Impresyonismo sa musika. Musical Impressionism Immersion sa Tema

Pinagmulan

Ang Musical Impresyonismo ay ang hinalinhan nito, higit sa lahat, Impresyonismo sa French painting. Mayroon silang hindi lamang karaniwang mga ugat, kundi pati na rin ang sanhi-at-epekto na mga relasyon. At ang pangunahing impresyonista sa musika, si Claude Debussy, at lalo na si Eric Satie, ang kanyang kaibigan at hinalinhan sa landas na ito, at si Maurice Ravel, na pumalit kay Debussy, ay hinanap at natagpuan hindi lamang ang mga pagkakatulad, kundi pati na rin ang mga nagpapahayag na paraan sa gawain ni Claude Monet. , Paul Cezanne , Puvis de Chavannes at Henri de Toulouse-Lautrec.

Sa sarili nito, ang terminong "impresyonismo" na may kaugnayan sa musika ay mariin na may kondisyon at haka-haka sa kalikasan (sa partikular, si Claude Debussy mismo ay paulit-ulit na tumutol dito, gayunpaman, nang hindi nag-aalok ng anumang tiyak na kapalit). Malinaw na ang mga paraan ng pagpipinta, na nauugnay sa pangitain at mga paraan ng musikal na sining, na nakabatay sa karamihan sa pandinig, ay maaaring konektado sa isa't isa lamang sa tulong ng mga espesyal, banayad na pagkakatulad na nauugnay na umiiral lamang sa isip. Sa madaling salita, ang hindi malinaw na imahe ng Paris "sa taglagas na ulan" at ang parehong mga tunog, "muffled sa pamamagitan ng ingay ng mga bumabagsak na patak" sa kanilang sarili ay may ari-arian ng isang masining na imahe, ngunit hindi isang tunay na mekanismo. Ang mga direktang pagkakatulad sa pagitan ng mga paraan ng pagpipinta at musika ay posible lamang sa pamamagitan ng personalidad ng kompositor na nakaranas ng personal na impluwensya ng mga artista o kanilang mga ipininta. Kung ang isang artista o kompositor ay tinanggihan o hindi nakikilala ang gayong mga koneksyon, kung gayon ito ay nagiging mahirap na pag-usapan ang tungkol sa kanila. Gayunpaman, mayroon kaming mga pagtatapat bilang isang mahalagang artifact at, (na ang pinakamahalaga) ang mga gawa ng mga pangunahing tauhan ng musikal na impresyonismo mismo. Si Erik Satie ang nagpahayag ng ideyang ito nang mas malinaw kaysa sa iba, na patuloy na nakatuon sa kung magkano ang utang niya sa mga artista sa kanyang trabaho. Naakit niya si Debussy sa kanyang sarili sa pamamagitan ng pagka-orihinal ng kanyang pag-iisip, independyente, bastos na karakter at caustic wit, na hindi nagligtas sa anumang awtoridad. Gayundin, interesado si Satie kay Debussy sa kanyang makabagong piano at mga vocal na komposisyon, na nakasulat sa isang naka-bold, kahit na hindi ganap na propesyonal na kamay. Narito, nasa ibaba ang mga salita kung saan sinabi ni Satie noong 1891 ang kanyang bagong natagpuang kaibigan, si Debussy, na nag-udyok sa kanya na magpatuloy sa pagbuo ng isang bagong istilo:

Nang makilala ko si Debussy, puno siya ng Mussorgsky at patuloy na naghahanap ng mga paraan na hindi gaanong madaling mahanap. Sa bagay na ito, matagal ko na siyang nalampasan. Kahit na ang Gantimpala Romano o ang sinumang iba pa ay hindi nagpabigat sa akin, dahil ako ay katulad ni Adan (mula sa Paraiso), na hindi nakatanggap ng anumang mga premyo - siguradong tamad!… Noong panahong iyon, isinusulat ko ang The Son of the Stars sa isang libretto ni Péladan at ipinapaliwanag kay Debussy ang pangangailangan ng Frenchman na palayain ang kanyang sarili mula sa impluwensya ng mga prinsipyo ng Wagnerian, na hindi tumutugma sa ating likas na adhikain. Sinabi ko rin na kahit na hindi ako isang anti-Wagnerist, iniisip ko pa rin na dapat tayong magkaroon ng sarili nating musika at, kung maaari, nang walang "German sour cabbage". Ngunit bakit hindi gumamit ng parehong visual na paraan para sa mga layuning ito na nakikita natin sa Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec at iba pa? Bakit hindi ilipat ang mga pondong ito sa musika? Walang mas madali. Hindi ba iyan ang tunay na pagpapahayag?

- (Erik Satie, "Claude Debussy", Paris, 1923).

Ngunit kung nakuha ni Satie ang kanyang transparent at kuripot na impresyonismo mula sa simbolikong pagpipinta ng Puvis de Chavannes, naranasan ni Debussy (sa pamamagitan ng parehong Satie) ang malikhaing impluwensya ng mas radikal na mga impresyonista, sina Claude Monet at Camille Pissarro.

Sapat na lamang na ilista ang mga pangalan ng pinakakapansin-pansin na mga gawa ni Debussy o Ravel upang makakuha ng kumpletong larawan ng epekto sa kanilang gawa ng parehong mga visual na larawan at landscape ng mga impresyonistang artista. Kaya, sa unang sampung taon, isinulat ni Debussy ang "Clouds", "Prints" (ang pinaka-matalinhaga kung saan, isang watercolor sound sketch - "Gardens in the rain"), "Mga Larawan" (ang una, isa sa mga obra maestra ng piano impressionism, "Reflections on the water ", ay nagbubunga ng direktang kaugnayan sa sikat na pagpipinta ni Claude Monet "Impresyon: Pagsikat ng araw") ... Ayon sa kilalang ekspresyon ni Mallarmé, nag-aral ang mga impresyonistang kompositor "pakinggan ang liwanag", ihatid sa mga tunog ang paggalaw ng tubig, ang pagbabagu-bago ng mga dahon, ang hininga ng hangin at ang repraksyon ng mga sinag ng araw sa hangin sa gabi. Ang symphonic suite na "The Sea from Dawn to Noon" ay sapat na nagbubuod sa mga landscape sketch ni Debussy.

Sa kabila ng kanyang madalas na ina-advertise na personal na pagtanggi sa terminong "impresyonismo", si Claude Debussy ay paulit-ulit na nagsalita bilang isang tunay na impresyonistang artista. Kaya, sa pagsasalita tungkol sa pinakamaagang sa kanyang sikat na orkestra na mga gawa, " Nocturnes", inamin ni Debussy na ang ideya ng una sa kanila ("Ulap") ay pumasok sa kanyang isip sa isa sa mga maulap na araw nang tumingin siya sa Seine mula sa ang Concorde Bridge ... Well Tulad ng para sa prusisyon sa ikalawang bahagi ("Celebrations"), ang ideyang ito ay ipinanganak ni Debussy: "... habang pinag-iisipan ang equestrian detachment ng mga sundalo ng Republican Guard na dumaraan sa malayo, na ang mga helmet kumikinang sa ilalim ng mga sinag ng papalubog na araw ... sa mga ulap ng gintong alabok” . Katulad nito, ang mga gawa ni Maurice Ravel ay maaaring magsilbi bilang isang uri ng materyal na katibayan ng mga direktang link mula sa pagpipinta hanggang sa musika na umiral sa loob ng kilusang Impresyonista. Ang sikat na sound-visual na "Play of water", ang cycle ng mga piraso na "Reflections", ang piano collection na "Rustle of the Night" - ang listahang ito ay malayo sa kumpleto at maaaring ipagpatuloy. Medyo magkahiwalay si Sati, gaya ng dati, ang isa sa mga gawa na matatawag sa bagay na ito ay, marahil, "The Heroic Prelude to the Gates of Heaven".

Ang nakapaligid na mundo sa musika ng impresyonismo ay inihayag sa pamamagitan ng isang magnifying glass ng mga banayad na sikolohikal na pagmuni-muni, mga banayad na sensasyon na ipinanganak mula sa pagmumuni-muni ng mga maliliit na pagbabago na nagaganap sa paligid. Ang mga tampok na ito ay gumagawa ng impresyonismo na nauugnay sa isa pang masining na kilusan na umiral nang magkatulad - simbolismong pampanitikan. Si Eric Satie ang unang bumaling sa mga gawa ni Josephine Péladan. Maya-maya, ang gawa nina Verlaine, Mallarme, Louis at - lalo na Maeterlinck ay natagpuan ang direktang pagpapatupad sa musika ni Debussy, Ravel at ilan sa kanilang mga tagasunod.

Ramon Casas (1891) "Money Mill" (Impresyonistang pagpipinta na may pigura ni Satie)

Sa lahat ng halatang bagong bagay sa wikang musikal, madalas na nililikha ng impresyonismo ang ilang nagpapahayag na mga pamamaraan na katangian ng sining noong nakaraang panahon, lalo na, ang musika ng mga French harpsichordist noong ika-18 siglo, ang panahon ng Rococo. Kailangang alalahanin lamang ang mga sikat na pictorial play nina Couperin at Rameau bilang "Little Windmills" o "The Hen".

Noong 1880s, bago nakilala si Eric Satie at ang kanyang trabaho, si Debussy ay nabighani sa gawa ni Richard Wagner at ganap na nakasunod sa kanyang mga aesthetics sa musika. Matapos makilala si Satie at mula sa sandali ng paglikha ng kanyang mga unang impresyonistikong opus, lumipat si Debussy nang may nakakagulat na talas sa mga posisyon ng militanteng anti-Wagnerism. Ang paglipat na ito ay napakabigla at biglaan na isa sa mga malalapit na kaibigan ni Debussy (at biographer), ang sikat na musicologist na si Émile Vuyermeaux, ay direktang nagpahayag ng kanyang pagkalito:

Ang anti-Wagnerism ni Debussy ay walang kadakilaan at maharlika. Imposibleng maunawaan kung paanong ang isang batang musikero, na ang buong kabataan ay lasing sa pagkalasing ni Tristan, at na, sa pag-unlad ng kanyang wika, sa pagtuklas ng isang walang katapusang himig, walang alinlangang may utang na loob sa makabagong marka na ito, na mapang-uyam na tinutuya. ang galing na nagbigay sa kanya ng sobra!

- (Emile Vuillermoz, "Claude Debussy", Geneve, 1957.)

Kasabay nito, si Vuyermeaux, na konektado sa loob ng isang relasyon ng personal na poot at poot kay Eric Satie, ay hindi partikular na binanggit siya at pinakawalan siya bilang nawawalang link sa paglikha ng isang kumpletong larawan. Sa katunayan, ang sining ng Pranses noong huling bahagi ng ika-19 na siglo, na dinurog ng mga musikal na drama ng Wagnerian, iginiit ang sarili sa pamamagitan ng impresyonismo. Sa mahabang panahon, tiyak na ang pangyayaring ito (at ang lumalagong nasyonalismo sa pagitan ng tatlong digmaan sa Alemanya) ang nagpahirap sa pag-uusap tungkol sa direktang impluwensya ng estilo at aesthetics ni Richard Wagner sa Impresyonismo. Marahil ang unang nagtanong sa tanong na ito ay ang sikat na kompositor ng Pranses ng bilog ni Cesar Franck - si Vincent d'Andy, isang mas matandang kontemporaryo at kaibigan ni Debussy. Sa kanyang tanyag na gawain na "Richard Wagner at ang kanyang impluwensya sa musikal na sining ng France", sampung taon pagkatapos ng pagkamatay ni Debussy, ipinahayag niya ang kanyang opinyon sa isang kategoryang anyo:

"Ang sining ng Debussy ay hindi mapag-aalinlanganan mula sa sining ng may-akda ng Tristan; ito ay nakasalalay sa parehong mga prinsipyo, ay batay sa parehong mga elemento at pamamaraan ng pagbuo ng kabuuan. Ang pagkakaiba lang ay binigyang-kahulugan ni Debussy ang mga dramatikong prinsipyo ni Wagner ..., kumbaga, a la francaise».

- (Vincent d'Indy. Richard Wagner et son influence sur l'art musical francais.)

Mga kinatawan ng impresyonismo sa musika

Debussy at Satie (larawan ni Stravinsky, 1910)

Ang France ay palaging nananatiling pangunahing kapaligiran para sa paglitaw at pagkakaroon ng musikal na impresyonismo, kung saan si Maurice Ravel ay kumilos bilang palaging karibal ni Claude Debussy, pagkatapos ng 1910 ay nanatili siyang halos nag-iisang pinuno at pinuno ng mga Impresyonista. Si Eric Satie, na kumilos bilang tagatuklas ng estilo, dahil sa kanyang likas na katangian ay hindi maaaring sumulong sa aktibong pagsasanay sa konsiyerto at, simula noong 1902, hayagang idineklara ang kanyang sarili hindi lamang sa pagsalungat sa impresyonismo, ngunit nagtatag din ng isang bilang ng mga bagong istilo, hindi lamang kabaligtaran, ngunit pagalit din sa kanya. Kapansin-pansin, sa ganitong kalagayan, sa loob ng isa pang sampu hanggang labinlimang taon, si Sati ay patuloy na naging malapit na kaibigan, kaibigan at kalaban nina Debussy at Ravel, "opisyal" na humahawak sa posisyon ng "Forerunner" o tagapagtatag ng istilong musikal na ito. Sa parehong paraan, si Maurice Ravel, sa kabila ng isang napakahirap, at kung minsan kahit na hayagang magkasalungat na personal na relasyon kay Eric Satie, ay hindi nagsasawa na ulitin na ang pagpupulong sa kanya ay napakahalaga para sa kanya at paulit-ulit na binibigyang diin kung magkano ang utang niya kay Eric Satie. sa kanyang trabaho. Sa literal, sa bawat pagkakataon, inulit ito ni Ravel kay Sati mismo "sa personal", na ikinagulat nito sa pangkalahatan "makulit at mapanlikhang tagapagbalita ng bagong panahon".

Ang mga tagasunod ng musical impressionism ni Debussy ay mga kompositor ng Pranses noong unang bahagi ng ika-20 siglo - sina Florent Schmitt, Jean-Jules Roger-Ducas, Andre Caplet at marami pang iba. Si Ernest Chausson, na kaibigan ni Debussy at noon pang 1893 ay nakilala ang mga unang sketch ng "Afternoon of a Faun" mula sa kamay, sa pagganap ng may-akda sa piano, ay naranasan ang kagandahan ng bagong istilo kaysa sa iba. Ang mga pinakabagong gawa ni Chausson ay malinaw na may mga bakas ng epekto ng kasisimula pa lamang ng impresyonismo - at maaari lamang hulaan ng isa kung ano ang maaaring maging hitsura ng huling gawain ng may-akda na ito kung nabuhay pa siya nang kahit kaunti pa. Kasunod ni Chausson - at iba pang mga Wagnerista, ang mga miyembro ng bilog ni Cesar Franck ay naimpluwensyahan ng mga unang impresyonistang eksperimento. Kaya, sina Gabriel Piernet, at Guy Ropartz, at maging ang pinaka-orthodox na Wagnerist na si Vincent d'Andy (ang unang tagapalabas ng marami sa mga orkestra ni Debussy) ay nagbigay ng buong pagpupugay sa mga kagandahan ng impresyonismo sa kanilang trabaho. Kaya, si Debussy (na parang sa pagbabalik-tanaw) gayunpaman ay nanaig sa kanyang dating idolo - si Wagner, na ang makapangyarihang impluwensya ay nagtagumpay siya sa gayong kahirapan ... Ang gayong kagalang-galang na master bilang Paul Dukas ay nakaranas ng isang malakas na impluwensya ng mga unang halimbawa ng impresyonismo, at sa panahon bago ang Unang Digmaang Pandaigdig - Si Albert Roussel, na nasa kanyang Second Symphony (1918) ay umalis sa kanyang trabaho mula sa mga impresyonistikong tendensya, hanggang sa malaking pagkabigo ng kanyang mga tagahanga.

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo, ang ilang mga elemento ng istilong impresyonista ay binuo sa iba pang mga paaralan ng kompositor sa Europa, na magkakaugnay sa isang kakaibang paraan sa mga pambansang tradisyon. Sa mga halimbawang ito, maaaring pangalanan ng isa ang pinaka-kapansin-pansin: sa Espanya - Manuel de Falla, sa Italya - Ottorino Respighi, sa Brazil - Heitor Villa-Lobos, sa Hungary - ang unang bahagi ng Bela Bartok, sa England - Frederick Delius, Cyril Scott, Ralph Vaughan Williams, Arnold Bax at Gustav Holst, sa Poland - Karol Shimanovsky, sa Russia - maagang Igor Stravinsky - (sa panahon ng Firebird), huli na si Lyadov, Mikalojus Konstantinas Chiurlionis at Nikolai Cherepnin.

Sa pangkalahatan, dapat itong kilalanin na ang buhay ng estilo ng musikal na ito ay medyo maikli kahit na sa mga pamantayan ng panandaliang XX na siglo. Ang mga unang bakas ng pag-alis mula sa aesthetics ng musical impressionism at ang pagnanais na palawakin ang mga limitasyon ng mga anyo ng musikal na pag-iisip na likas dito ay matatagpuan sa gawa mismo ni Claude Debussy pagkatapos ng 1910. Tulad ng para sa natuklasan ng bagong istilo, si Erik Satie, siya ang unang umalis sa lumalaking hanay ng mga tagasuporta ng impresyonismo pagkatapos ng premiere ng Pelléas noong 1902, at pagkaraan ng sampung taon ay inayos niya ang pagpuna, pagsalungat at direktang pagsalungat sa kalakaran na ito. Sa simula ng 30s ng XX siglo, ang impresyonismo ay naging makaluma, naging isang makasaysayang istilo at ganap na umalis sa arena ng kontemporaryong sining, natutunaw (bilang magkahiwalay na mga makukulay na elemento) - sa gawain ng mga masters ng ganap na magkakaibang istilo. mga uso (halimbawa, ang mga indibidwal na elemento ng impresyonismo ay maaaring makilala sa mga gawa nina Olivier Messiaen, Takemitsu Toru, Tristan Murai at iba pa.

Mga Tala

1. Schneerson G. Pranses na musika noong ika-20 siglo. - M .: Musika, 1964. - S. 23.
2. Eric Satie, Yuri Khanon Mga alaala sa pagbabalik-tanaw. - St. Petersburg. : Center for Middle Music & Faces of Russia, 2010. - S. 510. - 682 p. - ISBN 978-5-87417-338-8
3. Erik Satie. Ecrits. - Paris: Editions champ Libre, 1977. - S. 69.
4. Emile Vuillermoz. Claude Debussy. - Geneve, 1957. - S. 69.
5. Claude Debussy. Mga Piniling Sulat (compile ni A. Rozanov). - L .: Musika, 1986. - S. 46.
6. inedit ni G. V. Keldysh. Musical encyclopedic dictionary. - M .: Soviet Encyclopedia, 1990. - S. 208.
7. Schneerson G. Pranses na musika noong ika-20 siglo. - M .: Musika, 1964. - S. 22.
8. Vincent d'Indy. Richard Wagner et son influence sur l'art musical francais. - Paris, 1930. - S. 84.
9. Volkov S. Kasaysayan ng kultura ng St. Petersburg. - pangalawa. - M .: "Eksmo", 2008. - S. 123. - 572 p. - 3000 kopya. - ISBN 978-5-699-21606-2
10. Ravel sa salamin ng kanyang mga sulat. - L .: Musika, 1988. - S. 222.
11. Pinagsama nina M. Gerard at R. Chalu. Ravel sa salamin ng kanyang mga sulat. - L.: Musika, 1988. - S. 220-221.
12. Schneerson G. Pranses na musika noong ika-20 siglo. - M .: Musika, 1964. - S. 154.
13. Filenko G. Pranses na musika ng unang kalahati ng ika-20 siglo. - L .: Musika, 1983. - S. 12.

Mga pinagmumulan

• Musical Encyclopedic Dictionary, ed. G. V. Keldysha, Moscow, "Soviet encyclopedia" 1990.
• Ravel sa salamin ng kanyang mga sulat. Mga compiler M. Gerard at R. Shalu., L., Musika, 1988.
• Schneerson G. French Music of the 20th Century, 2nd ed. - M., 1970;
• Vincent d'Indy. Richard Wagner et son influence sur l'art musical francais. Paris, 1930;
• Erik Satie, "Ecrits", - Editions champ Libre, 1977;
• Anne Rey Satie, - Seuil, 1995;
• Volta Ornella, Erik Satie, Hazan, Paris, 1997;
• Emile Vuillermoz, "Claude Debussy", Geneve, 1957.

Impresyonismo sa pagpipinta at musika.

Ang lahat ng mga artista hanggang sa ika-19 na siglo at sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, sa kabila ng pag-aari sa iba't ibang mga paaralan, ay may isang bagay na karaniwan: nilikha nila ang kanilang mga kuwadro na gawa sa loob ng mga dingding ng studio, mas pinipili ang neutral na ilaw at malawakang paggamit ng aspaltong kayumanggi. Para sa kadahilanang ito, ang mga kuwadro na gawa ay madalas na may naka-mute na kulay.

Biglang, noong dekada 60, ang mga walang pakundangan na kabataan ay nagpakita sa Paris, na nag-drag ng mga malalaking canvases kasama nila upang gumawa ng mga sketch at sinulatan ang mga ito ng malinis na kulay mula sa tubo. Bukod dito, inilagay nila ito sa tabi ng bawat isa, halimbawa: pula at berde o dilaw at lila, na tinatawag ang mga pares na ito ng karagdagang mga kulay. Mula sa mga kaibahan na ito, ang mga pintura na inilatag sa malalaking hiwalay na mga stroke ay tila hindi mabata na maliwanag, at ang mga bagay na hindi hinahangad ng mga bagong artista na subaybayan ng isang linear na contour ay nawala ang kanilang talas ng hugis at natunaw sa kapaligiran. Upang mapahusay ang paglusaw na ito, ang mga bagong pintor ay naghahanap ng mga espesyal na natural na epekto: mahal nila ang manipis na ulap, hamog, ulan; hinahangaan ang paraan ng paglalaro ng mga spot ng liwanag sa mga pigura ng mga tao sa lacy shade ng mga puno. Ang unang bagay na pinag-isa ng mga batang artista ay ang pagnanais na magsulat sa bukas na hangin. Bukod dito, hindi upang magsulat ng mga sketch ng paghahanda, tulad ng ginagawa ng mga pintor ng landscape, ngunit ang mga pagpipinta mismo. Nagtitipon sila noon sa Café Guerbois sa Paris (hindi lang ito isang lugar na kainan: ito ang duyan ng bagong kulturang Pranses), bata pa sila, hindi kilala ng sinuman; minsan sila ay ipinakita nang hiwalay sa Salon at napapansin ng mga kritiko sa pinakamainam na simpatiya, at ang publiko ay tumawa nang husto.

Nagkaisa ang mga artistang ito, nagrebelde sa kanilang pagkamalikhain at isang ganap na bagong pamamaraan laban sa mga tradisyon at canon ng klasikal na pagpipinta. Noong 1874, pinagsama sa unang eksibisyon ng grupo, ang kanilang mga gawa ay nagdulot ng isang tunay na pagkabigla. Ito ay isang eksibisyon ng mga independiyenteng artista, independiyente sa akademya, ng opisyal na sining, ng mga lumang tradisyon, ng pamumuna, ng publikong philistine. Narito ang mga pangalan ng mga bagong artistang ito: Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley, Auguste Renoir, Paul Cezanne, Berthe Morisot. Ipinakita ni Claude Monet sa iba pang mga pagpipinta ang pagpipinta na "Impression. Pagsikat ng araw". Impression - sa French impression: kaya tinawag na Impressionists, iyon ay, "impressionists". Ang salitang ito ay inilagay sa sirkulasyon ng mamamahayag na si Louis Leroy, bilang isang biro, ngunit ang mga artista mismo ay tinanggap ito, dahil talagang ipinahayag nito ang kakanyahan ng kanilang diskarte sa kalikasan.

Naniniwala ang mga Impresyonista na ang gawain ng sining ay ang wastong pagpapakita ng mga impresyon ng nakapaligid na mundo - isang buhay at patuloy na nagbabago. Ang buhay ay isang serye ng mga natatanging sandali. Iyon ang dahilan kung bakit ang gawain ng artist ay upang ipakita ang katotohanan sa kanyang walang humpay na pagkakaiba-iba. Ang mga bagay at nilalang ay kailangang ilarawan hindi kung ano sila, ngunit sa kanilang pagtingin sa sandaling ito. At maaari silang magmukhang iba dahil sa distansya o anggulo ng view, dahil sa mga pagbabago sa kapaligiran ng hangin, oras ng araw, pag-iilaw. Upang maipakita nang tama ang kanyang mga impression, ang artist ay dapat gumana hindi sa studio, ngunit sa kalikasan, iyon ay, sa open air. At upang maihatid nang tama ang mga mabilis sa nakapaligid na tanawin, kailangan mong isulat nang mabilis at kumpletuhin ang larawan sa loob ng ilang oras o kahit minuto, at hindi, tulad ng sa mga lumang araw, sa loob ng ilang linggo o buwan. Dahil ang nakapaligid na katotohanan ay lumilitaw sa harap ng artist sa isang bagong liwanag, ang sandali na nakuha niya ay isang dokumento ng minuto.

Ang bagong direksyon, na malinaw na ipinakita ang sarili sa pagpipinta, ay nakaimpluwensya rin sa iba pang mga uri ng sining: tula at musika. Ang musikal na impresyonismo ay pinaka ganap na nakapaloob sa gawain ng dalawang kompositor na Pranses: sina Claude Debussy at Maurice Ravel. Pati na rin sa pagpipinta, ang musikal na impresyonismo ay nabuo sa isang kapaligiran ng patuloy na pakikibaka sa pagitan ng tradisyonal at ng bago. Itinatag ito bilang pagsalungat sa hindi napapanahon, ngunit mahigpit na pinanghahawakan, "akademiko" na mga tradisyon ng musikal na sining ng France sa simula ng ika-20 siglo. Pinakiramdaman ito ng mga batang Debussy at Ravel. Ang kanilang mga unang malikhaing eksperimento ay natugunan ng parehong pagalit na saloobin mula sa pamumuno ng Paris Conservatory at Academy of Fine Arts, pati na rin ang mga pagpipinta ng mga Impresyonistang artista. May mga negatibong pagsusuri para sa mga gawa ni Debussy bilang symphonic ode na "Zuleima", ang symphonic suite na "Spring", ang cantata na "The Chosen One". Inakusahan ang kompositor ng isang sadyang pagnanais na "gumawa ng isang bagay na kakaiba, hindi maintindihan, imposible", sa "isang pinalaking kahulugan ng kulay ng musika". Ang hindi pag-apruba ng Conservatory professorship ay sanhi ng piyesa ng piano ni Ravel na The Play of Water, at hindi niya natanggap ang Prix de Rome noong 1903. At noong 1905, hindi siya pinahintulutan ng hurado na makipagkumpetensya. Ang halatang kawalan ng katarungan ng desisyon ng hurado ay nagdulot ng matinding protesta mula sa isang makabuluhang bahagi ng musikal na komunidad sa Paris. Nagkaroon pa nga ng tinatawag na "kaso" ni Ravel, na malawakang pinag-usapan sa press. Kinailangan nina Debussy at Ravel na gumawa ng kanilang paraan sa sining nang mag-isa, dahil halos wala silang katulad na mga tao at kasama. Ang kanilang buong buhay at malikhaing landas ay puno ng mga paghahanap at matapang na mga eksperimento sa larangan ng mga genre ng musika at paraan ng musikal na wika.

Ang musikal na impresyonismo ay lumago mula sa mga pambansang tradisyon ng sining ng Pransya. Ang pagiging makulay, dekorasyon, interes sa katutubong sining, sa sinaunang kultura, ang mahusay na papel ng programming ay palaging katangian ng musikang Pranses. Ang lahat ng ito ay malinaw na ipinakita sa gawain nina Debussy at Ravel. Ngunit ang pinakadirekta at mabungang impluwensya sa bagong direksyon sa musika, siyempre, ay nakalarawan na impresyonismo.

Marami ang pagkakatulad sa gawain ng mga Impresyonistang artista at kompositor. Una sa lahat, ito ay isang kaugnay na paksa. Ang nangungunang tema ay tanawin».

Ang pokus ng mga pintor ay ang urban landscape, kung saan ang lungsod ay umaakit ng mga artista sa pakikipag-ugnayan sa mga pangkalahatang natural na proseso, mga nuances ng kapaligiran. Sa pagpipinta na "Capuchin Boulevard sa Paris" ni C. Monet, ang komposisyon ay itinayo sa kaibahan ng patuloy na paggalaw ng mga pedestrian at ang mga static na anyo ng mga bahay at puno ng kahoy; sa kaibahan ng mainit at malamig na mga kulay; sa isang nagpapahayag na temporal na kaibahan - dalawang nakapirming figure ay, kumbaga, naka-off mula sa mabilis na pag-agos ng oras. Ang imahe ay binibigyan ng malabo at mailap, mayroong isang pakiramdam ng magkakapatong ng ilang mga imahe na kinuha mula sa isang punto sa isang frame. Kumikislap, kumikislap, gumagalaw. Walang mga item. Nariyan ang buhay ng lungsod (kahit na ang artista ng ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo, si Delacroix, ay nagsabi na hindi niya nais na magpinta ng isang sable, ngunit ang kinang ng isang sable).

Maraming pansin ang binayaran sa mga artista at larawan ng kalikasan. Ngunit mayroon silang ganoong tanawin kung saan ang paksa mismo ay umuurong sa background, at ang pangunahing katangian ng larawan ay nagiging isang pabagu-bago at pabagu-bagong liwanag. Ipinakilala ni Claude Monet ang kasanayan sa paggawa sa isang serye ng mga canvases na naglalarawan ng parehong motif sa iba't ibang liwanag. Ang bawat larawan ng serye ay natatangi, dahil ito ay nababago sa pamamagitan ng pagpapalit ng liwanag.

Hindi pangkaraniwang saloobin sa landscape at mga impresyonistang kompositor.

Wala sa mga kompositor ng nakaraan ang naglatag ng ganitong sari-sari at kayamanan ng mga paksang nauugnay sa mga larawan ng kalikasan. Bukod dito, sina Debussy at Ravel sa mga larawan ng kalikasan ay naaakit, una sa lahat, sa kung ano ang gumagalaw: ulan, tubig, ulap, hangin, fog, at iba pa. Halimbawa, ang mga naturang dula ni Debussy: "Wind on the Plain", "Gardens in the Rain", "Fogs", "Sails", "What the West Wind Saw", "Heather", "The Play of Water" ni Ravel . Tunog ang play ni Debussy na Gardens in the Rain.

Sa ganitong mga gawa, ang ilang mga pamamaraan ng representasyon ng tunog, katangian ng musika ng mga Impresyonista, ay malinaw na ipinakita. Ang mga ito ay maaaring ilarawan bilang "running of waves" (“Playing water” by Ravel, “Sails” by Debussy), “falling leaves” (“Dead Leaves” by Debussy), “flickering of light” (“Moonlight” by Debussy) , “breath of the night” (“ Prelude of the Night" ni Ravel, "Fragrances of the Night" ni Debussy), "Rustle of Leaves" at "Blow of the Wind" ("Wind on the Plain" ni Debussy). Tunog ang play ni Debussy na Wind on the Plain.

Laban sa background ng musika - isang kuwento tungkol sa isang pagpipinta ni Monet. ... Nasa umaga na si Monet sa hardin na may malaking canvas. Malamang na hindi madaling i-drag siya sa baybayin ng lawa, sa namumulaklak na palumpong, malapit sa kung saan nanirahan ang pintor. Mabilis siyang kumilos, nagmamadali: ang araw ay gumagalaw nang walang tigil sa kalangitan, ang distansya ay maulap na may manipis na ulap, kaunti pa at ang mga sinag ng araw, na tumatagos sa translucent na malamig na hangin, ay babagsak sa lupa na may ganap na magkakaibang mga kulay na mga spot. Si Monet, siyempre, ay hindi gumuhit, sa wakas ay pinatalsik niya ang pagguhit mula sa larawan. Direkta siyang gumagana nang may kulay, na may mga purong pintura, inilalapat ang mga ito sa maliliit na mga stroke, ang isa sa tabi ng isa sa isang puting lupa, at ang canvas ay tila isang patag na ibabaw, na nagkalat ng mga nakakalat na random na mga spot. Ngunit kailangan lamang na lumayo rito nang kaunti, at isang himala ang nangyari - ang mga motley stroke ay nagsanib at nagiging maliwanag na mga bulaklak, na ginulo ng hangin, sa mga alon na dumadaloy sa tubig at ang nanginginig at ingay ng mga dahon - oo, ingay. ay naririnig sa larawan, at ang mga aroma ay nararamdaman. Isang direktang pagmuni-muni sa mga kulay ng nagbabagong sandali ng buhay. Sa pagitan ng mata ng artist, na nagbabasa ng kulay, at ang canvas, na tumatagal sa katumbas ng kulay na ito, walang anuman - walang intensyon, walang ideya, walang balangkas na pampanitikan; - iyon ay isang bagong paraan ng pagtatrabaho. Narito ang sining na nagpahayag ng pananaw sa mundo ng isang tao sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ito ang natuklasan ni Claude Monet.

Gayunpaman, kapag nagpinta ng mga larawan ng kalikasan, ang mga kompositor ay hindi nagsusumikap para sa isang purong pictorial na solusyon ng imahe. Mahalaga para sa kanila na ihatid ang isang tiyak na mood, pakiramdam, ang kanilang saloobin sa mala-tula na imaheng ito. Kaya naman ang espesyal na kumpidensyal, intimate na tono ng pahayag. Ang bawat sketch ng landscape ay may isang tiyak na emosyonal na kulay - alinman sa kalmado, panaginip na pagmumuni-muni, o marilag na pagmuni-muni. Ang isang malupit at kung minsan ay madilim na kalooban ay maaaring agad na mapalitan ng nakalalasing na kagalakan. Napakatumpak na sinabi ni I. V. Nestyev: "Ang mga kaakit-akit na soundscape ni Debussy - mga larawan ng dagat, kagubatan, ulan, mga ulap sa gabi - ay palaging puno ng simbolismo ng mood, ang "misteryo ng hindi maipahayag", naririnig nila ang alinman sa pag-ibig, o mga tala. ng malungkot na detatsment, o ang nakasisilaw na kagalakan ng pagiging."

Kasama ang "lyrical landscape", ang tema ng "lyrical portrait" ay naging hindi gaanong tipikal para sa mga Impresyonista. Sa ganitong mga piraso, pinamamahalaan ng mga kompositor na lumikha ng isang napaka-totoo, parang buhay na musikal na imahe na may ilang mga tumpak na stroke. Halimbawa, mga larawang pangmusika: puno ng katatawanan, na may mga tampok ng katawa-tawa, ang dulang "General Lyavin the Eccentric". O ang liwanag, na may pahiwatig ng kalungkutan ay naglalaro ng "The Girl with Flaxen Hair". Tunog ang play ni Debussy na "Girl with Flaxen Hair."

Laban sa background ng musika, isang kuwento tungkol sa isang pagpipinta ni Renoir. ... Ipinakilala si Renoir sa batang aktres ng Komedya Francaise na si Jeanne Samary. "Anong uri ng balat, tama, ito ay nag-iilaw sa lahat ng bagay sa paligid" - ito ay kung paano ipinahayag ng impresyonistang artista ang kanyang paghanga. Siya ang naghabi ng kanyang larawan mula sa makukulay na pag-apaw, na nagniningning na may mainit na liwanag sa kanyang mukha, leeg, dibdib, puting damit. Humakbang siya mula sa kaibuturan ng sala, lumiwanag ang mukha, nanlilisik at nagdilim ang mga mata, dahan-dahang namula ang pisngi, bahagyang kumindat ang seda ng palda niya. Ngunit gawin si Jeanne ng isa pang hakbang, at lalabas siya sa daloy ng liwanag at lahat ay magbabago - at ito ay magiging ibang Jeanne, at isa pang larawan ang kailangang ipinta. Isang random, magandang sandali...

Sa mga pintor ng Impresyonista, madalas tayong makatagpo ng mga larawang naglalarawan ng mga modelo, mga kabataang babae mula sa mga suburb, mga milliner na sumasayaw sa maliliit na cafe ng Montmartre, mga ballerina, mga artista, mga hinete, mga petiburgesya, mga bisita sa cafe. Ang imahe ng isang kontemporaryo, kaakit-akit na Parisian ay sentro sa gawain ni Auguste Renoir. Sa larawan ni Jeanne Samary, ang makikinang na asul na mga mata at pulang labi ay nakakaakit ng mata. Ang matingkad na kulay accord ng esmeralda at pink ay kaakit-akit. Sa mismong portraiture ng mga Impresyonista, hindi ang physiognomic na paglalarawan ng mukha at ang malalim na sikolohikal na pagsisiwalat ng karakter ang nakakaakit, ngunit ang indibidwal na natatanging aspeto ng personalidad, na inihayag sa pamamagitan ng isang mabilis na sulyap, pagkiling ng ulo, espesyal na plasticity. , kilos.

Naaakit din sila sa genre ng pang-araw-araw na buhay - ang publiko sa isang cafe, mga boater sa mga istasyon ng bangka, isang kumpanya sa parke para sa isang piknik, regattas, paglangoy, paglalakad - lahat ito ay isang mundo na walang mga espesyal na kaganapan, at ang mga pangunahing kaganapan. nagaganap sa kalikasan. Ang mahiwagang epekto ng ibabaw ng tubig: ang bugso ng tubig, ang paglalaro nito, ang ningning ng pagmuni-muni, ang pattern ng mga ulap at ang pag-indayog ng mga dahon - ito ang tunay na pagnanasa ng mga Impresyonista. At tanging si Edgar Degas lamang ang nakakita sa pang-araw-araw na genre ng isang bagay na maaaring makaakit sa mga Impresyonista: ipinakita niya ang katotohanan ng modernong lungsod, gamit ang mga diskarte ng hinaharap na sinehan - pag-frame, pagpapakita ng mga fragment, pag-zoom in sa camera, hindi inaasahang mga anggulo. Isinulat niya, "Nakaupo sa pinakapaanan ng isang mananayaw, makikita ko ang kanyang ulo na napapalibutan ng mga pendant ng chandelier." Sa kanyang mga sketch, makikita ang mga cafe na may maraming mga pagmuni-muni sa mga salamin, iba't ibang uri ng usok - usok ng naninigarilyo, usok ng singaw ng tren, usok ng chimney ng pabrika. Nagtatrabaho sa mga pastel, nakakamit niya ang hindi pangkaraniwang mga epekto ng kulay. Ang masiglang decorative chord ng asul at orange sa Blue Dancers ay tila nagliliwanag sa sarili.

Ang mga impresyonistang kompositor ay bumaling din sa mga eksena sa genre. Sa kanyang mga sketch ng genre, gumagamit si Debussy ng pang-araw-araw na genre ng musika, mga sayaw mula sa iba't ibang panahon at mga tao. Halimbawa, ang mga katutubong sayaw ng Espanyol sa mga dulang "Interrupted Serenade", "Gate of the Alhambra". Tunog ang dula ni Debussy na "The Interrupted Serenade".

Bumaling din si Debussy sa mga modernong ritmo. Sa dulang "Minstrels" gumamit siya ng modernong pop dance, ang kek-walk. Tunog ng play na "Minstrels" ni Debussy.

May mga dulang hango sa kamangha-manghang at maalamat na mga motif - "Fairies - lovely dancers", "Sunken Cathedral", "Peck's Dance". Ang isang bilang ng mga dula ay nauugnay sa iba pang mga uri ng sining: na may mga tula ("Mga pabango at tunog sa hangin sa gabi", "Terrace na iluminado ng liwanag ng buwan"), na may mga gawa ng sinaunang pinong sining ("Delphian dancers", "Canopa") . Mahalagang bigyang-diin na sa paglalarawan ng lahat ng mga paksang ito, gayundin sa paglilipat ng "lyrical landscape", pangunahing interesado si Debussy sa kapaligirang nakapalibot sa larawang ito. Ibig sabihin, iginuhit niya ang phenomenon kasama ang background na nakapalibot dito. Debussy, mahalagang ipakita ang emosyonal na pang-unawa sa hindi pangkaraniwang bagay na ito kasama ng lahat ng uri ng visual o auditory association. Samakatuwid, ang mga larawang inilalarawan niya ay madalas na hindi matatag, mailap, malabo, mailap. Ito ay konektado din sa pagnanais ng kompositor na ihatid ang kanyang una, direktang impresyon ng isang kababalaghan o imahe. Kaya't dumating ang pagkahumaling ng mga impresyonistang kompositor hindi sa malalaking anyo, ngunit sa mga miniature, kung saan mas madaling maihatid ang mga panandaliang impresyon mula sa iba't ibang mga phenomena, isang pagbabago ng mood.

Ang mga gawa ng mga kompositor ng Impresyonista ay programmatic, ibig sabihin, mayroon silang mga pangalan, at sa Nocturnes suite ni Debussy, mayroong kahit isang maliit na panitikan na paunang salita bago ang bawat isa sa tatlong piraso. Ang mga impresyonistang kompositor ay nailalarawan sa pamamagitan ng pictorial at contemplative programming, nang walang aktibong pagbuo ng imahe, ang balangkas. Ang mga pamagat ng programa at mga komentong pampanitikan ay may kondisyon. Ipinapahayag lamang nila ang pangkalahatang ideya ng patula, ang nakalarawan at nakalarawan, at hindi ang ideya ng balangkas ng akda. Bilang karagdagan, na parang ayaw na "ipilit" ang kanyang ideya sa tagapalabas at tagapakinig, si Debussy sa mga preludes, halimbawa, ay naglalagay ng pamagat sa dulo ng dula, na inilalagay ito sa mga bracket at pinalibutan ito ng mga tuldok. Para kay Debussy, napakahalaga ng matalinghagang bahagi ng pagganap ng kanyang mga dula. Dahil wala silang pare-parehong pag-unlad ng balangkas, ang mga kaakit-akit at makulay na gawain ay nauuna. Upang ipahayag ang mga ito nang tumpak hangga't maaari. Gumagamit si Debussy ng mga pandiwang indikasyon sa kanyang mga gawa. Ang mga pahayag ng kompositor ay kamangha-mangha sa kanilang pagkakaiba-iba at ningning. Ang mga ito ay angkop na metapora at nagpapaliwanag ng mga paliwanag para sa gumaganap. Halimbawa, "tulad ng isang malayong tunog ng isang busina", "tulad ng isang malambot at malungkot na panghihinayang", "tulad ng isang gitara", "halos isang tambol", "tunog ng mahina sa isang makapal na ulap", "panginginig ng boses", "matinding damdamin" , “kinakabahan at may katatawanan”. Maaari rin itong maging isang detalyadong paglalarawan, tulad ng, halimbawa, sa "Mga Hakbang sa Niyebe": "Ang ritmong ito ay dapat tumutugma sa tunog sa malungkot at malamig na background ng landscape." Ang ganitong mga indikasyon ng may-akda ay binibigyang-diin ang pagnanais ng kompositor na ipailalim ang mga teknikal, birtuoso na mga gawain sa mga pictorial, pictorial, artistic.

Ang mga karaniwang tampok sa gawain ng mga impresyonistang artista at kompositor ay matatagpuan hindi lamang sa larangan ng nilalaman, mga tema, kundi pati na rin sa masining na pamamaraan.

Ang isang hindi pangkaraniwang pananaw sa mundo sa paligid niya ay natukoy ang pamamaraan ng pagpipinta ng mga Impresyonista. Ang plein air ang pangunahing susi sa kanilang pamamaraan. Hindi sila pumasa sa mga pangunahing pagtuklas ng siyentipiko sa optika tungkol sa agnas ng kulay. Ang kulay ng isang bagay ay ang impresyon ng isang tao, na patuloy na nagbabago mula sa pag-iilaw. Ang mga Impresyonista ay naglapat ng mga pintura sa canvas lamang ng mga kulay na iyon na nasa solar spectrum, nang walang mga neutral na tono ng chiaroscuro at walang paunang paghahalo ng mga kulay na ito sa palette. Inilapat nila ang pintura sa maliliit na magkakahiwalay na mga stroke, na sa malayo ay nagdudulot ng impresyon ng panginginig ng boses, habang ang mga contour ng mga bagay ay nawawala ang kanilang talas.

Ang mga Impressionist ay nag-update hindi lamang sa light-color na sistema ng pagpipinta, kundi pati na rin ang mga diskarte sa komposisyon. Itinuro ng Academy na bumuo ng isang komposisyon tulad ng isang yugto ng teatro - sa harap mo mismo, sa mga pahalang na linya, habang mahigpit na sinusunod ang mga batas ng linear na pananaw. Sa mga Impresyonista, nakikita natin ang pinaka magkakaibang mga punto ng pagmumuni-muni - mula sa itaas, mula sa malayo, mula sa loob, at iba pa. Sa kaibahan sa mga canon ng akademikong sining, na kinabibilangan ng obligadong paglalagay ng mga pangunahing tauhan sa gitna ng larawan, ang tatlong-dimensionalidad ng espasyo, ang paggamit ng mga makasaysayang plot, ang mga Impresyonista ay naglagay ng mga bagong prinsipyo para sa pang-unawa at pagmuni-muni ng ang nakapaligid na mundo. Huminto sila sa paghahati ng mga bagay sa pangunahin at pangalawa. Inalis nila ang salaysay mula sa mga larawan. Ang mga Impresyonista ay nakatuon sa pag-aaral ng kalikasan ng liwanag, ang maingat na pagmamasid sa partikular na may kulay na liwanag. Ang mga Impresyonista sa unang pagkakataon ay pumasok sa globo ng mga pagbabagong-anyo ng realidad, na halos hindi napapansin ng ordinaryong mata, na nagpapatuloy nang napakabilis na maaari lamang silang mapansin ng isang sinanay na mata at isinasagawa sa isang bilis na hindi maihahambing na mas mabilis kaysa sa bilis ng paglikha ng isang larawan. Ang epekto ng isang nakaunat na sandali - "mabilis" - ay inilapat 25 taon bago ang pagtuklas ng sinehan.

Malaki ang impluwensya ng kaakit-akit na impresyonismo sa musika sa larangan ng paraan ng pagpapahayag. Tulad ng sa pagpipinta, ang paghahanap para kay Debussy at Ravel ay naglalayong palawakin ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag na kinakailangan upang maisama ang mga bagong imahe at, una sa lahat, sa pinakamataas na pagpapayaman ng makulay at makulay na bahagi ng musika. Naantig ang mga paghahanap na ito sa mode, harmony, melody, metro-rhythm, texture, instrumentation. Si Debussy at Ravel ay lumikha ng bago, impresyonistikong musikal na wika.

Ang halaga ng melody, bilang pangunahing nagpapahayag na elemento ng musika, ay humina, ito ay natutunaw sa isang maharmonya na background. Walang maliwanag, malawak na melodies, tanging mga maikling melodic na parirala ang kumikislap. Ngunit ang papel ng pagkakasundo ay hindi pangkaraniwang tumataas. Nauuna ang makulay na kahulugan nito. Sa mga gawa ng mga Impresyonista, ang kulay ay napakahalaga. Ang kinang ng tunog ay nakakamit sa pamamagitan ng paggamit ng bago, hindi pangkaraniwang chord ng tertian at non-tertian na istruktura, sa kumbinasyon kung saan ang lead-tone gravity ay nagtagumpay. Ang kumplikado, hindi matatag na mga harmonies ay katangian: nadagdagan ang mga triad, nabawasan ang ikapitong chord, hindi chord. Pinapalawak nila ang patayo sa labindalawang mga tunog, palibutan ang tersiyaryong istraktura na may mga tono sa gilid, ginagamit ang parallel na paggalaw ng mga chord. Halimbawa, sa Ang dula ni Debussy na The Sunken Cathedral.

Ang mga frets ay may mahalagang papel sa paglikha ng isang espesyal na makulay na tunog. Sina Debussy at Ravel ay madalas na bumaling sa mga lumang katutubong mode: Dorian, Phrygian, Mixolydian, pentatonic. Halimbawa, sa dulang "Pagodas" - pentatonic scale. Gumagamit sila ng fret na may dalawang pinalawig na segundo - "Gate of the Alhambra", hindi pangkaraniwang kumbinasyon ng major at minor - "Snow is dancing". Bilang karagdagan sa mga major at minor mode, lumiliko sila sa whole-tone mode - "Sails", sa chromatic one - "Alternating thirds". Ang ganitong uri ng modal palette ng mga Impresyonistang musikero ay katulad ng malaking pagpapayaman ng paleta ng kulay ng mga Impresyonistang artista.

Para sa musika nina Debussy at Ravel, ito ay nagiging katangian: isang hindi inaasahang pagbabago ng malalayong mga susi, isang paghahambing ng mga tonic ng iba't ibang mga susi, ang paggamit ng hindi nalutas na dissonant harmonies. Ang lahat ng ito ay humahantong sa isang paglabo ng pakiramdam ng tonality, modal na pundasyon, sa pagkubli ng tonic. Kaya ang tonal uncertainty, instability. Ang gayong "pagbabalanse" sa pagitan ng malalayong tonalidad, nang walang malinaw na kagustuhan para sa isa sa mga ito, ay nakapagpapaalaala sa banayad na paglalaro ng chiaroscuro sa mga canvases ng mga impresyonistang artista. At ang pagkakatugma ng ilang tonic triad o ang kanilang mga inversion sa malalayong key ay nagbubunga ng isang impression na katulad ng maliliit na stroke ng "pure" na mga pintura na matatagpuan magkatabi sa canvas at bumubuo ng hindi inaasahang mga bagong kumbinasyon ng kulay. Halimbawa: nocturne "Clouds". Sa dulang ito, ibinigay ni Debussy ang sumusunod na panitikan na paunang salita: “Ang mga ulap ay isang hindi gumagalaw na imahe ng kalangitan na may mga kulay-abong ulap na dahan-dahan at mapanglaw na dumaraan at natutunaw; umuurong, lumabas sila, dahan-dahang nililiman ng puting liwanag. Ang dula ay muling lumilikha ng isang kaakit-akit na imahe ng napakalalim na lalim ng kalangitan na may mahirap na tukuyin ang kulay, kung saan ang iba't ibang mga kakulay ay kakaibang pinaghalo. Ang parehong progresibo, na parang umuugoy, ang pagkakasunod-sunod ng ikalima at ikatlong bahagi ay lumilikha ng isang pakiramdam ng isang bagay na nagyelo, paminsan-minsan lamang nagbabago ng mga kulay. Tumutugtog ang mga tunog ng Debussy na "Clouds".

Laban sa background ng musika: ... Ang musikal na larawang ito ay maihahambing sa mga tanawin ng Claude Monet, walang katapusan na mayaman sa mga tuntunin ng hanay ng mga kulay, ang kasaganaan ng penumbra, na nagtatago ng mga paglipat mula sa isang kulay patungo sa isa pa. Ang pagkakaisa ng istilong nakalarawan sa paglipat ng maraming mga kuwadro na gawa ng dagat, langit, ilog ay madalas na nakamit niya sa pamamagitan ng hindi pagkakaisa ng malayo at malapit na mga plano sa larawan. Tungkol sa isa sa mga pinakamahusay na kuwadro na gawa ni Monet - "Sailboat sa Arzhantey" - ang sikat na kritiko ng sining ng Italyano na si Lionello Venturi ay sumulat: naging, parang, ang pundasyon ng kalangitan ng langit. Ramdam mo ang patuloy na paggalaw ng hangin.

Kasama ang harmonic na wika, ang orkestra ay gumaganap ng pangunahing nagpapahayag na papel sa mga gawa ng mga Impresyonista. Ang estilo ng orkestra ni Debussy ay nakikilala sa pamamagitan ng isang partikular na kapansin-pansin na pagka-orihinal. Si Debussy ay may kamangha-manghang regalo na marinig ang panloob na boses ng instrumento, ang tunog ng kaluluwa nito. Sa pagsira sa mga stereotype at nakagawiang ideya, natuklasan ni Debussy ang isang maganda at hanggang ngayon ay hindi pa naririnig ng tunog na tila ganap na natural sa lahat. Ang kakayahang ito ay nagpapahintulot sa kompositor na maunawaan at maihayag ang kakanyahan ng instrumento. Tumulong siyang marinig sa tunog ng alto flute ang malungkot na tunog ng isang busina na nawala sa mga dahon, sa tunog ng busina - ang mapanglaw ng boses ng tao na nalunod sa lagaslas ng tubig, at sa pagkakatugma ng mga kuwerdas. - mga patak ng ulan na dumadaloy mula sa mga basang dahon. Malaking pinalalawak ni Debussy ang mga posibilidad ng kulay ng orkestra. Ang kompositor ay bihirang magpakilala ng mga bagong instrumento sa orkestra, ngunit gumagamit ng maraming bagong pamamaraan sa pagpapatunog ng mga indibidwal na instrumento at grupo ng orkestra. Ang "purong" timbre ni Debussy ay nangingibabaw, ang mga grupo ng orkestra (kuwerdas, woodwind, brass) ay bihirang maghalo, ngunit ang makulay at makulay na paggana ng bawat grupo at indibidwal na solong instrumento ay tumataas. Ang grupo ng string ay nawawala ang nangingibabaw na kahalagahan nito, at ang mga woodwinds ay sumasakop sa isang sentral na lugar dahil sa maliwanag na katangian ng mga timbre. Ang papel ng alpa ay tumaas, ang tunog nito ay nagdudulot ng transparency, isang pakiramdam ng hangin. Gumagamit si Debussy ng mga hindi pangkaraniwang rehistro ng mga instrumento, iba't ibang mga diskarte sa pagtugtog. Ginagamit ni Debussy ang boses ng tao bilang bagong timbre na pintura. Halimbawa, sa dulang "Sirens" mula sa "Nocturnes" suite, ang pangunahing bagay para sa kompositor ay hindi upang ilarawan ang pag-awit ng mga sirena, ngunit upang maihatid ang paglalaro ng liwanag sa mga alon ng dagat, ang magkakaibang ritmo ng dagat. . Ang dulang Sirens ni Debussy.

Ang sining nina Debussy at Ravel, tulad ng mga canvases ng mga impresyonistang artista, umaawit ng mundo ng natural na mga karanasan ng tao, ay naghahatid ng masayang pakiramdam ng buhay, inilalantad sa mga tagapakinig ang magandang patula na mundo ng kalikasan, na pininturahan ng banayad, orihinal na mga kulay ng tunog.

Mula noong unang panahon, ang aesthetics ng mundo ay pinangungunahan ng teorya ng imitasyon sa sining, inaprubahan ng mga Impresyonista ang isang bagong konsepto, ayon sa kung saan dapat isama ng artist sa kanyang mga canvases hindi ang layunin ng mundo sa paligid niya, ngunit ang kanyang subjective na impresyon sa mundong ito. Maraming mga uso sa sining ng kasunod, ika-20 siglo, ang lumitaw salamat sa mga bagong pamamaraan ng impresyonismo.

May mini quiz sa pagtatapos ng aralin. Sa unang yugto, iminungkahi na pumili: mula sa tatlong piano, at pagkatapos ay mula sa tatlong symphonic musical fragment, mga gawa na kabilang sa mga impresyonistang kompositor. Sa pangalawa - mula sa mga iminungkahing card na may mga fragment ng artistikong pagsusuri ng mga kuwadro na gawa, kailangan mong piliin ang mga nabibilang sa mga impresyonistang artista.

1. Ang kagandahan ng batang modelo ay tila pinaka-nagpapahayag laban sa backdrop ng malinaw na maberde na mga distansya ng landscape at ang banayad na asul na kalangitan. Ang walang katapusang tanawin na ito ay tila hindi kapani-paniwala, na pumupukaw ng pakiramdam ng kalawakan ng mundo.
2. Isang pakiramdam ng sukat, isang pakiramdam ng kalawakan at saklaw ng kung ano ang nangyayari. Ang alegorikong pigura ay ang semantikong sentro ng larawan: isang klasikal na antigong profile, isang malakas na sculptural na katawan. Ang ideya ng kalayaan ay tila nakikitang nakapaloob sa isang magandang babae.
3. Sa pamamagitan ng maliliit na patak ng pintura, muling nililikha ng pintor sa canvas ang laro ng araw sa tanghali, na nagbibigay ng maraming kulay na kulay. Ang mga maliliwanag na bulaklak ay nanginginig sa liwanag, ang mga mahahabang anino ay nagbabago. Ang puting damit ng ginang ay nakasulat sa isang asul na tono - ang kulay ng anino na nahulog sa kanya mula sa isang dilaw na payong. Ang isang maikling sandali ng buhay ng isang namumulaklak na hardin ay nabubuhay sa canvas na ito.
4. Lumilitaw mula sa ulap ang isang kulay-rosas na bola na walang sinag, na nagbibigay kulay sa kalangitan at sa look, na sumasalamin sa isang lumilipad na landas sa ibabaw ng tubig. Ang basang fog ay nagpapalambot sa mga silhouette ng mga bagay. Sa paligid ng lahat ay hindi matatag, ang mga hangganan sa pagitan ng langit at ng ilog ay halos hindi napapansin. Isa pang minuto - ang hamog sa umaga ay mawawala, at ang lahat ay magkakaroon ng ibang hitsura.
5. Ang musikal na pagkakaiba-iba ng mga nagniningning na kulay na mga spot ng mukha, hairstyle, damit, background, na nilalaro ng artist sa katangi-tanging canvas na ito, na paulit-ulit sa isang nakabukang fan, ay nabuo sa imahe ng isang panaginip at malambot na batang babae, tulad ng isang magandang bulaklak.
6. Ang espasyo ng landscape, kung saan binibigyang-diin ang isang bahagyang kawalaan ng simetrya, ay nabuo sa pamamagitan ng mga linya ng puno, mga contour ng mga figure at mga spot ng kulay ng puti, berde, asul, nanginginig na mga anino sa lupa. Ang nakakabulag na sikat ng araw ay nag-aalis ng mga numero ng lakas ng tunog, na nagiging mga silhouette. Ang kalayaan ng stroke, ang nakasisilaw na pagiging bago ng palette, ang ilusyon ng liwanag, ang katahimikan ng mood ay naging mga pangunahing tampok ng bagong istilo ng pagpipinta. Ang larawan, na pinagkalooban ng kakaibang kagandahan ng kapaligiran, ay tila hindi pangkaraniwang pandekorasyon at pangunahing.
7. Pinutol ng frame, sa isang bahagyang diagonal shift, lumilitaw ito bilang isang misteryosong multo ng nakaraan. Ang araw sa tanghali ay nag-aapoy sa eroplano ng harapan na may magaan na ginintuang apoy, ngunit ang ningning ay nagmumula rin, kumbaga, mula sa loob ng bato.

1. Jean Auguste Dominique Ingres, larawan ng Mademoiselle Riviere, 1805, Paris, Louvre.
2. E. Delacroix, "Namumuno ang kalayaan sa mga tao", 1831, Paris, Louvre.
3. C. Monet, Lady in the Garden, 1867, St. Petersburg, State Hermitage.
4. C. Monet, “Impresyon. Sunrise”, 1873, Paris, Marmotan Museum.
5. O. Renoir, "Girl with a fan", 1881, St. Petersburg, State Hermitage.
6. C. Monet, "Mga Babae sa Hardin", 1886, Paris, Museum d'Orsay.
7. C. Monet, "Rouen Cathedral sa tanghali", 1892, Moscow, GIII im. A.S. Pushkin.

Impresyonismo(French impression - impression) - isang artistikong kilusan na lumitaw noong 70s ng XIX na siglo sa pagpipinta ng Pransya, at pagkatapos ay ipinakita ang sarili sa musika, panitikan, teatro. Ang kakanyahan ng impresyonismo ay nakasalalay sa pinakamadaling pagsasaayos ng mga random na spatio-temporal na sandali ng katotohanan, mga panandaliang impression, mga halftone.

Ang musikal na impresyonismo ay lumitaw noong huling bahagi ng dekada 80 at unang bahagi ng 90s ng ika-19 na siglo. Ang pangunahing bagay sa musika ng impresyonismo ay ang paghahatid ng mga mood na nakakakuha ng simbolikong kahulugan, ang pag-aayos ng mga banayad na sikolohikal na estado na dulot ng pagmumuni-muni sa labas ng mundo. Ang terminong "impressionism", na ginamit sa isang pagkondena o ironic na kahulugan ng mga kritiko ng musika noong huling bahagi ng ika-19 na siglo, ay naging isang pangkalahatang tinatanggap na kahulugan na sumasaklaw sa isang malawak na hanay ng mga musical phenomena ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo.

Ang mga impressionistic na tampok ng musika ng mga kompositor ng Pransya ay ipinakita sa pag-ibig para sa mala-tula na tanawin ("Mga Larawan", "Nocturnes", "The Sea" ni C. Debussy, "The Play of Water" ni M. Ravel, atbp.) at mga paksang mitolohiya (“Afternoon of a Faun” ni C. Debussy ), na ipinadala ng mga kompositor na may pambihirang kahusayan sa mga detalye ng mga karakter.

Sa impresyonistang musika, ang pagiging bago ng masining na paraan ay madalas na pinagsama sa mga larawan ng nakaraan ("The Tomb of Couperin" ni M. Ravel, "The Children's Corner" ni C. Debussy), isang interes sa miniature ("The Sorcerer's Apprentice" ni P. Duke).

Ang aesthetics ng impresyonismo ay nakaimpluwensya sa lahat ng pangunahing genre ng musika: sa halip na binuo ng mga multi-part symphony, ang mga kompositor ay bumuo ng symphonic sketch, sketch, compressed program miniatures na kumalat sa piano music. Ang romantikong kanta ay pinalitan ng isang vocal miniature na may nangingibabaw na recitative, na sinamahan ng isang makulay na figurative instrumental background.

Sa simula ng ika-20 siglo, ang musikal na impresyonismo ay lumaganap sa kabila ng France. Sa Spain M. de Falla, sa Italy O. Respighi, A. Casella at iba pa ay binuo ang mga malikhaing ideya ng mga kompositor na Pranses. Ang isang uri ng impresyonismo sa Ingles ay nakapaloob sa gawain ni F. Dilius, S. Scott. Ang isang matingkad na halimbawa ng impresyonismo sa Polish na musika ay ang gawa ni K. Szymanowski kasama ang kanyang mga ultra-pinong larawan ng sinaunang panahon at ang Sinaunang Silangan ("Aretuza Fountain", "Songs of Hafiz", atbp.). Sa Russia, ang mga kilalang kinatawan ng musical impressionism ay sina N. Cherepnin, S. Vasilenko, A. Skryabin.

Ang gawain ng mga impresyonistang kompositor ay lubos na nagpayaman sa palette ng mga paraan ng pagpapahayag ng musikal sa larangan ng pagkakaisa, na nag-ambag sa pagpapalawak ng sistema ng tonal. Ito, sa turn, ay nagbigay daan para sa marami sa mga harmonic na inobasyon ng ika-20 siglo.

Makabagong musika. Ang konsepto ng "modernong musika" ay sumasaklaw sa lahat ng iba't ibang mga agos at uso na katangian ng musika ng ika-20 siglo.

Ang napakalaking pagbabago sa kasaysayan at mga pandaigdigang sakuna ay nagbunga ng hindi pa nakikitang iba't ibang estilo sa sining, na marami sa mga ito ay iniharap ng mga pangunahing kompositor na gumawa ng malaking kontribusyon sa pag-unlad ng kulturang pangmusika ng mundo.

(French impressionnisme, mula sa impression - impression) - isang masining na kilusan na lumitaw noong 70s. XIX na siglo sa pagpipinta ng Pranses, at pagkatapos ay ipinakita sa musika, panitikan, teatro. Pinayaman ng mga namumukod-tanging impresyonistang pintor (C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir, at iba pa) ang pamamaraan ng paglalarawan ng wildlife sa lahat ng senswal nitong kagandahan. Ang kakanyahan ng kanilang sining ay nasa banayad na pag-aayos ng mga panandaliang impression, sa isang espesyal na paraan ng pagpaparami ng liwanag na kapaligiran sa tulong ng isang kumplikadong mosaic ng mga purong kulay, mga pandekorasyon na pandekorasyon na mga stroke. Ang impresyonismo ng musikal ay lumitaw noong huling bahagi ng dekada 80 at unang bahagi ng dekada 90. Natagpuan niya ang kanyang klasikal na pagpapahayag sa akda ni C. Debussy.

Ang paggamit ng terminong "impresyonismo" sa musika ay higit na arbitrary: ang musikal na impresyonismo ay hindi lubos na kahalintulad sa eponymous na kilusan sa pagpipinta. Ang pangunahing bagay sa musika ng mga impresyonistang kompositor ay ang paghahatid ng mga mood na nakakuha ng kahulugan ng mga simbolo, ang pag-aayos ng mga banayad na sikolohikal na estado na dulot ng pagmumuni-muni sa labas ng mundo. Ito ay nagdudulot ng musikal na impresyonismo na mas malapit sa sining ng mga simbolistang makata, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng "hindi maipahayag". Ang terminong "impressionism", na ginamit ng mga kritiko ng musika noong huling bahagi ng ika-19 na siglo. sa isang pagkondena o ironic na kahulugan, kalaunan ay naging pangkalahatang tinatanggap na kahulugan, na sumasaklaw sa isang malawak na hanay ng mga musical phenomena sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo. parehong sa France at sa iba pang mga bansa sa Europa.

Ang mga impresyonistikong katangian ng musika nina C. Debussy, M. Ravel, P. Duke, F. Schmitt, J. Roger-Ducas at iba pang kompositor ng Pransya ay ipinakita sa pagkahumaling sa mala-tula na inspirasyong tanawin ("Afternoon of a Faun", "Nocturnes", "Sea" Debussy, "The Play of Water", "Reflections", "Daphnis and Chloe" ni Ravel, atbp.). Ang kalapitan sa kalikasan, ang mga banayad na sensasyon na nagmumula sa pang-unawa ng kagandahan ng dagat, kalangitan, kagubatan, ay may kakayahang, ayon kay Debussy, upang pukawin ang imahinasyon ng kompositor, upang bigyang-buhay ang mga bagong pamamaraan ng tunog, na walang mga akademikong kombensiyon. Ang isa pang lugar ng musikal na impresyonismo ay pinong pantasya, na nabuo ng sinaunang mitolohiya o medieval na mga alamat, ang kakaibang mundo ng mga tao sa Silangan. Ang pagiging bago ng artistikong paraan ay madalas na pinagsama ng mga impresyonistang kompositor sa pagpapatupad ng mga katangi-tanging larawan ng sinaunang sining (pagpipinta ng istilong rococo, musika ng mga French harpsichordist).

Ang musikal na impresyonismo ay minana ang ilan sa mga tampok na likas sa huling romantikismo at mga pambansang paaralan noong ika-19 na siglo: isang interes sa poeticization ng sinaunang panahon at malalayong lupain, sa timbre at harmonic brilliance, at ang muling pagkabuhay ng mga archaic modal system. Ang mala-tula na miniaturism nina F. Chopin at R. Schumann, ang sound painting ng yumaong F. Liszt, ang mga coloristic na pagtuklas ni E. Grieg, N. A. Rimsky-Korsakov, ang kalayaan ng boses at kusang improvisasyon ng M. P. Mussorgsky ay natagpuan ang isang orihinal na pagpapatuloy sa ang gawa nina Debussy at Ravel. Talentedly summarizing ang mga tagumpay ng kanilang mga predecessors, ang mga Pranses masters sa parehong oras nang husto rebelled laban sa academicization ng mga romantikong tradisyon; kalunos-lunos na mga pagmamalabis at sound oversaturation ng mga musical drama ni R. Wagner, tinutulan nila ang sining ng pinipigilang emosyon at transparent na kuripot na texture. Naipakita din ito sa pagnanais na muling buhayin ang partikular na tradisyon ng Pransya ng kalinawan, ekonomiya ng mga paraan ng pagpapahayag, na sumasalungat sa kanila sa kabigatan at pag-iisip ng romantikong Aleman.

Sa maraming sample ng musical impressionism, lumilitaw ang isang masigasig na hedonistic na saloobin sa buhay, na ginagawang nauugnay ang mga ito sa pagpipinta ng mga Impresyonista. Ang sining para sa kanila ay isang globo ng kasiyahan, hinahangaan ang kagandahan ng kulay, ang kislap ng liwanag, matahimik na mga tono. Kasabay nito, iniiwasan ang matalim na salungatan at malalim na kontradiksyon sa lipunan.

Kabaligtaran sa malinaw na kaluwagan at purong materyal na palette ni Wagner at ng kanyang mga tagasunod, ang musika ng mga Impresyonista ay kadalasang nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging banayad, lambing, at isang matatas na pagbabago ng mga tunog na imahe. "Nakikinig sa mga impresyonistang kompositor, kadalasan ay umiikot ka sa isang bilog ng hindi malinaw na iridescent na mga tunog, malambot at marupok hanggang sa punto na ang musika ay malapit nang biglang mag-dematerialize ... sa iyong kaluluwa lamang sa loob ng mahabang panahon na nag-iiwan ng mga dayandang at pagmuni-muni ng mga nakalalasing na ethereal na pangitain. "(V. G. Karatygin).

Ang mga aesthetics ng impresyonismo ay nakaimpluwensya sa lahat ng mga pangunahing genre ng musika: sa halip na binuo ng maraming bahagi na mga symphony, ang mga symphonic sketch ay nagsimulang linangin, na pinagsasama ang watercolor softness ng sound painting na may simbolistang misteryo ng mga mood; sa piano music - pantay na naka-compress na mga miniature ng programa batay sa isang espesyal na pamamaraan ng tunog na "resonance" at nakamamanghang tanawin; ang romantikong kanta ay pinalitan ng isang vocal miniature na may nangingibabaw na pigil na pagbigkas, na sinamahan ng makulay na imahe ng instrumental na background. Sa opera house, ang impresyonismo ay humantong sa paglikha ng mga musikal na drama ng semi-legendary na nilalaman, na minarkahan ng isang kaakit-akit na delicacy ng sound atmosphere, katakawan at pagiging natural ng vocal recitation. Sa ilang pagpapalalim ng sikolohikal na pagpapahayag, naapektuhan sila ng statics ng dramaturgy (Pelleas at Mélisande ni Debussy).

Ang gawain ng mga impresyonistang kompositor ay lubos na nagpayaman sa palette ng musikal at nagpapahayag na paraan. Nalalapat ito lalo na sa globo ng pagkakatugma sa kanyang pamamaraan ng parallelisms at kakaibang stringing ng hindi nalutas na mga makukulay na harmonies-spot. Ang mga Impresyonista ay makabuluhang pinalawak ang modernong sistema ng tonal, na nagbibigay daan para sa maraming magkakatugmang inobasyon noong ika-20 siglo. (bagaman kapansin-pansing pinahina nila ang kalinawan ng mga functional na relasyon). Ang komplikasyon at pamamaga ng mga chord complex (nonchords, undecimaccords, altered at fourth harmonies) ay pinagsama sa pagpapasimple, archaization ng modal thinking (natural mode, pentatonic, whole-tone complexes). Ang orkestrasyon ng mga impresyonistang kompositor ay pinangungunahan ng mga purong kulay, mga kakaibang highlight; Ang woodwind solos, harp passages, complex string divisi, at con sordino effect ay kadalasang ginagamit. Karaniwan at puro pandekorasyon, pantay na dumadaloy na mga background ng ostinato. Ang ritmo ay minsan hindi matatag at mailap. Ang himig ay nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga bilugan na konstruksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga maikling expression. mga parirala-mga simbolo, mga layer ng motibo. Kasabay nito, sa musika ng mga Impresyonista, ang kahalagahan ng bawat tunog, timbre, at chord ay lubhang pinahusay, at walang limitasyong mga posibilidad para sa pagpapalawak ng mode ay ipinahayag. Ang isang espesyal na pagiging bago sa musika ng mga Impresyonista ay ibinigay ng madalas na pag-apila sa mga genre ng kanta at sayaw, ang banayad na pagpapatupad ng modal, ritmikong mga elemento na hiniram mula sa alamat ng mga tao sa Silangan, Espanya, at sa mga unang anyo ng Negro jazz .

Sa simula ng ika-20 siglo Ang musikal na impresyonismo ay lumaganap sa kabila ng mga hangganan ng France, na nakakuha ng mga tiyak na pambansang tampok sa iba't ibang mga tao. Sa Spain, M. de Falla, sa Italy, O. Respighi, orihinal na binuo ng batang A. Casella at J. F. Malipiero ang mga malikhaing ideya ng mga kompositor ng French Impressionist. Ang English musical impressionism ay kakaiba sa "northern" landscape (F. Dilius) o maanghang na exoticism (S. Scott). Sa Poland, ang musikal na impresyonismo ay kinakatawan ni K. Szymanowski (hanggang 1920) kasama ang kanyang mga ultra-pinong larawan ng sinaunang panahon at si Dr. Silangan. Ang impluwensya ng French impressionism ay naranasan sa simula ng ika-20 siglo. at ilang mga kompositor ng Russia (N. N. Cherepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko sa mga unang taon ng kanyang trabaho). Sa A. N. Scriabin, ang mga independiyenteng nabuong katangian ng impresyonismo ay pinagsama sa maapoy na ecstasy at mabagyo na malakas na kalooban. Ang pagsasanib ng mga tradisyon ng musika ng N. A. Rimsky-Korsakov na may orihinal na epekto ng French impressionism ay kapansin-pansin sa mga unang marka ng I. F. Stravinsky ("The Firebird", "Petrushka", ang opera na "The Nightingale"). Kasabay nito, sina Stravinsky at S. S. Prokofiev, kasama si B. Bartok, ay naging mga nagpasimula ng isang bagong, "anti-impressionist" na direksyon sa musikang European sa bisperas ng World War I.

I. V. Nestiev

French musical impressionism

Ang gawa ng dalawang pinakamalaking kompositor ng Pranses na sina Debussy at Ravel ay ang pinaka makabuluhang kababalaghan sa musikang Pranses sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, isang maliwanag na kislap ng malalim na makatao at makatang sining sa isa sa pinakamahirap at kontrobersyal na panahon sa pag-unlad. ng kulturang Pranses.

Ang masining na buhay ng France sa huling quarter ng ika-19 na siglo ay kapansin-pansin para sa kapansin-pansing pagkakaiba-iba at kaibahan nito. Sa isang banda, ang hitsura ng mapanlikhang "Carmen" - ang tugatog ng realismo sa French opera, isang buong serye ng malalim sa disenyo, artistikong makabuluhang symphonic at chamber na gawa ni Franck, Saint-Saens, Fauré at Debussy; sa kabilang banda, ang itinatag na pangingibabaw sa buhay musikal ng kabisera ng Pransya ng mga institusyong tulad ng Paris Conservatory, ang Academy of Fine Arts kasama ang kanilang kulto ng patay na "akademikong" tradisyon.

Ang hindi gaanong kapansin-pansin na kaibahan ay ang pagkalat sa pinakamalawak na strata ng lipunan ng Pransya ng mga demokratikong anyo ng buhay musikal tulad ng mga lipunan ng pag-awit ng masa, ang matalas sa lipunan sa diwa ng aktibidad ng mga chansonnier ng Paris, at kasama nito - ang paglitaw ng isang labis na subjective. kalakaran sa sining ng Pransya - simbolismo, na pangunahing nakatugon sa mga interes ng aesthetic elite ng burges na lipunan sa kanilang slogan na "sining para sa mga piling tao."

Sa ganitong mahirap na kapaligiran, ang isa sa mga pinaka-kawili-wili, makulay na mga uso sa Pranses na sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ipinanganak - impresyonismo, na unang lumitaw sa pagpipinta, pagkatapos ay sa tula at musika.

Sa visual arts, ang bagong direksyon na ito ay pinagsama-sama ang mga artist ng isang napaka-kakaiba at indibidwal na talento - E. Manet, C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro at iba pa. Mali na ipatungkol nang walang kondisyon ang lahat ng nakalistang artista sa impresyonismo, dahil ang bawat isa sa kanila ay may sariling paboritong paksa, isang orihinal na paraan ng pagsulat. Ngunit sa una ay pinag-isa sila ng pagkapoot sa opisyal na "akademikong" sining, dayuhan sa buhay ng modernong France, walang tunay na sangkatauhan at direktang pang-unawa sa kapaligiran.

Ang "Academists" ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pambihirang predilection para sa mga aesthetic norms ng sinaunang sining, para sa mythological at biblical subjects, habang ang mga tema at figurative sphere ng pagkamalikhain ng mga artist ng nakaraang panahon bilang Camille Corot at lalo na Gustave Courbet ay naging mas malapit sa mga Impresyonista.

Ang pangunahing bagay na minana ng mga Impresyonista mula sa mga artistang ito ay iniwan nila ang mga workshop sa bukas na hangin at nagsimulang magsulat nang direkta mula sa kalikasan. Nagbukas ito ng mga bagong paraan para maunawaan at maipakita nila ang mundo sa kanilang paligid. Sinabi ni K. Pissarro: "Hindi mo maiisip kung paano magsulat ng isang talagang seryosong larawan nang walang kalikasan." Ang pinaka-katangian na katangian ng kanilang malikhaing pamamaraan ay ang paglipat ng mga pinakadirektang impression mula sa isang partikular na kababalaghan. Nagbunga ito ng ilang mga kritiko na uriin sila bilang naturalismo, pagkatapos ay sunod sa moda sa kanyang mababaw na "photographic" na pang-unawa sa mundo, o para akusahan silang pinapalitan ang pagpapakita ng mga tunay na phenomena ng realidad ng kanilang mga pansariling pandamdam. Kung ang pagsisi sa suhetibismo ay may batayan para sa isang bilang ng mga artista, kung gayon ang akusasyon ng naturalismo ay hindi maayos na itinatag, dahil karamihan sa kanila (Monet, Renoir, Degas, Van Gogh) ay may maraming mga pagpipinta, bagaman tila sila ay mga instant sketch. , na parang inagaw " sa buhay", aktwal na lumitaw bilang isang resulta ng isang mahabang paghahanap at pagpili ng isang katangian, tipikal at malalim na paglalahat ng mga obserbasyon sa buhay.

Karamihan sa mga Impresyonista ay palaging binibigyang diin ang kahalagahan ng pagpili ng isang partikular na paksa para sa kanilang mga pagpipinta. Ang pinakamatanda sa kanila, si Edouard Manet, ay nagsabi: "Ang kulay ay isang bagay ng panlasa at pagiging sensitibo. Ngunit kailangan mong may sasabihin. Otherwise, goodbye!.. Dapat excited din sa topic.”

Ang pangunahing tema ng kanilang trabaho ay France - ang kalikasan, buhay at mga tao nito: mga nayon ng pangingisda at maingay na mga lansangan ng Paris, ang tulay sa Moret at ang sikat na katedral sa Rouen, mga magsasaka at ballerina, labandera at mangingisda.

Ang isang tunay na paghahayag sa mga canvases ng mga impresyonistang artista ay ang tanawin. Ang kanilang mga makabagong adhikain ay ipinahayag dito sa lahat ng kanilang pagkakaiba-iba at kayamanan ng mga shade at nuances. Sa mga canvases ng mga Impresyonista, lumitaw ang mga tunay na buhay na kulay ng kalikasan, isang pakiramdam ng transparency ng hangin, ang pinakamadaling paglalaro ng chiaroscuro, atbp.

Ang mga bagong paksa, isang patuloy na malaking interes sa kalikasan ay hinihingi mula sa mga Impresyonista ang isang espesyal na larawang wika, ang pagtuklas ng mga istilo ng pagpipinta batay sa pagkakaisa ng anyo at kulay. Nagawa nilang itatag na ang kulay sa larawan ay maaaring mabuo hindi kinakailangan sa pamamagitan ng paghahalo ng mga kulay sa palette, ngunit bilang isang resulta ng isang bilang ng mga "purong" tono na bumubuo ng isang mas natural na optical mixture; na ang mga anino ay hindi lamang resulta ng mababang pag-iilaw ng paksa, ngunit maaari sa kanilang sarili na magbunga ng isang bagong kulay; ang kulay na iyon, tulad ng isang linya, ay maaaring "magbulag" sa isang bagay, bigyan ito ng isang malinaw, tinukoy na hugis, atbp.

Ang pagiging bago ng paksa at lalo na ang pamamaraan ng mga artista ng Impresyonista ay nagdulot ng isang matinding negatibong saloobin mula sa mga opisyal na artistikong bilog sa Paris. Tinawag ng opisyal na pahayagan ang unang eksibisyon ng mga Impresyonista na "isang pagtatangka sa mabuting artistikong moral", sa paggalang sa mga masters ng klasikal na sining ng Pranses.

Sa isang kapaligiran ng patuloy na pakikibaka sa pagitan ng tradisyonal at bagong mga uso sa pagpipinta at tula, nabuo ang musikal na impresyonismo. Bumangon din ito bilang isang direktang pagsalungat sa hindi napapanahon, ngunit mahigpit na pinanghahawakan ang mga tradisyong "akademiko" sa sining ng musika ng France sa pagtatapos ng huling siglo. Ang una at pinakakilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay si Claude Debussy. Si Maurice Ravel ay naging isang kompositor na sa maraming aspeto ay nagpatuloy sa mga malikhaing adhikain ni Debussy, ngunit sa parehong oras ay natagpuan ang kanyang orihinal na orihinal na landas ng pag-unlad. Ang kanilang mga unang malikhaing eksperimento ay natugunan ng parehong pagalit na saloobin mula sa pamumuno ng mga opisyal na institusyon - ang Paris Conservatory, ang Academy of Fine Arts, pati na rin ang mga pagpipinta ng mga impresyonistang artista. Kinailangan nilang gumawa ng kanilang paraan sa sining nang nag-iisa, dahil halos wala silang katulad na mga tao at kasama. Ang buong buhay at malikhaing landas nina Debussy at Ravel ay isang landas ng masasakit na paghahanap at masasayang pagtuklas ng mga bagong tema at plot, matatapang na eksperimento sa larangan ng mga genre ng musika at paraan ng wikang musikal.

Sa karaniwang pinagmulan ng kanilang trabaho, ang artistikong kapaligiran, ang parehong mga artist ay malalim na indibidwal sa kanilang malikhaing imahe. Ito ay ipinakita sa pagpili ng ilang mga tema at plot ng bawat isa sa kanila, at sa kanilang saloobin sa pambansang alamat, at sa likas na katangian ng ebolusyon ng malikhaing landas ng bawat isa, at sa maraming mahahalagang katangian ng istilo.

Ang impresyonismo ng musikal (pati na rin ang pagpipinta) ay lumaki batay sa mga pambansang tradisyon ng sining ng Pransya. Nagpakita ito kay Debussy at Ravel nang malakas, bagama't hindi palaging nakikita sa panlabas na mga ugnayan sa French folk art (kung saan ang pinakamatingkad na halimbawa para sa kanila ay maaaring ang malalim na pambansa sa likas na gawain ng Wiese), sa malapit na pakikipag-ugnayan sa kontemporaryong panitikan at pagpipinta (na ay palaging tipikal ng Pranses na musika ng iba't ibang mga makasaysayang panahon), sa isang pambihirang papel sa kanilang gawain ng programang instrumental na musika, sa isang espesyal na interes sa sinaunang kultura. Ngunit ang pinakamalapit at pinaka-direktang mga phenomena na naghanda ng impresyonismo sa musika ay ang modernong mga tula ng Pransya (kung saan sa oras na iyon ang pigura ng makata na si Paul Verlaine, na malapit sa espiritu sa mga impresyonista, ay nauna) at, lalo na, pictorial impressionism. Kung ang impluwensya ng tula (pangunahin na simbolista) ay matatagpuan higit sa lahat sa mga unang gawa nina Debussy at Ravel, kung gayon ang impluwensya ng pictorial impressionism sa gawa ni Debussy (at sa isang mas mababang lawak kay Ravel) ay naging mas malawak at mas mabunga.

Sa gawa ng mga impresyonistang artista at kompositor, may makikitang kaugnay na tema: makulay na mga eksena sa genre, portrait sketch, ngunit ang tanawin ay sumasakop sa isang pambihirang lugar.

Mayroong karaniwang mga tampok sa artistikong pamamaraan ng pictorial at musical impressionism - ang pagnanais na ihatid ang unang direktang impression ng phenomenon. Kaya't ang pagkahumaling ng mga Impresyonista hindi sa monumental, ngunit sa mga maliliit na anyo (sa pagpipinta - hindi sa isang fresco o isang malaking komposisyon, ngunit sa isang portrait, sketch; sa musika - hindi sa isang symphony, oratorio, ngunit sa isang romansa, piano. o orchestral miniature na may libreng improvisational manner presentation) (Ito ay higit na katangian ni Debussy kaysa kay Ravel. Sa kanyang mature na gawain, ipinakita ni Ravel ang isang espesyal na interes sa malalaking instrumental na anyo - sonata, concerto, pati na rin ang opera at ballet.).

Higit sa lahat, naiimpluwensyahan ng pictorial impressionism ang musika sa larangan ng paraan ng pagpapahayag. Tulad ng sa pagpipinta, ang paghahanap para kay Debussy at Ravel ay naglalayong palawakin ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag na kinakailangan upang maisama ang mga bagong larawan, at, una sa lahat, sa pinakamataas na pagpapayaman ng makulay at makulay na bahagi ng musika. Ang mga paghahanap na ito ay humipo sa mode at harmony, melody at metro-rhythm, texture at instrumentation. Ang halaga ng melody bilang pangunahing nagpapahayag na elemento ng musika ay humina; sa parehong oras, ang papel na ginagampanan ng maharmonya na wika at ang estilo ng orkestra ay hindi pangkaraniwang tumataas, dahil sa kanilang mga kakayahan, sila ay mas hilig na ihatid ang mga makalarawan-matalinhaga at makulay na mga prinsipyo.

Ang mga bagong nagpapahayag na paraan ng mga kompositor ng Impresyonista, para sa lahat ng kanilang pagka-orihinal at pagtitiyak, ay may ilang pagkakatulad sa nakalarawang wika ng mga Impresyonistang artista. Ang madalas na pag-apila nina Debussy at Ravel sa mga lumang katutubong mode (pentatonic, Dorian, Phrygian, Mixolydian at iba pa), pati na rin ang buong tono na sukat na pinagsama sa natural na major at minor, ay katulad ng malaking pagpapayaman ng color palette. ng mga impresyonistang artista; ang matagal na "pagbabalanse" sa pagitan ng dalawang malalayong tonalidad na walang malinaw na kagustuhan para sa isa sa mga ito ay medyo nakapagpapaalaala sa banayad na paglalaro ng chiaroscuro sa canvas; ang pagkakatugma ng ilang mga tonic triad o ang kanilang mga inversion sa malalayong key ay gumagawa ng isang impression na katulad ng maliliit na stroke ng "purong" mga pintura na matatagpuan magkatabi sa canvas at bumubuo ng isang hindi inaasahang bagong kumbinasyon ng kulay, atbp.

Ang gawa nina Debussy at Ravel (pati na rin ng mga Impresyonistang artista) ay naapektuhan din ng isang tiyak na limitasyon ng mga aesthetics ng Impresyonista. Natagpuan nito ang pagpapahayag sa pagpapaliit ng hanay ng mga paksa, ang masining-matalinhagang globo ng kanilang gawain (lalo na kung ihahambing sa kanilang dakilang hinalinhan na si Berlioz, ang musika ng panahon ng Rebolusyong Pranses), sa pagwawalang-bahala sa kabayanihan-kasaysayan at panlipunang tema. Sa kabaligtaran, ang isang malinaw na kagustuhan ay ibinibigay sa isang musikal na tanawin, isang eksena sa genre, isang katangiang larawan, mas madalas na isang mito o isang fairy tale. Ngunit sa parehong oras, si Debussy at lalo na si Ravel, sa isang bilang ng mga pangunahing akda, ay nagtagumpay sa mga limitasyon ng impresyonistang aesthetics at lumikha ng gayong sikolohikal na malalim na mga gawa tulad ng Second Piano Concerto at The Tomb of Couperin (Ravel), engrande sa mga tuntunin ng sukat. ng symphonic development, Waltz at Bolero ( Ravel), maliliwanag na makulay na larawan ng katutubong buhay, tulad ng "Iberia" at "Celebrations" (Debussy), "Spanish Rhapsody" (Ravel).

Hindi tulad ng maraming uso sa modernistang sining na umunlad sa simula ng ika-20 siglo (expressionism, constructivism, urbanism, at iba pa), ang gawa ng dalawang French artist ay nakikilala sa pamamagitan ng kumpletong kawalan ng masakit na pagpipino, ninanamnam ang kakila-kilabot at pangit, ang pagpapalit ng emosyonal na pang-unawa sa paligid sa pamamagitan ng "konstruksyon" ng musika. Ang sining nina Debussy at Ravel, tulad ng mga pagpipinta ng mga Impresyonista, ay umaawit ng mundo ng mga natural na karanasan ng tao, kung minsan ay malalim na dramatiko, ngunit mas madalas na naghahatid ng isang masayang pakiramdam ng buhay. Ito ay talagang optimistic.

Karamihan sa kanilang mga gawa, kumbaga, ay muling binubuksan sa harap ng mga tagapakinig ang magandang patula na mundo ng kalikasan, na pininturahan ng banayad, kaakit-akit at mapang-akit na mga kulay ng isang mayaman at orihinal na paleta ng tunog.

Ang makasaysayang kahalagahan ng pamana nina Debussy at Ravel ay angkop at tumpak na tinukoy ni Romain Rolland, na nagsasabing: "Palagi kong tinitingnan si Ravel bilang ang pinakadakilang artista ng musikang Pranses, kasama sina Rameau at Debussy, isa sa mga pinakadakilang musikero sa lahat ng panahon. ."

B. Ionin

Isang artistikong kalakaran ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, batay sa pagnanais na ihatid ang mga panandaliang impression, subjective na damdamin at mood ng artist. Sa una ay nagmula sa French painting, pagkatapos ay kumalat sa iba pang mga sining at bansa. Sa koreograpia, ang pagnanais na ayusin ang sandali, katangian ng impresyonismo, ay umasa sa improvisasyon at sinalungat ang paglikha ng isang kumpletong anyo ng sining. Sa isang teatro ng ballet batay sa kumplikadong mga diskarte sa sayaw at binuo na mga anyo ng sayaw, ang pare-parehong impresyonismo ay mangangahulugan ng pagkasira ng sarili nito, at samakatuwid ay hindi ito nakakuha ng makabuluhang katanyagan. Ang impresyonismo ay nagpakita ng sarili pangunahin sa tinatawag na. libreng sayaw. Ipinagtanggol ni A. Duncan ang ideya ng "pagpalaya ng katawan" at ang intuitive na interpretasyon ng musika, nang walang anuman. pamantayan ng sayaw. Ang impresyonismo sa sayaw ay lumaganap din sa Alemanya. Sinubukan ni M. M. Fokin na ilapit ang impresyonismo sa eksena ng ballet. Ang muling paglikha ng mga eksena mula sa iba't ibang panahon sa mga pagtatanghal ("Pavilion of Armida", "Chopiniana", pareho - 1907; "Egyptian Nights", 1908, atbp.), Si Fokine ay gumamit ng stylization. Nang maglaon, sa kanyang mga gawa, ang istraktura ng sayaw ay naging mas malabo. Ang mga nakumpletong form (pas de deux, adagio, variation, atbp.) ay tinanggihan at kahit parodied (halimbawa, sa Bluebeard ballet). Kasabay nito, ang mga tampok ng impresyonismo sa gawa ni Fokine ay isa lamang sa mga facet nito.

Sa hinaharap, ang malaking pagganap ay lalong pinapalitan ng isang miniature. Gayunpaman, sa paghahangad ng katapatan ng paglipat ng isang instant impression, ang paksa ay ginutay-gutay, at ang script dramaturgy ay napabayaan. Mabilis na naubos ng impresyonismo ang mga posibilidad nito.

Ballet. Encyclopedia, SE, 1981