18 वीं सदी के अंत में यूरोपीय और अमेरिकी संस्कृति में एक वैचारिक और कलात्मक आंदोलन रोमांटिकतावाद (फ्रेंच रोमांसवाद) - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में। क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र के तर्कवाद और तंत्र की प्रतिक्रिया और प्रबुद्धता के दर्शन के रूप में जन्मे, जो पुरानी विश्व व्यवस्था के क्रांतिकारी टूटने के दौरान स्थापित किया गया था, रोमांटिकतावाद ने उपयोगितावाद का विरोध किया और असीमित स्वतंत्रता और अनंत के लिए एक प्रयास के साथ व्यक्तित्व के स्तर को समेटा। , पूर्णता और नवीकरण की प्यास, व्यक्तिगत और नागरिक स्वतंत्रता का एक मार्ग।

आदर्श और वास्तविकता के बीच एक दर्दनाक कलह ने रोमांटिक विश्वदृष्टि का आधार बनाया; किसी व्यक्ति के रचनात्मक और आध्यात्मिक जीवन के आंतरिक मूल्य की उनकी विशेषता, मजबूत जुनून की छवि, प्रकृति का आधुनिकीकरण, राष्ट्रीय अतीत में रुचि, कला के सिंथेटिक रूपों की इच्छा दुनिया के दुख के उद्देश्यों के साथ संयुक्त हैं। मानव आत्मा के "छाया", "रात" पक्ष का पता लगाने और फिर से बनाने की इच्छा, प्रसिद्ध "रोमांटिक विडंबना" के साथ, जिसने रोमांटिक लोगों को साहसपूर्वक उच्च और आधार, दुखद और हास्य की तुलना करने की अनुमति दी, वास्तविक शानदार। कई देशों में विकसित, स्थानीय ऐतिहासिक परंपराओं और स्थितियों के कारण, हर जगह रोमांटिकतावाद ने एक ज्वलंत राष्ट्रीय पहचान हासिल की।

सबसे सुसंगत रोमांटिक स्कूल फ्रांस में उभरा, जहां कलाकार, अभिव्यंजक साधनों की प्रणाली में सुधार करते हैं, रचना को गतिशील करते हैं, एक तूफानी आंदोलन के साथ संयुक्त रूपों, एक उज्ज्वल संतृप्त रंग और चित्रकला की एक विस्तृत, सामान्यीकृत शैली (टी। गेराल्ट द्वारा पेंटिंग) का उपयोग करते हैं। ई। डेलाक्रोइक्स, ओ। ड्युमिएर, प्लास्टिक - पीजे डेविड डी "एंगर्स, एएल बारी, एफ। रुड)। जर्मनी और ऑस्ट्रिया में, प्रारंभिक रोमांटिकतावाद की विशेषता है सब कुछ तेजी से अलग-अलग, उदासीन-भावनात्मक की उदासी-चिंतनशील टोन। संरचना, रहस्यमय-पैन्थिस्टिक मूड (एफओ रन द्वारा पोर्ट्रेट और अलौकिक रचनाएं, केडी फ्रेडरिक और जेए कोच द्वारा परिदृश्य), 15 वीं शताब्दी के जर्मन और इतालवी चित्रकला की धार्मिक भावना को पुनर्जीवित करने की इच्छा (नाजरीन का काम), एक तरह का; रोमांटिकतावाद के सिद्धांतों के संलयन और "बर्गर रियलिज्म" में बाइडेर्मियर (रचनात्मकता एल रिक्टर, के। स्पिट्जवेग, एम। वॉन शव्ड, एफजी वाल्डमुलर) की कला थी।

ग्रेट ब्रिटेन में, जे। कांस्टेबल और आर। बोनिंगटन के परिदृश्यों को पेंटिंग की रोमांटिक ताजगी, शानदार छवियों और असामान्य अभिव्यंजक साधनों के साथ चिह्नित किया जाता है - डब्ल्यू टर्नर, जी.आई. फुसली, मध्य युग और प्रारंभिक पुनर्जागरण की संस्कृति के लिए लगाव - पूर्व-राफेलाइट्स (डीजी। रॉसेटी, ई। बर्ने-जोन्स, डब्ल्यू। मॉरिस और अन्य कलाकारों) के देर से रोमांटिक आंदोलन के स्वामी का काम। यूरोप और अमेरिका के कई देशों में, रोमांटिक आंदोलन का प्रतिनिधित्व परिदृश्य द्वारा किया गया (संयुक्त राज्य अमेरिका में जे। इनेस और एपी राइडर द्वारा पेंटिंग), लोक जीवन और इतिहास के विषयों पर रचनाएं (बेल्जियम में एल। हाले का काम, जे। मेन्स) चेक गणराज्य में, हंगरी में वी। मदरसा, पोलैंड में पी। माइकलोवस्की और जे। मेत्जेको और अन्य स्वामी)।

रोमांटिकतावाद का ऐतिहासिक भाग्य जटिल और अस्पष्ट था। एक या एक और रोमांटिक प्रवृत्ति ने 19 वीं शताब्दी के प्रमुख यूरोपीय स्वामी के काम को चिह्नित किया - बारबिजोन स्कूल के कलाकार, सी। कोरोट, जी। कोर्टबेट, जे.एफ. बाजरा, फ्रांस में ई। मैनेट, जर्मनी में ए। वॉन मेंजेल और अन्य चित्रकार। उसी समय, जटिल रूपवाद, रहस्यवाद और फंतासी के तत्व, कभी-कभी रूमानियत में निहित होते हैं, प्रतीकवाद में निरंतरता, आंशिक रूप से बाद के प्रभाववाद और आधुनिक शैली की कला में पाए जाते हैं।

"स्मॉल बे प्लेनेट पेंटिंग गैलरी" का संदर्भ और जीवनी डेटा "हिस्ट्री ऑफ़ फॉरेन आर्ट" (एड। एमटी कुज़मीना, एनएल माल्टसेवा द्वारा), "आर्ट इनसाइक्लोपीडिया ऑफ़ फॉरेन क्लासिकल आर्ट", "ग्रेट रूसी" की सामग्रियों के आधार पर तैयार किया गया है। एनसाइक्लोपीडिया ”।

18 वीं और 19 वीं सदी की शुरुआत में, क्लासिकिज़्म और ज्ञानोदय के विचारों ने अपना आकर्षण और प्रासंगिकता खो दी। नया, जो कि क्लासिकलिज़्म की विहित विधियों और ज्ञानोदय के नैतिक सामाजिक सिद्धांतों की प्रतिक्रिया में, मनुष्य के रूप में बदल गया, उसकी आंतरिक दुनिया ने शक्ति प्राप्त की और मन पर अधिकार कर लिया। सांस्कृतिक जीवन और दर्शन के सभी क्षेत्रों में स्वच्छंदतावाद बहुत व्यापक हो गया है। संगीतकारों, कलाकारों और लेखकों ने अपने कार्यों में मनुष्य की उच्च नियति, उसकी समृद्ध आध्यात्मिक दुनिया, भावनाओं और अनुभवों की गहराई को दिखाने की कोशिश की। अब से, मनुष्य अपने आंतरिक संघर्ष, आध्यात्मिक खोजों और अनुभवों के साथ, और सामान्य कल्याण और समृद्धि के विचारों को "धुंधला" नहीं करता है, कला के कार्यों में प्रमुख विषय बन गए हैं।

चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

चित्रकार रचना, रंग, लहजे की मदद से विचारों और उनके व्यक्तिगत अनुभवों की गहराई से अवगत कराते हैं। रोमांटिक चित्रों की व्याख्या में विभिन्न यूरोपीय देशों की अपनी ख़ासियतें थीं। यह दार्शनिक रुझानों के साथ-साथ सामाजिक-राजनीतिक स्थिति के कारण है, जिसके लिए कला एक जीवित प्रतिक्रिया थी। पेंटिंग कोई अपवाद नहीं थी। छोटी रियासतों और ड्यूशियों में खंडित, जर्मनी ने गंभीर सामाजिक उथल-पुथल का अनुभव नहीं किया, कलाकारों ने स्मारक नायकों का चित्रण करने वाले स्मारकीय कैनवस नहीं बनाए, यहां मनुष्य की गहरी आध्यात्मिक दुनिया, उसकी सुंदरता और महानता, नैतिक खोज रुचि की थी। इसलिए, जर्मन चित्रकला में रोमांटिकता को पूरी तरह से पोर्ट्रेट्स और परिदृश्य में दर्शाया गया है। ओटो रनगे की रचनाएँ इस शैली के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। चित्रकार द्वारा बनाए गए चित्रों में, चेहरे की विशेषताओं, आंखों के सूक्ष्म विस्तार के माध्यम से, प्रकाश और छाया के विपरीत, विरोधाभासी व्यक्तित्व को दिखाने के लिए कलाकार की इच्छा, उसकी शक्ति और महसूस की गहराई से अवगत कराया जाता है। परिदृश्य के माध्यम से, पेड़ों, फूलों और पक्षियों की थोड़ी शानदार, अतिरंजित छवि, कलाकार ने मानव व्यक्तित्व की विविधता, प्रकृति के साथ इसकी समानता, विविध और अज्ञात की खोज करने की भी कोशिश की। पेंटिंग में रोमांटिकतावाद का एक महत्वपूर्ण प्रतिनिधि परिदृश्य चित्रकार केडी फ्रेडरिक था, जिसने प्रकृति, पहाड़, समुद्र के किनारे, मनुष्य के साथ सामर्थ्य और शक्ति पर जोर दिया।

फ्रांसीसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद विभिन्न सिद्धांतों के अनुसार विकसित हुआ। क्रांतिकारी उथल-पुथल, तूफानी सामाजिक जीवन कलाकारों के गुरुत्वाकर्षण द्वारा चित्रण में ऐतिहासिक और शानदार विषयों को चित्रित करने के साथ प्रकट हुआ, जिसमें पाथोस और "नर्वस" उत्साह था, जो उज्ज्वल रंग विपरीत, आंदोलनों की अभिव्यक्ति, कुछ अराजकता, सहज रचना द्वारा प्राप्त किया गया था। टी। गेरिकौल, ई। डेलाक्रोइक्स की रचनाओं में सबसे पूर्ण और विशद रूप से रोमांटिक विचार प्रस्तुत किए गए हैं। कलाकारों ने कुशलता से रंग और प्रकाश का उपयोग किया, भावनाओं की एक स्पंदनीय गहराई पैदा करते हुए, संघर्ष और स्वतंत्रता के लिए एक उदात्त आवेग।

रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

रूसी सामाजिक विचार ने यूरोप में उभर रहे नए रुझानों और रुझानों का बहुत ही स्पष्ट रूप से जवाब दिया। और फिर नेपोलियन के साथ युद्ध - उन महत्वपूर्ण ऐतिहासिक घटनाओं को जिसने रूसी खुफिया विभाग की दार्शनिक और सांस्कृतिक खोजों को सबसे अधिक प्रभावित किया। रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद को तीन मुख्य परिदृश्यों, स्मारकीय कला में दर्शाया गया, जहाँ शास्त्रीयता का प्रभाव बहुत मजबूत था, और रोमांटिक विचारों को अकादमिक कैनन के साथ घनिष्ठ रूप से जोड़ा गया था।

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों, कवियों और कलाकारों के चित्रण के साथ-साथ सामान्य लोगों और किसानों के लिए अधिक से अधिक ध्यान दिया गया था। किप्रेंस्की, ट्रोपिनिन, ब्रायलोव ने बड़े प्यार से एक व्यक्ति के व्यक्तित्व की सभी गहराई और सुंदरता को दिखाने की कोशिश की, एक नज़र के माध्यम से, सिर की बारी, आध्यात्मिक खोज को व्यक्त करने के लिए एक पोशाक का विवरण, उनके "मॉडल की स्वतंत्रता-प्रेम प्रकृति। ”। मानव व्यक्तित्व में बड़ी रुचि, कला में इसके केंद्रीय स्थान ने आत्म-चित्र की शैली के उत्कर्ष में योगदान दिया। इसके अलावा, कलाकारों ने ऑर्डर करने के लिए स्व-चित्रों को चित्रित नहीं किया था, यह एक रचनात्मक आवेग था, समकालीनों को एक प्रकार की स्व-रिपोर्ट।

रोमैंटिक के कार्यों में परिदृश्य भी उनकी मौलिकता से प्रतिष्ठित थे। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद ने एक व्यक्ति की मनोदशा को दर्शाया और व्यक्त किया, परिदृश्य को उसके अनुरूप होना पड़ा। इसीलिए कलाकारों ने प्रकृति की विद्रोही प्रकृति, उसकी शक्ति और सहजता को प्रदर्शित करने की कोशिश की। ओर्लोव्स्की, शचीरीन, एक तरफ समुद्र तत्व, पराक्रमी पेड़, पर्वत श्रृंखलाओं का चित्रण करते हैं, दूसरी ओर वास्तविक परिदृश्य के सौंदर्य और बहुरंगा को व्यक्त करते हैं, दूसरी ओर, उन्होंने एक निश्चित भावनात्मक मनोदशा बनाई।

रोमांटिकतावाद की कला क्लासिकवाद के साथ पॉलीमिक्स में बनाई गई है। सामाजिक पहलू में, रोमांटिकतावाद का उदय 18 वीं शताब्दी की महान फ्रांसीसी क्रांति के साथ जुड़ा हुआ है, यह अपनी शुरुआत के लिए सामान्य उत्साह की प्रतिक्रिया के रूप में उठता है, लेकिन मानवीय क्षमताओं में एक गहरी निराशा के रूप में भी जब यह हार जाता है। इसके अलावा, जर्मन रूमानीवाद को बाद में फ्रांसीसी क्रांति का रक्तहीन संस्करण माना गया।

एक वैचारिक और कलात्मक प्रवृत्ति के रूप में, रोमांटिकतावाद खुद को 19 वीं शताब्दी की पहली छमाही में महसूस करता है। यह मुख्य रूप से एक साहित्यिक प्रवृत्ति के रूप में प्रकट होता है - यहां पर रोमांटिकता की गतिविधि उच्च और सफल है। उस समय का संगीत कम महत्वपूर्ण नहीं है: रोमांटिकतावाद के स्वर, वाद्य संगीत, संगीत थिएटर (ओपेरा और बैले) आज भी प्रदर्शनों का आधार बनते हैं। हालांकि, दृश्य और स्थानिक कलाओं में, रोमांटिकतावाद ने खुद को बनाए गए कार्यों की संख्या में और अपने स्तर पर दोनों में कम स्पष्ट रूप से दिखाया। रोमांटिकतावाद की चित्रकारी जर्मनी और फ्रांस में उत्कृष्ट कृतियों के स्तर तक पहुँचती है, शेष यूरोप पिछड़ जाता है। रूमानियत की वास्तुकला के बारे में बात करना प्रथा नहीं है। यहाँ कुछ मौलिकता से केवल परिदृश्य बागवानी कला का पता चलता है, और फिर भी रोमांटिकता यहाँ एक अंग्रेजी परिदृश्य, या प्राकृतिक, पार्क का विचार विकसित करती है। कुछ नव-गॉथिक प्रवृत्तियों के लिए एक जगह भी है, रोमांटिक लोगों ने अपनी कला को निम्न क्रम में देखा: गॉथिक - बैरोक - रोमांटिकतावाद। स्लाव देशों में कई ऐसी नव-गॉथिक शैली है।

रूमानियत की दृश्य कला

18 वीं शताब्दी में। "रोमांटिक" शब्द का अर्थ "अजीब", "शानदार", "सुरम्य" है। यह देखना आसान है कि "रोमांस", "उपन्यास" (नाइटली) शब्द व्युत्पत्ति के अनुसार बहुत करीब हैं।

XIX सदी में। इस शब्द की व्याख्या एक साहित्यिक आंदोलन के नाम के रूप में की गई थी, जो क्लासिकवाद के दृष्टिकोण के विपरीत था।

दृश्य कला में, रोमाटिज्म चित्रकला और ग्राफिक्स में दिलचस्प रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला में कम स्पष्ट रूप से। रोमांटिकवाद का सबसे सुसंगत स्कूल फ्रांस में उभरा, जहां अकादमिक क्लासिकिज्म की भावना में आधिकारिक कला में हठधर्मिता और अमूर्त तर्कवाद के खिलाफ एक कठोर संघर्ष किया गया था। पेंटिंग के रोमांटिक स्कूल के संस्थापक थे थियोडोर गेरिकौल्ट (1791-1824)। उन्होंने क्लासिकवाद के आकाओं के साथ अध्ययन किया, लेकिन सामान्यीकृत वीरतापूर्ण चित्रों के प्रति एक गुरुत्व को बनाए रखते हुए क्लासिकिज़्म को बनाए रखते हुए, पहली बार दुनिया में संघर्ष की भावना को चित्रित करते हुए जेरिकॉल्ट, हमारे समय की महत्वपूर्ण घटनाओं की अभिव्यंजक अभिव्यक्ति की इच्छा व्यक्त की। पहले से ही कलाकार के पहले कार्यों में एक उच्च भावुकता दिखाई देती है, नेपोलियन युद्धों के युग की "तंत्रिका", जिसमें बहुत अधिक अड़चन थी ("इंपीरियल गार्ड ऑफ द हॉर्स रेंजर्स ऑफ अफसर, गोइंग टू अटैक") " जख्मी कुइरासीयर ने युद्धक्षेत्र छोड़ दिया ")। वे एक दुखद रवैये और भ्रम की भावना से चिह्नित हैं। क्लासिकवाद के नायकों ने ऐसी भावनाओं का अनुभव नहीं किया या उन्हें सार्वजनिक रूप से व्यक्त नहीं किया और निराशा, भ्रम और लालसा को सौंदर्य नहीं दिया। रोमांटिकतावाद के कलाकारों के सुरम्य कैनवस को गतिशील रूप से लिखा जाता है, रंग एक गहरे स्वर का प्रभुत्व होता है, जो तीव्र रंग लहजे, तेजी से पेस्टी स्ट्रोक द्वारा जीवंत होता है।

गेरिकौल्ट एक अविश्वसनीय रूप से गतिशील चित्र "फ्री हॉर्स रन इन रोम" बनाता है। यहां उन्होंने आंदोलन के प्रसारण के सभी पिछले कलाकारों को पार कर लिया। जेरिकॉल्ट की मुख्य रचनाओं में से एक पेंटिंग "द रफ ऑफ़ मेडुसा" है। इसमें, उन्होंने वास्तविक तथ्यों का चित्रण किया है, लेकिन सामान्यीकरण के ऐसे बल के साथ जो समकालीनों ने देखा है कि इसमें एक विशेष जहाज की छवि नहीं है, बल्कि पूरे यूरोप में निराशा है। और केवल कुछ, सबसे लगातार लोग जीवित रहने के लिए संघर्ष करते हैं। कलाकार मानवीय भावनाओं का एक जटिल सरगम \u200b\u200bदिखाता है - उदास निराशा से आशा की एक तूफानी विस्फोट तक। इस कैनवस की गतिशीलता रचना के विकर्ण द्वारा निर्धारित की जाती है, वॉल्यूम के प्रभावी मूर्तिकला, प्रकाश और छाया में परिवर्तन के विपरीत।

जेरिकॉल्ट खुद को चित्र शैली के एक मास्टर के रूप में साबित करने में कामयाब रहे। यहाँ वह एक नवोन्मेषक के रूप में भी कार्य करता है, जो चित्र शैली की आलंकारिक विशिष्टता को परिभाषित करता है। "ट्वेंटी-इयर-ओल्ड डेलाक्रोइक्स का पोर्ट्रेट" और सेल्फ-पोर्ट्रेट रोमांटिक कलाकार के विचार को एक स्वतंत्र रचनाकार, एक उज्ज्वल, भावनात्मक व्यक्तित्व के रूप में व्यक्त करते हैं। वह रोमांटिक चित्रण के लिए नींव रखता है - बाद में सबसे सफल रोमांटिक शैलियों में से एक।

जेरिकॉल्ट भी परिदृश्य में शामिल हो गए। इंग्लैंड के चारों ओर यात्रा करते हुए, वह अपनी उपस्थिति से चकरा गया और उसकी सुंदरता को श्रद्धांजलि अर्पित की, कई परिदृश्य चित्रों का निर्माण किया, दोनों तेल और पानी के रंग में चित्रित। वे रंग में समृद्ध हैं, अवलोकन में सूक्ष्म हैं, और सामाजिक आलोचना के लिए विदेशी नहीं हैं। कलाकार ने उन्हें "बड़े और छोटे अंग्रेजी सूट" कहा। एक रोमांटिक शब्द को संगीतमय शब्द कहने के लिए यह कितना विशिष्ट है!

दुर्भाग्य से, गेरिकौल्ट का जीवन छोटा था, लेकिन उन्होंने एक गौरवशाली परंपरा की शुरुआत की।

1820 के दशक से। रोमांटिक चित्रकारों का प्रमुख बन जाता है फर्डिनेंड विक्टर यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863)। गेरिकौल्ट के एक मजबूत प्रभाव का अनुभव किया, जिसके साथ वह छात्र की बेंच से दोस्त थे। उन्होंने पुराने मास्टर्स, खासकर रूबेंस द्वारा पेंटिंग का अध्ययन किया। इंग्लैंड के चारों ओर यात्रा की, कांस्टेबल पेंटिंग पर मोहित हो गया। Delacroix के पास एक भावुक स्वभाव, शक्तिशाली रचनात्मक कल्पना और उच्च दक्षता थी। पेशेवर क्षेत्र में शुरुआती कदमों से, डेलाक्रिक्स पूरी तरह से रोमांटिकता का अनुसरण करता है। पहली पेंटिंग उन्होंने डांटे और वर्जिल को प्रदर्शित की, जो कि स्टाइलक्स (डांटेज़ बोट) को पार करती नाव में दिखाई दी। चित्र त्रासदी से भरा है, उदास पथ। अगला कैनवस, "द नरसंहार इन चीओस", उन्होंने तुर्की कोक से यूनानियों की पीड़ा से जुड़ी वास्तविक घटनाओं का जवाब दिया। यहां उन्होंने खुले तौर पर संघर्ष में यूनानियों का पक्ष लेते हुए अपनी राजनीतिक स्थिति व्यक्त की, जिस पर उन्हें सहानुभूति थी, जबकि फ्रांसीसी सरकार ने तुर्की के साथ खिलवाड़ किया।

पेंटिंग ने राजनीतिक और कला आलोचना दोनों का कारण बना, विशेष रूप से कांस्टेबल के काम के प्रभाव के तहत डेलाक्रोइक्स के बाद, हल्के रंगों में तस्वीर को फिर से लिखा। आलोचना की प्रतिक्रिया में, कलाकार "ग्रीस को मिसोलुंगी के अवशेषों पर पेंटिंग" बनाता है, जिसमें वह फिर से तुर्की के जुए से मुक्ति के लिए ग्रीस के संघर्ष के ज्वलंत विषय की ओर मुड़ता है। डेलाक्रोइक्स की यह तस्वीर अधिक प्रतीकात्मक है, एक महिला का हाथ उठे हुए हाथों से या तो आक्रमणकारियों को कोसते हुए या संघर्ष के लिए आह्वान करते हुए, पूरे देश का प्रतिनिधित्व करता है। वह, जैसा कि था, कलाकार की आगामी, सबसे प्रसिद्ध काम में स्वतंत्रता की छवि का अनुमान लगाती है।

नए नायकों, मजबूत व्यक्तित्वों की अपनी खोज में, डेलाक्रोइक्स अक्सर शेक्सपियर, गोएथे, बायरन, स्कॉट की साहित्यिक छवियों की ओर मुड़ते हैं: "पागल शरण में तासो", "सर्दापानस की मौत", "लेग के बिशप की हत्या"; "फॉस्ट", "हेमलेट" के लिए लिथोग्राफ बनाता है, जो नायकों की भावनाओं के सूक्ष्म रंगों को व्यक्त करता है, जिसने गोएथे की प्रशंसा अर्जित की। Delacroix उनके पूर्ववर्तियों के पवित्र शास्त्र के निकट आने के तरीके को कल्पना के रूप में बताता है, जिससे यह चित्रों के लिए विषयों का एक अंतहीन स्रोत बन जाता है।

1830 में, जुलाई क्रांति की प्रत्यक्ष छाप के तहत, डेलाक्रोइक्स ने एक बड़े कैनवास लिबर्टी लीडिंग द पीपल (लिबर्टी ऑन द बैरीकेड्स) को चित्रित किया। क्रांतिकारी संघर्ष में प्रतिभागियों के वास्तविक रूप से चित्रित आंकड़ों के ऊपर, गरीब, ज्यादातर युवा लोग, संघर्ष से प्रेरित होकर, एक शानदार महिला को, वेरोनीज़ की "प्रतिभा" की याद दिलाते हैं। उसके हाथों में एक बैनर है, उसका चेहरा प्रेरित है। यह सिर्फ क्लासिकिज़्म की भावना में स्वतंत्रता का एक रूपक नहीं है, यह क्रांतिकारी आवेग का एक उदात्त प्रतीक है। हालांकि, कोई भी जीवित, कामुक महिला आकृति को नहीं छोड़ सकता है - वह बहुत आकर्षक है। चित्र जटिल, आकर्षक, गतिशील निकला।

एक सच्चे रोमांटिक के रूप में, Delacroix विदेशी देशों की यात्रा करता है: अल्जीरिया, मोरक्को। यात्रा से, वह पांच चित्रों को लाता है, जिसमें "मोरक्को में द लायन हंट" भी शामिल है, जाहिर तौर पर अपने प्यारे रूबेन्स को श्रद्धांजलि।

डेलाकारिक्स डेकोरेटर के रूप में बहुत काम करता है, बोरबॉन और लक्ज़मबर्ग महलों, पेरिस के चर्चों में स्मारक का काम करता है। वह चित्र शैली में काम करना जारी रखता है, रोमांटिकतावाद के युग के लोगों की छवियां बनाता है, उदाहरण के लिए, एफ चोपिन। डेलाक्रोइक्स का काम 19 वीं शताब्दी में चित्रकला की ऊंचाइयों से संबंधित है।

पेंटिंग और ग्राफिक्स जर्मन रूमानियत अधिकांश भाग भावुकता की ओर बढ़ता है। और अगर जर्मन रोमांटिक साहित्य वास्तव में एक पूरे युग का गठन करता है, तो यह दृश्य कलाओं के बारे में नहीं कहा जा सकता है: साहित्य में "तूफान और हमले" थे, और दृश्य कलाओं में - पारिवारिक पितृसत्तात्मक जीवन का आदर्शीकरण। इस मायने में, रचनात्मकता महत्वपूर्ण है लुडविग रिक्टर (१ (०३-१ci3४): "आर्किसी के पास वन वसंत", "वसंत में शादी की बारात", आदि। वह परियों की कहानियों और लोक गीतों के कई चित्र भी बनाते हैं, जिन्हें सूखे तरीके से बनाया गया है।

लेकिन जर्मन रोमांटिकतावाद में एक बड़ा आंकड़ा है जिसे नजरअंदाज नहीं किया जा सकता है। यह कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840)। वह एक परिदृश्य चित्रकार थे, कोपेनहेगन में कला अकादमी में अध्ययन किया। बाद में उन्होंने ड्रेसडेन में बस गए और पढ़ाया।

उनकी परिदृश्य शैली मूल है, चित्रों को पहले परिचित से याद किया जाता है, एक उन्हें लगता है कि ये एक रोमांटिक कलाकार के परिदृश्य हैं: वे लगातार रोमांटिक दृष्टिकोण की बारीकियों को व्यक्त करते हैं। उन्होंने दक्षिणी जर्मनी और बाल्टिक तट के परिदृश्यों को चित्रित किया, जंगल, रेगिस्तान के टीलों, जमे हुए समुद्र के साथ जंगली चट्टानें उग आईं। लोग कभी-कभी उसके चित्रों में मौजूद होते हैं, लेकिन हम शायद ही कभी उनके चेहरे को देखते हैं: आंकड़े, एक नियम के रूप में, उनकी पीठ के साथ दर्शक की ओर मुड़ते हैं। फ्रेडरिक ने प्रकृति की मौलिक शक्ति को व्यक्त करने की कोशिश की। उन्होंने प्राकृतिक शक्तियों और मानव भावनाओं और quests के सामंजस्य की मांग की और खोज की। और यद्यपि वह जीवन को सही ढंग से दर्शाता है, फ्रेडरिक की कला यथार्थवादी नहीं है। हाल के दिनों में, यह सोवियत कला समीक्षकों को डराता था, कलाकार के बारे में बहुत कम लिखा गया था, उसके लगभग कोई प्रतिकृतियां नहीं थीं। अब स्थिति बदल गई है, और हम उनके चित्रों की गहरी आध्यात्मिकता का आनंद ले सकते हैं, फ्राडरिच के परिदृश्यों की उदासी से अलग चिंतन। रचना की स्पष्ट लय, ड्राइंग की गंभीरता को उसके कामों में संयोजित किया गया है, जो कि प्रकाश प्रभाव में समृद्ध, चिरोसुरो के विपरीत है। लेकिन कभी-कभी फ्रेडरिक अपनी भावुकता में हर चीज को महसूस करता है, जो सांसारिक ट्रान्स की सुन्नता को सांसारिक रूप से हर चीज की धोखाधड़ी का एहसास देता है। आज हम फ्रेडरिक के काम में दिलचस्पी का अनुभव कर रहे हैं। उनकी सबसे सफल कृतियाँ "द डेथ ऑफ़" होप इन द आइस "," द मोनास्टिक सेरेमनी फ़ॉर द स्नो "," मास इन ए गोथिक रुइन "," सनसेट एट सी ", आदि हैं।

में रूसी रूमानियत पेंटिंग में बहुत विवाद है। इसके अलावा, कई वर्षों से यह माना जाता था कि एक अच्छा कलाकार एक यथार्थवादी है। शायद यही कारण है कि राय की पुष्टि की गई थी कि ओ। किप्रेन्स्की और ए। वेन्सेटियनोव, वी। ट्रोपिनिन और यहां तक \u200b\u200bकि ए। कुइंध्जी भी यथार्थवादी हैं, जो हमें गलत लगता है, वे रोमांटिक हैं।

पेंटिंग में एक दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद 18 वीं शताब्दी के अंत में पश्चिमी यूरोप में बनाया गया था। 1920 और 1930 के दशक में अधिकांश पश्चिमी यूरोपीय देशों की कला में रूमानियत का विकास हुआ। 19 वी सदी।

"रोमांटिकवाद" शब्द की उत्पत्ति "उपन्यास" शब्द से हुई है (17 वीं शताब्दी में, उपन्यास का उपयोग लैटिन में नहीं बल्कि साहित्यिक कृतियों को संदर्भित करने के लिए किया गया था, लेकिन इससे उत्पन्न होने वाली भाषाओं में - फ्रेंच, अंग्रेजी, आदि)। बाद में, सब कुछ समझ से बाहर और रहस्यमय रोमांटिक कहा जाने लगा।

एक सांस्कृतिक घटना के रूप में, महान फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों से उत्पन्न दुनिया की एक विशेष धारणा से रोमांटिकतावाद का गठन किया गया था। ज्ञानोदय के आदर्शों से मोहभंग, रूमानियत, सद्भाव और अखंडता के लिए प्रयास करते हुए, नए सौंदर्य आदर्शों और कलात्मक मूल्यों का निर्माण किया। उनके ध्यान की मुख्य वस्तुएं उनके सभी अनुभवों और स्वतंत्रता की इच्छा के साथ उत्कृष्ट पात्र थे। रोमांटिक कार्यों का नायक एक असाधारण व्यक्ति है जो भाग्य की इच्छा से खुद को कठिन जीवन परिस्थितियों में पाता है।

यद्यपि रोमांटिकतावाद क्लासिकवाद की कला के विरोध के रूप में उत्पन्न हुआ, यह बाद के कई तरीकों से था। रोमैंटिक्स एन पोसिन, सी। लॉरेन, जे। ओड इंगर्स के रूप में क्लासिकवाद के ऐसे प्रतिनिधियों का हिस्सा थे।

रोमांटिक लोगों ने पेंटिंग में अजीबोगरीब राष्ट्रीय विशेषताएं पेश कीं, यानी कि कुछ ऐसा था जिसमें कलाकारों की कला का अभाव था।
फ्रांसीसी रोमांटिकवाद का सबसे बड़ा प्रतिनिधि टी। गेरिकौल्ट था।

थियोडोर गेरिकौल्ट

महान फ्रांसीसी चित्रकार, मूर्तिकार और ग्राफिक कलाकार थिओडोर गेरिकौल का जन्म 1791 में रेन में एक अमीर परिवार में हुआ था। कलाकार की प्रतिभा ने उसे बहुत पहले ही प्रकट कर दिया था। अक्सर, स्कूल में कक्षाओं में भाग लेने के बजाय, जेरिकॉल्ट स्थिर होकर बैठते थे और घोड़ों को खींचते थे। फिर भी, उन्होंने न केवल जानवरों की बाहरी विशेषताओं को कागज पर स्थानांतरित करने की कोशिश की, बल्कि उनके स्वभाव और चरित्र को व्यक्त करने के लिए भी।

1808 में लिसेयुम से स्नातक होने के बाद, गेरिकौल्ट कार्ल वर्नेट पेंटिंग के तत्कालीन प्रसिद्ध मास्टर का छात्र बन गया, जो कि कैनवास पर घोड़ों को चित्रित करने की अपनी क्षमता के लिए प्रसिद्ध था। हालांकि, युवा कलाकार को वर्नेट की शैली पसंद नहीं थी। जल्द ही वह स्टूडियो छोड़ देता है और दूसरे के साथ अध्ययन करने के लिए प्रवेश करता है, वर्नेट, पीएन गेरेन की तुलना में कोई कम प्रतिभाशाली चित्रकार नहीं है। दो प्रसिद्ध कलाकारों के साथ अध्ययन करते हुए, गेरिकौल्ट चित्रकला में अपनी परंपराओं के उत्तराधिकारी नहीं बने। उनके वास्तविक शिक्षकों, सबसे अधिक संभावना है, जेए ग्रोस और जेएल डेविड पर विचार किया जाना चाहिए।

गेरिकॉल्ट के शुरुआती कार्यों को इस तथ्य से प्रतिष्ठित किया जाता है कि वे यथासंभव जीवन के करीब हैं। ऐसी तस्वीरें असामान्य रूप से अभिव्यंजक और दयनीय हैं। वे अपने आसपास की दुनिया का आकलन करते समय लेखक के उत्साहपूर्ण मूड को दर्शाते हैं। एक उदाहरण 1812 में बनाई गई "हमले के दौरान इंपीरियल हॉर्स रेंजर्स के अधिकारी" नामक पेंटिंग है। इस कैनवास को पहली बार पेरिस सैलून के आगंतुकों द्वारा देखा गया था। उन्होंने युवा कलाकार की प्रतिभा की सराहना करते हुए प्रशंसा के साथ युवा कलाकार के काम को स्वीकार किया।

यह काम फ्रांसीसी इतिहास की उस अवधि के दौरान बनाया गया था जब नेपोलियन अपनी प्रसिद्धि के चरम पर था। उनके समकालीनों ने उन्हें महान सम्राट बनाया, जो यूरोप के अधिकांश हिस्सों को जीतने में कामयाब रहे। यह इस मूड के साथ था, नेपोलियन की सेना की जीत की छाप के तहत कि चित्र चित्रित किया गया था। कैनवास पर हमला करने के लिए घोड़े पर एक सैनिक सरपट दौड़ता है। उनका चेहरा मृत्यु के चेहरे पर दृढ़ संकल्प, साहस और निडरता व्यक्त करता है। पूरी रचना
अत्यंत गतिशील और भावुक। दर्शक को यह एहसास होता है कि वह खुद कैनवास पर दिखाई गई घटनाओं में एक वास्तविक भागीदार है।

एक बहादुर सैनिक का आंकड़ा एक बार से अधिक बार जेरिकाउल के काम में दिखाई देगा। इस तरह की छवियों के बीच, 1857-1814 में बनाई गई "अटैक से पहले क्यूबासिएर का अधिकारी", "कैराबीनियर का अफसर", "कारबिनिएरी का पोर्ट्रेट", "1837-1814 में निर्मित" घायल क्यूरीसेयर ", चित्रों के नायक विशेष रुचि रखते हैं। अंतिम कार्य इस मायने में उल्लेखनीय है कि इसे उसी वर्ष सैलून में आयोजित अगली प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया था। हालांकि, यह रचना का मुख्य लाभ नहीं है। इससे भी महत्वपूर्ण बात यह है कि इसने कलाकार की रचनात्मक शैली में आए बदलावों को दिखाया। यदि उनके पहले कैनवस में ईमानदार देशभक्ति की भावनाएं परिलक्षित होती थीं, तो 1814 में वापस काम करने पर, नायकों के चित्रण में पाथोस को नाटक द्वारा बदल दिया जाता है।

कलाकार के मूड में एक समान परिवर्तन उस समय फ्रांस में होने वाली घटनाओं के साथ फिर से जुड़ा था। 1812 में, नेपोलियन को रूस में पराजित किया गया था, जिसके संबंध में वह एक बार एक शानदार नायक था, अपने समकालीनों के बीच एक अशुभ सैन्य नेता और एक अभिमानी अभिमानी व्यक्ति की महिमा हासिल करता है। आदर्श रूप से, गेरिकौल्ट "द वाउंडेड क्यूरासियर" पेंटिंग में निराशा का प्रतीक है। कैनवास में एक घायल योद्धा को दिखाया गया है जो युद्ध के मैदान को जल्द से जल्द छोड़ने की कोशिश कर रहा है। वह कृपाण पर झुक रहा है - एक हथियार, जो, शायद कुछ ही मिनट पहले, उसने आयोजित किया, इसे उच्च स्तर पर पकड़ लिया।

यह नेपोलियन की नीतियों से गेरिकॉल्ट का असंतोष था जिसने लुइस XVIII की सेवा में अपनी प्रविष्टि दर्ज की, जिसने 1814 में फ्रांसीसी सिंहासन ले लिया। नेपोलियन (सौ दिन की अवधि) के बाद फ्रांस में सत्ता की दूसरी जब्ती के बाद, युवा कलाकार ने उसे छोड़ दिया। देशी देश एक साथ निराशावादी भावनाओं के साथ। लेकिन यहाँ भी, वह निराश था। युवा शांति से नहीं देख सकता था क्योंकि राजा ने नेपोलियन के शासनकाल के दौरान प्राप्त की गई सभी चीजों को नष्ट कर दिया था। इसके अलावा, लुई XVIII के तहत, सामंती-कैथोलिक प्रतिक्रिया में वृद्धि हुई थी, देश अधिक से अधिक तेजी से वापस लुढ़क रहा था, पुराने राज्य ढांचे में लौट रहा था। एक युवा, प्रगतिशील दिमाग वाला व्यक्ति इसे स्वीकार नहीं कर सकता था। बहुत जल्द, युवक ने आदर्शों में विश्वास खो दिया है, लुई XVIII की अगुवाई में सेना छोड़ देता है, और फिर से ब्रश और पेंट्स लेता है। इन वर्षों को कलाकार के काम में उज्ज्वल और कुछ भी उल्लेखनीय नहीं कहा जा सकता है।

1816 में जेरिकॉल्ट इटली की यात्रा पर गए। रोम और फ्लोरेंस का दौरा किया और प्रसिद्ध स्वामी की उत्कृष्ट कृतियों का अध्ययन किया, कलाकार स्मारक पेंटिंग के शौकीन हैं। माइकल एंजेलो के भित्ति चित्र जो सिस्टिन चैपल को विशेष रूप से पसंद हैं। इस समय, जेरिकॉल्ट ने ऐसे काम किए, जो उनके पैमाने और महिमा में, कई मामलों में उच्च पुनर्जागरण के चित्रकारों के कैनवस से मिलते जुलते हैं। उनमें से, सबसे दिलचस्प हैं "एक अपहरण एक अप्सरा एक सेंटूर द्वारा" और "द मैन हू प्ले द बुल।"

पुराने आचार्यों के तरीके की वही विशेषताएं "द रन ऑफ फ्री हॉर्स इन रोम" पेंटिंग में भी दिखाई देती हैं, जो 1817 के आसपास लिखी गई थीं और रोम में आयोजित एक कार्निवल में घुड़सवारों की प्रतियोगिता का प्रतिनिधित्व करती थीं। इस रचना की एक विशेषता यह है कि इसे कलाकार द्वारा पूर्व-निर्मित पूर्ण-पैमाने के चित्र से संकलित किया गया था। इसके अलावा, रेखाचित्रों की प्रकृति पूरे कार्य की शैली से अलग-अलग है। यदि पूर्व में रोम के लोगों के जीवन का वर्णन करने वाले दृश्य हैं - कलाकार के समकालीन, तो सामान्य रचना में साहसी प्राचीन नायकों की छवियां शामिल हैं, जैसे कि वे प्राचीन आख्यानों से निकले हैं। इसमें गेरिकॉल्ट जेएल डेविड के मार्ग का अनुसरण करता है, जिसने छवि को वीर मार्ग प्रदान करने के लिए अपने नायकों को प्राचीन रूपों में कपड़े पहनाए।

इस चित्र को लिखने के तुरंत बाद, गेरिकॉल्ट फ्रांस लौट आया, जहां वह चित्रकार होरेना वर्नेट के चारों ओर बने विपक्षी चक्र का सदस्य बन गया। पेरिस पहुंचने पर, कलाकार को ग्राफिक्स में विशेष रूप से दिलचस्पी थी। 1818 में उन्होंने एक सैन्य विषय पर कई लिथोग्राफ बनाए, जिनमें से सबसे महत्वपूर्ण था रूस से रिटर्न। लिथोग्राफ में फ्रांसीसी सेना के पराजित सैनिकों को बर्फ से ढके मैदान में घूमते हुए दिखाया गया है। युद्ध द्वारा उत्परिवर्तित और प्रताड़ित लोगों के आंकड़ों को जीवन-रूपी और सत्य तरीके से चित्रित किया गया है। रचना में पैथेटिक्स और वीर पाथोस का अभाव है, जो गेरिकॉल्ट के शुरुआती कार्यों के लिए विशिष्ट था। कलाकार वास्तविक स्थिति को प्रतिबिंबित करना चाहता है, जो सभी आपदाओं को अपने कमांडर द्वारा छोड़ दिया गया फ्रांसीसी सैनिकों को एक विदेशी भूमि में सहना पड़ा।

काम में "रूस से वापसी", पहली बार, मौत के साथ आदमी के संघर्ष का विषय लग रहा था। हालाँकि, यहाँ यह उद्देश्य अभी तक स्पष्ट रूप से व्यक्त नहीं किया गया है, क्योंकि जेरिकाल्त के बाद के कार्यों में। इस तरह के कैनवस का एक उदाहरण "द रफ ऑफ द मेडुसा" नामक पेंटिंग हो सकता है। यह 1819 में लिखा गया था और उसी वर्ष पेरिस सैलून में प्रदर्शित किया गया था। कैनवास में उग्र जल तत्व से लड़ने वाले लोगों को दर्शाया गया है। कलाकार न केवल अपनी पीड़ा और पीड़ा को दर्शाता है, बल्कि हर तरह से मृत्यु के खिलाफ लड़ाई में विजयी होने की इच्छा भी रखता है।

रचना की साजिश 1816 की गर्मियों में हुई एक घटना से तय होती है और पूरे फ्रांस को उत्साहित करती है। तत्कालीन प्रसिद्ध फ्रिगेट "मेडुसा" ने भित्तियों में उड़ान भरी और अफ्रीका के तट पर डूब गया। जहाज पर मौजूद 149 लोगों में से केवल 15 ही बच पाए थे, जिनमें से सर्जन सवगेन और इंजीनियर कॉरसियर थे। अपनी मातृभूमि पर पहुंचने पर, उन्होंने अपने साहसिक कारनामों और उनके सुखद उद्धार के बारे में बताते हुए एक छोटी सी पुस्तक प्रकाशित की। यह इन यादों से था कि फ्रांसीसी को पता चला कि दुर्भाग्य जहाज के एक अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण हुआ था, जो एक महान दोस्त के संरक्षण के लिए धन्यवाद के लिए बोर्ड पर आया था।

जेरिकॉल्ट द्वारा बनाई गई छवियां असामान्य रूप से गतिशील, लचीली और अभिव्यंजक हैं, जो कलाकार द्वारा लंबे और श्रमसाध्य कार्य के माध्यम से प्राप्त की जाती हैं। कैनवस पर भयानक घटनाओं को सच्चाई से चित्रित करने के लिए, समुद्र में मरने वाले लोगों की भावनाओं को व्यक्त करने के लिए, कलाकार त्रासदी के चश्मदीदों से मिलते हैं, लंबे समय तक पेरिस में एक अस्पताल में इलाज किए जा रहे क्षीण रोगियों के चेहरे का अध्ययन करते हैं, साथ ही नाविक जो जहाज से भागने में सफल रहे। इस समय, चित्रकार ने बड़ी संख्या में चित्र बनाए।

उग्र समुद्र भी गहरे अर्थों से भरा है, जैसे कि लोगों के साथ लकड़ी के नाजुक टुकड़े को निगलने की कोशिश कर रहा हो। यह छवि अत्यंत अभिव्यंजक और गतिशील है। वह, लोगों के आंकड़ों की तरह, जीवन से दूर लिखा गया था: कलाकार ने एक तूफान के दौरान समुद्र को दर्शाते हुए कई रेखाचित्र बनाए। स्मारकीय रचना पर काम करते हुए, जेरिकॉल्ट एक बार पहले से तैयार किए गए रेखाचित्रों की ओर मुड़ गए, ताकि तत्वों की प्रकृति को पूरी तरह से प्रतिबिंबित किया जा सके। यही कारण है कि चित्र दर्शक पर एक बड़ी छाप बनाता है, जो कुछ भी हो रहा है उसकी यथार्थता और सत्यता के बारे में आश्वस्त करता है।

मेडुसा का बेड़ा गेरिकॉल्ट को रचना के एक उल्लेखनीय मास्टर के रूप में प्रस्तुत करता है। एक लंबे समय के लिए, कलाकार ने विचार किया कि लेखक के इरादे को पूरी तरह से व्यक्त करने के लिए चित्र में आंकड़े कैसे व्यवस्थित करें। काम के दौरान, कई बदलाव किए गए। चित्र से पहले के रेखाचित्रों से पता चलता है कि शुरू में जेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को चित्रित करना चाहते थे, लेकिन बाद में इस घटना की ऐसी व्याख्या से इनकार कर दिया। अंतिम संस्करण में, कैनवास उस क्षण का प्रतिनिधित्व करता है जब पहले से ही हताश लोग क्षितिज पर जहाज "आर्गस" को देखते हैं और अपने हाथों को इसे बाहर खींचते हैं। चित्र के अंतिम जोड़ में कैनवास के दाईं ओर नीचे एक मानव आकृति थी। यह वह थी जो रचना का अंतिम स्पर्श थी, जिसके बाद उसने एक गहरा दुखद चरित्र हासिल किया। यह उल्लेखनीय है कि यह बदलाव तब किया गया था जब पेंटिंग सैलून में पहले से ही प्रदर्शित थी।

अपनी स्मारकीयता और उंची भावुकता के साथ, जेरिकॉल्ट की पेंटिंग कई मायनों में उच्च पुनर्जागरण के स्वामी (ज्यादातर माइकल एंजेलो के अंतिम निर्णय) के निर्माण की याद दिलाती है, जिसे कलाकार इटली की अपनी यात्रा के दौरान मिले थे।

फ्रांसीसी पेंटिंग की उत्कृष्ट कृति बन चुकी पेंटिंग "द रफ ऑफ मेडुसा" विपक्षी हलकों में एक बड़ी सफलता थी, जिसने इसे क्रांतिकारी आदर्शों का प्रतिबिंब देखा। उन्हीं कारणों से, फ्रांस के ललित कला के सर्वोच्च कुलीनता और आधिकारिक प्रतिनिधियों के बीच काम को स्वीकार नहीं किया गया था। इसीलिए उस समय लेखक द्वारा राज्य से कैनवास नहीं खरीदा गया था।

अपनी मातृभूमि में अपनी रचना को दिए गए स्वागत से निराश होकर गेरिकौल्ट इंग्लैंड चले गए, जहाँ उन्होंने अंग्रेजों के दरबार में अपना पसंदीदा काम प्रस्तुत किया। लंदन में, कला के पारखी बड़े उत्साह के साथ प्रसिद्ध कैनवस ले गए।

गेरिकॉल्ट अंग्रेजी कलाकारों के करीब हो जाता है, जो ईमानदारी और सच्चाई से उनकी वास्तविकता को चित्रित करने की क्षमता के साथ उन्हें जीतते हैं। गेरिकॉल्ट इंग्लैंड की राजधानी के जीवन और रोजमर्रा की जिंदगी के लिए लिथोग्राफ का एक चक्र समर्पित करते हैं, जिनमें से सबसे दिलचस्प काम हैं जिन्हें "ग्रेट इंग्लिश सुइट" (1821) और "द ओल्ड बेगर डाइंग ऑफ़ द बेकरी के नाम से प्राप्त हुआ।" ”(१ 18२१)। उत्तरार्ध में, कलाकार ने एक लंदन ट्रम्प को चित्रित किया, जिसकी छवि में चित्रकार द्वारा प्राप्त छापों को शहर के श्रमिक वर्ग के पड़ोस में लोगों के जीवन का अध्ययन करने की प्रक्रिया में परिलक्षित किया गया था।

इस चक्र में "द ब्लैकस्मिथ ऑफ फ्लैंडर्स" और "एट द गेट्स ऑफ द एडेलफिन शिपयार्ड" जैसे चित्र भी शामिल हैं, जो दर्शकों को लंदन में आम लोगों के जीवन की तस्वीर पेश करते हैं। इन कार्यों में दिलचस्प घोड़े की तस्वीरें हैं, भारी और अधिक वजन। वे स्पष्ट रूप से उन सुंदर और सुशोभित जानवरों से अलग हैं जो अन्य कलाकारों द्वारा चित्रित किए गए थे - जेरिकॉल्ट के समकालीन।

इंग्लैंड की राजधानी में रहते हुए, जेरिकॉल्ट न केवल लिथोग्राफ, बल्कि चित्रों के निर्माण में लगे हुए हैं। इस अवधि के सबसे हड़ताली कार्यों में से एक 1821 में बनाया गया कैनवास "रेस इन एप्सोम" था। पेंटिंग में, कलाकार पूरी गति से दौड़ते हुए घोड़ों को दर्शाते हैं, और उनके पैर जमीन को बिल्कुल नहीं छूते हैं। मास्टर इस चालाक तकनीक का उपयोग करता है (फोटो ने साबित कर दिया है कि दौड़ते समय घोड़ों को अपने पैरों की ऐसी स्थिति नहीं हो सकती है, यह संरचना की गतिशीलता को देने के लिए है, ताकि घोड़ों की बिजली की गति को तेज किया जा सके) दर्शक। यह सनसनी मानव आकृतियों के प्लास्टिसिटी (मुद्रा, इशारों) के सटीक प्रजनन के साथ-साथ उज्ज्वल और समृद्ध रंग संयोजनों (लाल, बे, सफेद घोड़ों; गहरे नीले, गहरे लाल, सफेद-नीले और सुनहरे) के उपयोग से बढ़ाया जाता है; -जॉकी के जैकेट्स) ...

हॉर्स रेसिंग का विषय, जिसने लंबे समय से अपनी विशेष अभिव्यक्ति के साथ चित्रकार का ध्यान आकर्षित किया है, एप्सम में हॉर्स रेसिंग पर काम पूरा होने के बाद जेरिकॉल्ट द्वारा बनाए गए कार्यों में एक से अधिक बार दोहराया गया था।

1822 तक, कलाकार इंग्लैंड छोड़कर अपने मूल फ्रांस लौट गया। यहाँ वह पुनर्जागरण के आचार्यों के कार्यों के समान, बड़े कैनवस के निर्माण में लगा हुआ है। उनमें से "व्यापार में अश्वेतों" हैं, "स्पेन में पूछताछ के जेल के दरवाजे खोलना।" ये पेंटिंग अधूरी रह गईं - मौत ने जेरिकॉल्ट को काम पूरा करने से रोक दिया।

विशेष रुचि के चित्र हैं, जिनमें से निर्माण 1822 से 1823 तक की अवधि के लिए कला विद्वानों द्वारा श्रेय दिया जाता है। उनके लेखन का इतिहास विशेष ध्यान देने योग्य है। तथ्य यह है कि इन चित्रों को कलाकार के एक दोस्त द्वारा कमीशन किया गया था, जो पेरिस में एक क्लिनिक में मनोचिकित्सक के रूप में काम करता था। वे एक व्यक्ति के विभिन्न मानसिक रोगों का प्रदर्शन करने वाले एक प्रकार के चित्र बनने वाले थे। इस तरह से "क्रेजी बूढ़ी औरत", "क्रेजी", "क्रेजी, खुद को एक कमांडर की कल्पना करते हुए" चित्रित किया गया। चित्रकला के मास्टर के लिए, बीमारी के बाहरी लक्षणों और लक्षणों को दिखाने के लिए इतना नहीं था, बल्कि एक बीमार व्यक्ति की आंतरिक, मानसिक स्थिति को व्यक्त करना महत्वपूर्ण था। कैनवस पर, लोगों के दुखद चित्र दर्शक के सामने आते हैं, जिनकी आँखें दर्द और दुःख से भरी होती हैं।

गेरिकौल्ट के चित्रों में, एक विशेष स्थान पर एक नीग्रो के चित्र का कब्जा है, जो वर्तमान में रॉयन संग्रहालय के संग्रह में है। एक निर्णायक और मजबूत इरादों वाला व्यक्ति कैनवस के दर्शक को देखता है, जो उसे शत्रुतापूर्ण ताकतों से लड़ने के लिए तैयार है। छवि असामान्य रूप से उज्ज्वल, भावनात्मक और अभिव्यंजक है। इस तस्वीर में व्यक्ति उन मजबूत इरादों वाले नायकों से काफी मिलता-जुलता है, जो पहले बड़ी रचनाओं (उदाहरण के लिए "द रफ ऑफ मेडुसा") में गेरिकौल द्वारा दिखाए गए थे।

गेरिकुल्ट न केवल चित्रकला का मास्टर था, बल्कि एक उत्कृष्ट मूर्तिकार भी था। 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में इस कला के रूप में उनकी रचनाएँ रोमांटिक मूर्तियों का पहला उदाहरण थीं। विशेष रुचि के ऐसे कार्यों में असामान्य रूप से अभिव्यंजक रचना "निम्फ और व्यंग्य" है। गति में जमे हुए चित्र मानव शरीर की प्लास्टिकता को सटीक रूप से व्यक्त करते हैं।

1824 में पेरिस में थिओडोर गेरिकौल की दुखद मृत्यु हो गई, एक घोड़े से गिरते समय दुर्घटनाग्रस्त हो गया। उनकी प्रारंभिक मृत्यु प्रसिद्ध कलाकार के सभी समकालीनों के लिए एक आश्चर्य की बात थी।

जेरिकॉल्ट के काम ने न केवल फ्रांस में, बल्कि विश्व कला में भी पेंटिंग के विकास में एक नया चरण चिह्नित किया - रोमांटिकता की अवधि। अपने कामों में, मास्टर क्लासिकिस्ट परंपराओं के प्रभाव को खत्म कर देता है। उनके काम असामान्य रूप से रंगीन हैं और प्राकृतिक दुनिया की सभी विविधता को दर्शाते हैं। रचना में मानव आकृतियों को पेश करने से, कलाकार किसी व्यक्ति के आंतरिक अनुभवों और भावनाओं को यथासंभव पूरी तरह से प्रकट करने का प्रयास करता है।

जेरिकॉल्ट की मृत्यु के बाद, उनकी रोमांटिक कला की परंपराओं को कलाकार के छोटे समकालीन ई। डेलैक्रिक्स द्वारा लिया गया था।

यूजीन डेलाक्रोइक्स

फर्डिनेंड विक्टर यूजीन डेलाक्रोइक्स, प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार और ग्राफिक कलाकार, रोमांटिकतावाद की परंपराओं के उत्तराधिकारी, जो गेरिकौल्ट के काम में विकसित हुए थे, 1798 में पैदा हुए थे। शाही गीत पर अपनी शिक्षा पूरी किए बिना, 1815 में डेलाक्रोइक्स के अध्ययन में प्रवेश किया। प्रसिद्ध मास्टर गुएरिन। हालांकि, युवा चित्रकार के कलात्मक तरीके शिक्षक की आवश्यकताओं को पूरा नहीं करते हैं, इसलिए, सात साल बाद, युवा उसे छोड़ देता है।

गुएरिन के साथ अध्ययन करते समय, डेलाक्रोइक्स ने डेविड के काम और पुनर्जागरण की पेंटिंग के स्वामी के अध्ययन के लिए बहुत समय दिया। प्राचीनता की संस्कृति, जिन परंपराओं का डेविड ने भी पालन किया, वह विश्व कला के विकास के लिए मौलिक मानते हैं। इसलिए, डेलाक्रोइक्स के लिए सौंदर्य के आदर्श प्राचीन ग्रीस के कवियों और विचारकों के काम थे, उनमें से कलाकार ने विशेष रूप से होमर, होरेस और मार्कस ऑरिलियस के कार्यों की बहुत सराहना की।

डेलाक्रोइक्स के पहले काम अधूरे कैनवस थे, जहां युवा चित्रकार ने तुर्कों के साथ यूनानियों के संघर्ष को प्रतिबिंबित करने की मांग की थी। हालांकि, कलाकार को एक अभिव्यंजक पेंटिंग बनाने के लिए कौशल और अनुभव की कमी थी।

1822 में डेलाक्रोइक्स ने पेरिस सैलून में डांटे और वर्जिल नामक अपने काम का प्रदर्शन किया। असामान्य रूप से भावनात्मक और रंग में चमकदार यह कैनवस, कई मायनों में गेरिकुल्ट "द रफ ऑफ मेडुसा" के काम से मिलता जुलता है।

दो साल बाद, डेलाक्रोइक्स द्वारा एक और पेंटिंग - "द नरसंहार ऑन चियोस" सैलून के दर्शकों के लिए प्रस्तुत की गई थी। इसमें यह था कि तुर्क के साथ यूनानियों के संघर्ष को दिखाने के लिए कलाकार की दीर्घकालिक योजना को मूर्त रूप दिया गया था। चित्र की समग्र रचना में कई भाग होते हैं, जो अलग-अलग रखे गए लोगों के समूह बनाते हैं, जिनमें से प्रत्येक का अपना नाटकीय संघर्ष होता है। सामान्य तौर पर, काम एक गहरी त्रासदी का आभास देता है। तनाव और गतिशीलता की भावना को पात्रों के आंकड़े बनाने वाली चिकनी और तेज रेखाओं के संयोजन से बढ़ाया जाता है, जिससे कलाकार द्वारा दर्शाए गए व्यक्ति के अनुपात में बदलाव होता है। हालांकि, यह इस बात के लिए धन्यवाद है कि तस्वीर एक यथार्थवादी चरित्र और महत्वपूर्ण समझ हासिल करती है।

Delacroix की रचनात्मक विधि, जिसे पूरी तरह से "नरसंहार पर Chios" में व्यक्त किया गया है, क्लासिक शैली से दूर है और फिर फ्रांस के आधिकारिक हलकों और ललित कला के प्रतिनिधियों के बीच अपनाया गया है। इसलिए, युवा कलाकार की तस्वीर सैलून में कठोर आलोचना के साथ मिली।

असफलता के बावजूद, चित्रकार अपने आदर्श के प्रति सही रहता है। 1827 में, स्वतंत्रता के लिए ग्रीक लोगों के संघर्ष के विषय पर एक और काम दिखाई दिया - "मिसोली के खंडहरों पर ग्रीस।" कैनवास पर खींची गई एक दृढ़ और गौरवशाली ग्रीक महिला का आंकड़ा, यहां बिना पड़ी ग्रीस को दर्शाता है।

1827 में, डेलैक्रिक्स ने दो काम पूरे किए जो कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों और तरीकों के क्षेत्र में मास्टर की रचनात्मक खोजों को दर्शाते हैं। ये पेंटिंग हैं "डेथ ऑफ सरदानापालस" और "मेरिनो फालिएरो"। उनमें से पहले में, मानव आकृतियों के आंदोलन में स्थिति की त्रासदी से अवगत कराया जाता है। केवल सारदानापालस की छवि ही स्थिर और शांत है। "मैरिनो फालिएरो" रचना में केवल मुख्य चरित्र का आंकड़ा गतिशील है। बाकी नायकों को लग रहा था कि जो होना चाहिए, उसके बारे में सोचकर ही वे बुरी तरह से डर गए थे।

20 के दशक में। XIX सदी। डेलाक्रोइक्स ने कई काम किए, जिनमें से भूखंड प्रसिद्ध साहित्यिक कार्यों से लिए गए हैं। 1825 में, कलाकार विलियम शेक्सपियर की मातृभूमि इंग्लैंड गए। उसी वर्ष, इस यात्रा की छाप और प्रसिद्ध नाटककार डेलाक्रोइक्स की त्रासदी के तहत, लिथोग्राफ "मैकबेथ" बनाया गया था। 1827 से 1828 की अवधि में उन्होंने गोथे द्वारा उसी नाम के काम को समर्पित लिथोग्राफ "फॉस्ट" बनाया।

1830 में फ्रांस में हुई घटनाओं के संबंध में, डेलैक्रिक्स ने पेंटिंग "लिबर्टी लीडिंग द पीपल" का प्रदर्शन किया। क्रांतिकारी फ्रांस में एक युवा, मजबूत महिला, दबंग, निर्णायक और स्वतंत्र की छवि प्रस्तुत की जाती है, जो साहसपूर्वक भीड़ का नेतृत्व करती है, जिसमें एक कार्यकर्ता, एक छात्र, एक घायल सैनिक, एक पेरिस गामिनी के आंकड़े (एक छवि जो प्रत्याशित है) गैवरोच, जो बाद में वी। ह्यूगो द्वारा लेस मिजरेबल्स में दिखाई दिए)।

यह काम अन्य कलाकारों के समान कार्यों से स्पष्ट रूप से अलग था, जो केवल इस या उस घटना के सत्य प्रसारण में रुचि रखते थे। Delacroix द्वारा निर्मित कैनवस को उच्च वीर पाथोस की विशेषता थी। चित्र यहाँ फ्रांसीसी लोगों की स्वतंत्रता और स्वतंत्रता के सामान्यीकृत प्रतीक हैं।

लुई फिलिप के सत्ता में आने के साथ - बुर्जुआ राजा - वीरता और डेलैक्रिक्स द्वारा प्रचारित उदात्त भावनाओं का, आधुनिक जीवन में कोई स्थान नहीं था। 1831 में कलाकार ने अफ्रीकी देशों की यात्रा की। उन्होंने टंगियर, मेकनेस, ओरान और अल्जीरिया का दौरा किया। उसी समय, डेलैक्रिक्स स्पेन का दौरा करता है। पूरब का जीवन वस्तुतः कलाकार को उसके तेज प्रवाह से मोहित करता है। वह स्केच, चित्र और कई जल रंग बनाता है।

मोरक्को का दौरा करने के बाद, डेलैक्रिक्स पूर्व में समर्पित कैनवस लिखता है। जिन चित्रों में कलाकार दौड़ या मूरिश घुड़सवारों की लड़ाई को दिखाता है वे असामान्य रूप से गतिशील और अभिव्यंजक हैं। उनकी तुलना में, 1834 में बनाई गई रचना "अल्जीरियन वीमेन इन देयर चैंबर्स" शांत और स्थिर लगती है। इसमें कलाकार के पहले के कामों की गतिहीनता और तनाव की विशेषता का अभाव है। Delacroix यहाँ रंग के एक मास्टर के रूप में दिखाई देता है। चित्रकार द्वारा अपनी संपूर्णता में प्रयुक्त रंग योजना पैलेट की उज्ज्वल विविधता को दर्शाती है, जिसे दर्शक पूर्व के रंगों के साथ जोड़ता है।

उसी इत्मीनान और नियमितता की विशेषता है "मोरक्को में यहूदी विवाह", जो 1841 के आसपास चित्रित की गई थी। रहस्यमयी प्राच्य वातावरण यहाँ बनाया गया है, जो कि राष्ट्रीय इंटीरियर की मौलिकता के कलाकार के सटीक प्रतिपादन के कारण है। रचना आश्चर्यजनक रूप से गतिशील लगती है: चित्रकार दिखाता है कि कैसे लोग सीढ़ियों से ऊपर जाते हैं और कमरे में प्रवेश करते हैं। कमरे में प्रवेश करने वाला प्रकाश छवि को यथार्थवादी और आश्वस्त बनाता है।

ओरिएंटल मकसद अभी भी लंबे समय तक डेलाक्रोइक्स के कार्यों में मौजूद थे। इस प्रकार, 1847 में सैलून में आयोजित प्रदर्शनी में, उनके द्वारा प्रस्तुत छह कार्यों में से, पांच पूर्व के जीवन और जीवन के लिए समर्पित थे।

30-40 के दशक में। 19 वीं शताब्दी में, Delacroix के काम में नए विषय दिखाई देते हैं। इस समय, मास्टर ऐतिहासिक विषयों के कार्यों का निर्माण करता है। उनमें से, कैनवस "मिराब्यू के विरोध में राज्यों के विघटन के खिलाफ सामान्य" और "बोइस्सी डीएंगला" विशेष ध्यान देने योग्य हैं। बाद के स्केच, सैलून में 1831 में दिखाए गए, लोकप्रिय विद्रोह के विषय पर रचनाओं का एक ज्वलंत उदाहरण है।

पेंटिंग्स "बैटल ऑफ़ पोइटियर्स" (1830) और "बैटल ऑफ़ तैबुर" (1837) लोगों के चित्रण के लिए समर्पित हैं। लड़ाई की गतिकी, लोगों के आंदोलन, उनके क्रोध, क्रोध और पीड़ा को सभी यथार्थवाद के साथ यहां दिखाया गया है। कलाकार किसी भी कीमत पर जीतने की इच्छा के साथ जब्त किए गए व्यक्ति की भावनाओं और जुनून को व्यक्त करना चाहता है। यह लोगों के आंकड़े हैं जो घटना की नाटकीय प्रकृति को व्यक्त करने में मुख्य हैं।

बहुत बार डेलाक्रोइक्स के कार्यों में, विजेता और पराजित एक-दूसरे के विरोधी हैं। यह 1840 में चित्रित कैनवस पर "क्रुसिटर्स द्वारा कॉन्स्टेंटिनोपल का कब्जा" पर विशेष रूप से स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है। अग्रभूमि में दु: ख के साथ जब्त किए गए लोगों का एक समूह है। उनके पीछे एक रमणीय, मनमोहक परिदृश्य है। विजयी घुड़सवारों की आकृतियाँ भी हैं, जिनके दुर्जेय सिल्हूट, अग्रभूमि में शोकाकुल आकृतियों के विपरीत हैं।

"द कॉन्स्टेंटिनोपल ऑफ द क्रूसेडर्स" एक उल्लेखनीय रंगकर्मी के रूप में डेलाक्रिक्स प्रस्तुत करता है। उज्ज्वल और समृद्ध रंग, हालांकि, दुखद शुरुआत को सुदृढ़ नहीं करते हैं, जो दर्शक के करीब स्थित शोकाकुल आंकड़ों द्वारा व्यक्त किया जाता है। इसके विपरीत, अमीर पैलेट विजेताओं के सम्मान में आयोजित उत्सव की भावना पैदा करता है।

कोई भी कम रंगीन, "ट्रजन का न्याय" नामक रचना नहीं है, जिसे 1840 में बनाया गया था। कलाकार के समकालीनों ने इस चित्र को सभी चित्रकारों के कैनवस में से एक के रूप में पहचाना। विशेष रुचि का तथ्य यह है कि अपने काम के दौरान मास्टर रंग के क्षेत्र में प्रयोग करते हैं। यहां तक \u200b\u200bकि परछाईं भी उससे कई तरह के शेड लेती हैं। रचना के सभी रंग प्रकृति से बिल्कुल मेल खाते हैं। प्रकृति में रंगों में परिवर्तन के चित्रकार द्वारा लंबे समय तक टिप्पणियों से पहले काम किया गया था। कलाकार ने उन्हें अपनी डायरी में दर्ज किया। फिर, अभिलेखों के अनुसार, वैज्ञानिकों ने पुष्टि की कि टोनाटिक्स के क्षेत्र में डेलैक्रिक्स द्वारा की गई खोज पूरी तरह से रंग के सिद्धांत के अनुरूप थी जो उस समय पैदा हुई थी, जिसके संस्थापक ई। चेवरेलुइल हैं। इसके अलावा, कलाकार विनीशियन स्कूल द्वारा इस्तेमाल किए गए पैलेट के साथ अपनी खोजों की तुलना करते हैं, जो उनके लिए सचित्र कौशल का एक उदाहरण था।

डेलाक्रॉइक्स की पेंटिंग्स के बीच पोर्ट्रेट्स का एक विशेष स्थान है। मास्टर शायद ही कभी इस शैली में बदल गया। उन्होंने केवल उन लोगों को चित्रित किया जिन्हें वे लंबे समय से जानते थे, जिनका आध्यात्मिक विकास कलाकार के सामने हुआ था। इसलिए, चित्रों में चित्र बहुत अभिव्यंजक और गहरे हैं। ये चोपिन और जॉर्जेस सैंड के चित्र हैं। प्रसिद्ध लेखक (1834) को समर्पित कैनवास में एक महान और मजबूत इरादों वाली महिला को दर्शाया गया है जो अपने समकालीनों को प्रसन्न करती है। 1838 में चार साल बाद लिखा गया चोपिन का चित्र महान संगीतकार की काव्यात्मक और आध्यात्मिक छवि का प्रतिनिधित्व करता है।

1831 के आसपास डेलाक्रोइक्स द्वारा लिखित प्रसिद्ध वायलिन वादक और संगीतकार पागनिनी का एक दिलचस्प और असामान्य रूप से अभिव्यक्त चित्र। पेंटागन की संगीत शैली चित्रकार की पेंटिंग की विधि के समान कई मायनों में थी। पैगनिनी का काम उसी अभिव्यक्ति और गहन भावुकता की विशेषता है जो चित्रकार के कार्यों की विशेषता थी।

Delacroix के काम में एक छोटी सी जगह पर परिदृश्य दिखाई देते हैं। हालाँकि, वे 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांसीसी चित्रकला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण थे। Delacroix के परिदृश्य प्रकृति के प्रकाश और मायावी जीवन को सही ढंग से व्यक्त करने की इच्छा से चिह्नित हैं। इसके ज्वलंत उदाहरण "आकाश" हैं, जहां गतिकी की भावना आकाश में तैरते बर्फ के सफेद बादलों के लिए बनाई गई है, और "डीप के किनारे से देखा जाने वाला समुद्र" (1854), जिसमें चित्रकार गुरु का सजीव चित्रण करते हैं। समुद्र की सतह पर हल्के नौकायन जहाजों की ग्लाइडिंग।

1833 में, कलाकार को फ्रांसीसी राजा से बोरबॉन पैलेस में एक हॉल पेंट करने का आदेश मिला। स्मारक का निर्माण कार्य चार साल तक चला। आदेश को पूरा करते समय, चित्रकार को इस तथ्य से सबसे पहले निर्देशित किया गया था कि चित्र बेहद सरल और स्पष्ट थे, जो देखने वाले के लिए समझ में आता था।
Delacroix का आखिरी काम पेरिस में सेंट-सल्पिस के चर्च में पवित्र एन्जिल्स के चैपल की पेंटिंग थी। यह 1849 से 1861 की अवधि में निष्पादित किया गया था। चमकीले, अमीर रंगों (गुलाबी, चमकीले नीले, बकाइन का उपयोग करके, राख-नीले और पीले-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर रखा गया) का उपयोग करते हुए, कलाकार रचनाओं में एक खुशहाल मूड बनाता है जो दर्शक बनाता है उत्साहपूर्ण उल्लास महसूस करो। एक प्रकार की पृष्ठभूमि के रूप में "द एक्प्लिशन ऑफ़ इलियोडोर द टेंपल" पेंटिंग में शामिल परिदृश्य, रचना और चैपल के अंतरिक्ष को बढ़ाता है। दूसरी ओर, जैसे कि अंतरिक्ष की निकटता पर जोर देने की कोशिश कर रहा है, डेलैक्रिक्स रचना में एक सीढ़ी और एक बस्ट्रेड का परिचय देता है। इसके पीछे लगाए गए लोगों के आंकड़े लगभग सपाट सिल्हूट लगते हैं।

1863 में यूजीन डेलाक्रोइक्स की पेरिस में मृत्यु हो गई।

डेलाक्रिक्स 19 वीं शताब्दी के पहले छमाही के चित्रकारों में सबसे अधिक शिक्षित था। उनके चित्रों के कई विषय कलम के प्रसिद्ध उस्तादों के साहित्यिक कार्यों से लिए गए हैं। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि अक्सर कलाकार एक मॉडल का उपयोग किए बिना अपने पात्रों को चित्रित करते हैं। उन्होंने अपने अनुयायियों को भी यही सिखाने की कोशिश की। Delacroix के अनुसार, पेंटिंग लाइनों की आदिम नकल से कुछ अधिक जटिल है। कलाकार का मानना \u200b\u200bथा कि कला मुख्य रूप से गुरु की मनोदशा और रचनात्मक इरादे को व्यक्त करने की क्षमता में है।

Delacroix रंग, विधि और कलाकार की शैली के मुद्दों पर कई सैद्धांतिक कार्यों के लेखक हैं। ये रचनाएँ, रचनाएँ बनाने के लिए उपयोग किए गए अपने स्वयं के कलात्मक साधनों की खोज में बाद की पीढ़ियों के चित्रकारों के लिए एक बीकन के रूप में काम करती हैं।

स्वच्छंदतावाद।

18 वीं सदी के अंत में यूरोपीय और अमेरिकी संस्कृति में एक वैचारिक और कलात्मक आंदोलन रोमांटिकतावाद (फ्रेंच रोमांसवाद) - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में। शास्त्रीयता के सौंदर्यशास्त्र के तर्कवाद और तंत्र की प्रतिक्रिया और प्रबुद्धता के दर्शन के रूप में जन्मे, जो सामंती समाज के क्रांतिकारी टूटने के युग में स्थापित किया गया था, पूर्व, प्रतीत होता है कि दुनिया के आदेश, रोमांटिकतावाद (दोनों एक विशेष प्रकार के रूप में) विश्वदृष्टि और एक कलात्मक दिशा के रूप में) संस्कृति के इतिहास में सबसे जटिल और आंतरिक रूप से विरोधाभासी घटनाओं में से एक बन गया। प्रबोधन के आदर्शों में निराशा, महान फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों में, आधुनिक वास्तविकता के उपयोगितावाद का खंडन, बुर्जुआ व्यावहारिकता के सिद्धांत, जिसका शिकार मानव व्यक्तित्व था, सामाजिक विकास के लिए संभावनाओं का निराशावादी दृष्टिकोण, "विश्व दुःख" की मानसिकता विश्व व्यवस्था के सामंजस्य की इच्छा के साथ रोमांटिकता में संयुक्त थी, व्यक्ति की आध्यात्मिक अखंडता, "अनंत" की ओर एक गुरुत्वाकर्षण के साथ, नए, पूर्ण और बिना शर्त आदर्शों की खोज के साथ। आदर्शों और दमनकारी वास्तविकता के बीच एक तीखी कलह, कई रोमांटिकों के मन में एक दुःखदायी घातक या द्वेषपूर्ण दुनिया का अहसास पैदा करती है, जो सपने और वास्तविकता के बीच विसंगति का कड़वा मजाक है, साहित्य और कला में "रोमांटिक विडंबना" के सिद्धांत तक बढ़ा है। व्यक्तित्व के बढ़ते स्तर के खिलाफ एक प्रकार की आत्मरक्षा रोमांटिकतावाद में निहित मानव व्यक्तित्व में सबसे गहरी रुचि बन गई, जिसे रोमांस द्वारा व्यक्तिगत बाहरी विशेषता और अद्वितीय आंतरिक सामग्री की एकता के रूप में समझा जाता है। एक व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन, साहित्य और रोमांटिकता की कला की गहराई में एक साथ प्रवेश करते हुए, इस मूल, विशिष्ट, मूल, राष्ट्रों और लोगों के भाग्य के लिए अद्वितीय अनुभूति को ऐतिहासिक वास्तविकता में स्थानांतरित कर दिया। रूमानियत की आंखों के सामने हुई जबरदस्त सामाजिक बदलावों ने इतिहास के प्रगतिशील पाठ्यक्रम को स्पष्ट रूप से दिखाई दिया। उनके सर्वश्रेष्ठ कार्यों में, रोमांटिकतावाद प्रतीकात्मक के निर्माण के लिए बढ़ता है और साथ ही आधुनिक इतिहास से जुड़ी महत्वपूर्ण छवियां। लेकिन पौराणिक कथाओं, प्राचीन और मध्ययुगीन इतिहास से खींची गई अतीत की छवियों को हमारे समय के वास्तविक संघर्षों के प्रतिबिंब के रूप में कई रोमांटिक लोगों द्वारा सन्निहित किया गया था।

स्वच्छंदतावाद पहली कलात्मक दिशा बन गई जिसमें कलात्मक गतिविधि के एक विषय के रूप में रचनात्मक व्यक्तित्व के बारे में जागरूकता स्पष्ट रूप से प्रकट हुई। रोमैंटिक्स ने खुले तौर पर व्यक्तिगत स्वाद, रचनात्मकता की पूर्ण स्वतंत्रता की घोषणा की। रचनात्मक कार्य के लिए खुद को निर्णायक महत्व देते हुए, कलाकार की स्वतंत्रता को वापस लेने वाली बाधाओं को नष्ट करते हुए, उन्होंने साहसपूर्वक उच्च और निम्न, दुखद और हास्य, सामान्य और असामान्य की बराबरी की। स्वच्छंदतावाद ने आध्यात्मिक संस्कृति के सभी क्षेत्रों पर कब्जा कर लिया: साहित्य, संगीत, रंगमंच, दर्शन, सौंदर्यशास्त्र, दर्शनशास्त्र और अन्य मानविकी, प्लास्टिक कला। लेकिन एक ही समय में, वह अब सार्वभौमिक शैली नहीं थी जो कि क्लासिकवाद थी। उत्तरार्द्ध के विपरीत, रोमांटिकतावाद में लगभग इसकी अभिव्यक्ति के राज्य रूप नहीं थे (इसलिए, यह वास्तुकला को महत्वपूर्ण रूप से प्रभावित नहीं करता था, मुख्य रूप से बगीचे और पार्क वास्तुकला को प्रभावित करता था, छोटे रूपों की वास्तुकला और तथाकथित छद्म-गोथिक की दिशा)। सामाजिक कलात्मक आंदोलन के रूप में इतनी शैली नहीं होने के कारण, 19 वीं शताब्दी में रूमानवाद ने कला के आगे विकास का मार्ग प्रशस्त किया, जो व्यापक शैलियों के रूप में नहीं, बल्कि व्यक्तिगत प्रवृत्तियों और प्रवृत्तियों के रूप में हुआ। इसके अलावा, पहली बार रोमांटिकतावाद में, कलात्मक रूपों की भाषा को पूरी तरह से पुनर्विचार नहीं किया गया था: एक निश्चित सीमा तक, शास्त्रीयता की शैलीगत नींव को संरक्षित किया गया है, काफी संशोधित और व्यक्तिगत देशों में पुनर्विचार किया गया है (उदाहरण के लिए, फ्रांस में)। उसी समय, एकल शैली दिशा के ढांचे के भीतर, कलाकार की व्यक्तिगत शैली को विकास की महान स्वतंत्रता प्राप्त हुई।

कई देशों में विकसित, वास्तविक ऐतिहासिक परिस्थितियों और राष्ट्रीय परंपराओं के कारण, हर जगह रोमांटिकतावाद ने एक ज्वलंत राष्ट्रीय पहचान हासिल की। रोमांटिकतावाद के पहले लक्षण लगभग एक साथ विभिन्न देशों में दिखाई दिए। 18 वीं शताब्दी के अंत में - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में। रोमांटिकतावाद के लक्षण पहले से ही अलग-अलग डिग्री में अंतर्निहित हैं: ग्रेट ब्रिटेन में - स्विस आईजी फुसली की पेंटिंग और ग्राफिक कार्य, जिसमें चित्रों की क्लासिक स्पष्टता के माध्यम से अंधेरे, परिष्कृत ग्रोटेक टूट जाते हैं, और कवि और कलाकार की रचनात्मकता डब्ल्यू। ब्लेक ने रहस्यमयी दृष्टि से देखा; स्पेन में - एफ। गोया की देर से काम करता है, अनर्गल कल्पना और दुखद मार्गों से भरा, राष्ट्रीय अपमान के खिलाफ भावुक विरोध; फ्रांस में - क्रांतिकारी वर्षों में बनाए गए जे.एल. डेविड की वीरतापूर्ण उत्साहित पोट्रेट, ए.जे. ग्रो की आरंभिक काल-नाटकीय रचनाएँ और चित्रांकन, स्वप्नदोष से ग्रसित, पी। पी। प्रूडन द्वारा कुछ हद तक अतिरंजित गीतकार, और काम के लिए शैक्षणिक तरीकों के साथ रोमांटिक प्रवृत्तियों के साथ विरोधाभासी रूप से। एफ। जेरार्ड की।

फ्रांस में पुनरुत्थान और जुलाई राजशाही के दौरान रूढ़िवाद का सबसे सुसंगत स्कूल देर से शैक्षणिक क्लासिकवाद के कुत्तेवाद और अमूर्त तर्कवाद के खिलाफ एक जिद्दी संघर्ष में हुआ। उत्पीड़न और प्रतिक्रिया के खिलाफ अपना विरोध व्यक्त करते हुए, प्रत्यक्ष या अप्रत्यक्ष रूप से फ्रांसीसी रोमांटिकतावाद के कई प्रतिनिधि, 19 वीं शताब्दी के पहले छमाही के सामाजिक आंदोलनों से जुड़े। और अक्सर सच्चे क्रांतिकारी भावना की ओर बढ़े, जिसने फ्रांस में रोमांटिकतावाद के प्रभावी, पत्रकारिता स्वरूप को निर्धारित किया। फ्रांसीसी कलाकार सचित्र और अभिव्यंजक अर्थों में सुधार कर रहे हैं: वे संरचना को गतिशील करते हैं, हिंसक आंदोलन के साथ रूपों को मिलाते हैं, प्रकाश और छाया के विपरीत उज्ज्वल उज्ज्वल संतृप्त रंग का उपयोग करते हैं, गर्म और ठंडे स्वर, एक स्पार्कलिंग और प्रकाश का सहारा लेते हैं, अक्सर सामान्यीकृत तरीके से लिख रहे हैं। रोमांटिक स्कूल के संस्थापक, टी। गेरिकौल के कार्यों में, जिन्होंने अभी भी सामान्यीकृत वीरतावादी क्लासिकिस्ट छवियों के प्रति एक गुरुत्वाकर्षण बनाए रखा था, फ्रांसीसी कला में पहली बार, आसपास की वास्तविकता के खिलाफ विरोध और हमारे असाधारण घटनाओं का जवाब देने की इच्छा। समय, जो उनके कार्यों में आधुनिक फ्रांस के दुखद भाग्य का प्रतीक है, व्यक्त किया गया है। 1820 के दशक में। ई। डेलाक्रिक्स रोमांटिक स्कूल का मान्यता प्राप्त प्रमुख बन गया। महान ऐतिहासिक घटनाओं में शामिल होने की भावना जो दुनिया के चेहरे को बदल रही है, समापन की अपील, नाटकीय रूप से तीव्र विषयों ने उनके श्रेष्ठ कार्यों के मार्ग और नाटकीय तीव्रता को जन्म दिया। चित्र में, रोमांटिक लोगों के लिए मुख्य बात उज्ज्वल पात्रों की पहचान थी, आध्यात्मिक जीवन का तनाव, मानवीय भावनाओं का क्षणभंगुर आंदोलन; परिदृश्य में - प्रकृति की शक्ति के लिए प्रशंसा, ब्रह्मांड का आध्यात्मिक तत्व। फ्रांसीसी रोमांटिकतावाद के ग्राफिक्स के लिए, लिथोग्राफी और बुक वुडकट्स में नए, विशाल रूपों का निर्माण महत्वपूर्ण है (एनटी चारलेट, ए। देवरिया, जे। गिगौ, बाद में ग्रानविले, जी। डोर)। रोमांटिक प्रवृत्तियाँ सबसे बड़े ग्राफिक कलाकार ओ। ड्यूमियर के काम में भी निहित हैं, लेकिन उन्हें विशेष रूप से उनकी पेंटिंग में स्पष्ट किया गया था। रोमांटिक मूर्तिकला के स्वामी (P.J.David d "Angers, A. L. Bari, F. Rud) कड़ाई से विवर्तनिक रचनाओं से रूपों की मुक्त व्याख्या के लिए चले गए, एक तूफानी आंदोलन के लिए क्लासिकिस्ट प्लास्टिक्स के स्वभाव और शांत भव्यता से।

रूमानीवाद की रूढ़िवादी प्रवृत्ति (आदर्शवाद, धारणा का व्यक्तिवाद, दुखद निराशा, मध्य युग की माफी, आदि), जिससे धार्मिक प्रभाव और राजशाही (ई। देवरिया, ए। शेफ़र, आदि) का खुला महिमामंडन हुआ। ।। रोमांटिकवाद के व्यक्तिगत औपचारिक सिद्धांतों का भी व्यापक रूप से आधिकारिक कला के प्रतिनिधियों द्वारा उपयोग किया गया था, जिन्होंने उन्हें अकादमिकता के तरीकों के साथ संयुक्त रूप से जोड़ा (पी। डेलारोच द्वारा रचित ऐतिहासिक चित्र, ओ-वेनेट, ई। मेसोनियर, और अन्य द्वारा सतही शानदार समारोह और युद्ध कार्य ) है।

फ्रांस में रोमांटिकतावाद का ऐतिहासिक भाग्य जटिल और अस्पष्ट था। अपने सबसे बड़े प्रतिनिधियों के बाद के काम में, यथार्थवादी प्रवृत्ति स्पष्ट रूप से प्रकट हुई, आंशिक रूप से वास्तविक की विशेषता के बहुत रोमांटिक अवधारणा में अंतर्निहित। दूसरी ओर, फ्रांसीसी कला में यथार्थवाद के प्रतिनिधियों का प्रारंभिक कार्य - सी। कोरोट, बारबाइज़न स्कूल के स्वामी जी। कॉर्बेट, जे। एफ। मिलेट, ई। मानेट को रोमांटिक रुझानों द्वारा अलग-अलग डिग्री पर कब्जा कर लिया गया था। रहस्यवाद और जटिल रूपवाद, कभी-कभी रूमानियत में निहित, प्रतीकवाद (जी। मोरो और अन्य) में निरंतरता पाई गई; रोमांटिकतावाद के सौंदर्यशास्त्र की कुछ विशिष्ट विशेषताएं "आधुनिक" और बाद के प्रभाववाद की कला में फिर से प्रकट हुईं।

जर्मनी और ऑस्ट्रिया में रूमानियत का विकास और भी जटिल और विरोधाभासी था। प्रारंभिक जर्मन रोमांटिकतावाद, जो हर चीज को तीव्र रूप से अलग-अलग ध्यान देने की विशेषता है, आलंकारिक-भावनात्मक संरचना की उदासी-चिंतनशील रागिनी, रहस्यमय-पैंथिस्टिक मूड, मुख्य रूप से चित्र और अलंकारिक रचनाओं (एफओ रन) के क्षेत्र में खोजों के साथ जुड़ा हुआ है, जैसा कि साथ ही परिदृश्य (के डी। फ्रेडरिक, आई। ए। कोच)। धार्मिक और पितृसत्तात्मक विचारों, 15 वीं शताब्दी की इतालवी और जर्मन चित्रकला की धार्मिक भावना और शैलीगत विशेषताओं को पुनर्जीवित करने की इच्छा। Nazarenes (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius and others) की रचनात्मकता को पोषित किया, जिनकी स्थिति 19 वीं शताब्दी के मध्य तक विशेष रूप से रूढ़िवादी हो गई। डसेलडोर्फ स्कूल के कलाकारों के लिए, कुछ हद तक रोमांटिकता के करीब, आधुनिक रोमांटिक कविता, भावुकता और कथानक मनोरंजन की भावना में मध्यकालीन मूर्ति के महिमामंडन के अलावा विशेषता थी। Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger) और K. Blechen के प्रतिनिधियों का रचनात्मक कार्य जर्मन रोमांटिकतावाद के सिद्धांतों का एक प्रकार का संलयन बन गया, जिसे अक्सर साधारण और विशिष्ट "बर्गर" यथार्थवाद के काव्यात्मकता की ओर झुका दिया जाता था। XIX सदी के दूसरे तीसरे से। जर्मन रोमांटिकवाद की लाइन जारी रही, एक ओर, वी। कौलबाख और के। पिलोती की धूमधाम से सैलून-अकादमिक पेंटिंग में, और दूसरी तरफ, एल रिक्टर और शैली-कथात्मक, कक्ष के महाकाव्य और अलंकारिक कार्यों में- के। स्पिट्जवेग और एम। वॉन शविंड द्वारा साउंडिंग का काम करता है। रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र ने मोटे तौर पर ए। वॉन मेन्जेल के काम के गठन का निर्धारण किया, जो बाद में 19 वीं शताब्दी में जर्मन यथार्थवाद का सबसे बड़ा प्रतिनिधि था। जैसे फ्रांस में, देर से जर्मन रोमांटिकतावाद (फ्रेंच की तुलना में अधिक हद तक, जिसने 19 वीं शताब्दी के अंत तक प्रकृतिवाद और फिर "आधुनिक") की विशेषताओं को अवशोषित किया। प्रतीकवाद (एच। थोमा, एफ। वॉन स्टक और एम। क्लिंगर, स्विस ए। बोक्कलिन) के साथ बंद हुआ।

ग्रेट ब्रिटेन में 19 वीं शताब्दी के पहले भाग में। जे। कांस्टेबल और आर। बोनिंगटन के परिदृश्यों को फ्रांसीसी रोमांटिकतावाद के लिए एक निश्चित निकटता द्वारा चिह्नित किया जाता है और एक ही समय में मौलिकता, एक वास्तविक यथार्थवादी प्रवृत्ति, डब्ल्यू टर्नर द्वारा लैंडस्केप, रोमांटिक फिक्शन द्वारा और नए अभिव्यंजक साधनों की खोज। मध्य युग और प्रारंभिक पुनर्जागरण की संस्कृति के साथ-साथ धार्मिक और रहस्यमय आकांक्षाएं, साथ ही हस्तकला श्रम के पुनरुद्धार के लिए आशाएं, पूर्व-राफेलाइट्स (डीजी रोसेटी, जेई मिल्स, एच। हंट) के दिवंगत रोमांटिक आंदोलन को प्रतिष्ठित करती हैं। ई। बर्ने-जोन्स, आदि) ...

संयुक्त राज्य अमेरिका में, 19 वीं शताब्दी के दौरान। रोमांटिक दिशा को मुख्य रूप से परिदृश्य (टी। कोल, जे। इननेस, ए। पी। राइडर) द्वारा दर्शाया गया था। अन्य देशों में रोमांटिक परिदृश्य विकसित हुआ, लेकिन उन यूरोपीय देशों में रोमांटिकतावाद की मुख्य सामग्री जहां राष्ट्रीय चेतना जाग रही थी, स्थानीय सांस्कृतिक और कलात्मक विरासत, लोक जीवन के विषय, राष्ट्रीय इतिहास और मुक्ति संघर्ष में रुचि थी। बेल्जियम में जी। वेपर्स, एल। गेल, एच। लेयस और ए। विर्त्ज़, इटली के एफ। डी। और जे। इन्दुनो, जे। कार्नेवली और डी। मोरेल्ली, पुर्तगाल में डी। ए। सिकीरा का काम है, प्रतिनिधि लैटिन अमेरिका में कॉस्ट्यूमब्रिज़म, चेक गणराज्य में मैंस और आई। नवरात्रिला, हंगरी में एम। बरबाश और वी। मदरसा, पोलैंड में ए ओ ओर्लोव्स्की, पी। माइकलोवस्की, एच। रोडाकोवस्की और दिवंगत गैर-सरकारी जे मटेक्को स्लाव देशों, स्कैंडेनेविया, बाल्टिक राज्यों में राष्ट्रीय रोमांटिक आंदोलन ने स्थानीय कला स्कूलों के गठन और मजबूती में योगदान दिया।

रूस में, रोमांटिकतावाद ने कई स्वामी के काम में अलग-अलग डिग्री के लिए खुद को प्रकट किया - ए। ओर्लोव्स्की की पेंटिंग और ग्राफिक्स में, जो सेंट पीटर्सबर्ग में ओ। ए। किप्रेन्स्की के चित्र में चले गए, और आंशिक रूप से वी। ए। ट्रोपिनिन में। रूसी परिदृश्य (सिल्व का काम। एफ। शेड्ड्रिन, वोरोब्योव एमएन, एमआई लेबेडेव; युवा आईके एवाज़ोवस्की के काम पर) पर रोमांटिकतावाद का एक महत्वपूर्ण प्रभाव था। के। पी। ब्रायुल्लोव, एफ। ए। ब्रूनी, एफ। पी। टॉल्स्टॉय की रचनाओं में क्लासिकलिज़्म के साथ रोमांटिकतावाद की विशेषताएं विरोधाभासी थीं; उसी समय, ब्रायलोव के चित्र रूसी कला में रोमांटिकतावाद के सिद्धांतों के सबसे ज्वलंत अभिव्यक्तियों में से एक देते हैं। कुछ हद तक, रोमांटिकतावाद ने पी। ए। फेडोटोव और ए। ए इवानोव की पेंटिंग को प्रभावित किया।

वास्तुकला में स्वच्छंदतावाद।

विश्व इतिहास की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक - वाह् भई वाह फ्रेंच क्रांति - न केवल राजनीतिक, बल्कि पूरी दुनिया के सांस्कृतिक जीवन में भी एक भाग्यशाली क्षण बन गया। 18 वीं - 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में, अमेरिका और यूरोप में रूमानियत कला की प्रमुख प्रवृत्ति बन गई।

महान बुर्जुआ क्रांति के साथ प्रबुद्धता का युग समाप्त हो गया। उसके साथ स्थिरता, व्यवस्था और शांति की भावना गायब हो गई। भाईचारे, समानता और स्वतंत्रता के नव-घोषित विचारों ने भविष्य में असीम आशावाद और विश्वास पैदा किया, और इस तरह की नाटकीय उथल-पुथल - भय और असुरक्षा की भावना। अतीत ऐसा लगता है कि बचत द्वीप जहां अच्छाई, शालीनता, ईमानदारी, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि निरंतरता ने शासन किया। तो, अतीत के आदर्श में और विशाल दुनिया में अपने स्थान के लिए एक व्यक्ति की तलाश में, रोमांटिकतावाद का जन्म होता है।

वास्तुकला में रोमांटिकता का उत्कर्ष नए डिजाइन, विधियों और निर्माण सामग्री के उपयोग से जुड़ा हुआ है। विभिन्न धातु संरचनाएं दिखाई देती हैं, पुलों को खड़ा किया जाता है। लोहा और इस्पात के सस्ते उत्पादन के लिए प्रौद्योगिकी विकसित की गई है।

स्वच्छंदतावाद विभिन्न रूपों, स्वतंत्रता और जटिल सिल्हूट के बजाय, वास्तु रूपों की सादगी से इनकार करता है। समरूपता सर्वोपरि महत्व खो रही है।

इस शैली में विदेशी देशों की सबसे समृद्ध सांस्कृतिक परत का एहसास होता है, जो लंबे समय तक यूरोपीय लोगों के लिए दूर था। न केवल प्राचीन ग्रीक और रोमन वास्तुकला को मूल्यवान माना जाता है, बल्कि अन्य संस्कृतियों को भी। गोथिक वास्तुकला रोमांटिकतावाद का आधार बन जाती है। प्राच्य वास्तुकला पर विशेष ध्यान दिया जाता है। पिछले युगों के सांस्कृतिक स्मारकों को संरक्षित करने और पुनर्जीवित करने की आवश्यकता के बारे में जागरूकता है।

स्वच्छंदतावाद की विशेषता प्राकृतिक और कृत्रिम के बीच की सीमाओं के धुंधला हो जाना है: पार्क, कृत्रिम जलाशय और झरने डिज़ाइन किए गए हैं। इमारतें मेहराबों, गज़बोस, प्राचीन टावरों की नकल से घिरी हुई हैं। रूमानियत पेस्टल रंगों को पसंद करती है।

रोमांटिकतावाद नियमों और कैनन से इनकार करता है, इसमें सख्त वर्जनाएं या कड़ाई से अनिवार्य तत्व नहीं हैं। मुख्य मानदंड अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता हैं, मानव व्यक्तित्व पर ध्यान बढ़ाते हैं, रचनात्मक शिथिलता।

एक आधुनिक इंटीरियर में, रोमांटिकतावाद को लोकगीत रूपों और प्राकृतिक सामग्री - फोर्जिंग, जंगली पत्थर, किसी न किसी लकड़ी की अपील के रूप में समझा जाता है, लेकिन इस शैलीकरण का 18 वीं - 19 वीं शताब्दी की बारी की स्थापत्य दिशा से कोई लेना-देना नहीं है।

चित्रकला में स्वच्छंदतावाद।

अगर क्लासिकिज़्म का पूर्वज फ्रांस था, तो "जड़ों को खोजने के लिए ... रोमांटिक स्कूल की ..." ने अपने समकालीनों में से एक को लिखा, "हमें जर्मनी जाना चाहिए। वह वहाँ पैदा हुई थी, और वहाँ आधुनिक इतालवी और फ्रांसीसी प्रेमचंदों ने अपना स्वाद विकसित किया ”।

खंडित जर्मनी को क्रांतिकारी उथल-पुथल का पता नहीं था। जर्मन रोमान्टिकों में से कई उन्नत सामाजिक विचारों के मार्ग के लिए विदेशी थे। उन्होंने मध्य युग को आदर्श बनाया। उन्होंने खुद को अस्वीकार्य भावनात्मक आवेगों के सामने आत्मसमर्पण कर दिया, मानव जीवन के त्याग के बारे में बात की। उनमें से कई की कला निष्क्रिय और चिंतनशील थी। उन्होंने पोर्ट्रेट और लैंडस्केप पेंटिंग के क्षेत्र में अपना सर्वश्रेष्ठ काम किया।

एक उत्कृष्ट चित्रकार था ओटो भागना (१ ((-१ )१०)। इस गुरु के चित्र बाहरी शांति के साथ उनके गहन और तनावपूर्ण जीवन के साथ विस्मित करते हैं।

रूणगे में रोमांटिक कवि की छवि देखी जाती है " आत्म चित्र". वह खुद को ध्यान से देखता है और एक अंधेरे बालों वाली, अंधेरे आंखों वाला, गंभीर, ऊर्जा से भरा, विचारशील और मजबूत इरादों वाला जवान देखता है। एक रोमांटिक कलाकार खुद को जानना चाहता है। जिस तरह से चित्र को निष्पादित किया जाता है वह तेज़ और व्यापक है, जैसे कि रचनाकार की आध्यात्मिक ऊर्जा को कार्य की बनावट में व्यक्त किया जाना चाहिए; गहरे रंग के पैमाने में प्रकाश और अंधेरे के विपरीत रंग दिखाई देते हैं। कंट्रास्ट रोमांटिक मास्टर्स की एक विशिष्ट सचित्र तकनीक है।

एक रोमांटिक कलाकार हमेशा किसी व्यक्ति के मनोदशाओं के परिवर्तनकारी नाटक को पकड़ने की कोशिश करेगा, ताकि उसकी आत्मा पर नजर डाली जा सके। और इस संबंध में, बच्चों के चित्र उसके लिए एक उपजाऊ सामग्री का काम करेंगे। में " चित्र बाल बच्चे Hulsenbeck” (1805) रनगे न केवल एक बच्चे के चरित्र की जीवंतता और सहजता का परिचय देते हैं, बल्कि एक उज्ज्वल मनोदशा के लिए एक विशेष तकनीक भी खोजते हैं। चित्र में पृष्ठभूमि एक परिदृश्य है, जो न केवल कलाकार के रंग-रूप उपहार, प्रकृति के लिए एक सराहनीय दृष्टिकोण, बल्कि स्थानिक संबंधों के उत्कृष्ट प्रजनन में नई समस्याओं के उद्भव के लिए भी गवाही देता है, खुले में वस्तुओं के हल्के रंग वायु। एक रोमांटिक मास्टर, ब्रह्मांड की विशालता के साथ अपने "आई" को मर्ज करने की इच्छा रखते हुए, प्रकृति के कामुक मूर्त रूप को पकड़ने का प्रयास करते हैं। लेकिन छवि की इस संवेदनशीलता के साथ, वह बड़ी दुनिया के प्रतीक, "कलाकार के विचार" को देखना पसंद करते हैं।

रनगे पहले रोमांटिक कलाकारों में से एक थे जिन्होंने खुद को कला को संश्लेषित करने का कार्य निर्धारित किया: पेंटिंग, मूर्तिकला, वास्तुकला, संगीत। कलाकार 17 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के प्रसिद्ध जर्मन विचारक के विचारों के साथ अपनी दार्शनिक अवधारणा को पुष्ट करता है। जैकब बोहमे। संसार एक प्रकार का रहस्यमय पूर्ण है, जिसका प्रत्येक भाग संपूर्ण व्यक्त करता है। यह विचार पूरे यूरोपीय महाद्वीप के प्रेमकथाओं से संबंधित है।

एक और प्रमुख जर्मन रोमांटिक चित्रकार कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (१ ((४-१74४०) ने अन्य सभी शैलियों के लिए परिदृश्य को प्राथमिकता दी और अपने पूरे जीवन में केवल प्रकृति के चित्रों को चित्रित किया। फ्रेडरिक के काम का मुख्य मकसद मनुष्य और प्रकृति की एकता का विचार है।

"प्रकृति की आवाज़ सुनें जो हमारे भीतर बोलती है," कलाकार अपने छात्रों को निर्देश देता है। किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया ब्रह्मांड की अनंतता का वर्णन करती है, इसलिए, खुद को सुनकर, एक व्यक्ति दुनिया की आध्यात्मिक गहराई को समझने में सक्षम है।

सुनने की स्थिति प्रकृति और इसकी छवि के साथ मानव "संचार" के मूल रूप को निर्धारित करती है। यह प्रकृति की महानता, रहस्य या ज्ञान और पर्यवेक्षक की जागरूक स्थिति है। सच है, बहुत बार फ्रेडरिक अपने चित्रों के परिदृश्य स्थान को "दर्ज" करने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन फैलते हुए विस्तार की कल्पनाशील संरचना की सूक्ष्म पैठ में, एक व्यक्ति की अनुभूति, एक व्यक्ति के अनुभव की उपस्थिति महसूस होती है। एक परिदृश्य के चित्रण में विषयवाद केवल 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के स्वामी द्वारा प्रकृति के गीतात्मक प्रकटीकरण को आगे बढ़ाते हुए, रोमांटिकता की रचनात्मकता के साथ कला में आता है। शोधकर्ताओं ने फ्रेडरिक के कार्यों में नोट किया, जो परिदृश्य के रूपांकनों के "प्रदर्शनों का विस्तार" है। । लेखक को समुद्र, पहाड़ों, जंगलों और प्रकृति के विभिन्न रंगों में वर्ष और दिन के विभिन्न समयों में रुचि है।

1811-1812 पहाड़ में कलाकार की यात्रा के परिणामस्वरूप पहाड़ के परिदृश्य की एक श्रृंखला के निर्माण द्वारा चिह्नित। ” सुबह में पहाड़ों” सुरम्य एक नई प्राकृतिक वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करता है जो उगते सूरज की किरणों में पैदा होती है। मावे ने तालों को ढंक दिया और उन्हें मात्रा और भौतिक भार से वंचित कर दिया। नेपोलियन (1812-1813) के साथ लड़ाई के वर्षों ने फ्रेडरिक को देशभक्ति विषयों की ओर मोड़ दिया। निराशावादी, क्लिस्ट के नाटक से प्रेरित होकर, वह लिखते हैं “ गंभीर आर्मीनिया” - प्राचीन जर्मनिक नायकों की कब्रों के साथ एक परिदृश्य।

फ्रेडरिक समुद्रों का एक सूक्ष्म स्वामी था: “ युग” , “ सूर्योदय चांद ऊपर समुद्र के द्वारा” , ” कयामत “ आशाएँ” में बर्फ” .

कलाकार की अंतिम रचनाएँ - “ विश्राम पर मैदान” , “ बड़े दलदल” तथा “ याद के बारे में विशाल पहाड़ों” , ” विशाल पहाड़ों” - पहाड़ की लकीरें और अंधेरे अग्रभूमि में पत्थरों की एक श्रृंखला। यह, जाहिरा तौर पर, एक व्यक्ति की खुद पर जीत की अनुभवी भावना की वापसी है, "दुनिया के शीर्ष" के लिए आरोहण का आनंद, बिना ऊंचाइयों को रोशन करने का प्रयास। कलाकार की भावनाएं इन पर्वतीय जनमानस को एक विशेष तरीके से प्रस्तुत करती हैं, और फिर से पहले कदमों के अंधेरे से भविष्य की रोशनी के लिए आंदोलन को पढ़ा जाता है। पृष्ठभूमि में पर्वत शिखर को गुरु की आध्यात्मिक आकांक्षाओं के केंद्र के रूप में रेखांकित किया गया है। पेंटिंग बहुत साहचर्य है, जैसे कि किसी भी प्रकार का प्रेमकहानी, और पढ़ने और व्याख्या के विभिन्न स्तरों का सुझाव देता है।

फ्रेडरिक अपने चित्रों के लयबद्ध निर्माण में ड्राइंग, संगीत और सामंजस्यपूर्ण रूप से बहुत सटीक है, जिसमें वह रंग, प्रकाश प्रभाव की भावनाओं के साथ बोलने की कोशिश करता है। “बहुत कुछ दिया जाता है, बहुत कुछ दिया जाता है। प्रकृति की आत्मा सभी के लिए एक अलग तरीके से खुलती है। इसलिए, कोई भी अपने अनुभव और अपने नियमों को एक बाध्यकारी बिना शर्त कानून के रूप में दूसरे में स्थानांतरित करने की हिम्मत नहीं करता है। कोई भी सभी के लिए याद्दाश्त नहीं है। हर कोई अपने भीतर केवल खुद के लिए एक उपाय करता है और कमोबेश खुद के लिए परेशान होता है ”- गुरु का यह प्रतिबिंब उनके आंतरिक जीवन और रचनात्मकता की अद्भुत अखंडता को साबित करता है। कलाकार की विशिष्टता केवल अपने काम की स्वतंत्रता में स्पष्ट है - यह वही है जो रोमांटिक फ्रेडरिक के लिए खड़ा है।

यह कलाकारों के साथ अंतर करने के लिए अधिक औपचारिक लगता है - "क्लासिक्स" - जर्मनी में रोमांटिक पेंटिंग की एक और शाखा के क्लासिकवाद के प्रतिनिधि - नज़रें... वियना में स्थापित और रोम (1809-1810) में बसे, सेंट ल्यूक के संघ ने धार्मिक मुद्दों की स्मारकीय कला को पुनर्जीवित करने के विचार के साथ स्वामी को एकजुट किया। मध्य युग के इतिहास में रोमांटिक लोगों के लिए एक पसंदीदा अवधि थी। लेकिन अपनी कलात्मक खोज में, नाज़रेन्स ने इटली और जर्मनी में प्रारंभिक पुनर्जागरण की चित्रकला परंपराओं की ओर रुख किया। Overbeck और Geforr एक नए गठबंधन के सर्जक थे, जो बाद में कॉर्नेलियस, श्नॉफ़ वॉन करोलसफ़ेल्ड, फेथ फ्यूरिक द्वारा शामिल हो गए थे।

फ्रांस, इटली और इंग्लैंड में क्लासिकल शिक्षाविदों के विरोध का अपना ही रूप था। उदाहरण के लिए, फ्रांस में, तथाकथित प्रिमिटिविस्ट कलाकार डेविड की कार्यशाला से निकले, इंग्लैंड में, प्री-राफेलाइट्स। रोमांटिक परंपरा की भावना में, वे कला को "समय की अभिव्यक्ति," "लोगों की भावना" मानते थे, लेकिन उनकी विषयगत या औपचारिक प्राथमिकताएं, जो पहली बार एकीकरण के नारे की तरह लगती थीं, थोड़ी देर बाद बदल गईं अकादमी के उन सिद्धांतों के समान सिद्धांत सिद्धांतों में, जिन्हें उन्होंने अस्वीकार कर दिया।

फ्रांस में रूमानियत की कला विशेष तरीकों से विकसित हुई। पहली बात जो इसे अन्य देशों में इसी तरह के आंदोलनों से अलग करती थी, वह इसका सक्रिय, आक्रामक ("क्रांतिकारी") चरित्र था। कवियों, लेखकों, संगीतकारों, कलाकारों ने न केवल नए कार्यों का निर्माण करके अपनी स्थिति का बचाव किया, बल्कि पत्रिका और समाचार पत्र पोलेमिक्स में भी भाग लिया, जिसे शोधकर्ताओं ने "रोमांटिक लड़ाई" के रूप में वर्णित किया। प्रसिद्ध वी। ह्यूगो, स्टेंडल, जॉर्जेस सैंड, बर्लियोज़ और कई अन्य लेखकों, फ्रांस के पत्रकारों, पत्रकारों ने रोमांटिक ध्रुव में "अपने कलम को तेज किया"।

फ्रांस में रोमांटिक पेंटिंग डेविड की क्लासिकल स्कूल, अकादमिक कला के विरोध के रूप में उत्पन्न होती है, जिसे सामान्य रूप से "स्कूल" कहा जाता है। लेकिन इसे और अधिक व्यापक रूप से समझने की आवश्यकता है: यह प्रतिक्रियावादी युग की आधिकारिक विचारधारा का विरोध था, इसके बुर्जुआ संकीर्णता के खिलाफ विरोध। इसलिए, रोमांटिक कार्यों की दयनीय प्रकृति, उनकी घबराहट उत्तेजना, विदेशी उद्देश्यों के लिए गुरुत्वाकर्षण, ऐतिहासिक और साहित्यिक भूखंडों के लिए, सब कुछ जो "सुस्त रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर हो सकता है, इसलिए यह कल्पना का खेल है, और कभी-कभी, इसके विपरीत, दिन के समय और गतिविधि का पूर्ण अभाव।

"स्कूल" के प्रतिनिधियों, शिक्षाविदों, विद्रोहियों, सबसे पहले, रूमानिक्स की भाषा के खिलाफ: उनका उत्साहित गर्म रंग, रूप का उनका मॉडलिंग, सामान्य रूप से "क्लासिक्स", प्रतिमा-प्लास्टिक के लिए नहीं, बल्कि मजबूत रंग के धब्बे के विपरीत; उनकी अभिव्यंजक डिजाइन, जानबूझकर सटीकता को त्यागना; उनकी बोल्ड, कभी-कभी अराजक रचना, महिमा से रहित और अडिग शांत। एंग्रेस, रोमैंटिक के असाध्य शत्रु, जब तक कि उनके जीवन के अंत ने यह नहीं कहा कि डेलाक्रोइक्स ने "एक पागल झाड़ू के साथ लिखा था", और डेलाक्रोइक्स ने इंग्रेश और "स्कूल" के सभी कलाकारों पर शीतलता, तर्कसंगतता, आंदोलन की कमी, का आरोप लगाया कि वे लिखना नहीं है, लेकिन अपने चित्रों को "पेंट" करें। लेकिन यह दो उज्ज्वल, पूरी तरह से अलग-अलग व्यक्तियों का एक साधारण टकराव नहीं था, यह दो अलग-अलग कलात्मक विश्व साक्षात्कारों के बीच का संघर्ष था।

यह संघर्ष लगभग आधी सदी तक चला, कला में रूमानियत ने जीत हासिल की आसानी से और तुरंत नहीं, और इस दिशा में पहला कलाकार थिओडोर गेरीकॉल्ट (१ (९ १-१ )२४) - वीर स्मारकीय रूपों का एक मास्टर, जिसने अपने काम में क्लासिकल विशेषताओं और रोमांटिकतावाद की विशेषताओं दोनों को जोड़ा, और अंत में, एक शक्तिशाली यथार्थवादी सिद्धांत, जिसका मध्य के यथार्थवाद की कला पर बहुत प्रभाव पड़ा- 19 वी सदी। लेकिन अपने जीवनकाल के दौरान, उन्हें केवल कुछ करीबी दोस्तों द्वारा सराहा गया था।

रोमांटिकतावाद की पहली शानदार सफलताएँ थियोडोर झरियो के नाम से जुड़ी हुई हैं। पहले से ही अपने शुरुआती चित्रों में (सेना के चित्र, घोड़ों की तस्वीरें), प्राचीन आदर्श जीवन की प्रत्यक्ष धारणा के सामने सुनाई दिए।

1812 में सैलून में जेरिकॉल्ट एक पेंटिंग दिखाता है “ अफ़सर शाही घुड़सवार खेल के रखवाले में समय आक्रमण”. यह नेपोलियन की महिमा के एपोगी और फ्रांस की सैन्य शक्ति का वर्ष था।

चित्र की रचना राइडर को एक "अचानक" पल के असामान्य परिप्रेक्ष्य में प्रस्तुत करती है, जब घोड़ा ऊपर उठता है, और राइडर घोड़े की लगभग ऊर्ध्वाधर स्थिति रखते हुए, दर्शक की ओर मुड़ जाता है। अस्थिरता के ऐसे क्षण की छवि, आसन की असंभवता आंदोलन के प्रभाव को बढ़ाती है। घोड़े के पास समर्थन का एक बिंदु है, उसे जमीन पर गिरना चाहिए, खुद को उस लड़ाई में पेंच करना चाहिए जो उसे ऐसी स्थिति में लाए। इस काम में बहुत अधिक जुटाए गए: गेरिकौल्ट की बिना किसी विश्वास के खुद पर एक व्यक्ति के मालिक होने की संभावना, घोड़ों की छवि के लिए भावुक प्रेम और एक नौसिखिए गुरु की हिम्मत दिखाने में जो पहले केवल संगीत या कविता की भाषा द्वारा व्यक्त किया जा सकता था - लड़ाई का रोमांच, एक हमले की शुरुआत, एक जीव की ताकतों का अंतिम तनाव ... युवा लेखक ने अपनी छवि को आंदोलन की गतिशीलता के प्रसारण पर बनाया, और उसके लिए यह महत्वपूर्ण था कि वह दर्शकों को "अनुमान" के लिए ट्यून करे कि वह क्या चित्रित करना चाहता था।

गॉथिक मंदिरों की राहत के अलावा, फ्रांस में रोमांस के सचित्र वर्णन की ऐसी गतिकी की परंपराएं व्यावहारिक रूप से नहीं थीं, क्योंकि जब गेरिकॉल्ट पहली बार इटली आया था, तो वह माइकल एंजेलो की रचनाओं की छिपी हुई शक्ति देखकर दंग रह गया था। "मैं कांप रहा था," वह लिखते हैं, "मैंने खुद पर संदेह किया और लंबे समय तक इस अनुभव से उबर नहीं सका।" लेकिन स्टेंडल ने माइकल एंजेलो को कला में एक नए शैलीगत प्रवृत्ति के अग्रदूत के रूप में पहले भी अपने पोलिमिकल लेखों में बताया था।

जेरिकॉल्ट की पेंटिंग ने न केवल एक नई कलात्मक प्रतिभा के जन्म की घोषणा की, बल्कि लेखक के उत्साह और नेपोलियन के विचारों के साथ निराशा को भी श्रद्धांजलि दी। कई अन्य कार्य इस विषय से संबंधित हैं: अफ़सर काराबिनेरी”, “ अफ़सर कवचधारी अश्वारोही सामने हमला”, “ चित्र काराबिनेरी”, “ घायल कवचधारी अश्वारोही”.

"फ्रांस में चित्रकला की स्थिति पर प्रतिबिंब" ग्रंथ में उन्होंने लिखा है कि "विलासिता और कला बन गए हैं ... एक आवश्यकता और, जैसा कि यह कल्पना के लिए भोजन था, जो एक सभ्य व्यक्ति का दूसरा जीवन है ... एक बुनियादी आवश्यकता के बिना, कला केवल तभी दिखाई देती है जब आवश्यक आवश्यकताएं पूरी होती हैं जब बहुतायत आती है। आदमी, रोजमर्रा की चिंताओं से मुक्त हो गया, बोरियत से छुटकारा पाने के लिए खुशी की तलाश करने लगा, जो अनिवार्य रूप से उसे संतोष के बीच से आगे निकल जाएगा।

1818 में इटली से लौटने के बाद जेरिकॉल्ट द्वारा कला की शैक्षिक और मानवतावादी भूमिका की इस समझ का प्रदर्शन किया गया - उन्होंने नेपोलियन की हार सहित कई विषयों की नकल करते हुए लिथोग्राफी में संलग्न होना शुरू किया ( “ वापसी का रूस का” ).

उसी समय, कलाकार अफ्रीका के तट पर फ्रिगेट "मेडुसा" की मृत्यु के चित्रण के लिए जाता है, जिसने समाज को बहुत उत्तेजित किया। आपदा संरक्षण में पद के लिए नियुक्त एक अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण था। जहाज के बचे हुए यात्रियों, सर्जन सवगेन और इंजीनियर कॉरेस ने दुर्घटना के बारे में विस्तार से बात की।

मरने वाला जहाज बेड़ा फेंकने में कामयाब रहा, जिस पर मुट्ठी भर बचाया लोग पहुँचे। बारह दिनों तक उन्हें तूफानी समुद्र में ले जाया गया, जब तक कि उन्हें जहाज "आर्गस" द्वारा बचाया नहीं गया।

मानव आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति के चरम तनाव की स्थिति में गेरिकौल्ट की दिलचस्पी थी। पेंटिंग में 15 जीवित यात्रियों को दर्शाया गया था जब वे क्षितिज पर आर्गस को देखते थे। “ बेड़ा “ जेलिफ़िश” कलाकार द्वारा एक लंबी तैयारी के काम का परिणाम था। उन्होंने उग्र समुद्र के कई स्केच बनाए, अस्पताल में बचाया लोगों के चित्र। पहले गेरिकुल्ट एक दूसरे के साथ एक बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को दिखाना चाहता था, लेकिन फिर वह समुद्र तत्व के विजेता और राज्य की लापरवाही के वीर व्यवहार पर बस गया। लोगों ने बहादुरी से दुर्भाग्य को समाप्त कर दिया, और मोक्ष की आशा ने उन्हें नहीं छोड़ा: दस्ते के प्रत्येक समूह की अपनी विशेषताएं हैं। रचना का निर्माण करने में, गेरिकौल्ट ऊपर से देखने का एक बिंदु चुनता है, जिसने उसे अंतरिक्ष (समुद्री दूरी) के मनोरम कवरेज को संयोजित करने और चित्रित करने की अनुमति दी, जो कि दरार के निवासियों को अग्रभूमि के करीब लाती है। समूह से समूह तक की गतिशीलता की लय की स्पष्टता, नग्न निकायों की सुंदरता, चित्र का गहरा रंग छवि की पारंपरिकता का एक निश्चित ध्यान दें। लेकिन यह विचारशील दर्शक के लिए मामले का सार नहीं है, जिसे भाषा की पारंपरिकता भी मुख्य बात समझने और महसूस करने में मदद करती है: एक व्यक्ति की लड़ाई और जीतने की क्षमता।

जेरिकॉल्ट के नवाचार ने उस आंदोलन को व्यक्त करने के लिए नई संभावनाएं खोलीं, जो कि रोमांटिकता, एक व्यक्ति की अव्यक्त भावनाओं और तस्वीर की रंगीन बनावट को व्यक्त करती हैं।

उसकी खोज में गेरिकौल्ट का वारिस बन गया यूजीन Delacroix... यह सच है, डेलैक्रिक्स को उसके जीवन काल के रूप में दो बार जारी किया गया था, और वह न केवल रोमांटिकता की शुद्धता को साबित करने में कामयाब रहा, बल्कि 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पेंटिंग में एक नई दिशा को आशीर्वाद देने के लिए भी। - छाप।

अपने दम पर लिखना शुरू करने से पहले, यूजीन ने लेरेन के स्कूल में अध्ययन किया: उन्होंने जीवन से चित्रित किया, लौवर में रुबेंस, रेम्ब्रांट, वेरोनीज़, टिटियन की नकल की ... युवा कलाकार ने दिन में 10-12 घंटे काम किया। उन्होंने महान माइकल एंजेलो के शब्दों को याद किया: "पेंटिंग एक ईर्ष्यालु मालकिन है, इसे पूरे व्यक्ति की आवश्यकता है ..."

गेलिकॉल्ट के प्रदर्शन भाषणों के बाद, डेलैक्रिक्स अच्छी तरह से जानता था कि कला में मजबूत भावनात्मक उथल-पुथल का समय आ गया था। सबसे पहले, वह प्रसिद्ध साहित्यिक भूखंडों के माध्यम से उनके लिए एक नए युग को समझने की कोशिश करता है। उसकी तस्वीर “ डांटे तथा वर्जिल” 1822 में सैलून में प्रस्तुत दो कवियों की ऐतिहासिक साहचर्य छवियों के माध्यम से एक प्रयास है: प्राचीनता - वर्जिल और पुनर्जागरण - डांटे - आधुनिक युग के "नरक" उबलते कौल को देखने के लिए। एक बार उनकी "डिवाइन कॉमेडी" में डांटे ने वर्जिल को सभी क्षेत्रों (स्वर्ग, नरक, पवित्र) के लिए अपना मार्गदर्शक बना लिया। डांटे के काम में, पुरातनता की स्मृति में मध्य युग के अनुभव के माध्यम से एक नया पुनर्जागरण दुनिया पैदा हुई। पुरातनता, पुनर्जागरण और मध्य युग के एक संश्लेषण के रूप में रोमांटिक का प्रतीक दांते और वर्जिल के दर्शन के "आतंक" में पैदा हुआ। लेकिन जटिल दार्शनिक रूपक पूर्व-पुनर्जागरण युग और अमर साहित्यिक कृति का एक अच्छा भावनात्मक चित्रण हुआ।

डेलाकारिक्स अपने समकालीनों के दिलों में अपने दिल के दर्द के माध्यम से एक सीधी प्रतिक्रिया खोजने की कोशिश करेगा। स्वतंत्रता और उत्पीड़न करने वालों के साथ घृणा से जलते हुए, उस समय के युवा ग्रीस के मुक्ति युद्ध के साथ सहानुभूति रखते हैं। इंग्लैंड का रोमांटिक बार्ड - बायरन लड़ने के लिए वहां जाता है। डेलाकारिक्स एक और ठोस ऐतिहासिक घटना के चित्रण में नए युग का अर्थ देखता है - स्वतंत्रता-प्रेमी ग्रीस का संघर्ष और पीड़ा। वह ग्रीक द्वीप चियोस की आबादी की मौत की साजिश पर तुर्क द्वारा कब्जा कर लिया गया था। 1824 के सैलून में, Delacroix एक पेंटिंग दिखाता है “ हत्याकांड पर द्वीप Chios”. पहाड़ी इलाकों की अंतहीन जगह की पृष्ठभूमि के खिलाफ, जो अभी भी टकराव और असंतुलित लड़ाई के धुएं से चिल्लाती है, कलाकार घायल, थका हुआ महिलाओं और बच्चों के कई समूहों को दिखाता है। दुश्मनों के दृष्टिकोण से पहले उन्हें स्वतंत्रता के अंतिम क्षणों के साथ छोड़ दिया गया था। दाहिने तरफ एक घोड़े पर एक तुर्क पूरे अग्रभूमि पर लटका हुआ है और कई पीड़ित हैं जो वहां हैं। सुंदर शरीर, पूर्ण लोगों का चेहरा। वैसे, डेलाक्रोइक्स बाद में लिखेंगे कि ग्रीक मूर्तिकला कलाकारों द्वारा चित्रलिपि में बदल दी गई थी, जो चेहरे और आकृति की वास्तविक ग्रीक सुंदरता को छिपा रही थी। लेकिन, पराजित यूनानियों के चेहरे में "आत्मा की सुंदरता" की खोज करते हुए, चित्रकार जगह-जगह होने वाली घटनाओं का नाटक करता है ताकि तनाव की एक भी गतिशील गति बनाए रखने के लिए, वह आंकड़े के कोणों के विरूपण के लिए जाता है। इन "गलतियों" को पहले से ही गेरिकौल के काम द्वारा "हल" कर दिया गया था, लेकिन डेलाक्रोइक्स एक बार फिर रोमांटिक क्रेडो को दर्शाता है कि पेंटिंग "स्थिति की सच्चाई नहीं है, लेकिन भावना की सच्चाई है"।

1824 में डेलाक्रोइक्स ने अपने दोस्त और शिक्षक - गेरिकॉल्ट को खो दिया। और वह नई पेंटिंग का अगुआ बन गया।

साल बीत गए। चित्र एक-एक करके दिखाई दिए: “ यूनान पर खंडहर मिसलंगी”, “ मौत सरदानापाल” और अन्य। कलाकार चित्रकारों की मंडलियों में एक प्रकोप बन गया। लेकिन 1830 की जुलाई क्रांति ने स्थिति बदल दी। वह कलाकार को जीत और उपलब्धियों के रोमांस के साथ प्रज्वलित करती है। वह एक चित्र पेंट करता है “ स्वतंत्रता पर बाड़”.

1831 में, पेरिस सैलून में, फ्रांसीसी ने पहली बार 1830 की जुलाई क्रांति के "तीन शानदार दिनों" के लिए समर्पित इस पेंटिंग को देखा। कैनवास ने अपनी शक्ति, लोकतंत्र और कलात्मक समाधान की निर्भीकता के साथ समकालीनों पर आश्चर्यजनक प्रभाव डाला। पौराणिक कथा के अनुसार, एक सम्मानजनक बुर्जुआ ने कहा: "आप कहते हैं - स्कूल के प्रमुख? बेहतर कहना - विद्रोह के प्रमुख! " सैलून बंद होने के बाद, पेंटिंग से भयभीत और प्रेरणादायक अपील से घबराई सरकार ने इसे अपने लेखक को लौटाने के लिए जल्दबाजी की। 1848 की क्रांति के दौरान, इसे फिर से लक्ज़मबर्ग पैलेस में सार्वजनिक प्रदर्शन पर रखा गया। और उन्होंने इसे फिर से कलाकार को लौटा दिया। 1855 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कैनवास प्रदर्शित होने के बाद ही यह लौवर को मिला। यह अभी भी फ्रांसीसी रोमांटिकतावाद की सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक है - एक प्रेरित प्रत्यक्षदर्शी गवाही और उनकी स्वतंत्रता के लिए लोगों के संघर्ष के लिए एक शाश्वत स्मारक।

युवा फ्रांसीसी रोमांटिक को इन दो प्रतीत होने वाले विपरीत सिद्धांतों को एक साथ मिलाने के लिए कौन सी कलात्मक भाषा मिली - एक व्यापक, सर्वांगपूर्ण सामान्यीकरण और ठोस वास्तविकता, इसकी नग्नता में क्रूरता?

1830 के प्रसिद्ध जुलाई दिनों की पेरिस। दूरी में, मुश्किल से ध्यान देने योग्य, लेकिन गर्व से नोट्रे डेम कैथेड्रल के टावरों का उदय - इतिहास, संस्कृति और फ्रांसीसी लोगों की भावना का प्रतीक है। वहाँ से, धुएँ के रंग के शहर से, बैरिकेड्स के खंडहरों के ऊपर, अपने मृत साथियों के शवों के ऊपर, विद्रोहियों ने हठीलेपन और दृढ़ता से कदम आगे बढ़ाया। उनमें से प्रत्येक की मृत्यु हो सकती है, लेकिन विद्रोहियों का कदम अडिग है - वे विजय की इच्छा से, स्वतंत्रता से प्रेरित हैं।

यह प्रेरक शक्ति एक खूबसूरत युवा महिला की छवि में सन्निहित है, जो आवेशपूर्ण आवेग में उसे बुला रही है। अटूट ऊर्जा, स्वतंत्र और आंदोलन की युवा तेज के साथ, वह जीत नाइकी की ग्रीक देवी की तरह है। उसके मजबूत फिगर को चिटोन ड्रेस पहनाया गया है, उसके चेहरे को परफेक्ट फीचर्स के साथ, चमकती आंखों के साथ, विद्रोहियों की ओर मोड़ा गया है। एक हाथ में वह फ्रांस का तिरंगा बैनर रखती है, दूसरे में - एक बंदूक। सिर पर एक Phrygian cap है - गुलामी से मुक्ति का एक प्राचीन प्रतीक। उसका कदम तेज और हल्का है - यह देवी का चरण है। इसी समय, एक महिला की छवि वास्तविक है - वह फ्रांसीसी लोगों की बेटी है। वह बैरिकेड्स पर समूह के आंदोलन के पीछे मार्गदर्शक बल है। इससे, ऊर्जा के केंद्र में प्रकाश के स्रोत के रूप में, किरणें विकिरण करती हैं, प्यास के साथ चार्ज होती हैं और जीत होती हैं। इसके निकटवर्ती लोग, प्रत्येक अपने तरीके से, इस प्रेरक अपील में अपनी भागीदारी व्यक्त करते हैं।

दाईं ओर एक लड़का है, जो एक पेरिस का जुआरी है जो पिस्तौल लहराता है। वह स्वतंत्रता के सबसे करीब है और उसके उत्साह और एक स्वतंत्र आवेग की खुशी से दयालु है। एक तेजतर्रार, लड़कपन से भरे अधीर आंदोलन में, वह अपने इंस्पायर से भी थोड़ा आगे है। यह प्रसिद्ध गैवरोच का पूर्ववर्ती है, बीस साल बाद लेस मिसेरबल्स में विक्टर ह्यूगो द्वारा चित्रित किया गया था: “गावरोच, प्रेरणा से भरा हुआ, उज्ज्वल, ने पूरी चीज को गति में लाने का काम किया। वह पीछे-पीछे चिल्लाया, ऊपर गया, नीचे गया, फिर से ऊपर गया, शोर मचाया, खुशी से उछला। ऐसा लगता है कि वह सबको खुश करने के लिए यहां आया था। क्या उसके पास इसके लिए कोई प्रोत्साहन था? हां, उसकी गरीबी जरूर है। क्या उसके पास पंख थे? हाँ, निश्चित रूप से, उसकी जयजयकार। यह किसी प्रकार का बवंडर था। वह हवा भरने के लिए लग रहा था, एक ही समय में हर जगह मौजूद रहा ... विशाल बैरिकेड्स ने उसे अपने रिज पर महसूस किया। "

डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग में गैवरोच युवाओं का व्यक्तित्व है, "एक अद्भुत आवेग", स्वतंत्रता के उज्ज्वल विचार की खुशी से स्वीकृति। दो चित्र - गैवरोच और स्वोबोडा - एक दूसरे के पूरक प्रतीत होते हैं: एक एक आग है, दूसरा उससे निकलने वाली एक मशाल है। हेनरिक हेन ने संबंधित किया कि कैसे गैवरोच के आंकड़े ने पेरिसियों से जीवंत प्रतिक्रिया प्राप्त की। “अरे! एक किराना व्यापारी रोया। "ये लड़के दिग्गजों की तरह लड़े!"

बाईं ओर एक छात्र बंदूक के साथ है। पहले, इसे कलाकार के स्व-चित्र के रूप में देखा जाता था। यह विद्रोही गैवरोच की तरह तेज नहीं है। उनका आंदोलन अधिक संयमित, अधिक केंद्रित, अर्थपूर्ण है। हाथ आत्मविश्वास से बंदूक की बैरल पकड़ते हैं, चेहरा साहस व्यक्त करता है, अंत तक खड़े रहने का दृढ़ निश्चय। यह एक गहरी दुखद छवि है। छात्र नुकसान की अपरिहार्यता का एहसास करता है कि विद्रोहियों को उकसाएगा, लेकिन पीड़ित उसे डरा नहीं करते - स्वतंत्रता की इच्छा मजबूत होती है। कृपाण के साथ समान रूप से बहादुर और दृढ़निश्चयी कार्यकर्ता उसके पीछे खड़ा है। एक घायल आदमी स्वतंत्रता के चरणों में है। वह कठिनाई के साथ उठता है ताकि एक बार फिर से देख सकें, फ्रीडम में, देखें और अपने पूरे दिल से उस सुंदरता को महसूस करें जिसके लिए वह नाश करता है। यह आंकड़ा डेलैक्रिक्स के कैनवास की आवाज़ के लिए एक नाटकीय शुरुआत लाता है। यदि एक छात्र, एक कार्यकर्ता, गैवरोच, स्वोबोदा, की छवियां लगभग प्रतीक हैं, स्वतंत्रता सेनानियों की इच्छाशक्ति का प्रतीक है - दर्शक को प्रेरित करें और कॉल करें, तो घायल व्यक्ति करुणा की अपील करता है। मनुष्य स्वतंत्रता को अलविदा कहता है, जीवन को अलविदा कहता है। वह अभी भी एक आवेग है, आंदोलन है, लेकिन पहले से ही एक लुप्त होती आवेग है।

उनका आंकड़ा संक्रमणकालीन है। दर्शकों की टकटकी, अभी भी विचलित और विद्रोहियों के क्रांतिकारी निर्धारण से दूर ले जाती है, शानदार मृत सैनिकों के शवों से ढँके बैरीकेड के पैर तक उतरती है। तथ्य की सभी नग्नता और स्पष्टता में कलाकार द्वारा मृत्यु प्रस्तुत की जाती है। हम मृतकों के नीले चेहरे, उनके नग्न शरीर देखते हैं: संघर्ष निर्दयी है, और मौत विद्रोहियों का एक ही अपरिहार्य साथी है, जैसे सुंदर प्रेरणा स्वतंत्रता।

तस्वीर के निचले किनारे पर भयानक दृष्टि से, हम फिर से अपनी निगाहें बढ़ाते हैं और एक युवा सुंदर आकृति देखते हैं - नहीं! जीवन जीतता है! आजादी का विचार, इतनी स्पष्ट और मूर्त रूप से उभरा हुआ, भविष्य में इतना निर्देशित है कि इसके नाम पर मृत्यु भयानक नहीं है।

कलाकार में विद्रोहियों के एक छोटे समूह को ही जीवित और मृत दर्शाया गया है। लेकिन आड़ के रक्षक असामान्य रूप से कई लगते हैं। रचना इस तरह से बनाई गई है कि लड़ाई का समूह सीमित नहीं है, अपने आप में बंद नहीं है। वह लोगों के अंतहीन हिमस्खलन का हिस्सा है। कलाकार देता है, जैसा कि यह था, एक समूह का एक टुकड़ा: चित्र फ़्रेम बाएं, दाएं, नीचे से आंकड़े काटता है।

आमतौर पर, डेलाक्रिक्स के कार्यों में रंग एक तीव्र भावनात्मक ध्वनि प्राप्त करता है, एक नाटकीय प्रभाव बनाने में एक प्रमुख भूमिका निभाता है। पेंट्स, कभी उग्र, कभी लुप्त होती, मौन, तनावपूर्ण वातावरण बनाते हैं। में « स्वतंत्रता पर बाड़» इस सिद्धांत से Delacroix प्रस्थान करता है। बहुत सटीक, अचूक रूप से पेंट का चयन करना, इसे व्यापक स्ट्रोक के साथ लागू करना, कलाकार लड़ाई के वातावरण को व्यक्त करता है।

लेकिन रंग योजना संयमित है। Delacroix फॉर्म के राहत मॉडलिंग पर केंद्रित है। यह चित्र के आलंकारिक समाधान द्वारा आवश्यक था। आखिरकार, एक विशिष्ट कल की घटना का चित्रण करते हुए, कलाकार ने इस घटना के लिए एक स्मारक भी बनाया। इसलिए, आंकड़े लगभग मूर्तिकला हैं। इसलिए, प्रत्येक वर्ण, एक पूरे चित्र का एक हिस्सा होने के नाते, अपने आप में बंद कुछ भी बनाता है, एक प्रतीक का एक पूर्ण रूप में प्रतिनिधित्व करता है। इसलिए, रंग न केवल भावनात्मक रूप से दर्शक की भावनाओं को प्रभावित करता है, बल्कि एक प्रतीकात्मक भार भी वहन करता है। भूरी-भूरी जगह में, यहाँ और वहाँ, लाल, नीले, सफ़ेद - 1789 की फ्रांसीसी क्रांति के झंडे के रंगों का एक बड़ा दल। इन रंगों के बार-बार दोहराए जाने से तिरंगे झंडे के शक्तिशाली राग को बैरिकेड पर लहराता है।

Delacroix द्वारा पेंटिंग « स्वतंत्रता पर बाड़» - इसके दायरे में एक जटिल, भव्य काम। यह प्रत्यक्ष रूप से देखे गए तथ्य और छवियों के प्रतीकवाद की विश्वसनीयता को जोड़ता है; यथार्थवाद, क्रूर प्रकृतिवाद और आदर्श सौंदर्य तक पहुंचना; स्थूल, भयानक और उदात्त, शुद्ध।

चित्र “ स्वतंत्रता पर बाड़” फ्रांसीसी चित्रकला में रोमांटिकतावाद की जीत को समेकित किया। 30 के दशक में, दो और ऐतिहासिक चित्रों को चित्रित किया गया: “ लड़ाई पर पॉटिए” तथा “ हत्या बिशप जागीरदार”.

1822 में कलाकार ने उत्तरी अफ्रीका, मोरक्को, अल्जीरिया का दौरा किया। यात्रा ने उस पर एक अमिट छाप छोड़ी। 50 के दशक में, पेंटिंग उनके काम में दिखाई दी, जो इस यात्रा की यादों से प्रेरित थी: ” शिकार करना पर लायंस”, “ मोरक्को, सैडल घोड़ा” और अन्य। उज्ज्वल विषम रंग इन चित्रों के लिए एक रोमांटिक ध्वनि बनाता है। उनमें एक व्यापक स्ट्रोक की तकनीक दिखाई देती है।

एक रोमांटिक कलाकार के रूप में डेलाक्रिक्स ने अपनी आत्मा की स्थिति को न केवल सुरम्य चित्रों की भाषा के साथ दर्ज किया, बल्कि शाब्दिक रूप से उनके विचारों को भी बताया। उन्होंने रोमांटिक कलाकार की रचनात्मक प्रक्रिया, रंग में उनके प्रयोगों, संगीत और कला के अन्य रूपों के बीच संबंधों पर प्रतिबिंब का अच्छी तरह से वर्णन किया। उनकी डायरी बाद की पीढ़ियों के कलाकारों के लिए एक पसंदीदा रीडिंग बन गई।

फ्रेंच रोमांटिक स्कूल ने मूर्तिकला (रूड और उसकी राहत "मार्सिलेइस"), लैंडस्केप पेंटिंग (फ्रांस की प्रकृति की अपनी हल्की हवा वाली छवियों के साथ कैमिली कोरोट) के क्षेत्र में महत्वपूर्ण प्रगति की।

रोमांटिकवाद के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिपरक दृष्टि कानून का रूप लेती है। प्रभाववाद कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा, कला को एक छाप बताएगा। रोमेंटिक्स कलाकार की फंतासी, "उसकी भावनाओं की आवाज़" के बारे में बात करते हैं, जो काम को रोकने की अनुमति देता है जब मास्टर इसे आवश्यक मानता है, और न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों की आवश्यकता होती है।

यदि गेरिकौल्ट की कल्पनाओं ने आंदोलन के हस्तांतरण पर ध्यान केंद्रित किया, डेलैक्रिक्स - रंग की जादुई शक्ति पर, और जर्मनों ने इसे एक निश्चित "पेंटिंग की भावना" में जोड़ा, तो स्पेनिश रोमैंटिक्स ने प्रतिनिधित्व किया फ्रांसिस्को गोया (१ (४६-१ of२)) ने शैली के लोककथाओं, उसके फैंटमसेगोरिक और ग्रोटेसिक चरित्र को दिखाया। गोया खुद और उनके काम किसी भी शैलीगत ढांचे से बहुत दूर दिखते हैं, खासकर जब से कलाकार को अक्सर निष्पादन की सामग्री के नियमों का पालन करना पड़ता है (जब, उदाहरण के लिए, उसने बुना हुआ टेपेस्ट्री कालीनों के लिए पेंटिंग बनाई) या ग्राहकों की आवश्यकताएं।

उनके फैंटमसेगोरियाज़ को नक़्क़ाशी श्रृंखला में प्रकाशित किया गया था “ Caprichos” (1797-1799), “ आपदाओं युद्धों” (1810-1820), “ असहमति (“ पागलपन”) (1815-1820), मैड्रिड में हाउस ऑफ डेफ और मैड्रिड में सैन एंटोनियो डे ला फ्लोरिडा में हत्याएं (1798)। 1792 में एक गंभीर बीमारी के परिणामस्वरूप कलाकार को पूर्ण बहरापन हो गया। स्थायी शारीरिक और आध्यात्मिक आघात के बाद मास्टर की कला अधिक केंद्रित, विचारशील, आंतरिक रूप से गतिशील हो जाती है। बाहरी दुनिया, बहरेपन के कारण बंद हो गई, गोया के आंतरिक आध्यात्मिक जीवन को सक्रिय किया।

नक़्क़ाशी में “ Caprichos” गोया तात्कालिक प्रतिक्रियाओं, आवेगपूर्ण भावनाओं के प्रसारण में असाधारण शक्ति प्राप्त होती है। काले और सफेद प्रदर्शन, बड़े स्थानों के बोल्ड संयोजन के लिए धन्यवाद, ग्राफिक्स की रैखिकता विशेषता की अनुपस्थिति, एक पेंटिंग के सभी गुणों को प्राप्त करती है।

मैड्रिड गोया में सेंट एंथोनी के चर्च की पेंटिंग बनाता है, ऐसा लगता है, एक सांस में। स्ट्रोक का स्वभाव, रचना का लयवाद, पात्रों की विशेषताओं की अभिव्यक्ति, जिसका प्रकार गोया सीधे भीड़ से लिया गया था, अद्भुत हैं। कलाकार में एंथनी फ्लोरिडा के चमत्कार को दर्शाया गया है, जिसने हत्या किए गए आदमी को जन्म दिया और बोला, जिसने हत्यारे को नाम दिया और इस तरह निर्दोष अपराधी को फांसी से बचाया। ज्वलंत प्रतिक्रिया देने वाली भीड़ की गतिशीलता को इशारों में और चित्रित चेहरों के चेहरे के भावों में व्यक्त किया जाता है। चर्च के अंतरिक्ष में भित्ति चित्र के वितरण की संरचना योजना में, चित्रकार टाइपोलो का अनुसरण करता है, लेकिन दर्शक में जो प्रतिक्रिया वह करता है, वह बारोक नहीं है, लेकिन शुद्ध रूप से रोमांटिक है, प्रत्येक दर्शक की भावना को प्रभावित करता है, उसे मुड़ने का आग्रह करता है। खुद को।

सबसे अधिक, यह लक्ष्य कॉन्टो डेल सॉर्डो ("डेफ ऑफ़ हाउस") की पेंटिंग में प्राप्त किया गया है, जिसमें गोया 1819 से रहते थे। कमरों की दीवारें एक शानदार और प्रशंसनीय प्रकृति की पंद्रह रचनाओं के साथ कवर की गई हैं। उन्हें स्वीकार करने के लिए गहरी सहानुभूति की आवश्यकता होती है। छवियां शहरों, महिलाओं, पुरुषों, आदि के किसी प्रकार के दर्शन के रूप में दिखाई देती हैं। रंग, चमकती, एक आकृति को खींचती है, फिर दूसरी। एक पूरे के रूप में पेंटिंग गहरे, सफेद, पीले, गुलाबी-लाल रंग के धब्बे हैं, जो चमक में भावनाओं को परेशान करते हैं। श्रृंखला की नक्काशी को डेफ हाउस के समानांतर एक ग्राफिक माना जा सकता है “ असहमति” .

गोया ने पिछले 4 साल फ्रांस में बिताए। यह संभावना नहीं है कि वह जानती थी कि डेलाक्रोइक्स ने कभी भी अपने कैप्रिचोस के साथ भाग नहीं लिया था। और मैं यह नहीं सोच सकता कि ह्यूगो और बॉडेलियर को इन नक्शों से कैसे दूर किया जाएगा, मानेट पर उनकी पेंटिंग का कितना बड़ा प्रभाव होगा और 80 के दशक में XIX सदी में कैसे। वी। स्टासोव रूसी कलाकारों को "युद्ध की आपदा" का अध्ययन करने के लिए आमंत्रित करेंगे।

लेकिन हम इसे ध्यान में रखते हैं, जानते हैं कि 19 वीं और 20 वीं शताब्दी की कलात्मक संस्कृति पर बोल्ड यथार्थवादी और प्रेरित रोमांटिक की इस "स्टाइललेस" कला का कितना बड़ा प्रभाव पड़ा है।

सपनों की शानदार दुनिया का एहसास उनके काम में है, जो रोमांटिक रोमांटिक कलाकार हैं विलियम ब्लेक(१ (५-18-१ )२))। इंग्लैंड रोमांटिक साहित्य की क्लासिक भूमि थी। बायरन, शेली "धूमिल एल्बियन" की सीमाओं से परे इस आंदोलन का बैनर बन गया। फ्रांस में, "रोमांटिक लड़ाइयों" की पत्रिका की आलोचना में, रोमांटिक लोगों को "शेक्सपियरवादी" कहा जाता था। अंग्रेजी चित्रकला की मुख्य विशेषता हमेशा मानव व्यक्ति में रुचि रही है, जिसने पोर्ट्रेट शैली को फलने-फूलने की अनुमति दी। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद भावुकता से बहुत निकटता से जुड़ा है। मध्य युग में रोमांटिक रुचि ने एक बड़े ऐतिहासिक साहित्य को जन्म दिया, जिसके मान्यता प्राप्त मास्टर डब्ल्यू स्कॉट हैं। पेंटिंग में, मध्य युग के विषय ने तथाकथित प्री-राफेलाइट्स की उपस्थिति का निर्धारण किया।

विलियम ब्लेक अंग्रेजी सांस्कृतिक परिदृश्य में रोमांटिक का एक अद्भुत प्रकार है। वह कविता लिखते हैं, अपने स्वयं के और अन्य लोगों की पुस्तकों का चित्रण करते हैं। उनकी प्रतिभा ने एक समग्रता में दुनिया को गले लगाने और व्यक्त करने की मांग की। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाओं में बाइबिल की नौकरी, डांटे की डिवाइन कॉमेडी, मिल्टन के पैराडाइज लॉस्ट के लिए चित्रण माना जाता है। वह अपनी रचनाओं में नायकों की टाइटैनिक आकृतियों के साथ रहते हैं, जो एक अवास्तविक प्रबुद्ध या फैंटमसैगोरिक दुनिया के उनके वातावरण के अनुरूप हैं। विद्रोही अभिमान या सद्भाव की भावना के कारण विसंगतियों को पैदा करना मुश्किल होता है, जो उनके चित्रण को भर देता है।

ब्लेक की रूमानियत दुनिया के अस्तित्व का अपना कलात्मक सूत्र और रूप खोजने की कोशिश करती है।

विलियम ब्लेक ने अपनी मृत्यु के बाद अत्यधिक गरीबी और अस्पष्टता में जीवन व्यतीत किया, उनकी मृत्यु अंग्रेजी कला के क्लासिक्स के मेजबान के रूप में हुई।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत के अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकारों के काम में। रोमांटिक शौक प्रकृति के एक अधिक उद्देश्य और शांत दृष्टिकोण के साथ संयुक्त हैं।

रोमांटिक रूप से उन्नत परिदृश्य बनाते हैं विलियम टर्नर (1775-1851)। वह गरज, वर्षा, समुद्र में तूफानों, उज्ज्वल, उग्र सूर्यास्त को चित्रित करना पसंद करता था। टर्नर ने अक्सर प्रकाश के प्रभावों को अतिरंजित किया और प्रकृति की एक शांत स्थिति को चित्रित करते हुए भी रंगों की ध्वनि को बढ़ाया। अधिक प्रभाव के लिए, उन्होंने पानी के रंग की तकनीक का इस्तेमाल किया और बहुत पतली परत में तेल पेंट लगाया और इंद्रधनुषी रंगों को प्राप्त करते हुए सीधे जमीन पर पेंट किया। एक उदाहरण तस्वीर होगी “ वर्षा, भाप तथा स्पीड” (१ (४४) है। लेकिन उस समय के प्रसिद्ध आलोचक भी ठाकरे तस्वीर को सही ढंग से नहीं समझ पाए, शायद डिजाइन और निष्पादन में अभिनव। "बारिश गंदी पोटीन के दाग से संकेत मिलता है," उन्होंने लिखा, "पैलेट चाकू के साथ कैनवास पर छिड़का हुआ, गंदे पीले क्रोम के बहुत मोटी गांठ के नीचे से सूरज की रोशनी में टिमटिमाता है। छाया को स्कारलेट क्रिमसन और म्यूट सिनाबर स्पॉट के ठंडे रंगों द्वारा व्यक्त किया जाता है। और हालांकि लोकोमोटिव भट्ठी में आग लाल दिखती है, मैं यह कहने का नाटक नहीं कर सकता कि यह कोबाल्ट में या मटर के रंग में चित्रित नहीं किया गया था। एक अन्य आलोचक को टर्नर की कलर स्कीम "फटे अंडे और पालक" मिली। दिवंगत टर्नर के रंग आम तौर पर उनके समकालीनों के लिए पूरी तरह से अकल्पनीय और शानदार लग रहे थे। उन में वास्तविक टिप्पणियों के दाने को देखने के लिए एक सदी से अधिक समय लगा। लेकिन अन्य मामलों की तरह, यह यहाँ था। एक प्रत्यक्षदर्शी की जिज्ञासु कहानी, या जन्म के एक गवाह

19 वीं शताब्दी के मध्य की अंग्रेजी कला। टर्नर की पेंटिंग की तुलना में पूरी तरह से अलग दिशा में विकसित किया गया है। यद्यपि उनके कौशल को आम तौर पर मान्यता दी गई थी, लेकिन युवाओं में से कोई भी उनका अनुसरण नहीं करता था।

II। रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के लिए रूस में रोमांटिकतावाद पश्चिमी यूरोपीय से भिन्न था। फ्रांसीसी क्रांति को इसके उद्भव के कारणों में नहीं गिना जा सकता है, क्योंकि लोगों के एक बहुत ही संकीर्ण दायरे ने इसके पाठ्यक्रम में परिवर्तनों पर कोई उम्मीद जताई थी। और क्रांति के परिणामों ने इसमें पूरी तरह से निराश किया। XIX सदी की शुरुआत में रूस में पूंजीवाद का सवाल। खड़ा नहीं हुआ। इसलिए, ऐसा कोई कारण भी नहीं था। वास्तविक कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोगों की पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी। लेकिन युद्ध के बाद लोगों को वसीयत नहीं मिली। वास्तविकता के साथ असंतुष्ट सबसे अच्छा, दिसंबर 1825 में सीनेट स्क्वायर में आया। यह अधिनियम भी रचनात्मक बुद्धिजीवियों के लिए एक ट्रेस के बिना पारित नहीं हुआ। युद्ध के बाद के वर्षों में अशांति की स्थिति बन गई जिसमें रूसी रूमानियत का निर्माण हुआ।

अपने कैनवस में, रूसी रोमांटिक चित्रकारों ने स्वतंत्रता के प्यार की भावना व्यक्त की, सक्रिय कार्रवाई, जोश और जुनून से मानवतावाद के प्रकटीकरण की अपील की। रूसी चित्रकारों के रोजमर्रा के कैनवस उनकी प्रासंगिकता और मनोवैज्ञानिकता, एक अभूतपूर्व अभिव्यक्ति से प्रतिष्ठित हैं। आध्यात्मिक, उदासी परिदृश्य फिर से मानव दुनिया में घुसने के लिए रोमैंटिक द्वारा एक ही प्रयास है, यह दिखाने के लिए कि एक व्यक्ति कैसे रहता है और उपनगरीय दुनिया में सपने देखता है। रूसी रोमांटिक पेंटिंग विदेशी पेंटिंग से अलग थी। यह ऐतिहासिक सेटिंग और परंपरा दोनों द्वारा निर्धारित किया गया था।

रूसी रोमांटिक पेंटिंग की विशेषताएं:

Ÿ शैक्षिक विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन पतन नहीं हुआ, जैसा कि यूरोप में हुआ। इसलिए, रोमांटिकता का उच्चारण नहीं किया गया था;

Ÿ रोमांटिकतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जिसे अक्सर इसके साथ जोड़ा गया;

रूस में Ÿ अकादमिक पेंटिंग अभी तक ख़त्म नहीं हुई है;

Ÿ रूस में स्वच्छंदतावाद एक स्थिर परिघटना नहीं थी, रूमानियत अकादमिकता की ओर आकर्षित थी। XIX सदी के मध्य तक। रोमांटिक परंपरा लगभग मर चुकी है।

1790 के दशक में रूस में पहले से ही रोमांटिकतावाद से संबंधित कार्य दिखाई देने लगे (फोडोसिय यानेंको द्वारा काम किया गया) " यात्री, पकड़े गए आंधी" (1796), " आत्म चित्र में हेलमेट" (१ (९ २)। उनके पास एक स्पष्ट प्रोटोटाइप है - साल्वेटर रोजा, जो 18 वीं और 19 वीं शताब्दी के मोड़ पर बहुत लोकप्रिय था। बाद में, इस प्रो-रोमांटिक कलाकार का प्रभाव अलेक्जेंडर ओरलोव्स्की के काम में ध्यान देने योग्य होगा। लुटेरे, कैम्प फायर के दृश्य, लड़ाई अपने पूरे करियर के साथ। अन्य देशों की तरह, रूसी रोमांटिकतावाद से जुड़े कलाकारों ने चित्र, परिदृश्य और शैली के दृश्यों की शास्त्रीय शैलियों में एक पूरी तरह से नया भावनात्मक मूड पेश किया।

रूस में, रोमांटिकतावाद पहले चित्रण में खुद को प्रकट करना शुरू कर दिया। 19 वीं शताब्दी के पहले तीसरे भाग में, इसने अधिकांश भाग के लिए गणमान्य अभिजात वर्ग के साथ अपना संबंध खो दिया। कवियों, कलाकारों, कला संरक्षकों के चित्रण, साधारण किसानों के चित्रण एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा करने लगे। यह प्रवृत्ति विशेष रूप से O.A के काम में स्पष्ट रूप से प्रकट हुई थी। किप्रेंस्की (1782 - 1836) और वी.ए. ट्रोपिनिन (1776 - 1857)।

तुलसी एंड्रीविच ट्रोपिनिन एक व्यक्ति के जीवंत, आसान चरित्र चित्रण के लिए उसके चित्र के माध्यम से व्यक्त किया। « चित्र बेटा» (1818), « चित्र तथा. से. पुश्किन» (1827), « आत्म चित्र» (1846) मूल निवासी के चित्र समानता से नहीं, बल्कि किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में उनकी असामान्य रूप से सूक्ष्म पैठ से होते हैं।

सृजन का इतिहास असामान्य रूप से दिलचस्प है “ चित्र पुश्किन”. हमेशा की तरह, पुश्किन के साथ पहले परिचित के लिए, ट्रोपिनिन सोबोलेवस्की के घर आया, जहां कवि तब रहते थे। कलाकार ने उन्हें कार्यालय में पिल्लों के साथ मिलनसार पाया। उसी समय, जाहिरा तौर पर, पहली छाप के अनुसार लिखा गया था, जिसे ट्रोपिनिन ने बहुत सराहा, एक छोटा सा स्केच। लंबे समय तक वह पीछा करने वालों की नज़रों से बचा रहा। केवल लगभग सौ साल बाद, 1914 तक, यह P.M द्वारा प्रकाशित किया गया था। Schekotov, जिन्होंने लिखा है कि अलेक्जेंडर सेर्गेविच के सभी चित्रों में से, वह "अपनी विशेषताओं को बताता है ... कवि की नीली आँखें एक विशेष प्रतिभा के साथ भरी हुई हैं, सिर की बारी त्वरित है, और चेहरे की विशेषताएं अभिव्यंजक और मोबाइल हैं। । निस्संदेह, यहां पुश्किन के चेहरे की वास्तविक विशेषताओं पर कब्जा कर लिया गया है, जो कि हम व्यक्तिगत रूप से एक या दूसरे पोर्ट्रेट्स में पाते हैं जो हमारे पास आ गए हैं। यह हैरान करने वाला बना हुआ है, - स्कोटकोव जोड़ता है, - इस आराध्य स्केच को कवि के प्रकाशकों और पारखी लोगों का उचित ध्यान क्यों नहीं मिला। यह छोटे etude के बहुत गुणों द्वारा समझाया गया है: इसमें न तो रंगों की चमक थी, न ही ब्रशस्ट्रोक की सुंदरता, और न ही इसमें मास्टर "राउंडअबाउट्स" लिखा गया था। और यहां पुश्किन एक लोक "सफेद" नहीं एक "प्रतिभा" है, लेकिन सभी एक आदमी से ऊपर नहीं है। और यह विश्लेषण करना बहुत मुश्किल है कि इतनी बड़ी मानव सामग्री नीरस ग्रे-ग्रीन, जैतून के पैमाने में, जल्दबाजी में क्यों निहित है, जैसे कि लगभग नॉनडेसस्क्रिप्ट दिखने वाले स्केच के ब्रश के आकस्मिक स्ट्रोक।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, Tver रूस का एक महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र था। यहाँ युवा है ओरस्टेस किपरेन्स्की ए.एस. पुश्किन से मुलाकात की, जिसका चित्र बाद में चित्रित किया गया, जो विश्व चित्रण का मोती बन गया। " चित्र पुश्किन» O. Kiprensky का ब्रश काव्य प्रतिभा का एक जीवित व्यक्ति है। सिर के निर्णायक मोड़ में, बाहों में छाती पर सख्ती से पार, कवि की संपूर्ण उपस्थिति में स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की भावना परिलक्षित होती है। यह उसके बारे में था जिसे पुश्किन ने कहा: "मैं खुद को एक दर्पण के रूप में देखता हूं, लेकिन यह दर्पण मुझे समतल करता है।" पुश्किन के चित्र पर काम में, ट्रोपिनिन और किप्रेन्स्की आखिरी बार मिलते हैं, हालांकि यह बैठक उनकी अपनी आँखों से नहीं होती है, लेकिन कई साल बाद कला के इतिहास में, जहाँ, एक नियम के रूप में, दो चित्र सबसे बड़े रूसी कवि की तुलना एक साथ की जाती है, लेकिन अलग-अलग जगहों पर - एक मास्को में, दूसरा पीटर्सबर्ग में। अब यह रूसी कला के लिए उनके महत्व में उतने ही महान उस्तादों की एक बैठक है। हालाँकि किप्रेन्स्की के प्रशंसकों का तर्क है कि कलात्मक लाभ उनके रोमांटिक चित्र के पक्ष में हैं, जहां कवि को अपने विचारों में डूबा हुआ दिखाया गया है, केवल संग्रह के साथ, छवि की राष्ट्रीयता और लोकतांत्रिकता निश्चित रूप से ट्रोपिनिन के "पुश्किन" की तरफ है ।

इस प्रकार, दो चित्रणों ने रूसी कला में दो प्रवृत्तियों को प्रतिबिंबित किया, दो राजधानियों में केंद्रित। और आलोचक बाद में लिखेंगे कि ट्रोपिनिन मास्को के लिए था जो किप्रेन्स्की पीटर्सबर्ग के लिए था।

किप्रेन्स्की के चित्रों की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि वे किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक आकर्षण और आंतरिक कुलीनता को दर्शाते हैं। एक नायक का चित्र, बहादुर और भावना में मजबूत, एक उन्नत रूसी व्यक्ति के स्वतंत्रता-प्रेमी और देशभक्तिपूर्ण मूड के मार्ग को अपनाने वाला था।

सामने “ चित्र इ. में. डेविडोवा” (१ (० ९) एक अधिकारी का आंकड़ा दर्शाता है जिसने सीधे तौर पर एक मजबूत और बहादुर व्यक्तित्व के उस पंथ की अभिव्यक्ति व्यक्त की, जो उन वर्षों के रोमांटिकतावाद के लिए इतना विशिष्ट था। खंडित रूप से दिखाया गया परिदृश्य, जहां अंधेरे के खिलाफ प्रकाश की एक किरण नायक की भावनात्मक चिंता पर संकेत देती है, लेकिन उसके चेहरे पर स्वप्निल संवेदनशीलता का प्रतिबिंब है। किपरेन्स्की एक व्यक्ति में "मानव" की तलाश में था, और आदर्श ने उससे मॉडल के व्यक्तिगत लक्षणों का निरीक्षण नहीं किया।

किप्रेंस्की के चित्र, यदि आप उन्हें अपने दिमाग की आंखों में देखते हैं, तो किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और प्राकृतिक संपत्ति, उसकी बौद्धिक शक्ति को दर्शाते हैं। हां, उनके पास एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व का आदर्श था, जिसे उनके समकालीनों द्वारा भी चर्चा की गई थी, लेकिन किपरेन्स्की ने इस आदर्श को कलात्मक छवि पर शाब्दिक रूप से पेश नहीं किया। एक कलात्मक छवि बनाने में, वह प्रकृति से आगे बढ़े, जैसे कि यह मापना कि इस तरह के आदर्श से कितनी दूर या निकट है। वास्तव में, उनके द्वारा दर्शाए गए कई लोग आदर्श की दहलीज पर हैं, इसके लिए प्रयास कर रहे हैं, लेकिन आदर्श ही, रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के विचारों के अनुसार, शायद ही प्राप्त हो, और सभी रोमांटिक कला बस इसके लिए एक रास्ता है।

अपने नायकों की आत्माओं में विरोधाभासों को ध्यान में रखते हुए, उन्हें जीवन के चिंताजनक क्षणों में दिखाते हैं, जब भाग्य बदलते हैं, पिछले विचारों को तोड़ते हैं, युवा पत्ते, आदि, किप्रेन्स्की अपने मॉडलों के साथ अनुभव कर रहे हैं। इसलिए - कलात्मक चित्रों की व्याख्या में चित्रकार की एक विशेष भागीदारी, जो चित्र को "भावपूर्ण" छाया प्रदान करती है।

किप्रेन्स्की के काम के शुरुआती समय में, आप संदेहवाद से संक्रमित व्यक्तियों को नहीं देखेंगे, आत्मा का विश्लेषण करते हुए। यह बाद में आएगा, जब रोमांटिक समय अपनी शरद ऋतु की रूपरेखा तैयार करता है, जो अन्य मनोदशाओं और भावनाओं को रास्ता देता है, जब एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व पतन के आदर्श की विजय की उम्मीद करता है। 1800 के सभी पोर्ट्रेट्स और टवर में निष्पादित पोर्ट्रेट्स में, किपरेन्स्की में एक बोल्ड ब्रश है जो आसानी से और स्वतंत्र रूप से एक फॉर्म बनाता है। तकनीकों की जटिलता, आकृति का चरित्र टुकड़ा से टुकड़े में बदल गया।

यह उल्लेखनीय है कि उनके पात्रों के चेहरे पर आपको वीरता नहीं दिखाई देगी, इसके विपरीत, अधिकांश चेहरे बल्कि उदास हैं, वे प्रतिबिंबों में लिप्त हैं। ऐसा लगता है कि ये लोग रूस के भाग्य के बारे में चिंतित हैं, भविष्य के बारे में वर्तमान की तुलना में अधिक सोचते हैं। महत्वपूर्ण घटनाओं में प्रतिभागियों की पत्नियों और बहनों का प्रतिनिधित्व करने वाली महिला पात्रों में, किप्रेन्स्की ने जानबूझकर वीरतापूर्ण उत्थान के लिए प्रयास नहीं किया। सहजता, स्वाभाविकता की भावना प्रबल होती है। इसके अलावा, सभी चित्रों में आत्मा की सच्ची कुलीनता है। महिलाओं की छवियां उनकी मामूली गरिमा, प्रकृति की अखंडता के साथ आकर्षित करती हैं; पुरुषों के चेहरे में, एक जिज्ञासु विचार, तप के लिए तत्परता का अनुमान लगाया जाता है। ये छवियां डेसमब्रिस्टों के परिपक्व नैतिक और सौंदर्यवादी विचारों के साथ मेल खाती हैं। उनके विचारों और आकांक्षाओं को कई लोगों द्वारा साझा किया गया था, कलाकार उनके बारे में जानते थे, और इसलिए हम कह सकते हैं कि 1812-1814 की घटनाओं में प्रतिभागियों के उनके चित्र, एक ही वर्ष में बनाए गए किसानों के चित्र एक प्रकार के कलात्मक समानांतर हैं। Decembrism की उभरती अवधारणाएँ।

विदेशियों ने किप्रेन्स्की को रूसी वान डाइक कहा, उनके चित्र दुनिया भर के कई संग्रहालयों में हैं। लेविंस्की और बोरोविकोवस्की के काम के उत्तराधिकारी, एल इवानोव और के। ब्रायलोव के पूर्ववर्ती, किप्रेंस्की ने अपने काम से रूसी कला विद्यालय को यूरोपीय प्रसिद्धि दी। अलेक्जेंडर इवानोव के शब्दों में, "वह पहले रूसी नाम को यूरोप में लाने वाला था ..."।

किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व में रूचि, रूमानियत की विशेषता, 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में चित्र शैली के उत्कर्ष को पूर्व निर्धारित किया, जहाँ स्व-चित्र प्रमुख विशेषता बन गया। एक नियम के रूप में, स्व-चित्र का निर्माण एक यादृच्छिक एपिसोड नहीं था। कलाकारों ने बार-बार खुद को लिखा और चित्रित किया, और ये रचनाएं एक तरह की डायरी बन गईं जो आत्मा की विभिन्न अवस्थाओं और जीवन के चरणों को दर्शाती हैं, और साथ ही, वे अपने समकालीनों को संबोधित एक घोषणापत्र थे। स्व-चित्र एक कस्टम शैली नहीं थी, कलाकार ने खुद के लिए और यहां लिखा, पहले से कहीं अधिक, वह आत्म-अभिव्यक्ति में स्वतंत्र था। 18 वीं शताब्दी में, रूसी कलाकारों ने शायद ही कभी लेखक की छवियों को चित्रित किया, केवल व्यक्ति के अपने पंथ के साथ रोमांटिकतावाद, अनन्य ने इस शैली के उदय में योगदान दिया। स्व-चित्र प्रकार की विविधता स्वयं को समृद्ध और बहुमुखी व्यक्तित्व के रूप में कलाकारों की धारणा को दर्शाती है। वे तब निर्माता की सामान्य और स्वाभाविक भूमिका में दिखाई देते हैं ( " आत्म चित्र में मख़मली लेना" ए जी वार्नेक, 1810s), तो वे अतीत में डुबकी लगाते हैं, जैसे कि वह खुद पर कोशिश कर रहे हैं ( " आत्म चित्र में हेलमेट तथा कवच" F.I. यानेंको, 1792), या, अधिक बार, किसी भी पेशेवर विशेषताओं के बिना प्रकट होते हैं, हर व्यक्ति के महत्व और मूल्य की पुष्टि करते हैं, दुनिया को मुक्त और खुले, उदाहरण के लिए, एफए ब्रूनी और ओ। ए। ओर्लोव्स्की 1810 के स्वयं के चित्रों में। । संवाद और खुलेपन के लिए तत्परता, 1810-1820 के कार्यों के आलंकारिक समाधान की विशेषता, धीरे-धीरे थकान और निराशा, विसर्जन, अपने आप में वापसी से बदल जाती है ( " आत्म चित्र" एम। आई। टेरेबनेवा)। यह प्रवृत्ति सामान्य तौर पर चित्र शैली के विकास में परिलक्षित हुई।

किप्रेन्स्की के आत्म-चित्र सामने आए, जो ध्यान देने योग्य है, जीवन के महत्वपूर्ण क्षणों में, उन्होंने मानसिक शक्ति के बढ़ने या गिरने की गवाही दी। अपनी कला के माध्यम से, कलाकार ने खुद को देखा। हालांकि, उन्होंने ज्यादातर चित्रकारों की तरह, एक दर्पण का उपयोग नहीं किया; उन्होंने ज्यादातर खुद को प्रतिनिधित्व के आधार पर लिखा, अपनी भावना व्यक्त करना चाहते थे, लेकिन उनकी उपस्थिति नहीं।

“आत्म चित्र से ब्रश प्रति कान” छवि के बाहरी महिमामंडन, इसकी शास्त्रीय मानकता और आदर्श निर्माण से इनकार, और स्पष्ट रूप से प्रदर्शनकारी पर बनाया गया है। चेहरे की विशेषताएं मोटे तौर पर उल्लिखित हैं। कलाकार के चित्र पर प्रकाश के अलग-अलग प्रतिबिंब, चित्र की पृष्ठभूमि का प्रतिनिधित्व करने वाले बमुश्किल अलग करने योग्य चिलमन पर बुझते हैं। यहां सब कुछ जीवन की अभिव्यक्ति, भावनाओं, मनोदशाओं के अधीन है। यह स्व-चित्र की कला के माध्यम से रोमांटिक कला पर एक नज़र है।

इस आत्म चित्र के साथ लगभग एक साथ लिखा गया था और “ आत्म चित्र में गुलाबी ग्रीवा दुपट्टा” जहां एक और छवि सन्निहित है। एक चित्रकार के पेशे के प्रत्यक्ष संदर्भ के बिना। एक युवा व्यक्ति की छवि जो सहजता से महसूस करती है, स्वाभाविक रूप से, मुक्त हो गई है। कैनवास की सुरम्य सतह को सूक्ष्म रूप से निर्मित किया गया है। कलाकार का ब्रश छोटे और बड़े स्ट्रोक को छोड़कर, पेंट को आत्मविश्वास से लागू करता है। रंग शानदार रूप से विकसित किए गए हैं, रंग सुस्त हैं, सामंजस्यपूर्ण रूप से एक-दूसरे के साथ संयुक्त हैं, प्रकाश शांत है: प्रकाश धीरे-धीरे जवान आदमी के चेहरे पर डालता है, अनावश्यक विशेषताओं और विरूपण के बिना, उसकी विशेषताओं को रेखांकित करता है।

एक अन्य उत्कृष्ट चित्रकार था के बारे में. तथा. ओरलोव्स्की. 1809 तक, इस तरह के एक भावनात्मक रूप से समृद्ध चित्र पत्रक है “ आत्म चित्र” ... संगीन और चारकोल के एक सुस्वाद मुक्त स्पर्श के साथ (चाक के साथ बैकलिट) “ आत्म चित्र” ओर्लोव्स्की अपनी कलात्मक अखंडता, विशिष्ट छवि, प्रदर्शन की कलात्मकता के साथ आकर्षित करता है। उसी समय, यह हमें ओरलोवस्की की कला के कुछ अजीब पहलुओं को समझने की अनुमति देता है। “ आत्म चित्र” बेशक, ऑर्लोव्स्की के पास उन वर्षों के कलाकार की विशिष्ट उपस्थिति को सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत करने का लक्ष्य नहीं है। इससे पहले कि हम कई तरीकों से एक "कलाकार" की अतिरंजित छवि, अपने स्वयं के "मैं" का विरोध करते हुए आसपास की वास्तविकता के लिए। उसे अपने स्वरूप की "शालीनता" से कोई सरोकार नहीं है: कंघी और ब्रश उसके रसीले बालों को नहीं छूते थे, उसके कंधे पर एक खुले कॉलर के साथ उसके घर की शर्ट के ठीक ऊपर एक चेकर के घेरे का किनारा होता है। शिफ्टेड आइब्रो के नीचे से "ग्लॉमी" टकटकी के साथ सिर का एक तेज मोड़, एक पोर्ट्रेट का एक क्लोज-अप शॉट जिसमें चेहरे को क्लोज़-अप, लाइट कॉन्ट्रास्ट में दर्शाया गया है - यह सब विरोध के मुख्य प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से है व्यक्ति को पर्यावरण (और इस प्रकार दर्शक) के रूप में चित्रित किया जा रहा है।

व्यक्तिगतता की पुष्टि करने का मार्ग - उस समय की कला में सबसे प्रगतिशील विशेषताओं में से एक - चित्र का मुख्य वैचारिक और भावनात्मक स्वर बनाता है, लेकिन एक अजीब पहलू में दिखाई देता है जो उस अवधि की रूसी कला में लगभग नहीं पाया जाता है। व्यक्तित्व की पुष्टि उसकी आंतरिक दुनिया के धन के प्रकटीकरण के माध्यम से नहीं, बल्कि उसके चारों ओर की हर चीज की अस्वीकृति के माध्यम से होती है। उसी समय, छवि, निस्संदेह, सीमित, सीमित दिखती है।

इस तरह के समाधान उस समय के रूसी चित्रण में ढूंढना मुश्किल है, जहां पहले से ही 18 वीं शताब्दी के मध्य में नागरिक और मानवतावादी इरादों ने जोर से आवाज की और एक व्यक्ति के व्यक्तित्व ने कभी भी पर्यावरण के साथ मजबूत संबंध नहीं तोड़े। एक बेहतर, सामाजिक-लोकतांत्रिक व्यवस्था का सपना देखते हुए, उस युग के रूस में लोग वास्तविकता से बिल्कुल भी नहीं हटते थे, पश्चिमी यूरोप में पनपे "व्यक्तिगत स्वतंत्रता" के व्यक्तिवादी पंथ को जानबूझकर खारिज कर दिया, जो बुर्जुआ क्रांति द्वारा पुनर्जीवित हुआ। यह रूसी चित्रांकन में स्पष्ट रूप से स्पष्ट था। एक ही तुलना करना है “ आत्म चित्र” ओरलोव्स्की के साथ “ आत्म चित्र” किप्रेन्स्की, ताकि दो पोर्ट्रेट चित्रकारों के बीच गंभीर आंतरिक अंतर तुरंत स्पष्ट हो।

किपरेन्स्की एक व्यक्ति के व्यक्तित्व को "हीरो" भी करता है, लेकिन वह इसके वास्तविक आंतरिक मूल्यों को दिखाता है। कलाकार के चेहरे में, दर्शक एक मजबूत दिमाग, चरित्र, नैतिक पवित्रता की विशेषताएं बताता है।

किप्रेन्स्की की पूरी उपस्थिति अद्भुत बड़प्पन और मानवता के साथ कवर की गई है। वह अपने आस-पास की दुनिया में "अच्छे" और "बुरे" के बीच अंतर करने में सक्षम है, और दूसरे को अस्वीकार करने, प्यार करने और समान विचारधारा वाले लोगों को प्यार और मूल्य की सराहना करता है। उसी समय, हमारे सामने, निस्संदेह, एक मजबूत व्यक्तित्व, अपने व्यक्तिगत गुणों के मूल्य की चेतना पर गर्व है। वास्तव में पोर्ट्रेट छवि की एक ही अवधारणा किप्रेन्स्की द्वारा डी। डेविडॉ के प्रसिद्ध वीर चित्र पर आधारित है।

ऑरलोव्स्की, किप्रेन्स्की की तुलना में, अधिक सीमित रूप से, अधिक सीधे और बाहरी रूप से "मजबूत व्यक्तित्व" की छवि को हल करता है, स्पष्ट रूप से बुर्जुआ फ्रांस की कला पर ध्यान केंद्रित कर रहा है। जब तुम उसकी तरफ देखते हो “ आत्म चित्र” ए। ग्रो, जेरिकॉल्ट के चित्र अनायास ही दिमाग में आ जाते हैं। प्रोफाइल से फ्रेंच पोर्ट्रेट आर्ट की आंतरिक निकटता भी पता चलती है “ आत्म चित्र” ओर्लोव्स्की 1810, व्यक्तिवादी "आंतरिक शक्ति" के अपने पंथ के साथ, हालांकि, पहले से ही एक तेज "स्केच" रूप से रहित “ आत्म चित्र” 1809 या “ चित्र द्वैत”. उत्तरार्द्ध में, ओर्लोव्स्की, स्व-चित्र में, एक शानदार, "वीर" मुद्रा का उपयोग करता है, जो सिर और कंधों के एक तेज, लगभग क्रॉस आंदोलन के साथ होता है। वह ड्यूपॉर्ट के चेहरे की अनियमित संरचना, उसके बिखरे बालों पर जोर देता है, जिसका उद्देश्य एक ऐसी छवि बनाना है जो अपनी अनूठी, यादृच्छिक विशेषता में आत्मनिर्भर हो।

"परिदृश्य एक चित्र होना चाहिए", - के। एन। बटयुशकोव ने लिखा। परिदृश्य शैली की ओर रुख करने वाले अधिकांश कलाकार अपने काम में इस दृष्टिकोण का पालन करते हैं। शानदार परिदृश्य की ओर जाने वाले स्पष्ट अपवादों में ए.ओ. ओरलोव्स्की ( " समुद्री राय" , 1809); ए। जी। वर्णक ( " राय में परिवेश रोम" , 1809); P.V.Basin (" आकाश पर सूर्य का अस्त होना में परिवेश रोम" , " संध्या दृश्यों" , दोनों - 1820)। विशिष्ट प्रकारों का निर्माण करते हुए, उन्होंने संवेदना, भावनात्मक संतृप्ति की संरचना को बरकरार रखा, जो संरचनात्मक तकनीकों के साथ स्मारकीय ध्वनि तक पहुंच गया।

युवा ओर्लोव्स्की ने प्रकृति में केवल टाइटैनिक बलों को देखा, जो मनुष्य की इच्छा के अधीन नहीं था, जो तबाही, आपदा पैदा करने में सक्षम था। उग्र समुद्र तत्व के साथ मनुष्य का संघर्ष उसके "विद्रोही" रोमांटिक काल के कलाकार के पसंदीदा विषयों में से एक है। यह 1809 से 1810 तक उनके चित्र, जल रंग और तेल चित्रों की सामग्री बन गया। दुखद दृश्य चित्र में दिखाया गया है “ जहाज़ की तबाही” (1809 (?))। जमीन पर गिरे हुए अंधेरे में, तेज लहरों के बीच, मछुआरे डर से डूबते हुए तटीय चट्टानों पर चढ़ जाते हैं, जिस पर उनका जहाज दुर्घटनाग्रस्त हो जाता है। रंग, गंभीर लाल स्वर में निरंतर, चिंता की भावना को बढ़ाता है। शक्तिशाली लहरों की छाप, एक तूफान का पूर्वाभास, धमकी दे रहे हैं, और एक अन्य तस्वीर में - “ पर किनारा सागरों” (1809) है। तूफानी आकाश में इसकी एक बहुत बड़ी भावनात्मक भूमिका है, जो अधिकांश रचनाओं को उठाती है। यद्यपि ओर्लोवस्की को हवाई परिप्रेक्ष्य की कला नहीं पता थी, योजनाओं का क्रमिक संक्रमण यहां सामंजस्यपूर्ण और धीरे से हल किया गया था। रंग हल्का हो गया है। मछुआरों के कपड़ों के लाल धब्बे लाल-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर खूबसूरती से खेलते हैं। वाटर कलर में बेचैन और परेशान करने वाला समुद्री तत्व “ सेलिंग एक नाव” (लगभग 1812)। और तब भी जब हवा पाल को नहीं बहाती है और पानी की सतह को चीरती नहीं है, जैसा कि पानी के रंग में होता है “ समुद्री दृश्यों से जहाजों” (लगभग १ prem१०), दर्शक यह अनुमान नहीं छोड़ता कि तूफान शांत होगा।

परिदृश्य में एक अलग चरित्र था से. एफ. शचीद्रिन... वे मनुष्य और प्रकृति के बीच सह-अस्तित्व के सामंजस्य से भरे हैं। (" छत पर किनारा सागरों. कप्पुचिनी पास में Sorrento" , 1827) है। उनके ब्रश द्वारा नेपल्स के कई विचारों को असाधारण सफलता मिली।

शानदार तस्वीरों में तथा. सेवा मेरे. Aivazovsky प्राकृतिक शक्तियों के संघर्ष और शक्ति के साथ उत्साह के रोमांटिक आदर्श, मानवीय भावना की दृढ़ता और अंत तक लड़ने की क्षमता को स्पष्ट रूप से सन्निहित किया गया था। फिर भी, मास्टर की विरासत में एक बड़ा स्थान रात के सीपियों द्वारा कब्जा कर लिया जाता है जो उन विशिष्ट स्थानों के लिए समर्पित हैं जहां तूफान रात के जादू को रास्ता देता है, एक समय जो कि रोमांटिक लोगों के विचारों के अनुसार, एक रहस्यमय आंतरिक जीवन से भरा है, और जहां कलाकार की चित्रात्मक खोज असाधारण प्रकाश प्रभाव को निकालने के तरीके के उद्देश्य से है। " राय ओडेसा में चांद्र रात" , " राय कांस्टेंटिनोपल पर चांद्र प्रकाश" , दोनों - 1846)।

प्राकृतिक तत्वों का विषय और आश्चर्यचकित व्यक्ति, रोमांटिक कला का पसंदीदा विषय, 1800s-1850 के कलाकारों द्वारा अलग-अलग तरीकों से व्याख्या की गई थी। रचनाएँ वास्तविक घटनाओं पर आधारित थीं, लेकिन छवियों का अर्थ उनके उद्देश्यपूर्ण रीटेलिंग में नहीं था। एक विशिष्ट उदाहरण प्योत्र बेसिन की पेंटिंग है " भूकंप में रोक्का डि पिता पास में रोम" (1830)। यह किसी विशिष्ट घटना के वर्णन के लिए इतना समर्पित नहीं है जितना कि उस व्यक्ति के डर और भय के चित्रण के लिए जो तत्वों के प्रकट होने का सामना करता है।

रूस में एक विश्वदृष्टि के रूप में स्वच्छंदतावाद 18 वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक अपनी पहली लहर में मौजूद था। 1850 के दशक में रूसी कला में रोमांटिक रेखा बाधित नहीं हुई थी। कला के लिए रोमांटिक लोगों द्वारा खोला गया, "ब्लू रोज़" के कलाकारों के बीच बाद में विकसित होने की स्थिति का विषय। रोमैंटिक्स के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, उद्देश्यों, अभिव्यंजक तकनीकों ने विभिन्न शैलियों, प्रवृत्तियों, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया है। रोमांटिक दृष्टिकोण या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़, और फलदायी में से एक निकला।

साहित्य में एक प्रवृत्ति के रूप में स्वच्छंदतावाद

स्वच्छंदतावाद, सबसे पहले, इस विश्वास पर आधारित एक विशेष दृष्टिकोण है कि "आत्मा" "मामले" से बेहतर है। रोमांटिक सिद्धांतकारों के अनुसार, रचनात्मक सिद्धांत, वास्तव में आध्यात्मिक सब कुछ के पास है, जिसे उन्होंने वास्तव में मानव के साथ पहचाना था। और, इसके विपरीत, सब कुछ, उनके विचारों के अनुसार, सामग्री, जो आगे बढ़ रही है, मनुष्य की वास्तविक प्रकृति को भंग कर देती है, अपने सार को प्रकट नहीं होने देती है, बुर्जुआ वास्तविकता की स्थितियों में यह लोगों को विभाजित करता है, के बीच दुश्मनी का स्रोत बन जाता है उन्हें, दुखद स्थितियों की ओर ले जाता है। रूमानियत में एक सकारात्मक नायक, एक नियम के रूप में, अपने चारों ओर के स्वार्थ की दुनिया के ऊपर अपनी चेतना के स्तर में उगता है, इसके साथ असंगत है, वह जीवन का लक्ष्य कैरियर बनाने में नहीं, धन के संचय में देखता है , लेकिन मानव जाति के उच्च आदर्शों की सेवा करने में - मानव-स्वतंत्रता, स्वतंत्रता, भाईचारा। सकारात्मक लोगों के विपरीत नकारात्मक रोमांटिक चरित्र, समाज के साथ सद्भाव में हैं, उनकी नकारात्मकता मुख्य रूप से इस तथ्य में निहित है कि वे अपने आसपास के बुर्जुआ पर्यावरण के नियमों के अनुसार रहते हैं। नतीजतन (और यह बहुत महत्वपूर्ण है), रूमानीवाद न केवल आदर्श और आध्यात्मिक रूप से हर चीज के काव्यात्मकता के लिए एक आकांक्षा है, यह एक ही समय में अपने ठोस सामाजिक-ऐतिहासिक रूप में बदसूरत के संपर्क में है। इसके अलावा, आध्यात्मिकता की कमी की आलोचना शुरू से ही रोमांटिक कला को दी गई थी, यह सार्वजनिक जीवन के रोमांटिक दृष्टिकोण के बहुत सार से है। बेशक, सभी लेखकों और सभी शैलियों को उचित चौड़ाई और तीव्रता के साथ नहीं दिखाया गया है। लेकिन न केवल लेर्मोंटोव के नाटकों में या वी। ओडोएव्स्की की "धर्मनिरपेक्ष कहानियों" में महत्वपूर्ण मार्ग स्पष्ट है, यह ज़ुकोवस्की की एलिगिज़ में भी महसूस किया गया है, जो सरफोम रूस की स्थितियों में आध्यात्मिक रूप से समृद्ध व्यक्ति के दुखों और दुखों को प्रकट करता है।

अपने द्वैतवाद ("आत्मा" और "माँ" के खुलेपन) के कारण रोमांटिक विश्वदृष्टि, जीवन की छवि को तेज विरोधाभासों में निर्धारित करती है। इसके विपरीत की उपस्थिति रोमांटिक प्रकार की रचनात्मकता की विशिष्ट विशेषताओं में से एक है और इसलिए, शैली। प्रेमिकाओं के काम में आध्यात्मिक और सामग्री एक-दूसरे के तीव्र विरोध में हैं। सकारात्मक रोमांटिक नायक को आमतौर पर एक अकेला प्राणी के रूप में चित्रित किया जाता है, इसके अलावा, समकालीन समाज में पीड़ित (गयौर, कोसर द्वारा बायरन, कोज़लोव द्वारा चेरेट्स, रैल्व द्वारा वोरारोव्स्की, लेर्मोंटोव द्वारा मात्स्यारी, और अन्य)। कुरूप के चित्रण में, रोमांटिक लोग अक्सर ऐसी रोजमर्रा की सहमति प्राप्त करते हैं कि उनके काम को यथार्थवादी से अलग करना मुश्किल है। एक रोमांटिक दृष्टिकोण के आधार पर, न केवल व्यक्तिगत छवियां बनाना संभव है, बल्कि संपूर्ण कार्य भी हैं जो रचनात्मकता के प्रकार में यथार्थवादी हैं।

स्वच्छंदतावाद उन लोगों के लिए निर्दयी है, जो अपने स्वयं के उत्थान के लिए लड़ रहे हैं, संवर्धन के बारे में सोच रहे हैं या सुख की प्यास से जूझ रहे हैं, इसके नाम पर सार्वभौमिक नैतिक कानूनों का उल्लंघन करते हैं, सार्वभौमिक मानवीय मूल्यों (मानवता, स्वतंत्रता और अन्य लोगों के प्रेम) पर रौंद करते हैं ।

रोमांटिक साहित्य में, व्यक्तिवाद (मैनफ़्रेड, लारा इन बायरन, पेचोरिन, लेमनोंटोव में दानव, और अन्य) से संक्रमित नायकों की कई छवियां हैं, लेकिन वे गहरे दुखद प्राणियों की तरह दिखते हैं, जो अकेलेपन से पीड़ित हैं, साधारण दुनिया के साथ विलय करने की लालसा लोग। एक व्यक्तिवादी व्यक्ति की त्रासदी को प्रकट करते हुए, रोमांटिकतावाद ने सच्ची वीरता का सार दिखाया, जो स्वयं को मानव जाति के आदर्शों के लिए निस्वार्थ सेवा में प्रकट करता है। रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र में व्यक्तित्व अपने आप से मूल्यवान नहीं है। इसका मूल्य लोगों को मिलने वाले लाभों में वृद्धि के साथ बढ़ता है। एक व्यक्ति के रोमांटिकतावाद में पुष्टिकरण शामिल हैं, सबसे पहले, निजी संपत्ति मनोविज्ञान के खतरनाक प्रभावों से, व्यक्तिवाद से उसकी मुक्ति में।

रोमांटिक कला के केंद्र में मानव व्यक्तित्व, उसकी आध्यात्मिक दुनिया, उसके आदर्श, जीवन की बुर्जुआ व्यवस्था की परिस्थितियों में उसके आदर्श, चिंताएँ और दुःख, स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की प्यास हैं। रोमन नायक अपने स्थान को बदलने में असमर्थता से, अलगाव से ग्रस्त है। इसलिए, रोमांटिक साहित्य की लोकप्रिय शैलियां, जो रोमांटिक विश्वदृष्टि के सार को पूरी तरह से दर्शाती हैं, त्रासदी, नाटकीय, गीत-महाकाव्य और गीत कविताएं, लघु कथाएं, एली हैं। रोमनवाद ने जीवन के निजी स्वामित्व के सिद्धांत के साथ वास्तव में मानव के लिए सब कुछ की असंगति का खुलासा किया, और यह इसका महान ऐतिहासिक महत्व है। उन्होंने साहित्य में एक पुरुष-सेनानी के रूप में परिचय दिया, जो अपने कयामत के बावजूद, स्वतंत्र रूप से कार्य करता है, क्योंकि वह महसूस करता है कि लक्ष्य हासिल करने के लिए संघर्ष आवश्यक है।

रोमेंटिक्स को कलात्मक सोच की चौड़ाई और पैमाने की विशेषता है। सार्वभौमिक मानवीय महत्व के विचारों को अपनाने के लिए, वे ईसाई किंवदंतियों, बाइबिल किंवदंतियों, प्राचीन पौराणिक कथाओं, लोक परंपराओं का उपयोग करते हैं। रोमांटिक प्रवृत्ति के कवि प्रतीकात्मकता और कलात्मक चित्रण के अन्य पारंपरिक तरीकों का सहारा लेते हैं, जो उनके लिए इतने व्यापक प्रसार में वास्तविकता दिखाना संभव बनाता है जो यथार्थवादी कला में पूरी तरह से अकल्पनीय था। उदाहरण के लिए, यह संभव नहीं है, कि वास्तविक टंकण के सिद्धांत का पालन करते हुए, लेर्मोंटोव की द डेमन की संपूर्ण सामग्री को व्यक्त करना संभव है। कवि पूरे ब्रह्मांड को अपने टकटकी, स्केचेस कॉस्मिक पेय के साथ ग्रहण करता है, जिसके पुनरुत्पादन में यथार्थवादी संक्षिप्तता, सांसारिक वास्तविकता की स्थितियों में परिचित, अनुचित होगा:

वायु सागर पर

कोई पतवार और कोई पाल

कोहरे में चुपचाप तैरता रहा

चोइर दुबला चमकदार।

इस मामले में, कविता का चरित्र सटीकता के साथ अधिक सुसंगत नहीं था, लेकिन, इसके विपरीत, ड्राइंग की अनिश्चितता के साथ, जिसने एक हद तक ब्रह्मांड के किसी व्यक्ति के विचार को व्यक्त नहीं किया, लेकिन उसकी भावनाओं को। उसी तरह, "ग्राउंडिंग", दानव की छवि के समवशरण से उसे समझ में एक निश्चित कमी आएगी क्योंकि एक टाइटैनिक प्राणी अलौकिक शक्ति से संपन्न था।

कलात्मक चित्रण की पारंपरिक तकनीकों में रुचि को इस तथ्य से समझाया गया है कि रोमांटिक लोग अक्सर संकल्प के लिए दार्शनिक और विश्वदृष्टि के सवाल रखते हैं, हालांकि, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, वे सांसारिक, अभियोजन-रोजमर्रा के चित्रण से दूर नहीं करते हैं, जो सब कुछ असंगत है आध्यात्मिक, मानव के साथ। रोमांटिक साहित्य में (एक नाटकीय कविता में), संघर्ष आमतौर पर वर्णों का नहीं बल्कि विचारों का, संपूर्ण विश्वदृष्टि अवधारणाओं (मैनफ्रेड, कैन बाय बायरन, प्रोमेथियस फ्रीड बाय शेली) पर निर्मित होता है, जो स्वाभाविक रूप से यथार्थवादी की सीमा तक कला का नेतृत्व करता है संक्षिप्तता।

रोमांटिक नायक की बौद्धिकता, प्रतिबिंब के लिए उनका विचार काफी हद तक इस तथ्य के कारण है कि वह शैक्षिक उपन्यास के पात्रों या 18 वीं शताब्दी के "फिलिस्तीन" नाटक की तुलना में विभिन्न परिस्थितियों में कार्य करता है। उत्तरार्द्ध ने रोजमर्रा के संबंधों के बंद क्षेत्र में काम किया, प्रेम का विषय उनके जीवन में केंद्रीय स्थानों में से एक पर कब्जा कर लिया। रोमैंटिक्स ने कला को इतिहास के विशाल विस्तार तक पहुंचाया। उन्होंने देखा कि लोगों का भाग्य, उनकी चेतना का स्वरूप सामाजिक परिवेश से इतना अधिक निर्धारित नहीं है जितना एक युग के रूप में, इसमें होने वाली राजनीतिक, सामाजिक, आध्यात्मिक प्रक्रियाएँ सभी मानव जाति के भविष्य को प्रभावित करती हैं। सबसे निर्णायक तरीका है। इस प्रकार, एक व्यक्तित्व के आत्म-मूल्य का विचार, खुद पर निर्भरता, इसका पतन हो जाएगा, और सामाजिक-ऐतिहासिक परिस्थितियों की जटिल दुनिया पर इसकी निर्भरता का पता चला था।

एक निश्चित विश्वदृष्टि और रचनात्मकता के प्रकार के रूप में स्वच्छंदतावाद रोमांस के साथ भ्रमित नहीं होना चाहिए, अर्थात्। एक आदर्श लक्ष्य का सपना, आदर्श के लिए प्रयास करने और इसे देखने के लिए एक भावुक इच्छा। रोमांस, एक व्यक्ति के विचारों के आधार पर, क्रांतिकारी हो सकता है, आगे बुला सकता है, और रूढ़िवादी, अतीत को काव्यात्मक बना सकता है। यह यथार्थवादी आधार पर विकसित हो सकता है और यूटोपियन हो सकता है।

इतिहास और मानव अवधारणाओं की परिवर्तनशीलता की स्थिति से आगे बढ़ते हुए, रोमांटिक लोग पुरातनता की नकल का विरोध करते हैं, मूल कला के सिद्धांतों का बचाव करते हैं जो उनके राष्ट्रीय जीवन, उसके जीवन के तरीके, रीति-रिवाजों, विश्वासों आदि के सच्चे पुनरुत्पादन पर आधारित हैं।

रूसी रोमान्टिक्स "स्थानीय रंग" के विचार का बचाव करते हैं, जिसका अर्थ है कि राष्ट्रीय-ऐतिहासिक, अद्वितीयता में जीवन का चित्रण। यह कला में राष्ट्रीय-ऐतिहासिक समरसता के प्रवेश की शुरुआत थी, जिसने अंततः रूसी साहित्य में यथार्थवादी पद्धति की जीत का मार्ग प्रशस्त किया।