इतालवी पुनर्जागरण चित्रकला - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian और Giorgione। पुनर्जागरण कलाकारों Rena अंग्रेजी पुनर्जागरण कलाकारों

एंगेलिको फ्रा बीटो
जीआईओटीटीओ डी बॉन्डोन
मेन्टेनिया एंड्रिया
बेलिनी जीओवानी
BOTTICELLI सैंड्रो
VERONEZE पाओलो
डा विंसी लियोनार्डो
जोर्डन
कार्पेस्को विट्टोर
मिचलंगो भवन
रफेल सैंटी
टाइटियन

पुनर्जागरण, या पुनर्जागरण -
(फ्रेंच पुनर्जागरण, इतालवी रिनसिमेंटो) -
यूरोपीय संस्कृति के इतिहास में एक युग,
जिसने मध्य युग की संस्कृति को बदल दिया और
आधुनिक समय की संस्कृति से पहले।
युग का अनुमानित कालानुक्रमिक ढांचा - XIV-XVI सदियों।
पुनर्जागरण की एक विशिष्ट विशेषता संस्कृति की धर्मनिरपेक्ष प्रकृति है
और इसका मानवशास्त्रवाद (अर्थात, ब्याज, पहले स्थान पर,
एक व्यक्ति और उसकी गतिविधियों के लिए)।
प्राचीन संस्कृति में रुचि दिखाई देती है,
वहाँ है, जैसा कि यह था, इसका "पुनर्जन्म" - और इस तरह से यह शब्द दिखाई दिया।

पुनर्जागरण इटली में क्लासिक पूर्णता के साथ हुआ,
पुनर्जागरण की संस्कृति जिसमें पूर्व-पुनर्जागरण की अवधि हैं
13 वीं और 14 वीं शताब्दी के मोड़ पर घटना। (प्रोटो-पुनर्जागरण), प्रारंभिक पुनर्जागरण (15 वीं शताब्दी),
उच्च पुनर्जागरण (15 वीं देर से - 16 वीं शताब्दी की पहली तिमाही),
स्वर्गीय पुनर्जागरण (16 वीं शताब्दी)।
शुरुआती पुनर्जागरण में, नवाचार का फोकस
फ्लोरेंटाइन स्कूल कला के सभी रूपों में बन गया,
आर्किटेक्ट (एफ। ब्रुनेलेस्की, एल.बी. अल्बर्टी, बी। रोसेलिनो, आदि),
मूर्तिकार (एल। घिबर्टी, डोनटेलो, जैकोपो डेला क्वेरसिया, ए। रोसेलिनो,
डेसिडेरियो दा सेतिग्नानो, आदि), चित्रकार (मासिआको, फिलिपो लिप्पी,
एंड्रिया डेल कैस्टैग्नो, पाओलो उक्लो, फ्रा एंजेलिको,
सैंड्रो बोथीसेली और अन्य) जिन्होंने एक अभिन्न अंग बनाया,
आंतरिक एकता के साथ दुनिया की एक अवधारणा,
धीरे-धीरे पूरे इटली में फैल रहा है
(उरिनो, विट्टोर कार्पेस्को में पिएरो डेला फ्रांसेस्का के काम करता है)
फेरारा में एफ कोसा, मंटुआ में ए। मोंटेगना, एंटेलो दा मेसिना
और भाई जेंटाइल और वेनिस में जियोवानी बेलिनी)।
उच्च पुनर्जागरण के दौरान, जब मानवतावादी के लिए संघर्ष किया
पुनर्जागरण के आदर्शों ने एक तनावपूर्ण और वीर चरित्र लिया,
वास्तुकला और दृश्य कलाओं को अक्षांश द्वारा चिह्नित किया गया था
सार्वजनिक ध्वनि, सिंथेटिक सामान्यीकरण और छवियों की शक्ति,
आध्यात्मिक और शारीरिक गतिविधि से भरा हुआ।
डी। ब्रैमांटे, राफेल की इमारतों में, एंटोनियो द संगालो पहुँचे
इसका आदर्श सही सद्भाव, स्मारक और स्पष्ट अनुपात है;
मानवतावादी परिपूर्णता, कलात्मक कल्पना की साहसिक उड़ान,
वास्तविकता के कवरेज की चौड़ाई सबसे बड़ी की रचनात्मकता की विशेषता है
इस युग की ललित कलाएँ - लियोनार्डो दा विंची,
राफेल, माइकल एंजेलो, जियोर्जियो, टिटियन।
16 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही से, जब इटली ने राजनीतिक संकट की अवधि में प्रवेश किया
और मानवतावाद के विचारों में निराशा, कई स्वामी का काम
एक जटिल और नाटकीय चरित्र का अधिग्रहण किया।
स्वर्गीय पुनर्जागरण की वास्तुकला में (माइकल एंजेलो, जी। डा। विग्नोला,
Giulio Romano, V. Peruzzi) ने स्थानिक विकास में रुचि बढ़ाई
संरचना, एक विस्तृत शहरी नियोजन अवधारणा के निर्माण की अधीनता;
समृद्ध और परिष्कृत सार्वजनिक भवनों, मंदिरों में,
विला, प्रारंभिक पुनर्जागरण के स्पष्ट स्पष्ट विवर्तनिकों के पलाज़ो बदल गए
टेक्टोनिक बलों का तीव्र संघर्ष (जे। सैनसिनो द्वारा इमारतें)
जी। एलेसी, एम। सनमचेली, ए। पल्लदियो)।
स्वर्गीय पुनर्जागरण चित्रकला और मूर्तिकला समृद्ध हुई
दुनिया की विरोधाभासी प्रकृति की समझ, छवि में रुचि
नाटकीय सामूहिक कार्रवाई, स्थानिक गतिशीलता के लिए
(पाओलो वेरोनीज़, जे। टिंटोरेटो, जे। बासानो);
अभूतपूर्व गहराई, जटिलता, आंतरिक त्रासदी तक पहुँच गया
बाद के कार्यों में छवियों की मनोवैज्ञानिक विशेषताएं
माइकल एंजेलो और टिटियन।

विनीशियन स्कूल

वेनिस स्कूल, इटली के प्रमुख पेंटिंग स्कूलों में से एक है
वेनिस शहर में केंद्रित (आंशिक रूप से टेराफार्म के छोटे शहरों में भी-
वेनिस से सटे मुख्य भूमि के क्षेत्र)।
विनीशियन स्कूल को चित्रमय शुरुआत की प्रबलता से दर्शाया गया है,
रंग की समस्याओं पर विशेष ध्यान, लागू करने की इच्छा
कामुक पूर्णता और होने की प्रतिभा।
विनीशियन स्कूल का सबसे बड़ा उत्कर्ष युग में पहुँचा
प्रारंभिक और उच्च पुनर्जागरण, एंटोनेलो दा मेसिना के कार्यों में,
जिन्होंने अपने समकालीनों के लिए तेल चित्रकला की अभिव्यंजक संभावनाएं खोलीं,
Giovanni Bellini और Giorgione द्वारा आदर्श सामंजस्यपूर्ण छवियों के निर्माता,
सबसे महान रंगकर्मी टिटियन, जिसने अपने कैनवस में अवतार लिया
विनीशियन पेंटिंग में खुशमिजाज और रंगीन फुर्तीला।
16 वीं शताब्दी के 2 वीं छमाही के वेनिस स्कूल के स्वामी के कार्यों में।
दुनिया के बहुरंगियों को संदेश देने का गुण, उत्सव के चश्मे का प्यार
और स्पष्ट और छिपे हुए नाटक के साथ एक बहु भीड़ भीड़,
ब्रह्मांड की गतिशीलता और अनन्तता का एक खतरनाक अर्थ
(पाओलो वेरोनीस और जे। टिंटोरेटो द्वारा पेंटिंग)।
17 में पारंपरिक विनीशियन स्कूल में रंग की समस्याओं में रुचि
डी। फेट्टी, बी। स्ट्रोजी और अन्य सह-कलाकारों की रचनाओं में बारोक पेंटिंग की तकनीक के साथ,
कारवागिज़्म की भावना के साथ-साथ यथार्थवादी प्रवृत्ति।
18 वीं शताब्दी की वेनिस पेंटिंग के लिए। फल-फूल रहा
स्मारक और सजावटी पेंटिंग (जी। बी। टपोलो),
शैली शैली (जे। बी। पियाजेट्टा, पी। लोंधी),
प्रलेखित - सटीक वास्तुशिल्प परिदृश्य - सीसा
(जे। ए। कैनेलेटो, बी। बेलोट्टो) और गीतकार,
सूक्ष्म रूप से रोजमर्रा की जिंदगी के काव्य वातावरण को व्यक्त करते हैं
वेनिस सिटीस्केप (F. Guardi)।

फ्लोरेंटाइन स्कूल

फ्लोरेंटाइन स्कूल, प्रमुख इतालवी कला स्कूलों में से एक
फ्लोरेंस शहर में केंद्र के साथ पुनर्जागरण।
फ्लोरेंटाइन स्कूल का गठन, जिसने अंततः 15 वीं शताब्दी में आकार लिया,
मानवतावादी विचार के उत्कर्ष में योगदान दिया
(एफ। पेट्रार्का, जे। बोकासीको, लिको डेला मिरांडोला, आदि)।
पुरातनता की विरासत में बदल गया।
प्रो-पुनर्जागरण के युग में जियोटो फ्लोरेंटाइन स्कूल के संस्थापक बने,
उनकी रचनाओं को प्लास्टिक की दृढ़ता देने और
महत्वपूर्ण निश्चितता।
15 वीं शताब्दी में। फ़्लोरेंस में पुनर्जागरण कला के संस्थापक
वास्तुकार एफ। ब्रुनेलेस्की, मूर्तिकार डोनटेलो,
चित्रकार मासिआको, उसके बाद वास्तुकार एल.बी. अल्बर्टी,
मूर्तिकार एल। घिर्बी, लुका डेला रोबबिया, डेसिडेरियो डा सेटिग्नानो,
बेनेटेटो दा मायानो और अन्य
15 वीं शताब्दी में फ्लोरेंटाइन स्कूल की वास्तुकला में। एक नया प्रकार बनाया गया था
पुनर्जागरण पलाज़ो, मंदिर निर्माण के आदर्श प्रकार की खोज शुरू हो गई है,
युग के मानवतावादी आदर्शों को पूरा करना।
15 वीं शताब्दी के फ्लोरेंटाइन स्कूल की ललित कला के लिए। विशेषता
परिप्रेक्ष्य की समस्याओं के लिए जुनून, बहुत स्पष्ट रूप से स्पष्ट करने के लिए प्रयास करना
मानव आकृति का निर्माण
(ए। डेल वेरोकियो, पी। ऊक्लो, ए। डेल कास्टागानो, आदि) द्वारा काम करता है।
और उसके कई आकाओं के लिए - एक विशेष आध्यात्मिकता और एक अंतरंग गीतात्मक
चिंतन (बी। गूज़ोली द्वारा पेंटिंग, सैंड्रो बोथिकेली,
फ्रा एंजेलिको, फिलिपो लिप्पी, पिएरो डी कोसिमो, आदि)।
15 वीं शताब्दी के स्वामी की खोज पुनर्जागरण के महान कलाकारों द्वारा पूरा किया गया
लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो, जिन्होंने कलात्मक खोज को उभारा
फ्लोरेंटाइन स्कूल गुणवत्ता के एक नए स्तर पर। 1520 के दशक में।
इस तथ्य के बावजूद कि स्कूल की क्रमिक गिरावट शुरू होती है
फ्लोरेंस में कई प्रमुख कलाकारों ने काम करना जारी रखा
(चित्रकार फ्रा बार्टोलोमियो और एंड्रिया डेल सार्टो, मूर्तिकार ए। सैनसिनो);
1530 के दशक से। फ्लोरेंटाइन स्कूल मुख्य केंद्रों में से एक बन जाता है
ढंगवादी कला (वास्तुकार और चित्रकार जी। वसारी,
चित्रकार ए। ब्रोंज़िनो, जे। पोन्टोर्मो)।
17 वीं शताब्दी में, फ्लोरेंटाइन स्कूल क्षय में गिर गया।

जल्दी नवजागरण

तथाकथित "प्रारंभिक पुनर्जागरण" की अवधि शामिल है
इटली में समय 1420 से 1500 तक है।
इन अस्सी वर्षों के दौरान, कला ने अभी तक पूरी तरह से त्याग नहीं किया है
हाल के अतीत की किंवदंतियों से, लेकिन उनके साथ तत्वों को मिलाने की कोशिश करता है,
शास्त्रीय पुरातनता से उधार लिया गया।
केवल बाद में, और केवल थोड़ा-थोड़ा करके, अधिक से अधिक के प्रभाव में
और जीवन और संस्कृति की मजबूत बदलती स्थितियाँ,
कलाकार पूरी तरह से मध्ययुगीन नींव को छोड़ देते हैं और साहसपूर्वक उपयोग करते हैं
प्राचीन कला के उदाहरणों में उनके कार्यों की सामान्य अवधारणा में,
और उनके विवरण में।

जबकि इटली में कला पहले से ही नकल की राह पर चल रही थी
शास्त्रीय प्राचीनता, अन्य देशों में यह थी
गॉथिक शैली की परंपराएं। आल्प्स के उत्तर और स्पेन में भी,
पुनरुद्धार केवल 15 वीं शताब्दी के अंत में आता है,
और इसकी शुरुआती अवधि अगली सदी के मध्य तक रहती है,
उत्पादन के बिना, हालांकि, विशेष रूप से उल्लेखनीय कुछ भी।

उच्च पुनर्जागरण

पुनर्जागरण की दूसरी अवधि - उनकी शैली के सबसे शानदार विकास का समय -
आमतौर पर "उच्च पुनर्जागरण" कहा जाता है
यह इटली में लगभग 1500 से 1580 तक फैला है।
इस समय, फ्लोरेंस से इतालवी कला के गुरुत्वाकर्षण का केंद्र
रोम के लिए कदम, जूलियस II की पापुलेशन के लिए धन्यवाद,
एक महत्वाकांक्षी, साहसी और उद्यमी व्यक्ति,
अपने दरबार में सर्वश्रेष्ठ इतालवी कलाकारों को आकर्षित किया,
जो कई और महत्वपूर्ण कार्यों के साथ उन पर कब्जा कर लिया और दिया
दूसरों को कला के लिए प्यार का एक उदाहरण है। इस पोप और उनके करीबी उत्तराधिकारियों के साथ,
रोम बन जाता है, जैसा कि पेरिकल्स के समय के नए एथेंस थे:
इसमें कई स्मारक इमारतें बनी हैं,
शानदार मूर्तिकला प्रदर्शन किया जाता है,
भित्तिचित्रों और चित्रों को चित्रित किया जाता है, जिन्हें अभी भी चित्रकला के मोती माना जाता है;
जबकि कला की तीनों शाखाएँ सामंजस्यपूर्वक चलती हैं,
एक दूसरे की मदद करना और एक दूसरे पर परस्पर क्रिया करना।
पुरातनता का अब अधिक गहन अध्ययन किया जाता है,
अधिक कठोरता और स्थिरता के साथ पुन: उत्पन्न;
चंचल सुंदरता के बजाय शांतता और गरिमा को बसाया जाता है,
जो पूर्ववर्ती काल की आकांक्षा थी;
मध्ययुगीनता की यादें पूरी तरह से गायब हो जाती हैं, और काफी क्लासिक
छाप कला की सभी कृतियों पर पड़ती है।
लेकिन पूर्वजों की नकल से कलाकारों में अपनी स्वतंत्रता नहीं डूबती,
और वे महान संसाधन और कल्पना की जीविका के साथ,
स्वतंत्र रूप से प्रक्रिया और क्या लागू होते हैं
जिसे ग्रीको-रोमन कला से उसके लिए उधार लेना उचित माना जाता है।

देर से पुनर्जागरण

पुनर्जागरण की तीसरी अवधि,
तथाकथित "देर से पुनर्जागरण" अवधि,
कुछ भावुक, कलाकारों की बेचैन इच्छा से प्रतिष्ठित है
एक उचित अनुक्रम के बिना, काफी मनमाने ढंग से विकसित होते हैं
और काल्पनिक चित्रों को प्राप्त करने के लिए, प्राचीन रूपांकनों को संयोजित करें
रूपों की अतिशयोक्ति और दिखावा।
इस आकांक्षा के संकेत, जिसने बारोक शैली को जन्म दिया,
और फिर, 18 वीं शताब्दी में, रोकोको शैली को वापस दिखाया गया था
पूर्ववर्ती अवधि काफी हद तक अनैच्छिक गलती के कारण होती है
महान माइकल एंजेलो, उनके सरल, लेकिन बहुत व्यक्तिपरक
एक अत्यंत मुक्त दृष्टिकोण के एक खतरनाक उदाहरण की रचनात्मकता
प्राचीन कला के सिद्धांत और रूप; लेकिन अब दिशा
इसे सार्वभौमिक बनाया गया है।

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ANGELICO, FRA BEATO -
(फ्रा जियोवन्नी दा फिसोले) (एंजेलिको, फ्रा बीटो; फ्रा जियोवानी दा फिसोले)
(सी। 1400-1455), फ्लोरेंटाइन स्कूल के इतालवी चित्रकार।
उनकी रचनाओं में गहरी धार्मिक सामग्री और शैली का परिष्कार सम्मिलित है;
गॉथिक पेंटिंग परंपरा और पुनर्जागरण की नई कला की विशेषताएं।
Fra Angelico, जिन्हें दुनिया में Guido di Piero नाम दिया गया था,
1400 के आसपास टस्कनी के विचियो शहर में पैदा हुआ था। 1417 में वापस डेटिंग पर एक दस्तावेज में,
वह पहले से ही एक कलाकार के रूप में उल्लिखित है; यह भी ज्ञात है
1423 से पहले फ़िसोल में, उन्होंने डोमिनिकन क्रम में प्रवेश किया, फ़्रा जियोवन्नी दा फ़िज़ोल का नाम प्राप्त किया,
और बाद में फ्लोरेंस में सैन मार्को के मठ के मठाधीश थे।
फ्रा एंजेलिको के काम की शुरुआती अवधि के लिए कई कार्यों को जिम्मेदार ठहराया गया,
अब उनके छात्रों के कामों पर विचार किया जाता है, उनकी रचनाओं के विषयों पर बदलाव किया जाता है।
कलाकार के पहले प्रमुख कार्यों में से एक मठ से लिनयुओली ट्रिप्टिच है
फ्लोरेंस (1433-1435) में सैन मार्को, जिसके मध्य भाग में वर्जिन और चाइल्ड का प्रतिनिधित्व है
सिंहासन पर, और किनारे पर दो संत हैं। भगवान की माँ की आकृति को पारंपरिक रूप से दिखाया गया है,
और स्थायी संतों के चित्रण में, मसिआको की पेंटिंग का प्रभाव ध्यान देने योग्य है, जिसमें चेहरे के भारी और कठोर मॉडलिंग हैं।
1430 और 1440 के दशक में फेरा एंजेलिको एक नए प्रकार की वेदीपीरी का उपयोग करने वाले पहले लोगों में से एक थे,
जो पुनर्जागरण के दौरान बहुत लोकप्रिय हुआ - त्रिक वार्तालाप (पवित्र साक्षात्कार)।
1438 से 1445 तक कलाकार ने सैन मार्को के फ्लोरेंटाइन मठ को भित्ति चित्रों के साथ चित्रित किया।
पोप यूजीन IV द्वारा डोमिनिकन ऑर्डर में स्थानांतरित इस मठ का पुनर्निर्माण एक वास्तुकार द्वारा किया गया था
ड्यूक कोसिमो मेडिसी द्वारा मिशिलोज़ो कमीशन। भित्ति चित्र का विषय डोमिनिकन ऑर्डर के साथ जुड़ा हुआ है,
इसका इतिहास, चार्टर, विशेष रूप से श्रद्धेय संत।
एक उदाहरण क्लोस्टर का भित्ति चित्र है (मृत मसीह; एक पथिक के रूप में मसीह;)
जो दो डोमिनिकन भिक्षुओं द्वारा प्राप्त किया जाता है; सेंट पीटर शहीद (डोमिनिक के प्रमुख संत);
सेंट डोमिनिक, क्रूसिफ़िक्स में घुटने टेकते हुए)।
अध्याय हॉल में फ्रा एंजेलिको ने दो लुटेरों के साथ एक बड़ी रचना Crucifixion लिखी
मसीह के पक्ष में और ईसाई धर्म के सभी युगों से संतों की भीड़, क्रॉस के पैर पर इकट्ठी हुई।
उनके शोकपूर्ण चेहरे पृथ्वी पर बदल दिए जाते हैं, कोई भी मसीह को नहीं देखता है;
कलाकार ने क्रूसिफ़ेशन को एक ऐतिहासिक घटना के रूप में नहीं, बल्कि एक रहस्यमय छवि के रूप में चित्रित किया,
मानव चेतना में रहते हैं।
सैन मार्को के मठ के भित्तिचित्र मसीह की भावना की भावना भरते हैं - एक रहस्यमय धार्मिक ग्रंथ,
केम्पी के ऑगस्टिनियन कैनन थॉमस द्वारा लिखित।
प्रत्येक कोशिका को भित्तिचित्रों से भी सजाया गया था, जो कि भाइयों के संपादन के लिए थी,
उदाहरण के लिए, ईसा मसीह की रचना मॉकरी। इन भित्तिचित्रों की मनोदशा सादगी से मेल खाती है और
चित्रकला का शांत संयम।
अपने जीवन के अंतिम दस वर्ष Fra Angelico ने रोम में बिताए, जहाँ उन्होंने चैपल को भित्ति चित्रों से सजाया था
पोप निकोलस वी (1445-1448)। सेंट के जीवन के टुकड़े लॉरेंस और सेंट। स्टीफन।
डिजाइन के अनुसार, ये प्रार्थना चित्रों की तुलना में अधिक कथात्मक दृश्य थे।
वे जटिल वास्तुकला पृष्ठभूमि का उपयोग करते हैं, जिसके निर्माण में ज्ञान महसूस किया जाता है
प्राचीन कला के मास्टर, और ठीक-ठीक कैलिब्रेट किए गए परिप्रेक्ष्य निर्माणों में से एक के प्रभाव को देख सकते हैं
मासिआस्को और ब्रुनेलेस्ची।

वर्जिन मैरी का राज्याभिषेक

एसटी की पीड़ा। कॉसमस और डेमियन

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Giotto di Bondone - 1266 या 1267 में पैदा हुआ
एक छोटे जमींदार के परिवार में फ्लोरेंस के पास वेस्पिग्नानो गांव में।
संभवतः 10 वर्ष की आयु में, Giotto ने पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया
एक प्रसिद्ध फ्लोरेंटाइन चित्रकार, सिमाबु के स्टूडियो में।
गियोटो फ्लोरेंस के नागरिक थे, हालांकि उन्होंने अस्सी, रोम, पडुआ में भी काम किया था,
नेपल्स और मिलान। उनकी कलात्मक प्रतिभा और व्यावहारिक व्यवसाय कौशल को सुनिश्चित किया
वह एक ठोस अवस्था में है। इस तथ्य के बावजूद कि Giotto की कार्यशाला पनपी,
इतिहास ने उनके नाम से हस्ताक्षरित कुछ ही कैनवस को संरक्षित किया है,
और यहां तक \u200b\u200bकि, विशेषज्ञों के अनुसार, सबसे अधिक संभावना उसके सहायकों के ब्रश से संबंधित है।
गोटो की तेजतर्रार शख्सियत प्रोटो-पुनर्जागरण के इतालवी आकाओं के बीच में है,
सबसे पहले, एक नया कलात्मक ढंग बनाने के लिए, नया करने की प्रवृत्ति,
आने वाले पुनर्जागरण की क्लासिक शैली को पूर्व निर्धारित किया।
उनकी पेंटिंग मानवता के विचार का प्रतीक है और मानवतावाद की पहली शुरुआत करती है।
1290-99 में। गिओटो ने असीसी में सैन फ्रांसेस्को के ऊपरी चर्च के भित्ति चित्र बनाए -
पुराने नियम के दृश्यों को दर्शाने वाले 25 भित्तिचित्र, साथ ही फ्रांसिस ऑफ असीसी के जीवन के एपिसोड
("द मिरेकल ऑफ द सोर्स")। भित्ति चित्र उनकी स्पष्टता के लिए उल्लेखनीय हैं, सरल कथा,
प्रतिदिन के विवरण की उपस्थिति जो चित्रित दृश्यों को जीवन शक्ति और स्वाभाविकता प्रदान करती है।
उस समय की कला पर हावी होने वाले सनकी कैनन को खारिज कर दिया,
Giotto अपने पात्रों को वास्तविक लोगों के समान चित्रित करता है:
आनुपातिक, स्क्वाट बॉडीज के साथ, गोल (लम्बी नहीं) चेहरे,
आँखों का सही आकार, आदि। उनके संत जमीन के ऊपर नहीं चढ़ते हैं, लेकिन दोनों पैरों से उस पर मजबूती से खड़े होते हैं।
वे पूरी तरह से मानवीय भावनाओं और भावनाओं का अनुभव करते हुए, स्वर्गीय के बारे में सांसारिक के बारे में अधिक सोचते हैं।
इतालवी चित्रकला के इतिहास में पहली बार, एक पेंटिंग के नायकों के दिमाग की स्थिति
चेहरे के भाव, हावभाव, मुद्रा द्वारा प्रेषित।
पारंपरिक सुनहरे पृष्ठभूमि के बजाय, Giotto के भित्तिचित्र एक परिदृश्य को दर्शाते हैं,
तुलसीक के पहलुओं पर आंतरिक या मूर्तिकला समूह।
प्रत्येक रचना में, कलाकार केवल एक ही क्षण को प्रदर्शित करता है,
और विभिन्न दृश्यों का एक क्रम नहीं, जैसा कि उनके कई समकालीनों ने किया था।
1300 की शुरुआत में। कलाकार ने रोम का दौरा किया।
देर से एंटीक पेंटिंग और पी। कैवलिनी की कृतियों के साथ परिचित
उनकी रचनात्मक पद्धति के निर्माण में योगदान दिया।
स्क्रोटेवेनी चैपल के चित्रों में Giotto की रचनात्मक उपलब्धियों को और विकसित किया गया था
(चैपल डेल एरेना) पडुआ में, उनके द्वारा 1304-06 में बनाया गया।
3 स्तरों में दीवारों पर स्थित चैपल,
भित्ति चित्र जोकिम और अन्ना के जीवन के दृश्यों को दर्शाते हैं
("चरवाहों के बीच जोआचिम", "जोचिम का बलिदान", "ड्रीम ऑफ जोकिम", "गोल्डन गेट पर बैठक")
वर्जिन मैरी और क्राइस्ट ("क्रिसमस", "एडवेंचर ऑफ द मैगी", "फ्लाइट इन मिस्त्र",)
"शिशुओं का नरसंहार", "मसीह का बपतिस्मा", "लाजर का पुनरुत्थान",
"यहूदा विश्वासघात के लिए भुगतान प्राप्त करने", "यहूदा के किस"
"द क्राइसिंग द क्रूस", "क्रूसिफ़िशन", "लेमनेशन ऑफ़ क्राइस्ट", "पुनरुत्थान"),
साथ ही लास्ट जजमेंट के दृश्य।
ये पेंटिंग मुख्य कार्य हैं और कलाकार के काम के शिखर हैं।
1300-02 में। फ्लोरेंस के बैदिया चर्च में गियोट्स भित्ति चित्र बनाते हैं।
1310-20 तक। शोधकर्ताओं ने प्रसिद्ध वेदीपीठ "मैडोना ओनिसांती" का श्रेय दिया है।
रचना पर हस्ताक्षर नहीं किए गए हैं, लेकिन शोधकर्ताओं ने सर्वसम्मति से इसे गोट्टो के लिए पेश किया।
1320 के दशक में। जियोटो पेरुज़ी और बर्दी चैपल के लिए भित्ति चित्र बनाता है
जॉन बैपटिस्ट के जीवन के विषयों पर सांता क्रो के फ्लोरेंटाइन चर्च में,
जॉन द इंजीलिस्ट और फ्रांसिस ऑफ असीसी
("सेंट फ्रांसिस का कलंक", "डेथ एंड असेंशन ऑफ सेंट फ्रांसिस")।
1328-33 में। Giotto, कई छात्रों की मदद से, चित्रों को बनाया
अंजौ के राजा रॉबर्ट का द क्रैशन कोर्ट, जिसने कलाकार को "दरबारी" की उपाधि दी।
1334 से Giotto ने सांता मारिया डेल फियोर के कैथेड्रल के निर्माण की देखरेख की
और फ्लोरेंस में शहर की किलेबंदी, जिसने व्यापक मान्यता हासिल की
समकालीन और फ्लोरेंस के नागरिक। कैम्पोइल परियोजना के लिए Giotto को श्रेय दिया जाता है
(बेल टावर्स) फ्लोरेंटाइन कैथेड्रल के (1334 में शुरू हुआ, निर्माण जारी रहा
1337-43 में एंड्रिया पिसानो, एफ। टैलेंटी द्वारा लगभग 1359 में पूरा किया गया)।
Giotto दो बार शादीशुदा था और उसके आठ बच्चे थे।
1337 में Giotto की मृत्यु हो गई।

1 जोआचिम रेगिस्तान में रहता है

2. मैडोना और बच्चा

३ दुःखी परी १

४.स्ट। असीसी का क्लारा

5. सेंट का कलंक फ्रांसिस

6 सेंट स्टीफन

7 क्राइस्ट की नैटिविटी

8 वर्जिनिटी की नैटिविटी

मंदिर में 9 मैरी का परिचय

10.पिता, टुकड़ा

11 ईश्वर और बालकों की माता

12 पटमोस पर इंजीलवादी जॉन

मेन्टेनिया आंद्रेया -
(मंतेग्ना, एंड्रिया) (लगभग १४३१-१५६),
उत्तरी इटली में सबसे महान पुनर्जागरण चित्रकारों में से एक।
मंतेग्ना ने 15 वीं शताब्दी के पुनर्जागरण के प्रमुख कलात्मक आकांक्षाओं को संयुक्त किया:
प्राचीनता के लिए जुनून, सटीक और सावधानीपूर्वक ब्याज, सबसे छोटी विवरण के लिए नीचे,
प्राकृतिक घटनाओं का संचरण और रैखिक परिप्रेक्ष्य में निस्वार्थ विश्वास
विमान पर अंतरिक्ष का भ्रम पैदा करने के साधन के रूप में।
उनका काम फ्लोरेंस में शुरुआती पुनर्जागरण के बीच मुख्य कड़ी बन गया
और बाद में उत्तरी इटली में कला का फूल।
मंतगन्ना का जन्म कै। 1431; 1441 और 1445 के बीच उन्हें पडुआ में चित्रकारों की कार्यशाला में नामांकित किया गया था
फ्रांसेस्को स्क्वर्कोन के दत्तक पुत्र के रूप में, एक स्थानीय कलाकार और पुरातनपंथी,
जिनकी कार्यशाला में उन्होंने 1448 तक काम किया।
1449 में, मंतेग्ना ने पडुआ में एरेमनी चर्च के लिए एक फ्रेस्को सजावट बनाना शुरू किया।
1454 में मोंटेगना ने निकोसा से शादी की, जो वेनिस के चित्रकार जैकोपो बेलिनी की बेटी थी
15 वीं शताब्दी के दो उत्कृष्ट उस्तादों की बहन। - जेंटाइल और जियोवानी बेलिनी।
1456 और 1459 के बीच उन्होंने वेरोना में सैन ज़ेनो के चर्च के लिए एक वेदीपाठ चित्रित किया। 1460 में,
मेंटुआ लोदोविको गोंजागा के मार्क्विस के निमंत्रण को स्वीकार करते हुए, मंतगना उनके दरबार में बस गए।
1466-1467 में उन्होंने टस्कनी का दौरा किया, और 1488-1490 में रोम,
जहां, पोप इनोसेंट आठवीं के अनुरोध पर, उन्होंने अपने चैपल को भित्तिचित्रों से सजाया।
नाइटहुड की गरिमा को बढ़ाया, अदालत में एक उच्च पद पर कब्जा कर लिया,
मोंटेग्ना ने अपने जीवन के अंत तक गोंजागा परिवार की सेवा की। 13 सितंबर 1506 को मंतगन्ना का निधन हो गया।
16 मई, 1446 मेंटेगना और तीन अन्य कलाकारों को ओवेतारी चैपल को चित्रित करने के लिए कमीशन किया गया था
इरमिटी के पादुआ चर्च में (द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान नष्ट)।
मेंटेग्ना भित्तिचित्रों (1449-1455) के निर्माण के अधिकांश कार्यों से संबंधित हैं,
और यह उनकी कलात्मक शैली है जो कलाकारों की टुकड़ी पर हावी है।
ओवेतारी चैपल में हेरोड अग्रिप्पा के सामने संत जेम्स का दृश्य शैली का एक उदाहरण है
क्रिएटिविटी का शुरुआती दौर Mantegna।
इस समय के मोन्तेग्ना द्वारा अन्य चित्रों में, जैसे कि कप के लिए पेंटिंग प्रार्थना
(लंदन, नेशनल गैलरी), न केवल मानव आकृतियों को कठोर रेखीय तरीके से निष्पादित किया जाता है,
लेकिन यह भी एक परिदृश्य है, जहां कलाकार द्वारा घास के हर पत्थर और ब्लेड को सावधानीपूर्वक शोध और चित्रित किया जाता है,
और चट्टानों को किंक और दरारों से युक्त किया जाता है।
वेरोना में चर्च ऑफ़ सैन ज़ेनो (1457-1459) की वेरायपीस एक चित्रात्मक व्याख्या है
सेंट की प्रसिद्ध मूर्तिकार अल्टार एंटनी, डोनाटेलो द्वारा बनाई गई
पादुआ में संत एंटोनी (सैंटो) की बेसिलिका के लिए। मंटेग्ना के ट्रिप्टिक को फंसाया गया है,
शास्त्रीय वास्तुकला के उच्च राहत और नकल तत्वों में निष्पादित।
स्थानिक भ्रमकारी चित्रकला के सबसे उल्लेखनीय उदाहरणों में से एक
मंटगना 1474 में पूरा मंटुआ में पलाज़ो डुकाले में चामे डिली स्पॉसी की पेंटिंग है।
चौकोर कमरा नेत्रहीनों द्वारा प्रकाश, हवादार मंडप में बदल दिया गया था,
जैसे कि दीवारों पर लिखे पर्दों से दो तरफ से बंद हो जाते हैं, और दूसरे दो तरफ खुल जाते हैं
गोंजागा आंगन और पृष्ठभूमि में परिदृश्य पैनोरमा की छवि।
मेन्टेग्ना वॉल्ट को डिब्बों में विभाजित किया गया था और उनमें रखा गया था, जिसे एक अमीर प्राचीन द्वारा बनाया गया था
रोमन सम्राट और शास्त्रीय पौराणिक कथाओं के दृश्यों के बस्ट की सजावटी छवियां।
तिजोरी के ऊपरी भाग में एक गोल खिड़की है जिसके माध्यम से आकाश दिखाई देता है;
अमीर कपड़े पहने हुए पात्र एक मजबूत परिप्रेक्ष्य में दिए गए कटघरे से नीचे दिखते हैं।
यह फ्रेस्को पहनावा न केवल नई यूरोपीय कला में पहले के रूप में उल्लेखनीय है
विमान पर एक भ्रामक स्थान बनाने के उदाहरण, लेकिन यह भी एक संग्रह के रूप में बहुत तेज और सटीक है
व्याख्यात्मक चित्र (गोंजागा परिवार के सदस्य)।
सीज़र (1482-1492) की मोनोक्रोम पेंटिंग ट्रायम्फ का चक्र फ्रांसेस्को गोंजागा द्वारा कमीशन किया गया था
और मंटुआ में महल थिएटर को सजाने का इरादा था; इन चित्रों को खराब संरक्षित किया गया है
और वर्तमान में लंदन के हैम्पटन कोर्ट पैलेस में हैं।
नौ बड़े कैनवस एक लंबे जुलूस को दर्शाते हैं जिसमें भारी संख्या में प्राचीन मूर्तियां हैं,
कवच, ट्राफियां। उसका आंदोलन एक विजयी सीज़र के सामने एक औपचारिक मार्च में समाप्त होता है। पेंटिंग्स में मंतगना के प्राचीन कला और शास्त्रीय साहित्य के व्यापक ज्ञान को दर्शाया गया है।
इस चक्र में और गोंडागा की सैन्य जीत की याद में लिखा मैडोना डेला विटोरिया (1496, पेरिस, लौवर) में,
मंतगन्ना की कला सबसे बड़ी स्मारक तक पहुंच गई है। उनमें रूप स्वैच्छिक हैं, इशारे आश्वस्त और स्पष्ट हैं,
अंतरिक्ष की व्याख्या मोटे तौर पर और स्वतंत्र रूप से की जाती है।
इसाबेला के स्टूडियो (कैबिनेट) के लिए d "एस्टे, फ्रांसेस्को गोंजागा की पत्नी, मेन्टेग्ना ने दो दो प्रतियोगिताओं में भाग लिया
पौराणिक विषयों पर (तीसरा अधूरा रहा): पर्नासस (1497) और मिनर्वा,
एक्सर्साइज़िंग वाइस (1502, दोनों लौवर में)। मेंटेग्ना की शैली में कुछ नरमी उन्हें ध्यान देने योग्य है,
परिदृश्य की एक नई समझ के साथ जुड़ा हुआ है। बेल्वेडियर चैपल की फ्रेस्को सजावट,
1488 में पोप इनोसेंट आठवीं के लिए मोन्तेग्ना द्वारा निष्पादित, दुर्भाग्य से दौरान खो गया था
पायस VI के परिमाण के दौरान वेटिकन पैलेस का विस्तार।
इस तथ्य के बावजूद कि केवल सात प्रिंटों को निस्संदेह मेंटेगना के हाथ से संबंधित माना जा सकता है,
इस कला रूप के विकास पर गुरु का प्रभाव बहुत अधिक है। उनकी उत्कीर्णन मैडोना और बाल शो
ग्राफिक तकनीक में कलाकार की शैली कैसे व्यवस्थित हो सकती है,
अपनी अंतर्निहित लोच और रेखा के तेज के साथ जो उत्कीर्णन कटर के आंदोलन को ठीक करता है।
अन्य उत्कीर्णन के लिए Manteigne को जिम्मेदार ठहराया - सी गॉड्स की लड़ाई (लंदन, ब्रिटिश संग्रहालय)
और जुडिथ (फ्लोरेंस, उफीजी गैलरी)।

1 क्रूस, 1457-1460।

2. मैडोना एंड चाइल्ड।
1457-59। टुकड़ा

कप के लिए 3.Pray।
सी। 1460

4. कार्डिनल कार्लो मेडिसीटी के पोर्ट्रेट।
1450 से 1466 के बीच

5.कैमरा डिगली स्पोजी
ऑकुलस। 1471-74

6.कैमरा डिगली स्पोजी उत्तरी दीवार का टुकड़ा।

7.कैमरा डिगली स्पोसी पूर्वी दीवार का टुकड़ा।

8. समुद्र देवताओं की लड़ाई।
1470 से

9 सेंट सेबस्टियन।
सी। 1480

चट्टानों के 10 मैडोना
1489-90

12 मैडोना डेला विटोरिया
1496

१३ परनसस
1497, लौवर, पेरिस

14. सैमसन और डेलिलाह लगभग 1500
नेशनल गैलरी, लंदन

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बेलिनी जीओवान्नी -
बेलिनी, इतालवी चित्रकारों का परिवार,
वेनिस में पुनर्जागरण कला के संस्थापक।
परिवार के मुखिया - जैकोपो बेलिनी (लगभग 1400-1470 / 71)
छवियों के एक नरम गीत के साथ, उन्होंने गोथिक की परंपराओं के साथ एक संबंध बनाए रखा
("मैडोना एंड चाइल्ड", 1448, ब्रेरा गैलरी, मिलान)।
लाइव टिप्पणियों से भरे उनके चित्र में
(प्राचीन स्मारकों, स्थापत्य कल्पनाओं के रेखाचित्र),
परिप्रेक्ष्य की समस्याओं में रुचि परिलक्षित, ए। मेंटेगना और पी। ऊक्लो का प्रभाव।
जेंटाइल बेलिनी के पुत्र जेंटिल बेलिनी (लगभग 1429-1507) के नाम के साथ,
विनीशियन शैली-ऐतिहासिक चित्रकला का जन्म जुड़ा हुआ है,
("पियाज़ा सैन मार्को में जुलूस", 1496, "मिरेकल ऑफ द होली क्रॉस", 1500, -
दोनों एकेडेमिया गैलरी, वेनिस में)। जियोवन्नी बेलिनी (लगभग 1430-1516),
जैकोपो बेलिनी का दूसरा बेटा, विनीशियन स्कूल का सबसे बड़ा मास्टर, जिसने रखी
वेनिस में उच्च पुनर्जागरण की कला की नींव।
Giovanni Bellini द्वारा नाटकीय रूप से तेज, रंग में ठंड जल्दी काम करती है
(1470 के अंत तक क्राइस्ट के लिए विलाप, 1470, ब्रेरा गैलरी, मिलान)
बदले में सामंजस्यपूर्ण रूप से स्पष्ट चित्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, जिसमें आलीशान मानव चित्र होते हैं
आध्यात्मिक परिदृश्य व्यंजन है (तथाकथित "मैडोना झील", 1490s, उफ़ीज़ी;
"दावत के देवता", नेशनल गैलरी ऑफ़ आर्ट, वाशिंगटन)।
Giovanni Bellini द्वारा काम किया जाता है, जिसमें उनके कई मैडोना शामिल हैं
("मैडोना विद ट्रीज़", 1487, एकेडेमिया गैलरी, वेनिस; "मैडोना", 1488)
एकेडेर्मिया कैरारा, बर्गामो), सॉंसोरस के नरम सामंजस्य से प्रतिष्ठित हैं,
जैसे कि सूर्य और प्रकाश और छाया के विस्तार की सूक्ष्मता के साथ संतृप्त,
शांत एकमात्र, गेय चिंतन और छवियों की स्पष्ट कविता।
Giovanni Bellini के काम में, साथ ही साथ रचना का आदेश दिया
पुनर्जागरण वेदीपीस (मैडोना संतों से घिरा हुआ, 1505,
सैन ज़ाकारिया, वेनिस) के चर्च ने मनुष्य में पूर्ण रुचि पैदा की
(डॉग एल। लोर्डन का चित्र, 1502, नेशनल गैलरी, लंदन;
पोर्ट्रेट ऑफ़ द कॉन्डोटिएर, 1480, नेशनल गैलरी, वाशिंगटन)।

1. "सेंट जॉर्ज एंड द ड्रैगन" डिटेल ऑफ द अल्टार, 1470

2. "ग्रीक मैडोना"
1460

3. "एक संघनन का चित्र"
1480

4. "देवताओं का पर्व"
1514

5. "क्रूसीफिकेशन"
1501-1503

6. "मैडोना एंड चाइल्ड"
1480

7. "पुण्य"
1500

8. "सेंट जेरोम नेचर में पढ़ना"
1460

9. "परिवर्तन"
1485

10. "कप के लिए प्रार्थना"
(गार्डन में एगोनी) लगभग 1470

11. "मैडोना और बाल आशीर्वाद के साथ"
1510, ब्रेरा कलेक्शन, मिलान

12. "आधानिक औषधि"
1490-1500, उफीजी गैलरी

13. "चार रूपक
तप और भाग्य ”, 1490

14. "आलय का शोधक" (r.fr.)
1490-1500, उफीजी गैलरी

15. "चार सहयोगी
प्रुडेंस एंड डिसेट ", 1490

16. "एक दर्पण के साथ नग्न युवा महिला"
१५०५-१५१०, कुन्थ्हिस्टेरिस्चेस संग्रहालय, वियना

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बाटलिकली सैंड्रो -
[वास्तव में एलेसेंड्रो डि मारियानो फिलिपीपी, एलेसेंड्रो डी मारियानो फिलीपिपि]
(1445-1510), प्रारंभिक पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार।
फ्लोरेंटाइन स्कूल से संबंधित, लगभग 1465-1466 में फिलिपो लिप्पी के साथ अध्ययन किया गया;
1481-1482 में उन्होंने रोम में काम किया। बोथीसेली के शुरुआती कार्यों की विशेषता थी
अंतरिक्ष का स्पष्ट निर्माण, स्पष्ट कट-ऑफ मोल्डिंग, घरेलू विवरण में रुचि
("द एडिशन ऑफ द मैगी," लगभग 1476-1471)। 1470 के दशक के अंत से, बॉटलिकेली के तालमेल के बाद
फ्लोरेंस मेडिसी के शासकों और फ्लोरेंटाइन मानवतावादियों के सर्कल के साथ,
उनके काम में, अभिजात वर्ग और परिष्कार की विशेषताएं बढ़ी हैं, पेंटिंग दिखाई देती हैं
प्राचीन और उपादेय विषयों पर, जिसमें कामुक बुतपरस्त छवियों की नकल की जाती है
उदात्त और एक ही समय में काव्यात्मक, गीतात्मक आध्यात्मिकता
("वसंत", 1477-1478 के बारे में, "द बर्थ ऑफ वीनस", 1483-1485 के बारे में, दोनों उफिज़ा में)।
परिदृश्य की पशुता, आकृतियों की नाजुक सुंदरता, प्रकाश की संगीतमयता, तरकश रेखाएं,
परिष्कृत रंगों की पारदर्शिता मानो रिफ्लेक्स से बुनी गई है, जिससे उनमें एक वातावरण बनता है
स्वप्नदोष और हल्की उदासी।
वेटिकन में सिस्टिन चैपल में 1481-1482 में बॉटलिकली द्वारा बनाए गए भित्तिचित्रों में
("मूसा के जीवन के दृश्य", "कोरिया की सजा, दथन और अबिरोन", आदि)
परिदृश्य और प्राचीन वास्तुकला के राजसी सामंजस्य के साथ संयुक्त है
आंतरिक भूखंड तनाव, चित्र विशेषताओं की कुशाग्रता में निहित है
मानव आत्मा की आंतरिक स्थिति की सूक्ष्म बारीकियों की खोज के साथ,
और मास्टर के चित्रफलक चित्र (Giuliano Medici का चित्र, 1470s, बर्गमो;
पदक के साथ एक युवा का चित्र, 1474, उफ्फी गैलरी, फ्लोरेंस)।
1490 के दशक में, सामाजिक अशांति और रहस्यवादी-तपस्वी के युग में
भिक्षु सवोनारोला के उपदेश, ड्रामा के नोट्स बाटिकेली की कला में दिखाई देते हैं
और 1495 के बाद धार्मिक उत्थान ("Slander", Uffizi), लेकिन उनके चित्र
दांते की दिव्य कॉमेडी (1492-1497, उत्कीर्णन कार्यालय, बर्लिन और वेटिकन लाइब्रेरी)
भावनात्मक अभिव्यक्ति की तीक्ष्णता के साथ, वे रेखा की लपट और छवियों की पुनर्जागरण स्पष्टता को बनाए रखते हैं।

1. "सिमोनेटा वेस्पुकी का पोर्ट्रेट" लगभग 1480 में

2. "पुण्य का रूपक"
1495

3. "ल्यूसट्रिया का इतिहास"
लगभग १५००

4. "पदक के साथ एक युवा का चित्रण"

5. "रहस्यमय क्रिसमस"
लगभग १५००

6. "कोरिया, दतान और अबिरोन की सजा"

7. "सेंट ऑगस्टीन द धन्य"
सी। 1480

8. "घोषणा"
सी। 1490

9. "मैडोना मैगनेटिकट"
1486

10. "अनार का मैडोना"
1487

11. "मैगी की आराधना"
ज़नोबी का अल्टार 1475

12. "Slander"
1495

13. "शुक्र और मंगल"
1482-1483

14. "स्प्रिंग" 1477-1478
उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस

15. "मैडोना ऑफ़ द बुक" 1485
पोल्डी पेज़ोली संग्रहालय, मिलान

16. "पल्लास एथेना और सेंटूर" 1482
उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस

17. "द बर्थ ऑफ वीनस" सी। 1482
उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस

18. सिस्टिन चैपल की फ़्रेस्को
(विस्तार) १४ 14२ रोम, वेटिकन

19. "नास्टागियो की कहानी दलीली ओनेस्टी"
सी। 1485 प्राडो, मैड्रिड

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VERONEZE पाओलो - (वेरोनीस; उचित कालियरी, कैलारी) पाओलो (1528-1588),
देर से पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार।
वेरोना चित्रकार ए। बैडीले के साथ अध्ययन किया; 1560 में मुख्य रूप से वेनिस, साथ ही वेरोना, मंटुआ, विसेंज़ा, पडुआ में काम किया, संभवतः रोम का दौरा किया। वेरोनीज़ की कलात्मक शैली, जो 1550 के दशक के मध्य तक विकसित हुई थी, ने वेनिस के स्कूल ऑफ पेंटिंग की सर्वश्रेष्ठ विशेषताओं को मूर्त रूप दिया: प्रकाश, कलात्मक रूप से परिष्कृत ड्राइंग और रूप की प्लास्टिसिटी को संयुक्त रूप से शुद्ध रंगों के जटिल संयोजन के आधार पर एक उत्तम रंग योजना के साथ जोड़ा गया है। एक चमकदार चांदी टोन द्वारा।

1. "मूसा को ढूंढना"
1580

2. "सेंट एंथोनी का प्रलोभन"
1567

3. "सेंट जस्टिन की हत्या"
1573

4. "डेनिएल बारबारो के पोर्ट्रेट"
1569

5. "मसीह और सामरी महिला" (विस्तार)
1582

6. "कलवारी"
1570 वाँ

7. "मंगल और शुक्र"
1570 वाँ

8. "प्रेम का रूपक। देशद्रोह"
1570

9. "सेंट लूसिया"
1580

10. "एम्मॉस में क्राइस्ट"
1570 वाँ

11. "संन्यासी मार्क और मार्सिलियन का निष्पादन"
1578

12. "साइमन हाउस में दावत"
सी। 1581

13. "एन्जिल्स"
(टुकड़ा "ज़ेबेदिया और मसीह की औरत")

14. "स्नान सुसान"
1570, लौवर, पेरिस

15. "मुझे मत छुओ!" 1570 वाँ
कला संग्रहालय, ग्रेनोबल

16. "स्नान बाथशीबा" 1570
ललित कला संग्रहालय, ल्यों

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लियोनार्डो दा विंसी -
(लियोनार्डो दा विंची) (1452-1519),
इतालवी चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार, वैज्ञानिक और इंजीनियर।
उच्च पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति के संस्थापक,
लियोनार्डो दा विंची एक गुरु के रूप में विकसित हुआ,
ए डेल वेरोकियो के साथ फ्लोरेंस में अध्ययन।
वर्कोचिओ कार्यशाला में काम करने के तरीके, जहां कलात्मक अभ्यास
तकनीकी प्रयोगों के साथ संभोग,
साथ ही साथ खगोलविद पी। टोस्कानेली के साथ दोस्ती का योगदान रहा
युवा दा विंची के वैज्ञानिक हितों का जन्म।

1. "स्पिनिंग व्हील का मैडोना" 1501

2. "सेंट ऐनी के साथ वर्जिन और चाइल्ड"
सी। 1507

3. "बाचस"
1510-1513

4. "जॉन द बैपटिस्ट"
1513-1517

5. "लेडा एंड द स्वान"
1490-1500 वां

6. "कार्नेशन का मैडोना" 1473

7. बीट्राइस का पोर्ट्रेट डी "एस्टे"
1490 वाँ

8. "गाइनवारा बेन्ची का चित्र"
1476

9. "घोषणा"
1472-1475

10. "द लास्ट सपर"
(केंद्रीय टुकड़ा) 1495-1497, मिलान

11. पिछले सपर फ्रेस्को की बहाली संस्करण
(केंद्र टुकड़ा)

12. "मैडोना लिटा"
लगभग 1491, हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

13. "लेडी विथ एर्मिन" 1485-1490
राष्ट्रीय संग्रहालय, क्राको

14. "एक संगीतकार का चित्रण" 1490
पिनाकोटेका एम्ब्रोसियाना, मिलान

15. "मोना लिसा" (ला जियोकोंडा)
1503-1506, लौवर, पेरिस

16. "मैडोना बेनोइट" 1478
हरमिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

17. "एक अज्ञात का चित्र"
लगभग 1490, लौवर, पेरिस

18. "मैडोना ऑफ द रॉक्स" लगभग। 1511 है
नेशनल गैलरी, लंदन

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जॉर्जोन -
(जियोर्जियो; वास्तव में जियोर्जियो बारबरेली दा कास्टफ्रेंको,
बारबेरेली दा कास्टफ्रेंको) (1476 या 1477-1510),
इतालवी चित्रकार, संस्थापकों में से एक
उच्च पुनर्जागरण की कला।
संभवतः जियोवानी बेलिनी के साथ अध्ययन किया,
विनीशियन मानवतावादियों के घेरे के करीब था,
एक गायक और संगीतकार के रूप में भी प्रसिद्ध।
धार्मिक विषयों पर रचनाओं के साथ
("शेफर्ड्स की आराधना," नेशनल गैलरी ऑफ़ आर्ट, वाशिंगटन)।
जियोर्जियो ने धर्मनिरपेक्ष, पौराणिक विषयों पर पेंटिंग बनाई,
यह उनके काम में था कि उन्होंने प्रमुख महत्व प्राप्त किया।

1. "थंडरस्टॉर्म"
1505

2. "एक योद्धा अपने वर्ग के साथ"
1509

3. "मैडोना ने उत्साहित किया
और संतों "1505

4. "मैडोना इन द लैंडस्केप"
1503

5. "जीवन के तीन युग"
1510

6. "पुस्तक का मैडोना"
1509-1510

7. "मूसा को ढूंढना"
1505

8. "चरवाहों का आगमन"
लगभग 1505

9. "एंटोनियो ब्रोकार्डो के पोर्ट्रेट"

10. "ग्रामीण संगीत कार्यक्रम"
1510

11. "एक बूढ़ी औरत का चित्रण"
सी। 1510

12. "सेरेस"
लगभग 1508

13. "एक युवक का चित्र"
लगभग 1506

14. "सूर्यास्त के समय"
1506

15. "संन्यासी के साथ मैडोना और बाल"
1510

16. "जूडिथ" सी। 1504
हरमिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

17. "लौरा" 1506
कला इतिहास का संग्रहालय, वियना

18. "स्लीपिंग वीनस"
लगभग 1510, ड्रेसडेन गैलरी

19. "तीन दार्शनिक" 1508
कला इतिहास का संग्रहालय, वियना

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कार्पेस्को विट्टोर -
(कार्पेस्को) विटोर
(1455 या 1456 के बारे में - 1526 के बारे में),
प्रारंभिक पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार।
जेंटाइल बेलिनी के साथ अध्ययन किया; वेनिस में काम किया।
कार्पेस्को ने पौराणिक पवित्र घटनाओं की वास्तविक दृश्यों के रूप में व्याख्या की,
समकालीन वेनिस के अंतरिक्ष में तैनात,
शामिल शहरी परिदृश्य और अंदरूनी, कई शैली विवरण,
1490-1495, सेंट उर्सुला के जीवन से नगरवासियों के जीवन का पुन: चित्रण (चित्रों का चक्र)
एकेडेमिया गैलरी, वेनिस, और सेंट जॉर्ज और सेंट जेरोम, 1502-1507,
स्कोला डि सैन जियोर्जियो डाउली शियावोनी, वेनिस)।
ब्रह्मांड सह-कलाकारों की एक समग्र तस्वीर बनाने की इच्छा काम करती है
एक लुभावनी कहानी के साथ कार्पेस्को
विवरण की काव्यात्मक और कुछ भोली ताजगी।
सूक्ष्म रूप से प्रकाश-वायु वातावरण के नरम प्रभाव को व्यक्त करता है
लग रहा है स्थानीय रंग स्पॉट,
कारपियासियो ने 16 वीं शताब्दी के वेनिस स्कूल ऑफ पेंटिंग की रंगीन खोजों को तैयार किया।

1. “तीर्थयात्रियों का आगमन
कोलोन के लिए "
1490

2. "मैडोना, जॉन द बैपटिस्ट एंड द सेंट्स"
1498

3. "सेंट मार्क का शेर"
(टुकड़ा)
1516

4. "सेंट स्टीफन का विवाद"
सेंट स्टीफन का जीवन
1514

5. "उद्धारकर्ता और चार प्रेरित"
1480

6. "सेंट जॉर्ज स्लेइंग द ड्रैगन"
1502-1508

7. "संत उर्सुला की अप्सरा"
1491

8. "दस हजार की हत्या"
1515

9. "सेंट जॉर्ज द्वारा सेलेनेट्स का बपतिस्मा"
1507

10. "यंग नाइट" 1510,
थिसेन-बोर्नमिज़ा संग्रह, मैड्रिड

11. "रूपक। मसीह का जुनून"
1506, मेट्रोपॉलिटन, न्यूयॉर्क

12. "पोप के साथ तीर्थयात्रियों की बैठक"
1493, एकेडेमिया गैलरी, वेनिस

13. "पवित्र क्रॉस का चमत्कार"
1494, एकेडेमिया गैलरी, वेनिस

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मिशैलंगो बूनाट्रोटी -
(माइकल एंजेलो बुओनरोट्टी; उर्फ \u200b\u200bमाइकलगनोलो डि लोदोविको डि लियोनार्डो डि बूनारारतो सिमोनी)
(1475-1564), इतालवी मूर्तिकार, चित्रकार, वास्तुकार और कवि
। माइकल एंजेलो की कला में, बड़ी अभिव्यंजक शक्ति के साथ, उन्होंने मानव के रूप में गहराई से अवतार लिया,
उच्च पुनर्जागरण के आदर्शों से भरे वीर पथ, और संकट के दुखद अर्थ
मानवतावादी दृष्टिकोण, देर से पुनर्जागरण युग की विशेषता।
माइकल एंजेलो ने फ्लोरेंस में D. Ghirlandaio (1488-1489) की कार्यशाला में अध्ययन किया और
मूर्तिकार बर्टोल्डो डि जियोवानी (1489-1490) द्वारा,
हालाँकि, माइकल एंजेलो के रचनात्मक विकास के लिए निर्णायक महत्व उनके परिचित थे
Giotto, Donatello, Masaccio, जैकोपो डेला Quercia द्वारा काम करता है,
प्राचीन प्लास्टिक के स्मारकों का अध्ययन।
माइकल एंजेलो की रचनात्मकता,
जो इतालवी पुनर्जागरण का शानदार अंतिम चरण बन गया,
यूरोपीय कला के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई,
बड़े पैमाने पर ढंग का गठन तैयार किया,
बारोक के सिद्धांतों के गठन पर बहुत प्रभाव पड़ा।

1. सिस्टिन चैपल की तिजोरी पर पेश करना

2.Lunets (भविष्यद्वक्ताओं और चबूतरे)

3. पेंटिंग "एडम का निर्माण" का विस्तार

4.Detail "नबियों यिर्मयाह और यशायाह"

5. पेंटिंग का विस्तार "द क्रिएशन ऑफ ईव"

6. "पवित्र परिवार" 1506

7 सिस्टिन चैपल
"बाढ़"

8 सिस्टिन चैपल
"लीबियाई सिबिल"

9 सिस्टिन चैपल
"प्रकाश को अंधेरे से अलग करना"

10 सिस्टिन चैपल
"गिरावट"

11 सिस्टिन चैपल
"इरिट्रिया सिबिल"

12 सिस्टिन चैपल
"पैगंबर जकर्याह"

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रफेल सैंटी -
(वास्तव में रैफेलो सैंटी या सैनज़ियो, राफेलो सैंटी, सैनज़ियो)
(1483-1520), इतालवी चित्रकार और वास्तुकार।
अपने काम में, सबसे बड़ी स्पष्टता के साथ
उच्च पुनर्जागरण का मानवतावादी प्रतिनिधित्व
एक सुंदर और परिपूर्ण व्यक्ति के बारे में, जो दुनिया के साथ सद्भाव में रहता है,
युग की जीवन-पुष्टि सौंदर्य विशेषता के आदर्श।
चित्रकार जियोवन्ती सांदी के पुत्र राफेल ने अपने शुरुआती वर्ष उरबिनो में बिताए,
1500-1504 में उन्होंने पेरुगिनो में पेरुगिनो के साथ अध्ययन किया।
इस काल की रचनाएँ सूक्ष्म काव्य द्वारा चिह्नित हैं
और लैंडस्केप बैकग्राउंड की सॉफ्ट गीतिका।
राफेल की कला, जिसका यूरोपीय चित्रकला XVI-XIX पर व्यापक प्रभाव पड़ा
और, 20 वीं शताब्दी के भाग में, सदियों तक इसे कलाकारों और दर्शकों के लिए रखा गया था
निर्विवाद कलात्मक प्राधिकरण और मॉडल का मूल्य।

1. "मैडोना ग्रैंडुका"
1504

2. "मैडोना डेल इम्प्नाटा"
1504

3. "मैडोना इन द ग्रीन"
लगभग 1508

4. "ओक के तहत पवित्र परिवार"
1518

5. "सेंट निकोलस के अल्टार"
(टुकड़ा) १५०१

6. "ड्रैगन के साथ सेंट जॉर्ज की लड़ाई"
1502

7. "तीन कब्रें"
1502

8. "द नाइट्स ड्रीम"
1502

9. "गैलाटिया की विजय"
1514

10. "मैडोना ऑफ एनसाइड"
लगभग 1504

11. "क्रॉस को ले जाने"
1516

12. "सेंट माइकल एंड द ड्रैगन"
1514

13. "एडम और ईव"
1509-1511

14. "आरागॉन के जॉन"
1518

15. "द लेडी विद द यूनिकॉर्न"
लगभग 1502

16. "मार्गरिटा लुती का चित्र"
1519

17. "15 वीं पोर्ट ऑफ बिल्थार कैस्टिजेलियन"

18. "मैडोना कानिडज़हानी" 1508
पुराना पिनाकोटक, म्यूनिख

19. "मैडोना कॉन्स्टाबिल" 1502-1504
हरमिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

20. "ईजेकील का विजन" 1515
पलाज़ो पिट्टी, फ्लोरेंस

21. "सिस्टिन मैडोना" 1514
पिक्चर गैलरी, ड्रेसडेन

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टाइटियन -
(वास्तव में टिज़ियानो वेकेलियो, टिज़ियानो वेकेसेलियो),
(1476/77 या 1480s - 1576),
युग के इतालवी चित्रकार
उच्च और स्वर्गीय पुनर्जागरण।
वेनिस में जियोवानी बेलिनी के साथ अध्ययन किया,
जिसकी कार्यशाला में वह जियोर्जियो के करीब हो गया;
वेनिस, साथ ही पडुआ, फेरारा, मंटुआ, अर्बिनो, रोम और ऑग्सबर्ग में काम किया।
निकटता से विनीशियन कला मंडलियों के साथ जुड़े
(जियोरगियोन, जे। सैनसिनो, लेखक पी। आरेटिनो और अन्य),
पेंटिंग के वेनिस स्कूल के एक उत्कृष्ट मास्टर,
टिटियन ने अपने काम में पुनर्जागरण के मानवतावादी आदर्शों को अपनाया।
उनकी जीवनदायिनी कला बहुआयामी है,
वास्तविकता की कवरेज की चौड़ाई, युग के गहरे नाटकीय संघर्षों का खुलासा।
टिटियन की पेंटिंग तकनीक का भविष्य पर एक असाधारण प्रभाव था,
बीसवीं शताब्दी तक, विश्व ललित कला का विकास।

1. "धर्मनिरपेक्ष प्रेम"
(वैनिटी) 1515

2. "डायना और कैलिस्टो"
1556 - 1559

3. "बाचुस और एराडने"
1523-1524

4. "यूरोपा का अपहरण"
1559 - 1562

5. "द फॉल"
1570

6. "फ्लोरा"
1515

7. "Iolanta"
(ला बेला गट्टा)

8. "मंटुआ के फेडेरिगो गोंजागा"
1525

9. "दर्पण के साथ शुक्र" 1555

10. "डैने और कामदेव"
1546

11. "सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम"
1510

12. "एक युवा महिला का चित्र"
लगभग 1530, हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

13. "पेनिटेंट मैरी मैग्डलीन"
1560 वां, हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

14. "डायना और एक्टन" 1556
नट। स्कॉटलैंड की गैलरी, एडिनबर्ग

15. "बैचेनलिया"
1525, लौवर संग्रहालय, पेरिस

16. "शुक्र का उरबिंस्काया"
1538, उफीजी, फ्लोरेंस

17. "वीनस और एडोनिस"
1554, प्राडो, मैड्रिड

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पुनर्जागरण या पुनर्जागरण ने हमें कला के कई महान काम दिए हैं। यह रचनात्मकता के विकास के लिए एक अनुकूल अवधि थी। कई महान कलाकारों के नाम पुनर्जागरण से जुड़े हैं। बॉटलिकेली, माइकल एंजेलो, राफेल, लियोनार्डो दा विंची, गिओटो, टिटियन, कोरेगियो उस समय के रचनाकारों के कुछ नाम हैं।

नई शैलियों और चित्रकला का उद्भव इस अवधि के साथ जुड़ा हुआ है। मानव शरीर को चित्रित करने का दृष्टिकोण लगभग वैज्ञानिक हो गया है। कलाकार वास्तविकता के लिए प्रयास करते हैं - वे हर विस्तार से काम करते हैं। उस समय के चित्रों में लोग और घटनाएं बेहद यथार्थवादी लगती हैं।

इतिहासकार पुनर्जागरण के दौरान चित्रकला के विकास में कई अवधियों को भेदते हैं।

गोथिक - 1200s... कोर्ट में लोकप्रिय शैली। यह धूमधाम, दिखावा, अत्यधिक रंग से प्रतिष्ठित था। पेंट के रूप में उपयोग किया जाता है। पेंटिंग्स वेदी विषयों की थीं। इस प्रवृत्ति के सबसे प्रसिद्ध प्रतिनिधि इतालवी कलाकार विटोरोर कार्पेस्को और सैंड्रो बोथिकेली हैं।

सैंड्रो बॉटलिकली

प्रोटो-पुनर्जागरण - 1300s... इस समय, पेंटिंग में तटों का पुनर्गठन होता है। धार्मिक विषय पृष्ठभूमि में आते हैं, और धर्मनिरपेक्ष लोग अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहे हैं। पेंटिंग आइकन की जगह लेती है। लोगों को अधिक वास्तविक रूप से चित्रित किया जाता है, चेहरे के भाव और हावभाव कलाकारों के लिए महत्वपूर्ण हो जाते हैं। ललित कला की एक नई शैली दिखाई देती है -। इस समय के प्रतिनिधि Giotto, पिएत्रो लोरेंजेट्टी, पिएत्रो कैवलिनी हैं।

प्रारंभिक पुनर्जागरण - 1400s... गैर-धार्मिक पेंटिंग का फूल। यहां तक \u200b\u200bकि आइकन पर चेहरे अधिक जीवंत हो जाते हैं - वे मानव सुविधाओं को प्राप्त करते हैं। पहले की अवधि के कलाकारों ने परिदृश्य को चित्रित करने की कोशिश की, लेकिन वे केवल मुख्य छवि की पृष्ठभूमि के रूप में सेवा करते थे। प्रारंभिक पुनर्जागरण काल \u200b\u200bके दौरान एक स्वतंत्र शैली बन जाती है। चित्र का विकास जारी है। वैज्ञानिक रेखीय परिप्रेक्ष्य के नियम की खोज करते हैं, और कलाकार इस आधार पर अपने चित्रों का निर्माण करते हैं। उनके कैनवस पर, आप सही तीन-आयामी स्थान देख सकते हैं। इस अवधि के उत्कृष्ट प्रतिनिधि मासिआको, पिएरो डेला फ्रांसेस्को, जियोवन्नी बेलिनी, एंड्रिया मेन्टेग्ना हैं।

उच्च पुनर्जागरण - स्वर्ण युग... कलाकारों का दृष्टिकोण और भी व्यापक होता जा रहा है - उनकी रुचियां कॉसमॉस के अंतरिक्ष में फैली हुई हैं, वे मनुष्य को ब्रह्मांड के केंद्र के रूप में मानते हैं।

इस समय, पुनर्जागरण के "टाइटन्स" दिखाई दिए - लियोनार्डो दा विंची, माइकल एंजेलो, टिटियन, राफेल सेंटी और अन्य। ये वे लोग हैं जिनकी रुचि चित्रकला तक सीमित नहीं थी। उनका ज्ञान बहुत आगे बढ़ा। सबसे प्रमुख प्रतिनिधि लियोनार्डो दा विंची थे, जो न केवल एक महान चित्रकार थे, बल्कि एक वैज्ञानिक, मूर्तिकार, नाटककार भी थे। उन्होंने पेंटिंग में शानदार तकनीकों का निर्माण किया, जैसे कि "चिकनी" - धुंध का भ्रम, जिसका उपयोग प्रसिद्ध "ला जियोकोंडा" बनाने के लिए किया गया था।

लियोनार्डो दा विंसी

देर से पुनर्जागरण - नवजागरण का विलुप्त होना (मध्य 1500 के दशक, देर से 1600 के दशक)। यह समय परिवर्तन, धार्मिक संकट से जुड़ा है। दोपहर समाप्त होता है, कैनवस पर लाइनें अधिक नर्वस हो जाती हैं, व्यक्तिवाद दूर हो जाता है। चित्रों की भीड़ बढ़ती जा रही है। उस समय के प्रतिभाशाली कार्य पाओलो वेरोनीज़, जैकोपो तिनोरेटो की कलम से संबंधित हैं।

पाओलो वेरोनीज़

इटली ने दुनिया को पुनर्जागरण के सबसे प्रतिभाशाली कलाकारों को दिया, वे चित्रकला के इतिहास में सबसे अधिक उल्लेखित हैं। इस बीच, इस अवधि के दौरान अन्य देशों में, पेंटिंग भी विकसित हुई, और इस कला के विकास को प्रभावित किया। इस अवधि के दौरान अन्य देशों की पेंटिंग को उत्तरी पुनर्जागरण कहा जाता है।

उच्च पुनर्जागरण का युग (15 वीं सदी के अंत में - 16 वीं शताब्दी की पहली तिमाही) पूर्णता और स्वतंत्रता का समय है। इस युग की कला के अन्य रूपों की तरह, पेंटिंग को मनुष्य में, उसकी रचनात्मक शक्तियों और उसके दिमाग की शक्ति में एक गहरी आस्था के रूप में चिह्नित किया गया है। उच्च पुनर्जागरण के स्वामी के चित्रों में, सौंदर्य, मानवतावाद और सद्भाव शासन के आदर्श, उनमें मनुष्य ब्रह्मांड का आधार है।

इस समय के चित्रकार आसानी से चित्रण के सभी साधनों का उपयोग करते हैं: रंग, हवा, प्रकाश और छाया से समृद्ध, और ड्राइंग, मुक्त और तेज; उनके पास उत्कृष्ट दृष्टिकोण और गुंजाइश है। लोग सांस लेते हैं और कलाकारों के कैनवस पर चलते हैं, उनकी भावनाओं और अनुभवों को गहरा भावनात्मक लगता है।

इस युग ने दुनिया को चार प्रतिभाएँ दीं - लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो, टिटियन। उनकी पेंटिंग में, उच्च पुनर्जागरण की विशेषताएं - आदर्शता और सद्भाव, छवियों की गहराई और जीवन शक्ति के साथ संयुक्त - खुद को सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट किया।

लियोनार्डो दा विंसी

15 अप्रैल, 1452 को विंची के छोटे इतालवी शहर में, जो फ्लोरेंस के पास स्थित है, एक नाजायज बेटे का जन्म नोटरी पिएरो दा विंची से हुआ था। उन्होंने उसका नाम लियोनार्दो डी सेर पिएरो डी 'एंटोनियो रखा। लड़के की माँ, एक निश्चित कतेरीना, थोड़ी देर बाद एक किसान से शादी कर ली। पिता ने नाजायज बच्चे को नहीं छोड़ा, उसे शिक्षा के क्षेत्र में ले गए और उसे अच्छी शिक्षा दी। 1469 में लियोनार्डो के दादा एंटोनियो की मृत्यु के एक साल बाद, नोटरी ने फ्लोरेंस के लिए अपने परिवार के साथ छोड़ दिया।

कम उम्र से, ड्राइंग बनाने के लिए लियोनार्डो का जुनून जाग गया। यह देखते हुए, पिता ने लड़के को मूर्तिकला, पेंटिंग और गहनों के सबसे प्रसिद्ध स्वामी, एंड्रिया वेरोकियो (1435-1488) के साथ अध्ययन करने के लिए भेजा। वेरोचियो कार्यशाला की महिमा असामान्य रूप से महान थी। शहर के कुलीन निवासियों को लगातार चित्रों और मूर्तियों के निष्पादन के लिए कई आदेश मिले। यह मौका नहीं था कि एंड्रिया वेरोचियो ने अपने छात्रों के साथ बहुत प्रतिष्ठा का आनंद लिया। उनके समकालीनों ने उन्हें पेंटिंग और मूर्तिकला में फ्लोरेंटाइन पुनर्जागरण के विचारों का सबसे प्रतिभाशाली उत्तराधिकारी माना।

एक कलाकार के रूप में वेरोकियो का नवाचार मुख्य रूप से छवि के पुनर्विचार के साथ जुड़ा हुआ है, जो चित्रकार से प्राकृतिक विशेषताओं को प्राप्त करता है। Verrocchio की कार्यशाला से बहुत कम काम बच गए हैं। शोधकर्ताओं का मानना \u200b\u200bहै कि इस विशेष कार्यशाला में प्रसिद्ध "बैपटिज्म ऑफ क्राइस्ट" बनाया गया था। इसके अलावा, यह स्थापित किया गया था कि पेंटिंग की पृष्ठभूमि में परिदृश्य और इसके बाईं ओर देवदूत लियोनार्डो के ब्रश के हैं।

पहले से ही इस शुरुआती कार्य में, भविष्य के प्रसिद्ध कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व और परिपक्वता प्रकट हुई थी। लियोनार्डो के हाथ से चित्रित परिदृश्य, खुद वेरोकियो द्वारा प्रकृति के चित्रों से अलग है। एक युवा कलाकार से संबंधित, यह एक हल्की धुंध में डूबा हुआ लगता है और अंतरिक्ष के अनन्तता और अनन्तता का प्रतीक है।

लियोनार्डो द्वारा बनाई गई छवियां भी विशिष्ट हैं। मानव शरीर की शारीरिक रचना का गहरा ज्ञान, साथ ही साथ इसकी आत्मा, कलाकार को स्वर्गदूतों की असामान्य रूप से अभिव्यंजक छवियां बनाने की अनुमति देता है। प्रकाश और छाया के खेल की महारत ने कलाकार को जीवित, गतिशील आंकड़े चित्रित करने में मदद की। ऐसा लगता है जैसे स्वर्गदूत बस कुछ देर के लिए जम जाते हैं। कुछ और मिनट बीत जाएंगे - और वे जीवन में आएंगे, कदम रखेंगे, बात करेंगे ...

कला के इतिहासकारों और दा विंची के जीवनीकर्ताओं का दावा है कि 1472 तक लियोनार्डो ने वेरोकियो की कार्यशाला छोड़ दी और चित्रकारों की कार्यशाला में एक मास्टर बन गए। 1480 से वह मूर्तिकला में बदल गया, जो लियोनार्डो के अनुसार, मानव शरीर के आंदोलनों की गतिशीलता को व्यक्त करने का सबसे सरल तरीका था। उस समय से, वह कला अकादमी में काम कर रहे हैं - लोरेंजो द मैग्निफिशिएंट की पहल पर बनाई गई पियाजा सैन मार्को पर बगीचे में स्थित कार्यशाला का नाम था।

1480 में, लियोनार्डो को सैन डोनैटो सोपेटो के चर्च से कलात्मक रचना "मैगी का आगमन" के लिए एक आदेश मिला।

लियोनार्डो फ्लोरेंस में लंबे समय तक नहीं रहे। 1482 में वे मिलान के लिए रवाना हुए। संभवतः, यह निर्णय इस तथ्य से बहुत प्रभावित था कि सिस्टिन चैपल की पेंटिंग पर काम करने के लिए कलाकार को रोम में आमंत्रित नहीं किया गया था। एक तरह से या किसी अन्य, मास्टर जल्द ही प्रसिद्ध इतालवी शहर, लुडोविको सेफोर्जा के ड्यूक के सामने आया। मिलानीस ने लियोनार्डो का जोरदार स्वागत किया। वह पोर्टा टिसनीस क्वार्टर में लंबे समय तक बस गए और रहते थे। और पहले से ही अगले वर्ष, 1483 में, उसने एक वेदीपीप चित्रित किया, सैन फ्रांसेस्को ग्रांडे के चर्च में इमाकोलाटा चैपल के लिए आदेश दिया। इस कृति को बाद में मैडोना ऑफ द रॉक्स के नाम से जाना जाने लगा।

उसी समय के आसपास, लियोनार्दो फ्रांसेस्को सेफोर्जा के लिए एक कांस्य स्मारक के निर्माण पर काम कर रहा है। हालांकि, न तो रेखाचित्र, न ही परीक्षण रेखाचित्र और कलाकार कलाकार के इरादे को व्यक्त कर सकते थे। काम अधूरा रह गया।

1489 से 1490 तक की अवधि में लियानार्डो दा विंची की शादी के दिन के लिए जियान गैलायेज़ो सफोर्जा पेंट्स कास्टेलो सेफोएर्सको।

लगभग पूरे 1494 लियोनार्डो दा विंची खुद के लिए एक नए व्यवसाय के लिए समर्पित है - हाइड्रोलिक्स। उसी सेफोर्ज़ा की पहल पर, लियोनार्डो लोम्बार्ड मैदान के क्षेत्र को खाली करने के लिए एक परियोजना का विकास और कार्यान्वयन कर रहा है। हालांकि, पहले से ही 1495 में ललित कला के सबसे महान मास्टर पेंटिंग में लौट आए। इस वर्ष प्रसिद्ध फ्रेस्को "द लास्ट सपर" के निर्माण के इतिहास में प्रारंभिक चरण को चिह्नित किया गया है, जो कि सांता मारिया डेल्ले ग्रैजी के चर्च के पास स्थित मठ के दुर्दम्य कमरे की दीवारों को सुशोभित करता है।

1496 में, फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा मिलान के डची के आक्रमण के सिलसिले में, लियोनार्डो ने शहर छोड़ दिया। वह पहले मंटुआ चले गए और फिर वेनिस में बस गए।

चूंकि 1503 कलाकार फ्लोरेंस में रह चुके हैं और माइकल एंजेलो के साथ मिलकर पलाज़ो सिग्नोरिया में हॉल ऑफ द ग्रेट काउंसिल की पेंटिंग पर काम कर रहे हैं। लियोनार्डो को "द बैटल ऑफ अनघियारी" को चित्रित करना था। हालांकि, मास्टर, जो लगातार रचनात्मक खोज में है, अक्सर वह काम शुरू करता है जो उसने शुरू किया है। तो यह "अंगारी की लड़ाई" के साथ हुआ - फ्रेस्को अधूरा रह गया। कला समीक्षकों का सुझाव है कि यह तब था जब प्रसिद्ध "ला जियोकोंडा" बनाया गया था।

1506 से 1507 तक लियोनार्डो मिलान में रहते हैं। ड्यूक मैक्सिमिलियन Sforza 1512 के बाद से वहाँ शासन किया है। 24 सितंबर, 1512 लियोनार्डो ने मिलान को छोड़ने और अपने छात्रों के साथ रोम में बसने का फैसला किया। यहां वह न केवल पेंटिंग कर रहा है, बल्कि गणित और अन्य विज्ञानों के अध्ययन की ओर भी रुख कर रहा है।

मई 1513 में फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस I से निमंत्रण मिलने के बाद, लियोनार्डो दा विंची अंबोज़ चले गए। यहां वह अपनी मृत्यु तक रहता है: वह पेंट करता है, छुट्टियों की सजावट में लगा हुआ है, फ्रांस की नदियों का उपयोग करने के उद्देश्य से परियोजनाओं के व्यावहारिक अनुप्रयोग पर काम कर रहा है।

2 मई, 1519 को महान कलाकार का निधन। लियोनार्डो दा विंची को सैन फियोरेंटीनो के अम्बोज चर्च में दफनाया गया है। हालांकि, धार्मिक युद्धों (16 वीं शताब्दी) की ऊंचाई के दौरान, कलाकार की कब्र को नष्ट कर दिया गया था और पूरी तरह से नष्ट हो गया था। 15 वीं -16 वीं शताब्दियों में उनकी उत्कृष्ट कृतियाँ, जिन्हें उत्कृष्ट कला का शिखर माना जाता था, आज तक बनी हुई हैं।

दा विंची के चित्रों में, लास्ट सपर फ्रेस्को एक विशेष स्थान रखता है। प्रसिद्ध फ्रेस्को का इतिहास दिलचस्प और आश्चर्यजनक है। इसका निर्माण काल \u200b\u200b1495-1497 का है। यह डोमिनिकन ऑर्डर के भिक्षुओं के आदेश द्वारा चित्रित किया गया था, जिन्होंने मिलान में सांता मारिया डेल्ले ग्राज़ी के चर्च के पास स्थित अपने मठ में पेंटिंग के साथ दुर्दम्य की दीवारों को सजाने की इच्छा की थी। एक काफी प्रसिद्ध सुसमाचार कहानी भित्तिचित्रों में प्रदर्शित की गई थी: यीशु मसीह का अंतिम भोजन उनके बारह प्रेरितों के साथ।

इस कृति को कलाकार के संपूर्ण कार्य के शिखर के रूप में पहचाना जाता है। मसीह की छवियां और गुरु द्वारा बनाई गई प्रेरितियां असाधारण रूप से उज्ज्वल, अभिव्यंजक, जीवित हैं। चित्रित की गई स्थिति की संक्षिप्तता और वास्तविकता के बावजूद, फ्रेस्को की सामग्री गहरे दार्शनिक अर्थ से भरी हुई है। यहाँ अच्छाई और बुराई, शालीनता और आध्यात्मिकता, सच्चाई और झूठ के बीच संघर्ष का शाश्वत विषय सन्निहित था। कटौती की गई छवियां न केवल व्यक्तिगत चरित्र लक्षण (उनके स्वभाव की सभी विविधता में प्रत्येक व्यक्ति) का एक संग्रह है, बल्कि एक प्रकार का मनोवैज्ञानिक सामान्यीकरण भी है।

चित्र बहुत गतिशील है। दर्शकों को वास्तव में वह उत्साह महसूस होता है जो मसीह द्वारा बोले जाने वाले विश्वासघात के बारे में भविष्यद्वक्ताओं द्वारा कहे जाने वाले भविष्यद्वाणी के बाद भोजन में उपस्थित सभी लोगों को आकर्षित करता है जो कि प्रेरितों में से एक को करना होगा। कैनवास मानव भावनाओं और मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों के विश्वकोश का एक प्रकार है।

लियोनार्डो दा विंची ने आश्चर्यजनक रूप से काम को जल्दी से समाप्त कर दिया: केवल दो वर्षों के बाद, पेंटिंग पूरी तरह से समाप्त हो गई। हालांकि, भिक्षुओं को यह पसंद नहीं आया: इसके निष्पादन का तरीका चित्रात्मक लेखन की पहले से अपनाई गई शैली से बहुत अलग था। नई रचना के पेंट के उपयोग में मास्टर का नवाचार न केवल था और न ही इतना था। चित्र में परिप्रेक्ष्य को चित्रित करने के तरीके पर विशेष ध्यान आकर्षित किया गया है। एक विशेष तकनीक में निर्मित, फ्रेस्को वास्तविक स्थान का विस्तार और विस्तार करता है। किसी को यह आभास हो जाता है कि पेंटिंग में दर्शाए गए कमरे की दीवारें मठ की दुर्दम्य दीवारों की निरंतरता हैं।

भिक्षुओं ने सराहना नहीं की और कलाकार के रचनात्मक इरादे और उपलब्धियों को नहीं समझा, इसलिए उन्होंने पेंटिंग के संरक्षण के बारे में बहुत परवाह नहीं की। फ़्रेस्को की पेंटिंग के दो साल बाद, इसके पेंट्स खराब होने लगे और फीके पड़ गए, जिस दीवार पर यह लगाया गया था उसकी दीवार की सतह बेहतरीन पदार्थ से ढकी हुई लग रही थी। यह एक तरफ, नए पेंट की खराब गुणवत्ता के कारण, और दूसरी ओर, मठ की रसोई से प्रवेश करने वाली नमी, ठंडी हवा और भाप के निरंतर संपर्क के कारण हुआ। पेंटिंग की उपस्थिति पूरी तरह से खराब हो गई थी जब भिक्षुओं ने एक फ्रेस्को के साथ दीवार में दुर्दम्य के लिए एक अतिरिक्त प्रवेश द्वार को काटने का फैसला किया। नतीजतन, तस्वीर सबसे नीचे कटी हुई थी।

13 वीं शताब्दी के बाद से कृति को पुनर्स्थापित करने का प्रयास किया गया है। हालांकि, वे सभी व्यर्थ थे, पेंट खराब होना जारी है। इसका कारण वर्तमान में पर्यावरण की स्थिति का बिगड़ना है। फ्रेस्को की गुणवत्ता हवा में निकास गैसों की बढ़ती एकाग्रता से प्रभावित होती है, साथ ही कारखानों और पौधों द्वारा वातावरण में उत्सर्जित वाष्पशील पदार्थ होते हैं।

अब हम यह भी कह सकते हैं कि पेंटिंग की बहाली पर शुरुआती काम न केवल अनावश्यक और व्यर्थ था, बल्कि इसका नकारात्मक पक्ष भी था। पुनर्स्थापना की प्रक्रिया में, कलाकारों ने अक्सर फ्रेस्को में जोड़ा, कैनवास पर पात्रों की उपस्थिति और चित्रित इंटीरियर को बदलते हुए। तो, हाल ही में यह ज्ञात हुआ कि मूल रूप से प्रेरितों में से एक के पास लंबी, कर्ल वाली दाढ़ी नहीं थी। इसके अलावा, दुर्दम्य की दीवारों पर चित्रित काले कैनवस छोटे कालीनों से ज्यादा कुछ नहीं थे। केवल
XX सदी में। पता लगाने और आंशिक रूप से अपने आभूषण को बहाल करने में कामयाब रहे।

आधुनिक पुनर्स्थापकों, जिनके बीच कार्लो बर्टेली की अध्यक्षता वाला समूह बाहर खड़ा था, ने फ्रेस्को की मूल उपस्थिति को बहाल करने का फैसला किया, इसे बाद में लागू किए गए तत्वों से मुक्त किया।

मातृत्व का विषय, एक युवा माँ की छवियां जो उसके बच्चे की प्रशंसा करती हैं, लंबे समय तक महान गुरु के काम में महत्वपूर्ण रहीं। सच्ची कृति उनकी पेंटिंग "मैडोना लिट्टा" और "मैडोना विद ए फ्लावर" ("मैडोना बेनोइट") हैं। वर्तमान में "मैडोना लिट्टा" को सेंट पीटर्सबर्ग के राज्य हरमिटेज संग्रहालय में रखा गया है। इस पेंटिंग को रूसी सम्राट अलेक्जेंडर द्वितीय ने 1865 में इटालियन ड्यूक एंटोनियो लिटा के परिवार से खरीदा था, जिसे पहले विस्कोनी के ड्यूक्स से दान में दिया गया था। रूसी tsar के आदेश से, पेंटिंग को पेड़ से कैनवास में स्थानांतरित कर दिया गया था और प्रसिद्ध सेंट पीटर्सबर्ग संग्रहालय के हॉल में से एक में लटका दिया गया था।

कला के विद्वानों का मानना \u200b\u200bहै (और वैज्ञानिक अनुसंधानों ने यह साबित कर दिया है) कि पेंटिंग के निर्माण का कार्य लेखक द्वारा स्वयं पूरा नहीं किया गया था। यह लियोनार्डो के छात्रों में से एक, बोलट्रैफियो द्वारा पूरा किया गया था।

पुनर्जागरण काल \u200b\u200bकी पेंटिंग में कैनवास मातृत्व के विषय की सबसे ज्वलंत अभिव्यक्ति है। मैडोना-मां की छवि हल्की और आध्यात्मिक है। बच्चे को दिया गया रूप असामान्य रूप से कोमल है, यह एक साथ व्यक्त करता है और
दुख, और शांति, और आंतरिक शांति। यहाँ माँ और बच्चा अपनी अनोखी दुनिया बनाते हुए प्रतीत होते हैं, एक एकल सामंजस्य पूर्ण बनाते हैं। चित्र के माध्यम से निम्नलिखित शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है: दो जीवित प्राणी, एक माँ और एक बच्चा, जीवन का आधार और अर्थ समाहित करते हैं।

अपनी बाहों में एक बच्चे के साथ मैडोना की छवि स्मारकीय है। पूर्णता और परिष्कार इसे प्रकाश और छाया का एक विशेष, चिकनी संक्रमण प्रदान करता है। आकृति की कोमलता और नाजुकता पर जोर दिया जाता है, जो महिला के कंधों पर लिपटी हुई कपड़ की ड्रेपरियों से होती है। पृष्ठभूमि संतुलन में खिड़कियों की तस्वीरें और बाकी दुनिया से दो प्रियजनों के अलगाव पर जोर देते हुए, रचना को पूरा करती हैं।

पेंटिंग मैडोना विथ ए फ्लावर (मैडोना बेनोइस), सर्का 1478, अपने अंतिम रूसी मालिकों से 1914 में ज़ार निकोलस II द्वारा विशेष रूप से हरमिटेज के लिए खरीदी गई थी। इसके शुरुआती मालिक अज्ञात रहे। केवल एक किंवदंती है जो बताती है कि एक इतालवी भटकने वाले अभिनेता ने रूस के लिए चित्र लाया था, जिसके बाद इसे 1824 में सामरा में व्यापारी सपोजनिकोव द्वारा खरीदा गया था। बाद में, पेंटिंग को पिता से बेटी, एम। ए। सपोझनिकोवा (बेनोइट से विवाहित) से विरासत में मिला, जिनसे सम्राट ने इसे खरीदा था। तब से, पेंटिंग के दो नाम हैं: "मैडोना विद ए फ्लावर" (लेखक का) और "मैडोना बेनोइट" (अंतिम मालिक के नाम से)।

चित्र, जिसमें भगवान और बच्चे की माँ को दर्शाया गया है, अपने बच्चे के साथ खेल रही माँ की साधारण, सांसारिक भावनाओं को दर्शाता है। पूरा दृश्य इसके विपरीत बनाया गया है: एक हंसती हुई माँ और एक बच्चा गंभीरता से फूल की जांच कर रहा है। कलाकार, इस विरोध पर सटीक रूप से ध्यान केंद्रित करते हुए, एक व्यक्ति को ज्ञान के लिए प्रयास करते हुए दिखाता है, सच्चाई की राह पर उसका पहला कदम। यह कैनवास का मुख्य विचार है।

प्रकाश और छाया का खेल पूरी रचना के लिए एक विशेष, अंतरंग स्वर निर्धारित करता है। धरती की हलचल से तलाकशुदा माँ और बच्चे अपनी दुनिया में हैं। चित्रित नालियों की कुछ कोणीयता और कठोरता के बावजूद, लियोनार्डो दा विंची का ब्रश इस्तेमाल किए गए रंगों के चिकनी, नरम संक्रमण और कट-ऑफ संयोजनों द्वारा पहचानना काफी आसान है। कैनवास को नरम, शांत रंगों के साथ चित्रित किया गया है, एक ही रंग योजना में बनाए रखा गया है, और यह तस्वीर को एक नरम चरित्र देता है और स्पष्ट रूप से, ब्रह्मांडीय सद्भाव और शांति की भावना पैदा करता है।

लियोनार्डो दा विंची चित्रण के एक स्वीकृत मास्टर हैं। उनके सबसे प्रसिद्ध कैनवस में "लेडी विद ए इरमिन" (लगभग 1483-1484) और "पोर्ट्रेट ऑफ ए म्यूज़िक" हैं।

कला आलोचकों और इतिहासकारों का सुझाव है कि पेंटिंग "लेडी विद एर्मिन" में उनकी शादी से पहले ड्यूक ऑफ मिलान, लुइस मोरू के पूर्व पसंदीदा सेसिलिया गैलेरानी को दर्शाया गया है। इस बात के प्रमाण हैं कि सीसिलिया एक बहुत ही शिक्षित महिला थी, जो उस समय बहुत कम थी। इसके अलावा, प्रसिद्ध कलाकार के इतिहासकारों और जीवनीकारों का भी मानना \u200b\u200bहै कि वह लियोनार्डो दा विंची के साथ निकटता से परिचित थे, जिन्होंने एक बार उनके चित्र को चित्रित करने का फैसला किया था।

यह कैनवास केवल एक पुनर्लेखन संस्करण में हमारे पास आया है, और इसलिए वैज्ञानिकों ने लंबे समय तक लियोनार्डो की लेखकीय क्षमता पर संदेह किया। हालांकि, पेंटिंग के अच्छी तरह से संरक्षित भागों में एक शगुन का चित्रण किया गया है और एक युवा महिला का चेहरा महान मास्टर दा विंची की शैलियों के बारे में आत्मविश्वास के साथ बोलना संभव बनाता है। यह भी दिलचस्प है कि घने अंधेरे की पृष्ठभूमि, साथ ही साथ केश विन्यास के कुछ विवरण, बाद में बनाए गए अतिरिक्त चित्र हैं।

"लेडी विद ए इरमिन" कलाकार की चित्र गैलरी में सबसे चमकदार मनोवैज्ञानिक चित्रों में से एक है। लड़की का पूरा आंकड़ा गतिशीलता को व्यक्त करता है, आगे बढ़ने की कोशिश करता है, असामान्य रूप से मजबूत-इच्छाशक्ति और मजबूत मानवीय चरित्र की गवाही देता है। सही चेहरे की विशेषताएं केवल इस पर जोर देती हैं।

चित्र वास्तव में जटिल और बहुआयामी है, छवि की सद्भाव और पूर्णता को कई तत्वों को एक साथ विलय करके प्राप्त किया जाता है: चेहरे के भाव, सिर का घूमना, हाथ की स्थिति। एक महिला की आँखें एक असाधारण मन, ऊर्जा, अंतर्दृष्टि को दर्शाती हैं। कसकर संकुचित होंठ, सीधे नाक, तेज ठोड़ी - सब कुछ इच्छाशक्ति, दृढ़ संकल्प, स्वतंत्रता पर जोर देता है। सिर का एक सुंदर मोड़, एक खुली गर्दन, लंबी उंगलियों के साथ एक हाथ जो सुशोभित जानवर को पथपाकर पूरे आंकड़े की नाजुकता और पतलापन पर जोर देता है। यह कोई संयोग नहीं है कि महिला अपने हाथों में एक शगुन ले रही है। पहले बर्फ की तरह, जानवर का सफेद फर, एक युवा महिला की आध्यात्मिक पवित्रता का प्रतीक है।

चित्र आश्चर्यजनक रूप से गतिशील है। मास्टर उस क्षण को सही ढंग से पकड़ने में कामयाब रहा जब एक आंदोलन को दूसरे में आसानी से संक्रमण करना चाहिए। इसलिए, ऐसा लगता है कि लड़की जीवन में आने वाली है, उसके सिर को मोड़ो और उसके हाथ जानवर के नरम फर के साथ स्लाइड करेंगे ...

रचना की असाधारण अभिव्यंजना उन रेखाओं की स्पष्टता द्वारा दी जाती है जो आंकड़े बनाते हैं, साथ ही छाया में प्रकाश के संक्रमण की तकनीक की महारत और उपयोग करते हैं, जिसकी मदद से कैनवास पर रूपों का निर्माण किया जाता है।

"पोर्ट्रेट ऑफ़ अ म्यूज़िशियन" लियोनार्डो दा विंची की उत्कृष्ट कृतियों में एकमात्र पुरुष चित्र है। कई शोधकर्ताओं ने मिलान के कैथेड्रल, फ्रैंचिनो गफ्फुरियो की रीजेंट के साथ मॉडल की पहचान की। हालांकि, कई वैज्ञानिक इस राय का खंडन करते हुए कहते हैं कि यह वह रेजिमेंट नहीं है जिसे यहां चित्रित किया गया है, बल्कि एक साधारण युवा, एक संगीतकार भी है। दा विंची की पेंटिंग तकनीक में निहित कुछ विवरणों की मौजूदगी के बावजूद, कला समीक्षक अभी भी लियोनार्डो की लेखकता पर संदेह करते हैं। संभवतः, ये संदेह लोम्बारड चित्रकारों की कलात्मक परंपराओं की विशेषता वाले तत्वों के कैनवास पर उपयोग के साथ जुड़े हुए हैं।

पोट्रेट की तकनीक कई मायनों में एंटोनेलो दा मेसिना के काम की याद दिलाती है। रसीला घुंघराले बालों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, चेहरे की स्पष्ट, सख्त रेखाएं कुछ हद तक तेजी से बाहर निकलती हैं। एक मजबूत चरित्र वाला एक बुद्धिमान व्यक्ति दर्शकों के सामने आता है, हालांकि एक ही समय में उसके टकटकी में कोई कुछ पता लगा सकता है, आध्यात्मिक रूप से। शायद, यह इस समय है कि संगीतकार की आत्मा में एक नया, दिव्य माधुर्य पैदा होता है, जो कुछ समय बाद कई लोगों का दिल जीत लेगा।

हालांकि, कोई यह नहीं कह सकता कि कलाकार किसी व्यक्ति को कृत्रिम रूप से बाहर निकालने की कोशिश कर रहा है। हाइपरबोले और पाथोस का सहारा लिए बिना, मास्टर सूक्ष्मता और कुशलता से मानव आत्मा के सभी धन और चौड़ाई को बताता है।

दा विंची की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग में से एक प्रसिद्ध मैडोना ऑफ द रॉक्स (1483-1493) है। इसे मिलान में सैन फ्रांसेस्को ग्रांडे के चर्च के भिक्षुओं के लिए लियोनार्डो द्वारा बनाया गया था। रचना को इम्मैकोलेट चैपल में वेदी को सजाने का इरादा था।

पेंटिंग के दो संस्करण हैं, जिनमें से एक पेरिस में लौवर में रखा गया है, और दूसरा लंदन में नेशनल गैलरी में है।

यह चट्टानों की लौवर मैडोना थी जिसने चर्च की वेदी को सजाया था। वैज्ञानिकों का सुझाव है कि कलाकार ने खुद इसे फ्रांसीसी राजा लुई XII को दिया था। उन्होंने ऐसा किया, इतिहासकारों के अनुसार, चित्रों के ग्राहकों और कलाकारों-कलाकारों के बीच पैदा हुए संघर्ष को सुलझाने में राजा की भागीदारी के लिए आभार का एक टोकन।

प्रस्तुत संस्करण को एक और पेंटिंग द्वारा बदल दिया गया था, जो अब लंदन नेशनल गैलरी में है। 1785 में एक निश्चित हैमिल्टन ने इसे खरीदा और इसे इंग्लैंड लाया।

चट्टानों के मैडोना की एक विशिष्ट विशेषता परिदृश्य के साथ मानव आकृतियों का संलयन है। यह महान कलाकार की पहली पेंटिंग है, जहां संतों की छवियों को उनकी उपस्थिति से प्रेरित होकर, प्रकृति के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ा जाता है। मास्टर के काम में पहली बार, आंकड़े एक वास्तुशिल्प संरचना के किसी भी तत्व की पृष्ठभूमि के खिलाफ नहीं दिखाए जाते हैं, लेकिन जैसे कि वे एक कठोर चट्टानी परिदृश्य के भीतर संलग्न हैं। यह भावना रचना में प्रकाश के विशेष नाटक और छाया के गिरने के कारण भी बनी है।

मैडोना की छवि यहां असामान्य रूप से आध्यात्मिक और अस्पष्ट तरीके से प्रस्तुत की गई है। मुलायम प्रकाश स्वर्गदूतों के चेहरे पर पड़ता है। अपने पात्रों के जीवन में आने से पहले कलाकार ने बहुत सारे रेखाचित्र और रेखाचित्र बनाए और उनकी छवियां उज्ज्वल और अभिव्यंजक बन गईं। एक रेखाचित्र में एक स्वर्गदूत का सिर दर्शाया गया है। हमें नहीं पता कि वह लड़की है या लड़का। लेकिन एक बात निश्चितता से कही जा सकती है: यह एक निर्दयी प्राणी है, जो कोमलता, दया, पवित्रता से भरा है। पूरी तस्वीर को शांति, शांति और चुप्पी की भावना से सुसज्जित किया गया है।

बाद में मास्टर द्वारा लिखित संस्करण, कई विवरणों में पहले से भिन्न होता है: संतों के सिर पर हैलोस दिखाई देता है, थोड़ा जॉन बैपटिस्ट एक क्रॉस रखता है, परी की स्थिति बदल जाती है। और निष्पादन की तकनीक लियोनार्डो के छात्रों के लिए चित्र की लेखकता को जिम्मेदार ठहराने के कारणों में से एक बन गई। यहां सभी आंकड़े बड़े पैमाने पर, करीब से प्रस्तुत किए जाते हैं, और इसके अलावा, उन्हें बनाने वाली रेखाएं अधिक ध्यान देने योग्य, यहां तक \u200b\u200bकि भारी, अधिक इंगित करती हैं। यह प्रभाव छाया को मोटा करके और रचना में अलग-अलग स्थानों को उजागर करके बनाया गया है।

कला समीक्षकों के अनुसार चित्र का दूसरा संस्करण अधिक सांसारिक, सांसारिक है। शायद इसका कारण यह तथ्य था कि पेंटिंग लियोनार्डो के छात्रों द्वारा पूरी की गई थी। हालांकि, यह कैनवास के मूल्य से अलग नहीं होता है। इसमें कलाकार की मंशा स्पष्ट रूप से दिखाई देती है, रचना में मास्टर की छवियों और अभिव्यक्ति में अच्छी तरह से पता लगाया जाता है।

कोई भी कम दिलचस्प लियोनार्डो दा विंची "घोषणा" (1470) द्वारा प्रसिद्ध पेंटिंग का इतिहास नहीं है। पेंटिंग का निर्माण कलाकार के काम में शुरुआती अवधि के लिए, उसकी पढ़ाई के समय और एंड्रिया वेरोकियो के स्टूडियो में काम करता है।

लेखन तकनीक के कई तत्व इस विश्वास के साथ घोषणा करना संभव बनाते हैं कि प्रसिद्ध कृति के लेखक लियोनार्डो दा विंची हैं और अपने लेखन में वेरोकियो या उनके अन्य छात्रों की भागीदारी को बाहर करते हैं। हालांकि, रचना में कुछ विवरण वेरोकचियो स्कूल की कलात्मक परंपरा की विशेषता है। इससे पता चलता है कि युवा चित्रकार, मौलिकता और प्रतिभा उस समय पहले से ही प्रकट होने के बावजूद, अपने शिक्षक के प्रभाव में कुछ हद तक अभी भी था।

पेंटिंग की संरचना काफी सरल है: एक परिदृश्य, एक ग्रामीण विला, दो आंकड़े - मैरी और एक परी। पीछे की ओर
हम जहाज, कुछ इमारतें, एक बंदरगाह देखते हैं। इस तरह के विवरण की उपस्थिति पूरी तरह से लियोनार्डो के काम की विशेषता नहीं है, और वे यहां मुख्य नहीं हैं। कलाकार के लिए धुंध के धुंध में छिपे हुए पहाड़ों को दिखाना अधिक महत्वपूर्ण है, जो दूरी में हैं, और प्रकाश, लगभग पारदर्शी आकाश। अच्छी खबर और एक परी की प्रतीक्षा कर रही एक युवा महिला की भावपूर्ण छवियां असाधारण रूप से सुंदर और कोमल हैं। उनके रूपों की पंक्तियाँ दा विंची के तरीके से बनी हुई हैं, जिसने एक समय में कैनवास को प्रारंभिक लियोनार्डो के ब्रश से संबंधित उत्कृष्ट कृति के रूप में परिभाषित करना संभव बना दिया था।

मामूली विवरणों के निष्पादन की तकनीक भी प्रसिद्ध मास्टर की परंपरा की विशेषता है: पॉलिश बेंच, एक पत्थर का पैरापेट, शानदार पौधों की काल्पनिक रूप से घुमा शाखाओं के साथ सजाया गया एक पुस्तक धारक। वैसे, जियोवन्नी और पिएरो मेडिसी की कब्र का सारकोफागस, जो सैन लोरेंजो के चर्च में स्थापित है, को बाद का प्रोटोटाइप माना जाता है। Verrocchio स्कूल और बाद की विशेषता में निहित इन तत्वों को दा विंची द्वारा कुछ हद तक पुनर्विचार किया जाता है। वे जीवित हैं, स्वैच्छिक हैं, सामंजस्यपूर्ण रूप से समग्र रचना में बुना हुआ है। ऐसा लगता है कि लेखक ने खुद को एक लक्ष्य के रूप में निर्धारित किया है, अपने शिक्षक के प्रदर्शनों की सूची के आधार पर, अपनी तकनीक और अभिव्यक्ति के कलात्मक साधनों का उपयोग करते हुए, अपनी प्रतिभा की दुनिया को प्रकट करने के लिए।

वर्तमान में, पेंटिंग का एक प्रकार फ़्लोरेंस में उफ़ीज़ी गैलरी में है। रचना का दूसरा संस्करण पेरिस में लौवर में रखा गया है।

लौवर पेंटिंग अपने पहले संस्करण की तुलना में कुछ अधिक जटिल रूप से निर्मित है। यहां, पत्थर के पैरापेट की दीवारों की ज्यामितीय रूप से सही लाइनें स्पष्ट रूप से दिखाई देती हैं, जिनमें से पैटर्न मैरी के आंकड़े के पीछे स्थित बेंच द्वारा दोहराया जाता है। सामने लाए गए चित्रों को रचना में उचित और तार्किक रूप से रखा गया है। मैरी और परी के कपड़े, पहले संस्करण की तुलना में, अधिक स्पष्ट रूप से और लगातार लिखे गए हैं। मारिया ने अपने सिर को कम झुकाया, गहरे नीले रंग की पोशाक पहने आसमानी नीले रंग का लहंगा अपने कंधों पर लपेटा, एक बेजुबान जीव की तरह लग रहा था। पोशाक के गहरे रंग चमकते हैं और उसके चेहरे की सफेदी दूर करते हैं। कोई कम व्यक्त नहीं एक परी की छवि है जो मैडोना के लिए अच्छी खबर लेकर आई है। एक पीले रंग की मखमली, ड्रैपरियों के साथ गहरे लाल रंग का लहंगा, नीचे की ओर उतरते हुए एक तरह की परी की शानदार छवि को पूरा करता है।

देर से रचना में विशेष रुचि मास्टर द्वारा चित्रित परिदृश्य है: किसी भी सम्मेलन से रहित, दूरी में उगने वाले पेड़, लगभग वास्तव में दिखाई देने वाले, हल्के नीले, पारदर्शी आकाश, हल्के कोहरे से छिपे पहाड़, पैरों के नीचे ताजे फूल एक परी।

पेंटिंग "सेंट जेरोम" का अर्थ है एंड्रिया वेरोचियो (कलाकार के काम के तथाकथित फ्लोरेंटाइन अवधि) के स्टूडियो में लियोनार्डो दा विंची के काम की अवधि। कैनवास अधूरा रह गया। रचना का मुख्य विषय एक अकेला नायक, एक पश्चाताप करने वाला पापी है। उसका शरीर भूख से सूख गया था। हालाँकि, दृढ़ संकल्प और इच्छाशक्ति से भरा उनका रूप, एक व्यक्ति की दृढ़ता और आध्यात्मिक शक्ति की एक विशद अभिव्यक्ति है। हम लियोनार्डो द्वारा बनाई गई किसी भी छवि में द्वंद्व, अस्पष्टता नहीं पाएंगे।

उनकी पेंटिंग में पात्र हमेशा एक बहुत ही निश्चित गहरे जुनून और भावना की उच्चतम डिग्री व्यक्त करते हैं।

लियोनार्डो की लेखनी का श्रेय भी गुरु के चित्रित सिर से मिलता है। इसके बारे में एक सामान्य प्रसार पेंटिंग तकनीक की उत्कृष्ट महारत और मानव शरीर की शारीरिक रचना की जटिलताओं के मास्टर ज्ञान की बात नहीं करता है। हालांकि यह एक छोटा सा आरक्षण करने के लिए आवश्यक है: कई मामलों में कलाकार एंड्रिया डेल कैस्टैग्नो और डॉमेनिको वेनेजियानो की परंपराओं का पालन करता है, जो बदले में, एंटोनियो पोलायोलो से आता है।

जेरोम का आंकड़ा असामान्य रूप से अभिव्यंजक है। ऐसा लगता है कि घुटने टेकते हुए सभी को आगे निर्देशित किया जाता है। सही
वह अपने हाथ में एक पत्थर रखता है, एक और पल - और वह उसके साथ छाती में टकराएगा, अपने शरीर को कुरेदता रहेगा और अपने पापों के लिए अपनी आत्मा को कोसता रहेगा ...

चित्र का रचनात्\u200dमक निर्माण भी रोचक है। यह सब पता चला है, जैसा कि यह था, एक सर्पिल में संलग्न है, जो चट्टानों से शुरू होता है, एक शेर की आकृति के साथ जारी रहता है, तपस्या के चरणों में स्थित होता है, और एक उपदेश के आंकड़े के साथ समाप्त होता है।

शायद विश्व ललित कला की सभी उत्कृष्ट कृतियों में सबसे लोकप्रिय "ला गिओकोंडा" है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि चित्र पर काम पूरा होने के बाद, कलाकार ने अपनी मृत्यु तक इसमें भाग नहीं लिया। बाद में, पेंटिंग फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस I के पास आई, जिन्होंने इसे लौवर में रखा।

सभी कला विद्वान इस बात से सहमत हैं कि पेंटिंग को 1503 में चित्रित किया गया था। हालांकि, अभी भी चित्र में चित्रित युवा लड़की के प्रोटोटाइप के बारे में विवाद है। यह माना जाता है (परंपरा प्रसिद्ध जीवनी लेखक जियोर्जियो वासरी से आती है) कि चित्र में एक फ्लोरेंटाइन नागरिक फ्रांसेस्को डी गिओकोंडो, मोना लिसा की पत्नी को दर्शाया गया है।

तस्वीर को देखकर, हम विश्वास के साथ कह सकते हैं कि कलाकार ने एक मानवीय छवि बनाने में पूर्णता प्राप्त की है। यहाँ मास्टर पहले से स्वीकार किए जाते हैं और चित्र बनाने के व्यापक तरीके से। ला जियोकोंडा को एक हल्की पृष्ठभूमि पर चित्रित किया गया है और, इसके अलावा, एक मोड़ के तीन तिमाहियों में घुमाया जाता है, उसकी टकटकी सीधे दर्शक पर निर्देशित होती है - यह उस समय की चित्र कला में नया था। खुले परिदृश्य के लिए धन्यवाद, लड़की की पीठ के पीछे स्थित, उत्तरार्द्ध का आंकड़ा निकला, जैसा कि यह था, परिदृश्य का हिस्सा, सामंजस्यपूर्ण रूप से इसके साथ विलय। यह लियोनार्डो द्वारा बनाई गई विशेष कलात्मक और ग्राफिक तकनीक के कारण हासिल किया गया है और उनके काम में उपयोग किया जाता है - sfumato। इसका सार इस तथ्य में निहित है कि समोच्च लाइनों को निर्विवाद रूप से उल्लिखित किया जाता है, वे धुंधले होते हैं, और यह रचना में इसके व्यक्तिगत भागों के विलय, अंतर्विरोध की भावना पैदा करता है।

एक चित्र में, इस तरह की तकनीक (एक मानव आकृति और एक बड़े पैमाने पर प्राकृतिक परिदृश्य का संलयन) एक दार्शनिक विचार व्यक्त करने का एक तरीका बन जाता है: मानव दुनिया हमारे आसपास की प्रकृति की दुनिया जितनी विशाल, बड़े पैमाने पर और विविध है । लेकिन, दूसरी ओर, रचना का मुख्य विषय प्राकृतिक दुनिया के मानव मन के पूर्ण ज्ञान की असंभवता के रूप में प्रस्तुत किया जा सकता है। यह इस विचार के साथ है कि कई कला समीक्षक मोनालिसा के होठों पर जमी हुई मुस्कुराहट को जोड़ते हैं। वह कहती है: "दुनिया को जानने के लिए व्यक्ति के सभी प्रयास बिल्कुल व्यर्थ और व्यर्थ हैं।"

कला विद्वानों के अनुसार, ला जियोकोंडा का चित्र, लियोनार्डो दा विंची की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक है। इसमें, कलाकार वास्तव में अवतार लेने में सक्षम थे और सबसे पूरी तरह से सद्भाव और दुनिया की विशालता के विचार, तर्क और कला की प्राथमिकता का विचार व्यक्त करते थे।

माइकल एंजेलो बुओनारोती

माइकल एंजेलो बुओनरोती, इतालवी चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार और कवि, 6 मार्च, 1475 को फ्लोरेंस के पास कैप्रेज में पैदा हुए थे। माइकल एंजेलो के पिता, लोदोविको बुओनरोट्टी, कैपरेसी शहर के मेयर थे। उसने सपना देखा कि उसका बेटा जल्द ही उसे अपने पद पर बदल देगा। हालांकि, अपने पिता की इच्छा के खिलाफ, माइकल एंजेलो ने अपने जीवन को पेंटिंग के लिए समर्पित करने का फैसला किया।

1488 में माइकल एंजेलो फ्लोरेंस गए और वहां एक कला विद्यालय में प्रवेश किया, जिसे तब ललित कला के प्रसिद्ध गुरु डॉमेनिको घेरालैंडियो ने निर्देशित किया था। एक साल बाद, 1489 में, लोरेंजो मेडिसी द्वारा स्थापित कार्यशाला में युवा कलाकार पहले से ही काम कर रहे थे। यहां युवक एक अन्य प्रसिद्ध कलाकार और अपने समय के मूर्तिकार, बर्टोल्डो डी गियोवन्नी से पेंटिंग सीखता है, जो डोनाटेलो का छात्र था। इस कार्यशाला में, माइकल एंजेलो ने एंजेलो पोलिज़ियानो और पिको डेला मिरांडोला के साथ मिलकर काम किया, जिन्होंने युवा चित्रकार की कलात्मक पद्धति के गठन को बहुत प्रभावित किया। हालांकि, माइकलएंजेलो का काम लोरेंजो मेडिसी के सर्कल में बंद होने के लिए नहीं निकला। उनकी प्रतिभा लगातार विकसित हो रही थी। कलाकार का ध्यान महानता के महान नायकों की छवि के लिए तेजी से आकर्षित किया गया था, जो गोट्टो और मासिआको के काम करता है।

90 के दशक की पहली छमाही में। 15 वीं शताब्दी में, माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई पहली मूर्तियां दिखाई देती हैं: "मैडोना एट द सीढ़ियों" और "बैटल ऑफ द सेंटोरो"।

"मैडोना" में उस समय की कला में आमतौर पर स्वीकार किए जाने वाले कलात्मक चित्रण के तरीके का प्रभाव देखा जा सकता है। माइकल एंजेलो के काम में, आंकड़ों की प्लास्टिसिटी का एक ही विवरण है। हालाँकि, यहां तक \u200b\u200bकि कोई भी युवा मूर्तिकार की विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत तकनीक को देख सकता है, जो खुद को लंबा, वीर चित्रों के निर्माण में प्रकट करता है।

राहत "Centaurs की लड़ाई" में अब बाहरी प्रभाव के निशान नहीं हैं। यह कार्य प्रतिभाशाली व्यक्ति की अपनी व्यक्तिगत शैली दिखाने का पहला स्वतंत्र कार्य है। राहत पर, केंद्र के साथ लापिथ्स की लड़ाई की एक पौराणिक तस्वीर पूरी सामग्री में दर्शक के सामने दिखाई देती है। यह दृश्य अपने असाधारण नाटक और यथार्थवाद के लिए उल्लेखनीय है, जिसे चित्रित आंकड़ों के सटीक रूप से प्रस्तुत प्लास्टिक द्वारा व्यक्त किया गया है। इस मूर्ति को नायक, मानव शक्ति और सौंदर्य के लिए एक भजन माना जा सकता है। कथानक के सभी नाटक के बावजूद, समग्र रचना में एक गहन आंतरिक सामंजस्य है।

कला के विद्वान "बैटल ऑफ द सेंटर्स" को माइकल एंजेलो के काम का शुरुआती बिंदु मानते हैं। वे कहते हैं कि कलाकार की प्रतिभा इस कार्य में सटीक रूप से उत्पन्न होती है। राहत, मास्टर के शुरुआती कार्यों से संबंधित है, जो माइकल एंजेलो की कलात्मक तरीके से संपूर्ण समृद्धि का प्रतिबिंब है।

1495 से 1496 तक माइकल एंजेलो बुओनारोती बोलोग्ना में है। यहां वह जैकोपो डेला क्वेरसिया के कैनवस से परिचित हो जाता है, जिसने बनाई गई छवियों की स्मारक द्वारा युवा कलाकार का ध्यान आकर्षित किया।

1496 में, मास्टर रोम में बस गए, जहां उन्होंने लॉकोन और बेल्वेडेर धड़ सहित हाल ही में खोजी गई प्राचीन मूर्तियों के प्लास्टिसिटी और निष्पादन के तरीके का अध्ययन किया। Bacchus में माइकल एंजेलो द्वारा प्राचीन ग्रीक मूर्तिकारों के कलात्मक तरीके को दर्शाया गया था।

1498 से 1501 तक, कलाकार ने "पीटा" नामक एक संगमरमर समूह के निर्माण पर काम किया और माइकल एंजेलो की प्रसिद्धि को पहले इतालवी स्वामी में से एक के रूप में लाया। पूरा दृश्य, जिसमें एक जवान माँ को उसके हत्यारे बेटे के शरीर पर रोते हुए दिखाया गया है, असाधारण परोपकार और कोमलता की भावना से प्रेरित है। यह कोई संयोग नहीं है कि कलाकार ने एक युवा लड़की को एक मॉडल के रूप में चुना - एक छवि जो आध्यात्मिक शुद्धता का प्रतिनिधित्व करती है।

आदर्श नायकों को दर्शाने वाले एक युवा मास्टर का यह काम 15 वीं शताब्दी में बनाई गई मूर्तियों से काफी अलग है। माइकल एंजेलो की छवियां अधिक गहरी और अधिक मनोवैज्ञानिक हैं। मां के चेहरे की विशेष अभिव्यक्ति, उसके हाथों की स्थिति, शरीर, जिनमें से घटता कपड़े की नरम ड्रेपरियों द्वारा जोर दिया जाता है, के माध्यम से दु: ख और उदासी की भावनाओं को सूक्ष्मता से व्यक्त किया जाता है। उत्तरार्द्ध की छवि, वैसे, मास्टर के काम में एक प्रकार का पिछड़ा माना जा सकता है: रचना के तत्वों का विस्तृत विवरण (इस मामले में, पोशाक और हुड की तह) एक विशेषता है पूर्व-पुनर्जागरण कला की विशेषता। समग्र रचना असामान्य रूप से अभिव्यंजक और दयनीय है, जो युवा मूर्तिकार के काम की एक विशिष्ट विशेषता है।

1501 में, माइकल एंजेलो, पहले से ही इटली में मूर्तिकला के एक प्रसिद्ध मास्टर, फिर से फ्लोरेंस के लिए रवाना हुए। यह वह जगह है जहाँ उसका संगमरमर "डेविड" है। अपने पूर्ववर्तियों (डोनाटेलो और वेरोकियो) के विपरीत, माइकल एंजेलो ने युवा नायक को सिर्फ युद्ध के लिए तैयार होने में चित्रित किया। विशाल प्रतिमा (इसकी ऊंचाई 5.5 मीटर है) किसी व्यक्ति की असामान्य रूप से मजबूत इच्छाशक्ति, उसके शरीर की शारीरिक शक्ति और सुंदरता को व्यक्त करती है। माइकल एंजेलो के दिमाग में एक व्यक्ति की छवि पौराणिक विशाल टाइटन्स के आंकड़ों के समान है। डेविड यहां एक परिपूर्ण, मजबूत और स्वतंत्र व्यक्ति के विचार के अवतार के रूप में प्रकट होता है, जो अपने रास्ते में किसी भी बाधा को दूर करने के लिए तैयार है। नायक की आत्मा में उबलते हुए सभी जुनून को शरीर के मोड़ और डेविड के चेहरे पर अभिव्यक्ति के माध्यम से व्यक्त किया जाता है, जो उसके निर्णायक और मजबूत इरादों वाले चरित्र की बात करता है।

यह कोई संयोग नहीं है कि डेविड की प्रतिमा शहर-राज्य की शक्ति, असाधारण शक्ति और स्वतंत्रता के प्रतीक के रूप में पलाज़ो वेकोचियो (फ्लोरेंस की शहर सरकार की इमारत) के प्रवेश द्वार को सुशोभित करती है। संपूर्ण रचना एक मजबूत मानव आत्मा और एक समान रूप से मजबूत शरीर की सद्भाव व्यक्त करती है।

1501 में, डेविड की प्रतिमा के साथ, स्मारकीय ("काशिन की लड़ाई") और चित्रफलक (एक दौर के प्रारूप में "मैडोना डोनी") की पहली रचनाएं दिखाई दीं। बाद को वर्तमान में फ़्लोरेंस में उफ़ीज़ी गैलरी में रखा गया है।

1505 में माइकल एंजेलो रोम लौट आया। यहां वह पोप जूलियस II के मकबरे के निर्माण पर काम कर रहे हैं। योजना के अनुसार, मकबरे को एक भव्य वास्तु संरचना माना जाता था, जिसके चारों ओर संगमरमर से नक्काशी की गई 40 मूर्तियाँ होंगी, और कांस्य से राहत मिलेगी। हालांकि, कुछ समय बाद, पोप जूलियस द्वितीय ने अपने आदेश से इनकार कर दिया, और माइकल एंजेलो की भव्य योजनाओं को सच होने के लिए नियत नहीं किया गया था। सूत्र बताते हैं कि ग्राहक बल्कि स्वामी के प्रति असभ्य था, जिसके परिणामस्वरूप उसने कोर का अपमान किया, राजधानी छोड़ने और फ़्लोरेंस में फिर से लौटने का फैसला किया।

हालांकि, फ्लोरेंटाइन अधिकारियों ने पोप के साथ शांति बनाने के लिए प्रसिद्ध मूर्तिकार को मना लिया। जल्द ही वह एक नए प्रस्ताव के साथ माइकल एंजेलो में बदल गया - सिस्टिन चैपल की छत को सजाने के लिए। मास्टर, जो खुद को मुख्य रूप से मूर्तिकार मानता था, ने अनिच्छा से आदेश को स्वीकार किया। इसके बावजूद, उन्होंने एक कैनवास बनाया जो अभी भी विश्व कला की एक मान्यता प्राप्त कृति है और कई पीढ़ियों के लिए चित्रकार की स्मृति को छोड़ दिया है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि माइकल एंजेलो ने छत की पेंटिंग पर काम किया, जो क्षेत्र 600 वर्ग मीटर से अधिक है। मीटर, पूरी तरह से अकेले, सहायकों के बिना। हालांकि, चार साल बाद फ्रेस्को पूरी तरह से समाप्त हो गया था।

पेंटिंग के लिए छत की पूरी सतह को कई हिस्सों में विभाजित किया गया था। केंद्रीय स्थान पर दुनिया के निर्माण के साथ-साथ पहले लोगों के जीवन को दर्शाने वाले नौ दृश्यों का कब्जा है। प्रत्येक दृश्य के कोनों में नग्न युवाओं के आंकड़े हैं। इस रचना के बाईं और दाईं ओर, सात नबियों और पांच कालिखों का चित्रण भित्ति चित्र हैं। सीलिंग, धनुषाकार वाल्ट्स और स्ट्रिपिंग को अलग-अलग बाइबिल दृश्यों के साथ सजाया गया है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि माइकल एंजेलो के आंकड़े यहां विभिन्न पैमानों के हैं। इस विशेष तकनीक ने लेखक को सबसे महत्वपूर्ण एपिसोड और छवियों पर दर्शकों का ध्यान केंद्रित करने की अनुमति दी।

अब तक, कला वैज्ञानिक भित्ति की वैचारिक अवधारणा की समस्या से हैरान हैं। तथ्य यह है कि सभी भूखंड जो इसे बनाते हैं, बाइबिल के प्लॉट के विकास के तार्किक अनुक्रम के उल्लंघन में लिखे गए हैं। उदाहरण के लिए, पेंटिंग "नूह का नशा" रचना "अंधेरे से प्रकाश की जुदाई" से पहले होती है, हालांकि यह चारों ओर दूसरा रास्ता होना चाहिए। हालांकि, इस तरह के बिखरे हुए विषय किसी भी तरह से चित्रकार के कलात्मक कौशल पर प्रतिबिंबित नहीं हुए। स्पष्ट रूप से, कलाकार के लिए फिर भी यह महत्वपूर्ण था कि वह कथा की सामग्री को प्रकट न करे, लेकिन फिर से (जैसा कि "डेविड" मूर्ति में) एक सुंदर, उदात्त मानव आत्मा और उसके शक्तिशाली, मजबूत शरीर के सामंजस्य को दिखाने के लिए।
यह मेजबानों के टाइटेनियम जैसे बूढ़े आदमी की छवि (फ्रेस्को "क्रिएशन ऑफ द सन एंड द मून") द्वारा पुष्टि की जाती है, जो चमकदार बनाता है।

दुनिया के निर्माण के बारे में बताने वाले लगभग सभी भित्ति-चित्रों में, दर्शकों के सामने एक विशालकाय आदमी दिखाई देता है, जिसके निर्माता, जीवन, दृढ़ संकल्प, शक्ति के अनुरोध पर और जागृत होगा। स्वतंत्रता का विचार पेंटिंग "द फॉल" में एक निरंतर धागा है, जहां ईव, निषिद्ध फल के लिए पहुंचता है, जैसे कि भाग्य को चुनौती देता है, स्वतंत्रता के लिए एक दृढ़ इच्छा व्यक्त करता है। फ्लड फ्रेस्को की छवियां, जिनमें से चरित्र जीवन और परिवार की निरंतरता में विश्वास करते हैं, वे भी जीवन के लिए एक ही अनम्यता और प्यास से भरे हुए हैं।

सिबिल और नबियों की छवियों को उन लोगों के आंकड़ों द्वारा दर्शाया जाता है जो मजबूत भावनाओं और पात्रों के उज्ज्वल व्यक्तित्व की पहचान करते हैं। बुद्धिमान जोएल यहाँ हताश Ezekiel के विपरीत है। दर्शक आध्यात्मिक रूप से यशायाह और सुंदर की छवियों से चकित है, जो भविष्यवाणी के क्षण में दिखाया गया है, बड़ी, स्पष्ट आंखों के साथ डेल्फ़िक सिबिल।

ऊपर, माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई छवियों का पथ और स्मारक पहले से ही एक से अधिक बार नोट किया गया है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि तथाकथित भी। सहायक आंकड़े मुख्य विशेषताओं के समान विशेषताओं के स्वामी के साथ संपन्न होते हैं। व्यक्तिगत चित्रों के कोनों में स्थित युवा पुरुषों की छवियां, एक व्यक्ति द्वारा अनुभव किए गए जीवन के आनंद और उसकी अपनी आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति की चेतना का प्रतीक हैं।

कला समीक्षक सिस्टिन चैपल की पेंटिंग को ही सही मानते हैं, जो कि माइकल एंजेलो के रचनात्मक गठन की अवधि को पूरा करने वाला काम है। यहां मास्टर ने प्लैफॉन्ड को सफलतापूर्वक विभाजित किया है, जो सभी प्रकार के विषयों के बावजूद, एक पूरे के रूप में फ्रेस्को कलाकार द्वारा बनाई गई छवियों की सद्भाव और एकता की छाप बनाता है।

माइकल एंजेलो के काम की पूरी अवधि के दौरान फ्रेस्को पर, कलाकार की कलात्मक पद्धति धीरे-धीरे बदल गई। बाद के पात्रों को बड़े पैमाने पर प्रस्तुत किया जाता है - इससे उनकी स्मारकीयता में काफी वृद्धि हुई। इसके अलावा, छवि के इतने बड़े पैमाने पर इस तथ्य के कारण हुआ कि आंकड़े के प्लास्टिक अधिक जटिल हो गए। हालांकि, यह किसी भी तरह से छवियों की अभिव्यक्ति को प्रभावित नहीं करता था। शायद, यहां कहीं और से अधिक, एक मूर्तिकार की प्रतिभा प्रकट हुई थी, जो मानव आकृति के आंदोलन की हर पंक्ति को सूक्ष्मता से व्यक्त करने में कामयाब रहे। किसी को यह आभास हो जाता है कि चित्रों को पेंट से नहीं रंगा गया है, बल्कि उत्कृष्ट रूप से मूर्तियों को उकेरा गया है।

छत के विभिन्न हिस्सों में भित्तिचित्रों की प्रकृति अलग है। यदि मध्य भाग सबसे आशावादी मूड व्यक्त करता है, तो धनुषाकार वाल्टों में ऐसी छवियां होती हैं जो उदास भावनाओं के सभी रंगों को व्यक्त करती हैं: शांति, उदासी और चिंता को भ्रम और स्तब्धता से बदल दिया जाता है।

माइकल एंजेलो की मसीह के पूर्वजों की छवियों की व्याख्या भी दिलचस्प है। उनमें से कुछ रिश्तेदारी की भावनाओं को व्यक्त करते हैं। दूसरी ओर, दूसरे लोग, एक-दूसरे के प्रति द्वेष और घृणा से भरे होते हैं, जो बाइबल के नायकों की खासियत नहीं है, जिन्हें दुनिया में प्रकाश और अच्छाई लाने के लिए कहा जाता है। कला समीक्षक चैपल के बाद के परिवर्धन को एक नई कलात्मक विधि का प्रकटीकरण मानते हैं, प्रसिद्ध मास्टर चित्रकार के काम में गुणात्मक रूप से नए दौर की शुरुआत।

20 के दशक में। 16 वीं शताब्दी में, माइकल एंजेलो द्वारा काम करता है, जो पोप जूलियस II की कब्र को सजाने के लिए बनाया गया था। उत्तरार्द्ध के निर्माण का आदेश पोप के वारिसों द्वारा प्रसिद्ध मूर्तिकार द्वारा प्राप्त किया गया था। इस संस्करण में, मूर्तियों की न्यूनतम संख्या के साथ कब्र कुछ छोटी होनी चाहिए थी। जल्द ही, मास्टर ने तीन मूर्तियों के निष्पादन पर काम पूरा किया: दो दास और मूसा की मूर्तियाँ।

माइकल एंजेलो ने 1513 से बन्धुओं की छवियों पर काम किया। इस कार्य का मुख्य विषय एक व्यक्ति है जो शत्रुतापूर्ण ताकतों से लड़ रहा है। यहां, विजयी नायकों के स्मारकीय आंकड़ों को उन पात्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है जो बुराई के साथ असमान संघर्ष में नष्ट हो जाते हैं। इसके अलावा, ये चित्र कलाकार के किसी एक लक्ष्य और कार्य के अधीन नहीं होते हैं, बल्कि भावनाओं और भावनाओं की एक अंतर्विरोध का प्रतिनिधित्व करते हैं।

मास्टर द्वारा उपयोग की जाने वाली एक प्रकार की कलात्मक और चित्रात्मक पद्धति की सहायता से छवि की बहुमुखी प्रतिभा व्यक्त की जाती है। अगर उस समय तक माइकल एंजेलो ने एक तरफ से एक आकृति या एक मूर्तिकला समूह को दिखाने की कोशिश की, तो अब कलाकार द्वारा बनाई गई छवि प्लास्टिक बदल रही है। दर्शक किस प्रतिमा पर निर्भर है, यह निश्चित रूपरेखा प्राप्त करता है, और यह या वह समस्या अधिक तीव्र हो जाती है।

बाउंड प्रिजनर ऊपर के चित्रण के रूप में काम कर सकता है। इसलिए, यदि दर्शक घड़ी की दिशा में मूर्तिकला घूमता है, तो वह आसानी से निम्नलिखित को देखेगा: पहला, उसके सिर के साथ एक बन्दी कैदी का आंकड़ा वापस फेंक दिया गया और एक असहाय शरीर अपनी शक्तिहीनता की चेतना से अमानवीय पीड़ा व्यक्त करता है, मानव आत्मा और शरीर की कमजोरी। हालाँकि, जैसा कि आप मूर्तिकला के चारों ओर आगे बढ़ते हैं, छवि काफी बदल जाती है। कैदी की पूर्व कमजोरी गायब हो जाती है, उसकी मांसपेशियों को ताकत से भर दिया जाता है, उसका सिर गर्व से बढ़ता है। और अब इससे पहले कि दर्शक अब एक थका हुआ शहीद नहीं है, लेकिन एक टाइटन हीरो का एक शक्तिशाली व्यक्ति, जिसने कुछ बेतुके दुर्घटना से खुद को झकझोर दिया। ऐसा लगता है कि एक और क्षण - और बंधन टूट जाएंगे। हालाँकि, ऐसा नहीं होता है। आगे बढ़ते हुए, दर्शक देखता है कि मानव शरीर फिर से कैसे कमजोर हो जाता है, उसका सिर नीचे चला जाता है। और यहाँ फिर से हमारे सामने एक दयनीय कैदी है, जिसने अपने भाग्य को त्याग दिया।

डाइंग प्रिजनर प्रतिमा में समान परिवर्तनशीलता देखी जा सकती है। जैसे-जैसे दर्शक आगे बढ़ता है, दर्शक देखता है कि कैसे शरीर, पीड़ा में धड़क रहा है, धीरे-धीरे शांत हो जाता है और सुन्न हो जाता है, शाश्वत मौन और शांति के विचार को जन्म देता है।

कैदियों की मूर्तियां असामान्य रूप से अभिव्यंजक हैं, जो आंकड़े के आंदोलन की प्लास्टिसिटी के यथार्थवादी हस्तांतरण के कारण बनाई गई हैं। वे दर्शकों के सामने सचमुच जीवन में आते हैं। बंदियों की मूर्ति के निष्पादन की ताकत की तुलना केवल गुरु की सबसे प्रारंभिक मूर्ति के साथ की जा सकती है - "द बैटल ऑफ़ द सेंटर्स"।

"मोसेस" की मूर्ति, "कैप्टिव्स" के विपरीत, चरित्र में कुछ हद तक अधिक संयमित है, लेकिन कोई कम अभिव्यंजक नहीं है। यहां माइकल एंजेलो फिर से एक टाइटैनिक मानव नायक की छवि के निर्माण के लिए जाता है। मूसा का आंकड़ा एक नेता, एक नेता, एक असामान्य रूप से मजबूत इच्छाशक्ति वाले व्यक्ति का अवतार है। इसका सार डेविड के साथ तुलना में पूरी तरह से पता चला है। यदि उत्तरार्द्ध किसी की ताकत और अजेयता में विश्वास का प्रतीक है, तो यहां मूसा इस विचार का व्यक्तिीकरण है कि जीत के लिए जबरदस्त प्रयासों की आवश्यकता होती है। नायक के इस आध्यात्मिक तनाव को न केवल उसके चेहरे पर दुर्जेय अभिव्यक्ति के माध्यम से, बल्कि आकृति की प्लास्टिसिटी की मदद से भी व्यक्त किया गया था: मूसा की दाढ़ी के कपड़े, कपड़े की परतों की तेजी से अपवर्तित रेखाएं।

1519 से माइकल एंजेलो बंदी की चार और मूर्तियों के निर्माण पर काम कर रहा है। हालांकि, वे अधूरे रह गए। इसके बाद, वे फ्लोरेंस में स्थित बोबोली गार्डन में कुटी को सजाने के लिए उपयोग किए गए थे। वर्तमान में, मूर्तियों को फ्लोरेंटाइन अकादमी में रखा गया है। इन कार्यों में, माइकल एंजेलो के लिए एक नया विषय दिखाई देता है: एक मूर्तिकला आंकड़ा और एक स्रोत सामग्री के रूप में लिए गए एक पत्थर के ब्लॉक के बीच संबंध। मूर्तिकार कलाकार के मुख्य उद्देश्य के विचार को आगे रखता है: छवि को पत्थर के भ्रूण से मुक्त करने के लिए। इस तथ्य के कारण कि मूर्तियां अधूरी हो गईं और पत्थरों के अनप्रोसेस्ड टुकड़े उनके निचले हिस्से में स्पष्ट रूप से दिखाई दे रहे हैं, दर्शक छवि बनाने की पूरी प्रक्रिया को देख सकता है। एक नया कलात्मक संघर्ष यहां दिखाया गया है: एक व्यक्ति और उसके आसपास की दुनिया। इसके अलावा, इस संघर्ष को व्यक्ति के पक्ष में हल नहीं किया जाता है। उसकी सभी भावनाओं और भावनाओं को पर्यावरण द्वारा दबा दिया जाता है।

फ्लोरेंस में मेडिसी चैपल की पेंटिंग एक ऐसा काम था जिसने उच्च पुनर्जागरण के चरण के अंत का संकेत दिया और उसी समय माइकल एंजेलो के काम में एक नया चरण था। 1520 से 1534 तक 15 वर्षों के लिए काम किया गया था। कुछ समय के लिए, कलाकार को उस समय इटली में होने वाली राजनीतिक घटनाओं के संबंध में काम निलंबित करने के लिए मजबूर किया गया था। 1527 में, रोम की हार के जवाब में, फ्लोरेंस ने खुद को एक गणतंत्र घोषित किया।

माइकल एंजेलो, रिपब्लिकन राज्य संरचना के समर्थक के रूप में, किलेबंदी कार्य के प्रमुख के पद के लिए चुने गए और शहर की रक्षा में एक महान योगदान दिया। जब फ्लोरेंस गिर गया और मेडिसी फिर से सत्ता में आया, तो मौत का एक गंभीर खतरा प्रसिद्ध कलाकार पर लटका दिया गया, और अब एक राजनेता भी। मोक्ष पूरी तरह से अप्रत्याशित रूप से आया। पोप क्लेमेंट VII मेडिसी ने एक गर्व और कल्पनाशील आदमी होने के नाते, अपने और अपने रिश्तेदारों की याद को पोस्टीरिटी पर छोड़ने की इच्छा व्यक्त की। और कौन है, लेकिन माइकल एंजेलो, जो अद्भुत पेंटिंग और उत्कृष्ट मूर्तियों को चित्रित करने की कला के लिए प्रसिद्ध है, यह कर सकता है?

इसलिए, मेडिसी चैपल के निर्माण पर काम फिर से शुरू हुआ। उत्तरार्द्ध उच्च दीवारों के साथ एक छोटी संरचना है, शीर्ष पर एक गुंबद के साथ सबसे ऊपर है। चैपल में दो कब्रें हैं: दीवारों के साथ स्थित नेमारो के ड्यूक गिउलिआनो और उरबिनो के लोरेंजो। तीसरी दीवार पर, वेदी के सामने, मैडोना की एक प्रतिमा खड़ी है। बाईं ओर और उसके दाईं ओर, मूर्तियां संन्यासी ब्रह्मा और दामियन की छवियों को दर्शाती हैं। यह स्थापित किया जाता है कि वे महान गुरु के शिष्यों द्वारा बनाए गए थे। शोधकर्ताओं का सुझाव है कि यह मेडिसी के मकबरे के लिए था कि प्रतिमाएं "अपोलो" (एक अन्य नाम - "डेविड") और "क्राउचिंग बॉय" भी बनाई गई थीं।

ड्यूक की मूर्तियों के साथ, जिनके प्रोटोटाइप के लिए कोई बाहरी समानता नहीं थी, उन्हें अलंकारिक आंकड़े रखे गए थे: "सुबह", "दिन", "शाम" और "रात"। उन्हें यहाँ सांसारिक समय और मानव जीवन की क्षणभंगुरता के प्रतीक के रूप में प्रस्तुत किया गया है। संकरी नीचों में स्थित प्रतिमाएँ अवसाद की धारणा को जन्म देती हैं, कुछ भयानक और दुर्जेय का आसन्न आगमन। सभी पक्षों पर पत्थर की दीवारों से कुचल डक की विशालकाय आंकड़े, आध्यात्मिक फ्रैक्चर और छवियों के आंतरिक खालीपन को व्यक्त करते हैं।

इस पहनावा में सबसे सामंजस्यपूर्ण मैडोना की छवि है। असामान्य रूप से अभिव्यंजक और गीतकारिता से भरा हुआ, यह अस्पष्ट है और अंधेरे लाइनों के साथ बोझ नहीं है।

मेडिसी चैपल वास्तुशिल्प और मूर्तिकला रूपों की कलात्मक एकता के संदर्भ में विशेष रुचि रखते हैं। कलाकार के एक विचार के लिए भवन की रेखाएँ और प्रतिमाएँ यहाँ गौण हैं। चैपल दो कलाओं - मूर्तिकला और वास्तुकला के बीच बातचीत के संश्लेषण और सामंजस्य का सबसे स्पष्ट उदाहरण है, जहां एक के भाग एक दूसरे के तत्वों के अर्थ को पूरक और विकसित करते हैं।

1534 के बाद से माइकल एंजेलो ने फ्लोरेंस छोड़ दिया और रोम में बस गए, जहां वह अपने जीवन के अंत तक बने रहे। महान गुरु की रचनात्मकता का रोमन काल, नवजागरण के लेखकों, चित्रकारों और मूर्तिकारों द्वारा गौरवशाली विचारों के विरुद्ध प्रतिकार संघर्ष की स्थितियों में गुजरा। मनीनरवादियों की कला बाद की रचनात्मकता को बदल रही है।

रोम में, माइकल एंजेलो उन लोगों के करीब हो गए, जिन्होंने उस समय के प्रसिद्ध इतालवी कवि विटोरिया मैयोन के नेतृत्व में एक धार्मिक और दार्शनिक सर्कल का गठन किया था। हालाँकि, अपनी युवावस्था में, माइकल एंजेलो के विचार और विचार उन लोगों से बहुत दूर थे जो मंडली के प्रमुखों में मँडराते थे। वास्तव में, गुरु गलतफहमी और आध्यात्मिक अकेलेपन के माहौल में रोम में रहते थे और काम करते थे।

यह इस समय (1535-1541) था कि लास्ट जजमेंट फ्रेस्को दिखाई दिया, जिसने सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार को सुशोभित किया।

बाइबल की कहानी यहाँ लेखक की पुनर्व्याख्या है। लास्ट जजमेंट की तस्वीर को दर्शक सकारात्मक शुरुआत नहीं, उच्चतम न्याय की विजय के रूप में मानते हैं, बल्कि सर्वनाश की तरह पूरी जाति की मृत्यु की एक सामान्य मानवीय त्रासदी के रूप में देखते हैं। लोगों के विशाल आंकड़े रचना के नाटक को बढ़ाते हैं।

चित्र की सहज प्रकृति पूरी तरह से कलाकार के कार्य से मेल खाती है - सामान्य द्रव्यमान में खोए हुए व्यक्ति को दिखाने के लिए। कलात्मक छवि के इस समाधान के लिए धन्यवाद, दर्शक को इस दुनिया में अकेलेपन की भावना है और शत्रुतापूर्ण ताकतों के सामने शक्तिहीनता है, जिसके साथ लड़ने का कोई मतलब नहीं है। दुखद नोटों में अधिक छेदने वाली ध्वनि भी प्राप्त होती है क्योंकि मास्टर के पास यहां लोगों की सामूहिक की अभिन्न, अखंड छवि नहीं होती है (जैसा कि दिवंगत पुनर्जागरण कलाकारों के कैनवस पर प्रस्तुत किया जाएगा), उनमें से प्रत्येक का अपना जीवन है। हालांकि, चित्रकार की निस्संदेह योग्यता को इस तथ्य के रूप में माना जा सकता है कि उसने अभी भी एक असंगत दिखाया है, लेकिन अब मानव अव्यवस्थित नहीं है।

द लास्ट जजमेंट में, माइकल एंजेलो एक असामान्य रूप से अभिव्यंजक रंग तकनीक प्रस्तुत करता है। हल्के नग्न शरीर और अंधेरे, काले-नीले आकाश के विपरीत रचना में दुखद तनाव और अवसाद की धारणा को बढ़ाता है।

माइकल एंजेलो। अंतिम निर्णय। वेटिकन में सिस्टिन चैपल के फ्रेस्को। टुकड़े टुकड़े करना। 1535-1541

1542 और 1550 के बीच, माइकल एंजेलो ने वेटिकन में पाओलीना चैपल की दीवारों को चित्रित किया। महान मास्टर-चित्रकार के ब्रश दो भित्तिचित्रों में से एक हैं, जिनमें से एक को बाद में "पॉल का रूपांतरण" कहा गया था, और दूसरा - "द क्रूसीफिकेशन ऑफ़ पीटर"। उत्तरार्द्ध में, पीटर के निष्पादन को देखने वाले पात्रों में, व्यक्ति को अपने भाग्य के लिए सहमति, निष्क्रियता और प्रस्तुत करने का विचार पूरी तरह से प्रस्तुत किया गया है। लोगों के पास न तो शारीरिक और न ही मानसिक शक्ति है जो किसी भी तरह से हिंसा और बुराई का विरोध करते हैं।

1530 के दशक के अंत में। माइकल एंजेलो की एक और मूर्ति दिखाई देती है - ब्रूटस का एक समूह। यह काम प्रसिद्ध गुरु से अत्याचारी ड्यूक एलेसेंड्रो मेडिसी की हत्या के जवाब में किया गया था, जो उनके रिश्तेदार लोरेंजो द्वारा प्रतिबद्ध था। सच्चे उद्देश्यों के बावजूद, बाद के कार्य को कलाकार द्वारा खुशी के साथ स्वागत किया गया था - रिपब्लिकन का समर्थक। ब्रूटस की छवि नागरिक पथों से भरी हुई है, जो एक महान, गर्व, स्वतंत्र, महान दिमाग और गर्म दिल के व्यक्ति के रूप में गुरु द्वारा दर्शाया गया है। यहां माइकल एंजेलो, जैसा कि यह था, उच्च आध्यात्मिक और बौद्धिक गुणों वाले एक आदर्श व्यक्ति की छवि में लौटता है।

माइकल एंजेलो की रचनात्मकता के अंतिम वर्ष दोस्तों और रिश्तेदारों के नुकसान के माहौल में पारित हुए और इससे भी अधिक सार्वजनिक प्रतिक्रिया हुई। काउंटर-सुधारवादियों के नवाचार मास्टर के कामों को नहीं छू सकते थे, जिसमें पुनर्जागरण के सबसे प्रगतिशील विचार प्रकट हुए थे: मानवतावाद, स्वतंत्रता का प्यार, भाग्य के प्रति विद्रोह। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि काउंटरप्रफॉर्म के उग्र प्रशंसकों में से एक, पॉल चतुर्थ काराफा के फैसले से, प्रसिद्ध चित्रकार द्वारा अंतिम निर्णय की संरचना में परिवर्तन किए गए थे। पोप ने फ्रेस्को अश्लील में चित्रित लोगों के नग्न आंकड़े पाए। उनके आदेश से, माइकल एंजेलो के छात्र डेनियल दा वोलेत्रा ने कुछ माइकलएंजेलो छवियों की नंगेपन को टोपी की ड्रैपरियों के साथ छिपा दिया।

माइकल एंजेलो की अंतिम रचनाएँ - चित्र और मूर्तियों की एक श्रृंखला - अकेलेपन की एक उदास और दर्दनाक मनोदशा और सभी आशाओं के पतन के साथ अनुमत हैं। यह इन कार्यों को मान्यता प्राप्त मास्टर के आंतरिक विरोधाभासों को स्पष्ट रूप से प्रतिबिंबित करता है।

इस प्रकार, फिलिस्तीन से पिएटा में यीशु मसीह को एक नायक के रूप में प्रस्तुत किया जाता है, बाहरी ताकतों के हमले के तहत टूट जाता है। फ्लोरेंटाइन कैथेड्रल से "पिएटा" ("एन्टोमेंट") में एक ही छवि पहले से अधिक सांसारिक और मानवकृत है। यह अब टाइटन हीरो नहीं है। पात्रों की आध्यात्मिक शक्ति, भावनाओं और अनुभवों को दिखाने के लिए यहां कलाकार के लिए यह अधिक महत्वपूर्ण है।

मसीह के शरीर की टूटी हुई आकृति, अपने बेटे के मृत शरीर पर झुकने वाली माँ की छवि, निकोडेमस शरीर को नीचे गिराता है
कब्र में यीशु - सब कुछ एक कार्य के अधीनस्थ है: मानव अनुभवों की गहराई को चित्रित करने के लिए। सच भी है
इन कार्यों का लाभ छवियों की असंगति के मास्टर पर निर्भर है। पेंटिंग में लोग गहरी करुणा और नुकसान की कड़वाहट की भावना से एकजुट होते हैं। माइकल एंजेलो की इस तकनीक को इतालवी कला के गठन के अगले चरण में, स्वर्गीय पुनर्जागरण के कलाकारों और मूर्तिकारों के कार्यों में विकसित किया गया था।

माइकल एंजेलो की रचनात्मकता के अंतिम चरण के शिखर को एक मूर्तिकला माना जा सकता है, जिसे बाद में "पिएटा रोंडनिनी" कहा जाता है। यहाँ दिखाए गए चित्रों को कोमलता, आध्यात्मिकता, गहरे दुःख और उदासी के अवतार के रूप में प्रस्तुत किया गया है। यहाँ, जैसा कि पहले कभी नहीं हुआ, दुनिया में मानव अकेलेपन का विषय है जहाँ बहुत सारे लोग गंभीर हैं।

महान गुरु के बाद के ग्राफिक कार्यों में भी यही उद्देश्य सुना जा सकता है, जिन्होंने मूर्तिकला, चित्रकला और वास्तुकला के मूल सिद्धांत को चित्रित किया।

माइकल एंजेलो की ग्राफिक रचनाओं की छवियां उनकी स्मारकीय रचनाओं के नायकों से अलग नहीं हैं: समान राजसी टाइटन नायकों का यहां प्रतिनिधित्व किया गया है। अपने काम की अंतिम अवधि में, माइकल एंजेलो एक स्वतंत्र कलात्मक और दृश्य शैली के रूप में ड्राइंग में बदल गया। तो, 30-40 से। 16 वीं शताब्दी में मास्टर की सबसे ज्वलंत और अभिव्यंजक रचनाओं का उद्भव हुआ, जैसे कि "फॉलटन का पतन" और "मसीह का पुनरुत्थान"।

ग्राफिक कार्यों के उदाहरणों पर कलाकार की कलात्मक पद्धति के विकास का आसानी से पता लगाया जा सकता है। यदि पहले चित्र, एक पेन के साथ बनाया गया है, तो आकृति के बहुत ही विशिष्ट चित्र हैं, बल्कि आकृति की तीव्र रूपरेखा के साथ, फिर बाद की छवियां अधिक अस्पष्ट और नरम हो जाती हैं। इस लपट को इस तथ्य के कारण बनाया जाता है कि कलाकार या तो सांगीन या इतालवी पेंसिल का उपयोग करता है, जिसकी मदद से पतले और अधिक नाजुक रेखाएं बनाई जाती हैं।

हालांकि, माइकल एंजेलो के बाद के काम को न केवल दुखद निराशाजनक छवियों के साथ चिह्नित किया गया था। महान गुरु की वास्तुकला संरचनाएं, इस समय तक वापस आती हैं, पुनर्जागरण की परंपराओं को जारी रखती हैं। सेंट कैथेड्रल के इसके कैथेड्रल और रोम में कैपिटल के स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी उच्च मानवतावाद के पुनर्जागरण विचारों के अवतार हैं।

माइकल एंजेलो बुओनारोती की 18 फरवरी, 1564 को रोम में मृत्यु हो गई। सबसे सख्त गोपनीयता में उनके शरीर को राजधानी से बाहर ले जाया गया और फ्लोरेंस को भेज दिया गया। महान कलाकार को सांता क्रो के चर्च में दफनाया गया था।

पेंटिंग और मूर्तिकला के मास्टर के काम ने माइकल एंजेलो के कई अनुयायियों की कलात्मक पद्धति के निर्माण और विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उनमें राफेल, मनेरनिस्ट हैं, जिन्होंने अक्सर प्रसिद्ध चित्रकार द्वारा बनाई गई छवियों की पंक्तियों की नकल की। माइकल एंजेलो की कला बारोक युग के कलाकारों के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं थी। हालांकि, यह कहना गलत होगा कि बारोक की छवियां (एक व्यक्ति जिसे आंतरिक आवेगों द्वारा नहीं बल्कि बाहरी शक्तियों द्वारा आगे बढ़ाया जाता है), माइकल एंजेलो के नायकों के समान हैं, जो मानवतावाद, इच्छाशक्ति और मनुष्य की आंतरिक शक्ति का गौरव करते हैं।

राफेल सैंटी

राफेल सेंटी का जन्म 1483 में छोटे से शहर उरबिनो में हुआ था। महान चित्रकार के जन्म की सही तारीख तय करना संभव नहीं था। कुछ रिपोर्टों के अनुसार, उनका जन्म 26 या 28 मार्च को हुआ था। अन्य विद्वानों का दावा है कि राफेल की जन्मतिथि 6 अप्रैल, 1483 थी।

15 वीं शताब्दी के अंत तक, उरबिनो देश के सबसे बड़े सांस्कृतिक केंद्रों में से एक बन गया। जीवनीकारों का सुझाव है कि राफेल ने अपने पिता, जियोवानी सैंटी के साथ अध्ययन किया। 1495 से युवक उरबिनो मास्टर टिमोटो डेला वीट की कला कार्यशाला में काम कर रहा है।

राफेल के शुरुआती जीवित कार्यों को लघुचित्र "द ड्रीम ऑफ अ नाइट" और "थ्री ग्रेसेस" माना जाता है। पहले से ही इन कार्यों में पुनर्जागरण के स्वामी द्वारा प्रचारित मानवतावादी आदर्श पूरी तरह से परिलक्षित होते हैं।

"द नाइट्स ड्रीम" में हरक्यूलिस के पौराणिक विषय के पुनर्विचार का एक प्रकार का पुनर्विचार है: इस विकल्प का सामना करना पड़ता है: वैलेंस या प्रसन्नता? .. राफेल ने हरक्यूलिस को एक सोते हुए युवा नाइट के रूप में दर्शाया है। इससे पहले कि वह दो युवा महिलाएं हैं: एक - उसके हाथों में एक किताब और एक तलवार (ज्ञान का प्रतीक, वीरता और हथियारों का करतब), दूसरा - एक खिलने वाली शाखा के साथ, खुशी और खुशी का प्रतीक। पूरी रचना को एक सुंदर परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ रखा गया है।

"थ्री ग्रेसेस" में, प्राचीन प्राचीन ग्रीक कैमियो (एक कीमती या अर्ध-कीमती पत्थर पर एक छवि) से, सभी प्राचीन काल में, फिर से, प्राचीन चित्र प्रस्तुत किए जाते हैं।

इस तथ्य के बावजूद कि युवा कलाकार के शुरुआती कार्यों में कई उधार हैं, लेखक की रचनात्मक व्यक्तित्व पहले से ही यहां स्पष्ट रूप से प्रकट होती है। यह छवियों के गीतवाद, काम के विशेष लयबद्ध संगठन, आंकड़ों को बनाने वाली लाइनों की कोमलता में व्यक्त किया गया है। चित्रित चित्रों की असाधारण सामंजस्य, साथ ही रचनात्मक स्पष्टता और स्पष्टता, जो राफेल के शुरुआती कार्यों की विशेषता है, उच्च पुनर्जागरण के कलाकार की बात करते हैं।

1500 में राफेल अपना गृहनगर छोड़ देता है और उमरिया के मुख्य शहर पेरुगिया चला जाता है। यहां उन्होंने पिएत्रो पेरुगिनो के स्टूडियो में पेंटिंग का अध्ययन किया, जो उम्ब्रियन आर्ट और विजुअल स्कूल के संस्थापक थे। राफेल के समकालीनों ने गवाही दी: सक्षम छात्र ने अपने शिक्षक के लेखन की शैली को इतनी गहराई से अपनाया कि उनके कैनवस को भी प्रतिष्ठित नहीं किया जा सका। बहुत बार, राफेल और पेरुगिनो ने आदेश दिया, चित्र पर एक साथ काम करना।

हालांकि, यह कहना गलत नहीं होगा कि युवा कलाकार की मूल प्रतिभा इस अवधि के दौरान विकसित नहीं हुई। इसकी पुष्टि लगभग 1504 में बनाए गए प्रसिद्ध "कॉन्सटेबल मैडोना" ने की है।

मैडोना की छवि इस कैनवास में पहली बार दिखाई देती है, जो बाद में कलाकार के काम में अग्रणी स्थानों में से एक ले जाएगा। मैडोना को पेड़ों, पहाड़ियों और एक झील के साथ एक अद्भुत परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया गया है। छवियों को इस तथ्य से एकजुट किया जाता है कि मैडोना और बच्चे की टकटकी पुस्तक को निर्देशित की जाती है, जिसे युवा मां पढ़ रही है। रचना की पूर्णता न केवल मुख्य पात्रों के आंकड़ों से, बल्कि चित्र के बहुत रूप से भी व्यक्त की जाती है - टोंडो (गोल), जो छवियों की स्वतंत्रता को बिल्कुल सीमित नहीं करती है। वे चमकदार और हल्के होते हैं। हल्के ठंडे रंगों और रचना में उनके विशेष संयोजनों के उपयोग के लिए स्वाभाविकता और यथार्थवाद की छाप बनाई गई है: मैडोना की गहरी नीली केप, पारदर्शी नीले आकाश, हरे पेड़ और झील का पानी, सफेद टॉप के साथ बर्फ से ढके पहाड़। यह सब, जब तस्वीर को देखता है, तो पवित्रता और कोमलता की भावना पैदा करता है।

राफेल का एक और समान रूप से प्रसिद्ध काम, जो उनके काम की शुरुआती अवधि से संबंधित है, 1504 में बनाया गया एक कैनवास है, जिसे "द बेटरोथल ऑफ मैरी" कहा जाता है। पेंटिंग को वर्तमान में मिलान में ब्रेरा गैलरी में रखा गया है। यहां पर कंसट्रक्शनल कंस्ट्रक्शन की विशेष रुचि है। चित्रकार ने चर्च की दीवारों से सड़क में, दूर तक दिखाई देने वाली बीट्रोटल की धार्मिक-अनुष्ठानिक कार्रवाई को स्थानांतरित कर दिया। संस्कार एक स्पष्ट हल्के नीले आकाश के तहत किया जाता है। तस्वीर के केंद्र में पुजारी हैं, बाईं ओर और उसके दाईं ओर मैरी और जोसेफ हैं, जिनके बगल में छोटी-छोटी लड़कियों और लड़कों के समूह हैं। रचना के परिप्रेक्ष्य में रखा गया, चर्च एक प्रकार की पृष्ठभूमि है जिसके खिलाफ विश्वासघात होता है। वह मैरी और जोसेफ के लिए ईश्वरीय विवाद और एहसान का प्रतीक है। चर्च के गुंबद की पंक्ति को दोहराते हुए, ऊपरी हिस्से में कैनवास का अर्धवृत्ताकार फ्रेम, तस्वीर को अपनी तार्किक पूर्णता प्रदान करता है।

चित्र में आंकड़े असामान्य रूप से गीतात्मक हैं और एक ही समय में प्राकृतिक हैं। यहां, आंदोलनों, मानव शरीर की प्लास्टिसिटी बहुत सटीक और सूक्ष्म रूप से व्यक्त की जाती है। इसका एक स्पष्ट उदाहरण है, रचना के अग्रभाग में एक लड़के का चित्र जो उसके घुटने पर एक छड़ी को तोड़ रहा है। मारिया और जोसेफ ग्रेसफुल लगते हैं, दर्शक को लगभग ईथर। उनके भावपूर्ण चेहरे प्यार और कोमलता से भरे हुए हैं। आंकड़ों की व्यवस्था की एक निश्चित समरूपता के बावजूद, कैनवास अपनी गीतात्मक ध्वनि को नहीं खोता है। राफेल द्वारा बनाई गई छवियां योजनाएं नहीं हैं, वे सभी प्रकार की भावनाओं में लोगों को जी रहे हैं।

यह इस कार्य में था कि पहली बार सबसे स्पष्ट रूप से, पिछले कार्यों की तुलना में, किसी रचना की लय को सूक्ष्मता से व्यवस्थित करने की क्षमता में युवा मास्टर की प्रतिभा प्रकट हुई थी। इस संपत्ति के कारण, स्थापत्य संरचनाओं की छवियों को समग्र चित्र में सामंजस्यपूर्ण रूप से शामिल किया गया है, जो न केवल राफेल के परिदृश्य का एक तत्व है, बल्कि मुख्य पात्रों के साथ सममूल्य पर बन जाता है, उनके सार और चरित्र को प्रकट करता है।

काम में एक विशेष लय बनाने की इच्छा कलाकार द्वारा कुछ टन के रंगों के उपयोग से निर्धारित होती है। इस प्रकार, रचना "द बेट्रोटल ऑफ मैरी" केवल चार रंगों पर बनाई गई है।

गोल्डन पीले, हरे और लाल स्वर, नायकों के कपड़े, परिदृश्य, वास्तुकला में संयुक्त और समग्र रचना के लिए आवश्यक लय सेट करना, आकाश के हल्के नीले रंगों के साथ एक सद्भाव बनाते हैं।

चित्रकार की प्रतिभा को आगे बढ़ाने के लिए बहुत जल्द पेरुगिनो की कला कार्यशाला बहुत छोटी हो गई है। 1504 में, राफेल ने फ्लोरेंस में जाने का फैसला किया, जहां उच्च पुनर्जागरण कला के विचारों और सौंदर्यशास्त्र को विकसित किया गया था। यहां राफेल माइकल एंजेलो और लियोनार्डो दा विंची के कार्यों से परिचित हो जाता है। यह कहना सुरक्षित है कि वे अपनी रचनात्मक पद्धति के गठन के इस चरण में युवा चित्रकार के शिक्षक थे। इन आकाओं के कामों में, युवा कलाकार को कुछ ऐसा मिला जो उम्ब्रियन स्कूल में नहीं था: चित्र बनाने की एक मूल शैली, चित्रित आंकड़ों की अभिव्यंजक प्लास्टिसिटी, वास्तविकता का अधिक स्वैच्छिक प्रतिनिधित्व।

1505 में राफेल द्वारा बनाए गए कार्यों में नए कलात्मक और चित्रात्मक समाधान पहले से ही प्रतिबिंबित किए गए थे। फ्लोरेंस एंजेलो डोनी और उनकी पत्नी के तत्कालीन संरक्षक के चित्र अब पिट्टी गैलरी में रखे गए हैं। चित्र किसी भी वीर मार्ग और अतिशयोक्ति से रहित हैं। ये सामान्य लोग हैं, संपन्न हैं, हालांकि, सबसे अच्छे मानवीय गुण हैं, जिनके बीच निर्णायकता और दृढ़ इच्छाशक्ति है।

यहां, फ्लोरेंस में, राफेल मैडोना को समर्पित चित्रों का एक चक्र लिखते हैं। उनके कैनवस "मैडोना इन द ग्रीन", "मैडोना विद ए गोल्डफिंच", "मैडोना द गार्डनर" दिखाई दिए। ये रचनाएँ एक कृति के रूप हैं। सभी कैनवस में थोड़ा जॉन बैपटिस्ट के साथ मैडोना और बच्चे को दर्शाया गया है। आंकड़े को एक खूबसूरत खूबसूरत परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ रखा गया है। राफेल की छवियां असामान्य रूप से गेय, कोमल और कोमल हैं। उनका मैडोना सर्व-क्षमाशील, निर्मल मातृ प्रेम का अवतार है। इन कार्यों में, नायकों की बाहरी सुंदरता के लिए एक निश्चित मात्रा में भावुकता और अत्यधिक प्रशंसा है।

इस अवधि के दौरान चित्रकार की कलात्मक पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता फ्लोरेंटाइन स्कूल के सभी मास्टर्स में निहित रंग की स्पष्ट दृष्टि की कमी है। कैनवस पर कोई प्रमुख रंग नहीं हैं। चित्र पेस्टल रंगों में प्रस्तुत किए गए हैं। एक कलाकार के लिए रंग मुख्य चीज नहीं है। उसके लिए यह अधिक महत्वपूर्ण है कि वह उन पंक्तियों को बताए जो आंकड़े को यथासंभव सटीक रूप से बनाते हैं।

राफेल की स्मारक पेंटिंग का पहला उदाहरण फ्लोरेंस में बनाया गया था। उनमें से, सबसे बड़ी रुचि 1506 से 1507 की अवधि में बनाई गई है "जॉन बैपटिस्ट और सेंट के साथ मैडोना। निकोलस "(या" मैडोना ऑफ एनसाइड ")। कलाकार की रचनात्मक पद्धति काफी हद तक फ्लोरेंटाइन चित्रकारों के कैनवस से प्रभावित थी, मुख्य रूप से लियोनार्डो दा विंची और फ्रा बार्टोलोमो।

1507 में, फ्लोरेंटाइन स्कूल के सर्वश्रेष्ठ स्वामी के साथ तुलना करने के लिए, वे लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो थे, राफेल एक बहुत बड़ा कैनवास बनाता है, जिसे "द एंटोमबोनमेंट" कहा जाता है। रचना चित्रों के कुछ तत्व प्रसिद्ध चित्रकारों की पुनरावृत्ति हैं। तो, मसीह के सिर और शरीर को माइकलएंजेलो की मूर्तिकला "पिएटा" (1498-1501) से उधार लिया गया है, और मैरी का समर्थन करने वाली महिला की छवि - उसी मास्टर "मैडोना डोनी" के कैनवास से। कई कला समीक्षक राफेल के इस काम को मूल नहीं मानते हैं, उनकी मूल प्रतिभा और कलात्मक और दृश्य पद्धति की विशेषताओं का खुलासा करते हैं।

अपने आखिरी असफल काम के बावजूद, कला में राफेल की उपलब्धियां महत्वपूर्ण थीं। जल्द ही, समकालीनों ने युवा कलाकार के कार्यों को देखा और पहचाना, और लेखक ने खुद को पुनर्जागरण के उत्कृष्ट मास्टर चित्रकारों के साथ सममूल्य पर रखा। 1508 में, प्रसिद्ध वास्तुकार ब्रैमांटे, साथी देशवासी राफेल के संरक्षण में, चित्रकार रोम के लिए रवाना होता है, जहां वह उन लोगों के बीच है, जो पोप दरबार में आमंत्रित हैं।

जूलियस द्वितीय, जो उस समय पोप सिंहासन पर था, एक व्यर्थ, निर्णायक और मजबूत इरादों वाले व्यक्ति के रूप में जाना जाता था।
यह उनके शासनकाल के दौरान था कि युद्धों के माध्यम से पोप की संपत्ति का बहुत विस्तार हुआ था। संस्कृति और कला के विकास के संबंध में समान "आक्रामक" नीति अपनाई गई। इस प्रकार, सबसे प्रसिद्ध चित्रकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों को पोप दरबार में आमंत्रित किया गया था। रोम, कई वास्तुशिल्प इमारतों से सजी, ध्यान देने योग्य रूप से बदलने लगी: ब्रैमांटे सेंट पीटर कैथेड्रल का निर्माण कर रही थी; माइकल एंजेलो ने जूलियस II के मकबरे के निर्माण को अस्थायी रूप से निलंबित कर दिया था, सिस्टिन चैपल की छत को चित्रित करना शुरू कर दिया। धीरे-धीरे, पोप के चारों ओर उच्च मानवतावादी सिद्धांतों और विचारों का प्रचार करने वाले कवियों और वैज्ञानिकों का एक सर्कल बनाया गया था। फ्लोरेंस से पहुंचे राफेल सैंटी ऐसे ही माहौल में आ गए।

रोम में पहुंचकर, राफेल ने पोप के अपार्टमेंट (तथाकथित श्लोक) की पेंटिंग पर काम करना शुरू किया। 1509 से 1517 की अवधि में भित्तिचित्रों का निर्माण किया गया था। वे कई प्रकार की विशेषताओं के द्वारा अन्य स्वामी द्वारा समान प्रकृति के कार्यों से प्रतिष्ठित हैं। सबसे पहले, यह चित्रों का पैमाना है। यदि पिछले चित्रकारों के कार्यों में एक दीवार पर कई छोटी रचनाएँ थीं, तो राफेल की प्रत्येक पेंटिंग के लिए एक अलग दीवार है। इसके विपरीत, चित्रित आंकड़े "बढ़े हुए" भी हैं।

इसके अलावा, विभिन्न प्रकार के सजावटी तत्वों के साथ राफेल के भित्तिचित्रों की समृद्धि को ध्यान में रखना आवश्यक है: कृत्रिम संगमरमर और गिल्डिंग, फ्रेस्को और मोज़ेक रचनाओं से सजाए गए छत, एक फैंसी पैटर्न के साथ चित्रित फर्श। हालांकि, इस तरह की विविधता अधिकता और अराजकता की धारणा नहीं बनाती है। अपने स्थानों पर व्यवस्थित और कुशलता से सजाए गए सजावटी तत्वों ने सद्भाव, व्यवस्था और गुरु द्वारा निर्धारित एक निश्चित लय की भावना पैदा की। इस तरह के रचनात्मक और तकनीकी नवाचारों के परिणामस्वरूप, चित्रों में कलाकार द्वारा बनाई गई छवियां स्पष्ट रूप से दर्शक को दिखाई देती हैं और इसलिए आवश्यक स्पष्टता और स्पष्टता प्राप्त करती हैं।

सभी भित्तिचित्रों को एक सामान्य विषय का पालन करना था: कैथोलिक चर्च और उसके प्रमुख का गौरव। इस संबंध में, पेंटिंग्स बाइबिल के भूखंडों पर आधारित हैं और पापी के इतिहास (जूलियस द्वितीय और उनके उत्तराधिकारी लियो एक्स की छवियों के साथ) से हैं। हालांकि, राफेल में, इस तरह की ठोस छवियां एक सामान्यीकृत अलौकिक अर्थ प्राप्त करती हैं, जो पुनर्जागरण के मानवतावादी विचारों का सार प्रकट करती हैं।

इस दृष्टिकोण से विशेष रुचि स्टैन्ज़ा डेला सेनातुरा (हस्ताक्षर कक्ष) है। रचना का भित्ति चित्र मानव आध्यात्मिक गतिविधि के चार क्षेत्रों की अभिव्यक्ति है। इस प्रकार, फ्रेस्को "विवाद" धर्मशास्त्र, "द एथेनियन स्कूल" - दर्शन, "परनासस" - कविता, "बुद्धि, संयम और शक्ति" - न्याय को दर्शाता है। प्रत्येक फ्रेस्को के शीर्ष को एक विशेष गतिविधि का प्रतिनिधित्व करने वाली एक अलंकारिक आकृति के साथ ताज पहनाया जाता है। वाल्टों के कोनों में इस या उस फ्रेस्को के विषय में छोटी रचनाएं समान हैं।

स्टेंज़ा डेला सेन्यातुरा में पेंटिंग की रचना बाइबिल और प्राचीन ग्रीक विषयों (बाइबिल - "द फॉल", एंटीक - "मार्सियस पर अपोलो की जीत") के संयोजन पर आधारित है। बहुत तथ्य यह है कि पौराणिक, बुतपरस्त और धर्मनिरपेक्ष विषयों के संयोजन का इस्तेमाल पोप के कमरे को सजाने के लिए किया गया था जो उस समय के लोगों के धार्मिक डॉग्स के रवैये की गवाही देता है। राफेल के भित्तिचित्रों ने चर्च-धार्मिक पर धर्मनिरपेक्ष सिद्धांत की प्राथमिकता व्यक्त की।

धार्मिक पंथ फ्रेस्को में सबसे उज्ज्वल और पूरी तरह से प्रतिबिंबित करने वाली पेंटिंग "विवाद" थी। यहाँ रचना दो भागों में विभाजित होती दिखाई देती है: स्वर्ग और पृथ्वी। नीचे, जमीन पर, चर्च के पिता के आंकड़े हैं, साथ ही पादरी, बुजुर्ग और युवा भी हैं। उनकी छवियां असामान्य रूप से प्राकृतिक हैं, जो आंकड़ों की बारीकियों, मोड़ और आंदोलनों की यथार्थवादी प्रजनन की मदद से बनाई गई हैं। दांते, सवोनारोला, चित्रकार फ्रा बीटो एंजेलिको को चेहरे के द्रव्यमान के बीच आसानी से पहचाना जा सकता है।

लोगों के आंकड़ों के ऊपर, पवित्र त्रिमूर्ति का प्रतीक चित्र हैं: भगवान पिता, उससे थोड़ा नीचे - भगवान की माता और जॉन बैपटिस्ट के साथ यीशु मसीह, उनके नीचे - एक कबूतर - पवित्र आत्मा का व्यक्तित्व। समग्र रचना के केंद्र में, संस्कार के प्रतीक के रूप में, एक वेफर है।

"विवाद" में राफेल रचना के एक नायाब मास्टर के रूप में दिखाई देता है। कई प्रतीकों के बावजूद, चित्र छवियों की असाधारण स्पष्टता और लेखक द्वारा संप्रेषित विचार की स्पष्टता से प्रतिष्ठित है। रचना के ऊपरी हिस्से में आंकड़ों की व्यवस्था की समरूपता रचना के निचले हिस्से में लगभग पूरी तरह से रखे गए आंकड़ों से नरम होती है। और इसलिए, पूर्व के कुछ योजनाबद्ध प्रतिनिधित्व मुश्किल से ध्यान देने योग्य हो जाते हैं। संरचना के तत्व के माध्यम से यहाँ एक अर्धवृत्त है: संतों के ऊपरी भाग में स्थित एक अर्धवृत्त और बादलों पर, इसकी प्रतिध्वनि के रूप में, चित्र के निचले भाग में लोगों के मुक्त और अधिक प्राकृतिक आंकड़ों का अर्धवृत्त।

उनके काम की इस अवधि के राफेल के सबसे अच्छे भित्तिचित्रों और कार्यों में से एक पेंटिंग "द स्कूल ऑफ एथेंस" है। यह भित्तिचित्र प्राचीन ग्रीस की कला से जुड़े उदात्त मानवतावादी आदर्शों का मूर्त रूप है। कलाकार ने प्रसिद्ध प्राचीन दार्शनिकों और वैज्ञानिकों को चित्रित किया। रचना के मध्य भाग में प्लेटो और अरस्तू के आंकड़े हैं। प्लेटो का हाथ पृथ्वी की ओर, और अरस्तू के स्वर्ग की ओर इशारा करता है, जो प्राचीन दार्शनिकों की शिक्षाओं का प्रतीक है।

प्लेटो के बाईं ओर लोगों के एक समूह के साथ बातचीत का आयोजन करते हुए सुकरात की आकृति है, जिसके बीच में युवा अलसीबीड्स का चेहरा खड़ा है, जिसका शरीर एक खोल द्वारा संरक्षित है और उसका सिर एक हेलमेट से ढंका है। कदम पर डायोजनीज है, जो कि दार्शनिक स्कूल ऑफ सिनिक्स के संस्थापक हैं। उन्हें यहां मंदिर के द्वार पर खड़े भिखारी और भिक्षा के लिए भीख मांगते हुए दिखाया गया है।

रचना के निचले भाग में, लोगों के दो समूह प्रदर्शित होते हैं। बाईं ओर शिष्यों से घिरे पाइथागोरस की आकृति है। दाईं ओर - यूक्लिड, एक स्लेट बोर्ड पर कुछ ड्राइंग, छात्रों से घिरा भी। अंतिम समूह के दाईं ओर जोरोस्टर और उसके हाथों में गोले के साथ ताज पहने टॉलेमी हैं। आसपास के लेखक ने अपना स्व-चित्र और चित्रकार सोदोमू का आंकड़ा रखा (यह वह था जो स्टैन्ज़ा डेला सेन्यातुरा की पेंटिंग पर काम करना शुरू किया था)। केंद्र के बाईं ओर, कलाकार ने इफिसुस के एक गहन हेराक्लीटस को रखा।

विवाद के भित्ति चित्रों की तुलना में, एथेंस के स्कूल के आंकड़े बहुत बड़े और अधिक स्मारकीय हैं। ये नायक हैं, एक उत्कृष्ट दिमाग और महान भाग्य के साथ संपन्न हैं। फ्रेस्को की मुख्य छवियां प्लेटो और अरस्तू हैं। उनका महत्व न केवल संरचना में जगह (वे केंद्रीय स्थान पर कब्जा) द्वारा निर्धारित किया जाता है, लेकिन चेहरे की अभिव्यक्ति और निकायों की विशेष प्लास्टिसिटी द्वारा: इन आंकड़ों में वास्तव में रीगल आसन और चाल है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि लियोनार्डो दा विंची प्लेटो की छवि का प्रोटोटाइप बन गया। यूक्लिड की छवि लिखने का मॉडल वास्तुकार ब्रांटे था। हेराक्लाइटस का प्रोटोटाइप सिस्टिन चैपल की छत पर माइकल एंजेलो द्वारा दर्शाया गया चित्र था। कुछ विद्वानों का सुझाव है कि हेराक्लीटस की छवि को माइकल एंजेलो ने स्वयं मास्टर द्वारा स्केच किया था।

यहां विषय भी बदल रहा है: भित्ति चित्र मानव कारण और मानव इच्छा के लिए एक तरह के भजन की तरह लगता है। यही कारण है कि सभी पात्रों को भव्य वास्तुकला संरचनाओं की पृष्ठभूमि के खिलाफ सेट किया जाता है जो मानव मन और रचनात्मक विचार की अनंतता का प्रतीक हैं। यदि "विवादों" के नायक निष्क्रिय हैं, तो "एथेंस के स्कूल" में प्रस्तुत छवियां उनके जीवन के सक्रिय और ऊर्जावान निर्माता हैं, विश्व सामाजिक व्यवस्था के ट्रांसफार्मर हैं।

फ्रेस्को के संरचनागत समाधान भी दिलचस्प हैं। इस प्रकार, प्लेटो और अरस्तू के आंकड़े पृष्ठभूमि में स्थित हैं, इस तथ्य के कारण कि उन्हें गति में दिखाया गया है, चित्र में मुख्य हैं। वे रचना का गतिशील केंद्र भी बनाते हैं। गहराई से बोलते हुए, वे दर्शक के आगे जाने लगते हैं, जो कि गतिशीलता का आभास पैदा करता है, रचना का विकास, जिसे अर्धवृत्ताकार मेहराब द्वारा तैयार किया गया है।

स्टैंज़ा डी 'एलियोडोरो सील रूम के पीछे की पेंटिंग पर काम राफेल द्वारा 1511 से 1514 तक किया गया था। इस कहानी के बाइबिल की किंवदंतियों और तथ्यों से इस कमरे के भित्तिचित्रों के विषय बने, जो कहानियों में मुख्य हैं दैवीय प्रोवेंस और चमत्कार के लिए दिया गया था।

कमरे का नाम फ्रेस्को "द एक्सपल्शन ऑफ एलियोडोर" पर सजावटी कार्य के पूरा होने के बाद प्राप्त हुआ, जिसकी साजिश सीरियाई कमांडर एलियोडोर की कहानी थी, जो यरूशलेम के महल में संग्रहीत धन की चोरी करना चाहते थे। हालांकि, स्वर्गीय सवार ने उसे रोका। फ्रेस्को ने इस बात की याद दिलाई कि कैसे पोप जूलियस II के सैनिकों ने पापी राज्यों से फ्रांसीसी सेना को हराया और अपमानित किया।

हालांकि, यह फ्रेस्को कलाकार के रचनात्मक इरादे की अभिव्यक्ति की शक्ति में भिन्न नहीं है। यह संभवतः इस तथ्य के कारण है कि समग्र रचना दो अलग-अलग भागों में विभाजित है। बाईं ओर एक सुंदर घुड़सवार है, जो दो स्वर्गदूतों के साथ मिलकर एलियोडोर को हराने की कोशिश कर रहा है। भित्तिचित्र के दाहिनी ओर जूलियस II है, जो स्ट्रेचर पर है। स्ट्रेचर का समर्थन करने वालों में, चित्रकार ने प्रसिद्ध जर्मन चित्रकार अल्ब्रेक्ट डायर को चित्रित किया। भूखंड के कथित वीर पथ के बावजूद, राफेल की छवियां पूरी तरह से गतिशीलता और नाटक से रहित हैं।

चरित्र संरचना में कुछ हद तक अधिक शक्तिशाली और संरचनागत संरचना में परिपूर्ण है "मास इन बोल्सेन"। इसका कथानक एक अविश्वासी पुजारी के बारे में बताने वाली कहानी पर आधारित है, जिसका वफ़र संस्कार के दौरान खून से सना हुआ था। पोप जूलियस द्वितीय, कार्डिनल और गार्ड, जो उसके पीछे स्थित थे, ने राफेल के कैनवास पर इस चमत्कार को देखा।

प्रसिद्ध कलाकार के इस काम की एक विशिष्ट विशेषता पिछले कार्यों की तुलना में, नायकों के चित्रण में स्वाभाविकता और स्वाभाविकता की डिग्री बन गई है। ये अब बाहरी आंकड़े नहीं हैं, बल्कि उनकी बाहरी सुंदरता में भी काफी कमी है। इसका सबसे स्पष्ट प्रमाण पोप रक्षक से स्विस की छवियां हैं, जिनके चेहरे आंतरिक ऊर्जा से भरे हुए हैं, एक मजबूत मानवीय इच्छा व्यक्त करते हैं। हालांकि, उनकी भावनाएं कलाकार का रचनात्मक आविष्कार नहीं हैं। ये बहुत ही वास्तविक मानवीय भावनाएँ हैं।

इस काम में, लेखक कैनवास और छवियों की रंग, रंग पूर्णता पर बहुत ध्यान देता है। चित्रकार अब न केवल आंकड़ों के समोच्च लाइनों के सटीक संचरण के साथ संबंध रखता है, बल्कि छवियों के रंग संतृप्ति के साथ, एक निश्चित टोन के माध्यम से उनके आंतरिक दुनिया का प्रदर्शन भी करता है।

समान रूप से अभिव्यक्त करने वाला फ्रेस्को "द बुक ऑफ पीटर" है, जिसमें एक परी द्वारा प्रेरित पीटर की मुक्ति के दृश्य को दर्शाया गया है। कला समीक्षकों का मानना \u200b\u200bहै कि यह तस्वीर फ्रांसीसी कैद से पोप लेगेट लियो एक्स (जो बाद में पोप बन गई) की शानदार मुक्ति का प्रतीक है।

विशेष रूप से रुचि इस फ्रेस्को में लेखक द्वारा बनाई गई रचना और रंग योजना है। यह रात की रोशनी को पुन: पेश करता है, जो समग्र रचना के नाटकीय चरित्र को बढ़ाता है। ठीक चयनित वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि भी सामग्री के प्रकटीकरण और चित्र की अधिक भावनात्मक परिपूर्णता में योगदान करती है: बड़े पैमाने पर ईंटों से बना एक तहखाने, एक भारी धनुषाकार तिजोरी, जाली की मोटी पट्टियाँ।

स्टैंज़ा डी 'एलियोडोरो में चौथा और आखिरी फ्रेस्को, जिसे बाद में "अटेला के साथ पोप लियो I की बैठक" कहा जाता है, को उनके छात्रों, गिउलिओ रोमानो और फ्रांसेस्को पेनी द्वारा राफेल के रेखाचित्रों के अनुसार बनाया गया था। 1514 से 1517 की अवधि में कार्य किए गए थे। स्वयं मास्टर, जो उस समय तक एक असामान्य रूप से लोकप्रिय कलाकार बन गए थे, जिनकी ख्याति पूरे इटली में थी, और उन्हें बहुत सारे आदेश प्राप्त हुए, जो कि पीपल को सजाने के काम को पूरा नहीं कर सके। कक्ष। इसके अलावा, इस समय राफेल को सेंट पीटर के कैथेड्रल का मुख्य वास्तुकार नियुक्त किया गया था, और साथ ही उन पुरातात्विक उत्खनन का निरीक्षण भी किया गया था जो तब रोम और उसके निवासियों के क्षेत्र में किए गए थे।

स्टैंज़ा डेल इंचेंडियो को चित्रित करने वाली पेंटिंग्स को इतिहास के आधार पर लिखा गया था। सभी भित्तिचित्रों में, शायद केवल एक विशेष ध्यान देने योग्य है - "बोर्गो में आग"। वह 847 में रोमन क्वार्टर में से एक में आग लगने के बारे में बताती है। पोप लियो IV ने उस समय आग बुझाने में भाग लिया। यह भित्ति-चित्र आपदा से बचने की कोशिश कर रहे लोगों की छवि में अत्यधिक पाथोस और कृत्रिम नाटक द्वारा प्रतिष्ठित है: एक बेटा अपने पिता को ले जाता हुआ, एक जवान आदमी एक दीवार पर चढ़ता हुआ, एक लड़की जो एक जोत पकड़े हुए है।

वैटिकन स्टैंज़ के भित्तिचित्र राफेल के काम के विकास को अच्छी तरह से दिखाते हैं: कलाकार धीरे-धीरे शुरुआती कार्यों की आदर्श छवियों से नाटक की ओर बढ़ता है और साथ ही, देर से अवधि (विषय रचनाओं और चित्रों) से संबंधित कार्यों में जीवन के साथ एक संबंध बनाता है। ।

लगभग 1509 में रोम में उनके आगमन के तुरंत बाद, राफेल, मैडोना की थीम को जारी रखते हुए, पेंटिंग "मैडोना अल्बर्ट" को पेंट करता है। मैडोना कॉन्स्टेबिल के आंकड़ों की तुलना में, मैडोना अल्बा में छवियां बहुत अधिक जटिल हैं। मैरी को एक मजबूत चरित्र, ऊर्जावान और आत्मविश्वास के साथ एक युवा महिला के रूप में दिखाया गया है। बच्चे के मूवमेंट उतने ही मजबूत होते हैं। पेंटिंग एक टोंडो के रूप में है। हालांकि, आंकड़े पूरी तरह से यहां चित्रित हैं, जो गोल कैनवस के लिए विशिष्ट नहीं था। हालांकि, आंकड़ों की ऐसी व्यवस्था स्थिर छवियों की उपस्थिति का कारण नहीं बनती है। वे, साथ ही साथ पूरी संरचना को एक पूरे के रूप में दिखाया गया है। यह भावना इस तथ्य के कारण बनाई गई है कि मास्टर सूक्ष्म रूप से और सटीक रूप से मानव शरीर के आंदोलनों की प्लास्टिसिटी को व्यक्त करता है।

कलाकार की रचनात्मक पद्धति के गठन के लिए विशेष महत्व की पेंटिंग "मैडोना इन ए आर्मचेयर" (या "मैडोना डेला केडिया") थी, जिस पर काम लगभग 1516 में पूरा हुआ था। मैडोना की कुछ आदर्श छवि यहाँ की वजह से है। रचना में ठोस, वास्तविक तत्वों का परिचय। उदाहरण के लिए, मैरी की छाती को एक चौड़े उज्ज्वल स्कार्फ के साथ एक फ्रिंज के साथ कवर किया गया है। उस समय इस तरह की शॉल सभी इतालवी किसान महिलाओं की पसंदीदा पोशाक थी।

मैडोना, शिशु मसीह और छोटे जॉन बैपटिस्ट के आंकड़े एक दूसरे के करीब स्थित हैं। किसी को यह आभास हो जाता है कि चित्र आसानी से एक दूसरे में प्रवाहित होते हैं। पूरी तस्वीर एक असामान्य रूप से हल्के गीतात्मक भावना के साथ अंकित है। न केवल मैरी के टकटकी में, बल्कि उनके आंकड़े की प्लास्टिसिटी में भी मातृ प्रेम के बारे में बताया गया है। टोंडो रूप पूरी रचना को एक तार्किक पूर्णता देता है। मैरी और बेबी के आंकड़े, एक गोल कैनवास पर रखे गए, दो निकटतम लोगों की एकता का प्रतीक हैं: माँ और बच्चा। इस
राफेल की पेंटिंग को उनके समकालीनों द्वारा चित्र रचना के शिखर के रूप में मान्यता दी गई थी, न केवल रचनात्मक निर्माण के संदर्भ में, बल्कि छवियों के प्लास्टिक लाइनों के सूक्ष्म हस्तांतरण के कारण भी।

10 के दशक से। XVI सदी राफेल वेदी की रचनाओं पर काम कर रहे हैं। तो, 1511 में "मैडोना फोलिग्नो" दिखाई देता है। और 1515 में, प्रसिद्ध कलाकार ने एक कैनवास बनाना शुरू किया, जो बाद में चित्रकार को एक महान गुरु की महिमा लाएगा और एक पीढ़ी से अधिक लोगों का दिल जीत लेगा। सिस्टिन मैडोना एक पेंटिंग है जिसने राफेल की कलात्मक पद्धति के विकास में अंतिम चरण को चिह्नित किया है। पिछले कार्यों की तुलना में, सबसे बड़ा विकास और सबसे पूर्ण अवतार के रूप में मातृत्व का विषय यहां प्राप्त हुआ।

कैथेड्रल में प्रवेश करने पर, दर्शक तुरंत शिशु यीशु मसीह को अपनी बाहों में लेकर मैडोना की राजसी आकृति की ओर मुड़ जाता है। यह प्रभाव पात्रों की एक विशेष संरचना व्यवस्था के माध्यम से प्राप्त किया जाता है। आधा खुला पर्दा, संन्यासी सिक्स्थस और बारबरा के गज ने मैरी को निर्देशित किया - यह सब युवा मां को रचना के केंद्र को उजागर करने और बनाने के उद्देश्य से है।

मैडोना की छवि को प्रकट करने में, राफेल पुनर्जागरण के कलाकारों से बहुत दूर चला गया। यहां मैडोना सीधे दर्शक से बात करती है। वह एक बच्चे के साथ व्यस्त नहीं है (मैडोना लियोनार्डो दा विंची की तरह) और खुद में डूबी नहीं है (जैसे कि गुरु के शुरुआती कार्यों की नायिकाएं)। यह मारिया, दर्शकों की ओर बर्फ-सफेद बादलों के साथ आगे बढ़ रही है, उसके साथ बातचीत कर रही है। उसकी चौड़ी आँखों में, कोई भी ममता, और कुछ भ्रम, और निराशा, और विनम्रता, और उसके बेटे के भविष्य के भाग्य के लिए गहरी भावनाओं को देख सकता है। वह, एक द्रष्टा के रूप में, वह सब जानती है जो उसके बच्चे के साथ होगा। हालांकि, लोगों को बचाने के लिए, माँ उसे बलिदान करने के लिए तैयार है। शिशु मसीह की छवि उसी गंभीरता से संपन्न है। उसकी नज़र में, जैसा कि वह था, पूरी दुनिया संलग्न है, वह एक नबी की तरह, हमें मानवता और अपने स्वयं के भाग्य को बताता है।

राफेल। सिस्टिन मैडोना। 1515-1519

मैरी की छवि नाटक और असामान्य रूप से अभिव्यंजक से भरी हुई है। हालांकि, वह आदर्श से रहित है और हाइपरबोलिक विशेषताओं से संपन्न नहीं है। पूर्णता की भावना, छवि की पूर्णता यहां रचना की गतिशीलता के कारण बनाई गई है, जो आंकड़ों की प्लास्टिसिटी के सटीक और वफादार हस्तांतरण, और नायकों के कपड़े की ड्रैपर द्वारा व्यक्त की गई है। सभी आंकड़े प्रस्तुत किए गए हैं, जीवित, मोबाइल, उज्ज्वल। मसीह का चेहरा, मसीह के बच्चे की तरह, जो उदास रूप से उदास आँखों वाला नहीं है, भावनाओं की एक पूरी गम को व्यक्त करता है जो कि दर्शक के सामने एक के बाद एक बदल जाते हैं: उदासी, चिंता, विनम्रता और अंत में, दृढ़ संकल्प।

कला समीक्षकों के बीच, सिस्टिन मैडोना के प्रोटोटाइप का सवाल अभी भी खुला है। कुछ विद्वान इस चित्र को "द लेडी इन द वील" (1514) के चित्र में चित्रित एक युवती की छवि से पहचानते हैं। हालांकि, कलाकार के समकालीनों की गवाही के अनुसार, "सिस्टिन मैडोना" कैनवास पर मैरी किसी की ठोस छवि के बजाय एक सामान्य प्रकार की महिला, राफेलियन आदर्श है।

राफेल के चित्र कार्यों में, बहुत रुचि के पोप जूलियस II का चित्र है, जिसे 1511 में चित्रित किया गया था। एक वास्तविक व्यक्ति को यहां एक प्रकार के आदर्श के रूप में दिखाया गया है, जो चित्रकार की रचनात्मक पद्धति की एक विशेषता थी।

विशेष रूप से उल्लेखनीय 1515 में बनाई गई गणना बाल्डासारे कैस्टिग्लियोन का चित्र है, जो एक शांत, संतुलित, सामंजस्यपूर्ण रूप से विकसित व्यक्ति को दर्शाता है। राफेल यहाँ रंग के अद्भुत स्वामी के रूप में कार्य करता है। वह जटिल रंग संयोजन और तानवाला संक्रमण का उपयोग करता है। छाया की समान महारत चित्रकार के एक और काम से प्रतिष्ठित होती है: एक महिला का चित्र "लेडी इन ए वील" ("ला डोना वेल्टा", 1514), जहां प्रमुख रंग सफेद पेंट (महिला की बर्फ-सफेद पोशाक सेट) एक प्रकाश घूंघट)।

राफेल के काम का एक महत्वपूर्ण हिस्सा स्मारकीय कार्यों द्वारा कब्जा कर लिया गया है। उनके बाद के समान कार्यों में, सबसे दिलचस्प है, सबसे पहले, फ्रेस्को जो कि विला फरनेसिना (पूर्व में अमीर आदमी चिगी की संपत्ति) "ट्राइंफ ऑफ गैलेटा" की दीवारों को सजी थी। यह चित्र असामान्य रूप से हर्षित मनोदशा से प्रतिष्ठित है। छवियों का शाब्दिक रूप से खुशी के साथ बह निकला है। उज्ज्वल, संतृप्त रंगों के एक विशेष संयोजन के उपयोग के माध्यम से एक समान स्वर बनाया जाता है: नग्न सफेद शरीर सौहार्दपूर्वक एक पारदर्शी नीले आकाश और समुद्र की नीली लहरों के साथ यहां संयुक्त होते हैं।

राफेल का अंतिम स्मारक कार्य आर्कटिक गैलरी की दीवारों की सजावट था, जो वेटिकन पैलेस की दूसरी मंजिल पर स्थित थी। हॉल के लिए सजावट कृत्रिम संगमरमर से बने चित्रों और मोज़ाइक से सजाया गया था। भित्तिचित्रों के लिए विषय बाइबिल किंवदंतियों, आदि से कलाकार द्वारा तैयार किए गए थे। ग्रोटेस (प्राचीन ग्रीक कब्रों पर पाए जाने वाले चित्र - कुटी)। कुल 52 पेंटिंग हैं। बाद में उन्हें सामान्य शीर्षक "राफेल बाइबिल" के तहत एक चक्र में जोड़ा गया। यह भी दिलचस्प है कि प्रसिद्ध कलाकार ने अपने छात्रों के साथ मिलकर वेटिकन पैलेस के हॉल की सजावट का काम किया, जिनमें से एक प्रमुख स्थान पर Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine का कब्जा था।

राफेल के बाद के चित्रफलक कैनवस मास्टर के धीरे-धीरे बढ़ते रचनात्मक संकट का एक प्रकार का प्रतिबिंब और अभिव्यक्ति थे। उच्च पुनर्जागरण के आकाओं द्वारा बनाई गई छवियों के कभी बढ़ते नाटकीयता के मार्ग के बाद, लेकिन एक ही समय में कलात्मक चित्रण के अपने पहले से स्थापित तरीकों के लिए सच है, राफेल शैली के विरोधाभासों के लिए आता है। गुणात्मक रूप से नई छवियां बनाने के लिए उनके अर्थ और तरीके व्यक्त करने के तरीके बहुत कम हैं, जो उनकी आंतरिक दुनिया और बाहरी सुंदरता को व्यक्त करने के संदर्भ में अधिक परिपूर्ण हैं। राफेल के काम की इस अवधि को दर्शाने वाले ज्वलंत उदाहरण हैं "कैरिंग द क्रॉस" (1517), चक्र "होली फैमिलीज" (लगभग 1518), वेदी रचना "ट्रांसफिगरेशन"।

यह बहुत संभव है कि इस तरह के प्रतिभाशाली चित्रकार, जैसे कि राफेल, ने इस तरह के रचनात्मक गतिरोध से बाहर निकलने का रास्ता खोजा होगा, अगर अचानक मृत्यु के लिए नहीं जो मास्टर के सभी समकालीनों को झकझोर दे। राफेल सेंटी का 6 अप्रैल, 1520 को 37 वर्ष की आयु में निधन हो गया। भव्य अंतिम संस्कार की व्यवस्था की गई थी। महान चित्रकार की राख को रोम के पेंटीहोन में दफनाया गया है।

राफेल की कृतियाँ आज तक विश्व कला की उत्कृष्ट कृति हैं। ये पेंटिंग, शास्त्रीय कला का एक उदाहरण होने के नाते, मानवता को एक परिपूर्ण, बिना सुंदरता के दिखाने के लिए डिज़ाइन की गई थीं। उन्होंने दर्शकों को एक ऐसी दुनिया के लिए प्रस्तुत किया, जहां लोग उच्च भावनाओं और विचारों से युक्त होते हैं। राफेल का काम कला का एक प्रकार का भजन है जो एक व्यक्ति को बदल देता है, उसे क्लीनर, उज्जवल और अधिक सुंदर बना देता है।

टिटियन (टिज़ियानो वेसेलियो)

टिज़ियानो वेसेलियो का जन्म एक सैन्य परिवार में छोटे शहर पिवे डि कैडोर में हुआ था, जो पहाड़ों और वेनिस के हिस्से में स्थित था। वैज्ञानिक टिटियन के जन्म की सही तारीख और वर्ष को स्थापित करने में विफल रहे। कुछ का मानना \u200b\u200bहै कि यह 1476-1477 है, अन्य - 1485-1490।

वैज्ञानिकों का मानना \u200b\u200bहै कि वेसेलियो परिवार शहर में प्राचीन और प्रभावशाली था। पेंटिंग के लिए लड़के के अपने शुरुआती कौशल को देखकर, माता-पिता ने टिज़ियानो को वेनिस के मोज़ेक मास्टर की कला कार्यशाला में भेजने का फैसला किया। कुछ समय बाद, युवा वेसेलियो को कार्यशाला में अध्ययन करने के लिए सौंपा गया, पहले जेंटिल बेलिनी और फिर जियोवन्नी बेलिनी द्वारा। इस समय, युवा कलाकार जियोर्जियो से मिलता है, जिसका प्रभाव उनके शुरुआती कार्यों में परिलक्षित होता था।

सभी कलाकार के काम को सशर्त रूप से दो अवधियों में विभाजित किया जा सकता है: पहला - तथाकथित। Dzhordzhonevsky - 1515-1516 तक (जब चित्रकार के कामों में गियोरगियोन का प्रभाव सबसे दृढ़ता से व्यक्त किया गया है); दूसरा - 40 के दशक से। 16 वीं शताब्दी (इस समय टिटियन पहले से ही एक स्थापित मास्टर थे जो स्वर्गीय पुनर्जागरण की कला का प्रतिनिधित्व करते थे)।

जियोर्जियो की कलात्मक विधि और पुनर्जागरण के चित्रकारों के गठन के प्रारंभिक चरण के बाद, टिटियन कलात्मक समस्याओं को हल करने के तरीकों पर पुनर्विचार करता है। कलाकार के ब्रश से नई छवियां निकलती हैं, जो उदात्त और परिष्कृत आंकड़ों से काफी भिन्न होती हैं, उदाहरण के लिए, राफेल और लियोनार्डो दा विंची। टिटियन के नायक डाउन-टू-अर्थ, पूर्ण-कामुक, कामुक हैं, उनके पास काफी हद तक एक बुतपरस्त सिद्धांत है। चित्रकार के प्रारंभिक कैनवस को काफी सरल रचना द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, जो फिर भी असामान्य रूप से हर्षित मनोदशा और सांसारिक खुशी, पूर्णता और सांसारिक जीवन की अनंतता की चेतना के साथ परिलक्षित होता है।

इस अवधि के कामों में, सबसे पूरी तरह से कलाकार की रचनात्मक पद्धति को व्यक्त करना, सबसे उज्ज्वल में से एक है "सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम", दिनांक 10-एस। 16 वीं शताब्दी। यह लेखक के लिए न केवल कथानक को व्यक्त करने के लिए महत्वपूर्ण है, बल्कि एक सुंदर परिदृश्य को दिखाने के लिए भी है जो शांत होने और खुशी होने के विचारों और स्त्री की कामुक सुंदरता के बारे में बताता है।

महिला आंकड़े निस्संदेह उदात्त हैं, लेकिन वे जीवन से अमूर्त नहीं हैं और लेखक द्वारा आदर्श नहीं हैं। नरम रंगों में चित्रित परिदृश्य और पृष्ठभूमि में रखा गया, सुंदर और सुशोभित के लिए एक उत्कृष्ट पृष्ठभूमि के रूप में कार्य करता है, लेकिन एक ही समय में काफी वास्तविक, विशिष्ट महिला चित्र: सांसारिक प्रेम और स्वर्गीय प्रेम। कुशलता से रचित रचना और रंग की सूक्ष्म भावना ने कलाकार को एक असामान्य रूप से सामंजस्यपूर्ण काम बनाने में मदद की, जिसमें से प्रत्येक तत्व लेखक की सांसारिक प्रकृति और मनुष्य की प्राकृतिक सुंदरता को दिखाने की इच्छा के अधीन है।

बाद में, 1518 में वापस डेटिंग, टिटियन के काम "असुन्टा" (या "द एसेन्शन ऑफ मैरी") में वह शांत चिंतन और शांति नहीं है जो "सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम" के काम में लगता है। अधिक गतिशीलता, शक्ति, ऊर्जा है। रचना की केंद्रीय आकृति मैरी है, जिसे सांसारिक सुंदरता और ताकत से भरी एक युवती ने दिखाया है। प्रेषितों के विचारों को उसी पर निर्देशित किया जाता है, जिनमें से चित्र उसी आंतरिक जीवन शक्ति और ऊर्जा को व्यक्त करते हैं। रचना "बाचूस और एरैडेन" (चक्र "बेचनियालिया", 1523 से) मानव सौंदर्य और मजबूत मानवीय भावना का एक प्रकार है।

सांसारिक स्त्री सौंदर्य का गौरव टिटियन द्वारा एक अन्य कार्य का विषय बन गया, जिसे "वीनस ऑफ अर्बिनो" कहा जाता है। यह 1538 में बनाया गया था। इस तथ्य के बावजूद कि छवि की बिल्कुल उदात्तता और आध्यात्मिकता नहीं है, बाद वाला कैनवास के सौंदर्य मूल्य को कम नहीं करता है। शुक्र वास्तव में यहाँ सुंदर है। हालांकि, उनकी सुंदरता नीचे-से-पृथ्वी और प्राकृतिक है, जो टिटिआनी द्वारा बनाई गई छवि को बोटीसेली के वीनस से अलग करती है।

हालांकि, यह कहना गलत नहीं होगा कि कलाकार के काम के विकास में शुरुआती दौर की छवियों ने किसी व्यक्ति की केवल बाहरी सुंदरता को महिमामंडित किया। उनकी पूरी उपस्थिति एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति को दर्शाती है, जिसकी बाहरी सुंदरता आध्यात्मिक के साथ समान है और समान रूप से सुंदर आत्मा का उल्टा पक्ष है।

इस दृष्टिकोण से, 1515 से 1520 की अवधि में बनाए गए कैनवास "द डेनायर्स ऑफ कैसर" पर ईसा मसीह की छवि सबसे बड़ी रुचि की है। टिटियन यीशु को एक दिव्य, अतिरंजित, स्वर्गीय नहीं के रूप में दिखाता है। उनके चेहरे पर भावपूर्ण अभिव्यक्ति बताती है कि दर्शक के सामने एक आदर्श व्यक्ति है जो एक आदर्श मानसिक संगठन है।

1519 से 1526 की अवधि में लिखी गई वेदी रचना "मैडोना ऑफ पेसारो" में बनाई गई छवियां एक ही आध्यात्मिकता से भरी हुई हैं। ये नायक योजनाएं या अमूर्त नहीं हैं। एक जीवित, वास्तविक चित्र का निर्माण मुख्य रूप से मास्टर द्वारा विभिन्न रंगों की एक श्रृंखला के उपयोग से किया जाता है: मैरी के स्नो-व्हाइट घूंघट, आकाश-नीला, लाल रंग, चमकीले लाल, नायकों के सुनहरे कपड़े, एक अमीर हरा कालीन। इस तरह के कई स्वर रचना में अराजकता का परिचय नहीं देते हैं, लेकिन, इसके विपरीत, चित्रकार को छवियों के सुसंगत और सामंजस्यपूर्ण प्रणाली बनाने में मदद करता है।

1520 के दशक में। टिटियन ने एक नाटकीय प्रकृति का पहला काम बनाया। यह प्रसिद्ध पेंटिंग "द एंटोमेंट" है। मसीह की छवि की व्याख्या यहाँ की गई है, ठीक उसी तरह जैसे कि "द डेनिज़र ऑफ़ सीज़र" की पेंटिंग में। यीशु को एक ऐसे प्राणी के रूप में प्रस्तुत नहीं किया गया है जो मानवता को बचाने के लिए स्वर्ग से नीचे आया था, बल्कि एक पूरी तरह से सांसारिक नायक के रूप में जो एक असमान युद्ध में गिर गया। कथानक की तमाम त्रासदी और नाटक के बावजूद, दर्शक में निराशा का भाव पैदा नहीं करता है। इसके विपरीत, टिटियन द्वारा बनाई गई छवि आशावाद और वीरता का प्रतीक है, जो किसी व्यक्ति की आंतरिक सुंदरता, उसकी आत्मा के बड़प्पन और ताकत का प्रतीक है।

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