Suuret renessanssin taiteilijat. Renessanssihahmot: Luettelo ja saavutukset Kuuluisat italialaiset renessanssitaiteilijat

Ensimmäiset renessanssitaiteen edelläkävijät ilmestyivät Italiaan 1300-luvulla. Tämän ajan taiteilijat Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) ja (pääasiassa) Giotto (1267-1337), kun he luovat maalauksia perinteisistä uskonnollisista aiheista, he alkoivat käyttää uusia taiteellisia tekniikoita: kolmiulotteisen sommitelman rakentaminen taustalla olevan maiseman avulla, jonka avulla he tekivät kuvista realistisempia ja elävämpiä. Tämä erotti heidän työnsä jyrkästi aikaisemmasta ikonografisesta perinteestä, joka oli täynnä kuvan konventioita.
Termiä käytetään viittaamaan heidän työhönsä. Proto-renessanssi (1300-luku - "Trecento") .

Giotto di Bondone (n. 1267-1337) - italialainen protorenessanssiajan taidemaalari ja arkkitehti. Yksi länsimaisen taiteen historian avainhenkilöistä. Bysantin ikonimaalauksen perinteen voitettuaan hänestä tuli italialaisen maalauskoulun todellinen perustaja, hän kehitti täysin uuden lähestymistavan tilan kuvaamiseen. Giotton teokset ovat saaneet inspiraationsa Leonardo da Vincistä, Rafaelista ja Michelangelosta.


Varhainen renessanssi (1400-luku - "Quattrocento").

1500-luvun alussa Filippo Brunelleschi (1377-1446), firenzeläinen tutkija ja arkkitehti.
Brunelleschi halusi tehdä käsitystä hänen rekonstruoimistaan ​​termeistä ja teattereista visuaalisemmin ja yritti luoda suunnitelmistaan ​​geometrisesti perspektiivikuvia tietylle näkökulmalle. Näissä hauissa suora näkökulma.

Tämän ansiosta taiteilijat saivat täydellisiä kuvia kolmiulotteisesta tilasta kuvan tasaiselle kankaalle.

Toinen tärkeä askel kohti renessanssia oli ei-uskonnollisen, maallisen taiteen ilmaantuminen. Muotokuva ja maisema vakiintuivat itsenäisinä genreinä. Jopa uskonnolliset aiheet saivat erilaisen tulkinnan - renessanssin taiteilijat alkoivat pitää hahmojaan sankareina, joilla oli selvät yksilölliset piirteet ja inhimillinen motivaatio toimia.

Tämän ajanjakson tunnetuimmat taiteilijat ovat Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - kuuluisa italialainen taidemaalari, firenzeläisen koulukunnan suurin mestari, Quattrocenton aikakauden maalauksen uudistaja.

Fresko. Ihme valtion kanssa.

Maalaus. ristiinnaulitseminen.

Fresko. Saban kuningattaren historia. San Francescon kirkko Arezzossa

Kevät.

Venuksen syntymä.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - italialainen taiteilija (maalari, kuvanveistäjä, arkkitehti) ja tiedemies (anatomi, luonnontieteilijä), keksijä, kirjailija.

omakuva

Nainen hermellin kanssa. 1490. Czartoryski-museo, Krakova

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Eremitaaši.

Madonna Benois (Madonna kukalla). 1478-1480

Madonna neilikka kanssa. 1478

Leonardo da Vinci teki elämänsä aikana tuhansia muistiinpanoja ja piirustuksia anatomiasta, mutta ei julkaissut töitään. Tekemällä ruumiinavauksen ihmisten ja eläinten ruumiista hän välitti tarkasti luuston ja sisäelinten rakenteen, mukaan lukien pienet yksityiskohdat. Kliinisen anatomian professori Peter Abramsin mukaan da Vincin tieteellinen työ oli 300 vuotta aikaansa edellä ja monin tavoin ylitti kuuluisan Greyn anatomian.

Luettelo keksinnöistä, sekä todellisista että hänelle kuuluvista:

laskuvarjo, toOlescovon linna,polkupyörä, tankh, lkevyet kannettavat sillat armeijalle, sprojektoriinatapult, robot, dvohlenz-teleskooppi.

Michelangelo Buonarottin maalaukset ja veistokset ovat täynnä sankarillista paatosa ja samalla traagista tunnetta humanismin kriisistä. Hänen maalauksensa ylistävät ihmisen voimaa ja voimaa, hänen ruumiinsa kauneutta ja korostavat hänen yksinäisyyttään maailmassa.

Michelangelon nero jätti jäljen paitsi renessanssin taiteeseen, myös kaikkeen muuhun maailmankulttuuriin. Hänen toimintansa liittyy pääasiassa kahteen Italian kaupunkiin - Firenzeen ja Roomaan.

Taiteilija pystyi kuitenkin toteuttamaan mahtavimmat suunnitelmansa juuri maalauksessa, jossa hän toimi todellisena värin ja muodon uudistajana.
Paavi Julius II:n käskystä hän maalasi Sikstuksen kappelin katon (1508-1512), joka edustaa raamatullista tarinaa maailman luomisesta vedenpaisumukseen ja sisältää yli 300 hahmoa. Vuosina 1534-1541 hän esitti samassa paavi Paavali III:n Sikstuksen kappelissa suurenmoisen, dramaattisen freskon Viimeinen tuomio.
Sikstuksen kappeli 3D.

Giorgionen ja Titianin teoksille on ominaista kiinnostus maisemaa kohtaan, juonen poetisointi. Molemmat taiteilijat saavuttivat muotokuvataiteen suuria taitoja, joiden avulla he välittivät hahmojensa luonnetta ja rikasta sisämaailmaa.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - italialainen taiteilija, venetsialaisen maalauskoulun edustaja.

Nukkuva Venus. 1510

Judith. 1504

Titian maalasi kuvia raamatullisista ja mytologisista aiheista, hän tuli tunnetuksi muotokuvamaalarina. Hänet tilasivat kuninkaat ja paavit, kardinaalit, herttuat ja ruhtinaat. Titian ei ollut edes kolmenkymmenen vuoden ikäinen, kun hänet tunnustettiin Venetsian parhaaksi maalariksi.

Omakuva. 1567

Venus Urbinskaja. 1538

Tommaso Mostin muotokuva. 1520

Myöhäisrenessanssi.
Kun keisarilliset joukot ryöstivät Rooman vuonna 1527, Italian renessanssi astui kriisin aikaan. Jo edesmenneen Rafaelin teoksessa on hahmoteltu uusi taiteellinen linja, ns manierisuus.
Tälle aikakaudelle on tunnusomaista ylivenyneet ja katkenneet linjat, pitkulaiset tai jopa epämuodostuneet hahmot, usein alasti, jännitys ja epäluonnolliset asennot, kokoon, valaistukseen tai perspektiiviin liittyvät epätavalliset tai omituiset efektit, syövyttävän kromaattisen asteikon käyttö, ylikuormitettu sommittelu jne. ensin hallitsee manierismin Parmigianino , Pontormo , Bronzino- asui ja työskenteli Firenzen Medici-talon herttuoiden hovissa. Myöhemmin maniristinen muoti levisi kaikkialle Italiaan ja sen ulkopuolelle.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "Parman asukas" (1503-1540) italialainen taiteilija ja kaivertaja, manierismin edustaja.

Omakuva. 1540

Naisen muotokuva. 1530.

Jacopo Robusti, joka tunnetaan paremmin nimellä Tintoretto (1518 tai 1519-1594) - myöhään renessanssin venetsialaisen koulukunnan maalari.

Viimeinen ehtoollinen. 1592-1594. San Giorgio Maggioren kirkko, Venetsia.

Kristus ristillä. OK. 1577. Yksityinen kokoelma.

Kolminaisuus. 1579 Prado.

Renessanssin aikana tapahtuu monia muutoksia ja löytöjä. Uusia maanosia tutkitaan, kauppa kehittyy, tärkeitä asioita keksitään, kuten paperia, merikompassia, ruutia ja monia muita. Myös maalauksen muutoksilla oli suuri merkitys. Renessanssimaalaukset saivat valtavan suosion.

Päätyylit ja -trendit mestareiden teoksissa

Ajanjakso oli yksi taidehistorian hedelmällisimmistä. Valtavan määrän erinomaisten mestareiden mestariteoksia löytyy nykyään useista taidekeskuksista. Keksijät ilmestyivät Firenzeen 1500-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Heidän renessanssimaalauksensa merkitsivät uuden aikakauden alkua taidehistoriassa.

Tällä hetkellä tiede ja taide liittyvät hyvin läheisesti toisiinsa. Taiteilijat, tiedemiehet, pyrkivät hallitsemaan fyysistä maailmaa. Taidemaalarit yrittivät käyttää tarkempia ideoita ihmiskehosta. Monet taiteilijat pyrkivät realismiin. Tyyli alkaa Leonardo da Vincin Viimeisellä ehtoollisella, jonka hän maalasi lähes neljän vuoden aikana.

Yksi tunnetuimmista teoksista

Se maalattiin vuonna 1490 Milanon Santa Maria delle Grazien luostarin ruokasalille. Kangas edustaa Jeesuksen viimeistä ateriaa opetuslastensa kanssa ennen kuin hänet vangittiin ja tapettiin. Taiteilijan töitä tänä aikana katsoneet aikalaiset panivat merkille, kuinka hän pystyi maalaamaan aamusta iltaan pysähtymättä edes syömään. Ja sitten hän saattoi luopua maalauksestaan ​​useiksi päiviksi eikä lähestyä sitä ollenkaan.

Taiteilija oli erittäin huolissaan Kristuksen itsensä ja petturi Juudaksen kuvasta. Kun kuva vihdoin valmistui, se tunnustettiin oikeutetusti mestariteokseksi. "Viimeinen ehtoollinen" on yksi suosituimmista tähän päivään asti. Renessanssin jäljennöksillä on aina ollut suuri kysyntä, mutta tälle mestariteokselle on ominaista lukemattomat kopiot.

Tunnustettu mestariteos tai naisen salaperäinen hymy

Leonardon 1500-luvulla luomien teosten joukossa on muotokuva nimeltä "Mona Lisa" tai "La Gioconda". Nykyaikana tämä on ehkä maailman kuuluisin maalaus. Hänestä tuli suosittu pääasiassa kankaalle kuvatun naisen kasvoilla ilmenneen vaikean hymyn vuoksi. Mikä johti tällaiseen mysteeriin? Mestarin taitava työ, kyky varjostaa silmä- ja suun kulmat niin taitavasti? Tämän hymyn tarkkaa luonnetta ei voida määrittää toistaiseksi.

Kilpailun ulkopuolella ja muut tämän kuvan yksityiskohdat. On syytä kiinnittää huomiota naisen käsiin ja silmiin: millä tarkkuudella taiteilija reagoi kankaan pienimpiin yksityiskohtiin sitä kirjoittaessaan. Yhtä kiinnostava ei ole kuvan taustalla oleva dramaattinen maisema, maailma, jossa kaikki näyttää olevan muuttuvassa tilassa.

Toinen kuuluisa maalauksen edustaja

Yhtä kuuluisa renessanssin edustaja - Sandro Botticelli. Tämä on loistava italialainen taidemaalari. Hänen renessanssimaalauksensa ovat myös erittäin suosittuja laajan yleisön keskuudessa. "Adoration of the Magi", "Madonna ja Child Enthroned", "Annunciation" - näistä Botticellin uskonnollisille teemoille omistetuista teoksista on tullut taiteilijan suuria saavutuksia.

Toinen mestarin kuuluisa työ on Madonna Magnificat. Hänestä tuli kuuluisa Sandron elinvuosina, kuten lukuisat jäljennökset osoittavat. Samanlaiset ympyrän muotoiset maalaukset olivat melko kysyttyjä 1500-luvun Firenzessä.

Uusi käänne maalarin työssä

Vuodesta 1490 lähtien Sandro muutti tyyliään. Siitä tulee askeettisempi, värien yhdistelmä on nyt paljon hillitympi, tummat sävyt usein vallitsevat. Luojan uusi lähestymistapa teostensa kirjoittamiseen on täysin havaittavissa "Marian kruunauksessa", "Kristuksen valituslaulussa" ja muissa Madonnaa ja lasta kuvaavissa kankaissa.

Sandro Botticellin tuolloin maalaamat mestariteokset, esimerkiksi Danten muotokuva, ovat vailla maisema- ja sisustustaustaa. Yksi taiteilijan yhtä merkittävistä luomuksista on "Mystical Christmas". Kuva maalattiin 1500-luvun lopulla Italiassa tapahtuneiden ongelmien vaikutuksen alaisena. Monet renessanssin taiteilijoiden maalaukset eivät vain saavuttaneet suosiota, vaan niistä tuli esimerkki seuraavan sukupolven taiteilijoille.

Taiteilija, jonka kankaita ympäröi ihailun aura

Rafael Santi da Urbino ei ollut vain, vaan myös arkkitehti. Hänen renessanssimaalauksiaan ihaillaan muodon selkeyden, sommittelun yksinkertaisuuden ja ihmisen suuruuden ihanteen visuaalisen saavuttamisen vuoksi. Michelangelon ja Leonardo da Vincin ohella hän on yksi tämän ajanjakson suurimpien mestareiden perinteisestä kolminaisuudesta.

Hän eli suhteellisen lyhyen elämän, vain 37-vuotiaana. Mutta tänä aikana hän loi valtavan määrän mestariteoksiaan. Jotkut hänen teoksistaan ​​ovat Vatikaanin palatsissa Roomassa. Kaikki katsojat eivät voi nähdä omin silmin renessanssin taiteilijoiden maalauksia. Valokuvat näistä mestariteosista ovat kaikkien saatavilla (jotkut niistä on esitetty tässä artikkelissa).

Rafaelin kuuluisimmat teokset

Vuosina 1504–1507 Rafael loi kokonaisen sarjan madonnoja. Maalaukset erottuvat lumoavasta kauneudesta, viisaudesta ja samalla eräänlaisesta valaistuneesta surusta. Hänen kuuluisin maalauksensa oli Sikstuksen Madonna. Hänet on kuvattu nousevan taivaalla ja laskeutuvan hellästi ihmisten luo Vauva sylissään. Juuri tämän liikkeen taiteilija pystyi kuvaamaan erittäin taitavasti.

Tämä teos on saanut paljon kiitosta monilta tunnetuilta kriitikoilta, ja he kaikki tulivat samaan johtopäätökseen, että se on todellakin harvinainen ja epätavallinen. Kaikilla renessanssimaalauksilla on pitkä historia. Mutta siitä on tullut suosituin loputtomien vaellustensa ansiosta sen perustamisesta lähtien. Kävittyään läpi lukuisia koettelemuksia, hän lopulta otti oikeutetun paikkansa Dresdenin museon näyttelyissä.

Renessanssin maalauksia. Kuvia kuuluisista maalauksista

Ja toinen kuuluisa italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä ja myös arkkitehti, jolla oli valtava vaikutus länsimaisen taiteen kehitykseen, on Michelangelo di Simoni. Huolimatta siitä, että hänet tunnetaan pääasiassa kuvanveistäjänä, hänen maalauksistaan ​​on myös kauniita teoksia. Ja merkittävin niistä on Sikstuksen kappelin katto.

Tätä työtä tehtiin neljä vuotta. Tila on noin viisisataa neliömetriä ja sisältää yli kolmesataa hahmoa. Keskellä on yhdeksän jaksoa Genesiksen kirjasta, jotka on jaettu useisiin ryhmiin. Maan luominen, ihmisen luominen ja hänen lankeemuksensa. Tunnetuimpia kattomaalauksia ovat "Aadamin luominen" ja "Aadam ja Eeva".

Hänen tunnetuin teoksensa on Viimeinen tuomio. Se tehtiin Sikstuksen kappelin alttariseinään. Fresko kuvaa Jeesuksen Kristuksen toista tulemista. Tässä Michelangelo jättää huomioimatta tavalliset taiteelliset käytännöt kirjoittaessaan Jeesusta. Hän kuvasi hänet massiivisella lihaksikkaalla vartalorakenteella, nuorena ja parrattomana.

Uskonnon merkitys tai renessanssin taide

Italian renessanssimaalauksista tuli perusta länsimaisen taiteen kehitykselle. Monilla tämän sukupolven suosituilla teoksilla on valtava vaikutus taiteilijoihin, joka jatkuu edelleen. Aikakauden suuret taiteilijat keskittyivät uskonnollisiin teemoihin, usein varakkaiden suojelijoiden, mukaan lukien paavi itse, tilauksesta.

Uskonto kirjaimellisesti tunkeutui tämän aikakauden ihmisten jokapäiväiseen elämään, syvälle taiteilijoiden mieliin. Lähes kaikki uskonnolliset kankaat ovat museoissa ja taidevarastoissa, mutta renessanssimaalausten jäljennöksiä, jotka eivät liity pelkästään tähän aiheeseen, löytyy monista laitoksista ja jopa tavallisista kodeista. Ihmiset ihailevat loputtomasti tuon ajanjakson kuuluisien mestareiden töitä.

7. elokuuta 2014

Taideyliopistojen opiskelijat ja taidehistoriasta kiinnostuneet tietävät, että 1300- ja 1400-lukujen vaihteessa maalauksessa tapahtui jyrkkä käännekohta - renessanssi. 1420-luvun tienoilla kaikki tulivat yhtäkkiä paljon paremmin piirtämään. Miksi kuvista tuli yhtäkkiä niin realistisia ja yksityiskohtaisia, ja miksi maalauksissa oli valoa ja volyymia? Kukaan ei miettinyt tätä pitkään aikaan. Kunnes David Hockney otti suurennuslasin.

Otetaan selvää mitä hän löysi...

Eräänä päivänä hän katseli Jean Auguste Dominique Ingresin, 1800-luvun ranskalaisen akateemisen koulun johtajan, piirustuksia. Hockney kiinnostui näkemään pienet piirustuksensa suuremmassa mittakaavassa, ja hän suurensi ne kopiokoneella. Näin hän törmäsi maalauksen historian salaiseen puoleen renessanssista lähtien.

Tehtyään valokopioita Ingresin pienistä (noin 30 senttimetrin) piirustuksista Hockney hämmästyi, kuinka realistisia ne olivat. Ja hänestä näytti myös siltä, ​​että Ingresin linjat merkitsivät hänelle jotain.
muistuttaa. Kävi ilmi, että ne muistuttavat häntä Warholin työstä. Ja Warhol teki tämän - hän projisoi valokuvan kankaalle ja hahmotteli sen.

Vasemmalla: Ingres-piirustuksen yksityiskohta. Oikealla: Mao Zedong Warholin piirustus

Mielenkiintoisia tapauksia, Hockney sanoo. Ilmeisesti Ingres käytti Camera Lucidaa - laitetta, joka on prismalla varustettu rakenne, joka kiinnitetään esimerkiksi tablet-telineen. Siten taiteilija, joka katsoo piirustukseensa yhdellä silmällä, näkee todellisen kuvan ja toisella - todellisen piirustuksen ja kätensä. Osoittautuu optinen illuusio, jonka avulla voit siirtää todelliset mittasuhteet tarkasti paperille. Ja tämä on juuri kuvan realistisuuden "takuu".

Muotokuvan piirtäminen lucida-kameralla, 1807

Sitten Hockney kiinnostui vakavasti tämän "optisen" tyyppisistä piirustuksista ja maalauksista. Ateljessaan hän yhdessä tiiminsä kanssa ripusti seinille satoja kopioita vuosisatojen aikana luoduista maalauksista. Teoksia, jotka näyttivät "oikealta" ja niitä, jotka eivät. Luomisajan ja alueiden mukaan - ylhäällä pohjoiseen, alareunaan etelään - Hockney ja hänen tiiminsä näkivät jyrkän käännekohdan maalauksessa 1300-1400-luvun vaihteessa. Yleensä kaikki, jotka tietävät ainakin vähän taiteen historiasta, tietävät - renessanssin.

Ehkä he käyttivät samaa kamera-lucidaa? Sen patentoi vuonna 1807 William Hyde Wollaston. Vaikka itse asiassa Johannes Kepler kuvasi sellaisen laitteen vuonna 1611 teoksessaan Dioptrice. Sitten ehkä he käyttivät toista optista laitetta - camera obscuraa? Onhan se tunnettu Aristoteleen ajoista lähtien ja on pimeä huone, johon valo tulee pienestä reiästä ja näin pimeässä huoneessa saadaan projektio siitä, mikä on reiän edessä, mutta ylösalaisin. Kaikki olisi hyvin, mutta kuva, joka saadaan projisoitaessa camera obscuraa ilman objektiivia, ei ole lievästi sanottuna laadukas, se ei ole selkeä, se vaatii paljon kirkasta valoa, puhumattakaan kameran koosta. projektio. Mutta laadukkaita linssejä oli lähes mahdotonta valmistaa 1500-luvulle asti, koska niin korkealaatuista lasia ei tuolloin ollut mahdollista valmistaa. Asiat, ajatteli Hockney, joka tuolloin jo kamppaili ongelman kanssa fyysikko Charles Falcon kanssa.

Siellä on kuitenkin varhaisen renessanssin flaamilaisen taidemaalarin, Bruggesta kotoisin olevan mestarin Jan van Eyckin maalaus, johon on piilotettu vihje. Maalauksen nimi on "Cheta Arnolfinin muotokuva".

Jan Van Eyck "Arnolfinin muotokuva" 1434

Kuva yksinkertaisesti loistaa valtavalla määrällä yksityiskohtia, mikä on varsin mielenkiintoista, koska se on maalattu vasta vuonna 1434. Ja vihje siitä, kuinka kirjoittaja onnistui ottamaan niin suuren askeleen eteenpäin kuvan realismissa, on peili. Ja myös kynttilänjalka - uskomattoman monimutkainen ja realistinen.

Hockney oli täynnä uteliaisuutta. Hän sai kopion sellaisesta kattokruunusta ja yritti piirtää sen. Taiteilija kohtasi sen tosiasian, että näin monimutkaista asiaa on vaikea piirtää perspektiivissä. Toinen tärkeä seikka oli tämän metalliesineen kuvan olennaisuus. Teräsesinettä kuvattaessa on erittäin tärkeää sijoittaa kohokohdat mahdollisimman realistisesti, sillä se antaa valtavan realistisuuden. Mutta näiden kohokohtien ongelmana on, että ne liikkuvat katsojan tai taiteilijan silmän liikkuessa, mikä tarkoittaa, että niiden vangitseminen ei ole ollenkaan helppoa. Ja realistinen kuva metallista ja häikäisystä on myös renessanssin maalausten tunnusmerkki, ennen sitä taiteilijat eivät edes yrittäneet tehdä tätä.

Luomalla uudelleen tarkan 3D-mallin kattokruunusta Hockneyn tiimi varmisti, että Arnolfinin kattokruunu piirrettiin todellisessa perspektiivissä yhdellä katoamispisteellä. Mutta ongelmana oli, että niin tarkkoja optisia instrumentteja kuin objektiivilla varustettu camera obscura oli olemassa vasta noin vuosisadan maalauksen luomisen jälkeen.

Fragmentti Jan van Eyckin maalauksesta "Arnolfinin muotokuva" 1434

Suurennettu fragmentti osoittaa, että maalauksen "Arnolfinin muotokuva" peili on kupera. Joten peilit olivat päinvastoin - koveria. Vielä enemmän, noina aikoina sellaiset peilit valmistettiin tällä tavalla - lasipallo otettiin ja sen pohja peitettiin hopealla, sitten kaikki paitsi pohja leikattiin pois. Peilin takaosa ei ollut himmennetty. Tämä tarkoittaa, että Jan van Eyckin kovera peili voisi olla sama peili kuin kuvassa, vain takaa katsottuna. Ja jokainen fyysikko tietää, mikä peili on, kun se heijastuu, se projisoi kuvan heijastuneesta. Täällä hänen ystävänsä, fyysikko Charles Falco, auttoi David Hockneya laskelmissa ja tutkimuksissa.

Kovera peili heijastaa kuvan tornista ikkunan ulkopuolella kankaalle.

Projektion selkeän, fokusoidun osan koko on noin 30 neliösenttimetriä - ja tämä on juuri sen kokoinen pää kuin monissa renessanssin muotokuvissa.

Hockney luonnostelee kankaalle projektion henkilöstä

Tämän kokoinen on esimerkiksi Giovanni Bellinin Doge Leonardo Loredanin muotokuva (1501), Robert Campinin miehen muotokuva (1430), Jan van Eyckin oma muotokuva "miehestä punaisessa turbaanissa" ja monet muita varhaisia ​​hollantilaisia ​​muotokuvia.

Renessanssin muotokuvia

Maalaus oli hyvin palkattua työtä, ja tietysti kaikki liiketoiminnan salaisuudet pidettiin tiukimman luottamuksellisena. Taiteilijan kannalta oli hyödyllistä, että kaikki tietämättömät uskoivat salaisuuksien olevan mestarin käsissä eikä niitä voitu varastaa. Liike oli suljettu ulkopuolisilta - taiteilijat olivat kiltassa, se koostui myös erilaisista käsityöläisistä - satulat tekevistä peileihin. Ja Antwerpenissä perustetussa ja ensimmäisen kerran vuonna 1382 mainitussa Pyhän Luukkaan kiltassa (silloin samanlaisia ​​kiltoja avattiin monissa pohjoisissa kaupungeissa, ja yksi suurimmista oli kilta Bruggessa - kaupungissa, jossa Van Eyck asui) oli myös mestareita, jotka tekivät peilit.

Joten Hockney loi uudelleen tavan, jolla voit piirtää monimutkaisen kattokruunun Van Eyckin maalauksesta. Ei ole yllättävää, että Hockneyn projisoidun kattokruunun koko vastaa tarkasti maalauksen "Arnolfinin muotokuva" kattokruunun kokoa. Ja tietysti metallin kohokohdat - projektiossa ne seisovat paikallaan eivätkä muutu, kun taiteilija vaihtaa paikkaa.

Mutta ongelmaa ei ole vieläkään täysin ratkaistu, koska ennen kameran obscuran käyttämiseen tarvittavan korkealaatuisen optiikan ilmestymistä oli jäljellä 100 vuotta, ja peilin avulla saadun projektion koko on hyvin pieni . Kuinka maalata kuvia, jotka ovat suurempia kuin 30 neliösenttimetriä? Ne luotiin kollaasiksi - monista eri näkökulmista muodostui sellainen pallomainen visio, jossa oli monia katoavia kohtia. Hockney tajusi tämän, koska hän itse oli mukana sellaisissa kuvissa - hän teki monia valokuvakollaaseja, joilla saavutetaan täsmälleen sama vaikutus.

Melkein vuosisataa myöhemmin, 1500-luvulla, tuli vihdoin mahdolliseksi saada ja käsitellä lasia hyvin - suuret linssit ilmestyivät. Ja vihdoin ne voitiin laittaa camera obscuraan, jonka toimintaperiaate on ollut tiedossa muinaisista ajoista lähtien. Kamera obscura objektiivilla oli uskomaton vallankumous kuvataiteessa, sillä nyt projektio voi olla minkä kokoinen tahansa. Ja vielä yksi asia, nyt kuva ei ollut "laajakulmainen", vaan normaalista näkökulmasta - eli suunnilleen sama kuin nykyään kuvattaessa objektiivilla, jonka polttoväli on 35-50 mm.

Kamera obscura -objektiivin kanssa käytettäessä ongelma on kuitenkin se, että suora projektio objektiivista on peilikuva. Tämä johti siihen, että maalauksessa oli paljon vasenkätisiä optiikan käytön alkuvaiheessa. Kuten tässä Frans Halsin museon 1600-luvun maalauksessa, jossa vasenkätinen pariskunta tanssii, vasenkätinen vanha mies uhkaa heitä sormella ja vasenkätinen apina kurkistelee naisen mekon alta.

Kaikki tässä kuvassa ovat vasenkätisiä.

Ongelma ratkaistaan ​​asentamalla peili, johon linssi on suunnattu, jolloin saadaan oikea projektio. Mutta ilmeisesti hyvä, tasainen ja suuri peili maksoi paljon rahaa, joten kaikilla ei ollut sitä.

Toinen ongelma oli keskittyminen. Tosiasia on, että jotkin kuvan osat kankaan yhdessä kohdassa projektion säteiden alla olivat epätarkkoja, epäselviä. Jan Vermeerin teoksissa, joissa optiikan käyttö näkyy varsin selkeästi, hänen teoksensa näyttävät pääsääntöisesti valokuvilta, voi myös havaita epätarkkoja paikkoja. Voit jopa nähdä linssin antaman kuvion - pahamaineisen "bokeh". Kuten esimerkiksi täällä, maalauksessa Maitoneito (1658), kori, siinä oleva leipä ja sininen maljakko ovat epätarkkoja. Mutta ihmissilmä ei näe "epäterävänä".

Jotkut kuvan yksityiskohdat ovat epätarkkoja

Ja kaiken tämän valossa ei ole ollenkaan yllättävää, että Antony Phillips van Leeuwenhoek, tiedemies ja mikrobiologi sekä ainutlaatuinen mestari, joka loi omat mikroskoopit ja linssinsä, oli Jan Vermeerin hyvä ystävä. Tiedemiehestä tuli taiteilijan postuumi johtaja. Ja tämä viittaa siihen, että Vermeer kuvasi täsmälleen ystäväänsä kahdella kankaalla - "maantieteilijä" ja "tähtitieteilijä".

Jos haluat nähdä minkä tahansa osan tarkennettavana, sinun on muutettava kankaan sijaintia projisointisäteiden alla. Mutta tässä tapauksessa ilmeni virheitä mittasuhteissa. Kuten tässä näkyy: Parmigianinon (noin 1537) Anthean valtava olkapää, Anthony van Dyckin "Lady Genovesen" (1626) pieni pää, talonpojan valtavat jalat Georges de La Tourin maalauksessa.

Virheitä mittasuhteissa

Tietenkin kaikki taiteilijat käyttivät linssejä eri tavoin. Joku luonnoksiin, joku eri osista tehtynä - nythän oli mahdollista tehdä muotokuva ja viimeistellä kaikki muu eri mallilla tai vaikka mallinukkella.

Velasquezin piirroksia ei ole juurikaan jäljellä. Hänen mestariteoksensa kuitenkin säilyi - muotokuva paavi Innocentius 10:stä (1650). Paavin vaipassa - ilmeisesti silkki - on kaunista valonleikkiä. Häikäisy. Ja kaiken tämän kirjoittamiseksi yhdestä näkökulmasta piti yrittää kovasti. Mutta jos teet projektion, niin kaikki tämä kauneus ei karkaa minnekään - häikäisy ei enää liiku, voit kirjoittaa juuri sellaisilla leveillä ja nopeilla vedoilla kuin Velazquezin.

Hockney kopioi Velasquezin maalauksen

Myöhemmin monilla taiteilijoilla oli varaa camera obscuraan, ja tämä lakkasi olemasta suuri salaisuus. Canaletto käytti kameraa aktiivisesti luodessaan näkemyksiään Venetsiasta, eikä salannut sitä. Nämä maalaukset antavat tarkkuutensa ansiosta puhua Canalettosta dokumenttielokuvantekijänä. Canaletton ansiosta näet paitsi kauniin kuvan myös itse tarinan. Voit nähdä, mikä oli ensimmäinen Westminster Bridge Lontoossa vuonna 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Brittitaiteilija Sir Joshua Reynolds omisti camera obscuran, eikä ilmeisesti kertonut siitä kenellekään, koska hänen kameransa taittuu ylös ja näyttää kirjalta. Nykyään se on Lontoon tiedemuseossa.

Camera obscura naamioitu kirjaksi

Lopulta 1800-luvun alussa William Henry Fox Talbot, joka käytti lucida-kameraa - sitä, johon sinun täytyy katsoa yhdellä silmällä ja piirtää käsilläsi, kirosi ja päätti, että tällainen vaiva pitäisi saada pois kerran. ja kaikille, ja hänestä tuli yksi kemiallisen valokuvauksen keksijistä ja myöhemmin popularisoija, joka teki siitä massaa.

Valokuvauksen keksimisen myötä maalaamisen monopoli kuvan realismiin katosi, nyt valokuvasta on tullut monopoli. Ja tässä vihdoin maalaus vapautettiin linssistä jatkaen polkua, josta se kääntyi 1400-luvulla, ja Van Goghista tuli 1900-luvun kaiken taiteen edelläkävijä.

Vasemmalla: Bysanttilainen mosaiikki 1100-luvulta. Oikealla: Vincent van Gogh "Hra Trabukin muotokuva" 1889

Valokuvauksen keksiminen on parasta mitä maalaukselle on tapahtunut koko sen historian aikana. Enää ei tarvinnut luoda yksinomaan todellisia kuvia, taiteilija tuli vapaaksi. Tietysti yleisöltä kesti vuosisadan saada kiinni taiteilijoiden ymmärrykseen visuaalisesta musiikista ja lakata ajattelemasta, että Van Goghin kaltaiset ihmiset olivat "hulluja". Samaan aikaan taiteilijat alkoivat käyttää valokuvia aktiivisesti "viitemateriaalina". Sitten oli sellaisia ​​ihmisiä kuin Wassily Kandinsky, venäläinen avantgardisti, Mark Rothko, Jackson Pollock. Maalauksen jälkeen julkaistiin arkkitehtuuri, veistos ja musiikki. Totta, venäläinen akateeminen maalauskoulu on jumissa ajassa, ja nykyäänkin akatemioissa ja kouluissa pidetään häpeänä käyttää valokuvausta apuna, ja puhtaasti teknistä kykyä piirtää mahdollisimman realistisesti paljain käsin pidetään korkeimpana saavutuksena. .

David Hockneyn ja Falcon tutkimuksessa mukana olleen toimittaja Lawrence Weschlerin artikkelin ansiosta paljastuu toinenkin mielenkiintoinen seikka: Van Eyckin muotokuva Arnolfini-parista on muotokuva italialaisesta kauppiasta Bruggessa. Mr. Arnolfini on firenzeläinen ja lisäksi hän on Medici-pankin edustaja (käytännöllisesti katsoen renessanssin Firenzen mestarit, joita pidettiin tuon ajan taiteen suojelijana Italiassa). Mitä tämä sanoo? Se tosiasia, että hän saattoi helposti viedä Pyhän Luukkaan kiltan salaisuuden - peilin - mukanaan Firenzeen, jossa perinteisen historian mukaan renessanssi alkoi ja Bruggen taiteilijat (ja vastaavasti muut mestarit) ovat pidetään "primitiivisinä".

Hockney-Falco-teorian ympärillä on paljon kiistaa. Mutta siinä on varmasti totuuden siemen. Mitä tulee taidehistorioitsijoille, kriitikoille ja historioitsijoille, on jopa vaikea kuvitella, kuinka moni historiaa ja taidetta käsittelevä tieteellinen teos itse asiassa osoittautui täydelliseksi hölynpölyksi, mutta tämä muuttaa koko taiteen historian, kaikki heidän teoriansa ja tekstinsä.

Optiikan käytön tosiasiat eivät vähääkään heikennä taiteilijoiden kykyjä - loppujen lopuksi tekniikka on keino välittää taiteilijan haluamia asioita. Ja päinvastoin, se, että näissä kuvissa on todellinen todellisuus, vain lisää niihin painoa - tältähän sen ajan ihmiset, asiat, tilat, kaupungit näyttivät juuri tältä. Nämä ovat todellisia asiakirjoja.

Renessanssi alkoi Italiassa. Se sai nimensä 1300-luvulla alkaneen voimakkaan älyllisen ja taiteellisen kukoistuksen ansiosta, joka vaikutti suuresti eurooppalaiseen yhteiskuntaan ja kulttuuriin. Renessanssi ilmaantui paitsi maalauksissa, myös arkkitehtuurissa, kuvanveistossa ja kirjallisuudessa. Renessanssin näkyvimmät edustajat ovat Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo ja Raphael.

Näinä aikoina maalareiden päätavoitteena oli realistinen ihmiskehon kuvaus, joten he maalasivat pääasiassa ihmisiä, kuvasivat erilaisia ​​uskonnollisia aiheita. Myös perspektiiviperiaate keksittiin, mikä avasi uusia mahdollisuuksia taiteilijoille.

Firenzestä tuli renessanssin keskus, jota seurasi Venetsia ja myöhemmin, lähempänä 1500-lukua, Rooma.

Leonardo tunnetaan renessanssin lahjakkaana maalarina, kuvanveistäjänä, tiedemiehenä, insinöörinä ja arkkitehtina. Suurimman osan elämästään Leonardo työskenteli Firenzessä, missä hän loi monia kaikkialla maailmassa tunnettuja mestariteoksia. Niiden joukossa: "Mona Lisa" (muuten - "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" ja "St. Anna Marian ja Kristuslapsen kanssa.

Tämä taiteilija on tunnistettavissa hänen vuosien varrella kehittämänsä ainutlaatuisen tyylin ansiosta. Hän maalasi myös Sikstuksen kappelin seinät paavi Sixtus IV:n henkilökohtaisesta pyynnöstä. Botticelli maalasi kuuluisia maalauksia mytologisista aiheista. Tällaisia ​​maalauksia ovat "Kevät", "Pallas ja kentaur", "Venuksen syntymä".

Titian oli firenzeläisen taiteilijakoulun johtaja. Opettajansa Bellinin kuoleman jälkeen Titianista tuli Venetsian tasavallan virallinen, yleisesti tunnustettu taiteilija. Tämä taidemaalari tunnetaan muotokuvistaan ​​uskonnollisista aiheista: "Marian taivaaseenastuminen", "Danae", "Maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus".

Italialainen runoilija, kuvanveistäjä, arkkitehti ja taiteilija kuvasi monia mestariteoksia, joista on kuuluisa marmorista valmistettu "David"-patsas. Tästä patsaasta on tullut Firenzen tärkein nähtävyys. Michelangelo maalasi Sikstuksen kappelin holvin Vatikaanissa, mikä oli suuri tilaus paavi Julius II:lta. Työnsä aikana hän kiinnitti enemmän huomiota arkkitehtuuriin, mutta antoi meille "Pyhän Pietarin ristiinnaulitsemisen", "Hautaus", "Aadamin luominen", "Ennustaja".

Hänen työnsä syntyi Leonardo da Vincin ja Michelangelon suuren vaikutuksen alaisena, joiden ansiosta hän sai korvaamatonta kokemusta ja taitoa. Hän maalasi Vatikaanin valtiohuoneita, jotka edustavat ihmisen toimintaa ja kuvasivat erilaisia ​​kohtauksia Raamatusta. Rafaelin kuuluisien maalausten joukossa ovat "Siktuksen Madonna", "Kolme armoa", "Pyhä Mikael ja paholainen".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Italian vaikeina aikoina alkaa Italian renessanssin lyhyt "kulta-aika" - niin kutsuttu korkea renessanssi, italialaisen taiteen korkein kukinnan kohta. Korkea renessanssi osui siis samaan aikaan kuin Italian kaupunkien kiivas taistelu itsenäisyydestä. Tämän ajan taide oli täynnä humanismia, uskoa ihmisen luoviin voimiin, hänen mahdollisuuksiensa rajattomuuteen, maailman järkevään järjestykseen, edistyksen voittoon. Taiteessa esille nousivat kansalaisvelvollisuuden, korkeiden moraalisten ominaisuuksien, saavutuksen ongelmat, kuva kauniista, harmonisesti kehittyneestä, henkisesti ja ruumiiltaan vahvasta sankarimiehestä, joka onnistui nousemaan arkielämän tason yläpuolelle. Tällaisen ihanteen etsiminen johti taiteen synteesiin, yleistämiseen, ilmiöiden yleisten mallien paljastamiseen, niiden loogisen keskinäisen yhteyden tunnistamiseen. Korkearenessanssin taide luopuu yksityiskohdista, pienistä yksityiskohdista yleistyneen kuvan nimissä, elämän kauniiden puolien harmoniseen synteesiin pyrkimisen nimissä. Tämä on yksi suurimmista eroista korkean renessanssin ja varhaisen renessanssin välillä.

Leonardo da Vinci (1452-1519) oli ensimmäinen taiteilija, joka ilmeni tämän eron visuaalisesti. Leonardon ensimmäinen opettaja oli Andrea Verrocchio. Enkelihahmo opettajan kuvassa "Kaste" osoittaa jo selvästi eron menneen ja uuden aikakauden taiteilijan maailmankäsityksissä: ei Verrocchion frontaalista tasaisuutta, hienoin valo- ja varjomallinnus kuvan volyymi ja poikkeuksellinen henkisyys. . Poistuessaan Verrocchion työpajasta tutkijat antavat tunnustuksen "Madonna kukkalla" ("Madonna Benois", kuten sitä aiemmin kutsuttiin, omistajien nimellä). Tänä aikana Leonardo sai epäilemättä vaikutteita Botticellilta jonkin aikaa. XV vuosisadan 80-luvulta. kaksi Leonardon keskeneräistä sävellystä on säilynyt: "The Adoration of the Magi" ja "St. Jerome." Todennäköisesti 80-luvun puolivälissä luotiin vanhalla temperatekniikalla myös Madonna Litta, jonka kuvassa ilmentyi Leonardin naiskauneuden tyyppi: raskaat puoliksi roikkuvat silmäluomet ja tuskin havaittavissa oleva hymy antavat Madonnan kasvoille erityistä henkisyyttä. .

Tieteellisiä ja luovia periaatteita yhdistävä, sekä looginen että taiteellinen ajattelu omaava Leonardo harjoitti tieteellistä tutkimusta koko ikänsä kuvataiteen ohella. hajamielinen, hän vaikutti hitaalta ja jätti jälkeensä muutamia taideteoksia. Milanon hovissa Leonardo työskenteli taiteilijana, tieteellisenä teknikkona, keksijänä, matemaatikkona ja anatomina. Ensimmäinen suuri teos, jonka hän esitti Milanossa, oli Madonna of the Rocks (tai Madonna in the Grotto). Tämä on ensimmäinen korkean renessanssin monumentaalinen alttaritaulu, joka on mielenkiintoinen myös siksi, että se ilmaisi täysin Leonardin kirjoitustyylin piirteet.

Leonardon suurin työ Milanossa, hänen taiteensa korkein saavutus oli Santa Maria della Grazien luostarin ruokasalin seinämaalaus Viimeinen ehtoollinen (1495-1498). Kristus tapaa viimeisen kerran illallisella opetuslastensa kanssa ilmoittaakseen heille yhden heistä pettämisestä. Leonardolle taide ja tiede olivat erottamattomia. Taiteen parissa hän teki tieteellistä tutkimusta, kokeiluja, havaintoja, hän kulki perspektiivin läpi optiikan ja fysiikan alalle, mittasuhteiden ongelmien kautta - anatomiaan ja matematiikkaan jne. Viimeinen ehtoollinen suorittaa kokonaisen vaiheen taiteilijan työssä. tieteellinen tutkimus. Se on myös uusi vaihe taiteessa.

Anatomian, geometrian, linnoituksen, melioroinnin, kielitieteen, versifikaatioiden, musiikin opiskelusta Leonardo erosi työskentelemään "Hevosen" - Francesco Sforzan ratsastusmonumentin parissa, jota varten hän ensin tuli Milanoon ja jonka hän esiintyi täysikokoisena. 90-luvun alussa savessa. Monumenttia ei ollut tarkoitettu pronssiksi: vuonna 1499 ranskalaiset hyökkäsivät Milanoon ja gasconin varsijousimiehet ampuivat ratsastusmonumentin alas. Vuodesta 1499 lähtien Leonardon vaellusvuodet alkoivat: Mantova, Venetsia ja lopulta taiteilijan kotikaupunki Firenze, jossa hän maalasi pahvin "St. Anna Marian kanssa polvillaan”, jonka mukaan hän luo öljymaalauksen Milanossa (johon hän palasi vuonna 1506)

Firenzessä Leonardo aloitti toisen maalaustyön: kauppias del Giocondo Mona Lisan vaimon muotokuvan, josta tuli yksi maailman kuuluisimmista maalauksista.

Mona Lisa Giocondan muotokuva on ratkaiseva askel renessanssitaiteen kehityksessä

Ensimmäistä kertaa muotokuvalaji nousi samalle tasolle uskonnollisten ja mytologisten aiheiden kanssa. Kaikilla kiistattomilla fysiognomisilla yhtäläisyyksillä Quattrocenton muotokuvat erottuivat, jos ei ulkoisista, niin sisäisistä rajoituksista. Monet Lisan majesteettisuutta viestii jo yksi vertailu hänen vahvasti edenneestä kankaan reunaan, korostetusta kolmiulotteisesta hahmosta maiseman kanssa, jossa kalliot ja purot näkyvät ikään kuin kaukaa, sulava, houkutteleva, vaikeasti havaittava ja siksi kaiken kaikkiaan. motiivin todellisuus, fantastinen.

Leonardo vuonna 1515 lähtee Ranskan kuninkaan Francis I:n ehdotuksesta ikuisiksi ajoiksi Ranskaan.

Leonardo oli aikansa suurin taiteilija, nero, joka avasi uusia taiteen horisontteja. Hän jätti jälkeensä muutamia teoksia, mutta jokainen niistä oli kulttuurihistorian vaihe. Leonardo tunnetaan myös monipuolisena tiedemiehenä. Hänen tieteelliset löytönsä, esimerkiksi hänen tutkimuksensa lentokoneiden alalla, kiinnostavat meidän astronautiikan aikakauttamme. Tuhannet sivut Leonardon käsikirjoituksia, jotka kattavat kirjaimellisesti kaikki tiedon alueet, todistavat hänen neroutensa universaalisuudesta.

Renessanssin monumentaalisen taiteen ideat, joissa antiikin perinteet ja kristinuskon henki sulautuivat, saivat selvimmin ilmaisunsa Rafaelin (1483-1520) teoksessa. Hänen taiteessaan kaksi päätehtävää löysi kypsän ratkaisun: ihmiskehon plastinen täydellisyys, joka ilmaisee kokonaisvaltaisesti kehittyneen persoonallisuuden sisäistä harmoniaa, jossa Rafael seurasi antiikin aikaa, ja monimutkainen monihahmoinen sommitelma, joka välittää ihmisen koko monimuotoisuuden. maailman. Rafael rikasti näitä mahdollisuuksia saavuttaen hämmästyttävän vapauden kuvata tilaa ja ihmishahmon liikettä siinä, moitteetonta harmoniaa ympäristön ja ihmisen välillä.

Kukaan renessanssin mestareista ei ymmärtänyt antiikin pakanallista olemusta niin syvästi ja luonnollisesti kuin Rafael; Häntä ei turhaan pidetä taiteilijana, joka yhdisti muinaiset perinteet täydellisesti uuden aikakauden länsieurooppalaiseen taiteeseen.

Rafael Santi syntyi vuonna 1483 Urbinon kaupungissa, joka on yksi Italian taiteellisen kulttuurin keskuksista, Urbinon herttuan hovissa hovimaalari ja runoilijan perheeseen, joka oli tulevan mestarin ensimmäinen opettaja.

Rafaelin työn alkukaudelle on ominaista täydellisesti pieni tondon muotoinen maalaus "Madonna Conestabile", jonka yksinkertaisuus ja lakonisuus tiukasti valittujen yksityiskohtien kanssa (kaiken sävellyksen arkuuden vuoksi) ja erityinen, joka on ominaista kaikille Raphaelin teoksille. teoksia, hienovaraista lyyryyttä ja rauhan tunnetta. Vuonna 1500 Rafael lähti Urbinosta Perugiaan opiskelemaan kuuluisan umbrialaisen taiteilijan Peruginon ateljeeseen, jonka vaikutuksen alaisena Marian kihlaus (1504) kirjoitettiin. Rytmitaju, plastisten massojen suhteellisuus, avaruudelliset välit, hahmojen ja taustan suhde, pääsävyjen koordinaatio ("Kihlassa" nämä ovat kultaisia, punaisia ​​ja vihreitä yhdistettynä vaaleansiniseen taivaan taustaan ) ja luoda harmoniaa, joka näkyy jo Rafaelin varhaisissa teoksissa ja erottaa hänet edellisen ajan taiteilijoista.

Rafael etsii tätä kuvaa madonnasta koko elämänsä ajan, ja hänen lukuisat teoksensa, jotka tulkitsevat Madonnan kuvaa, ovat tuottaneet hänelle maailmanlaajuista mainetta. Taiteilijan ansio on ennen kaikkea se, että hän onnistui ilmentämään kaikki hienovaraisimmatkin tunteiden sävyt äitiyden ideassa, yhdistämään lyyrisyys ja syvä emotionaalisuus monumentaaliseen loistoon. Tämä näkyy kaikissa hänen madonoissaan, alkaen nuorekkaan aroista Conestabil Madonnasta: Madonnassa Vihreässä, Madonnassa kultavarsissa, Madonnassa nojatuolissa ja erityisesti Rafael-hengen ja -taitojen huipulla - Sikstus Madonna.

Sikstuksen Madonna on kielellisesti yksi Rafaelin täydellisimmistä teoksista: tiukasti taivasta vasten kohoavaa Mariaa vauvan kanssa yhdistää yhteinen liikerytmi Pyhän Pietarin hahmojen kanssa. Barbaarit ja paavi Sixtus II, joiden eleet on käännetty Madonnan suuntaan, sekä kahden enkelin näkemykset (enemmän kuin putti, joka on niin tyypillistä renessanssille) ovat teoksen alaosassa. Figuurit yhdistää yhteinen kultainen väri, ikään kuin henkilöittäen jumalallista säteilyä. Mutta tärkeintä on Madonnan kasvojen tyyppi, joka ilmentää muinaisen kauneuden ihanteen synteesiä kristillisen ihanteen henkisyyden kanssa, joka on niin tyypillistä korkean renessanssin maailmankuvalle.

Sikstuksen Madonna on Rafaelin myöhempi teos.

XVI vuosisadan alussa. Roomasta tulee Italian tärkein kulttuurikeskus. Korkean renessanssin taide saavuttaa huippunsa tässä kaupungissa, jossa holhoavien paavien Julius II:n ja Leo X:n tahdosta taiteilijat kuten Bramante, Michelangelo ja Rafael työskentelevät samanaikaisesti.

Rafael maalaa kaksi ensimmäistä säkeistöä. Stanza della Senyaturassa (allekirjoitusten, sinettien huone) hän maalasi neljä freskkaa-allegoriaa ihmisen henkisen toiminnan pääalueista: filosofiasta, runoudesta, teologiasta ja oikeustieteestä ("Ateenan koulu", "Parnassus", " Kiista", "Mittaus, viisaus ja voima". Toisessa huoneessa, jota kutsutaan "Eliodorin stanzaksi", Rafael maalasi freskoja historiallisista ja legendaarisista aiheista, jotka ylistävät Rooman paaveja: "Eliodorin karkottaminen"

Keskiajan ja varhaisen renessanssin taiteelle oli tavallista kuvata tieteitä ja taiteita yksittäisten allegoristen hahmojen muodossa. Rafael ratkaisi nämä teemat monihahmoisten sommitelmien muodossa, jotka edustavat toisinaan oikeita ryhmämuotokuvia, kiinnostavia sekä yksilöllisyytensä että tyypillisyytensä puolesta.

Opiskelijat auttoivat Rafaelia myös maalaamaan paavin huoneiden viereisiä Vatikaanin loggioita, jotka maalattiin hänen luonnosten mukaan ja hänen valvonnassaan antiikkikoristeaiheilla, jotka olivat peräisin pääasiassa äskettäin löydetyistä muinaisista luolista (siis nimi "groteskit") ).

Rafael esitti eri genrejä. Hänen taitonsa sisustajana sekä ohjaajana, tarinankertojana ilmeni täysin Sikstuksen kappelille tarkoitetussa kahdeksan pahvista koostuvan kuvakudoksen sarjassa, jossa kuvattiin kohtauksia apostolien Pietarin ja Paavalin elämästä ("Ihmeellinen kalasaalis", esimerkki). Nämä maalaukset XVI-XVIII vuosisatojen aikana. toimi eräänlaisena standardina klassismille.

Rafael oli myös aikakautensa suurin muotokuvamaalari. ("Paavi Julius II", "Leo X", taiteilijaystävä kirjailija Castiglione, kaunis "Donna Velata" jne.). Ja hänen muotokuvissaan hallitsee yleensä sisäinen tasapaino ja harmonia.

Elämänsä lopussa Raphael oli ylikuormitettu erilaisilla teoksilla ja tilauksilla. On jopa vaikea kuvitella, että tämän kaiken voisi tehdä yksi henkilö. Hän oli keskeinen hahmo Rooman taiteellisessa elämässä, Bramanten kuoleman (1514) jälkeen hänestä tuli Pyhän katedraalin pääarkkitehti. Pietari vastasi arkeologisista kaivauksista Roomassa ja sen ympäristössä sekä muinaisten monumenttien suojelusta.

Rafael kuoli vuonna 1520; hänen ennenaikainen kuolemansa oli odottamaton hänen aikalaisilleen. Hänen tuhkansa on haudattu Pantheoniin.

Korkean renessanssin kolmanneksi suurin mestari - Michelangelo - eli kauas Leonardo ja Raphael. Hänen uransa ensimmäinen puolisko osuu korkean renessanssin taiteen kukoistusaikaan ja toinen - vastareformaation aikaan ja barokkitaiteen muodostumisen alkamiseen. Korkean renessanssin loistavista taiteilijoiden joukosta Michelangelo ylitti heidät kaikki kuviensa rikkaudella, kansalaispaatosuksella ja herkkyydellä julkisen mielialan muutoksille. Tästä syystä renessanssin ideoiden romahtamisen luova ruumiillistuma.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Vuonna 1488 Firenzessä hän alkoi tutkia huolellisesti muinaista muovia. Hänen helpotuksensa "Kentaurien taistelu" on jo korkean renessanssin tuote sisäisen harmonian suhteen. Vuonna 1496 nuori taiteilija lähtee Roomaan, missä hän luo ensimmäiset hänelle mainetta tuoneet teoksensa: "Bacchus" ja "Pieta". Kirjaimellisesti vangittu antiikin kuviin. "Pieta" - avaa useita mestarin teoksia tästä aiheesta ja asettaa hänet ensimmäisten kuvanveistäjien joukkoon Italiassa.

Palattuaan Firenzeen vuonna 1501 Michelangelo sitoutui Signorian puolesta veistämään Daavidin hahmon marmorilohkosta, jonka epäonninen kuvanveistäjä oli pilannut hänen edessään. Vuonna 1504 Michelangelo valmisti kuuluisan patsaan, jota firenzeläiset kutsuivat "jättiläiseksi" ja jonka he asettivat Palazzo Vecchian, kaupungintalon, eteen. Muistomerkin avajaisista tuli valtakunnallinen juhla. Davidin kuva inspiroi monia Quattrocento-taiteilijoita. Mutta Michelangelo ei kuvaa häntä poikana, kuten Donatellossa ja Verrocchiossa, vaan nuorena miehenä parhaimmillaan, eikä taistelun jälkeen, jättiläisen pää jaloissaan, vaan ennen taistelua, tällä hetkellä. korkeimmasta jännitteestä. Daavidin kauniissa kuvassa hänen ankarissa kasvoissaan kuvanveistäjä välitti intohimon titaanista voimaa, joustamatonta tahtoa, kansalaisrohkeutta ja vapaan miehen rajatonta voimaa.

Vuonna 1504 Michelangelo (kuten jo Leonardon yhteydessä mainittiin) alkaa työstää "Viidensadan salin" maalausta Palazzo Signoriassa.

Vuonna 1505 paavi Julius II kutsui Michelangelon Roomaan rakentamaan omaa hautaansa, mutta sitten kieltäytyi tilauksesta ja tilasi vähemmän suurenmoisen maalauksen Vatikaanin palatsin Sikstuksen kappelin katosta.

Michelangelo työskenteli yksin Sikstuksen kappelin katon maalaamisessa vuosina 1508-1512 ja maalasi noin 600 neliömetrin alueen. m (48x13 m) 18 metrin korkeudessa.

Michelangelo omisti katon keskiosan pyhän historian kohtauksille, alkaen maailman luomisesta. Näitä koostumuksia kehystää samalla tavalla maalattu, mutta arkkitehtuurin illuusion luova reunalista, ja ne erotetaan toisistaan, myös maalauksellisilla tangoilla. Kuvankauniit suorakulmiot korostavat ja rikastuttavat katon todellista arkkitehtuuria. Viehättävän reunuksen alle Michelangelo maalasi profeetat ja sibylit (kukin hahmo on noin kolme metriä), lunetteissa (kaaret ikkunoiden yläpuolella) hän kuvasi jaksoja Raamatusta ja Kristuksen esi-isiä tavallisina ihmisinä, jotka ovat kiireisiä jokapäiväisissä asioissa.

Yhdeksän keskeistä sävellystä paljastavat luomisen ensimmäisten päivien tapahtumat, tarinan Aadamista ja Eevasta, maailmanlaajuisesta vedenpaisumuksesta, ja kaikki nämä kohtaukset ovat itse asiassa hymni ihmiselle, häneen upotettuna. Julius II kuoli pian Sikstuksen töiden päätyttyä, ja hänen perilliset palasivat ajatukseen hautakivestä. Vuosina 1513-1516. Michelangelo esittää tälle hautakivelle Mooseksen ja orjien (vankien) hahmon. Mooseksen kuva on yksi vahvimmista kypsän mestarin työstä. Hän sijoitti häneen unelman viisasta, rohkeasta johtajasta, joka oli täynnä titaanista voimaa, ilmaisua, tahto-ominaisuuksia, jotka olivat niin tarpeellisia kotimaansa yhdistämiselle. Orjien hahmoja ei sisällytetty haudan lopulliseen versioon.

Vuodesta 1520 vuoteen 1534 Michelangelo työskentelee yhden merkittävimmistä ja traagisimmista veistosteoksista - Medicien haudalla (San Lorenzon firenzeläinen kirkko), joka ilmaisee kaikki kokemukset, jotka tapahtuivat tänä aikana mestarin osalle. itsensä ja kotikaupunkinsa ja koko maan. Sekä ulkoiset että sisäiset viholliset ovat kirjaimellisesti repineet Italiaa 1920-luvun lopulta lähtien. Vuonna 1527 palkatut sotilaat ryöstivät Rooman, protestantit ryöstivät ikuisen kaupungin katolisia pyhäkköjä. Firenzen porvaristo kukistaa Medicit, jotka hallitsivat jälleen vuodesta 1510.

Michelangelo työskentelee Medicien haudalla vakavan pessimismin tunnelmissa ja lisääntyvän syvän uskonnollisuuden tilassa. Hän rakentaa itse San Lorenzon firenzeläisen kirkon laajennuksen - pienen mutta erittäin korkean huoneen, joka on peitetty kupolla, ja koristelee sakristin kaksi seinää (sen sisätilat) veistoksisilla hautakivillä. Yhtä seinää koristaa Lorenzon hahmo, vastapäätä - Giuliano, ja alareunassa heidän jalkojensa juuressa on sarkofagit, jotka on koristeltu allegorisilla veistoksellisilla kuvilla - ohikiitävän ajan symboleilla: "Aamu" ja "Ilta" - hautakivessä Lorenzo, "Yöt ja päivät" - Giulianon hautakivessä.

Molemmat kuvat - Lorenzo ja Giuliano - eivät ole muotokuvia muistuttavia, joten ne eroavat perinteisistä 1400-luvun päätöksistä.

Välittömästi valintansa jälkeen Paavali III alkoi vaatia Michelangelolta tämän suunnitelman toteuttamista, ja keskeytti vuonna 1534 haudalla tehdyt työt, jotka hän sai päätökseen vasta vuonna 1545, ja Michelangelo lähti Roomaan, missä hän aloitti toisen työnsä Sikstuksen alueella. Kappeli - maalaukseen "Viimeinen tuomio" (1535-1541) - suurenmoinen luomus, joka ilmaisi ihmiskunnan tragedian. Uuden taiteellisen järjestelmän piirteet ilmenivät vielä selvemmin tässä Michelangelon teoksessa. Luova tuomio, rankaiseva Kristus, on sijoitettu teoksen keskelle, ja sen ympärillä pyörivällä ympyräliikkeellä syntiset kuvataan putoavan helvettiin, vanhurskaiden nousevan paratiisiin, kuolleiden nousevan haudoistaan ​​Jumalan tuomioksi. Kaikki on täynnä kauhua, epätoivoa, vihaa, hämmennystä.

Taidemaalari, kuvanveistäjä, runoilija Michelangelo oli myös loistava arkkitehti. Hän teloitti Firenzen Laurenzianan kirjaston portaat, kehysti Rooman Capitol-aukion, pystytti Piuksen portit (Porta Pia), vuodesta 1546 lähtien hän on työskennellyt Pyhän katedraalin parissa. Pietari, Bramanten aloittama. Michelangelo omistaa piirustuksen ja piirustuksen kupolista, joka toteutettiin mestarin kuoleman jälkeen ja on edelleen yksi tärkeimmistä hallitsevista tekijöistä kaupungin panoraamassa.

Michelangelo kuoli Roomassa 89-vuotiaana. Hänen ruumiinsa vietiin yöllä Firenzeen ja haudattiin hänen kotikaupunkinsa Santa Crocen vanhimpaan kirkkoon. Michelangelon taiteen historiallista merkitystä, sen vaikutusta aikalaisiin ja myöhempiin aikakausiin tuskin voi yliarvioida. Jotkut ulkomaiset tutkijat tulkitsevat hänet ensimmäisenä barokin taiteilijana ja arkkitehtina. Mutta ennen kaikkea hän on mielenkiintoinen renessanssin suurten realististen perinteiden kantajana.

George Barbarelli da Castelfranco, lempinimeltään Giorgione (1477-1510), on opettajansa suora seuraaja ja tyypillinen korkean renessanssin taiteilija. Hän oli ensimmäinen venetsialaisella maaperällä, joka kääntyi kirjallisiin teemoihin, mytologisiin aiheisiin. Maisemasta, luonnosta ja kauniista alastomasta ihmiskehosta tuli hänelle taide- ja palvontakohde.

Jo ensimmäisessä tunnetussa teoksessa "Castelfrancon madonna" (noin 1505) Giorgione esiintyy vakiintuneena taiteilijana; Madonnan kuva on täynnä runoutta, pohdiskelua unenomaisuutta, joka on läpäissyt sen surullisuuden tunnelman, joka on tyypillistä kaikille Giorgionen naiskuville. Viimeisten viiden vuoden aikana taiteilija loi parhaat öljytekniikalla toteutetut teoksensa, joka oli tuolloin venetsialaisessa koulukunnassa tärkein. . Vuoden 1506 maalauksessa "Ukkosmyrsky" Giorgione kuvaa ihmistä osana luontoa. Naista ruokkimassa lasta, nuorta miestä sauvansa kanssa (joka voidaan erehtyä erehtymään soturiin halbardilla) ei yhdistä mikään toiminta, vaan heitä yhdistää tässä majesteettisessa maisemassa yhteinen tunnelma, yhteinen mielentila. Henkisyys ja runous läpäisevät kuvan "nukkuvasta Venuksesta" (noin 1508-1510). Hänen ruumiinsa on kirjoitettu helposti, vapaasti, suloisesti, eikä turhaan puhuta Giorgionen rytmien "musikaalisuudesta"; se ei ole vailla aistillista viehätysvoimaa. "Maakonsertti" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477?-1576) - Venetsian renessanssin suurin taiteilija. Hän loi teoksia sekä mytologisista että kristillisistä aiheista, työskenteli muotokuvagenressä, hänen koloristikykynsä on poikkeuksellinen, hänen sävellyskekseliäisyytensä on ehtymätön, ja hänen onnellisen pitkäikäisyytensä ansiosta hän jätti taakseen rikkaan luovan perinnön, jolla oli valtava vaikutus jälkipolville.

Jo vuonna 1516 hänestä tuli tasavallan ensimmäinen taidemaalari 20-luvulta - Venetsian tunnetuin taiteilija

Noin 1520 Ferraran herttua tilasi hänelle sarjan maalauksia, joissa Tizian esiintyy antiikin laulajana, joka onnistui tuntemaan ja mikä tärkeintä, ilmentämään pakanallisuuden henkeä (Bacchanal, Feast of Venus, Bacchus ja Ariadne).

Varakkaat venetsialaiset patriisit tilaavat Tizian alttaritauluja, ja hän luo valtavia ikoneja: "Ascension of Mary", "Madonna Pesaro"

"Marian astuminen temppeliin" (noin 1538), "Venus" (noin 1538)

(ryhmämuotokuva paavi Paavali III:sta veljenpoikien Ottavion ja Alexander Farnesen kanssa, 1545-1546)

Hän kirjoittaa edelleen paljon muinaisista aiheista ("Venus ja Adonis", "Paimen ja nymfi", "Diana ja Actaeon", "Jupiter ja Antiope"), mutta yhä useammin hän kääntyy kristillisiin teemoihin, kohtauksiin marttyyrikuolema, jossa pakanallinen iloisuus, antiikkinen harmonia korvataan traagisella maailmankuvalla ("Kristuksen lyöminen", "Katuva Maria Magdaleena", "Pyhä Sebastian", "Valituslaulu"),

Mutta vuosisadan lopussa lähestyvän uuden taiteen aikakauden, uuden taiteellisen suunnan piirteet ovat jo ilmeisiä täällä. Tämä näkyy kahden tämän vuosisadan toisen puoliskon suurimman taiteilijan - Paolo Veronesen ja Jacopo Tintoretton - töissä.

Paolo Cagliarista, lempinimeltään Veronese (hän ​​oli Veronasta, 1528-1588), oli määrä tulla 1500-luvun juhlavan, riemuitsevan Venetsian viimeiseksi laulajaksi.

: "Pidot Levin talossa" "Avioliitto Galilean Canassa" San George Maggioren luostarin ruokasalille

Jacopo Robusti, joka tunnetaan taiteessa nimellä Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" värjäjä: taiteilijan isä oli silkinvärjäjä). "Pyhän Markuksen ihme" (1548)

("Arsinoen pelastus", 1555), "Sisäänkäynti temppeliin" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro Piombinossa, Villa Rotonda Vicenzassa, valmistui hänen kuolemansa jälkeen opiskelijoiden toimesta hänen projektinsa mukaan, monet rakennukset Vicenzassa). Hänen antiikin tutkimuksen tulos oli kirja "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581), mutta antiikki oli hänelle "elävä organismi", tutkijan rehellisen havainnon mukaan.

Alankomaiden maalauksen renessanssi alkaa veljien Hubert (kuoli 1426) ja Jan (noin 1390-1441) van Eyckin "Gentin alttaritaululla", jonka Jan van Eyck valmistui vuonna 1432. Van Eyck paransi öljytekniikkaa: öljy teki sen mahdolliseksi. välittää objektiivisen maailman monipuolisempaa loistoa, syvyyttä, rikkautta, joka herättää hollantilaisten taiteilijoiden huomion, sen värikkään soinnisuuden.

Jan van Eyckin lukuisista madonnoista tunnetuin on liittokansleri Rollinin madonna (noin 1435)

("Mies neilikka"; "Mies turbaanissa", 1433; muotokuva taiteilijan vaimosta Marguerite van Eyckistä, 1439

Tällaisten ongelmien ratkaisemisessa hollantilainen taide on paljon velkaa Rogier van der Weydenille (1400?-1464). Ristin laskeutuminen on tyypillinen Weydenin teos.

XV vuosisadan toisella puoliskolla. kertoo poikkeuksellisen lahjakkuuden mestarin Hugo van der Goesin (noin 1435-1482) työstä "Marian kuolema").

Hieronymus Bosch (1450-1516), synkkien mystisten visioiden luoja, jossa hän viittaa myös keskiaikaiseen allegoriaan, "Ilotusten puutarha"

Hollannin renessanssin huippu oli epäilemättä Pieter Brueghel vanhemman, lempinimeltään Muzhitsky (1525 / 30-1569) teos ("Laihan keittiö", "Lihavan keittiö"), "Talvimaisema" syklistä " Vuodenajat” (toinen nimi - "Hunters in the Snow", 1565), "Karnevaalin ja paaston taistelu" (1559).

Albrecht Dürer (1471-1528).

"Ruusukkeen juhla" (toinen nimi on "Madonna ruusukon kanssa", 1506), "Ratsumies, kuolema ja paholainen", 1513; "St. Jerome" ja "Melankolia",

Hans Holbein nuorempi (1497-1543), "Kuoleman voitto" ("Kuoleman tanssi") muotokuva Jane Seymourista, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renessanssin Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (noin 1420-1481), Kaarle VII:n muotokuva

Jean Clouet (noin 1485/88-1541), Francois Clouet'n (noin 1516-1572) poika on 1500-luvun tärkein ranskalainen taidemaalari. Itävallan Elisabethin muotokuva, noin 1571 (Henry II:n, Maria Stuartin muotokuva jne.)