इतालवी संगीत वाद्ययंत्र। इतालवी नृत्य: इतिहास और उनकी किस्में

इतालवी संगीत की उत्पत्ति प्राचीन रोम की संगीत संस्कृति (प्राचीन रोमन संगीत देखें) पर वापस जाती है। प्राणियों द्वारा संगीत बजाया गया। समाज में भूमिका। राज्य। रोमन साम्राज्य का जीवन, रोजमर्रा की जिंदगी में अलग है। जनसंख्या के खंड; अमीर और विविध था। उपकरण। प्राचीन रोमन संगीत के नमूने हम तक नहीं पहुंचे हैं, लेकिन dep। इसके तत्वों को मध्य शताब्दी में संरक्षित किया गया है। मसीह। भजन और चारपाई। सोचता। परंपराओं। 4 वीं शताब्दी में, जब ईसाई धर्म को एक राज्य घोषित किया गया था। धर्म, रोम, बीजान्टियम के साथ, मुकदमेबाजी के विकास के केंद्रों में से एक बन गया। गायन, पहला। जिसका आधार सीरिया और फिलिस्तीन से उत्पन्न भजन था। मिलान के आर्कबिशप एम्ब्रोस ने भजनों के एंटिफोनिक गायन (एंटिफोन को देखें) के अभ्यास को समेकित किया, जिससे उनकी धुन को कहानी के करीब लाया गया। मूल। पश्चिमी मसीह की एक विशेष परंपरा उनके नाम के साथ जुड़ी हुई है। चर्च। गायन, जिसे एम्ब्रोसियन गायन कहा जाता है (अमृत गायन देखें)। अंततः। 6 वीं शताब्दी में, पोप ग्रेगरी I के तहत, मसीह के ठोस रूपों का विकास किया गया था। जलाया और उसके मांस का आदेश दिया। पक्ष। गायक ने रोम में एक ही समय में बनाया। स्कूल ("स्कूल कैंटोरम") चर्च-गायकों के लिए एक प्रकार की अकादमी बन गया। मुकदमा और सर्वोच्च विधायक। इस क्षेत्र में शरीर। ग्रेगरी I को मुख्य के एकीकरण और निर्धारण के साथ श्रेय दिया गया। प्रज्जवलित मंत्र। हालांकि, बाद के अध्ययनों ने उस राग को स्थापित किया है। शैली और तथाकथित का आकार ग्रेगोरियन गायन ने आखिरकार 8-9 शताब्दियों में ही आकार ले लिया। रोमन कैथोलिक। चर्च, पूजा की एकरूपता के लिए प्रयासरत है, इस शैली को एक-पैर वाला बनाया। सहगान। सभी राष्ट्रों के बीच गायन मसीह में परिवर्तित हुआ। आस्था। यह प्रक्रिया अंत तक पूरी हो गई थी। 11 वीं शताब्दी, जब ग्रेगोरियन इसी परिवर्तक के साथ प्रकाशित हुआ। मध्य, पश्चिम के देशों में अनुमोदित नियम। और Yuzh। यूरोप। इसी समय, अभेद्यता में जमे हुए ग्रेगोरियन गायन का और विकास भी रुक गया। रूपों।

अंत से। पहली सहस्राब्दी ई इटली के क्षेत्र में लगातार दुश्मन की घटनाओं के परिणामस्वरूप, साथ ही साथ पापी के उत्पीड़न में वृद्धि हुई, जिसने रचनात्मकता की मुक्त अभिव्यक्ति में बाधा उत्पन्न की। पहल, आई। एम। में आता है। ठहराव, यह सामान्य मस्सों में ध्यान देने योग्य भूमिका निभाना बंद कर देता है। यूरोप का विकास। देशों। सबसे महत्वपूर्ण बदलाव जो यूरोप में हुए। पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर संगीत, शाही संगीत में एक कमजोर और अक्सर बेलेंटेड प्रतिबिंब ढूंढता है। और उत्तर-पश्चिम। यूरोप पहले से ही 9 वीं शताब्दी में है। पॉलीफोनी के शुरुआती रूपों के लिए एक औचित्य दिया, सबसे प्रमुख इतालवी। सोचता। मध्ययुगीन सिद्धांतकार गुइडो डी "आरेज़ो (11 वीं सदी) ने केवल एक तरफा ग्रेगोरियन गायन पर मुख्य रूप से ध्यान दिया, केवल ऑर्गनम पर स्पर्श किया। 12 वीं शताब्दी में, कुछ इतालवी चर्चों की प्रचलित प्रथा में पॉलीफोनिक गायन शामिल है, लेकिन इसके कुछ ज्ञात उदाहरणों की गवाही नहीं देते हैं। उस युग के पॉलीफोनिक शैलियों के विकास में इटली के स्वतंत्र योगदान पर। 13 वीं और 14 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में संगीत की कला में नया उदय अर्ली रिनोवेशन से जुड़ा था, जिसने मानवतावादी प्रवृत्तियों के विकास, धार्मिक हठधर्मिता के उत्पीड़न से मानव व्यक्तित्व की मुक्ति को प्रतिबिंबित किया। सामंती प्रभुओं की शक्ति के कमजोर होने और शुरुआती पूंजीवादी संबंधों के निर्माण की अवधि के दौरान दुनिया की एक स्वतंत्र और अधिक प्रत्यक्ष धारणा। प्रारंभिक पुनर्जागरण की अवधारणा संगीत के इतिहास में स्वीकार किए गए अरस नोवा की परिभाषा से मेल खाती है। इस आंदोलन के मुख्य केंद्र मध्य और उत्तरी इटली के शहर थे - फ्लोरेंस, वेनिस, पडुआ - दक्षिणी क्षेत्रों की तुलना में उनकी सामाजिक संरचना और संस्कृति में अधिक उन्नत, जिसमें सामंती संबंध अभी भी दृढ़ता से संरक्षित थे। इन शहरों ने सबसे प्रतिभाशाली संगीतकारों और संगीतों को आकर्षित किया प्रदर्शन करने वाले। नई विधाएं और शैलीगत रुझान यहां पैदा हुए।

बढ़ी हुई अभिव्यक्ति की इच्छा गीतिका में ही प्रकट हुई। धर्मों की स्वतंत्र रूप से व्याख्या करने के लिए भजन। विषय - रोजमर्रा की ज़िंदगी में और धर्मों के दौरान, लाउडाह, राई ने गाया। जुलूस। पहले से ही अंत में। बारहवीं शताब्दी "लॉडिस्ट्स के भाईचारे" का उदय हुआ, जिसकी संख्या 13 वीं और विशेष रूप से 14 वीं शताब्दी में बढ़ी। अधिकारियों के विरोध में फ्रांसिसन आदेश के भिक्षुओं के बीच लाउड्स की खेती की गई। रोमन चर्च, कभी-कभी वे सामाजिक विरोध के उद्देश्यों को प्रतिबिंबित करते थे। मेलोडिक लॉड कहानी के साथ जुड़ा हुआ है। मूल, अलग लय। स्पष्टता, संरचना की स्पष्टता, प्रचलित प्रमुख रंग। उनमें से कुछ नृत्य करने के लिए चरित्र में करीब हैं। गीत।

फ्लोरेंस में, धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनी की नई शैलियों का उदय हुआ। कडाई। संगीत शौकिया प्रदर्शन के लिए अभिप्रेत है: मद्रिगल, कच्छ, बलाटा। वे 2 या 3 गोल थे। छंद। मधुर सुर्खियों के साथ गाने। ऊपरी आवाज, अलग-अलग ताल। गतिशीलता, रंगीन मार्ग की एक बहुतायत। मद्रिगल एक अभिजात वर्ग है। एक शैली जो कविताओं और संगीतों के परिष्कार की विशेषता है। इमारत। यह सूक्ष्म कामुकता का प्रभुत्व था। विषय, व्यंग्य को भी मूर्त रूप दिया। कभी-कभी राजनीतिक रूप से आरोप लगाया जाता है। कैसिया की सामग्री मूल रूप से चित्रों का शिकार कर रही थी (इसलिए नाम ही: कैसिया - शिकार), लेकिन फिर इसका विषय विभिन्न शैली के दृश्यों का विस्तार और कवर करता है। धर्मनिरपेक्ष शैलियों के सबसे लोकप्रिय, अरस नोवा, बैलता (मद्रिगल में सामग्री के समान नृत्य गीत) है।

14 वीं शताब्दी में इटली में व्यापक विकास। इंस्ट्र प्राप्त करता है। संगीत। मुख्य उस समय के वाद्य यंत्र लुटे, वीणा, फिदेल, बांसुरी, ओबे, तुरही और अन्य अंग थे। प्रकार (सकारात्मक, चित्र)। उनका उपयोग गायन की संगत के लिए और एकल या कलाकारों की टुकड़ी के लिए किया जाता था।

इटालियन पनपा। Ars nova मध्य में आती है। 14 वीं शताब्दी 40 के दशक में। रचनात्मक खुलासा होता है। अपने सबसे प्रमुख स्वामी की गतिविधियों - फ्लोरेंस से जियोवानी और बोलोग्ना से जैकोपो। अंधा गुणी जीव और कॉम्प। एफ। लैंडिनो एक बहुमुखी प्रतिभाशाली व्यक्ति, कवि, संगीतकार और वैज्ञानिक हैं जिनका इतालवी हलकों में सम्मान किया गया था। मानवतावादियों। उसके काम में चारपाई से जुड़ाव बढ़ गया है। उत्पत्ति, माधुर्य ने अभिव्यक्ति की अधिक स्वतंत्रता का अधिग्रहण किया है, कभी-कभी परिष्कृत परिष्कार, फूल और लय में। विविधता।

उच्च पुनर्जागरण (16 वीं शताब्दी) के युग में, कला ने यूरोप में एक अग्रणी स्थान लिया। सोचता। संस्कृतियों। कला में सामान्य उतार-चढ़ाव के माहौल में। संस्कृति ने संगीत-विकास को विभिन्न रूप से विकसित किया। समाज के स्तर पर। चर्च के साथ इसके चूल्हे भी थे। शिल्प के चैपल। साहित्य और कला के प्रबुद्ध प्रेमियों की मंडलियां, कभी-कभी पुरातनता के बाद खुद को बुलाते हुए। अकादमियों द्वारा प्रतिरूपित किया गया। Pl में। शहरों ने ऐसे स्कूल बनाए जो खुद को स्वतंत्र बनाते थे। आई। एम। के विकास में योगदान। उनमें से सबसे बड़ा और सबसे प्रभावशाली रोमन और विनीशियन स्कूल हैं। रोम के कैथोलिकवाद के केंद्र में, पुनर्जागरण आंदोलन द्वारा लाया गया नया कलात्मक रूप अक्सर चर्च के विरोध के साथ मिला। अधिकारियों। लेकिन, पूरे 15 वीं शताब्दी में निषेध और निषेध के बावजूद। रोमन कैथोलिक में। पूजा मजबूती से बहुभुज की स्थापना की गई थी। गायन। यह जी ड्यूफ़े के फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रतिनिधियों, जोसकिन डेस्प्रेस और अन्य संगीतकारों की गतिविधियों से सुविधा हुई, जो अलग-अलग समय पर पोप चैपल में सेवा करते थे। सिस्टिन चैपल (1473 में स्थापित) और गाना बजानेवालों में। सेंट की चैपल पतरस ने कलीसिया के श्रेष्ठ आचार्यों पर ध्यान केंद्रित किया। न केवल इटली से, बल्कि अन्य देशों से भी गायन। चर्च के सवाल। गायन विशेष को दिया गया था। ट्रेंट की परिषद (1545-63) पर ध्यान दिया गया, जिसके निर्णयों में "लाक्षणिक" पॉलीफोनिक के लिए अत्यधिक उत्साह की निंदा की गई थी। संगीत, जो "पवित्र शब्दों" को समझना मुश्किल बनाता है, और सादगी और स्पष्टता की मांग को आगे रखा गया; मुकुट में धर्मनिरपेक्ष धुनों की शुरूआत निषिद्ध थी। संगीत। लेकिन, चर्च की इच्छा के विपरीत। अधिकारियों ने पंथ गायन से सभी नवाचारों को बाहर करने के लिए और, यदि संभव हो तो, इसे ग्रेगोरियन जप की परंपराओं पर वापस लौटाएं, रोमन स्कूल के रचनाकारों ने एक उच्च विकसित पॉलीफोनिक ध्वनि बनाई। कला, जिसमें फ्रेंको-फ्लेमिश पॉलीफनी की सर्वोत्तम उपलब्धियों को लागू किया गया और पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र की भावना में पुनर्विचार किया गया। उत्पादन में इस विद्यालय के रचनाकार जटिल नकल हैं। तकनीक को कॉर्ड-हार्मोनिक के साथ जोड़ा गया था। गोदाम, कई सिर। बनावट ने सामंजस्यपूर्ण उत्साह का चरित्र प्राप्त किया, मधुर सिद्धांत अधिक स्वतंत्र हो गया, ऊपरी आवाज को अक्सर सामने लाया गया। रोमन स्कूल का सबसे बड़ा प्रतिनिधि फिलिस्तीन है। उनकी आदर्श रूप से संतुलित, मनोदशा में सामंजस्यपूर्ण, सामंजस्यपूर्ण कला की तुलना कभी-कभी राफेल के काम से की जाती है। कोरस का शिखर होना। एक सख्त शैली की पॉलीफोनी, फिलिस्तीन के संगीत में एक ही समय में विकसित होमोफोनिक सोच के तत्व शामिल हैं। क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर सिद्धांतों के संतुलन के लिए प्रयास उसी स्कूल के अन्य रचनाकारों की विशेषता थी: के। फेस्टा, जी अनिमुक्की (जो सेंट के चैपल का नेतृत्व करते थे) पीटर 1555-71 में), क्लेमेंस-न-पोप, छात्रों और फिलिस्तीन के अनुयायियों - जी। नीनो, एफ। अनेरियो और अन्य। स्पेनिश ने रोमन स्कूल को भी स्थगित कर दिया। संगीतकार जो पोपल चैपल में काम करते थे: के। मोरालेस, बी। एस्कोबेडो, टी। एल। डी। विक्टोरिया (उपनाम "स्पेनिश फिलीस्तीन")।

विनीशियन स्कूल के संस्थापक ए विलार्ट (मूल रूप से डच) थे, जिन्होंने 1527 में सेंट के चैपल का नेतृत्व किया था मार्क और 35 वर्षों तक इसके नेता थे। उनके उत्तराधिकारी सी। डी। पोप और स्पैनियार्ड सी। मेरुलो थे। यह स्कूल ए। गैब्रियल और उनके भतीजे जे। गैब्रियल के काम में अपने उच्चतम शिखर पर पहुँच गया। फिलिस्तीन और रोमन स्कूल के अन्य रचनाकारों के लेखन के सख्त और संयमित तरीके के विपरीत, वेनेटियंस की कला को ध्वनि पैलेट की भव्यता, उज्ज्वल रंगों की एक बहुतायत की विशेषता थी। प्रभाव। बहु-वर्णवाद का सिद्धांत उनके लिए विशेष महत्व का था। दो गाना बजानेवालों का विरोध, स्थित। चर्च के विभिन्न हिस्सों में, गतिशील के आधार के रूप में सेवा की। और रंगीन विरोधाभासों। जे। गेब्रियल के लिए लगातार बदलती वोटों की संख्या 20 तक पहुँच गई। कॉन्ट्रस्ट कोरस। वाद्ययंत्रों के परिवर्तन के द्वारा सोनोरिटीज को पूरक बनाया गया। टाइमब्रिज, इसके अलावा, उपकरणों ने न केवल गाना बजानेवालों की आवाज़ की नकल की, बल्कि स्वतंत्र रूप से प्रदर्शन भी किया। और एपिसोड को जोड़ना हार्मोनिक। यह भाषा उस समय के क्रोमैटैम्स के लिए कई बार बोल्ड से संतृप्त थी, जिसने इसे बढ़ी हुई अभिव्यक्ति की विशेषताएं दीं।

विनीशियन स्कूल के मास्टर्स की रचनात्मकता ने इंस्ट्रूमेंटेशन के नए रूपों के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। संगीत। 16 वीं शताब्दी में। उपकरणों की बहुत संरचना को काफी समृद्ध किया गया है, और उनकी अभिव्यक्ति का विस्तार हुआ है। अवसरों। उनकी मधुर गर्म ध्वनि के साथ झुके हुए उपकरणों का महत्व बढ़ गया है। यह इस अवधि के दौरान था कि क्लासिक का गठन किया गया था। वायोला का प्रकार; वायलिन, पहले से प्रचलित है। लोक जीवन में, प्रवीण हो जाता है। सोचता। उपकरण। एकल वाद्ययंत्र के रूप में ल्यूट और ऑर्गन हावी रहे। 1507-09 में प्रकाशक ओ। पेट्रुकी पब। ल्यूट के लिए टुकड़ों का 3 संग्रह, अभी भी संरक्षित है। वोक की लत के संकेत। मोटेट प्रकार पॉलीफोनी। भविष्य में, यह निर्भरता कमजोर हो जाती है, विशेष रूप से विकसित उपकरण। प्रस्तुति तकनीक। 16 वीं शताब्दी के लिए विशिष्ट। एकल वृत्ति की शैलियों। संगीत - अमीर, फंतासी, कैनकोना, कैप्रिको। 1549 में। Org। विलेर्ट के अमीर। उनके बाद, इस शैली को जे। गेब्रियल द्वारा विकसित किया गया था, जिनमें से कुछ अमीर लोग प्रस्तुति में ठग से संपर्क करते हैं। Org में। विनीशियन स्वामी की टोकाटा एक पुण्यसुओ की शुरुआत और मुक्त कल्पना के लिए एक चिंतन को दर्शाती है। 1551 में वेनिस में सैट प्रकाशित हुआ। क्लेवियर टुकड़े नृत्य। चरित्र।

पहले का उद्भव ए और जे गेब्रियल नामों से जुड़ा हुआ है। चैम्बर कलाकारों की टुकड़ी के नमूने और orc। संगीत। विभिन्न उपकरणों के लिए उनकी रचनाएँ। गाड़ियों (3 से 22 पार्टियों तक) को सत में संयोजित किया गया था। "कैनज़ोन एंड सोनटास" ("कैन्ज़ोनी ई सोनते ...", 1615 में संगीतकार की मृत्यु के बाद प्रकाशित)। ये टुकड़े विषम विघटन के सिद्धांत पर आधारित हैं। निर्देप्राप्तगुम। समूहों (दोनों सजातीय - झुके हुए, लकड़ी, पीतल, और मिश्रित), के बाद ry प्राप्त हुआ। एक संगीत कार्यक्रम की शैली में अवतार।

संगीत में पुनर्जागरण के विचारों की सबसे पूर्ण और ज्वलंत अभिव्यक्ति पागलखाना था, जो 16 वीं शताब्दी में फिर से पनपा। पुनर्जागरण में धर्मनिरपेक्ष संगीत-निर्माण की इस सबसे महत्वपूर्ण शैली पर कई लोगों ने ध्यान दिया था। संगीतकारों। मेड्रिगल्स को वेनेशियन ए विर्ट, के। डी पोप, ए। गैब्रियल, रोमन स्कूल के। फेस्टस और फिलिस्तीना के मास्टर्स द्वारा चित्रित किया गया था। मैड्रिगलिस्ट स्कूल मिलान, फ्लोरेंस, फेरारा, बोलोग्ना, नेपल्स में मौजूद थे। मद्रिगल 16 वीं शताब्दी कविता के अधिक से अधिक धन और शोधन में अर्स नोवा काल के पागल से अलग। सामग्री, लेकिन मुख्य। उनका क्षेत्र प्रेम गीत ही रहा, अक्सर देहाती, प्रकृति की सुंदरियों की उत्साही प्रशंसा के साथ। एफ। पेट्रार्क की कविता का मद्रीगल के विकास पर बहुत प्रभाव था (उनकी कई कविताएँ अलग-अलग लेखकों द्वारा संगीत में सेट की गई थीं)। मैड्रिगलिस्ट संगीतकार एल। एरियोस्टो, टी। टैसो और अन्य प्रमुख पुनर्जागरण कवियों की रचनाओं की ओर मुड़ गए। 16 वीं शताब्दी के पागलखानों में। 4- या 5-गोल प्रबल। एक गोदाम जो पॉलीफोनी और होमोफनी के तत्वों को जोड़ता है। प्रमुख राग। आवाज को सूक्ष्मता से व्यक्त किया गया था। छाया, विवरण काव्यात्मक का लचीला हस्तांतरण। पाठ। समग्र रचना स्वतंत्र थी और छंद का पालन नहीं करती थी। सिद्धांत। 16 वीं शताब्दी के मदारीलाल स्वामी के बीच। प्रतिष्ठित डचमैन जे। अर्कडेल्ट, जिन्होंने रोम और फ्लोरेंस में काम किया था। 1538-44 (6 किताबों) में प्रकाशित उनके पागल, कई बार पुनर्मुद्रित किए गए थे और फिर से बनाए गए थे। मुद्रित और पांडुलिपियाँ। बैठकों। इस शैली का उच्चतम फूल रचनात्मक के साथ जुड़ा हुआ है। अंत में एल। मार्जेनियो, सी। मोंटेवेर्डी और सी। गेस्साल्डो डी वेनोसा की गतिविधियाँ। 16 - जल्दी। सत्रवहीं शताब्दी यदि Marenzio की विशेषता एक पतली गोले से है। गीत। चित्र, फिर गेसुआल्डो डी वेनोसा और मोंटेवेर्डी में मैड्रिग को नाटकीय रूप से चित्रित किया गया है, जो एक गहन मनोवैज्ञानिक के साथ संपन्न है। अभिव्यक्ति, वे सामंजस्यपूर्ण के नए, असामान्य साधनों का उपयोग करते थे। भाषा, गहनता को तीव्र किया। वोक की अभिव्यक्ति। की धुन। तख़्त बेड I मी की एक समृद्ध परत है। गीत और नृत्य, धुनों की मधुरता, जीवंतता, अभेद्य लय से प्रतिष्ठित हैं। इटाल के लिए। नृत्यों की विशेषता 6/8, 12/8 और एक तेज, अक्सर अभेद्य, टेम्पो के आकार की होती है: साल्टेरेलो (13-14 शताब्दियों के रिकॉर्ड संरक्षित किए गए हैं), उससे संबंधित प्यादा शॉप (लोम्बार्डी का नृत्य) और फोरलेन (विनीशियन, फ्रूलियन नृत्य), टारंटेला (दक्षिणी इतालवी नृत्य) जो राष्ट्रव्यापी हो गया)। टारेंटेला के साथ, सिसिलियाना लोकप्रिय है (आकार समान है, लेकिन टेम्पो मध्यम है, राग का चरित्र अलग है - देहाती)। सिसिली बारकाले (विनीशियन गोंडोलियर्स का गीत) और टस्कन रिसपेट्टो (प्रशंसा, प्रेम स्वीकारोक्ति का गीत) के करीब हैं। शिकायत करने वाले गीतों को व्यापक रूप से जाना जाता है - लेंटो (एक प्रकार का विलाप)। मधुरता, उज्ज्वल गीतकारिता की प्लास्टिसिटी और मधुरता, और अक्सर जोर देने वाली संवेदनशीलता इटली में व्यापक रूप से नियति गीतों की विशेषता है।

नर। संगीत ने भी प्रोफेसर को प्रभावित किया। सोचता। सृष्टि। बंक करने के लिए सबसे बड़ी सादगी और निकटता। फ्रूटोला और विलेनेला की शैलियां उनके मूल से भिन्न थीं।

पुनर्जागरण ने संगीत-सैद्धांतिक के विकास को गति दी। इटली में विचार। आधुनिक की नींव। सद्भाव का सिद्धांत जे। ज़ारलिनो द्वारा रखा गया था। बुध सदी। उन्होंने 2 मूल के साथ एक नई तानवाला प्रणाली के साथ माल के सिद्धांत का विरोध किया। मोड - प्रमुख और मामूली। अपने निर्णयों में, Tsarlino मुख्य रूप से प्रत्यक्ष श्रवण धारणा पर निर्भर था, न कि अमूर्त विद्वान गणना और संख्यात्मक कार्यों पर।

16 वीं और 17 वीं शताब्दी के मोड़ पर साम्राज्यवाद की सबसे बड़ी घटना। ओपेरा का उद्भव था। पहले से ही पुनर्जागरण के करीब दिखाई दिया, ओपेरा अभी भी पूरी तरह से अपने विचारों और संस्कृति के साथ जुड़ा हुआ है। ओपेरा एक स्टैंड-अलोन के रूप में। शैली बढ़ी, एक तरफ, थिएटर से। 16 वीं शताब्दी के प्रदर्शन, संगीत के साथ, दूसरे पर - मद्रिगल से। टी-आरए के लिए संगीत कई लोगों द्वारा बनाया गया था। 16 वीं शताब्दी के प्रसिद्ध संगीतकार इस प्रकार, ए। गेब्रियल ने सोफोकल्स "ओडिपस" (1585, विसेंज़ा) की त्रासदी के लिए गायन लिखा। ओपेरा के अग्रदूतों में से एक ए पोलीज़ियानो द लीजेंड ऑफ ऑर्फियस (1480, मंटुआ) था। मद्रिग्ल में, लचीले, व्यक्त के साधन। काव्य के अवतार। संगीत में पाठ। इंस्ट्रू के साथ एक गायक द्वारा पागलियों का प्रदर्शन करने का एक सामान्य अभ्यास। रेस। उन्हें wok प्रकार के करीब लाया। मोनोडी, जो पहले इटाल का आधार बन गया। ओपेरा। अंततः। 16 वीं शताब्दी मिमिक्री के कट में, मद्रिगल कॉमेडी की शैली उत्पन्न हुई। एक्टिंग एक वोक के साथ थी। मद्रिगल की शैली में एपिसोड। इस शैली का एक विशिष्ट उदाहरण ओ वीका का "एम्फीपरनास" (1594) है।

1581 में एक ध्रुवीय दिखाई दिया। वी। गैलीली का ग्रंथ "डायलोगो डेला म्यूजिक एंटिका एट डेलिया मॉडर्न" ("डायलोगो डेला म्यूजिक एंटिका एट डैलिया मॉडर्ना"), जिसमें एक जप वॉक है। सस्वर पाठ (प्राचीन एक के मॉडल पर) मध्य-शताब्दी के "बर्बरवाद" के साथ किया गया था। polyphony। डांटे की दिव्य कॉमेडी का एक अंश, संगीत के लिए सेट, इस कड़ाही के चित्रण के रूप में सेवा करना था। अंदाज। गैलीलियो के विचारों का समर्थन कवियों, संगीतकारों और मानवतावादी वैज्ञानिकों के एक समूह द्वारा किया गया था, जो 1580 में प्रबुद्ध फ्लोरेंटाइन काउंट जी। बर्दी (तथाकथित फ्लोरेंटाइन कैमरेटा) की पहल पर एकजुट हुए थे। इस मंडली के सदस्यों ने ओ। रिनुचिनी के पाठ के लिए जे। पेरी द्वारा पहला ओपरा - "डाफने" (1597-98) और "इर्यूडिस" (1600) बनाया। सोलो वोक। रेस के साथ इन ओपेरा के कुछ हिस्सों। बासो सातत्यो का पाठ निरंतर किया जाता है। तरीके से, गायों में मदारीलाल गोदाम संरक्षित है।

कई वर्षों बाद "यूरीडाइस" के लिए संगीत स्वतंत्र रूप से गायक और कम्प द्वारा लिखा गया था। जे। कैसिनी, टू-रे भी संग्रह के लेखक थे। सोल के साथ एकल चैम्बर गाने। "नया संगीत" ("ले नुवो म्यूज़े", 1601), मुख्य। उसी शैली पर। सिद्धांतों। लेखन की इस शैली को "नई शैली" (स्टाइल नूवो), या "सचित्र शैली" (स्टाइल रैपरेसेंटीवो) कहा जाता था।

प्रॉड। फ्लोरेंटाइन एक निश्चित सीमा तक तर्कसंगत हैं, मुख्य में उनका मूल्य। प्रयोगात्मक। जीनियस कस्तूरी ने ओपेरा में सच्चे जीवन की सांस ली। नाटककार, शक्तिशाली दुखद प्रतिभा के कलाकार के। मोंटेवेर्डी। वह पहले से ही कई के लेखक होने के नाते, वयस्कता में ऑपरेटिव शैली की ओर मुड़ गया। आध्यात्मिक ऑप। और धर्मनिरपेक्ष पागलों। उनके पहले ओपेरा "ऑर्फियस" (1607) और "एरैडने" (1608) पोस्ट थे। मंटुआ में लंबे ब्रेक के बाद, मोंटेवेर्डी ने फिर से वेनिस में एक ओपेरा संगीतकार के रूप में प्रदर्शन किया। उनकी ऑपरेटिव रचनात्मकता का शिखर द कोरोनेशन ऑफ पोपटिया (1642), प्रोडक्शन है। वास्तव में शेक्सपियर की शक्ति, नाटक की गहराई से प्रतिष्ठित है। अभिव्यक्ति, पात्रों की कुशल मूर्तिकला, संघर्ष स्थितियों की गंभीरता और तनाव।

वेनिस में, ओपेरा संकीर्ण अभिजात वर्ग से परे चला गया। समर्थकों की मंडली और एक सार्वजनिक दृष्टि बन गई। 1637 में यहां पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस "सैन कैसियानो" खोला गया था (1637 के दौरान 16 ऐसे थिएटर नहीं बनाए गए थे)। अधिक लोकतांत्रिक। दर्शकों की रचना ने कार्यों की प्रकृति को भी प्रभावित किया। पौराणिक। विषय ने ऐतिहासिक को मार्ग दिया। वास्तविक कार्यों के साथ कहानियाँ। व्यक्ति, नाटक। और वीर। शुरुआत कॉमेडी के साथ हुई और कभी-कभार बेहद पेचीदा भी। कडाई। मेलोडी ने एक महान मधुरता प्राप्त की, जिसमें पुनरावृत्ति दृश्यों के भीतर, अलग एरीस प्रकार के एपिसोड। ये सुविधाएँ, जो पहले से ही मोंटेवेर्डी के बाद के ओपेरा की विशेषता थीं, को 42 ओपेरा के लेखक, एफ। कवाली के काम में और विकसित किया गया, जिनमें से सबसे लोकप्रिय ओपेरा जेसन (1649) था।

रोम में ओपेरा ने कैथोलिक वर्चस्व के प्रभाव में एक अजीबोगरीब रंग हासिल किया। प्रवृत्तियों। प्राचीन के साथ। पौराणिक। प्लॉट्स ("द डेथ ऑफ ऑर्फियस" - "ला मोर्टे डी" ऑर्फियो "एस। लैंडी, 1619;" चेन ऑफ़ अदोनिस "- डी। माज़ोच्ची द्वारा" ला केटीना डी "एडोन", 1626) धार्मिक ओपेरा में प्रवेश किया। मसीह में व्याख्यायित विषय। नैतिक योजना। सबसे ज्यादा मतलब है। manuf। रोमन स्कूल - ओपेरा "सेंट एलेक्सी" लैंडी (1632), इसकी मधुर द्वारा प्रतिष्ठित। संगीत की समृद्धि और नाटकीयता, बनावट में विकसित कोरस की प्रचुरता। एपिसोड। कॉमिक के पहले उदाहरण रोम में दिखाई दिए। ऑपरेटिव शैली: "दुख, हाँ आशा" ("चे सोफ़्रे, स्पेरी", 1639) वी। माज़ोच्ची और एम। मारज़ोली और "दाल नर इल नेने" ("दल नर इल नेने", 1653) ए। एम। अब्बतिनी और मारज़ोली।

के सेर। सत्रवहीं शताब्दी ओपेरा लगभग पूरी तरह से पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र के सिद्धांतों से विदा हो गया, जिसे फ्लोरेंटाइन कैमरता द्वारा बचाव किया गया था। यह वेनिस के ओपेरा स्कूल से जुड़े M.A.Chest के काम का प्रमाण है। उनके लेखन में एक उत्तेजित नाटक था। पुनरावर्ती एक नरम माधुर्य राग द्वारा विरोध किया जाता है, गोल woks की भूमिका बढ़ गई है। संख्या (प्रायः नाटकीयता की गिरावट के लिए। कार्रवाई का औचित्य)। सम्राट "द गोल्डन ऐपल" ("इल पोर्नो डी" ओरो ", 1667) का ओपेरा, सम्राट लियोपोल्ड I की शादी के अवसर पर वियना में धूमधाम से आयोजित किया गया, जो यूरोप में व्यापक रूप से होने वाले औपचारिक परेड प्रदर्शनों का प्रोटोटाइप बन गया। अब पूरी तरह से इतालवी ओपेरा नहीं है, आर रोलैंड लिखते हैं, यह एक प्रकार का अंतर्राष्ट्रीय न्यायालय ओपेरा है। "

अंत से। सत्रवहीं शताब्दी इटैलिक के विकास में अग्रणी भूमिका। ओपेरा नेपल्स को दिया गया। नियोजन ओपेरा स्कूल के पहले प्रमुख प्रतिनिधि एफ। प्रोवेनज़ले थे, लेकिन इसका असली प्रमुख ए। स्कार्लट्टी था। कई ओपेरा (100 से अधिक) के लेखक, उन्होंने इतालवी की विशिष्ट संरचना को मंजूरी दी। ओपेरा-सीरिया, बिना प्राणियों के संरक्षित। अंत में परिवर्तन। 18 वीं सदी मुख्यालय इस तरह के ओपेरा में एक जगह अरीया से संबंधित है, आमतौर पर 3-भाग दा कैपो; पुनरावर्ती को एक सेवा की भूमिका सौंपी जाती है, गायन और पहनावे का महत्व कम से कम किया जाता है। लेकिन उज्ज्वल राग। स्कारल्टी, पॉलीफोनिक कौशल का उपहार। अक्षर, निस्संदेह नाटककार। अंतर्ज्ञान ने संगीतकार को सभी सीमाओं के बावजूद, एक मजबूत, प्रभावशाली प्रभाव प्राप्त करने की अनुमति दी। स्कारल्टी ने स्वर और वाद्य दोनों को विकसित और समृद्ध किया। ओपेरा के रूप। उन्होंने एक सामान्य इतालवी संरचना विकसित की। तेजी से चरम वर्गों और एक धीमी मध्य प्रकरण के साथ एक ऑपरेटिव ओवरचर (या एक सिम्फनी, उस समय अपनाई गई शब्दावली में), जो खड़ा होने के साथ सिम्फनी का प्रोटोटाइप बन गया। सान्द्र। काम करता है।

ओपेरा के साथ निकट संबंध में, अतिरिक्त साहित्यिक संगीत की एक नई शैली विकसित हुई। धार्मिक isk-va - oratorio। धर्मों से उत्पन्न। पॉलीगोल गाने के साथ रीडिंग। सराहना की, वह उसे मिल गया। ख़त्म होना। जे। करिसिमी के कामों में। ज्यादातर बाइबिल के विषयों पर लिखे गए लेखों में, उन्होंने मध्य से विकसित होने वाले ऑपरेटिव रूपों को समृद्ध किया। 17 वीं शताब्दी, कोरस की उपलब्धियां। सान्द्र। अंदाज। कैरिसीमी के बाद इस शैली को विकसित करने वाले रचनाकारों में, ए। स्ट्रैडेला बाहर खड़े थे (उनकी साहसिक जीवनी के कारण उनका व्यक्तित्व पौराणिक हो गया था)। उन्होंने नाटक के तत्वों को ओटोरियो में पेश किया। देशभक्ति और विशेषताएं। नियति विद्यालय के लगभग सभी संगीतकारों ने ओटोरियो शैली पर ध्यान दिया, हालांकि ओपेरा की तुलना में, ओटोरियो ने अपने काम में एक द्वितीयक स्थान पर कब्जा कर लिया।

ओटोरियो से संबंधित एक शैली एक चेंबर कैंटटा है जिसमें एक, कभी-कभी 2 या 3 आवाजें होती हैं। बासो निरंतर। ओरेटेरियो के विपरीत, धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों में इसकी भविष्यवाणी की गई थी। इस शैली के सबसे प्रमुख स्वामी कैरिसीमी और एल रॉसी (रोमन ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधियों में से एक) हैं। ओरटोरियो की तरह, कैंटाटा ने अर्थ खेला। कड़ाही के उत्पादन में भूमिका। फॉर्म्स जो कि फॉर्च्यून ओपेरा की खासियत बन गए हैं।

17 वीं शताब्दी में पंथ संगीत के क्षेत्र में। बाहरी, आडंबरपूर्ण महानता की इच्छा पर हावी है, जो कि ch द्वारा प्राप्त किया गया है। आगमन। राशियों के कारण। प्रभाव। विनीशियन स्कूल के उस्तादों द्वारा विकसित पॉलीकोरस के सिद्धांत ने एक अतिशयोक्तिपूर्ण चरित्र का अधिग्रहण किया। पैमाने। कुछ प्रस्तुतियों में। बारह 4-लक्ष्य के लिए इस्तेमाल किया। गायक मंडलियों। विशालकाय गायन। रचनाएँ कई लोगों द्वारा पूरक थीं। और उपकरणों के विभिन्न समूहों। यह रसीला बारोक शैली विशेष रूप से रोम में विकसित हुई थी, जो फिलिस्तीन और उनके अनुयायियों की सख्त, संयमित शैली की जगह ले रही थी। स्वर्गीय रोमन स्कूल के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि जी अल्लेग्री (प्रसिद्ध लेखक "मिसेरे" के लेखक हैं, जो डब्ल्यू। ए। मोजार्ट द्वारा लिखित हैं), पी। अगोस्तिनी, ए। एम। अबातिनी, ओ। बेनेवोली। एक ही समय में, तथाकथित। "कॉन्सर्ट स्टाइल", प्रारंभिक इतालवी के एरीओ-रिकिटेटिव गायन के करीब। ओपेरा, उदाहरण ए। बनसीरी (1595) और एल। वियादाना (1602) के पवित्र संगीत कार्यक्रम हैं। (वियादाना को श्रेय दिया गया था, क्योंकि यह बाद में बाहर हो गया, पर्याप्त आधार के बिना, डिजिटल बास का आविष्कार।) सी। मोंटेवेर्डी, मार्को दा गैलियानो, एफ। कैवल्ली, जी। लीरेंज़ी और अन्य संगीतकार जो उन्हें चर्च में लाए थे, उन्होंने उसी तरीके से लिखा था। ओपेरा या चैम्बर कैंटाटा के संगीत तत्व।

कस्तूरी के नए रूपों और साधनों की गहन खोज। अभिव्यंजना समृद्ध और बहुमुखी मानवतावादी अवतार लेने की इच्छा से निर्धारित होती है। सामग्री, उपकरण के क्षेत्र में आयोजित की गई। संगीत। Org का सबसे बड़ा स्वामी। और बाख पूर्व काल का क्लैवियर संगीत जे। फ्रेशोब्लाडी - एक शानदार संगीतकार था। व्यक्तित्व, अंग और हार्पसीकोर्ड पर एक शानदार गुण, जो घर और अन्य यूरोप में प्रसिद्ध हो गया। देशों। उन्होंने इसे परंपरा में ला दिया। अमीर रूपों, कल्पनाओं, टोकाटा, गहन अभिव्यक्ति की विशेषताएं और भावना की स्वतंत्रता, समृद्ध मेलोडिक। और सामंजस्यपूर्ण। भाषा, विकसित पॉलीफोनिक। बनावट। उसके उत्पादन में। क्रिस्टलीकृत क्लासिक। सामान्य योजना के स्पष्ट रूप से पहचाने गए तानवाला संबंधों और पूर्णता के साथ प्रकार का ठगना। Frescobaldi का काम इटाल का शिखर है। org। मुकदमा। उनकी अभिनव विजय को इटली में उत्कृष्ट अनुयायियों को नहीं मिला, वे अन्य देशों के संगीतकारों द्वारा जारी और विकसित किए गए थे। इटाल में। निर्देप्राप्तगुम। दूसरी मंजिल से संगीत। सत्रवहीं शताब्दी प्रमुख भूमिका झुके हुए उपकरणों और, सबसे ऊपर, वायलिन तक पारित हुई। ऐसा वायलिन की प्रदर्शनकारी कला के उत्कर्ष और यंत्र के सुधार के कारण हुआ। 17-18 शताब्दियों में। इटली में, प्रसिद्ध वायलिन निर्माताओं (अमटी, स्ट्राडिवारी, ग्वारानी परिवारों) के राजवंशों का उदय हुआ, जिनके उपकरण आज तक नायाब हैं। उत्कृष्ट वायलिन पुण्योसोस अधिकांश भाग के लिए भी संगीतकार थे, उनके काम में एकल वायलिन प्रदर्शन की नई तकनीकें तय की गई थीं, नए संगीत विकसित किए गए थे। रूपों।

16-17 शताब्दियों के मोड़ पर। वेनिस में, तीनों सोनाटा की शैली विकसित हुई - एक बहु-भाग उत्पादन। 2 एकल उपकरणों के लिए (अधिक बार वायलिन, लेकिन उन्हें संगत टेसिटुरा के अन्य उपकरणों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा सकता है) और बास। इस शैली की 2 किस्में थीं (दोनों धर्मनिरपेक्ष कक्ष संगीत के क्षेत्र से संबंधित हैं): "चर्च सोनाटा" ("सोनाटा दा चियासा") - एक 4-भाग चक्र, जिसमें धीमी और तेज़ भागों को वैकल्पिक किया गया, और "कक्ष सोनाटा (" सोनाटा) दा कैमरा "), कई से मिलकर। नृत्य के टुकड़े। सूट के करीब का चरित्र। इन शैलियों का आगे का विकास विशेष रूप से महत्वपूर्ण है। भूमिका बोलोग्ना स्कूल द्वारा निभाई गई थी, जिसने वायलिन कला के स्वामी की शानदार आकाशगंगा को आगे बढ़ाया। इसके वरिष्ठ प्रतिनिधियों में एम। कजाती, जे। विटाली, जे। बासनी हैं। वायलिन और चैम्बर संगीत के इतिहास में एक युग ए। कॉरेली (बासनी के छात्र) का काम था। उनकी गतिविधि की परिपक्व अवधि रोम से जुड़ी हुई थी, जहां उन्होंने अपना स्वयं का स्कूल बनाया, जिसका प्रतिनिधित्व पी। लोकाटेली, एफ। जेमिनी, जे। सोमीस जैसे नामों से किया गया। कोरेली के काम में, तिकड़ी सोनाटा का गठन पूरा हो गया था। उन्होंने प्रदर्शन को बढ़ाया और समृद्ध किया। झुके हुए साधनों की संभावनाएँ। वह रेस के साथ सोलो वायलिन के लिए सोनाटा के चक्र से भी संबंधित है। हार्पसीकोर्ड। यह नई शैली जो कॉन में उभरी। 17 वीं शताब्दी, स्नातक चिह्नित। बयान मोनोडिक है। सिद्धांत में संगीत। कोरेली ने अपने समकालीन जी। टोरेली के साथ, कंसर्टो ग्रोसो बनाया - 18 वीं शताब्दी के मध्य तक चैम्बर ऑर्केस्ट्रा संगीत-निर्माण का सबसे महत्वपूर्ण रूप।

अंत की ओर। 17 - जल्दी। 18 वीं सदी अंतर्राष्ट्रीय वृद्धि हुई। आई। एम। एम। की महिमा और अधिकार। विदेशी संगीतकार अपनी शिक्षा पूरी करने और अनुमोदन प्राप्त करने के लिए इटली पहुँचे, जिससे उनकी मातृभूमि में मान्यता सुनिश्चित हुई। एक शिक्षक के रूप में, महान क्षरण के संगीतकार, COMP। और सिद्धांतकार जेबी मार्टिनी (पड्रे मार्टिनी के रूप में जाना जाता है)। K. V. Gluck, W. A. \u200b\u200bMozart, A. Gretri ने उनकी सलाह का उपयोग किया। उसके लिए धन्यवाद, बोलोग्ना फिलहारमोनिक। अकादमी यूरोप के सबसे बड़े संगीत केंद्रों में से एक बन गया है। शिक्षा।

डिजिटल। 18 वीं शताब्दी के संगीतकार मुख्य ओपेरा पर ध्यान दिया गया था। उनमें से कुछ ही ओपेरा हाउस से दूर रहे, जिसने जीवन के सभी क्षेत्रों से व्यापक दर्शकों को आकर्षित किया। इस सदी के ओपेरा उत्पादन, मात्रा में विशाल, विभिन्न प्रकार के रचनाकारों द्वारा बनाया गया था। प्रतिभा का पैमाना, जिसके बीच कई प्रतिभाशाली कलाकार थे। ओपेरा की लोकप्रियता को उच्च स्तर के मुखर कलाकारों द्वारा बढ़ावा दिया गया था। संस्कृति। गायक च की तैयारी कर रहे थे। आगमन। रूढ़िवादियों में - अनाथालय, जो 16 वीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ था। नेपल्स और वेनिस में - इतालवी के मुख्य केंद्र। 18 वीं शताब्दी में ऑपरेटिव जीवन। वहाँ 4 रूढ़िवादी थे, जिसमें मांस। शिक्षा का नेतृत्व सबसे बड़े रचनाकारों ने किया था। सिंगर और कॉम। F. Pistocchi बोलोग्ना में स्थापित (सी। 1700) विशेष। भजन मण्डली का सदस्य। स्कूल। बकाया वोक। शिक्षक एन पोरपोरा थे, जो कि नियति स्कूल के सबसे विपुल ओपेरा संगीतकार थे। 18 वीं शताब्दी में बेल सैंटो की कला के प्रसिद्ध स्वामी। - मुख्य पति के कलाकार। कलाकारों गायकों ए। बर्नैची, कैफैरेली, एफ। बर्नार्डी (उपनाम सेनसिनो), फारिनेली, जी। क्रिसेंटिनी, जिनके पास एक सदाबहार कड़ाही थी, ने ओपेरा-सेरिया में भूमिकाएँ निभाईं। आवाज के नरम और हल्के समय के साथ संयुक्त तकनीक; गायक एफ। बोर्डोनी, एफ। क्यूज़ोनी, सी। गैबेरेली, वी। तेजी।

डिजिटल। ओपेरा को विशेषाधिकारों का आनंद मिला। अधिकांश यूरोप में स्थिति। राजधानियों। वह आकर्षित होगा। ताकत इस तथ्य में भी प्रकट हुई थी कि पी.एल. अन्य देशों के संगीतकारों ने इतालवी में ओपेरा बनाए। नियति स्कूल की भावना और परंपराओं में ग्रंथ। स्पेन के डी। पेरेज़ और डी। टेराडेलस, जर्मन आई। ए। हसे, चेक जे। मैसिवेलेक इसमें शामिल हुए। उसी स्कूल की मुख्यधारा में, यह बह गया। GF हैंडेल और केवी ग्लक की गतिविधियों का हिस्सा। इटाल के लिए। ओपेरा के दृश्य रूसी द्वारा लिखे गए थे। संगीतकार - एम। एस। बेरेज़ोव्स्की, पी। ए। स्कोकोव, डी। एस। बोर्त्यान्स्की।

हालांकि, पहले से ही नियोजन ओपेरा स्कूल ए। स्कारलाटी के प्रमुख के जीवनकाल के दौरान, ओपेरा-सीरिया के निर्माता, इसमें निहित कलाएं प्रकट की जाती हैं। विरोधाभास, राई को तीखी आलोचना का कारण माना गया। उसके खिलाफ भाषण देते हैं। शुरुआत में। 20s 18 वीं सदी व्यंग्यकार सामने आया। पैम्फलेट की मांसपेशियां। सिद्धांतकार बी। मार्सेलो, जिसमें ओपेरा लिब्रस के बेतुके सम्मेलनों का मजाक उड़ाया गया था। नाटक के रचनाकारों की उपेक्षा। एक्शन का अर्थ है, प्रम दान और अभिमानी गायकों का अभिमानी अज्ञान। गहरी नैतिकता की कमी के लिए। बाहरी लोगों की सामग्री और दुर्व्यवहार ने सोवर की आलोचना की। im ओपेरा ital। प्रबुद्धता एफ। अल्गरोती ने "निबंध ऑन ओपेरा" ("सागियो सोप्रा एल" संगीत में ओरा ... ", 1754) और विश्वकोश के विद्वान ई। अर्टिगा ने अपने काम में" द रेवोल्यूशन ऑफ़ द इटालियन थिएटर "(" ले रिवोलुजियोनी डेल टेट्रो म्यूज़िशियन इटालो दल्ला ")। सुआ ओरिजिन फिनो अल प्रेजे ", वी। 1-3, 1783-86)।

लिबरेटिस्ट कवि ए। ज़ेनो और पी। मेटैस्टासियो ने ऐतिहासिक और पौराणिक की एक स्थिर संरचना विकसित की है। ओपेरा-सीरीज़, जिसमें नाटकों के चरित्र को कड़ाई से विनियमित किया गया था। अभिनेताओं की साज़िश, संख्या और रिश्ते, एकल वोक के प्रकार। कमरे और मंच में उनका स्थान। कार्रवाई। क्लासिकिस्ट नाटक के नियमों का पालन करते हुए, उन्होंने ओपेरा को रचना की एकता और सद्भाव दिया, इसे दुखद मिश्रण से मुक्त किया। कॉमेडिक और फ़ार्सिकल वाले तत्व। इसी समय, इन नाटककारों के ऑपरेटिव ग्रंथों को अभिजात वर्ग की विशेषताओं द्वारा चिह्नित किया जाता है। वीरता, एक कृत्रिम, मानवयुक्त परिष्कृत भाषा में लिखा गया है। ओपेरा सेरिया, आईसपी। एक कटौती अक्सर आने के लिए समय था। उत्सव, एक अनिवार्य सुखद अंत के साथ समाप्त होने वाला था, उसके पात्रों की भावनाएं सशर्त और प्रशंसनीय थीं।

सभी हैं। 18 वीं सदी ओपेरा-धारा के स्थापित क्लिच और संगीत और नाटक के बीच घनिष्ठ संबंध को दूर करने की प्रवृत्ति थी। कार्रवाई। इसने आरई के साथ पुनरावर्ती, समृद्ध होने की भूमिका को मजबूत किया। कोरस के रंग, विस्तार और नाटकीयता। दृश्यों। एन। जोमेली और टी। ट्राट्टा की रचनाओं में इन अभिनव प्रवृत्तियों को सबसे अधिक स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया था, जिन्होंने आंशिक रूप से ग्लेक के ऑपरेटिव सुधार को तैयार किया था। टॉरेडा में ओपेरा इफेगेनिया में, ट्रेटा ने जी। एबर्ट के अनुसार, "ग्लक के संगीत नाटक के बहुत द्वार के लिए आगे बढ़ना था।" तथाकथित के संगीतकार। ए। साकचिनी और ए। सलियरी, जी। सार्ती, पी। गुगलीमी और अन्य लोगों द्वारा ग्लेक सुधार के अनुयायी और अनुयायी थे।

सबसे मजबूत विरोध सशर्त रूप से वीरता है। ओपेरा-सेरिया की रचना एक नए लोकतांत्रिक द्वारा की गई थी। ओपेरा-भैंसा शैली। 17 पर और जल्दी। 18 वीं सदी हास्य। ओपेरा को केवल पृथक नमूनों में प्रस्तुत किया गया था। वे अपने दम पर कैसे खड़े होते हैं। शैली वह नियति विद्यालय के वरिष्ठ स्वामी एल। विंची और एल। लियो के बीच बनने लगी। पहला क्लासिक ओपेरा बफ़ा का एक नमूना है पेर्गोलेसी की "द मेड-लेडी" (मूल रूप से अपनी स्वयं की ओपेरा-सीरीज़ द प्राउड प्रिज़नर, 1733 के कृत्यों के बीच एक अंतर्संबंध के रूप में प्रयुक्त)। छवियों का यथार्थवाद, जीविका और मांसलता का तेज। विशेषताओं ने बहुवचन में जिल्द जेबी पेर्गोल्सी की व्यापक लोकप्रियता में योगदान दिया। देशों, विशेष रूप से फ्रांस, जहां उसकी पोस्ट। 1752 में एक भयंकर सौंदर्य के उद्भव के लिए प्रेरणा के रूप में कार्य किया। पोलेमिक्स ("बफ़न्स का युद्ध" देखें) और फ्रांसीसी के गठन में योगदान दिया। नेट। कॉमिक टाइप। ओपेरा।

बिना चारपाई से टच हुए। जड़, इतालवी। ओपेरा बफ़ा ने बाद में और अधिक विकसित रूप विकसित किए। ओपेरा-सेरिया के विपरीत, एक कट में सोल वोक प्रबल हुआ। शुरुआत, कॉमिक में। ओपेरा पहनावा ने बहुत महत्व हासिल कर लिया। सबसे विकसित पहनावा जीवंत रूप में रखा गया, तेजी से खुलने वाले फाइनल, जो कॉमेडी साज़िश के एक प्रकार के नोड थे। एन। लोगशिनो को इस प्रकार के प्रभावी अंतिम कलाकारों के निर्माता के रूप में माना जाता है। के। गोल्डोनी, एक प्रमुख इतालवी, ओपेरा बफे के विकास पर एक फलदायी प्रभाव था। एक 18 वीं सदी के हास्य कलाकार जिन्होंने अपने काम में आत्मज्ञान यथार्थवाद के विचारों को प्रतिबिंबित किया। वह कई ओपेरा लाइब्रेरियों के लेखक थे, जिनमें से अधिकांश उत्कृष्ट इतालवी स्वामी ने संगीत लिखा था। हास्य। ओपेरियन विनीशियन बी। गेलुप्पी 60 के दशक में। 18 वीं सदी ओपेरा में भैसा भावुकतावादी प्रवृत्तियाँ प्रकट होती हैं (उदाहरण के लिए, एन। पिकासीननी का ओपेरा गोल्दोनी के पाठ "चेकिना, या द गुड बेटी", 1760, रोम पर)। ओपेरा बफ़ा "दार्शनिक ड्रामा" या "आंसू भरी कॉमेडी" के प्रकार को दर्शाता है जो नैतिकता को दर्शाता है। ग्रेट फ्रेंच की पूर्व संध्या पर तीसरी संपत्ति के आदर्श। क्रांति।

एन। पिकासनी, जी। पिसिएलो और डी। सिमरोसा का काम 18 वीं शताब्दी में ओपेरा-बफा के विकास में अंतिम, उच्चतम चरण है। उनकी प्रस्तुतियों, हास्य तत्वों को भावनाओं से जोड़ना। देशभक्ति, मधुर। विभिन्न रूपों के साथ समृद्धि, संगीत की आजीविका, अनुग्रह और गतिशीलता को ऑपरेटिव प्रदर्शनों की सूची में संरक्षित किया गया है। कई मायनों में, इन संगीतकारों ने मोज़ार्ट से संपर्क किया और सबसे महान इटालियंस में से एक का काम तैयार किया। अगली सदी जी। रॉसिनी के ओपेरा संगीतकार। ओपेरा-बफ़ा की कुछ विशेषताओं को बाद की ओपेरा-श्रृंखला द्वारा आत्मसात किया गया, जिसके परिणामस्वरूप इसके रूपों का अधिक लचीलापन, सादगी और मधुरता का सहज होना था। भाव।

माध्यम। योगदान इटैलिक द्वारा किया गया था। 18 वीं शताब्दी के संगीतकार विकास में अपघटन। instr की शैलियों। संगीत। वायलिन कला के क्षेत्र में, कोरेली के बाद सबसे बड़ा गुरु जी तर्तिनी था। अपने पूर्ववर्तियों का अनुसरण करते हुए, एकल वायलिन सोनाटा और तीनों सोनाटा की शैलियों की खेती करने के लिए, उन्होंने उन्हें नई विशद अभिव्यक्ति से भर दिया, वायलिन प्रदर्शन की तकनीकों को समृद्ध किया, इस समय इसकी ध्वनि की सीमा का विस्तार किया। तर्तिनी ने अपना एक स्कूल बनाया, जिसका नाम पडुआ (पडुआ शहर के बाद, जहाँ उन्होंने अपना अधिकांश जीवन बिताया) था। उनके छात्र पी। नारदिनी, पी। अलबर्गी, डी। फेरारी थे। दूसरी मंजिल में। 18 वीं सदी निष्प्राण गुरु-प्रदर्शन। और रचनात्मक। जी पुण्यानी की गतिविधि, सबसे बड़ी इतालवी। वायलिन वादक शास्त्रीय युग। इसके कई के बीच। छात्रों को विशेष रूप से प्रसिद्ध जे.बी. वॉट्टी, जिनके काम में कभी-कभी पहले से ही रोमांटिक महसूस होता है। प्रवृत्तियों।

Orc। बोल्ड और मूल के रूप में कंसर्टो ग्रोसो। ए। विवाल्डी एक अभिनव कलाकार थे। उन्होंने इस रूप को नाटकीय रूप दिया, गतिशील के साथ पेश किया। उपकरणों के बड़े और छोटे समूहों (टुट्टी और कंसर्टिनो) के विपरीत। विभाग के भीतर विरोधाभास। भागों, क्लासिक में संरक्षित चक्र की एक 3-भाग संरचना की स्थापना की। निर्देप्राप्तगुम। संगीत कार्यक्रम। (विवाल्डी के वायलिन कॉन्सर्ट को जे.एस.बाच द्वारा बहुत सराहा गया, जिन्होंने उनमें से कुछ को लिपिक और अंग के लिए स्थानांतरित किया।)

जे.बी. पेरगोलेसी द्वारा तीनों सोनटास में, पूर्व-शास्त्रीय संगीत की विशेषताएं ध्यान देने योग्य हैं। "वीर" शैली। उनकी प्रकाश, पारदर्शी बनावट लगभग पूरी तरह से समरूप है, माधुर्य कोमल मधुरता और अनुग्रह से प्रतिष्ठित है। रचनाकारों में से एक जिन्होंने सीधे शास्त्रीय का फूल तैयार किया। निर्देप्राप्तगुम। संगीत, जे। सैममार्टिनी (78 सिम्फनी के लेखक, कई सोनटास और विभिन्न उपकरणों के संगीत कार्यक्रम), रचनात्मकता की प्रकृति से मैनहेम और शुरुआती विनीज़ स्कूलों के प्रतिनिधियों के करीब थी। एल। बोचेरिनी ने अपने काम के तत्वों को पूर्व-रोमांटिक के साथ वीरता संवेदनशीलता के साथ जोड़ा। उत्तेजित पथरी और चड्डी से निकटता। सूत्रों का कहना है। तुम्हें पता चल जाएगा। सेलिस्ट, उन्होंने एकल cello साहित्य को समृद्ध किया, शास्त्रीय के संस्थापकों में से एक था। झुके हुए चौकड़ी की तरह।

कलाकार एक जीवंत और समृद्ध रचनात्मक कलाकार है। फंतासी, डी। स्कार्लट्टी ने अव्यवस्थित संगीत की अभिव्यक्ति की आलंकारिक संरचना और साधनों का विस्तार और अद्यतन किया। हार्पसीकोर्ड के लिए उनके सोनटास (लेखक ने उन्हें "अभ्यास" कहा - "एस्सेरसीजी प्रति ग्रेविमबेलो"), विभिन्न प्रकार के चरित्र और प्रस्तुति तकनीक, उस युग के क्लैवियर कला का एक प्रकार का विश्वकोश हैं। स्पष्ट और संक्षिप्त सोनाटा में, स्कार्लेट्टी के विषयगत तेज होते हैं। विरोधाभास, स्पष्ट रूप से उल्लिखित डीओएस। सोनाटा प्रदर्शनी के अनुभाग। स्कारलाट्टी के बाद, क्लैवियर सोनाटा बी। गैल्लुपी, डी। अल्बर्टी (जिसका नाम अल्बर्टी बास की परिभाषा के साथ जुड़ा हुआ है), जी। रुटिनी, पी। पारदिसी, डी। सिमरौसा की रचनाओं में विकसित हुआ। एम। क्लेमेंटी, डी। स्कारलाट्टी के तरीके के कुछ पक्षों पर महारत हासिल कर रहे थे (जो कि, विशेष रूप से, 12 स्कारलेट के अपने निर्माण में "स्कार्ल्टी की शैली में") थे, फिर विकसित शास्त्रीय के स्वामी के करीब आते हैं। शैली, और कभी-कभी रोमांटिक की उत्पत्ति के दृष्टिकोण। मर्मज्ञता।

एन। पैगनीनी ने वायलिन कला के इतिहास में एक नया युग खोला। एक कलाकार और संगीतकार के रूप में, वे आम तौर पर एक रोमांटिक कलाकार थे। गोदाम। उनके खेल ने उग्र कल्पना और जुनून के साथ जबरदस्त सद्गुणों को जोड़कर एक अनूठा प्रभाव डाला। Mn। manuf। पगनिनी (एकल वायलिन के लिए "24 कैप्रीस", वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो), अभी भी सदाचार वायलिन साहित्य के नायाब उदाहरण हैं। उन्होंने न केवल 19 वीं शताब्दी में वायलिन संगीत के पूरे बाद के विकास को प्रभावित किया, बल्कि रोमांटिक के सबसे बड़े प्रतिनिधियों का काम भी किया। पियानोवाद - एफ। चोपिन, आर। शूमैन, एफ। लिस्ज़ट।

पगनीनी महान इटालियंस की आखिरी थी। उपकरण के क्षेत्र में काम करने वाले उस्ताद। संगीत। 19 वीं सदी में। संगीतकारों और जनता का ध्यान लगभग पूरी तरह से ओपेरा के लिए था। 18-19 शताब्दियों के मोड़ पर। इटली में ओपेरा ने प्रसिद्ध ठहराव की अवधि का अनुभव किया। परंपराओं। उस समय तक ओपेरा-सीरिया और ओपेरा-बफा के प्रकार पहले से ही अपनी संभावनाओं को समाप्त कर चुके थे और विकसित नहीं हो सके थे। सबसे बड़ी इतालवी की रचनात्मकता। इस समय के ओपेरा संगीतकार जी। स्पोंटिनी इटली के बाहर (फ्रांस और जर्मनी में) आगे बढ़े। एस। मेयर (राष्ट्रीयता द्वारा एक जर्मन) द्वारा ओपेरा-सीरिया की परंपराओं का समर्थन करने के लिए प्रयास (कुछ उधार तत्वों को ग्राफ्ट करके) उदार हो गए। एफए पियर, जिन्होंने ओपेरा बफे की ओर इशारा किया, ने पैसिलेलो और सिम्रोसा के कार्यों की तुलना में इस शैली में अनिवार्य रूप से कुछ भी नया नहीं पेश किया। (संगीत के इतिहास में, Paer का नाम ओपेरा लियोनोरा के लेखक के रूप में संरक्षित किया गया है, या जे बाउली द्वारा पाठ को कंजुगल लव, जो बीथोवेन के लिब्रा के लिए एक स्रोत के रूप में कार्य करता है। फिडेलियो।)

इतालवी के उच्च फूल। 19 वीं सदी में ओपेरा। जी रॉसिनी की गतिविधियों के साथ जुड़ा हुआ था - एक संगीतकार जो अटूट मेलोडिक के साथ उपहार में दिया गया था। सरलता, जीवंत, सहज स्वभाव और अचूक नाटककार। स्वभाव। इतालवी में एक सामान्य उतार-चढ़ाव उनके काम में परिलक्षित हुआ। देशभक्ति की वृद्धि के कारण संस्कृति। राष्ट्रीय-जारी करेंगे। आकांक्षाओं। गहरा लोकतांत्रिक।, नर। इसकी उत्पत्ति के द्वारा, रॉसिनी की ऑपरेटिव रचनात्मकता को श्रोताओं की एक विस्तृत श्रृंखला से संबोधित किया गया था। उन्होंने नट को पुनर्जीवित किया। ओपेरा-बफा का प्रकार और इसमें नई जान फूंकी गई, क्रियाओं की विशेषताओं को तेज और गहरा किया। व्यक्ति, उन्हें वास्तविकता के करीब लाते हैं। उनका "द बार्बर ऑफ सेविल" (1816) इतालवी का शिखर है। हास्य। ओपेरा। रॉसिनी ने हास्य व्यंग्य, व्यंग्य के साथ सिद्धांत को जोड़ा। उनके कुछ संचालनों में समाजों के लिए प्रत्यक्ष गठबंधन शामिल हैं। और राजनीति। उस समय का माहौल। ओपेरा में, वीर नाटक। चरित्र, उन्होंने ओपेरा-सीरिया के जमे हुए क्लिच को उतारा, विशेष रूप से, कोरस को विशेष महत्व देते हुए। शुरुवात। प्लैंक बेड व्यापक रूप से विकसित हैं। नट पर रॉसिनी के आखिरी ओपेरा "विल्हेम टेल" (1829) में दृश्य। साजिश, एक रोमांटिक में व्याख्या की। योजना।

रोमांटिक को एक विशद अभिव्यक्ति मिलती है। वी। बेलिनी और जी। डोनिज़ेट्टी के कार्यों में प्रवृत्तियाँ, जिनकी गतिविधियाँ 30 के दशक में विकसित हुईं। 19 वीं शताब्दी, जब आंदोलन नट। इटली में पुनरुद्धार (रिसोर्गेमेंटो) ने एकता और राजनीतिक संघर्ष में एक निर्णायक चरण में प्रवेश किया। देश की आजादी। बेलिनी के ओपेरा नोर्मा (1831) और प्यूरिटंस (1835) में, राष्ट्रीय मुक्ति स्पष्ट रूप से सुनाई देती है। मकसद, हालांकि मुख्य जोर पात्रों द्वारा व्यक्तिगत नाटक पर बनाया गया है। बेलिनी व्यक्त करने में निपुण थी। प्रेम प्रसंगयुक्त। कैंटिलिना, जो एमआई ग्लिंका और एफ। चोपिन की प्रशंसा थी। डोंजीएट्टी में मजबूत नाटकों की लालसा है। प्रभाव और मार्मिक पदों को कभी-कभी रूखे मेलोड्रामा में डाला जाता है। इसलिए, यह महान रोमांटिक है। ओपेरा ("ल्यूक्रेटिया बोरगिया", वी। ह्यूगो द्वारा, 1833; डब्ल्यू। स्कॉट द्वारा लुसैडी लेम्मरमोर ", प्रोडक्शंस की तुलना में कम व्यवहार्य है।" कॉमेडी जॉनर ("लव पोशन", 1832; "डॉन पास्केल", 1843), किस परंपरा में। टाइप करें। ओपेरा-बफ़ा ने नई विशेषताओं का अधिग्रहण किया: शैली की पृष्ठभूमि का महत्व बढ़ गया, मेलोडी को हर रोज़ रोमांस और गीत के इंटोनेशन से समृद्ध किया गया।

जे.एस. मर्कडांटे, जी। पैकिनी और इसी अवधि के कुछ अन्य रचनाकारों के कार्य अपने आप में भिन्न नहीं थे। व्यक्तिगत विशेषताएं, लेकिन ऑपरेटिव रूप को नाटकीय बनाने और संगीत को समृद्ध करने के लिए एक सामान्य प्रवृत्ति को दर्शाया गया है। धन। इस संबंध में, वे तत्काल थे। जी। वर्डी के पूर्ववर्ती - सबसे महान ओपेरा नाटककारों में से एक न केवल इतालवी में, बल्कि संगीत की दुनिया में भी है। टी रा।

40 के दशक में वर्डी द्वारा प्रारंभिक ओपेरा जो मंच पर दिखाई दिया। 19 वीं शताब्दी, अभी तक पूरी तरह से स्वतंत्र रूप से शैलीगत नहीं ("नाबुको", "पहले धर्मयुद्ध में लोम्बार्ड्स", "अर्नानी"), अपने देशभक्ति के साथ दर्शकों के उत्साही उत्साह को जगाते हैं। पाथोस, रोमांटिक। भावनाओं का उत्थान, वीरता की भावना और स्वतंत्रता का प्रेम। उत्पादन में 50 के दशक ("रिगोलेटो", "ट्रबलडॉर", "ला ट्रावेटा") उन्होंने एक महान मनोवैज्ञानिक हासिल किया। गहन, गहन आध्यात्मिक संघर्षों के मूर्त रूप की छवियों, शक्ति और सत्यता की गहराई। कडाई। वर्डी के लेखन को बाहरी सद्गुण, मार्ग अलंकरण से मुक्त किया गया है, जो मेलोडिक का एक अभिन्न अंग बन गया है। लाइनों, अर्जित एक्सप्रेस। मूल्य। 60-70 के दशक के ओपेरा में। ("डॉन कार्लोस", "आइडा") वह नाटकों की विस्तृत परतों को प्रकट करना चाहते हैं। संगीत में क्रियाएं, ऑर्केस्ट्रा की भूमिका को मजबूत करती हैं, मांसपेशियों को समृद्ध करती हैं। भाषा: हिन्दी। अपने आखिरी ओपेरा में - "ओथेलो" (1886) वर्डी अंत के निर्माण के लिए आया था। सोचता। नाटक, जिसमें संगीत का अभिप्राय क्रिया से जुड़ा हुआ है और लचीले ढंग से इसके सभी मनोवैज्ञानिकों को व्यक्त करता है। रंगों।

वर्डी के अनुयायी, incl। लोकप्रिय ओपेरा ला गिओकोंडा (1876) के लेखक ए पोंचीली नए जीवों के साथ अपने ऑपरेटिव सिद्धांतों को समृद्ध करने में विफल रहे। उपलब्धियों। उसी समय, वेर्डी के काम को वैगनर के संगीत-नाटकों के अनुयायियों के विरोध के साथ मिला। सुधारों। हालांकि, वैगनरियनिज़्म की इटली में गहरी जड़ें नहीं थीं, वैगनर का प्रभाव कुछ संगीतकारों में परिलक्षित था जो ऑपरेटिव ड्रामा के सिद्धांतों में उतना नहीं था जितना कि सामंजस्यपूर्ण तकनीकों में। और orc। पत्र। वेगनर की प्रवृत्ति को Boito (1868) द्वारा ओपेरा "मेफिस्टोफिल्स" में परिलक्षित किया गया था, जो बाद में वैगनर के आकर्षण के चरम से दूर चले गए।

अंततः। 19 वी सदी इटली में व्यापकता बन गई। मैस्कैग्नी द्वारा ओपेरा रूरल ऑनर (1890) और पैगेलियाकी द्वारा लियोनक्वलो (1892) की विशाल सफलता ने इस प्रवृत्ति को इतालवी में प्रमुख के रूप में स्थापित करने में योगदान दिया। ऑपरेटिव रचनात्मकता। यू। गियोर्डानो (उनके सबसे प्रसिद्ध ओपेरा "एंड्रे चेनिएर", 1896 के बीच), एफ। चिलिया ने सत्यवाद में शामिल हो गए।

सबसे बड़े इतालवी का काम भी इस प्रवृत्ति से जुड़ा था। ओपेरा के बाद ओपेरा संगीतकार - जी। पुक्विनी। उसका उत्पादन। आमतौर पर समर्पित है। आम लोगों का नाटक, एक रंगीन घरेलू पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाया गया। इसी समय, पुक्विनी के ओपेरा प्रकृतिवाद में निहित प्रकृति से मुक्त हैं। शैतान, अधिक से अधिक सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक में भिन्न है। विश्लेषण, आत्मीय गीत और लेखन की कृपा। सबसे अच्छी इतालवी परंपराओं के लिए सच है। बेल सैंटो, प्यूकिनी ने विघटन को तेज किया। वोक की अभिव्यक्ति। मेलोडिक्स, गायन में भाषण बारीकियों के अधिक विस्तृत प्रजनन के लिए प्रयासरत हैं। रंगीन सामंजस्यपूर्ण। और orc। उनके ओपेरा की भाषा में प्रभाववाद के कुछ तत्व शामिल हैं। उनकी पहली परिपक्व प्रस्तुतियों में। (ला बोहेम, 1896; टोसका, 1900) पक्कीनी अभी भी इतालवी से जुड़ी हुई है। 19 वीं शताब्दी की ओपेरा परंपरा, भविष्य में इसकी शैली अधिक जटिल हो गई, अभिव्यक्ति के साधनों ने अधिक तीक्ष्णता और एकाग्रता प्राप्त की। इतालवी में एक अजीब घटना। ऑपरेटिव आर्ट - ई। वुल्फ-फेरारी, टू-रे के काम ने क्लासिक को आधुनिक बनाने की कोशिश की। ओपेरा के प्रकार, इसकी परंपरा के संयोजन। शैलीगत रूपों के साथ लेट रोमांटिकिज्म ("जिज्ञासु महिला", 1903; "फोर टायरेन्ट", 1906, गोल्डोनी के विषयों पर)। आर। द्जांदनाई, मुख्य रूप से वैरिज्म के रास्ते पर चलते हुए, कुछ नए पेशों से संपर्क किया। 20 वीं शताब्दी की धाराएँ।

खुजली की उच्च उपलब्धियां। ओपेरा 19 में - जल्दी। 20 वीं सदी wok- प्रदर्शन के शानदार उत्कर्ष के साथ जुड़े थे। संस्कृति। इतालवी परंपराएं। बेल सैंटो, 19 वीं शताब्दी में गठित, कई द्वारा आगे कला में विकसित किए गए हैं। विश्व-प्रसिद्ध गायकों की पीढ़ी। इसी समय, उनका प्रदर्शन नई विशेषताओं को प्राप्त करता है, और अधिक गेय और नाटकीय रूप से अभिव्यंजक बन जाता है। शुद्ध रूप से सदाचार के तरीके के अंतिम उत्कृष्ट प्रतिनिधि, नाटक के लिए दान। ध्वनि और तकनीकी की सुंदरता के लिए सामग्री। आवाज की गतिशीलता, ए कैटालानी थी। इतालवी स्वामी के बीच। कडाई। पहली मंजिल के स्कूल। 19 वीं शताब्दी, रॉसिनी, बेलिनी और डोनिज़ेट्टी की ऑपरेटिव रचनात्मकता के आधार पर - गायिका गिउडिट्टा और जूलिया ग्रिसी, जी। पास्ता, गायकों जी। मारियो, जी.बी। रुबिनी। दूसरी मंजिल में। 19 वी सदी "वेर्डी" गायकों की एक आकाशगंगा सामने आ रही है, एक झुंड में गायक ए। बोसियो, बी। और के। मार्किसियो, ए। पैटी, गायक एम। बत्तीस्तिनी, ए। माजिनी, जे। अनल्स्मी, एफ। तामग्नो, ई। टेम्बर्लिक और अन्य थे। 20 वीं सदी में। महिमा इटाल। ओपेरा को गायक ए। डॉ।

अंत से। 19 वी सदी इटली के काम में ओपेरा का महत्व। संगीतकार कमजोर पड़ रहे हैं और ध्यान का ध्यान इंस्ट्र के क्षेत्र में स्थानांतरित करने की प्रवृत्ति है। शैलियों। सक्रिय रचनात्मक का पुनरुद्धार। उपकरण में रुचि। जे। सगम्बती (यूरोप में एक पियानोवादक और कंडक्टर के रूप में मान्यता प्राप्त) और जी। मार्टी की गतिविधियों से संगीत को बढ़ावा मिला। लेकिन दोनों संगीतकारों का काम, जो एफ। लिस्केट और आर। वैगनर के प्रभाव में विकसित हुआ, पर्याप्त स्वतंत्र नहीं था।

नए सौंदर्यशास्त्र के एक हेराल्ड के रूप में। विचारों और शैली के सिद्धांतों का पूरे यूरोप के विकास पर बहुत प्रभाव है। 20 वीं सदी का संगीत एफ। एफ। बसोनी - अपने समय के महानतम पियानोवादकों में से एक, एक प्रमुख संगीतकार और कला के सिद्धांतकार। "नई क्लासिकवाद" की अवधारणा को उनके सामने रखा गया था, एक कट, जिसका उन्होंने विरोध किया था, एक तरफ, प्रभाववादी। छवियों की तरलता, रंगों की मायावीता, दूसरे पर - "अराजकता" और स्कोनबर्ग के नक्सलवाद की "मनमानी"। आपका रचनात्मक। बसोनी के सिद्धांतों को "काउंटरपॉइंट फैंटेसी" (1921), "एफपीएच पर सुधार" के लिए 2 एफपी के रूप में लागू किया गया था। (1916), साथ ही साथ ओपेरा "हार्लेक्विन, या विंडो", "टरंडोट" (दोनों पोस्ट। 1917), जिसमें उन्होंने विकसित कड़ाही को छोड़ दिया। उनके इटैलियन की शैली। प्राचीन बंकरों के प्रकार से संपर्क करने के लिए पूर्ववर्ती और स्ट्रोक। कॉमेडी या फाॅर्स।

नवशास्त्रवाद की मुख्यधारा में, इतालवी रचनात्मकता ने आकार लिया। संगीतकार, कभी-कभी नाम के तहत एकजुट होते हैं। "1880 के समूह।" - आई। पिज़ेट्टी, जे। एफ। मालीपीरियो, ए। कैसला। उन्होंने महान नट की परंपराओं को पुनर्जीवित करने की मांग की। सोचता। अतीत, रूपों और शैलीगत की चर्चा करते हुए। रिसेप्शन इटल। बैरोक और ग्रेगोरियन मंत्रों का उच्चारण करते हैं। प्रारंभिक संगीत प्रचारक और शोधकर्ता, मालीपीरो पब। संग्रह के। मोंटेवेर्डी, इंस्ट्र के कार्य। manuf। ए विवाल्डी और बहुतों की भूली हुई विरासत। डिजिटल। 17 वीं और 18 वीं शताब्दी के संगीतकार अपने काम में, वह पुराने बरोक सोनाटा, रिचार्कर, आदि अपने ओपेरा, डॉस के रूपों का उपयोग करता है। एक्सप्रेस पर। कडाई। recitation and meager orc का अर्थ है। रेस।, 20 के दशक में आने को प्रतिबिंबित करें। सत्य के खिलाफ प्रतिक्रिया। कस्पेला की नियोक्लासिकल प्रवृत्ति php के लिए "पार्टिता" में प्रकट हुई थी। ऑर्केस्ट्रा (1925), सुइट "स्कारल्टियाना" (1926), कुछ म्यूजिक थिएटर के साथ। manuf। (उदाहरण के लिए, चैम्बर ओपेरा द लीजेंड ऑफ ऑर्फियस, 1932)। हालाँकि, उन्होंने इतालवी की ओर रुख किया। लोकगीत (ऑर्केस्ट्रा "इटली", 1909 के लिए) उसकी रंगीन ओ.आर.सी. पत्र को रूसी के प्रभाव में काफी हद तक विकसित किया गया था। और फ्रेंच। स्कूल (बाल्किरेव के इस्लेमी का आर्केस्ट्रा रूसी संगीत के प्रति उनके जुनून के लिए एक श्रद्धांजलि था)। पिज़ेट्टी ने धार्मिक और नैतिक तत्वों को अपने ओपेरा में पेश किया और कस्तूरी को संतृप्त किया। इतालवी परंपराओं के साथ एक ही समय में तोड़ने के बिना ग्रेगोरियन जप के अंतःक्षेपण के साथ भाषा। 19 वीं सदी का ओपेरा स्कूल। कई संगीतकारों के इस समूह में एक विशेष स्थान पर ऑर्क के गुरु ओ। रेस्पी के काम का कब्जा है। ध्वनि लेखन (उनके काम का गठन N.A.Rimsky-Korsakov के साथ कक्षाओं से प्रभावित था)। सिम्फ में। कविता रेस्पेगी ("रोमन फव्वारे", 1916; "पाइंस ऑफ़ रोम", 1924) में कहानी के विशद चित्र दिए गए हैं। जीवन और प्रकृति। नियोक्लासिसिस्ट प्रवृत्ति केवल उनके बाद के काम में आंशिक रूप से परिलक्षित हुई। आई। एम। पहली मंजिल में एक ध्यान देने योग्य भूमिका। 20 वीं सदी एफ। अल्फानो द्वारा निभाई गई, जो वर्निस्ट मूवमेंट के एक प्रमुख प्रतिनिधि (लियो टॉल्स्टॉय, 1904 के उपन्यास पर आधारित ओपेरा पुनरुत्थान), जो तब प्रभाववाद के रूप में विकसित हुई; एम। कैलेन्नोवोवो-टेडेस्को और वी। रिटी, शुरुआत में राई। द्वितीय विश्व युद्ध 1939-45 राजनीतिक द्वारा। इरादों ने अपनी मातृभूमि को छोड़ दिया और संयुक्त राज्य में बस गए।

40 के दशक के मोड़ पर। 20 वीं सदी I. आई। में ध्यान देने योग्य शैली परिवर्तन होते हैं। नियोक्लासिसिज्म की प्रवृत्तियाँ उन धाराओं द्वारा प्रतिस्थापित की जाती हैं जो एक रूप में विकसित होती हैं या नए विनीज़ स्कूल के सिद्धांतों के रूप में विकसित होती हैं। इस संबंध में संकेत रचनात्मक है। जी। पेट्रासी, टू-रे का विकास, ए। कैसला और आई। एफ। स्ट्राविंस्की के प्रभाव का अनुभव करने के बाद, पहली बार मुक्त आत्मीयता की स्थिति में चले गए, और फिर - सख्त डोडेकैफोनी। इस अवधि के सबसे बड़े संगीतकार, आई। एम। - एल। दल्लापिक्कोला, जिनके काम ने द्वितीय विश्व युद्ध के बाद व्यापक ध्यान आकर्षित किया। उसके उत्पादन में। 40 और 50 के दशक अभिव्यक्तिवाद और रिश्तेदारी की विशेषताएं प्रकट होती हैं। ए। बर्ग के कामों के लिए। उनमें से सर्वश्रेष्ठ मानवतावादी अवतार लेते हैं। अत्याचार और क्रूरता के खिलाफ विरोध (chor। triptych "कैदियों के गीत", 1938-1941; ओपेरा "द प्रिजनर", 1944-48), जिसने उन्हें एक निश्चित फासीवादी उन्मुखीकरण दिया।

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद आने वाली युवा पीढ़ी के रचनाकारों में एल। बेरियो, एस। बुसोटी, एफ। डोनाटोनी, एन। कास्टिग्लियोनी, बी। मदेर्नो, आर। मालीपीरियो और अन्य प्रसिद्ध हो गए। उनका काम विभिन्न के साथ जुड़ा हुआ है। अवांट-गार्डिज्म की धाराएँ - वेबेरियन धारावाहिकवाद, सोनोरिस्टिक्स (सीरियल संगीत, सोनोरिज्म देखें), कॉन्टेक्टोरिक्स, और नए ध्वनि साधनों की औपचारिक खोज के लिए एक श्रद्धांजलि है। बेरियो और मदेर्नो डी। 1954 में मिलान में "स्टूडियो ऑफ़ फेनोलॉजी", जिसने इलेक्ट्रॉनिक संगीत के क्षेत्र में प्रयोग किए। इसी समय, इनमें से कुछ संगीतकार तथाकथित एकजुट करने की कोशिश कर रहे हैं। मस्सों की अभिव्यक्ति का नया साधन। 16-17 शताब्दियों के संगीत रूपों और तकनीकों के साथ अवंत-गार्डे।

आधुनिक में एक विशेष स्थान। आई। एम। कम्युनिस्ट संगीतकार, शांति एल नोनो के लिए एक सक्रिय सेनानी। अपने काम में, वह हमारे समय के सबसे तीव्र विषयों को संबोधित करते हैं, अंतर्राष्ट्रीय विचारों को अपनाने की कोशिश करते हैं। भाईचारे और श्रमिकों की एकजुटता, साम्राज्यवादी के खिलाफ विरोध। उत्पीड़न और आक्रामकता। लेकिन अवांट-गार्डे कला के साधन, जो कि नोनो का उपयोग करता है, अक्सर प्रत्यक्षता की उसकी इच्छा के विपरीत होता है। आंदोलनकारी। श्रोताओं की व्यापक जनता पर प्रभाव।

एवेद-गार्डे प्रवृत्ति के अलावा जे.सी. मेनोटी - इतालवी हैं। संयुक्त राज्य अमेरिका में रहने वाले और काम करने वाले संगीतकार। अपने काम में, मुख्य रूप से ऑपरेटिव टी-रोम के साथ जुड़े हुए हैं, वर्मिज़्म के तत्व एक निश्चित अभिव्यक्तिवादी रंगाई प्राप्त करते हैं, जबकि सत्य भाषण अभिव्यक्ति की खोज उन्हें M.P. Mussorgsky के साथ आंशिक तालमेल की ओर ले जाती है।

मस्सों में। इटली का जीवन ओपेरा ट्रे में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। दुनिया के सबसे उत्कृष्ट ओपेरा समूहों में से एक मिलान में टीट्रो अल्ला स्काला है, जो 1778 से अस्तित्व में है। इटली के सबसे पुराने ऑपरेटिव टी-फ्रेम में नेपल्स में सैन कार्लो (1737 में स्थापित), वेनिस में फेनिस शामिल हैं ( 1792 में स्थापित)। प्रमुख कलाएँ। रोमन ओपेरा हाउस (1846 में कोस्टानज़ी थिएटर के नाम से खोला गया, 1946 से - रोमन ओपेरा हाउस) ने महत्व प्राप्त कर लिया। सबसे प्रमुख आधुनिक के बीच। डिजिटल। ओपेरा कलाकार - गायक जी। सिमोनाटो, आर। स्कॉटो, ए। स्टेला, आर। तेबलदी, एम। फ्रेनी; गायक जे। बेकी, टी। गोब्बी, एम। डेल मोनाको, एफ। कोरेली, जे। डी स्टेफानो।

ओपेरा और सिम्फनी के विकास पर बहुत प्रभाव। इटली में संस्कृति 20 वीं शताब्दी के महानतम संवाहकों में से एक ए। टोस्कानिनी द्वारा प्रदान की गई थी। संगीत-प्रदर्शन के प्रमुख प्रतिनिधि। कला के संवाहक हैं पी। अर्जेंटीना, वी। डी। सबटा, जी। कैंटेली, टी। सेराफिन, आर। फसानो, वी। फेरेरो, सी। सेची; पियानोवादक ए। बेनेडेट्टी माइकलंगेली; वायलिन वादक जे डे वीटो; सेलिस्ट ई। मेनार्डी।

शुरुआत से। 20 वीं सदी इटली संगीत-अनुसंधान में गहन विकास प्राप्त हुआ। और महत्वपूर्ण है। सोच। माध्यम। मस्सों के अध्ययन में योगदान। विरासत को संगीतविदों जी। बारबलान (इटालियन सोसाइटी ऑफ़ म्यूज़ियोलॉजी के अध्यक्ष), ए। बोनवेन्टुरा, जे। एम। गट्टी, ए। डेला कोरटे, जी। पन्नैन, जे। रेडी-चॉट्टी, एल। टॉर्के, एफ। टोर्फ़्रेन्का और अन्य द्वारा लाया गया था। एम। Dzafred और एम। Mila मुख्य रूप से काम करते हैं। कस्तूरी के क्षेत्र में। आलोचना। इटली में कई प्रकार के मांस प्रकाशित होते हैं। पत्रिकाओं, incl। "रिविस्टा म्यूजिकल इटली" (ट्यूरिन, मिलान, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "संगीत डी" ओगी (मिलान, 1919-40, 1958-), "ला रससेग्ना म्यूजिकल" (ट्यूरिन, 1928-40) ; रोम, 1941-1943, 1947-62), "बोललेटिनो बिब्लियोग्राफिको म्यूज़िक" (मिलन, 1926-33, 1952-), "इल कॉनवेग्नो म्यूजिकल" (ट्यूरिन, 1964-), आदि।

कई विश्वकोश प्रकाशित किए गए हैं, जिन्हें समर्पित किया गया है संगीत और टी-आरयू, incl। "एनसाइक्लोपीडिया डेला संगीत" (वी। 1-4, मिल।, 1963-64), "एन्सेक्लोपीडिया डेलो स्पेटाकोलो" (वी। 1-9, रोमा, 1954-62)।

विशेष के बीच। सोचता। uch। सबसे बड़ी संस्थाएँ रूढ़िवादी हैं: रोम में "सांता सेसिलिया" (1876 में एक संगीत गीत के रूप में स्थापित, 1919 से - एक परंपरावादी); बोलोग्ना में जे। बी। मार्टिनी का नाम (1942 से; एक संगीत गीत के रूप में 1804 में स्थापित, 1914 से इसे एक परंपरावादी का दर्जा मिला); उन्हें। वेनिस में बेनेडेट्टो मार्सेलो (1940 से, 1877 में एक संगीत लिसेयुम के रूप में स्थापित, 1916 से इसे उच्च विद्यालय के बराबर किया गया है); मिलान (1808 में स्थापित, 1901 में जी। वर्डी के नाम पर); उन्हें। फ्लोरेंस में एल। चेरुबिनि (1849 में एक संगीत संस्थान के रूप में स्थापित, फिर एक संगीत विद्यालय, 1912 से संगीत की अकादमी - एक संरक्षिका)। प्रो संगीतकारों को विश्वविद्यालयों में संगीत के इतिहास का प्रशिक्षण भी दिया जाता है, पापल एम्ब्रोसियन इंस्टीट्यूट ऑफ सेक्रेड म्यूज़िक इत्यादि। संस्थान, साथ ही वर्डी की विरासत के अध्ययन के लिए संस्थान में एक संगीतज्ञ हैं। काम। वेनिस में इंटर्न की स्थापना की। प्रचार प्रसार का केंद्र। संगीत, टू-रे सालाना प्राचीन इतालवी के अध्ययन पर ग्रीष्मकालीन पाठ्यक्रम ("संगीत अवकाश") आयोजित करता है। संगीत। द अमृत कंज़र्वेटरी की लाइब्रेरी, द एम्ब्रोसियन लाइब्रेरी में शीट संगीत और संगीत पर पुस्तकों का व्यापक संग्रह है। प्राचीन उपकरणों, शीट संगीत और पुस्तकों के भंडार व्यापक रूप से ज्ञात हैं (बी.एल. मार्टिनी की लाइब्रेरी में और बोलोग्ना में सैन पेट्रोनीओ चैपल के अभिलेखागार में बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी के पुस्तकालय में केंद्रित)। इतालवी इतिहास पर सबसे अमीर सामग्री। संगीत में नेट है। मार्सियाना की लाइब्रेरी, डी। चिनि फाउंडेशन की लाइब्रेरी और म्यूज़ियम ऑफ़ मूस। वेनिस में कंजर्वेटरी में उपकरण।

इटली में कई हैं। सोचता। संगठन और निष्पादित। समूहवाचक। नियमित रूप से सिम्फनी। संगीत कार्यक्रम द्वारा दिए गए हैं: ऑर्केस्ट्रा टी-खाई "ला स्काला" और "फेनिस", नेट। अकादमी "सांता सेसिलिया", इटली। रोम में रेडियो और टेलीविज़न, ऑर्केस्ट्रा के बारे में-वा "दोपहर का संगीत" ("रोममेरी म्यूजिकल"), जो शिकार करता है। स्पेनिश के साथ आधुनिक संगीत, चैम्बर ऑर्केस्ट्रा "एंजेलिकम" और "रोम के सदाचारियो", समाज "एम्ब्रोसियन पॉलीफोनी", मध्य युग, पुनर्जागरण और बारोक के संगीत का प्रचार, साथ ही बोलोग्ना थिएटर "कोमुनले", बोलोग्ना चैम्बर ऑर्केस्ट्रा और अन्य समूहों के ऑर्केस्ट्रा।

इटली में, कई आयोजित किए जाते हैं। सोचता। त्योहारों और प्रतियोगिताओं: आंतरिक। आधुनिक का त्योहार। संगीत (1930 से वेनिस), "फ्लोरेंटाइन म्यूजिकल मे" (1933 से), "फेस्टिवल ऑफ द टू वर्ल्ड" स्पोलेटो में (1958 से, जे.सी. मेनोटी द्वारा स्थापित), "न्यू म्यूजिक वीक" (1960 से, पलेर्मो), पियानोवादक प्रतियोगिता एफ। बसोनी ने बोलजानो में (1949 से, सालाना), संगीत और नृत्य प्रतियोगिता का नाम रखा जेर्बेली में जेर्कोटी (1950 से, सालाना), उनसे प्रतिस्पर्धा करते हैं। A. नेपल्स में कैसला (1952 से, हर 2 साल में, जब तक कि 1960 के पियानोवादकों ने हिस्सा नहीं लिया, 1962 से - संगीतकार भी हैं), वायलिन प्रतियोगिता। जेनोआ में एन। पगनीनी (1954 से, सालाना), orc प्रतियोगिता। रोम में कंडक्टर (1956 से, हर 3 साल में, नेशनल एकेडमी "सांता सेसिलिया" द्वारा स्थापित), पियानोवादकों की प्रतियोगिता। ई। पॉज़्ज़ोली में सेरेग्नो (1959 से, हर 2 साल में), युवा कंडक्टरों के लिए प्रतियोगिता। नोवारा में जी। कैंटेली (1961 से, हर 2 साल में), मुखर प्रतियोगिता "वर्डी की आवाज़", बूसो में (1961 से, सालाना), गाना बजानेवालों की प्रतियोगिता। उन्हें एकत्रित करता है। Guido d "Arezzo में (1952 में राष्ट्रीय के रूप में स्थापित, 1953 के बाद से - अंतरराष्ट्रीय; सालाना;" पॉलीफोनिको "नाम से भी जाना जाता है), फ्लोरेंस में जी कैसाडो सेलो प्रतियोगिता (1969 से, हर 2 साल बाद)।

इटालियन के बीच। सोचता। समाज - नए संगीत के लिए निगम (समकालीन संगीत का अंतर्राष्ट्रीय समाज का खंड, 1917 में राष्ट्रीय संगीत समाज के रूप में स्थापित, 1919 में इसे इतालवी समाज के समकालीन संगीत में रूपांतरित किया गया, 1923 से - निगम), मांस का संघ। लाइब्रेरीज़, सोसाइटी ऑफ़ म्यूज़िकोलॉजी इत्यादि, इतालवी द्वारा बहुत अच्छा काम किया जा रहा है। सोचता। पब्लिशिंग हाउस और ट्रेडिंग कंपनी "रिकोर्डी एंड कंपनी" (1808 में स्थापित), जिसकी प्ला में शाखाएं हैं। देशों।

साहित्य: इवानोव-बोरसेट्स्की एम.वी., म्यूज़िकल-हिस्टोरिकल रीडर, वॉल्यूम। 1-2, एम।, 1933-36; उनके, संगीत के इतिहास पर सामग्री और दस्तावेज, खंड 2, एम।, 1934; कुज़नेत्सोव के.ए., संगीत और ऐतिहासिक चित्र, सेर। 1, एम।, 1937; लिवानोवा टी।, 1789 से पहले पश्चिमी यूरोपीय संगीत का इतिहास, एम। एल।, 1940; ग्रुबर आर। आई।, संगीत का सामान्य इतिहास, भाग एक, एम।, 1956, 1965; खोखलोवकिना ए।, पश्चिमी यूरोपीय ओपेरा। XVIII का अंत - XIX सदी की पहली छमाही। निबंध, एम।, 1962; यूरोपीय कला इतिहास का इतिहास: पुरातनता से लेकर 18 वीं शताब्दी के अंत तक, एम, 1963; यूरोपीय कला का इतिहास। 19 वीं शताब्दी का पहला भाग, एम।, 1965।

कई राष्ट्र दुनिया में सह-अस्तित्व रखते हैं, विभिन्न भाषाओं में संवाद करते हैं। लेकिन लोगों ने पूरे इतिहास में न केवल शब्दों में बात की है। प्राचीन काल में, गीतों और नृत्यों का उपयोग उनकी भावनाओं और विचारों को आध्यात्मिक बनाने के लिए किया जाता था।

सांस्कृतिक विकास की पृष्ठभूमि के खिलाफ नृत्य कला

दुनिया की उपलब्धियों की पृष्ठभूमि में इतालवी संस्कृति का बहुत महत्व है। इसके तेजी से विकास की शुरुआत एक नए युग के जन्म के साथ होती है - पुनर्जागरण। वास्तव में, पुनर्जागरण इटली में ठीक से उत्पन्न होता है और कुछ समय के लिए अन्य देशों को छूने के बिना आंतरिक रूप से विकसित होता है। उनकी पहली सफलता XIV-XV सदियों पर गिरती है। बाद में इटली से वे पूरे यूरोप में फैल गए। लोककथाओं का विकास भी XIV सदी में शुरू होता है। कला की ताजा भावना, दुनिया और समाज के लिए एक अलग दृष्टिकोण, मूल्यों में बदलाव सीधे लोक नृत्यों में परिलक्षित होता था।

पुनर्जागरण का प्रभाव: नए पेस और गेंदें

मध्य युग में, संगीत के लिए इतालवी आंदोलनों को सहजता से, सरलता से, बोलबाला के साथ किया गया था। पुनर्जागरण ने भगवान के प्रति दृष्टिकोण को बदल दिया, जो लोककथाओं में परिलक्षित होता था। इतालवी नृत्य ने ऊर्जा और जीवंत आंदोलनों का अधिग्रहण किया। तो ना "पूर्ण विराम" ने मनुष्य की सांसारिक उत्पत्ति का प्रतीक किया, प्रकृति के उपहारों के साथ उसका संबंध। और आंदोलन "पैर की उंगलियों पर" या "एक छलांग के साथ" भगवान और उसकी महिमा के लिए मनुष्य के प्रयास की बराबरी की। इतालवी नृत्य विरासत उन पर आधारित है। उनके संयोजन को "बैली" या "बैलो" कहा जाता है।

पुनर्जागरण इतालवी लोक संगीत वाद्ययंत्र

संगत को लोकगीत रचनाएँ दी गईं। इसके लिए, निम्नलिखित उपकरणों का उपयोग किया गया था:

• हार्पसीकोर्ड (इतालवी "चेम्बलो")। पहले उल्लेख: इटली, XIV सदी।
• टैम्बोरिन (एक प्रकार का टैम्बोरिन, आधुनिक ड्रम का पूर्वज)। नर्तकियों ने आंदोलनों के दौरान इसका इस्तेमाल भी किया।
• वायलिन (एक झुका हुआ वाद्य जो 15 वीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ था)। इसकी इतालवी किस्म वाइला है।
• ल्यूट (प्लक किया गया स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट।)
• Dudki, बांसुरी और oboes।

नृत्य की विविधता

इटली का संगीत जगत विविध हो गया है। नए उपकरणों और धुनों के उद्भव ने बीर को ऊर्जावान आंदोलनों को प्रोत्साहित किया। राष्ट्रीय इतालवी नृत्य पैदा हुए और विकसित हुए। उनके नाम बनते थे, अक्सर क्षेत्रीय सिद्धांत पर आधारित होते थे। उनकी कई किस्में थीं। आज जाने जाने वाले मुख्य इतालवी नृत्य बरगामासा, गेलियार्डा, सालारेला, पवाना, टारेंटेला और पिज्जा हैं।

बर्गामास्का: क्लासिक पॉइंट्स

बर्गामास्का 16 वीं -17 वीं शताब्दी का एक लोकप्रिय इतालवी लोक नृत्य है, जो बाद में फैशन से बाहर हो गया, लेकिन इसी संगीतमय विरासत को छोड़ दिया। गृह क्षेत्र: उत्तरी इटली, बर्गामो प्रांत। इस नृत्य में संगीत मजेदार, लयबद्ध है। टिक मीटर एक जटिल चार-बीट है। आंदोलनों सरल, चिकनी, बनती हैं, इस प्रक्रिया में जोड़े के बीच परिवर्तन संभव है। प्रारंभ में, लोक नृत्य को पुनर्जागरण के दौरान अदालत से प्यार हो गया।

इसका पहला साहित्यिक उल्लेख विलियम शेक्सपियर के नाटक "ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम" में देखा गया था। 18 वीं शताब्दी के अंत में, बर्गमास्का आसानी से नृत्य लोककथाओं से एक सांस्कृतिक विरासत में बदल जाता है। कई रचनाकारों ने अपने कार्यों को लिखने की प्रक्रिया में इस शैली का उपयोग किया है: मार्को उकेलिनी, सोलोमन रॉसी, जिरोलमो फ्रेशोबाल्डी, जोहान सेबेस्टियन बाख।

19 वीं शताब्दी के अंत तक, बर्गमास्क की एक अलग व्याख्या दिखाई दी। यह संगीत के एक जटिल मिश्रित मीटर, एक तेज गति (ए। पिआती, सी। डेबसी) द्वारा विशेषता थी। आज तक, लोकगीत बर्गमैस्कस की गूँज बची हुई है, जिसे वे उपयुक्त शैलीगत संगीत संगत का उपयोग करते हुए बैले और नाट्य प्रदर्शनों में सफलतापूर्वक ढालने की कोशिश करते हैं।

गलियारा: हंसमुख नृत्य

गैलियार्डा एक पुराना इतालवी नृत्य है, जो पहले लोक में से एक है। यह 15 वीं शताब्दी में दिखाई दिया। अनूदित का अर्थ है "मज़ेदार"। दरअसल, वह बहुत हंसमुख, ऊर्जावान और लयबद्ध हैं। यह पांच चरणों और जंप का एक जटिल संयोजन है। यह एक जोड़ी लोक नृत्य है जिसने इटली, फ्रांस, इंग्लैंड, स्पेन, जर्मनी में अभिजात्य गेंदों पर लोकप्रियता हासिल की है।

XV-XVI सदियों में, अपने हास्य रूप, हंसमुख, प्रत्यक्ष लय के कारण गैलार्ड फैशनेबल बन गया। विकास और मानक प्राइमरी कोर्ट नृत्य शैली में परिवर्तन के कारण लोकप्रियता खो गई। 17 वीं शताब्दी के अंत में, यह पूरी तरह से संगीत में बदल गया।

प्राथमिक गैलियार्ड को मध्यम गति की विशेषता है, मीटर की लंबाई एक साधारण तीन-बीट है। बाद की अवधि में, उन्हें उपयुक्त लय के साथ किया जाता है। इस गलियारे की विशेषता संगीत मीटर की जटिल लंबाई थी। इस शैली में प्रसिद्ध समकालीन टुकड़े धीमे और अधिक आराम से हैं। संगीतकार जिन्होंने अपने कामों में गैलियार्ड संगीत का इस्तेमाल किया: वी। गैलीली, वी। ब्रेक, बी। डोनैटो, डब्ल्यू। बर्ड और अन्य।

सल्टारेला: शादी की मस्ती

साल्टारेला (Saltarello) सबसे पुराना इतालवी नृत्य है। यह काफी मजाकिया और लयबद्ध है। कदम, कूदता है, मुड़ता है और धनुष के संयोजन के साथ। उत्पत्ति: इतालवी नमक से - "कूदने के लिए"। 12 वीं शताब्दी में लोक कला तिथि के इस रूप का पहला उल्लेख मिलता है। यह मूल रूप से एक साधारण दो या तीन-बीट आकार में संगीत संगत के साथ एक सार्वजनिक नृत्य था। 18 वीं शताब्दी के बाद से, यह सुचारू रूप से जटिल आकार के संगीत के लिए एक भाप से भरा सालारेला में पुनर्जन्म करता है। शैली आज तक बच गई है।

19 वीं -20 वीं शताब्दी में, यह एक बड़े पैमाने पर इतालवी शादी के नृत्य में बदल गया, जो शादी समारोह में नृत्य किया गया था। वैसे, उस समय वे अक्सर फसल के साथ मेल खाते थे। XXI में - कुछ कार्निवल में प्रदर्शन किया गया। इस शैली में संगीत को कई लेखकों की रचनाओं में विकसित किया गया था: एफ। मेंडेलसोहन, जी। बर्लियोज़, ए। कास्टेलोनो, आर। बार्टो, बी। बैज़ुरोव।

पावना: सुशोभित एकमात्र

पावना एक पुराना इतालवी बॉलरूम नृत्य है जो विशेष रूप से अदालत में किया जाता है। एक और नाम जाना जाता है - पादोवणा (पडोवा नाम से; लैटिन पावा - मोर से)। यह नृत्य धीमा, सुशोभित, गंभीर, दिखावा है। आंदोलनों के संयोजन में सरल और दोहरे चरण होते हैं, एक दूसरे के सापेक्ष भागीदारों की स्थिति में समय और परिवर्तन। उसने न केवल अंकों पर नृत्य किया, बल्कि जुलूसों या समारोहों की शुरुआत में भी।

अन्य देशों की अदालती गेंदों में प्रवेश करने वाला इतालवी पावना बदल गया है। वह एक प्रकार का नृत्य "बोली" बन गया। इस प्रकार, स्पैनिश प्रभाव ने "पावनिला" और फ्रेंच के उद्भव का नेतृत्व किया - "पासमेज़ो" के लिए। जिस संगीत का प्रदर्शन किया गया था, वह धीमा था, दो-ताल वाला। रचना के लय और महत्वपूर्ण बिंदुओं का उच्चारण करें। नृत्य धीरे-धीरे फैशन से बाहर हो गया, संगीत विरासत (पी। अटेनियन, आई। शेन, सी। सेंट-सेंस, एम। रेवल) के कार्यों में संरक्षित किया गया।

टारेंटेला: इतालवी स्वभाव का व्यक्तित्व

टारंटेला एक इतालवी लोक नृत्य है जो आज तक जीवित है। वह भावुक, ऊर्जावान, लयबद्ध, हंसमुख, अथक है। इटैलियन डांस टारेंटेला स्थानीय लोगों का विजिटिंग कार्ड है। इसमें आगे और पीछे के पैर को वैकल्पिक रूप से फेंकने के साथ जंप (साइड सहित) का संयोजन होता है। इसका नाम टारंटो शहर के नाम पर रखा गया था। इसका दूसरा संस्करण भी है। उन्होंने कहा कि काटे गए लोगों को एक बीमारी के साथ उजागर किया गया था - टारंटिज्म। बीमारी रेबीज के समान थी, जिसमें से उन्होंने गैर-रोक, तेज आंदोलनों की प्रक्रिया में ठीक होने की कोशिश की।

संगीत एक साधारण तीन-बीट या जटिल मीटर में किया जाता है। वह तेज और मजाकिया है। विशेषताएँ:

1. बुनियादी साधनों (कीबोर्ड सहित) को अतिरिक्त लोगों के साथ मिलाकर जो नर्तकियों (टैम्बॉरीन और कैस्टनेट) के हाथों में हैं।
2. मानक संगीत का अभाव।
3. एक प्रसिद्ध लय के भीतर संगीत वाद्ययंत्र का सुधार।

एफ। शूबर्ट, एफ। चोपिन, एफ। मेंडेलसोहन, पी। त्चिकोवस्की ने अपनी रचनाओं में आंदोलनों में निहित लय का इस्तेमाल किया। टारेंटेला अभी भी एक रंगीन लोक नृत्य है, जिसकी मूल बातें हर देशभक्त द्वारा निभाई जाती हैं। और 21 वीं सदी में, वे इसे मज़ेदार पारिवारिक छुट्टियों और भव्य शादियों में नाचते रहते हैं।

पिज़िका: एक ग्रूवी डांस फाइट

पिज़िका ट्रेंटेला से प्राप्त एक तेज़ इतालवी नृत्य है। अपनी विशिष्ट विशेषताओं के उद्भव के कारण इतालवी लोकगीतों की नृत्य दिशा बन गई। यदि टारेंटेला मुख्य रूप से एक सामूहिक नृत्य है, तो पिज्जा विशेष रूप से बन गया है। इससे भी अधिक जीवंत और ऊर्जावान, उन्हें कुछ जंगी नोट्स मिले। दो नर्तकियों के आंदोलन एक द्वंद्व से मिलते-जुलते हैं, जिसमें मीरा प्रतिद्वंद्वी लड़ती हैं।

यह अक्सर महिलाओं द्वारा बदले में कई सज्जनों के साथ किया जाता है। उसी समय, ऊर्जावान आंदोलनों का प्रदर्शन करते हुए, युवा महिला ने अपनी मौलिकता, स्वतंत्रता, तूफानी स्त्री सिद्धांत को व्यक्त किया, परिणामस्वरूप उनमें से प्रत्येक को खारिज कर दिया। सज्जनों ने दबाव डाला, महिला के प्रति अपनी प्रशंसा का प्रदर्शन किया। यह व्यक्तिगत विशेष चरित्र केवल पिज्जा की विशेषता है। एक तरह से, वह भावुक इतालवी स्वभाव की विशेषता है। 18 वीं शताब्दी में लोकप्रियता हासिल करने के बाद, पिज्जा ने आज तक इसे नहीं खोया है। यह मेलों और कार्निवलों, पारिवारिक समारोहों और नाटकीय और बैले प्रदर्शनों में किया जाता है।

एक नए के उद्भव के लिए एक उपयुक्त संगीत संगत का निर्माण हुआ। "पिज़िकैटो" दिखाई दिया - झुके हुए नोटों पर प्रदर्शन करने का एक तरीका, न केवल धनुष के साथ, बल्कि उंगलियों की चुटकी के साथ। नतीजतन, पूरी तरह से अलग-अलग ध्वनियां और धुनें दिखाई देती हैं।

विश्व नृत्यकला के इतिहास में इतालवी नृत्य

लोक कला के रूप में उत्पन्न होने के बाद, अभिजात वर्ग के बॉलरूम में प्रवेश करते हुए, नृत्य को समाज से प्यार हो गया। शौकिया और पेशेवर प्रशिक्षण के उद्देश्य से पेस को व्यवस्थित और संक्षिप्त करना आवश्यक हो गया। पहले सैद्धांतिक कोरियोग्राफर इटालियंस थे: डॉमेनिको दा पियासेंज़ा (XIV-XV), गुग्लिल्मो इम्ब्रियो, फैब्रीज़ियो कैरोलो (XVI)। आंदोलनों के सम्मान और उनकी शैली के साथ ये कार्य, बैले के विश्व विकास के लिए आधार के रूप में कार्य करते हैं।

इस बीच, स्रोत पर हंसते हुए सरल ग्रामीणों और शहर वासियों ने नमकरेला या टारेंटेला नृत्य किया। इटालियंस का स्वभाव आवेशपूर्ण और जीवंत है। पुनर्जागरण का युग रहस्यमय और राजसी है। ये लक्षण इतालवी नृत्य की विशेषता है। उनकी विरासत पूरी दुनिया में नृत्य कला के विकास का आधार है। उनकी विशेषताएं कई शताब्दियों के माध्यम से एक संपूर्ण लोगों के इतिहास, चरित्र, भावनाओं और मनोविज्ञान का प्रतिबिंब हैं।

सांस्कृतिक रूप से पैचवर्क इटली ने दुनिया को बेजोड़ कारीगर दिए हैं। लेकिन खुद इतालवी प्रतिभाशाली रचनाकार लोक संस्कृति, झुकाव से प्रभावित थे। मधुर इतालवी गाने। उनमें से लगभग सभी के पास लेखक हैं, जो हालांकि, उन्हें लोक कहलाने से नहीं रोकता है।

यह शायद संगीत बजाने के लिए इटालियंस के स्वाभाविक प्रेम के कारण है। यह कथन इटली के दक्षिणी नेपल्स से लेकर उत्तरी वेनिस तक के सभी क्षेत्रों पर लागू होता है, जैसा कि देश में आयोजित होने वाले कई गीत समारोहों से पता चलता है। इतालवी गीत पूरी दुनिया में जाना और पसंद किया जाता है: हमारे माता-पिता अभी भी "बेला चाओ" और "रास्ते में" को याद करते हैं - मुस्लिम मैगोमेयेव द्वारा गाए गए इतालवी लोक गीत, इस देश के गीतों के सर्वश्रेष्ठ कलाकार के रूप में पहचाने जाते हैं।

प्राचीन काल से इतालवी लोक गीत

यदि इतालवी भाषा का गठन X सदी से हुआ था, तो शोधकर्ताओं ने XIII सदी की शुरुआत में इतालवी लोक गीतों की उपस्थिति का श्रेय दिया। ये छुट्टियों के दौरान शहर के चौकों में चलने वाले बाजीगरों और नाबालिगों द्वारा गाए गए गाने थे। उनके लिए विषय प्रेम या पारिवारिक कहानियाँ थीं। उनकी शैली कुछ असभ्य थी, जो मध्य युग के लिए काफी स्वाभाविक है।

सबसे प्रसिद्ध गीत जो हमारे पास आया है, उसे सिसिली चुल्लो डी'लैमको द्वारा "कंट्रास्टो" ("प्रेम विवाद") कहा जाता है। यह एक लड़की और उसके प्यार में एक लड़के के बीच के संवाद के बारे में है। इसके अलावा, इसी तरह के संवाद गाने "आत्मा और शरीर के बीच विवाद", "श्यामला और सुनहरे बालों के बीच विवाद", "फालतू और बुद्धिमानों के बीच विवाद", "सर्दी और गर्मी के बीच विवाद" हैं।

पुनर्जागरण के दौरान, इटली के निवासियों के बीच हर रोज संगीत बनाने का फैशन फैल गया। साधारण नगरवासी संगीत प्रेमियों की मंडलियों में एकत्रित हुए, जहाँ उन्होंने विभिन्न वाद्ययंत्र बजाए, शब्दों और धुनों की रचना की। तब से, इटली के सभी हिस्सों में गाने व्यापक रूप से व्यापक हो गए हैं और इटली में हर जगह आवाज उठाई है।

संगीत वाद्ययंत्र और इतालवी लोक गीत

लोककथाओं के बारे में बोलते हुए, कोई भी उस वाद्ययंत्र का उल्लेख करने में विफल नहीं हो सकता है, जिस संगत में वे प्रदर्शन किए गए थे। ये उनमे से कुछ है:

• एक वायलिन जिसे 15 वीं शताब्दी में इसका आधुनिक रूप मिला। लोक उत्पत्ति के इस उपकरण को इटालियंस से बहुत प्यार है।
• ल्यूट और इसका पाइरेनियन संस्करण विहुएला। 14 वीं शताब्दी में पूरे इटली में फैले हुए उपकरण।
• डफ। एक प्रकार का झंझावात जिसने प्रोवेंस से इटली में प्रवेश किया। टेंटेला के प्रदर्शन के दौरान नर्तकी खुद उनके साथ गई।
• बांसुरी। XI सदी में लाभ वितरण। यह बहुत बार एक कलाकार के साथ एक डफ के साथ प्रयोग किया जाता है।
• बैरल अंग, एक यांत्रिक पवन उपकरण जो 17 वीं शताब्दी में इटली में लोकप्रिय हो गया। पोप कार्लो को याद करते हुए, उन्हें विशेष रूप से संगीतकारों के बीच प्यार हुआ था।

इतालवी लोक गीत "सांता लूसिया" - नियति संगीत का जन्म

नेपल्स कैम्पेनिया क्षेत्र की राजधानी है, जो दक्षिणी इटली का सबसे प्रसिद्ध शहर है और आश्चर्यजनक रूप से गीतात्मक नियति लोक गीत, सुंदर "सांता लूसिया" का जन्मस्थान है।

अपनी सुंदरता प्रकृति में असामान्य, एक ही नाम की खाड़ी के तट पर हल्के जलवायु और सुविधाजनक स्थान ने इस शहर और आसपास के क्षेत्र को कई विजेता और साधारण बसने वालों के लिए बेहद आकर्षक बना दिया। 2500 से अधिक वर्षों के लिए, इस शहर ने कई संस्कृतियों को अपनाया और पुनर्व्याख्या की, जो इस क्षेत्र की संगीत परंपराओं को प्रतिबिंबित नहीं कर सकते थे।

नियति लोक गीत के जन्म को XIII सदी की शुरुआत माना जाता है, जब गीत "द सन राइज़" बहुत लोकप्रिय था। यह इतालवी पुनर्जागरण की सुबह है। इतालवी शहरों के तेजी से विकास का समय और अंधेरे युग से मानव चेतना के उद्भव की शुरुआत। इस अवधि तक, लोगों ने नृत्य और गीतों को पापपूर्ण मानना \u200b\u200bबंद कर दिया, खुद को जीवन का आनंद लेने की अनुमति देने लगे।

XIV-XV सदियों में। हास्य युगल लोगों के बीच लोकप्रिय थे, जो दिन के विषय पर रचे गए थे। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, विलनेला (इतालवी गांव गीत) का जन्म नेपल्स में हुआ था - युगल ने एक स्वर की संगत के लिए कई स्वरों में प्रदर्शन किया था।

हालाँकि, हमारे लिए जाने जाने वाले नियति लोक गीत का फूल 19 वीं शताब्दी में आता है। यह इस अवधि के दौरान था कि टोडोरो कॉटरू का प्रसिद्ध इतालवी गीत "सांता लूसिया" प्रकाशित हुआ था। यह बार्करोल की शैली में लिखा गया है (शब्द बारिक से), जिसका अर्थ है "नाव का गीत" या "पानी पर गीत"। यह गीत नियति बोली में प्रदर्शन किया गया था और यह सांता लूसिया के तटीय शहर की सुंदरता को समर्पित था। यह इतालवी में बोली से अनुवादित होने वाला पहला नियति कार्य है। यह एनरिको कारुसो, एल्विस प्रेस्ली, रॉबर्टिनो लॉरेट्टी और कई अन्य विश्व-प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा किया गया था।

मूल नियति पाठ

Comme se fr? Cceca la luna chiena ...
लो घोड़ी की सवारी, ll'aria? सेरेना ...
वुजे चे फाइटाइट 'एममीज़'ए ला ला?
सांता लूसिया! सांता लूसिया!

II स्टु वियन्टो फ़्रिस्को, फ़ेस रिसियाटारे, ची वी? 'स्पैसरस जे? नॉन पे' मी ...
ई 'सर्वटा ई लास्टा ला वरका मिया ... सांता लूसिया!
सांता लूसिया! III ला टी? न्ना? पोस्ट पे पे? ना सीना ...
ई कन्नो स्टेस ला पंजा चीना, नॉन सी ’? ला एम! नेमा मेलानोनिया!

सांता लूसिया! सांता लूसिया!
P? Zzo accostare la varca mia?
सांता लूसिया!
सांता लूसिया! ...

क्लासिक इटालियन टेक्स्ट (एनरिको कोसोविक, 1849)

सुल घोड़ी ल्युसिका ल'स्ट्रो डीएर्जेंटो।

सुल घोड़ी ल्युसिका ल'स्ट्रो डीएर्जेंटो।
Placida? लोंडा, समृद्धि? इल वेंटो।

सांता लूसिया! Venite all'agile barchetta मिया, सांता लूसिया! सांता लूसिया!

कॉन खोजो जीफिरो, कॉस? soave, ओह, com '? bello स्टार सुल नावे!
Su passegieri, के माध्यम से venite!
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

Su passegieri, के माध्यम से venite!
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

फ्रा ले तेंदे में, बंदीर ला सीना इन ऊना सेरा कोस? सेरेना

सांता लूसिया!
सांता लूसिया!
ची न डिमंडा, ची न देसिया।
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!


घोड़ी s? प्लासीडा, वेंटो एस? कारो,
स्कोडर एफ आई ट्रिबोली अल मरीनारो,
ई वी ग्रिडांडो कोन एलेग्रिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!

ई वी ग्रिडांडो कोन एलेग्रिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!


ओ डोल्से नापोली, ओ सुओल बीटो,
ओवे सोरीडेयर वोले इल क्रिएटो,
तू सेई लिम्परो डेलेलमोनिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!

तू सेई लिम्परो डेलेलमोनिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!


या चे टारडेट? बेला? ला सेरा।
Spira un'auretta fresca e leggiera।
Venite all'agile barchetta मिया, सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

Venite all'agile barchetta मिया, सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

रूसी पाठ

समुद्र मुश्किल से सांस ले रहा है
एक नींद आराम में
सर्फ की कानाफूसी दूर से सुनाई देती है।
आसमान में चमकते बड़े सितारे, सांता लूसिया, सांता लूसिया!
ओह, एक शाम - सितारे और समुद्र!
एक कोमल हवा तलहटी से निकलती है।

उन्होंने सुनहरे सपने संजोए,
सांता लूसिया, सांता लूसिया!
नाव हंस की तरह है
की दूरी पर दूर जाता है
आसमान पर तारे
तेज चमक।

एक चमत्कारिक गीत
रात में सुनता हूं
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
समुद्र के ऊपर शाम
भरी हुई
चुपचाप हम गूँजते हैं
गीत परिचित है।

ओह मेरे नेपल्स,
रिश्तेदारों द्वारा दिया गया
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
चाँदनी से
समुद्र चमकता है।

अनुकूल हवा
पाल तपता है।
मेरी नाव हल्की है
ओअर बड़े हैं ...
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!

पर्दे के पीछे
नावें एकांत
क्या नजर अंदाज किया जा सकता है
अनमोल आँखें।
कैसे बंद कर दिया जाए
रात को ऐसे?

सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
नेपल्स मेरे अद्भुत,
ओह प्यारी भूमि
जहाँ मुस्कुराता है
हम स्वर्ग की तिजोरी हैं।

आत्मा में प्रसन्नता
पता चलता है ...
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
हम हल्के मार्शमॉलो हैं
की दूरी तय करते हैं
और हम पानी से ऊपर उठेंगे।

आह, बर्बाद मत करो
सोने की घडी ...
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!

समुद्र शांत है
सबको मानता है
और दु: ख मल्लाह
वे तुरंत भूल जाते हैं
वे केवल गाते हैं
गाने धूम मचा रहे हैं।

सांता लूसिया,
सांता लूसिया
अब तुम्हें किस बात का इंतज़ार है?
समुद्र में शांत।
चाँद चमक रहा है
नीले स्थान में
मेरी नाव हल्की है
ओअर बड़े हैं ...

सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
***

अनास्तासिया कोझुखोवा द्वारा प्रस्तुत इतालवी लोक गीत सांता लूसिया को सुनें:

इसके अलावा, एक और नियति गीत "डेक्टेंसेलो वुई" भी हमारे देश में प्रसिद्ध है, यहाँ इसे "अपनी प्रेमिका को एक लड़की बताओ" के रूप में जाना जाता है। गीत 1930 में संगीतकार रोडोल्फो फाल्वो द्वारा लिखा गया था और एंज़ो फुस्को के गीत थे। रूसी भाषा के संस्करण का प्रदर्शन रूसी कलाकारों के बहुमत से किया गया था, जो सर्गेई लेमशेव से वलेरी लेओन्टिव तक था। रूसी के अलावा, इस गीत का कई अन्य भाषाओं में अनुवाद किया गया है।

विश्वभर में नियति के गाने अभूतपूर्व रूप से प्रसिद्ध और पसंद किए जाते हैं। इस मामले का सबूत है कि 1920 में एंटवर्प में ओलंपिक खेलों में हुआ था। इतालवी टीम के लिए पुरस्कार समारोह के दौरान, यह पता चला कि बेल्जियम के ऑर्केस्ट्रा में इतालवी गान के नोट्स नहीं थे। और फिर ऑर्केस्ट्रा "ओ माई सन" ("ओ एकमात्र म्यू) फट गया। मेलोडी की पहली आवाज़ में, स्टेडियम में मौजूद दर्शकों ने गीत के शब्दों के साथ गाना शुरू किया।

नेपल्स और आसपास के क्षेत्र की गीत परंपराओं के बारे में बोलते हुए, कोई भी पीडिग्रोट्टा उत्सव का उल्लेख करने में विफल नहीं हो सकता है, जो सितंबर की शुरुआत में सालाना आयोजित किया जाता है। Piedigrotta नेपल्स के पास स्थित एक ग्रोटो है, एक बार यह एक मूर्तिपूजक अभयारण्य के रूप में सेवा करता था। 1200 में, इस जगह को संरक्षित करने के लिए, सेंट मैरी के चर्च को यहां खड़ा किया गया था, जिसे पीडिग्रोट्टा के रूप में जाना जाता है, जिसका अर्थ है "कुटी के पैर में।"

समय के साथ, वर्जिन मैरी की धार्मिक पूजा और उनके सम्मान में उत्सव एक गीत प्रतियोगिता-उत्सव में तब्दील हो गया। इस संगीत समारोह के दौरान, नेपल्स के सर्वश्रेष्ठ लोक कवि और गायक प्रतिस्पर्धा करते हैं। कभी-कभी ऐसा होता है कि दो गीतों को समान अंक मिलते हैं। और फिर दर्शकों को दो शिविरों में विभाजित किया गया है, जिनमें से प्रत्येक को अपनी मुट्ठी के साथ पसंद किए जाने वाले राग का बचाव करने के लिए तैयार है। यदि दोनों गाने वास्तव में अच्छे हैं, तो दोस्ती जीत जाती है और पूरा शहर इन पसंदीदा धुनों को गुनगुनाता है।

इतालवी लोक गीत "हैप्पी"

काम प्रेम गीतों का है, लेकिन पाठ के शब्द युवाओं के विश्वासघात और तुच्छता को नोटिस करते हैं। कहानी एक लड़की के दृष्टिकोण से बताई गई है, जो कि उसके दोस्त के रूप में, पूछ रही थी: क्या वह जानता है कि गेंदों पर लड़कियों की चुलबुली झलक के पीछे क्या छिपा है? लड़की खुद अभी तक किसी के साथ प्यार में नहीं है और इसलिए खुद को सबसे खुश और "सभी रानियों का सबसे आकर्षक" मानती है। एक युवा इतालवी महिला डेज़ी और वायलेट के बीच चलती है, पक्षियों की ट्विटरिंग सुनती है और उन्हें बताती है कि वह कितनी खुश है और वह केवल उनसे हमेशा के लिए प्यार करना चाहती है।

सचमुच, यह ठीक से देखा जाता है कि जब किसी दूसरे व्यक्ति के लिए आपका प्यार एक दर्दनाक लगाव नहीं बनता है, तो आपके लिए जीवन, प्रकृति और हर किसी का आनंद लेने का समय होता है। जब आप ईर्ष्या और चिंता से ग्रस्त हैं, तो यह सब कहां है।

अनास्तासिया टेप्लाकोवा द्वारा प्रस्तुत रूसी में इतालवी लोक गीत "हैप्पी" को सुनें:

इतालवी लोक गीतों में हास्य: "मैकरोनी" के बारे में

हल्के और हंसमुख इतालवी चरित्र ने चंचल गीतों के व्यापक वितरण में योगदान दिया। इस तरह के कार्यों के बीच यह "मैकरोनी" गीत को ध्यान देने योग्य है, यह वास्तव में इतालवी पकवान के लिए समर्पित है। इस गीत को गाते हुए, अनाथ और गरीब परिवारों के बच्चों ने राहगीरों से भिक्षा मांगकर अपना जीवनयापन किया। कलाकार के लिंग के आधार पर, पाठ के पुरुष और महिला संस्करण हैं। गीत टारेंटेला की लय में बनाया गया है।

टारेंटेला 15 वीं शताब्दी के बाद से किया जाने वाला एक लोक नृत्य है। एक नियम के रूप में, टारेंटेला एक लयबद्ध दोहराव पर आधारित है। दिलचस्प बात यह है कि इस राग को नाचते हुए एक टारेंटयुला द्वारा काटे गए लोगों के लिए एक उपचार उपाय माना जाता था। लंबे समय तक, संगीतकार इटली की सड़कों पर भटकते रहे, विशेष रूप से "टारेंटवाद" के रोगियों के लिए इस राग का प्रदर्शन किया।

पास्ता (पुरुष संस्करण) एम। उलिटस्की द्वारा अनुवादित

1. मैं खंडहरों के बीच रहता हूं।
दुखी से अधिक हंसमुख।
मैं खंडहरों के बीच रहता हूं।
दुखी से अधिक हंसमुख।

एक टेबल बेड और बालकनी के साथ एक घर का उपयोग पास्ता के लिए स्वेच्छा से किया जाएगा।

2. यह स्वादिष्ट व्यंजन आम लोगों का अच्छा दोस्त है।
यह स्वादिष्ट व्यंजन आम लोगों का अच्छा दोस्त है।

लेकिन पास्ता सॉस के साथ वीआईपी भी खाते हैं।

3. क्या आप जानना चाहते हैं कि मरने वाला लाल मसखरा कैसे बच गया?
क्या आप जानना चाहते हैं कि मरने वाला लाल मसखरा कैसे बच गया?

शुतोस्वाया ने अपना मुकुट उतार दिया और पास्ता का आदान-प्रदान किया।

4. हमारा टेरेंटेला गाया जाता है, मुझे किसके साथ डिनर पर जाना चाहिए?
हमारा टारेंटेला गाया जाता है, मुझे किसके साथ डिनर पर जाना चाहिए?

बस चिल्लाओ: "पास्ता!" - साथी तुरंत दिखाई देते हैं।

पास्ता (महिला संस्करण)

मैं एक जैतून की तुलना में काला हूँ
बिना छत के मैं अकेला घूमता हूं
और एक झंझरी की आवाज
मैं पूरे दिन नृत्य करने के लिए तैयार हूं
मैं तुम्हारे लिए टारेंटेला नृत्य करूँगा,
बस सहायक बनो
एक सिपाही दीजिए और खरीद लीजिए
पास्ता, पास्ता।

मेरे दोस्त पुलसिनेलो
मैं एक तीर से दिल में घायल हो गया था
केवल मैं नहीं चाहता था कि पुलसिनेलो एक पत्नी बने।
उन्होंने लगभग खुद को गोली मार ली
मैंने लगभग खुद को बालकनी से फेंक दिया
लेकिन वह जुनून से ठीक हो गया,
बस पास्ता निगल रहा है।

मैंने अपने भाई को बढ़ोतरी के लिए इकट्ठा किया,
उसके बाद छोड़ दिया गया प्रिय,
सैनिकों को कैसे बनाया जाए
क्या हर कोई सुरक्षित है?
ताकि बंदूकें गोली न चलाएं
आपको सभी कारतूस निकालने की जरूरत है,
गोलियों के बजाय उड़ने के लिए
पास्ता, पास्ता।

अगर आपको थोड़ा दुख होता है
यदि बीमारी आप पर अत्याचार करती है,
या कभी-कभी पेट खाली होता है
पास्ता आपके लिए अच्छा है!
अलविदा हस्ताक्षर,
अच्छी यात्रा, सिगनोरा डोना,
आपको बहुत अच्छी तरह से खिलाया जाना चाहिए
और पास्ता मेरा इंतजार कर रहा है!

Maccheroni

1.I mi सोनो अन पोवरेटो सेंजा कासा ई सेंजा लेटो।
आयो मि सोनो अन पोवरेटो सेंजा कासा ई सेंजा लेटो।

वेन्देरी मैं माई कैन्ज़ोनी प्रति सोल सोल पीटो दा मैकचेरोनी।

2. पुलसिनेला मेज़ो बिस्तारो ने एक किराया आयल टेस्टीमो की वंदना की।
पुल्लिनेला मेज़ो बिस्तारो ने एक किराया आईएल गवाही दी।

पर्च एवेसी दई पडरोनी अन ग्रोसो पियाटो डि मैकचेरोनी।

3. हो वेदुतो अन बून टेनेंटे चे कैमबियावा कॉल सर्जेंट।
हो वेदुतो अन बुऑन टेनेंटे चे कैमिबेवा कॉल सर्जेंट।

ले स्पैलिन पे'गैलोनी प्रति सोल सोल पीटो डि मैकरोनी।

4. टारेंटेला सी ई कैंटाटा,
कारण कारिनी सी ई पगटा।
टारेंटेला सी ई कैंटाटा,
कारण कारिनी सी ई पगटा।
सोनो एलेग्रो, ओ कॉम्पैग्नोनी,
न कॉम्पेरमो डे 'मैकरोनी।
सोनो एलेग्रो, ओ कॉम्पैग्नोनी,
न कॉम्पेरमो डे 'मैकरोनी।
***

रूसी लोकगीत "मैकारोनी" में सुनिए अन्ना झिक्खेलेंको द्वारा प्रस्तुत रूसी में:

पानी पर वेनिस गीत

दक्षिणी नेपल्स के अलावा, इटली के उत्तरी मोती वेनिस, शानदार और अद्भुत गीत परंपराओं से प्रतिष्ठित है। यह, सबसे पहले, गोंडोलियर्स के गीतों के बारे में है। ये प्रेम प्रसंग बारकाले की शैली के हैं। वे बहुत मधुर और अनसुने हैं।

गोंडोलियर की मजबूत और सुंदर आवाज पानी पर ओरों की धीमी धड़कन को प्रतिध्वनित करती प्रतीत होती है। अजीब बात है, 18 वीं शताब्दी तक, बारकॉर्ले को वह ध्यान नहीं मिला, जो वह पेशेवर संगीतकारों का हकदार था। हालांकि, अगली शताब्दी में यह चूक अधिक के लिए बनी थी। Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka कुछ ही ऐसे संगीत प्रतिभाएँ हैं, जिन्हें वेनिस के लोकगीतों द्वारा मोहित किया गया था और अपने अमर कार्यों में इसके उद्देश्यों को शामिल किया था।

दुर्भाग्य से, आधुनिकता का वेनिस परंपराओं पर नकारात्मक प्रभाव पड़ता है, जिसमें बारकॉर्ल भी शामिल है। इसलिए, उदाहरण के लिए, पर्यटकों के अनुरोध पर, गोंडोलियर्स अक्सर नियति गीत "ओ सोले मियाओ" गाते हैं, हालांकि गोंडोलियर एसोसिएशन इसके खिलाफ है, क्योंकि यह वेनिस नहीं है।

इतालवी पक्षकारों का गीत "बेला चाओ"

प्रसिद्ध पक्षपातपूर्ण गीत "बेला चाओ" ("विदाई टू ब्यूटी") भी बेहद लोकप्रिय है। इसे द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान प्रतिरोध के सदस्यों द्वारा गाया गया था। सच है, यह पूरे इटली में वितरित नहीं किया गया था, लेकिन केवल देश के उत्तर में, एपिनेन्स में।

ऐसा माना जाता है कि गीत को किसी वैदिक या चिकित्सक द्वारा लिखा गया है। और राग स्पष्ट रूप से पुराने बच्चों के गीत "स्लीपिंग पोशन" से लिया गया है। हालांकि, 1945 तक कैटेनिया विश्वविद्यालय में आधुनिक इतिहास के प्रोफेसर लुसियानो ग्रैनोज़ी के अनुसार, बेला सियाओ को केवल बोलोग्ना के आसपास के क्षेत्र में कुछ गुरिल्ला समूहों द्वारा प्रदर्शन किया गया था।

ई पिचिया पछिया
ला पोर्टेला
ई पिचिया पछिया

ई पिचिया पछिया
la porticella dicendo: "ओय बेला, मील वियेनी एप्रिर।"
कोन अन मनो मनो?
ला पोर्टा ई कोन ला बोक्का
ला ग्लि ड? संयुक्त राज्य अमेरिका।
ला गिहा दातो अन बेकियो कॉस? टैंटो फोएट ची
ला सूई मम्मा ला ल्हा भेजा?
मा कोसिहै फत्तो, अंजीला मिया
चे तुत्तो इल मोंडो परला माल दी ते?
मा लसिया शुद्ध चे
il mondo 'एल डिगा: io voglio amare chi mi ama me।
आयो वोग्लियो अमरे क्वेल गियोनाटोटो च्लहा
fatt सेनेटनी डि प्रिजिनेस प्रति मेरे।
ल्हा फट् सेटल'नि ई सेते
मेस्सी ई सेटे गियोरनी डी प्रिजियन प्रति मुझ
ई ला प्रिगिऑन
l '? टैंटो स्कुरा,
mi fa paura,
la mi fa morir

बेला सियाओ (विकल्पों में से एक)

मुझे आज सुबह जगाया गया

मुझे आज सुबह जगाया गया
और मैंने खिड़की से दुश्मन को देखा!
ओह गुरिल्ला मुझे ले चलो
ओह, बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
ओह, पक्षपातपूर्ण, मुझे ले लो,
मुझे लगता है कि मेरी मृत्यु निकट है!
अगर मुझे युद्ध में मरना तय है
ओह, बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
अगर मुझे युद्ध में मरना तय है - मुझे दफन कर दो।
पहाड़ों में ऊँचा
ओह, बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
पहाड़ों में ऊँचा
लाल फूल की छाया में!

ओह, बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
एक राहगीर गुजर जाएगा, एक फूल देखेगा
"सुंदर - वह कहेगा - एक फूल!"
वह पक्षपात की स्मृति होगी
ओह, बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
वह पक्षपात की स्मृति होगी
क्या आजादी बहादुरी से पड़ी!
***

Pyatnitsky गाना बजानेवालों द्वारा किया गया इतालवी भाग "बेला, चाओ" का गीत सुनिए:

सभी का पसंदीदा पक्षपातपूर्ण गीत "फिशिया इल वेंटो" ("हवा बह रही है"), यह एक स्पष्ट कम्युनिस्ट चरित्र को बोर करता है। इसलिए, युद्ध के अंत के बाद, वैचारिक उद्देश्यों के लिए, इतालवी सरकार ने "बेला चाओ" गीत को बढ़ावा देना शुरू किया। जिसके लिए केवल उसे धन्यवाद देना चाहिए। किसी भी मामले में, 1 9 47 की गर्मियों में प्राग में होने वाले युवा और छात्रों के प्रथम अंतर्राष्ट्रीय महोत्सव के बाद, गाने को चालीसवें वर्ष के अंत में दुनिया भर में प्रसिद्धि मिली। उसके बाद, यह कई बार प्रख्यात और पूरी दुनिया के प्रसिद्ध गायकों द्वारा कवर नहीं किया गया था।

इटैलियन लोक संगीत का विषय इतना बड़ा है कि एक लेख के ढांचे के भीतर इसे व्यक्त करना असंभव है। यह इस तथ्य के कारण है कि इटली के पूरे इतिहास ने लोक गीतों में अपना प्रतिबिंब पाया है। अविश्वसनीय रूप से मधुर भाषा, शानदार प्रकृति और देश के विकास के एक अशांत इतिहास ने दुनिया को इतालवी लोक गीत के रूप में ऐसी सांस्कृतिक घटना दी है।

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मैंडोलिन एक कड़ा प्लक किया हुआ वाद्य यंत्र है। इसकी उपस्थिति 16 वीं शताब्दी की है, और रंगीन इटली इसकी मातृभूमि बन गई। मांडोलिन एक संगीत वाद्ययंत्र है, जो ल्यूट के समान है, क्योंकि इसमें एक नाशपाती के आकार का आकार भी है। यह ल्यूट से अलग है कि इसमें कम तार और एक छोटी गर्दन है।

मूल रूप से, मैंडोलिन में हमेशा चार युग्मित तार होते हैं (जिसे नियति मेन्डोलिन के रूप में जाना जाता है), और ल्यूट, युग के आधार पर, छह या अधिक तार होते हैं। इस प्रकार के मैंडोलिन के अलावा, इसके अन्य प्रकार ज्ञात हैं:

• सिसिली - एक फ्लैट तल लगने वाले बोर्ड और चार ट्रिपल स्ट्रिंग्स के साथ;
• मिलानीस - छह तारों के साथ, गिटार की तुलना में एक सप्तक;
• जेनोइज़ - पांच-स्ट्रिंग मंडोलिन;
• फ्लोरेंटाइन।

मैंडोलिन कैसे खेलें

आमतौर पर मेन्डोलिन को एक पिक के साथ खेला जाता है, या बल्कि, एक पैलेट्रम। हालांकि, ऐसा होता है कि वे अपनी उंगलियों से खेलते हैं। मेन्डोलिन की ध्वनि अद्वितीय है - ध्वनि का तेज और बार-बार दोहराव (कांपोलो) को इस तथ्य से समझाया जाता है कि जब आप तार को छूते हैं, तो ध्वनि जल्दी से कम हो जाती है, अर्थात यह छोटा हो जाता है। इसीलिए, ध्वनि को लम्बा करने के लिए और कथित रूप से सुस्त नोट पाने के लिए, कांपोलो का उपयोग किया जाता है।

मंडोलिन अपनी स्थापना के बाद एक सदी के भीतर इटली के बाहर व्यापक रूप से जाना जाने लगा। इस यंत्र को बहुत पसंद किया गया और जल्दी से इसे लोक वाद्य का दर्जा मिल गया। अब तक, वह आधुनिक संस्कृति में अधिक से अधिक जड़ें लेती हुई ग्रह को चलाती है।

यह भी ज्ञात है कि मोजार्ट के रूप में इस तरह के एक प्रसिद्ध संगीतकार ने अपने ओपेरा डॉन जुआन में सेनेनेड में मेन्डोलिन का उपयोग किया था।

इसके अलावा, आज के कई बैंड, संगीतकार और गायक इस संगीत वाद्ययंत्र का उपयोग कुछ "स्वाद" देने के लिए करते हैं आपकी रचनाएँ

मैंडोलिन की मदद से, आप पूरी तरह से दोनों के साथ और एकल भाग खेल सकते हैं। उदाहरण के लिए, फॉर्च्यून ऑर्केस्ट्रा को जाना जाता है, जो ध्वनियाँ विभिन्न आकारों के कई मंडोलों से विलीन होती हैं। मैंडोलिन का उपयोग सिम्फनी और ओपेरा ऑर्केस्ट्रा में भी किया जाता है। बैंजो के साथ, मैंडोलिन का उपयोग अमेरिकी ब्लूग्रास और लोक संगीत में भी किया जाता है।

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, मैंडोलिन एक बहुत ही असामान्य संगीत वाद्ययंत्र है और इसे बहुत से लोगों द्वारा पसंद किया जाता है क्योंकि इसका ट्रम्प कार्ड कांपोलो है, जो, शायद, आपको अन्य संगीत वाद्ययंत्रों में नहीं मिलेगा।

मैंडोलिन एक वाद्य यंत्र है जो लोक वाद्ययंत्रों की श्रेणी में सबसे लोकप्रिय है। शायद, कुछ संगीत वाद्ययंत्र ऐसी लोकप्रियता का दावा कर सकते हैं। बल्कि, मेन्डोलिन को पारंपरिक रूप से लोक माना जाता है, हालांकि कई रचनाकारों ने अपने कामों में इसका इस्तेमाल किया, जिससे उन्हें एक विशेष आकर्षण और विशिष्टता मिली। हालांकि मैन्डोलिन का उपयोग अक्सर आर्केस्ट्रा में किया जाता है, यह एक स्वतंत्र संगीत भाग के रूप में बहुत अच्छा लगता है। अन्य उपकरणों के साथ, इस पर विभिन्न दृष्टिकोण और टुकड़े किए जाते हैं।

मैंडोलिन और कहाँ प्रसिद्ध हुआ?

अपेक्षाकृत जल्दी, मंडोलिन संयुक्त राज्य अमेरिका के उत्तर में इटली से चले गए और स्थानीय संगीत में खुद को मजबूती से स्थापित किया। यूरोप में, इस उपकरण ने स्कैंडिनेवियाई लोगों पर विजय प्राप्त की, जिन्होंने मंडोलिन को एक विशेष सख्त पुत्रत्व दिया।

मैंडोलिन के सापेक्ष उपकरण हैं। ये मंडोला, गुलज़ोकी और ऑक्टेव मंडोलिन हैं। आधुनिक समय के रॉक 'एन' रोल हारमोन एक ही मैंडोलिन के समान हैं।

यह ज्ञात है कि लेड जेपेलिन समूह के सदस्य मेन्डोलिन की आवाज़ के बहुत शौकीन थे और इसे अपनी धुन में इस्तेमाल करते थे। यहां तक \u200b\u200bकि बैंड के एक सदस्य जिमी पेज ने मंडोला को एक मंडोला और गिटार की गर्दन के साथ पूरक किया। पॉल मैकार्टनी ने भी इस कठिन संगीत वाद्ययंत्र को प्राथमिकता दी।

अपनी उत्कृष्ट ध्वनि के अलावा, मेन्डोलिन में कई निर्विवाद फायदे हैं:

• सामंजस्यपूर्ण संरचना;
• कॉम्पैक्ट;
• सामान्य रूप से अन्य मंडोलिन या अन्य संगीत वाद्ययंत्रों के साथ संयोजन - गिटार, ब्लॉक बांसुरी।

मेन्डोलिन की ट्यूनिंग कुछ हद तक वायलिन की ट्यूनिंग की याद दिलाती है:

• तार की पहली जोड़ी को 2 सप्तक के ई में ट्यून किया गया है;
• दूसरी जोड़ी 1 सप्तक के ए में है,
• पहली सप्तक की फिर से;
• चौथी जोड़ी तार सप्तक का G है।

मंडोलिन की लोकप्रियता अधिक से अधिक बढ़ रही है। उदाहरण के लिए, "आरिया" समूह के एक सदस्य वादिमिर खोलस्टीन संगीत रचना "पैराडाइज लॉस्ट" में एक मेन्डोलिन का उपयोग करते हैं। इसका उपयोग एपिडेमिया समूह (गीत वॉक योर वे) के धातु ओपेरा और सर्गेई माव्रिन (मकाडाश) द्वारा भी किया जाता है।

और प्रसिद्ध गीत "लूज़िंग माई धर्म" आर.ई.एम. एक अद्वितीय मेन्डोलिन ध्वनि के साथ? ऐसा लगता है कि वह दुनिया के लगभग सभी देशों में जानी जाती है।

मैंडोलिन एक रहस्यमय संगीत वाद्ययंत्र है। उसकी सफलता का रहस्य अभी तक पूरी तरह से सामने नहीं आया है। भले ही इसकी उपस्थिति के चार सौ से अधिक साल बीत चुके हों, लेकिन यह अपनी लोकप्रियता को बिल्कुल नहीं खोता है, बल्कि, इसके विपरीत, अधिक से अधिक प्रशंसकों को प्राप्त कर रहा है। आधुनिक समय में, यह अधिक से अधिक बार संगीत शैलियों की एक विस्तृत विविधता में उपयोग किया जाता है।

यह बहुत ही हड़ताली है कि मैंडोलिन लगभग किसी भी उपकरण में पूरी तरह से फिट होने, सेट करने या लगभग किसी भी उपकरण की आवाज़ को उजागर करने में सक्षम है। इस कुछ जादुई उपकरण की आवाज़ सुनकर, मानो साहसी शूरवीरों, आकर्षक देवियों और गर्वित राजाओं के प्राचीन युग में डूब गए।

वीडियो: एक मेन्डोलिन कैसा लगता है