الرومانسية (الرومانسية الفرنسية) ، وهي حركة أيديولوجية وفنية في الثقافة الأوروبية والأمريكية في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر. ولدت كرد فعل على عقلانية وآلية جماليات الكلاسيكية وفلسفة التنوير ، التي تأسست أثناء الانهيار الثوري للنظام العالمي القديم ، عارضت الرومانسية النفعية واستواء الشخصية مع السعي من أجل حرية غير محدودة ولانهائية ، تعطش إلى الكمال والتجديد ، ورثاء الاستقلال الشخصي والمدني.

شكّل الخلاف المؤلم بين المثالي والواقع أساس النظرة الرومانسية للعالم ؛ إن تأكيده المميز على القيمة الجوهرية للحياة الإبداعية والروحية للشخص ، وصورة العواطف القوية ، وإضفاء الروحانية على الطبيعة ، والاهتمام بالماضي القومي ، والرغبة في أشكال الفن التركيبية مجتمعة مع دوافع حزن العالم ، الرغبة في استكشاف وإعادة خلق "الظل" ، الجانب "الليلي" من الروح البشرية ، مع "السخرية الرومانسية" الشهيرة ، والتي سمحت للرومانسيين بمقارنة ومقارنة المرتفع والقاعدة ، المأساوي والكوميدي ، الحقيقي والحقيقي. الرائع. تطورت الرومانسية في العديد من البلدان ، واكتسبت في كل مكان هوية وطنية حية ، بسبب التقاليد والظروف التاريخية المحلية.

تشكلت المدرسة الرومانسية الأكثر اتساقًا في فرنسا ، حيث قام الفنانون ، بإصلاح نظام الوسائل التعبيرية ، بإضفاء الحيوية على التكوين ، وجمع الأشكال مع حركة عاصفة ، واستخدموا لونًا غنيًا مشرقًا وأسلوبًا واسعًا ومعممًا للرسم (لوحة بواسطة T. Gericault ، E. Delacroix، O. Daumier، plastic - PJ David d "Angers، AL Bari، F. Rud). في ألمانيا والنمسا ، تتميز الرومانسية المبكرة بالاهتمام الوثيق بكل شيء فردي حاد ، ونغمة تأملية حزينة من التصويرية- البنية العاطفية ، والمزاج الصوفي-الوجودي (صور وتراكيب مجازية لـ FO Runge ، مناظر طبيعية لـ KD Friedrich و JA Koch) ، الرغبة في إحياء الروح الدينية للرسم الألماني والإيطالي في القرن الخامس عشر (عمل الناصريين) ؛ نوع من الاندماج بين مبادئ الرومانسية و "الواقعية الصغيرة" كان فن بيدرمير (إبداع ل. ريختر ، ك. سبيتزويج ، إم فون شويند ، إف جي فالدمولر).

في بريطانيا العظمى ، تتميز المناظر الطبيعية لجيه كونستابل ور. بونينجتون بالنضارة الرومانسية للرسم والصور الرائعة والوسائل التعبيرية غير العادية - أعمال دبليو تيرنر وج. فوسلي ، التعلق بثقافة العصور الوسطى وعصر النهضة المبكر - عمل أسياد الحركة الرومانسية المتأخرة لـ Pre-Raphaelites (دي جي روسيتي ، إي بيرن جونز ، دبليو موريس وفنانين آخرين). في العديد من بلدان أوروبا وأمريكا ، كانت الحركة الرومانسية ممثلة بالمناظر الطبيعية (رسم جيه إنيس وآي بي رايدر في الولايات المتحدة الأمريكية) ، مؤلفات عن موضوعات الحياة والتاريخ الشعبيين (عمل إل.هالي في بلجيكا ، ج. في جمهورية التشيك ، و V. Madaras في المجر ، و P. Michalovsky و J.Matejko في بولندا وأساتذة آخرون).

كان المصير التاريخي للرومانسية معقدًا وغامضًا. ميّز واحد أو آخر من الميول الرومانسية أعمال كبار السادة الأوروبيين في القرن التاسع عشر - فنانو مدرسة باربيزون ، سي كورو ، جي كوربيت ، ج. Millet ، E. Manet في فرنسا ، A. von Menzel في ألمانيا ورسامون آخرون. في الوقت نفسه ، وجدت الاستعارة المعقدة وعناصر التصوف والخيال ، المتأصلة أحيانًا في الرومانسية ، استمرارية في الرمزية ، جزئيًا في فن ما بعد الانطباعية والأسلوب الحديث.

تم إعداد البيانات المرجعية والسيرة الذاتية لـ "Small Bay Planet Art Gallery" على أساس مواد من "History of Foreign Art" (محرر بواسطة MT Kuzmina ، NL Maltseva) ، "موسوعة الفن للفن الكلاسيكي الأجنبي" ، "الروسية العظمى موسوعة".

في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر ، فقدت أفكار الكلاسيكية وعصر التنوير جاذبيتها وأهميتها. الجديد الذي ، استجابة للأساليب التقليدية للكلاسيكية والنظريات الاجتماعية الأخلاقية للتنوير ، تحول إلى الإنسان ، عالمه الداخلي ، واكتسب القوة واستحوذ على العقول. تنتشر الرومانسية على نطاق واسع في جميع مجالات الحياة الثقافية والفلسفة. سعى الموسيقيون والفنانون والكتاب في أعمالهم إلى إظهار المصير العالي للإنسان وعالمه الروحي الغني وعمق المشاعر والخبرات. من الآن فصاعدًا ، أصبح الإنسان بصراعه الداخلي وبحثه وخبراته الروحية ، وليس الأفكار "الضبابية" للرفاهية والازدهار العامين ، هو الموضوع السائد في الأعمال الفنية.

الرومانسية في الرسم

ينقل الرسامون عمق الأفكار وخبراتهم الشخصية من خلال الإنشاء بمساعدة التكوين واللون واللهجات. كان للدول الأوروبية المختلفة خصائصها الخاصة في تفسير الصور الرومانسية. هذا يرجع إلى الاتجاهات الفلسفية ، وكذلك الوضع الاجتماعي والسياسي ، الذي كان الفن استجابة حية له. اللوحة لم تكن استثناء. تنقسم ألمانيا إلى إمارات ودوقات صغيرة ، ولم تشهد اضطرابات اجتماعية خطيرة ، ولم يصنع الفنانون لوحات ضخمة تصور أبطالًا عملاقين ، وهنا كان العالم الروحي العميق للإنسان ، وجماله وعظمته ، والسعي الأخلاقي موضع اهتمام. لذلك ، يتم تمثيل الرومانسية في الرسم الألماني بشكل كامل في الصور والمناظر الطبيعية. تعتبر أعمال Otto Runge أمثلة كلاسيكية لهذا النوع. في الصور التي رسمها الرسام ، من خلال التفصيل الدقيق لملامح الوجه والعينين ، من خلال تباين الضوء والظل ، يتم نقل رغبة الفنان في إظهار الشخصية المتناقضة ، وقوتها وعمق الإحساس. من خلال المناظر الطبيعية ، وهي صورة رائعة ومبالغ فيها بعض الشيء للأشجار والزهور والطيور ، حاول الفنان أيضًا اكتشاف تنوع شخصية الإنسان وتشابهه مع الطبيعة المتنوعة وغير المعروفة. الممثل المذهل للرومانسية في الرسم كان رسام المناظر الطبيعية KD فريدريش ، الذي أكد على قوة وقوة الطبيعة ، والمناظر الجبلية ، والبحرية ، بما يتوافق مع الإنسان.

تطورت الرومانسية في الرسم الفرنسي وفقًا لمبادئ مختلفة. تجلت الاضطرابات الثورية والحياة الاجتماعية العاصفة في الرسم من خلال انجذاب الفنانين نحو تصوير موضوعات تاريخية ورائعة ، بشفقة وإثارة "عصبية" ، والتي تحققت من خلال تباين الألوان الزاهية ، والتعبير عن الحركات ، وبعض الفوضى ، والتكوين العفوي. يتم تقديم الأفكار الأكثر رومانسية وحيوية في أعمال T. Gericault و E. Delacroix. استخدم الفنانون اللون والضوء بمهارة ، وخلقوا عمقًا نابضًا من المشاعر ، ودافعًا ساميًا للنضال والحرية.

الرومانسية في الرسم الروسي

استجاب الفكر الاجتماعي الروسي بشكل واضح للغاية للاتجاهات والاتجاهات الجديدة الناشئة في أوروبا. ثم الحرب مع نابليون - تلك الأحداث التاريخية المهمة التي أثرت بشكل خطير على عمليات البحث الفلسفية والثقافية للمثقفين الروس. تم تمثيل الرومانسية في الرسم الروسي في ثلاثة مناظر طبيعية رئيسية ، الفن الضخم ، حيث كان تأثير الكلاسيكية قويًا جدًا ، وكانت الأفكار الرومانسية متشابكة بشكل وثيق مع الشرائع الأكاديمية.

في بداية القرن التاسع عشر ، تم إيلاء المزيد والمزيد من الاهتمام لتصوير المثقفين المبدعين والشعراء والفنانين في روسيا ، وكذلك الناس العاديين والفلاحين. حاول Kiprensky و Tropinin و Bryullov بحب كبير إظهار كل عمق وجمال شخصية الشخص ، من خلال لمحة ، دوران في الرأس ، تفاصيل زي للتعبير عن المسعى الروحي ، الطبيعة المحبة للحرية لنماذجهم ". الاهتمام الكبير بالشخصية البشرية ، حيث ساهم مكانتها المركزية في الفن في ازدهار هذا النوع من التصوير الذاتي. علاوة على ذلك ، لم يرسم الفنانون صوراً ذاتية حسب الطلب ، لقد كان دافعًا إبداعيًا ، نوعًا من التقرير الذاتي للمعاصرين.

كما تميزت المناظر الطبيعية في أعمال الرومانسيين بأصالتها. تعكس الرومانسية في الرسم مزاج الشخص وتنقله ، يجب أن يكون المشهد منسجمًا معه. لهذا السبب حاول الفنانون إظهار الطبيعة المتمردة للطبيعة وقوتها وعفويتها. أورلوفسكي ، شيدرين ، يصور عنصر البحر ، والأشجار العظيمة ، وسلاسل الجبال ، من ناحية ، ينقل جمال المناظر الطبيعية الحقيقية وتعدد ألوانها ، ومن ناحية أخرى ، خلقوا مزاجًا عاطفيًا معينًا.

يتكون فن الرومانسية في الجدل مع الكلاسيكية. في الجانب الاجتماعي ، يرتبط ظهور الرومانسية بالثورة الفرنسية الكبرى في القرن الثامن عشر ، وهي تظهر كرد فعل للحماس العام لبدايتها ، ولكن أيضًا كخيبة أمل عميقة في القدرات البشرية عند هزيمتها. علاوة على ذلك ، تم اعتبار الرومانسية الألمانية فيما بعد نسخة غير دموية من الثورة الفرنسية.

كإتجاه أيديولوجي وفني ، ظهرت الرومانسية في النصف الأول من القرن التاسع عشر. يبدو في المقام الأول كإتجاه أدبي - هنا نشاط الرومانسيين مرتفع وناجح. الموسيقى في ذلك الوقت لا تقل أهمية: الغناء والموسيقى الآلية والمسرح الموسيقي (الأوبرا والباليه) للرومانسية لا تزال تشكل أساس الذخيرة اليوم. ومع ذلك ، في الفنون المرئية والمكانية ، أظهرت الرومانسية نفسها بشكل أقل وضوحًا في عدد الأعمال التي تم إنشاؤها وفي مستواها. يصل الرسم الرومانسي إلى مستوى التحف الفنية في ألمانيا وفرنسا ، وبقية أوروبا متخلفة عن الركب. ليس من المعتاد الحديث عن عمارة الرومانسية. تكشف بعض الأصالة هنا فقط عن فن البستنة ، وحتى بعد ذلك يطور الرومانسيون هنا فكرة المناظر الطبيعية الإنجليزية ، أو الحديقة الطبيعية. يوجد أيضًا مكان لبعض الميول القوطية الجديدة ؛ رأى الرومانسيون فنهم بالترتيب التالي: القوطية - الباروكية - الرومانسية. هناك العديد من هذا النمط القوطي الجديد في البلدان السلافية.

الفنون البصرية للرومانسية

في القرن الثامن عشر. مصطلح "رومانسي" يعني "غريب" ، "رائع" ، "رائع". من السهل أن نرى أن الكلمات "الرومانسية" ، "الرواية" (الفارس) قريبة جدًا من الناحية الاشتقاقية.

في القرن التاسع عشر. تم تفسير المصطلح على أنه اسم حركة أدبية ، عكس مواقفها من الكلاسيكية.

في الفنون البصرية ، تجلت الرومانسية بشكل مثير للاهتمام في الرسم والرسومات ، وبشكل أقل وضوحًا في النحت. تشكلت المدرسة الرومانسية الأكثر اتساقًا في فرنسا ، حيث خاض صراع عنيد ضد الدوغمائية والعقلانية المجردة في الفن الرسمي بروح الكلاسيكية الأكاديمية. كان مؤسس مدرسة الرسم الرومانسية ثيودور جيريكولت (1791-1824). درس مع أساتذة الكلاسيكية ، لكنه احتفظ من الكلاسيكية بانجذاب نحو الصور البطولية المعممة ، عبر Gericault لأول مرة في رسم شعور الصراع في العالم ، والرغبة في التعبير التعبري عن الأحداث الهامة في عصرنا. تكشف الأعمال الأولى للفنان بالفعل عن عاطفية عالية ، "عصب" عصر حروب نابليون ، حيث كان هناك الكثير من التبجح ("ضابط حراس الخيول في الحرس الإمبراطوري ، ذاهب إلى الهجوم" ، "الدرع الجريح يغادر ساحة المعركة"). إنهم يتميزون بموقف مأساوي وشعور بالارتباك. لم يختبر أبطال الكلاسيكية مثل هذه المشاعر أو لم يعبروا عنها علنًا ولم يجمّلوا اليأس والارتباك والشوق. تتم كتابة اللوحات الخلابة للفنانين الرومانسيين ديناميكيًا ، وتسود نغمة داكنة في نظام الألوان ، الذي يتم إحياؤه من خلال لهجات لونية مكثفة ، وضربات فطيرة سريعة.

يبتكر Gericault لوحة ديناميكية بشكل لا يصدق "The Free Horses Run in Rome". هنا يتفوق على جميع الفنانين السابقين في النقل المقنع للحركة. واحدة من الأعمال الرئيسية لجريكو هي لوحة "طوافة ميدوسا". في ذلك ، يصور حقائق حقيقية ، ولكن بقوة التعميم هذه التي لم يرها المعاصرون فيها صورة حطام سفينة معينة ، بل صورة لأوروبا بأكملها في حالة يأس. وقليل من الأشخاص الأكثر إصرارًا يواصلون الكفاح من أجل البقاء. يُظهر الفنان سلسلة معقدة من المشاعر الإنسانية - من اليأس الكئيب إلى انفجار عاصف للأمل. يتم تحديد ديناميكيات هذا القماش من خلال قطري التكوين ، والنحت الفعال للأحجام ، والتغيرات المتناقضة في الضوء والظل.

نجح Gericault في إثبات نفسه باعتباره سيدًا في نوع الصور الشخصية. هنا يعمل أيضًا كمبتكر ، حيث يحدد الخصوصية التصويرية لنوع الصور. تعبر "بورتريه ديلاكروا البالغ من العمر عشرين عامًا" والصور الذاتية عن فكرة الفنان الرومانسي كمبدع مستقل وشخصية مشرقة وعاطفية. لقد وضع أسس فن البورتريه الرومانسي - وهو فيما بعد أحد أكثر الأنواع الرومانسية نجاحًا.

انضم Gericault أيضًا إلى المناظر الطبيعية. أثناء سفره في جميع أنحاء إنجلترا ، أذهله مظهرها وأشاد بجمالها ، حيث ابتكر العديد من لوحات المناظر الطبيعية المرسومة بالزيت والألوان المائية. فهي غنية بالألوان وخفية في الملاحظة وليست غريبة عن النقد الاجتماعي. أطلق عليها الفنان اسم "الأجنحة الإنجليزية الكبيرة والصغيرة". كم هو نموذجي للرومانسية أن تسمي الدورة التصويرية مصطلحًا موسيقيًا!

لسوء الحظ ، كانت حياة Gericault قصيرة ، لكنه وضع الأساس لتقليد مجيد.

منذ عشرينيات القرن التاسع عشر. يصبح رأس الرسامين الرومانسيين فرديناند فيكتور يوجين ديلاكروا (1798-1863). كان لديه تأثير قوي لـ Gericault ، الذي كان معه أصدقاء من مقعد الطالب. درس الرسم على يد الأساتذة القدامى ، وخاصة روبنز. سافر حول إنجلترا ، وكان مفتونًا برسم كونستابل. يمتلك ديلاكروا مزاج عاطفي وخيال إبداعي قوي وكفاءة عالية. من الخطوات الأولية في المجال المهني ، يتبع Delacroix بحزم الرومانسيين. صورت اللوحة الأولى التي عرضها دانتي وفيرجيل في قارب يعبر Styx (قارب دانتي). الصورة مليئة بالمأساة والشفقة القاتمة. اللوحة التالية ، "مذبحة خيوس" ، رد على أحداث حقيقية مرتبطة بمعاناة الإغريق من نير تركيا. وهنا عبّر علانية عن موقفه السياسي ، وانحاز إلى جانب اليونانيين في النزاع ، الذين تعاطف معهم ، بينما كانت الحكومة الفرنسية تغازل تركيا.

تسببت اللوحة في النقد السياسي والفني ، خاصة بعد أن أعاد ديلاكروا ، تحت تأثير عمل كونستابل ، كتابة الصورة بألوان أفتح. رداً على الانتقادات ، ابتكر الفنان لوحة "اليونان على أنقاض ميسولونجى" ، حيث يخاطب مرة أخرى الموضوع المشتعل لنضال اليونان من أجل التحرر من نير تركيا. هذه الصورة لديلاكروا هي أكثر رمزية ، صورة امرأة مع رفع يدها في إيماءة إما لشتم الغزاة أو الدعوة إلى النضال ، تجسد البلد بأكمله. إنها ، كما كانت ، تتوقع صورة الحرية في عمل الفنان القادم والأكثر شهرة.

في بحثه عن أبطال جدد ، شخصيات قوية ، غالبًا ما يلجأ ديلاكروا إلى الصور الأدبية لشكسبير ، جوته ، بايرون ، سكوت: "تاسو في الملجأ المجنون" ، "موت ساردانابالوس" ، "اغتيال أسقف لييج" ؛ يصنع مطبوعات حجرية لـ "فاوست" ، "هاملت" ، للتعبير عن أدق درجات مشاعر الأبطال ، والتي نالت ثناء جوته. يقترب ديلاكروا من الرواية بالطريقة التي تعامل بها أسلافه مع الكتاب المقدس ، مما يجعله مصدرًا لا نهاية له لموضوعات اللوحات.

في عام 1830 ، وتحت الانطباع المباشر لثورة يوليو ، رسم ديلاكروا لوحة كبيرة من القماش وهي Liberty Leading the People (Liberty on the Barricades). فوق الصور الواقعية للمشاركين في النضال الثوري ، يبرز الفقراء ، ومعظمهم من الشباب ، المستوحى من النضال ، امرأة رائعة ، تذكرنا بـ "عباقرة" فيرونيز. لديها لافتة في يديها ، وجهها ملهم. هذه ليست مجرد قصة رمزية للحرية بروح الكلاسيكية ، إنها رمز نبيل للاندفاع الثوري. ومع ذلك ، لا يمكن حتى التخلي عن الشخصية الأنثوية الحية الحسية - فهي جذابة للغاية. تبين أن الصورة معقدة وساحرة وديناميكية.

كرومانسية حقيقية ، يسافر ديلاكروا إلى بلدان غريبة: الجزائر ، المغرب. من الرحلة أحضر خمس لوحات ، بما في ذلك "The Lion Hunt in Morocco" ، على ما يبدو تكريما لمحبوبه روبنز.

يعمل ديلاكروا كثيرًا كمصمم ديكور ، حيث يصنع أعمالًا ضخمة في قصور بوربون ولوكسمبورغ ، في الكنائس الباريسية. يواصل العمل في نوع الصور الشخصية ، حيث يصنع صورًا لأشخاص من عصر الرومانسية ، على سبيل المثال ، F. Chopin. ينتمي عمل ديلاكروا إلى ارتفاعات الرسم في القرن التاسع عشر.

الرسم والرسومات الرومانسية الألمانية في الغالب ينجذب نحو العاطفة. وإذا كان الأدب الرومانسي الألماني يشكل حقًا حقبة كاملة ، فلا يمكن أن يقال هذا عن الفنون البصرية: ففي الأدب كان هناك "عاصفة وهجوم" ، وفي الفنون البصرية - إضفاء الطابع المثالي على الحياة الأبوية للأسرة. بهذا المعنى ، فإن الإبداع مهم لودفيج ريختر (1803-1884): "نبع الغابة بالقرب من أريتشي" ، "موكب الزفاف في الربيع" ، إلخ. كما أنه يمتلك رسومات عديدة حول موضوعات القصص الخيالية والأغاني الشعبية ، التي تم إجراؤها بطريقة جافة.

لكن هناك شخصية كبيرة في الرومانسية الألمانية لا يمكن تجاهلها. عليه كاسبار ديفيد فريدريش (1774-1840). كان رسامًا للمناظر الطبيعية ، درس في أكاديمية الفنون في كوبنهاغن. بعد ذلك استقر في دريسدن وقام بالتدريس.

أسلوبه في المناظر الطبيعية أصلي ، الصور يتم تذكرها من التعارف الأول ، ويشعر المرء فيها أن هذه مناظر طبيعية لفنان رومانسي: فهي تعبر باستمرار عن تفاصيل النظرة الرومانسية للعالم. رسم مناظر طبيعية لجنوب ألمانيا وساحل البلطيق ، ومنحدرات برية مليئة بالغابات ، وكثبان الصحراء ، والبحر المتجمد. يتواجد الناس أحيانًا في لوحاته ، لكن نادرًا ما نرى وجوههم: الشخصيات ، كقاعدة عامة ، تتجه نحو المشاهد بظهرها. سعى فريدريك لنقل القوة الأساسية للطبيعة. سعى واكتشف انسجام القوى الطبيعية والمشاعر والمهام البشرية. وعلى الرغم من أنه يعكس الحياة بدقة كافية ، فإن فن فريدريك ليس واقعيًا. في الماضي القريب ، أخاف هذا نقاد الفن السوفييت ، ولم يُكتب سوى القليل عن الفنان ، ولم يكن هناك نسخ منه تقريبًا. الآن تغير الوضع ، ويمكننا الاستمتاع بالروحانية العميقة للوحاته ، التأمل الكئيب المنفصل عن مناظر فريدريش الطبيعية. يتم الجمع بين الإيقاع الواضح للتكوين وشدة الرسم في أعماله مع تناقضات chiaroscuro الغنية بالتأثيرات الضوئية. لكن أحيانًا يصل فريدريك في عاطفته إلى الكآبة المؤلمة ، والشعور بهشاشة كل شيء على الأرض ، إلى خدر الغيبوبة الغامضة. نشهد اليوم زيادة في الاهتمام بأعمال فريدريش. أنجح أعماله هي "موت" الأمل "في الجليد" ، "المقبرة الرهبانية تحت الثلج" ، "القداس في الخراب القوطي" ، "غروب الشمس في البحر" ، إلخ.

في الرومانسية الروسية هناك الكثير من الجدل في الرسم. بالإضافة إلى ذلك ، كان يعتقد لسنوات عديدة أن الفنان الجيد هو الواقعي. ربما هذا هو السبب في تأكيد الرأي القائل بأن O. Kiprensky و A. Venetsianov و V. Tropinin وحتى A. Kuindzhi هم واقعيون ، وهو ما يبدو لنا غير صحيح ، فهم رومانسيون.

تشكلت الرومانسية كإتجاه في الرسم في أوروبا الغربية في نهاية القرن الثامن عشر. ازدهرت الرومانسية في فن معظم دول أوروبا الغربية في عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي. القرن ال 19.

نشأ مصطلح "الرومانسية" نفسه من كلمة "رواية" (في القرن السابع عشر ، استخدمت الروايات للإشارة إلى الأعمال الأدبية المكتوبة ليس باللاتينية ، ولكن باللغات التي نشأت منها - الفرنسية والإنجليزية ، إلخ). في وقت لاحق ، بدأ تسمية كل شيء غير مفهوم وغامض بالرومانسية.

كظاهرة ثقافية ، تشكلت الرومانسية من تصور خاص للعالم ولدته نتائج الثورة الفرنسية الكبرى. بخيبة أمل من المثل العليا لعصر التنوير ، فإن الرومانسيين ، الذين يسعون جاهدين من أجل الانسجام والنزاهة ، خلقوا مُثلًا جمالية وقيمًا فنية جديدة. كانت الأهداف الرئيسية لاهتمامهم هي الشخصيات البارزة بكل تجاربهم ورغبتهم في الحرية. بطل الأعمال الرومانسية هو شخص غير عادي ، بإرادة القدر ، يجد نفسه في ظروف حياة صعبة.

على الرغم من أن الرومانسية نشأت على أنها احتجاج على فن الكلاسيكية ، إلا أنها كانت قريبة من هذا الفن في نواح كثيرة. كان الرومانسيون في جزء منهم ممثلين للكلاسيكية مثل N. Poussin و C. Lorrain و J. OD Ingres.

أدخل الرومانسيون ميزات قومية غريبة في الرسم ، أي شيء يفتقر إليه فن الكلاسيكيين.
كان أكبر ممثل للرومانسية الفرنسية هو T.Gericault.

ثيودور جيريكولت

ولد Théodore Gericault ، الرسام والنحات والفنان الفرنسي العظيم ، عام 1791 في روان لعائلة ثرية. ظهرت موهبة الفنان فيه في وقت مبكر جدًا. في كثير من الأحيان ، بدلاً من حضور الدروس في المدرسة ، كان Gericault يجلس في الاسطبلات ويرسم الخيول. حتى في ذلك الوقت ، حاول ليس فقط نقل السمات الخارجية للحيوانات إلى الورق ، ولكن أيضًا للتعبير عن أعصابها وشخصيتها.

بعد تخرجه من مدرسة ليسيوم عام 1808 ، أصبح جيريكولت تلميذًا لمعلم الرسم الشهير آنذاك كارل فيرنيه ، الذي اشتهر بقدرته على تصوير الخيول على القماش. ومع ذلك ، فإن الفنان الشاب لم يعجبه أسلوب Vernet. سرعان ما غادر الاستوديو ودخل للدراسة مع رسام آخر ليس أقل موهبة من Vernet ، PN Geren. أثناء دراسته مع اثنين من الفنانين المشهورين ، لم يصبح Gericault مع ذلك خليفة لتقاليدهم في الرسم. مدرسوه الحقيقيون ، على الأرجح ، ينبغي اعتبارهم JA Gros و JL David.

تتميز أعمال Gericault المبكرة بحقيقة أنها قريبة من الحياة قدر الإمكان. هذه الصور معبرة بشكل غير عادي ومثيرة للشفقة. يظهرون مزاج المؤلف الحماسي عند تقييم العالم من حوله. ومن الأمثلة على ذلك اللوحة التي تحمل عنوان "ضابط حراس الحصان الإمبراطوري أثناء الهجوم" ، وقد تم إنشاؤها عام 1812. وقد شاهد زوار صالون باريس هذه اللوحة لأول مرة. قبلوا عمل الفنان الشاب بإعجاب ، مقدرين موهبة السيد الشاب.

تم إنشاء العمل خلال تلك الفترة من التاريخ الفرنسي عندما كان نابليون في أوج شهرته. كان معاصروه معبودًا له ، وهو الإمبراطور العظيم الذي تمكن من غزو معظم أوروبا. مع هذا المزاج ، وتحت انطباع انتصارات جيش نابليون تم رسم الصورة. تظهر اللوحة جنديًا يركض على حصان ليهاجم. يعبر وجهه عن العزم والشجاعة والجرأة في وجه الموت. التكوين الكامل
ديناميكية وعاطفية للغاية. يشعر المشاهد أنه هو نفسه يصبح مشاركًا حقيقيًا في الأحداث المصورة على القماش.

ستظهر شخصية الجندي الشجاع أكثر من مرة في أعمال Gericault. من بين هذه الصور ، فإن أبطال لوحات "ضابط Carabinieri" ، "ضابط Cuirassier قبل الهجوم" ، "Portrait of the Carabinieri" ، "Wounded Cuirassier" ، التي تم إنشاؤها في 1812-1814 ، تحظى بأهمية خاصة. وكان آخر عمل لافت للنظر أنه عُرض في المعرض التالي الذي أقيم في الصالون في نفس العام. ومع ذلك ، هذه ليست الميزة الرئيسية للتكوين. والأهم من ذلك أنها أظهرت التغييرات التي حدثت في أسلوب الفنان الإبداعي. بينما انعكست المشاعر الوطنية الصادقة في لوحاته الأولى ، في أعماله التي يعود تاريخها إلى عام 1814 ، تم استبدال الشفقة في تصوير الأبطال بالدراما.

ارتبط تغيير مماثل في مزاج الفنان مرة أخرى بالأحداث التي كانت تجري في فرنسا في ذلك الوقت. في عام 1812 ، هُزم نابليون في روسيا ، والذي كان بطلاً لامعًا في يوم من الأيام ، حيث اكتسب بين معاصريه مجد قائد عسكري سيئ الحظ ورجل متعجرف متعجرف. من الناحية المثالية ، يجسد Gericault خيبة الأمل في لوحة "The Wounded Cuirassier". تصور اللوحة محاربًا جريحًا يحاول مغادرة ساحة المعركة في أسرع وقت ممكن. إنه يتكئ على صابر - وهو سلاح ربما ، ربما ، قبل بضع دقائق فقط ، كان يحمله عالياً.

كان استياء جيريكو من سياسة نابليون هو الذي فرض دخوله في خدمة لويس الثامن عشر ، الذي تولى العرش الفرنسي عام 1814 ، وبعد الاستيلاء الثاني على السلطة في فرنسا من قبل نابليون (فترة المائة يوم) ، غادر الفنان الشاب موطنه الأصلي. البلد جنبا إلى جنب مع المشاعر المتشائمة. ولكن هنا أيضًا أصيب بخيبة أمل. لم يستطع الشاب أن يراقب بهدوء الملك وهو يدمر كل ما تم تحقيقه في عهد نابليون. بالإضافة إلى ذلك ، في عهد لويس الثامن عشر كانت هناك زيادة في رد الفعل الإقطاعي الكاثوليكي ، كانت البلاد تتراجع بسرعة أكبر ، وتعود إلى هيكل الدولة القديم. لا يمكن لأي شخص شاب ذو عقلية تقدمية قبول هذا. قريبًا جدًا ، بعد أن فقد الشاب إيمانه بالمثل ، غادر الجيش بقيادة لويس الثامن عشر ، ثم أخذ الفرش والدهانات مرة أخرى. لا يمكن وصف هذه السنوات بأنها مشرقة وأي شيء مميز في عمل الفنان.

في عام 1816 ذهب Gericault في رحلة إلى إيطاليا. بعد أن زار روما وفلورنسا ودرس روائع الأساتذة المشهورين ، فإن الفنان مغرم بالرسم الضخم. تحظى لوحات مايكل أنجلو الجدارية التي تزين كنيسة سيستين باهتمام خاص بالنسبة له. في هذا الوقت ، ابتكر Gericault أعمالًا ، في نطاقها وعظمتها ، تشبه إلى حد كبير اللوحات القماشية لرسامي عصر النهضة العالي. من بينها ، أكثرها إثارة للاهتمام هي "اختطاف حورية على يد قنطور" و "الرجل الذي يعزف الثور".

تظهر السمات نفسها لأسلوب السادة القدامى أيضًا في لوحة "سباق الخيول الحرة في روما" ، التي كُتبت حوالي عام 1817 وتمثل منافسة الفرسان في أحد الكرنفالات التي أقيمت في روما. من سمات هذا التكوين أنه تم تجميعه من قبل الفنان من رسومات كاملة الحجم مسبقة الصنع. علاوة على ذلك ، تختلف طبيعة الرسومات بشكل ملحوظ عن أسلوب العمل بأكمله. إذا كانت الأولى عبارة عن مشاهد تصف حياة الرومان - معاصري الفنان ، فإن التكوين العام يعطي صورًا للأبطال القدامى الشجعان ، وكأنهم خرجوا من روايات قديمة. في هذا ، يتبع Gericault مسار JL David ، الذي ، من أجل إعطاء صورة الشفقة البطولية ، ألبس أبطاله بأشكال عتيقة.

بعد فترة وجيزة من كتابة هذه الصورة ، عاد Gericault إلى فرنسا ، حيث أصبح عضوًا في دائرة المعارضة التي تشكلت حول الرسام هوراس فيرنيه. لدى وصوله إلى باريس ، كان الفنان مهتمًا بشكل خاص بالرسومات. في عام 1818 ، ابتكر عددًا من المطبوعات الحجرية حول موضوع عسكري ، ومن أهمها العودة من روسيا. تصور المطبوعة الحجرية الجنود المهزومين من الجيش الفرنسي وهم يتجولون عبر حقل مغطى بالثلوج. يتم تصوير شخصيات الأشخاص الذين شوهتهم الحرب وعذبتهم بطريقة شبيهة بالحياة وصادقة. يفتقر التكوين إلى الآثام والشفقة البطولية ، والتي كانت نموذجية لأعمال Gericault المبكرة. يسعى الفنان إلى عكس الواقع الحقيقي ، كل الكوارث التي عانى منها الجنود الفرنسيون الذين تخلى عنهم قائدهم في أرض أجنبية.

في العمل "العودة من روسيا" ، لأول مرة ، بدا موضوع صراع الإنسان مع الموت. ومع ذلك ، هنا لم يتم التعبير عن هذا الدافع بوضوح كما هو الحال في الأعمال اللاحقة لـ Gericault. مثال على هذه اللوحات يمكن أن يكون لوحة تسمى "طوافة ميدوسا". تم كتابته عام 1819 وعرضه في صالون باريس في نفس العام. تصور اللوحة أشخاصًا يقاتلون عنصر الماء الهائج. لا يظهر الفنان معاناتهم وعذابهم فحسب ، بل يظهر أيضًا رغبته في الخروج منتصرًا في المعركة ضد الموت بكل الوسائل.

تم تحديد مؤامرة التكوين من خلال حدث وقع في صيف عام 1816 وأثارت حماسة فرنسا بأكملها. طارت الفرقاطة الشهيرة "ميدوسا" في ذلك الوقت إلى الشعاب المرجانية وغرقت قبالة سواحل إفريقيا. من بين 149 شخصًا كانوا على متن السفينة ، تمكن 15 فقط من الفرار ، من بينهم الجراح سافيني والمهندس كوريار. عند وصولهم إلى وطنهم ، نشروا كتابًا صغيرًا يروي مغامراتهم وخلاصهم السعيد. من هذه الذكريات ، علم الفرنسيون أن المحنة حدثت بسبب خطأ قبطان السفينة عديم الخبرة ، والذي جاء على متن السفينة بفضل رعاية صديق نبيل.

الصور التي أنشأتها Gericault هي ديناميكية ومرنة ومعبرة بشكل غير عادي ، والتي حققها الفنان من خلال عمل طويل ومضني. من أجل تصوير أحداث مروعة بصدق على القماش ، لنقل مشاعر الناس الذين يموتون في البحر ، تلتقي الفنانة بشهود عيان على المأساة ، وتدرس لفترة طويلة وجوه المرضى الهزال الذين يعالجون في أحد مستشفيات باريس ، وكذلك البحارة الذين تمكنوا من الفرار من حطام السفن. في هذا الوقت ، ابتكر الرسام عددًا كبيرًا من الأعمال الفنية.

كما أن البحر الهائج مليء بالمعاني العميقة ، كما لو كان يحاول ابتلاع طوف خشبي هش مع الناس. هذه الصورة معبرة للغاية وديناميكية. هو ، مثل شخصيات الناس ، شُطِب من الحياة: رسم الفنان عدة رسومات تخطيطية تصور البحر أثناء عاصفة. من خلال العمل على التكوين الضخم ، لجأ Gericault أكثر من مرة إلى الرسومات التي تم إعدادها مسبقًا من أجل عكس طبيعة العناصر بالكامل. هذا هو السبب في أن الصورة تترك انطباعًا كبيرًا على المشاهد ، وتقنعه بواقعية وصدق ما يحدث.

يقدم The Raft of Medusa Gericault باعتباره سيدًا رائعًا للتكوين. لفترة طويلة ، فكر الفنان في كيفية ترتيب الأشكال في الصورة من أجل التعبير الكامل عن نية المؤلف. في سياق العمل ، تم إجراء العديد من التغييرات. تشير الرسومات التي تسبق الصورة إلى أن Gericault أراد في البداية تصوير نضال الناس على الطوافة مع بعضهم البعض ، لكنه رفض لاحقًا مثل هذا التفسير للحدث. في النسخة النهائية ، تمثل اللوحة اللحظة التي يرى فيها الأشخاص اليائسون بالفعل السفينة "Argus" في الأفق ويمدون أيديهم إليها. كانت آخر إضافة للصورة عبارة عن شخصية بشرية وُضعت أدناه ، على الجانب الأيمن من اللوحة. كانت هي اللمسة الأخيرة للتكوين ، والتي اكتسبت بعد ذلك طابعًا مأساويًا للغاية. يشار إلى أن هذا التغيير تم عندما كانت اللوحة معروضة بالفعل في الصالون.

تذكرنا لوحة Gericault ، بأثرها وعاطفتها المتزايدة ، بخلق أسياد عصر النهضة العالي (معظمهم حكم مايكل أنجلو الأخير) ، الذين التقى بهم الفنان خلال رحلته إلى إيطاليا.

حققت لوحة "طوف ميدوسا" ، التي أصبحت تحفة فنية فرنسية ، نجاحا كبيرا في أوساط المعارضة التي رأت فيها انعكاسا للمثل الثورية. للأسباب نفسها ، لم يتم قبول العمل بين أعلى النبلاء والممثلين الرسميين للفنون الجميلة في فرنسا. لهذا السبب لم تكن الدولة تشتري اللوحة في ذلك الوقت من المؤلف.

بخيبة أمل من الاستقبال الذي حظي به إبداعه في وطنه ، ذهب Gericault إلى إنجلترا ، حيث قدم أعماله المفضلة إلى البلاط البريطاني. في لندن ، أخذ خبراء الفن اللوحة الشهيرة بحماس كبير.

أصبح Gericault قريبًا من الفنانين الإنجليز الذين غزوه بقدرتهم على تصوير الواقع بصدق وصدق. يخصص Gericault دورة من المطبوعات الحجرية للحياة والحياة اليومية لعاصمة إنجلترا ، ومن بينها الأعمال الأكثر إثارة للاهتمام التي تلقت اسم "Great English Suite" (1821) و "The Old Beggar Dying at the Door of the Bakery "(1821). في الأخير ، صور الفنان متشردًا في لندن ، انعكست في صورته الانطباعات التي تلقاها الرسام في عملية دراسة حياة الناس في أحياء الطبقة العاملة في المدينة.

تتضمن هذه الدورة أيضًا مطبوعات حجرية مثل "حداد فلاندرز" و "عند بوابات حوض بناء السفن في أدلفين" ، حيث تقدم للمشاهد صورة عن حياة الناس العاديين في لندن. من المثير للاهتمام في هذه الأعمال صور الخيول الثقيلة وذات الوزن الزائد. إنها تختلف بشكل ملحوظ عن تلك الحيوانات الرشيقة والرشيقة التي رسمها فنانين آخرين - معاصري Gericault.

أثناء وجوده في عاصمة إنجلترا ، تعمل Gericault ليس فقط في إنشاء المطبوعات الحجرية ، ولكن أيضًا اللوحات. من أكثر الأعمال اللافتة للنظر في هذه الفترة لوحة "Races in Epsom" ، التي تم إنشاؤها عام 1821. في اللوحة ، يصور الفنان الخيول وهي تندفع بأقصى سرعة ، وأقدامها لا تلمس الأرض على الإطلاق. يستخدم السيد هذه التقنية الماكرة (أثبتت الصورة أن الخيول لا يمكن أن يكون لها مثل هذا الموقف من أرجلها أثناء الجري ، وهذا هو خيال الفنان) من أجل إعطاء ديناميكية التكوين ، لخلق انطباع بحركة الخيول بسرعة البرق في المشاهد. يتم تعزيز هذا الإحساس من خلال الاستنساخ الدقيق لليونة (الموقف والإيماءات) للشخصيات البشرية ، بالإضافة إلى استخدام تركيبات الألوان الزاهية والغنية (الأحمر ، والخيول ، والخيول البيضاء ؛ والأزرق الداكن ، والأحمر الداكن ، والأبيض والأزرق والذهبي -سترات الفرسان الصفراء) ...

تكرر موضوع سباق الخيل ، الذي طالما جذب انتباه الرسام بتعبيره الخاص ، أكثر من مرة في الأعمال التي أنشأتها Gericault بعد الانتهاء من العمل على سباق الخيل في إبسوم.

بحلول عام 1822 ، غادر الفنان إنجلترا وعاد إلى موطنه الأصلي فرنسا. هنا يشارك في إنشاء لوحات كبيرة ، على غرار أعمال أساتذة عصر النهضة. ومن بينها "تجارة السود" و "فتح أبواب سجن محاكم التفتيش في إسبانيا". ظلت هذه اللوحات غير مكتملة - فقد منع الموت Gericault من إكمال العمل.

تحظى الصور باهتمام خاص ، حيث يعزى إنشاءها بواسطة علماء الفن إلى الفترة من 1822 إلى 1823. يستحق تاريخ كتاباتهم اهتمامًا خاصًا. والحقيقة هي أن هذه الصور كانت بتكليف من صديق للفنان كان يعمل طبيباً نفسياً في عيادة في باريس. كان من المفترض أن تصبح نوعًا من الرسوم التوضيحية التي توضح الأمراض العقلية المختلفة للإنسان. هكذا تم رسم صور "امرأة عجوز مجنونة" ، "مجنونة" ، "مجنونة ، تخيل نفسها كقائد". بالنسبة لسيد الرسم ، كان من المهم هنا ليس إظهار العلامات والأعراض الخارجية للمرض ، ولكن نقل الحالة العقلية الداخلية للشخص المريض. على اللوحات ، تظهر صور مأساوية لأشخاص أمام المشاهد ، عيونهم مليئة بالألم والحزن.

من بين صور Gericault ، هناك مكان خاص تحتلها صورة Negro ، الموجودة حاليًا في مجموعة متحف Rouen. ينظر شخص حاسم وقوي الإرادة إلى المشاهد من اللوحة ، مستعدًا للقتال حتى النهاية بقوى معادية له. الصورة مشرقة وعاطفية ومعبرة بشكل غير عادي. الشخص الموجود في هذه الصورة مشابه جدًا لأولئك الأبطال ذوي الإرادة القوية الذين أظهرهم Gericault سابقًا في تركيبات كبيرة (على سبيل المثال ، على قماش "The Raft of Medusa").

لم يكن Gericault خبيرًا في الرسم فحسب ، بل كان أيضًا نحاتًا ممتازًا. كانت أعماله في هذا الشكل الفني في بداية القرن التاسع عشر هي الأمثلة الأولى للتماثيل الرومانسية. من بين هذه الأعمال ذات الأهمية الخاصة ، التركيب التعبيري غير المعتاد "الحورية والساتير". الصور المجمدة في الحركة تنقل بدقة ليونة جسم الإنسان.

توفي Théodore Gericault بشكل مأساوي في عام 1824 في باريس ، حيث تحطم أثناء سقوطه من حصان. كانت وفاته المبكرة مفاجأة لجميع معاصري الفنان الشهير.

شكل عمل Gericault مرحلة جديدة في تطور الرسم ليس فقط في فرنسا ، ولكن أيضًا في الفن العالمي - فترة الرومانسية. يتغلب السيد في أعماله على تأثير التقاليد الكلاسيكية. أعماله ملونة بشكل غير عادي وتعكس كل تنوع العالم الطبيعي. من خلال إدخال الشخصيات البشرية في التكوين ، يسعى الفنان إلى الكشف عن التجارب والعواطف الداخلية للشخص بشكل كامل وواضح قدر الإمكان.

بعد وفاة Gericault ، تبنى الفنان المعاصر الأصغر ، E. Delacroix تقاليد فنه الرومانسي.

يوجين ديلاكروا

فرديناند فيكتور يوجين ديلاكروا ، الفنان الفرنسي الشهير وفنان الجرافيك ، وريث تقاليد الرومانسية التي تطورت في أعمال جيريكولت ، ولد في عام 1798. دون إكمال تعليمه في المدرسة الثانوية الإمبراطورية ، في عام 1815 دخل ديلاكروا في دراسة السيد الشهير Guerin. ومع ذلك ، فإن الأساليب الفنية للرسام الشاب لم تلبي متطلبات المعلم ، لذلك ، بعد سبع سنوات ، يتركه الشاب.

أثناء دراسته مع Guerin ، يخصص Delacroix الكثير من الوقت لدراسة أعمال ديفيد وأساتذة الرسم في عصر النهضة. تعتبر ثقافة العصور القديمة ، والتقاليد التي اتبعها ديفيد أيضًا ، أساسية لتطوير الفن العالمي. لذلك ، كانت المثل الجمالية لديلاكروا هي أعمال الشعراء والمفكرين في اليونان القديمة ، ومن بينهم الفنان الذي قدّر بشكل خاص أعمال هوميروس وهوراس وماركوس أوريليوس.

كانت أول أعمال ديلاكروا عبارة عن لوحات فنية غير مكتملة ، حيث سعى الرسام الشاب إلى عكس صراع الإغريق مع الأتراك. ومع ذلك ، كان الفنان يفتقر إلى المهارة والخبرة لخلق لوحة معبرة.

في عام 1822 ، عرض ديلاكروا عمله بعنوان دانتي وفيرجيل في صالون باريس. هذه اللوحة القماشية ، ذات الألوان الزاهية والعاطفية بشكل غير عادي ، تشبه من نواح كثيرة عمل Gericault "The Raft of Medusa".

بعد ذلك بعامين ، تم تقديم لوحة أخرى لـ Delacroix - "The Massacre on Chios" لجمهور الصالون. كان فيه تجسيد خطة الفنان طويلة الأمد لإظهار صراع الإغريق مع الأتراك. يتكون التكوين العام للصورة من عدة أجزاء ، والتي تشكل مجموعات من الأشخاص موضوعة بشكل منفصل ، ولكل منها صراعها الدرامي الخاص. بشكل عام ، يعطي العمل انطباعًا عن مأساة عميقة. يتم تعزيز الشعور بالتوتر والديناميكية من خلال الجمع بين الخطوط الملساء والحادة التي تشكل شخصيات الشخصيات ، مما يؤدي إلى تغيير نسبة الشخص الذي يصوره الفنان. ومع ذلك ، فبفضل هذا تكتسب الصورة طابعًا واقعيًا وإقناعًا حيويًا.

طريقة ديلاكروا الإبداعية ، التي تم التعبير عنها بالكامل في "مذبحة خيوس" ، بعيدة كل البعد عن الأسلوب الكلاسيكي الذي تم تبنيه في الدوائر الرسمية لفرنسا وبين ممثلي الفنون الجميلة. لذلك قوبلت صورة الفنانة الشابة بانتقادات لاذعة في الصالون.

على الرغم من الفشل ، يبقى الرسام وفيا لمثله الأعلى. في عام 1827 ، ظهر عمل آخر حول موضوع نضال الشعب اليوناني من أجل الاستقلال - "اليونان على أنقاض ميسولونغي". صورة امرأة يونانية حازمة وفخورة ، مرسومة على القماش ، تجسد هنا اليونان غير المهزومة.

في عام 1827 ، أكمل ديلاكروا عملين يعكسان البحث الإبداعي للماجستير في مجال وسائل وأساليب التعبير الفني. هذه هي اللوحات "موت ساردانابالوس" و "مارينو فالييرو". في أولهم مأساة الوضع تنتقل في حركة الشخصيات البشرية. فقط صورة ساردانابالوس نفسها ثابتة وهادئة. في تكوين "مارينو فالييرو" فقط شخصية الشخصية الرئيسية هي ديناميكية. بدا أن بقية الأبطال قد تجمدوا في حالة رعب من فكرة ما يجب أن يحدث.

في العشرينات. القرن التاسع عشر. قام ديلاكروا بالعديد من الأعمال ، موضوعاتها مأخوذة من الأعمال الأدبية الشهيرة. في عام 1825 ، زار الفنان إنجلترا ، موطن ويليام شكسبير. في نفس العام ، وتحت انطباع هذه الرحلة ومأساة الكاتب المسرحي الشهير ديلاكروا ، تم عمل الطباعة الحجرية "ماكبث". في الفترة من 1827 إلى 1828 ، ابتكر الطباعة الحجرية "فاوست" ، المكرسة لعمل غوته الذي يحمل نفس الاسم.

فيما يتعلق بالأحداث التي وقعت في فرنسا عام 1830 ، قدم ديلاكروا لوحة "Liberty Leading the People". يتم تقديم فرنسا الثورية في صورة امرأة شابة قوية ، متسلطة ، حازمة ومستقلة ، تقود الحشد بجرأة ، حيث تبرز شخصيات عاملة ، طالبة ، جندي جريح ، لاعب باريسية (صورة توقعت Gavroche ، الذي ظهر لاحقًا في Les Miserables بواسطة V. Hugo).

كان هذا العمل مختلفًا بشكل ملحوظ عن الأعمال المماثلة لفنانين آخرين ، الذين كانوا مهتمين فقط بالنقل الحقيقي لهذا الحدث أو ذاك. تميزت اللوحات التي أنشأتها Delacroix بشعور بطولي شديد. الصور هنا هي رموز عامة لحرية واستقلال الشعب الفرنسي.

مع وصول لويس فيليب إلى السلطة ، لم يكن لبطولة الملك البرجوازي والمشاعر النبيلة التي بشر بها ديلاكروا مكانًا في الحياة العصرية. في عام 1831 قام الفنان برحلة إلى البلدان الأفريقية. زار طنجة ومكناس ووهران والجزائر. في نفس الوقت ، يزور ديلاكروا إسبانيا. تسحر حياة الشرق حرفياً الفنان بتدفقها السريع. يقوم بإنشاء الرسومات التخطيطية والرسومات وعدد من الألوان المائية.

بعد أن زار المغرب ، كتب ديلاكروا لوحات مخصصة للشرق. إن اللوحات التي يعرض فيها الفنان سباقات أو معركة الفرسان المغاربيين ديناميكية ومعبرة بشكل غير عادي. بالمقارنة معهن ، تبدو تركيبة "النساء الجزائريات في غرفهن" ، التي أُنشئت عام 1834 ، هادئة وثابتة. إنه يفتقر إلى تلك الديناميكية المتهورة والتوتر الذي يميز أعمال الفنان السابقة. يظهر ديلاكروا هنا كسيد للون. يعكس نظام الألوان الذي يستخدمه الرسام في مجمله التنوع اللامع للوحة ، التي يربطها العارض بألوان الشرق.

تتميز لوحة "العرس اليهودي في المغرب" ، التي رُسمت حوالي عام 1841 ، بالترفيه والانتظام نفسه. يتم إنشاء الجو الشرقي الغامض هنا بفضل تقديم الفنان الدقيق لأصالة الداخل الوطني. يبدو التكوين ديناميكيًا بشكل مدهش: يوضح الرسام كيف يصعد الناس الدرج ويدخلون الغرفة. الضوء الذي يدخل الغرفة يجعل الصورة تبدو واقعية ومقنعة.

كانت الدوافع الشرقية لا تزال موجودة في أعمال Delacroix لفترة طويلة. وهكذا ، في المعرض الذي نُظم في الصالون عام 1847 ، من بين الأعمال الستة التي قدمها ، كانت خمسة أعمال مخصصة لحياة الشرق.

في 30-40s. في القرن التاسع عشر ، ظهرت موضوعات جديدة في أعمال ديلاكروا. في هذا الوقت ، يقوم السيد بإنشاء أعمال من الموضوعات التاريخية. ومن بينها ، تستحق اللوحات القماشية "احتجاج ميرابو على حل الولاية العامة" و "بويسي دانغلا" اهتمامًا خاصًا. يُعد الرسم التخطيطي لهذا الأخير ، الذي عُرض عام 1831 في الصالون ، مثالًا حيًا على المؤلفات حول موضوع الانتفاضة الشعبية.

تم تخصيص لوحات "معركة بواتييه" (1830) و "معركة تايبور" (1837) لتصوير الناس. ديناميات المعركة وحركة الناس وغضبهم وغضبهم ومعاناتهم تظهر هنا بكل واقعية. يسعى الفنان إلى نقل مشاعر وعواطف شخص محاصر برغبة في الفوز بأي ثمن. إن شخصيات الأشخاص هي الشخصيات الرئيسية في نقل الطبيعة الدرامية للحدث.

في كثير من الأحيان في أعمال Delacroix ، يعارض الفائز والمهزوم بشدة بعضهما البعض. يمكن ملاحظة ذلك بشكل خاص على قماش "استيلاء الصليبيين على القسطنطينية" ، الذي تم رسمه عام 1840. يظهر في المقدمة مجموعة من الناس حزينين. وخلفهم منظر جميل وساحر. هناك أيضًا صور للفرسان الفائزين ، تتناقض صورهم الظلية الهائلة مع الشخصيات الحزينة في المقدمة.

يقدم "الاستيلاء على القسطنطينية من قبل الصليبيين" ديلاكروا كرسام ملون رائع. ومع ذلك ، فإن الألوان الزاهية والغنية لا تعزز البداية المأساوية التي تعبر عنها شخصيات حزينة تقع بالقرب من المشاهد. على العكس من ذلك ، فإن اللوحة الغنية تخلق شعورًا بالاحتفال الذي يقام على شرف الفائزين.

لا تقل الألوان عن تكوين "عدالة تراجان" ، الذي تم إنشاؤه في نفس عام 1840. أدرك معاصرو الفنان هذه الصورة باعتبارها واحدة من أفضل اللوحات الفنية للرسام. من الأمور ذات الأهمية الخاصة حقيقة أنه في سياق عمله ، يتم إجراء تجارب الماجستير في مجال الألوان. حتى الظلال تأخذ منه ظلال مختلفة. جميع ألوان التكوين تتطابق تمامًا مع الطبيعة. وسبق العمل ملاحظات طويلة من قبل الرسام للتغييرات في ظلال الطبيعة. أدخلها الفنان في يومياته. بعد ذلك ، وفقًا للسجلات ، أكد العلماء أن الاكتشافات التي قدمتها Delacroix في مجال اللونية كانت متوافقة تمامًا مع عقيدة اللون التي ولدت في ذلك الوقت ، والتي كان مؤسسها E. Chevreuil. بالإضافة إلى ذلك ، يقارن الفنان اكتشافاته باللوحة التي استخدمتها مدرسة البندقية ، والتي كانت مثالًا لمهارة التصوير بالنسبة له.

تحتل اللوحات مكانة خاصة بين لوحات ديلاكروا. نادرا ما تحول السيد إلى هذا النوع. لم يرسم إلا أولئك الأشخاص الذين عرفهم لفترة طويلة ، والذين حدث تطورهم الروحي أمام الفنان. لذلك ، فإن الصور الموجودة في الصور معبرة وعميقة للغاية. هذه هي صور شوبان وجورج ساند. اللوحة المخصصة للكاتبة الشهيرة (1834) تصور امرأة نبيلة وقوية الإرادة تسعد معاصريها. تمثل لوحة شوبان ، المكتوبة بعد أربع سنوات ، في عام 1838 ، الصورة الشعرية والروحية للملحن العظيم.

صورة مثيرة للاهتمام ومعبرة بشكل غير عادي لعازف الكمان والملحن الشهير باغانيني ، كتبها ديلاكروا حوالي عام 1831. كان أسلوب باغانيني الموسيقي من نواحٍ عديدة مشابهًا لطريقة الرسم التي استخدمها الرسام. يتميز عمل باجانيني بنفس التعبير والعاطفة الشديدة التي كانت من سمات أعمال الرسام.

تشغل المناظر الطبيعية مكانًا صغيرًا في عمل Delacroix. ومع ذلك ، فقد تبين أنها كانت ذات أهمية كبيرة في تطوير الرسم الفرنسي في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. تتميز المناظر الطبيعية في ديلاكروا بالرغبة في نقل الضوء وحياة الطبيعة المراوغة بدقة. ومن الأمثلة الحية على ذلك اللوحات القماشية "السماء" ، حيث يتم إنشاء الشعور بالديناميكيات بفضل السحب البيضاء الثلجية التي تطفو في السماء ، و "البحر الذي يُرى من ضفاف دييب" (1854) ، حيث ينقل الرسام ببراعة انزلاق السفن الشراعية الخفيفة على سطح البحر.

في عام 1833 ، تلقى الفنان أمرًا من الملك الفرنسي برسم قاعة في قصر بوربون. استمر العمل على إنشاء العمل الضخم لمدة أربع سنوات. عند تنفيذ الطلب ، كان الرسام يسترشد أولاً وقبل كل شيء بحقيقة أن الصور كانت بسيطة للغاية ومقتضبة ومفهومة للمشاهد.
كان آخر عمل لـ Delacroix هو لوحة كنيسة الملائكة المقدسين في كنيسة Saint-Sulpice في باريس. تم تنفيذه في الفترة من 1849 إلى 1861. باستخدام ألوان زاهية وغنية (وردي ، أزرق لامع ، أرجواني ، موضوعة على خلفية رمادية زرقاء وصفراء بنية) ، يخلق الفنان مزاجًا مبهجًا في التراكيب التي تجعل المشاهد تشعر بالبهجة الحماسية. المناظر الطبيعية المتضمنة في لوحة "طرد إيليودور من المعبد" كنوع من الخلفية يوسع بصريًا مساحة التكوين والكنيسة. من ناحية أخرى ، كما لو كان يحاول التأكيد على انغلاق الفضاء ، يقدم Delacroix درجًا ودرابزين في التكوين. يبدو أن شخصيات الأشخاص الموضوعة خلفها عبارة عن صور ظلية شبه مسطحة.

توفي يوجين ديلاكروا عام 1863 في باريس.

كان ديلاكروا أكثر الرسامين تعليما في النصف الأول من القرن التاسع عشر. العديد من مواضيع لوحاته مأخوذة من الأعمال الأدبية لأساتذة القلم المشهورين. حقيقة مثيرة للاهتمام هي أن الفنان غالبًا ما يرسم شخصياته دون استخدام نموذج. كما حاول تعليم نفس الشيء لأتباعه. وفقًا لديلاكروا ، الرسم هو شيء أكثر تعقيدًا من النسخ البدائي للخطوط. يعتقد الفنان أن الفن يكمن في المقام الأول في القدرة على التعبير عن الحالة المزاجية والنية الإبداعية للسيد.

ديلاكروا هو مؤلف العديد من الأعمال النظرية حول قضايا اللون والطريقة والأسلوب للفنان. كانت هذه الأعمال بمثابة منارة لرسامي الأجيال اللاحقة في بحثهم عن وسائلهم الفنية المستخدمة في إنشاء التراكيب.

الرومانسية.

الرومانسية (الرومانسية الفرنسية) ، وهي حركة أيديولوجية وفنية في الثقافة الأوروبية والأمريكية في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر. وُلد كرد فعل على عقلانية وآلية جماليات الكلاسيكية وفلسفة التنوير ، التي تأسست في عصر الانهيار الثوري للمجتمع الإقطاعي ، النظام العالمي السابق ، الذي يبدو أنه لا يتزعزع ، الرومانسية (كلاهما نوع خاص النظرة للعالم وكإتجاه فني) واحدة من أكثر الظواهر تعقيدًا وتناقضًا داخليًا في تاريخ الثقافة. خيبة أمل من مُثُل التنوير ، ونتائج الثورة الفرنسية الكبرى ، وإنكار نفعية الواقع الحديث ، ومبادئ العملية البرجوازية ، التي كانت الفردانية البشرية ضحية لها ، والنظرة المتشائمة لآفاق التنمية الاجتماعية ، تم الجمع بين عقلية "الحزن العالمي" في الرومانسية مع الرغبة في انسجام النظام العالمي ، والسلامة الروحية للفرد ، مع الانجذاب نحو "اللامحدود" ، مع البحث عن مُثُل جديدة ومطلقة وغير مشروطة. أثار الخلاف الحاد بين المُثُل والواقع القمعي في أذهان العديد من الرومانسيين شعورًا مؤلمًا قدريًا أو ساخطًا بالعالم المزدوج ، واستهزاء مرير بالتناقض بين الأحلام والواقع ، ارتقى في الأدب والفن إلى مبدأ "السخرية الرومانسية". أصبح نوع من الدفاع عن النفس ضد ارتفاع مستوى الشخصية الاهتمام الأعمق بالشخصية الإنسانية المتأصلة في الرومانسية ، التي يفهمها الرومانسيون على أنها وحدة من الخصائص الخارجية الفردية والمحتوى الداخلي الفريد. من خلال اختراق أعماق الحياة الروحية للإنسان ، نقل الأدب وفن الرومانسية هذا الإحساس الحاد بالخاصية الأصلية والفريدة من نوعها لمصير الأمم والشعوب ، إلى الواقع التاريخي نفسه. جعلت التحولات الاجتماعية الهائلة التي حدثت أمام أعين الرومانسيين المسار التدريجي للتاريخ مرئيًا بوضوح. في أفضل أعماله ، ترتفع الرومانسية إلى خلق صور رمزية وحيوية في نفس الوقت مرتبطة بالتاريخ الحديث. لكن صور الماضي ، المستمدة من الأساطير والتاريخ القديم والعصور الوسطى ، جسدها العديد من الرومانسيين على أنها انعكاس للصراعات الحقيقية في عصرنا.

أصبحت الرومانسية أول اتجاه فني يتجلى فيه بوضوح وعي الشخصية الإبداعية كموضوع للنشاط الفني. أعلن الرومانسيون صراحة انتصار الذوق الفردي والحرية الكاملة للإبداع. لقد علقوا أهمية حاسمة على العمل الإبداعي نفسه ، ودمروا العوائق التي أعاقت حرية الفنان ، وساوىوا بجرأة بين العالي والمنخفض ، المأساوي والكوميدي ، العادي وغير العادي. استحوذت الرومانسية على جميع مجالات الثقافة الروحية: الأدب والموسيقى والمسرح والفلسفة وعلم الجمال وفيلولوجيا اللغة والعلوم الإنسانية الأخرى والفنون التشكيلية. لكن في الوقت نفسه ، لم يعد النمط العالمي الذي كان كلاسيكيًا. على عكس الأخير ، لم يكن للرومانسية تقريبًا أشكال التعبير عنها (لذلك ، لم تؤثر بشكل كبير على العمارة ، حيث أثرت بشكل أساسي على هندسة الحدائق والمتنزهات ، والهندسة المعمارية للأشكال الصغيرة واتجاه ما يسمى القوطية الزائفة). لم تكن الرومانسية أسلوبًا بقدر ما هي حركة فنية اجتماعية ، فقد مهدت الرومانسية الطريق لمزيد من التطوير للفن في القرن التاسع عشر ، والذي لم يحدث في شكل أنماط شاملة ، ولكن في شكل اتجاهات واتجاهات فردية. أيضًا ، ولأول مرة في الرومانسية ، لم يتم إعادة التفكير في لغة الأشكال الفنية بالكامل: إلى حد ما ، تم الحفاظ على الأسس الأسلوبية للكلاسيكية وتعديلها وإعادة التفكير فيها بشكل كبير في البلدان الفردية (على سبيل المثال ، في فرنسا). في الوقت نفسه ، في إطار اتجاه نمط واحد ، تلقى الأسلوب الفردي للفنان حرية كبيرة في التطور.

تطور في العديد من البلدان ، اكتسبت الرومانسية في كل مكان هوية وطنية حية ، بسبب الظروف التاريخية الفعلية والتقاليد الوطنية. ظهرت أولى علامات الرومانسية في وقت واحد تقريبًا في بلدان مختلفة. في أواخر القرن الثامن عشر - أوائل القرن التاسع عشر. سمات الرومانسية متأصلة بالفعل بدرجات متفاوتة: في بريطانيا العظمى - اللوحات والأعمال الرسومية لـ Swiss IG Füsli ، حيث يخترق الغموض الغامق والمتطور الوضوح الكلاسيكي للصور ، وإبداع الشاعر والفنان دبليو. بليك مشبع بالرؤية الصوفية ؛ في إسبانيا - الأعمال المتأخرة لـ F. Goya ، المليئة بالخيال الجامح والشفقة المأساوية ، احتجاجًا عاطفيًا على الإذلال القومي ؛ في فرنسا - صور جيه إل ديفيد المفعمة بالحيوية في السنوات الثورية ، مؤلفات وصور درامية متوترة مبكرة لـ A. من F. جيرارد.

ظهرت المدرسة الرومانسية الأكثر اتساقًا في فرنسا خلال فترة الاستعادة وملكية يوليو في صراع عنيد ضد الدوغمائية والعقلانية المجردة للكلاسيكية الأكاديمية المتأخرة. للتعبير عن احتجاجهم على القمع ورد الفعل ، أصبح العديد من ممثلي الرومانسية الفرنسية ، بشكل مباشر أو غير مباشر ، مرتبطين بالحركات الاجتماعية في النصف الأول من القرن التاسع عشر. وغالبًا ما ارتقت إلى الروح الثورية الحقيقية ، التي حددت الطبيعة الصحفية الفعالة للرومانسية في فرنسا. يقوم الفنانون الفرنسيون بإصلاح الوسائل التصويرية والتعبيرية: إنهم ينشطون التكوين ، ويجمعون بين الأشكال مع الحركة العنيفة ، ويستخدمون لونًا مشبعًا مشرقًا يعتمد على تباينات الضوء والظل ، ودرجات الألوان الدافئة والباردة ، ويلجأون إلى طريقة متألقة وخفيفة ، وغالبًا ما تكون معممة جاري الكتابة. في أعمال مؤسس المدرسة الرومانسية ، T. Gericault ، الذي لا يزال يحتفظ بالجاذبية نحو الصور الكلاسيكية البطولية المعممة ، لأول مرة في الفن الفرنسي ، يحتج على الواقع المحيط والرغبة في الاستجابة للأحداث الاستثنائية في عالمنا. الوقت ، الذي يجسد في أعماله المصير المأساوي لفرنسا الحديثة. في عشرينيات القرن التاسع عشر. أصبح E. Delacroix الرئيس المعترف به للمدرسة الرومانسية. أدى الشعور بالمشاركة في الأحداث التاريخية العظيمة التي تغير وجه العالم ، والنداء إلى الذروة ، والمواضيع الحادة بشكل كبير إلى رثاء أفضل أعماله وكثافتها الدرامية. في الصورة ، كان الشيء الرئيسي للرومانسيين هو تحديد الشخصيات اللامعة ، وتوتر الحياة الروحية ، والحركة العابرة للمشاعر الإنسانية ؛ في المناظر الطبيعية - الإعجاب بقوة الطبيعة ، العنصر الروحاني للكون. بالنسبة لرسومات الرومانسية الفرنسية ، فإن إنشاء أشكال جديدة ضخمة في الطباعة الحجرية والنقوش الخشبية للكتب أمر مهم (NT Charlet ، A. Deveria ، J. Gigou ، لاحقًا Granville ، G. Dore). الميول الرومانسية متأصلة أيضًا في أعمال الفنان الجرافيكي الأعظم O. Daumier ، لكنها كانت واضحة بشكل خاص في لوحاته. انتقل أساتذة النحت الرومانسي (P.J.David d "Angers ، A.L Bari ، F. Rud) من التراكيب التكتونية الصارمة إلى التفسير الحر للأشكال ، من التبدد والعظمة الهادئة للبلاستيك الكلاسيكي إلى حركة عاصفة.

الميول المحافظة للرومانسية (المثالية ، الفردية في الإدراك ، التحول إلى يأس مأساوي ، اعتذار من العصور الوسطى ، إلخ) ، مما أدى إلى التعاطف الديني وتمجيد النظام الملكي (E. Deveria ، A. Schaeffer ، إلخ). .. كما تم استخدام المبادئ الرسمية الفردية للرومانسية على نطاق واسع من قبل ممثلي الفن الرسميين ، الذين دمجوها بشكل انتقائي مع أساليب الأكاديمية (اللوحات التاريخية الميلودرامية بقلم ب. ديلاروش ، الأعمال الاحتفالية والمعاركية المذهلة ظاهريًا بواسطة O. Vernet و E. Mesonier وآخرين ).

كان المصير التاريخي للرومانسية في فرنسا معقدًا وغامضًا. في العمل اللاحق لأعظم ممثليه ، تجلت الميول الواقعية بوضوح ، وهي جزء لا يتجزأ من المفهوم الرومانسي للغاية لخاصية الواقع. من ناحية أخرى ، استحوذت الاتجاهات الرومانسية بدرجات متفاوتة على الأعمال المبكرة لممثلي الواقعية في الفن الفرنسي - سي كوروت ، أساتذة مدرسة باربيزون ، جي.كوربيت ، جي إف ميليت ، إي مانيه. التصوف والاستعارة المعقدة ، المتأصلة أحيانًا في الرومانسية ، وجدت استمرارية في الرمزية (ج. مورو وآخرون) ؛ عادت بعض السمات المميزة لجماليات الرومانسية إلى الظهور في فن "الحديث" وما بعد الانطباعية.

كان تطور الرومانسية في ألمانيا والنمسا أكثر تعقيدًا وتناقضًا. ترتبط الرومانسية الألمانية المبكرة ، التي تتميز باهتمام وثيق بكل شيء فردي بشكل حاد ، ونغمة تأملية حزينة للبنية العاطفية المجازية ، والمزاج الصوفي-الوجودي ، بشكل أساسي بعمليات البحث في مجال التراكيب الشخصية والاستعارية (FO Runge) ، مثل وكذلك المناظر الطبيعية (K.D. Friedrich ، I. A. Koch). الأفكار الدينية والأبوية ، الرغبة في إحياء الروح الدينية والميزات الأسلوبية للرسم الإيطالي والألماني في القرن الخامس عشر. غذى إبداع الناصريين (F. Overbeck ، J. Schnorr von Karolsfeld ، P. Cornelius and others) ، الذين أصبح موقعهم محافظًا بشكل خاص بحلول منتصف القرن التاسع عشر. بالنسبة للفنانين في مدرسة دوسلدورف ، إلى حد ما قريب من الرومانسية ، بالإضافة إلى تمجيد رواسب العصور الوسطى بروح الشعر الرومانسي الحديث ، كانت العاطفة والتسلية الحبكة من السمات المميزة. أصبح العمل الإبداعي لممثلي Biedermeier (F. Waldmüller ، I.P. Hasenklever ، F. Kruger) و K. Blechen نوعًا من الانصهار لمبادئ الرومانسية الألمانية ، غالبًا ما يميل إلى إضفاء الطابع الشعري على الواقعية العادية والخاصة. من الثلث الثاني من القرن التاسع عشر. استمر خط الرومانسية الألمانية ، من ناحية ، في الرسم الأكاديمي الباهت لصالون ف.كاولباخ وك.بيلوتي ، ومن ناحية أخرى ، في الأعمال الملحمية والاستعارية لريختر والسرد النوعي ، الغرفة- أعمال السبر لـ K. Spitzweg و M. von Schwind. حددت الجماليات الرومانسية إلى حد كبير تشكيل عمل A. von Menzel ، الذي أصبح لاحقًا أكبر ممثل للواقعية الألمانية في القرن التاسع عشر. تمامًا كما في فرنسا ، كانت الرومانسية الألمانية المتأخرة (إلى حد أكبر من الفرنسية ، التي استوعبت سمات المذهب الطبيعي ثم "الحديثة") بحلول نهاية القرن التاسع عشر. مغلق بالرمزية (H. Thoma، F. von Stuck and M. Klinger، Swiss A. Böcklin).

في بريطانيا العظمى في النصف الأول من القرن التاسع عشر. تتميز المناظر الطبيعية في J.Contable و R. Bonington بقرب معين من الرومانسية الفرنسية وفي نفس الوقت الأصالة ، والميل الواقعي الواضح ، والمناظر الطبيعية من قبل W. Turner ، من خلال الخيال الرومانسي والبحث عن وسائل تعبيرية جديدة. التطلعات الدينية والصوفية ، والتعلق بثقافة العصور الوسطى وعصر النهضة المبكر ، وكذلك الآمال في إحياء العمل الحرفي ، ميزت الحركة الرومانسية المتأخرة لما قبل الرفائيلية (DG Rossetti ، JE Milles ، H. Hunt ، E. بيرن جونز ، إلخ) ...

في الولايات المتحدة ، طوال القرن التاسع عشر. تم تمثيل الاتجاه الرومانسي بشكل أساسي بالمناظر الطبيعية (T. Cole ، J. Inness ، A. P. Ryder). تطورت المناظر الطبيعية الرومانسية في بلدان أخرى ، لكن المحتوى الرئيسي للرومانسية في تلك البلدان الأوروبية حيث كان الوعي الوطني يستيقظ كان الاهتمام بالتراث الثقافي والفني المحلي ، وموضوعات الحياة الشعبية ، والتاريخ الوطني ، ونضال التحرير. هذا هو عمل G. Wappers و L. Galle و H. Leys و A. Wirtz في بلجيكا و F. Ayes و D. و J. Induno و J. Carnevali و D. Morelli في إيطاليا و D. A. Siqueira في البرتغال ، والممثلين costumbrism في أمريكا اللاتينية ، I.Manes و I. Navratila في جمهورية التشيك ، M. Barabash و V. Madaras في المجر ، AO Orlovsky ، P. Michalovsky ، H. Rodakovsky والراحل الرومانسي J.Matejko في بولندا. ساهمت الحركة الرومانسية الوطنية في البلدان السلافية والدول الاسكندنافية ودول البلطيق في تشكيل وتقوية مدارس الفنون المحلية.

في روسيا ، تجلت الرومانسية بدرجات متفاوتة في أعمال العديد من الأساتذة - في الرسم والرسومات لأو أورلوفسكي الذي انتقل إلى سانت بطرسبرغ ، في صور O.A Kiprensky ، وجزئيًا في V.A. كان للرومانسية تأثير كبير على تشكيل المشهد الروسي (عمل Silv. F. Shchedrin ، Vorobyov MN ، MI Lebedev ؛ أعمال الشاب IK Aivazovsky). كانت سمات الرومانسية متناقضة مع الكلاسيكية في أعمال K.P.Bryullov ، F.A.Brone ، F.P.Tolstoy ؛ في الوقت نفسه ، تقدم صور Bryullov واحدة من أكثر التعبيرات حيوية عن مبادئ الرومانسية في الفن الروسي. إلى حد ما ، أثرت الرومانسية على لوحة P. A. Fedotov و A. A. Ivanov.

الرومانسية في العمارة.

من أعظم الأحداث في تاريخ العالم- عظيم فرنسي ثورة - أصبحت لحظة مصيرية ليس فقط في الحياة السياسية ، ولكن أيضًا في الحياة الثقافية للعالم كله. في نهاية القرنين الثامن عشر والنصف الأول من القرن التاسع عشر ، أصبحت الرومانسية هي الاتجاه السائد في الفن في أمريكا وأوروبا.

انتهى عصر التنوير بالثورة البرجوازية الكبرى. واختفى معها الشعور بالاستقرار والنظام والطمأنينة. غرس الأفكار المعلنة حديثًا عن الأخوة والمساواة والحرية تفاؤلًا لا حدود له وإيمانًا بالمستقبل ، ومثل هذا الاضطراب الدراماتيكي - الخوف والشعور بعدم الأمان. بدا أن الماضي هو تلك الجزيرة المنقذة حيث يسود الخير واللياقة والإخلاص ، والأهم من ذلك ، الثبات. لذلك ، في إضفاء الطابع المثالي على الماضي والبحث عن مكان الشخص في العالم الواسع ، ولدت الرومانسية.

يرتبط ازدهار الرومانسية في العمارة باستخدام تصميمات وطرق ومواد بناء جديدة. تظهر هياكل معدنية مختلفة ، أقيمت الجسور. تم تطوير تقنيات الإنتاج الرخيص للحديد والصلب.

تنكر الرومانسية بساطة الأشكال المعمارية ، وتقدم بدلاً من ذلك التنوع والحرية والصور الظلية المعقدة. التماثل يفقد الأهمية القصوى.

يُحقق الأسلوب أغنى طبقة ثقافية من البلدان الأجنبية ، والتي كانت بعيدة عن الأوروبيين لفترة طويلة. لم يتم التعرف على العمارة اليونانية والرومانية القديمة فقط على أنها ذات قيمة ، ولكن أيضًا الثقافات الأخرى. تصبح العمارة القوطية أساس الرومانسية. يتم إيلاء اهتمام خاص للعمارة الشرقية. هناك وعي بضرورة حماية وإحياء الآثار الثقافية للعصور الماضية.

تتميز الرومانسية بطمس الحدود بين الطبيعة والاصطناعية: يتم تصميم الحدائق والخزانات الاصطناعية والشلالات. المباني محاطة بالأقواس والشرفات وتقليد الأبراج القديمة. تفضل الرومانسية ألوان الباستيل.

تنكر الرومانسية القواعد والشرائع ؛ ليس لديها محرمات صارمة أو عناصر إلزامية تمامًا. المعايير الرئيسية هي حرية التعبير ، وزيادة الاهتمام بالشخصية البشرية ، والاسترخاء الإبداعي.

في الداخل الحديث ، تُفهم الرومانسية على أنها دعوة لأشكال الفولكلور والمواد الطبيعية - تزوير ، وحجر بري ، وخشب خشن ، لكن هذا الأسلوب لا علاقة له بالاتجاه المعماري في مطلع القرنين الثامن عشر والتاسع عشر.

الرومانسية في الرسم.

إذا كانت فرنسا هي سلف الكلاسيكية ، فعندئذ كتب أحد معاصريه "من أجل العثور على جذور ... المدرسة الرومانسية ، يجب أن نذهب إلى ألمانيا. ولدت هناك ، وهناك طور الرومانسيون الإيطاليون والفرنسيون أذواقهم ".

لم تعرف ألمانيا المجزأة انتفاضة ثورية. كان العديد من الرومانسيين الألمان غريبين على رثاء الأفكار الاجتماعية المتقدمة. لقد جعلوا العصور الوسطى مثالية. لقد سلموا أنفسهم لدوافع عاطفية غير خاضعة للمساءلة ، وتحدثوا عن التخلي عن الحياة البشرية. كان فن العديد منهم سلبيًا وتأمليًا. لقد ابتكروا أفضل أعمالهم في مجال الرسم الرأسي والمناظر الطبيعية.

كان رسام بورتريه رائع أوتو رانج (1777-1810). تدهش صور هذا السيد بحياتها الداخلية الشديدة والمتوترة مع الهدوء الخارجي.

صورة الشاعر الرومانسي رانج إن " تصوير شخصي". إنه يفحص نفسه بعناية ويرى شابًا ذا شعر داكن ، عيون داكنة ، جاد ، مليء بالطاقة ، مفكر وقوي الإرادة. فنان رومانسي يريد أن يعرف نفسه. الطريقة التي يتم بها تنفيذ الصورة سريعة وكاسحة ، كما لو أن الطاقة الروحية للخالق يجب أن تنتقل في نسيج العمل ؛ في التدرج اللوني الداكن تظهر تباينات الضوء والظلام. التباين هو تقنية تصويرية مميزة للسادة الرومانسيين.

سيحاول الفنان الرومانسي دائمًا اللحاق بالمزاج المتغير لشخص ما ، للنظر في روحه. وفي هذا الصدد ، ستكون صور الأطفال بمثابة مادة خصبة له. في " صورة الأطفال هولسينبيك” (1805) لا ينقل Runge حيوية وعفوية شخصية الطفل فحسب ، بل يجد أيضًا تقنية خاصة لمزاج مشرق. الخلفية في الصورة عبارة عن منظر طبيعي ، لا يشهد فقط على الهبة الملونة للفنان ، وهو موقف رائع من الطبيعة ، ولكن أيضًا على ظهور مشاكل جديدة في الاستنساخ البارع للعلاقات المكانية ، والظلال الخفيفة للأشياء في العراء الهواء. سيد رومانسي ، يرغب في دمج "أنا" مع اتساع الكون ، يسعى جاهداً لالتقاط المظهر الحسي الملموس للطبيعة. ولكن مع هذه الحسية للصورة ، فإنه يفضل رؤية رمز العالم الكبير ، "فكرة الفنان".

كان رونج من أوائل الفنانين الرومانسيين الذين حددوا لنفسه مهمة توليف الفنون: الرسم والنحت والعمارة والموسيقى. يتخيل الفنان ، ويعزز مفهومه الفلسفي بأفكار المفكر الألماني الشهير في النصف الأول من القرن السابع عشر. يعقوب بوهمه. العالم هو نوع من الكل الصوفي ، كل جزء منه يعبر عن الكل. ترتبط هذه الفكرة بالرومانسيين في القارة الأوروبية بأكملها.

رسام رومانسي ألماني بارز آخر كاسبار ديفيد فريدريك (1774-1840) فضل المناظر الطبيعية على جميع الأنواع الأخرى ورسم طوال حياته صورًا للطبيعة فقط. الدافع الرئيسي لعمل فريدريك هو فكرة وحدة الإنسان والطبيعة.

"استمع إلى صوت الطبيعة الذي يتحدث فينا" ، يوجه الفنان طلابه. يجسد العالم الداخلي للشخص ما لا نهاية للكون ، لذلك ، بعد أن سمع نفسه ، يكون الشخص قادرًا على فهم الأعماق الروحية للعالم.

يحدد موضع الاستماع الشكل الأساسي "للتواصل" البشري مع الطبيعة وصورتها. هذه هي عظمة وغموض وتنوير الطبيعة والحالة الواعية للمراقب. صحيح ، في كثير من الأحيان لا يسمح فريدريش لشخص ما بـ "دخول" مساحة المناظر الطبيعية للوحاته ، ولكن في الاختراق الدقيق للهيكل الخيالي للمساحات الممتدة ، يتم الشعور بوجود شعور ، وتجربة الشخص. لا تدخل الذاتية في تصوير المناظر الطبيعية في الفن إلا مع إبداع الرومانسيين ، مما ينذر بالكشف الغنائي عن الطبيعة من قبل أسياد النصف الثاني من القرن التاسع عشر. ويشير الباحثون في أعمال فريدريش إلى "توسيع ذخيرة" أشكال المناظر الطبيعية . يهتم المؤلف بالبحر والجبال والغابات والظلال المختلفة لحالة الطبيعة في أوقات مختلفة من السنة واليوم.

1811-1812 تميزت بخلق سلسلة من المناظر الطبيعية للجبال نتيجة رحلة الفنان إلى الجبال. ” صباح في الجبال” يمثل بشكل رائع واقعًا طبيعيًا جديدًا يولد في أشعة الشمس المشرقة. تغلف نغمات البنفسج وتحرمهم من الحجم ووزن المادة. حوّلت سنوات المعركة مع نابليون (1812-1813) فريدريك نحو موضوعات وطنية. يوضح ، مستوحى من دراما كلايست ، يكتب “ قبر أرمينيا” - منظر طبيعي مع قبور الأبطال الجرمانيين القدماء.

كان فريدريك أستاذًا بارعًا في المناظر البحرية: “ الأعمار” , “ شروق الشمس القمر في الاعلى عن طريق البحر” , ” الموت “ آمال” في جليد” .

اخر اعمال الفنان - “ استرخاء على حقل” , “ كبير مستنقع” و “ ذاكرة حول عملاق الجبال” , ” عملاق الجبال” - سلسلة من التلال والأحجار الجبلية في المقدمة المظلمة. هذا ، على ما يبدو ، هو عودة إلى الشعور المختبَر بانتصار الشخص على نفسه ، وفرحة الصعود إلى "قمة العالم" ، والسعي لإشراق مرتفعات لا تقهر. تؤلف مشاعر الفنان هذه الكتل الجبلية بطريقة خاصة ، ومرة \u200b\u200bأخرى تقرأ الحركة من ظلام الخطوات الأولى إلى نور المستقبل. تم تسليط الضوء على قمة الجبل في الخلفية كمركز للتطلعات الروحية للسيد. اللوحة ترابطية للغاية ، مثل أي إبداع للرومانسيين ، وتقترح مستويات مختلفة من القراءة والتفسير.

فريدريش دقيق للغاية في الرسم والموسيقى والتناغم في البناء الإيقاعي للوحاته ، حيث يحاول التحدث بعواطف اللون وتأثيرات الضوء. "يُعطى الكثيرون القليل ، والقليل يُمنحون الكثير. تنفتح روح الطبيعة على الجميع بطريقة مختلفة. لذلك ، لا أحد يجرؤ على نقل خبرته وقواعده إلى شخص آخر كقانون ملزم وغير مشروط. لا أحد هو المقياس للجميع. كل شخص يحمل في داخله مقياسًا لنفسه فقط وللطبيعة الأقرب إلى حد ما لنفسه "- وهذا الانعكاس للسيد يثبت النزاهة المذهلة لحياته الداخلية وإبداعه. إن تفرد الفنان لا يمكن ملاحظته إلا في حرية عمله - وهذا ما يمثله فريدريش الرومانسي.

يبدو أن التفريق بين الفنانين - "الكلاسيكيات" - ممثلو الكلاسيكية لفرع آخر للرسم الرومانسي في ألمانيا - الناصريون... تأسست في فيينا واستقرت في روما (1809-1810) ، وحد اتحاد القديس لوقا الأساتذة بفكرة إحياء الفن الضخم للقضايا الدينية. كانت العصور الوسطى فترة مفضلة في التاريخ للرومانسيين. لكن في سعيهم الفني ، تحول الناصريون إلى تقاليد الرسم في أوائل عصر النهضة في إيطاليا وألمانيا. كان أوفربيك وجيفور من المبادرين لتحالف جديد ، والذي انضم لاحقًا إلى كورنيليوس ، شنوف فون كارولسفيلد ، فيث فوريش.

كان للحركة الناصرية أشكالها الخاصة من المعارضة للأكاديميين الكلاسيكيين في فرنسا وإيطاليا وإنجلترا. على سبيل المثال ، في فرنسا ، ظهر ما يسمى بالفنانين البدائيين من ورشة ديفيد ، في إنجلترا ، Pre-Raphaelites. بروح التقليد الرومانسي ، اعتبروا الفن "تعبيرًا عن الوقت" ، "روح الشعب" ، لكن تفضيلاتهم الموضوعية أو الرسمية ، التي بدت في البداية كشعار للتوحيد ، بعد فترة من الزمن. في نفس المبادئ العقائدية مثل تلك الخاصة بالأكاديمية ، والتي رفضوها.

تطور فن الرومانسية في فرنسا بطرق خاصة. أول ما يميزها عن الحركات المماثلة في البلدان الأخرى هو طابعها النشط والعدواني ("الثوري"). دافع الشعراء والكتاب والموسيقيون والفنانون عن مواقفهم ليس فقط من خلال إنشاء أعمال جديدة ، ولكن أيضًا من خلال المشاركة في الجدل في المجلات والصحف ، والتي وصفها الباحثون بأنها "معركة رومانسية". مشاهير في. هوغو وستيندال وجورج ساند وبرليوز والعديد من الكتاب والملحنين والصحفيين الفرنسيين "شحذوا أقلامهم" في الجدل الرومانسي.

تظهر الرسم الرومانسي في فرنسا كمعارضة لمدرسة ديفيد الكلاسيكية ، الفن الأكاديمي المسماة "المدرسة" بشكل عام. لكن يجب فهم ذلك على نطاق أوسع: لقد كان معارضة للأيديولوجية الرسمية للعصر الرجعي ، واحتجاجًا على ضيق الأفق الضيق. ومن هنا جاءت الطبيعة المثيرة للشفقة للأعمال الرومانسية ، وإثارة التوتر لديهم ، وانجذابهم نحو الدوافع الغريبة ، والمؤامرات التاريخية والأدبية ، إلى كل ما يمكن أن يؤدي إلى الابتعاد عن "الحياة اليومية الباهتة" ، ومن هنا جاءت لعبة الخيال هذه ، وأحيانًا على العكس من ذلك ، أحلام اليقظة ونقص كامل في النشاط.

ممثلو "المدرسة" ، الأكاديميون ، تمردوا ، أولاً وقبل كل شيء ، على لغة الرومانسيين: لونهم الحار المثير ، ونمذجةهم للشكل ، وليس النموذج المعتاد لـ "الكلاسيكيات" ، والتماثيل البلاستيكية ، ولكن مبني على تباين قوي للبقع الملونة. تصميمها التعبيري ، والتخلي عن الدقة عن عمد ؛ تركيبتها الجريئة ، الفوضوية في بعض الأحيان ، الخالية من الجلالة والهدوء الذي لا يتزعزع. قال إنجرس ، العدو اللدود للرومانسيين ، حتى نهاية حياته أن ديلاكروا "كتب بمكنسة مجنونة" ، واتهم ديلاكروا إنجرس وجميع فناني "المدرسة" بالبرودة والعقلانية وقلة الحركة ، وأنهم لا تكتب ، بل "ترسم" لوحاتك. لكنه لم يكن صدامًا بسيطًا بين شخصين لامعين مختلفين تمامًا ، بل كان صراعًا بين نظرتين فنيتين مختلفتين للعالم.

استمر هذا الصراع قرابة نصف قرن ، وحققت الرومانسية في الفن انتصارات ليس بسهولة وليس على الفور ، وكان الفنان الأول في هذا الاتجاه هو ثيودور جيريكولت (1791-1824) - سيد الأشكال البطولية الضخمة ، الذي جمع في عمله كلاً من السمات الكلاسيكية وخصائص الرومانسية نفسها ، وأخيراً ، مبدأ واقعي قوي ، كان له تأثير كبير على فن الواقعية في الوسط القرن ال 19. لكن خلال حياته ، لم يكن موضع تقدير سوى عدد قليل من الأصدقاء المقربين.

ترتبط أول نجاحات رائعة للرومانسية باسم ثيودور زاريكو. بالفعل في لوحاته المبكرة (صور الجيش ، صور الخيول) ، تراجعت المثل القديمة أمام تصور مباشر للحياة.

في الصالون عام 1812 ، يظهر Gericault لوحة “ ضابط إمبراطوري الفروسية حراس الطرائد في زمن الهجمات”. كانت سنة ذروة مجد نابليون وقوة فرنسا العسكرية.

يعرض تكوين الصورة الفارس في منظور غير عادي للحظة "المفاجئة" ، عندما تربى الحصان ، والتفت الفارس ، مع الحفاظ على الوضع الرأسي تقريبًا للحصان ، إلى المشاهد. إن صورة هذه اللحظة من عدم الاستقرار ، واستحالة الموقف يعزز تأثير الحركة. يمتلك الحصان نقطة دعم واحدة ، يجب أن يسقط على الأرض ، ويدور نفسه في المعركة التي أوصلته إلى مثل هذه الحالة. تقاربت كثيرًا في هذا العمل: إيمان Gericault غير المشروط بإمكانية امتلاك شخص بمفرده ، وحبه العاطفي لصورة الخيول وشجاعة سيد مبتدئ في إظهار ما كان يمكن نقله سابقًا فقط بالموسيقى أو لغة الشعر - إثارة المعركة ، بداية الهجوم ، التوتر المطلق لقوى كائن حي ... بنى المؤلف الشاب صورته على نقل ديناميكيات الحركة ، وكان من المهم بالنسبة له ضبط المشاهد لـ "تخمين" ما يريد تصويره.

لم تكن تقاليد ديناميكيات السرد التصويري للرومانسية في فرنسا عمليًا ، باستثناء نقوش المعابد القوطية ، لأنه عندما جاء جيريكو إلى إيطاليا لأول مرة ، صُدم بالقوة الخفية لتراكيب مايكل أنجلو. يكتب: "كنت أرتجف ، كنت أشك في نفسي ولم أستطع التعافي من هذه التجربة لفترة طويلة". لكن Stendhal أشار إلى مايكل أنجلو باعتباره رائدًا لاتجاه أسلوبي جديد في الفن حتى في وقت سابق في مقالاته الجدلية.

لم تعلن لوحة Gericault عن ولادة موهبة فنية جديدة فحسب ، بل أشادت أيضًا بحماس المؤلف وخيبة أمله من أفكار نابليون. ترتبط العديد من الأعمال الأخرى بهذا الموضوع: ضابط كاربينيري”, “ ضابط cuirassier أمامي هجوم”, “ صورة كاربينيري”, “ جرحى cuirassier”.

في أطروحة "تأمل في حالة الرسم في فرنسا" كتب أن "الرفاهية والفن أصبحا ... ضرورة ، كما كانا ، غذاء للخيال ، وهو الحياة الثانية لشخص متحضر ... دون أن تكون ضرورة أساسية ، تظهر الفنون فقط عندما يتم تلبية الاحتياجات الأساسية عند وصول الوفرة. الرجل الذي تحرر من الهموم اليومية بدأ يبحث عن المتعة من أجل التخلص من الملل الذي لا محالة سيغمره في خضم القناعة ".

أظهر هذا الفهم للدور التعليمي والإنساني للفن من قبل Gericault بعد عودته من إيطاليا في عام 1818 - بدأ في الانخراط في الطباعة الحجرية ، مكررًا مجموعة متنوعة من الموضوعات ، بما في ذلك هزيمة نابليون ( “ إرجاع من من روسيا” ).

في الوقت نفسه ، يتجه الفنان إلى تصوير موت الفرقاطة "ميدوسا" قبالة سواحل إفريقيا ، الأمر الذي أثار غضب المجتمع بشكل كبير. كانت الكارثة بسبب خطأ قبطان عديم الخبرة تم تعيينه في هذا المنصب تحت رعاية. تحدث ركاب السفينة الناجون ، الجراح سافيني والمهندس كوريار ، بالتفصيل عن الحادث.

تمكنت السفينة المحتضرة من التخلص من الطوافة التي وصل إليها عدد قليل من الأشخاص الذين تم إنقاذهم. لمدة اثني عشر يومًا ، تم حملهم في البحر العاصف ، حتى تم إنقاذهم بواسطة السفينة "أرجوس".

كان Gericault مهتمًا بحالة التوتر الشديد للقوة الروحية والجسدية البشرية. صورت اللوحة 15 راكبا ناجين على طوف عندما رأوا Argus في الأفق. “ طوف “ قناديل البحر” كانت نتيجة عمل تحضيري طويل للفنان. قام بعمل العديد من الرسوم التخطيطية للبحر الهائج ، صور الأشخاص الذين تم إنقاذهم في المستشفى. في البداية ، أراد Gericault إظهار نضال الناس على طوافة مع بعضهم البعض ، لكنه استقر بعد ذلك على السلوك البطولي للمنتصرين بعنصر البحر وإهمال الدولة. لقد تحمل الناس المحنة بشجاعة ، ولم يتركهم أمل الخلاص: فلكل مجموعة على الطوف خصائصها الخاصة. في تكوين التكوين ، اختار Gericault وجهة نظر من أعلى ، مما سمح له بدمج التغطية البانورامية للفضاء (مسافات البحر) والتصوير ، مما جعل جميع سكان الطوافة أقرب إلى المقدمة. إن وضوح إيقاع نمو الديناميكيات من مجموعة إلى أخرى ، وجمال الأجساد العارية ، والتلوين الغامق للصورة ، يحدد ملاحظة معينة لاتساق الصورة. لكن هذا ليس جوهر الأمر بالنسبة إلى المشاهد المدرك ، الذي تساعده اصطلاحية اللغة على فهم الشيء الرئيسي والشعور به: قدرة الشخص على القتال والفوز.

فتح ابتكار Gericault إمكانيات جديدة لنقل الحركة التي أثارت الرومانسيين ، والمشاعر الكامنة للشخص ، والتعبير الملون للصورة.

أصبح وريث Gericault في بحثه يوجين ديلاكروا... صحيح ، تم إصدار Delacroix ضعف طول حياته ، ولم يتمكن فقط من إثبات صحة الرومانسية ، ولكن أيضًا لمباركة اتجاه جديد في الرسم في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. - الانطباعية.

قبل أن يبدأ الكتابة بمفرده ، درس يوجين في مدرسة ليرين: لقد رسم من الحياة ، ونسخ العظماء روبنز ، ورامبرانت ، وفيرونيز ، وتيتيان في متحف اللوفر ... كان الفنان الشاب يعمل 10-12 ساعة في اليوم. تذكر كلمات مايكل أنجلو العظيم: "الرسم عشيقة غيورة ، إنها تتطلب الشخص كله ..."

كان ديلاكروا ، بعد خطابات Gericault التوضيحية ، مدركًا جيدًا أن أوقات الاضطراب العاطفي القوي قد حان في الفن. أولاً ، يحاول فهم حقبة جديدة له من خلال المؤامرات الأدبية المعروفة. صورته “ دانتي و فيرجيل” قدم في الصالون عام 1822 محاولة من خلال الصور الترابطية التاريخية لشاعرين: العصور القديمة - فيرجيل وعصر النهضة - دانتي - لإلقاء نظرة على المرجل المغلي ، "جحيم" العصر الحديث. مرة واحدة في "الكوميديا \u200b\u200bالإلهية" ، اتخذ دانتي فيرجيل دليلاً له لجميع المجالات (الجنة ، الجحيم ، المطهر). في عمل دانتي ، نشأ عالم نهضة جديد من خلال تجربة العصور الوسطى في ذاكرة العصور القديمة. نشأ رمز الرومانسية كتوليف للعصور القديمة وعصر النهضة والعصور الوسطى في "رعب" رؤى دانتي وفيرجيل. لكن تبين أن القصة الرمزية الفلسفية المعقدة هي توضيح عاطفي جيد لعصر ما قبل عصر النهضة والتحفة الأدبية الخالدة.

سيحاول ديلاكروا إيجاد استجابة مباشرة في قلوب معاصريه من خلال وجع قلبه. يتألق الشباب في ذلك الوقت بالحرية والكراهية تجاه الظالمين ، ويتعاطفون مع حرب تحرير اليونان. الشاعر الرومانسي لإنجلترا - بايرون يذهب هناك للقتال. يرى ديلاكروا معنى حقبة جديدة في تصوير حدث تاريخي أكثر واقعية - كفاح ومعاناة اليونان المحبة للحرية. يسهب في الحديث عن مؤامرة موت سكان جزيرة خيوس اليونانية ، التي استولى عليها الأتراك. في صالون عام 1824 ، يعرض ديلاكروا لوحة “ مذبحة على جزيرة خيوس”. على خلفية الفضاء اللامتناهي من التضاريس الجبلية ، والتي لا تزال تصرخ من دخان الحرائق والمعارك المستمرة ، تظهر الفنانة عدة مجموعات من النساء والأطفال المصابين والمنهكين. لقد تركوا مع الدقائق الأخيرة من الحرية قبل اقتراب الأعداء. يبدو أن تركيًا على حصان تربية على اليمين يتدلى من المقدمة بأكملها والعديد من المصابين هناك. أجساد جميلة ، وجوه كاملة الناس. بالمناسبة ، كتب ديلاكروا لاحقًا أن النحت اليوناني قد تم تحويله من قبل الفنانين إلى الهيروغليفية ، وإخفاء الجمال اليوناني الحقيقي للوجه والشكل. لكن ، باكتشاف "جمال الروح" في وجوه اليونانيين المهزومين ، يقوم الرسام بتجسيد الأحداث الجارية حتى يحافظ على وتيرة توتر ديناميكية واحدة ، يذهب إلى تشويه زوايا الشخصيات. تم بالفعل "حل" هذه "الأخطاء" من خلال عمل Gericault ، لكن Delacroix يوضح مرة أخرى العقيدة الرومانسية القائلة بأن الرسم "ليس حقيقة الموقف ، بل حقيقة الشعور".

في عام 1824 فقد ديلاكروا صديقه ومعلمه - جيريكولت. وأصبح قائد اللوحة الجديدة.

مرت السنوات. ظهرت الصور واحدة تلو الأخرى: “ اليونان على أثار Missalungi”, “ الموت ساردانابالا” وغير ذلك .. أصبح الفنان منبوذا في دوائر الرسامين. لكن ثورة يوليو 1830 غيرت الوضع. تشعل الفنانة برومانسية الانتصارات والإنجازات. يرسم صورة “ حرية على المتاريس”.

في عام 1831 ، في صالون باريس ، رأى الفرنسيون هذه اللوحة لأول مرة مكرسة "للأيام الثلاثة المجيدة" لثورة يوليو عام 1830. تركت اللوحة انطباعًا مذهلاً على المعاصرين بقوتها وديمقراطيتها وجرأتها في الحل الفني. وفقا للأسطورة ، صاح برجوازي محترم: "أنت تقول - رئيس المدرسة؟ أفضل قول - رأس التمرد! " بعد إغلاق الصالون ، سارعت الحكومة ، التي خافت من النداء الهائل والملهم من اللوحة ، إلى إعادتها إلى مؤلفها. خلال ثورة 1848 ، تم عرضه مرة أخرى للجمهور في قصر لوكسمبورغ. وأعادوه للفنانة مرة أخرى. فقط بعد عرض اللوحة في المعرض العالمي في باريس عام 1855 ، وصلت إلى متحف اللوفر. لا يزال يضم هذا أحد أفضل إبداعات الرومانسية الفرنسية - شهادة شهود عيان ملهمة ونصب تذكاري أبدي لنضال الشعب من أجل حريتهم.

ما هي اللغة الفنية التي وجدها الشباب الرومانسي الفرنسي من أجل دمج هذين المبدأين المتعارضين ظاهريًا - تعميم واسع شامل وواقع ملموس ، قاسي في عريته؟

باريس من أيام يوليو الشهيرة عام 1830. من بعيد ، بالكاد يمكن ملاحظته ، ولكن بفخر ترتفع أبراج كاتدرائية نوتردام - رمز التاريخ والثقافة وروح الشعب الفرنسي. من هناك ، من المدينة الدخانية ، فوق أنقاض المتاريس ، فوق جثث رفاقهم القتلى ، يتقدم المتمردون بعناد وحزم. كل واحد منهم يمكن أن يموت ، لكن خطوة المتمردين لا تتزعزع - فهم مستوحون من إرادة النصر والحرية.

تتجسد هذه القوة الملهمة في صورة امرأة شابة جميلة ، في اندفاع عاطفي يناديها. مع طاقة لا تنضب ، وسرعة حركة حرة وشابة ، فهي مثل إلهة النصر اليونانية نايك. شخصيتها القوية ترتدي ثوب خيتون ، وجهها بملامح مثالية ، بعيون متوهجة ، تحول إلى المتمردين. في إحدى يديها تحمل راية فرنسا ذات الألوان الثلاثة ، ومن ناحية أخرى - بندقية. على رأسه قبعة فريجية - رمز قديم للتحرر من العبودية. خطوتها سريعة وخفيفة - هكذا تخطو الآلهة. في نفس الوقت ، صورة المرأة حقيقية - إنها ابنة الشعب الفرنسي. إنها القوة الدافعة وراء تحرك المجموعة على المتاريس. منه ، كمصدر للضوء في مركز الطاقة ، تشع الأشعة ، مشحونة بالعطش والإرادة للنصر. أولئك الذين هم على مقربة منه ، كل على طريقته الخاصة ، يعبرون عن مشاركتهم في هذا النداء الملهم.

إلى اليمين صبي ، لاعب ألعاب باريسي يلوح بمسدساته. إنه الأقرب إلى الحرية وهو نوع من تأجيجها بحماسها وفرحها بدافع الحرية. في حركة سريعة ونفاد صبر صبياني ، يتقدم قليلاً على ملهمه. هذا هو سلف جافروش الأسطوري ، الذي صوره فيكتور هوغو بعد عشرين عامًا في فيلم Les Miserables: "Gavroche ، المليء بالإلهام والمتألق ، تولى مهمة وضع كل شيء في الحركة. انطلق ذهابًا وإيابًا ، صعد ، نزل ، صعد مرة أخرى ، أحدث ضوضاء متألقة من الفرح. يبدو أنه جاء إلى هنا ليبتهج الجميع. هل كان لديه أي حافز لهذا؟ نعم بالطبع فقره. هل كان لديه أجنحة؟ نعم بالطبع بهجه. لقد كان نوعًا من الزوبعة. بدا وكأنه يملأ الهواء ، حيث كان حاضرًا في كل مكان في نفس الوقت ... شعرت به حواجز ضخمة على تلالهم ".

Gavroche في لوحة Delacroix هو تجسيد للشباب ، "دافع رائع" ، قبول مبهج لفكرة الحرية المشرقة. يبدو أن هناك صورتان - جافروش وسفوبودا - تكملان بعضهما البعض: إحداهما نار ، والأخرى شعلة مضاءة منها. روى هاينريش هاينه كيف أثارت شخصية جافروش استجابة حية من الباريسيين. "الجحيم! صرخ تاجر بقالة: "هؤلاء الأولاد قاتلوا مثل العمالقة!"

على اليسار طالب يحمل سلاحًا. في السابق ، كان يُنظر إليه على أنه صورة ذاتية للفنان. هذا المتمرد ليس سريعًا مثل جافروش. حركته أكثر انضباطا وتركيزا وذات مغزى. قبضة الأيدي بثقة ماسورة البندقية ، والوجه يعبر عن الشجاعة والتصميم الراسخ على الوقوف حتى النهاية. هذه صورة مأساوية للغاية. يدرك الطالب حتمية الخسائر التي سيتكبدها المتمردون ، لكن الضحايا لا يخافونه - إرادة الحرية أقوى. يقف خلفه عامل شجاع وحازم يحمل صابرًا. الرجل الجريح عند قدمي الحرية. إنه ينهض بصعوبة لكي ينظر مرة أخرى ، إلى الحرية ، ويرى وبكل قلبه يشعر بالجمال الذي من أجله يموت. يجلب هذا الرقم بداية مثيرة لصوت قماش ديلاكروا. إذا كانت صور جافروش ، سفوبودا ، طالب ، عامل هي رموز تقريبًا ، تجسيدًا للإرادة التي لا تنضب لمقاتلي الحرية - تلهم المشاهد وتدعو إليه ، فإن الشخص المصاب يناشد التعاطف. الرجل يقول وداعا للحرية ، ويقول وداعا للحياة. إنه لا يزال دافعًا ، وحركة ، ولكنه بالفعل دافع يتلاشى.

شخصيته انتقالية. نظرة المشاهد ، التي لا تزال مفتونة ومجردة بالعزيمة الثورية للمتمردين ، تنحدر إلى أسفل الحاجز ، مغطاة بجثث الجنود القتلى المجيد. يقدم الفنان الموت بكل عري ووضوح للحقيقة. نرى وجوه الموتى الزرقاء ، أجسادهم العارية: الكفاح بلا رحمة ، والموت هو نفس الرفيق المحتوم للمتمردين ، مثل إلهام الحرية الجميل.

من المشهد الرهيب عند الحافة السفلية للصورة ، نرفع نظرنا مرة أخرى ونرى شخصية شابة جميلة - لا! تفوز الحياة! إن فكرة الحرية ، المجسدة بشكل واضح وملموس ، موجهة إلى المستقبل بحيث أن الموت باسمها ليس فظيعًا.

يصور الفنان فقط مجموعة صغيرة من المتمردين أحياء وأموات. لكن المدافعين عن الحاجز يبدون كثيرين بشكل غير عادي. تم بناء التركيبة بطريقة لا تقتصر فيها مجموعة القتال ، ولا تنغلق في حد ذاتها. إنها ليست سوى جزء من سيل لا نهاية له من الناس. يعطي الفنان ، كما كان ، جزءًا من مجموعة: إطار الصورة يقطع الأشكال من اليسار واليمين والقاع.

عادة ، يكتسب اللون في أعمال Delacroix صوتًا عاطفيًا حادًا ، ويلعب دورًا مهيمنًا في خلق تأثير درامي. الدهانات ، التي تستعر أحيانًا ، وأحيانًا تتلاشى ، تخلق جوًا متوترًا. في « حرية على المتاريس» ديلاكروا ينحرف عن هذا المبدأ. بدقة شديدة ، لا لبس فيها في اختيار الطلاء ، وتطبيقه بضربات واسعة ، ينقل الفنان جو المعركة.

لكن نظام الألوان مقيد. يركز Delacroix على نمذجة الإغاثة للنموذج. كان هذا مطلوبًا من خلال الحل المجازي للصورة. بعد كل شيء ، يصور حدثًا محددًا بالأمس ، أنشأ الفنان أيضًا نصبًا تذكاريًا لهذا الحدث. لذلك ، فإن الأشكال تكاد تكون منحوتة. لذلك ، فإن كل حرف ، كونه جزءًا من صورة واحدة كاملة ، يشكل أيضًا شيئًا مغلقًا في حد ذاته ، ويمثل رمزًا ، مُلقى في شكل كامل. لذلك ، لا يؤثر اللون عاطفيًا على مشاعر المشاهد فحسب ، بل يحمل أيضًا عبئًا رمزيًا. في مساحة رمادية بنية ، هنا وهناك ، يظهر ثالوث مهيب من الأحمر والأزرق والأبيض - تتوهج ألوان علم الثورة الفرنسية عام 1789. يدعم التكرار المتكرر لهذه الألوان الوتر القوي للعلم ثلاثي الألوان الذي يرفرف فوق الحواجز.

اللوحة بواسطة ديلاكروا « حرية على المتاريس» - عمل معقد وعظيم في نطاقه. فهو يجمع بين مصداقية الحقيقة المرئية مباشرة ورمزية الصور ؛ الواقعية ، والوصول إلى الطبيعة الوحشية ، والجمال المثالي ؛ الإجمالي ، الرهيب والسامي ، النقي.

صورة “ حرية على المتاريس” عزز انتصار الرومانسية في الرسم الفرنسي. في الثلاثينيات ، تم رسم لوحتين تاريخيتين أخريين: “ معركة في بواتييه” و “ قتل أسقف لييج”.

في عام 1822 زار الفنان شمال إفريقيا والمغرب والجزائر. تركت الرحلة انطباعًا لا يمحى عليه. في الخمسينيات من القرن الماضي ، ظهرت لوحات في عمله مستوحاة من ذكريات هذه الرحلة: ” الصيد على أسود”, “ مغربي, سرج حصان” وغيرها. يخلق اللون المتباين الساطع صوتًا رومانسيًا لهذه الصور. تظهر تقنية السكتة الدماغية الواسعة فيها.

سجل ديلاكروا ، كرسام رومانسي ، حالة روحه ليس فقط بلغة الصور الخلابة ، ولكن أيضًا قام بتأطير أفكاره حرفيًا. وصف بشكل جيد العملية الإبداعية للفنان الرومانسي ، تجاربه على اللون ، تأملات في العلاقة بين الموسيقى وأشكال الفن الأخرى. أصبحت يومياته القراءة المفضلة لفناني الأجيال اللاحقة.

أدخلت المدرسة الفرنسية الرومانسية تغييرات كبيرة في مجال النحت (Rude and his Relief "Marseillaise") ، رسم المناظر الطبيعية (Camille Corot مع صوره في الهواء الطلق لطبيعة فرنسا).

بفضل الرومانسية ، تأخذ الرؤية الذاتية للفنان شكل القانون. ستدمر الانطباعية الحاجز بين الفنان والطبيعة تمامًا ، وتعلن الفن انطباعًا. يتحدث الرومانسيون عن خيال الفنان ، "صوت مشاعره" ، والذي يسمح بإيقاف العمل عندما يرى السيد أنه ضروري ، وليس كما تتطلب المعايير الأكاديمية للكمال.

إذا كانت تخيلات Gericault تركز على نقل الحركة ، فإن Delacroix - على القوة السحرية للون ، وأضاف الألمان إلى هذا "روحًا معينة من الرسم" ، فإن الرومانسيين الإسبان يمثلون فرانسيسكو جويا (1746-1828) أصول الفولكلور للأسلوب وطابعه الخيالي والرائع. يبدو غويا نفسه وعمله بعيدًا عن أي إطار أسلوبي ، خاصة وأن الفنان غالبًا ما كان عليه أن يتبع قوانين مادة التنفيذ (على سبيل المثال ، عندما كان يصنع لوحات للسجاد المنسوج المنسوج) أو متطلبات العملاء.

نُشرت أعماله الخيالية في سلسلة النقش “ كابريتشوس” (1797-1799), “ الكوارث الحروب” (1810-1820), “ المتناقضون (“ جنون”) (1815-1820) ، جداريات في بيت الصم وكنيسة سان أنطونيو دي لا فلوريدا في مدريد (1798). أدى مرض خطير في عام 1792 إلى إصابة الفنان بالصمم التام. يصبح فن السيد بعد الصدمة الجسدية والروحية أكثر تركيزًا ومدروسًا وديناميكية داخليًا. العالم الخارجي ، المغلق بسبب الصمم ، نشَّط الحياة الروحية الداخلية لغويا.

في النقش “ كابريتشوس” يحقق Goya قوة استثنائية في نقل ردود الفعل الفورية والمشاعر المتهورة. يكتسب الأداء باللونين الأبيض والأسود ، بفضل المزيج الجريء من النقاط الكبيرة ، وغياب الخاصية الخطية للرسومات ، جميع خصائص اللوحة.

يبدو أن لوحة كنيسة القديس أنطونيوس في مدريد غويا تخلق في نفس واحد. إن مزاج السكتة الدماغية ، ولغز التكوين ، والتعبير عن خصائص الشخصيات ، التي أخذ جويا نوعها مباشرة من الحشد ، مذهلة. يصور الفنان معجزة أنتوني فلوريدا ، الذي جعل الرجل المقتول ينهض ويتحدث ، الذي أطلق على القاتل وبالتالي أنقذ المحكوم البريء من الإعدام. يتم نقل ديناميكية الحشد الذي يتفاعل بشكل واضح في كل من الإيماءات وتعبيرات الوجه للوجوه المصورة. في المخطط التكويني لتوزيع الجداريات في فضاء الكنيسة ، يتبع الرسام Tiepolo ، لكن رد الفعل الذي يثيره في المشاهد ليس باروكيًا ، بل رومانسيًا بحتًا ، يؤثر على شعور كل مشاهد ، ويحثه على الرجوع إلى نفسه.

الأهم من ذلك كله ، تم تحقيق هذا الهدف في لوحة كونتو ديل سوردو ("بيت الصم") ، التي عاش فيها غويا منذ عام 1819. جدران الغرف مغطاة بخمسة عشر تشكيلًا ذات طبيعة رائعة واستعارية. يتطلب إدراكهم تعاطفًا عميقًا. تظهر الصور كنوع من رؤى المدن ، النساء ، الرجال ، إلخ. اللون ، الوامض ، يسحب شخصية واحدة ، ثم أخرى. اللوحة ككل داكنة ، بيضاء ، صفراء ، تسود فيها بقع حمراء وردية ، مزعجة للمشاعر في ومضات. يمكن اعتبار النقوش المحفورة للمسلسل رسمًا موازيًا لـ House of the Deaf “ المتناقضون” .

قضى غويا السنوات الأربع الماضية في فرنسا. من غير المحتمل أن تكون على علم بأن Delacroix لم يفترق أبدًا مع Caprichos. ولم أستطع أن أتوقع كيف سيُحمل هوجو وبودلير بعيدًا عن طريق هذه النقوش ، ما هو التأثير الكبير الذي ستحدثه رسوماته على مانيه ، وكيف سيكون ذلك في الثمانينيات من القرن التاسع عشر. سيدعو في. ستاسوف الفنانين الروس لدراسة "كوارث الحرب"

لكننا ، مع أخذ ذلك في الاعتبار ، نعرف ما هو التأثير الهائل لهذا الفن "بدون أسلوب" للواقعية الجريئة والرومانسية الملهمة على الثقافة الفنية في القرنين التاسع عشر والعشرين.

يتحقق عالم الأحلام الرائع في أعماله من قبل الفنان الرومانسي الإنجليزي وليام بليك(1757-1827). كانت إنجلترا هي الأرض الكلاسيكية للأدب الرومانسي. أصبح بايرون ، شيلي راية هذه الحركة خارج حدود "ضبابي ألبيون". في فرنسا ، في مجلة انتقاد "المعارك الرومانسية" ، أطلق على الرومانسيين لقب "شكسبير". لطالما كانت السمة الرئيسية للرسم الإنجليزي هي الاهتمام بالإنسان ، مما سمح لنوع اللوحة بالتطور بشكل مثمر. ترتبط الرومانسية في الرسم ارتباطًا وثيقًا بالعاطفية. أدى الاهتمام الرومانسي في العصور الوسطى إلى ظهور أدب تاريخي كبير ، كان سيده المعروف و. سكوت. في الرسم ، حدد موضوع العصور الوسطى ظهور ما يسمى ب Pre-Raphaelites.

ويليام بليك هو نوع مذهل من الرومانسية في المشهد الثقافي الإنجليزي. يكتب الشعر ويوضح كتبه وكتب الآخرين. سعت موهبته إلى احتضان العالم والتعبير عنه في وحدة شاملة. أشهر أعماله هي الرسوم التوضيحية لكتاب أيوب التوراتي ، وكوميديا \u200b\u200bدانتي الإلهية ، وجنة ميلتون المفقودة. يسكن مؤلفاته شخصيات عملاقة من الأبطال ، والتي تتوافق مع محيطهم لعالم مستنير أو وهمي غير واقعي. تملأ رسوماته التوضيحية إحساسًا بالفخر المتمرد أو الانسجام الذي يصعب تكوينه من التنافرات.

تحاول رومانسية بليك إيجاد صيغتها الفنية الخاصة وشكل وجود العالم.

ويليام بليك ، بعد أن عاش حياة في فقر مدقع وغموض ، بعد وفاته صُنف بين مجموعة كلاسيكيات الفن الإنجليزي.

في أعمال رسامي المناظر الطبيعية الإنجليز في أوائل القرن التاسع عشر. يتم الجمع بين الهوايات الرومانسية مع نظرة أكثر موضوعية ورصينة للطبيعة.

تخلق المناظر الطبيعية المرتفعة رومانسيًا وليام تيرنر (1775-1851). كان يحب تصوير العواصف الرعدية ، والاستحمام ، والعواصف في البحر ، وغروب الشمس الناري المشرق. غالبًا ما بالغ تيرنر في تأثيرات الإضاءة وضخّم صوت الألوان ، حتى أثناء رسم حالة الطبيعة الهادئة. لمزيد من التأثير ، استخدم تقنية الألوان المائية والطلاء الزيتي في طبقة رقيقة جدًا ورسمها مباشرة على الأرض ، مما أدى إلى الحصول على ظلال قزحية. سيكون المثال هو الصورة “ تمطر, بخار و سرعة” (1844). لكن حتى الناقد الشهير في ذلك الوقت لم يستطع ثاكيراي فهم الصورة بشكل صحيح ، ربما كان مبتكرًا في التصميم والتنفيذ. وكتب يقول: "المطر يشير إلى بقع من المعجون المتسخ" ، "يتم رشها بسكين لوح الألوان على القماش ، ويومض ضوء الشمس بشكل خافت من تحت كتل سميكة جدًا من الكروم الأصفر المتسخ. يتم نقل الظلال من خلال ظلال باردة من القرمزي القرمزي وبقع الزنجفر الصامتة. وعلى الرغم من أن النار في فرن القاطرة تبدو حمراء ، إلا أنني لا أفترض أنها لم تكن مطلية بالكوبالت أو بلون البازلاء ”. وجد ناقد آخر مخطط ألوان تيرنر "البيض المخفوق والسبانخ". بدت ألوان الراحل تيرنر بشكل عام غير متوقعة تمامًا ورائعة لمعاصريه. لقد استغرق الأمر أكثر من قرن لرؤية ذرة الملاحظات الحقيقية فيها. ولكن كما في حالات أخرى ، كان هنا. قصة غريبة لشاهد عيان ، أو بالأحرى شاهد على ولادة

الفن الإنجليزي في منتصف القرن التاسع عشر. تم تطويره في اتجاه مختلف تمامًا عن لوحة تيرنر. على الرغم من أن مهارته كانت معروفة بشكل عام ، لم يتبعه أي من الشباب.

II. الرومانسية في الرسم الروسي

اختلفت الرومانسية في روسيا عن أوروبا الغربية من أجل بيئة تاريخية مختلفة وتقاليد ثقافية مختلفة. لا يمكن احتساب الثورة الفرنسية ضمن أسباب ظهورها ، حيث كانت دائرة ضيقة جدًا من الناس تعلق أي آمال على التحولات في مسارها. ونتائج الثورة خيبة أمل تماما فيها. مسألة الرأسمالية في روسيا في بداية القرن التاسع عشر. لم يقف. لذلك ، لم يكن هناك مثل هذا السبب أيضًا. كان السبب الحقيقي هو الحرب الوطنية عام 1812 ، والتي تجلت فيها كل قوة المبادرة الشعبية. لكن بعد الحرب لم يتلق الشعب الإرادة. جاء أفضل النبلاء ، غير الراضين عن الواقع ، إلى ساحة مجلس الشيوخ في ديسمبر 1825. هذا العمل أيضًا لم يمر دون أثر للمثقفين المبدعين. أصبحت سنوات ما بعد الحرب المضطربة هي المكان الذي تشكلت فيه الرومانسية الروسية.

عبّر الرسامون الرومانسيون الروس في لوحاتهم عن روح حب الحرية ، والعمل النشط ، وناشدوا بشغف وعاطفة إظهار الإنسانية. تتميز اللوحات اليومية للرسامين الروس بأهميتها وعلم النفس ، وهو تعبير غير مسبوق. المناظر الطبيعية الروحية الكئيبة هي مرة أخرى نفس المحاولة من قبل الرومانسيين لاختراق العالم البشري ، لإظهار كيف يعيش الشخص ويحلم في عالم ما دون القمر. كانت اللوحة الرومانسية الروسية مختلفة عن الرسم الأجنبي. تم تحديد ذلك من خلال كل من الإعداد التاريخي والتقاليد.

ملامح اللوحة الرومانسية الروسية:

ضعفت الأيديولوجية التربوية ولكنها لم تنهار كما في أوروبا. لذلك ، لم يتم نطق الرومانسية ؛

تطورت الرومانسية بالتوازي مع الكلاسيكية ، وغالبًا ما تتشابك معها ؛

Ÿ الرسم الأكاديمي في روسيا لم يستنفد بعد ؛

Ÿ لم تكن الرومانسية في روسيا ظاهرة مستقرة ، وانجذب الرومانسيون إلى الأكاديميين. بحلول منتصف القرن التاسع عشر. التقاليد الرومانسية كادت أن تختفي.

بدأت الأعمال المتعلقة بالرومانسية في الظهور في روسيا بالفعل في تسعينيات القرن التاسع عشر (أعمال فيودوسي يانينكو " مسافرين, القبض عاصفة" (1796), " تصوير شخصي في خوذة" (1792). لديهم نموذج أولي واضح - سالفاتور روزا ، الذي كان شائعًا جدًا في مطلع القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. لاحقًا ، سيكون تأثير هذا الفنان المؤيد للرومانسية ملحوظًا في أعمال ألكسندر أورلوفسكي. اللصوص ومشاهد النار والمعارك رافقت حياته المهنية بأكملها. كما هو الحال في البلدان الأخرى ، أدخل الفنانون الذين ينتمون إلى الرومانسية الروسية مزاجًا عاطفيًا جديدًا تمامًا في الأنواع الكلاسيكية لمشاهد الصورة والمناظر الطبيعية والنوع.

في روسيا ، بدأت الرومانسية تتجلى أولاً في فن البورتريه. في الثلث الأول من القرن التاسع عشر ، فقدت في الغالب ارتباطها بالأرستقراطية المرموقة. بدأت صور الشعراء والفنانين ورعاة الفن وصور الفلاحين العاديين تحتل مكانًا مهمًا. ظهر هذا الاتجاه بشكل خاص في أعمال O.A. Kiprensky (1782 - 1836) و V.A. تروبينين (1776-1857).

فاسيلي أندريفيتش تروبينين سعى جاهدا من أجل توصيف حيوي وسهل لشخص ما ، يتم التعبير عنه من خلال صورته. « صورة ابن» (1818), « صورة أ. من عند. بوشكين» (1827), « تصوير شخصي» (1846) لا يلفت النظر من خلال تشابه الصورة مع الأصول الأصلية ، ولكن من خلال اختراقهم الدقيق غير المعتاد في العالم الداخلي للشخص.

تاريخ الخلق مثير للاهتمام بشكل غير عادي “ صورة بوشكين”. كالعادة ، لأول تعارف مع بوشكين ، جاء تروبينين إلى منزل سوبوليفسكي ، حيث عاش الشاعر آنذاك. وجده الفنان في المكتب وهو يعبث بالجراء. في الوقت نفسه ، على ما يبدو ، تمت كتابته وفقًا للانطباع الأول ، الذي قدّره تروبينين ، رسمًا صغيرًا. وظل بعيدًا عن أعين المطاردين لفترة طويلة. بعد ما يقرب من مائة عام فقط ، بحلول عام 1914 ، تم نشره بواسطة P.M. شيكوتوف ، الذي كتب أنه من بين جميع صور ألكسندر سيرجيفيتش ، "ينقل معظم ملامحه ... تمتلئ عيون الشاعر الزرقاء ببراعة خاصة هنا ، ودوران الرأس سريع ، وملامح الوجه معبرة ومتحركة . مما لا شك فيه ، هنا تم التقاط الملامح الحقيقية لوجه بوشكين ، والتي نجدها بشكل فردي في واحدة أو أخرى من الصور التي وصلت إلينا. ويبقى الأمر في حيرة من أمره - يضيف شيكوتوف - لماذا لم يلق هذا الرسم الرائع الاهتمام المناسب من ناشري وخبراء الشاعر. وهذا ما يفسره صفات القطع الصغيرة: لم يكن هناك تألق للألوان ولا جمال فرشاة الفرشاة ولا "دوارات" مكتوبة ببراعة. وبوشكين هنا ليس "ذرة ذرة" قوم "عبقري" ، ولكن قبل كل شيء رجل. ومن الصعب تحليل سبب احتواء مثل هذا المحتوى البشري العظيم في مقياس الزيتون الرتيب والأخضر الرتيب ، على عجل ، كما لو كانت ضربات عرضية لفرشاة رسم تخطيطي غير موصوف تقريبًا.

في بداية القرن التاسع عشر ، كانت تفير مركزًا ثقافيًا مهمًا لروسيا. هنا الشباب أوريستيس كيبرينسكي التقى أ.س.بوشكين ، الذي أصبحت صورته ، التي رُسمت لاحقًا ، لؤلؤة فن البورتريه في العالم. " صورة بوشكين» إن فرشاة O. Kiprensky هي تجسيد حي للعبقرية الشعرية. في المنعطفات الحاسمة للرأس ، في الذراعين المتقاطعتين بقوة على الصدر ، ينعكس شعور بالاستقلالية والحرية في مظهر الشاعر بأكمله. قال بوشكين عنه: "أرى نفسي في مرآة ، لكن هذه المرآة تغريني". في العمل على صورة بوشكين ، يلتقي تروبينين وكيبرينسكي للمرة الأخيرة ، على الرغم من أن هذا الاجتماع لا يتم بأم أعينهم ، ولكن بعد سنوات عديدة في تاريخ الفن ، حيث ، كقاعدة عامة ، صورتان من تتم مقارنة أعظم شاعر روسي ، وتم إنشاؤه في وقت واحد ، ولكن في أماكن مختلفة - واحد في موسكو ، والآخر في بطرسبرغ. الآن هذا هو لقاء سادة كبير بنفس القدر في أهميتهم للفن الروسي. على الرغم من أن المعجبين بكيبرينسكي يجادلون بأن المزايا الفنية تكمن في جانب صورته الرومانسية ، حيث يتم تصوير الشاعر منغمسًا في أفكاره الخاصة ، وحده مع الملهم ، فإن الجنسية والديمقراطية للصورة هما بالتأكيد في جانب "بوشكين" في تروبينين .

وهكذا ، عكست صورتان اتجاهين في الفن الروسي ، مركّزين في عاصمتين. وسيكتب النقاد لاحقًا أن تروبينين كان بالنسبة لموسكو ما كان كيبرينسكي بالنسبة إلى بطرسبورغ.

من السمات المميزة لصور كيبرينسكي أنها تُظهر السحر الروحي والنبل الداخلي للشخص. كان من المفترض أن تجسد صورة البطل ، الشجاع والقوي المشاعر ، شجاعة المشاعر الوطنية المحبة للحرية لرجل روسي متقدم.

في المقدمة “ صورة ه. في. دافيدوفا” يُظهر (1809) شخصية ضابط عبر بشكل مباشر عن التعبير عن عبادة الشخصية القوية والشجاعة ، والتي كانت نموذجية جدًا للرومانسية في تلك السنوات. المشهد المعروض بشكل مجزأ ، حيث يقاتل شعاع من الضوء ضد الظلام ، يلمح إلى القلق العاطفي للبطل ، لكن على وجهه هناك انعكاس لحساسية حالمة. كان كيبرينسكي يبحث عن "إنسان" في شخص ما ، ولم يطغى المثل الأعلى على السمات الشخصية للنموذج منه.

صور Kiprensky ، إذا نظرت إليها في عين عقلك ، تظهر الثروة الروحية والطبيعية للشخص ، قوته الفكرية. نعم ، كان لديه شخصية متناغمة ، والتي نوقشها أيضًا معاصروه ، لكن كيبرينسكي لم يسعي حرفياً إلى إبراز هذا النموذج على صورة فنية. في إنشاء صورة فنية ، انطلق من الطبيعة ، كما لو كان يقيس مدى قربها من مثل هذه المثالية. في الواقع ، فإن العديد من الذين صورهم هم على عتبة المثالية ، ويسعون لتحقيقها ، لكن المثل الأعلى نفسه ، وفقًا لأفكار الجماليات الرومانسية ، يصعب تحقيقه ، وكل الفن الرومانسي هو مجرد طريق إليه.

من خلال ملاحظة التناقضات في أرواح أبطاله ، وإظهارهم في لحظات القلق من الحياة ، عندما يتغير المصير ، ويتحطم الأفكار السابقة ، ويغادر الشباب ، وما إلى ذلك ، يبدو أن كيبرينسكي يختبر مع نماذجه. ومن ثم - مشاركة خاصة للرسام في تفسير الصور الفنية ، مما يعطي الصورة ظلًا "روحيًا".

في الفترة المبكرة من عمل Kiprensky ، لن ترى أشخاصًا مصابين بالشك ، والتحليل يؤدي إلى تآكل الروح. سيأتي هذا لاحقًا ، عندما يمر الوقت الرومانسي بعيدًا عن خريفه ، ويفسح المجال لأمزجة ومشاعر أخرى ، عندما تنهار الآمال في انتصار المثل الأعلى المتمثل في انهيار الشخصية المنسجمة. في جميع صور القرن التاسع عشر والصور المنفذة في تفير ، يمتلك كيبرينسكي فرشاة جريئة تبني نموذجًا بسهولة وحرية. تعقيد التقنيات ، تغيرت شخصية الشكل من قطعة إلى أخرى.

جدير بالذكر أنك لن ترى على وجوه شخصياته ابتهاجًا بطوليًا ، بل على العكس ، معظم الوجوه حزينة إلى حد ما ، فهي تنغمس في الانعكاسات. يبدو أن هؤلاء الناس قلقون بشأن مصير روسيا ، يفكرون في المستقبل أكثر من التفكير في الحاضر. في الشخصيات النسائية التي تمثل زوجات وأخوات المشاركين في الأحداث المهمة ، لم تكافح كيبرينسكي أيضًا من أجل ابتهاج بطولي متعمد. الشعور بالراحة والطبيعة يسود. علاوة على ذلك ، في جميع الصور هناك الكثير من نبل الروح الحقيقي. تجتذب صور النساء بكرامتهن المتواضعة وسلامة الطبيعة ؛ في وجوه الرجال ، فكر فضولي ، الاستعداد للزهد. تزامنت هذه الصور مع نضوج الأفكار الأخلاقية والجمالية للديسمبريين. بعد ذلك تم تبادل أفكارهم وتطلعاتهم من قبل الكثيرين ، وعرف الفنان عنهم ، وبالتالي يمكننا القول إن صوره للمشاركين في أحداث 1812-1814 ، صور الفلاحين التي تم إنشاؤها في نفس السنوات هي نوع من الفن الموازي المفاهيم الناشئة من الديسمبريسم.

يطلق الأجانب على كيبرينسكي لقب فان ديك الروسي ، وتوجد صوره في العديد من المتاحف حول العالم. أعطى Kiprensky ، الذي خلف أعمال Levitsky و Borovikovsky ، سلف L. Ivanov و K. Bryullov ، شهرة أوروبية لمدرسة الفن الروسية من خلال عمله. على حد تعبير ألكسندر إيفانوف ، "كان أول من جلب الاسم الروسي إلى أوروبا ...".

الاهتمام المتزايد بشخصية الشخص ، وهو سمة من سمات الرومانسية ، قد حدد مسبقًا ازدهار نوع الصورة الشخصية في النصف الأول من القرن التاسع عشر ، حيث أصبحت الصورة الذاتية هي السمة الغالبة. كقاعدة عامة ، لم يكن إنشاء صورة ذاتية حلقة عرضية. كتب الفنانون مرارًا ورسموا أنفسهم ، وأصبحت هذه الأعمال نوعًا من يوميات تعكس حالات مختلفة من الروح ومراحل الحياة ، وفي نفس الوقت ، كانت بيانًا موجهًا إلى معاصريهم. لم تكن الصورة الذاتية نوعًا مخصصًا ، فقد كتب الفنان لنفسه وهنا ، أكثر من أي وقت مضى ، كان حراً في التعبير عن الذات. في القرن الثامن عشر ، نادراً ما رسم الفنانون الروس صور المؤلف ، فقط الرومانسية مع عبادة الفرد ، ساهمت الحصرية في ظهور هذا النوع. يعكس تنوع أنواع الصور الذاتية تصور الفنانين لأنفسهم كشخصية غنية ومتعددة الأوجه. ثم تظهر في الدور المعتاد والطبيعي للخالق ( " تصوير شخصي في المخمل يأخذ" إيه جي فارنيك ، 1810) ، ثم يغرقون في الماضي ، كما لو كانوا يحاولون ذلك على أنفسهم ( " تصوير شخصي في خوذة و درع" F.I. Yanenko ، 1792) ، أو في كثير من الأحيان ، تظهر بدون أي سمات مهنية ، تؤكد أهمية وقيمة كل شخص ، متحرر ومنفتح على العالم ، على سبيل المثال ، FA Bruni و O.A Orlovsky في صور ذاتية من 1810 . الاستعداد للحوار والانفتاح ، الذي يميز الحل المجازي لأعمال 1810-1820 ، يتم استبداله تدريجياً بالتعب وخيبة الأمل ، والانغماس ، والانسحاب في النفس ( " تصوير شخصي" M.I. Terebeneva). وقد انعكس هذا الاتجاه في تطور نوع البورتريه بشكل عام.

ظهرت الصور الذاتية لـ Kiprensky ، وهو أمر جدير بالذكر ، في لحظات حرجة من الحياة ، شهدوا على صعود أو انخفاض القوة العقلية. من خلال فنه نظر الفنان إلى نفسه. ومع ذلك ، لم يستخدم مرآة ، مثل معظم الرسامين. كتب عن نفسه في الغالب على أساس التمثيل ، أراد أن يعبر عن روحه ، ولكن ليس مظهره.

“تصوير شخصي من عند فرش لكل أذن” مبني على الرفض ، والدليل الواضح ، للتمجيد الخارجي للصورة ، ومعياريتها الكلاسيكية وبنيتها المثالية. يتم تحديد ميزات الوجه تقريبًا. تسقط الانعكاسات الفردية للضوء على شخصية الفنان ، تنطفئ على الستارة التي بالكاد يمكن تمييزها والتي تمثل خلفية الصورة. كل شيء هنا يخضع للتعبير عن الحياة والمشاعر والحالات المزاجية. إنها نظرة على الفن الرومانسي من خلال فن التصوير الذاتي.

في وقت واحد تقريبًا تم كتابة هذه الصورة الذاتية و “ تصوير شخصي في زهري عنقى وشاح” حيث تتجسد صورة أخرى. بدون إشارة مباشرة إلى مهنة الرسام. أعيد إنشاء صورة الشاب الذي يشعر بالراحة ، بشكل طبيعي ، حر. السطح الخلاب للقماش مبني بمهارة. تقوم فرشاة الفنان بتطبيق الدهانات بثقة ، وترك ضربات صغيرة وكبيرة. تم تطوير الألوان بشكل رائع ، والألوان باهتة ، ومدمجة بشكل متناغم مع بعضها البعض ، والإضاءة هادئة: يتدفق الضوء بلطف على وجه الشاب ، ويحدد ملامحه ، دون أي تعبير وتشوه غير ضروريين.

كان رسام بورتريه رائع آخر حول. أ. أورلوفسكي. بحلول عام 1809 ، ظهرت ورقة صورة غنية عاطفياً مثل “ تصوير شخصي” ... مع لمسة مجانية فاتنة من المتفائل والفحم (الخلفية مع الطباشير) “ تصوير شخصي” يجذب أورلوفسكي بنزاهته الفنية وصورته المميزة وفن الأداء. في الوقت نفسه ، يسمح لنا بتمييز بعض الجوانب الغريبة لفن أورلوفسكي. “ تصوير شخصي” بالطبع ، ليس لدى أورلوفسكي هدف إعادة إنتاج المظهر النموذجي للفنان في تلك السنوات بدقة. أمامنا من نواح كثيرة صورة متعمدة ومبالغ فيها لـ "فنان" يعارض "أنا" خاصته مع الواقع المحيط. لا يهتم "بلياقة" مظهره: لم يلمس المشط والفرشاة شعره الخصب ، وتوجد على كتفه حافة عباءة مربعة فوق قميص منزله بياقة مفتوحة. انعطاف حاد للرأس بنظرة "قاتمة" من تحت الحاجبين المتحولين ، لقطة مقربة للصورة التي يصور فيها الوجه عن قرب ، وتباين الضوء - كل هذا يهدف إلى تحقيق التأثير الرئيسي للمعارضة الشخص الذي يتم تصويره في البيئة (وبالتالي للمشاهد).

إن شجاعة تأكيد الفردية - وهي واحدة من أكثر السمات تقدمية في الفن في ذلك الوقت - تشكل النغمة الأيديولوجية والعاطفية الرئيسية للصورة ، ولكنها تظهر في جانب غريب لم يكن موجودًا تقريبًا في الفن الروسي في تلك الفترة. لا يمر تأكيد الشخصية من خلال الكشف عن ثروة عالمها الداخلي ، ولكن من خلال رفض كل شيء من حولها. في الوقت نفسه ، تبدو الصورة بلا شك فقيرة ومحدودة.

يصعب العثور على مثل هذه الحلول في البورتريه الروسي في ذلك الوقت ، حيث كانت الدوافع المدنية والإنسانية في منتصف القرن الثامن عشر تبدو بصوت عالٍ ولم تقطع شخصية الشخص أبدًا روابط قوية مع البيئة. في الحلم بنظام اشتراكي ديمقراطي أفضل ، لم يبتعد الناس في روسيا في تلك الحقبة عن الواقع على الإطلاق ، ورفضوا عمدًا العبادة الفردية لـ "الحرية الشخصية" التي ازدهرت في أوروبا الغربية ، والتي أحياها الثورة البرجوازية. كان هذا واضحًا في البورتريه الروسي. على المرء أن يقارن فقط “ تصوير شخصي” أورلوفسكي مع “ تصوير شخصي” Kiprensky ، بحيث يظهر الاختلاف الداخلي الجاد بين رسامي الصور الشخصية على الفور.

Kiprensky أيضًا "أبطال" شخصية الشخص ، لكنه يظهر قيمه الداخلية الحقيقية. في مواجهة الفنان ، يلاحظ المشاهد ملامح قوة العقل والشخصية والنقاء الأخلاقي.

المظهر الكامل لـ Kiprensky مغطى بنبل مذهل وإنسانية. إنه قادر على التمييز بين "الخير" و "الشر" في العالم من حوله ، ويرفض الثاني ، ويحب ويقدر الأول ، ويحب ويقدر الأشخاص ذوي التفكير المماثل. في نفس الوقت أمامنا بلا شك شخصية قوية ، تفتخر بوعي قيمة صفاتها الشخصية. بالضبط نفس مفهوم الصورة الشخصية يكمن وراء الصورة البطولية الشهيرة لـ D. Davydov بواسطة Kiprensky.

يقوم أورلوفسكي ، بالمقارنة مع كيبرينسكي ، بتحديد صورة "الشخصية القوية" بشكل أكثر تحديدًا وبشكل مباشر وخارجي ، مع التركيز بوضوح على فن فرنسا البرجوازية. عندما تنظر إليه “ تصوير شخصي” ، صور A. Gro ، Gericault تتبادر إلى الذهن بشكل لا إرادي. يتم الكشف أيضًا عن القرب الداخلي من فن البورتريه الفرنسي من خلال الملف الشخصي “ تصوير شخصي” أورلوفسكي 1810 ، مع تقديسه لـ "القوة الداخلية" الفردية ، مع ذلك ، يخلو بالفعل من شكل "سطحي" حاد “ تصوير شخصي” 1809 أو “ صورة دوبور”. في الأخير ، يستخدم أورلوفسكي ، كما في "بورتريه ذاتي" ، وضعية "بطولية" مذهلة مع حركة متقاطعة تقريبًا للرأس والكتفين. يؤكد على البنية غير المنتظمة لوجه دوبورت ، وشعره الأشعث ، بهدف إنشاء صورة شخصية مكتفية ذاتيًا في خصائصها الفريدة والعشوائية.

"يجب أن تكون المناظر الطبيعية صورة" ، - كتب ك.ن.باتيوشكوف. التزم معظم الفنانين الذين تحولوا إلى نوع المناظر الطبيعية بهذا الموقف في عملهم. من بين الاستثناءات الواضحة التي انجذبت نحو المناظر الطبيعية الرائعة كانت A.O. Orlovsky ( " بحري رأي" ، 1809) ؛ إيه جي فارنيك ( " رأي في محيط روما" ، 1809) ؛ PV حوض (" سماء في غروب الشمس في محيط روما" , " مساء منظر طبيعى" ، كلاهما - 1820). من خلال إنشاء أنواع محددة ، احتفظوا بفورية الإحساس ، والتشبع العاطفي ، والوصول إلى الصوت الهائل بتقنيات التركيب.

رأى يونغ أورلوفسكي في الطبيعة فقط قوى جبارة ، غير خاضعة لإرادة الإنسان ، قادرة على إحداث كارثة ، كارثة. يعتبر صراع الإنسان مع عنصر البحر الهائج أحد الموضوعات المفضلة للفنان في الفترة الرومانسية "المتمردة". أصبح محتوى رسوماته وألوانه المائية ولوحاته الزيتية من 1809 إلى 1810. المشهد المأساوي يظهر في الصورة “ حطام سفينة” (1809 (؟)). في ظلام دامس سقط على الأرض ، بين الأمواج الهائجة ، يتسلق الصيادون الغارقون بشكل محموم المنحدرات الساحلية التي تحطمت عليها سفينتهم. يعزز اللون ، الذي يحافظ عليه بدرجات اللون الأحمر الشديدة ، الشعور بالقلق. غارات الأمواج العاتية تنذر بعاصفة ، وفي صورة أخرى - “ على دعم البحار” (1809). كما أن لها دورًا عاطفيًا كبيرًا في السماء العاصفة ، والتي تشغل معظم التكوين. على الرغم من أن أورلوفسكي لم يكن يعرف فن المنظور الجوي ، فقد تم حل الانتقال التدريجي للخطط هنا بشكل متناغم ولطيف. أصبح اللون أفتح. تلعب البقع الحمراء لملابس الصيادين بشكل جميل على خلفية بنية ضاربة إلى الحمرة. عنصر البحر مضطرب ومزعج بالألوان المائية “ إبحار قارب” (حوالي 1812). وحتى عندما لا ترفرف الريح الشراع ولا تموج سطح الماء ، كما في الألوان المائية “ بحري منظر طبيعى من عند السفن” (حوالي 1810) ، لا يترك المشاهد هاجسًا بأن عاصفة ستتبع الهدوء.

كان للمناظر الطبيعية طابع مختلف من عند. F. شيدرين... إنها مليئة بانسجام التعايش بين الإنسان والطبيعة. (" مصطبة على دعم البحار. كابتشيني قريب سورينتو" ، 1827). تمتعت المناظر العديدة لنابولي من خلال فرشاته بنجاح غير عادي.

في صور رائعة و. إلى. ايفازوفسكي تم تجسيد المثل الرومانسية للاختطاف مع صراع القوى الطبيعية وقوتها ، ومثابرة الروح البشرية والقدرة على القتال حتى النهاية. ومع ذلك ، تحتل المناظر البحرية الليلية مكانًا كبيرًا في تراث السيد ، وهي مخصصة لأماكن محددة حيث تفسح العاصفة المجال لسحر الليل ، وهو الوقت الذي ، وفقًا لآراء الرومانسيين ، مليء بالحياة الداخلية الغامضة ، وحيث يهدف البحث التصويري للفنان إلى استخراج تأثيرات ضوئية غير عادية. ( " رأي أوديسا في قمري ليل" , " رأي القسطنطينية في قمري إضاءة" ، كلاهما - 1846).

تم تفسير موضوع العناصر الطبيعية والشخص الذي أخذ على حين غرة ، وهو موضوع مفضل للفن الرومانسي ، بطرق مختلفة من قبل فناني القرن التاسع عشر إلى الخمسينيات من القرن التاسع عشر. استندت الأعمال إلى أحداث حقيقية ، لكن لم يكن معنى الصور في إعادة سردها الموضوعي. مثال نموذجي هو لوحة Pyotr Basin " هزة أرضية في جرجير دي بابا قريب روما" (1830). إنه ليس مكرسًا لوصف حدث معين بقدر ما هو مخصص لتصوير الخوف والرعب لشخص يواجه مظاهر العناصر.

كانت الرومانسية في روسيا كوجهة نظر للعالم موجودة في موجتها الأولى من نهاية القرن الثامن عشر إلى خمسينيات القرن التاسع عشر. لم ينقطع الخط الرومانسي في الفن الروسي في خمسينيات القرن التاسع عشر. افتتحه الرومانسيون للفن ، موضوع الحالة التي يتم تطويرها لاحقًا بين فناني "الوردة الزرقاء". كان الورثة المباشرون للرومانسيين هم بلا شك الرموز. دخلت الموضوعات الرومانسية والدوافع والتقنيات التعبيرية في فن مختلف الأساليب والاتجاهات والجمعيات الإبداعية. اتضح أن النظرة الرومانسية أو النظرة للعالم هي واحدة من أكثر النظرات حيوية وثباتًا وإثمارًا.

الرومانسية كإتجاه في الأدب

الرومانسية هي ، أولاً وقبل كل شيء ، نظرة خاصة تستند إلى الاعتقاد بأن "الروح" تتفوق على "المادة". المبدأ الإبداعي ، وفقًا للرومانسيين ، يمتلكه كل شيء روحي حقًا ، والذي حددوه مع الإنسان الحقيقي. وعلى العكس من ذلك ، فإن كل ما هو مادي ، وفقًا لأفكارهم ، يتحرك إلى المقدمة ، يشوه الطبيعة الحقيقية للإنسان ، ولا يسمح لجوهره بالظهور ، في ظروف الواقع البرجوازي يقسم الناس ، يصبح مصدر عداوة بين لهم ، يؤدي إلى حالات مأساوية. البطل الإيجابي في الرومانسية ، كقاعدة ، يرتفع في مستوى وعيه فوق عالم المصلحة الذاتية من حوله ، يتعارض معها ، يرى هدف الحياة ليس في صنع مهنة ، وليس في تكوين الثروة. ، ولكن في خدمة المثل العليا للبشرية - الإنسان - الحرية ، الأخوة. الشخصيات الرومانسية السلبية ، على عكس الشخصيات الإيجابية ، تنسجم مع المجتمع ، وتكمن سلبيتها في المقام الأول في حقيقة أنها تعيش وفقًا لقوانين البيئة البرجوازية المحيطة بها. وبالتالي (وهذا مهم جدًا) ، فإن الرومانسية ليست فقط طموحًا للمثالية وإضفاء الطابع الشعري على كل شيء جميل روحيًا ، بل هي في نفس الوقت كشف للقبيح في شكله الاجتماعي التاريخي الملموس. علاوة على ذلك ، تم توجيه نقد الافتقار إلى الروحانية للفن الرومانسي منذ البداية ، وهو ينبع من جوهر الموقف الرومانسي تجاه الحياة العامة. بالطبع ، ليس كل الكتاب وليس كل الأنواع تظهره بالسعة والشدة المناسبين. لكن الشفقة النقدية واضحة ليس فقط في دراما ليرمونتوف أو في "القصص العلمانية" لف.أودوفسكي ، بل إنها محسوسة أيضًا في مرثيات جوكوفسكي ، التي تكشف عن أحزان وحزن شخص غني روحياً في ظروف القنانة في روسيا.

تحدد النظرة الرومانسية للعالم ، بسبب ازدواجيتها (انفتاح "الروح" و "الأم") ، صورة الحياة في تناقضات حادة. يعد وجود التباين من السمات المميزة لنوع الإبداع الرومانسي وبالتالي الأسلوب. الروحية والمادية في عمل الرومانسيين تتعارض بشدة مع بعضها البعض. عادة ما يتم تصوير البطل الرومانسي الإيجابي على أنه مخلوق وحيد ، علاوة على ذلك ، محكوم عليه بالمعاناة في المجتمع المعاصر (Gyaur ، Corsair بواسطة Byron ، Chernets بواسطة Kozlov ، Voinarovsky بواسطة Ryleev ، Mtsyri بواسطة Lermontov ، وآخرين). في تصوير القبيح ، غالبًا ما يحقق الرومانسيون مثل هذا الواقعي اليومي بحيث يصعب تمييز عملهم عن الواقعي. على أساس النظرة الرومانسية ، من الممكن ليس فقط إنشاء صور فردية ، ولكن أيضًا أعمال كاملة واقعية في نوع الإبداع.

الرومانسية لا ترحم أولئك الذين يناضلون من أجل سموهم ، ويفكرون في الإثراء أو يعانون من التعطش للمتعة ، ينتهكون القوانين الأخلاقية العالمية باسم هذا ، ويدوسون على القيم الإنسانية العالمية (الإنسانية ، حب الحرية وغيرها) .

في الأدب الرومانسي ، هناك العديد من صور الأبطال المصابين بالفردانية (مانفريد ، لارا في بايرون ، بيتشورين ، ديمون في ليرمونتوف ، وغيرهم) ، لكنهم يبدون ككائنات مأساوية للغاية ، يعانون من الوحدة ، ويتوقون للاندماج مع العالم العادي. اشخاص. كشفت الرومانسية عن مأساة الفردانية ، حيث أظهرت جوهر البطولة الحقيقية ، متجلية في خدمة نكران الذات لمثل الإنسانية. الشخصية في الجماليات الرومانسية ليست ذات قيمة في حد ذاتها. تزداد قيمته مع زيادة الفوائد التي يجلبها للناس. يتألف التأكيد في الرومانسية للشخص ، أولاً وقبل كل شيء ، من تحرره من الفردية ، من التأثيرات الضارة لعلم نفس الملكية الخاصة.

في قلب الفن الرومانسي تكمن الشخصية الإنسانية وعالمها الروحي ومُثُلها ومخاوفها وأحزانها في ظروف الحياة البرجوازية ، والتعطش إلى الحرية والاستقلال. يعاني البطل الروماني من الاغتراب وعدم القدرة على تغيير موقفه. لذلك ، فإن الأنواع الشعبية للأدب الرومانسي ، والتي تعكس بشكل كامل جوهر النظرة الرومانسية للعالم ، هي المآسي ، والقصائد الدرامية ، والملحمة الغنائية ، والقصائد الغنائية ، والقصص القصيرة ، والمرثية. كشفت الرومانية عن عدم توافق كل شيء بشري حقيقي مع مبدأ الملكية الخاصة للحياة ، وهذا هو أهميتها التاريخية العظيمة. لقد أدخل في الأدب مقاتلًا بشريًا يتصرف بحرية ، على الرغم من هلاكه ، لأنه يدرك أن الكفاح ضروري لتحقيق الهدف.

يتميز الرومانسيون باتساع وحجم التفكير الفني. لتجسيد أفكار ذات أهمية إنسانية عالمية ، يستخدمون الأساطير المسيحية والأساطير التوراتية والأساطير القديمة والتقاليد الشعبية. يلجأ شعراء الاتجاه الرومانسي إلى الخيال والرمزية وغيرها من الأساليب التقليدية في التصوير الفني ، مما يجعل من الممكن لهم إظهار الواقع في مثل هذا الانتشار الواسع الذي لم يكن من الممكن تصوره تمامًا في الفن الواقعي. من غير المحتمل ، على سبيل المثال ، أن يكون من الممكن نقل المحتوى الكامل لـ Lermontov's The Demon ، مع الالتزام بمبدأ التصنيف الواقعي. يحتضن الشاعر الكون كله بنظرته ، ويرسم اسكتشات كونية ، وفي استنساخه ، لن يكون من المناسب استنساخ الواقعية الملموسة ، المألوفة في ظروف الواقع الأرضي:

على المحيط الجوي

لا دفة ولا أشرعة

تطفو بهدوء في الضباب

جوقة النجوم النحيلة.

في هذه الحالة ، كانت طبيعة القصيدة أكثر اتساقًا ليس مع الدقة ، ولكن على العكس من ذلك ، مع عدم تحديد الرسم ، إلى حد كبير لا تنقل فكرة الشخص عن الكون ، بل مشاعره. وبنفس الطريقة ، "التأريض" ، فإن تجسيد صورة الشيطان سيؤدي إلى انخفاض معين في فهمه كمخلوق عملاق يتمتع بقوة خارقة.

يفسر الاهتمام بالتقنيات التقليدية للتصوير الفني من خلال حقيقة أن الرومانسيين غالبًا ما يطرحون أسئلة فلسفية ورؤية عالمية لحلها ، على الرغم من أنهم ، كما لوحظ سابقًا ، لا يخجلون من تصوير الدنيوية اليومية ، كل شيء غير متوافق مع الإنسان الروحي. في الأدب الرومانسي (في قصيدة درامية) ، عادة ما يتم بناء الصراع على صراع ليس بين الشخصيات ، ولكن على الأفكار ، ومفاهيم النظرة الشاملة للعالم (مانفريد ، كاين بواسطة بايرون ، بروميثيوس فريد من قبل شيلي) ، والتي أدت بطبيعة الحال بالفن إلى حدود الواقعية. واقعية.

تعود عقلية البطل الرومانسي وميله للتفكير إلى حد كبير إلى حقيقة أنه يتصرف في ظروف مختلفة عن شخصيات الرواية التربوية أو الدراما "الصغيرة" في القرن الثامن عشر. تصرف الأخير في المجال المغلق للعلاقات اليومية ، احتل موضوع الحب أحد الأماكن المركزية في حياتهم. جلب الرومانسيون الفن إلى مساحات شاسعة من التاريخ. لقد رأوا أن مصير الناس وطبيعة وعيهم لا تحدده البيئة الاجتماعية بقدر ما تحدده الحقبة ككل ، والعمليات السياسية والاجتماعية والروحية التي تجري فيها ، والتي تؤثر على مستقبل البشرية جمعاء في الطريقة الأكثر حسما. وهكذا ، فإن فكرة القيمة الذاتية للفرد ، واعتماده على نفسه ، وإرادته انهارت ، وتم الكشف عن شرطيتها من خلال العالم المعقد للظروف الاجتماعية والتاريخية.

لا ينبغي الخلط بين الرومانسية كوجهة نظر عالمية ونوع من الإبداع وبين الرومانسية ، أي حلم بهدف رائع ، مع السعي لتحقيق المثل الأعلى والرغبة الشديدة في رؤيته يتحقق. يمكن للرومانسية ، اعتمادًا على آراء الشخص ، أن تكون ثورية ، وتدعو إلى الأمام ، ومحافظة ، وتشعر الماضي. يمكن أن تنمو على أساس واقعي وتكون طوباوية.

انطلاقًا من موقف تنوع التاريخ والمفاهيم الإنسانية ، يعارض الرومانسيون تقليد العصور القديمة ، ويدافعون عن مبادئ الفن الأصلي القائم على إعادة إنتاج حقيقية لحياتهم الوطنية ، وطريقة حياتهم ، وعاداتهم ، ومعتقداتهم ، إلخ.

يدافع الرومانسيون الروس عن فكرة "اللون المحلي" ، التي تنطوي على تصوير الحياة بشكل فريد على المستوى القومي والتاريخي. كانت هذه بداية تغلغل الملموسة الوطنية التاريخية في الفن ، مما أدى في النهاية إلى انتصار الأسلوب الواقعي في الأدب الروسي.