mukha ng babae ay ang ina ng Tagapagligtas. Hindi mo matatawag siyang Madonna - matanda na siya. Ayon sa banal na kasulatan, hindi siya higit sa limampung taong gulang, ngunit narito ang isang pitumpung taong gulang na babae. Stabat mater dolorosa ... - Nakatayo ang malungkot na ina ... Nakakatawa: sa una ay tila mas tatahimik siya kaysa sa iba, ngunit gaano kalaki ang kakila-kilabot na kalungkutan sa katahimikan na ito. Hindi niya itinatago ang kanyang mukha, hindi iniiwasan ang kanyang mga mata, hindi mawalan ng malay. Sa kanyang walang katapusang huling hitsura, sinisipsip ng ina ang kanyang anak na lalaki - ang kanyang katawan, ang kanyang mortal na kahubaran, ang mga huling segundo ng katawan na ito sa mundo. Kung ang titig lang niya ay maaring maibalik ang laman ng mga anak sa sinapupunan ng ina! Bahagyang gumalaw ang kanyang mga labi, ngunit hindi naririnig ni Maria ang sariling tinig. Siya ay naging tibok bigla, bigla, sa isang araw, at ang isang tumitingin sa canvas ay agad na napagtanto ito. Ang malamig na asul na lugar ng isang balabal na itinapon sa kanyang ulo sa ibabaw ng isang puting shawl ay mas madidilim at mas matipid kaysa sa pinakamalalim na pagdadalamhati. Dalawang lalaki ang humahawak sa katawan ni Jesus. Ang batang si Juan, tulad ng Ina ng Diyos, ay sumisilip sa kanyang mukha. Siya ay panahunan, mga wrinkles na natipon sa kanyang noo. Sa mga sandaling ito, ang mga kabataang lalaki ay naging asawa. Ang kamay ni Juan ay nadulas sa ilalim ng mga balikat ni Kristo, sinusuportahan niya nang mabuti ang patay na laman, ngunit tahimik: hinawakan ng kanyang mga daliri ang sugat sa mga buto-buto, ang kahila-hilakbot na sugat mula sa Romanong sibat na nagtapos sa pagdurusa ni Jesus sa krus. Ang pulang balabal ni John ay nag-drag sa kahabaan ng lupa, ang mga pagguho sa ilalim ng paa, ang mga itim na anino ay nahiga sa mga kulungan nito. Si Nicodemus, sa isang kayumanggi na tunika na nasa itaas lamang ng tuhod, ay naninindigan para sa lakas ng kanyang nakalabas na figure. Hinawakan niya ang mga binti ni Kristo at isinara ang singsing ng kanyang mga kamay sa ilalim ng kanyang mga tuhod. Mag-isa sa lahat, si Nicodemus ay tumingin sa hukay. Ang mga kalamnan ng kalbo na ito, hindi pa matanda ay namamaga, ang mga veins ay namamaga sa kanyang mga tanned legs; kapag tiningnan mo ang kanyang mga pagsisikap, madarama mo kung gaano kalaki ang patay na laman kaysa sa pamumuhay. Gayunman, ang katawan ni Cristo ay walang dugo, gayunpaman, sa kapahamakan nito ay walang bangkay na tinge. Ang mga kulay ng buhay ay iniwan sa kanya, at nanatiling malinaw, lunas-malinaw na mga sculpted form. Ang mataas na dibdib, malawak na balikat, malakas na hips at binti ay hindi kabilang sa mangangaral ng salita, ngunit sa isang manlalaban, isang muscular na atleta. Walang kapayapaan sa itinapon na mukha, ngunit wala ring mortal na pagngisi. Ang mga tao ay nakatayo sa isang lapida, nakulong, parang paa ng isang iskultura na pangkat, ngunit ito ay isang tunay na libingan, mayroong isang nakangangaang butas sa ilalim nito, ang kahalumigmig ay humihila mula sa ilalim nito, at isang malulusog na sementeryo ng bulaklak ay lumalaki sa ibabang hiwa ng larawan. Ang mga numero ay ipininta nang buong paglaki, malapit sa pinakadulo ng harap; tila ang siko ni Nicodemus at ang matalim na gilid ng bato ay malapit nang masira sa canvas. Ang ilaw ay nakikipaglaban laban sa kadiliman, at sa pakikibaka ay lumilikha sila ng isang espesyal na pagkakamali, ang kanilang kaibahan ay nagbibigay buhay.
"Nagtrabaho ito," iniisip ni Caravaggio, na nakatayo sa harap ng kanyang pagpipinta. Ang linya na nagbabalangkas sa mga slope ng grupo na naghihinayang pababa. Ang hitsura, kasunod ng nasirang linya na ito, ay bumababa sa mukha ni Kristo, nananatili dito, narito ang pokus ng nangyayari. At ngayon ang curve na ito ay ipagpapatuloy at isara ng puti, walang kuryente na nahulog na kamay ni Jesus. "

Sipi mula sa nobelang V. Klevayev na "Sa Bisperas ng isang Magandang Araw. Isang hindi natapos na nobela tungkol sa pintor ng Italyano na si Michelangelo Merisi da Caravaggio "(Fact Publishing House, Kiev, 2005)