Antiwar pathos at allegorical na kahulugan ng drama na Would. Brecht "Mother Courage at ang kanyang mga anak"

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

2. Ang larawan ng inang Lakas ng loob

Panitikan

1.Berthold Brecht at ang kanyang "epic theater"

Si Bertolt Brecht ay ang pinakamalaking kinatawan ng literatura ng Aleman noong ika-20 siglo, isang artista ng isang malaki at multifaceted talent. Nagsulat siya ng mga dula, tula, maikling kwento. Siya ay isang theatrical figure, direktor at theorist ng sining ng sosyalistang realismo. Ang mga dula ng Brecht, na tunay na makabago sa kanilang nilalaman at anyo, ay nalampasan ang mga sinehan sa maraming bansa sa mundo, at saanman sila ay nakikilala sa pinakamalawak na grupo ng mga manonood.

Si Brecht ay ipinanganak sa Augsburg, sa isang mayamang pamilya ng isang direktor ng paper mill. Dito siya nag-aral sa gymnasium, pagkatapos ay nag-aral ng medisina at natural na agham sa Unibersidad ng Munich. Nagsimulang magsulat si Brecht habang nasa gymnasium. Simula noong 1914, nagsimulang lumabas ang kanyang mga tula, kwento, at mga pagsusuri sa teatro sa pahayagan ng Augsburg na Volkswil.

Noong 1918, si Brecht ay kinuha sa hukbo at nagsilbi bilang isang maayos sa isang ospital ng militar sa loob ng halos isang taon. Sa ospital, narinig ni Brecht ang mga kwento ng mga kakila-kilabot sa digmaan at isinulat ang kanyang unang mga tula at kanta laban sa digmaan. Siya mismo ang gumawa ng mga simpleng himig para sa kanila at, na may gitara, malinaw na binibigkas ang mga salita, ay gumanap sa mga ward sa harap ng mga sugatan. Sa mga gawaing ito, lalo na tumayo "Ballmabalisa tungkol sa isang patay na sundalo na "kundena sa militar ng Aleman, na nagpataw ng digmaan sa mga manggagawa.

Nang magsimula ang rebolusyon sa Alemanya noong 1918, aktibong bahagi nito si Brecht, bagama't pa rin at hindi lubos na naisip ang mga layunin at layunin nito. Nahalal siya bilang miyembro ng Augsburg Soldiers' Council. Ngunit ang pinakadakilang impresyon sa makata ay ginawa ng balita ng proletaryong rebolusyon. v Russia, tungkol sa pagbuo ng unang estado ng mga manggagawa at magsasaka sa mundo.

Sa panahong ito na tuluyang nakipaghiwalay ang batang makata sa kanyang pamilya, kasama ang sa kanilang klase at "sumali sa hanay ng mga mahihirap."

Ang resulta ng unang dekada ng tula ay ang koleksyon ni Brecht ng mga tula na "Home Sermons" (1926). Para sa karamihan ng mga tula ng koleksyon, ang sadyang kabastusan sa paglalarawan ng pangit na moralidad ng burgesya ay katangian, gayundin ang kawalan ng pag-asa at pesimismo na dulot ng pagkatalo ng Rebolusyong Nobyembre ng 1918

Ang mga ito ideolohikal at pampulitika mga tampok ng maagang tula ni Brecht katangian at para sa kanyang mga unang dramatikong gawa - "Baal","Drums in the Night" at iba pa. Ang lakas ng mga dulang ito ay nasa tapat na paghamak at pagkondena sa burges na lipunan. Sa paggunita sa mga dulang ito sa kanyang mature na mga taon, isinulat ni Brecht na sa mga ito siya ay "wala nanghihinayang ipinakita kung paano pinupuno ng malaking baha ang burges kapayapaan".

Noong 1924 ang sikat na direktor na si Max Reinhardt inaanyayahan si Brecht bilang isang manunulat ng dula sa kanyang teatro sa Berlin. Dito lumalapit si Brecht kasama mga progresibong manunulat na sina F. Wolf, I. Becher, kasama ang lumikha ng mga rebolusyonaryong manggagawa teatro E. Piscator, aktor E. Bush, kompositor na si G. Eisler at iba pang malapit sa kanya sa espiritu ng mga artista. Sa setting na ito, si Brecht unti-unti nagtagumpay sa kanyang pesimismo, mas maraming panlalaking intonasyon ang lumilitaw sa kanyang mga gawa. Ang batang manunulat ng drama ay lumilikha ng mga paksang satirikong gawa kung saan matalas niyang pinupuna ang panlipunan at pampulitikang praktika ng imperyalistang burgesya. Ganito ang anti-war comedy na "Ano itong sundalo, ano ito" (1926). Siya isinulat noong panahong ang imperyalismong Aleman, pagkatapos supilin ang rebolusyon, ay nagsimulang masiglang ibalik ang industriya sa tulong ng mga Amerikanong bangkero. Reaksyonaryo ele-mga pulis kasama ang mga Nazi, nagkaisa sila sa iba't ibang "Bunds" at "Fereins", nagpalaganap ng mga ideyang revanchist. Ang entablado ng teatro ay higit na napuno ng matamis na nakapagpapatibay na mga drama at mga pelikulang aksyon.

Sa ilalim ng mga kundisyong ito, sinasadya ni Brecht na nagsusumikap para sa sining na malapit sa mga tao, sining na gumising sa kamalayan ng mga tao, pinapagana ang kanilang kalooban. Tinatanggihan ang dekadenteng drama na naglalayo sa manonood mula sa pinakamahahalagang problema sa ating panahon, itinataguyod ni Brecht ang isang bagong teatro, na idinisenyo upang maging isang tagapagturo ng mga tao, isang konduktor ng mga advanced na ideya.

Sa mga akdang "On the Way to Contemporary Theater", "Dialectics in the Theater", "On the Non-Aristotelian Drama" at iba pa, na inilathala noong huling bahagi ng 1920s at unang bahagi ng 1930s, pinupuna ni Brecht ang kontemporaryong modernistang sining at itinakda ang mga pangunahing probisyon ng kanyang teoryang "Epiko teatro ". Ang mga probisyong ito ay nauugnay sa pagkilos, pagbuo madrama mga gawa, theatrical music, scenery, ang paggamit ng sinehan, atbp. Brecht calls his drama "non-Aristotelian", "epic". Ang pangalang ito ay dahil sa ang katunayan na ang isang ordinaryong drama ay itinayo ayon sa mga batas na binuo ni Aristotle sa kanyang akdang "Poetics" at nangangailangan ng sapilitan na emosyonal na pagpapakilala ng aktor sa imahe.

Ang pundasyon ng teorya ni Brecht ay dahilan. "Ang epikong teatro," sabi ni Brecht, "hindi gaanong umaapela sa pakiramdam kundi sa isip ng manonood." Ang teatro ay dapat maging isang paaralan ng pag-iisip, ipakita ang buhay mula sa isang tunay na siyentipikong pananaw, sa isang malawak na pananaw sa kasaysayan, isulong ang mga advanced na ideya, tulungan ang manonood na maunawaan ang nagbabagong mundo at baguhin ang kanyang sarili. Binigyang-diin ni Brecht na ang kanyang teatro ay dapat maging isang teatro "para sa mga taong nagpasya na kunin ang kanilang kapalaran sa kanilang sariling mga kamay," na hindi lamang niya dapat ipakita ang mga kaganapan, ngunit aktibong impluwensyahan sila, pasiglahin, gisingin ang aktibidad ng manonood, pilitin siyang huwag makiramay , ngunit makipagtalo, kumuha ng kritikal na posisyon sa isang hindi pagkakaunawaan. Kasabay nito, hindi binitawan ni Brecht ang pagnanais na maimpluwensyahan din ang mga damdamin at emosyon.

Upang ipatupad ang mga probisyon ng "epikong teatro", ginagamit ni Brecht sa kanyang malikhaing kasanayan ang "epekto ng alienation", iyon ay, isang masining na aparato, na ang layunin ay upang ipakita ang mga phenomena ng buhay mula sa isang hindi pangkaraniwang pananaw, upang pilitin ang isang ibang itsura dagundong sa kanila, kritikal na sinusuri ang lahat ng nangyayari sa entablado. Sa layuning ito, madalas na ipinakilala ni Brecht ang mga koro at solo na kanta sa kanyang mga dula, na nagpapaliwanag at sinusuri ang mga kaganapan ng pagtatanghal, na inilalantad ang karaniwan mula sa isang hindi inaasahang anggulo. Ang "alienation effect" ay nakakamit din ng sistema ng mga kasanayan sa pag-arte, disenyo ng entablado, at musika. Gayunpaman, hindi kailanman isinasaalang-alang ni Brecht ang kanyang teorya na sa wakas ay nabuo at hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nagtrabaho upang mapabuti ito.

Isang matapang na innovator, ginamit din ni Brecht ang lahat ng pinakamahusay na nilikha ng German at world theater sa nakaraan.

Sa kabila ng kontrobersya ng ilan sa kanyang mga teoretikal na posisyon, lumikha si Brecht ng isang tunay na makabagong, labanang dramaturhiya, na may matalas na ideolohikal na pokus at mahusay na artistikong merito. Sa pamamagitan ng sining, nakipaglaban si Brecht para sa pagpapalaya ng kanyang tinubuang-bayan, para sa sosyalistang hinaharap nito, at sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay kumilos siya bilang pinakamalaking kinatawan ng sosyalistang realismo sa Aleman at pandaigdigang panitikan.

Sa huling bahagi ng 20s - maagang 30s. Gumawa si Brecht ng isang serye ng "mga dulang nakapagtuturo" na nagpatuloy sa pinakamahusay na mga tradisyon ng gumaganang teatro at nilayon para sa agitation at propaganda ng mga advanced na ideya. Kabilang dito ang "Baden Teaching Play", "The Highest Measure", "Saying" Yes "and Saying" Pet "at iba pa. Ang pinakamatagumpay sa kanila ay" St. John of the Slaughterhouse "and a re-enactment of Gorky's" Nanay".

Sa mga taon ng pangingibang-bansa, ang artistikong kasanayan ni Brecht ay umabot sa tugatog nito. Lumilikha siya ng kanyang pinakamahusay na mga gawa, na isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng Aleman at pandaigdigang panitikan ng sosyalistang realismo.

Ang satirical play-pamphlet na "Round-Headed and Sharp-Headed" ay isang masamang parody ng Hitlerite Reich; inilalantad nito ang nasyonalistang de-magic. Hindi pinabayaan ni Brecht ang mga naninirahan sa Aleman, na pinahintulutan ang mga Nazi na lokohin ang kanilang sarili sa mga maling pangako.

Sa parehong matalas na satirical na paraan, ang dula na "The Career of Arthur Wee, Which Could Not Be" ay isinulat.

Ang dula ay alegorya na muling nililikha ang kasaysayan ng pag-usbong ng pasistang diktadura. Ang parehong mga dula ay binubuo ng isang uri ng anti-pasistang dilogy. Puno sila ng mga pamamaraan ng "alienasyon effect", pantasya at kataka-taka sa diwa ng mga teoretikal na probisyon ng "epic theater".

Dapat pansinin na, sa pagsalungat sa tradisyonal na "Aristotelian" na drama, hindi ito lubos na itinanggi ni Brecht sa kanyang pagsasanay. Kaya, sa diwa ng tradisyunal na drama, 24 isang-aktong anti-pasistang dula ang isinulat, na kasama sa koleksyong Fear and Despair in the Third Empire (1935-1938). Sa kanila, iniiwan ni Brecht ang kanyang paboritong tradisyonal na background at sa pinakadirekta, makatotohanan ma-nere nagpinta ng isang kalunos-lunos na larawan ng buhay ng mga Aleman sa isang bansang inalipin ng mga Nazi.

Isang dula mula sa koleksyong ito na "Mga Rifle Teresa Carrar "sa ideolohikal patuloy ang paggalang sa linyang binalangkas sa pagtatanghal"Mga Ina" ni Gorky. Sa gitna ng dula ay ang mga kasalukuyang kaganapan ng digmaang sibil sa Espanya at ang pagpapawalang-bisa sa mga nakapipinsalang ilusyon ng pagiging apulitika at hindi panghihimasok sa panahon ng mga pagsubok sa kasaysayan ng bansa. Simpleng babaeng Espanyol mula sa tangke ng isda ng Andalusia Carrar nawalan ng asawa sa digmaan at ngayon, natatakot na mawala ang kanyang anak, sa lahat ng posibleng paraan pinipigilan siyang magboluntaryong lumaban sa mga pasista. Siya ay walang muwang na naniniwala sa mga katiyakan ng mga suwail mga heneral, Anong gusto mo hindi hinawakan ng mga neutral na sibilyan. Tumanggi pa siyang ibigay sa mga Republikano mga baril, tinago ng aso. Samantala, ang anak, na payapang nangingisda, ay binabaril ng mga pasista mula sa barko gamit ang machine gun. Ito ay pagkatapos ay sa kamalayan ng Carrar na ang kaliwanagan ay nangyayari. Ang pangunahing tauhang babae ay napalaya mula sa nakapipinsalang prinsipyo: "ang aking kubo ay nasa gilid" - at dumating sa konklusyon tungkol sa pangangailangan na ipagtanggol ang kaligayahan ng mga tao na may mga armas sa kamay.

Nakikilala ni Brecht ang dalawang uri ng teatro: dramatiko (o "Aristotelian") at epiko. Ang dramatiko ay naghahangad na talunin ang mga damdamin ng manonood, upang maranasan niya ang catharsis sa pamamagitan ng takot at pakikiramay, upang siya ay sumuko nang buong pagkatao sa kung ano ang nangyayari sa entablado, nakikiramay, nag-aalala, nawala ang pakiramdam ng pagkakaiba sa pagitan ng teatro. aksyon at totoong buhay, at parang hindi manonood ng dula, ngunit ng isang taong sangkot sa aktwal na mga kaganapan. Ang epikong teatro, sa kabilang banda, ay dapat mag-apela sa pangangatwiran at pagtuturo, dapat, habang sinasabi sa manonood ang tungkol sa ilang mga sitwasyon at problema sa buhay, obserbahan ang mga kondisyon kung saan siya ay mananatili, kung hindi kalmado, pagkatapos ay sa anumang kaso kontrolin ang kanyang mga damdamin at sa ganap na armado ng malinaw na kamalayan at kritikal na pag-iisip, hindi sumuko sa mga ilusyon ng aksyon sa entablado, magmamasid, mag-iisip, tukuyin ang aking may prinsipyong posisyon at gagawa ng mga desisyon.

Upang ilarawan ang mga pagkakaiba sa pagitan ng dramatiko at epikong teatro, binalangkas ni Brecht ang dalawang hanay ng mga tampok.

Hindi gaanong nagpapahayag ang paghahambing na katangian ng dramatiko at epikong teatro, na binuo ni Brecht noong 1936: "Sabi ng manonood ng teatro ng drama: oo, mayroon din akong pakiramdam na ito. palaging magkakaroon. '' Ang pagdurusa ng taong ito ay nakakabigla. sa akin, dahil walang paraan para sa kanya. '' Ito ay isang mahusay na sining: lahat ng bagay dito ay walang sinasabi. '' Umiiyak ako sa pag-iyak, tumatawa ako sa pagtawa.

Ang manonood ng epikong teatro ay nagsabi: Hindi ko akalain. - Hindi ito dapat gawin. - Ito ay lubhang nakagugulat, halos imposible - Ito ay dapat tapusin - Ang pagdurusa ng taong ito ay namangha sa akin, para sa isang paraan upang makatakas. ay posible pa rin para sa kanya. - Ito ay isang mahusay na sining: walang nakikita sa sarili nito. - Natatawa ako sa pag-iyak, umiiyak ako sa pagtawa.

Lumikha ng isang distansya sa pagitan ng manonood at ng entablado, na kinakailangan upang ang manonood ay maaaring, tulad ng, "mula sa labas" na obserbahan at tapusin na siya ay "tumawa sa pag-iyak at umiiyak sa pagtawa", iyon ay, upang mas nakikita at naiintindihan niya ang higit pa, kaysa sa mga tauhan sa entablado, upang ang kanyang posisyon na may kaugnayan sa aksyon ay isang posisyon ng espirituwal na higit na kahusayan at aktibong mga desisyon - ito ang gawain na, ayon sa teorya ng epikong teatro, ang manunulat ng dula, ang direktor. at ang aktor ay dapat magkasamang lutasin. Para sa huli, ang pangangailangang ito ay partikular na may bisa. Samakatuwid, ang aktor ay dapat magpakita ng isang tiyak na tao sa ilang mga pangyayari, at hindi lamang siya. Sa ilang sandali ng kanyang pananatili sa entablado, dapat siyang tumayo sa tabi ng imahe na kanyang nilikha, iyon ay, hindi lamang ang incarnator nito, kundi maging ang hukom nito. Hindi ito nangangahulugan na ganap na itinatanggi ni Brecht sa theatrical practice ang "feeling", iyon ay, ang pagsasanib ng aktor sa imahe. Ngunit naniniwala siya na ang ganitong estado ay maaaring mangyari lamang sa mga sandali at sa pangkalahatan ay dapat na ipailalim sa isang makatwirang pag-iisip at sinasadyang tinutukoy na interpretasyon ng tungkulin.

Teoretikal na pinatutunayan at ipinakilala ni Brecht ang tinatawag na "alienation effect" sa kanyang malikhaing kasanayan bilang isang mahalagang obligadong sandali. Nakikita niya ito bilang pangunahing paraan ng paglikha ng distansya sa pagitan ng manonood at ng entablado, na lumilikha ng atmospera na binanggit ng teorya ng epikong teatro na may kaugnayan sa madla sa aksyon sa entablado; Sa esensya, ang "alienation effect" ay isang tiyak na anyo ng objectification ng itinatanghal na phenomena; ito ay idinisenyo upang masira ang walang kabuluhang automatism ng perception ng manonood. Kinikilala ng manonood ang paksa ng imahe, ngunit sa parehong oras ay nakikita ang imahe nito bilang isang bagay na hindi pangkaraniwan, "alienated" ... Sa madaling salita, sa tulong ng "alienation effect" ang playwright, direktor, aktor ay nagpapakita ng ilang mga phenomena sa buhay. at mga uri ng tao hindi sa kanilang karaniwan, pamilyar at pamilyar na anyo, ngunit mula sa ilang hindi inaasahang at bagong panig, na nagpapagulat sa manonood, tingnang muli, tila. luma at kilala na ang mga bagay, mas aktibong interesado sa kanila. upang maunawaan at maunawaan ang mga ito nang mas malalim. "Ang kahulugan ng diskarteng ito ng" alienation effect ", - paliwanag ni Brecht, - ay upang itanim ang isang analytical, kritikal na posisyon sa manonood na may kaugnayan sa mga itinatanghal na kaganapan" 19> /

Sa Sining ng Brecht sa lahat ng larangan nito (drama, pagdidirekta, atbp.), ang "alienasyon" ay ginagamit nang napakalawak at sa pinaka-iba't ibang anyo.

Ang pinuno ng robbery gang - isang tradisyunal na romantikong pigura ng lumang panitikan - ay itinatanghal na nakayuko sa libro ng kita at gastos, kung saan, ayon sa lahat ng mga patakaran ng Italian accounting, ang mga transaksyon sa pananalapi ng kanyang "kumpanya" ay nakasulat. Kahit na sa mga huling oras bago ang pagpapatupad, nagdadala siya ng debit sa kredito. Ang gayong hindi inaasahan at hindi pangkaraniwang "alienated" na pananaw sa paglalarawan ng underworld ay mabilis na nagpapagana sa kamalayan ng manonood, nagdadala sa kanya sa isang pag-iisip na maaaring hindi pa nangyari sa kanya noon: ang isang bandido ay ang parehong burgis, kaya kung sino ang isang burgis ay hindi isang bandido. ito ba?

Sa entablado na embodiment ng kanyang mga dula, si Brecht ay gumagamit din ng "alienation effects". Ipinakilala niya, halimbawa, ang mga choir at solo na kanta, ang tinatawag na "mga kanta", sa mga dula. Ang mga kantang ito ay hindi palaging ginaganap na parang "in the course of the action", natural na akma sa kung ano ang nangyayari sa entablado. Sa kabaligtaran, sila ay madalas na mariin na huminto sa aksyon, nakakagambala at "ipinahiwalay" ito, na ginaganap sa entablado at direktang itinuro sa madla. Ang Brecht ay partikular na binibigyang diin ang sandaling ito ng pagsira sa aksyon at paglilipat ng pagganap sa ibang eroplano: sa panahon ng pagganap ng mga kanta, isang espesyal na sagisag ang bumaba mula sa mga rehas na bar, o ang espesyal na "cellular" na ilaw ay hindi nakabukas sa entablado. Ang mga kanta, sa isang banda, ay idinisenyo upang sirain ang hypnotic na epekto ng teatro, upang maiwasan ang paglitaw ng mga ilusyon sa entablado, at, sa kabilang banda, nagkomento sila sa mga kaganapan sa entablado, sinusuri ang mga ito, nag-aambag sa pagbuo ng kritikal. hatol ng publiko.

Ang lahat ng mga diskarte sa pagtatanghal sa teatro ni Brecht ay puno ng "alienation effect". Ang mga muling pagtatayo sa entablado ay madalas na isinasagawa gamit ang isang nakahiwalay na kurtina; ang disenyo ay "nagpapahiwatig" sa kalikasan - ito ay lubhang kalat-kalat, naglalaman ng "kailangan lamang", iyon ay, isang minimum na mga dekorasyon na naghahatid ng mga katangian ng lugar at oras, at minimum na kinakailangan na ginamit at kasangkot sa aksyon; inilapat ang mga maskara; ang aksyon ay minsan sinasamahan ng mga caption na nakalagay sa kurtina o backdrop at pagpapadala sa isang matinding aphoristic o paradoxical na anyo sosyal ibig sabihin mga plot, atbp.

Hindi itinuring ni Brecht ang "alienation effect" bilang isang tampok na natatangi sa kanyang malikhaing pamamaraan. Sa kabaligtaran, siya ay nagpapatuloy mula sa katotohanan na ang pamamaraang ito, sa isang mas malaki o mas maliit na lawak, ay karaniwang likas sa likas na katangian ng lahat ng sining, dahil hindi ito katotohanan mismo, ngunit ang imahe lamang nito, na, gaano man kalapit sa buhay. , hindi pa rin maaaring maging kapareho niya at, samakatuwid, naglalaman ito ng isa o ibang sukat mga kombensiyon, iyon ay, kalayuan, "pagkahiwalay" mula sa paksa ng imahe. Natagpuan at ipinakita ni Brecht ang iba't ibang "mga epekto ng alienation" sa sinaunang at Asian na teatro, sa pagpipinta nina Bruegel the Elder at Cézanne, sa mga gawa ni Shakespeare, Goethe, Feuchtwanger, Joyce, atbp. Ngunit hindi tulad ng ibang mga artista, na maaaring "Alienation" naroroon kusang-loob Si Brecht, isang artista ng sosyalistang realismo, ay sadyang dinala ang pamamaraang ito sa malapit na koneksyon sa mga gawaing panlipunan na itinuloy niya sa kanyang trabaho.

Upang kopyahin ang realidad upang makamit ang pinakadakilang panlabas na pagkakatulad, upang mapanatili nang mas malapit hangga't maaari ang agarang-sensory na hitsura nito, o upang "organisahin" ang realidad sa proseso ng artistikong representasyon nito upang ganap at totoo na maihatid ang mahahalagang katangian nito ( siyempre, sa isang kongkreto-matalinhagang pagkakatawang-tao) - ito ang dalawang poste sa mga problema sa aesthetic ng kontemporaryong sining ng mundo. Ang Brecht ay tumatagal ng isang napaka-tiyak, malinaw na posisyon na may kaugnayan sa alternatibong ito. "Ang karaniwang opinyon ay," isinulat niya sa isa sa kanyang mga tala, "na kung mas makatotohanan ang isang gawa ng sining, mas madaling makilala ang katotohanan dito. Inihahambing ko ito sa depinisyon na kung mas makatotohanan ang isang gawa ng sining, mas madaling matutunan ang katotohanan." Ang pinaka-maginhawa para sa katalusan ng katotohanan Brecht itinuturing na maginoo, "alienated", na naglalaman ng isang mataas na antas ng generalization ng mga anyo ng makatotohanang sining.

pagiging artista pag-iisip at paglalagay ng pambihirang kahalagahan sa rasyonalistikong prinsipyo sa proseso ng paglikha, gayunpaman, palaging tinatanggihan ni Brecht ang eskematiko, matunog, insensitive na sining. Siya ay isang makapangyarihang makata ng entablado, na tumutukoy sa katwiran manonood, sabay hanap at nakakahanap ng echo sa kanyang damdamin. Ang impresyon na ginawa ng mga dula at produksyon ni Brecht ay maaaring tukuyin bilang "intelektuwal na kaguluhan", iyon ay, tulad ng isang estado ng kaluluwa ng tao kung saan ang isang matalas at matinding gawain ng pag-iisip, na parang sa pamamagitan ng induction, ay pumukaw ng isang parehong malakas na emosyonal na reaksyon.

Ang teorya ng "epic theater" at ang teorya ng "alienation" ang susi sa lahat ng akdang pampanitikan ni Brecht sa lahat ng genre. Tumutulong ang mga ito upang maunawaan at maipaliwanag ang pinakamahalaga at pangunahing mahahalagang katangian ng kanyang tula at prosa, hindi banggitin ang drama.

Kung ang indibidwal na pagka-orihinal ng unang bahagi ng trabaho ni Brecht ay higit na makikita sa kanyang saloobin sa ekspresyonismo, kung gayon sa ikalawang kalahati ng 1920s, marami sa pinakamahalagang katangian ng pananaw at istilo ni Brecht ang nakakuha ng partikular na kalinawan at katiyakan, na humaharap sa "bagong kahusayan". Walang alinlangan na ikinonekta ang manunulat sa direksyon na ito - isang sakim na pagkagumon sa mga palatandaan ng modernong buhay, isang aktibong interes sa palakasan, ang pagtanggi ng sentimental na panaginip, archaic na "kagandahan" at sikolohikal na "kalaliman" sa pangalan ng mga prinsipyo ng pagiging praktiko , pagiging konkreto, organisasyon, atbp. At sa parehong oras, marami ang naghihiwalay kay Brecht mula sa "bagong kahusayan", simula sa kanyang matalas na kritikal na saloobin sa paraan ng pamumuhay ng mga Amerikano. Parami nang parami ang puspos ng isang Marxist na pananaw sa mundo, ang manunulat ay pumasok sa isang hindi maiiwasang salungatan sa isa. mula sa ang pangunahing pilosopiko postulates ng "bagong kahusayan" - sa relihiyon ng technicism. Naghimagsik siya laban sa hilig na igiit ang primacy ng teknolohiya ay naging panlipunan at mga prinsipyong makatao buhay: ang pagiging perpekto ng modernong teknolohiya ay hindi nakasilaw sa kanya nang labis na hindi niya naiugnay ang mga di-kasakdalan ng modernong lipunan ay isinulat noong bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang mga nagbabantang balangkas ng nalalapit na kata strophe ay nagbabadya na sa isip ng manunulat.

2. Ang larawan ng inang Lakas ng loob

Ang dula ay nagbubukas sa anyo ng isang dramatikong salaysay, na nagpapahintulot kay Brecht na gumuhit ng malawak at iba't ibang larawan ng buhay ng Alemanya sa lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon nito, at laban sa background na ito upang ipakita ang kanyang pangunahing tauhang babae. Ang War for Courage ay pinagmumulan ng kita, isang "golden time". Ni hindi niya maintindihan na siya mismo ang may kasalanan sa pagkamatay ng lahat ng kanyang mga anak. Isang beses lamang, sa ika-anim na eksena, pagkatapos na magalit sa kanyang anak, napabulalas siya: "Damn the war!" Ngunit nasa susunod na larawan, muli siyang lumakad nang may kumpiyansa na lakad at umaawit ng "isang kanta tungkol sa digmaan - isang mahusay na nars." Ngunit ang pinakamahirap na bagay sa ugali ni Courage ay ang kanyang mga paglipat mula sa Courage-mother patungo sa Courage - isang co-ryst trader. Tinitingnan niya ang barya kung may ngipin para makita kung peke ito at

Sa huling bahagi ng 30s - maagang 40s. Gumagawa si Brecht ng mga dula na kapantay ng pinakamahusay na mga gawa ng world drama-tourism. Ito ay ang "Mother Courage" at "The Life of Galileo".

Ang makasaysayang drama na Mother Courage and Her Children (1939) ay batay sa kuwento ng isang German satirist at publicist noong ika-17 siglo. Ang "Komprehensibo at kakaibang talambuhay ng Grimmelshausen ng dakilang manlilinlang at palaboy na Kagitingan", kung saan ang may-akda, isang kalahok sa Tatlumpung Taon na Digmaan, ay lumikha ng isang kahanga-hangang salaysay ng pinakamadilim na panahong ito sa kasaysayan ng Alemanya.

Ang pangunahing pangunahing tauhang babae ng dula ni Brecht ay si Anna Firliig, isang babaeng kantina, na binansagang "Tapang" para sa kanyang matapang na karakter. Nang maikarga ang van ng mga maiinit na gamit, siya, kasama ang kanyang dalawang anak na lalaki at babae, ay sinundan ang mga tropa sa lugar ng mga labanan sa pag-asang makakuha ng komersyal na benepisyo mula sa digmaan.

Bagama't ang dula ay naganap sa panahon ng Tatlumpung Taon ng Digmaan noong 1618-1648, kalunos-lunos para sa kapalaran ng Alemanya, ito ay organikong konektado sa pinakamahihirap na problema sa ating panahon. Sa lahat ng nilalaman nito, pinilit ng dula ang mambabasa at manonood sa bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig na isipin ang mga kahihinatnan nito, kung sino ang makikinabang dito at kung sino ang magdurusa mula rito. Ngunit mayroong higit sa isang tema laban sa digmaan sa dula. Labis na nag-aalala si Brecht tungkol sa kawalang-gulang sa pulitika ng mga ordinaryong manggagawa sa Germany, ang kanilang kawalan ng kakayahan na maunawaan nang tama ang tunay na kahulugan ng mga kaganapan sa kanilang paligid, salamat sa kung saan sila ay naging suporta at biktima ng pasismo. Ang mga pangunahing kritikal na palaso sa dula ay nakadirekta hindi sa mga naghaharing uri, ngunit sa lahat ng masama, baluktot sa moral, iyon ay sa mga manggagawa. Ang pagpuna ng Brechtian ay puno ng galit at pakikiramay.

Ang lakas ng loob ay isang babae na nagmamahal sa kanyang mga anak, nabubuhay para sa kanila, nagsusumikap na iligtas sila mula sa digmaan, - sa parehong oras na pumunta siya sa digmaan sa pag-asa na kumita dito at talagang nagiging salarin ng pagkamatay ng mga bata, dahil sa tuwing ang uhaw sa tubo ay lumalabas na mas malakas kaysa sa pakiramdam ng ina. At ang kakila-kilabot na moral at pagbagsak ng tao ng Kagitingan ay ipinakita sa lahat ng kakila-kilabot na diwa nito.

Naglalahad ang dula sa anyo ng isang dramatikong salaysay, na nagpapahintulot kay Brecht na gumuhit ng malawak at iba't ibang larawan ng buhay ng Aleman sa lahat ng pagiging kumplikado nito at hindi pagkakapare-pareho, at sa ipakita ang iyong pangunahing tauhang babae laban sa background na ito. Ang War for Courage ay pinagmumulan ng kita, isang "gintong panahon". Ni hindi niya maintindihan na siya mismo ang may kasalanan sa pagkamatay ng lahat ng kanyang mga anak. Isang beses lamang, sa ika-anim na eksena, pagkatapos na magalit sa kanyang anak, napabulalas siya: "Damn the war!" Ngunit nasa susunod na larawan, muli siyang lumalakad nang may kumpiyansa na lakad at kumakanta ng "isang kanta tungkol sa digmaan - isang mahusay na nars." Ngunit ang pinakamahirap na bagay sa ugali ni Courage ay ang kanyang mga paglipat mula sa Courage-mother patungo sa Courage - isang co-ryst trader. Tinitingnan niya ang barya kung may ngipin para makita kung peke ito at hindi napapansin kung paano sa sandaling ito dinadala ng recruiter ang kanyang anak na si Eilif sa mga sundalo ng hukbo ng prinsipe. Ang mga kalunus-lunos na aral ng digmaan ay walang itinuro sa sakim na waitress. Ngunit hindi gawain ng may-akda na ipakita ang pananaw ng pangunahing tauhang babae. Para sa isang manunulat ng dula, ang pangunahing bagay ay natututo ang manonood mula sa kanyang karanasan sa buhay ng isang aral para sa kanyang sarili.

disposisyonnatural

Maraming mga kanta sa dulang "Mother Courage and Her Children", gaya nga, sa maraming iba pang mga dula ni Brecht. Ngunit isang espesyal na lugar ang ibinigay sa "Awit ng Dakilang Pagsuko", na inawit ng Katapangan. Ang pe-sna na ito ay isa sa mga masining na pamamaraan ng "alienasyon effect". Ayon sa intensyon ng may-akda, ito ay idinisenyo upang matakpan ang aksyon sa maikling panahon upang mabigyan ang manonood ng pagkakataon na isipin at suriin ang mga aksyon ng kapus-palad at kriminal na mangangalakal, upang ipaliwanag ang mga dahilan ng kanyang "dakilang pagsuko", upang ipakita kung bakit hindi siya nakahanap ng lakas at kalooban na magsabi ng "hindi" "Ang prinsipyo:" upang mabuhay kasama ng mga lobo - umangal tulad ng isang lobo. Ang kanyang "dakilang pagsuko" ay binubuo ng walang muwang na paniniwala na posibleng kumita ng magandang pera sa pamamagitan ng digmaan. Kaya't ang kapalaran ng Kagitingan ay lumalaki sa isang engrande disposisyonnatural ang trahedya ng "maliit na tao" sa kapitalistang lipunan. Ngunit sa daigdig na pinasisiraan ng moralidad ang mga ordinaryong manggagawa, mayroon pa ring mga tao na lumalabas na kayang pagtagumpayan ang pagsunod at gumawa ng isang kabayanihan. Ganyan ang anak na babae ni Ku-razh, ang piping pipi na si Katrin, na, ayon sa kanyang ina, ay natatakot sa digmaan at hindi nakikita ang pagdurusa ng isang buhay na nilalang. Si Katrin ang personipikasyon ng buhay, natural na kapangyarihan ng pagmamahal at kabaitan. Sa halaga ng kanyang buhay, iniligtas niya ang mapayapang natutulog na mga naninirahan sa lungsod mula sa isang biglaang pag-atake ng kaaway. Ang pinakamahina sa lahat, si Katrin ay lumalabas na may kakayahang aktibong kumilos laban sa mundo ng kita at digmaan, kung saan hindi makatakas ang kanyang ina. Ang gawa ni Katrin ay lalo pang nagpapaisip sa ugali ni Courage at kinondena siya. Ang paghatol sa Kagitingan, binaluktot ng burges na moralidad, sa kakila-kilabot na kalungkutan, dinadala ni Brecht ang manonood sa ideya ng pangangailangang sirain ang gayong sistemang panlipunan kung saan nananaig ang moralidad ng hayop, at ang lahat ng tapat ay tiyak na mapapahamak sa pagkawasak.

Panitikan

1.History of German literature, t5 / ed. Litvak S.A. - M., 1994

1.History of foreign literature, - M .: Education, 1987.

2. Masters ng modernong prosa.- M .: Progress 1974.

Mga katulad na dokumento

Si Bertolt Brecht ay isang kinatawan ng panitikan ng Aleman noong ika-20 siglo, kasaysayan ng buhay at pagkamalikhain. Ang sariling katangian ng maagang pagkamalikhain ng manunulat at ng teatro, ang mga pagsisikap ng mga artista. Ang prinsipyo ng epikong teatro sa "Matusya Kurazh at її mga bata".

idinagdag ang term paper noong 04/03/2011


Panalong mga uso sa modernismo at pag-unlad ng panitikan sa Europa noong ika-20 siglo. Comparative analysis ng antigong "Antigoni" ng Sophocles at ng Brecht obrob. Mga sanhi ng pagkasira ng mga ideya ng ulo ng trahedya. Berthold Brecht sa konteksto ng German drama.

term paper, idinagdag noong 11/19/2014


Buhay ng manunulat ng Nimetsian na si B. Brecht. Yogo tingnan ang theatrical misteryo. Ang prinsipyo ng pagsasalin sa teatro. Ang inobasyon ni Brecht. Yogo dramatic creativity sa emigration, sa paglaban sa pasismo. Ang pangunahing paghaharap sa "Asi" Life of Galilei.

idinagdag ang pagtatanghal noong 10/16/2014


Maikling tungkol kay Bertolt Brecht. Hindi bumalik ang alibughang anak. Sa isang hectic na oras. Sa pag-atake ng mga lungsod. Ang teatro ay gumising sa pag-iisip. Isang lunas para sa isang mahusay na layunin. Maaari mong dalhin ang iyong sariling bayan. Naghahanap ng katotohanan sa mga pamilihan ng kasinungalingan. Walang tiyaga na makata ng ikatlong milenyo.

abstract, idinagdag noong 01/04/2007


Ang kahulugan ng problematics at poetics at "si" Matinka Courage at mga batang iyon. Misce of my dreams at the work of Bertold Brecht.

term paper, idinagdag noong 10/06/2012


Mga dayuhang panitikan at makasaysayang pangyayari noong ikadalawampu siglo. Mga direksyon ng dayuhang panitikan sa unang kalahati ng XX siglo: modernismo, expressionism at existentialism. Mga dayuhang manunulat ng ikadalawampu siglo: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.

abstract, idinagdag noong 03/30/2011


Mga espesyal na tampok ng pag-unlad ng proseso ng pampanitikan ng Nimechchin noong ikadalawampu siglo. Ang pagkakaroon ng mga head ambushes para sa "epichny theater". Pagsusuri ng mga makabagong ideya ng B. Brecht. Tumingin ng aesthetic sa manunulat. Pilosopikal na bodega ng mga dram-overhead. Alegorikong kahulugan at metaporikal ng p'єsi.

idinagdag ang term paper noong 06/02/2015


Ang "Quiet Don" ni M. Sholokhov ay ang pinakamalaking epikong nobela ng ika-20 siglo. Consistent historicism ng epiko. Isang malawak na larawan ng buhay ng Don Cossacks sa bisperas ng Unang Digmaang Pandaigdig. Ang pakikipaglaban sa mga harapan ng digmaan noong 1914. Ang paggamit ng mga awiting bayan sa nobela.

abstract, idinagdag 10/26/2009


Pangkalahatang tendensya sa pagtatayo ng epikong mundo na "Awit ni Roland", ang likas na katangian ng paglalarawan ng pakikibaka. Mga tampok ng espasyo at oras sa trabaho. Ang papel at lugar ng kalikasan at tao. Panghihimasok ng mga himala at hula ng mga elementong nagaganap sa "Awit".

idinagdag ang abstract noong 04/10/2014


Unawain ang "paglipat ng larawan sa liwanag". Mga paraan upang ipatupad ang konseptong espasyo sa "Trigroshovy Romance" ni B. Brecht. Ang konseptong globo ng masining na teksto. Semantiko na istraktura ng mga pagpipilian sa binary. Brekhtіvske artistikong modelo ng pagkilos. Ang pangunahing pathos ng nobela.

Ang "Mother Courage and Her Children" ay isang dula ni B. Brecht. Ang dula ay isinulat noong 1939 sa bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang premiere ay naganap sa Zurich noong 1941, at noong 11 Enero 1949 ang dula ay itinanghal sa Berliner Ensemble Theater. Sa Mother Courage, halos ganap na isinama ni Brecht ang mga teoretikal na prinsipyo ng "epic theater", na nilikha niya bilang isang kahalili sa dramatikong teatro ("Aristotelian"). Ang mga bagong artistikong ideya ng manunulat ay isinilang mula sa kanyang marubdob na pagnanais na baguhin ang lumang teatro at ibahin ito mula sa isang "pugad ng ilusyon" at "pabrika ng panaginip" tungo sa isang teatro na nagpapaunlad ng kamalayan ng uri sa manonood, na naging dahilan upang siya ay magsikap para sa isang rebolusyonaryo. pagbabago sa mundo.

Ayon sa teorya ni Brecht, ang isang epikong teatro ay dapat magkuwento tungkol sa isang kaganapan, at hindi isama ito, hindi umaakit sa damdamin, ngunit sa pangangatwiran. Upang gawin ito, kinakailangan upang lumikha ng isang distansya sa pagitan ng manonood at ng entablado, upang mas maunawaan niya at higit pa kaysa sa karakter sa entablado. Ang relasyong ito ay nakabatay sa isang pamamaraan na ginawa ni Brecht na tinatawag na "alienation effect". Ang kakanyahan nito ay upang ipakita ang mga phenomena ng buhay at mga uri ng tao mula sa ilang hindi inaasahang panig para sa isang mas malalim na pag-unawa sa kababalaghan, para sa paggising ng isang kritikal at analytical na posisyon sa manonood, bilang laban sa pakikiramay ng tradisyonal na teatro ng drama.

Sa Mother Courage, tinutukoy ni Brecht ang mga kaganapan ng Tatlumpung Taong Digmaan noong ika-17 siglo. Ang muling paglalaro ng nakaraan ay upang magbigay ng babala laban sa malalang kahihinatnan ng darating na hinaharap. Si Brecht ay umapela sa isang tao mula sa "maramihang" na hindi tumututol sa digmaan, dahil naniniwala siya na ang kawalang-interes at posisyon ng hindi panghihimasok ng "maliit" na tao sa mga larong pampulitika ng makapangyarihan ay ang pangunahing sanhi ng mga sakuna sa lipunan sa lahat ng oras.

Ang pangunahing tauhan ng dula ay si Anna Firling, isang canteen-keeper, na binansagang "Mother Courage". Siya at ang kanyang mga anak - ang mga anak na si Eilif at ang Swiss at ang piping anak na si Catherine - ay gumagala sa mga kalsada ng digmaan gamit ang isang van na puno ng mga mabibiling kalakal, "nag-iisip na mabuhay sa digmaan." Ang mismong imahe ng isang babae ay ipininta ni Brecht mula sa isang ganap na hindi inaasahang pananaw. Ang drama ng isang ina na nagsabi ng "oo" sa digmaan, kung saan ang pagpatay sa tao ay isang pagpapala, pera, tubo, ay nagpapatindi sa mapanira at mapanirang lahat ng epekto ng digmaan sa tao. Labindalawang taon ang lumipas sa pagitan ng simula ng dula hanggang sa pagtatapos nito, binago nila ang hitsura at kagalingan ng inang Kagitingan (siya ay tumanda, nawala ang lahat ng kanyang mga anak, halos masira), ngunit ang kanyang kakanyahan at ang kanyang saloobin sa digmaan ay may Hindi nabago. Patuloy niyang hinihila ang kanyang van, umaasa sa mas magandang araw, upang hindi matapos ang digmaan, ang kanyang nars.

Ang pilosopikal na ideya ni Brecht tungkol sa hindi pagkakatugma ng pagiging ina (at mas malawak: buhay, kagalakan, kaligayahan) sa komersiyo ng militar ay ipinahayag sa anyo ng isang parabola (ang salaysay ay lumayo mula sa modernong mundo, at pagkatapos, na parang gumagalaw sa isang curve, muling bumalik sa inabandunang paksa at binibigyan ang pilosopikal at etikal na pag-unawa at pagtatasa). Ang balangkas, mga indibidwal na sitwasyon, mga yugto na nauugnay sa kahaliling pagkawala ng ina Ang katapangan ng kanyang mga anak ay parabolic: bawat isa sa kanila ay naglalaman ng banggaan ng isang mangangalakal at isang ina, tao at digmaan.

Si Brecht sa "Mother Courage", tulad ng sa iba pang mga dula, ay gumagamit ng ilang mga pamamaraan na kinakailangan upang makalikha ng "alienation effect". Ito ay pag-edit, pagsali sa mga bahagi, mga episode nang hindi pinagsasama ang mga ito. Ito ay mga zong (kanta) na ginanap ng mga bayani, sa isang pangkalahatang anyo na kumakatawan sa kanilang pananaw sa mundo, mga posisyon sa buhay, at dinisenyo din upang ipakita ang saloobin ng may-akda at mga aktor sa mga karakter na ito. Binalaan ni Brecht ang mga aktor tungkol sa malayong, "alienated" na pagganap ng mga kantang ito, dahil dapat nilang madama ang akusasyon at pagpuna sa mga karakter ng may-akda at mga gumaganap.

Ang imahe ng inang Courage ay nagdulot ng mainit na talakayan sa kritisismong pampanitikan ng Aleman. Ang pangunahing pagsisisi kay Brecht ay ang isang ina na walang natutunan at hindi nagbago ay maaaring maging sanhi ng isang pessimistic na mood. Sumagot si Brecht nang napakaikling: kung makikita man ng malinaw o hindi ni nanay Courage ay hindi napakahalaga, dapat makamit ng may-akda ang kaliwanagan ng manonood. Ayon kay Brecht, ang isang negatibong halimbawa ay mas nakakumbinsi para sa isang tao na nakikita ang kanyang doble sa inang Courage at gumawa ng angkop na mga konklusyon.

Ang sikat na tagapalabas ng papel ng Courage ay ang aktres na si Elena Weigel, asawa ni B. Brecht. Sa entablado ng Sobyet, ang dula ay itinanghal ng mga direktor na M.M. Shtraukh, M.A. Zakharov; ang adaptasyon sa telebisyon ay ginawa ni S.N. Kolosov.

Ang teorya ng epikong teatro ni Bertolt Brecht, na may malaking epekto sa drama at teatro noong ika-20 siglo, ay isang napakahirap na materyal para sa mga mag-aaral. Ang pagsasagawa ng praktikal na aralin sa dulang "Mother Courage and Her Children" (1939) ay makakatulong na gawing madaling makuha ang materyal na ito para sa asimilasyon.

Ang teorya ng epikong teatro ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa aesthetics ni Brecht noong 1920s, sa panahon na malapit ang manunulat sa left-wing expressionism. Ang una, walang muwang, ideya ay ang panukala ni Brecht na ilapit ang teatro sa sports. "Ang isang teatro na walang madla ay walang kapararakan," isinulat niya sa kanyang artikulong "Higit pang mahusay na sports!"

Noong 1926, natapos ni Brecht ang trabaho sa dulang "Ano ang sundalong ito, ano ito", na kalaunan ay itinuturing niyang unang halimbawa ng isang epikong teatro. Naalaala ni Elisabeth Hauptmann: "Pagkatapos itanghal ang dula" Ano ang sundalong iyan, ano ito "Nakakuha si Brecht ng mga libro tungkol sa sosyalismo at Marxismo ... Maya-maya, habang nagbabakasyon, isinulat niya:" Nababaliw na ako sa Capital. Ngayon kailangan kong malaman ang lahat ng ito para sigurado ... ".

Ang sistema ng teatro ni Brecht ay sabay-sabay na nahuhubog at hindi maiiwasang nauugnay sa pagbuo ng pamamaraan ng sosyalistang realismo sa kanyang akda. Ang batayan ng sistema - ang "alienation effect" - ay ang aesthetic form ng sikat na posisyon ni K. Marx mula sa "Theses on Feuerbach": "Ipinaliwanag lamang ng mga pilosopo ang mundo sa iba't ibang paraan, ngunit ang punto ay baguhin ito."

Ang unang gawain na malalim na sumasalamin sa pag-unawa sa alienation ay ang dulang "Ina" (1931) batay sa nobela ni A. M. Gorky.

Sa paglalarawan sa kanyang sistema, ginamit ni Brecht ang terminong "non-Aristotelian theater", pagkatapos - "epic theater". Mayroong ilang mga pagkakaiba sa pagitan ng mga terminong ito. Ang terminong "non-Aristotelian theater" ay pangunahing nauugnay sa pagtanggi sa mga lumang sistema, "epic theater" - sa pagtatatag ng bago.

Ang teatro na "non-Aristotelian" ay batay sa pagpuna sa sentral na konsepto, na, ayon kay Aristotle, ay ang kakanyahan ng trahedya - catharsis. Ang panlipunang kahulugan ng protestang ito ay ipinaliwanag ni Brecht sa kanyang artikulong On the Theatricality of Fascism (1939): “The most remarkable property of a person is his ability to criticize ... critical attitude towards him and towards himself.<...>Samakatuwid, ang pamamaraan ng dulang teatro, na pinagtibay ng pasismo, ay hindi maaaring ituring bilang isang positibong modelo para sa teatro, kung inaasahan natin mula dito ang mga larawan na magbibigay sa madla ng susi sa paglutas ng mga problema ng buhay panlipunan "(Aklat 2. P. 337).

At ikinonekta ni Brecht ang kanyang epikong teatro sa isang apela sa pangangatwiran, nang hindi tinatanggihan ang pakiramdam. Noong 1927, sa kanyang artikulong “Reflections on the Difficulties of Epic Theater,” ipinaliwanag niya: “Ang mahalaga ... sa epikong teatro ay malamang na hindi ito nakakaakit ng damdamin kundi sa isip ng manonood. Ang manonood ay hindi dapat makiramay, ngunit makipagtalo. Kasabay nito, ganap na mali na tanggihan ang pakiramdam mula sa teatro na ito ”(Aklat 2. P. 41).

Ang epikong teatro ni Brecht ay ang sagisag ng pamamaraan ng sosyalistang realismo, ang pagnanais na tanggalin ang mga mystical na belo mula sa realidad, upang ihayag ang mga tunay na batas ng buhay panlipunan sa ngalan ng rebolusyonaryong pagbabago nito (tingnan ang mga artikulo ni B. Brecht na "On Socialist Realism", "Sosyalistang Realismo sa Teatro").

Kabilang sa mga ideya ng epikong teatro, inirerekumenda namin ang pagsasaalang-alang sa apat na pangunahing punto: "ang teatro ay dapat na pilosopiko", "ang teatro ay dapat na epiko", "ang teatro ay dapat na kahanga-hanga", "ang teatro ay dapat magbigay ng isang nakahiwalay na larawan ng katotohanan" - at pag-aralan ang kanilang pagpapatupad sa dulang “Inang Kagitingan at kanyang mga anak”.

Ang pilosopikal na bahagi ng dula ay ipinahayag sa mga kakaibang nilalaman ng ideolohikal nito. Gumagamit si Brecht ng prinsipyo ng parabola ("ang salaysay ay lumalayo sa mundo ng kontemporaryong may-akda, kung minsan kahit na mula sa isang tiyak na oras, isang tiyak na tagpuan, at pagkatapos, na parang gumagalaw sa isang kurba, muling babalik sa inabandunang paksa at binibigyan ang pilosopikal at etikal nito. pag-unawa at pagtatasa ...".

Kaya, ang play-parabola ay may dalawang plano. Ang una ay ang mga pagmumuni-muni ni B. Brecht sa modernong katotohanan, sa apoy ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang manunulat ng dula ay nagbalangkas ng ideya ng dula na nagpapahayag ng planong ito sa sumusunod na paraan: "Ano ang dapat na unang ipakita ng paggawa ng" Mother Courage "? Na ang malalaking bagay sa digmaan ay hindi ginagawa ng maliliit na tao. Ang digmaang iyon, na kung saan ay ang pagpapatuloy ng buhay negosyo sa pamamagitan ng iba pang paraan, ay gumagawa ng pinakamahusay na mga katangian ng tao na nakapipinsala para sa kanilang mga may-ari. Na ang paglaban sa digmaan ay katumbas ng anumang sakripisyo ”(Book 1. P. 386). Kaya, ang "Mother Courage" ay hindi isang historikal na salaysay, ngunit isang babalang dula, ito ay hindi nakadirekta sa malayong nakaraan, ngunit sa malapit na hinaharap.

Ang makasaysayang salaysay ay ang pangalawang (parabolic) na plano ng dula. Bumaling si Brecht sa nobela ng manunulat ng ika-17 siglo na si X. Grimmelshausen "Sa simpleton sa kabila ng, iyon ay, ang kakaibang paglalarawan ng matigas na manlilinlang at tramp na Tapang" (1670). Sa nobela, laban sa background ng mga kaganapan ng Tatlumpung Taon ng Digmaan (1618-1648), ang mga pakikipagsapalaran ng waitress na si Courage (iyon ay, ang matapang, matapang), kaibigan ni Simplicius Simplicissimus (ang sikat na bayani mula sa nobela ni Grimmelshausen " Simplicissimus") ay inilalarawan. Ang salaysay ng Brecht ay nagtatanghal ng 12 taon ng buhay (1624-1636) ni Anna Fierling, binansagan ang inang Courage, ang kanyang mga paglalakbay sa buong Poland, Moravia, Bavaria, Italy, Saxony. "Paghahambing ng unang yugto, kung saan ang Tapang na may tatlong anak ay napupunta sa digmaan, hindi umaasa ng anumang masama, na may pananalig sa kita at suwerte, kasama ang huling yugto, kung saan ang waitress na nawalan ng kanyang mga anak sa digmaan, sa katunayan, nawala na ang lahat sa kanyang buhay na may hangal na katigasan ng ulo ay hinila ang kanyang van kasama ang natalo na landas patungo sa kadiliman at kawalan - ang paghahambing na ito ay naglalaman ng parabolic na pangkalahatang ideya ng dula tungkol sa hindi pagkakatugma ng pagiging ina (at mas malawak: buhay, kagalakan, kaligayahan) sa komersyo ng militar." Dapat pansinin na ang panahong inilalarawan ay isang fragment lamang ng Tatlumpung Taon na Digmaan, na ang simula at pagtatapos nito ay nawala sa daloy ng mga taon.

Ang imahe ng digmaan ay isa sa mga sentral na pilosopikal na mayaman na larawan ng dula.

Pag-aaral ng teksto, dapat ibunyag ng mga mag-aaral ang mga dahilan ng digmaan, ang pangangailangan para sa digmaan para sa mga negosyante, pag-unawa sa digmaan bilang "kaayusan", gamit ang teksto ng dula. Ang buong buhay ng inang Kagitingan ay konektado sa digmaan, binigyan niya siya ng pangalang ito, mga anak, kasaganaan (tingnan ang larawan 1). Pinili ng lakas ng loob ang "dakilang kompromiso" bilang isang paraan ng pagiging nasa digmaan. Ngunit hindi maitatago ng isang kompromiso ang panloob na salungatan sa pagitan ng ina at ng waitress (ina - Tapang).

Ang kabilang panig ng digmaan ay ipinahayag sa mga larawan ng mga batang Courage. Namatay ang tatlo: ang Swiss dahil sa kanyang katapatan (larawan 3), Eilif - "dahil gumawa siya ng isa pang gawa kaysa sa kinakailangan" (larawan 8), Katrin - binabalaan ang lungsod ng Halle tungkol sa pag-atake ng mga kaaway (larawan 11). Ang mga birtud ng tao ay maaaring baluktot sa kurso ng digmaan, o humantong sa mabuti at tapat sa pagkawasak. Ito ay kung paano ang engrande trahedya imahe ng digmaan bilang "ang reverse mundo" arises.

Sa paglalahad ng mga epikong katangian ng dula, kinakailangang sumangguni sa istruktura ng akda. Dapat pag-aralan ng mga mag-aaral hindi lamang ang teksto, kundi pati na rin ang mga prinsipyo ng Brechtian staging. Upang magawa ito, dapat nilang maging pamilyar sa gawa ni Brecht na "Modelo ng Katapangan". Mga tala para sa produksyon noong 1949 " (Aklat. 1.P. 382-443). "Kung tungkol sa epikong simula sa paggawa ng teatro ng Aleman, ito ay makikita sa mise-en-scenes, at sa pagguhit ng mga imahe, at sa maingat na pagtatapos ng mga detalye, at sa pagpapatuloy ng aksyon," isinulat niya. Brecht (Book 1, p. 439). Ang mga epikong elemento ay din: ang pagtatanghal ng nilalaman sa simula ng bawat larawan, ang pagpapakilala ng mga zone na nagkomento sa aksyon, ang malawakang paggamit ng kuwento (posible mula sa puntong ito ng view upang pag-aralan ang isa sa mga pinaka-dynamic na larawan - ang pangatlo, kung saan mayroong pakikipagkasundo para sa buhay ng mga Swiss). Ang montage ay kabilang din sa mga paraan ng epikong teatro, iyon ay, ang kumbinasyon ng mga bahagi, mga yugto nang hindi pinagsasama ang mga ito, nang walang pagnanais na itago ang magkasanib na bahagi, ngunit sa kabaligtaran, na may posibilidad na i-highlight ito, at sa gayon ay nagiging sanhi ng isang stream ng mga asosasyon sa ang manonood. Brecht sa artikulong "Theater of Pleasure o Theater of Teaching?" (1936) ay sumulat: "Ang epikong may-akda na si Deblin ay nagbigay ng isang mahusay na kahulugan ng epiko, na nagsasabi na, hindi tulad ng isang dramatikong akda, ang isang epikong akda ay maaaring, sa medyo pagsasalita, ay hiwa-hiwain, at ang bawat piraso ay mananatiling sigla nito" (Aklat 2 .P. 66).

Kung naiintindihan ng mga mag-aaral ang prinsipyo ng epization, makakapagbanggit sila ng ilang partikular na halimbawa mula sa dula ni Brecht.

Ang prinsipyo ng "phenomenal theater" ay masusuri lamang gamit ang gawa ni Brecht na "Courage Model". Ano ang kakanyahan ng phenomenality, ang kahulugan kung saan inihayag ng manunulat sa akdang "Pagbili ng Copper"? Sa lumang, "Aristotelian" na teatro, tanging ang pag-arte ng aktor ay isang tunay na artistikong kababalaghan. Ang natitirang bahagi ng mga bahagi, tulad nito, ay nilalaro kasama niya, nadoble ang kanyang trabaho. Sa isang epikong teatro, ang bawat bahagi ng isang pagtatanghal (hindi lamang ang gawa ng isang aktor at direktor, kundi pati na rin ang liwanag, musika, disenyo) ay dapat na isang masining na kababalaghan (phenomenon), bawat isa ay dapat magkaroon ng isang independiyenteng papel sa pagbubunyag ng pilosopikal na nilalaman ng ang trabaho, at hindi duplicate ang iba pang mga bahagi.

Sa "Modelo ng Katapangan" inihayag ni Brecht ang paggamit ng musika batay sa prinsipyo ng phenomenality (tingnan ang: Book 1. pp. 383–384), ang parehong naaangkop sa tanawin. Ang lahat ng hindi kailangan ay inalis mula sa entablado, hindi isang kopya ng mundo ang muling ginawa, ngunit ang imahe nito. Para dito, kakaunti ngunit maaasahang mga detalye ang ginagamit. "Kung ang isang tiyak na pagtatantya ay pinapayagan sa malaki, kung gayon sa maliit na ito ay hindi katanggap-tanggap. Para sa isang makatotohanang paglalarawan, ang maingat na elaborasyon ng mga detalye ng mga costume at props ay mahalaga, dahil ang imahinasyon ng manonood ay hindi maaaring magdagdag ng anuman dito, "isinulat ni Brecht (Book 1. P. 386).

Ang epekto ng alienation, tulad nito, ay pinagsama ang lahat ng mga pangunahing tampok ng epikong teatro, nagbibigay sa kanila ng layunin. Ang matalinghagang batayan ng alienation ay isang metapora. Ang alienation ay isa sa mga anyo ng theatrical convention, ang pagtanggap sa mga kondisyon ng laro nang walang ilusyon ng pagiging totoo. Ang alienating effect ay idinisenyo upang i-highlight ang imahe, upang ipakita ito mula sa isang hindi pangkaraniwang bahagi. Sa kasong ito, hindi dapat sumanib ang aktor sa kanyang bayani. Kaya, nagbabala si Brecht na sa larawan 4 (kung saan inaawit ng ina na si Courage ang "The Song of Great Humility"), na kumikilos nang walang alienation "ay puno ng panganib sa lipunan kung ang gumaganap ng papel na Courage, na nagpapa-hypnotize sa manonood sa kanyang pag-arte, ay hinihikayat siya na masanay ka sa heroine na ito.<...>Hindi niya mararamdaman ang kagandahan at kaakit-akit na kapangyarihan ng isang suliraning panlipunan ”(Book 1. P. 411).

Gamit ang epekto ng alienation na may layuning naiiba sa B. Brecht, inilarawan ng mga modernista sa entablado ang isang walang katotohanan na mundo kung saan naghahari ang kamatayan. Si Brecht, sa tulong ng alienation, ay naghangad na ipakita sa mundo sa paraang ang manonood ay magkaroon ng pagnanais na baguhin ito.

Sa paligid ng finale ng dula ay nagkaroon ng malalaking kontrobersya (tingnan ang diyalogo sa pagitan ng Brecht at F. Wolf. - Book. 1. pp. 443–447). Sinagot ni Brecht si Wolf: "Sa dulang ito, tulad ng tama mong nabanggit, ipinakita na ang Katapangan ay hindi itinuro ng anuman sa pamamagitan ng mga sakuna na sumapit sa kanya.<...>Dear Friedrich Wolf, ikaw ang nagpapatunay na ang may-akda ay isang realista. Kahit na walang natutunan ang Courage, ang publiko, sa palagay ko, ay may matututunan pa rin sa pamamagitan ng pagtingin dito ”(Book 1. P. 447).

24. Ang malikhaing landas ni G. Böll (pagsusuri ng isa sa mga nobela na kanyang pinili)

Si Heinrich Böll ay ipinanganak noong 1917 sa Cologne at ang ikawalong anak sa pamilya. Ang kanyang ama, si Victor Böll, ay isang namamanang cabinetmaker, at ang mga ninuno ng kanyang ina ay mga magsasaka at mga brewer ng Rhine.

Ang simula ng kanyang buhay ay katulad ng kapalaran ng maraming mga Aleman, na ang kabataan ay nahulog sa isang panahon ng kahirapan sa politika at sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Pagkatapos makapagtapos sa pampublikong paaralan, si Henry ay naatasan sa isang humanitarian Greco-Roman gymnasium. Isa siya sa iilang estudyante sa high school na tumanggi na sumali sa Hitler Youth, at napilitang tiisin ang kahihiyan at pangungutya ng mga nakapaligid sa kanya.

Matapos makapagtapos ng high school, tinalikuran ni Heinrich Böll ang ideya ng pagboluntaryo para sa serbisyo militar at pumasok sa isang mag-aaral sa isa sa mga tindahan ng segunda-manong Bonn.

Ang mga unang pagtatangka sa pagsulat ay nagmula rin sa panahong ito. Gayunpaman, ang kanyang pagtatangka na takasan ang realidad at isawsaw ang sarili sa mundo ng panitikan ay hindi nagtagumpay. Noong 1938, ang binata ay pinakilos upang maglingkod sa labor service sa pagpapatuyo ng mga latian at pagtotroso.

Noong tagsibol ng 1939, pumasok si Heinrich Böll sa Unibersidad ng Cologne. Gayunpaman, nabigo siyang matuto. Noong Hulyo 1939 siya ay na-draft sa Wehrmacht military training, at noong taglagas ng 1939 nagsimula ang digmaan.

Napunta si Böll sa Poland, pagkatapos ay sa France, at noong 1943 ang bahagi niya ay ipinadala sa Russia. Sinundan ito ng apat na magkakasunod na malubhang pinsala. Ang harap ay lumipat sa kanluran, at si Heinrich Böll ay gumagala sa mga ospital, puno ng pag-ayaw sa digmaan at pasismo. Noong 1945 siya ay sumuko sa mga Amerikano.

Pagkatapos ng pagkabihag, bumalik si Böll sa nawasak na Cologne. Bumalik siya sa unibersidad upang mag-aral ng German at philology. Kasabay nito ay nagtrabaho siya bilang isang auxiliary worker sa pagawaan ng karpintero ng kanyang kapatid. Bumalik si Belle sa kanyang mga karanasan sa pagsusulat. Sa Agosto 1947 na isyu ng Karusel magazine, ang kanyang unang kuwento, "Mensahe" ("Balita"), ay nai-publish. Sinundan ito ng kwentong "Dumating ang tren sa oras" (1949), ang koleksyon ng mga kwentong "Wanderer, pagdating mo sa Spa ..." (1950); mga nobela "Saan ka nanggaling, Adam?" (1951), "At hindi siya nagsabi ng isang salita" (1953), "Isang bahay na walang panginoon" (1954), "Billiards at half past nine" (1959), "Through the eyes of a clown" (1963). ); mga nobelang "Bread of the Early Years" (1955), "Unauthorized Absence" (1964), "The End of a Business Trip" (1966) at iba pa. Noong 1978, 10 tomo ng mga nakolektang gawa ni Belle ang nai-publish sa Germany.

Sa Russian, unang lumabas ang kuwento ni Böll sa magazine na In Defense of the World noong 1952.

Si Böll ay isang natatanging realist na pintor. Ang digmaan sa paglalarawan ng manunulat ay isang sakuna sa mundo, isang sakit ng sangkatauhan, na nagpapahiya at sumisira sa pagkatao. Para sa maliit na ordinaryong tao, ang digmaan ay nangangahulugan ng kawalan ng katarungan, takot, pagdurusa, kagustuhan at kamatayan. Ang pasismo, ayon sa manunulat, ay isang hindi makatao at hamak na ideolohiya, ito ang nagbunsod ng trahedya ng mundo sa kabuuan at ng trahedya ng isang indibidwal.

Ang mga gawa ni Böll ay nailalarawan sa pamamagitan ng banayad na sikolohiya, na inilalantad ang magkasalungat na panloob na mundo ng kanyang mga karakter. Sinusunod niya ang mga tradisyon ng mga klasiko ng makatotohanang panitikan, lalo na si Fyodor Dostoevsky, kung kanino inilaan ni Böll ang script para sa pelikula sa telebisyon na Dostoevsky at Petersburg.

Sa kanyang mga susunod na gawa, si Böll ay mas madalas na nagpapataas ng mga matinding problema sa moral na nagmumula sa isang kritikal na pag-unawa sa kontemporaryong lipunan.

Ang tugatog ng internasyonal na pagkilala ay ang kanyang pagkahalal noong 1971 bilang Pangulo ng International PEN Club at ang parangal ng Nobel Prize sa Literatura noong 1972. Gayunpaman, ang mga kaganapang ito ay nagpatotoo hindi lamang sa pagkilala sa talento ng sining ni Belle. Ang namumukod-tanging manunulat ay napagtanto kapwa sa Alemanya mismo at sa mundo bilang ang budhi ng mga Aleman, bilang isang tao na masigasig na naramdaman ang "kanyang pakikilahok sa mga panahon at sa kanyang mga kontemporaryo", malalim na nadama ang sakit ng ibang tao, kawalan ng katarungan, lahat ng bagay na nakakahiya at sumisira sa pagkatao ng tao. Ang pagsakop sa humanismo ay tumatagos sa bawat pahina ng akdang pampanitikan ni Belle at bawat hakbang ng kanyang mga aktibidad sa lipunan.

Organikong tinatanggihan ni Heinrich Böll ang anumang karahasan mula sa mga awtoridad, sa paniniwalang humahantong ito sa pagkawasak at pagpapapangit ng lipunan. Maraming publikasyon, kritikal na artikulo at talumpati ni Böll noong huling bahagi ng dekada 70 - unang bahagi ng dekada 80 ay nakatuon sa problemang ito, pati na rin ang kanyang dalawang huling malalaking nobela na "The Caring Siege" (1985) at "Women in the River Landscape" (nai-publish posthumously noong 1986) ...

Ang posisyong ito ni Böll, ang kanyang malikhaing paraan at pangako sa realismo ay palaging nakakaakit ng interes sa Unyong Sobyet. Paulit-ulit niyang binisita ang USSR, walang ibang bansa sa mundo na tinatamasa ni Heinrich Belle ang gayong pag-ibig tulad ng sa Russia. "Valley of Thundering Hooves", "Billiards at half past nine", "Early Bread", "Through the Eyes of a Clown" - lahat ng ito ay isinalin sa Russian hanggang 1974. Noong Hunyo 1973, natapos ni Novy Mir ang paglalathala ng A Group Portrait with a Lady. At noong Pebrero 13, 1974, nakilala ni Belle ang pinatalsik na si A. Solzhenitsyn sa paliparan at inanyayahan siyang umuwi. Ito ang huling straw, bagama't si Belle ay kasangkot sa gawaing karapatang pantao noon. Sa partikular, tumayo siya para sa I. Brodsky, V. Sinyavsky, Y. Daniel, ay nagalit sa mga tangke ng Russia sa mga lansangan ng Prague. Sa unang pagkakataon pagkatapos ng mahabang pahinga, inilathala si Heinrich Belle sa USSR noong Hulyo 3, 1985. At noong Hulyo 16, siya ay namatay.

Sa talambuhay ni Böll na manunulat, medyo kakaunti ang mga panlabas na kaganapan; binubuo ito ng akdang pampanitikan, paglalakbay, mga aklat at mga talumpati. Siya ay kabilang sa mga manunulat na nagsusulat ng isang libro sa buong buhay nila - ang talaan ng kanilang panahon. Siya ay tinawag na "ang tagapagtala ng panahon", "Balzac ng pangalawang republika ng Aleman", "ang budhi ng mga taong Aleman."

Ang nobelang "Billiards at half past nine" ay matatawag na sentral na nobela ng akda ni Bellew, ito ay bumubuo ng marami sa pinakamahalagang leitmotif ng mga tula ni Bellew. Kapag sinusuri ang poetics ng pamagat ng nobela, nabanggit na sa nobelang ito ang isang espesyal na uri ng textual na tela ay pinaka-malinaw na ipinakita, maaari itong tawaging "billiard". Tulad ng sinabi ni BA Larin, "Ang istilo ng may-akda ay ipinakita hindi lamang sa pagpili ng mga salita, ang pagkakasunud-sunod at komposisyon ng mga pandiwang chain, sa mga epekto ng semantic bi-planarity at pagkakaiba-iba, sa mga leitmotif, pinayamang pag-uulit, refrains, parallelisms, malaking konteksto. ..." [Larin 1974; 220]. Ito ay "isang espesyal na komposisyon ng mga verbal chain", kapag ang iba't ibang mga fragment ng teksto, na inuulit ang kanilang mga sarili nang maraming beses (sa anyo ng ilang mga invariant) at nagbabanggaan sa iba't ibang mga kumbinasyon, ay dumaan sa buong teksto. Halimbawa, ang isang kulay na paglalarawan ng isang bilyar, ang bawat sanggunian kung saan (pati na rin ang bawat nakapalibot na parirala) ay nagbibigay ng isang bagong numero ng bilyar - isang bagong komposisyon ng mga fragment ng teksto, mga bagong kahulugan.

Bukod dito, ang tanong tungkol sa pagpili ng sakramento, at, dahil dito, ng mga patakaran ng laro, ng espasyo sa paglalaro, na ibinahagi sa "Billiards ...", ay ang pinakamahalaga para sa lahat ng mga karakter ni Belle. Ang kaugnayan ng mga bayani sa ito o sa puwang na iyon, na nananatiling hindi nagbabago, ay nauugnay sa isang pagsalungat na napakahalaga para sa mga tula ni Belle, na natanto sa pamamagitan ng motibo ng paggalaw (dynamics / statics). Sa pamamagitan ng pag-aari sa kalawakan, ang mga bayani ni Belle ay static (katulad ng mga bola ng bilyar, na, ayon sa mga patakaran ng laro, ay hindi rin makakaalis sa larangan ng paglalaro, o lilitaw sa anumang iba pang larangan; pagkatapos ng lahat, hindi na sila magiging kalahok sa laro doon) at samakatuwid ay palaging madaling makikilala ng mga manlalaro sa ibang espasyo. Ang kuwento kay Hugo (ang labanan sa hotel) ay napaka tipikal: "Alam mo, sinigawan nila ako, binugbog ako:" Kordero ng Diyos ". Iyon ang nickname na ibinigay nila sa akin. ... Sa huli, pinapunta pa rin ako sa isang ampunan. Walang nakakakilala sa akin doon - kahit mga bata o matatanda, ngunit hindi lumipas kahit dalawang araw nang tawagin nila akong "kordero ng Diyos," at muli akong natakot. Ang bawat play space ay may sariling mga character, sila ay nailalarawan sa pamamagitan ng static na may kaugnayan sa napiling espasyo (participle).

Ang paghahati sa mga kalabaw at tupa, o sa halip, ang pagpili ng ito o ang sakramento na iyon ay kusang-loob at nangyayari sa isang tiyak na oras. Ang mga tungkuling pinili ng mga bayani ng nobela para sa kanilang sarili ay kusang-loob din na pinipili; maaari silang iwanan (gampanan, hindi espasyo, na napakahalaga para sa isang manunulat). Ngunit, sa sandaling napili ang landas, iyon ay, ang espasyo ng buhay (mga kalabaw o tupa), ang tao sa nobela ay mahigpit na sumusunod sa mga batas ng espasyong ito. Kaya, sa poetics ni Belle, ang mga play space na ito ay may isang napakahalagang katangian: immutability. Dito sila ay katulad ng Katolikong seremonya ng sakramento. Ang pagkuha nito o ang sakramento na iyon, ang tao, ang bayani ng nobela, minsan at para sa lahat ay pinipili ang Diyos at mga batas para sa kanyang sarili. Ang ilan ay nagiging mga lingkod ng diyablo (lahat ng bagay na kanyang ipinakikita - kakulitan, kakulitan, kasamaan); at ang iba ay Diyos. Sina Johannes, Heinrich, at Robert Femeli, Alfred Srella ay paulit-ulit na tinutugunan ang problema ng kawalan ng pagbabago sa pagpili ng sakramento: “... sa aba ng mga taong hindi tumanggap ng sakramento ng kalabaw, alam mo na ang mga participle ay may kahila-hilakbot na ari-arian, ang epekto nito. ay walang katapusan; ang mga tao ay nagdusa mula sa gutom, ngunit isang himala ay hindi nangyari - ang tinapay at isda ay hindi dumami, ang komunyon ng kordero ay hindi makabusog sa gutom, ngunit ang pakikipag-isa ng kalabaw ay nagbigay sa mga tao ng masaganang pagkain, hindi sila natutong magbilang: nagbayad sila ng isang trilyon para sa isang kendi ... at pagkatapos ay wala silang tatlong pfennig upang bumili ng tinapay, ngunit naniniwala pa rin sila na ang kagandahang-asal at kagandahang-asal, karangalan at katapatan ay higit sa lahat, kapag ang mga tao ay pinalamanan ng komunyon ng kalabaw, sila isipin ang kanilang sarili na walang kamatayan." (141) Ganito rin ang sinabi ni Elizabeth Blaukremer: “At pagkatapos noon ay hindi na ako nangahas na sumigaw kapag nakita ko itong Bloodsucker, komportableng nakaupo sa tabi ni Kundt, Blaukremer at Halberkamm! Dati, hindi ako sumigaw, tiniis ang lahat, uminom ng konti, nagbasa ng Stevenson, naglakad, tumulong na pasayahin ang mga botante para makakolekta ng mas maraming boto. Pero sobra si Plich. Hindi! Hindi!". (111) Matapos ang pagkamatay ni Dmitry, kusang-loob na tinatanggap ni Elizabeth ang sakramento ng kalabaw, sa loob ng ilang panahon ang papel na ginagampanan niya sa gitna ng kalabaw ay tila kaya niya, pagkatapos ay ang hitsura ng Bloodsucker - Pinipilit siya ni Plich na baguhin ang kanyang tungkulin, ngunit hindi niya makuha. sa labas ng espasyo ng kalabaw (pagkatapos ng lahat, ito ay sarado ) at, bilang isang resulta, siya ay namatay.

Ang una at napakahalagang katangian ng mga puwang ng paglalaro ay hindi nababago, ang pangalawa, na nauugnay dito, ay ang paghihiwalay. Imposibleng pumunta mula sa kalawakan patungo sa kalawakan, na isinasaalang-alang ang unang katangian. Ang pagsasara na ito ay nagpapaalala sa mga katangian ng larangan ng bilyar, ayon sa mga patakaran ng laro, ang mga bola ay hindi dapat tumawid sa mga hangganan ng field, at ang manlalaro ay maaari lamang idirekta ang mga ito gamit ang isang cue mula sa labas, gayundin nang hindi tumatawid sa hangganan ng patlang.

Sinusuri ang espasyo ng mga pastol, binibigyang pansin mo ang katotohanan na ang kanilang spatial at temporal na mga katangian ay hindi mapaghihiwalay sa isa't isa. Kaya, mayroong ilang mga spatio-temporal node o chronotopes, sa labas kung saan ang mga poetika ng teksto ay hindi ipinahayag.

Ang isa sa mga node na ito ay isang espesyal na pastoral chronotope. Ang espasyo ng mga pastol ay nakuha ang pangalan nito mula sa diyalogo sa pagitan nina Robert at Srella; ang pag-aari nito ay mas mahirap matukoy, at ayon sa mga katangian nito ay matatagpuan nga ito sa pagitan ng mga kalabaw at tupa. Ang mga karakter sa espasyong ito ay medyo sarado, kakaunti ang pakikipag-ugnayan sa isa't isa; ang kanilang paraan ng pagsasama-sama sa isang espasyo ay katulad ng pagsasama-sama ng mga miyembro ng English club: bawat isa sa kanilang sarili at, sa parehong oras, sila ay mga miyembro ng parehong club. Ang mga katangian ng espasyo ng mga pastol ay ang mga sumusunod:

Sa kanilang panloob na kakanyahan, walang pasubali nilang ipinagtapat ang mga batas ng espasyo ng mga tupa; - ayon sa mga detalye ng kanilang pag-iral ("pakainin ang aking mga tupa"), kailangan nilang panlabas na sumunod sa mga patakaran ng laro sa kalawakan ng kalabaw.

Ang pagiging tiyak ng koneksyon na ito ay ipinakikita sa katotohanan na ang ilan sa mga ideya na ipinapahayag ng mga tupa ay hindi isinasagawa ng mga pastol nang direkta. Ang pagliligtas sa mga "tupang" na kanilang pinapakain mula sa pagiging mga kalabaw (o "mga tupa" na pupunta saanman pagkatapos ng kalabaw, na tumawag sa kanila, nangako sa kanila ng isang bagay na kaaya-aya), sila ay malayo sa kaamuan; sa isang mundo "kung saan ang isang paggalaw ng kamay ay maaaring magdulot ng buhay ng isang tao" (138) walang lugar para sa kaamuan at hindi paglaban sa kasamaan sa pamamagitan ng karahasan, tumututol sila laban sa kasamaang ito, ngunit hindi ito sakripisyo ng mga tupa , ngunit isang babala sa "tupa" at isang mahusay na kalkuladong paghihiganti sa mga kalabaw para sa mga patay nang tupa at ang "nawawalang tupa."

Ang mga pastor sa parehong nobela ay may napakaespesyal na kaugnayan sa oras at espasyo. Nang pag-aralan ang mga tula ng pamagat ng nobelang "Billiards ...", naging malinaw na sa pamamagitan ng laro ng bilyar, ang relasyon sa oras at espasyo ng mga manlalaro ng lahat ng tatlong espasyo ng laro sa nobela.

Ang pangunahing pastor ng nobela, si Robert Femel, ay may espesyal na pakiramdam para sa bilyar. Siya lang ang walang nakikita sa likod ng kulay at linya ng bilyar, at sa kanila niya binubuksan ang mundo. Pakiramdam niya ay kalmado at bukas dito mismo, sa silid ng bilyar, ang oras at espasyong ito ay nauugnay sa mga pangunahing konsepto na nagpapakita ng imahe ni Robert sa nobela: "Dynamics at dinamita, bilyar at tama, mga peklat sa likod, cognac at sigarilyo. , pula sa berde, puti sa berde ... "(270). Para kay Robert, ang kulay at mga linyang likha ng pula at puting bola sa berdeng tela ng mesa ng bilyar ay ang wikang kinakausap niya sa mga taong bukas sa kanya: sina Hugo at Alfred. Nakatutuwang ito ay isang wika kung saan maaari ka lamang magsalita nang isa-isa, at ang wikang ito ay tumutukoy lamang sa nakaraan.

Ang kakayahang ito upang ayusin ang mundo sa kanilang paligid sa kanilang sariling paraan ay katangian ng mga pastol: "Pakanin ang aking mga tupa! .." - upang mapapastol ang mga tupa, kailangan mong maisaayos ang mga ito. Sa parehong paraan, nag-oorganisa siya sa kanyang sarili ng isang espesyal, ibang oras. Ang temporal na layer ng nobela ay nahahati sa dalawa: walang hanggan at panandalian. Nakapaloob sa pamagat, isang indikasyon ng oras ng laro: "sa alas nuwebe y medya", kumbaga, pinagsasama ang parehong bahagi ng oposisyon. Sa isang banda, ito ang sukdulang konkreto (mga oras at minuto ang ipinahiwatig), sa kabilang banda, ganap na kawalang-hanggan, dahil ito ay palaging "sa alas nuwebe y media".

Napakahalaga ng koneksyon sa pagitan ng ikalawang bahagi ng pamagat ng nobela - "sa alas nuwebe y medya" - sa una. Ang lahat ng mga motibong bumubuo sa istruktura na nauugnay sa mga bilyar ay maaari lamang umiral sa isang bahagi ng pansamantalang pagsalungat (maging sa walang hanggan, o sa panandalian). Nang walang pagtukoy sa isang partikular na oras, wala sa mga leitmotif na lumikha ng istruktura ng nobela ang magaganap. Ang pagsalungat mismo ay mga tupa / pastol - mga kalabaw ay naroroon din sa dalawang yugto ng panahon: sa isang banda, ang pagsalungat ng mga bayani ng nobela ay tinutukoy ng mga tiyak na takdang panahon, para sa bawat isa sa mga kaganapang binanggit ng mga bayani, maaari kang pumili ng isang tiyak na petsa (na kadalasang pinipili na ng may-akda); sa kabilang banda, ang pagsalungat sa pagitan ng mabuti at masama ay walang hanggan, ito ay nagmula sa paglikha ng mundo.

Ang mga manlalaro ng bawat espasyo ay may access sa isa sa mga layer na ito (mga tupa - kawalang-hanggan; mga kalabaw - panandalian), tanging mga pastol lamang ang makakalampas sa mga hangganan ng mga espasyo ng laro, palitan ang isang beses na layer sa paligid nila ng isa pa. “Mahal ni Hugo si Femel; tuwing umaga ay dumarating siya ng alas nuwebe y medya at pinakawalan siya hanggang alas onse; salamat kay Femel, alam na niya ang pakiramdam ng kawalang-hanggan; hindi ba't lagi na lang, hindi ba isang daang taon na ang nakalilipas ay nakatayo siya sa puting makintab na pinto, ang mga kamay sa likod, nanonood ng tahimik na laro ng bilyar, nakikinig sa mga salita na minsan ay ibinabato sa kanya animnapung taon na ang nakaraan, pagkatapos ay ibinato siya sa dalawampu taon sa hinaharap, pagkatapos ay itinapon muli sila ng sampung taon, at pagkatapos ay bigla silang itinapon sa petsang minarkahan sa malaking kalendaryo.

Gayunpaman, simulan natin ang ating pagsusuri sa "Mga Billiards sa alas nuwebe y media." Ang Rhine ay bukas na pinangalanan nang isang beses lamang - sa pamagat ng kantang "Guard on the Rhine", ngunit ang ilog mismo ay paulit-ulit na lumilitaw sa mahahalagang eksena.

Pumunta sina Johanna at Heinrich sa ilog sa gabi ng kanilang kasal (87); nais ng binata na huwag maranasan ng kanyang minamahal ang sakit at takot. Sa katunayan, ang bangko ay naging pinaka natural, organikong lugar para kay Johanna: ang ilog ay berde (187) - sa simbolismo ng nobela, ang kulay na ito ay tanda ng ipinahiwatig na pangunahing tauhang babae. Paulit-ulit (59, 131) pinag-uusapan natin ang isang kulay-pilak na korona na katulad ng balangkas ng isang hayop sa dagat - isang katangian ng isang folkloric na dagat o prinsesa ng ilog, isang likas na nilalang. Silver / Gray ang ibang kulay ni Johanna. Sa nobela, siya ay nauugnay sa isang ilog distansya, isang abot-tanaw na beckons para sa kanya; Nararamdaman ni Johanna ang ilog bilang isang katutubong elemento, ang distansya ay hindi nakakatakot sa kanya: "Mataas na tubig, mataas na tubig, ako † palaging hinihila upang itapon ang aking sarili sa baha na ilog at hayaan akong dalhin sa abot-tanaw." Sa kabila ng abot-tanaw ay ang kawalang-hanggan, kawalang-hanggan.

Ang kulay-pilak-berdeng mga dahon sa itaas ng ulo ni Johanna nang gabing iyon ay tanda ng walang hanggang kabataan. Pagkalipas ng maraming taon, tinanong ni Johann si Heinrich: "Ibalik mo ako sa pampang ng ilog" (151). Ang dischanted na prinsesa ay gustong bumalik sa kanyang kaharian; may, gayunpaman, isa pang subtext - ang pagnanais na mamatay sa bahay. Dito, ang napakalawak na motibo na ito ay isinalin, natural, sa isang metaporikal na plano - pinag-uusapan natin ang tungkol sa espirituwal na tinubuang-bayan. Lumilitaw din ang isang espesyal na temporal na sukat. Ayaw ni Johanna na makita ang kanyang mga apo bilang mga matatanda, ayaw niyang "lunok ang mga taon" (149), sinabi kay Heinrich: "Ang aking bangka ay naglalayag, huwag mo itong lunurin" (151). Ang mga bangka ay ginawa mula sa mga sheet ng kalendaryo; Ang pagpapatakbo ng mga ito ay isang paraan upang maalis ang oras at kasabay nito ay manatili, manatiling malinis. Sa ganitong diwa, ang Bellev's Rhine ay lumalapit kay Leta, na may pagkakaiba lamang na para sa mga bayani ng nobela, ang kumpletong pagkalimot ay hindi kanais-nais, at kahit na imposible: ito ay sa halip ay isang paglipat sa isang bagong dimensyon, sa kawalang-hanggan.

Ang isa pang motibo ay muling binubuhay ang malapit na mga layer ng simbolismo, kahit na sa isang bahagyang naiibang paraan (hindi na walang pagkakahawig sa "Women on the Bank of the Rhine"). Ang nakakatakot na "Bakit, bakit, bakit?" Tunog sa pandinig ni Johanna na "tulad ng tawag ng isang ilog na kumukulo sa baha" (147 - 148). Narito ang ilog ay isang nagbabantang elemento, nagdudulot ito ng kamatayan kasama nito - ito ang kawalan ng pag-asa na hindi nais na tumagos ng ninuno, na nagnanais para sa pakikipag-isa ng kordero. Ang Ilog Johannes ay kalmado, marilag at dalisay, dumadaloy ito sa kawalang-hanggan, at samakatuwid ay hindi kumukulo.

Hanggang ngayon, ito ay tungkol sa "ilog sa pangkalahatan"; Ang Rhine, naaalala natin, ay isang beses lamang lumitaw, sa pamagat ng kantang "Guard on the Rhine", na dating makabayan, ngunit pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig ay nakakuha ng chauvinistic na tunog [Belle 1996; 699 (komentaryo ni G. Shevchenko)]. Ang isang paglalahat, isang mitolohiya ay pinalitan ng isang konkretong realidad, isang pamilyar na simbolo ng isang bansa - at ang bahaging ito ng "tema ng ilog" ay medyo dapat imbestigahan sa ibaba.

Kaya, ipinakita ng pag-aaral na ang isang mahalagang katangian ng dalawang napiling nobela ni Belle ay ang pagkakaroon ng isang sistema ng mga chronotopes: mga pastol, ilog, pambansang nakaraan. Ito ay kagiliw-giliw, gayunpaman, na, ayon sa paunang data, ang mga chronotopes na ito ay kasama sa istraktura ng isang bilang ng iba pang mga nobela ng manunulat. Kung kinukumpirma ng karagdagang trabaho ang hypothesis na ito, posible na igiit na ang isang matatag na hanay ng mga chronotopes ay isang genetic na katangian ng poetics ni Bellew.

Panitikan at "lipunan ng mamimili" (pangkalahatang katangian, saklaw ng malikhaing landas ng J.D. Salinger / E. Burgess / D. Copeland - sa pinili ng mag-aaral).

PANITIKANG AMERIKANO PAGKATAPOS NG DIGMAAN

Hindi ito mas mababa sa panahon bago ang digmaan. Ang digmaan ay naging isang pagsubok ng mga halaga. Ang ating panitikan tungkol sa digmaan ay kalunos-lunos, positibo, hindi walang kabuluhan, ang pagkamatay ng bayani ay hindi walang katotohanan. Inilalarawan ng mga Amerikano ang digmaan bilang walang katotohanan, inilipat ang diin sa walang kabuluhang disiplina at pagkalito.

Ang isang taong nakikipagdigma na may kahulugan ay maaaring isang phognathic o isang baliw. Ang mga layunin ng digmaan ay walang kinalaman sa buhay ng tao. Ang panitikan na ito ay higit na indibidwal.

Ang mga unang taon pagkatapos ng digmaan ay ang pinakamadilim na panahon para sa mga intelektwal: ang Cold War, ang krisis sa Caribbean, ang Vietnam War. Commission (1 953) upang imbestigahan ang mga aktibidad na kontra-Amerikano, maraming pelikula at literary figure ang kasangkot sa security check.

Lumaki ang ekonomiya ng bansa, naging bulgar at mapang-uyam ang bansa. Naghimagsik ang mga intelektuwal laban sa pragmatismo (D. Steinbeck, A. Miller, D. Gardner, N. Miller), laban sa kakulangan ng espirituwalidad at totalitarianismo. Sinubukan nilang gampanan ang papel ng mga espirituwal na pinuno, mga di-conformists (Buddhism, bagong Kristiyanismo).

Si Jerome David Salinger ay ipinanganak noong Enero 1, 1919 sa New York sa pamilya ng isang mangangalakal ng pinausukang karne. Nag-aral siya sa tatlong kolehiyo, ngunit hindi nagtapos. Nagtapos ng kurso sa Pennsylvania Military School. Nagsimulang magsulat si Jerome sa paaralan ng militar, ngunit nagpasya na seryosong pag-aralan ang panitikan sa ibang pagkakataon. Noong 1940 ang kanyang kwentong "Young Folks" ay nai-publish sa magazine na "Story".

Noong 1942 si Salinger ay na-draft sa hukbo. Bilang bahagi ng 12th Infantry Regiment ng 4th Division, lumahok siya sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ito ay mahirap sa harap, at noong 1945 ang hinaharap na klasiko ng panitikang Amerikano ay naospital na may pagkasira ng nerbiyos. Ang mapait at trahedya na karanasan ng mga taon ng digmaan ay may mahalagang papel sa paghubog sa kanya bilang isang manunulat.

Noong 1943, inilathala ng magazine ng Saturday Evening Post ang kanyang maikling kuwento, The Varioni Brothers, kung saan nag-donate siya ng bayad sa taunang Emerging Writer Awards.

Noong huling bahagi ng 40s at unang bahagi ng 50s, nilikha ni Salinger ang kanyang pinakamahusay na mga kwento, at noong tag-araw ng 1951 ang kanyang nag-iisang nobela, The Catcher in the Rye, ay nai-publish, na pagkaraan ng ilang buwan ay naganap sa unang lugar sa listahan ng mga American bestseller. .. . Noong 1951, nai-publish ang koleksyon na "Nine Stories" (Nine Stories). Sa huling bahagi ng 1950s, naglathala si Salinger ng apat pang kuwento, lahat sa New Yorker magazine - Franny (1955), Raise High the Roof Beam, Carpenters, 1955, Zooey (1957). Noong 1961, dalawang kuwento ang lumitaw bilang isang hiwalay na libro sa ilalim ng pamagat na "Franny at Zooey" (Franny at Zooey), ang dalawa pa ay nai-publish nang magkasama noong 1963. Ang mahusay na tagumpay ng mga kuwento at ang nobela ay hindi nagdulot ng kasiyahan sa may-akda, na laging umiiwas sa publisidad. Ang manunulat ay umalis sa New York, nanirahan sa mga probinsya at naging hindi naa-access sa mga tawag sa telepono at sa lahat ng mga mamamahayag. Dito siya ay nagtatrabaho sa pagkumpleto ng isang serye ng mga kwento tungkol sa pamilyang Glass, ang huli kung saan - "Hepworth, 16. 1924" ay nai-publish noong 1965. Simula noon, halos walang alam ang mga mambabasa tungkol sa gawa ni Salinger.

Si Jerome David Salinger ay 83 taong gulang na ngayon at nakatira sa Cornish, New Hampshire. At nananatili pa rin siyang isang napakapopular na may-akda, at hindi lamang sa Estados Unidos.

Jerome David Salinger. Noong 1951 isinulat niya ang Above the Mouth in the Rye. Sinasalamin ang diwa ng panahon at ng buong henerasyon. Holden Caulfield ay sa parehong oras higit pa, siya ay naging isang symbolic, mythological figure. Ngunit ito rin ay isang tiyak na imahe: mula sa maraming mga tiyak na detalye, ang kanyang pananalita ay nagtataglay ng imprint ng oras, nagbibigay ito ng pangunahing kagandahan sa aklat. Ang talumpati ay binubuo ng slang ng mga Amerikanong estudyante sa high school. Genre -0 nobela-edukasyon, ngunit sumasakop sa isang espesyal na posisyon. Tinatanggihan ni Holden ang pagiging adulto (ang kalaliman) nang walang pag-aalinlangan. Sa neurosis ni Holden, ang kanyang paraan ng pagtakas sa katotohanan, siya ay nahuhumaling sa ideya ng isang dalisay na buhay, siya ay binisita ng pag-iisip ng kamatayan.

Nakatago sa libro ang may-akda. Ang bayani ay nabubuhay sa isang espirituwal na vacuum, walang isang solong may sapat na gulang sa paligid na mapagkakatiwalaan niya. Mukhang sumasang-ayon si Selinger sa kanya. Pero sa mismong kwento, ang tama at mali niya ay sabay na pinaninindigan, Holden should not take on faith. Ang libro ay nagsasangkot ng pinaghalong condescension at katatawanan.

Sa mga terminong pampanitikan, ito ay isang kompromiso.

Ang kilusang beatnik at panitikang Amerikano

Ang Beat literature ay isa sa mga pangunahing kaganapan. Sa isang banda, ang mga pambubugbog ay nauugnay sa kilusang demonstrasyon, sa kabilang banda, sa avant-garde. Ang programang pampanitikan ay bumalik sa Rimbaud, ang mga Surrealist, at ang huling seryosong pagtatangka upang maisakatuparan ang avant-garde.

Ito ay sina Kerouac, Rinsberg at Burroughs na nag-uusap tungkol sa henerasyon ng mga beatnik (non-conformist na kabataan ng 50-60s). Nakakondisyon sa lipunan ng hip-culture (hipsters). Ang mga hipsters ay hindi lamang mga social outcast, bagaman sila ay lumpen, ngunit sila ay kusang-loob. Si Hipster ay isang puting negro (mga lasenggo, adik sa droga, mga puta), sadyang nilalabanan nila ang kanilang sarili sa kultura. Ito ay isang sosyo-kultural na paglipat sa ibaba, isang lumpen-intellectual bohemia. Ang isang pagkilos ng negatibismo, isang pagtanggi sa mga halaga ng lipunan, ay nais na madama ang paliwanag.

Ang semantic center ay itim na musika, alkohol, droga, homosexuality. Ang hanay ng mga halaga ay kinabibilangan ng Sartra kalayaan, lakas at pag-igting ng emosyonal na mga karanasan, kahandaan para sa kasiyahan. Maliwanag na pagpapakita, kontrakultura. Ang kaligtasan para sa kanila ay pagkabagot, at samakatuwid ay isang sakit: upang mabuhay nang mabilis at mamatay nang bata. Ngunit sa katotohanan ang lahat ay mas bulgar at mas magaspang. Binabayanihan ng mga beatnik ang mga hipsters, binigyan sila ng kahalagahan sa lipunan. Namuhay ang mga manunulat sa buhay na ito, ngunit hindi sila pinabayaan. Ang mga beatnik ay hindi mga tagapagsalitang pampanitikan, lumikha lamang sila ng isang alamat ng kultura, isang imahe ng isang romantikong rebelde, isang banal na baliw, isang bagong sistema ng pag-sign. Nagawa nilang itanim sa lipunan ang istilo at panlasa ng mga marginalized.

Noong una, ang mga biniki ay palaban sa lipunan. Dito sila ay katulad nina Rimbaud at Whitman, mga surrealista, mga ekspresyonista (Miller, G. Stein, atbp.) Ang lahat ng mga may-akda na kusang lumikha ay maaaring tawaging mga nauna sa mga beatnik. Sa musika, may mga parallel na jazz improvisation.

Nagbibilang ang mga beatnik. Na sa panitikan ang buhay ay dapat ilarawan bilang isang batis na walang balangkas at komposisyon, ang daloy ng mga salita ay dapat na malayang dumaloy, sa pagsasagawa ay hindi sila masyadong radikal. sa isang quarter siya ay nabigo ng lima. Ang sitwasyon ay kumplikado sa pamamagitan ng katotohanan na ang Pansy ay hindi ang unang paaralan na iniwan ng batang bayani. Bago iyon, umalis na siya sa Elkton Hill, dahil, sa kanyang paniniwala, "may isang malaking puno ng linden." Gayunpaman, ang pakiramdam na mayroong isang "linden" sa paligid niya - hindi totoo, pagkukunwari at pagbibihis sa bintana - ay hindi nagpapahintulot kay Caulfield na pumunta sa buong nobela. Parehong nakakainis sa kanya ang mga nasa hustong gulang at mga kasamahan na nakakasalamuha niya, ngunit hindi siya maaaring iwanang mag-isa.

Ang huling araw ng paaralan ay puno ng kaguluhan. Bumalik siya sa Pencey mula sa New York, kung saan nagpunta siya bilang kapitan ng fencing team sa isang laban na hindi naganap dahil sa kanyang kasalanan - nakalimutan niya ang kanyang kagamitan sa sports sa subway na kotse. Hiniling sa kanya ng kasama sa silid na si Stradlater na magsulat ng isang sanaysay para sa kanya - upang ilarawan ang isang bahay o isang silid, ngunit si Caulfield, na mahilig gumawa ng mga bagay sa kanyang sariling paraan, ay nagkuwento ng baseball glove ng kanyang yumaong kapatid na si Allie, na sumulat nito sa tula at basahin ito sa panahon ng mga laban. Si Stradlater, nang mabasa ang teksto, ay nagdamdam sa lumilihis na may-akda, na sinasabing nilagyan niya siya ng baboy, ngunit si Caulfield, nagalit na si Stradlater ay nakipag-date sa isang batang babae na gusto niya mismo, ay hindi nananatili sa utang. Ang kaso ay nagtatapos sa isang scuffle at ang basag na ilong ni Caulfield.

Minsan sa New York, napagtanto niya na hindi siya makakauwi at ipaalam sa kanyang mga magulang na siya ay pinatalsik. Sumakay siya ng taxi at pumunta sa hotel. Habang nasa daan, tinanong niya ang kanyang paboritong tanong, na bumabagabag sa kanya: "Saan pumunta ang mga itik sa Central Park kapag ang lawa ay nag-freeze?" Ang taxi driver, siyempre, ay nagulat sa tanong at nagtatanong kung ang pasahero ay pinagtatawanan siya. Ngunit hindi man lang niya inisip na manglilibak, gayunpaman, ang tanong tungkol sa mga itik ay sa halip ay isang pagpapakita ng kalituhan ni Holden Caulfield sa harap ng pagiging kumplikado ng mundo sa paligid niya, sa halip na isang interes sa zoology.

Inaapi siya ng mundong ito at inaakit siya. Sa mga tao mahirap para sa kanya, kung wala sila - hindi mabata. Sinusubukan niyang magsaya sa isang nightclub sa hotel, ngunit walang magandang naidudulot dito, at tumanggi ang waiter na bigyan siya ng alak bilang isang menor de edad. Pumunta siya sa isang nightclub sa Greenwich Village, kung saan gustong bumisita ng kanyang nakatatandang kapatid na si D.B., isang mahuhusay na manunulat, na tinukso ng malalaking bayad sa screenwriter sa Hollywood. Sa daan, nagtanong siya sa isa pang driver ng taxi tungkol sa mga itik, muli nang hindi nakatanggap ng isang maliwanag na sagot. Sa bar, nakilala niya ang isang kaibigan, si D. B., kasama ang isang marino. Ang babaeng ito ay nagdudulot ng labis na poot sa kanya kaya mabilis siyang umalis sa bar at naglakad papunta sa hotel.

Nagtatanong ang elevator ng hotel kung gusto niya ng babae - limang dolyar para sa oras, labinlima para sa gabi. Si Holden ay gumawa ng isang kasunduan "sa ilang sandali," ngunit nang lumitaw ang batang babae sa kanyang silid, hindi siya nakahanap ng lakas na humiwalay sa kanyang kainosentehan. Nais niyang makipag-chat sa kanya, ngunit siya ay pumasok sa trabaho, at kung ang kliyente ay hindi pa handang sumunod, humihingi siya ng sampung dolyar mula sa kanya. Naalala niya na ang kasunduan ay tungkol sa lima. Umalis siya at bumalik kaagad na may dalang lifter. Ang susunod na labanan ay nagtatapos sa panibagong pagkatalo ng bayani.

Ang dula ay nagbubukas sa anyo ng isang dramatikong salaysay, na nagpapahintulot kay Brecht na gumuhit ng malawak at iba't ibang larawan ng buhay ng Alemanya sa lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon nito, at laban sa background na ito upang ipakita ang kanyang pangunahing tauhang babae. Ang War for Courage ay pinagmumulan ng kita, isang "golden time". Ni hindi niya maintindihan na siya mismo ang may kasalanan sa pagkamatay ng lahat ng kanyang mga anak. Isang beses lamang, sa ika-anim na eksena, pagkatapos na magalit sa kanyang anak, napabulalas siya: "Damn the war!" Ngunit nasa susunod na larawan, muli siyang lumakad nang may kumpiyansa na lakad at umaawit ng "isang kanta tungkol sa digmaan - isang mahusay na nars." Ngunit ang pinakamahirap na bagay sa ugali ni Courage ay ang kanyang mga paglipat mula sa Courage-mother patungo sa Courage - isang co-ryst trader. Tinitingnan niya ang barya kung may ngipin para makita kung peke ito at

Sa huling bahagi ng 30s - maagang 40s. Gumagawa si Brecht ng mga dula na kapantay ng pinakamahusay na mga gawa ng world drama-tourism. Ito ay ang "Mother Courage" at "The Life of Galileo".

Ang makasaysayang drama na Mother Courage and Her Children (1939) ay batay sa kuwento ng isang German satirist at publicist noong ika-17 siglo. Ang "Komprehensibo at kakaibang talambuhay ng Grimmelshausen ng dakilang manlilinlang at palaboy na Kagitingan", kung saan ang may-akda, isang kalahok sa Tatlumpung Taon na Digmaan, ay lumikha ng isang kahanga-hangang salaysay ng pinakamadilim na panahong ito sa kasaysayan ng Alemanya.

Ang pangunahing pangunahing tauhang babae ng dula ni Brecht ay si Anna Firliig, isang babaeng kantina, na binansagang "Tapang" para sa kanyang matapang na karakter. Nang maikarga ang van ng mga maiinit na gamit, siya, kasama ang kanyang dalawang anak na lalaki at babae, ay sinundan ang mga tropa sa lugar ng mga labanan sa pag-asang makakuha ng komersyal na benepisyo mula sa digmaan.

Bagama't ang dula ay naganap sa panahon ng Tatlumpung Taon ng Digmaan noong 1618-1648, kalunos-lunos para sa kapalaran ng Alemanya, ito ay organikong konektado sa pinakamahihirap na problema sa ating panahon. Sa lahat ng nilalaman nito, pinilit ng dula ang mambabasa at manonood sa bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig na isipin ang mga kahihinatnan nito, kung sino ang makikinabang dito at kung sino ang magdurusa mula rito. Ngunit mayroong higit sa isang tema laban sa digmaan sa dula. Labis na nag-aalala si Brecht tungkol sa kawalang-gulang sa pulitika ng mga ordinaryong manggagawa sa Germany, ang kanilang kawalan ng kakayahan na maunawaan nang tama ang tunay na kahulugan ng mga kaganapan sa kanilang paligid, salamat sa kung saan sila ay naging suporta at biktima ng pasismo. Ang mga pangunahing kritikal na palaso sa dula ay nakadirekta hindi sa mga naghaharing uri, ngunit sa lahat ng masama, baluktot sa moral, iyon ay sa mga manggagawa. Ang pagpuna ng Brechtian ay puno ng galit at pakikiramay.

Ang lakas ng loob ay isang babae na nagmamahal sa kanyang mga anak, nabubuhay para sa kanila, nagsusumikap na iligtas sila mula sa digmaan, - sa parehong oras na pumunta siya sa digmaan sa pag-asa na kumita dito at talagang nagiging salarin ng pagkamatay ng mga bata, dahil sa tuwing ang uhaw sa tubo ay lumalabas na mas malakas kaysa sa pakiramdam ng ina. At ang kakila-kilabot na moral at pagbagsak ng tao ng Kagitingan ay ipinakita sa lahat ng kakila-kilabot na diwa nito.

Naglalahad ang dula sa anyo ng isang dramatikong salaysay, na nagpapahintulot kay Brecht na gumuhit ng malawak at iba't ibang larawan ng buhay ng Aleman sa lahat ng pagiging kumplikado nito at hindi pagkakapare-pareho, at sa ipakita ang iyong pangunahing tauhang babae laban sa background na ito. Ang War for Courage ay pinagmumulan ng kita, isang "gintong panahon". Ni hindi niya maintindihan na siya mismo ang may kasalanan sa pagkamatay ng lahat ng kanyang mga anak. Isang beses lamang, sa ika-anim na eksena, pagkatapos na magalit sa kanyang anak, napabulalas siya: "Damn the war!" Ngunit nasa susunod na larawan, muli siyang lumalakad nang may kumpiyansa na lakad at kumakanta ng "isang kanta tungkol sa digmaan - isang mahusay na nars." Ngunit ang pinakamahirap na bagay sa ugali ni Courage ay ang kanyang mga paglipat mula sa Courage-mother patungo sa Courage - isang co-ryst trader. Tinitingnan niya ang barya kung may ngipin para makita kung peke ito at hindi napapansin kung paano sa sandaling ito dinadala ng recruiter ang kanyang anak na si Eilif sa mga sundalo ng hukbo ng prinsipe. Ang mga kalunus-lunos na aral ng digmaan ay walang itinuro sa sakim na waitress. Ngunit hindi gawain ng may-akda na ipakita ang pananaw ng pangunahing tauhang babae. Para sa isang manunulat ng dula, ang pangunahing bagay ay natututo ang manonood mula sa kanyang karanasan sa buhay ng isang aral para sa kanyang sarili.

moral

Maraming mga kanta sa dulang "Mother Courage and Her Children", gaya nga, sa maraming iba pang mga dula ni Brecht. Ngunit isang espesyal na lugar ang ibinigay sa "Awit ng Dakilang Pagsuko", na inawit ng Katapangan. Ang pe-sna na ito ay isa sa mga masining na pamamaraan ng "alienasyon effect". Ayon sa intensyon ng may-akda, ito ay idinisenyo upang matakpan ang aksyon sa maikling panahon upang mabigyan ang manonood ng pagkakataon na isipin at suriin ang mga aksyon ng kapus-palad at kriminal na mangangalakal, upang ipaliwanag ang mga dahilan ng kanyang "dakilang pagsuko", upang ipakita kung bakit hindi siya nakahanap ng lakas at kalooban na magsabi ng "hindi" "Ang prinsipyo:" upang mabuhay kasama ng mga lobo - umangal tulad ng isang lobo. Ang kanyang "dakilang pagsuko" ay binubuo ng walang muwang na paniniwala na posibleng kumita ng magandang pera sa pamamagitan ng digmaan. Kaya't ang kapalaran ng Kagitingan ay lumalaki sa isang engrande moral ang trahedya ng "maliit na tao" sa kapitalistang lipunan. Ngunit sa daigdig na pinasisiraan ng moralidad ang mga ordinaryong manggagawa, mayroon pa ring mga tao na lumalabas na kayang pagtagumpayan ang pagsunod at gumawa ng isang kabayanihan. Ganyan ang anak na babae ni Ku-razh, ang piping pipi na si Katrin, na, ayon sa kanyang ina, ay natatakot sa digmaan at hindi nakikita ang pagdurusa ng isang buhay na nilalang. Si Katrin ang personipikasyon ng buhay, natural na kapangyarihan ng pagmamahal at kabaitan. Sa halaga ng kanyang buhay, iniligtas niya ang mapayapang natutulog na mga naninirahan sa lungsod mula sa isang biglaang pag-atake ng kaaway. Ang pinakamahina sa lahat, si Katrin ay lumalabas na may kakayahang aktibong kumilos laban sa mundo ng kita at digmaan, kung saan hindi makatakas ang kanyang ina. Ang gawa ni Katrin ay lalo pang nagpapaisip sa ugali ni Courage at kinondena siya. Ang paghatol sa Kagitingan, binaluktot ng burges na moralidad, sa kakila-kilabot na kalungkutan, dinadala ni Brecht ang manonood sa ideya ng pangangailangang sirain ang gayong sistemang panlipunan kung saan nananaig ang moralidad ng hayop, at ang lahat ng tapat ay tiyak na mapapahamak sa pagkawasak.

Antiwar pathos at allegorical na kahulugan ng drama na Would. Brecht "Mother Courage at ang kanyang mga anak"

I. Ang balangkas ng aksyon ay isang opinyon tungkol sa digmaan. (Bago pa man magsimula ang aksyon, naririnig natin ang diyalogo sa pagitan ng recruiter at ng sarhento mayor. At ang huli ay binibigkas ang opinyon na ang mundo ay isang gulo, ang batayan ng imoralidad ng lipunan, "ang mga digmaan lamang ang lumikha ng pagkakaisa." Ang digmaan para sa kanya ay isang kaakit-akit na fa kung saan ang mga manlalaro ay nagsisimulang matakot sa mundo, para pagkatapos ay kakailanganing kalkulahin kung gaano kalaki ang nawala sa kanila.)
II. Walang digmaan kung walang sundalo. (Si Mother Courage ay kumakain mula sa digmaan, dahil siya ay isang babaeng palengke at nangangalakal sa hukbo. At kapag gusto nilang isama ang kanyang anak na si Eilif sa hukbo, sinabi niya: "hayaan ang mga anak ng ibang tao na pumunta sa mga sundalo, hindi sa akin." Ngunit hinikayat ng tusong recruiter ang lalaki na magpatala sa tropa, habang nakikipagtawaran si Mother Courage.)
III. Sino ang gustong mabuhay sa digmaan, may utang ako sa kanya at magbabayad.
Nakilala ni Mother Courage ang kanyang anak na si Eilif sa loob lamang ng dalawang taon, ngunit siya ay matapang at may paggalang sa komandante. Siya ay malupit na hinahampas ang mga magsasaka, at ang digmaan ay isinusulat ang lahat. Sa ngayon. At ang pangalawang anak na si Kurazh Schweitzerkas ay kinuha sa hukbo bilang ingat-yaman, dahil siya ay tapat at disente. Para dito nagdusa siya, dahil, sinusubukang i-save ang cash desk ng regiment, binaril siya. Hindi pinahintulutang magluksa at ilibing si Schweitzerkas si Inay. Namatay din si Eilif, dahil sa maikling kapayapaan na pinapatay niya ang isang pamilyang magsasaka. At ang inang Courage sa panahong ito ay nagsisikap na magtatag ng mga materyal na gawain. Sa wakas, namatay din ang anak na si Catherine nang pumunta ang kanyang ina sa lungsod upang bumili ng mga paninda. At muli ay nagpapatuloy siya sa mga daan ng digmaan, kahit na wala nang oras upang ilibing ang kanyang anak na babae.
IV. Ang alegoriko na kahulugan ng mga larawan ng mga anak ng ina Lakas ng loob. (Bawat isa sa mga anak ng ina Ang katapangan ay personipikasyon ng ilang uri ng kabutihan. Si Eilif ay matapang, matapang. Si Schweitzerkas ay tapat, disente. Si Katrin ay nebalakucha at mabait. Ngunit lahat sila ay namamatay sa digmaan. Ganito ang kapalaran ng mga kabutihan ng tao na mapahamak sa gitna ng pagkabulok ng moralidad. Hindi nagkataon na sinabi ng pari na ang digmaan ay ibinabalik ang lahat sa loob at ipinakita ang pinakakakila-kilabot na mga bisyo ng tao, na, sa panahon ng kapayapaan, ay maaaring hindi naging: "Ang mga nagpakawala ng digmaan ay sisihin dito, kung sino ang lumalabas kung ano ang nasa mga tao.")
V. Ano ang kahulugan ng hidden irony. (Nasa mismong pangalan ang Tapang ay tinatawag na hindi isang ina, ngunit isang ina. Bakit? Dahil may nakatagong kabalintunaan. Ang isang tunay na ina ba ay gusto ng digmaan? Siyempre hindi, kahit na ito ay hindi tungkol sa kanyang mga anak. At hindi niya tinatrato masyadong maingat ang sarili niyang mga tao. Tuwing napagdesisyunan ang kapalaran ng kanyang mga anak, nakikipagtawaran siya kung saan. Nakipagtawaran siya kahit na pagdating sa buhay ng kanyang anak - tapat na Schweitzerkas. Ang kabalintunaan ng may-akda ay umaabot sa iba pang mga imahe - isang pari, isang kusinero, isang sarhento mayor, isang sundalo, atbp. Ito ay dahil sila ay nabubuhay sa likod ng mga tuntuning moral.
Vi. Ang kahulugan ng finitude ng drama. (Nang siniraan si Brechtovi sa katotohanan na ang kanyang pangunahing tauhang babae ay hindi sumpain ang digmaan, sinabi niya na ang kanyang layunin ay iba: hayaan ang manonood mismo ang magtapos. Bagama't sinabi ni Mother Courage: "Bagaman siya ay nawala, ito ay isang digmaan! " pananampalataya, dahil patuloy siyang kumikita mula sa digmaan. Ang kanyang mga huling salita: "Dapat akong magpatuloy sa pangangalakal."