II. Романтизм в русской живописи

Искусство романтизма формируется в полемике с классицизмом. В социальном аспекте появление романтизма связывают с Великой французской революцией XVIII в., он возникает как реакция всеобщего воодушевления по поводу ее начала, но и как глубокое разочарование в возможностях человека при ее поражении. Более того, немецкий романтизм позднее считали бескровным вариантом Французской революции.

Как идейно-художественное течение романтизм заявляет о себе в первой половине XIX в. Он возникает в первую очередь как литературное направление - здесь активность романтиков высока и успешна. Не менее значительна музыка того времени: вокал, инструментальная музыка, музыкальный театр (опера и балет) романтизма составляют и сегодня основу репертуара. Однако в изобразительных и пространственных искусствах романтизм проявил себя менее ярко и по количеству созданных произведений, и по их уровню. Живопись романтизма доходит до уровня шедевров в Германии и Франции, остальная Европа отстает. Об архитектуре романтизма и говорить не принято. Некоторое своеобразие здесь обнаруживает только садово-парковое искусство, да и то романтики развивают здесь идею английского ландшафтного, или природного, парка. Есть место также некоторым неоготическим тенденциям романтики видели свое искусство в ряду: готика - барокко - романтизм. Такой неоготики немало в славянских странах.

Изобразительное искусство романтизма

В XVIII в. термин "романтический" обозначал "странный", "фантастический", "живописный". Несложно заметить, что слова "романс", "роман" (рыцарский) этимологически очень близки.

В XIX в. термин трактовали как название литературного течения, противоположного по своим установкам классицизму.

В изобразительных искусствах романтизм интересно проявил себя в живописи и графике, менее отчетливо - в скульптуре. Наиболее последовательная школа романтизма сложилась во Франции, где шла упорная борьба с догматизмом и отвлеченным рационализмом в официальном искусстве в духе академического классицизма. Основателем романтической школы живописи явился Теодор Жери- ко (1791-1824). Он обучался у мастеров классицизма, но, сохранив от классицизма тяготение к обобщенно героизированным образам, Жерико впервые выразил в живописи чувство конфликтности мира, стремление к экспрессивному выражению значительных событий современности. Уже первые произведения художника обнаруживают высокую эмоциональность, "нерв" эпохи наполеоновских войн, в которых было много бравады ("Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку", "Раненый кирасир, покидающий поля боя"). Они отмечены трагическим мироощущением, чувством растерянности. Герои классицизма таких чувств не испытывали или не выражали их публично и не эстетизировали уныние, растерянность, тоску. Живописные полотна художников романтизма написаны динамично, в колорите преобладает темный тон, который оживляется интенсивными цветовыми акцентами, стремительными пастозными мазками.

Жерико создает невероятно динамичную картину "Бег свободных коней в Риме". Здесь он превосходит по убедительности передачи движения всех предыдущих художников. Одно из главных произведений Жерико - картина "Плот Медузы". В ней он изображает реальные факты, но с такой силой обобщения, что современники увидели в ней не образ одного конкретного кораблекрушения, но всей Европы, находящейся в отчаянии. И лишь отдельные, самые стойкие люди продолжают борьбу за выживание. Художник показывает сложную гамму человеческих чувств - от мрачного отчаяния до бурного взрыва надежды. Динамика данного полотна определяется диагональю композиции, эффектной лепкой объемов, контрастных перепадов светотени.

Жерико успел проявить себя как мастер портретного жанра. Здесь он также выступает как новатор, определяя образную специфику портретного жанра. В "Портрете двадцатилетнего Делакруа" и в автопортретах выражено представление о романтическом художнике как о независимом творце, яркой, эмоциональной личности. Он закладывает основы романтического портрета - впоследствии одного из самых успешных романтических жанров.

Приобщился Жерико и к пейзажу. Путешествуя по Англии, он был поражен ее обликом и отдал дань ее красотам, создав множество пейзажных картин, написанных как маслом, так и акварелью. Они богаты по цвету, тонки по наблюдениям, не чужды социальной критики. Художник назвал их "Большая и малая английская сюиты". Как характерно для романтика назвать изобразительный цикл музыкальным термином!

К сожалению, жизнь Жерико оказалась короткой, но он положил начало славной традиции.

С 1820-х гг. главой романтиков-живописцев становится Фердинанд Виктор Эжен Делакруа (1798-1863). Испытал сильное влияние Жерико, с которым был дружен с ученической скамьи. Изучал живопись старых мастеров, особенно Рубенса. Путешествовал по Англии, был увлечен живописью Констебла. Делакруа обладал страстным темпераментом, мощной творческой фантазией и высокой работоспособностью. С начальных шагов на профессиональном поприще Делакруа решительно следует за романтиками. Первая картина, которую он выставил, изображала Данте и Вергилия в ладье, пересекающей Стикс ("Ладья Данте"). Картина полна трагизма, мрачного пафоса. Следующим полотном "Резня на Хиосе" он откликнулся на реальные события, связанные со страданиями греков от турецкого ига. Здесь он открыто выразил свою политическую позицию, приняв в конфликте сторону греков, которым он сострадал, - тогда как французское правительство заигрывало с Турцией.

Картина вызвала и политические, и искусствоведческие нападки, особенно после того, как Делакруа под влиянием творчества Констебла переписал картину в более светлых тонах. В ответ на критику художник создает полотно "Греция на развалинах Миссолунги", в котором вновь обращается к животрепещущей теме борьбы Греции за освобождение от турецкого ига. Эта картина Делакруа более символична, женская фигура с поднятой рукой в жесте не то проклятия захватчикам, не то в призыве к борьбе, олицетворяет всю страну. Она как бы предвосхищает образ Свободы в грядущей, самой знаменитой работе художника.

В поисках новых героев, сильных личностей Делакруа часто обращается к литературным образам Шекспира, Гете, Байрона, Скотта: "Тассо в доме умалишенных", "Смерть Сарданапала", "Убийство епископа Льежского"; делает литографии к "Фаусту", "Гамлету", выражая тончайшие оттенки чувств героев, чем заслужил похвалу Гете. Делакруа подходит к художественной литературе так, как его предшественники подходили к Священному Писанию, делая из него бесконечный источник сюжетов для картин.

В 1830 г. под непосредственным впечатлением Июльской революции Делакруа написал большое полотно "Свобода, ведущая народ" ("Свобода на баррикадах"). Над реалистически изображенными фигурами участников революционной борьбы, бедных, в основном молодых людей, воодушевленных борьбой, парит великолепная женщина, напоминающая "гениев" Веронезе. У нее в руках знамя, лицо вдохновенно. Это не просто аллегория свободы в духе классицизма, это - высокий символ революционного порыва. Однако нельзя и отрешиться от живой, чувственной женской фигуры - так она притягательна. Картина получилась сложной, обаятельной, динамичной.

Как настоящий романтик, Делакруа путешествует по экзотическим странам: Алжиру, Марокко. Из путешествия он привозит пять картин, среди которых "Львиная охота в Марокко", видимо, дань любимому Рубенсу.

Делакруа много работает как декоратор, создавая монументальные произведения в Бурбонском и Люксембургском дворцах, парижских церквях. Он продолжает работать в жанре портрета, создавая образы людей эпохи романтизма, например Ф. Шопена. Творчество Делакруа принадлежит к вершинам живописи XIX в.

Живопись и графика немецкого романтизма по большей части тяготеет к сентиментализму. И если немецкая романтическая литература действительно составляет целую эпоху, то об изобразительных искусствах этого не скажешь: в литературе были "Буря и натиск", а в изобразительных искусствах - идеализация семейного патриархального быта. Показательно в этом смысле творчество Людвига Рихтера (1803-1884): "Лесной источник близ Ариччи", "Свадебное шествие весной" и т.п. Ему принадлежат также многочисленные рисунки на темы сказок и народных песен, сделанные в суховатой манере.

Но есть одна масштабная фигура в немецком романтизме, которую нельзя обойти. Это Каспар Давид Фридрих (1774- 1840). Он был пейзажистом, учился в Академии художеств в Копенгагене. Позднее поселяется в Дрездене, занимается преподаванием.

Его пейзажная манера оригинальна, картины запоминаются с первого знакомства, в них чувствуется, что это пейзажи художника-романтика: они последовательно выражают специфику романтического мироощущения. Он писал ландшафты южной Германии и Балтийского побережья, поросшие лесом дикие скалы, пустынные дюны, замерзшее море. Люди иногда присутствуют на его картинах, но мы редко видим их лица: фигуры, как правило, обращены к зрителю спиной. Фридрих стремился передать стихийную мощь природы. Он искал и обнаруживал созвучия природных сил и человеческих настроений и исканий. И хотя он отражает жизнь достаточно точно, искусство Фридриха не реалистично. Это отпугивало в недавнем прошлом советских искусствоведов, о художнике мало писали, почти не было его репродукций. Сейчас ситуация переменилась, и мы можем наслаждаться глубокой одухотворенностью его картин, меланхолической отстраненной созерцательностью пейзажей Фридриха. Четкая ритмика композиции, строгость рисунка соединяются в его работах с контрастами светотени, богатой световыми эффектами. Но порой Фридрих доходит в своей эмоциональности до щемящей тоски, ощущения бренности всего земного, до оцепенения мистического транса. Сегодня мы переживаем всплеск интереса к творчеству Фридриха. Его наиболее удачные работы - "Гибель "Надежды" во льдах", "Монастырское кладбище под снегом", "Месса в готической руине", "Закат на море" и др.

В русском романтизме в живописи есть много противоречивого. К тому же долгие годы считалось, что хороший художник - реалист. Вероятно поэтому утвердилось мнение, что О. Кипренский и А. Венецианов, В. Тропинин и даже А. Куинджи - реалисты, что нам представляется неверным, они - романтики.

Романтизм как направление в живописи сформировался в Западной Европе еще в конце XVIII в. Своего расцвета романтизм в искусстве большей части западноевропейских стран достиг в 20-30-х гг. 19 столетия.

Сам термин «романтизм» берет начало от слова «роман» (в 17 столетии романами именовали литературные произведения, написанные не на латыни, а на происходящих от нее языках - французском, английском и др.). Позднее романтическим стали называть все непонятное и загадочное.

Как явление культуры романтизм сформировался из особого мировосприятия, порожденного итогами Великой французской революции. Разочарованные в идеалах эпохи Просвещения, романтики, стремившиеся к гармонии и целостности, создавали новые эстетические идеалы и художественные ценности. Главным объектом их внимания стали выдающиеся персонажи со всеми их переживаниями и стремлением к свободе. Герой романтических про-зведений - незаурядный человек, оказавшийся по воле судьбы в сложных жизненных обстоятельствах.

Хотя романтизм возник как протест против искусства классицизма, он был во многом близок последнему. Романтиками отчасти являлись такие представители классицизма, как Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. О. Д. Энгр.

Романтики внесли в живопись своеобразные национальные черты, т. е. то, чего не хватало искусству классицистов.
Крупнейшим представителем французского романтизма был Т. Жерико.

Теодор Жерико

Теодор Жерико, великий французский живописец, скульптор и график, родился в 1791 г. в Руане в состоятельной семье. Талант художника проявился в нем довольно рано. Часто, вместо того чтобы присутствовать на занятиях в школе, Жерико сидел в конюшне и рисовал лошадей. Уже тогда он стремился не только перенести на бумагу внешние черты животных, но и передать их нрав и характер.

Окончив лицей в 1808 г., Жерико становится учеником известного в то время мастера живописи Карла Верне, который славился умением изображать на полотне лошадей. Однако стиль Верне не понравился молодому художнику. Вскоре он оставляет мастерскую и поступает на обучение к другому, не менее талантливому живописцу, чем Верне, П. Н. Герену. Обучаясь у двух знаменитых художников, Жерико тем не менее не стал продолжателем их традиций в живописи. Его настоящими учителями скорее всего нужно считать Ж. А. Гро и Ж. Л. Давида.

Ранние произведения Жерико отличаются тем, что они максимально приближены к жизни. Подобные картины необычайно выразительны и патетичны. В них видно восторженное настроение автора при оценке окружающего мира. В качестве примера можно привести картину под названием «Офицер императорских конных егерей во время атаки», созданную в 1812 г. Это полотно впервые увидели посетители парижского Салона. Они с восхищением приняли работу молодого художника, по достоинству оценив талант юного мастера.

Произведение было создано в тот период французской истории, когда Наполеон находился в зените славы. Современники боготворили его, великого императора, сумевшего покорить себе большую часть Европы. Именно с таким настроением, под впечатлением побед армии Наполеона и писалась картина. На полотне показан скачущий на коне в атаку солдат. Его лицо выражает решительность, отвагу и бесстрашие перед лицом смерти. Вся композиция
необычайно динамична и эмоциональна. У зрителя создается ощущение, что он сам становится реальным участником событий, изображенных на полотне.

Фигура отважного солдата еще не раз будет возникать в творчестве Жерико. Среди подобных образов особенный интерес представляют герои картин «Офицер карабинеров», «Офицер кирасир перед атакой», «Портрет карабинера», «Раненый кирасир», созданных в 1812-1814 гг. Последняя работа замечательна тем, что она была представлена на очередной выставке, проходящей в Салоне в том же году. Однако не это является главным достоинством композиции. Более важным стало то, что она показала перемены, произошедшие в творческом стиле художника. Если в первых его полотнах были отражены искренние патриотические чувства, то в произведениях, относящихся к 1814 г., патетика в изображении героев сменяется драматизмом.

Подобное изменение настроения художника опять же было связано с происходящими в то время во Франции событиями. В 1812 г. Наполеон потерпел поражение в России, в связи с чем он, бывший некогда блестящим героем, приобретает у современников славу неудачливого военачальника и спесивого гордеца. Разочарованние в идеале Жерико воплощает в картине «Раненый кирасир». На полотне изображен раненый воин, пытающийся скорей покинуть поле брани. Он опирается на саблю - оружие, которое, может быть, всего несколько минут назад держал, высоко подняв вверх.

Именно неудовлетворением Жерико политикой Наполеона было продиктовано его поступление на службу к Людовику XVIII, занявшему французский трон в 1814 г. С пессимистическими настроениями было связано и то, что после второго захвата власти во Франции Наполеоном (период Ста дней) молодой художник покидает родную страну вместе с Бурбонами. Но и здесь его ждало разочарование. Юноша не мог спокойно наблюдать за тем, как король уничтожает все, что было достигнуто за время правления Наполеона. Кроме того, при Людовике XVIII произошло усиление феодально-католической реакции, страна все быстрее откатывалась назад, возвращаясь к старому государственному устройству. Этого не мог принять молодой, прогрессивно мыслящий человек. Очень скоро разуверившийся в идеалах юноша оставляет армию, возглавляемую Людовиком XVIII, и вновь берется за кисти и краски. Эти годы нельзя назвать яркими и чем-либо примечательными в творчестве художника.

В 1816 г. Жерико отправляется в путешествие по Италии. Побывав в Риме и Флоренции и изучив шедевры знаменитых мастеров, художник увлекается монументальной живописью. Особенно занимают его внимание фрески Микеланджело, украсившие Сикстинскую капеллу. В это время Жерико были созданы произведения, своей масштабностью и величественностью во многом напоминающие полотна живописцев Высокого Возрождения. Среди них наибольший интерес представляют «Похищение нимфы кентавром» и «Человек, повергающий быка».

Те же черты манеры старых мастеров видны и в картине «Бег свободных лошадей в Риме», написанной приблизительно в 1817 г. и представляющей состязания всадников на одном из карнавалов, проходящих в Риме. Особенностью данной композиции является то, что она составлялась художником из предварительно сделанных натурных рисунков. Причем характер набросков заметно отличается от стиля всего произведения. Если первые представляют собой сцены, описывающие жизнь римлян - современников художника, то в общей композиции даны образы мужественных античных героев, словно вышедших из древних повествований. В этом Жерико идет по пути Ж. Л. Давида, который для придания изображению героического пафоса облекал своих героев в античные формы.

Вскоре после написания этой картины Жерико возвращается во Францию, где становится членом оппозиционного кружка, сформировавшегося вокруг живописца Ораса Верне. По приезде в Париж художника особенно заинтересовала графика. В 1818 г. он создает ряд литографий на военную тему, среди которых наиболее значимой была «Возвращение из России». Литография представляет бредущих по заснеженному полю побежденных солдат французской армии. Жизненно и правдиво изображены фигуры искалеченных и измученных войной людей. В композиции нет па¬тетики и героического пафоса, что было характерно для ранних работ Жерико. Художник стремится отразить реальное положение вещей, все те бедствия, которые пришлось пережить на чужбине брошенным своим полководцем французским воинам.

В произведении «Возвращение из России» впервые прозвучала тема борьбы человека со смертью. Однако здесь этот мотив выражен еще не так ярко, как в более поздних произведениях Жерико. Примером таких полотен может быть картина, получившая название «Плот «Медузы»». Написана она была в 1819 г. и в том же году выставлена в парижском Салоне. На полотне изображены люди, борющиеся с разбушевавшейся водной стихией. Художником показаны не только их страдания и муки, но и стремление во что бы то ни стало выйти победителями в схватке со смертью.

Сюжет композиции продиктован событием, произошедшим летом 1816 г. и взволновавшим всю Францию. Знаменитый тогда фрегат «Медуза» налетел на рифы и затонул у берегов Африки. Из 149 человек, находившихся на корабле, спастись смогли только 15, среди которых оказались хирург Савиньи и инженер Корреар. По прибытии на родину они выпустили небольшую книгу, рассказывающую об их приключениях и счастливом спасении. Именно из этих воспоминаний французы узнали о том, что несчастье случилось по вине неопытного капитана судна, попавшего на борт благодаря протекции знатного друга.

Образы, созданные Жерико, необычайно динамичны, пластичны и выразительны, что достигнуто художником благодаря долгой и кропотливой работе. Для того чтобы правдиво изобразить на полотне страшные события, передать чувства людей, гибнущих в море, художник встречается с очевидцами трагедии, длительное время изучает лица изможденных больных, находящихся на лечении в одном из госпиталей Парижа, а также моряков, сумевших спастись после кораблекрушений. В это время живописцем было создано большое количество портретных работ.

Глубоким смыслом наполнено и разбушевавшееся море, как будто пытающееся поглотить деревянный непрочный плот с людьми. Этот образ необычайно экспрессивен и динамичен. Он так же, как и фигуры людей, списан с натуры: художником было выполнено несколько этюдов с изображением моря во время бури. Работая над монументальной композицией, Жерико не раз обращался к подготовленным ранее этюдам, чтобы во всей полноте отразить характер стихии. Вот почему картина производит на зрителя огромное впечатление, убеждает его в реалистичности и правдивости происходящего.

«Плот «Медузы»» представляет Жерико как замечательного мастера композиции. Долгое время художник размышлял над тем, как расположить фигуры в картине, чтобы наиболее полно выразить авторский замысел. В ходе работы было внесено несколько изменений. Эскизы, предшествующие картине, говорят о том, что первоначально Жерико хотел изобразить борьбу находящихся на плоту людей друг с другом, но позднее отказался от такой трактовки события. В окончательном варианте полотно представляет тот момент, когда уже отчаявшиеся люди видят на горизонте судно «Аргус» и протягивают к нему руки. Последним дополнением к картине стала размещенная внизу, с правой стороны полотна, человеческая фигура. Именно она явилась заключительным штрихом композиции, которая приобрела после этого глубоко трагичный характер. Примечательно то, что это изменение было внесено тогда, когда картина уже находилась на выставке в Салоне.

Своей монументальностью и повышенной эмоциональностью картина Жерико во многом напоминает творение мастеров Высокого Возрождения (в большей степени «Страшный суд» Микеланджело), с которыми художник познакомился во время путешествия по Италии.

Картина «Плот «Медузы»», ставшая шедевром французской живописи, имела огромный успех в оппозиционных кругах, которые видели в ней отражение революционных идеалов. По тем же причинам произведение не было принято в среде высшей знати и официальными представителями изобразительного искусства Франции. Именно поэтому в то время полотно не было выкуплено государством у автора.

Разочарованный приемом, оказанным его творению на родине, Жерико отправляется в Англию, где представляет свою любимую работу на суд англичан. В Лондоне ценители искусства приняли знаменитое полотно с большим восторгом.

Жерико сближается с английскими художниками, покоряющими его своим умением искренне и правдиво изображать действительность. Жизни и быту столицы Англии Жерико посвящает цикл литографий, среди которых наибольший интерес представляют работы, получившие названия «Большая английская сюита» (1821) и «Старый нищий, умирающий у дверей булочной» (1821). В последней художник изобразил лондонского бродягу, в образе которого отразились впечатления, полученные живописцем в процессе изучения жизни людей в рабочих кварталах города.

В этот же цикл вошли такие литографии, как «Фландрский кузнец» и «У ворот Адельфинской верфи», представляющие зрителю картину жизни простых людей Лондона. Интересны в этих работах изображения лошадей, тяжеловесных и грузных. Они заметно отличаются от тех грациозных и изящных животных, что были написаны другими художниками - современниками Жерико.

Находясь в столице Англии, Жерико занимается созданием не только литографий, но и живописных произведений. Одной из наиболее ярких работ этого периода стало полотно «Скачки в Эпсоме», созданное в 1821 г. В картине художник изображает несущихся во весь опор лошадей, причем ноги их совсем не касаются земли. Этот хитрый прием (фотография доказала, что такого положения ног у лошадей во время бега быть не может, это фантазия художника) мастер использует для того, чтобы придать композиции динамизм, создать у зрителя впечатление молниеносного движения лошадей. Это ощущение усиливается за счет точной передачи пластики (позы, жестов) человеческих фигур, а также использования ярких и сочных цветовых сочетаний (рыжие, гнедые, белые кони; насыщенно-синие, темно-красные, бело-голубые и золотисто-желтые куртки жокеев).

Тема скачек, давно привлекавшая внимание живописца своей особой экспрессией, не раз повторялась в произведениях, созданных Жерико после завершения работы над «Скачками в Эпсоме».

К 1822 г. художник покидает Англию и возвращается в родную Францию. Здесь он занимается созданием больших полотен, подобных произведениям мастеров Возрождения. Среди них «Торговля неграми», «Открытие дверей тюрьмы инквизиции в Испании». Эти картины так и остались неоконченными - смерть помешала Жерико завершить работу.

Особый интерес представляют портреты, создание которых ученые-искусствоведы относят к периоду с 1822 по 1823 г. История их написания заслуживает особенного внимания. Дело в том, что эти портреты были заказаны другом художника, работавшим психиатром в одной из клиник Парижа. Они должны были стать своеобразными иллюстрациями, демонстрирующими различные психические заболевания человека. Так были написаны портреты «Сумасшедшая старуха», «Сумасшедший», «Сумасшедший, воображающий себя полководцем». Для мастера живописи здесь было важно не столько показать внешние признаки и симптомы заболевания, сколько передать внутреннее, душевное состояние больного человека. На полотнах перед зрителем появляются трагические образы людей, глаза которых наполнены болью и скорбью.

Среди портретов Жерико особое место занимает портрет негра, находящийся в настоящее время в коллекции Руанского музея. С полотна на зрителя смотрит решительный и волевой человек, готовый до конца сражаться с враждебными ему силами. Образ необычайно ярок, эмоционален и выразителен. Человек на этой картине очень похож на тех сильных духом героев, которые были показаны Жерико ранее в больших композициях (например, на полотне «Плот «Медузы»»).

Жерико был не только мастером живописи, но и превосходным ваятелем. Его произведения в этом виде искусства в начале XIX столетия представляли собой первые образцы романтических скульптур. Среди подобных работ особенный интерес представляет необычайно экспрессивная композиция «Нимфа и Сатир». Застывшие в движении образы точно передают пластику человеческого тела.

Теодор Жерико трагически погиб в 1824 г. в Париже, разбившись при падении с лошади. Его ранняя смерть была неожиданностью для всех современников знаменитого художника.

Творчество Жерико ознаменовало собой новый этап в развитии живописи не только Франции, но и мирового искусства - период романтизма. В своих работах мастер преодолевает влияние классицистических традиций. Его произведения необычайно колоритны и отражают все многообразие мира природы. Вводя в композицию человеческие фигуры, художник стремится к тому, чтобы как можно полнее и ярче раскрыть внутренние переживания и эмоции человека.

После смерти Жерико традиции его романтического искусства были подхвачены младшим современником художника - Э. Делакруа.

Эжен Делакруа

Фердинанд Виктор Эжен Делакруа, знаменитый французский художник и график, продолжатель традиций романтизма, сложившихся в творчестве Жерико, родился в 1798 г. Не окончив образование в императорском лицее, в 1815 г. Делакруа поступает на обучение к известному мастеру Герену. Однако художественные методы молодого живописца не соответствовали требованиям учителя, поэтому спустя семь лет юноша покидает его.

Учась у Герена, Делакруа много времени уделяет изучению творчества Давида и мастеров живописи эпохи Возрождения. Культуру античности, традициям которой следовал и Давид, он считает основополагающей для развития мирового искусства. Поэтому эстетическими идеалами для Делакруа были произведения поэтов и мыслителей Древней Греции, среди них особенно высоко художник ценил сочинения Гомера, Горация и Марка Аврелия.

Первыми работами Делакруа были неоконченные полотна, где молодой живописец стремился отразить борьбу греков с турками. Однако художнику не хватало мастерства и опыта, чтобы создать выразительную картину.

В 1822 г. Делакруа выставляет в парижском Салоне свою работу под названием «Данте и Вергилий». Это полотно, необычайно эмоциональное и яркое по цветовой гамме, во многом напоминает работу Жерико «Плот «Медузы»».

Спустя два года на суд зрителей Салона была представлена еще одна картина Делакруа - «Резня на Хиосе». Именно в ней воплотился давний замысел художника показать борьбу греков с турками. Общая композиция картины складывается из нескольких частей, которые образуют размещенные по отдельности группы людей, каждая из них имеет свой драматический конфликт. В целом произведение производит впечатление глубокого трагизма. Ощущение напряженности и динамизма усиливается за счет сочетания плавных и резких линий, образующих фигуры персонажей, что приводит к изменению пропорции изображаемого художником человека. Однако именно благодаря этому картина приобретает реалистичный характер и жизненную убедительность.

Творческий метод Делакруа, в полной мере выразившийся в «Резне на Хиосе», далек от классицистического стиля, принятого тогда в официальных кругах Франции и среди представителей изобразительного искусства. Поэтому картина молодого художника была встречена в Салоне резкой критикой.

Несмотря на неудачу, живописец остается верен своему идеалу. В 1827 г. появляется еще одно произведение, посвященное теме борьбы греческого народа за независимость, - «Греция на развалинах Миссолонги». Фигура решительной и гордой гречанки, выведенная на полотне, олицетворяет здесь непокоренную Грецию.

В 1827 г. Делакруа исполнил две работы, которые отразили творческие поиски мастера в области средств и способов художественного выражения. Это полотна «Смерть Сарданапала» и «Марино Фальеро». На первом из них трагизм ситуации передан в движении человеческих фигур. Статичным и спокойным является здесь лишь образ самого Сарданапала. В композиции «Марино Фальеро» динамична только фигура главного персонажа. Остальные же герои словно застыли от ужаса при мысли о том, что должно произойти.

В 20-е гг. XIX в. Делакруа выполнил ряд произведений, сюжеты которых взяты из известных литературных сочинений. В 1825 г. художник побывал в Англии, на родине Уильяма Шекспира. В том же году под впечатлением этого путешествия и трагедии знаменитого драматурга Делакруа была выполнена литография «Макбет». В период с 1827 по 1828 г. он создал литографию «Фауст», посвященную одноименному сочинению Гёте.

В связи с событиями, происходившим во Франции в 1830 г., Делакруа исполнил полотно «Свобода, ведущая народ». Революционная Франция представлена в образе молодой, сильной женщины, властной, решительной и независимой, смело ведущей за собой толпу, в которой выделяются фигуры рабочего, студента, раненого бойца, парижского гамена (образ, предвосхитивший Гавроша, появившегося позднее в «Отверженных» В. Гюго).

Данное произведение заметно отличалось от подобных работ других художников, которых интересовала только правдивая передача того или иного события. Для полотен, созданных Делакруа, был характерен высокий героический пафос. Образы являются здесь обобщенными символами свободы и независимости французского народа.

С приходом к власти Луи Филиппа - короля-буржуа-героизму и возвышенным чувствам, проповедуемым Делакруа, не нашлось места в современной жизни. В 1831 г. художник предпринимает поездку по странам Африки. Он побывал в Танжере, Мекнесе, Оране и Алжире. В то же время Делакруа посещает Испанию. Жизнь Востока буквально завораживает художника своим стремительным течением. Он создает наброски, рисунки и ряд акварельных работ.

Побывав в Марокко, Делакруа пишет полотна, посвященные Востоку. Картины, на которых художник показывает скачки или битву всадников-мавров, необычайно динамичны и выразительны. В сравнении с ними композиция «Алжирские женщины в своих покоях», созданная в 1834 г., кажется спокойной и статичной. В ней нет того стремительного динамизма и напряженности, свойственных более ранним работам художника. Делакруа предстает здесь мастером колорита. Цветовая гамма, используемая живописцем, во всей полноте отражает яркое многообразие палитры, ассоциирующееся у зрителя с красками Востока.

Той же неторопливостью и размеренностью отличается полотно «Еврейская свадьба в Марокко», написанное приблизительно в 1841 г. Таинственная восточная атмосфера создается здесь благодаря точной передаче художником своеобразия национального интерьера. Композиция кажется удивительно динамичной: живописец показывает, как люди движутся по лестнице и входят в помещение. Свет, проникающий в комнату, придает изображению реалистичность и убедительность.

Восточные мотивы долго еще присутствовали в произведениях Делакруа. Так, на выставке, организованной в Салоне в 1847 г., из шести представленных им работ пять были посвящены жизни и быту Востока.

В 30-40-е гг. 19 столетия в творчестве Делакруа появляются новые темы. В это время мастер создает произведения исторической тематики. Среди них особенного внимания заслуживают полотна «Протест Мирабо против роспуска генеральных штатов» и «Буасси д’Англа». Эскиз последнего, показанный в 1831 г. в Салоне, представляет собой яркий образец композиций на тему народного восстания.

Изображению народа посвящены картины «Битва при Пуатье» (1830) и «Битва при Тайбуре» (1837). Со всей реалистичностью показана здесь динамика битвы, движение людей, их разъяренность, злоба и страдания. Художник стремится передать эмоции и страсти человека, охваченного желанием победить во что бы то ни стало. Именно фигуры людей являются главными при передаче драматического характера происходящего события.

Очень часто в произведениях Делакруа победитель и побежденный оказываются резко противопоставленными друг другу. Особенно хорошо это видно на полотне «Взятие Константинополя крестоносцами», написанном в 1840 г. На переднем плане выведена группа людей, охваченных горем. За их спинами - восхитительный, чарующий своей красотой пейзаж. Здесь же размещены фигуры всадников-победителей, чьи грозные силуэты контрастируют со скорбными фигурами на переднем плане.

«Взятие Константинополя крестоносцами» представляет Делакруа как замечательного колориста. Яркие и насыщенные краски, однако, не усиливают трагическое начало, выразителями которого являются скорбные фигуры, расположенные близко к зрителю. Напротив, богатая палитра создает ощущение праздника, устроенного в честь победителей.

Не менее красочна композиция «Правосудие Траяна», созданная в том же 1840 г. Современники художника признали эту картину одной из лучших среди всех полотен живописца. Особый интерес представляет тот факт, что в ходе работы мастер экспериментирует в области цвета. Даже тени приобретают у него разнообразные оттенки. Все краски композиции точно соответствуют натуре. Выполнению произведения предшествовали долгие наблюдения живописца за изменениями оттенков в природе. Художник заносил их в дневник. Затем по записям ученые подтвердили, что открытия, сделанные Делакруа в области тональности, полностью соответствовали родившемуся в то время учению о цвете, основоположником которого является Э. Шеврёйль. Кроме того, свои открытия художник сверяет с палитрой, используемой венецианской школой, которая являла для него пример живописного мастерства.

Среди полотен Делакруа особое место занимают портреты. Мастер редко обращался к этому жанру. Он писал только тех людей, с которыми был знаком в течение длительного времени, чье духовное развитие происходило на глазах у художника. Поэтому образы на портретах очень выразительны и глубоки. Таковыми являются портреты Шопена и Жорж Санд. На полотне, посвященном известной писательнице (1834), изображена благородная и сильная духом женщина, восхищающая современников. Портрет Шопена, написанный четырьмя годами позднее, в 1838 г., представляет поэтический и одухотворенный образ великого композитора.

Интересен и необычайно выразителен портрет известного скрипача и композитора Паганини, написанный Делакруа приблизительно в 1831 г. Музыкальный стиль Паганини во многом был схож с живописным методом художника. Для творчества Паганини характерна та же экспрессия и напряженная эмоциональность, которые были свойственны произведениям живописца.

Пейзажи занимают в творчестве Делакруа небольшое место. Однако они оказались очень значимыми для развития французской живописи второй половины XIX столетия. Ландшафты Делакруа отмечены стремлением точно передать свет и неуловимую жизнь природы. Яркими примерами того могут служить полотна «Небо», где ощущение динамики создается благодаря плывущим по небу белоснежным облакам, и «Море, видимое с берегов Дьеппа» (1854) , в котором живописец виртуозно передает скольжение легких парусников по поверхности моря.

В 1833 г. художник получает заказ от французского короля на роспись зала в Бурбонском дворце. Работа над созданием монументального произведения длилась в течение четырех лет. При выполнении заказа живописец руководствовался прежде всего тем, чтобы образы были предельно простыми и лаконичными, понят¬ными зрителю.
Последней работой Делакруа стала роспись капеллы Святых ангелов в церкви Сен-Сюльпис в Париже. Она была выполнена в период с 1849 по 1861 г. Используя яркие, сочные краски (розовую, ярко-синюю, сиреневую, размещенные на пепельно-голубом и желто-коричневом фоне), художник создает в композициях ра-достное настроение, вызывающее у зрителя чувство восторженного ликования. Пейзаж, включенный в картину «Изгнание Илиодора из храма» в качестве своеобразного фона, визуально увеличивает пространство композиции и помещения капеллы. С другой стороны, как бы стремясь подчеркнуть и замкнутость пространства, Делакруа вводит в композицию лестницу и балюстраду. Размещенные за ней фигуры людей кажутся почти плоскими силуэтами.

Скончался Эжен Делакруа в 18 63 г. в Париже.

Делакруа был самым образованным среди живописцев первой половины XIX столетия. Многие сюжеты его картин взяты из литературных произведений знаменитых мастеров пера. Интересен тот факт, что чаще всего художник писал своих героев, не используя при этом модель. Этому же он стремился научить и последователей. По мнению Делакруа, живопись представляет собой нечто более сложное, чем примитивное копирование линий. Художник считал, что искусство прежде всего заключается в умении выразить настроение и творческий замысел мастера.

Делакруа является автором нескольких теоретических работ, посвященных вопросам цвета, метода и стиля художника. Эти труды служили для живописцев последующих поколений маяком в поиске собственных художественных средств, используемых для создания композиций.

Романтизм в живописи – философское и культурное направление в искусстве Европы и Америки конца 18 – первой половины 19 веков. Основой для развития стиля послужил сентиментализм в литературе Германии – родины романтизма. Развивалось направление в России, Франции, Англии, Испании и других европейских странах.

История

Несмотря на ранние попытки пионеров – Эль Греко, Эльсхаймера и Клода Лоррена, стиль, который мы знаем как романтизм, не наберет силу практически до конца 18 века, когда героический элемент неоклассицизма получил главную роль в искусстве того времени. Картины стали отображать героически-романтический идеал, основанный на романах того времени. Этот героический элемент в сочетании с революционным идеализмом, эмоциональностью, возник в результате Французской революции в качестве реакции против сдержанного академического искусства.

После Французской революции 1789 года, значительные социальные изменения произошли в течение нескольких лет. Европа была потрясена политическими кризисами, революциями и войнами. Когда лидеры встретились на Венском конгрессе, чтобы продумать план реорганизации европейских дел после наполеоновских войн, стало ясно, что надежды народов на свободу и равенство не были реализованы. Тем не менее, в течение этих 25 лет сформировались новые идеи, которые укоренились в сознании людей во Франции, Испании, России, Германии.

Уважение к личности, которая уже была ключевым элементом в неоклассической живописи, развивалось и укоренялось. Картины художников выделялись эмоциональностью, чувственностью в передаче изображения личности. В начале 19 века, различные стили стали проявлять черты романтизма.

Цели

Догматы и цели романтизма включали:

• Возвращение к природе — примером чего является акцент на спонтанности в живописи, что демонстрируют картины;
• Вера в доброту человечества и лучшие качества личности;
• Справедливость для всех – идея была распространена в России, Франции, Испании, Англии.

Твердое убеждение в силе чувств и эмоций, которые доминируют над разумом и интеллектом.

Особенности

Характерные черты стиля:

1. Идеализация прошлого, доминирование мифологической тематики стала ведущей линией в творчестве 19 века.
2. Отказ от рационализма и догм прошлого.
3. Повышенная выразительность при помощи игр света и цвета.
4. Картины передавали лирическое виденье мира.
5. Повышение интереса к этническим темам.

Романтичные художники и скульпторы, как правило, выражают эмоциональную реакцию на личную жизнь, в отличие от сдержанности и универсальных ценностей, пропагандируемых неоклассическим искусством. 19 век стало началом развития романтизма и в архитектуре, что подтверждают изысканные викторианские строения.

Основные представители

Среди величайших живописцев-романтиков 19 века были такие представители И.Фюссли, Франсиско Гойя, Каспар Давид Фридрих, Джона Констебль, Теодор Жерико, Эжен Делакруа. Романтическое искусство не вытесняло неоклассический стиль, а функционировало как противовес догматичности и жесткости последнего.

Романтизм в русской живописи представлен работами В.Тропинина, И.Айвазовского, К.Брюллова, О.Кипренского. Живописцы России стремились передать природу максимально эмоционально.
Предпочтительным жанром среди романтиков был пейзаж. Природа рассматривалась как зеркало души, в Германии она также рассматривается как символ свободы и безграничности. Изображения людей художники помещают на фоне сельской местности или городского, морского пейзажа. В романтизме в России, Франции, Испании, Германии изображение человека не доминирует, а дополняет сюжет картины.

Популярны ванитас мотивы, такие как мертвые деревья и заросшие руины, символизирующие быстротечность и конечную природу жизни. Подобные мотивы имели место ранее в барочном искусстве: художники заимствовали работу со светом и перспективой в подобных картинах у барочных живописцев.

Цели романтизма: художник демонстрирует субъективный взгляд на объективный мир, и показывает картину, отфильтрованную через его чувственность.

В разных странах

Немецкий романтизм 19 века (1800 — 1850)

В Германии молодое поколение художников реагировало на меняющиеся времена процессом самоанализа: они отступили в мир эмоций, их вдохновляли сентиментальные стремления к идеалам прошлых времен, в первую очередь, средневековой эпохи, которая в настоящее время рассматривается как время, в котором люди жили в гармонии с собой и миром. В этом контексте, картины Шинкеля, например, «Готический собор на воде», являются репрезентативными и характерными для периода.

По тяге к прошлому романтические художники были очень близки к неоклассицистам, за исключением того, что их историзм критиковал рационалистические догмы неоклассицизма. Неоклассические художники ставили такие задачи: смотрели в прошлое, чтобы оправдать их нерациональность и эмоциональность, сохраняли академические традиции искусства в передаче реальности.

Испанский романтизм 19 века (1810 — 1830)

Франсиско де Гойя был бесспорным лидером романтического движения искусства в Испании, его картины демонстрируют характерные черты: склонность к иррациональности, фантазии, эмоциональность. К 1789 году, он стал официальным живописцем испанского королевского двора.

В 1814 году в честь испанского восстания против французских войск в Пуэрта-дель-Соль, Мадрид, и расстрела безоружных испанцев, подозреваемых в соучастии, Гойя создал одну из его величайших шедевров – «Третье мая». Известные работы: «Бедствия войны», «Капричос», «Маха обнаженная».

Французский романтизм 19 века (1815 — 1850)

После наполеоновских войн Французская республика вновь стала монархией. Это привело к огромному толчку романтизма, которое до сих пор сдерживалось доминированием неоклассиков. Французские художники эпохи романтизма не ограничивали себя пейзажным жанром, они работали в жанре портретного искусства. Наиболее яркие представители стиля – Э.Делакруа и Т.Жерико.

Романтизм в Англии (1820 – 1850)

Теоретиком и наиболее ярким представителем стиля был И.Фюсли.
Джон Констебль принадлежал к английской традиции романтизма. Эта традиция была в поиске баланса между глубокой чувствительностью к природе и прогрессом в науке живописи и графике. Констебль отказался от догматичного изображения природы, картины узнаваемы, благодаря использованию для передачи реальности цветовых пятен, что приближает творчество Констебля к искусству импрессионизма.

Картины Уильяма Тернера, одного из величайших английских художников романтизма, отображают тягу к наблюдению природы как одному из элементов творчества. Настроение его картин создается не только тем, что он изобразил, но и тем, как художник передал цвет и перспективу.

Значение в искусстве

Романтический стиль живописи 19 века и его особые черты стимулировали появление многочисленных школ, таких как: Барбизонская школа, пленэрной ландшафтов, в Нориджская школа пейзажистов. Романтизм в живописи повлиял на развитие эстетизма и символизма. Самые влиятельные живописцы создали движение прерафаэлитов. В России и странах Западной Европы романтизм оказал влияние на развитие авангарда и импрессионизма.

Национальная консолидация, усилившаяся патриотическим подъемом Отечественной войны 1812 г., проявилась в возросшем интересе к искусству и в обострении интереса к народной жизни в целом. Возрастает популярность выставок Академии художеств. С 1824 г. их стали проводить регулярно – каждые три года. Начинает выходить «Журнал изящных искусств». Шире заявляет о себе коллекционирование. Кроме музея при Академии художеств в 1825 г. в Эрмитаже создается «Русская галерея». В 1810-х гг. был открыт «Русский музеум» П. Свиньина.

Победа в Отечественной войне 1812 г. послужила одной из причин появления нового идеала, в основе которого лежало представление о независимой, гордой личности, обуреваемой сильными страстями. В живописи утверждается новый стиль – романтизм, постепенно вытеснивший считавшийся официальным стилем классицизм, в котором преобладала религиозная и мифологическая тематика.

Уже в ранних картинах К. Л. Брюллова (1799- 1852) «Итальянский полдень», «Вирсавия» проявились не только мастерство и блеск фантазии художника, но и романтичность мироощущения. Главная работа К. П. Брюллова «Последний день Помпеи» проникнута духом историзма, ее главным содержанием является не подвиг отдельного героя, а трагическая судьба массы людей. Эта картина косвенно отражала трагическую атмосферу деспотизма режима Николая I, она стала событием общественной жизни государства.

Специалисты по оптимизации сайтов работают с несколькими десятками параметров, которыми описывается каждая площадка. Узнайте, как рассчитывается заспамленность ссылками , если решили освоить эту непростую науку.

Романтизм проявился в портретной живописи О. А. Кипренского (1782-1836). С 1812 г. художником были созданы графические портреты участников Отечественной войны, которые были его друзьями. Одним из лучших творений О. А. Кипренского считается портрет А. С. Пушкина, увидев который великий поэт написал: «Себя как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит».

Традиции романтизма были развиты маринистом И.К.Айвазовским (1817-1900). Всеобщую известность ему принесли произведения, воссоздающие величие и мощь морской стихии («Девятый вал», «Черное море»). Много картин он посвятил подвигам русских моряков («Чесменский бой», «Наваринский бой»). Во время Крымской войны 1853-1856 гг. в осажденном Севастополе он устроил выставку своих батальных полотен. Впоследствии на основе натурных зарисовок им была отображена в ряде картин и героическая оборона Севастополя.

В.А.Тропинин (1776-1857), воспитанный на сентименталистской традиции конца XVIII в., испытал огромное влияние новой романтической волны. Сам в прошлом крепостной, художник создал галерею образов мастеровых, слуг и крестьян, придав им черты душевного благородства («Кружевница», «Белошвейка»). Детали быта и трудовой деятельности сближают эти портреты с жанровой живописью.

Романтизм (франц. romantisme), идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца 18 – начала 19 веков. Зародившийся в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии эпохи Просвещения, утвердившийся во времена революционной ломки старого миропорядка, романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости.

Мучительный разлад идеала и действительности лег в основу романтического мировосприятия; свойственные ему утверждение самоценности творческой и духовной жизни человека, изображение сильных страстей, одухотворение природы, интерес к национальному прошлому, стремление к синтетическим формам искусства сочетаются с мотивами мировой скорби, тягой к исследованию и воссозданию "теневой", "ночной" стороны человеческой души, со знаменитой "романтической иронией", позволявшей романтикам смело сопоставлять и уравнивать высокое и низменное, трагическое и комическое, реальное и фантастическое. Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобретал яркое национальное своеобразие, обусловленное местными историческими традициями и условиями.

Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники, реформируя систему выразительных средств, динамизировали композицию, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Домье , пластика – П.Ж. Давид д"Анже , А.Л. Бари , Ф. Рюд). В Германии и Австрии раннему романтизму свойственны пристальное внимание ко всему остроиндивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, мистико-пантеистические настроения (портреты и аллегорические композиции Ф.О. Рунге , пейзажи К.Д. Фридриха и Й.А. Коха), стремление возродить религиозный дух немецкой и итальянской живописи 15 века (творчество назарейцев); своеобразным сращением принципов романтизма и "бюргерского реализма" стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф.Г. Вальдмюллера).

В Великобритании романтической свежестью живописи отмечены пейзажи Дж. Констебла и Р. Бонингтона, фантастичностью образов и необычностью выразительных средств – работы У. Тернер , Г.И. Фюсли, привязанностью к культуре средневековья и Раннего Возрождения – творчество мастеров позднеромантического движения прерафаэлитов (Д.Г. Россетти, Э. Берн-Джонс , У. Моррис и другие художники). Во многих странах Европы и Америки романтическое движение было представлено пейзажем (живопись Дж. Иннесса и А.П. Райдера в США), композициями на темы народного быта и истории (творчество Л. Галле в Бельгии, Й. Манеса в Чехии, В. Мадараса в Венгрии, П. Михаловского и Я. Матейко в Польше и других мастеров).

Историческая судьба романтизма была сложной и неоднозначной. Теми или иными романтическими тенденциями было отмечено творчество крупных европейских мастеров 19 века – художников барбизонской школы, К. Коро , Г. Курбе , Ж.Ф. Милле , Э. Мане во Франции, А. фон Менцеля в Германии и других живописцев. В то же время сложный аллегоризм, элементы мистики и фантастики, подчас присущие романтизму, нашли преемственность в символизме, отчасти – в искусстве постимпрессионизма и стиля модерн.

Справочные и биографические данные "Галереи живописи Планеты Small Bay" подготовлены на основе материалов "Истории зарубежного искусства" (ред. М.Т.Кузьминой, Н.Л.Мальцевой), "Художественной энциклопедии зарубежного классического искусства", "Большой Российской энциклопедии".