Introduktion

Renæssancen er en revolution, først og fremmest i værdisystemet, i vurderingen af ​​alt, hvad der eksisterer og i forhold til det. Der er en overbevisning om, at en person er den højeste værdi. Et sådant syn på en person bestemte det vigtigste træk ved renæssancens kultur - udviklingen af ​​individualisme inden for verdensbilledet, en omfattende manifestation af individualitet i det offentlige liv. Den gamle kulturarv spillede en stor rolle i dannelsen af ​​renæssancetænkning. Resultatet af den øgede interesse for klassisk kultur var studiet af gamle tekster og brugen af ​​hedenske prototyper til at legemliggøre kristne billeder. Antikkens genoplivning gav i virkeligheden navnet til hele æraen (renæssancen oversættes trods alt som genfødsel).

Under renæssancen i europæiske stater, under dannelsen af ​​borgerlige nationer, nationale sprog og kulturer, er der mærkbare ændringer i bibliotekernes aktiviteter. Nye universitets- og folkebiblioteker åbner. Mange klosterbiblioteker overdrages til byernes ejerskab. I bibliotekssamlinger er bøger på nationale sprog ved at blive fremherskende, nye regler bliver dannet for at udarbejde kataloger, arrangere samlinger og servicere læserne.

Byer, der skaber biblioteker, åbner dem ikke kun for biskopper, munke, videnskabsmænd, studerende, men også for advokater, købmænd, sømænd, håndværkere. I denne periode var mange talentfulde videnskabsmænds aktiviteter forbundet med bibliotekspraksis.

Værker af B.F. Volodina, L.I. Vladimirov, O.I. Talalakina. Deres monografier fortæller om renæssancens biblioteker, deres dannelse samt konstruktionen og beskrivelsen af ​​interiøret. Værkerne af E. Gombrich og E. Chamberlain beskriver selve renæssancen, Italiens kultur. Jeg vil også gerne bemærke værkerne af N.V. Revunenkova, V.G. Kuznetsova og N.V. Revyakina, som fortæller om fremkomsten af ​​humanismen og dens rolle i dannelsen og udviklingen af ​​renæssancen.

Formålet med dette arbejde er at gennemgå og studere renæssancens italienske biblioteker.

I løbet af studiet løses følgende opgaver: at identificere hovedtrækkene i Italiens kultur i renæssancen, udviklingen af ​​litteratur, fremkomsten af ​​humanistisk tankegang, studiet af private og offentlige biblioteker samt deres opbygning og beskrivelse af interiøret.

Arbejdet består af en introduktion; to kapitler: Renæssance som en kulturel blomstring af Italien i de XIV-XVI århundreder, typer og formål med italienske biblioteker; konklusion og liste over referencer brugt i dette kursus.

Renæssance som en kulturel opblomstring af Italien i det 14.-16. århundrede.

Italiensk kultur under renæssancen

Renæssancens eller den europæiske renæssances æra er en afskedsproces med den feudale fortid og en tid med aktiv dialog med gamle forgængere. Renæssancens fødested er Italien, hvor humanistiske tendenser i bylivet begyndte at vise sig tydeligt i anden halvdel af det 13. århundrede.

Renæssancens kultur er normalt opdelt i to perioder:

Perioden med den såkaldte "Tidlige Renæssance" i Italien dækker tiden fra 1420 til 1500. I løbet af disse firs år har kunsten endnu ikke helt givet afkald på traditionerne fra den nære fortid, men forsøger at blande elementer ind i dem, der er lånt fra den klassiske oldtid. Først senere, og kun lidt efter lidt, under påvirkning af mere og mere skiftende livs- og kulturforhold, forlader kunstnere fuldstændig middelalderfundamentet og bruger dristigt eksempler på gammel kunst, både i det generelle koncept for deres værker og i deres detaljer.

Den anden periode af renæssancen - tiden for den mest storslåede udvikling af hans stil - kaldes normalt "Højrenæssancen". Det strækker sig i Italien fra cirka 1500 til 1580. På dette tidspunkt flyttede tyngdepunktet for italiensk kunst fra Firenze til Rom, takket være tiltrædelsen til den pavelige trone af Julius II. Under ham bliver Rom sådan set det nye Athen på Perikles tid: der skabes mange monumentale bygninger, der udføres storslåede skulpturelle værker, males fresker og malerier, som stadig betragtes som maleriets perler.

Det vigtigste, der kendetegner denne æra, er tilbagevenden i arkitekturen til principperne og former for gammel, hovedsagelig romersk kunst. Af særlig betydning i denne retning gives til symmetri, proportion, geometri og rækkefølgen af ​​komponenterne, som det fremgår af de overlevende eksempler på romersk arkitektur. Den komplekse andel af middelalderbygninger er erstattet af et velordnet arrangement af søjler, pilastre og overliggere, asymmetriske konturer er erstattet af en halvcirkel af en bue, en halvkugle af en kuppel, nicher og aedikler.

Renæssancearkitekturen oplevede sin største blomstring i Italien og efterlod sig to monumentbyer: Firenze og Venedig. Store arkitekter arbejdede på skabelsen af ​​bygninger der - Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato Bramante, Giorgio Vasari og mange andre.

Renæssancekunstnere, der malede billeder af traditionelle religiøse temaer, begyndte at bruge nye kunstneriske teknikker: at bygge en tredimensionel komposition ved at bruge et landskab i baggrunden. Dette gjorde det muligt for dem at gøre billederne mere realistiske, livlige, hvilket viste en skarp forskel mellem deres arbejde og den tidligere ikonografiske tradition, fyldt med konventioner i billedet.

I renæssancen mister professionel musik karakter af en ren kirkekunst og er præget af folkemusik, gennemsyret af et nyt humanistisk verdensbillede. Kunsten at vokal og vokal-instrumental polyfoni når et højt niveau i arbejdet med repræsentanter for "New Art" i Italien.

Forskellige genrer af sekulær musikalsk kunst dukker op. Nye genrer inden for instrumentalmusik er ved at tage form, og nationale skoler for fremførelse på lut, orgel og jomfru dukker op. I Italien blomstrer kunsten at lave bueinstrumenter med rige udtryksmuligheder. Renæssancen slutter med fremkomsten af ​​nye musikgenrer - solosang, kantate, oratorium og opera, som bidrog til den gradvise etablering af den homofoniske stil.

Udviklingen af ​​viden i XIV-XVI århundreder. påvirket i høj grad folks forestillinger om verden og menneskets plads i den. De store geografiske opdagelser, det heliocentriske system i Nicolaus Copernicus' verden ændrede ideer om Jordens størrelse og dens plads i universet, og Paracelsus og Vesalius' værker, hvor der for første gang efter antikken blev gjort forsøg på at studere menneskets struktur og de processer, der foregår i det, lagde grundlaget for videnskabelig medicin og anatomi.

Også inden for samfundsvidenskaben er der sket store forandringer. I Jean Bodins og Niccolo Machiavellis værker blev historiske og politiske processer først betragtet som et resultat af samspillet mellem forskellige grupper af mennesker og deres interesser. Samtidig blev der forsøgt at udvikle en "ideel" social struktur: "Utopia" af Thomas More, "City of the Sun" af Tommaso Campanella. Takket være interessen for antikken blev mange gamle tekster restaureret, mange humanister studerede klassisk latin og oldgræsk.

Forbindelsen mellem kunst og videnskab er et af de karakteristiske træk ved renæssancens kultur. Det sande billede af verden og mennesket skulle være baseret på deres viden, derfor spillede det kognitive princip en særlig vigtig rolle i denne tids kunst. Naturligvis søgte kunstnere støtte i videnskaberne, hvilket ofte stimulerede deres udvikling.

"Revival" - vækkelse, vende tilbage til livet. Ved første øjekast er dette en ret mærkelig definition for en æra med kulturel storhedstid. Dette er dog slet ikke en overdrivelse. Sådanne kardinalændringer i de europæiske folks kunst og tænkning havde en banal og forfærdelig grund - døden.

Kun tre år i midten af ​​det XIV århundrede blev en skarp adskillelse af epoker. I løbet af denne periode var befolkningen i italienske Firenze hurtigt ved at dø af pesten. Den Sorte Død forstod ikke rækker og fortjenester, der var ikke en eneste person tilbage, der ikke ville bære byrden af ​​tabet af sine kære. Århundredgamle fundamenter var ved at bryde sammen, troen på fremtiden var ved at forsvinde, der var intet håb for Gud... Da pandemien aftog og mareridtet sluttede, indså byens beboere, at det ikke længere ville være muligt at leve i det gamle vej.

Den materielle verden har ændret sig meget: selv de fattigste af de overlevende fik "ekstra" ejendom arvet, boligproblemet blev løst af sig selv på grund af tabet af ejerne af husene, den udhvilede jord viste sig at være overraskende generøs, frugtbar jord uden megen indsats gav fortrinlige høster, hvortil efterspørgslen nu dog var ret lav. Fabriksbestyrere og velhavende godsejere begyndte at opleve mangel på arbejdere, som nu simpelthen ikke var nok, og almuen søgte ikke længere at tage imod det første tilbud, der kom, og have mulighed for at vælge og forhandle sig til mere fordelagtige vilkår. Så mange florentinere har fri tid til refleksion, kommunikation og kreativitet.

Ud over ordet "renasci" ("genoplive"), blev et andet ord brugt lige så ofte i forhold til æraen: "reviviscere" ("genoplive"). Renæssancefolk troede, at de genoplivede klassikerne, og de oplevede selv en følelse af genfødsel.

En endnu større omvæltning fandt sted i menneskers sind, verdensbilledet ændrede sig dramatisk: der var større uafhængighed af kirken, som viste sig hjælpeløs over for en katastrofe, tanker vendte mod materiel eksistens, viden om sig selv ikke som en skabelse af Gud, men som en del af moder natur.

Firenze mistede omkring halvdelen af ​​sin befolkning. Dette alene kan dog ikke forklare renæssancens fødsel i denne by. Der var en kombination af årsager af forskellig betydning, samt en tilfældig faktor. Nogle historikere tilskriver fortjenesten af ​​kulturel opblomstring til Medici-familien, den mest indflydelsesrige florentinske familie på den tid, som formynder kunstnere og bogstaveligt talt "dyrker" nye genier med deres pengedonationer. Det er netop denne politik for herskerne i Firenze, der stadig forårsager kontrovers blandt specialister: enten var byen meget heldig i middelalderen for at føde talentfulde mennesker, eller særlige forhold bidrog til udviklingen af ​​genier, hvis talenter i det almindelige samfund er næppe nogensinde at vise sig.

Litteratur

Det er meget let at spore begyndelsen af ​​renæssancen i italiensk litteratur - forfattere bevægede sig væk fra traditionelle metoder og begyndte at skrive på deres modersmål, som det skal bemærkes, var meget langt fra litterære kanoner i de dage. Indtil æraens begyndelse var grundlaget for bibliotekerne græske og latinske tekster samt mere moderne værker på fransk og provencalsk. Under renæssancen skyldtes dannelsen af ​​det italienske litterære sprog i høj grad oversættelsen af ​​klassiske værker. Selv "kombinerede" værker dukkede op, hvis forfattere supplerede de gamle tekster med deres egne refleksioner og efterligninger.

I renæssancen resulterede kombinationen af ​​kristne emner med kropslighed i billeder af sløve madonnaer. Englene lignede legesyge børn - "putti" - og som gamle amoriner. Kombinationen af ​​sublim spiritualitet og sensualitet kom til udtryk i talrige "Venuser".

Den tidlige renæssances "stemme" i Italien var de store florentinere Francesco Petrarch og Dante Alighieri. I "Den guddommelige komedie" af Dante er der en tydelig påvirkning af middelalderens verdensbillede, et stærkt kristent motiv. Men Petrarch repræsenterede allerede renæssancehumanismens bevægelse, idet han i sit arbejde vendte sig mod den klassiske oldtid og modernitet. Derudover blev Petrarch far til den italienske sonet, hvis form og stil senere blev adopteret af mange andre digtere, herunder englænderen Shakespeare.

Petrarchs elev, Giovanni Boccaccio, skrev den berømte Decameron, en allegorisk samling af hundrede noveller, blandt hvilke der er tragiske, filosofiske og erotiske. Dette værk af Boccaccio, såvel som andre, blev en rig inspirationskilde for mange engelske forfattere.

Niccolo Machiavelli var en filosof og politisk tænker. Hans bidrag til datidens litteratur består af refleksionsværker, der er vidt kendt i det vestlige samfund. Afhandlingen "The Sovereign" er den politiske teoretikers mest diskuterede værk, som blev grundlaget for teorien om "machiavellianisme".

Filosofi

Petrarch, der arbejdede i begyndelsen af ​​renæssancen, blev også hovedgrundlæggeren af ​​den æra filosofiske doktrin - humanismen. Denne tendens satte menneskets sind og vilje i første række. Teorien var ikke i modstrid med kristendommens grundlag, selvom den ikke anerkendte begrebet arvesynd, idet den betragtede mennesker som oprindeligt dydige væsener.

Mest af alt gav den nye trend genlyd af gammel filosofi, hvilket gav anledning til en bølge af interesse for antikke tekster. Det var på dette tidspunkt, at mode til eftersøgningen af ​​forsvundne manuskripter dukkede op. Jagten blev sponsoreret af velhavende borgere, og hvert fund blev straks oversat til moderne sprog og udgivet i form af en bog. Denne tilgang fyldte ikke kun bibliotekerne, men øgede også betydeligt tilgængeligheden af ​​litteratur og størrelsen af ​​læsepopulationen. Det samlede uddannelsesniveau er steget markant.

Selvom filosofi var af stor betydning under renæssancen, karakteriseres disse år ofte som en periode med stagnation. Tænkere tilbageviste den åndelige teori om kristendommen, men havde ikke et tilstrækkeligt grundlag til at fortsætte med at udvikle gamle forfædres forskning. Normalt er indholdet af de værker, der har overlevet fra den tid, reduceret til beundring af klassiske teorier og modeller.

Der er også en nytænkning af døden. Nu bliver livet ikke en forberedelse til en "himmelsk" tilværelse, men en fuldgyldig vej, der ender med kroppens død. Renæssancefilosoffer forsøger at formidle ideen om, at "evigt liv" vil blive givet til dem, der kan sætte spor efter sig selv, hvad enten det er uudtalt rigdom eller kunstværker.

Udviklingen af ​​viden under renæssancen påvirkede i høj grad folks forestillinger om verden i dag. Takket være Copernicus og de store geografiske opdagelser har ideer om jordens størrelse og dens plads i universet ændret sig. Paracelsus og Vesalius' værker gav anledning til videnskabelig medicin og anatomi.

Det første skridt i renæssancens videnskab var tilbagevenden til Ptolemæus' klassiske teori om universets struktur. Der er et generelt ønske om at forklare det ukendte ved materielle love, de fleste teorier er baseret på at bygge stive logiske sekvenser.

Naturligvis er den mest fremtrædende videnskabsmand i renæssancen Leonardo da Vinci. Han er kendt for fremragende forskning inden for en bred vifte af discipliner. Et af de mest interessante værker af det florentinske geni refererer til definitionen af ​​menneskelig idealitet. Leonardo delte det humanistiske syn på retfærdigheden af ​​den nyfødte, men spørgsmålet om, hvordan man bevarer alle træk ved dyd og fysisk perfektion, forblev et mysterium. Og for den endelige gendrivelse af menneskets guddommelighed var det nødvendigt at finde den sande kilde til liv og fornuft. Da Vinci gjorde mange opdagelser inden for forskellige videnskabelige områder, hans værker er stadig genstand for undersøgelse af efterkommere. Og hvem ved, hvilken slags arv han ville have efterladt os, hvis hans liv havde været endnu længere.

Italiensk videnskab fra den sene renæssance var repræsenteret af Galileo Galilei. Den unge videnskabsmand, født i Pisa, besluttede sig ikke umiddelbart for den nøjagtige retning for sit arbejde. Han kom ind på det medicinske fakultet, men skiftede hurtigt til matematik. Efter at have modtaget en grad begyndte han at undervise i anvendte discipliner (geometri, mekanik, optik osv.), mere og mere fordybet i problemerne med astronomi, indflydelsen fra planeter og armaturer, og blev samtidig interesseret i astrologi. Det var Galileo Galilei, der først tydeligt tegnede analogier mellem naturlovene og matematikken. I sit arbejde brugte han ofte metoden med induktiv ræsonnement, ved at bruge en logisk kæde til at bygge overgange fra bestemte bestemmelser til mere generelle. Nogle af ideerne fremsat af Galileo viste sig at være meget fejlagtige, men de fleste af dem blev opfattet som bekræftelse af hans hovedteori om Jordens bevægelse omkring Solen. De daværende akademikere tilbageviste det, og den geniale toscaner blev "belejret" ved hjælp af en stærk inkvisition. Ifølge den vigtigste historiske version opgav videnskabsmanden offentligt sin teori ved slutningen af ​​sit liv.

Renæssancens videnskab stræbte efter "modernitet", som for det meste kom til udtryk i tekniske resultater. Efterretninger begyndte at blive betragtet som de riges ejendom. Det var på mode at have en videnskabsmand ved hoffet, og hvis han overgik sine naboers viden, så var det prestigefyldt. Ja, og gårsdagens købmænd selv var ikke afvisende over for at kaste sig ud i videnskaben, og nogle gange valgte de så "spektakulære" områder som alkymi, medicin og meteorologi. Videnskab var ofte løst blandet med magi og fordomme.

Under renæssancen blev @-tegnet brugt. Så betegnede han et vægtmål (arrub), svarende til 12 - 13 kg.

Det var under renæssancen, at alkymien dukkede op - en tidlig form for kemi, inklusive ikke mindre overnaturlige positioner end virkelig videnskabelige. De fleste alkymister var besat af ideen om at omdanne bly til guld, og denne mytiske proces er stadig identificeret med begrebet alkymi. Længe før skabelsen af ​​det periodiske system af grundstoffer foreslog alkymister deres vision: alle stoffer bestod efter deres mening af en blanding af svovl og kviksølv. Baseret på denne antagelse blev alle eksperimenter bygget. Senere blev en tredje tilføjet til de to hovedelementer - salt.

Det er værd at bemærke de geografiske resultater fra XIV-XVII århundreder. Dette er tiden for de store geografiske opdagelser. Et særligt bemærkelsesværdigt mærke i dette område blev efterladt af portugiserne og den berømte florentinske Amerigo Vespucci, hvis navn er udødeliggjort i datidens mest betydningsfulde opdagelse - de amerikanske kontinenter.

Maleri, skulptur, arkitektur

Den italienske renæssances billedkunst spredte sig fra Firenze, den bestemte i høj grad byens høje kulturelle niveau, som glorificerede den i mange år. Her som på andre områder er der en tilbagevenden til den klassiske kunsts ældgamle principper. Overdreven prætentiøsitet forsvinder, værkerne bliver mere "naturlige". Kunstnere afviger fra det religiøse maleris strenge kanoner og skaber de største ikonografiske mesterværker på en ny, friere og mere realistisk måde. Ud over et dybere arbejde med lys og skygge end tidligere, er der en aktiv undersøgelse af menneskets anatomi.

Harmoni, proportionalitet, symmetri vender tilbage til arkitekturen. De gotiske dele, der udtrykker middelalderlig religiøs frygt, forsvinder ind i fortiden og giver plads til klassiske buer, kupler og søjler. Arkitekterne fra den tidlige renæssance arbejdede i Firenze, men de senere år blev de aktivt inviteret til Rom, hvor der blev opført mange fremragende bygninger, som senere blev til arkitektoniske monumenter. I slutningen af ​​renæssancen blev manerismen født, hvor en fremtrædende repræsentant var Michelangelo. Et karakteristisk træk ved denne stil er den understregede monumentalitet af individuelle elementer, som i lang tid blev opfattet skarpt negativt af repræsentanter for klassisk kunst.

Inden for skulpturen kom tilbagevenden til antikken tydeligst til udtryk. Skønhedsmodellen var den klassiske nøgen, som igen begyndte at blive afbildet i contraposta (kroppens karakteristiske position, lænet på det ene ben, hvilket giver dig mulighed for ekspressivt at formidle bevægelsens karakter). Donatello og Michelangelo, som skabte statuen af ​​David, blev renæssancekunstens højdepunkt.

Under renæssancen i Italien blev kvinder med store pupiller betragtet som de smukkeste. Italienerne dryppede en infusion af belladonna i øjnene, en giftig plante, der udvidede pupillerne. Navnet "Belladonna" er oversat fra italiensk til "smuk kvinde".

Renæssancehumanismen påvirkede alle aspekter af social kreativitet. Renæssancens musik holdt op med at være for akademisk efter at have undergået en stor indflydelse af folkemotiver. I kirkens praksis er flerstemmige korsang blevet udbredt.

En række musikalske stilarter førte til fremkomsten af ​​nye musikinstrumenter: violer, luter, cembalo. De var nemme nok at bruge og kunne bruges i firmaer eller til små koncerter. Kirkemusikken, meget mere højtidelig, krævede et passende instrument, som i disse år var orglet.

Renæssancehumanismen foreslog nye tilgange til et så vigtigt stadium i dannelsen af ​​en person som læring. I renæssancens storhedstid var der en tendens til at udvikle personlige egenskaber fra en ung alder. Gruppeuddannelse blev erstattet af individuel, når eleven vidste præcis, hvad han ville, og gik til det tilsigtede mål, stole på sin mesterlærer i alt.

Den italienske renæssances århundreder var ikke kun en kilde til utrolige kulturelle fremskridt, men også en tid med stærke modsætninger: oldtidens filosofi og konklusioner fra moderne tænkere stødte sammen, hvilket førte til en radikal ændring i både livet selv og dets opfattelse.

Tiden for den italienske renæssance eller den italienske renæssance, perioden med kulturel og ideologisk udvikling af landet i perioden fra slutningen af ​​det XIII til det XVI århundrede. et nyt vigtigt stadium i udviklingen af ​​verdenskulturen. På dette tidspunkt når alle former for kunst en hidtil uset blomstring. Interessen for mennesket under renæssancen bestemte et nyt skønhedsideal.

I kunsthistorien bruges italienske navne i de århundreder, hvor oprindelsen og udviklingen af ​​den italienske renæssancekunst falder. Så det 13. århundrede hedder Ducento, det 14. - Trecento, det 15. - Quattrocento, det 16. - Cinquecento.

Quattrocento satte dette program ud i livet. Karakteristisk for ham var fremkomsten af ​​adskillige centre for renæssancekultur - i Firenze (det var i spidsen indtil begyndelsen af ​​det 16. århundrede), Milano, Venedig, Rom, Napoli.

I arkitekturen spillede appellen til den klassiske tradition en særlig vigtig rolle. Det manifesterede sig ikke kun i afvisningen af ​​gotiske former og genoplivningen af ​​det gamle ordenssystem, men også i den klassiske proportionalitet af proportioner, i udviklingen af ​​en centrisk type bygninger i tempelarkitekturen med et let synligt indre rum. Især en masse nye ting blev skabt inden for civilarkitekturen. I renæssancen får bybygninger i flere etager (rådhuse, købmandslaugshuse, universiteter, pakhuse, markeder osv.) et mere elegant udseende, en type bypalads (palazzo) dukker op - boligen af ​​en velhavende borger, samt en type landvilla. Spørgsmål i forbindelse med planlægning af byer bliver løst på en ny måde, bycentre bliver rekonstrueret.

Renæssancens kunst er opdelt i fire faser:

Proto-renæssance (slutningen af ​​XIII - I halvdelen af ​​det XIV århundrede),

Tidlig renæssance (II halvdel af XIV - begyndelsen af ​​det XV århundrede),

Højrenæssance (slutningen af ​​det 15. århundrede, de første tre årtier af det 16. århundrede),

Sen renæssance (midten og anden halvdel af det 16. århundrede)

PROTORENESSANCE.

Italiensk kultur oplever et strålende opsving. Udviklingen af ​​proto-renæssancetendenser forløb ujævnt. Et træk ved italiensk kirkearkitektur er også konstruktionen af ​​kupler over krydset mellem det centrale skib og tværskib. Blandt de mest berømte monumenter i denne italienske version af gotikken er katedralen i Siena (XIII-XIV århundreder).Trækkene af det gamle og det nye var sammenflettet i italiensk kultur. Inden for arkitektur, skulptur og maleri dukker store mestre frem, som er blevet æraens stolthed - Niccolo og Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, hvis arbejde i vid udstrækning bestemte den videre udvikling af italiensk kunst, der lagde grundlag for fornyelse.

Niccolo Pisano - Prædikestolen af ​​hvid, pink-rød og mørkegrøn marmor er en hel arkitektonisk struktur, let synlig fra alle sider. Ifølge middelaldertraditionen er der på brystningerne (prædikestolens vægge) relieffer på scener fra Kristi liv, mellem dem er profeternes skikkelser og allegoriske dyder. Søjlerne hviler på ryggen af ​​liggende løver. Niccolo Pisano brugte traditionelle plots og motiver her, men prædikestolen tilhører en ny æra.

Romersk skole (Pietro Cavallini (mellem 1240 og 1250 - omkring 1330)

Florentinsk skole (Cimabue)

Skole i Siena (Sienas kunst er præget af træk af raffineret sofistikering og dekorativitet. I Siena blev franske illustrerede manuskripter og kunsthåndværk værdsat. I XIII-XIV århundreder blev en af ​​de mest elegante katedraler i italiensk gotik opført her, på hvis facade Giovanni Pisano arbejdede i 1284-1297.)

TIDLIG RENAISSANCE KUNST

i Italiens kunst er der en afgørende forandring. Fremkomsten af ​​et magtfuldt centrum for renæssancen i Firenze førte til fornyelsen af ​​hele den italienske kunstneriske kultur.

Vend mod realisme. Firenze blev det førende centrum for kultur og kunst. Sejr af House of Medici. I 1439 Det Platonske Akademi oprettes. Laurentian Library, Medici Art Collection. En ny vurdering af det smukke - lighed med naturen, en sans for proportioner.

I bygninger fremhæves væggens plan. Materialitet Bruneleschi, Alberti, Benedetto da Maiano.

Filippo Brunelleschi (1337-1446) er en af ​​de største italienske arkitekter i det 15. århundrede. Det danner stilen fra renæssancen. Mesterens innovative rolle blev bemærket selv af hans samtidige. Ved at bryde med det gotiske stolede Brunelleschi ikke så meget på antikke klassikere som på arkitekturen fra proto-renæssancen og på den nationale tradition for italiensk arkitektur, som bevarede elementer fra klassikerne gennem middelalderen. Brunelleschis værk står ved overgangen til to epoker: Samtidig fuldender det traditionen fra proto-renæssancen og lægger grundlaget for en ny vej i arkitekturens udvikling.

Donatello (1386-1466) - den store florentinske billedhugger, der ledede mestrene, der indledte renæssancens blomstring. I sin tids kunst optrådte han som en sand innovatør. Donatello var den første af renæssancens mestre, der formåede at løse problemet med en stabil indstilling af figuren, for at formidle kroppens organiske integritet, dens tyngde, masse. Han var en af ​​de første til at bruge teorien om lineært perspektiv i sine værker.

HØJ VEJLEDNING

Dette er tidspunktet for det tætteste samspil mellem forskellige sfærer af kunstnerisk og intellektuel kreativitet på baggrund af et veletableret fællestræk af nye verdensanskuelsespositioner og forskellige typer kunst - på baggrund af en ny stilistik, der er blevet fælles for hele deres ensemble. Renæssancens kultur fik på dette tidspunkt hidtil uset magt og bred anerkendelse i det italienske samfund.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Grundlægger af højrenæssancen. For ham er kunst viden om verden. Dybdegående funktioner. Generaliserede former. Større videnskabsmand.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Billedhugger, maler, arkitekt

I 1508 inviterede pave Julius II Michelangelo til at male loftet i Det Sixtinske Kapel.

SEN GENVIKLING

senrenæssancemestre - Palladio, Veronese, Tintoretto. Mester Tintoretto gjorde oprør mod de etablerede traditioner inden for billedkunst - overholdelse af symmetri, streng balance, statisk; udvidede rummets grænser, mættede det med dynamik, dramatisk handling, begyndte at udtrykke menneskelige følelser mere levende. Han er skaberen af ​​massescener gennemsyret af erfaringens enhed.

Kapitel "Introduktion", afsnittet "The Art of Italy". Generel kunsthistorie. Bind III. Renæssance kunst. Forfatter: E.I. Rotenberg; under den generelle redaktion af Yu.D. Kolpinsky og E.I. Rotenberg (Moskva, Art State Publishing House, 1962)

I renæssancens kunstneriske kulturs historie ydede Italien et bidrag af enestående betydning. Selve omfanget af den største opblomstring, der prægede den italienske renæssance, virker særligt slående i modsætning til de små territoriale dimensioner af de byrepublikker, hvor kulturen i denne epoke blev født og oplevede sin høje stigning. Kunsten i disse århundreder indtog en hidtil hidtil uset position i det offentlige liv. Kunstnerisk skabelse syntes at være blevet et umætteligt behov for renæssancens folk, et udtryk for deres uudtømmelige energi. I de avancerede centre i Italien fangede en passion for kunst de bredeste dele af samfundet - fra de herskende kredse til almindelige mennesker. Opførelsen af ​​offentlige bygninger, installationen af ​​monumenter, udsmykningen af ​​byens hovedbygninger var et spørgsmål af national betydning og genstand for opmærksomhed fra højtstående embedsmænd. Fremkomsten af ​​fremragende kunstværker blev til en stor social begivenhed. Det faktum, at tidens største genier - Leonardo, Raphael, Michelangelo - modtog navnet divino - guddommelig fra samtidige - kan vidne om den generelle beundring for fremragende mestre.

Med hensyn til sin produktivitet er renæssancen, der dækker omkring tre århundreder i Italien, ganske sammenlignelig med hele det årtusinde, hvor middelalderens kunst udviklede sig. De meget fysiske skalaer af alt, hvad der blev skabt af mestrene fra den italienske renæssance, majestætiske kommunale bygninger og enorme katedraler, storslåede patricierpaladser og villaer, skulpturværker i alle dets former, utallige monumenter af maleri - fresko-cyklusser, monumentale alterkompositioner og staffeli malerier, er allerede fantastiske. . Tegning og gravering, håndskrevne miniaturer og den nyligt opståede trykte grafik, dekorativ og brugskunst i alle dens former - der var i bund og grund ikke et eneste område af det kunstneriske liv, der ikke ville opleve et hurtigt opsving. Men måske endnu mere slående er det usædvanligt høje kunstneriske niveau af kunsten fra den italienske renæssance, dens virkelig globale betydning som en af ​​højdepunkterne i den menneskelige kultur.

Renæssancens kultur var ikke Italiens ejendom alene: dens omfang dækkede mange af landene i Europa. Samtidig fandt individuelle stadier i renæssancekunstens udvikling deres fremherskende udtryk i et eller andet land. Men i Italien opstod en ny kultur ikke kun tidligere end i andre lande - selve vejen til dens udvikling var kendetegnet ved en exceptionel sekvens af alle stadier - fra proto-renæssancen til den sene renæssance, og i hvert af disse stadier italiensk kunst gav høje resultater og overgik i de fleste tilfælde af opnåelse af kunstskoler i andre lande (i kunsthistorien er de italienske navne fra de århundreder, hvor fødslen og udviklingen af ​​Italiens renæssancekunst falder, meget brugt (hver af disse århundreder repræsenterer en vis milepæl i denne udvikling. Det 13. århundrede kaldes således ducento, det 14. - trecento, 15. - quattrocento, 16. - cinquecento.). Takket være dette nåede renæssancens kunstneriske kultur i Italien en særlig fylde af udtryk, der så at sige fremstod i sin mest integrerede og klassisk færdige form.

Forklaringen på dette forhold hænger sammen med de særlige forhold, hvorunder den historiske udvikling af renæssancens Italien forløb. Det sociale grundlag, der bidrog til fremkomsten af ​​en ny kultur, blev bestemt her ekstremt tidligt. Allerede i det 12.-13. århundrede, da Byzans og araberne som følge af korstogene blev skubbet til side fra de traditionelle handelsruter i Middelhavsområdet, beslaglagde de norditalienske byer og frem for alt Venedig, Pisa og Genova alle mellemhandlen mellem Vesteuropa og Østen. I de samme århundreder oplevede håndværksproduktion sin stigning i centre som Mila, Firenze, Siena og Bologna. Den akkumulerede rigdom blev investeret i stor skala i industri, handel og bankvæsen. Den politiske magt i byerne blev erobret af den polanske ejendom, det vil sige håndværkere og købmænd forenet i værksteder. I afhængighed af deres voksende økonomiske og politiske magt begyndte de en kamp med lokale feudalherrer og søgte fuldstændig fratagelse af deres politiske rettigheder. Styrkelsen af ​​de italienske byer gjorde det muligt for dem med succes at afvise angrebet fra andre stater, primært de tyske kejsere.

På dette tidspunkt gik byerne i andre europæiske lande også ind på vejen til at forsvare deres kommunale rettigheder mod krav fra magtfulde feudalherrer. II dog adskilte de rige italienske byer sig i denne henseende fra bycentrene på den anden side af Alperne på ét afgørende træk. Under de usædvanligt gunstige forhold med politisk uafhængighed og frihed fra feudale institutioner blev formerne for en ny, kapitalistisk levevis født i byerne i Italien. De tidligste former for kapitalistisk produktion manifesterede sig tydeligst i tøjindustrien i de italienske byer, primært i Firenze, hvor formerne for spredt og centraliseret manufaktur allerede blev brugt, og de såkaldte seniorværksteder, som var fagforeninger af iværksættere, etableret et system med grusom udnyttelse af lejede arbejdere. Bevis på, hvor langt Italien var foran andre lande på den økonomiske og sociale udviklings vej, kan være det faktum, at allerede i det 14. århundrede. Italien kendte ikke kun bøndernes antifeudale bevægelser, der udfoldede sig i visse egne af landet (f.eks. Fra Dolcinos opstand i 1307), eller byplebs taler (bevægelsen ledet af Cola di Rienzi i Rom i 1347-1354), men også de undertrykte arbejderes opstande mod iværksættere i de mest avancerede industricentre (ciompi-oprøret i Firenze i 1374). I det samme Italien begyndte dannelsen af ​​det tidlige bourgeoisie tidligere end noget andet sted - den nye samfundsklasse, som var repræsenteret af popolansky-kredse. Det er vigtigt at understrege, at dette tidlige borgerskab bar tegn på en grundlæggende forskel fra middelalderborgerne. Essensen af ​​denne forskel er primært forbundet med økonomiske faktorer, da det er i Italien, at tidlige kapitalistiske produktionsformer opstår. Men ikke mindre vigtigt er det, at det italienske borgerskab i det 14. århundrede i de avancerede centre. besad hele den politiske magts fylde og udvidede den til de jordbesiddelser, der stødte op til byerne. En sådan fuldstændighed af magt var ikke kendt af borgerne i andre europæiske lande, hvis politiske rettigheder normalt ikke gik ud over grænserne for kommunale privilegier. Det var den økonomiske og politiske magts enhed, der gav den polske klasse i Italien de særlige træk, der adskilte den både fra middelalderborgerne og fra borgerskabet i postrenæssancetiden i de absolutistiske stater i det 17. århundrede.

Sammenbruddet af det feudale ejendomssystem og fremkomsten af ​​nye sociale relationer førte til grundlæggende skift i verdenssyn og kultur. Den revolutionære karakter af den sociale omvæltning, som udgjorde essensen af ​​renæssancen, manifesterede sig med enestående klarhed i de fremskredne byrepublikker i Italien.

I forhold til social og ideologisk var renæssancen i Italien en kompleks og selvmodsigende proces med ødelæggelsen af ​​det gamle og dannelsen af ​​det nye, da de reaktionære og progressive elementer var i en tilstand af den mest akutte kamp, ​​og juridiske institutioner, samfundsorden, skikke, såvel som selve verdensanskuelsesgrundlaget, har endnu ikke fået den ukrænkelighed, som er indviet af tid og stats-kirkeautoritet. Derfor fandt sådanne egenskaber hos datidens mennesker som personlig energi og initiativ, mod og vedholdenhed til at nå det opstillede mål yderst gunstigt grundlag for sig selv i Italien og kunne åbenbare sig her med den største fylde. Ikke underligt, at det var i Italien, at selve typen af ​​renæssancemenneske udviklede sig i sin største lysstyrke og fuldstændighed.

At Italien var et enestående eksempel på den lange og ekstremt frugtbare udvikling af renæssancekunsten i alle dens stadier, skyldes primært, at den reelle indflydelse fra progressive sociale kredse på det økonomiske og politiske område forblev her indtil de første årtier af 1500-tallet. Denne indflydelse var også effektiv på et tidspunkt, hvor der i mange centre af landet begyndte en overgang (fra det 14. århundrede) fra det kommunale system til de såkaldte tyrannier. Styrkelsen af ​​den centraliserede magt ved at overføre den i hænderne på én hersker (som kom fra feudale eller de rigeste handelsfamilier) var resultatet af en intensivering af klassekampen mellem de herskende borgerlige kredse og massen af ​​de urbane lavere klasser. Men selve den økonomiske og sociale struktur i italienske byer var stadig i høj grad baseret på tidligere erobringer, og det var ikke for ingenting, at magtoverskridelserne fra de herskeres side, der forsøgte at etablere et regime med åbent personligt diktatur, blev fulgt af aktive handlinger af brede dele af bybefolkningen, hvilket ofte fører til fordrivelse af tyranner. Disse eller andre ændringer i de politiske magtformer, der fandt sted i den undersøgte periode, kunne ikke ødelægge selve ånden af ​​frie byer, som varede ved i Italiens fremskredne centre indtil den tragiske afslutning på renæssancen.

Denne situation adskilte renæssancens Italien fra andre europæiske lande, hvor nye sociale kræfter senere kom til at erstatte den gamle retsorden, og den kronologiske længde af selve renæssancen var derfor tilsvarende mindre. Og da den nye samfundsklasse ikke kunne indtage så stærke positioner i disse lande som i Italien, udtrykte renæssancens omvæltning sig i dem i mindre afgørende former, og selve forskydningerne i den kunstneriske kultur havde ikke en så udpræget revolutionær karakter.

Men ved at gå foran andre lande langs vejen for sociale og kulturelle fremskridt, viste Italien sig at være bag dem i et andet vigtigt historisk spørgsmål: landets politiske enhed, dets transformation til en stærk og centraliseret stat var urealistisk for det. Dette var roden til Italiens historiske tragedie. Siden den tid, hvor de store monarkier omkring det, og frem for alt Frankrig, såvel som Det Hellige Romerske Rige, som omfattede de tyske stater og Spanien, blev magtfulde magter, har Italien, opdelt i mange krigsførende regioner, befundet sig forsvarsløst mod angrebet fra udenlandske hære.. Det felttog mod Italien, som franskmændene foretog i 1494, indledte en periode med erobringskrige, der sluttede i midten af ​​det 16. århundrede. spaniernes erobring af næsten hele landets territorium og tabet af dets uafhængighed i flere århundreder. Opfordringer til foreningen af ​​Italien af ​​landets bedste hoveder og individuelle praktiske forsøg i denne retning kunne ikke overvinde den traditionelle separatisme i de italienske stater.

Rødderne til denne separatisme skal søges ikke kun i individuelle herskeres egoistiske politik, især paverne i Rom, de værste fjender af Italiens enhed, men frem for alt i selve grundlaget for den økonomiske og sociale orden, der blev etableret under renæssancen i de avancerede regioner og centre i landet. Udbredelsen af ​​en ny økonomisk og social struktur inden for rammerne af en enkelt pan-italiensk stat viste sig at være umulig på det tidspunkt, ikke kun fordi formerne for byrepublikkernes kommunale system ikke kunne overføres til ledelsen af ​​byrepublikkerne. hele landet, men også på grund af økonomiske faktorer: skabelsen af ​​et enkelt økonomisk system på en skala af hele Italien på det daværende niveau af produktivkræfter var umuligt. Den udbredte udvikling af det tidlige bourgeoisi, karakteristisk for Italien, som havde fulde politiske rettigheder, kunne kun finde sted inden for grænserne af små byrepublikker. Med andre ord var fragmenteringen af ​​landet en af ​​de uundgåelige forudsætninger for opblomstringen af ​​en så stærk renæssancekultur som Italiens kultur, for en sådan opblomstring var kun mulig under individuelle uafhængige bystaters forhold. Som forløbet af historiske begivenheder viste, fik renæssancekunsten i centraliserede monarkier ikke en så udtalt revolutionær karakter som i Italien. Denne konklusion bekræftes af, at hvis Italien politisk over tid viste sig at være afhængig af så stærke enevældige magter som Frankrig og Spanien, så blev afhængigheden i forhold til kulturel og kunstnerisk - selv i den periode, hvor Italien mistede sin selvstændighed - vendt om. ...

I selve forudsætningerne for den største opblomstring af kulturen i den italienske renæssance lå årsagerne til det sammenbrud, der ventede den. Det betyder naturligvis slet ikke, at opfordringerne til landets samling, som blev særligt skærpet i perioden med Italiens alvorlige politiske krise i de første årtier af det 16. århundrede, ikke var af progressiv karakter. Disse opfordringer svarede ikke kun til forhåbningerne hos de brede dele af befolkningen, hvis sociale erobringer og uafhængighed var truet, de var også en afspejling af den virkelige proces med den voksende kulturelle konsolidering af forskellige regioner i Italien. Uforenet ved begyndelsen af ​​renæssancen på grund af ujævnheden i deres kulturelle udvikling, var mange regioner i landet allerede i det 16. århundrede forbundet af en dyb åndelig enhed. Det, der forblev umuligt i den statspolitiske sfære, blev gennemført i den ideologiske og kunstneriske sfære. Det republikanske Firenze og det pavelige Rom var krigsførende stater, men de største florentinske mestre arbejdede både i Firenze og i Rom, og det kunstneriske indhold i deres romerske værker var på niveau med de mest progressive idealer i den frihedselskende florentinske republik.

Den usædvanligt frugtbare udvikling af renæssancekunsten i Italien blev lettet ikke kun af sociale, men også af historiske og kunstneriske faktorer. Italiensk renæssancekunst skylder sin oprindelse ikke til nogen, men til flere kilder. I perioden før renæssancen var Italien en korsvej for flere middelalderkulturer. I modsætning til andre lande fandt begge hovedlinjer af middelalderlig europæisk kunst, byzantinsk og romersk-gotisk, et lige så væsentligt udtryk her, kompliceret i visse områder af Italien under indflydelse af østens kunst. Begge linjer bidrog til udviklingen af ​​renæssancekunsten. Fra byzantinsk maleri overtog den italienske proto-renæssance den ideelt smukke struktur af billeder og former for monumentale billedcyklusser; det gotiske figursystem bidrog til indtrængen i det 14. århundredes kunst af følelsesmæssig spænding og en mere specifik virkelighedsopfattelse. Men endnu vigtigere var det faktum, at Italien var vogteren af ​​den antikke verdens kunstneriske arv. I en eller anden form fandt den antikke tradition sin brydning allerede i middelalderens italiensk kunst, for eksempel i skulpturen fra Hohenstaufen-perioden, men først i renæssancen, fra det 15. århundrede, åbnede den antikke kunst sig for kunstneres øjne i sit sande lys som et æstetisk perfekt udtryk for selve virkelighedens love... Kombinationen af ​​disse faktorer skabte i Italien den mest gunstige grund for renæssancekunstens fødsel og opståen.

En af indikatorerne for det højeste udviklingsniveau af italiensk renæssancekunst var den brede udvikling af videnskabelig og teoretisk tanke, der er karakteristisk for den. Den tidlige fremkomst af teoretiske skrifter i Italien var i sig selv bevis på det vigtige faktum, at repræsentanterne for den avancerede italienske kunst indså essensen af ​​den revolution, der havde fundet sted i kulturen. Denne bevidsthed om kreativ aktivitet stimulerede i meget høj grad kunstneriske fremskridt, for den gjorde det muligt for de italienske mestre at komme videre, ikke ved at famle, men målrettet at sætte og løse bestemte opgaver.

Kunstnernes interesse for videnskabelige problemer på det tidspunkt var så meget desto mere naturlig, fordi de i deres objektive viden om verden ikke kun stolede på dens følelsesmæssige opfattelse, men også på en rationel forståelse af de love, der lå til grund for den. Sammensmeltningen af ​​videnskabelig og kunstnerisk viden, karakteristisk for renæssancen, var årsagen til, at mange af kunstnerne på samme tid var fremragende videnskabsmænd. I den mest slående form kommer dette træk til udtryk i Leonardo da Vincis personlighed, men i en eller anden grad var det karakteristisk for rigtig mange skikkelser af italiensk kunstnerisk kultur.

Teoretisk tankegang i renæssancens Italien udviklede sig langs to hovedlinjer. På den ene side er dette problemet med det æstetiske ideal, som kunstnerne ved løsningen støttede sig til italienske humanisters ideer om menneskets høje skæbne, om etiske standarder, om den plads, det indtager i naturen og samfundet. På den anden side er det praktiske spørgsmål om legemliggørelsen af ​​dette kunstneriske ideal ved hjælp af den nye renæssancekunst. Kendskabet til renæssancens mestre inden for området anatomi, perspektivteori og læren om proportioner, som var resultatet af videnskabelig forståelse af verden, bidrog til udviklingen af ​​disse midler til billedsprog, ved hjælp af hvilke disse mestre var i stand til objektivt at afspejle virkeligheden i kunsten. I teoretiske værker viet til forskellige typer kunst blev en bred vifte af spørgsmål om kunstnerisk praksis overvejet. Det er tilstrækkeligt som eksempler at nævne udviklingen af ​​spørgsmål om matematisk perspektiv og dets anvendelse i maleriet, udført af Brunelleschi, Alberti og Piero della Francesca, en omfattende samling af kunstnerisk viden og teoretiske konklusioner, som er utallige noter af Leonardo da Vinci, skrifter og udtalelser om skulpturen af ​​Ghiberti, Michelangelo og Cellini, arkitektoniske afhandlinger af Alberti, Averlino, Francesco di Giorgio Martini, Palladio, Vignola. Endelig fremlagde kulturen i den italienske renæssance i George Vasaris skikkelse den første kunsthistoriker, som i sine biografier om italienske kunstnere gjorde et forsøg på at forstå sin tids kunst i historiske termer. Indholdet og bredden af ​​dækningen af ​​disse værker bekræftes af, at italienske teoretikeres ideer og konklusioner bevarede deres praktiske betydning i mange århundreder efter deres fremkomst.

I endnu højere grad gælder dette de meget kreative præstationer af mestrene fra den italienske renæssance, som ydede et vigtigt bidrag til alle typer af plastisk kunst, ofte forudbestemte vejen for deres udvikling i efterfølgende epoker.

I renæssancens Italiens arkitektur blev hovedtyperne af offentlige strukturer og boligstrukturer, der er brugt siden da i europæisk arkitektur, skabt, og de midler til arkitektonisk sprog blev udviklet, som blev grundlaget for arkitektonisk tænkning over en lang historisk periode. Dominans i italiensk arkitektur af den sekulære begyndelse kom ikke kun til udtryk i overvægten af ​​offentlige og private bygninger til sekulære formål i den, men også i det faktum, at spiritistiske elementer blev elimineret i selve det figurative indhold af religiøse bygninger - de gav plads til nye , humanistiske idealer. I sekulær arkitektur blev den førende plads besat af typen af ​​boligbyhus-palads (palazzo) - oprindeligt boligen for en repræsentant for rige købmands- eller forretningsfamilier, og i det 16. århundrede. - bopæl for en adelsmand eller hersker over staten. Renæssancepaladset fik med tiden funktionerne i en bygning, ikke kun privat, men også offentlig, og tjente også som en prototype for offentlige bygninger i de efterfølgende århundreder. I Italiens kirkearkitektur blev der lagt særlig vægt på billedet af en centreret kuppelstruktur. Dette billede svarede til ideen om en perfekt arkitektonisk form, der herskede i renæssancen, som udtrykte ideen om renæssancens personlighed, som er i harmonisk balance med den omgivende verden. De mest modne løsninger på dette problem blev givet af Bramante og Michelangelo i designerne af katedralen St. Peter i Rom.

Hvad angår selve arkitektursproget, var genoplivningen og udviklingen af ​​det gamle ordenssystem på et nyt grundlag her afgørende. For renæssancens Italiens arkitekter var ordren et arkitektonisk system designet til visuelt at udtrykke bygningens tektoniske struktur. Den proportionalitet, der ligger i ordenen til en person, blev betragtet som et af grundlaget for det arkitektoniske billedes humanistiske ideologiske indhold. Italienske arkitekter udvidede ordenens kompositionsmuligheder i sammenligning med de gamle mestre, efter at have formået at finde en organisk kombination af det med en mur, en bue og en hvælving. Hele bygningens volumen opfattes af dem som gennemsyret af en ordensstruktur, der opnår en dyb figurativ enhed af strukturen med dets naturlige miljø, da de klassiske ordener selv afspejler visse naturlige mønstre.

I byplanlægning stod arkitekterne fra renæssancens Italien over for store vanskeligheder, især i den tidlige periode, da de fleste byer havde tætte hovedbygninger allerede i middelalderen. Imidlertid satte de avancerede teoretikere og praktikere af arkitekturen fra den tidlige renæssance sig selv store byplanlægningsproblemer, idet de betragtede dem som morgendagens presserende opgaver. Hvis deres dristige generelle byplanlægningsideer ikke var fuldt gennemførlige på det tidspunkt og derfor forblev arkitektoniske afhandlingers ejendom, så er der visse vigtige opgaver, især problemet med at skabe et bycenter - udvikling af principper for at bygge byens hovedtorv - blev fundet i det 16. århundrede. sin geniale løsning, for eksempel på Piazza San Marco i Venedig og Capitoline Square i Rom.

Inden for billedkunsten var renæssancens Italien det mest slående eksempel på selvbestemmelsen af ​​visse typer kunst, som i middelalderen var underordnet arkitekturen, men nu har fået fuldstændig figurativ selvstændighed. Idémæssigt betød denne proces skulpturens og maleriets frigørelse fra middelalderens religiøse og spiritistiske dogmer, der lænkede dem, og en appel til billeder mættet med nyt, humanistisk indhold. Sideløbende hermed fandt fremkomsten og dannelsen af ​​nye typer og genrer af billedkunst sted, hvor et nyt ideologisk indhold kom til udtryk. Skulpturen genvandt for eksempel efter en årtusind-pause endelig grundlaget for sin figurative udtryksfuldhed og blev til en fritstående statue og en gruppe. Omfanget af figurativ dækning af skulptur er også udvidet. Sammen med de traditionelle billeder forbundet med den kristne kult og antikke mytologi, som afspejlede generelle ideer om en person, var genstanden for det også en specifik menneskelig individualitet, som manifesterede sig i skabelsen af ​​monumentale monumenter for herskere og condottieres, samt i det udbredte skulpturelle portræt i formerne portrætbuste. En radikal transformation gennemgår også en form for skulptur, således udviklet i middelalderen, som et relief, hvis figurative muligheder, takket være brugen af ​​teknikker til billed- og perspektivisk afbildning af rummet, udvides på grund af en mere komplet og omfattende visning af det levende miljø omkring en person.

Hvad angår maleri, er det her, sammen med den hidtil usete opblomstring af monumental fresco-komposition, nødvendigt at især understrege kendsgerningen om fremkomsten af ​​staffeli-maleri, som markerede begyndelsen på en ny fase i udviklingen af ​​kunst. Af billedgenrer bør man sammen med kompositioner om bibelske og mytologiske temaer, som indtog en dominerende stilling i renæssancemaleriet i Italien, fremhæve portrættet, som overlevede sin første blomstring i denne epoke. De første vigtige skridt blev også taget i så nye genrer som historisk maleri i ordets rette betydning og landskab.

Efter at have spillet en afgørende rolle i processen med frigørelse af visse typer kunst, bevarede og udviklede den italienske renæssance samtidig en af ​​de mest værdifulde kvaliteter af middelalderlig kunstnerisk kultur - princippet om at syntetisere forskellige typer kunst og kombinere dem i et fælles figurativt ensemble. Dette blev lettet af den øgede følelse af kunstnerisk organisation, der er iboende i italienske mestre, som manifesterer sig i dem både i den generelle udformning af ethvert komplekst arkitektonisk og kunstnerisk kompleks og i hver detalje af et individuelt værk, der er inkluderet i dette kompleks. Samtidig, i modsætning til middelalderens synteseforståelse, hvor skulptur og maleri er underordnet arkitekturen, er principperne for renæssancesyntese baseret på den særegne lighed mellem hver af kunstarterne, på grund af hvilken de specifikke kvaliteter af skulptur og maleri indenfor rammerne af et fælles kunstnerisk ensemble opnå en øget effektivitet af æstetisk gennemslagskraft. Det er vigtigt at understrege her, at tegnene på at tilhøre et stort figurativt system bæres ikke kun af værker, der er direkte inkluderet i ethvert kunstnerisk kompleks, men også separat taget uafhængige monumenter af skulptur og maleri. Hvad enten det er Michelangelos kolossale David eller Raphaels miniature Connestabile Madonna, rummer hvert af disse værker potentielt kvaliteter, der gør det muligt at betragte det som en mulig del af et eller andet generelt kunstnerisk ensemble.

Dette specifikt italienske monumental-syntetiske lager af renæssancekunst blev lettet af selve naturen af ​​de kunstneriske billeder af skulptur og maleri. I Italien, i modsætning til andre europæiske lande, blev renæssancemenneskets æstetiske ideal dannet meget tidligt, der går tilbage til humanisternes lære om uomo universale, om det perfekte menneske, hvor kropslig skønhed og styrke er harmonisk kombineret. Som det ledende træk ved dette billede fremføres begrebet virtu (tapperhed), som har en meget bred betydning og udtrykker det effektive princip i en person, målrettethed i hans vilje, evnen til at gennemføre sine høje planer på trods af alle forhindringer. Denne særlige egenskab ved renæssancens figurative ideal udtrykkes ikke af alle italienske kunstnere i så åben form, som for eksempel af Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna og Michalangelo - mestre, hvis værk er domineret af billeder af heroisk karakter. Men det er altid til stede i billederne af et harmonisk lager, for eksempel i Raphael og Giorgione, fordi harmonien i renæssancebilleder er langt fra afslappet hvile - bag den mærkes heltens indre aktivitet og bevidsthed om hans moralske styrke altid.

Gennem det 15. og 16. århundrede forblev dette æstetiske ideal ikke uændret: afhængigt af de enkelte stadier i renæssancekunstens udvikling, blev dets forskellige aspekter skitseret i det. I billederne fra den tidlige renæssance er for eksempel træk ved en urokkelig indre integritet mere udtalt. Den åndelige verden af ​​heltene fra højrenæssancen er mere kompleks og rigere, hvilket giver det mest slående eksempel på det harmoniske verdensbillede, der er iboende i kunsten i denne periode. I de følgende årtier, med væksten af ​​uløselige sociale modsætninger, intensiveres indre spændinger i billederne af italienske mestre, en følelse af dissonans, en tragisk konflikt opstår. Men gennem renæssancen forblev italienske billedhuggere og malere forpligtet til et kollektivt billede, til et generaliseret kunstnerisk sprog. Det er takket være ønsket om det mest generelle udtryk for kunstneriske idealer, at de italienske mestre i højere grad end andre landes mestre formåede at skabe billeder af en så bred lyd. Dette er roden til den ejendommelige universalitet af deres figurative sprog, som viste sig at være en slags norm og model for renæssancekunst generelt.

Den enorme rolle for italiensk kunst af dybt udviklede humanistiske ideer blev allerede manifesteret i den ubetinget dominerende position, som menneskebilledet fandt i det - en af ​​indikatorerne for dette var beundring for den smukke menneskelige krop, karakteristisk for italienerne, som blev betragtet af humanister og kunstnere som beholder for en smuk sjæl. Det hjemlige og naturlige miljø omkring en person blev i de fleste tilfælde ikke genstand for så tæt opmærksomhed for italienske mestre. Denne udtalte antropocentrisme, evnen til at afsløre ens ideer om verden primært gennem billedet af en person, giver heltene fra mestrene fra den italienske renæssance en så omfattende indholdsdybde. Vejen fra det almene til det individuelle, fra det hele til det partikulære er karakteristisk for italienerne ikke kun i monumentale billeder, hvor deres helt ideelle kvaliteter er en nødvendig form for kunstnerisk generalisering, men også i en genre som portrætter. Og i sine portrætværker tager den italienske maler udgangspunkt i en bestemt type menneskelig personlighed, i forhold til hvilken han opfatter hver enkelt model. I overensstemmelse hermed er det i det italienske renæssanceportræt, i modsætning til portrætbilleder i andre landes kunst, det typiske princip gældende over de individualiserende tendenser.

Men dominansen af ​​et bestemt ideal i italiensk kunst betød slet ikke udjævning og overdreven ensartethed af kunstneriske løsninger. Enheden af ​​ideologiske og figurative præmisser udelukkede ikke kun mangfoldigheden af ​​kreative talenter hos hver af det enorme antal mestre, der arbejdede i denne æra, men satte tværtimod deres individuelle karakteristika endnu tydeligere i betragtning. Selv inden for en, desuden, den korteste fase af renæssancekunsten - de tre årtier, hvor højrenæssancen falder, kan vi nemt fange forskelle i opfattelsen af ​​menneskebilledet blandt de største mestre i denne periode. Således skiller Leonardos karakterer sig ud for deres dybe spiritualitet og intellektuelle rigdom; i Rafaels kunst dominerer en følelse af harmonisk klarhed; de titaniske billeder af Michelangelo giver det mest levende udtryk for denne tids mands heroiske effektivitet. Hvis vi vender os til de venetianske malere, så tiltrækker billederne af Giorgione med deres mest subtile lyrik, mens Titians sanselige fylde og variation af følelsesmæssige bevægelser er mere udtalte. Det samme gør sig gældende for italienske malers billedsprog: hvis de florentinsk-romerske mestre er domineret af lineære plastiske udtryksmidler, så har venetianerne en afgørende betydning farvemæssigt.

Separate aspekter af renæssancens figurative opfattelse modtog forskellig brydning i kunsten fra den italienske renæssance, afhængigt af de forskellige stadier af dens udvikling og af de traditioner, der udviklede sig i individuelle territoriale kunstskoler. Da den økonomiske og kulturelle udvikling af de italienske stater ikke var ensartet, var deres bidrag til renæssancens kunst også anderledes i dens individuelle perioder. Af de mange kunstneriske centre i landet bør tre fremhæves - Firenze, Rom og Venedig, hvis kunst i en vis historisk rækkefølge repræsenterede hovedlinjen i den italienske renæssance i tre århundreder.

Firenzes historiske rolle i udformningen af ​​renæssancens kultur er særlig vigtig. Firenze var i spidsen for ny kunst fra proto-renæssancens tid til højrenæssancen. Hovedstaden i Toscana viste sig at være i centrum for Italiens økonomiske, politiske og kulturelle liv fra det 13. til begyndelsen af ​​det 16. århundrede, og begivenhederne i dets historie, efter at have mistet deres rent lokale karakter, fik en al-italiensk betydning. Det samme gælder fuldt ud for den florentinske kunst i disse århundreder. Firenze var fødestedet eller stedet for kreativ aktivitet for mange af de største mestre fra Giotto til Michelangelo.

Fra slutningen af ​​det 15. - begyndelsen af ​​det 16. århundrede. Rom fremsættes sammen med Firenze som det førende centrum for landets kunstneriske liv. Ved at bruge sin særlige position som hovedstaden i den katolske verden bliver Rom en af ​​de stærkeste stater i Italien og hævder den ledende rolle blandt dem. Følgelig udvikler de romerske pavers kunstneriske politik, som for at styrke det romerske pontifikats autoritet tiltrækker de største arkitekter, billedhuggere og malere til deres hof. Fremkomsten af ​​Rom som det vigtigste kunstneriske centrum i landet faldt sammen med begyndelsen af ​​højrenæssancen; Rom bevarede sin førende position i de første tre årtier af det 16. århundrede. De bedste værker af Bramante, Raphael, Michelangelo og mange andre mestre, der arbejder i Rom, skabt i disse år markerede renæssancens højdepunkt. Men med de italienske staters tab af politisk uafhængighed, under renæssancekulturens krise, forvandlede pavelige Rom sig til en højborg for en ideologisk reaktion, der tog form af en modreformation. Siden 1940'erne, hvor modreformationen åbnede en bred offensiv mod renæssancekulturens erobringer, har det tredjestørste kunstneriske centrum, Venedig, været vogter og efterfølger af de progressive renæssanceidealer.

Venedig var den sidste af de stærke italienske republikker til at forsvare sin uafhængighed og bevare en stor del af sin enorme rigdom. Tilbage til slutningen af ​​1500-tallet. et vigtigt centrum for renæssancekulturen, var det højborg for håbet om det slavegjorte Italien. Det var Venedig, der var bestemt til at give den mest frugtbare afsløring af den italienske senrenæssances figurative kvaliteter. Arbejdet af Titian i den sidste periode af hans aktivitet, såvel som de største repræsentanter for anden generation af venetianske malere i det 16. århundrede. - Veronese og Tintoretto var ikke kun et udtryk for renæssancekunstens realistiske principper på et nyt historisk stadium - det banede vejen for de mest historisk lovende elementer af renæssancerealismen, som blev videreført og udviklet i en ny stor kunstnerisk æra - i maleriet af det 17. århundrede.

Allerede for sin tid havde den italienske renæssances kunst en usædvanlig bred paneuropæisk betydning. Overgå resten af ​​Europa på renæssancekunstens udviklingssti i kronologiske termer. Italien var også foran dem med at løse mange af tidens vigtigste kunstneriske opgaver. Derfor indebar appellen til italienske mestres arbejde for alle andre nationale renæssancekulturer et skarpt spring i dannelsen af ​​en ny, realistisk kunst. Allerede i det 16. århundrede var det umuligt at opnå et vist niveau af kunstnerisk modenhed i europæiske lande uden en dyb kreativ assimilering af erobringerne af italiensk kunst. Sådanne store malere som Dürer og Holbein i Tyskland, El Greco i Spanien, så store arkitekter som hollænderen Cornelis Floris, spanieren Juan de Herrera, englænderen Pnigo Jones, skylder meget studiet af renæssancens Italiens kunst. Aktivitetssfæren for de italienske arkitekter og malere selv, som spredte sig over hele Europa fra Spanien til det antikke Rusland, var enestående i sin enorme omfang. Men måske er den italienske renæssances rolle som grundlaget for kulturen i moderne tid, som en af ​​de højeste legemliggørelser af realistisk kunst og den største skole for kunstneriske færdigheder, endnu mere betydningsfuld.

Renæssancekulturen i Italien gennemgik flere udviklingsstadier. Deres grænser er præget af århundreder - XIV, XV, XVI århundreder. (på italiensk Trecento, Quattrocento, Cinquecento) og kronologiske grænser inden for dem.

I den italienske renæssance skelnes der normalt mellem følgende hovedperioder: proto-renæssance(før-renæssance) - slutningen af ​​XIII-begyndelsen af ​​XIV århundreder. - en overgangsperiode mellem middelalderen og selve renæssancen; Tidlig renæssance - periode fra midten af ​​det 14. århundrede. indtil omkring 1475; moden, eller Højrenæssance - sidste fjerdedel af det 15. - tidlige 16. århundrede (quadrocento); og perioden fra XVI-begyndelsen af ​​XVII århundreder. - Sen renæssance(cinquecento).

I italiensk kultur i XIII-XIV århundreder. på baggrund af stadig stærke byzantinske og gotiske traditioner begyndte træk ved en ny kunst at dukke op - renæssancens fremtidige kunst. Derfor blev denne periode af dens historie kaldt proto-renæssancen (det vil sige, den forberedte renæssancens offensiv; fra græsk"protos" - "første"). Der var ingen lignende overgangsperiode i nogen af ​​de europæiske lande. I selve Italien eksisterede proto-renæssancekunst kun i Toscana og Rom.

Stadiet af den tidlige humanisme blev afsluttet i begyndelsen af ​​det 15. århundrede og fremlagde et program for opbygning af en ny kultur baseret på studia humanitatis - en bred vifte af humanitære discipliner. Quattrocento satte dette program ud i livet. Det var karakteriseret ved fremkomsten af ​​adskillige centre for renæssancekultur - i Firenze (det var i spidsen indtil begyndelsen af ​​det 16. århundrede), Milano, Venedig, Rom, Napoli og små stater - Ferrara, Mantua, Urbino, Bologna, Rimini . Dette forudbestemte ikke kun udbredelsen af ​​humanisme og renæssancekunst i bredden, men også deres exceptionelle mangfoldighed, dannelsen af ​​forskellige skoler og tendenser inden for dem. I løbet af det XV århundrede. en stærk humanistisk bevægelse opstod, som omfattede mange aspekter af det kulturelle og sociale liv i Italien. Den nye intelligentsias rolle i samfundsstrukturen og kulturudviklingen steg markant i anden halvdel af 1400-tallet. Hun hævdede mere og mere selvsikkert sin position i uddannelsessystemet, i den offentlige service, inden for videnskab og litteratur, billedkunst og arkitektur, i kulturbyggeri generelt. Det var med hendes aktiviteter, at søgningen efter og undersøgelsen af ​​antikke monumenter, oprettelsen af ​​nye biblioteker og samlinger af kunstværker fra antikken blev forbundet, og med begyndelsen af ​​trykning i Italien i 60'erne af det XV århundrede. - og propaganda på grundlag af renæssancens ideer og verdenssynsprincipper.

Et slående træk ved tiden var søgen efter nye former for selvorganisering af humanister, oprettelse af fællesskaber og akademier af dem. Nye fænomener påvirkede også udviklingen af ​​renæssancekunsten i kunstværksteder (bottegas), som faldt ud af de gamle håndværksvirksomheder.

Ved slutningen af ​​århundredet indtog renæssancekulturen allerede en førende position på mange områder af samfundets åndelige liv og i kunsten. Indflydelsen af ​​humanistisk dannelse begyndte at sætte sit præg på en række fænomener i den folkelige-by-, kirke-, adelige kultur, som til gengæld renæssancekulturen selv trak fra.

I den italienske kultur var træk ved det gamle og det nye sammenflettet. "Den sidste digter i middelalderen" og den nye æras første digter, Dante Alighieri (1265-1321) skabte det italienske litterære sprog. Det, Dante startede, blev videreført af andre store florentinere fra det 14. århundrede - Francesco Petrarca (1304-1374), grundlæggeren af ​​europæisk lyrisk poesi, og Giovanni Boccaccio (1313-1375), grundlæggeren af ​​romangenren (novelle) i verden litteratur. Tidens stolthed er arkitekterne og billedhuggerne Niccolo og Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio og maleren Giotto di Bondone.

I den italienske renæssances kultur indtager arkitektur og kunst en fremtrædende plads. Med overfloden af ​​talentfulde håndværkere, omfanget og mangfoldigheden af ​​kunstnerisk kreativitet, og vigtigst af alt, ved sin dristige innovation, var Italien foran Italien i det 15. århundrede. alle andre europæiske lande. Den italienske kunst Quattrocento udviklede sig inden for rammerne af lokale skoler. Toscanske, Lombardiske, Venetianske skoler har udviklet sig inden for arkitektur, i hvilken stil nye trends ofte kombineres med lokale traditioner. Inden for billedkunst, primært i maleri, er der også dannet flere skoler - florentinske, umbriske, norditalienske, venetianske - med deres egne unikke stiltræk.

Det var i kunstnerisk kreativitet, at den nye kultur realiserede sig selv med den største udtrykskraft, det var i kunsten, den blev legemliggjort i skatte, som tiden ikke har magt over. Harmoni, skønhed vil finde et urokkeligt grundlag i det såkaldte gyldne snit (dette udtryk blev introduceret af Leonardo da Vinci; senere blev et andet brugt: "guddommelig proportion"), kendt i antikken, men interessen for, som opstod netop i det 15. århundrede . i forbindelse med dets anvendelse både i geometri og i kunst, især inden for arkitektur. Renæssancen er præget af skønhedsdyrkelsen, især menneskets skønhed. Italiensk maleri, som for en tid bliver den førende kunstform, skildrer smukke, perfekte mennesker.

Maleri Tidlig renæssance repræsenteret af kreativitet Botticelli(1445-1510), som skabte værker om religiøse og mytologiske emner, herunder malerierne "Forår" og "Venus' fødsel". Den største arkitekt fra den tidlige renæssance - Brunelleschi(1377-1446). Han søgte at kombinere elementer af antikke romerske og gotiske stilarter, byggede templer, paladser, kapeller.

Den tidlige renæssances æra sluttede i slutningen af ​​det 15. århundrede, den blev erstattet af Højrenæssance - tidspunktet for den højeste blomstring af den humanistiske kultur i Italien. Det var dengang, ideer om menneskets ære og værdighed, hans høje skæbne på Jorden blev udtrykt med den største fylde og kraft. Højrenæssancens titaner var Leonardo Da Vinci(1456-1519), Rafael Santi(1483-1520), den sidste store repræsentant for højrenæssancens kultur var Michelangelo Buonarotti(1475-1654). De bemærkelsesværdige kunstnere i denne periode var Giorgione (1477-1510) og Tizian(1477-1576).

Højrenæssancens kunst er en livlig og kompleks kunstnerisk proces med blændende lyse stigninger og efterfølgende kriser. Den italienske kunsts guldalder er frihedens tidsalder. Højrenæssancens malere mestrer alle skildringens midler - en skarp og modig tegning, der afslører menneskekroppens ø, farve, der allerede formidler luft og skygger og lys. Perspektivets love bliver på en eller anden måde umiddelbart mestret af kunstnere, som uden nogen indsats. Figurerne bevægede sig, og harmoni blev opnået i deres fuldstændige frigørelse. Efter at have mestret form, chiaroscuro, mestring af den tredje dimension, mestrede kunstnerne fra højrenæssancen den synlige verden i al dens uendelige mangfoldighed, i alle dens vidder og fordybninger, for at præsentere den for os ikke i brøkdele, men i en kraftfuld generalisering, i fuld glans af sin solrige skønhed.