फिनिश कलाकार और उनके चित्र। फिनिश कलाकार

कई वर्षों से यह माना जाता था कि अल्बर्ट एडेलफेल्ट द्वारा चित्रित अलेक्जेंडर III के भतीजों का चित्र खो गया या नष्ट हो गया। फोटो: एरक्का मिक्कोनेन / येल

एक फिनिश कला समीक्षक ने गलती से रूसी क्षेत्रीय संग्रहालय के संग्रह में अल्बर्ट एडेलफेल्ट के खोए हुए काम की खोज की। शोधकर्ता पेंटिंग को फिनलैंड में एक प्रदर्शनी में लाना चाहते हैं।

प्रसिद्ध फिनिश चित्रकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट (1854-1905) का कैनवास, जिसे कई वर्षों से खोया हुआ माना जाता है, रूस में रयबिंस्क संग्रहालय में पाया गया था। फ़िनिश कला समीक्षक सानी कोंटुला-वेब ने इंटरनेट सर्च इंजन का उपयोग करके 1881 में चित्रित पेंटिंग को पाया।

- मैंने संयोग से काम देखा, लेकिन मैंने इसे पहचान लिया क्योंकि मैंने पहले इस विषय का अच्छी तरह से अध्ययन किया था।

सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स के स्नातक कोंटुला-वेब ने हेलसिंकी में एटेनम आर्ट म्यूज़ियम में इस काम के रेखाचित्र देखे। रेखाचित्रों की मदद से, चित्र में दर्शाए गए बच्चों की पहचान स्थापित करना भी संभव था: ये रूसी ज़ार अलेक्जेंडर III के भतीजे हैं। एक रेखाचित्र पर, एडेलफेल्ट ने उनके नामों का संकेत दिया।

तस्वीर में लंबे बालों वाले लड़कों को 19वीं सदी के अंत के फैशन के अनुसार कपड़े पहनाए जाते हैं। रायबिंस्क संग्रहालय में यह माना जाता था कि इस पर लड़कियों को चित्रित किया गया था। पेंटिंग के बारे में नई जानकारी से संग्रहालय के कार्यकर्ता प्रसन्न हुए।

"हमने सोचा था कि वे लड़कियां थीं, लेकिन यह पता चला कि ग्रैंड ड्यूक व्लादिमीर बोरिस और किरिल के बेटों को चित्रित किया गया था," उप निदेशक सर्गेई ओव्स्यानिकोव कहते हैं।

चित्र शाही परिवार के साथ एडेलफेल्ट के संपर्कों के बारे में बताता है

क्रांति के बाद रयबिंस्क संग्रहालय के संग्रह में काम मिला। पेंटिंग के पीछे हस्ताक्षर के अनुसार, यह पहले सेंट पीटर्सबर्ग में व्लादिमीर पैलेस में था।

खोज को अतिरिक्त महत्व इस तथ्य से दिया गया है कि चित्र नेवा और शाही परिवार पर शहर के साथ फिनिश कलाकार के करीबी संपर्कों को इंगित करता है।

"शायद, यह विशेष चित्र शाही दरबार में एडेलफेल्ट के करियर के शानदार विकास के दृष्टिकोण से निर्णायक था," कोंटुला-वेब नोट करता है।

इसके बाद, एडेलफेल्ट ने अलेक्जेंडर III, मिखाइल और ज़ेनिया के बच्चों के चित्र के साथ-साथ अंतिम रूसी ज़ार निकोलस II के कई चित्रों को चित्रित किया।

रूस के साथ फिनिश कलाकारों के संबंधों पर अभी भी बहुत कम शोध किया गया है

एक समय में, एडेलफेल्ट रूस में लोकप्रिय था। उनके कार्यों को सेंट पीटर्सबर्ग हर्मिटेज और मॉस्को पुश्किन संग्रहालय दोनों के संग्रह में रखा गया है।

आज, एडेलफेल्ट, साथ ही साथ फिनिश पेंटिंग के स्वर्ण काल ​​के अन्य कलाकार, रूसी दर्शकों के लिए व्यावहारिक रूप से अज्ञात हैं। इसके अलावा, फिनिश कला अध्ययन में, विशेष रूप से रूस के साथ फिनिश कलाकारों के संबंधों पर ध्यान केंद्रित नहीं किया जाता है।

कोंटुला-वेब वर्तमान में सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स और फिनिश कलात्मक जीवन के बीच संबंधों पर एक शोध प्रबंध तैयार कर रहा है।

"मुझे उम्मीद है कि इस खोज के लिए धन्यवाद, एडेलफेल्ट रूस में फिर से मिलेगा, और फिनलैंड रूस के साथ फिनिश कलाकारों के महत्वपूर्ण संबंधों को याद रखेगा।

कोंटुला-वेब ने राइबिंस्क संग्रहालय के कर्मचारियों से फिनलैंड में एक प्रदर्शनी में खोई हुई पेंटिंग लाने की संभावना के बारे में पूछा। उप निदेशक सर्गेई ओवस्यानिकोव इस विचार के बारे में सकारात्मक थे।

- यदि फ़िनलैंड किसी प्रदर्शनी के लिए चित्र प्राप्त करना चाहता है, तो हम इस परियोजना को सफल बनाने के लिए अपनी शक्ति में सब कुछ करेंगे।

फिर भी, ओव्स्यानिकोव के अनुसार, फ़िनलैंड की संभावित यात्रा के लिए, पेंटिंग को बहाल करने की आवश्यकता है।

कला अकादमी की राजसी इमारत वासिलिव्स्की द्वीप की तीसरी और चौथी पंक्तियों के बीच नेवा के तटबंध को सुशोभित करती है। यह शास्त्रीय वास्तुकला के बेहतरीन स्मारकों में से एक है।

परियोजना के लेखक ए.एफ. कोकोरिनोव और जे.बी. डेलामोट हैं। इम्पीरियल "एकेडमी ऑफ़ द थ्री नोबल आर्ट्स" ("कोलमेन पेटैटेन एकेटेमिया") - पेंटिंग, मूर्तिकला और वास्तुकला - की स्थापना 1757 में महारानी एलिजाबेथ के युग के दौरान हुई थी। अपनी ढाई शताब्दियों की गतिविधि के लिए, अकादमी ने ललित कला के स्वामी की कई पीढ़ियों को प्रशिक्षित किया है: चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार। उनमें से महान कलाकार हैं, जिनकी रचनाएँ सेंट पीटर्सबर्ग, मॉस्को और कई यूरोपीय राजधानियों के संग्रहालयों में प्रस्तुत की जाती हैं।

आर्किटेक्ट्स और मूर्तिकारों - अकादमी के स्नातकों ने रूस और विदेशों में कई शहरों का निर्माण और सजावट की। सेंट पीटर्सबर्ग में उनके द्वारा बहुत कुछ बनाया गया था। उनकी रचनाएँ फ़िनलैंड में भी हैं, क्योंकि कई वर्षों से कला अकादमी रूसी और फ़िनिश कला के बीच सक्रिय संचार का स्थान रही है। सर्वश्रेष्ठ फिनिश कलाकारों को "ललित कला के शिक्षाविद" की उपाधि से सम्मानित किया गया है। इनमें वी. रुनबर्ग, केजी न्यूस्ट्रेम शामिल थे। लेकिन सबसे पहले, निश्चित रूप से, नाम दिया जाना चाहिए, AZdelfelt।

अल्बर्ट एडेलफेल्ट (अल्बर्ट गुस्ताफ एरिस्टाइड्स एडेलफेल्ट, १८५४-१९०५)

ऐतिहासिक चित्रकला, चित्र, शैली शैली का सबसे बड़ा स्वामी। विदेश में जाने जाने वाले पहले फिनिश कलाकार। अल्बर्ट "पोर्वू के पास एक वास्तुकार के परिवार में पैदा हुए थे। उन्होंने पेंटिंग के लिए खुद को समर्पित करने का फैसला करने से पहले दो साल तक हेलसिंकी विश्वविद्यालय में अध्ययन किया। उन्होंने एंटवर्प में ललित कला अकादमी में अपनी कला शिक्षा प्राप्त की, और फिर पेरिस में ललित कला स्कूल। 1877-80 में, एडेलफेल्ट ने ऐतिहासिक विषयों पर कई पेंटिंग बनाई। लेकिन फिर कलाकार प्रकृति से शैली के विषयों की ओर मुड़ता है, जिसमें अपनी जन्मभूमि के लिए उनका प्यार और आम लोगों के जीवन में रुचि स्पष्ट रूप से होती है। प्रकट। ये पेंटिंग हैं: "एट सी", "बॉयज़ बाय द वॉटर", "वुमन फ्रॉम रूकोलाहटी", "वॉशरवुमेन", "डिस्टैंट आइलैंड्स के मछुआरे"।

1881 में ए। एडेलफेल्ट लंबे समय तक सेंट पीटर्सबर्ग में रहे और काम किया, रूसी कलाकारों के साथ संवाद किया। 1881 में, एक युवा फिनिश कलाकार ने सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स के दरबार में अपनी कृतियों को प्रस्तुत किया। उन्हें एक बड़ी सफलता मिली: उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स का सदस्य चुना गया। Tsarskoe Selo में उनके लिए एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था। चित्रों में से एक को शाही परिवार ने खरीदा था। लेखक को शाही परिवार से नए आदेश मिले, जिससे उन्हें प्रसिद्धि मिली।

Tsarskoye Selo में अपने प्रवास के दौरान, कलाकार को Tsarevich सिकंदर से मिलवाया गया, और गैचिना पैलेस के लिए अपने आदेश पर कई काम किए, विशेष रूप से, पेंटिंग एट सी की एक प्रति, जो कि उनके अन्य कार्यों के बीच में रखी गई है। आश्रम. एडेलफेल्ट के रोजमर्रा के रेखाचित्र: "गुड फ्रेंड्स" और "इन द नर्सरी" - भी अलेक्जेंडर III द्वारा अधिग्रहित किए गए थे। इन चित्रों में दोहराव था जो विदेशी संग्रहालयों में हैं।

एडेलफेल्ट की योग्यता रूस में कई संयुक्त प्रदर्शनियों का संगठन था, जिसकी बदौलत रूसी जनता कई फिनिश कलाकारों के काम से परिचित हुई।

एडेलफेल्ट की मुख्य गतिविधि पोर्ट्रेट पेंटिंग है। उन्होंने आदेशों पर बहुत काम किया, विशेष रूप से, शाही दरबार के, आधिकारिक चित्र बनाने के लिए। लेकिन उनके चित्र कार्य में सर्वश्रेष्ठ हैं: "कलाकार की माँ का चित्र" (1883), "लुई पाश्चर" (1885), "लारिन पारस्के का चित्र" (1893), "आइनो एक्टे का चित्र" (1901)।

आधिकारिक प्रस्तुतियाँ और दीर्घकालिक मैत्रीपूर्ण संपर्क।

उन्नीसवीं शताब्दी के अंत में इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स में प्रदर्शित होने वाले पहले फिनिश कलाकार चित्रकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट थे। १८८१ में पश्चिमी यूरोप की यात्रा के बाद, युवा फिनिश कलाकार ने सेंट पीटर्सबर्ग कला अकादमी के दरबार में अपनी कृतियों को प्रस्तुत किया। उन्हें एक बड़ी सफलता मिली - उन्हें शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया गया। Tsarskoe Selo में उनके लिए एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था। चित्रों में से एक को शाही परिवार ने खरीदा था।

लेखक को शाही परिवार से नए आदेश मिले, जिससे उन्हें प्रसिद्धि मिली। शाही परिवार के साथ कलाकार की निकटता ने रूस में फिनिश पेंटिंग की लोकप्रियता में मदद की। रूस में ए। एडेलफेल्ट की लोकप्रियता और अधिकार के लिए धन्यवाद, फ़िनलैंड की कला सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को में संयुक्त फ़िनिश-रूसी कला प्रदर्शनियों में परिलक्षित हुई, जिसकी शुरुआत 1882 में निज़नी नोवगोरोड प्रदर्शनी से हुई थी।

हर्मिटेज में फिनिश कलाकार

हर्मिटेज एईडेलफेल्ट द्वारा सात पेंटिंग और कई चित्र प्रदर्शित करता है। उपर्युक्त पेंटिंग "एट द सी" के अलावा, जो पहले संस्करण में गोथेनबर्ग के संग्रहालय में है, इसे रोजमर्रा की सचित्र रचना "काइंड फ्रेंड्स" (1881) पर ध्यान दिया जाना चाहिए, जिसे गेटेबॉर्ग और हेलसिंकी में दोहराया जाता है। चरित्र में उसके करीब और पेंटिंग "इन द नर्सरी" (1885), जिसे अलेक्जेंडर III ने गैचिना पैलेस के लिए भी खरीदा था। एडेलफेल्ट के सबसे लोकतांत्रिक कार्यों में से एक द वॉशरवूमेन (1898, हर्मिटेज) है, जिसे सेंट पीटर्सबर्ग के आलोचकों की मंजूरी मिली थी।

चित्र की शैली, जिसमें AEdelfelt विशेष रूप से मजबूत था, को मॉस्को आर्ट थिएटर अभिनेता एम.वी. डायकोवस्काया-गे-रोथ की पत्नी के चित्र द्वारा हर्मिटेज में दर्शाया गया है। हर्मिटेज संग्रह में फिनिश कलाकार के परिदृश्य कौशल के उदाहरण भी हैं। ये पेंटिंग "व्यू ऑफ पोर्वू" (1898) और नक़्क़ाशी "पाइन इन द स्नो" हैं। यह उल्लेख किया जाना चाहिए कि एडेलफेल्ट के कार्यों को कीव संग्रहालय में भी रखा गया है - पेंटिंग "दूर के द्वीपों के मछुआरे" और मॉस्को संग्रहालय में। ए.एस. पुश्किन: "वरवरा मायटलेवा का पोर्ट्रेट"।

इसके अलावा, हर्मिटेज में जुहो रिसेनन, ईरो नेलिमार्क और हेनरी एरिकसन की पेंटिंग हैं।

सेंट पीटर्सबर्ग कला अकादमी में फिनिश कलाकार

वास्तुकार केजी निस्ट्रॉम (1856-1917) ने फिनलैंड की राजधानी के स्थापत्य स्वरूप में एक महान योगदान दिया। सीनेट स्क्वायर के परिवेश को सुशोभित करते हुए, हाउस ऑफ एस्टेट्स, स्टेट आर्काइव्स की शानदार इमारतों का उल्लेख करने के लिए पर्याप्त है। आप काताजनोकका में पुराने रीति-रिवाजों और गोदामों को याद कर सकते हैं, जो कौप्पा-तोरी का पहला ढका हुआ बाजार था। लेकिन कम ही लोग जानते हैं कि आर्किटेक्ट KG.Nyustrem ने सेंट पीटर्सबर्ग में भी काम किया था। उनके डिजाइन के अनुसार, मेडिकल इंस्टीट्यूट के सर्जिकल क्लिनिक की इमारत पेट्रोग्रैड्सकाया की तरफ बनाई गई थी।

Nystrom कला अकादमी में प्रोफेसर थे, और उन्हें वास्तुकला के शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया गया था।

कलाकार जे। रिसेनन को पिछली शताब्दी की फिनिश पेंटिंग में सबसे विशिष्ट, मजबूत और गहरी राष्ट्रीय प्रतिभाओं में से एक कहा जाता है। उन्होंने लोक जीवन से चित्र, शैली चित्रों को चित्रित किया। हेलसिंकी में ड्राइंग स्कूल में पढ़ने के बाद, उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स में पढ़ने के लिए भेजा गया, जहां उन्होंने १८९७-९८ में आई.ई. रेपिन के मार्गदर्शन में एक कोर्स किया। सेंट पीटर्सबर्ग में अध्ययन, रूसी कलाकारों के साथ संचार और सेंट पीटर्सबर्ग में रचनात्मक जीवन के पूरे माहौल, जुनून के साथ, कलाकार के काम को नई ऊंचाइयों पर ले गए। उसके बाद उन्होंने फिनलैंड और विदेशों में कई वर्षों तक फलदायी रूप से काम किया। सेंट पीटर्सबर्ग में उनके अध्ययन और जीवन के बारे में अधिक विस्तार से बताने लायक है।

रिसानेन जुहो (जूलियो रिसानेन, १८७३-१९५०)

जुहो रिसानेन का जन्म कुओपियो के आसपास एक खेतिहर मजदूर के परिवार में हुआ था। एक बच्चे के रूप में, उनके पास एक कठिन समय था, कभी-कभी उन्हें भीख माँगनी पड़ती थी जब उनके शराबी पिता की मृत्यु हो जाती थी (मृत्यु से मर जाते थे)। १८९६ में जुहो रिसानेन ने हेलसिंकी में फ़िनिश आर्ट सोसाइटी के ड्राइंग के केंद्रीय कला-औद्योगिक स्कूल में प्रवेश किया, फिर तुर्कू में।

एक बच्चे के रूप में, रुडोल्फ कोइवु ने सेंट पीटर्सबर्ग पैरिश चर्च स्कूल में भाग लिया, जहां उन्होंने फिनिश और रूसी पत्रों में महारत हासिल की। बचपन से ही उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग में शिक्षकों का ध्यान आकर्षित करना और आकर्षित करना पसंद था। उन्हें पढ़ने के लिए भेजा गया था, लेकिन उन्हें जीविकोपार्जन करना था। और केवल 1907 में आर। कोइवु कला प्रेमियों के फिनिश समाज के ड्राइंग स्कूल में पेंटिंग का अध्ययन जारी रखने में कामयाब रहे।

वहां वह प्रसिद्ध "घायल एन्जिल" के लेखक हुतो सिमबर्ग के छात्र थे। एच. सिमबर्ग को शिक्षक गैलेन-कल्लेला से विरासत में मिली कल्पना में विश्वास और प्रकृति की रहस्यमय शक्ति। रुडोल्फ कोइवु ने 1914 में पेरिस में और 1924 में इटली में अध्ययन किया। फ़िनलैंड लौटकर, वह कलाकारों के मंडली के "नवंबर समूह" में शामिल हो गए, लेकिन यथार्थवादी तरीके से वफादार रहे और अपने परिदृश्य को प्रभाववाद की संयमित, शांत शैली में चित्रित किया। एक कलाकार-चित्रकार की तुलना में बहुत अधिक महत्वपूर्ण, कोइवु एक ड्राफ्ट्समैन और इलस्ट्रेटर था।

असामान्य रूप से जीवंत और विशद कल्पना का प्रदर्शन करते हुए, उन्होंने फिनिश टोपेलियस "रीडिंग टू चिल्ड्रन", जर्मन - "टेल्स ऑफ द ब्रदर्स ग्रिम", अरबी परियों की कहानियों "वन थाउजेंड एंड वन नाइट्स ऑफ शेहेराज़" सहित दर्जनों परी-कथा पुस्तकों का चित्रण किया। कोइवु ने क्रिसमस समाचार पत्रों, फिनिश कैलेंडर और अन्य प्रकाशनों को चित्रित करने का आनंद लिया, खुद को विकसित करते हुए, मुख्य रूप से रूसी चित्रकारों से स्पष्ट रूप से प्रभाव प्राप्त किया, एक दुर्लभ प्रभावी, उज्ज्वल रूप से सजाए गए शैली। उनका सेंस ऑफ ह्यूमर परी-कथा चित्रों और रेखाचित्रों के साथ-साथ उन कार्टूनों में भी प्रकट होता है जो उनके समकालीनों के बीच लोकप्रिय थे। 1947 में उनकी मृत्यु के बाद दुर्भाग्य से उनके चित्रों और चित्रों का संग्रह (संग्रह) सामने आया।

कार्ल एलन शुलमैन (1863-1937)

एक वास्तुकार, उज्ज्वल प्रतिभा और भाग्य का आदमी। कार्ल एलन ने फिनलैंड में अपनी वास्तुकला की शिक्षा प्राप्त की, जबकि अपनी पढ़ाई के दौरान उन्हें युवा फिनिश आधुनिकतावादियों के नवीन विचारों से प्रभावित किया गया था: ई। सारेनिन, जी। गिसेलियस, ए लिंड्रेन। वह आधुनिकता के विचारों से आकर्षित थे। घर पर कोई आदेश नहीं मिलने के बाद, युवा वास्तुकार के.ए. शुलमैन विदेश में काम करता है: अर्जेंटीना, जर्मनी, हॉलैंड, स्वीडन में।

अपनी मातृभूमि में लौटने पर, उन्हें करेलियन इस्तमुस पर खलीला रिसॉर्ट बनाने का अवसर दिया गया। इस निर्माण की सफलता ने सेंट पीटर्सबर्ग में उनका ध्यान आकर्षित किया। 1901 में, यह व्लादिमीर मदर ऑफ गॉड के प्रतीक के चर्च के सामने था। प्रतियोगिता में 88 आर्किटेक्ट्स ने हिस्सा लिया। नतीजतन, घर के मालिक बैरन वॉन बेसर ने शुलमैन को निर्माण का काम सौंपा। छह मंजिला आर्ट नोव्यू इमारत ने अपने अनोखे स्वाद से चौक को सुशोभित किया। निचली मंजिलें बड़ी खुली हुई डिस्प्ले खिड़कियों के साथ खुली हैं।

और ऊपरी मंजिलों पर एक असामान्य गैलरी है, जिसके केंद्र के ऊपर एक नायक के हेलमेट के समान एक बुर्ज है। इमारत का पत्थर विवरण फिनिश पॉटेड पत्थर से बना है। वे पौधों और जानवरों को दर्शाने वाले आभूषण का एक विशिष्ट आर्ट नोव्यू पैटर्न देते हैं। प्रवेश द्वार के ऊपर - मालिक के हथियारों का कोट - बैरन वॉन बेसर। २०वीं शताब्दी की शुरुआत में, इस घर में शाही कुलाधिपति का स्वागत कक्ष, साथ ही साथ महिलाओं के लिए श्रम सभा भी थी। अब व्लादिमीरस्काया पर घर का पुनर्निर्माण किया जा रहा है। यह व्लादिमीरस्की पैसेज शॉपिंग सेंटर का हिस्सा होगा।

उत्तरी आर्ट नोव्यू के फिनिश स्कूल के संस्थापकों में से एक द्वारा व्लादिमीरस्काया पर घर सेंट पीटर्सबर्ग में एकमात्र इमारत है, जो बाद में उत्तरी राजधानी में व्यापक हो गई।

तब इसका प्रतिनिधित्व और विकास सेंट पीटर्सबर्ग आर्किटेक्ट्स द्वारा किया गया था: FLidval, N.V. Vasiliev, A.F. Bubyr। के. शुलमैन के लिए, उन्होंने वायबोर्ग में एक प्रांतीय वास्तुकार के रूप में कई वर्षों तक काम किया, जहां उन्होंने उत्तरी आर्ट नोव्यू शैली में 10 बहुमंजिला इमारतें बनाईं। इसके अलावा, केए शुलमैन फिनलैंड के आर्किटेक्ट्स के संघ में एक प्रमुख व्यक्ति थे, एक पेशेवर संगीतकार-कंडक्टर के रूप में काम किया। उनके नेतृत्व में कोरल समूहों ने सेंट पीटर्सबर्ग, फ़िनलैंड और विदेशों में सफलता के साथ प्रदर्शन किया।

ओडर्ट सेबेस्टियन ग्रिपेनबर्ग (1850-1939)

ग्रिपेनबर्ग ओडर्ट सेबेस्टियन, वास्तुकार; कुर्कियोकी में पैदा हुए। धनी और कुलीन माता-पिता के बेटे, ओडर्ट ने हमीना के कैडेट स्कूल में और फिर सेंट पीटर्सबर्ग मिलिट्री इंजीनियरिंग अकादमी में अध्ययन किया। वहां उन्होंने सैन्य निर्माण प्रशिक्षण प्राप्त किया, लेकिन 1875 में सेना से सेवानिवृत्त हुए। उन्होंने एक पेशेवर वास्तुकार बनने का फैसला किया। इस अवधि के दौरान, सेंट पीटर्सबर्ग वास्तुकला में निर्माण के नए तरीकों का उदय हुआ। उदारवाद - पिछले युगों की तकनीकों का उपयोग: पुनर्जागरण, गोथिक, बारोक - को बहु-मंजिला इमारतों के पहलुओं के प्रसंस्करण के लिए नए सजावटी विवरणों की खोज के साथ जोड़ा गया था। ए.के. सेरेब्रीकोव, पी.यू.सुज़ोर, ए.ई. बेलोग्रुड की प्रसिद्ध इमारतें ऐसी हैं।

१८७८ में ग्रिपेनबर्ग ने इकोले पॉलीटेक्निक में वास्तुकला में अपने डिप्लोमा का बचाव किया, जिसके बाद उन्होंने वियना में अध्ययन किया। 1879-87 में। उन्होंने हेलसिंकी में एक वास्तुकार के रूप में काम किया। उनकी पहली रचनाएँ पुनर्जागरण की लालसा और उनके शिक्षक शेष-तीन के स्पष्ट प्रभाव को दर्शाती हैं। भविष्य में, एक स्पष्ट मजबूत टूटने और भवन की मात्रा के विभाजन की इच्छा है। ये फिनिश राइटर्स सोसाइटी, फर्स्ट बिजनेस सेंटर, फिर पुरानी इमारत "हेलसिंगिन सनोमैट", तुर्कू सेविंग्स बैंक की इमारत के निर्माण के रूप में ऐसे काम हैं।

१८८७ में उन्हें ऑफिस ऑफ़ पब्लिक (सिविल) कंस्ट्रक्शन का मुख्य वास्तुकार नियुक्त किया गया, जहाँ से १९०४ में वे चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के निदेशक के रूप में सीनेट में चले गए।

ग्रिपेनबर्ग फ़िनिश थिएटर हाउस ज्वाइंट स्टॉक कंपनी के बोर्ड के प्रमुख और नेशनल थिएटर बिल्डिंग के निर्माण में कार्यकारी निदेशक, साथ ही पोहजोला बीमा कंपनी के निदेशक मंडल के अध्यक्ष थे। ओएस ग्रिपेनबर्ग 1892-1901 में फिनिश क्लब ऑफ आर्किटेक्ट्स के पहले अध्यक्ष थे, साथ ही तकनीशियनों के फिनिश-भाषी समाज के संस्थापकों में से एक थे।

अक्सेली गैलेन-कल्लेला

सैमन पुओलस्टस (1896)

कालेवाला के लिए चित्र। " सम्पो रक्षा«.

सम्पो(फिन। सम्पो) - करेलियन-फिनिश पौराणिक कथाओं में, एक अनोखी जादुई वस्तु जिसमें जादुई शक्तियां होती हैं और यह सुख, समृद्धि और प्रचुरता का स्रोत है। महाकाव्य "कालेवाला" में इसके निर्माता एलियास लोन्नरोट ने सम्पो को एक मिल के रूप में प्रस्तुत किया।

ह्यूगो सिमबर्ग

हल्ला (1895)

हल्ला- यह है ठंढ, अगर मैं सही ढंग से समझूं, उदाहरण के लिए, गर्मियों में रात में या सुबह के समय

इस अर्थ में, चित्र छवि को अच्छी तरह से व्यक्त करता है।

हेलेन श्जेरफबेक

तोइपिलस (1888)

टोइपिलस — ठीक हो

ह्यूगो सिमबर्ग

कुओलेमन पुटरहा —मौत का बगीचा

इस पेंटिंग के कई संस्करण हैं, इस तस्वीर में टाम्परे के एक गिरजाघर से एक भित्ति चित्र है।

इस पेंटिंग की सिफारिश मुझे एक फिनिश लड़की ने की थी, जब मैंने देखा कि यह किसी तरह उदास फिन्स के लिए भी उदास था, उसने मुझे गर्मजोशी से जवाब दिया: "मौतें फूलों की देखभाल करती हैं - रेगिस्तान के बीच में लोग, और जब उन्हें मजबूर किया जाता है उन्हें काटो वे इसे कोमलता से करते हैं, मानो क्षमा मांग रहे हों ..."

ह्यूगो सिमबर्ग

हावोइटुनट एनकेली -घायल परी
(1903)

तस्वीर की साजिश एक पहचानने योग्य ऐतिहासिक पृष्ठभूमि के खिलाफ सामने आती है: एलींटारा पार्क (शाब्दिक रूप से "चिड़ियाघर") और हेलसिंकी में टूलो बे। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पार्क ब्लू-कॉलर व्यवसायों के प्रतिनिधियों के लिए एक लोकप्रिय मनोरंजन स्थल था, और दान भी वहां स्थित थे। जिस सड़क के साथ पात्र चलते हैं वह आज तक बची हुई है: जुलूस इसके साथ-साथ नेत्रहीन लड़कियों के लिए मौजूदा स्कूल और विकलांगों के लिए एक आश्रय की ओर बढ़ता है।

पेंटिंग में दो लड़कों को एक स्ट्रेचर पर आंखों पर पट्टी और एक खून बह रहा पंख के साथ एक पवित्र परी को ले जाते हुए दिखाया गया है। लड़कों में से एक दर्शक को सीधे और उदास रूप से देखता है, उसकी टकटकी या तो घायल परी के लिए सहानुभूति व्यक्त करती है, या अवमानना ​​करती है। पृष्ठभूमि का परिदृश्य जानबूझकर कठोर और कंजूस है, लेकिन शांति का आभास देता है। एक गैर-तुच्छ साजिश व्याख्याओं की एक विस्तृत श्रृंखला के लिए जगह खोलती है। लड़कों के खुरदुरे कपड़े और जूते, उनके गंभीर गंभीर चेहरे, एक हल्के कपड़े पहने एक परी की नाजुक आकृति के विपरीत हैं, जो जीवन और मृत्यु के विरोध का सुझाव देता है, परी के पंख पर खून और आंखों पर पट्टी किसका संकेत है भेद्यता और अस्तित्व की क्षणभंगुरता, लेकिन परी अपने हाथ में बर्फ की बूंदों का एक गुलदस्ता रखती है जो पुनर्जन्म और पुनर्प्राप्ति का प्रतीक है। यहां जिंदगी मौत के करीब लगती है। लड़कों में से एक ने दर्शकों की ओर रुख किया, चित्र के उपदेशात्मक स्थान को फाड़ दिया, जिससे यह स्पष्ट हो गया कि जीवन और मृत्यु के मुद्दे सीधे उनसे संबंधित हैं। सिमबर्ग ने स्वयं द वाउंडेड एंजल की कोई व्याख्या देने से इनकार कर दिया, जिससे दर्शकों को अपने निष्कर्ष निकालने के लिए छोड़ दिया गया।

फिनिश संस्कृति पर पेंटिंग का बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा है। इसका उल्लेख उच्च और सामूहिक कला के कई कार्यों में मिलता है। फ़िनिश मेटल बैंड नाइटविश के गीत "ऐमारैंथ" का वीडियो "घायल एन्जिल" धुन पर चलता है।

अल्बर्ट एडेलफेल्ट

पेरिसिन लक्ज़मबर्गिन पुइस्टोसा — पेरिस के लक्ज़मबर्ग गार्डन में.

अक्सेली गैलेन-कल्लेला

अक्का ja किस्सा — बूढ़ी औरत और बिल्ली

गैलेन-कल्लेला, सामान्य तौर पर, सभी पेंटिंग उत्कृष्ट कृतियाँ हैं, यह वास्तव में एक विश्व स्तरीय कलाकार है।

यह चित्र प्राकृतिक रूप से सशक्त ढंग से चित्रित किया गया है, हालांकि, अपनी सारी अलंकृतता के बावजूद, यह सबसे सरल और सबसे गरीब लोगों के लिए सहानुभूति और प्रेम से भरा है।

पेंटिंग को 1895 में तुर्कू कला संग्रहालय द्वारा अधिग्रहित किया गया था और अब भी है।

शब्द अक्कामुझे हमेशा अनुवाद करने में कठिनाई होती है - "बाबा" और "दादी" दोनों।

यहां मैं थोड़ा स्वाद दिखाऊंगा और एक और तस्वीर जोड़ूंगा। हेलेन श्जेरफबेक- रूसी में हम उसका नाम हेलेना शेजर्बेक पढ़ते हैं।

और यहाँ प्रकाश और गर्मी की किरण है।

1882 की पेंटिंग, तानसियाइस्केन्गेटो —नृत्य जूते.

यह शायद अब तक की सबसे दुखद फिनिश फिल्म है। कम से कम मेरे विचार में।

अल्बर्ट एडेलफेल्ट

लैप्सेन रुमिसात्टो — बच्चे का अंतिम संस्कार(शाब्दिक रूप से बच्चे का अंतिम संस्कार)

यह पहली फिनिश ललित कला शैली की रचना है जिसे बाहर चित्रित किया गया है। यह, जैसा था, वास्तविक जीवन का एक टुकड़ा बन गया, जिसे कलाकार ने देखा और पकड़ा। तस्वीर मानव दुख के बारे में बताती है। एडेलफेल्ट ने एक साधारण परिवार को एक नाव पर एक छोटा ताबूत ले जाते हुए दिखाया। कठोर परिदृश्य उन लोगों के मूड से मेल खाता है जो अपने बच्चे को अपनी अंतिम यात्रा पर देखते हैं। उनके शोकाकुल चेहरों में, संयमित आंदोलनों में, गंभीर उदासी है, जो झील की सफेद गतिहीन सतह, उज्ज्वल ठंडे आकाश, दूर के निचले तटों से गूँजती है।

द चाइल्ड्स फ्यूनरल ने उन्हें शिक्षाविद का खिताब दिलाया, और यह टुकड़ा मॉस्को में एक निजी संग्रह के लिए खरीदा गया था। उसी समय, सार्सोकेय सेलो में एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था, और एडेलफेल्ट को अलेक्जेंडर III और मारिया फेडोरोवना को प्रस्तुत किया गया था, जो पेंटिंग के भी शौकीन थे।

अदालत से कलाकार की निकटता ने रूस में फिनिश पेंटिंग की लोकप्रियता में मदद की। हम कह सकते हैं कि एडेलफेल्ट उन लोगों में से एक थे जिन्होंने रूस के लिए फिनलैंड की कला की खोज की थी।

1907 में, पेंटिंग फ़िनलैंड लौट आई और अब एटेनियम संग्रहालय, हेलसिंकी में है।

इसके अलावा, अपनी ओर से, मैं आपको यह नोट करने की अनुमति दूंगा कि यह चित्र फिन्स के मृत्यु के दृष्टिकोण को बहुत सटीक रूप से बताता है (जो, अफसोस, किसी भी जीवन का एक हिस्सा, अंतिम भाग है)। यह बहुत सख्त और संयमित है, यहाँ भी, रूसियों से अंतर है। लेकिन इस गंभीरता और संयम का मतलब उनकी भावनाहीनता नहीं है, यह सिर्फ इतना है कि फिन्स इसे अपने आप में गहराई से ले जाते हैं। हम रूसियों की तुलना में गहरा। लेकिन इसका दुख उनके लिए थमने का नाम नहीं ले रहा है.

पेक्का हेलोनेन

तिएनराइवाजिया करजलास्सा — करेलिया में सड़क बनाने वाले।

सचमुच, यह "करेलिया में सड़क साफ करने वाला" होगा।

रैवत:- अच्छी क्रिया: रास्ता छोडिये
मुझे नहीं पता कि उसके पास शब्द के साथ कुछ समान है रैवो — क्रोध, उन्माद

लेकिन इस तस्वीर को देखकर अंदाजा लगाया जा सकता है कि हां।

चित्र में फिन्स की एक और विशेषता है - ऐतिहासिक रूप से उन्हें एक अत्यंत प्रतिकूल प्राकृतिक वातावरण में रहना पड़ा, अर्थात्, कभी-कभी अपने अस्तित्व के लिए केवल भयंकर रूप से लड़ना पड़ता है, इसलिए, शायद, यह वह दृढ़ता है जो वे काम में दिखाते हैं और प्रतिकूलता। कम से कम पहले तो ऐसा था।

ह्यूगो सिमबर्ग

ह्यूगो सिमबर्ग की एक और पेंटिंग है " सपना«.

सिमबर्ग को प्रतीकवादियों में सही स्थान दिया गया है, उनकी पेंटिंग व्याख्या और व्याख्या के लिए बेहद खुली हैं।

और साथ ही, उनके चित्रों में हमेशा कुछ बहुत ही राष्ट्रीय होता है।

अक्सेली गैलेन-कल्लेला

पोइका जा वारिसो — लड़का और कौआ।

(१८८४) व्यक्तिगत रूप से, वैसे, मैंने केवल काफी पुराना सीखा है कि क्रो (वैरिस), अपेक्षाकृत बोलते हुए, पत्नी / महिला नहीं क्रो (कोर्प्पी) वास्तव में, ऐसा भ्रम सौभाग्य से केवल रूसी भाषा में होता है। उदाहरण के लिए, यूक्रेनी में, एक रेवेन एक "कुटिल" और एक रेवेन है, इसलिए यह "रेवेन" होगा। अंग्रेजी में रेवेन के लिए शब्द "रेवेन" है, और एक रेवेन को "कौवा" कहा जाता है।

पेंटिंग अब एथेनियम में है।

अक्सेली गैलेन-कल्लेला।

लेम्मिंकाईसेन ऐटि — लेमिन्किनेन की माँ।
(1897)

पेंटिंग एथेनियम, हेलसिंकी में है।

पेंटिंग कालेवाला के एक दृश्य का वर्णन करती है जिसमें लेमिन्किनेन को मार दिया गया था और अलग कर दिया गया था और शरीर के अंगों को एक अंधेरी नदी, तुओनेला में फेंक दिया गया था। नायक की माँ ने एक रेक के साथ अपने बेटे के शरीर के कुछ हिस्सों को इकट्ठा किया, और उन्हें एक टुकड़े में सिल दिया। तस्वीर में, वह एक मधुमक्खी की प्रतीक्षा कर रही है - इसलिए वह ऊपर देखती है - जो वरिष्ठ देवता उक्को से जादुई शहद लाएगी, जिसे लेमिन्किनेन को फिर से जीवित करना होगा।

एथेनियम संग्रहालय की स्थायी प्रदर्शनीइमारत की तीसरी मंजिल पर कब्जा है (छोटी विषयगत प्रदर्शनियों की भी व्यवस्था की जाती है), और दूसरी मंजिल (मंजिल योजना) पर अस्थायी प्रदर्शनियां आयोजित की जाती हैं। इस पोस्ट में, हम आपको एथेनेम संग्रह में कुछ सबसे दिलचस्प और प्रसिद्ध चित्रों और मूर्तियों के साथ-साथ उनके लेखकों के बारे में बताएंगे: प्रसिद्ध फिनिश चित्रकार और मूर्तिकार. एथेनियम संग्रहालय के इतिहास और संग्रहालय भवन की वास्तुकला के बारे में और जानेंपढ़ा जा सकता है। इसमें . के बारे में उपयोगी जानकारी भी शामिल है टिकट की कीमतें, खुलने का समयऔर एथेनियम संग्रहालय जाने की प्रक्रिया। ध्यान दें: संग्रहालय में सभी प्रसिद्ध कार्यों को एक ही समय में देखना हमेशा संभव नहीं होता है।

फिनिश मूर्तिकार

हम प्रवेश द्वार से एथेनियम संग्रहालय के माध्यम से अपना चलना शुरू करेंगे।

लॉबी में हमारी मुलाकात एक मार्बल ग्रुप से होती है" अपोलो और मार्सियस"(१८७४) प्रसिद्ध फिनिश मूर्तिकार द्वारा वाल्टर रूनबर्ग (वाल्टर मैग्नस रनबर्ग) (1838-1920), हेलसिंकी में जोहान रूनबर्ग और सम्राट अलेक्जेंडर II के स्मारकों के लेखक। मूर्तिकार के पिता, कवि जोहान रूनबर्ग, साहित्य में राष्ट्रीय-रोमांटिक प्रवृत्ति के प्रतिनिधि, ने बहादुरी और भक्ति के मूल्य सहित ग्रीक और रोमन सभ्यता के आदर्शों को फिनिश संस्कृति में पेश किया। उनके बेटे ने इन आदर्शों को व्यक्त करना जारी रखा, लेकिन मूर्तिकला के माध्यम से। 1858-62 में। वाल्टर रूनबर्ग ने डेनमार्क के मूर्तिकार हरमन विल्हेम बिसेन के मार्गदर्शन में कला अकादमी में कोपेनहेगन में अध्ययन किया, जो प्रसिद्ध थोरवाल्डसन के छात्र थे, जो नियोक्लासिकल मूर्तिकला के अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त मास्टर थे। 1862-1876 में। रूनबर्ग ने शास्त्रीय विरासत का अध्ययन जारी रखते हुए रोम में काम किया।

इस मूर्तिकला समूह में, रूनेबर्ग ने प्रकाश अपोलो के देवता को चित्रित किया, जो अपनी कला से व्यंग्यकार मार्सिया पर विजय प्राप्त करता है, जो अंधेरे और पृथ्वी की पहचान करता है। अपोलो की आकृति प्राचीन आदर्शों की भावना में बनाई गई है, जबकि बारोक-जंगली चरवाहा मार्सिया द्वारा इस छवि का स्पष्ट रूप से विरोध किया गया है। रचना मूल रूप से हेलसिंकी में नए स्टूडेंट हाउस को सजाने के लिए थी और इसे महिला समाज द्वारा कमीशन किया गया था, लेकिन तब महिलाओं ने, जाहिरा तौर पर, फैसला किया कि रूनबर्ग की मूर्तिकला में बहुत अधिक नग्नता थी। एक तरह से या किसी अन्य, अंत में, काम को फ़िनलैंड की आर्ट सोसाइटी को एक उपहार के रूप में प्रस्तुत किया गया था - और इसलिए यह एटेनम संग्रहालय के संग्रह में निकला।

तीसरी मंजिल पर एटेनम के मुख्य प्रदर्शनी हॉल के प्रवेश द्वार पर, आप कुछ और दिलचस्प काम देख सकते हैं फिनिश मूर्तिकार... विशेष रूप से आकर्षक संगमरमर और कांस्य मूर्तियां, सुंदर मूर्तियां और काम के फूलदान हैं विले वॉलग्रेना (विले वल्ग्रेन) (1855–1940).विले वॉलग्रेनपहले फिनिश मूर्तिकारों में से एक थे, जिन्होंने फिनलैंड में बुनियादी शिक्षा प्राप्त करने के बाद, कोपेनहेगन में नहीं, बल्कि पेरिस में अपनी पढ़ाई जारी रखने का फैसला किया। उनकी पसंद प्रसिद्ध चित्रकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट से प्रभावित थी, जो पोर्वू के मूल निवासी भी थे। एडेलफेल्ट ने अन्य जीवन और पेशेवर मामलों में आवेगी साथी देशवासियों की मदद की: उदाहरण के लिए, यह उनकी मदद से था कि वल्ग्रेन को एस्प्लेनेड बुलेवार्ड पर प्रसिद्ध हैविस अमांडा फाउंटेन (1908) के निष्पादन का आदेश मिला।

विले वॉलग्रेन, जो लगभग ४० वर्षों से फ्रांस में रह रहा है, अपनी कामुक महिला आकृतियों के लिए जाना जाता है आर्ट नोव्यू शैली में... हालांकि, अपने काम के शुरुआती चरण में, उन्होंने अक्सर युवा पुरुषों को चित्रित किया और अधिक शास्त्रीय शैली का पालन किया (उदाहरण काव्यात्मक संगमरमर की मूर्तियां हैं " गूंज"(1887) और" लड़का केकड़े से खेल रहा है"(१८८४), जिसमें वालग्रेन मानवीय चरित्रों और प्राकृतिक दुनिया को जोड़ता है)।

19 वीं शताब्दी के अंत में, विले वल्ग्रेन ने सजावटी मूर्तियों के एक उल्लेखनीय मास्टर के रूप में दुनिया भर में ख्याति प्राप्त की, साथ ही साथ फूलदान, अंतिम संस्कार के कलश और आंसू-बूंदों को शोकग्रस्त लड़कियों-शोक के आंकड़ों से सजाया गया। लेकिन कम आश्वस्त करने वाले बॉन विवेंट वॉलग्रेन ने भी जीवन की खुशियों को चित्रित किया, जिसमें हविस अमांडा जैसी चुलबुली और मोहक महिलाएं भी शामिल थीं। उपरोक्त मूर्तिकला "बॉय प्लेइंग विद ए क्रैब" (1884) के अलावा, एथेनियम संग्रहालय की तीसरी मंजिल पर आप देख सकते हैं विले वॉलग्रेन द्वारा कांस्य कार्य: "टियरड्रॉप" (1894), "स्प्रिंग (पुनर्जागरण)" (1895), "टू यंग पीपल" (1893) और एक फूलदान (सी। 1894)। पूरी तरह से तैयार किए गए विवरणों के साथ ये उत्तम कार्य आकार में छोटे हैं, लेकिन वे एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव डालते हैं और उनकी सुंदरता के लिए याद किए जाते हैं।

विले वॉलग्रेन ने एक मूर्तिकार के रूप में करियर की दिशा में एक लंबा सफर तय किया है, लेकिन एक बार जब उन्होंने अपनी दिशा पाई और पेशेवरों के समर्थन को सूचीबद्ध किया, तो वे इतिहास में सबसे सम्मानित और अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त कलाकारों में से एक बन गए। फिनिश कला... उदाहरण के लिए, वह पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में अपने काम के लिए "ग्रांड प्रिक्स" पदक प्राप्त करने वाला एकमात्र फिन था (यह 1900 में हुआ था)। वालग्रेन ने पहली बार 1889 के विश्व मेले के दौरान सहयोगियों और आलोचकों का ध्यान आकर्षित किया, जहां उनकी क्राइस्ट रिलीफ प्रदर्शित की गई थी। एक बार फिर, फिनिश मूर्तिकार ने प्रतीकात्मक पेरिस सैलून के दौरान खुद के बारे में बात की गुलाब + क्रिक्स 1892 और 1893 में। वालग्रेन की पत्नी एक स्वीडिश कलाकार और मूर्तिकार एंटोनेट रोस्ट्रोम थीं ( एंटोनेट रोस्ट्रोमी) (1858-1911).

फिनिश कला का स्वर्ण युग: अल्बर्ट एडेलफेल्ट, अक्सली गैलेन-कल्लेला, ईरो जर्नफेल्ट, पेक्का हलोनन

तीसरी मंजिल पर सबसे बड़े हॉल में से एक में एथेनियम संग्रहालयक्लासिक पेंटिंग प्रस्तुत की जाती हैं, जिसमें विले वल्ग्रेन के मित्र का काम भी शामिल है - अल्बर्ट एडेलफेल्ट (अल्बर्ट एडेलफेल्ट) (1854-1905), दुनिया में सबसे व्यापक रूप से जाना जाता है फिनिश कलाकार.

दर्शकों का ध्यान आवश्यक रूप से परी कथा चित्र से आकर्षित होता है रानी ब्लैंका”(१८७७) - फिनलैंड में सबसे लोकप्रिय और प्रिय चित्रों में से एक, मातृत्व के लिए एक वास्तविक भजन। इस पेंटिंग की मुद्रित प्रतिकृतियां और कढ़ाई देश भर के हजारों घरों में पाई जा सकती है। एडेलफेल्ट के लिए प्रेरणा का स्रोत जकारियास टोपेलियस "द नाइन सिल्वरस्मिथ्स" की कहानी थी ( डे नियो सिल्वरपेनिंगर्न), जिसमें स्वीडन की मध्ययुगीन रानी और नामुर की नॉर्वे ब्लैंका ने अपने बेटे, डेनमार्क के मार्गरेट I के भावी जीवनसाथी, प्रिंस हाकोन मैग्नसन का गीतों के साथ मनोरंजन किया। इस विवाह का परिणाम, आयोजित किया गया रानी ब्लैंका, स्वीडन, नॉर्वे और डेनमार्क का संघ बन गया - कलमर संघ (1397-1453)। प्रिटी ब्लैंका अपने छोटे बेटे को भविष्य की इन सभी घटनाओं के बारे में गाती है।

इस कैनवास के निर्माण के युग में, ऐतिहासिक पेंटिंग को सबसे महान कला रूप माना जाता था और फिनिश समाज के शिक्षित वर्ग द्वारा इसकी मांग की जाती थी, क्योंकि उस समय राष्ट्रीय पहचान बनने लगी थी। अल्बर्ट एडेलफेल्ट केवल 22 वर्ष के थे, जब उन्होंने मध्ययुगीन स्कैंडिनेवियाई इतिहास के विषय पर एक पेंटिंग बनाने का फैसला किया, और "क्वीन ब्लैंका" उनका पहला गंभीर काम बन गया। कलाकार ने अपने लोगों की अपेक्षाओं को पूरा करने और ऐतिहासिक दृश्य को यथासंभव स्पष्ट और प्रामाणिक रूप से मूर्त रूप देने की मांग की (पेंटिंग लिखने के समय, एडेलफेल्ट पेरिस में एक तंग अटारी में रहता था और अपने शिक्षक जीन-लियोन के आग्रह पर जेरोम ने उस दौर की वेशभूषा का अध्ययन किया, मध्ययुगीन वास्तुकला और फर्नीचर के बारे में किताबें पढ़ीं, मध्ययुगीन क्लूनी संग्रहालय का दौरा किया)। उस कौशल को देखें जिसके साथ रानी की पोशाक का चमकता रेशम, फर्श पर भालू की खाल, और कई अन्य विवरण चित्रित किए गए थे (कलाकार ने एक डिपार्टमेंटल स्टोर में भालू की खाल को किराए पर लिया था)। लेकिन तस्वीर में मुख्य बात, कम से कम आधुनिक दर्शक के लिए (और खुद एडेलफेल्ट के लिए, जो दुनिया में किसी और से ज्यादा अपनी मां से प्यार करती है), इसकी गर्म भावनात्मक सामग्री बनी हुई है: मां का चेहरा और बच्चे के हावभाव जो प्यार का इजहार करते हैं, खुशी और निकटता।

एक खूबसूरत 18 वर्षीय पेरिस की महिला ने क्वीन ब्लैंका के लिए एक मॉडल के रूप में काम किया, और एक सुंदर इतालवी लड़के ने राजकुमार के लिए पोज़ दिया। पेंटिंग "क्वीन ब्लैंका"पहली बार 1877 में पेरिस सैलून में जनता के लिए प्रस्तुत किया गया था, एक बड़ी सफलता थी और फ्रांसीसी कला प्रकाशनों में इसे दोहराया गया था। फिर इसे फ़िनलैंड में दिखाया गया, जिसके बाद कैनवास को औरोरा करमज़िना को बेच दिया गया। इसके बाद, पेंटिंग टाइकून हजलमार लिंडर के संग्रह में समाप्त हो गई, जिन्होंने इसे दान किया था एथेनियम संग्रहालय 1920 में।

प्रारंभिक रचनात्मकता का एक और उदाहरण अल्बर्ट एडेलफेल्टएथेनियम संग्रहालय में एक भयानक पेंटिंग है " बच्चे का अंतिम संस्कार"(" ताबूत का परिवहन ") (1879)। हम पहले ही कह चुके हैं कि अपनी युवावस्था में एडेलफेल्ट का इरादा एक ऐतिहासिक चित्रकार बनने का था; इसके लिए उन्होंने एंटवर्प और फिर पेरिस में पढ़ाई के दौरान खुद को तैयार किया। लेकिन 1870 के दशक के अंत तक, उनके आदर्श बदल गए, वे फ्रांसीसी कलाकार बास्टियन-लेपेज के साथ दोस्त बन गए और प्लेन एयर पेंटिंग के प्रचारक बन गए। अगला काम एडेलफेल्टपहले से ही किसान जीवन और अपनी जन्मभूमि के जीवन का यथार्थवादी प्रतिबिंब हैं। लेकिन द फ्यूनरल ऑफ ए चाइल्ड सिर्फ रोजमर्रा की जिंदगी के एक दृश्य को नहीं दर्शाता है: यह मूलभूत मानवीय भावनाओं में से एक - दुःख को व्यक्त करता है।

उस वर्ष, एडेलफेल्ट ने पहली बार पोर्वू के पास हाइको एस्टेट में अपनी मां द्वारा किराए पर लिए गए एक डाचा का दौरा किया (बाद में कलाकार हर गर्मियों में इन खूबसूरत जगहों पर आया)। पेंटिंग को पूरी तरह से खुली हवा में चित्रित किया गया था, जिसके लिए एक बड़े कैनवास को तटीय शिलाखंडों से जोड़ना पड़ा ताकि वह हवा में न फड़फड़ाए। "मैंने नहीं सोचा था कि बाहर पेंट करना इतना मुश्किल था," एडेलफेल्ट ने अपने एक दोस्त को बताया। एडेलफेल्ट ने पोर्वू द्वीपसमूह के निवासियों के अपक्षयित चेहरों को स्केच किया, एक से अधिक बार मछुआरों के साथ समुद्र में गए, और यहां तक ​​​​कि विशेष रूप से विवरण के सटीक पुनरुत्पादन के लिए अपनी कार्यशाला में एक आरा मछली पकड़ने वाली नाव की स्थापना की। एडेलफेल्ट पेंटिंग « एक बच्चे का अंतिम संस्कार "1880 के पेरिस सैलून में प्रदर्शित किया गया था और उसे तीसरी डिग्री (पहली बार) के पदक से सम्मानित किया गया था। फिनिश कलाकारऐसा सम्मान मिला)। फ्रांसीसी आलोचकों ने चित्र के विभिन्न गुणों पर ध्यान दिया, जिसमें यह तथ्य भी शामिल है कि यह अत्यधिक भावुकता से रहित है, लेकिन उस गरिमा को दर्शाता है जिसके साथ पात्र अपरिहार्य को स्वीकार करते हैं।

तस्वीर के साथ एक पूरी तरह से अलग, धूप और लापरवाह मूड है अल्बर्ट एडेलफेल्ट « लक्ज़मबर्ग उद्यान"(1887)। जब एडेलफेल्ट ने इस कैनवास को लिखा, तो वह पहले से ही पेरिस की कला की दुनिया में एक बहुत प्रसिद्ध व्यक्ति थे। अच्छे मौसम का आनंद लेने वाले कई बच्चों और नानी के साथ पेरिस के पार्कों से प्रभावित होकर, उन्होंने इस सुंदरता को पकड़ने का फैसला किया। उस समय तक, चित्रकार पहले से ही दस वर्षों से अधिक समय तक पेरिस में रह चुका था, और यह और भी अजीब है कि यह पेंटिंग पेरिस के जीवन को दर्शाने वाली उनकी एकमात्र प्रमुख कृति है। यह शायद कलाकारों के बीच भयंकर प्रतिस्पर्धा के कारण है: इस माहौल में अधिक "विदेशी" फिनिश विषयों पर काम करके बाहर खड़े होना आसान था। पेंटिंग "लक्ज़मबर्ग गार्डन" इस मायने में भी असामान्य है कि इसमें एडेलफेल्ट ने प्रभाववाद की कई तकनीकों का इस्तेमाल किया था। उसी समय, प्रभाववादियों के विपरीत, उन्होंने इस कैनवास पर एक वर्ष से अधिक समय तक खुली हवा में और कार्यशाला में काम किया। काम अक्सर तुच्छ कारणों से धीमा हो जाता था: खराब मौसम या देर से मॉडल। आत्म-आलोचनात्मक एडेलफेल्ट ने बार-बार कैनवास पर फिर से काम किया, आखिरी क्षण तक बदलाव किए, जब काम को प्रदर्शनी में ले जाने का समय था।

पेंटिंग को पहली बार में एक प्रदर्शनी में दिखाया गया था गैलरी पेटिटमई 1887 में। एडेलफेल्ट खुद परिणाम से बहुत संतुष्ट नहीं थे: फ्रांसीसी प्रभाववादियों के चित्रों में रंग विस्फोटों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, उनका कैनवास दिख रहा था, जैसा कि उन्हें लग रहा था, एनीमिक, "तरल"। हालांकि, आलोचकों और जनता द्वारा काम को अच्छी तरह से प्राप्त किया गया था। इसके बाद, यह पेंटिंग फिनिश कला के घनिष्ठ संबंधों का एक प्रकार का प्रतीक बन गया - और विशेष रूप से एडेलफेल्ट - पेरिस के साथ, जो उस समय कलात्मक ब्रह्मांड का केंद्र था।

चित्र " Ruokolahti . में चर्च में महिलाएं"(1887) अल्बर्ट एडेलफेल्टहाइको में अपनी ग्रीष्मकालीन कार्यशाला में लिखा - वहां उन्होंने लोक जीवन के विषय पर अपने लगभग सभी कार्यों का निर्माण किया। हालांकि पेंटिंग पूर्वी फिनलैंड की यात्रा के छापों को दर्शाती है, यह ज्ञात है कि पेंटिंग के लिए मॉडल हाइको की महिलाएं थीं (उनके स्टूडियो में एडेलफेल्ट के लिए पोज देने वाली तस्वीरें बच गई हैं)। अन्य प्रमुख रचनाओं की तरह, यह रचना रातोंरात नहीं बनाई गई थी; सावधानीपूर्वक प्रारंभिक रेखाचित्र हमेशा बनाए जाते थे। फिर भी, कलाकार का मुख्य लक्ष्य हमेशा एक सहज, विशद "स्नैपशॉट" प्रभाव प्राप्त करना रहा है।

एटेनम में अल्बर्ट एडेलफेल्ट के कार्यों के साथ, आप फिनिश कला के स्वर्ण युग के एक अन्य प्रतिनिधि द्वारा चित्रों को देख सकते हैं, ईरो जर्नफेल्ट (ईरो जेर्नफेल्टो) (1863-1937)। फ़िनलैंड में अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, जर्नफेल्ट चला गया सेंट पीटर्सबर्गजहां उन्होंने पढ़ाई की कला अकादमीअपने चाचा मिखाइल क्लोड्ट के साथ, रेपिन और कोरोविन के करीब हो गए, और फिर पेरिस में अपनी शिक्षा जारी रखने के लिए चले गए। विदेशी प्रभावों के बावजूद, राष्ट्रीय पहचान की खोज, देशी संस्कृति के अजीबोगरीब चरित्र पर जोर देने की इच्छा ( रचनात्मकता के बारे में अधिक ईरो जर्नफेल्टपढ़ना ).

जर्नफेल्ट को एक चित्रकार और कोली क्षेत्र के राजसी परिदृश्य के लेखक और तुसुलांजर्वी झील के आसपास के लेखक के रूप में जाना जाता है, जहां उनका स्टूडियो-विला सुविरंता स्थित था (ऐनोला हाउस के बगल में, जहां संगीतकार सिबेलियस अपनी पत्नी जर्नफेल्ट के साथ रहते थे। बहन)।

लेकिन ईरो जर्नफेल्ट का सबसे महत्वपूर्ण और प्रसिद्ध काम निस्संदेह पेंटिंग है "अंडर द योक" ("बर्निंग द फॉरेस्ट")(१८९३) (नाम के अन्य रूप - " पैसे के लिए पीछे झुकना», « बेगार")। कैनवास का प्लॉट कृषि की प्राचीन पद्धति से जुड़ा है, जिसमें कृषि योग्य भूमि (तथाकथित स्लेश-एंड-बर्न कृषि) प्राप्त करने के लिए जलती हुई लकड़ी शामिल है। पेंटिंग 1893 की गर्मियों में एक खेत में बनाई गई थी रन्नन पुरुलाउत्तरी सावो क्षेत्र के लापिनलाहटी शहर में। उस वर्ष, ठंढ ने दूसरी बार फसल को बर्बाद कर दिया। जर्नफेल्ट ने एक धनी परिवार के खेत में काम किया और भूमिहीन श्रमिकों के कठोर जीवन और काम की परिस्थितियों का अवलोकन किया, जिन्हें उनके काम के लिए भुगतान तभी किया जाता था जब फसल अच्छी होती थी। उसी समय, जर्नफेल्ट ने एक जलते हुए जंगल के परिदृश्य के रेखाचित्र बनाए, आग और धुएं के व्यवहार का अध्ययन किया, और ग्रामीणों को भी फिल्माया, जो अंततः उनके चित्रों के नायक बन गए।

तस्वीर का केवल एक चरित्र सीधे दर्शक को देखता है: यह एक लड़की है जिसने अस्थायी रूप से अपने काम में बाधा डाली और हमें फटकार की अभिव्यक्ति के साथ देखा। उसका पेट भूख से सूज गया था, उसका चेहरा और कपड़े कालिख से काले हो गए थे, और उसके सिर के चारों ओर जर्नफेल्ट एक प्रभामंडल जैसा धुआँ बना रहा था। कलाकार ने इस छवि को जोहाना कोकोनेन नाम की एक 14 वर्षीय लड़की से चित्रित किया ( जोहाना कोक्कोनें), खेत पर नौकर। अग्रभूमि में आदमी हिक्की पुरुनेन है ( हाइकी पुरुनेन), किसान के भाई और खेत के मालिक को पृष्ठभूमि में दर्शाया गया है।

तस्वीर को देखकर, आप सचमुच आग की गर्मी को महसूस कर सकते हैं, लौ की गूँजती आवाज़ और शाखाओं की कमी को सुन सकते हैं। तस्वीर की कई व्याख्याएं हैं, लेकिन इसका मुख्य अर्थ उत्पीड़ित लोगों की कठोर आलोचना के रूप में देखा जाता है। तस्वीर में दिख रही लड़की फिनलैंड के सभी गरीब और भूखे बच्चों, सभी वंचित लोगों की एक सामान्यीकृत छवि बन गई है। कैनवास को पहली बार 1897 में जनता के सामने पेश किया गया था।

एक पूरा बड़ा हॉल एथेनियम संग्रहालयफिनिश ललित कला के स्वर्ण युग के एक अन्य प्रसिद्ध प्रतिनिधि के काम के लिए समर्पित - एक्सेली गैलेन-कल्लेला (अक्सेली गैलेन-कल्लेला) (1865-1931)। इस अवधि के अन्य प्रमुख फिनिश कलाकारों की तरह, उन्होंने अध्ययन किया। 1900 के विश्व मेले के दौरान गैलेन-कल्लेला ने पेरिस की जनता का विशेष ध्यान आकर्षित किया, जब उन्होंने फ़िनिश महाकाव्य कालेवाला पर आधारित फ़िनिश मंडप के लिए कई भित्तिचित्र बनाए।

के दौरान में पेरिस में प्रशिक्षणगैलेन-कल्लेला ने अक्सर सड़कों और कैफे में देखे गए दृश्यों को स्केच किया। इस काल की रचनात्मकता का एक उदाहरण पेंटिंग है "नग्न" ("बिना मास्क के") (डेमास्की ) (1888) - गैलेन-कल्लेला के काम में लगभग एकमात्र कामुक पेंटिंग। यह ज्ञात है कि यह फिनिश कलेक्टर और दाता फ्रिडजॉफ एंटेल द्वारा नियुक्त एक 23 वर्षीय कलाकार द्वारा बनाया गया था, जो यौन रूप से स्पष्ट चित्रों के अपने संग्रह में जोड़ना चाहता था। हालांकि, जब एंटेल ने कैनवास देखा, तो उसने इसे लेने से इनकार कर दिया, जाहिरा तौर पर, तस्वीर को अपने स्वाद के लिए भी अश्लील मानते हुए।

पेंटिंग में एक नग्न पेरिस की महिला (जाहिरा तौर पर एक वेश्या) को दर्शाया गया है, जो एक पारंपरिक फिनिश कालीन से ढके सोफे पर कलाकार के स्टूडियो में बैठी है। तस्वीर बोहेमियन जीवन शैली का एक विचार देती है, लेकिन साथ ही संकेत देती है कि उसकी खुशियाँ मौत से भरी हैं, गिरती हैं। कलाकार मासूमियत का प्रतीक एक लिली को दर्शाता है, जो एक जोरदार कामुक मॉडल और एक गिटार के विपरीत है, जिसका आकार कामुक सनसनी को और बढ़ाता है। महिला एक ही समय में मोहक और भयभीत दिखती है। क्रूसीफिक्स, बुद्ध प्रतिमा और पुरानी फिनिश कालीन रुयू, तस्करी महिला मांस के बगल में दर्शाया गया है, संत के अपमान का संकेत देता है। एक खोपड़ी पृष्ठभूमि में मेज पर मुस्कराई - वनिता शैली के चित्रों में एक लगातार तत्व, जो दर्शकों को सांसारिक सुखों की कमजोरी और मृत्यु की अनिवार्यता की याद दिलाता है। कैनवास डेमास्कीमें पहली बार प्रदर्शित किया गया था एथेनियम संग्रहालय१८९३ में।

कई बाद के काम गैलेना-कल्लेलाको समर्पित "कालेवाला"... फ़िनिश महाकाव्य के ऐसे नायकों को वेनमोइनेन और लेमिन्किनेन के रूप में चित्रित करते समय, कलाकार एक विशेष शैली, कठिन और अभिव्यंजक का उपयोग करता है, जो अद्वितीय चमकीले रंगों और शैली के गहनों से भरा होता है। इस चक्र से, यह अद्भुत तस्वीर ध्यान देने योग्य है ” लेमिन्किनेन की मां"(1897)। यद्यपि चित्र महाकाव्य का एक उदाहरण है, इसमें अधिक वैश्विक, सार्वभौमिक ध्वनि है और इसे एक प्रकार का उत्तरी पिएटा माना जा सकता है। मातृ प्रेम का यह भेदी गीत गैलेन-कल्लेला के सबसे अद्भुत गीतों में से एक है कालेवाला».

लेमिन्किनेन की मां- एक हंसमुख लड़का, एक चतुर शिकारी और महिलाओं को लुभाने वाला - अपने बेटे को मौत की काली नदी (तुओनेला नदी) में पाता है, जहाँ उसने एक पवित्र हंस को मारने की कोशिश की। पृष्ठभूमि में काले पानी में एक हंस को चित्रित किया गया है, और खोपड़ी और हड्डियां चट्टानी किनारे पर बिखरी हुई हैं और मौत के फूल उग आए हैं। "कालेवाला" में यह बताया गया है कि कैसे एक माँ ने एक लंबी रेक से पानी में कंघी की, सभी टुकड़ों को बाहर निकाला और अपने बेटे को उनमें से फिर से मोड़ दिया। मंत्र और मलहम की मदद से, वह लेमिन्किनेन को पुनर्जीवित करती है। पेंटिंग उस क्षण को दर्शाती है जो पुनरुत्थान से पहले होती है। ऐसा लगता है कि सब कुछ चला गया है, लेकिन सूरज की किरणें मृतकों के राज्य में प्रवेश करती हैं, आशा देती हैं, और मधुमक्खी नायक के पुनरुत्थान के लिए जीवन देने वाली दिव्य बाम ले जाती है। गहरे, मौन रंग इस अंडरवर्ल्ड की शांति की भावना को बढ़ाते हैं, और पत्थरों पर तीव्र रक्त-लाल काई, लेमिन्किनेन के पौधों की घातक पीली सफेदी और मधुमक्खी के दिव्य सुनहरे रंग के साथ त्वचा के विपरीत और नीचे से निकलने वाली किरणें आकाश।

इस तस्वीर के लिए उनकी अपनी मां ने कलाकार के लिए पोज दिए। वह एक जीवंत, तनावपूर्ण रूप के साथ एक बहुत ही यथार्थवादी छवि बनाने में कामयाब रहे (यह एक वास्तविक भावना है: गैलेन-कल्लेला ने विशेष रूप से अपनी मां से कुछ दुखी होने के बारे में बात की, जिससे वह रोने लगी)। उसी समय, पेंटिंग शैलीकरण में भिन्न होती है, जो आपको एक विशेष पौराणिक वातावरण बनाने की अनुमति देती है, यह महसूस करना कि घटनाएं वास्तविकता के "दूसरी तरफ" हो रही हैं। भावनात्मक प्रभाव को बढ़ाने के लिए, गैलेन-कल्लेला ने तेल पेंट के बजाय तड़के का इस्तेमाल किया। सरलीकृत आकार, कुरकुरा आकार की रूपरेखा और बड़े रंग के विमान शक्तिशाली रचना बनाने में मदद करते हैं। पेंटिंग के उदास मिजाज को बेहतर ढंग से व्यक्त करने के लिए, कलाकार ने रूवेसी में अपने स्टूडियो हाउस में एक पूरी तरह से काले कमरे की व्यवस्था की, जो रोशनी का एकमात्र स्रोत था जिसमें रोशनदान था। इसके अलावा, उन्होंने खुद को फर्श पर नग्न तस्वीरें खिंचवाईं और इन तस्वीरों का इस्तेमाल तब किया जब उन्होंने लेमिन्किनेन की आकृति को चित्रित किया।

गैलेन-कल्लेला त्रिपिटक " ऐनो की किंवदंती"(1891)। रचना "कालेवाला" से युवा लड़की ऐनो और पुराने ऋषि वेनमोइनेन के बारे में कहानी को समर्पित है। ऐनो, अपने माता-पिता के निर्णय से, वैनामोइनेन से शादी की जानी थी, लेकिन वह खुद को डूबना पसंद करते हुए उससे बच निकली। त्रिपिटक के बाईं ओर जंगल में पारंपरिक करेलियन पोशाक पहने एक बूढ़े आदमी और एक लड़की की पहली मुलाकात दिखाई देती है, और दाईं ओर हम उदास ऐनो देखते हैं। खुद को पानी में फेंकने की तैयारी करते हुए, वह किनारे पर रोती है, पानी में खेल रही समुद्री युवतियों की पुकार सुनती है। अंत में, केंद्रीय पैनल कहानी के अंत को दर्शाता है: वेनमोइनेन एक नाव पर समुद्र और मछलियों के लिए निकलता है। एक छोटी सी मछली पकड़ने के बाद, वह उस लड़की को नहीं पहचानता जो अपनी गलती से डूब गई और मछली को वापस पानी में फेंक देती है। लेकिन इस समय मछली ऐनो में बदल जाती है - एक मत्स्यांगना जो बूढ़े आदमी पर हंसती है जो उसे याद करता है और फिर हमेशा के लिए लहरों में गायब हो जाता है।

1890 के दशक की शुरुआत में गैलेन-कल्लेलाप्रकृतिवाद के समर्थक थे, और उन्हें निश्चित रूप से चित्र में सभी आकृतियों और वस्तुओं के लिए प्रामाणिक मॉडल की आवश्यकता थी। तो, अपनी लंबी सुंदर दाढ़ी के साथ वैनामोइनन की छवि के लिए, करेलियन गांवों में से एक के निवासी ने कलाकार के लिए तस्वीर खिंचवाई। इसके अलावा, कलाकार ने बूढ़े आदमी से डरी हुई मछली की सबसे सटीक छवि प्राप्त करने के लिए पर्चों को सुखाया। ऐनो के हाथ पर चमकने वाला चांदी का कंगन भी वास्तविकता में मौजूद था: गैलेन-कल्लेला ने यह गहने अपनी युवा पत्नी मैरी को भेंट किए। उसने स्पष्ट रूप से ऐनो के लिए एक मॉडल के रूप में काम किया। करेलिया में अपने हनीमून के दौरान कलाकार द्वारा त्रिपिटक के परिदृश्य को स्केच किया गया था।

रचना को कालेवाला के आभूषणों और उद्धरणों के साथ एक लकड़ी के फ्रेम द्वारा तैयार किया गया है, जिसे स्वयं गैलेन-कल्लेला ने लिखा है। यह त्रिपिटक आंदोलन का प्रारंभिक बिंदु बन गया फ़िनलैंड में राष्ट्रीय रूमानियत- आर्ट नोव्यू का फिनिश संस्करण। कलाकार ने इस पेंटिंग का पहला संस्करण 1888-89 में पेरिस में बनाया था। (अब यह बैंक ऑफ फिनलैंड के अंतर्गत आता है)। जब पेंटिंग को पहली बार हेलसिंकी में प्रस्तुत किया गया था, तो इसका बड़े उत्साह के साथ स्वागत किया गया था, और सीनेट ने सार्वजनिक खर्च पर एक नए संस्करण का आदेश देने का फैसला किया। यह विचार फेनमैन आंदोलन के मद्देनजर काफी स्वाभाविक लगता है, जिसने फिनिश राष्ट्र को आदर्श और रोमांटिक बनाया। इसके अलावा, कला को फिनिश राष्ट्रीय आदर्शों को व्यक्त करने का एक शक्तिशाली साधन माना जाता था। उसी समय, "असली फिनिश शैली" की तलाश में कलाकारों का अभियान करेलिया में शुरू हुआ। करेलिया को एकमात्र अछूती भूमि के रूप में देखा गया था जहां कालेवाला के निशान संरक्षित थे, और गैलेन-कल्लेला ने खुद इस महाकाव्य को राष्ट्रीय महानता के पिछले समय की कहानी के रूप में, एक खोए हुए स्वर्ग की छवि के रूप में माना।

गैलेन-कल्लेला द्वारा पेंटिंग « कुल्लर्वो का अभिशाप"(१८९९)" कालेवाला "के एक और नायक के बारे में बताता है। कुल्लर्वो असाधारण ताकत का एक युवा था, एक अनाथ जिसे गुलामी में दिया गया था और गायों को चराने के लिए जंगल में भेज दिया गया था। दुष्ट परिचारिका, लोहार इल्मारिनन की पत्नी ने उसे यात्रा के लिए रोटी दी, जिसमें एक पत्थर छिपा हुआ था। रोटी काटने की कोशिश करने के बाद, कुल्लर्वो ने एक चाकू तोड़ दिया, जो उसके पिता की एकमात्र स्मृति थी। क्रोधित होकर, वह भेड़ियों, भालुओं और लिनेक्स के एक नए झुंड को इकट्ठा करता है, जो परिचारिका को अलग कर देता है। कुल्लर्वो दासता से बच निकलता है और यह जानने के बाद घर लौटता है कि उसके रिश्तेदार जीवित हैं। हालांकि, कुल्लर्वो के दुस्साहस यहीं खत्म नहीं होते हैं। बदला लेने का एक अंतहीन सर्पिल न केवल उसके नए परिवार को, बल्कि खुद को भी नष्ट कर देता है। सबसे पहले, वह एक लड़की से मिलता है और बहकाता है जो उसकी बहन बन जाती है, और इस पापी रिश्ते के कारण, बहन आत्महत्या कर लेती है। जल्द ही उसके सभी रिश्तेदार भी मर जाते हैं। तब कुल्लर्वो खुद को तलवार पर फेंक कर खुद को मार लेता है।

गैलेन-कल्लेला की पेंटिंग एक एपिसोड को दर्शाती है जब कुल्लर्वो अभी भी एक चरवाहे के रूप में सेवा कर रहा है (पृष्ठभूमि में उसका झुंड दिखाई दे रहा है, और पके हुए पत्थर के साथ रोटी सामने चित्रित है)। युवक अपनी मुट्ठी हिलाता है और अपने दुश्मनों से बदला लेने की कसम खाता है। कलाकार ने शुरुआती शरद ऋतु के धूप परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक क्रोधित नायक को चित्रित किया, लेकिन बादल पहले से ही पृष्ठभूमि में इकट्ठा हो रहे हैं, और लाल रंग में डाली गई पहाड़ की राख एक चेतावनी के रूप में कार्य करती है, भविष्य के रक्तपात की भविष्यवाणी। इस तस्वीर में, त्रासदी को करेलियन प्रकृति की सुंदरता के साथ जोड़ा गया है, और नायक-बदला लेने वाले को एक अर्थ में फिनिश लड़ाई की भावना और बढ़ती राष्ट्रीय चेतना का प्रतीक माना जा सकता है। दूसरी ओर, हमारे सामने क्रोध और निराशा का एक चित्र है, एक ऐसे व्यक्ति की शक्तिहीनता जिसे अजनबियों द्वारा लाया गया था, जिसने हिंसा और बदले के माहौल में अपने परिवार को नष्ट कर दिया था, और इसने उसके भाग्य पर एक दुखद छाप छोड़ी।

रचनात्मकता के बारे में अधिक गैलेना-कल्लेलापढ़ें।

हम इस खंड को पेंटिंग में फिनिश राष्ट्रीय रोमांटिकतावाद के एक और उत्कृष्ट प्रतिनिधि, फिनिश स्वर्ण युग के प्रसिद्ध कलाकार - पेक्का हलोनन के काम के बारे में एक कहानी के साथ समाप्त करेंगे। पेक्का हेलोनेन (पेक्का हेलोनेन) (१८६५-१९३३) ने १८९० के दशक में खुद को एक नायाब गुरु साबित करते हुए ख्याति प्राप्त की सर्दियों के परिदृश्य... इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक पेंटिंग है " बर्फ के नीचे युवा देवदार के पेड़"(१८९९), एक उदाहरण माना जाता है फिनिश जापानीवादऔर पेंटिंग में आर्ट नोव्यू। सफेद रंग के विभिन्न रंगों में खेलते हुए, रोपे को ढँकने वाली नरम शराबी बर्फ, एक वन परी कथा का शांतिपूर्ण वातावरण बनाती है। धुंधली हवा ठंडी सर्दियों की धुंध से संतृप्त होती है, और हरे-भरे बर्फ के बिस्तर युवा देवदार के पेड़ों की नाजुक सुंदरता पर जोर देते हैं। रचनात्मकता में पेड़ सामान्य रूप से पसंदीदा उद्देश्यों में से एक थे। पेक्की हेलोनेन... अपने पूरे जीवन में, उन्होंने उत्साहपूर्वक वर्ष के अलग-अलग समय में पेड़ों को चित्रित किया, और वे विशेष रूप से वसंत से प्यार करते थे, लेकिन फिर भी वे एक मास्टर के रूप में प्रसिद्ध हो गए। सर्दियों के परिदृश्य- कुछ चित्रकारों ने ठंड में बनाने की हिम्मत की। Pekka Halonen सर्दी से नहीं डरता था और जीवन भर किसी भी मौसम में बाहर काम करता था। खुली हवा में काम के समर्थक, उन्होंने उन कलाकारों का तिरस्कार किया जो "खिड़की से दुनिया को देखते हैं।" हैलोनन के चित्रों में, ठंढ से शाखाएँ फटती हैं, पेड़ बर्फ की टोपियों के भार के नीचे झुक जाते हैं, सूरज जमीन पर नीली छाया डालता है, और वनवासी नरम सफेद कालीन पर पैरों के निशान छोड़ते हैं।

शीतकालीन परिदृश्य फ़िनलैंड का एक प्रकार का राष्ट्रीय प्रतीक बन गया, और पेक्का हलोनन ने पेरिस में 1900 विश्व प्रदर्शनी में फ़िनलैंड मंडप के लिए फ़िनिश प्रकृति और लोक जीवन के विषय पर एक दर्जन कैनवस चित्रित किए। इस चक्र में शामिल हैं, उदाहरण के लिए, पेंटिंग " बर्फ के छेद पर"(" बर्फ पर धुलाई ") (1900)। "उत्तरी विदेशीवाद" को चित्रित करने में हैलोनन की रुचि तब जागृत हुई जब उन्होंने 1894 में पेरिस में पॉल गाउगिन के साथ अध्ययन किया।

आमतौर पर कलाकार फिनिश पेंटिंग का स्वर्ण युगशहरी मध्यम वर्ग से आया था। एक और बात है पेक्का हलोनें, जो प्रबुद्ध किसानों और कारीगरों के परिवार से आती हैं। उनका जन्म लापिनलाहटी (पूर्वी फ़िनलैंड) में हुआ था और उन्हें कला में बहुत जल्दी दिलचस्पी हो गई थी - और न केवल पेंटिंग, बल्कि संगीत भी (कलाकार की माँ एक प्रतिभाशाली कंटेले कलाकार थीं; उन्होंने अपने बेटे में प्रकृति के लिए एक सम्मानजनक रवैया और प्यार भी पैदा किया, और बाद में यह प्यार लगभग धर्म में बदल गया)। युवक ने अपने साथियों की तुलना में थोड़ी देर बाद पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया, लेकिन फ़िनलैंड के आर्ट सोसाइटी के पेंटिंग स्कूल में चार साल के अध्ययन और इसके उत्कृष्ट स्नातक के बाद, हैलोनन को एक छात्रवृत्ति प्राप्त करने में सक्षम था जिसने उन्हें अध्ययन करने के लिए जाने की अनुमति दी उस समय का कलात्मक मक्का। सबसे पहले उन्होंने एकेडेमी जूलियन में अध्ययन किया, और फिर, 1894 में, से निजी सबक लेना शुरू किया पॉल गौगुइनअपने दोस्त वेनो ब्लूमस्टेड के साथ। इस अवधि के दौरान, हेलोनन प्रतीकात्मकता, संश्लेषणवाद और यहां तक ​​कि थियोसोफी से परिचित हो गए। नवीनतम कलात्मक प्रवृत्तियों के साथ परिचित, हालांकि, उन्हें यथार्थवादी तरीके से त्यागने के लिए प्रेरित नहीं किया, और उन्होंने गौगुइन के उज्ज्वल पैलेट को उधार नहीं लिया, लेकिन गौगुइन के प्रभाव में, हेलोनन जापानी कला का गहरा पारखी बन गया और जापानी की प्रतियां एकत्र करना शुरू कर दिया प्रिंट।

उदाहरण के लिए, एक घुमावदार देवदार का पेड़, जापानी कला में एक लोकप्रिय रूपांकन, अक्सर उनके काम में दिखाई देता है। इसके अलावा, हैलोनेन के कई चित्रों में, वह विस्तार, शाखाओं के सजावटी पैटर्न या बर्फ के विशेष पैटर्न पर विशेष ध्यान देता है, और जापानी कला में शीतकालीन परिदृश्य का विषय ही असामान्य नहीं है। हेलोनन को "काकेमोनो" प्रकार के ऊर्ध्वाधर संकीर्ण कैनवस, असममित रचनाओं, क्लोज-अप और असामान्य कोणों के लिए प्राथमिकता की विशेषता है। कई अन्य परिदृश्य चित्रकारों के विपरीत, उन्होंने ऊपर से विशिष्ट मनोरम दृश्यों को चित्रित नहीं किया; उनके परिदृश्य जंगल में, प्रकृति के करीब, गहरे चित्रित हैं, जहां पेड़ सचमुच दर्शकों को घेर लेते हैं, उन्हें अपनी मूक दुनिया में आमंत्रित करते हैं। यह गौगुइन था जिसने प्रकृति को चित्रित करने में अपनी शैली की खोज करने के लिए हैलोनन को प्रेरित किया और उसे राष्ट्रीय जड़ों में अपने विषयों की तलाश करने के लिए प्रोत्साहित किया। गाउगिन की तरह, हैलोनन ने अपनी कला की मदद से कुछ प्राथमिक, मौलिक खोजने की कोशिश की, लेकिन केवल अगर फ्रांसीसी प्रशांत द्वीपों में अपने आदर्श की तलाश कर रहा था, तो फिनिश कलाकार ने फिनिश लोगों के "खोए हुए स्वर्ग" को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया। कुंवारी वन, "कालेवाला" में वर्णित पवित्र जंगली ...

पेक्का हलोनन के काम को हमेशा शांति और सद्भाव की खोज से अलग किया गया है। कलाकार का मानना ​​​​था कि "कला को सैंडपेपर की तरह नसों को परेशान नहीं करना चाहिए - इसे दुनिया की भावना पैदा करनी चाहिए।" यहां तक ​​कि किसान श्रम का चित्रण करते हुए, हैलोनेन ने शांत, संतुलित रचनाओं की मांग की। तो, काम में " करेलिया में पायनियर्स» (« करेलिया में सड़क निर्माण”) (१९००), उन्होंने फिनिश किसानों को स्वतंत्र, बुद्धिमान श्रमिकों के रूप में प्रस्तुत किया, जिन्हें काम पाने के लिए अत्यधिक प्रयास करने की आवश्यकता नहीं थी। इसके अलावा, कलाकार ने जोर दिया कि वह एक समग्र सजावटी प्रभाव बनाने का प्रयास कर रहा था। यह समकालीन लोगों के लिए उनका जवाब था जिन्होंने पेंटिंग के अवास्तविक "शांत रविवार के मूड" की आलोचना की और श्रमिकों के बहुत साफ कपड़े, जमीन पर छोटी-छोटी छीलन और बीच में एक नाव की अजीब उपस्थिति से आश्चर्यचकित थे। जंगल। लेकिन कलाकार का विचार बिल्कुल अलग था। पेक्का हलोनेन कठिन परिश्रम की तस्वीर नहीं बनाना चाहते थे, बल्कि किसान श्रम की शांत मापी गई लय को व्यक्त करना चाहते थे।

हेलोनन इटली की अपनी यात्राओं (1896-97 और 1904) से भी बहुत प्रभावित थे, जिसमें उन्होंने फ्लोरेंस में देखी गई प्रारंभिक पुनर्जागरण कृतियों को भी शामिल किया था। इसके बाद, पेक्का हलोनन अपनी पत्नी और बच्चों के साथ (दंपति के कुल आठ बच्चे थे) तुसुला झील में चले गए, जिसका शांत सुरम्य परिवेश हेलसिंकी से दूर प्रेरणा और फलदायी कार्य के एक अटूट स्रोत के रूप में कार्य करता था, "हर चीज का स्रोत और बदसूरत।" यहाँ, झील पर स्कीइंग करते हुए, कलाकार ने अपने भविष्य के घर के लिए जगह की तलाश की, और १८९९ में इस जोड़े ने तट पर एक भूखंड खरीदा, जहाँ, कुछ साल बाद, पेक्का हलोनन का घर-स्टूडियो बड़ा हुआ - एक विला जिसका नाम उन्होंने रखा। हलोसेनिमी (हलोसेनिमी) (1902)। राष्ट्रीय रोमांटिक भावना में इस आरामदायक लकड़ी के आवास को स्वयं कलाकार ने डिजाइन किया था। आज घर में पेक्का हलोनन संग्रहालय है।

फिनिश प्रतीकवादी

एटीनम संग्रहालय के संग्रह में सबसे दिलचस्प वर्गों में से एक ह्यूगो सिमबर्ग और अन्य फिनिश प्रतीकवादियों का अद्वितीय काम है।

एथेनियम संग्रहालय के एक अलग हॉल में प्रसिद्ध पेंटिंग " घायल परी"(१९०३) फिनिश कलाकार ह्यूगो सिमबर्ग... यह उदास कैनवास एक अजीब जुलूस को दर्शाता है: दो उदास लड़के एक स्ट्रेचर पर एक सफेद-पहने परी लड़की को आंखों पर पट्टी और एक घायल पंख के साथ ले जा रहे हैं। पेंटिंग की पृष्ठभूमि शुरुआती वसंत का एक नंगे परिदृश्य है। परी के हाथ में बर्फ की बूंदों का एक गुच्छा है, वसंत के पहले फूल, उपचार और नए जीवन के प्रतीक . जुलूस का नेतृत्व एक काले-पहने लड़के द्वारा किया जाता है जो एक उपक्रमकर्ता (शायद मृत्यु का प्रतीक) जैसा दिखता है। एक और लड़के की नज़र हमारी ओर मुड़ी हुई है, सीधे दर्शक की आत्मा में प्रवेश कर रही है और याद दिला रही है कि जीवन और मृत्यु के विषय हम में से प्रत्येक के लिए प्रासंगिक हैं। गिरी हुई परी, स्वर्ग से निष्कासन, मृत्यु पर चिंतन - इन सभी विषयों ने विशेष रूप से कलाकारों को चिंतित किया- प्रतीकवादी... कलाकार ने स्वयं चित्र की किसी भी तैयार व्याख्या की पेशकश करने से इनकार कर दिया, जिससे दर्शक अपने निष्कर्ष निकाल सके।

ह्यूगो सिमबर्ग ने इस पेंटिंग पर लंबे समय तक काम किया: पहला स्केच 1898 से उनके एल्बमों में पाया जाता है। कुछ रेखाचित्र और तस्वीरें रचना के अलग-अलग हिस्सों को दर्शाती हैं। कभी-कभी एक परी को एक ठेले में चलाया जाता है, कभी-कभी लड़कों को नहीं, लेकिन छोटे शैतानों को कुलियों के रूप में प्रस्तुत किया जाता है, साथ ही परी की आकृति हमेशा केंद्रीय होती है, और पृष्ठभूमि एक वास्तविक परिदृश्य है। पेंटिंग पर काम करने की प्रक्रिया तब बाधित हुई जब सिमबर्ग गंभीर रूप से बीमार पड़ गए: 1902 के पतन से 1903 के वसंत तक, कलाकार का इलाज हेलसिंकी में डेकोनेस इंस्टीट्यूट के अस्पताल में किया गया था ( हेलसिंगिन डायकोनिसैलाइटोस) कल्लियो क्षेत्र में। उन्हें एक गंभीर तंत्रिका संबंधी बीमारी थी, जो सिफलिस से बढ़ गई थी (जिससे बाद में कलाकार की मृत्यु हो गई)।

यह ज्ञात है कि सिमबर्ग ने कार्यशाला में और उपरोक्त अस्पताल के बगल में स्थित एलींटारह पार्क में अपने मॉडल (बच्चों) की तस्वीरें खींची थीं। चित्र में दर्शाया गया मार्ग आज भी मौजूद है - यह टूलोनलाहटी खाड़ी के तट के साथ चलता है। सिमबर्ग के समय के दौरान, एलींटारह पार्क मजदूर वर्ग के लिए एक लोकप्रिय मनोरंजन क्षेत्र था। इसके अलावा, यह नेत्रहीनों के लिए एक महिला स्कूल और विकलांगों के लिए एक आश्रय सहित कई दान का घर था। सिमबर्ग ने बार-बार पार्क के निवासियों को देखा, जब वह 1903 के वसंत में एक गंभीर बीमारी से दूर होकर वहां चले गए। जाहिर है, इन लंबी सैर के दौरान पेंटिंग के विचार ने पूरी तरह से आकार ले लिया। पेंटिंग "घायल एन्जिल" (स्वर्ग से निष्कासन का प्रतीक, एक बीमार मानव आत्मा, मानव असहायता, एक टूटा हुआ सपना) की दार्शनिक व्याख्याओं के अलावा, कुछ इसमें चित्रकार की दर्दनाक स्थिति और यहां तक ​​​​कि विशिष्ट शारीरिक लक्षणों की पहचान भी देखते हैं ( कुछ रिपोर्टों के अनुसार, सिमबर्ग भी मेनिन्जाइटिस से पीड़ित थे)।

सिमबर्ग की पेंटिंग « घायल परी"इसके पूरा होने के तुरंत बाद एक बड़ी सफलता थी। प्रस्तुति 1903 में फ़िनलैंड की आर्ट सोसाइटी की शरद प्रदर्शनी में हुई। प्रारंभ में, कैनवास को एक शीर्षक के बिना प्रदर्शित किया गया था (अधिक सटीक रूप से, एक शीर्षक के बजाय एक पानी का छींटा था), जो किसी एक व्याख्या की असंभवता पर संकेत देता था। इस गहन व्यक्तिगत और भावनात्मक कार्य के लिए, कलाकार को 1904 में राज्य पुरस्कार से सम्मानित किया गया। "द वाउंडेड एंजल" का दूसरा संस्करण सिमबर्ग द्वारा टैम्पियर कैथेड्रल के इंटीरियर को भित्तिचित्रों से सजाते हुए प्रदर्शित किया गया था, जहां उन्होंने मैग्नस एनकेल के साथ काम किया था।

फ़िनलैंड में २००६ के एक सर्वेक्षण के अनुसार, " घायल परी"एथेनियम के संग्रह में सबसे लोकप्रिय काम के रूप में पहचाना गया था, जो फिनलैंड की सबसे प्रिय" राष्ट्रीय पेंटिंग "देश का एक कलात्मक प्रतीक है।

ह्यूगो सिमबर्ग (ह्यूगो सिमबर्ग) (१८७३-१९१७) का जन्म हमीना शहर में हुआ था, फिर वह वहां रहा और अध्ययन किया, और फिर वहां, जहां उन्होंने फ़िनलैंड की आर्ट सोसाइटी के स्कूल में पढ़ाई की। वह अक्सर फ़िनलैंड की खाड़ी के तट पर नीमेनलौट्टा (सक्किजार्वी) में पारिवारिक संपत्ति में गर्मी बिताते थे। सिमबर्ग ने यूरोप की बहुत यात्रा की, लंदन और पेरिस का दौरा किया, इटली, काकेशस का दौरा किया। एक कलाकार के रूप में उनके विकास में एक महत्वपूर्ण चरण उस अवधि में गिर गया जब सिमबर्ग, रूढ़िवादी शैक्षणिक शिक्षा से मोहभंग हो गया, रुवेसी के जंगल में एक्सेली गैलेन-कल्लेला से निजी सबक लेना शुरू कर दिया, जहां गैलेन-कल्लेला ने अपना कार्यशाला घर बनाया। गैलेन-कल्लेला ने अपने छात्र की प्रतिभा को बहुत महत्व दिया और उसके लिए कला की दुनिया में एक महान भविष्य का पूर्वाभास किया, सिमबर्ग के काम की तुलना सच्चे और भावुक उपदेशों से की, जिसे सभी को सुनना चाहिए। सिमबर्ग ने १८९५ और १८९७ के बीच तीन बार रुवेसी का दौरा किया। यहां, कलात्मक स्वतंत्रता के माहौल में, उन्होंने जल्दी से अपनी भाषा पाई। उदाहरण के लिए, रुवेसी में अपने प्रवास की पहली शरद ऋतु में, उन्होंने प्रसिद्ध काम लिखा " ठंढ"(१८९५), कुछ हद तक मंच की" द स्क्रीम "की याद दिलाता है। इस मामले में, मौसम की घटना, दुनिया भर के किसानों के डर ने एक दृश्यमान अवतार, चेहरा और आकार प्राप्त किया: यह बड़े कानों के साथ एक घातक पीला आकृति है, जो एक पूले के ऊपर बैठी है और अपनी घातक सांस के साथ चारों ओर सब कुछ जहर कर रही है। कुछ साल पहले पूरी हुई मंच की चीख के विपरीत, सिमबर्ग की फ्रॉस्ट पूरी तरह से डरावनी और निराशा नहीं, बल्कि एक ही समय में खतरे और दया की एक अजीब भावना पैदा करती है।

सिमबर्ग के जीवन में एक महत्वपूर्ण क्षण 1898 की शरद ऋतु प्रदर्शनी थी, जिसके बाद उन्हें फिनिश कलाकारों के संघ में भर्ती कराया गया था। सिमबर्ग ने पूरे यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की, पढ़ाया, प्रदर्शनियों में भाग लिया। हालांकि, कलाकार की प्रतिभा के वास्तविक पैमाने को उनकी मृत्यु के बाद ही सराहा गया था। उस समय के सभी आलोचकों और दर्शकों द्वारा भयानक और अलौकिक पर एकाग्रता को नहीं समझा गया था।

ह्यूगो सिमबर्गसबसे बड़े में से एक था फिनिश प्रतीकवादी... वह साधारण रोजमर्रा की स्थितियों से आकर्षित नहीं था - इसके विपरीत, उसने कुछ ऐसा चित्रित किया जिसने एक और वास्तविकता का द्वार खोल दिया, दर्शक के मन और आत्मा को छू लिया। उन्होंने कला को "सर्दियों के बीच में एक सुंदर गर्मी की सुबह में एक व्यक्ति को स्थानांतरित करने के अवसर के रूप में समझा और महसूस किया कि प्रकृति कैसे जागती है और आप स्वयं इसके अनुरूप हैं। यही वह है जिसे मैं कला के एक टुकड़े में ढूंढ रहा हूं। उसे हमसे कुछ बात करनी चाहिए और जोर से बोलना चाहिए, ताकि हमें दूसरी दुनिया में ले जाया जा सके।"

सिमबर्ग को विशेष रूप से उन चीजों को चित्रित करने का शौक था जो केवल कल्पना में देखी जा सकती हैं: देवदूत, शैतान, ट्रोल और स्वयं मृत्यु की छवियां। हालाँकि, इन छवियों को भी उन्होंने कोमलता और मानवता दी। सिमबर्ग में मृत्यु अक्सर परोपकारी और सहानुभूति से भरी होती है, बिना उत्साह के अपने कर्तव्यों को पूरा करती है। यहां वह तीन सफेद फूल लेकर बूढ़ी औरत को लेने आई थी। हालांकि, मौत की कोई जल्दी नहीं है, वह वायलिन बजाने वाले लड़के को सुनने का खर्च वहन कर सकती है। केवल दीवार पर लगी घड़ी ही समय बीतने का संकेत देती है (" मौत सुन रही है", 1897)।

काम में " मौत का बगीचा(१८९६), पेरिस की पहली अध्ययन यात्रा के दौरान बनाई गई, सिमबर्ग, जैसा कि उन्होंने खुद कहा था, उस जगह को दर्शाया गया है जहां मानव आत्मा स्वर्ग जाने से पहले मृत्यु के तुरंत बाद जाती है। काले वस्त्रों में तीन कंकाल पौधों की आत्माओं की उसी प्रेम से देखभाल करते हैं जैसे भिक्षु मठ के बगीचे में करते हैं। इस काम का कलाकार के लिए बहुत महत्व था। लगभग दस साल बाद, सिमबर्ग ने इसे टाम्परे कैथेड्रल में एक बड़े फ्रेस्को के रूप में पुन: पेश किया। इस काम का अजीब आकर्षण रोजमर्रा के प्यारे विवरण (एक पानी का डिब्बा, एक हुक से लटका हुआ तौलिया), एक शांतिपूर्ण वातावरण और स्वयं मृत्यु की एक नम्र छवि है, जो विनाश की शक्ति नहीं है, बल्कि देखभाल का अवतार है। यह दिलचस्प है कि हंस क्रिश्चियन एंडरसन की परी कथा "द स्टोरी ऑफ ए मदर" में भी हमें एक समान छवि मिलती है: कथाकार मौत के एक विशाल ग्रीनहाउस का वर्णन करता है - एक ग्रीनहाउस, जहां एक मानव आत्मा हर फूल या पेड़ के पीछे "स्थिर" होती है। मौत खुद को भगवान का माली कहती है: "मैं उसके फूल और पेड़ लेता हूं और उन्हें एक अज्ञात भूमि में ईडन के महान उद्यान में प्रत्यारोपित करता हूं।"

पहली बार के लिए मौत की छविसिमबर्ग के काम में दिखाई दिए " मौत और किसान"(1895)। एक छोटी काली केप और छोटी पैंट डेथ को एक सौम्य, नीचा लुक देती है। यह काम सिमबर्ग ने रुवेसी में एक्सली गैलेन-कल्लेला के साथ अध्ययन करते हुए किया था। उस वसंत में शिक्षक की सबसे छोटी बेटी की उस वसंत में डिप्थीरिया से मृत्यु हो गई, और मृत्यु और किसान को उस व्यक्ति के लिए सहानुभूति की अभिव्यक्ति के रूप में देखा जा सकता है जिसने एक बच्चा खो दिया है।

शैतानों की तरह, ह्यूगो सिमबर्ग के स्वर्गदूत मानवकृत हैं और इसलिए कमजोर हैं। वे लोगों को अच्छाई की राह पर ले जाने की कोशिश करते हैं, लेकिन वास्तविकता आदर्श से कोसों दूर है। काम " नींद"(1900) दर्शकों से सवाल उठाता है। एक महिला क्यों रो रही है जबकि एक परी अपने पति के साथ नृत्य कर रही है? शायद पति अपनी पत्नी को दूसरी दुनिया के लिए छोड़ देता है? इस काम का एक अन्य शीर्षक "पश्चाताप" था, इसलिए इसकी व्याख्या विभिन्न तरीकों से की जा सकती है।

स्वर्गदूतों की छवियां पहली बार 1895 के पतन में सिमबर्ग के काम में दिखाई दीं (काम " शील")। इस शरारती काम में प्रार्थना करने वाली परी-लड़की को इस बात का ध्यान ही नहीं रहता कि पड़ोसी फरिश्ता उसके दिमाग में कुछ अलग है। दरअसल, इस दूसरी परी के पंख इतने सफेद से बहुत दूर हैं। कामुकता और आध्यात्मिकता के बीच संघर्ष स्पष्ट है।

नीमनलॉटा में सैरगाह, जहां सिमबर्ग लगभग हमेशा परिवार की संपत्ति में गर्मी बिताते थे, गर्मियों की शाम को युवा लोगों के लिए एक लोकप्रिय बैठक थी। अकॉर्डियन की आवाज़ से आकर्षित होकर, युवक और युवतियां दूर से भी नाव से नृत्य करने के लिए यहां गए। सिमबर्ग ने बार-बार नर्तकियों के रेखाचित्र बनाए। लेकिन काम में " तट पर नृत्य"(१८९९) लड़कियां लड़कों के साथ नहीं, बल्कि मौत के आंकड़ों के साथ नृत्य करती हैं, इसलिए अक्सर सिमबर्ग में मिलती हैं। हो सकता है कि मौत इस बार भयानक फसल के लिए नहीं आई हो, लेकिन सिर्फ सामान्य मनोरंजन में भाग लेना चाहती है? लेकिन किसी कारण से अकॉर्डियन नहीं खेलता है।

जैसा कि आप देख सकते हैं ह्यूगो सिमबर्ग- एक अत्यंत मूल कलाकार, जिसका काम एक प्रकार की विडंबना से रहित नहीं है, लेकिन एक ही समय में रहस्यवाद से व्याप्त है और अच्छाई और बुराई, जीवन और मृत्यु, कला की विशेषता के विषयों पर केंद्रित है। प्रतीकवादी... सिमबर्ग के कार्यों में, गहरे दार्शनिक प्रश्न कोमल हास्य और गहरी सहानुभूति के साथ जुड़े हुए हैं। "गरीब शैतान", "नम्र मौत", ब्राउनीज़ का राजा - ये सभी पात्र सपनों और परियों की कहानियों से उनके काम में आए। कोई सोने का पानी चढ़ा हुआ फ्रेम और चमकदार कैनवस नहीं: “केवल प्रेम ही कला के कार्यों को वास्तविक बनाता है। अगर बिना प्यार के प्रसव पीड़ा आती है, तो बच्चा दुखी पैदा होगा।"

ह्यूगो सिमबर्ग के कार्यों के अलावा, एथेनियम संग्रहालय कार्यों को प्रदर्शित करता है फिनिश प्रतीकवादी चित्रकार मैग्नस एनकेल (मैग्नस एनकेल) (1870-1925), साथ ही सिमबर्ग, जिन्होंने टैम्पियर कैथेड्रल (1907) के लिए भित्तिचित्रों पर काम किया। एनकेल का जन्म हमीना शहर में एक पुजारी के परिवार में हुआ था, उन्होंने पेंटिंग का अध्ययन किया और 1891 में पेरिस चले गए, जहां उन्होंने एकडेमी जूलियन में अपनी शिक्षा जारी रखी। वहाँ वह रोसिक्रुसियन जे। पेलडन के प्रतीकात्मकता और रहस्यमय विचारों में रुचि रखने लगे। मैग्नस एनकेल ने बाद के सौंदर्य के अलौकिक आदर्श को अपनाया, जिसे उन्होंने अपने कार्यों में उपयोग करना शुरू किया। एन्केल एक खोए हुए स्वर्ग, एक खोई हुई मानवीय पवित्रता के विचार से मोहित हो गया था, और अभी भी बहुत छोटे लड़कों ने अपनी अलौकिक सुंदरता के साथ कलाकार के लिए मनुष्य के शुद्धतम रूप का प्रतिनिधित्व किया। यह भी नहीं भूलना चाहिए कि एनकेल एक समलैंगिक थी और अक्सर नग्न लड़कों और खुले तौर पर कामुक, कामुक दिखने वाले पुरुषों को चित्रित करती थी। 1894-95 में। कलाकार ने इटली की यात्रा की और XX सदी की शुरुआत में, शास्त्रीय इतालवी कला के प्रभाव के साथ-साथ प्रभाववाद के बाद, उसका पैलेट बहुत अधिक रंगीन और हल्का हो गया। 1909 में, रंगकर्मी वर्नर टोम और अल्फ्रेड फिंच के साथ, उन्होंने समूह की स्थापना की सितंबर.

दूसरी ओर, मैग्नस एनकेल का प्रारंभिक कार्य, रंगों की एक मंद श्रेणी, तपस्या द्वारा चिह्नित है। उस समय, कलाकार का पैलेट केवल ग्रे, काले और गेरू के रंगों तक ही सीमित था। एक उदाहरण पेंटिंग है " जगाना”(१८९४), कलाकार वी. कैनवास को रंग अतिसूक्ष्मवाद, सरलीकृत रचना और ड्राइंग की एक रेखांकित रेखा द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है - यह सब चित्र के महत्व पर जोर देने के लिए उपयोग किया जाता है। वह युवक, जो संक्रमणकालीन उम्र में पहुंच गया है, जाग गया और बिस्तर पर नग्न बैठा, उसके चेहरे पर गंभीर भाव के साथ सिर झुका, उसके विचारों में खोया। उसके शरीर की मुड़ी हुई स्थिति बिस्तर से उठने का सामान्य इशारा नहीं है; प्रतीकात्मक कलाकारों के बीच अक्सर पाया जाने वाला यह रूपांकन अधिक जटिल है। यौवन और यौन जागृति / मासूमियत की हानि - इन विषयों ने एनकेल के कई समकालीनों को आकर्षित किया (cf।, उदाहरण के लिए, मंच की परेशान करने वाली पेंटिंग "परिपक्वता" (1894/95))। ब्लैक एंड व्हाइट पैलेट दमनकारी दुनिया के साथ बैठक के उदासीन मूड पर जोर देता है।

एक और फिनिश प्रतीकवादी चित्रकार, हालांकि सबसे प्रसिद्ध नहीं है, is वैनो ब्लूमस्टेड (ब्लॉम्स्टेड) (वैनो ब्लोमस्टेड्ट) (1871-1947)। ब्लूमस्टेड एक कलाकार और कपड़ा डिजाइनर थे और कुछ हद तक जापानी कला से प्रभावित थे। उन्होंने पहले फ़िनलैंड में अध्ययन किया, और फिर पेक्का हलोनन के साथ मिलकर। जैसा कि हम पहले से ही जानते हैं, पेरिस पहुंचने के दौरान, ये फिनिश कलाकार गाउगिन से मिले, जो हाल ही में ताहिती से लौटे थे, और उनसे सबक लेना शुरू किया। इंपल्सिव ब्लूमस्टेड तुरंत गौगुइन और उनके रंग-श्वास चित्रों के प्रभाव में आ गया। गौगिन के काम में खोए हुए स्वर्ग की तलाश ब्लूमस्टेड के बहुत करीब थी। केवल अगर गौगुइन विदेशी देशों में इस स्वर्ग की तलाश कर रहा था, तो वैनो ब्लूमस्टेड, उस समय के कई फिनिश कलाकारों की तरह, अपनी मातृभूमि, कालेवाला की कुंवारी भूमि की उत्पत्ति की खोज पर केंद्रित था। ब्लूमस्टेड के चित्रों के नायक अक्सर काल्पनिक या पौराणिक पात्र होते हैं।

18990 के दशक के मध्य में गाउगिन, ब्लूमस्टेड से मिलने के बाद यथार्थवादी पेंटिंग को छोड़ दिया और प्रतीकोंऔर उज्ज्वल बहुरंगा कृत्रिमपैलेट। प्रतीकात्मकता की विचारधारा के अनुसार, दृश्य अवलोकन पर आधारित यथार्थवादी कला बहुत सीमित है और किसी व्यक्ति में सबसे महत्वपूर्ण चीज, उसके भावनात्मक और आध्यात्मिक सार, जीवन के रहस्य को स्वयं समझने की अनुमति नहीं देती है। रोजमर्रा की वास्तविकता के पीछे एक और दुनिया है, और प्रतीकवादियों का लक्ष्य इस दुनिया को कला के माध्यम से व्यक्त करना है। वास्तविकता का त्रि-आयामी भ्रम पैदा करने की कोशिश करने के बजाय, प्रतीकात्मक कलाकारों ने शैलीकरण, सरलीकरण, अलंकरण का सहारा लिया और कुछ शुद्ध और काव्यात्मक खोजने की कोशिश की। इसलिए प्रारंभिक इतालवी पुनर्जागरण, तड़के और फ्रेस्को तकनीकों के उपयोग में उनकी रुचि। हड़ताली उदाहरणों में से एक फिनिश कलाकारों के काम में प्रतीकवादतस्वीर है वैनो ब्लूमस्टेडी « फ्रांसिस्का"(१८९७), दर्शकों को नींद और विस्मरण की दुनिया में डुबो देता है, एक स्थिर और जादुई माहौल से भरा खसखस ​​की मादक सुगंध के साथ।

इस तस्वीर की प्रेरणा दांते की डिवाइन कॉमेडी थी, जिसमें कवि फ्रांसेस्का दा रिमिनी से नरक में मिलता है, और वह उसे पाओलो के लिए अपने दुखद प्रेम की कहानी बताती है। एक लड़की की छवि, मैडोना की याद ताजा करती है, गहरे सरू के साथ एक "पुनर्जागरण" परिदृश्य और पेंटिंग की एक पारभासी रंग की सतह (कैनवास स्पष्ट रूप से पेंट के माध्यम से चमकता है) इतालवी चर्चों में पुराने भित्तिचित्रों का सुझाव देता है। इसके अलावा, निष्पादन की विशेष तकनीक के कारण, चित्र आंशिक रूप से एक पहना हुआ टेपेस्ट्री जैसा दिखता है। पेंटिंग को ब्लूमस्टेड ने इटली की यात्रा के दौरान चित्रित किया था। यह प्री-राफेलाइट्स की कला के प्रभाव को भी देखता है।

कला में महिलाएं: फिनिश कलाकार

एथेनियम संग्रहालयइस तथ्य के लिए भी उल्लेखनीय है कि उनके संग्रह का एक महत्वपूर्ण हिस्सा कार्यों से बना है महिला कलाकार, जैसे विश्व प्रसिद्ध लोगों सहित फिनिश कलाकार हेलेना श्जेरफबेक... 2012 में, एथेनियम संग्रहालय ने हेलेना शेजर्बेक द्वारा कार्यों की एक व्यापक प्रदर्शनी की मेजबानी की, जो उनके जन्म की 150 वीं वर्षगांठ के साथ मेल खाने के लिए समय पर थी। एटीनम संग्रहालय में हेलेना शजेरफबेक की कृतियों (212 पेंटिंग, ड्रॉइंग, स्केचबुक) का दुनिया का सबसे बड़ा और सबसे पूरा संग्रह है।

हेलेना श्जेरफबेक (हेलेना श्जेरफबेक) (1862-1946) का जन्म हेलसिंकी में हुआ था, उन्होंने जल्दी पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया और अपनी युवावस्था में ही ध्यान देने योग्य कौशल हासिल कर लिया। बचपन में सीढ़ियों से नीचे गिरने से कूल्हे में गंभीर चोट लगने से हेलेना के जीवन पर मुहर लग गई थी। इस वजह से, लड़की ने गृह शिक्षा प्राप्त की - वह एक नियमित स्कूल नहीं गई, लेकिन उसके पास आकर्षित करने के लिए बहुत समय था, और उसे असामान्य रूप से कम उम्र में एक कला विद्यालय में स्वीकार कर लिया गया था। (दुर्भाग्य से, कूल्हे की चोट उनके पूरे जीवन के लिए लंगड़ापन की याद दिलाती थी।) फिनलैंड में अध्ययन करने के बाद, एडॉल्फ वॉन बेकर की निजी अकादमी सहित, श्जेरफबेक ने छात्रवृत्ति प्राप्त की और के लिए छोड़ दिया, जहां उन्होंने कोलारोसी अकादमी में अध्ययन किया। 1881 और 1883-84 में। उसने ब्रिटनी में कलाकार कॉलोनियों में भी काम किया (पेंटिंग " छोटी बहन को खाना खिलाता लड़का”(१८८१), फ्रांस के इस क्षेत्र में लिखा गया है, जिसे अब फिनिश आधुनिकतावाद की शुरुआत भी माना जाता है)। ब्रिटनी में, वह एक अज्ञात अंग्रेजी कलाकार से मिली और उससे शादी कर ली, लेकिन 1885 में दूल्हे ने सगाई तोड़ दी (उसके परिवार का मानना ​​​​था कि हेलेना के कूल्हे की समस्या तपेदिक से संबंधित थी, जिससे उसके पिता की मृत्यु हो गई)। हेलेना शेजर्बेक ने कभी शादी नहीं की।

1890 के दशक में, Schjerfbeck ने स्कूल ऑफ द आर्ट सोसाइटी में पढ़ाया, जिसे उन्होंने खुद एक बार स्नातक किया था। 1902 में, स्वास्थ्य समस्याओं के कारण, उन्होंने पढ़ाना छोड़ दिया और अपनी माँ के साथ सुदूर प्रांत हविंका में रहने चली गईं। मौन की आवश्यकता के कारण, कलाकार ने एक समावेशी जीवन व्यतीत किया, लेकिन प्रदर्शनियों में भाग लेना जारी रखा। जनता के लिए शेजर्बेक की "खोज" 1917 में हुई: कलाकार की पहली एकल प्रदर्शनी हेलसिंकी में उस्त स्टेनमैन आर्ट सैलून में आयोजित की गई थी, जो दर्शकों और आलोचकों के साथ एक बड़ी सफलता थी और उसके एकांत अस्तित्व को परेशान करती थी। अगली बड़ी प्रदर्शनी १९३७ में स्टॉकहोम में समीक्षा के लिए आयोजित की गई थी, इसके बाद पूरे स्वीडन में इसी तरह की प्रदर्शनियों की एक श्रृंखला आयोजित की गई थी। १९३५ में, जब उसकी माँ की मृत्यु हो गई, हेलेना तम्मिसारी में रहने के लिए चली गई, और अपने अंतिम वर्ष स्वीडन में साल्ट्सजोबडेन के एक अस्पताल में बिताए। फ़िनलैंड में, Schjerfbeck के काम के प्रति रवैया लंबे समय तक विवादास्पद था (उनकी प्रतिभा को केवल 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पहचाना गया था), जबकि स्वीडन में उनकी कला को बहुत उत्साह के साथ स्वीकार किया गया था। लेकिन वास्तव में व्यापक अंतरराष्ट्रीय पहचान 2007 में श्जेरफबेक को मिली, जब पेरिस, हैम्बर्ग और द हेग में उनके काम की बड़े पैमाने पर पूर्वव्यापी प्रदर्शनियां आयोजित की गईं।

हेलेना श्जेरफबेक की सभी पेंटिंग्स में, दुनिया के सबसे प्रसिद्ध कई आत्म-आलोचनात्मक आत्म-चित्र हैं, जो उनकी शैली के विकास और कलाकार में परिवर्तन दोनों का पता लगाने की अनुमति देते हैं, जिन्होंने बेरहमी से अपने बूढ़े चेहरे को ठीक किया। कुल मिलाकर, Schjerfbeck ने लगभग 40 स्व-चित्र लिखे, 16 साल की उम्र में पहला, 83 साल का आखिरी। उनमें से छह एथेनियम के संग्रह में हैं।

लेकिन शायद सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग हेलेना श्जेरफबेककैनवास है" दीक्षांत समारोह "(१८८८), जिसे अक्सर मोती कहा जाता है एथेनियम संग्रहालय... जनता द्वारा अत्यधिक सराहना की गई, 26 वर्षीय कलाकार की इस पेंटिंग को 1889 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कांस्य पदक से सम्मानित किया गया था (जहां इस कैनवास को "द फर्स्ट ग्रीन्स" शीर्षक के तहत प्रदर्शित किया गया था ( प्रीमियर वर्दुरे) - यह वही है जिसे श्जेरफबेक ने मूल रूप से चित्र कहा था)। 19वीं सदी की कला में बीमार बच्चों का विषय आम था, लेकिन शेजर्बेक न केवल एक बीमार, बल्कि एक ठीक हो रहे बच्चे को दर्शाता है। उन्होंने इस पेंटिंग को इंग्लैंड के दक्षिण-पश्चिम में कॉर्नवाल में सेंट इवेस के सुरम्य तटीय शहर में चित्रित किया, जहां कलाकार 1887-1888 में अपने ऑस्ट्रियाई मित्र की सलाह पर गए और फिर 1889-1890 में।

इस काम को अक्सर श्जेरफबेक के काम में प्राकृतिक प्रकाश चित्रकला का अंतिम उदाहरण कहा जाता है (वह बाद में शैलीबद्ध आधुनिकतावाद और एक तपस्वी पैलेट के साथ लगभग अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के लिए आगे बढ़ी)। यहां, कलाकार उत्कृष्ट रूप से प्रकाश के साथ काम करता है, दर्शकों की टकटकी को एक ठीक हो रही लड़की के चेहरे पर मुड़े हुए बालों और बुखार-गुलाबी गालों के साथ खींचता है, जो अपने हाथों में एक नाजुक खिलने वाली टहनी के साथ एक मग रखता है - वसंत और नए जीवन का प्रतीक। बच्चे के होठों पर एक मुस्कान खेलती है, जो ठीक होने की आशा व्यक्त करती है। यह रोमांचक तस्वीर दर्शक को पकड़ लेती है, उसे सहानुभूति का एहसास कराती है। तस्वीर, एक मायने में, कलाकार का एक स्व-चित्र कहा जा सकता है, जो उस समय सगाई के टूटने से उबरने की कोशिश कर रहा था। यह भी संभव है कि इस तस्वीर में श्जेरफबेक ने खुद को एक बच्चे के रूप में चित्रित किया, हमें बता रहा है कि वह खुद को कैसा महसूस करती है, अक्सर बिस्तर पर पड़ी रहती है और वसंत के पहले संकेतों पर आनन्दित होती है।

कृपया ध्यान दें कि हेलेना श्जेरफबेक की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ वर्तमान में स्वीडन में "दौरे पर" हैं। एक प्रदर्शनी स्टॉकहोम में हो रही है और फरवरी 2013 के अंत तक चलेगी, दूसरी गोथेनबर्ग में (अगस्त 2013 तक)।

एक और फिनिश कलाकार, जिनके काम से आप एथेनियम संग्रहालय में परिचित हो सकते हैं, is ट्रबल शेरनशांज़ (स्टर्न्सचान्ट्ज़)(बेडा स्टजर्न्सचेंट्ज़) (1867-1910)। वैसे, संग्रहालय में 2014 के लिए कलाकार के कार्यों की एक बड़े पैमाने पर प्रदर्शनी निर्धारित है। बेडे शेरनशांज़ एक पीढ़ी के महत्वपूर्ण सदस्य थे फिनिश प्रतीकवादी कलाकार 19वीं और 20वीं सदी के मोड़ पर। उनका जन्म पोर्वू शहर में एक कुलीन परिवार में हुआ था। 1886 में, उनके पिता का निधन हो गया, और परिवार को आर्थिक कठिनाइयों का सामना करना पड़ा। अन्य महिला कलाकारों के विपरीत, Schernschanz को आजीविका पाने के लिए काम करना पड़ा। १८९१ में, उसी समय एक अन्य प्रसिद्ध फिनिश कलाकार एलेन टेस्लेफ के साथ, वह पेरिस पहुंची, और लड़कियों ने एकेडेमिया कोलारोसी में एक साथ दाखिला लिया। बेडे के गुरु मैग्नस एनकेल थे, जिनके प्रभाव में उन्होंने प्रतीकात्मकता के विचारों को आत्मसात किया। इस आंदोलन के प्रतिनिधियों का विश्वास था कि कला को प्रकृति की नकल नहीं करनी चाहिए, बल्कि सुंदरता, सूक्ष्म भावनाओं और अनुभवों की अभिव्यक्ति के लिए शुद्ध किया जाना चाहिए। पैसे की कमी के कारण, Schernschanz केवल एक वर्ष के लिए पेरिस में रहा। फ़िनलैंड लौटकर, उसे अपने लिए जगह नहीं मिली और 1895 में वोर्मसी के एस्टोनियाई द्वीप पर गई, जहाँ एक लंबे समय से चली आ रही स्वीडिश बस्ती थी जिसने अपनी भाषा, रीति-रिवाजों और कपड़ों को संरक्षित किया। वहाँ कलाकार ने चित्र चित्रित किया ” हर जगह एक आवाज हमें बुलाती है"(1895)। पेंटिंग का शीर्षक फ़िनलैंड के तत्कालीन प्रसिद्ध गीतों का एक उद्धरण है ( सुओमेन लौलु), वे शब्द जिन्हें कवि एमिल क्वांटन ने लिखा था। जैसा कि आप देख सकते हैं, न केवल करेलिया एक ऐसी जगह थी जहां फिनिश कलाकार प्राचीन प्रकृति और लोगों की तलाश में गए थे।

इस काव्य कैनवास पर, कलाकार ने स्वीडिश बच्चों के एक समूह को चित्रित किया जो एक विदेशी वातावरण में अपनी राष्ट्रीय परंपराओं और भाषा को संरक्षित करने में कामयाब रहे। इस वजह से, कुछ आलोचकों ने तस्वीर में देशभक्ति का अर्थ देखा, खासकर जब से लड़कियों में से एक द्वारा खेला जाने वाला कांटेल वाद्य, रचना में एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। एक और लड़की गाती है, और ये आवाज़ें पवन चक्कियों के साथ कठोर परिदृश्य को भर देती हैं। पूरी तरह से स्थिर, जमे हुए पोज़ और आसपास के परिदृश्य की खालीपन के कारण, दर्शक, जैसे भी थे, कैनवास में बजने वाले संगीत को भी सुनना शुरू कर देते हैं। ऐसा लगता है कि हवा भी मर गई है, न तो पत्ते और न ही पवनचक्की हिलती है, जैसे कि हम एक मुग्ध राज्य में हैं, एक जगह जो समय से बाहर हो गई है। यदि हम चित्र की प्रतीकात्मक व्याख्या से आगे बढ़ते हैं, तो इस रहस्यमय परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ पवित्र और केंद्रित बच्चों के चेहरे मासूमियत की स्थिति को व्यक्त करने का एक तरीका है। इसके अलावा, प्रतीकवादियों के कई अन्य कार्यों की तरह, यहां संगीत को एक विशेष भूमिका सौंपी गई है, जो कला का सबसे ईथर और महानतम है।

1897-98 में। फ़िनिश सरकार से अनुदान प्राप्त करने के बाद, बेडे शेर्न्सचन्ज़ इटली की यात्रा करने गए, लेकिन इस अवधि के बाद उनकी रचनात्मक गतिविधि फीकी पड़ गई। हालांकि कलाकार की विरासत छोटी है, इसने शोधकर्ताओं की रुचि को आकर्षित किया है, और भविष्य में सदी के अंत के अंतरराष्ट्रीय संदर्भ में उसके काम के महत्व के बारे में अधिक जानने के लिए कई सम्मेलनों और प्रकाशनों की उम्मीद है।

इसी अवधि का एक और दिलचस्प फिनिश कलाकार है एलिन डेनियलसन-गैम्बोडिया (एलिन डेनियलसन-गैंबोगी) (1861-1919). एलिन डेनियलसन-गैम्बोडियाफिनिश की पहली पीढ़ी के थे महिला कलाकारजिन्होंने व्यावसायिक शिक्षा प्राप्त की है। उसने मुख्य रूप से एक यथार्थवादी चित्र की शैली में काम किया, और जीवन और काम दोनों में अपने सहयोगियों से उसकी मुक्ति और बोहेमियन जीवन शैली में भिन्न थी। उन्होंने समाज में महिलाओं की स्थिति की आलोचना की, पैंट पहनी और धूम्रपान किया, एक विरोधी-विरोधी जीवन व्यतीत किया और कई कलाकारों के साथ बातचीत की, जिसमें नॉर्वेजियन मूर्तिकार गुस्ताव विगलैंड (1895 में उनका अफेयर था)। रोजमर्रा की स्थितियों में महिलाओं का चित्रण करने वाली उनकी पेंटिंग को कई आलोचकों ने अश्लील और अभद्र माना।

« आत्म चित्रएलिन डेनियलसन-गैम्बोडिया (1900) को ऐसे समय में चित्रित किया गया था जब कलाकार ने यूरोप में पहचान हासिल करना शुरू किया था। कलाकार को उसके स्टूडियो में चित्रित किया गया है, हाथ में ब्रश और पैलेट के साथ, और खिड़की के सामने पर्दे के माध्यम से प्रकाश की धाराएं, उसके सिर के चारों ओर एक प्रभामंडल बनाती हैं। कैनवास का बड़ा प्रारूप, कलाकार की मुद्रा और टकटकी - यह सब एक स्वतंत्र और आत्मविश्वासी स्वभाव को व्यक्त करता है। इस पेंटिंग के लिए डेनियलसन-गैम्बोडिया को 1900 में फ्लोरेंस में सिल्वर मेडल से नवाजा गया था।

Elin Danielson-Gambodia का जन्म पोरी शहर के पास एक गाँव में हुआ था। उनका पारिवारिक खेत 1871 में दिवालिया हो गया, और उसके पिता ने एक साल बाद आत्महत्या कर ली। इसके बावजूद, माँ ने धन खोजने में कामयाबी हासिल की, ताकि 15 साल की उम्र में एलिन चले गए और पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू कर दिया। लड़की सख्त सामाजिक वर्जनाओं के बाहर, एक स्वतंत्र वातावरण में पली-बढ़ी। १८८३ में, डेनियलसन-गैम्बोडिया के लिए रवाना हो गए, जहाँ उन्होंने कोलारोसी अकादमी में अपनी शिक्षा जारी रखी, और गर्मियों में उन्होंने ब्रिटनी में पेंटिंग का अध्ययन किया। फिर कलाकार फ़िनलैंड लौट आया, जहाँ उसने अन्य चित्रकारों के साथ संवाद किया और कला स्कूलों में पढ़ाया, और 1895 में उसे छात्रवृत्ति मिली और वह फ्लोरेंस चली गई। एक साल बाद, वह एंटीग्नानो गांव चली गई और गैम्बोडिया के इतालवी कलाकार राफेलो से शादी कर ली। इस जोड़े ने पूरे यूरोप में कई प्रदर्शनियों में भाग लिया है; उनके काम को पेरिस में 1900 के विश्व मेले और 1899 में वेनिस बिएननेल में दिखाया गया था। लेकिन 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पारिवारिक परेशानियाँ और वित्तीय कठिनाइयाँ शुरू हुईं, उनके पति के साथ विश्वासघात और बीमारी। एलिन डेनियलसन-गैम्बोडिया की निमोनिया से मृत्यु हो गई और उन्हें लिवोर्नो में दफनाया गया।

अंत में, के बीच फिनिश महिला कलाकारनाम न लेना नामुमकिन है एलेन टेस्लेफ (एलेन थेस्लेफ) (1869-1954)। कुछ फिनिश लेखकों को इतनी जल्दी पहचान मिली है। पहले से ही 1891 में, युवा टेस्लेफ ने अपने अद्भुत काम के साथ फिनलैंड की आर्ट सोसाइटी की प्रदर्शनी में भाग लिया। गूंज» ( कैकू) (1891), आलोचकों से उच्च प्रशंसा प्राप्त करना। उस समय, उसने गुन्नार बर्नडसन की निजी अकादमी से स्नातक की उपाधि प्राप्त की थी ( गुन्नारबर्नडटसन) और अपनी पहली यात्रा पर जा रही थी, जहाँ लड़की ने अपनी सहेली बेदा शेरनशांज़ के साथ कोलारोसी अकादमी में प्रवेश किया। पेरिस में, वह प्रतीकवाद से परिचित हो गई, लेकिन शुरुआत से ही उसने कला में अपना, स्वतंत्र रास्ता चुना। इस अवधि के दौरान, उन्होंने तपस्वी रंगों में पेंटिंग बनाना शुरू किया।

ऐलेना टेस्लेफ के लिए प्रेरणा का सबसे महत्वपूर्ण स्रोत इतालवी कला थी। पहले से ही 1894 में, वह प्रारंभिक पुनर्जागरण के जन्मस्थान, फ्लोरेंस के लिए गई थी। यहां कलाकार ने धार्मिक चित्रकला की कई खूबसूरत कृतियों को देखा, जिसमें बॉटलिकली की कृतियां भी शामिल हैं, जिनके काम की उन्होंने लौवर में रहते हुए भी प्रशंसा की। टेस्लेफ ने मठवासी भित्तिचित्रों की भी नकल की। आध्यात्मिक इतालवी चित्रकला के प्रभाव ने एक काव्य, उदात्त कला के लिए उसकी लालसा को तेज कर दिया और बाद के वर्षों में, उसके काम में रंग तपस्या को अधिकतम अभिव्यक्ति मिली। उनके कार्यों का विशिष्ट उद्देश्य गहरे रंगों और मानव आकृतियों, भूतिया और उदासीन में बने सख्त परिदृश्य हैं।

इस अवधि के कार्यों का एक उदाहरण मामूली आकार है " आत्म चित्र”(१८९४-९५) एलेन टेस्लेफ, साधारण पेंसिल में खींची गई। फ्लोरेंस में बनाया गया यह सेल्फ-पोर्ट्रेट दो साल की तैयारी का नतीजा है। अंधेरे से उभरता हुआ भावपूर्ण चेहरा हमें उस समय के कलाकार और उसके आदर्शों के बारे में बहुत कुछ बताता है। प्रतीकवाद के दर्शन के अनुरूप, उन्होंने मानवीय भावनाओं के होने और अध्ययन करने के मूलभूत प्रश्न पूछे। इस सेल्फ-पोर्ट्रेट में आप लियोनार्डो दा विंची की कला के आधुनिक अवतार को उनके सवालों और जीवन के रहस्यों के साथ देख सकते हैं। साथ ही, तस्वीर बहुत ही व्यक्तिगत है: यह दो साल पहले हुई अपने प्यारे पिता की मृत्यु पर टेस्लेफ के दुःख को दर्शाती है।

टेस्लेफ एक संगीत परिवार में पली-बढ़ी और बचपन से ही उसे अपनी बहनों के साथ गाने और संगीत बजाने का शौक था। उनके काम में सबसे लगातार उद्देश्यों में से एक प्रतिध्वनि या चीख थी - संगीत का सबसे आदिम रूप। वह अक्सर वायलिन बजाते हुए भी चित्रित करती है - सबसे उदात्त और जटिल संगीत वाद्ययंत्रों में से एक। उदाहरण के लिए, पेंटिंग के लिए एक मॉडल " वायलिन बजाना"(" वायलिन वादक ") (1896) कलाकार की बहन, टीरा एलिजाबेथ द्वारा प्रस्तुत किया गया, जो अक्सर 1890 के दशक में उसके लिए पोज़ देती थी।

रचना गर्म पारभासी, मदर-ऑफ़-पर्ल-ओपल टोन में बनी हुई है। वायलिन वादक खेल पर ध्यान केंद्रित करते हुए दर्शकों से दूर हो गया। संगीत का विषय, जिसे सबसे आध्यात्मिक, दैवीय कला के रूप में सम्मानित किया जाता है, प्रतीकवाद में सबसे आम में से एक था, लेकिन कलाकारों ने शायद ही कभी महिला संगीतकारों को चित्रित किया हो।

अपने दोस्त मैग्नस एनकेल की तरह, अपने काम के शुरुआती चरण में, एलेन टेस्लेफ ने रंग तपस्या को प्राथमिकता दी। लेकिन फिर उनका स्टाइल बदल गया। कैंडिंस्की और उनके म्यूनिख सर्कल के प्रभाव में, कलाकार फिनलैंड में पहला फाउविस्ट बन गया, और 1912 में उसे फिनिश एसोसिएशन की एक प्रदर्शनी में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया गया। सितंबर, जो चमकीले साफ रंगों के लिए खड़े थे।

हालांकि, उनकी भागीदारी प्रदर्शनी से आगे नहीं बढ़ी: अकेलेपन को एक मजबूत व्यक्तित्व की सामान्य स्थिति मानते हुए, टेस्लेफ किसी भी समूह में शामिल नहीं हुए। पुरानी ग्रे-ब्राउन रेंज से हटकर, अधिक परिपक्व उम्र में, टेस्लेफ ने रंगीन और बहु-स्तरित रंगीन कल्पनाएं बनाना शुरू कर दिया। वह बार-बार अपनी बहन और माँ के साथ टस्कनी जाती थी, जहाँ उसने सनी इतालवी परिदृश्यों को चित्रित किया।

टेस्लेफ ने कभी शादी नहीं की, लेकिन वह एक रचनात्मक व्यक्ति के रूप में हुई। कलाकार ने एक लंबा जीवन जिया और मान्यता प्राप्त की।

एटेनियम में विदेशी कला art

एथेनियम संग्रहालय की विदेशी कला का संग्रह 650 से अधिक चित्रों, मूर्तियों और चित्रों को प्रस्तुत करता है, जो कि सीज़ेन, वाग गॉग, चागल, मोदिग्लिआनी, मंच, रेपिन, रोडिन, ज़ोर्न जैसे प्रसिद्ध उस्तादों द्वारा बनाए गए हैं।

एक विदेशी संग्रह से एथेनियम संग्रहालयमुख्य आकर्षण वैन गॉग की पेंटिंग "स्ट्रीट इन औवर्स-सुर-ओइस"(1890)। विन्सेंट वैन गॉग ने अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले इस चित्र को औवर्स-सुर-ओइस के छोटे से शहर में चित्रित किया था। Auvers-sur-Oise), सीन सहायक नदी की घाटी में स्थित है, के बारे में 30 किमी उत्तर पश्चिम में। वान गाग, मानसिक बीमारी के मुकाबलों से पीड़ित, अपने भाई थियो की सलाह पर डॉ पॉल गाचेट द्वारा इलाज के लिए औवर्स-सुर-ओइस गए। इस डॉक्टर का क्लिनिक औवर्स-सुर-ओइस में स्थित था - एक ऐसा व्यक्ति जो कला के प्रति उदासीन नहीं है, जो कई फ्रांसीसी कलाकारों से परिचित है और जो वान गाग का मित्र भी बन गया है।

औवर्स-सुर-ओइस शहर अंततः कलाकार की मृत्यु का स्थान बन गया, जिसने अपने भाई और उसके परिवार के लिए एक बोझ की तरह महसूस किया। वैन गॉग ने खुद को गोली मार ली और फिर खून की कमी से उनकी मृत्यु हो गई। कलाकार अपने जीवन के अंतिम 70 दिनों के लिए औवर्स-सुर-ओइस में रहे, इस छोटी अवधि में 74 चित्रों को पूरा किया, जिनमें से एक अब हेलसिंकी में मुख्य कला संग्रहालय में है। शायद पेंटिंग अधूरी रह गई थी (कुछ जगहों पर प्राइमर दिखाई दे रहा है)। आकाश की चमक पृथ्वी के शांत हरे स्वर और टाइलों की छतों के लाल रंग से निर्धारित होती है। किसी को यह आभास हो जाता है कि पूरा दृश्य एक आध्यात्मिक गति में है, जो अशांत ऊर्जा से व्याप्त है।

"स्ट्रीट इन औवर्स-सुर-ओइस" पेंटिंग में कैसे आया, इसके बारे में एक बहुत ही दिलचस्प कहानी है एथेनियम संग्रहालय... वान गाग की मृत्यु के कुछ समय बाद, यह कलाकार के भाई, थियो और फिर उसकी विधवा की थी, जिससे पेंटिंग जूलियन लेक्लर द्वारा खरीदी गई थी ( जूलियन लेक्लर्क) एक फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक हैं। यह ज्ञात है कि 1900 में लेक्लेर ने थियो की विधवा से वैन गॉग द्वारा कम से कम 11 कार्यों का अधिग्रहण किया था। एक साल बाद, उन्होंने वैन गॉग की पहली पूर्वव्यापी प्रदर्शनी का आयोजन किया, लेकिन जल्द ही अप्रत्याशित रूप से उनकी मृत्यु हो गई। लेक्लर की पत्नी पियानोवादक फैनी फ्लोडीन थीं ( पिछाड़ीफ्लोडिन), फिनिश कलाकार और मूर्तिकार हिल्डा फ्लोडिन की बहन ( हिल्डा फ्लोडिन) 1903 में, फैनी ने वैन गॉग की पेंटिंग को उक्त कलेक्टर फ्रिड्टजॉफ एंटेल के प्रतिनिधियों को 2,500 अंकों (आधुनिक पैसे में लगभग 9,500 यूरो) में बेच दिया। यह कैनवास बन गया है पुराने चर्च के वाग गोग द्वारा पहली पेंटिंग

फिनिश कलाकार बर्नड्ट लिंडहोम (1841-1914)।

बर्नड्ट एडॉल्फ लिंडहोल्मबर्नड्ट एडॉल्फ लिंडहोम, (लोविसा 20 अगस्त, 1841 - 15 मई, 1914 गोथेनबर्ग, स्वीडन में) एक फिनिश चित्रकार थे, उन्हें पहले फिनिश प्रभाववादियों में से एक भी माना जाता है। लिंडहोमपेरिस में अध्ययन करने वाले पहले स्कैंडिनेवियाई कलाकार भी थे। पीउन्होंने कलाकार जोहान नॉटसन से पोर्वू में अपना पहला ड्राइंग सबक प्राप्त किया, और फिर तुर्कू में कला सोसायटी के फिनिश ड्राइंग स्कूल में स्थानांतरित कर दिया। 1856-1861 में। वह एकमान का छात्र है।१८६३-१८६५ लिंडहोम ने डसेलडोर्फ एकेडमी ऑफ आर्ट्स में विदेश में अपनी पढ़ाई जारी रखी।उन्होंने जर्मनी छोड़ दिया और साथ में ( हल्मार मुंस्टरहेम) मैग्नस हलमार मुन्स्टरजेल्म (1840-1905)(तुलोस अक्टूबर १९, १८४० - २ अप्रैल १९०५)कार्लज़ूए (1865-1866) में अपनी मातृभूमि लौट आए, जहाँ से उन्होंने निजी सबक लेना शुरू कियाहैंस फ्रेड्रिक गुडे (1825-1903),और फिर वह १८७३-१८७४ में दो बार पेरिस गए, जहां लियोन बोना उनके शिक्षक थे। फ्रांस मेंBarbizon आदमी चार्ल्स-फ्रेंकोइस Daubigny के साथ निकटता से संवाद किया।उन्होंने थियोडोर रूसो के काम की भी सराहना की और जीन-बैप्टिस्ट केमिली कोरोट के काम की प्रशंसा की।पहली एकल प्रदर्शनी 1870 के पतन में हेलसिंकी में आयोजित की गई थी, जहां लिंडहोम की अत्यधिक प्रशंसा की गई थी। 1873 में, कला अकादमी ने "सवोलस प्रांत में वन" और अन्य पेंटिंग के लिए शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया।, १८७६ में उन्हें फिलाडेल्फिया में विश्व मेले के पदक से सम्मानित किया गया; 1877 में उन्हें फिनिश राज्य पुरस्कार से सम्मानित किया गया।ज्यादातर विदेश में रहते थे। 1876 ​​​​में वे गोथेनबर्ग चले गए और एक संग्रहालय क्यूरेटर (1878-1900) के रूप में काम किया। उन्होंने गॉथेनबर्ग स्कूल ऑफ ड्रॉइंग एंड पेंटिंग में भी पढ़ाया, फिर ललित कला अकादमी के अध्यक्ष और रॉयल स्वीडिश अकादमी के सदस्य चुने गए।यह अपने कलाकार मित्र और प्रतिद्वंद्वी से अधिक बहुमुखी थे versatile मैग्नस हजलमारो मुन्स्टरहेल्मजो जीवन भर रोमांटिक परिदृश्य के प्रति वफादार रहे।प्रारंभ में, लिंडहोम ने विशिष्ट रोमांटिक परिदृश्य भी चित्रित किए, और फिर, फ्रेंच प्लीन एयर पेंटिंग के प्रभाव में, वह धीरे-धीरे यथार्थवाद के करीब हो गया। अपने करियर के अंत में, उन्होंने केवल तटीय और समुद्री दृश्यों की ओर रुख किया। लिंडहोम जकारियास टोपेलियस द्वारा पुस्तक के चित्रण में भाग लिया - (जकारियास टोपेलियस, 1818-1898) - फिनिश साहित्य के सबसे उल्लेखनीय प्रतिनिधियों में से एक। कवि, उपन्यासकार, कहानीकार, इतिहासकार और प्रचारक - उन्होंने घर पर और अपनी सीमाओं से परे, प्यार और पहचान अर्जित की है। टोपेलियस ने स्वीडिश में लिखा, हालांकि वह फिनिश में धाराप्रवाह था। टोपेलियस की रचनाओं का बीस से अधिक भाषाओं में अनुवाद किया गया है। उनके पास असामान्य रूप से बहुमुखी प्रतिभा और काम करने की अद्भुत क्षमता थी; उनके कार्यों का पूरा संग्रह चौंतीस खंडों का है। (जेड। टोपेलियस। फिनलैंड में यात्रा। एफ। टिलगमैन द्वारा संस्करण, १८७५। स्वीडिश एफ। ह्यूरेन से अनुवादित। ए। वॉन बेकर, ए। एडेलफेल्ट, आर। वी। एकमैन, वी। होल्मबर्ग, केई जेनसन द्वारा मूल चित्रों से कई उत्कीर्णन शामिल हैं। , ओ. क्लेन, आई. नॉटसन, बी. लिंडहोम, जी. मुंस्टरगेलम और बी. रेंगोल्ड). 10 की राशि में लिंडहोम के चित्र इमात्रा जलप्रपात को समर्पित हैं। फिनलैंड में, फ्रांस में रहने के दौरान कलाकार के कार्यों की पूरी तरह से सराहना नहीं की गई थी, उनमें से लगभग सभी निजी संग्रह में हैं।

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सूर्य द्वारा प्रज्ज्वलित चट्टानें।

चीड़ के जंगल का किनारा.

एक लकड़हारा की आकृति के साथ वन परिदृश्य।

नदी बह रही है चट्टानी भूभाग

फसल जई।

समुद्र तट

चांदनी में शीतकालीन परिदृश्य

किनारे से देखें।

गोदी पर नाव

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बिर्च के साथ लैंडस्केप

सीस्केप।

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चट्टानों का दृश्य।

तड़प

धूप मेंजंगल।

लाडोगा का दृश्य।

सुबह के कोहरे में मछुआरे

क्षितिज पर जहाज।

मोंटमार्ट, पेरिस।

पोर्वू द्वीप से

चरागाह में गायें