1900-luvun alkua leimasi nostalginen "paluu" rokokoon estetiikkaan, Ludvig XIV:n ajan kuviin, ikuisesti menneeseen uljaaseen aikakauteen. Tämä johtui ihmisen (ja ennen kaikkea taiteilijan) luonnollisesta halusta löytää varmuutta jatkuvasti kiihtyvästä elämäntahdista menneisyyden houkuttelevissa maalauksissa.

Venäjällä rokokookaudella eurooppalaisen tyyppinen maalaus ilmestyi vasta ensimmäistä kertaa ja korvasi oman venäläisen perinteensä, ikonimaalauksen. Rokokootrendit levisivät erityisen voimakkaasti 1700-luvun puolivälissä. Venäjällä tämä suunta on saanut pääosin kapea-alaisen luonteen ja koskenut yksinomaan Pietariin. Rokokoo sai täyden ilmaisunsa hieman myöhemmin: Rokotovin varhaisessa teoksessa Levitskyn "Smolnyankassa". Edustavuus (otosominaisuuksien vastaavuus populaation tai koko väestön ominaispiirteisiin) korvataan läheisyydellä, hienolla koristeellisella ja oudolla muotoleikityksellä.

Rokokoomaalauksen pääteemoja ovat hoviaristokratian hieno elämä, "uljaat juhlat" ja monimutkaisten rakkaussuhteiden maailma. Maalauksen aiheina ovat vain rakkaus, erotiikka, aistillisuuden kultti, kevyt rakkaus (Ei vakavia intohimoja).

Rokokootaide on fiktiota ja intiimiä elämyksiä, koristeellista teatraalisuutta, hienostuneisuutta, hienostuneen hienostuneisuutta; siinä ei ole sijaa sankaruudelle ja paatosukselle - ne korvataan rakkauden, fantasia ja hurmaavien rihmasten kanssa. Barokin raskas ja säälittävä juhlallisuus korvataan intiimillä, hauraalla koristeellisella. Rokokoon lyhyen, lyhytkestoisen "vuosisadan" iskulauseesta tuli "taide nautinnollisena", jonka tarkoituksena oli herättää valoa, miellyttäviä tunteita, viihdyttää, hyväillä silmää oudolla viivakuviolla, hienoilla yhdistelmillä kevyen elegantin. värit, mikä ilmeni erityisesti sisätilojen arkkitehtonisessa sisustuksessa, jonka uusiin vaatimuksiin mukautettiin myös rokokoomaalausta. Rokokoolle on ominaista hedonistiset tunnelmat, vetäytyminen illusorisen ja idyllisen teatterileikin maailmaan sekä mieltymys idyllisen pastoraalisiin ja aistillisesti eroottisiin juoniin. Rokokootaiteilijoille oli ominaista hienovarainen värikulttuuri, kyky rakentaa sommittelu jatkuvilla koristepisteillä, saavuttaa yleinen vaaleus, jota korosti vaalea paletti, sekä haalistuneiden, hopeansineristen, kultaisten ja vaaleanpunaisten sävyjen suosiminen. Samalla rokokoomaalauksen kehittymisen kanssa realistisen liikkeen rooli kasvoi; Muotokuva, asetelma, arkigenre ja maisema saavuttivat huippunsa.

Rokokooestetiikka on vivahteiden ja vihjeiden estetiikkaa. Ihmisen kuvauksessa on paljon aiempaa vaikeampaa saada kiinni siirtymä mallin katsomisen psykologisesta raittiudesta tiettyjen piirteiden edulliseen piilottamiseen, todellisista kasvoista maalliseen naamioon, elämästä rooliin ja päinvastoin. Tietty kiehtova kuvan kaksinaisuus on olennainen piirre monissa aikakauden muotokuvissa. Ja vielä yksi tärkeä seikka, joka liittyy jälleen pelin alkuun. 1700-luvun muotokuvagallerian sankarit ovat halukkaita kommunikoimaan katsojan kanssa ja rohkaisemaan häntä vastaamaan. Muotokuvalle genren luonteen vuoksi ominaista laatu saa nyt uuden, hienovaraisen spesifisyyden. Puolikäännös, pieni ele, tuskin havaittavissa oleva kasvojen liike, puolihymy, hämärtynyt ilme tai märkä kimallus silmissä - tällaisista asteittaisista asteista on kudottu kuvia "uljasen" vuosisadan edustajista.

Rokokoon aikakausi on nimitys Gallantiin aikakaudelle. Yleisesti ottaen sana "uljas" oli vanhan hoviperinteen mukaan osoitettu henkilölle, joka oli kohtelias, kohtelias, ystävällinen ja joka yhdistettiin jaloisuuteen ja säädyllisyyteen; samaan aikaan he turvautuivat siihen, kun oli kyse rakkausseikkailujen sankareista ja sankaritarista (puhekielessä - poikaystävä, byrokratia). 1700-luvun loppuun mennessä kehitettiin ainutlaatuinen urhoollisuuden käsite, joka ei tarkoita vain kapeaa hienostuneen käyttäytymisen aluetta, vaan laajemminkin miellyttämisen taiteeseen perustuvaa tyyliä ja elämäntapaa.

"Galanttien" iän hallituskausi osuu noin 1715-1750, joissakin lähteissä tätä ajanjaksoa jatketaan Ranskan vallankumouksen alkuun asti. Galanttiajan pääpiirre on nautinnon viljeleminen elämän pääperiaatteena. Galanttius oli perusta miehen ja naisen väliselle suhteelle aristokraattisesta ympäristöstä. Myös tuona aikana nainen julistettiin "jumalattareksi", "ajatusten hallitsijaksi", hänen päähänpistonsa täyttyivät, pyhäpäiviä annettiin hänen kunniakseen ja samalla häntä käytettiin nautinnon kohteena. Tätä kutsumme kauniin naisen kultiksi tekemättä mitään tekoja hänen kunniakseen. Hyväksi muodoksi pidettiin suosikin tukemista, ballien, konserttien ja naamiaisten järjestämistä hänen kunniakseen. Galanttien ihmissuhteiden perusta on hienostunut flirttailu, joka ei usein ylitä säädyllisyyden rajoja. Näitä tarkoituksia varten oli erityinen viestintäjärjestelmä: "fanien kieli", "kärpästen kieli", "kukkien kieli".

Galanttikaudella vallitsi myös alkuperäinen naamiaiskulttuuri, jolla ei enää ollut mitään yhteistä antiikin ja keskiajan rituaalikarnevaalien kanssa. Galanttiajalle on ominaista rakkaus pukeutumiseen. Lukuisat tuon ajan näytelmät ja sarjakuvaoopperat esittävät seuraavan tilanteen: tyttö muuttuu kammioliksi, nuori mies "muuttuu" tytöksi.

Tähän aikaan perustuen kuvataiteeseen ja koristetaiteeseen muodostui sellainen genre kuin uljas kohtaus.

Galantin genren syntypaikka on Ranska, josta se syntyi 1700-luvun ensimmäisellä neljänneksellä (1710 - 1720). Syynä sen syntymiseen oli muutos maallisessa elämässä Ludvig XIV:n kuoleman ja Ludvig XV:n valtionhoitajan, Orleansin Philip II:n liittymisen jälkeen. Ludvig XIV:n hallituskauden viimeisiä vuosia leimasivat erilaisten nautintojen kieltäminen, tekopyhyys, ankaruus ja säädyllisyys sekä muodin pidättyvyys. Orléansin herttuan saapuessa hovielämä muuttui dramaattisesti, entisen kuninkaan ajoilta ei jäänyt mitään: ranskalainen aristokratia syöksyi kevytmielisyyden, hulluuden ja ylellisyyden aaltoon.

Perustava muutos kuninkaallisen hovin tietoisuudessa vaikutti uuden genren muodostumiseen - uljaan kohtauksen, joka kuvaa korkean yhteiskunnan ihmisten kevytmielisyyttä ja päämäärätöntä ajanvietettä.

Galantin tyylin piirteitä

Upea kohtaus kuvaa aina kahden tai useamman ihmisen välistä rentoa kommunikointia viehättävän ja fantastisen kauniin maiseman taustalla. Tämä voi olla keskustelu, flirttailu, peli, kävely, tanssi. Maalausten sankarit, kuten luonto, jonka taustalla rauhallinen toiminta kehittyy, ovat aina kauniita ja harmonisia ("uljaat kohtaukset" tilaaneiden aristokraattien näkökulmasta).

Näihin tarkoituksiin juuri Regency-aikakaudella ilmestynyt rokokootyyli sopi täydellisesti - käytös, oikukas ja ilmava-kevyt.

Maalausten sankarilla ei yleensä ole oikeita prototyyppejä: nämä eivät ole yksittäisten henkilöiden muotokuvia, vaan vain houkuttelevia lisäyksiä "uljasta festivaalista". Galantilla kohtauksella ei ole erityistä juonetta eli toimintaa sen kehityksessä. Galanttien kohtauksen mestareiden pääperiaate on ihanteellisen kauniiden ihmisten kuvaaminen seesteisen ja ehdottoman onnen ilmapiirissä. Jopa ahdistus tai lievä tyytymättömyys uljaissa kohtauksissa näyttää teeskennellyltä ja epätodelliselta. Joskus ns. pastoraalit luokitellaan myös uljaaksi kohtaukseksi - "paimenrakkauden" teema: tyylikkäät paimentytöt saavat seurustelun yhtä hienostuneilta paimenilta.

Valistuksen filosofit kritisoivat jyrkästi tätä juonen puutetta sekä luonnon kaunistamista.

Denis Diderot kirjoitti, että Francois Boucherin "uljaat" maalaukset ovat tyylikkäitä, mutta petollisia ja vailla makua, ja Marmontel uskoi, että "Boucher ei nähnyt todellista armoa".

Toinen uljaan kohtauksen piirre on kevytmielisyys ja eroottisuus, jotka olivat luontaisia ​​paitsi taiteessa, myös urhoollisen aikakauden aristokraattisessa maailmankuvassa.

Tässä genressä työskennelleitä taiteilijoita ovat Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, Maurice Quentin de Latour.

Mitä tulee venäläisiin taiteilijoihin, tämä sisältää "taiteen maailman" -taiteilijat - Konstantin Somov, Evgeny Lanceray ja Alexander Benois, jotka luovat upean ja samalla surullisen kuvan Gallantin ajasta. Heidän maalauksissaan voi tuntea ihmisten surun, jotka tietävät Marie Antoinetten ja hänen hienostuneiden hovimiesten kohtalon. Benoitin "Versailles"-sarja, Somovin "Markiisin kirja", Lancerayn retrospektiiviset ja tyylitellyt teokset eivät pyrkineet rekonstruoimaan menneisyyttä - tämä oli 1900-luvun ihmisen näkemys pallojen ja rakkauden valoisaan ja huolettomaan maailmaan. "Taiteen Mirsien" maalaukset antavat äärimmäisen idealisoidun käsityksen aikakaudesta, mutta tämä ei tee niistä yhtään vähemmän merkittäviä taiteen kannalta.

Ideoita maailman järkevistä malleista, luonnon kauneudesta, moraalisista ihanteista

Objektiivinen heijastus ympäröivästä maailmasta

Pyrkimys kohtuulliseen harmonian selkeyteen, tiukkaan yksinkertaisuuteen

Esteettisen maun muodostuminen

Rajoitus ja rauhallisuus tunteiden ilmaisemisessa

Rationalismi ja logiikka toiminnassa

Rokokoo on...

1700-luvun taiteen tyyli, jolle on ominaista mieltymys hienostuneisiin ja monimutkaisiin muotoihin, omituiset linjat, jotka muistuttavat simpukan siluettia.

43. Rokail on…… rokokootyylisen koristeen pääelementti, joka muistuttaa kuoren kiharan muotoa ja outoja kasveja.

44. Mascaron on…. rakennuksen veistoksellinen koristelu, joka on ihmisen tai eläimen pään muotoinen koko naama

45. Sentimentalismi on... Tämä on 1700-luvun toisen puoliskon kirjallisuuden ja taiteen suunta, jolle on ominaista lisääntynyt kiinnostus ihmisten tunteita kohtaan ja emotionaalinen asenne ympäröivään maailmaan, jossa rakkaus ihmiseen ja luontoon on etusijalla.

Mitä klassismin merkittävimmistä arkkitehtonisista rakenteista kutsutaan "satuuneksi"

Ranskan kuninkaiden asuinpaikka Pariisin laitamilla on Versailles'n palatsi.

47. Kaupunkisuunnittelun periaatteet klassismin aikakaudella:

Ihanteellisen kaupungin luominen yhden suunnitelman mukaan tehdyillä rakennuksilla. Kaupunkikokonaisuus on suunniteltu neliön tai suorakulmion muotoon. Niiden sisälle suunnitellaan tiukasti säännöllistä suorakaiteen muotoista tai säteittäistä katurengasta, jonka keskustassa on kaupungin aukio.

48. Miksi N. Poussinin työtä kutsutaan maalauksen klassismin huipuksi?

N. Poussin - klassismin tyylin perustaja. Muinaisen mytologian, muinaisen historian ja Raamatun teemoihin Poussin paljasti nykyaikansa teemat. Teoksillaan hän kasvatti täydellisen persoonallisuuden näyttäen ja laulaen esimerkkejä korkeasta moraalista ja kansalaisherkkyydestä.

N. Poussin

49. Mikä yhdistää suurimmat mestarit "uljas genre"- A. Watteau ja F. Boucher

Monimutkaisten rakkaussuhteiden ja elämän maailma koskemattoman luonnon taustalla.

Nimeä wieniläisen klassismin säveltäjät.

A – Joseph Haydn, B – Wolfgang Mozart, C – Ludwig van Beethoven

A B C

51. Sinfonia on...(konsonanssi) 4-osainen teos sinfoniaorkesterille, jossa ensimmäisessä ja viimeisessä osassa on samat näppäimet, ja keskimmäiset kirjoitetaan päänäppäimillä, joka määräytyy

Todennäköisesti jokaisessa kuvataiteen tyylissä ja genressä voidaan nimetä ne edustajat, jotka ovat heidän persoonallisuutensa. Joten esimerkiksi renessanssin maalauksessa Michelangelo ja Raphael voittivat, barokki - Peter Paul Rubens, jugend - Gustav Klimt ja Alphonse Mucha. Ja jos puhumme rokokoon hienosta taiteesta, niin mieleen tulevat ensinnäkin sellaisten mestareiden nimet kuin Antoine WATTO ja Francois BOUCHER.

Antoine WATTO

Francois BOUCHER

Tämä postaus on omistettu rokokoomaalaukselle ja tämän tyylin tunnetuimmille mestareille, jota suosittelen kaikille taiteen ystäville. Rokokoomaalauksen pääteemoja ovat hoviaristokratian hieno elämä, "uljaat juhlat", idylliset kuvat "paimen" elämästä koskemattoman luonnon taustalla (ns. pastoraalimaalaus. Muista kuvakudos "Paimentar", oletettavasti riippuvainen aateliston johtajan Ippolit Matvejevitš Vorobjaninovin talossa, jonka unohtumaton Ostap Bender teeskenteli muistavansa tapaaessaan arkistonhoitaja Korobeinikovin?), monimutkaisten rakkausjuonioiden ja ovelien allegorioiden maailma.

Ihmiselämä on lyhyt ja ohikiitävä, joten "onnellinen hetki" on tartuttava, kiire ja tunne - näin uskoivat monet 1700-luvun ranskalaiset aristokraatit, kaukana valaistuksen filosofien ajatuksista, jotka toivat lähemmäs tapahtumia. 1789. Hedonismiin ja epicurealismiin uppoutuneina he eivät kyenneet osoittamaan käytännössä minkäänlaista vastustusta vallankumoukselliselle aallolle, joka pyyhkäisi pois sekä heidät että heidän tottumuksensa "jalostettujen nautintojen" maailman. Eikä ole sattumaa, että vuoden 1789 Ranskan vallankumouksen ja jakobiiniterrorin jälkeen taide teki jälleen jyrkän käänteen, jonka seurauksena syntyi sellainen tyyli kuin empire-tyyli.

Muuten, eikö jotkin historialliset yhtäläisyydet ole ilmeisiä?

Aiemmassa rokokootyyliä käsittelevässä postauksessa kirjoitin jo, että sen seuraajaa, yli vuosisataa myöhemmin, voitaisiin hyvin pitää jugendna. Art Nouveaun poikkeuksellinen suosio Venäjällä 1900-luvun alussa kaikessa arkkitehtuurista ja kuvataiteesta kirjallisuuteen ja muotiin selittyy suurelta osin samalla hedonismilla, tällä kertaa venäläisen aristokratian ja älymystön (loppujen lopuksi 1900-luvulla, ei 18.). Tämän lisäksi on myös rappiota, joka oli erittäin muodikasta Venäjän nuorten keskuudessa 1900-luvun alussa. Runoilija M. Kuzmin, joka ylisti "kauniiden ja ilmavien pienten asioiden henkeä" Venäjällä viime vuosisadan alussa, on varmasti samalla semanttisella aallolla Ludvig XV:n suosikin, Pompadourin markiisitarin kanssa, joka julisti: "Jälkeemme voi tulla tulva."

Kuten tiedätte, tämä "tulva" ei odottanut kauan vallankumousta edeltäneellä Ranskalla eikä vallankumousta edeltävällä Venäjällä. Ja se seikka, että lopulta Neuvostoliitossa Corbusierin hengessä toteutettujen konstruktivismin kokeilujen jälkeen voitti oleellisesti eklektinen tyyli, nimeltään "stalinistinen empire -tyyli", kertoo myös paljon (vaikka tietysti ns. "Stalinistinen empiretyyli", jossa arkkitehtonisesti katsottuna ei aivan empiretyyli).

Tämä vei minut kuitenkin jossain määrin kulttuuriseen ja historialliseen rinnakkaisuuteen. Palataanpa rokokoomaalaukseen, eli 1700-luvulle.

Useimmille rokokoomaalareille Venus, Diana, nymfit ja kupidot peittävät kaikki muut antiikin mytologian jumaluudet, puhumattakaan kristillisistä aiheista, jotka jätetään täysin huomiotta. Kaikenlaiset "uiminen", "aamukäymälät" ja välittömät nautinnot ovat nyt ehkä kuvan pääaihe.

Eksoottiset värinimet ovat muodissa: "pelästyneen nymfin reiden väri" (liha), "maidossa kelluvan ruusun väri" (vaaleanpunainen), "kadonneen ajan väri" (sininen) jne. Selkeästi harkitut, arvokkaat klassismin sävellykset antavat tilaa elegantille ja hienostuneelle muotoilulle.

Antoine WATTO (1684-1721) aikalaiset kutsuivat häntä "huolettoman vapaa-ajan runoilijaksi", "mukavuuden ja kauneuden laulajaksi". Teoksissaan hän kuvasi piknikkejä ikivihreissä puistoissa, musiikki- ja teatterikonsertteja luonnon sylissä, intohimoisia tunnustuksia ja rakastajien riitoja, idyllisiä treffejä, balleja ja naamiaisia. Samaan aikaan hänen maalauksissaan on tuskallista surua, kauneuden ohimenevyyden tunnetta ja tapahtuvan hetkellisyyttä.

Mutta tämä Antoine Watteaun maalaus, joka luotiin vuonna 1720 merkkinä matkustavien koomikkojen esityksille, on hänen todellinen mestariteos. Sitä kutsutaan "Gilles."

Gilles on yksi ranskalaisen naamiokomedian päähenkilöistä, sopusoinnussa italialaisen commedia dell'arten sankarin Pierrot'n kanssa. Kömpelö, naiivi olento, ikään kuin luotu älykkään ja ovelan Harlequinin jatkuvaa pilkamista ja temppuja varten. Koomikon kömpelössä asennossa, eksyksissä ja liikkumattomana yleisön edessä, voi tuntea hänen turhansa etsivän keskustelukumppania, joka voisi kuunnella ja ymmärtää häntä. Mutta turhaan. Klovnin väsyneen ja surullisen ilmeen piilossa on ajatus miehen yksinäisyydestä, joka on pakotettu huvittamaan ja viihdyttämään kyllästynyttä yleisöä. Tässä kuvassa Antoine Watteau näytti yrittäneen astua nyky-yhteiskunnassa vallitsevien hedonististen tapojen yli, missä hänen kykynsä suuruus piilee.

"Gilles" - 36-vuotiaana kuolleen Antoine Watteaun tärkein mestariteos, hän kirjoitti vähän ennen kuolemaansa. Mielestäni tätä ei tarvitse kommentoida.

Francois BOUCHER (1703-1770) piti itseään Antoine Watteaun uskollisena oppilaana. Jotkut kutsuivat häntä "armon taiteilijaksi", "maalauksen Anakreoniksi", "kuninkaaliseksi maalariksi". Jälkimmäinen näki hänessä "tekopyhä taiteilija", "jolla on kaikkea paitsi totuus". Toiset taas huomauttivat skeptisesti: "Hänen kätensä kerää ruusuja sieltä, missä toiset löytävät vain piikkejä."

François Boucher maalasi useita seremoniallisia muotokuvia Louis XV:n kuuluisasta suosikista Marquise Pompadour, joka holhosi taiteilijaa.

F. Boucherin tunnetuin kuva markiisista on maalaus "Madame de Pompadour" 1756, jossa sankaritar esitetään hänen taiteellista makuaan ja harrastuksiaan muistuttavien esineiden ympäröimänä. Samalla hänen käsissään oleva kirja on selkeä vihje valaistumisesta ja sitoutumisesta älyllisiin tavoitteisiin ("Meidän jälkeen jopa tulva!" Muistatko? Hän on myös intellektuelli ja valistumisen kannattaja!!!)

Pompadourin markiisi kiitti avokätisesti taiteilijaa ja nimitti hänet ensin kuvakudosmanufaktuurin johtajaksi (no, kyllä, mistä muuten kuuluisa "Shepherdess" kuvakudos olisi peräisin?), ja sitten Taideakatemian presidentiksi ja antoi hänelle arvonimen "kuninkaan ensimmäinen maalari."

Ranskan kuninkaallisen hovin tilausten täyttämisen lisäksi Francois Boucher kääntyi jatkuvasti kuvaamaan erilaisia ​​kevytmielisiä kohtauksia, joiden päähenkilöt olivat söpöjä, ujoja paimentyttärejä tai pulleita alastomia kaunokaisia ​​mytologisten Venusten ja Dianan muodossa.

Hänen maalauksensa ovat täynnä moniselitteisiä vihjeitä, pikantteja yksityiskohtia (paimentyttären hameen kohotettu helma, kylpevän Dianan kekseliäästi kohotettu jalka, huulilleen painettu sormi, kaunopuheinen, kutsuva katse, rakastavaisten jalkojen juurella käpertyvät lampaat, suuteleminen kyyhkyset jne.).

No, Francois Boucher tiesi aikakautensa muodin ja maut erittäin hyvin!

Maailmanmaalauksen historiassa Francois Boucher on edelleen upea värien ja hienon piirustuksen mestari, jonka maalaukset kutsuvat onnen, rakkauden ja kauniiden unien maailmaan.

"Galantti genre" - Rokokoomaalaus

"Galantin genren" mestarit ROCOCO ("hupaisa", "oikukas"; ranskalainen rokokoo rocaillesta - kiven sirpaleita, kuoria), tyylisuuntaus, joka hallitsi eurooppalaista taidetta 1700-luvun kolmen ensimmäisen neljänneksen aikana. Se ei edustanut niinkään itsenäistä taiteellista ilmiötä kuin vaihetta, tiettyä vaihetta yleiseurooppalaisessa barokkityylissä. Termi "rokokoo" syntyi Ranskassa 1700-luvun lopulla, klassismin kukoistusaikana, halveksiva lempinimi kaikelle 1700-luvun käytökselliselle ja vaatimattomalle taiteelle: kaareva, oikukas viiva, joka muistuttaa ääriviivoja kuori, on sen tärkein ominaisuus. Rokokootaide on fiktiota ja intiimiä elämyksiä, koristeellista teatraalisuutta, hienostuneisuutta, hienostuneen hienostuneisuutta; siinä ei ole sijaa sankaruudelle ja paatosukselle - ne korvataan rakkauden, fantasia ja hurmaavien rihmasten kanssa. Rokokoomaalauksen pääteemoja ovat hoviaristokratian hieno elämä, idylliset kuvat "paimen" elämästä koskemattoman luonnon taustalla, monimutkaisten rakkaussuhteiden maailma ja nerokkaat allegoriat. Ihmiselämä on välitöntä ja ohikiitävää, ja siksi meidän on tartuttava "onnelliseen hetkeen", kiirehdittävä elämään ja tuntemaan. "Viehottavien ja ilmavien pienten asioiden henki" tulee monien "kuninkaallisen tyylin" taiteilijoiden töiden leitmotiiviksi.

Antoine Watteau Hänen aikalaisensa kutsuivat Antoine Watteauta "huolettoman vapaa-ajan runoilijaksi" ja "uljakkaiden juhlien runoilijaksi", "yleyden ja kauneuden laulajaksi". Teoksissaan hän kuvasi piknikkejä ikivihreissä puistoissa, musiikki- ja teatterikonsertteja luonnon sylissä, intohimoisia tunnustuksia ja rakastajien riitoja, idyllisiä treffejä, balleja ja naamiaisia. Samalla hänen maalauksissaan on tuskallista surua. Tunne kauneuden ohimenevyydestä ja tapahtuvan hetkellisyydestä.

Antoine Watteau. Pyhiinvaellus Kytheran saarelle. 1717-1718 Louvre. Pariisi. Yksi taiteilijan kuuluisista maalauksista on "Pyhiinvaellus Cytheran saarelle". Ihanat naiset ja uljaat herrat kokoontuivat merenlahden kukkaiselle rannalle. He purjehtivat Cytheran saarelle - rakkauden ja kauneuden jumalattaren Venuksen saarelle, missä legendan mukaan hän nousi meren vaahdosta. Lämpimät, pehmeät maalit, vaimeat värit, kevyet siveltimen vedot - kaikki tämä luo erityisen charmin ja rakkauden tunnelman.

Yksi todellisista mestariteoksista on Watteaun maalaus "Gilles" ("Pierrot"), joka on luotu merkkinä matkustavien koomikkojen esitykseen. Gilles on ranskalaisen naamiokomedian pää- ja suosikkihahmo. Konsonantti Pieron kanssa - italialaisen commedia dell'arten sankarin kanssa. Kömpelö, naiivi olento näyttää olevan erityisesti luotu älykkään ja ovelan Harlequinin jatkuvaa pilkamista ja temppuja varten. Taiteellisesti kuva on maalattu loistavasti. Motiivin ja sommittelun äärimmäinen yksinkertaisuus yhdistyy tässä tarkalla suunnittelulla ja huolellisesti harkituilla väreillä. Antoine Watteau. Gilles. 1721. Louvre. Pariisi. (Messuteatterin sankari Gilles Pierrot'n asussa).

Antoine Watteau. italialaiset koomikot.

Antoine Watteau. Ranskalaisen teatterin näyttelijät.

Antoine Watteau. Rakkauden gamma.

Antoine Watteau. Oikukas. Noin 1718. Eremitaaši. Pietari.

Antoine Watteau. Mezzeten. 1717-1719 Metropolitan Museum of Art. NY.

Antoine Watteau. Savoyard murmelin kanssa.

Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) piti itseään uskollisena Watteaun oppilaana. Jotkut kutsuivat häntä "armon taiteilijaksi", "maalauksen Anakreoniksi", "kuninkaaliseksi maalariksi". Toiset pitivät häntä "tekopyhänä" taiteilijana, "jolla on kaikkea paitsi totuus". Toiset taas huomauttivat skeptisesti: "Hänen kätensä kerää ruusuja sieltä, missä toiset löytävät vain piikkejä."

Taiteilija maalasi useita muotokuvia kuningas Ludvig XV:n suosikista, markiisi de Pompadourista. Tiedetään, että hän holhosi Boucheria ja tilasi hänelle useammin kuin kerran maalauksia uskonnollisista aiheista maaseudulle ja pariisilaisiin kartanoihin. Madame de Pompadour -maalauksessa sankaritar esitetään hajallaan olevien kukkien ja ylellisten esineiden ympäröimänä, jotka muistuttavat hänen taiteellista makuaan ja harrastuksiaan. Hän nojaa kuninkaallisesti rehevien, juhlavien verhojen taustaa vasten. Hänen kädessään oleva kirja on selkeä vihje valistuksesta ja sitoutumisesta älyllisiin tavoitteisiin. Markiisi kiitti avokätisesti taiteilijaa. Hän nimitti hänet Gobelin-manufaktuurin johtajaksi ja myönsi hänelle "kuninkaan ensimmäisen maalarin" arvonimen. Francois Boucher. Madame de Pompadour. 1756 Alte Pinotek, München.

Francois Boucher kääntyi useammin kuin kerran kuvaamaan kevytmielisiä kohtauksia, joiden päähenkilöt olivat söpöjä, ujoja paimentyttärejä tai pulleita alastomia kaunokaisia ​​mytologisten Venusten ja Dianan muodossa. Hänen maalauksensa ovat täynnä moniselitteisiä vihjeitä, pikantteja yksityiskohtia (paimentyttären satiinihameen kohotettu helma, kylpevän Dianan kekseliäästi kohotettu jalka, huulille painettu sormi, kaunopuheinen, kutsuva ilme, symbolisesti suutelevat kyyhkyset jne. ) Taiteilija tunsi aikakautensa muodin ja maut erinomaisesti! Francois Boucher. Diana kylpee. . 1742 Louvre. Pariisi.

Maalauksen historiassa Francois Boucher on edelleen upea värien ja hienon muotoilun mestari. Nokkelat sävellykset, epätavalliset hahmojen kuvakulmat, omituiset siluetit lähes teatterimaisemista, rikkaat värikorostukset, kirkkaat heijastukset läpinäkyvistä maaleista, joita levitetään pienillä, kevyillä vedoilla, sujuvat virtaavat rytmit - kaikki tämä tekee F. Boucherista vertaansa vailla olevan maalauksen mestarin. Hänen maalauksensa muuttuvat koristepaneeleiksi, koristavat käytävien ja olohuoneiden reheviä sisätiloja, kutsuvat onnen, rakkauden ja kauniiden unien maailmaan. Francois Boucher. Keskeytetty uni.

Francois Boucher. Pan ja Syringa.

FRAGONARD Jean Honore ranskalainen taidemaalari ja kaivertaja, Louis XVI:n aikakauden suurin mestari. tuli tunnetuksi mestarillisesti toteutetuista mahtavista ja arkipäiväisistä kohtauksistaan, joissa rokokoon tyylikkyys yhdistyy luontoon, valo-ilmaefektien hienovaraisuuteen ja majesteettisiin muinaisiin raunioihin. Oikeiden havaintojen perusteella luotujen teosten ohella hän luo myös pastoraaleja - improvisoimalla hän toistaa kohtauksen niin elävästi, että se näyttää elämältä maalatulta. FRAGONARD Jean Honore

Fragonard. Kruunattu rakastaja.

Fragonard. Hiljainen suudelma

Fragonard. Psyche näyttää sisaruksille Cupidon lahjat.

Honore Fragonard. "Swing" 1766.

Fragonard. Musiikin oppitunti

ENGR Jean Auguste Dominique (1780-1867), ranskalainen taidemaalari ja piirtäjä. Loistava sommittelumestari, tiukka ja hienostunut piirustus, totuudenmukaiset, koskettavat muotokuvat ("L. F. Bertin", 1832). Maalauksissaan hän toimi akateemisen klassismin pääedustajana ("Homeroksen apoteoosi", 1827). Vuonna 1806 Ingres meni lopulta Italiaan, jossa hän oleskeli monta vuotta (1806-20 - Rooma, 1820-24 - Firenze) tutkien innokkaasti italialaista renessanssin taidetta, erityisesti Rafaelia. Luo useita mestariteoksia: muotokuvia "Granet" (1807, Aix-en-Provence); "Madame Devose" (1807, Condé-museo, Chantilly); "Marcotte d'Argenteuil" (1810, National Gallery, Washington), "Cardier" (1811, Louvre, Pariisi), "Madame Zeno" (1816, museo Nantesissa), "Gurieva" (1821, Eremitaaši, Pietari) Louis David, Taiteilija Ingresin muotokuva, noin 1800, Pushkin-museo, Moskova

Engr. Mahtava odaliskki. 1814 Öljy, kangas. Louvre, Pariisi.

Engr. Lähde

Engr. Kreivi Gurjevin muotokuva. 1821 Öljy, kangas. Eremitaaši, Pietari

Rokokoon koristeelliset Meissen-hahmot.

Rokokootyyliset huonekalut

Rokokootyyliset huonekalut. Talvipalatsi. Pietari.

Kysymyksiä ja tehtäviä: A. Watteau on ilon ja surun maalari. "Armomaalari" - F. Boucher. Rokokoon koriste- ja taideteollisuus. Kirjoita essee aiheesta "Mistä Antoine Watteaun maalausten sankarit voisivat haaveilla ja puhua.

4. Galanttien aikakauden maalaus

"Galantti" maalaus Ranskassa esiintyi rinnakkain roomalais-hellenistisen liikkeen ja varhaisen romantiikan kanssa, alun perin skotlantilaisesta koulukunnasta ja hallitsi Ranskan suureen vallankumoukseen saakka.

Taiteellinen elämä alkoi sitten muotoutua maalauksen alalla sellaisiin muotoihin, joissa se esiintyy edelleen. Akatemioilla, näyttelyillä ja taidekritiikillä alkoi olla suuri vaikutus vapaaseen taiteelliseen kehitykseen. Yhdessä Kuninkaallisen Akatemian kanssa, joka houkutteli parhaat voimat, Academy of St. Luke's Pariisissa, joka oli muuttunut vanhasta taidemaalarien kiltalta, saattoi vain harvoin ylpeillä loistavalla nimellä; ja Pariisin akatemian ohella maakunnalliset korkeakoulut, joista Toulousen, Montpellierin ja Lyonin akatemiat sijoittuivat ensimmäiseksi, pystyivät yleensä tyydyttämään vain paikallisia taiteellisia tarpeita. Ainoastaan ​​Pariisin kuninkaalliseen akatemiaan "lähetetyillä" oli oikeus esittää näyttelyitä Louvren "salonkiin"; Muutamaa vuotta myöhemmin "pääsyoikeutta koskevan kuvan" esittämisen jälkeen he saivat tavallisen akateemikon arvonimen. Tämä akatemia ei kuitenkaan ansaitse moittimista yksipuolisuudesta. Hän hyväksyi jäsentovereidensa joukossa Watteaun opettajan Claude Gillot'n "muodikkaiden aiheiden maalariksi", Watteaun itsensä "juhlamaalailijaksi", Greuzen "genremaalariksi"; muut taiteilijat on nimetty sen luetteloissa maisemamaalareiksi, eläinten, kukkien maalaajiksi jne. Akateemisten näyttelyiden ohella "aukiosalongissa" ja Louvren "suuressa galleriassa", joita toistettiin säännöllisesti vuodesta 1737 alkaen ja jotka saavuttivat korkeimmansa. raja vuonna 1789, myös ja Pietarin akatemia. Luki ja Nuorisoliitto järjestivät omat näyttelynsä.

Kaikista "uljasti kaanoneja" noudattaneista maalareista erotetaan perinteisesti useita merkittävimmistä hahmoista.

5. Jean-Marc Nattier (1685-1766)

Nattier on yksi vanhimmista "galanteista" maalareista, ja hänen työssään kuvattu suunta ilmeni vähäisemmässä määrin.

Syntyi taiteilijaperheeseen: hänen isänsä Mark oli muotokuvamaalari, hänen äitinsä Marie Courtua maalasi miniatyyrejä ja hänen veljensä Jean-Baptiste teki maalauksia historiallisiin teemoihin perustuen.

Jean-Marc Nattier sai ensimmäiset maalaustuntinsa isältään, minkä jälkeen hän osallistui piirustuskursseille Royal Academyssa. 15-vuotiaana (!) Nattier sai Pariisin akatemian ensimmäisen taidepalkinnon.

Vuonna 1717 Nattier matkusti Hollantiin, tapasi Pietari I:n Amsterdamissa ja maalasi muotokuvia tsaarista ja Venäjän keisarinna Katariinasta. Peter kutsui Nattierin lähtemään Ranskasta ja lähtemään hänen kanssaan Venäjälle, mutta taiteilija hylkäsi hänen tarjouksensa vedoten rakkauteensa kotimaahansa. Jean-Marc Nattier vietti melkein koko elämänsä Pariisissa.

Jean-Marc Nattier on uuden maalaustyylin luoja - historiallinen muotokuva (ranskalainen portrait historie), joka kuvaa pääasiassa kuuluisia ranskalaisen menneisyyden hahmoja.

"Prinssi A.B. Kurakin", "Tsaari Pietari I", "Katariina I" valmistuivat Pietariin. Niissä, samoin kuin kuuluisassa "Madame de Pompadour Diana the Huntress -kuvassa", sellaiset piirteet kuin kuvattavien ulkonäön idealisointi, muotokuva muinaisen sankarin tai jumalan kuvassa (pukumuotokuva) ja värin pehmeys näkyy jo. Hahmojen psykologiset ominaisuudet, ilmaistuna suoraan tai symbolisesti, katoavat. "Epochin kasvot" on henkilö, jolla on rauhallinen ilme, joka ei heijasta hänen sisäistä maailmaansa (mitä taiteilija ei kuitenkaan onnistunut tai halunnut saavuttaa "Prinsessa E.D. Golitsynassa", joka ilmaisee tytön ilmeistä narsismia ); Tässä mielessä uuden tyylin negatiivinen puoli on nähtävissä: ilmava "Rocaille" ei kaipaa syviä ajatuksia.

6. Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Watteau on yksi maailman taidehistorian tunnetuimmista taiteilijoista ja "uljasen genren" suurin mestari. Hänen maalaustensa välittämä tunnelmien ja hahmojen monimuotoisuus (ja tämä ei ole hänen aikalaistensa arvostaman erittäin helpon "uljaisuuden" kustannuksella!) on usein vastakohtana muihin, "ajattelemattomiin" rokokoon teoksiin (etenkin F. Boucher valistuksen filosofien mukaan "kaukana elämästä").

Watteau tuli Pariisiin vuonna 1702 Pohjois-Ranskasta, Valenciennesista, jossa hän syntyi kerran katontekijän perheeseen. Vuodesta 1703 vuoteen 1708 Watteau työskenteli Claude Gillotin työpajassa, kopioiden ja kuvaaen italialaisen komedian juonia. Tästä taiteilijan luovan muodostumisen tärkeästä vaiheesta on säilynyt vain yksi kuvallinen todiste - Moskovan maalaus "Satiiri lääkäreistä".

Seuraavina vuosina Watteau kokeili itseään eri genreissä; tältä ajanjaksolta muutamien säilyneiden teosten kiistanalainen kronologia ei anna meidän tehdä varmoja johtopäätöksiä hänen kiinnostuksen kohteidensa kehityksestä, mutta hänen tapansa muuttuu vapaammaksi, siveltimenvedos muuttuu tuoreemmaksi ja kevyemmäksi. .

Vuodesta 1710 lähtien, lyhyen matkan jälkeen Valenciennesiin, Watteau asui jälleen Pariisissa maalauksen, musiikin ja teatterin ilmapiirissä, jota hän niin rakasti. Hänen läheisiä ystäviään ovat ranskalaisen Mercuryn kirjailija ja toimittaja Antoine de la Roque, maalausten, kehysten ja lasin jälleenmyyjät Gersen ja Sirois, italialaisen komedian näyttelijät, runoilijat ja muusikot.

Tiukasti säädellyn akateemisen järjestelmän ulkopuolelle muodostunut Watteau pohti rauhallisesti ja valitsi häntä kiehtovia aiheita välittämättä genrejen hierarkiasta ja antautui vapaasti tunteiden ja mielikuvituksen tahdolle. Hän ei halunnut työskennellä tilauksesta, vaan piti parempana suunnittelun vapautta ja mielikuvituksen leikkiä. Hän maalasi maisemia, naamiaisia ​​Gillot'n hengessä, muotokuvia italialaisista näyttelijöistä, lomia puistoissa välittäen enemmän tunnelmasta, emotionaalisesta ja kuvallisesta rikkaudesta kuin tarkasta muotokuvien kaltaisuudesta tai juhlallisesta loistosta. "Galantin taiteen" vaikutus häneen kohdistui hieman myöhemmin kuin Nattieriin, ja siksi hän mainitaan tässä teoksessa myöhemmin kuin jälkimmäinen.

Hienovaraisia ​​mutta selkeitä psykologisia piirteitä voidaan nähdä hänen muotokuvissaan, kuten "Hra Paterin muotokuva". Joten siinä näemme äärimmäisen keskittyneen englantilaisen, joka ei edes katso katsojan suuntaan - kansansa kohtalaisen prime edustaja. Kuvan oikeassa alakulmassa oleva naisveistosmuotokuva ilmeisesti viittaa miehen ammattiin - hän on kuvanveistäjä.

Näemme saman asian, mutta yleismaailmallisten tunnelmien mittakaavassa, jotka syleilevät monia ihmisiä kerralla, kuuluisissa "uljasti festivaaleissa": "Pyhiinvaellus Cytheran saarelle" ja "Rakkauden festivaali".

On sanottava, että Watteau kuvasi kaikkia ranskalaisia ​​luokkia, ja yhtä vakuuttavia kuin aatelisten muotokuvat ovat "Savoyard murmelineen" ja "Gilles" (vaeltava muusikko) sekä lukuisat matkailijat, työläiset, talonpojat - hahmot matkaluonnoksia - ne ihmiset, joista Watteau tuli.

Watteau piti parempana maalaustelinemaalauksesta, mutta oli myös koristetaiteen mestari, hän teki itse koristepaneeleja kartanoiden sisätiloihin, maalasi vaunujen ovia, cembaloja ja viuhkat, jotka vaikuttivat rokokoon arkkitehtoniseen sisustukseen.

Sekä koristeelliset työt että suuret kankaat erottuvat Watteaulle tyypillisistä piirteistä: hämmästyttävä maalaus, kunnioitus ja hellyys, hienoin valikoima ohikiitäviä tunnelmia, piirustustekniikoiden käyttö maalauksessa (katso puun kruunujen käsittely teoksessa "Oikukas"), virtuoosillinen sävellystaito.

7. Francois Boucher (1703-1770)

"Hänen irstailunsa pitäisi valloittaa dandeja, kevytmielisiä naisia, nuoria, yhteiskunnan ihmisiä, siis kaikkia niitä, joille todellinen maku ja totuus ovat vieraita."

Francois Boucher syntyi Pariisissa taiteilija Nicolas Boucherin perheeseen, joka lähetti hänet opiskelemaan ystävänsä Francois Lemoinen luo.

Seitsemäntoista-vuotiaana Boucher tuli kaivertajan Jean-François Carsin työpajaan, jonka avulla hän ansaitsi elantonsa ja sai hyödyllisiä yhteyksiä mentorinsa korkea-arvoisiin asiakkaisiin.

Saa ensimmäisen kunniamaininnan - Akateemisen palkinnon - väitöskirjastaan. Täällä ja edelleen Boucher on erittäin sulavan, jopa hieman "sileän" kirjoitustyylin kannattaja, mikä ilahdutti hänen aikalaisiaan ja erottaa hänet selvästi Watteausta. Osallistuminen vuosina 1722-1723 etsausten luomiseen "Julien Collection" -kokoelmalle, jossa kaikki kuuluisan edeltäjän teokset toistettiin kaiverruksella, antoi hänelle mahdollisuuden tutustua tämän taiteilijan teoksiin ja oppia hänen sävellystekniikkansa.

Vuonna 1723 - Rooman palkinto. Italiassa matkustaessaan nuori taiteilija hallitsi Cortonan pehmeää chiaroscuro-tyyliä, Lanfrancon ja Tiepolin vahvat piirustusperiaatteet, mutta ei kuitenkaan pohjimmiltaan hyväksynyt kahden jälkimmäisen teosten syvää kontrastia ja sävellysdynamiikkaa - kaikki tämä meni vastoin makua. ranskalaisesta tuomioistuimesta. Kaikissa teoksissaan Boucher ei halua värien monimuotoisuutta vaan käyttää suuria paikallisia pisteitä, mutta niiden välillä on hienoja siirtymiä. Maisemat "Näkymä Tivolista" (Taide- ja arkkitehtuurimuseo, Boulogne-sur-Mer) ja "Näkymä Farnese Gardensille" (Metropolitan Museum, New York) perustuvat italialaisvaikutelmiin.

Tunnustuksen ja maineen ohella Boucher sai myös lukuisia koristetaidetilauksia, jotka jättivät hänet vasta hänen elämänsä loppuun asti.

Boucherin myöhemmässä työssä on huomioitava kaksi asiaa. Ensimmäinen on maalaustekniikoiden edelleen parantaminen, tyyliteltyjen tekniikoiden hallinta G. Tiepolon ilmeikkäässä barokkityylissä ("Amorin koulutus", "Leda ja joutsen" ja monia muita mytologisia aiheita käsitteleviä teoksia), posliinissa ( "Venus Consoling Cupid", "Jupiter Dianan muodossa viettelemässä Callistoa"). Ja toinen on hänen teostensa ideologisen komponentin muuttumattomuus, se sama hieman liiallinen "urheus", josta Voltaire ja Diderot kritisoivat hänen tyyliään. Psykologinen ja emotionaalinen karakterisointi puuttuu Boucherilta kokonaan, sen paikan ottaa hänen oma suhtautumisensa kuvattuun mutkattomien ominaisuuksien kautta. Niinpä "Venuksen vierailu Vulcanissa" taiteilija ei ole yhtä kiehtova sankaritarsta kuin jälkimmäinen, ja tämän välittää hänen kävelynsä suloisuus ja kihara pään flirttaileva käännös (ja onko tämä Venus - pikemminkin moderni Boucher fashionista). Boucherin tietty kyvyttömyys (ja ehkä vastahakoisuus, joka oli sopusoinnussa hovin maun kanssa) teostensa sisäiseen psykologismiin riistää draaman sellaisista kohtauksista kuin "Pan ja Syringa" ja "Jupiter Dianan varjossa viettelemässä Callistoa". liittyvät tarinoihin, joilla on traaginen juoni. Useimmissa tapauksissa hänen teoksiaan ei kuitenkaan pidetä kauniina kuvina, vaan rentouttavina kankaina, esimerkkeinä armosta.

Boucherin maailman genren monimuotoisuudesta on syytä huomata useita seikkoja.

Ensinnäkin, mikä on hänen työnsä välttämätön piirre, kuvattujen, pääasiassa naisten, ulkonäön idealisointi (rouva de Pompadourin muotokuvien sarja, "Madame Bergeret'n muotokuva"). Toiseksi muinaisten jumalattareiden kasvojen modernisointi mytologisissa teoksissa (tältä osin suuntaa antavin on maalaus "Venuksen wc" vuodelta 1751: taiteilijan aikana muodikkaita tummat tuhkakiharat, mantelinmuotoiset, hieman kaventuneet silmät, sydämenmuotoinen suu, pieni vartalo - enkä voi uskoa, että tämä on hahmo antiikin mytologiasta). Kaikki tämä puhuu vaikutuksesta tuolloin laajalle levinneen kiinteistömuotokuvan genren tekijään, jonka päähenkilöinä hän itse asiassa oli. Yhdessä sarjan "odaliskeja" (nuorten tyttöjen muotokuvia alastomina), joista erottuvat "tummakarvainen odaliskki" vuodelta 1745 ja "blonditukkainen odaliskki" vuodelta 1752, kaikki tämä puhuu naisen kauneuden ja seksuaalisuus Boucherin teoksissa (ei kuitenkaan koskaan lähellekään mautonta).

Ja kolmas kohta oli Boucherin jokseenkin tasainen ja "teatterimainen" lähestymistapa maisemaan monien myöhempien maalareiden mukaan (joka muuten oli yleistä useimmille tuon ajan taiteilijoille). Hänen "lava" ja "verho" erottuvat suhteellisen selvästi; vähemmässä määrin tämä näkyy vain hänen varhaisissa "italialaisissa" maisemissa. Huolimatta kasvillisuuden ja arkkitehtuurin kehittyneisyysasteesta (katso "Maisema Beauvais'n läheisyydessä", "Mylly", "Sillan ylittäminen") Boucherin maisemat ovat asuttaneet täysin epärealistisia henkilökuntia, "hänen "talonpoikaisensa" ovat aatelisia, hänen härkäään. ovat kuin Zeus ennen Euroopan sieppausta", ja sää on tyyni, hieman pilvinen päivä kuvatusta paikasta riippumatta. Huolimatta siitä, että Boucherin, kuten kaikkien muiden aikansa maalareiden, maiseman päätyö tehtiin studiossa, tämä erittäin "uljakas teatterimainen lähestymistapa" ei koskaan anna mestarille mahdollista saavuttaa paikan todellisuuden tunnetta ( mikä on tehtävä, jonka hän asettaa itselleen, koko näkyvyyden ajan, mutta ei asettanut sitä). Hänen Ranskansa on "pieni Arcadia", äärettömän kaukana todellisuudesta ja silti kaunis.

Teoksessa ei puhuta juuri mitään taiteilijan genrekohtauksista.

Siten Francois Boucher astui maailman taiteen historiaan "uljakkaan", sokerisen maalauksen taiteilijana, joka oli kuvaustavasta ehdottoman realistinen ja yhtä epärealistinen kuvattavan valinnassa; erinomaisena stylistina ja koriste- ja soveltavan taiteen mestarina.

Hänen lahjakkain oppilaansa J. O. Fragonard peri häneltä ulkoisen armon, sommitteluvapauden ja värirohkeuden, mutta hän yritti yhdistää ne suuremmalla tunneperäisellä sisäisellä syvyydellä kuvien ja aiheiden esittämisessä; Selkeän värikontrastin tekniikoita, joita Boucherista lähes puuttuu, käytetään useammin; valon ja varjon kontrastiin kiinnitetään enemmän huomiota. Siveltimenveto on paljon suurempi kuin Boucherin, mutta sen huomaa vasta lähemmin tarkasteltuna; vertailevan sileyden vaikutus on peritty opettajalta. Mutta emme keskity hänen työhönsä, sillä edellä mainittua ja genrekohtauksen ylivaltaa mytologiseen verrattuna hänen taiteensa kulki Boucherin "polkua" rentoutuakseen ja vangitakseen katsojan.

Nykyaikainen ranskalainen taidekritiikki ei arvosta Boucherin taidetta korkealle. Kriitikot tunnustavat taiteilijan erinomaisen tekniikan, mutta panevat merkille hänen teoksensa "makeuden", hänen usein epätäydellisen taiteellisen maun (myöhäisajan teokset, enimmäkseen vähän tunnetut, sisältävät samankaltaisten värien vastakkain liiallisen kontrastin) sekä yleisen tyylinsä "porvarillinen" luonne.

8. Maurice Quentin de Latour (1704-1788)

De Latour - "Pastellien kuningas"

"Kuninkaallisen sihteerin Duval de l'Epinayn muotokuvasta"

De Latour syntyi vaatimattomaan perheeseen. Yhdeksäntoista vuotiaana hän jätti kotikaupunkinsa Saint-Quentinin ja tuli Pariisiin, missä hän opiskeli keskinkertaisen taidemaalarin Dupouchin ja joidenkin muiden taiteilijoiden johdolla.

Latourin kaksi ensimmäistä julkisesti esillä olevaa teosta (muotokuvat hänestä ja taidemaalari Boucherin vaimosta), jotka oli esillä Pariisin salongissa vuonna 1737, ansaitsivat hänelle Taideakatemian liitännäisjäsenen tittelin; vuonna 1746 hänet valittiin sen täysjäseneksi, ja vuonna 1750 hän sai kuninkaallisen taidemaalarin arvonimen, jonka hän säilytti 23 vuotta. Vuonna 1780 hän jäi eläkkeelle kotikaupunkiinsa.

Koettuaan valistuksen ideologian vaikutuksen J. B. S. Chardinilta ja englantilaisilta taiteilijoilta, joiden kanssa de La Tour opiskeli useita vuosia vuodesta 1725 lähtien, de La Tour ei koskaan hyväksynyt suurimman osan "uljaasta" taiteesta suloisuutta ja ilkeyttä. mutta koska hän itse koki osan hänen vaikutuksestaan, eikä hänellä ollut vähempää vaikutusta häneen.

M. C. de Latour on mies, joka otti venetsialaiselta taiteilijalta Rosalba Carrieralta viestikapula taiteen kannalta tärkeässä asiassa - pastellikynän visuaalisen kyvyn laajentamisessa, piirtämisen leviämisessä eri pehmeysasteisten pastellien kanssa, popularisoinnissa pastellimaalauksesta kuvataiteen lajina, jonka avulla voidaan ilmaista sanoinkuvaamattomia öljymaaleja. Mikä öljytekniikalla on niin vaikeaa ilmaista? Esimerkiksi öljymaalauksen ehdoton sileä maalaus johtaa usein "kiillotukseen", kuvan tiettyyn "kuolleisuuteen", jota 1600-luvun hollantilaiset "sileät maalarit" eivät aina voineet välttää. Täysin sileä pastellimaalaus päinvastoin mahdollistaa maksimaalisen naturalismin saavuttamisen tarvittaessa, kun taas (!) Lakan puuttuminen sen koostumuksesta ei vertaa esimerkiksi hedelmiä sellaisessa työssä nukkeihin ja kasvoja nukkeihin. ”Kun kaksi vuotta kehitettyään piirtämisessä, [de Latour] saavutti sen kautta pastellimaalauksen taidon, jota kukaan häntä edeltäneistä pastellista ja kenties häntä seuranneista ei ollut vertaa.

Hänen maineensa kasvoi yhä enemmän, mitä edesauttoi myös pastellin muoti, joka levisi silloisessa ranskalaisessa yhteiskunnassa." Tämä (eikä vain) muodostuu hänen merkittävästä panoksestaan ​​kuvataiteessa, hänen vaikutuksestaan ​​"uljakkaan" maalaukseen. maalarit." De Latourista lähtien ranskalaiset, erityisesti hovitaiteilijat, pitivät pastellia paitsi apuvälineenä, myös itsenäisenä tekniikkana.

De Latour puolestaan ​​koki rokokoon suoran vaikutuksen: hänen maalaustensa värien pehmeys, kuvattujen kuva, vaikkakaan ei idealisoitu, mutta kohonneessa tunnelmassa, piti ranskalaisen aatelisen hengestä yhtä paljon. Valaistumista ja psykologismia hänen teoksissaan - aikansa kirjallisuushahmojen ja filosofien toimesta.

"Latourin aikalaisten todistuksen mukaan hän, kuten harvoin kukaan muu, tajusi samankaltaisuuden; tähän ominaisuuteen yhdistettiin värien vahvuus, harmonia ja miellyttävyys, jotka ovat säilyneet hänen muotokuvissaan iästään huolimatta tähän päivään asti. Suurin osa niistä on Saint-Quentinin museossa; monia niistä on myös kerätty Pariisin Louvre-museoon. Monet Latourin teoksista ovat aikansa erinomaisten mestareiden kaivertamia." Ja vaikka de La Touria ei perinteisesti ole luonnehdittu "uljakkaan" tyylin taiteilijaksi, hänen "keskinäinen risteykseensä" rokokoon kanssa voimme mainita tämän merkittävän taiteilijan.

Kuvataiteen tyypit ja tekniikat

Maalaus on tasaista kuvataidetta, jonka erityispiirteenä on esittää pinnalle levitetyillä maaleilla kuva todellisesta maailmasta, jota taiteilijan luova mielikuvitus muuttaa...

1900-luvun kulttuurin ja taiteen panokset maailman sivilisaatioon

Venäjän kulttuurin historiassa 1900-luvun alku. sai venäläisen kulttuurin "hopeakauden" nimen, joka alkaa "taiteen maailmalla" ja päättyy symboliikkaan. "World of Art" on organisaatio, joka perustettiin vuonna 1898...

Gotiikka. Menneiden aikojen jäätynyt aikakausi

Goottilainen maalausliike kehittyi useita vuosikymmeniä sen jälkeen, kun tyylin elementit ilmestyivät arkkitehtuuriin ja kuvanveistoon. Lasimaalauksista tuli yksi goottilaisen maalauksen päätrendeistä...

Versailles'n hovin vaatimusten vaikutus tuntui ensisijaisesti kuvataiteen, koriste- ja soveltavan taiteen ja arkkitehtuurin alalla. Telinemaalauksen, posliinin, viuhkojen ja muodin lisäksi "galantti" tyyli tunkeutui kartanoiden sisätiloihin...

K.A. Somov. Galantin genren viljely

2.1 "Galantin" genren synty rokokookaudella 1900-luvun alkua leimasi nostalginen "paluu" rokokoon estetiikkaan, Ludvig XIV:n ajan kuviin, ikuisesti menneeseen uljaan aikakauteen. ...

Neuvostoliiton kulttuurivallankumous (1922-1941)

"Puolueen ohjelma taiteen alalla kohtasi porvaristoon läheisesti kuuluvien taiteilijoiden vastustusta, jotka vastustivat neuvostovaltaa. Reaktionaaliset taiteilijat ja taideteoreetikot turvautuivat panettelemaan bolshevikkeja ja syyttämään heitä...

Kansallisen kulttuurin poikkeuksellinen nousu 1800-luvun alkupuoliskolla. antoi meille mahdollisuuden kutsua tätä aikaa "kultakaudeksi". Jos Venäjä jäisi taloudellisessa ja sosiopoliittisessa kehityksessä jälkeen edistyneistä eurooppalaisista valtioista...

Venäläistä muotokuvamaalausta ja grafiikkaa 1800-luvun ensimmäiseltä puoliskolta

Pyhä inkvisitio keskiajalla ja sen heijastus taiteessa

Keskiajalla maalauksesta tuli yksi tärkeimmistä taiteen muodoista. Myös monet uskonnolliset innovaatiot vaikuttivat uuteen asenteeseen maalausta kohtaan...