20वीं सदी की शुरुआत को रोकोको के सौंदर्यशास्त्र, लुई XIV के समय की छवियों, हमेशा के लिए चले गए वीरतापूर्ण युग की पुरानी यादों में "वापसी" द्वारा चिह्नित किया गया था। यह एक व्यक्ति (और, सबसे बढ़कर, एक कलाकार) की अतीत की आकर्षक पेंटिंग्स में जीवन की लगातार तेज होती गति से आश्वासन पाने की स्वाभाविक इच्छा के कारण था।

रूस में, रोकोको युग के दौरान, यूरोपीय प्रकार की पेंटिंग पहली बार दिखाई दी, जिसने अपनी रूसी परंपरा, आइकन पेंटिंग की जगह ले ली। रोकोको प्रवृत्तियाँ 18वीं शताब्दी के मध्य में विशेष रूप से तेजी से फैलीं। रूस में, इस दिशा ने मुख्य रूप से संकीर्ण रूप से केंद्रित चरित्र प्राप्त कर लिया है और विशेष रूप से सेंट पीटर्सबर्ग को प्रभावित किया है। रोकोको को अपनी पूर्ण अभिव्यक्ति थोड़ी देर बाद प्राप्त होगी: रोकोतोव के शुरुआती काम में, लेवित्स्की के "स्मोलन्यांका" में। प्रतिनिधित्वशीलता (जनसंख्या या समग्र रूप से सामान्य जनसंख्या की विशेषताओं के साथ नमूना विशेषताओं का पत्राचार) को अंतरंगता, उत्कृष्ट सजावट और रूपों के एक सनकी खेल द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है।

रोकोको पेंटिंग के मुख्य विषय दरबारी अभिजात वर्ग का उत्कृष्ट जीवन, "वीरतापूर्ण उत्सव" और जटिल प्रेम संबंधों की दुनिया हैं। चित्रकला के विषय केवल प्रेम, कामुकता, कामुकता का पंथ, हल्का प्रेम (कोई गंभीर जुनून नहीं) हैं।

रोकोको कला कल्पना और अंतरंग अनुभवों, सजावटी नाटकीयता, परिष्कार, परिष्कृत परिष्कार की दुनिया है; इसमें वीरता और करुणा के लिए कोई जगह नहीं है - उन्हें प्रेम, कल्पना और आकर्षक ट्रिंकेट के खेल द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। बारोक की भारी और दयनीय गंभीरता को एक अंतरंग, नाजुक सजावट से बदल दिया गया है। रोकोको की छोटी, अल्पकालिक "शताब्दी" का नारा "आनंद के रूप में कला" बन गया, जिसका उद्देश्य प्रकाश, सुखद भावनाओं को उत्तेजित करना, मनोरंजन करना, रेखाओं के विचित्र पैटर्न के साथ आंखों को सहलाना, प्रकाश सुरुचिपूर्ण के उत्कृष्ट संयोजन थे। रंग, जो विशेष रूप से अंदरूनी हिस्सों की स्थापत्य सजावट में व्यक्त किया गया था, नई आवश्यकताओं के साथ रोकोको पेंटिंग को भी अनुकूलित किया गया था। रोकोको की विशेषता सुखवादी मनोदशा, भ्रामक और सुखद जीवन के नाट्य नाटक की दुनिया में वापसी और रमणीय देहाती और कामुक कामुक कथानकों के प्रति झुकाव है। रोकोको कलाकारों को रंग की एक सूक्ष्म संस्कृति, निरंतर सजावटी धब्बों के साथ एक रचना बनाने की क्षमता, समग्र हल्कापन प्राप्त करना, एक हल्के पैलेट द्वारा जोर दिया जाना और फीके, चांदी-नीले, सुनहरे और गुलाबी रंगों के लिए प्राथमिकता की विशेषता थी। रोकोको पेंटिंग के विकास के साथ-साथ, यथार्थवादी आंदोलन की भूमिका भी बढ़ गई; पोर्ट्रेट, स्थिर जीवन, रोजमर्रा की शैली और परिदृश्य अपने चरम पर पहुंच गए।

रोकोको सौंदर्यशास्त्र बारीकियों और संकेतों का सौंदर्यशास्त्र है। किसी व्यक्ति के चित्रण में, मॉडल को देखने की मनोवैज्ञानिक संयमता से लेकर कुछ विशेषताओं के लाभकारी छिपाव तक, वास्तविक चेहरे से धर्मनिरपेक्ष मुखौटे तक, जीवन से भूमिका तक के संक्रमण को पकड़ना पहले की तुलना में बहुत अधिक कठिन है। विपरीतता से। छवि का एक दिलचस्प द्वंद्व उस युग के कई चित्रों की एक मूलभूत विशेषता है। और एक और महत्वपूर्ण बिंदु, फिर से खेल की शुरुआत से संबंधित। 18वीं शताब्दी की पोर्ट्रेट गैलरी के नायक दर्शकों के साथ संवाद करने और उन्हें प्रतिक्रिया देने के लिए प्रोत्साहित करने के इच्छुक हैं। शैली की प्रकृति से चित्रांकन में निहित, यह गुण अब एक नई, सूक्ष्म विशिष्टता प्राप्त करता है। एक आधा मोड़, एक हल्का सा इशारा, एक बमुश्किल ध्यान देने योग्य चेहरे की हरकत, एक आधी मुस्कुराहट, एक धुंधली नज़र या आँखों में एक गीली चमक - "वीरतापूर्ण" सदी के प्रतिनिधियों की छवियां ऐसे क्रमों से बुनी गई हैं।

वीरता युग रोकोको युग को दिया गया नाम है। सामान्य तौर पर, पुरानी दरबारी परंपरा के अनुसार, "वीर" शब्द एक ऐसे व्यक्ति को संबोधित किया जाता था जो विनम्र, विनम्र, मिलनसार था और बड़प्पन और शालीनता से जुड़ा था; साथ ही, जब प्रेम रोमांच के नायकों और नायिकाओं (बोलचाल की भाषा में - प्रेमी, लालफीताशाही) की बात आती थी तो उन्होंने इसका सहारा लिया। 18वीं शताब्दी के अंत तक, वीरता की एक अनूठी अवधारणा विकसित की गई, जो न केवल परिष्कृत व्यवहार के एक संकीर्ण क्षेत्र को दर्शाती है, बल्कि, अधिक व्यापक रूप से, सुखद होने की कला पर आधारित एक शैली और जीवन शैली को दर्शाती है।

"वीरतापूर्ण" युग का शासन लगभग 1715 से 1750 तक चलता है, कुछ स्रोतों में यह अवधि फ्रांसीसी क्रांति की शुरुआत तक बढ़ा दी गई है। वीरतापूर्ण युग की मुख्य विशेषता जीवन के मुख्य सिद्धांत के रूप में आनंद की खेती है। वीरता एक कुलीन परिवेश के पुरुष और महिला के बीच संबंधों का आधार थी। इसके अलावा, उस अवधि के दौरान, एक महिला को "देवी", "विचारों की शासक" घोषित किया गया था, उसकी इच्छाएं पूरी की गईं, उसके सम्मान में छुट्टियां दी गईं, और साथ ही उसे आनंद की वस्तु के रूप में इस्तेमाल किया गया। इसे ही हम सुंदर महिला के सम्मान में कोई करतब दिखाए बिना उसका पंथ कहते हैं। किसी पसंदीदा का समर्थन करना, उसके सम्मान में गेंदें, संगीत कार्यक्रम और मुखौटे देना अच्छा तरीका माना जाता था। वीरतापूर्ण रिश्तों का आधार परिष्कृत छेड़खानी है, जो अक्सर शालीनता की सीमा से आगे नहीं जाती है। इन उद्देश्यों के लिए, एक विशेष संचार प्रणाली थी: "प्रशंसकों की भाषा", "मक्खियों की भाषा", "फूलों की भाषा"।

वीरता युग के दौरान, एक मूल बहाना संस्कृति भी थी जिसका अब पुरातनता और मध्य युग के अनुष्ठान कार्निवल से कोई लेना-देना नहीं था। वीरता युग की विशेषता सजने-संवरने का शौक है। उस अवधि के कई नाटक और कॉमिक ओपेरा निम्नलिखित स्थिति को दर्शाते हैं: एक लड़की अंगिया में बदल जाती है, एक युवक एक लड़की में "बदल जाता है"।

इस समय के आधार पर, ललित और सजावटी कलाओं में वीरतापूर्ण दृश्य जैसी शैली का निर्माण हुआ।

वीरता शैली का जन्मस्थान फ्रांस है, जहां इसकी उत्पत्ति 18वीं शताब्दी (1710 - 1720) की पहली तिमाही में हुई थी। इसके उद्भव का कारण लुई XIV की मृत्यु के बाद धर्मनिरपेक्ष जीवन में बदलाव और लुई XV के शासक, ऑरलियन्स के फिलिप द्वितीय का प्रवेश था। लुई XIV के शासनकाल के अंतिम वर्षों को विभिन्न प्रकार के सुखों, पाखंड, गंभीरता और शालीनता और फैशन में संयम की अस्वीकृति के रूप में चिह्नित किया गया था। ड्यूक ऑफ ऑरलियन्स के आगमन के साथ, अदालत का जीवन नाटकीय रूप से बदल गया, पूर्व राजा के समय से कुछ भी नहीं बचा: फ्रांसीसी अभिजात वर्ग तुच्छता, पागलपन और विलासिता की लहर में डूब गया।

शाही दरबार की चेतना में एक मूलभूत परिवर्तन ने एक नई शैली के निर्माण में योगदान दिया - वीरतापूर्ण दृश्य, जो उच्च समाज के लोगों की तुच्छता और लक्ष्यहीन शगल को दर्शाता है।

वीरतापूर्ण शैली की विशेषताएँ

एक वीरतापूर्ण दृश्य हमेशा एक सुरम्य और काल्पनिक रूप से सुंदर परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ दो या दो से अधिक लोगों के बीच आकस्मिक संचार को दर्शाता है। यह बातचीत, छेड़खानी, खेल, सैर, नृत्य हो सकता है। चित्रों के नायक, प्रकृति की तरह, जिसकी पृष्ठभूमि में इत्मीनान से कार्रवाई सामने आती है, हमेशा सुंदर और सामंजस्यपूर्ण होते हैं (अभिजात वर्ग के दृष्टिकोण से जिन्होंने "वीरतापूर्ण दृश्यों" का आदेश दिया था)।

इन उद्देश्यों के लिए, रोकोको शैली, जो रीजेंसी युग में सटीक रूप से दिखाई देती थी, पूरी तरह उपयुक्त थी - सभ्य, सनकी और हवादार-प्रकाश।

चित्रों के नायकों के पास, एक नियम के रूप में, वास्तविक प्रोटोटाइप नहीं होते हैं: ये विशिष्ट व्यक्तियों के चित्र नहीं हैं, बल्कि "वीरता उत्सव" के आकर्षक अतिरिक्त हैं। वीरतापूर्ण दृश्य का कोई विशिष्ट कथानक नहीं होता, अर्थात् इसके विकास में कोई क्रिया नहीं होती। वीरतापूर्ण दृश्य के उस्तादों का मुख्य सिद्धांत शांत और पूर्ण खुशी के माहौल में आदर्श रूप से सुंदर लोगों का चित्रण है। वीरतापूर्ण दृश्यों में चिंता या हल्की सी नाराजगी भी दिखावटी और अवास्तविक लगती है। कभी-कभी तथाकथित चरवाहों को वीरतापूर्ण दृश्यों के रूप में भी वर्गीकृत किया जाता है - "चरवाहा प्रेम" का विषय: सुरुचिपूर्ण चरवाहे समान रूप से परिष्कृत चरवाहों से प्रेमालाप प्राप्त करते हैं।

कथानक की इस कमी के साथ-साथ प्रकृति के अलंकरण की प्रबोधन दार्शनिकों द्वारा तीखी आलोचना की गई।

डेनिस डिडेरॉट ने लिखा है कि फ्रेंकोइस बाउचर की "वीरतापूर्ण" पेंटिंग सुरुचिपूर्ण हैं, हालांकि, धोखेबाज और स्वाद की कमी है, और मारमोंटेल का मानना ​​​​था कि "बाउचर ने सच्ची कृपा नहीं देखी।"

वीरतापूर्ण दृश्य की एक अन्य विशेषता तुच्छता और कामुकता है, जो न केवल कला में, बल्कि वीरता युग के कुलीन विश्वदृष्टि में भी निहित थी।

इस शैली में काम करने वाले कलाकारों में फ्रेंकोइस बाउचर, एंटोनी वट्टू, जीन होनोर फ्रैगोनार्ड, मौरिस क्वेंटिन डी लैटौर शामिल हैं।

जहाँ तक रूसी कलाकारों की बात है, इसमें "कला की दुनिया" के कलाकार शामिल हैं - कॉन्स्टेंटिन सोमोव, एवगेनी लांसरे और अलेक्जेंडर बेनोइस, जो एक शानदार और साथ ही वीरता युग की दुखद छवि बनाते हैं। उनके चित्रों में उन लोगों के दुःख को महसूस किया जा सकता है जो मैरी एंटोनेट और उसके परिष्कृत दरबारियों के भाग्य को जानते हैं। बेनोइट की "वर्साइल्स" श्रृंखला, सोमोव की "बुक ऑफ़ द मार्क्विस", लांसरे की पूर्वव्यापी और शैलीबद्ध कृतियों ने अतीत के पुनर्निर्माण के कार्य को आगे नहीं बढ़ाया - यह गेंदों और प्रेम की उज्ज्वल और लापरवाह दुनिया पर 20वीं सदी के एक व्यक्ति का दृष्टिकोण था। "मिर्स ऑफ आर्ट्स" की पेंटिंग्स युग का एक बेहद आदर्श विचार देती हैं, लेकिन यह उन्हें कला के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं बनाती है।

दुनिया के उचित पैटर्न, प्रकृति की सुंदरता, नैतिक आदर्शों के बारे में विचार

आसपास की दुनिया का वस्तुनिष्ठ प्रतिबिंब

सद्भाव की उचित स्पष्टता, सख्त सादगी के लिए प्रयास करना

सौन्दर्यपरक स्वाद का निर्माण

भावनाओं को व्यक्त करने में संयम और शांति

कार्यों में बुद्धिवाद और तर्क

रोकोको है...

18वीं शताब्दी की कला में एक शैली, जो परिष्कृत और जटिल रूपों के प्रति झुकाव की विशेषता है, विचित्र रेखाएं एक शंख के आकार की याद दिलाती हैं।

43. रोकेल है……रोकोको शैली के आभूषण का मुख्य तत्व, एक खोल के कर्ल और अजीब पौधों के आकार की याद दिलाता है।

44. मैस्कारॉन है...मानव या पशु के सिर के आकार में किसी भवन की मूर्तिकला सजावट का प्रकार पूरा चेहरा

45. भावुकता है...यह 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के साहित्य और कला में एक दिशा है, जो मानवीय भावनाओं में बढ़ती रुचि और हमारे आसपास की दुनिया के प्रति एक भावनात्मक दृष्टिकोण की विशेषता है, जहां मनुष्य और प्रकृति के लिए प्यार पहले आता है।

क्लासिकिज्म की उत्कृष्ट वास्तुशिल्प संरचनाओं में से किसको "फेयरीटेल ड्रीम" कहा जाता है

पेरिस के बाहरी इलाके में फ्रांसीसी राजाओं का निवास स्थान वर्साय का महल है।

47. क्लासिकिज़्म के युग में शहरी नियोजन के सिद्धांत:

एक ही योजना के अनुसार बनाई गई इमारतों से एक आदर्श शहर बनाना। शहरी पहनावा योजना में एक वर्ग या आयत के रूप में डिज़ाइन किया गया है। उनके अंदर, केंद्र में एक शहर के वर्ग के साथ सड़कों की एक सख्ती से नियमित आयताकार या रेडियल रिंग प्रणाली की योजना बनाई गई है।

48. एन. पॉसिन के काम को चित्रकला में शास्त्रीयता का शिखर क्यों कहा जाता है?

एन. पॉसिन - क्लासिकिज़्म शैली के संस्थापक। प्राचीन पौराणिक कथाओं, प्राचीन इतिहास और बाइबिल के विषयों की ओर मुड़ते हुए, पॉसिन ने अपने समकालीन युग के विषयों का खुलासा किया। अपने कार्यों से उन्होंने उच्च नैतिकता और नागरिक वीरता के उदाहरण दिखाते और गाते हुए एक आदर्श व्यक्तित्व का निर्माण किया।

एन. पॉसिन

49. महानतम गुरुओं को क्या एकजुट करता है "वीरतापूर्ण शैली"- ए. वट्टू और एफ. बाउचर

प्राचीन प्रकृति की पृष्ठभूमि में जटिल प्रेम संबंधों और जीवन की दुनिया।

विनीज़ क्लासिकिज़्म के संगीतकारों के नाम बताइए।

ए - जोसेफ हेडन, बी - वोल्फगैंग मोजार्ट, सी - लुडविग वान बीथोवेन

ए बी सी

51. सिम्फनी है...(कॉन्सोनेंस) एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए एक काम, जिसमें 4 भाग होते हैं, जहां पहले और आखिरी भाग में समान कुंजियाँ होती हैं, और मध्य भाग मुख्य से संबंधित कुंजियों में लिखे होते हैं, जो निर्धारित है

संभवतः, ललित कला की प्रत्येक शैली और शैली में उन प्रतिनिधियों का नाम लिया जा सकता है जो उनके व्यक्तित्व हैं। इसलिए, उदाहरण के लिए, पुनर्जागरण चित्रकला में माइकल एंजेलो और राफेल की विजय हुई, बारोक में - पीटर पॉल रूबेन्स, आर्ट नोव्यू में - गुस्ताव क्लिम्ट और अल्फोंस मुचा। और अगर हम रोकोको की ललित कला के बारे में बात करते हैं, तो सबसे पहले एंटोनी वाटो और फ्रेंकोइस बाउचर जैसे उस्तादों के नाम दिमाग में आते हैं।

एंटोनी वॉट्टो

फ्रेंकोइस बाउचर

यह पोस्ट रोकोको पेंटिंग और इस शैली के सबसे प्रसिद्ध उस्तादों को समर्पित है, जिसे मैं सभी कला प्रेमियों को सुझाता हूं। रोकोको पेंटिंग के मुख्य विषय दरबारी अभिजात वर्ग का उत्कृष्ट जीवन, "वीरतापूर्ण उत्सव", प्राचीन प्रकृति (तथाकथित देहाती पेंटिंग) की पृष्ठभूमि के खिलाफ "चरवाहा" जीवन की सुखद तस्वीरें हैं। टेपेस्ट्री "शेफर्डेस" को याद रखें, जो कथित तौर पर लटकी हुई है कुलीन वर्ग के नेता इप्पोलिट मतवेयेविच वोरोब्यानिनोव के घर में, अविस्मरणीय ओस्टाप बेंडर ने पुरालेखपाल कोरोबेनिकोव से मुलाकात के दौरान किसके बारे में याद करने का नाटक किया था?), जटिल प्रेम साज़िशों और चालाक रूपक की दुनिया।

मानव जीवन छोटा और क्षणभंगुर है, इसलिए व्यक्ति को "खुशी के पल" को जब्त करना चाहिए, जल्दी करना चाहिए और महसूस करना चाहिए - यह 18 वीं शताब्दी के कई फ्रांसीसी अभिजात वर्ग का मानना ​​​​था, जो कि प्रबुद्धता के दार्शनिकों के विचारों से बहुत दूर था, जो जो हुआ उसे करीब लाया। 1789. सुखवाद और महाकाव्यवाद में फँसे हुए, वे उस क्रांतिकारी लहर का वस्तुतः कोई प्रतिरोध करने में असमर्थ थे जिसने उन्हें और "परिष्कृत सुखों" की दुनिया को बहा दिया, जिसके वे आदी थे। और यह कोई संयोग नहीं है कि 1789 की फ्रांसीसी क्रांति और जैकोबिन आतंक के बाद कला में फिर से तीव्र बदलाव आया, जिसके परिणामस्वरूप साम्राज्य शैली जैसी शैली का उदय हुआ।

वैसे, क्या कुछ ऐतिहासिक समानताएँ स्पष्ट नहीं हैं?

रोकोको शैली के बारे में पिछली पोस्ट में, मैंने पहले ही लिखा था कि इसका उत्तराधिकारी, एक सदी से भी अधिक समय बाद, आर्ट नोव्यू माना जा सकता है। 20वीं सदी की शुरुआत में रूस में वास्तुकला और ललित कला से लेकर साहित्य और फैशन तक हर चीज में आर्ट नोव्यू की असाधारण लोकप्रियता को काफी हद तक उसी सुखवाद द्वारा समझाया गया है, इस समय रूसी अभिजात वर्ग और बुद्धिजीवियों (आखिरकार, 20वीं सदी, 18वां नहीं)। इसके अलावा, बीसवीं सदी की शुरुआत में रूस के युवाओं में बेहद फैशनेबल पतनशीलता भी है। कवि एम. कुज़मिन, जिन्होंने पिछली शताब्दी की शुरुआत में रूस में "सुंदर और हवादार छोटी चीज़ों की भावना" की प्रशंसा की थी, निश्चित रूप से लुई XV के पसंदीदा, पोम्पडौर के मार्क्विस, के साथ एक ही अर्थ लहर में हैं, जिन्होंने घोषणा की: "हमारे बाद बाढ़ आ सकती है।"

जैसा कि आप जानते हैं, यह "बाढ़" न तो पूर्व-क्रांतिकारी फ़्रांस में और न ही पूर्व-क्रांतिकारी रूस में आने में ज़्यादा समय नहीं था। और तथ्य यह है कि अंत में यूएसएसआर में, कोर्बुज़िए की भावना में रचनावाद के प्रयोगों के बाद, एक अनिवार्य रूप से उदार शैली, जिसे "स्टालिनवादी साम्राज्य शैली" कहा जाता है, की जीत हुई, यह भी बहुत कुछ कहता है (हालांकि, निश्चित रूप से, जिसे कहा जाता है) "स्टालिनवादी साम्राज्य शैली", वास्तुकला की दृष्टि से, बिल्कुल साम्राज्य शैली नहीं)।

हालाँकि, यह मुझे कुछ हद तक सांस्कृतिक और ऐतिहासिक समानता में ले गया। आइए रोकोको पेंटिंग, यानी 18वीं सदी की ओर लौटते हैं।

अधिकांश रोकोको चित्रकारों के लिए, वीनस, डायना, अप्सराएं और कामदेव प्राचीन पौराणिक कथाओं के अन्य सभी देवताओं को ग्रहण करते हैं, ईसाई विषयों का तो जिक्र ही नहीं, जिन्हें पूरी तरह से नजरअंदाज कर दिया गया है। सभी प्रकार के "स्नान", "सुबह के शौचालय" और तत्काल सुख अब शायद छवि का मुख्य विषय हैं।

विदेशी रंग के नाम फैशन में हैं: "एक भयभीत अप्सरा की जांघ का रंग" (मांस), "दूध में तैरते गुलाब का रंग" (हल्का गुलाबी), "खोए हुए समय का रंग" (नीला), आदि। स्पष्ट रूप से सोची-समझी गई, क्लासिकिज्म की गरिमामय रचनाएँ एक सुरुचिपूर्ण और परिष्कृत डिजाइन का मार्ग प्रशस्त करती हैं।

एंटोनी वॉटो (1684 - 1721)समकालीनों ने उन्हें "बेफिक्र फुर्सत का कवि", "अनुग्रह और सौंदर्य का गायक" कहा। अपने कार्यों में, उन्होंने सदाबहार पार्कों में पिकनिक, प्रकृति की गोद में संगीत और नाटकीय संगीत कार्यक्रम, प्रेमियों के भावुक बयानों और झगड़ों, रमणीय तिथियों, गेंदों और मुखौटों का चित्रण किया। साथ ही, उनके चित्रों में दर्दनाक उदासी, सौंदर्य की क्षणभंगुरता की भावना और जो हो रहा है उसकी क्षणभंगुरता का एहसास होता है।

लेकिन यात्रा करने वाले हास्य कलाकारों के प्रदर्शन के संकेत के रूप में 1720 में बनाई गई एंटोनी वट्टू की यह पेंटिंग उनकी सच्ची कृति है। यह कहा जाता है "गिल्स।"

गाइल्स फ़्रेंच कॉमेडी ऑफ़ मास्क के मुख्य पात्रों में से एक है, जो इतालवी कमेडिया डेल'आर्टे के नायक पिय्रोट के अनुरूप है। एक अनाड़ी, भोला प्राणी मानो विशेष रूप से चतुर और धूर्त हार्लेक्विन के लगातार उपहास और चालों के लिए बनाया गया हो। दर्शकों के सामने खोए और निश्चल खड़े हास्य अभिनेता की अजीब मुद्रा में, कोई एक वार्ताकार की उसकी निरर्थक खोज को महसूस कर सकता है जो उसे सुन और समझ सके। परन्तु सफलता नहीं मिली। जोकर की थकी हुई और उदास उपस्थिति में एक ऐसे व्यक्ति के अकेलेपन का विचार छिपा है जो ऊबे हुए दर्शकों का मनोरंजन और मनोरंजन करने के लिए मजबूर है। इस तस्वीर में, एंटोनी वट्टू अपने समकालीन समाज में प्रचलित सुखवादी रीति-रिवाजों पर कदम उठाने का प्रयास करते दिख रहे हैं, यहीं उनकी प्रतिभा की महानता निहित है।

"गिल्स" - एंटोनी वट्टू की मुख्य कृति, जिनकी 36 वर्ष की आयु में मृत्यु हो गई, उनके द्वारा उनकी मृत्यु से कुछ समय पहले लिखी गई थी। मुझे लगता है कि इस पर टिप्पणी करने की कोई जरूरत नहीं है.'

फ्रेंकोइस बाउचर (1703 - 1770)खुद को एंटोनी वट्टू का वफादार छात्र मानते थे। कुछ लोगों ने उन्हें "शानों का कलाकार", "पेंटिंग का एनाक्रेओन", "शाही चित्रकार" कहा। बाद वाले ने उनमें "एक पाखंडी कलाकार" देखा, "जिसके पास सच्चाई के अलावा सब कुछ है।" फिर भी अन्य लोगों ने संदेहपूर्वक कहा: "उसका हाथ वहां गुलाब इकट्ठा करता है जहां दूसरों को केवल कांटे मिलते हैं।"

फ़्राँस्वा बाउचर ने लुई XV के प्रसिद्ध पसंदीदा के कई औपचारिक चित्र चित्रित किए मार्क्विस पोम्पडौर, जिन्होंने कलाकार को संरक्षण दिया।

एफ. बाउचर की मार्कीज़ की सबसे प्रसिद्ध छवि पेंटिंग है "मैडम डी पोम्पडौर" 1756, जिसमें नायिका को उसके कलात्मक स्वाद और शौक की याद दिलाने वाली वस्तुओं से घिरा हुआ प्रस्तुत किया गया है। साथ ही, उनके हाथ में मौजूद पुस्तक ज्ञानोदय और बौद्धिक गतिविधियों के प्रति प्रतिबद्धता का एक स्पष्ट संकेत है ("हमारे बाद, यहां तक ​​कि एक बाढ़ भी!" याद रखें? वह एक बुद्धिजीवी और ज्ञानोदय की समर्थक भी हैं!!!)

पोम्पडौर के मार्क्विस ने उदारतापूर्वक कलाकार को धन्यवाद दिया, पहले उन्हें टेपेस्ट्री कारख़ाना का निदेशक नियुक्त किया (ठीक है, हाँ, अन्यथा प्रसिद्ध "शेफर्डेस" टेपेस्ट्री कहाँ से आती?), और फिर कला अकादमी के अध्यक्ष, उन्हें उपाधि दी "राजा का पहला चित्रकार।"

फ्रांसीसी शाही अदालत के आदेशों को पूरा करने के अलावा, फ्रेंकोइस बाउचर ने लगातार विभिन्न प्रकार के तुच्छ दृश्यों को चित्रित करना शुरू कर दिया, जिनमें से मुख्य पात्र आकर्षक, शर्मीली चरवाहे या पौराणिक वीनस और डायनास के रूप में मोटी नग्न सुंदरियां थीं।

उनकी पेंटिंग्स अस्पष्ट संकेतों, तीखे विवरणों (चरवाहे की स्कर्ट का उठा हुआ किनारा, नहाती हुई डायना का सहसा उठा हुआ पैर, उसके होंठों पर दबी हुई उंगली, एक वाक्पटु, आकर्षक रूप, प्रेमियों के पैरों पर लिपटी भेड़, चुंबन) से परिपूर्ण हैं। कबूतर, आदि)।

खैर, फ्रेंकोइस बाउचर अपने युग के फैशन और स्वाद को अच्छी तरह से जानते थे!

विश्व चित्रकला के इतिहास में, फ्रेंकोइस बाउचर अभी भी रंग और उत्कृष्ट ड्राइंग के एक शानदार स्वामी बने हुए हैं, जिनकी पेंटिंग खुशी, प्यार और खूबसूरत सपनों की दुनिया का आह्वान करती हैं।

"वीरतापूर्ण शैली" - रोकोको पेंटिंग

"वीरतापूर्ण शैली" रोकोको ("सनकी", "मज़बूत"; रोसेल से फ्रेंच रोकोको - पत्थरों, गोले के टुकड़े) के स्वामी, एक शैली आंदोलन जो 18 वीं शताब्दी की पहली तीन तिमाहियों के दौरान यूरोपीय कला पर हावी था। यह एक चरण के रूप में इतनी अधिक स्वतंत्र कलात्मक घटना का प्रतिनिधित्व नहीं करता था, पैन-यूरोपीय बारोक शैली का एक निश्चित चरण। शब्द "रोकोको" फ्रांस में 18वीं शताब्दी के अंत में, क्लासिकवाद के उत्कर्ष के दौरान, 18वीं शताब्दी की सभी शिष्टाचारी और दिखावटी कला के लिए एक अपमानजनक उपनाम के रूप में उभरा: एक घुमावदार, मनमौजी रेखा, एक की रूपरेखा की याद दिलाती है शंख, इसकी मुख्य विशेषता है। रोकोको कला कल्पना और अंतरंग अनुभवों, सजावटी नाटकीयता, परिष्कार, परिष्कृत परिष्कार की दुनिया है; इसमें वीरता और करुणा के लिए कोई जगह नहीं है - उन्हें प्रेम, कल्पना और आकर्षक ट्रिंकेट के खेल द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। रोकोको पेंटिंग के मुख्य विषय दरबारी अभिजात वर्ग का उत्कृष्ट जीवन, प्राचीन प्रकृति की पृष्ठभूमि में "चरवाहा" जीवन की सुखद तस्वीरें, जटिल प्रेम संबंधों की दुनिया और सरल रूपक हैं। मानव जीवन तात्कालिक और क्षणभंगुर है, और इसलिए हमें "खुशहाल पल" का लाभ उठाना चाहिए, जीने और महसूस करने की जल्दी करनी चाहिए। "आकर्षक और हवादार छोटी चीज़ों की भावना" "शाही शैली" के कई कलाकारों के काम का मूलमंत्र बन जाती है।

एंटोनी वट्टू एंटोनी वट्टू को उनके समकालीन लोग "लापरवाह फुर्सत के कवि" और "वीरतापूर्ण उत्सव", "अनुग्रह और सौंदर्य के गायक" कहते थे। अपने कार्यों में, उन्होंने सदाबहार पार्कों में पिकनिक, प्रकृति की गोद में संगीत और नाटकीय संगीत कार्यक्रम, प्रेमियों के भावुक बयानों और झगड़ों, रमणीय तिथियों, गेंदों और मुखौटों का चित्रण किया। साथ ही, उनकी पेंटिंग्स में एक दर्दनाक उदासी भी समाहित है। सौंदर्य की क्षणभंगुरता और जो हो रहा है उसकी क्षणभंगुरता की अनुभूति।

एंटोनी वट्टू. क्यथेरा द्वीप की तीर्थयात्रा। 1717-1718 लौवर. पेरिस. कलाकार की प्रसिद्ध पेंटिंग में से एक है "साइथेरा द्वीप की तीर्थयात्रा।" प्यारी देवियाँ और वीर सज्जन समुद्र की खाड़ी के फूलों से सजे तट पर एकत्र हुए। वे प्रेम और सौंदर्य की देवी वीनस के द्वीप - साइथेरा द्वीप के लिए रवाना हुए, जहां, किंवदंती के अनुसार, वह समुद्र के झाग से उभरी थी। गर्म, नरम रंग, मंद रंग, हल्के ब्रश स्ट्रोक - यह सब आकर्षण और प्रेम का एक विशेष वातावरण बनाता है।

सच्ची उत्कृष्ट कृतियों में से एक वट्टू की पेंटिंग "गिल्स" ("पियरोट") है, जो यात्रा करने वाले हास्य कलाकारों के प्रदर्शन के लिए एक संकेत के रूप में बनाई गई है। गाइल्स फ़्रेंच कॉमेडी ऑफ़ मास्क का मुख्य और पसंदीदा पात्र है। पिएरो के साथ व्यंजन - इतालवी कॉमेडिया डेल'आर्टे के नायक। ऐसा लगता है कि अनाड़ी, भोला प्राणी विशेष रूप से चतुर और धूर्त हार्लेक्विन के लगातार उपहास और चालों के लिए बनाया गया है। कलात्मक रूप से, चित्र को शानदार ढंग से चित्रित किया गया है। रूपांकन और रचना की अत्यधिक सादगी को यहां सटीक डिजाइन और सावधानीपूर्वक सोचे गए रंगों के साथ जोड़ा गया है। एंटोनी वट्टू. गाइल्स. 1721. लौवर। पेरिस. (पियरोट की वेशभूषा में मेले थिएटर के हीरो गाइल्स)।

एंटोनी वट्टू. इतालवी हास्य कलाकार.

एंटोनी वट्टू. फ्रांसीसी थिएटर के अभिनेता।

एंटोनी वट्टू. प्यार का गामा.

एंटोनी वट्टू. मनमौजी. 1718 के आसपास। आश्रम। पीटर्सबर्ग.

एंटोनी वट्टू. मेज़ेटेन। 1717-1719 राजधानी कला का संग्रहालय। एनवाई.

एंटोनी वट्टू. एक मर्मोट के साथ सेवॉयर्ड।

फ्रेंकोइस बाउचर फ्रेंकोइस बाउचर (1703-1770) खुद को वट्टू का वफादार छात्र मानते थे। कुछ लोगों ने उन्हें "शानों का कलाकार", "पेंटिंग का एनाक्रेओन", "शाही चित्रकार" कहा। दूसरों ने उन्हें एक "पाखंडी" कलाकार के रूप में देखा "जिसके पास सच्चाई के अलावा सब कुछ है।" फिर भी अन्य लोगों ने संदेहपूर्वक कहा: "उसका हाथ वहां गुलाब इकट्ठा करता है जहां दूसरों को केवल कांटे मिलते हैं।"

कलाकार ने राजा लुईस XV के पसंदीदा, मार्क्विस डी पोम्पाडॉर के कई चित्र बनाए। यह ज्ञात है कि उसने बाउचर को संरक्षण दिया था और एक से अधिक बार उसे देश के आवासों और पेरिस की हवेली के लिए धार्मिक विषयों की पेंटिंग का आदेश दिया था। पेंटिंग "मैडम डी पोम्पाडॉर" में नायिका को बिखरे हुए फूलों और शानदार वस्तुओं से घिरा हुआ दिखाया गया है, जो उसके कलात्मक स्वाद और शौक की याद दिलाते हैं। वह हरे-भरे, भव्य पर्दे की पृष्ठभूमि में राजसी ढंग से बैठी है। उनके हाथ में मौजूद पुस्तक ज्ञानोदय और बौद्धिक गतिविधियों के प्रति प्रतिबद्धता का स्पष्ट संकेत है। मार्क्विस ने कलाकार को उदारतापूर्वक धन्यवाद दिया। उसने उन्हें गोबेलिन कारख़ाना का निदेशक नियुक्त किया, और फिर उन्हें "राजा के पहले चित्रकार" की उपाधि से सम्मानित किया। फ्रेंकोइस बाउचर. मैडम डी पोम्पडौर. 1756 अल्टे पिनोटेक, म्यूनिख।

फ्रेंकोइस बाउचर ने एक से अधिक बार तुच्छ दृश्यों के चित्रण की ओर रुख किया, जिनमें से मुख्य पात्र सुंदर, शर्मीली चरवाहे या पौराणिक वीनस और डायनास के रूप में मोटी नग्न सुंदरियां थीं। उनकी पेंटिंग्स अस्पष्ट संकेतों, तीखे विवरणों (गड़रिये की साटन स्कर्ट का उठा हुआ किनारा, स्नान कर रही डायना का सहमा हुआ पैर, उसके होंठों पर दबी हुई उंगली, एक वाक्पटु, आकर्षक रूप, प्रतीकात्मक रूप से चुंबन करते कबूतर, आदि) से परिपूर्ण हैं। ) कलाकार अपने युग के फैशन और स्वाद को अच्छी तरह से जानता था! फ्रेंकोइस बाउचर. डायना नहा रही है. . 1742 लौवर. पेरिस.

चित्रकला के इतिहास में, फ्रेंकोइस बाउचर रंग और उत्कृष्ट डिजाइन के एक शानदार स्वामी बने हुए हैं। मजाकिया रचनाएँ, पात्रों के असामान्य कोण, लगभग नाटकीय दृश्यों के विचित्र छायाचित्र, समृद्ध रंग लहजे, छोटे, हल्के स्ट्रोक, चिकनी बहती लय में लगाए गए पारदर्शी पेंट के उज्ज्वल प्रतिबिंब - यह सब एफ बाउचर को पेंटिंग का एक नायाब मास्टर बनाता है। उनकी पेंटिंग सजावटी पैनलों में बदल जाती हैं, हॉल और लिविंग रूम के शानदार अंदरूनी हिस्सों को सजाती हैं, वे खुशी, प्यार और खूबसूरत सपनों की दुनिया का आह्वान करती हैं। फ्रेंकोइस बाउचर. नींद में खलल.

फ्रेंकोइस बाउचर. पैन और सिरिंज.

फ्रैगोनार्ड जीन होनोर फ्रांसीसी चित्रकार और उत्कीर्णक, लुई XVI के युग के महानतम गुरु। अपने कुशलतापूर्वक निष्पादित वीरतापूर्ण और रोजमर्रा के दृश्यों के लिए प्रसिद्ध हो गया, जिसमें रोकोको की सुंदरता को प्रकृति के प्रति निष्ठा, प्रकाश-वायु प्रभाव की सूक्ष्मता और राजसी प्राचीन खंडहरों के साथ जोड़ा गया है। वास्तविक अवलोकनों के आधार पर बनाए गए कार्यों के साथ-साथ, वह देहाती रचनाएँ भी करते हैं - सुधार करते हुए, वह दृश्य को इतनी जीवंतता के साथ पुन: पेश करते हैं कि यह जीवन से चित्रित लगता है। फ्रैगोनार्ड जीन ऑनर

फ्रैगोनार्ड. ताज पहनाया हुआ प्रेमी.

फ्रैगोनार्ड. चुपके से चुंबन

फ्रैगोनार्ड. मानस बहनों को कामदेव के उपहार दिखाता है।

ऑनर फ्रैगोनार्ड. "स्विंग" 1766.

फ्रैगोनार्ड. संगीत का पाठ

ENGR जीन अगस्टे डोमिनिक (1780-1867), फ्रांसीसी चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन। रचना, सख्त और सूक्ष्म चित्रण, सच्चा, मार्मिक चित्रण का एक शानदार स्वामी ("एल. एफ. बर्टिन", 1832)। अपने चित्रों में उन्होंने अकादमिक क्लासिकिज़्म ("द एपोथेसिस ऑफ़ होमर", 1827) के मुख्य प्रतिनिधि के रूप में काम किया। 1806 में, इंग्रेस अंततः इटली चले गए, जहां वे कई वर्षों तक रहे (1806-20 - रोम, 1820-24 - फ्लोरेंस), उत्साहपूर्वक पुनर्जागरण की इतालवी कला, विशेष रूप से राफेल का अध्ययन किया। कई उत्कृष्ट कृतियाँ बनाई गईं: चित्र "ग्रैनेट" (1807, ऐक्स-एन-प्रोवेंस); "मैडम डेवोज़" (1807, कोंडे संग्रहालय, चैंटिली); "मार्कोटे डी'अर्जेंटीउल" (1810, नेशनल गैलरी, वाशिंगटन); "कार्डियर" (1811, लौवर, पेरिस); "मैडम ज़ेनो" (1816, नैनटेस में संग्रहालय); "गुरीवा" (1821, हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग) लुई डेविड, आर्टिस्ट इंग्रेस का पोर्ट्रेट, लगभग 1800, पुश्किन संग्रहालय, मॉस्को

इंजी. महान ओडालिस्क. 1814 तेल, कैनवास. लौवर, पेरिस.

इंजी. स्रोत

इंजी. काउंट गुरयेव का पोर्ट्रेट। 1821 तेल, कैनवास. हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

रोकोको सजावटी कला मीसेन मूर्तियाँ।

रोकोको शैली का फर्नीचर

रोकोको शैली में फर्नीचर। शीत महल। सेंट पीटर्सबर्ग।

प्रश्न और कार्य: ए. वट्टू खुशी और उदासी के चित्रकार हैं। "पेंटर ऑफ़ ग्रेसेस" - एफ. बाउचर। रोकोको की सजावटी और अनुप्रयुक्त कलाएँ। इस विषय पर एक निबंध लिखें "एंटोनी वट्टू के चित्रों के नायक क्या सपने देख सकते हैं और किस बारे में बात कर सकते हैं।"

4. वीरता युग की पेंटिंग

फ्रांस में "गैलेंट" पेंटिंग रोमन-हेलेनिस्टिक आंदोलन और प्रारंभिक रूमानियतवाद के समानांतर अस्तित्व में थी, मूल रूप से स्कॉटिश स्कूल से, और महान फ्रांसीसी क्रांति तक हावी रही।

कलात्मक जीवन तब चित्रकला के क्षेत्र में उन रूपों में आकार लेने लगा, जिनमें वह आज भी दिखाई देता है। अकादमियों, प्रदर्शनियों और कला आलोचना का मुक्त कलात्मक विकास पर बहुत प्रभाव पड़ने लगा। रॉयल अकादमी के साथ, जिसने सर्वोत्तम ताकतों को आकर्षित किया, सेंट अकादमी भी। पेरिस में ल्यूक, चित्रकारों के पुराने संघ से रूपांतरित होकर, शायद ही कभी एक शानदार नाम का दावा कर सके; और, पेरिस अकादमी के साथ, प्रांतीय उच्च कला विद्यालय, जिनमें से टूलूज़, मोंटपेलियर और ल्योन की अकादमियों ने पहला स्थान हासिल किया, एक सामान्य नियम के रूप में, केवल स्थानीय कलात्मक जरूरतों को पूरा कर सकते थे। केवल पेरिस में रॉयल अकादमी के लिए "अनुमोदित" लोगों को लौवर के "सैलून" में प्रदर्शन करने का अधिकार था; कुछ साल बाद, "प्रवेश के अधिकार के लिए चित्र" की प्रस्तुति पर, उन्हें साधारण शिक्षाविद की उपाधि मिली। हालाँकि, यह अकादमी एकतरफापन की भर्त्सना की पात्र नहीं है। उन्होंने अपने साथी सदस्यों के बीच वट्टू के शिक्षक क्लॉड गिलोट को "फैशनेबल विषयों के चित्रकार" के रूप में स्वीकार किया, वट्टू ने खुद को "उत्सवों के चित्रकार" के रूप में स्वीकार किया, ग्रीज़ को "शैली चित्रकार" के रूप में स्वीकार किया; अन्य कलाकारों को इसकी सूची में परिदृश्य चित्रकारों, जानवरों, फूलों आदि के चित्रकारों के रूप में नामित किया गया है। "स्क्वायर सैलून" और लौवर की "भव्य गैलरी" में अकादमिक प्रदर्शनियों के साथ, जो 1737 से नियमित रूप से दोहराए गए और अपने उच्चतम स्तर पर पहुंच गए। 1789 में सीमा, और सेंट अकादमी भी। लुकी और युवा संघ ने अपनी स्वयं की प्रदर्शनियाँ आयोजित कीं।

"वीरतापूर्ण सिद्धांतों" का पालन करने वाले सभी चित्रकारों में से कई सबसे महत्वपूर्ण शख्सियतें पारंपरिक रूप से प्रतिष्ठित हैं।

5. जीन-मार्क नटियर (1685-1766)

नैटियर सबसे पुराने "वीर" चित्रकारों में से एक हैं, और उनके काम में वर्णित दिशा कुछ हद तक प्रकट हुई थी।

कलाकारों के परिवार में जन्मे: उनके पिता मार्क एक चित्रकार थे, उनकी माँ मैरी कोर्टुआ ने लघु चित्र बनाए, और उनके भाई जीन-बैप्टिस्ट ने ऐतिहासिक विषयों पर आधारित पेंटिंग बनाईं।

जीन-मार्क नटिएर ने पेंटिंग की पहली शिक्षा अपने पिता से प्राप्त की, फिर रॉयल अकादमी में ड्राइंग पाठ्यक्रम में भाग लिया। पंद्रह वर्ष की आयु में (!) नैटियर को पेरिस अकादमी के प्रथम कला पुरस्कार से सम्मानित किया गया।

1717 में, नटियर हॉलैंड की यात्रा पर गए, एम्स्टर्डम में पीटर I से मिले और ज़ार और रूसी महारानी कैथरीन के चित्र बनाए। पीटर ने नटिएर को फ्रांस छोड़ने और उसके साथ रूस जाने के लिए आमंत्रित किया, लेकिन, अपनी मातृभूमि के प्रति अपने प्रेम का हवाला देते हुए, कलाकार ने उसके प्रस्ताव को अस्वीकार कर दिया। जीन-मार्क नटिएर ने अपना लगभग पूरा जीवन पेरिस में बिताया।

जीन-मार्क नटियर पेंटिंग की एक नई शैली के निर्माता हैं - ऐतिहासिक चित्र (फ़्रेंच पोर्ट्रेट इतिहास), मुख्य रूप से फ्रांसीसी अतीत के प्रसिद्ध आंकड़ों को दर्शाते हैं।

सेंट पीटर्सबर्ग के लिए "प्रिंस ए.बी. कुराकिन", "ज़ार पीटर I", "कैथरीन I" पूरे किए गए। उनमें, साथ ही प्रसिद्ध "डायना द हंट्रेस की छवि में मैडम डी पोम्पाडॉर" में, चित्रित किए जा रहे लोगों की उपस्थिति का आदर्शीकरण, एक प्राचीन नायक या भगवान की छवि में चित्रण (पोशाक चित्र), और जैसी विशेषताएं शामिल हैं। रंग की कोमलता पहले से ही दिखाई देती है. पात्रों की मनोवैज्ञानिक विशेषताएँ, जो प्रत्यक्ष या प्रतीकात्मक रूप से व्यक्त की जाती हैं, गायब हो जाती हैं। "युग का चेहरा" शांतिपूर्ण चेहरे की अभिव्यक्ति वाला एक व्यक्ति है जो उसकी आंतरिक दुनिया को प्रतिबिंबित नहीं करता है (जो, हालांकि, कलाकार सफल नहीं हुआ या "राजकुमारी ई.डी. गोलित्स्याना" में हासिल नहीं करना चाहता था, जो लड़की की स्पष्ट संकीर्णता को व्यक्त करता है ); इस पहलू में नई शैली का नकारात्मक पक्ष देखा जा सकता है: हवादार "रोसेल" को गहरे विचारों की कोई आवश्यकता नहीं है।

6. जीन एंटोनी वट्टू (1684-1721)

वट्टू कला के विश्व इतिहास में सबसे प्रसिद्ध कलाकारों में से एक है और "वीर शैली" का सबसे बड़ा स्वामी है। उनके चित्रों द्वारा व्यक्त मनोदशाओं और चरित्रों की विविधता (और यह उस बहुत आसान "वीरता" को नुकसान नहीं पहुंचाती है, जिसे उनके समकालीनों द्वारा महत्व दिया गया था!) ​​अक्सर रोकोको के अन्य, "विचारहीन" कार्यों (विशेष रूप से के काम) के साथ तुलना की जाती है। एफ. बाउचर, प्रबुद्धता के दार्शनिकों के अनुसार, "जीवन से दूर")।

वट्टू 1702 में उत्तरी फ़्रांस से वैलेंसिएन्स से पेरिस आए, जहां उनका जन्म एक छत बनाने वाले परिवार में हुआ था। 1703 से 1708 तक, वट्टू ने क्लाउड गिलोट की कार्यशाला में इतालवी कॉमेडी के कथानकों की नकल और चित्रण करने का काम किया। कलाकार के रचनात्मक गठन के इस महत्वपूर्ण चरण से, सचित्र साक्ष्य का केवल एक टुकड़ा बच गया है - मॉस्को पेंटिंग "डॉक्टरों पर व्यंग्य।"

बाद के वर्षों में, वट्टू ने खुद को विभिन्न शैलियों में आज़माया; इस अवधि के कुछ जीवित कार्यों का विवादास्पद कालक्रम हमें उनकी रुचियों के विकास के बारे में निश्चित निष्कर्ष निकालने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन उनका तरीका अधिक स्वतंत्र हो जाता है, उनका ब्रशस्ट्रोक ताज़ा और हल्का हो जाता है .

1710 से, वैलेंसिएन्स की एक छोटी यात्रा के बाद, वट्टू फिर से पेरिस में रहे, पेंटिंग, संगीत और थिएटर के माहौल में जो उन्हें बहुत पसंद था। उनके करीबी दोस्तों में फ्रेंच मर्करी के लेखक और संपादक एंटोनी डे ला रोके, पेंटिंग, फ्रेम और ग्लास के व्यापारी गेर्सन और सिरोइस, इतालवी कॉमेडी के अभिनेता, कवि और संगीतकार शामिल हैं।

कड़ाई से विनियमित शैक्षणिक प्रणाली के बाहर गठित, वट्टू ने शैलियों के पदानुक्रम के बारे में चिंता किए बिना, शांति से विचार किया और उन विषयों का चयन किया जो उसे आकर्षित करते थे, और स्वतंत्र रूप से भावनाओं और कल्पना की इच्छा के सामने आत्मसमर्पण कर दिया। उन्हें ऑर्डर पर काम करना पसंद नहीं था, वे डिजाइन की स्वतंत्रता और कल्पना के खेल को प्राथमिकता देते थे। उन्होंने भूदृश्यों को चित्रित किया, गिलोट की भावना में छद्मवेश्य, इतालवी अभिनेताओं के चित्र, पार्कों में छुट्टियाँ, ईमानदार चित्र समानता या गंभीर भव्यता की तुलना में दृश्य की मनोदशा, भावनात्मक और चित्रात्मक समृद्धि के बारे में अधिक परवाह की। उन पर "वीरतापूर्ण कला" का प्रभाव नैटियर की तुलना में कुछ देर से पड़ा, और इसलिए उन्हें इस काम में बाद की तुलना में उद्धृत किया गया है।

उनके चित्रों में सूक्ष्म लेकिन स्पष्ट मनोवैज्ञानिक विशेषताएं देखी जा सकती हैं, जैसे "मिस्टर पैटर का चित्रण।" तो, इसमें हम एक बेहद केंद्रित अंग्रेज को देखते हैं, जो दर्शक की दिशा में भी नहीं देख रहा है - अपने राष्ट्र का एक मामूली प्रमुख प्रतिनिधि। चित्र के निचले दाहिने हिस्से में चित्रित महिला मूर्तिकला चित्र स्पष्ट रूप से पुरुष के व्यवसाय को इंगित करता है - वह एक मूर्तिकार है।

हम एक ही चीज़ देखते हैं, लेकिन सार्वभौमिक मनोदशाओं के पैमाने पर जो प्रसिद्ध "वीरतापूर्ण त्योहारों" में एक साथ कई लोगों को गले लगाते हैं: "साइथेरा द्वीप की तीर्थयात्रा" और "प्यार का त्योहार"।

यह कहा जाना चाहिए कि वट्टू ने सभी फ्रांसीसी वर्गों को चित्रित किया, और कुलीनता के चित्रों की तुलना में कम प्रभावशाली नहीं हैं "द सेवॉयर्ड विद ए मर्मोट", और "गिल्स" (एक भटकने वाला संगीतकार), और कई यात्री, श्रमिक, किसान - पात्र यात्रा रेखाचित्र - वे लोग, जहाँ से वट्टू आए थे।

वट्टू ने चित्रफलक पेंटिंग को प्राथमिकता दी, लेकिन वह सजावटी कला में भी माहिर थे, उन्होंने खुद हवेली के अंदरूनी हिस्सों के लिए सजावटी पैनल बनाए, गाड़ी के दरवाजे, हार्पसीकोर्ड और पंखे चित्रित किए, जिसने रोकोको की वास्तुशिल्प सजावट को प्रभावित किया।

सजावटी कार्य और बड़े कैनवस दोनों ही वट्टू की विशिष्ट विशेषताओं से प्रतिष्ठित हैं: अद्भुत पेंटिंग, श्रद्धापूर्ण और कोमल, क्षणभंगुर मूड की बेहतरीन रेंज, पेंटिंग में ड्राइंग तकनीकों का उपयोग ("द कैप्रीशियस वन" में पेड़ों के मुकुट का विस्तार देखें), गुणी रचना कौशल.

7. फ्रेंकोइस बाउचर (1703-1770)

"उसकी व्यभिचारिता को बेवकूफ़ों, तुच्छ महिलाओं, युवाओं, समाज के लोगों, यानी उन सभी को मोहित करना चाहिए जिनके लिए सच्चा स्वाद और सच्चाई पराया है।"

फ्रेंकोइस बाउचर का जन्म पेरिस में कलाकार निकोलस बाउचर के परिवार में हुआ था, जिन्होंने उन्हें अपने दोस्त फ्रेंकोइस लेमोइन के साथ अध्ययन करने के लिए भेजा था।

सत्रह साल की उम्र में, बाउचर ने उत्कीर्णक जीन-फ्रांस्वा कार्स की कार्यशाला में प्रवेश किया, जिससे उन्हें अपनी आजीविका कमाने के साथ-साथ अपने गुरु के उच्च-रैंकिंग ग्राहकों के साथ उपयोगी संपर्क बनाने की अनुमति मिली।

अपनी थीसिस के लिए विशिष्टता की पहली उपाधि - अकादमिक पुरस्कार - प्राप्त की। यहां और आगे, बाउचर लेखन की एक अति-सुचारू, यहां तक ​​कि कुछ हद तक "चिकनी" शैली का अनुयायी है, जो उनके समकालीनों को प्रसन्न करता है और स्पष्ट रूप से उन्हें वट्टू से अलग करता है। 1722-1723 के वर्षों में "जूलियन कलेक्शन" के लिए नक़्क़ाशी के निर्माण में भागीदारी, जिसमें प्रसिद्ध पूर्ववर्ती के सभी कार्यों को उत्कीर्णन में पुन: प्रस्तुत किया गया था, जिससे उन्हें इस कलाकार के कार्यों से परिचित होने और उनकी रचनात्मक तकनीकों को सीखने की अनुमति मिली।

1723 में - रोम पुरस्कार। इटली के चारों ओर यात्रा करते समय, युवा कलाकार ने कॉर्टोना की नरम काइरोस्कोरो शैली, लैनफ्रेंको और टाईपोली के मजबूत ड्राइंग सिद्धांतों में महारत हासिल की, हालांकि, मूल रूप से बाद के दो के कार्यों के गहरे विरोधाभास और रचनात्मक गतिशीलता को स्वीकार नहीं किया - यह सब स्वाद के खिलाफ गया फ्रांसीसी अदालत का. अपने सभी कार्यों में, बाउचर रंग विविधता के लिए नहीं, बल्कि बड़े स्थानीय स्थानों के उपयोग के लिए, लेकिन उनके बीच उत्कृष्ट बदलाव के लिए एक प्रवृत्ति दिखाते हैं। परिदृश्य "टिवोली का दृश्य" (कला और वास्तुकला संग्रहालय, बोलोग्ने-सुर-मेर) और "फ़ार्नीज़ गार्डन का दृश्य" (मेट्रोपॉलिटन संग्रहालय, न्यूयॉर्क) इतालवी छापों पर आधारित हैं।

पहचान और प्रसिद्धि के साथ-साथ, बाउचर को सजावटी कला के कार्यों के लिए कई ऑर्डर भी मिले, जिसने उन्हें अपने जीवन के अंत तक नहीं छोड़ा।

बाउचर के बाद के काम में, दो बातों पर ध्यान देने की जरूरत है। पहला है पेंटिंग तकनीकों में और सुधार, चीनी मिट्टी के बरतन में जी टाईपोलो ("द ट्रेनिंग ऑफ क्यूपिड", "लेडा एंड द स्वान" और पौराणिक विषयों पर कई अन्य काम) की अभिव्यंजक बारोक शैली में शैलीकरण की तकनीकों में महारत हासिल करना ( "शुक्र कामदेव को सांत्वना दे रहा है", "बृहस्पति डायना के रूप में, कैलिस्टो को लुभा रहा है")। और दूसरा उनके कार्यों के वैचारिक घटक की अपरिवर्तनीयता है, वही कुछ हद तक अत्यधिक "वीरता" जिसके लिए वोल्टेयर और डाइडेरॉट ने उनकी शैली की आलोचना की। बाउचर में मनोवैज्ञानिक और भावनात्मक लक्षण वर्णन पूरी तरह से अनुपस्थित है; इसका स्थान सरल विशेषताओं के माध्यम से दर्शाए गए उनके अपने दृष्टिकोण ने ले लिया है। इस प्रकार, "वीनस विजिट टू वल्कन" में कलाकार नायिका से कम मोहित नहीं है, और यह उसकी चाल की कृपा और उसके घुंघराले सिर के चुलबुले मोड़ से व्यक्त होता है (और यह वीनस है - बल्कि एक आधुनिक बाउचर) फ़ैशनिस्टा)। अपने कार्यों के आंतरिक मनोविज्ञान के प्रति बाउचर की निश्चित असमर्थता (और शायद अनिच्छा, जो अदालत के स्वाद के अनुरूप थी) ने नाटक को "पैन एंड सिरिंगा" और "डायना की आड़ में कैलिस्टो को बहकाता हुआ बृहस्पति" जैसे दृश्यों से वंचित कर दिया, जो दुखद कथानक वाली कहानियों से जुड़ें। हालाँकि, ज्यादातर मामलों में, उनके कार्यों को सुंदर चित्रों के रूप में नहीं, बल्कि आरामदायक कैनवस के रूप में, अनुग्रह के उदाहरण के रूप में माना जाता है।

बाउचर की दुनिया की शैली विविधता में कई बिंदुओं पर ध्यान दिया जाना चाहिए।

सबसे पहले, जो उनके काम की एक अनिवार्य विशेषता है, उन चित्रित लोगों की उपस्थिति का आदर्शीकरण, मुख्य रूप से महिलाएं (मैडम डी पोम्पाडॉर के चित्रों की एक श्रृंखला, "मैडम बर्गेरेट का पोर्ट्रेट")। दूसरे, पौराणिक कार्यों में प्राचीन देवी-देवताओं के चेहरों का आधुनिकीकरण (इस संबंध में सबसे अधिक संकेत 1751 की पेंटिंग "टॉयलेट ऑफ वीनस" है: गहरे राख के कर्ल, कलाकार के समय में फैशनेबल, बादाम के आकार की, थोड़ी संकुचित आंखें, ए दिल के आकार का मुंह, छोटा शरीर - और पहले से ही मैं विश्वास नहीं कर सकता कि यह प्राचीन पौराणिक कथाओं का एक चरित्र है)। यह सब संपत्ति चित्र की शैली के लेखक पर प्रभाव की बात करता है, जो उस समय व्यापक थी, जिसमें से वह स्वयं, वास्तव में, मुख्य व्यक्तियों में से एक था। "ओडालिस्क" (नग्न अवस्था में युवा लड़कियों के चित्र) की एक श्रृंखला के साथ, जिनमें से 1745 की "काले बालों वाली ओडालिस्क" और 1752 की "गोरी बालों वाली ओडालिस्क" प्रमुख हैं, यह सब महिला सौंदर्य के महत्व को बयां करता है और बाउचर के काम में कामुकता (हालाँकि, कभी भी अश्लीलता के करीब भी नहीं)।

और तीसरा बिंदु, बाद के कई चित्रकारों के अनुसार, परिदृश्य के प्रति बाउचर का कुछ हद तक सपाट और "नाटकीय" दृष्टिकोण था (जो, वैसे, उस समय के अधिकांश कलाकारों के लिए आम था)। उनका "मंच" और "पर्दा" अपेक्षाकृत स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं; कुछ हद तक यह केवल उनके शुरुआती "इतालवी" परिदृश्यों में ही प्रकट होता है। वनस्पति और वास्तुकला के विस्तार की डिग्री के बावजूद (देखें "ब्यूवैस के आसपास के क्षेत्र में लैंडस्केप", "मिल", "ब्रिज को पार करना"), बाउचर के परिदृश्य पूरी तरह से अवास्तविक कर्मचारियों द्वारा आबाद हैं, "उनके" किसान "कुलीन हैं, उनके बैल हैं यूरोप के अपहरण से पहले ज़ीउस की तरह हैं ", और चित्रित स्थान की परवाह किए बिना, मौसम एक शांत, थोड़ा बादल वाला दिन है। इस तथ्य के बावजूद कि अपने समय के अन्य सभी चित्रकारों की तरह, बाउचर के लिए परिदृश्य पर मुख्य काम स्टूडियो में किया गया था, वही "वीरतापूर्ण नाटकीय दृष्टिकोण" कभी भी मास्टर को जगह की वास्तविकता का एहसास हासिल करने की अनुमति नहीं देता है ( यह वह कार्य है जो उसने पूरे दृश्यता में अपने सामने निर्धारित किया है, और इसे निर्धारित नहीं किया है)। "उनका फ़्रांस "छोटा अर्काडिया" है, जो वास्तविकता से बहुत दूर है और फिर भी सुंदर है।"

कलाकार की शैली के दृश्यों के बारे में काम में लगभग कुछ भी नहीं कहा गया है।

इस प्रकार, फ्रेंकोइस बाउचर ने कला के विश्व इतिहास में "वीरतापूर्ण" कलाकार के रूप में प्रवेश किया, चीनी चित्रकला, चित्रण के तरीके में बिल्कुल यथार्थवादी और चित्रित की पसंद में समान रूप से अवास्तविक; एक उत्कृष्ट स्टाइलिस्ट और सजावटी और व्यावहारिक कला के मास्टर के रूप में।

उनके सबसे प्रतिभाशाली छात्र जे. ओ. फ्रैगोनार्ड को बाहरी अनुग्रह, रचना की स्वतंत्रता और रंग की निर्भीकता विरासत में मिली, लेकिन उन्होंने छवियों और विषयों के प्रतिपादन में उन्हें अधिक भावनात्मक आंतरिक गहराई के साथ संयोजित करने का प्रयास किया; स्पष्ट रंग कंट्रास्ट की तकनीक, जो बाउचर में लगभग अनुपस्थित है, अधिक बार उपयोग की जाती है; प्रकाश और छाया कंट्रास्ट पर अधिक ध्यान दिया जाता है। ब्रशस्ट्रोक बाउचर की तुलना में बहुत बड़ा है, लेकिन यह केवल करीब से निरीक्षण करने पर ही महसूस होता है; तुलनात्मक चिकनाई का प्रभाव शिक्षक से विरासत में मिला है। लेकिन हम उनके काम पर ध्यान केंद्रित नहीं करेंगे, क्योंकि उपरोक्त के अपवाद के साथ-साथ पौराणिक दृश्य पर शैली के दृश्य की प्रबलता के कारण, उनकी कला ने दर्शकों को आराम देने और मोहित करने के लिए बाउचर द्वारा निर्धारित "पथ" का अनुसरण किया।

समकालीन फ्रांसीसी कला आलोचना बाउचर की कला को उच्च दर्जा नहीं देती है। कलाकार की उत्कृष्ट तकनीक को स्वीकार करते हुए, आलोचक उनके काम की "मधुरता", उनके अक्सर अपूर्ण कलात्मक स्वाद (अंतिम अवधि के काम, ज्यादातर अल्पज्ञात, अत्यधिक विरोधाभास के समान रंगों के मेल होते हैं), साथ ही साथ सामान्य पर भी ध्यान देते हैं। उनकी शैली की "बुर्जुआ" प्रकृति।

8. मौरिस क्वेंटिन डी लैटौर (1704-1788)

डी लैटौर - "पेस्टल का राजा"

"रॉयल सेक्रेटरी डुवल डे ल'एपिनय के चित्र" पर

डी लैटौर का जन्म एक साधारण परिवार में हुआ था। उन्नीस साल की उम्र में उन्होंने अपना गृहनगर, सेंट-क्वेंटिन छोड़ दिया और पेरिस आ गए, जहां उन्होंने औसत दर्जे के चित्रकार डुपाउच और कुछ अन्य कलाकारों के साथ अध्ययन किया।

लैटौर की पहली दो सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित कृतियाँ (स्वयं और चित्रकार बाउचर की पत्नी के चित्र), 1737 में पेरिस सैलून में प्रदर्शित की गईं, जिससे उन्हें कला अकादमी के एसोसिएट सदस्य का खिताब मिला; 1746 में उन्हें इसकी पूर्ण सदस्यता के लिए चुना गया और 1750 में उन्हें शाही चित्रकार की उपाधि मिली, जिसे उन्होंने 23 वर्षों तक बरकरार रखा। 1780 में वह अपने गृहनगर सेवानिवृत्त हो गये।

जे.बी.एस. चार्डिन और अंग्रेजी कलाकारों द्वारा लागू ज्ञानोदय की विचारधारा के प्रभाव का अनुभव करने के बाद, जिनके साथ डे ला टूर ने 1725 से कई वर्षों तक अध्ययन किया, डे ला टूर ने कभी भी अधिकांश "वीरतापूर्ण" कला की मिठास और आकर्षकता को स्वीकार नहीं किया। लेकिन चूंकि उन्होंने स्वयं अपने कुछ प्रभाव का अनुभव किया था, और उन पर कोई कम प्रभाव नहीं था।

एम. सी. डी लैटौर वह व्यक्ति हैं जिन्होंने ललित कला के लिए एक महत्वपूर्ण मामले में वेनिस के कलाकार रोसाल्बा कैरिएरा से कमान संभाली - पेस्टल पेंसिल की दृश्य क्षमताओं का विस्तार करना, कोमलता की अलग-अलग डिग्री के पेस्टल के साथ-साथ ड्राइंग का प्रसार, लोकप्रिय बनाना। पेस्टल पेंटिंग एक प्रकार की ललित कला के रूप में है जो किसी को अवर्णनीय तेल पेंट को व्यक्त करने की अनुमति देती है। तेल तकनीक से व्यक्त करना इतना कठिन क्या है? उदाहरण के लिए, तेल चित्रकला में पूर्ण चिकनी पेंटिंग अक्सर "पॉलिशनेस" की ओर ले जाती है, जो छवि की एक निश्चित "मृत" होती है, जिसे 17 वीं शताब्दी के डच "चिकने चित्रकार" हमेशा टाल नहीं सकते थे। पेस्टल में पूर्ण चिकनी पेंटिंग, इसके विपरीत, आपको आवश्यक होने पर अधिकतम प्रकृतिवाद प्राप्त करने की अनुमति देती है, जबकि (!) इसकी संरचना में वार्निश की अनुपस्थिति तुलना नहीं करती है, उदाहरण के लिए, ऐसे काम में फल डमी से, और चेहरे गुड़िया से। “ड्राइंग में खुद को बेहतर बनाने में दो साल बिताने के बाद, इसके माध्यम से [डी लैटौर] ने पेंटिंग की पेस्टल शैली में ऐसी महारत हासिल की, जिसकी बराबरी उनसे पहले के किसी भी पेस्टलिस्ट और शायद उनके बाद के लोगों ने नहीं की थी।

उनकी प्रसिद्धि अधिक से अधिक बढ़ती गई, जिसे पेस्टल के लिए फैशन ने भी बढ़ावा दिया, जो तत्कालीन फ्रांसीसी समाज में फैल गया।" इसमें (और न केवल) ललित कला में उनका महत्वपूर्ण योगदान, "वीरता" की पेंटिंग पर उनका प्रभाव शामिल है। चित्रकार।" डी लैटौर से शुरू करके, पेस्टल को फ्रांसीसी, विशेष रूप से, दरबारी कलाकारों द्वारा न केवल एक सहायक के रूप में, बल्कि एक स्वतंत्र तकनीक के रूप में भी माना जाता था।

बदले में, डी लैटौर ने रोकोको के प्रत्यक्ष प्रभाव का अनुभव किया: उनके चित्रों के रंग की कोमलता, चित्रित की गई छवि, हालांकि आदर्श नहीं थी, लेकिन एक ऊंचे मूड में, फ्रांसीसी कुलीनता द्वारा पसंद की गई थी जो कि की भावना से कम नहीं थी। उनके कार्यों में ज्ञानोदय और मनोविज्ञान - उनके समय के साहित्यकारों और दार्शनिकों द्वारा।

"लाटौर के समकालीनों की गवाही के अनुसार, शायद ही किसी और की तरह, उन्होंने समानता को समझा; इस गुणवत्ता के साथ रंगों की ताकत, सद्भाव और सुखदता को जोड़ा गया था जो उनकी उम्र के बावजूद, उनके चित्रों में आज तक संरक्षित हैं। सबसे बड़ा उनमें से कई सेंट-क्वेंटिन संग्रहालय में हैं; उनमें से कई पेरिस में लौवर संग्रहालय में भी संग्रहीत हैं। लैटौर के कई कार्यों को उनके समय के उत्कृष्ट उस्तादों द्वारा उकेरा गया था।" और यद्यपि डे ला टूर को पारंपरिक रूप से "वीर" शैली के कलाकार के रूप में नहीं जाना जाता है, रोकोको के साथ उनका "आपसी अंतरसंबंध" हमें इस उल्लेखनीय कलाकार का उल्लेख करने की अनुमति देता है।

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