मध्य युग की संगीत कला। मध्य युग की संगीत संस्कृति

"प्रारंभिक संगीत" शब्द 457 ईस्वी सन् की अवधि को दर्शाता है। (ग्रेट रोमन साम्राज्य के पतन की तारीख) और 18 वीं शताब्दी के मध्य तक (बारोक युग का अंत)। यह विशेष रूप से यूरोपीय संगीत परंपरा को संदर्भित करता है।

यह युग विविधता की विशेषता है: सांस्कृतिक-जातीय और सामाजिक-राजनीतिक। यूरोप अपने स्वयं के संगीत विरासत के साथ विभिन्न लोगों की भीड़ है। सामाजिक जीवन के सभी पहलुओं को चर्च द्वारा निर्देशित किया जाता है। और संगीत कोई अपवाद नहीं है: "शुरुआती संगीत" के विकास की पहली 10 शताब्दियों में रोमन कैथोलिक पादरी के व्यापक प्रभाव और भागीदारी की विशेषता थी। बुतपरस्त और किसी भी गैर-ईसाई अभिविन्यास के संगीत कार्यों को सभी संभव तरीकों से दबा दिया जाता है।

धार्मिक मंत्र

मध्य युग में, कई अलग-अलग अवधियों को प्रतिष्ठित किया जाता है। प्रारंभिक मध्य युग का संगीत, 457 ईस्वी से से 800 ईस्वी तक, सबसे अधिक बार विशेष रूप से पहनता है। उनका नाम पोप ग्रेगरी I के नाम पर रखा गया है, जो इस दिन तक जीवित रहने वाली किंवदंतियों के अनुसार, इस प्रकार के पहले कार्यों के लेखक थे। ग्रेगोरियन जप मूल रूप से मोनोफोनिक था और लैटिन में प्रार्थना ग्रंथों (अक्सर ग्रीक या पुराने चर्च स्लावोनिक) के जप से ज्यादा कुछ नहीं था। इतिहासकारों द्वारा अधिकांश कार्यों के लेखकत्व को अभी तक स्थापित नहीं किया गया है। ग्रेगोरियन जप एक सदी बाद व्यापक हो गया और शारलेमेन के शासनकाल तक सबसे लोकप्रिय संगीत रूप रहा।

पॉलीफोनी का विकास

चार्ल्स I ने 768 ए डी में फ्रांसीसी सिंहासन पर चढ़ा, विशेष रूप से यूरोपीय इतिहास में एक नया मील का पत्थर की शुरुआत और विशेष रूप से संगीत। क्रिस्चियन चर्च ने उस समय मौजूद ग्रेगोरियन गायन की दिशाओं को एक करने के लिए और मुकदमे के समान मानदंडों का निर्माण करने का बीड़ा उठाया।

उसी समय, पॉलीफोनिक संगीत की घटना का जन्म हुआ, जिसमें एक के बजाय दो या दो से अधिक आवाज़ें सुनाई देती थीं। यदि पॉलीफोनी के प्राचीन रूप ने विशेष रूप से अष्टक तनाव, अर्थात् दो स्वरों के समानांतर ध्वनि को ग्रहण किया है, तो मध्ययुगीन पॉलीफोनी एक स्वर से चौथे तक के अंतराल के साथ आवाज़ों की आवाज़ है। और इस तरह के संगीत के ज्वलंत उदाहरण 9 वीं शताब्दी के संगठन हैं और 10-12 वीं शताब्दी के डायफॉनिक्स हैं।

संगीत संकेतन

मध्य युग के संगीत की सबसे महत्वपूर्ण विशेषता संगीत स्कोर लिखने का पहला जानबूझकर किया गया प्रयास है। लैटिन अक्षरों का उपयोग करके स्कोर लिखे जाने लगते हैं, वे एक रैखिक रूप प्राप्त करते हैं। Guido Aretinsky, जो 10 वीं और 11 वीं शताब्दियों के मोड़ पर रहते थे और उन्हें संगीत संकेतन का संस्थापक माना जाता है, अंत में वर्णमाला और अनियमित अंकन की प्रणाली को औपचारिक रूप दिया गया।

गुइडो एरीटिन्स्की

मध्यकालीन संगीत विद्यालय

12 वीं शताब्दी से, अलग-अलग संगीत स्कूलों का गठन किया गया था। इस प्रकार, फ्रांसीसी शहर लिमोगेस से सेंट मार्शल के स्कूल के संगीत की विशेषता थी, जिसमें एक तेज दो-भाग वाले अंग के साथ संयुक्त मुख्य विषय था। स्कूल ऑफ नोट्रे डेम कैथेड्रल, भिक्षुओं लियोनिन और पेरोटिन द्वारा स्थापित, उत्कृष्ट पॉलीफोनिक कार्यों के लिए प्रसिद्ध था। स्पैनिश स्कूल ऑफ सैंटियागो डे कम्पोस्टेला उन तीर्थयात्रियों के लिए एक आश्रय स्थल बन गया है जिन्होंने खुद को संगीत के लिए समर्पित कर दिया और प्रसिद्ध मध्यकालीन संगीतकार बन गए। विशेष रूप से वॉर्सेस्टर फ्रैगमेंट्स में अंग्रेजी स्कूल के काम, पुराने हॉल पांडुलिपि के लिए धन्यवाद से बच गए हैं, जो मध्ययुगीन अंग्रेजी संगीत का सबसे पूरा संग्रह है।

मध्य युग का धर्मनिरपेक्ष संगीत

चर्च के संगीत के अलावा, जो मध्य युग में एक प्रमुख स्थान था, धर्मनिरपेक्ष संगीत भी विकसित हुआ। इसमें शामिल हैं, संगीत के कवियों के कार्य: पतलून, मिस्टेलर, मिनिंगिंगर। यह वे थे जिन्होंने जन्म के लिए शुरुआती बिंदु के रूप में सेवा की थी

मध्य युग की संगीत कला 1000 वर्षों से विकसित हो रही है। यह संगीत सोच के विकास में एक तनावपूर्ण और विरोधाभासी चरण है - सबसे जटिल बहुरूपता से मोनोडी (मोनोफोन) तक। मध्य युग में, कई यूरोपीय संगीत वाद्ययंत्रों में सुधार किया गया था, चर्च और धर्मनिरपेक्ष संगीत दोनों की शैलियों का गठन किया गया था, यूरोप के प्रसिद्ध संगीत स्कूलों का गठन किया गया था: डच, फ्रेंच, जर्मन, इतालवी, स्पेनिश, आदि।

मध्य युग में, संगीत के विकास में दो मुख्य दिशाएँ थीं: पवित्र संगीत और धर्मनिरपेक्ष, मनोरंजक। इसी समय, धर्मनिरपेक्ष संगीत की धर्म द्वारा निंदा की गई और इसे "शैतानी जुनून" माना गया।

संगीत धर्म का एक उपकरण था, एक "आसान" उपकरण जो चर्च के उद्देश्यों के साथ-साथ सटीक विज्ञानों में से एक था। गणित, अलंकार, तर्क, ज्यामिति, खगोल विज्ञान और व्याकरण के साथ-साथ संगीत का प्रदर्शन किया गया। चर्च ने संख्यात्मक संगीत सौंदर्यशास्त्र पर जोर देने के साथ गायन और स्कूलों की रचना विकसित की (उस युग के विद्वानों के लिए, संगीत ध्वनि पदार्थ पर संख्या का एक प्रक्षेपण था)। यह स्वर्गीय हेलेनिज़्म, पाइथागोरस और प्लेटो के विचारों का भी प्रभाव था। इस दृष्टिकोण के साथ, संगीत का एक स्वतंत्र अर्थ नहीं था, यह उच्चतम, दिव्य संगीत का एक रूपक था।

तो, संगीत को 3 प्रकारों में विभाजित किया गया था:

• विश्व संगीत आंचल, ग्रहों का संगीत है। मध्य युग के संगीत-संख्यात्मक सौंदर्यशास्त्र के अनुसार, सौर मंडल का प्रत्येक ग्रह अपनी स्वयं की ध्वनि, स्वर के साथ संपन्न था, और ग्रहों की आवाजाही ने आकाशीय संगीत का निर्माण किया। ग्रहों के अलावा, ऋतुएं भी अपने स्वर से संपन्न थीं।
• मानव संगीत - प्रत्येक अंग, शरीर का अंग, मानव आत्मा अपनी स्वयं की ध्वनि से संपन्न था, जिसने एक सामंजस्यपूर्ण स्वर का गठन किया।
• वाद्य संगीत - वाद्य बजाने की कला, मनोरंजन के लिए संगीत, सबसे कम प्रकार का पदानुक्रम।

पवित्र संगीत मुखर, वर्णिक था, और धर्मनिरपेक्ष संगीत वाद्य-गायन था। वाद्य संगीत को प्रकाश, तुच्छ और उस युग के संगीत सिद्धांतकारों ने गंभीरता से नहीं लिया। यद्यपि मिनस्ट्रेल शिल्प ने संगीतकारों से महान प्रदर्शन कौशल की मांग की।

मध्य युग से यूरोप में आधुनिकता के युग तक संक्रमण की अवधि, जो लगभग ढाई शताब्दियों तक चली। इस अवधि के दौरान, जीवन के कई क्षेत्रों में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए; विज्ञान और कला का विकास हुआ। पुनर्जागरण काल \u200b\u200bको विकास के कई घटकों और चरणों में विभाजित किया गया है। यह विभिन्न अंधविश्वासों से भी जुड़ा हुआ है, इतनी गहराई से जुड़ा हुआ है कि आज भी इनका खंडन करने में बहुत प्रयास करने पड़ते हैं।

• पहला और, शायद, मुख्य भ्रम पर विचार करना है (पुनर्जागरण के कई विचारकों की तरह) पुनरुद्धार ठीक पुनरुद्धार, संस्कृति और सभ्यता का पुनरुत्थान, जो बर्बर "मध्य युग की लंबी अवधि के बाद आया, एक काला समय, संस्कृति के विकास में टूटने की अवधि। यह पूर्वाग्रह मध्य युग की पूर्ण अज्ञानता और इसके और पुनर्जागरण के बीच घनिष्ठ संबंध पर आधारित है; एक उदाहरण के रूप में, यह दो पूरी तरह से अलग-अलग क्षेत्रों का नाम देने के लिए पर्याप्त होगा - कविता और आर्थिक जीवन। दांते XIII सदी में रहते थे, अर्थात् मध्य युग के चरमोत्कर्ष पर, पेट्रार्क - XIV में। आर्थिक जीवन के लिए, इसका वास्तविक पुनर्जागरण भी 13 वीं शताब्दी में होता है, व्यापार और बैंकिंग के तेजी से विकास का समय। वे कहते हैं कि हम प्राचीन लेखकों के पुनर्जागरण का श्रेय देते हैं, लेकिन यह भी अंधविश्वास है। यह ज्ञात है कि इस अवधि के दौरान केवल दो प्राचीन ग्रीक पांडुलिपियों की खोज की गई थी, बाकी पश्चिमी (मुख्यतः फ्रांस में) पहले से ही थे, पश्चिमी यूरोप के लिए 12 वीं और 13 वीं शताब्दी में मनुष्य और प्रकृति में रुचि से जुड़े पुरातनता की वापसी का अनुभव हुआ।
• दूसरा अंधविश्वास पुनर्जागरण के दो घटकों के मिश्रण से जुड़ा है, एक दूसरे के विपरीत, तथाकथित मानवतावाद और नए प्राकृतिक विज्ञान। मानवतावाद किसी भी तर्क, किसी भी कारण, किसी भी प्राकृतिक विज्ञान के लिए शत्रुतापूर्ण है, जिसे वह एक लेखक, बयानबाजी, राजनीतिज्ञ कहे जाने वाले एक सुसंस्कृत व्यक्ति के "यांत्रिक" श्रम को अयोग्य मानता है। पुनर्जागरण व्यक्ति का आंकड़ा, जो एक ही समय में रॉटरडैम और गैलीलियो के इरास्मस दोनों को जोड़ता है, पौराणिक है, और पुनर्जागरण में निहित दुनिया की एकल छवि में विश्वास अंधविश्वास से अधिक कुछ नहीं है।
• तीसरा पूर्वाग्रह उस पुनर्जागरण के दर्शन की स्कोलिस्टिकवाद की तुलना में "महान" के रूप में प्रशंसा करना है जो इससे पहले हुआ था।

वास्तव में, Cusansky के निकोलस (पुनर्जागरण की भावना से दूर) और गैलीलियो (जो पुनर्जागरण के अंत में रहते थे) के अपवाद के साथ, पुनर्जागरण के दार्शनिक, क्रिस्टेलर के अनुसार, न तो अच्छे थे और न ही बुरे - वे बिल्कुल दार्शनिक नहीं थे। उनमें से कई उत्कृष्ट लेखक, वैज्ञानिक, प्राचीन ग्रंथों के पारखी, अपने मजाकिया और तेज दिमाग, साहित्यिक कौशल के लिए प्रसिद्ध थे। लेकिन दर्शन से उनका कोई लेना-देना नहीं था। इस प्रकार, मध्य युग के विचारकों के लिए उनका विरोध करना शुद्ध अंधविश्वास है।

• • एक और गलतफहमी पुनर्जागरण एक तूफानी क्रांति पर विचार करना है, अतीत के साथ एक पूर्ण विराम। वास्तव में, इस अवधि के दौरान गहरा परिवर्तन होता है, लेकिन वे सभी अतीत से जुड़े हुए हैं, और किसी भी स्थिति में, मध्य युग में उनकी उत्पत्ति पाई जा सकती है। ये परिवर्तन अतीत में इतनी गहराई से निहित हैं कि पुनर्जागरण के सबसे बड़े विशेषज्ञों में से एक, हुइज़िंगा के पास इस युग को "मध्य युग का पतन" कहने का हर कारण था।

अंत में, एक अंधविश्वास यह राय है कि जो लोग पुनर्जागरण में रहते थे, उनमें से कम से कम अधिकांश लोग प्रोटेस्टेंट, मोनिस्ट, नास्तिक या आत्मा में तर्कवादी हैं। वास्तव में, प्रसिद्ध पुनर्जागरण के प्रतिनिधियों के विशाल बहुमत, और दर्शन के क्षेत्र में लगभग हर कोई, लियोनार्डो और फिकिनो से लेकर गैलीलियो और कैम्पानेला, कैथोलिक धर्म के अक्सर उत्साही समर्थक और रक्षक थे। इसलिए, 40 साल की उम्र में मार्सिलियो फिकिनो ने ईसाई धर्म को अपनाया और नए युग के लिए कैथोलिक माफी मांगी।

मध्य युग के संगीत सिद्धांतकार गुइडो आरेतिन्स्की (10 वीं शताब्दी के अंत में) संगीत को निम्नानुसार परिभाषित करता है:

"संगीत मुखर ध्वनियों की गति है।"

इस परिभाषा में, मध्यकालीन संगीत सिद्धांतकार ने उस युग की संपूर्ण यूरोपीय संगीत संस्कृति के संगीत के प्रति दृष्टिकोण व्यक्त किया।

चर्च और धर्मनिरपेक्ष संगीत की संगीत शैलियों।

मध्य युग के पवित्र संगीत का स्रोत मठ का वातावरण था। गायन स्कूलों में कानों द्वारा सीखा गया था और चर्च के वातावरण में प्रचारित किया गया था। विभिन्न प्रकार के मंत्रों के उद्भव के मद्देनजर, कैथोलिक चर्च ने ईसाई सिद्धांत की एकता को दर्शाते हुए मंत्रों को रद्द करने और विनियमित करने का निर्णय लिया।

इस प्रकार, कोरले दिखाई दिए, जो चर्च की संगीत परंपरा का व्यक्तिकरण बन गया। इसके आधार पर, अन्य शैलियों का विकास हुआ है, विशेष रूप से कुछ छुट्टियों, दिव्य सेवाओं के लिए बनाया गया है।

मध्य युग के पवित्र संगीत को निम्नलिखित शैलियों द्वारा दर्शाया गया है: कोरले, ग्रेगोरियन मंत्र - लैटिन में मोनोफोनिक धार्मिक मंत्र, स्पष्ट रूप से विनियमित, गाना बजानेवालों द्वारा किया जाता है, कुछ वर्गों - एकल कलाकार द्वारा

• • • मास कैथोलिक चर्च की मुख्य दिव्य सेवा है, जिसमें 5 स्थिर भाग (अध्यादेश) शामिल हैं - I. क्यारी एलिसन (भगवान, दया करें), II। ग्लोरिया (महिमा), III। क्रेडो (मेरा मानना \u200b\u200bहै), IV। सैंक्टस (पवित्र), वी। अग्नुस देई (भगवान का मेमना)।
    • लिटर्गी, लिटर्जिकल ड्रामा - ईस्टर या क्रिसमस सेवा, जहां ग्रेगोरियन मंत्रों को अलंकृत ट्रोप की धुनों के साथ बारी-बारी से प्रस्तुत किया जाता है, कोरस द्वारा कोरस का प्रदर्शन किया जाता था, पात्रों के कुछ हिस्सों (मैरी, इवेंजेलिस्ट) को एकल कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया जाता था, कभी-कभी वेशभूषा के कुछ झलक दिखाई देते थे।
    • रहस्य एक विस्तृत नाटक है, जिसमें एक विस्तृत मंच कार्रवाई, वेशभूषा होती है
    • रोंडेल (रोंडो, आरयू) - लेखक के माधुर्य (कैनोनाइज्ड कोरले के विपरीत) के आधार पर परिपक्व और देर से मध्य युग की एक पॉलीफोनिक शैली, जिसे एकल में अनुचित तरीके से प्रदर्शन किया गया था, जो बदले में दर्ज किया गया (कैनन का प्रारंभिक रूप)
    • प्रोप्रियम मास शैली का एक हिस्सा है जो चर्च कैलेंडर के आधार पर बदलता है (जैसा कि द्रव्यमान के अपरिवर्तित हिस्से के विपरीत है - अध्यादेश)
    • एंटिफोन चर्च कोरल संगीत की सबसे प्राचीन शैली है, दो कोरल समूहों द्वारा भागों के प्रत्यावर्तन पर आधारित है

चर्च के संगीत के नमूने:

1) केरी एलिसन जप

२) क्रम विजयी पाशली

मध्य युग का धर्मनिरपेक्ष संगीत मुख्य रूप से Itinerant संगीतकारों का संगीत था और स्वतंत्रता, वैयक्तिकरण और भावनात्मकता द्वारा प्रतिष्ठित था। इसके अलावा, धर्मनिरपेक्ष संगीत सामंती प्रभुओं की दरबारी, शूरवीर संस्कृति का हिस्सा था। चूंकि नाईट एक्सक्लूसिव मैनर्स के लिए निर्धारित कोड, उदारता, उदारता, सुंदर लेडी की सेवा करने के लिए कर्तव्यों के कारण, ये पार्टियां परेशानियों और मिनीशिंगर के गीतों में अपना प्रतिबिंब नहीं देख सकती थीं।

धर्मनिरपेक्ष संगीत की धुनों, बाजीगरों, ट्रबडबर्स या ट्राउजर्स, मिनीस्ट्रोल्स (फ्रांस में), मिनिंगरिंजर्स, स्पीलमैन (जर्मनिक देशों में), होहलर्स (स्पेन में), बफून (रूस में) द्वारा संगीत प्रदर्शन किया गया था। इन कलाकारों को न केवल गाने, बजाने और नृत्य करने में सक्षम होना था, बल्कि सर्कस प्रदर्शन, जादू की चाल, नाटकीय दृश्य भी दिखाने में सक्षम थे, और अन्य तरीकों से हर संभव तरीके से दर्शकों का मनोरंजन करना था।
इस तथ्य के कारण कि संगीत विज्ञान में से एक था और विश्वविद्यालयों में पढ़ाया जाता था, सामंती भगवान और शिक्षा प्राप्त करने वाले कुलीन लोग कला में अपने ज्ञान को लागू कर सकते थे।
इस प्रकार, अदालत के माहौल में संगीत विकसित हुआ। ईसाई तपस्या के विपरीत, शिष्ट संगीत ने कामुक प्रेम और सुंदर महिला के आदर्श को महिमामंडित किया। संगीतकारों के रूप में बड़प्पन के बीच जाना जाता था - गिलियूम - VII, काउंटर्स ऑफ काउंटर्स, ड्यूक ऑफ एक्विटेन, जीन ब्रिएन - जेरूसलम के राजा, पियरे मोक्लेयर - ड्यूक ऑफ ब्रिटनी, थिबा शैंपेन - नवरे के राजा।

मध्य युग के धर्मनिरपेक्ष संगीत की मुख्य विशेषताएं और विशेषताएं:

• • • लोककथाओं पर आधारित, लैटिन में नहीं, बल्कि देशी भाषाओं की बोलियों में प्रदर्शन किया गया,
    • भटकने वाले कलाकारों के बीच संकेतन का उपयोग नहीं किया जाता है, संगीत एक मौखिक परंपरा है (बाद में, अदालत के माहौल में संगीत लेखन विकसित हुआ)
    • मुख्य विषय उसके सांसारिक जीवन की सभी विविधता में एक व्यक्ति की छवि है, आदर्श कामुक प्यार
    • monophony - एक काव्य और गीत के रूप में व्यक्तिगत भावनाओं को व्यक्त करने के तरीके के रूप में
    • मुखर और वाद्य प्रदर्शन, उपकरणों की भूमिका अभी भी बहुत अधिक नहीं है, वाद्य मुख्य रूप से इंट्रो, इंटरल्यूड और कोड थे
    • माधुर्य विविध था, लेकिन लयबद्ध स्वरबद्ध किया गया था, - यह चर्च संगीत का प्रभाव था, ताल की केवल 6 किस्में (लयबद्ध तरीके) थे, और उनमें से प्रत्येक में एक सख्ती से आलंकारिक सामग्री थी

ट्रूडो, ट्रिब्यूटर्स और मिनसिंगर्स ने शिष्टाचार से संगीत की धुन बजाते हुए अपनी मूल शैली बनाई:

• • • "वीविंग" और "मे" गाने
    • रोंडो - एक फार्म एक दोहराए जाने से बचने पर आधारित है
    • गाथा - गीत-संगीत-गीत
    • विरेले - एक तीन-पंक्ति छंद (तीसरी पंक्ति को छोटा) के साथ पुराना फ्रांसीसी काव्य रूप, एक ही कविता और एक कोरस
    • वीर महाकाव्य ("रोलैंड का गीत", "निबेलुंग्स का गीत")
    • क्रूसेडर्स के गीत (फिलिस्तीन के गीत)
    • कैनकोना (मीनिंगर्स के बीच इसे कहा जाता था - अल्बा) - प्रेम, गीत का गीत

X - XI सदियों में शहरी संस्कृति के विकास के लिए धन्यवाद। धर्मनिरपेक्ष कला अधिक सक्रिय रूप से विकसित होने लगी। पूरे शहर के प्रखंडों को आबाद करने के लिए यात्रा के संगीतकार तेजी से जीवन की एक गतिहीन शैली का चयन कर रहे हैं।

यह दिलचस्प है कि XII-XIII सदियों से संगीतकारों को भटकना। आध्यात्मिक विषयों पर लौटें। लैटिन से स्थानीय भाषाओं में संक्रमण और इन कलाकारों की अपार लोकप्रियता ने उन्हें स्ट्रासबर्ग, रूएन, रिम्स के कैथेड्रल में आध्यात्मिक प्रदर्शन में भाग लेने की अनुमति दी। Cambrai। समय के साथ, कुछ यात्रा करने वाले संगीतकारों ने बड़प्पन के महल और फ्रांस, इंग्लैंड, सिसिली और अन्य देशों के न्यायालयों में प्रदर्शन आयोजित करने का अधिकार हासिल कर लिया।

बारहवीं-तेरहवीं शताब्दियों तक, भगोड़े भिक्षु, भटकते हुए स्कूली बच्चे, निचले पादरी के वंशज - योनि और गोलिया - भटकते संगीतकारों के बीच दिखाई दिए।

मध्ययुगीन शहरों में सेडेंटरी संगीतकारों ने पूरे संगीत कार्यशालाओं का निर्माण किया - द ब्रदरहुड ऑफ़ सेंट जूलियन (पेरिस, 1321), द ब्रदरहुड ऑफ़ सेंट निकोलस (वियना, 1288)। इन संघों का लक्ष्य संगीतकारों के अधिकारों की रक्षा करना, पेशेवर परंपराओं को संरक्षित और संचारित करना था।

XIII में - XVI सदियों। नई विधाएँ बनती हैं, जो अरस नोवा के युग में पहले से ही विकसित हैं:

• • • मोटेट (फ्रेंच से - "शब्द") एक पॉलीफोनिक शैली है, जो एक ही समय में विभिन्न ग्रंथों को स्वर देने वाली आवाज़ों के मधुर प्रसार द्वारा प्रतिष्ठित है, कभी-कभी अलग-अलग भाषाओं में भी, दोनों धर्मनिरपेक्ष सामग्री और आध्यात्मिक हो सकते हैं
    • मद्रिगल (इतालवी से - "मूल भाषा में गीत", अर्थात् इतालवी) - प्रेम-गीत, देहाती गीत,
    • कैसिया (इतालवी से - "शिकार") शिकार के विषय पर एक मुखर टुकड़ा है।

ट्रबलबैड और पेशेवर संगीतकारों द्वारा धर्मनिरपेक्ष संगीत।

अतिरिक्त जानकारी:

हमारी जानकारी के युग में, उच्च प्रौद्योगिकियों की आयु, हम अक्सर आध्यात्मिक मूल्यों को बनाए रखने के बारे में भूल जाते हैं। इन मूल्यों में से एक शास्त्रीय संगीत है - हमारे पूर्वजों की आध्यात्मिक विरासत। शास्त्रीय संगीत क्या है, एक आधुनिक व्यक्ति को इसकी आवश्यकता क्यों है? कई लोगों को क्यों लगता है कि यह बहुत उबाऊ है? आइए इन कठिन सवालों को समझने की कोशिश करें। आप अक्सर यह राय सुन सकते हैं कि शास्त्रीय संगीत वह माना जाता है जो बहुत पहले लिखा गया था। ऐसा नहीं है, क्योंकि इस अवधारणा का अर्थ मानव सभ्यता के संपूर्ण अस्तित्व के दौरान संगीत की दुनिया में निर्मित सभी सर्वश्रेष्ठ है। बीथोवेन का सोनाटा, जिसे 18 वीं शताब्दी में बनाया गया था, और स्वेरिडोव का रोमांस, 40 साल पहले लिखा गया था, सभी क्लासिक्स हैं! मुख्य बात यह है कि यह संगीत समय की कसौटी पर खरा उतरा है। और बीथोवेन के दिनों में, और अब ऐसे कला डीलर हैं जो कम गुणवत्ता वाले संगीत उत्पाद का उत्पादन करते हैं। यह उत्पाद बहुत जल्दी बिगड़ता है, और वास्तविक कला हर दिन अधिक से अधिक सुंदर होती जा रही है।

नोट्स की उपस्थिति

लेखन, मानव जाति के महान आविष्कार, ने भविष्य की पीढ़ियों के लिए विचारों, विचारों और छापों को संचित और संचारित करना संभव बना दिया। एक और आविष्कार, कोई कम महान, संगीत संकेतन, ने वंशजों को ध्वनियों और संगीत को प्रसारित करना संभव बना दिया। नोटों से पहले, यूरोपीय संगीत में विशेष संकेतों का उपयोग किया गया था - नीमा।

संगीत संकेतन की आधुनिक प्रणाली के आविष्कारक बेनेडिक्टिन भिक्षु गुइडो एरेतिंस्की (गुइडो डी'रेज़ो) (990-1050) हैं। Arezzo टस्कनी में एक छोटा शहर है, जो फ्लोरेंस से दूर नहीं है। स्थानीय मठ में, भाई गुइडो ने चर्चों को सिखाया कि कैसे चर्च के गीत गाए जाएं। यह व्यवसाय आसान और लंबा नहीं था। सभी ज्ञान और कौशल सीधे संचार में मौखिक रूप से प्रसारित किए गए थे। गायक, शिक्षक के मार्गदर्शन में और उनकी आवाज़ से, कैथोलिक मास के प्रत्येक भजन और प्रत्येक मंत्र को लगातार सीखते रहे। इसलिए, पूर्ण "अध्ययन के पाठ्यक्रम" में लगभग 10 साल लगे।

Guido Aretinsky ने नोट्स के साथ ध्वनियों को चिह्नित करना शुरू कर दिया (लैटिन शब्द नोटा - साइन से)। नोट, छायांकित वर्ग, चार समानांतर रेखाओं से मिलकर, सीढ़ी पर रखे गए थे। अब इनमें से पांच लाइनें हैं, और नोटों को मंडलियों में दर्शाया गया है, लेकिन गुइडो द्वारा पेश किया गया सिद्धांत अपरिवर्तित रहा। उच्च शासक पर उच्चतर नोट प्रदर्शित होते हैं। सात नोट हैं, वे एक सप्तक बनाते हैं।

गुइडो ने ऑक्टेव के सात नोटों में से प्रत्येक को एक नाम दिया: ut, re, mi, fa, sol, la, si। ये सेंट के भजन के पहले शब्दांश हैं जॉन। इस भजन की प्रत्येक पंक्ति को अंतिम की तुलना में उच्च स्वर में गाया जाता है।

अगले सप्तक के नोटों को एक ही नाम दिया गया है, लेकिन ऊंची या निचली आवाज में गाया जाता है। जैसे ही आप एक ऑक्टेव से दूसरे में जाते हैं, उसी नोट से संकेतित ध्वनि की आवृत्ति आधे से बढ़ जाती है या घट जाती है। उदाहरण के लिए, संगीत वाद्ययंत्र को पहले सप्तक के नोट ए में बांधा जाता है। यह नोट 440 हर्ट्ज की आवृत्ति से मेल खाता है। अगले, दूसरे, सप्तक के लिए नोट 880 हर्ट्ज की आवृत्ति के अनुरूप होगा।

सभी नोटों के नाम, पहले को छोड़कर, एक स्वर ध्वनि में समाप्त होते हैं, वे गाने के लिए सुविधाजनक हैं। शब्दांश शब्द बंद है और इसे दूसरों की तरह गाना असंभव है। इसलिए, सप्तक के पहले नोट का नाम, ut, सोलहवीं शताब्दी में करने के लिए बदल दिया गया था (लैटिन शब्द डोमिनस - लॉर्ड से सबसे अधिक संभावना है)। सप्तक का अंतिम नोट, सी, भजन की अंतिम पंक्ति के दो शब्दों का एक संकुचन है, सैंक्ते आयोनेस। अंग्रेजी बोलने वाले देशों में, "सी" नोट का नाम बदलकर "टी" कर दिया गया था, ताकि सी अक्षर से भ्रमित न हों, संगीतमय संकेतन में भी इस्तेमाल किया गया।

नोट्स का आविष्कार करके, गुइडो ने गायकों को यह अजीबोगरीब वर्णमाला सिखाई, और उन्हें नोट्स से गाना भी सिखाया। यही है, जिसे आधुनिक संगीत विद्यालयों में सॉलफैगियो कहा जाता है। अब नोटों में पूरे द्रव्यमान को लिखना पर्याप्त था, और गायक पहले से ही आवश्यक राग गा सकते थे। प्रत्येक गीत को व्यक्तिगत रूप से सिखाने की आवश्यकता नहीं है। गुइडो को केवल प्रक्रिया को नियंत्रित करना था। गायकों के लिए प्रशिक्षण का समय पाँच गुना कम कर दिया गया है। दस साल के बजाय - दो साल!।

जिस घर में गुइडो का जन्म हुआ, उस स्थान पर वाया रिकासोली में अरजी में मेमोरियल पट्टिका। इसमें वर्ग नोटों को दर्शाया गया है।

यह कहा जाना चाहिए कि अरेज़ो के भिक्षु गुइडो संकेतों का उपयोग करके संगीत रिकॉर्ड करने के विचार के साथ आने वाले पहले नहीं थे। उनसे पहले, पश्चिमी यूरोप में, पहले से ही न्युमस की एक प्रणाली थी (ग्रीक शब्द "न्यूमो" - श्वास) से, गीत के स्वर के उदय या पतन को इंगित करने के लिए स्तोत्र के पाठ पर चिपकाए गए संकेत। रूस में, इसी उद्देश्य के लिए, उन्होंने "हुक" या "बैनर" की अपनी प्रणाली का उपयोग किया।

Guido Aretinsky के वर्ग नोट, कर्मचारियों की चार पंक्तियों पर रखे गए, संगीत की रिकॉर्डिंग के लिए सबसे सरल और सबसे सुविधाजनक प्रणाली बन गई। उनके लिए धन्यवाद, संगीत की धारणा दुनिया भर में फैल गई है। संगीत ने चर्च को छोड़ दिया और पहले शासकों और रईसों के महलों में चले गए, और फिर एक आम संपत्ति बनकर सिनेमाघरों, कॉन्सर्ट हॉल और शहर के चौकों तक पहुंच गए।

झल्लाहट क्या है

संगीत सिद्धांत में फ्रेट एक केंद्रीय शब्द है। यह समझना कि वे कैसे निर्मित हैं और कुशलता से उनका उपयोग करते हैं, संगीतकार के लिए असीमित संभावनाएं खोलते हैं। और अक्सर यह स्पष्ट करना असंभव है कि किसी विशेष रचना में एक दिलचस्प संक्रमण कैसे बनाया जाता है - अगर कोई व्यक्ति यह नहीं समझता है कि एक मोड क्या है। लेकिन एक पकड़ है: संगीतकार खुद "सद्भाव" शब्द का उपयोग करते हैं, जिसका अर्थ अक्सर एक ही बात नहीं होता है। ऐसा क्यों है? और यह वैसे भी क्या है? विभिन्न युगों में इस शब्द में डाले गए बहुत भिन्न अर्थों के कारण भ्रम पैदा हुआ।

हमें एहसास नहीं है कि हमारी धारणा को शास्त्रीय संगीत से कितना जोड़ा और जोड़ा गया है। (जबकि "आधुनिक संगीत" की अवधारणा शास्त्रीय सिद्धांतों से प्रस्थान है)। क्लासिकिज़्म का युग दुनिया की मानवीय धारणा में एक महान ऐतिहासिक टूटन है। मध्य युग के बाद, लोगों ने प्राचीन कला की खोज की और मोहित हो गए। क्लासिकिज़्म का कोई भी काम सख्त कैनन पर बनाया गया है, जिससे ब्रह्मांड की सद्भाव और स्थिरता का पता चलता है। क्लासिकवाद ने एक संरचनात्मक आदेश बनाया है - उच्च और निम्न, मुख्य और माध्यमिक, केंद्रीय और अधीनस्थों की एक स्पष्ट पदानुक्रम। इसलिए, उदाहरण के लिए, विनीज़ क्लासिक्स और रोमांटिक संगीत के साथ शुरू, हम सिस्टम में सोचते हैं - "प्रमुख-मामूली"। यह क्या है और यह हमारी धारणा को कैसे प्रभावित करता है?

मेजर और माइनर टोनल स्केल होते हैं। टोन के बीच संबंधों की एक निश्चित प्रणाली एक तानवाला मोड है। इसका क्या मतलब है? स्वर क्या है? आइए इसे जानने की कोशिश करें। मान लीजिए कि आपके सामने एक पियानो है: कीबोर्ड को देखें: सामान्य डू-री-एमआई-एफए-एल-सोल-सी, उनके बीच 7 सफेद चाबियाँ और 5 और काली चाबियाँ, कुल 12। उनमें से प्रत्येक दो के बीच की दूरी एक अर्धविराम है। आसन्न काले और सफेद के बीच हमेशा एक अर्धविराम होता है। आसन्न गोरों के बीच - टोन (अपवाद एमआई-एफए हैं, और सी-डू सेमिटोन हैं)।

टोन और सेमीटोन का कोई भी सेट एक पैमाना है। क्लासिकवाद के युग में, उन्होंने इसे टॉनिक के सभी स्वरों के सख्त समन्वय के साथ बनाना शुरू किया - मुख्य स्वर। यह प्रमुख या मामूली पैमाना है। सभी तानवाला संगीत (सभी क्लासिक्स) मुख्य और अधीनस्थ व्यंजन के बीच संबंधों पर सटीक रूप से बनाया गया है। कान से, हम सहज रूप से प्रमुख और मामूली के बीच अंतर करते हैं जिस तरह से वे रंगीन हैं - "खुश" या "उदास"। परिवर्तनीय मोड वह है जब एक टुकड़े में एक ही समय में प्रमुख और मामूली दोनों विशेषताएं होती हैं। लेकिन उनके पास एक सामान्य सिद्धांत है - तानवाला।

हालांकि, यह सिद्धांत एकमात्र संभव नहीं है। क्लासिकिज़्म के युग से पहले, जब सब कुछ अंततः टोनलिटी के सामंजस्यपूर्ण व्यवस्था में आदेश दिया गया था, तो संगीत की सोच अलग थी। इयोनियन, डोरियन, फ़्रीजियन, लिडियन, मिक्सोलिडियन, आइओलियन, लोकेरियन ... ये यूनानियों के ऑक्टेव मोड हैं। और फिर ग्रेगोरियन संगीत के चर्च मोड थे। ये सभी मोडल मोड हैं। उन्होंने प्राचीनता में संगीत की रचना की, मध्य युग, पूर्वी संगीत परंपरा आधुनिक (भारतीय राग या अरबी मकाम, उदाहरण के लिए)। पुनर्जागरण यूरोप के संगीत में भी समानता थी।

हमारे द्वारा उपयोग किए जाने वाले टोनल लुक से मुख्य अंतर क्या है? तानवाला मोड में, मुख्य लहजे और तार के कार्यों का एक सख्त परिसीमन होता है, जबकि मोडल संगीत में वे बहुत अधिक धुंधले होते हैं। मोडल स्केल के लिए, स्केल अपने आप में संपूर्ण है - और अर्थ और रंग जो इसे संगीत में ला सकते हैं। यही कारण है कि हम आसानी से मध्ययुगीन कोरल से भारतीय संगीत को अलग पहचान देते हैं - कुछ विशिष्ट व्यंजन और संगीत चाल के अनुसार।

बीसवीं शताब्दी तक, संगीतकारों ने टोनल संगीत के भीतर सभी प्रकार की ध्वनि की कोशिश की है। "मैं ऊब गया हूं, शैतान!" उन्होंने कहा, और नए रंगों की तलाश में वे पुराने मोडल में बदल गए और चले गए। इस प्रकार एक नई विधा का उदय हुआ। आधुनिक संगीत में नए तरीके दिखाई दिए हैं - उदाहरण के लिए, ब्लूज़। इसके अलावा, एक विशेष शैली उभरा है - मोडल जैज़। माइल डेविस, उदाहरण के लिए, मोडल संगीत को "सामान्य सात-नोट स्केल से विचलन कहा जाता है, जहां हर नोट फोकस से बाहर होता है।" और उन्होंने कहा कि "इस दिशा में जा रहे हैं, आप अनंत तक जाते हैं।" लब्बोलुआब यह है कि तानवाला और मोडल सिद्धांत परस्पर अनन्य नहीं हैं। एक टुकड़े में, उनके संकेत मिश्रित हो सकते हैं। मॉडरेशन एक और परत की तरह है, जिसे हम "प्रमुख / नाबालिग" पर आरोपित करते हैं। और विभिन्न मोडल मोड के उपयोग से संगीत का रंग बदल जाता है: उदाहरण के लिए, फ्रिज़ीफेट झल्लाहट उदास है, क्योंकि इसका पैमाना मुख्य रूप से निचले ग्रेड से बना है। यदि आप संगीत लिख रहे हैं, तो इन महत्वपूर्ण विशेषताओं को जानने से आपको रोचक ध्वनि प्राप्त करने में मदद मिल सकती है।

रंग, मनोदशा, चरित्र - ये सद्भाव के संकेत हैं जो हम सुनते हैं, लेकिन अक्सर इसका एहसास नहीं होता है। अक्सर गानों में हम मोडल मोड़ से आकर्षित होते हैं - क्योंकि वे असामान्य होते हैं। शास्त्रीय संगीत पर लाया गया श्रवण रोजमर्रा की जिंदगी से इस प्रस्थान को चला रहा है। यह सब और बहुत कुछ पता चलता है जब आप संगीत की भाषा को समझते हैं।

मध्य युग का संगीत संगीत संस्कृति के विकास की अवधि है, लगभग 5 वीं से 14 वीं शताब्दी ईस्वी तक की अवधि को कवर करता है।

मध्य युग मानव इतिहास में एक महान युग है, सामंती व्यवस्था के प्रभुत्व का समय है।

संस्कृति की अवधि:

प्रारंभिक मध्य युग - वी - एक्स सदियों

परिपक्व मध्य युग - XI - XIV सदियों

395 में, रोमन साम्राज्य दो भागों में विभाजित हो गया: पश्चिमी और पूर्वी। 5 वीं -9 वीं शताब्दी में रोम के खंडहरों पर, पश्चिमी भाग में, बर्बर राज्य विद्यमान थे: ओस्ट्रोगोथ्स, विसिगोथ्स, फ्रैंक्स आदि। 9 वीं शताब्दी में, शारलेमेन के साम्राज्य के पतन के परिणामस्वरूप, यहां तीन राज्यों का गठन किया गया था: फ्रांस, जर्मनी, इटली। पूर्वी भाग की राजधानी कांस्टेंटिनोपल थी, जिसकी स्थापना सम्राट कांस्टेनटाइन ने यूनानी उपनिवेश बायज़ैन्टियम की साइट पर की थी - इसलिए राज्य का नाम।

मध्य युग में, यूरोप में एक नई प्रकार की संगीत संस्कृति उभर रही है - एक सामंती, पेशेवर कला, शौकिया संगीत बनाने और लोककथाओं का संयोजन। चूंकि चर्च आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों पर हावी है, इसलिए पेशेवर संगीत कला का आधार चर्चों और मठों में संगीतकारों की गतिविधि है। धर्मनिरपेक्ष व्यावसायिक कला का प्रतिनिधित्व केवल उन गायकों द्वारा ही किया जाता है, जो योद्धाओं, आदि (योद्धा, आदि, आदि) के घर में, कुलीनता के घरों में महाकाव्य कथाएँ बनाते और करते हैं। समय के साथ, शिवलिंग के संगीत-निर्माण के शौकिया और अर्ध-पेशेवर रूप विकसित होते हैं: फ्रांस में - ट्रबडबर्स और ट्राउजर्स की कला (एडम डे ला हाल, तेरहवीं शताब्दी), जर्मनी में - मिनेसिंगर्स (वोल्फ्राम वॉन एस्चेनबाक, वाल्टर वॉन डेर वोगेलवाइड, XII-XIII सेंचुरी), और शहरी कारीगर भी। सामंती महल और शहरों में, सभी प्रकार के जेनरा, शैलियों और गीतों के रूपों की खेती की जाती है (महाकाव्य, "भोर", रोंडो, ले, वीरेल, गाथागीत, कैनज़ोन, लॉडस, आदि)।

नए संगीत वाद्ययंत्र रोजमर्रा की जिंदगी में प्रवेश करते हैं, जिसमें पूर्व (वायोला, ल्यूट आदि) से आए लोग, पहनावा (अस्थिर रचनाएं) दिखाई देते हैं। लोक परिवेश किसान परिवेश में पनपता है। "लोक पेशेवर" भी हैं: कहानीकार, भटकते हुए सिंथेटिक कलाकार (बाजीगर, मीम्स, मिंटस्ट्रेल, श्पिलमैन, बफून)। संगीत फिर से मुख्य रूप से लागू और आध्यात्मिक-व्यावहारिक कार्य करता है। रचनात्मकता प्रदर्शन के साथ एकता में दिखाई देती है (आमतौर पर एक व्यक्ति में)।

धीरे-धीरे, धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री, इसके शैलियों, रूपों, अभिव्यक्ति के साधनों को समृद्ध किया जा रहा है। पश्चिमी यूरोप में VI-VII सदियों से। मोनोफोनिक (मोनोडिक) चर्च संगीत का एक कड़ाई से विनियमित प्रणाली डायटोनिक मोड्स (ग्रेगोरियन गायन) पर आधारित था, जो कि सस्वर पाठ (भजन) और गायन (भजन) का संयोजन था। पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफनी उत्पन्न होती है। नए स्वर (कोरल) और स्वर-वाद्य (गायन और अंग) शैलियां बन रही हैं: ऑर्गन, मोटेट, चालन, फिर द्रव्यमान। फ्रांस में, बारहवीं शताब्दी में, नॉट्रे डेम कैथेड्रल (लियोनिन, पेरोटिन) में पहला संगीतकार (रचनात्मक) स्कूल बनाया गया था। व्यावसायिक संगीत में पुनर्जागरण (फ्रांस और इटली में एक्सोवा शैली, XIV सदी) में, पॉलीफोनी द्वारा मोनोफोन को दबाया जाता है, संगीत धीरे-धीरे खुद को पूरी तरह से व्यावहारिक कार्यों (सर्विसिंग चर्च अनुष्ठानों की सेवा से मुक्त करना शुरू करता है), गीत शैलियों सहित धर्मनिरपेक्ष शैलियों का महत्व, इसमें वृद्धि होती है (गिलोयूम डे) Machaut)।

मध्य युग का भौतिक आधार सामंती संबंधों से बना था। मध्यकालीन संस्कृति ग्रामीण संपदा की स्थितियों में बनती है। भविष्य में, शहरी वातावरण - बर्गर - संस्कृति का सामाजिक आधार बन जाता है। राज्यों के गठन के साथ, मुख्य सम्पदा बनते हैं: पादरी, कुलीन लोग।

मध्य युग की कला चर्च के साथ निकटता से जुड़ी हुई है। ईसाई धर्म दर्शन, नैतिकता, सौंदर्यशास्त्र और इस समय के संपूर्ण आध्यात्मिक जीवन का आधार है। धार्मिक प्रतीकवाद से भरा, कला सांसारिक, क्षणिक - आध्यात्मिक, शाश्वत से निर्देशित है।

आधिकारिक चर्च संस्कृति (उच्च) के साथ, एक धर्मनिरपेक्ष संस्कृति (जमीनी स्तर) - लोकगीत (निचले सामाजिक स्तर) और नाइटली (कोर्टली) थी।

प्रारंभिक मध्य युग के पेशेवर संगीत के मुख्य केंद्र कैथेड्रल थे, उनके साथ स्कूलों का जप, मठ - उस समय की शिक्षा के एकमात्र केंद्र थे। उन्होंने ग्रीक और लैटिन, अंकगणित और संगीत का अध्ययन किया।

मध्य युग के दौरान रोम पश्चिमी यूरोप में चर्च संगीत का मुख्य केंद्र था। 6 वीं के अंत में - 7 वीं शताब्दी की शुरुआत। पश्चिमी यूरोपीय चर्च संगीत की मुख्य विविधता है - ग्रेगोरियन जप, पोप ग्रेगरी I के नाम पर, जिन्होंने चर्च गायन में सुधार किया, एक साथ लाया और विभिन्न चर्च मंत्रों का आयोजन किया। ग्रेगोरियन जप एक मोनोफोनिक कैथोलिक मंत्र है जिसमें विभिन्न मध्य पूर्वी और यूरोपीय लोगों (सीरियाई, यहूदी, यूनानी, रोमन, आदि) की सदियों पुरानी गायन परंपराओं का विलय हो गया है। यह एक एकल माधुर्य की सहज मोनोफोनिक खुलासा था जिसका उद्देश्य एक एकल इच्छा को व्यक्त करना था, कैथोलिक धर्म के कुत्तों के अनुसार पारिशियन का ध्यान केंद्रित करना। संगीत का चरित्र सख्त, अवैयक्तिक है। कोरले एक कोरस (इसलिए नाम), एक एकल कलाकार द्वारा कुछ वर्गों द्वारा किया गया था। डायटोनिक मोड के आधार पर आंदोलन को रोकना। ग्रेगोरियन गायन ने कई ग्रेडेशन की अनुमति दी, एक गंभीर रूप से धीमी गति से चलने वाले भजन से लेकर और वर्षगांठ के साथ समाप्त होने (एक शब्दांश के मधुर मंत्र), उनके प्रदर्शन के लिए कलाप्रवीण गायन कौशल की आवश्यकता होती है।

ग्रेगोरियन जप श्रोता को वास्तविकता से अलग कर देता है, विनम्रता का कारण बनता है, चिंतन, रहस्यमय वैराग्य की ओर जाता है। इस प्रभाव को लैटिन में पाठ द्वारा भी सुविधाजनक बनाया गया है, जो कि पारिश्रमिक के थोक के लिए समझ से बाहर है। गायन की लय पाठ द्वारा निर्धारित की गई थी। यह पाठ की अस्वीकृति के उच्चारण की प्रकृति के कारण अस्पष्ट, अस्पष्ट है।

कैथोलिक चर्च की मुख्य पूजा में ग्रेगोरियन जप के विभिन्न प्रकारों को एक साथ लाया गया था - द्रव्यमान, जिसमें पाँच स्थिर तरीके शामिल थे:

किरी एलिसन (भगवान की दया है)

ग्लोरिया (महिमा)

क्रेडो (मेरा मानना \u200b\u200bहै)

सैंक्टस (पवित्र)

अग्नुस देई (भगवान का मेमना)।

समय के साथ, लोक संगीत के तत्व भजन, क्रम और ट्रॉप के माध्यम से ग्रेगोरियन मंत्र में रिसना शुरू कर देते हैं। यदि भजन गायकों और पादरियों के एक पेशेवर गायक द्वारा गाया जाता था, तो सबसे पहले भजन मंडलों द्वारा किया जाता था। वे आधिकारिक पूजा में सम्मिलित थे (उनके पास लोक संगीत की विशेषताएं थीं)। लेकिन जल्द ही द्रव्यमान के भजन भागों ने psalmodic वाले को दबाना शुरू कर दिया, जिसके कारण पॉलीफोनिक द्रव्यमान की उपस्थिति हुई।

पहली सीक्वेंस सालगिरह के माधुर्य के लिए एक सबटेक्स्ट थे ताकि राग की एक ध्वनि का एक अलग शब्दांश हो। यह क्रम एक व्यापक शैली बनती जा रही है (सबसे लोकप्रिय हैं "वेनी, पवित्रा स्पिरिटस", "डाइस इरे", "स्टैबट मैटर")। "डाइस आयरे" का उपयोग बर्लिओज़, लिसस्टे, त्चिकोवस्की, राचमानिनॉफ़ (बहुत बार मृत्यु के प्रतीक के रूप में) द्वारा किया जाता था।

पॉलीफोनी के पहले उदाहरण मठों से आते हैं - ऑर्गुम (समानांतर पंद्रहवें या क्वार्ट्स में आंदोलन), गिमेल, फोबोरडन (समानांतर छठ तार), आचरण। संगीतकार: लियोनिन और पेरोटिन (12-13 शतक - नोट्रे डेम कैथेड्रल)।

मध्य युग में धर्मनिरपेक्ष लोक संगीत के वाहक थे फ्रांस में मिम्स, बाजीगर, मिनीस्ट्रेल, जर्मन संस्कृति के देशों में स्पीलमैन, स्पेन में होलर, रूस में बफून। ये यात्रा करने वाले कलाकार बहुमुखी स्वामी थे: उन्होंने गायन, नृत्य, विभिन्न उपकरणों को जादू, सर्कस कला, कठपुतली के साथ जोड़ा।

धर्मनिरपेक्ष संस्कृति का दूसरा पक्ष शूरवीर (दरबारी) संस्कृति (धर्मनिरपेक्ष सामंती प्रभुओं की संस्कृति) था। लगभग सभी महान लोग शूरवीर थे - गरीब योद्धाओं से लेकर राजा तक। एक विशेष शूरवीर संहिता बनाई जा रही है, जिसके अनुसार शूरवीर, साहस और वीरता के साथ, उत्तम शिष्टाचार होना चाहिए, शिक्षित होना चाहिए, उदार होना चाहिए, उदार होना चाहिए, विश्वासपूर्वक सुंदर महिला की सेवा करनी चाहिए। शूरवीरों के जीवन के सभी पहलुओं को संगीत और काव्यात्मक कला में दर्शाया गया है, जो संकटमोचन (प्रोवेंस - दक्षिणी फ्रांस), पतलून (उत्तरी फ्रांस), मिनीसिंगर्स (जर्मनी)। ट्रबलबैडर्स की कला मुख्य रूप से प्रेम गीत के साथ जुड़ी हुई है। प्रेम गीतों की सबसे लोकप्रिय शैली एरिज़ोना थी (मीनिंगर्स के बीच - "मॉर्निंग सॉन्ग्स" - एल्ब्स)।

ट्रूवर्स के अनुभव का व्यापक उपयोग करते हुए ट्रूवर्स ने अपने स्वयं के मूल शैलियों का निर्माण किया है: "बुनाई के गाने", "मई के गाने"। ट्राउडबॉर्स, ट्राउज़र्स और मिनिंगर्स के संगीत शैलियों का एक महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य शैलियों था: रोंडो, बैलाड, वाइरेले (अपवित्र रूप), साथ ही साथ वीर महाकाव्य (फ्रेंच महाकाव्य "रोलाण्ड का गीत", जर्मन - "निबेलुंग्स का गीत")। मंत्रमुग्ध करने वालों में क्रूसेडर गाने आम थे।

ट्राइडबैडर्स, ट्राउवर्स और मिनिंगर्स की कला की विशेषता:

मोनोफोननी राग और काव्य पाठ के बीच के अटूट संबंध का एक परिणाम है, जो संगीत और काव्य कला के बहुत सार से आता है। मोनोफोनी ने अपने स्वयं के अनुभवों की व्यक्तिगत अभिव्यक्ति के लिए भी बयान की सामग्री के एक व्यक्तिगत मूल्यांकन के लिए, अक्सर (व्यक्तिगत अनुभवों की अभिव्यक्ति को प्रकृति की तस्वीरों को रेखांकित करके बनाया गया था) के अनुरूप था।

मुख्य रूप से मुखर प्रदर्शन। साधनों की भूमिका महत्वपूर्ण नहीं थी: यह स्वर के माधुर्य को बनाए रखते हुए परिचयात्मक, अंतःक्षेपण और पश्च के प्रदर्शन को कम कर दिया गया था।

एक पेशेवर के रूप में नाइटली आर्ट की बात करना अभी भी असंभव है, लेकिन पहली बार धर्मनिरपेक्ष संगीत-निर्माण की स्थितियों में, एक शक्तिशाली संगीत और काव्य दिशा अभिव्यंजक साधनों के एक विकसित परिसर और एक अपेक्षाकृत परिपूर्ण संगीत लेखन के साथ बनाया गया था।

X-XI शताब्दियों से शुरू होने वाले परिपक्व मध्य युग की महत्वपूर्ण उपलब्धियों में से एक शहरों (बर्गर संस्कृति) का विकास था। शहरी संस्कृति की मुख्य विशेषताएं चर्च विरोधी, स्वतंत्रता-प्रेमी अभिविन्यास, लोककथाओं के साथ संबंध, इसकी हँसी और कार्निवल चरित्र थे। गॉथिक वास्तुकला शैली विकसित हो रही है। नई पॉलीफोनिक शैलियों का गठन किया जा रहा है: 13-14 वीं से 16 वीं शताब्दी तक। - मोटिव (फ्रेंच से - "शब्द।" एक मोटिव के लिए, आम तौर पर एक ही समय में अलग-अलग ग्रंथों को व्यक्त करने वाली आवाज़ों की मधुर असमानता - अक्सर अलग-अलग भाषाओं में भी), मैड्रिगल (इतालवी से - "मूल भाषा में गीत" अर्थात इतालवी। ग्रंथों)। प्रेम-गीतात्मक, देहाती), कच्छ (इतालवी से - "शिकार" - एक पाठ को दर्शाते हुए एक मुखर टुकड़ा)।

Itinerant लोक संगीतकार एक खानाबदोश जीवन शैली से एक गतिहीन एक की ओर बढ़ते हैं, पूरे शहर के ब्लॉकों को आबाद करते हैं और "संगीतकार कार्यशालाओं" का एक प्रकार बनाते हैं। 12 वीं शताब्दी में शुरू हुए, वैगंट्स एंड गॉलीड्स, विभिन्न वर्गों (स्कूली बच्चों, भगोड़े भिक्षुओं, भटकते मौलवियों) से विचलित हो गए, लोक संगीतकारों में शामिल हो गए। अनपढ़ बाजीगरों के विपरीत - मौखिक परंपरा की कला के विशिष्ट प्रतिनिधि - आवारा और गोलगप्पे साक्षर थे: वे लैटिन भाषा और शास्त्रीय वर्चस्व के नियमों को जानते थे, संगीत - गीत (छवियों का चक्र स्कूली विज्ञान और छात्र जीवन से जुड़ा हुआ है) और यहां तक \u200b\u200bकि आचरण और प्रेरणा जैसी जटिल रचनाएं भी। ...

विश्वविद्यालय संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण केंद्र बन गए हैं। संगीत, या बल्कि, संगीत ध्वनिकी, खगोल विज्ञान, गणित, भौतिकी के साथ, क्वाड्रियम में प्रवेश किया, अर्थात। विश्वविद्यालयों में चार विषयों का अध्ययन किया गया।

इस प्रकार, मध्ययुगीन शहर में विभिन्न प्रकृति और सामाजिक अभिविन्यास की संगीत संस्कृति के केंद्र थे: लोक संगीतकारों, अदालत संगीत, मठों और गिरिजाघरों का संगीत, विश्वविद्यालय संगीत अभ्यास के संघ।

मध्य युग का संगीत सिद्धांत धर्मशास्त्र से निकटता से जुड़ा था। कुछ संगीत सैद्धांतिक ग्रंथों में जो हमारे लिए नीचे आए हैं, संगीत को "चर्च के नौकर" के रूप में देखा गया था। प्रारंभिक मध्य युग के प्रमुख ग्रंथों में, ऑगस्टाइन द्वारा 6 पुस्तकें "ऑन म्यूजिक", बोथियस द्वारा 5 पुस्तकें "संगीत की स्थापना" और अन्य शामिल हैं। इन ग्रंथों में एक बड़ा स्थान अमूर्त विद्वानों के मुद्दों, संगीत की लौकिक भूमिका के सिद्धांत आदि को दिया गया था।

मध्ययुगीन झल्लाहट प्रणाली को चर्च पेशेवर संगीत कला के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित किया गया था - इसलिए, नाम "चर्च फ्रेट्स" को मध्ययुगीन मालियों को सौंपा गया था। इयोनियन और आइओलियन मुख्य मोड के रूप में स्थापित किए गए थे।

मध्य युग के संगीत सिद्धांत ने हेक्साकार्ड के सिद्धांत को आगे बढ़ाया। प्रत्येक झल्लाहट में, 6 डिग्री अभ्यास में उपयोग किया जाता था (उदाहरण के लिए: डू, री, एमआई, एफए, सोल, ला)। X को तब टाला गया क्योंकि पिता के साथ मिलकर, इसने एक बड़ा चौथा गठन किया, जिसे बहुत ही असंगत और आलंकारिक रूप से "संगीत में शैतान" कहा जाता था।

अमान्य रिकॉर्डिंग का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। Guido Aretinsky ने संगीत संकेतन प्रणाली में सुधार किया। उनके सुधार का सार इस प्रकार था: चार लाइनों की उपस्थिति, व्यक्तिगत लाइनों के बीच तीसरा अनुपात, एक प्रमुख संकेत (मूल रूप से वर्णनात्मक) या लाइनों का रंग। उन्होंने स्केल के पहले छह डिग्री: ut, re, mi, fa, sol, la: के लिए शब्दांश पदनाम भी पेश किए।

मेन्सुरल नोटेशन पेश किया गया है, जहां एक निश्चित लयबद्ध माप प्रत्येक नोट (लैटिन मेन्सुरा - माप, माप) को सौंपा गया था। ड्यूरेशन का नाम: मैक्सिम, लौंगा, ब्रेविस इत्यादि।

XIV सदी - मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच एक संक्रमणकालीन अवधि। XIV सदी के फ्रांस और इटली की कला को "अर्स नोवा" (लैटिन से - नई कला) कहा जाता था, और इटली में यह प्रारंभिक पुनर्जागरण के सभी गुणों को समेटे हुए था। मुख्य विशेषताएं: चर्च संगीत का विशेष रूप से शैलियों का उपयोग करने से इनकार करना और धर्मनिरपेक्ष मुखर और वाद्य चैंबर शैलियों (बैलड, कचा, मैड्रिगल) से अपील करना, रोजमर्रा की गीत लेखन के साथ अभिसरण, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग। अर्स नोवा तथाकथित के विपरीत है। ars antiqua (lat। ars antiqua - पुरानी कला), जिसका अर्थ है XIV सदी की शुरुआत से पहले संगीत कला। अरसा नोवा के सबसे बड़े प्रतिनिधि गिलौम डे मचौट (14 वीं शताब्दी, फ्रांस) और फ्रांसेस्को लैंडिनो (14 वीं शताब्दी, इटली) थे।

इस प्रकार, मध्य युग की संगीत संस्कृति, सापेक्ष सीमित साधनों के बावजूद, प्राचीन विश्व के संगीत की तुलना में उच्च स्तर का प्रतिनिधित्व करती है और इसमें पुनर्जागरण में संगीत कला के शानदार उत्कर्ष के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।

संगीत मध्यम उम्र के ग्रेगोरियन ट्रबलबॉर्डर

संगीत, संगीत, पुनर्जागरण का संगीत संस्कृति

प्राचीन काल

प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास में पहला ऐतिहासिक चरण बनाती है। इसी समय, यह प्राचीन विश्व की संस्कृति की उच्चतम अभिव्यक्ति है और मध्य पूर्व की अधिक प्राचीन संस्कृतियों - मिस्र, सीरिया, फिलिस्तीन के साथ निस्संदेह लिंक का खुलासा करता है। हालांकि, इस तरह के सभी ऐतिहासिक कनेक्शनों के साथ, प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति किसी भी तरह से अन्य देशों द्वारा यात्रा किए गए मार्ग को दोहराती नहीं है: इसकी अपनी अनूठी उपस्थिति है, इसकी निर्विवाद उपलब्धियां हैं, जो कि यह आंशिक रूप से यूरोपीय मध्य युग में और फिर, एक हद तक पुनर्जागरण तक जाती है।

अन्य प्रकार की कलाओं के विपरीत, प्राचीन दुनिया का संगीत इतिहास में उनके बराबर किसी भी रचनात्मक विरासत को नहीं छोड़ता था। आठ शताब्दियों के विशाल ऐतिहासिक खिंचाव पर - 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व से। द्वारा 111 सदी एन। ईसा पूर्व - प्राचीन ग्रीक संगीत के केवल ग्यारह नमूने बिखरे हुए हैं, जो उस समय की धारणा में बच गए हैं। सच है, ये यूरोप में होने वाली धुनों की पहली रिकॉर्डिंग हैं जो हमारे सामने आई हैं।

प्राचीन ग्रीस की संस्कृति की सबसे महत्वपूर्ण संपत्ति, जिसके बाहर शायद ही समकालीनों द्वारा माना गया था और, तदनुसार, हम समझ नहीं सकते हैं, अन्य कलाओं के साथ संगीतबद्धता का अस्तित्व है - प्रारंभिक अवस्था में या उनके साथ संश्लेषण में - हेयडे में। संगीत कविता के साथ सहज रूप से जुड़ा हुआ है (इसलिए गीत), त्रासदी में एक अपरिहार्य प्रतिभागी के रूप में संगीत, संगीत और नृत्य - ये प्राचीन ग्रीक कलात्मक जीवन की विशिष्ट घटनाएं हैं। प्लेटो, उदाहरण के लिए, वाद्य संगीत के बहुत महत्वपूर्ण था, नृत्य और गायन से स्वतंत्र, यह तर्क देते हुए कि यह केवल उपवास के लिए, बिना किसी हिचकिचाहट के और जानवरों के रोने को चित्रित करने के लिए उपयुक्त है:

"बांसुरी और सिटहरा के एकल वादन का उपयोग कुछ अत्यधिक बेस्वाद और केवल एक जादूगर के योग्य है।" ग्रीक त्रासदी की उत्पत्ति, एक उच्च और जटिल कला, पौराणिक कार्यों से, लोगों के विश्वासों से, पौराणिक कथाओं से आती है। महान संगीतकारों के बारे में प्राचीन ग्रीक मिथकों की उत्पत्ति - ऑर्फ़ियस, ओलम्प, मार्सियस - शुरुआती समय में वापस जाते हैं।

ग्रीस में प्रारंभिक संगीत संस्कृति के बारे में महत्वपूर्ण जानकारी होमरिक महाकाव्य द्वारा दी गई है, जो खुद संगीत प्रदर्शन से जुड़ी है: द इलियड, द ओडिसी।

U11-VI शताब्दियों में महाकाव्य कार्यों के एकल प्रदर्शन के साथ, विशेष कोरल शैलियों को भी जाना जाता है। क्रेते के द्वीप के गीतों को नृत्य (हाइपोकेमा) के साथ प्लास्टिक आंदोलनों के साथ जोड़ा गया; 7 वीं शताब्दी से कोरल शैलियों की व्यापक रूप से स्पार्टा में खेती की गई थी। यह ज्ञात है कि स्पार्टन्स ने संगीत के लिए महान राज्य शैक्षिक महत्व दिया। संगीत कला का शिक्षण उनके लिए एक पेशेवर प्रकृति का नहीं था, बल्कि युवाओं की सामान्य शिक्षा की प्रणाली का हिस्सा था। इसके परिणामस्वरूप ग्रीक विचारकों द्वारा सिद्ध किए गए लोकाचार के सिद्धांत के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुआ।

प्राचीन ग्रीस के संगीत और काव्य कला में एक नया चलन, जिसने उचित गीतात्मक विषयों और छवियों को सामने रखा, इओनियन आर्किलोचस (VII सदी) और अल्केआ और सेप्पो (लेस्बियन स्कूल ऑफ लेस्बियन स्कूल के प्रतिनिधि और पहली और छठी शताब्दी की बारी) के नामों से जुड़ा है। गीत की शुरुआत में वृद्धि हुई और उनके कार्यों में माधुर्य की भूमिका, "गीत" शब्द से लिया गया है।

6 वीं शताब्दी के गीत काव्य को कई शैली किस्मों द्वारा दर्शाया गया है: एलिग्स, भजन, विवाह गीत।

त्रासदी की क्लासिक शताब्दी ईसा पूर्व 5 वीं शताब्दी थी। ई.पू.: सबसे बड़ी त्रासदियों के काम Aeschylus (सी। 525-456), सोफोकल्स (सी। 496-, यूरिपिड्स (सी। 480-406)) यह ग्रीक कलात्मक संस्कृति के उच्चतम फूल, फिडियास और पॉलीक्युटस की उम्र, शास्त्रीय वास्तुकला के ऐसे स्मारकों का समय था। एथेंस में पार्थेनन की तरह, पूरी प्राचीन दुनिया की कला में सबसे अच्छा शतक। त्रासदियों के प्रदर्शन को सार्वजनिक उत्सव माना जाता था और, गुलाम-मालिक समाज की सीमाओं के भीतर, एक अपेक्षाकृत व्यापक लोकतांत्रिक चरित्र: थिएटर ने सभी नागरिकों द्वारा भाग लिया था, जिन्होंने इसके लिए राज्य लाभ भी प्राप्त किया था। दुखद मंच पर लोगों का प्रतिनिधित्व किया और उनकी ओर से बात की।

नाटककार कवि और संगीतकार दोनों थे; उसने सब कुछ खुद किया। उदाहरण के लिए, एशेकिलस ने खुद अपने नाटकों के प्रदर्शन में भाग लिया। बाद में, कवि, संगीतकार, अभिनेता और निर्देशक के कार्य तेजी से विभाजित हो गए। अभिनेता भी गायक थे। गायन गायन को प्लास्टिक आंदोलनों के साथ जोड़ा गया था।

हेलेनिस्टिक युग में, कला अब नागरिकों की कलात्मक गतिविधि से नहीं बढ़ती है: यह पूरी तरह से पेशेवर है।

सब कुछ जो प्राचीन ग्रीस में संगीत की कला के बारे में लिखा गया था और जिसे कई जीवित सामग्रियों से आत्मविश्वास के साथ आंका जा सकता है, वह धुनों के बारे में विचारों पर आधारित था (ज्यादातर काव्य शब्द से जुड़ा हुआ)। यह न केवल विशेष सैद्धांतिक कार्यों की सामग्री से स्पष्ट है, बल्कि सबसे बड़े ग्रीक मतदाताओं के सामान्य नैतिक और सौंदर्यवादी बयानों से भी स्पष्ट है। इस प्रकार, मोनोफोननी का सिद्धांत, जो पूरी तरह से प्राचीन ग्रीक संगीत कला की विशेषता है, पूरी तरह से पुष्टि की जाती है।

संगीत की कला के बारे में प्राचीन निर्णयों में सबसे दिलचस्प है लोकाचार के तथाकथित सिद्धांत, जिसे प्लेटो ने आगे बढ़ाया, अरस्तू द्वारा विकसित और गहरा किया। प्राचीन परंपरा राजनीति और संगीत के मुद्दों के एकीकरण को जोड़ती है, डोमन ऑफ एथेंस, सुकरात के शिक्षक और पेरिकल्स के दोस्त के नाम के साथ। यह उससे था कि प्लेटो ने योग्य नागरिकों के पालन-पोषण पर संगीत के लाभकारी प्रभाव का विचार लिया, जिसे उन्होंने "द स्टेट" और "लॉज़" किताबों में विकसित किया। प्लेटो अपने आदर्श राज्य में (अन्य कलाओं के बीच) एक युवा, साहसी, बुद्धिमान, गुणी और संतुलित व्यक्ति, यानी एक आदर्श नागरिक बनने के लिए शिक्षित करने में संगीत की पहली भूमिका निभाता है। उसी समय, प्लेटो एक ओर, जिमनास्टिक ("सुंदर शरीर आंदोलनों") के प्रभाव के साथ संगीत के प्रभाव को जोड़ता है, और दूसरी ओर, वह दावा करता है कि माधुर्य और लय आत्मा को सबसे अधिक पकड़ती है और एक व्यक्ति को सुंदरता के मॉडल की नकल करने के लिए प्रोत्साहित करती है जो संगीत कला उसे देती है।

"विश्लेषण करते हुए कि गीत में वास्तव में क्या सुंदर है, प्लेटो को पता चलता है कि इसे शब्दों, सामंजस्य और लय से देखा जाना चाहिए। अपने समय के विचारों के अनुसार, वह उन सभी साधनों को अस्वीकार करता है जो शोकाकुल और सुकून देने वाले हैं, और अकेले डोरियन और फ़्रीजियन का नाम लेते हैं। इसी तरह, दार्शनिक संगीत वाद्ययंत्रों के बीच केवल किफ़ारा और लिरे को पहचानते हैं, जो अन्य सभी के नैतिक गुणों को नकारते हैं। इस प्रकार, प्लेटो के दृष्टिकोण से, लोकाचार का वाहक कला का काम नहीं है, न कि उसकी कल्पना और न ही एक प्रणाली। अभिव्यंजक का अर्थ है, लेकिन केवल साधन या उपकरण का समय, जिसके लिए एक निश्चित नैतिक गुण है, जैसा कि यह तय किया गया था।

अरस्तू ने संगीत के उद्देश्य को अधिक व्यापक रूप से देखते हुए तर्क दिया कि इसे एक नहीं, बल्कि कई उद्देश्यों और लाभ के साथ इस्तेमाल किया जाना चाहिए: शिक्षा के लिए) 2) शुद्धि के लिए, 2) बौद्धिक मनोरंजन के लिए, 3), जो शांत करने और गहन गतिविधि से आराम के लिए है। ... यहां से यह स्पष्ट है, - अरस्तू जारी रखता है, - कि यद्यपि आप सभी साधनों का उपयोग कर सकते हैं, लेकिन उन्हें उसी तरह से लागू नहीं किया जाना चाहिए "0 वह इस तरह से मानस पर संगीत के प्रभाव की प्रकृति का न्याय करता है:

“लय और माधुर्य अपने आप में क्रोध और नम्रता, साहस और संयम और सभी विपरीत गुणों के साथ-साथ अन्य नैतिक गुणों के वास्तविकता प्रदर्शनों के सबसे करीब होते हैं। यह अनुभव से स्पष्ट है: जब हम अपने कान के साथ ताल और राग का अनुभव करते हैं, तो हमारा मानसिक मूड भी बदल जाता है। वास्तविकता का अनुकरण करने वाली धारणा को देखते हुए एक उदास या हर्षित मनोदशा का अनुभव करने की आदत इस तथ्य की ओर ले जाती है कि हम उसी भावनाओं का अनुभव करना शुरू करते हैं जब [रोज़] सत्य "3" का सामना करना पड़ता है। और अंत में, अरस्तू। निम्नलिखित निष्कर्ष पर आता है: "... संगीत आत्मा के नैतिक पक्ष पर एक निश्चित प्रभाव डाल सकता है; और चूंकि संगीत में ऐसे गुण हैं, इसलिए, जाहिर है, इसे युवा लोगों के लिए शिक्षा के विषयों की संख्या में शामिल किया जाना चाहिए। "

दार्शनिक और गणितज्ञ पाइथागोरस (VI सदी ईसा पूर्व) को लंबे समय से पहले ग्रीक विचारक का अर्थ सौंपा गया है जिन्होंने संगीत के बारे में लिखा था। उन्हें एक स्ट्रिंग को विभाजित करके प्राप्त किए गए विशुद्ध रूप से गणितीय संबंधों के आधार पर संगीत अंतराल (व्यंजन और विसंगतियों) के सिद्धांत के प्रारंभिक विकास का श्रेय दिया जाता है। सामान्य तौर पर, पाइथागोरस - प्राचीन प्राच्य संस्कृतियों (सभी मिस्र के अधिकांश) के मॉडल का अनुसरण करते हुए - संख्याओं और अनुपातों से जादुई महत्व जुड़ा, उनसे व्युत्पन्न, विशेष रूप से, संगीत के जादुई और उपचार गुण। अंत में, अमूर्त सट्टा निर्माणों के माध्यम से, पाइथागोरस तथाकथित "गोले के सद्भाव" के विचार में आया था, यह विश्वास करते हुए कि स्वर्गीय निकायों, कुछ संख्यात्मक ("हार्मोनिक") अनुपातों में आपस में होने के कारण, ध्वनि और "स्वर्गीय सद्भाव" का उत्पादन करना चाहिए जब वे चलते हैं।

लोकाचार के सिद्धांत के रूप में, फिर बाद में नियोप्लाटोनिस्ट्स, विशेष रूप से प्लोटिनस (तृतीय शताब्दी), ने इसे धार्मिक-रहस्यमय भावना में बदल दिया, जो कि नागरिक पथों से वंचित था, जो कभी ग्रीस में उनके पास निहित था। यहां से, सीधे धागे मध्य युग के सौंदर्यवादी विचारों तक फैलते हैं। दास प्रणाली के विघटन के युग में प्राचीन संस्कृति की गिरावट ईसाई कला के सफल विकास के लिए अनुकूल है, जिसने कई शताब्दियों में पिछली शताब्दियों में रोम के सौंदर्यशास्त्र और संगीत अभ्यास का विरोध किया था। इस बात से इनकार नहीं किया जा सकता है कि प्राचीन काल की विरासत और बाद के समय के सौंदर्यवादी विकास के बीच कुछ संबंध थे, दोनों युगों के मोड़ पर।

चिकित्सा संगीत संस्कृति

पश्चिमी यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास में, मध्य युग की एक लंबी और विस्तृत ऐतिहासिक अवधि पर विचार करना मुश्किल है, यहां तक \u200b\u200bकि एक सामान्य कालानुक्रमिक ढांचे के साथ एक बड़े युग के रूप में भी। मध्य युग का पहला, प्रारंभिक बिंदु - 476 में पश्चिमी रोमन साम्राज्य के पतन के बाद - आमतौर पर 6 वीं शताब्दी के रूप में नामित किया गया है। इस बीच, संगीत कला का एकमात्र क्षेत्र जिसने लिखित स्मारकों को छोड़ दिया, 12 वीं शताब्दी तक केवल ईसाई चर्च का संगीत था। दूसरी सदी से शुरू हुई एक लंबी ऐतिहासिक तैयारी के आधार पर, इससे जुड़ी हुई घटनाओं का पूरा अजीबोगरीब परिसर, और पश्चिमी यूरोप से परे पूर्वी फिलिस्तीन, सीरिया, अलेक्जेंड्रिया तक फैलने वाले दूर के स्रोतों को शामिल किया गया था। इसके अलावा, मध्य युग की चर्च की संगीत संस्कृति किसी भी तरह से प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम की विरासत से बच नहीं पाई, हालांकि "चर्च पिता", और बाद के सिद्धांतकारों ने संगीत के बारे में लिखा, कई मामलों में ईसाई चर्च की प्राचीनता की मूर्तिपूजक कलात्मक दुनिया की कला का विरोध किया।

दूसरा सबसे महत्वपूर्ण मील का पत्थर, मध्य युग से पुनर्जागरण तक संक्रमण को चिह्नित करता है, पश्चिमी यूरोप में एक साथ नहीं होता है: इटली में - 15 वीं शताब्दी में, फ्रांस में - 16 वीं में; अन्य देशों में मध्ययुगीन और पुनर्जागरण की प्रवृत्ति के बीच संघर्ष अलग-अलग समय पर होता है। वे सभी मध्य युग की एक अलग विरासत के साथ पुनर्जागरण के करीब पहुंच रहे हैं, जिसमें विशाल पारंपरिक अनुभव से अपने स्वयं के निष्कर्षों को रेखांकित किया गया है। यह काफी हद तक मध्ययुगीन कलात्मक संस्कृति के विकास में एक महत्वपूर्ण बदलाव की सुविधा थी, जो 11 वीं -12 वीं शताब्दियों में शुरू हुई थी और यह नई सामाजिक-ऐतिहासिक प्रक्रियाओं (शहरों की वृद्धि, धर्मयुद्ध, नए सामाजिक स्तर की उन्नति, धर्मनिरपेक्ष संस्कृति के पहले मजबूत केंद्रों आदि) के कारण हुई थी।

हालांकि, कालानुक्रमिक पहलुओं की सभी सापेक्षता या गतिशीलता के साथ, अतीत के साथ अपरिहार्य आनुवंशिक कनेक्शन और भविष्य में संक्रमण की असमानता के साथ, पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग की संगीत संस्कृति महत्वपूर्ण घटनाओं और प्रक्रियाओं की विशेषता है जो इसके लिए अद्वितीय हैं और अन्य स्थितियों और अन्य समय में अकल्पनीय हैं। यह, सबसे पहले, पश्चिमी यूरोप में कई जनजातियों और लोगों के आंदोलन और अस्तित्व में ऐतिहासिक विकास के विभिन्न चरणों, संरचनाओं और विभिन्न राजनीतिक प्रणालियों की बहुलता, और इस सब के साथ, कैथोलिक चर्च की संपूर्ण विशाल, तूफानी, कई-पक्षीय दुनिया को एकजुट करने की निरंतर इच्छा, न केवल सामान्य वैचारिक सिद्धांत, लेकिन संगीत संस्कृति के सामान्य सिद्धांत भी। दूसरे, यह पूरे मध्य युग में संगीत संस्कृति की अपरिहार्य द्वंद्व है: चर्च कला ने पूरे यूरोप में लोक संगीत की विविधता के साथ अपने कैनन के विपरीत किया। I-XIII सदियों में, धर्मनिरपेक्ष संगीत और काव्यात्मक रचनात्मकता के नए रूप पहले से ही पैदा हुए थे और चर्च संगीत काफी हद तक रूपांतरित हो गया था। लेकिन ये नई प्रक्रियाएँ विकसित सामंतवाद की स्थितियों में पहले से ही थीं।

जैसा कि आप जानते हैं, मध्ययुगीन संस्कृति, मध्यकालीन शिक्षा, मध्ययुगीन कला का विशेष चरित्र ईसाई चर्च पर निर्भरता से काफी हद तक निर्धारित होता है।

रोमन साम्राज्य की उच्च शक्ति की ऐतिहासिक परिस्थितियों में भी ईसाई चर्च का संगीत अपने मूल रूपों में आकार ले चुका था। पृथ्वी पर किए गए हर चीज के लिए उच्चतम प्रतिशोध में विश्वास, साथ ही क्रूस पर चढ़ाए गए मसीह के बलिदान द्वारा मानव जाति के पापों के लिए प्रायश्चित का विचार जनता को मोहित करने में सक्षम था।

प्रमुख ईसाई चर्च के अनुष्ठान मंत्र के रूप में ग्रेगोरियन जप की ऐतिहासिक तैयारी लंबी और विविध थी।

चौथी शताब्दी के अंत में, जैसा कि ज्ञात है, रोमन साम्राज्य का विभाजन पश्चिमी (रोम) और पूर्वी (बीजान्टियम) में हुआ, जिसका ऐतिहासिक भाग्य बाद में अलग हो गया। इस प्रकार, पश्चिमी और पूर्वी चर्च अलग-थलग पड़ गए, क्योंकि उस समय तक ईसाई धर्म राज्य बन गया था।

रोमन साम्राज्य के विभाजन और क्रिश्चियन चर्च के दो केंद्रों के गठन के साथ, विलक्षण कला के मार्ग, जो अंतिम गठन की प्रक्रिया में थे, काफी हद तक पश्चिम और पूर्व में भी अलग-थलग पड़ गए।

रोम ने अपने तरीके से हर उस चीज़ पर काम किया जो क्रिश्चियन चर्च ने अपने निपटान में की थी, और इस आधार पर इसकी कैनोनीकृत कला - ग्रेगोरियन मंत्र।

परिणामस्वरूप, चर्च की धुनें, चयनित, कैनोनीकृत, चर्च वर्ष के भीतर वितरित की गईं, पोप ग्रेगरी (कम से कम उनकी पहल पर) के तहत संकलित की गईं। आधिकारिक कोड एंटीपोनरी है। इसमें शामिल कोरल धुनों को नाम मिला ग्रेगरी राग और कैथोलिक चर्च के प्रचलित गायन का आधार बन गया। ग्रेगोरियन मंत्रों का सेट बहुत बड़ा है।

11 वीं -12 वीं शताब्दियों से ग्रेगोरियन जप का कोष, और फिर पुनर्जागरण के दौरान, पॉलीफोनिक रचनाओं के निर्माण के लिए प्रारंभिक आधार के रूप में कार्य किया गया, जिसमें पंथ की धुनों ने सबसे विविध विकास प्राप्त किया।

जितना अधिक रोमन चर्च ने यूरोप में अपने प्रभाव क्षेत्र का विस्तार किया, उतना ही आगे ग्रेगोरियन मंत्र रोम से उत्तर और पश्चिम में फैल गया।

संगीत संकेतन का सुधार इतालवी संगीतकार, सिद्धांतकार और शिक्षक गुइडो डी "आरेज़ो द्वारा 11 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में किया गया था।

मूल विचार की अपनी सादगी और जैविकता में गुइडो का सुधार मजबूत था: उन्होंने चार पंक्तियों को आकर्षित किया और, उन पर या उनके बीच में नेवमास रखते हुए, उन्हें सभी सटीक ऊंचाई अर्थ दिए। आरिजो के गुइडो का एक और नवाचार, अनिवार्य रूप से उसका आविष्कार भी, एक निश्चित छह-चरण पैमाने का विकल्प था (कर-रे-मी-पिता-सोल-la)।

11 वीं शताब्दी के अंत के बाद से, 12 वीं में और विशेष रूप से 13 वीं शताब्दी में, पश्चिमी यूरोप के कई देशों के संगीतमय जीवन और संगीतमय कार्यों में एक नए आंदोलन के संकेत सामने आए हैं - पहली बार कम ध्यान देने योग्य, फिर अधिक से अधिक मूर्त रूप से। संगीत संस्कृति के मूल मध्ययुगीन रूपों से, कलात्मक स्वाद और रचनात्मक विचार का विकास संगीत रचनात्मकता के विभिन्न सिद्धांतों को अन्य, अधिक प्रगतिशील प्रकार के संगीत-निर्माण के लिए जाता है।

बारहवीं-तेरहवीं शताब्दियों में, ऐतिहासिक पूर्वापेक्षाएँ धीरे-धीरे न केवल नए रचनात्मक रुझानों के अलावा, बल्कि पूरे पश्चिमी यूरोप में उनके प्रसिद्ध प्रसार के लिए भी पैदा हुईं। इस प्रकार, एक मध्ययुगीन उपन्यास या कहानी जो बारहवीं-तेरहवीं शताब्दियों में फ्रांसीसी धरती पर आकार लेती थी, वह केवल फ्रांसीसी घटना नहीं थी। ट्रिस्टन और इसोल्डे के बारे में उपन्यास के साथ-साथ औसीस और निकोलेट की कहानी, पारसीफाल और गरीब हेनरी ने साहित्य के इतिहास में प्रवेश किया। वास्तुकला में नई, गॉथिक शैली, जिसे फ्रांस में शास्त्रीय उदाहरणों (पेरिस, चार्टर्स, रिम्स में कैथेड्रल) द्वारा दर्शाया गया था, ने इसकी अभिव्यक्ति जर्मन और चेक शहरों में, इंग्लैंड में भी पाई, आदि।

धर्मनिरपेक्ष संगीत और काव्यात्मक गीतों की पहली फुलवारी, जो बारहवीं शताब्दी से प्रोवेंस में शुरू हुई, फिर उत्तरी फ्रांस पर कब्जा कर लिया, स्पेन में जवाब दिया, और बाद में जर्मन मिनेसैंग में अभिव्यक्ति पाई। इन धाराओं और उनमें से प्रत्येक की मौलिकता के साथ, एक नई नियमितता दिखाई दी, अपने व्यापक पैमाने पर युग की विशेषता। उसी तरह, अपने पेशेवर रूपों में पॉलीफनी का उद्भव और विकास - शायद उस समय संगीत विकास का सबसे महत्वपूर्ण पहलू - न केवल फ्रांसीसी रचनात्मक स्कूल और, इसके अलावा, नॉट्रे डेम के कैथेड्रल से संगीतकारों के केवल एक समूह की भागीदारी के साथ, कोई फर्क नहीं पड़ता कि कैसे उनके महान योग्यता।

दुर्भाग्य से, हम मध्ययुगीन संगीत के तरीकों को कुछ चुनिंदा रूप से देखते हैं। सूत्रों की स्थिति के अनुसार, विशिष्ट कनेक्शन का पता लगाना असंभव है, उदाहरण के लिए, ब्रिटिश द्वीपों में इसके स्रोतों और महाद्वीप पर इसके रूपों के बीच पॉलीफोनी के विकास में, विशेष रूप से, प्रारंभिक अवस्था में।

मध्यकालीन शहर समय के साथ महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र बन गए। यूरोप में पहले विश्वविद्यालयों की स्थापना हुई (बोलोग्ना, पेरिस)। शहरी निर्माण का विस्तार किया गया, समृद्ध कैथेड्रल बनाए गए, और बेहतरीन कोरल गायकों की भागीदारी के साथ महान सेवाओं के साथ उनमें दिव्य सेवा की गई (वे बड़े चर्चों में - विशेष स्कूलों - मेट्रीज़ों में प्रशिक्षित किए गए)। मध्य युग (और विशेष रूप से संगीत छात्रवृत्ति) की विलक्षण छात्रवृत्ति विशेषता केवल मठों में केंद्रित नहीं थी। नए रूप, चर्च संगीत की एक नई शैली निस्संदेह मध्यकालीन शहर की संस्कृति से जुड़ी हुई है। यदि वे आंशिक रूप से सीखा संगीतकारों-भिक्षुओं की पिछली गतिविधियों (जैसे कि होज़्ज़ो के सेंट-अमैंड और गुइडो ऑफ अरेज़ो के) द्वारा तैयार किए गए थे, अगर पॉलीफोनी के शुरुआती उदाहरण फ्रांस के मठवासी स्कूलों से आते हैं, विशेष रूप से चार्ट्रेस और लिमोज के मठों से, तो यह अभी भी सुसंगत है। पॉलीफोनी के नए रूपों का विकास पेरिस में XII-XIII सदियों में शुरू होता है।

मध्ययुगीन संगीत संस्कृति की एक अलग, बहुत महत्वपूर्ण परत शुरू में गतिविधियों के साथ जुड़ी हुई है, कई तरह की रुचियां हैं और एक तरह की विचारधारा है यूरोपीय शिष्टता। पूर्व की ओर धर्मयुद्ध, लंबी दूरी पर भारी आंदोलन, लड़ाई, शहरों की घेराबंदी, नागरिक संघर्ष, साहसिक, जोखिम भरा रोमांच, विदेशी भूमि की विजय, पूर्व के विभिन्न लोगों के साथ संपर्क, उनके रीति-रिवाज, जीवन शैली, संस्कृति, पूरी तरह से असामान्य छापें - इन सब ने अपनी छाप छोड़ी। शूरवीरों-अपराधियों की एक नई विश्वदृष्टि के लिए। जब शिष्टता का एक हिस्सा अनुकूल शांतिपूर्ण स्थितियों में मौजूद था, तो नाइट लेडीज़ के सम्मान और निश्चित रूप से उसके साथ जुड़े व्यवहार के आदर्शों के साथ, सुंदर महिला के पंथ के साथ संयुक्त रूप से सम्मान की मौजूदा मौजूदा धारणा (निश्चित रूप से, सामाजिक रूप से सीमित) थी। तब यह था कि ट्रबल के संगीत और काव्य कला ने अपना प्रारंभिक विकास प्राप्त किया, जो कि यूरोप में लिखित धर्मनिरपेक्ष गायन गीतों का पहला नमूना था।

मध्ययुगीन संगीत संस्कृति की अन्य परतें मौजूद रहीं, लोक जीवन से जुड़ी, भटकने वाले संगीतकारों की गतिविधियों के साथ, उनके पर्यावरण और जीवन के तरीके में आने वाले बदलावों के साथ।

9 वीं से 14 वीं शताब्दी तक, मध्य युग के भटकने वाले लोक संगीतकारों के बारे में जानकारी अधिक से अधिक प्रचुर और निश्चित हो जाती है। ये बाजीगर, माइनरट्रेल, स्पीलमैन - जैसा कि उन्हें अलग-अलग समय पर और दुनिया के अलग-अलग हिस्सों में बुलाया गया था - लंबे समय तक अपने समय की धर्मनिरपेक्ष संगीत संस्कृति के एकमात्र प्रतिनिधि थे और इस तरह उन्होंने एक महत्वपूर्ण ऐतिहासिक भूमिका निभाई। काफी हद तक, यह उनके संगीत अभ्यास, उनकी गीत परंपराओं के आधार पर था कि बारहवीं-XIII सदियों के धर्मनिरपेक्षता के प्रारंभिक रूपों का गठन किया गया था। वे, ये यात्रा करने वाले संगीतकार, अपने संगीत वाद्ययंत्र के साथ भाग नहीं लेते थे, जबकि चर्च ने या तो उनकी भागीदारी को अस्वीकार कर दिया था, या इसे बड़ी मुश्किल से लिया था। समय के साथ विभिन्न पवन उपकरणों (तुरही, सींग, बांसुरी, पान बांसुरी, बैगपाइप) के अलावा, वीणा (पूर्वजों से), तिल (सेल्टिक उपकरण), झुके हुए उपकरणों की किस्में, भविष्य के वायलिन के पूर्वजों - रिबैब, विआला, फिडेल (संभवतः , पूर्व से)।

सभी संभावना में, इन मध्यकालीन अभिनेताओं, संगीतकारों, नर्तकियों, कलाबाजों (अक्सर एक व्यक्ति में), जिन्हें बाजीगर या इसी तरह के अन्य नामों से पुकारा जाता था, उनकी अपनी सांस्कृतिक और ऐतिहासिक परंपराएं थीं जो दूर के समय में वापस डेटिंग करती थीं। वे कई पीढ़ियों के बाद अपना सकते हैं - प्राचीन रोमन अभिनेताओं की संक्रांति कला की विरासत, जिनके वंशज, हिस्टरेन्स और माइम्स कहलाते हैं, जो लंबे समय तक भटकते हुए मध्ययुगीन यूरोप में घूमते रहे। सेल्टिक (बर्ड्स) और जर्मनिक महाकाव्यों के सबसे पुराने अर्ध-प्रतिनिधि, एक तरह से या दूसरे, अपनी परंपराओं को बाजीगरों के पास भेज सकते थे, जो हालांकि उन्हें वफादार नहीं रख पाए थे, फिर भी उन्होंने अपने लिए कुछ सीखा। किसी भी स्थिति में, 9 वीं शताब्दी तक, जब जुगलों की रिपोर्टों के द्वारा पहले से ही हिस्टरों और मेलों के पिछले उल्लेखों को प्रतिस्थापित किया जा रहा है, तो इन बाद को आंशिक रूप से महाकाव्य के कलाकारों के रूप में जाना जाता है। जगह-जगह से घूमते हुए, बाजीगर आंगन में (जहां वे कुछ तिथियों में झुंड में आते हैं) उत्सवों पर, गांवों में, और कभी-कभी चर्च में भी जाते हैं। मध्य युग की कविताओं, उपन्यासों और गीतों में, उत्सव के मज़े में बाजीगरों की भागीदारी, सभी प्रकार के ओपन-एयर चश्मे के संगठन में बार-बार उल्लेख किया गया है। जब तक चर्चों या कब्रिस्तानों में प्रमुख छुट्टियों पर आयोजित ये प्रदर्शन केवल लैटिन में ही किए जाते थे, मठ के स्कूलों के छात्र और युवा मौलवी प्रदर्शन में भाग ले सकते थे। लेकिन 13 वीं शताब्दी तक, लैटिन को स्थानीय लोक भाषाओं से बदल दिया गया था - और फिर इटनेरेंट संगीतकारों ने आध्यात्मिक प्रदर्शन में हास्य भूमिका और एपिसोड का दावा किया, किसी तरह अभिनेताओं की संख्या में टूट गए, और फिर दर्शकों और श्रोताओं से अपने चुटकुलों के साथ सफलता हासिल की। यह मामला था, उदाहरण के लिए, स्ट्रासबर्ग, रूयन, रिम्स, कंबराई के कैथेड्रल में। छुट्टियों पर प्रस्तुत की जाने वाली "कहानियों" में क्रिसमस और ईस्टर "एक्शन", "मर्यादा के विलाप", "बुद्धिमान और मूर्ख कुंवारी की कहानी," आदि प्रदर्शनों में लगभग हर जगह, अपने आगंतुकों को खुश करने के लिए थे। अन्य हास्य एपिसोड बुरी ताकतों की भागीदारी या नौकरों के कारनामों और टिप्पणियों से जुड़े हैं। यहां उनके पारंपरिक भैंसे के साथ बाजीगरों के अभिनय की संगीत क्षमताओं की गुंजाइश खुल गई।

कई टकसालों ने एक विशेष भूमिका निभाई, जब उन्होंने संकटमोचनों के साथ सहयोग करना शुरू किया, हर जगह अपने संरक्षक-शूरवीरों के साथ, अपने गीतों के प्रदर्शन में भाग लेते हुए, कला के नए रूपों का परिचय दिया।

परिणामस्वरूप, "भटकते हुए लोगों", जुग्लर्स, स्पीलमैन, टकसालों का बहुत ही वातावरण, समय के साथ महत्वपूर्ण परिवर्तनों से गुजर रहा है, किसी भी तरह से रचना में एकीकृत नहीं रहा। यह नई ताकतों - साक्षर की आमद से सुगम था, लेकिन समाज में एक स्थिर स्थिति खो गई, अर्थात्, अनिवार्य रूप से क्षुद्र पादरियों, itinerant विद्वानों और भगोड़े भिक्षुओं से हारे हुए। फ्रांस में (और फिर अन्य देशों में) XI-XII शताब्दियों में यात्रा करने वाले अभिनेताओं और संगीतकारों के रैंकों में दिखाई देने के बाद, उन्हें योनि और गोलियॉज़ के नाम प्राप्त हुए। उनके साथ, नए जीवन विचारों और आदतों, साक्षरता, कभी-कभी एक प्रसिद्ध विचलन भी बाजीगरी की परतों में आ गया।

13 वीं शताब्दी के अंत के बाद से, अपने अधिकारों की रक्षा करने, समाज में अपनी जगह निर्धारित करने, पेशेवर परंपराओं को बनाए रखने और छात्रों को उन्हें पास करने के लिए विभिन्न यूरोपीय केंद्रों में स्पीलमैन, बाजीगर, मिनिस्टरेल के गिल्ड संघों का गठन किया गया है। 1288 में ब्रदरहुड ऑफ सेंट। निकोलस ", जो संगीतकारों को एकजुट करता है, 1321 में" ब्रदरहुड ऑफ सेंट। जूलियन ”पेरिस में स्थानीय minstrels के गिल्ड संगठन था। इसके बाद, इंग्लैंड में "शाही टकसाल" का एक गिल्ड बनाया गया। गिल्ड संरचना में यह परिवर्तन, संक्षेप में, मध्ययुगीन युग के इतिहास को समाप्त कर देता है। लेकिन भटकते संगीतकारों को उनके भाईचारे, गिल्ड, कार्यशालाओं में पूरी तरह से नहीं बसाया गया है। उनकी भटकन XIV, XV, XVI सदियों में जारी रही, एक विशाल क्षेत्र को कवर किया और अंततः दूर के क्षेत्रों के बीच नए संगीत और रोज़मर्रा के कनेक्शन का निर्माण किया।

पाइप्स, ट्रूवर्स, मिनिंगर्स

ट्राइडबैडर्स की कला, जो बारहवीं शताब्दी के प्रोवेंस में उत्पन्न हुई थी, वास्तव में, केवल एक विशेष रचनात्मक आंदोलन की शुरुआत थी, अपने समय की विशेषता और लगभग पूरी तरह से कलात्मक रचनात्मकता के नए, धर्मनिरपेक्ष रूपों के विकास से जुड़ी थी। तब धर्मनिरपेक्ष कलात्मक संस्कृति के शुरुआती उत्कर्ष पर बहुत अधिक एहसान किया गया: अतीत में लोगों के प्रवास के दौरान अपेक्षाकृत कम बर्बादी और आपदाएं, पुरानी शिल्प परंपराएं और व्यापार संबंध जो लंबे समय तक संरक्षित रहे हैं। ऐसी ऐतिहासिक परिस्थितियों में, एक शूरवीर संस्कृति विकसित हुई।

प्रारंभिक धर्मनिरपेक्ष कला के विकास की एक अजीब प्रक्रिया, जो प्रोवेनकल नाइटहुड की कलात्मक पहल पर उत्पन्न होती है, बड़े पैमाने पर लोक गीत के मधुर स्रोतों द्वारा खिलाया जाता है और शहरवासियों के एक व्यापक दायरे में फैलता है, जो आलंकारिक सामग्री के विषय के अनुसार विकसित होता है।

11 वीं शताब्दी के अंत के बाद से लगभग दो शताब्दियों से संकटमोचनों की कला विकसित हो रही है। 12 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, पतलून के नाम पहले से ही फ्रांस के उत्तर में कवियों-संगीतकारों के रूप में जाने जाते थे, शैंपेन में, अर्रास में। 13 वीं शताब्दी में, ट्रोबैबडोर्स का काम अधिक तीव्र हो जाता है, जबकि प्रोवेनकल ट्राउडबॉर्स की कला अपना इतिहास समाप्त कर देती है।

कुछ हद तक ट्रूवर्स को ट्रिब्यूटर्स की रचनात्मक परंपरा विरासत में मिली, लेकिन साथ ही साथ उनके काम अधिक स्पष्ट रूप से नाइट के साथ नहीं, बल्कि अपने समय की शहरी संस्कृति के साथ जुड़े थे। हालांकि, संकटमोचनों के बीच विभिन्न सामाजिक हलकों के प्रतिनिधि थे। तो, पहले संकटमोचक थे: गिलियूम VII, काउंटर्स ऑफ काउंटर्स, ड्यूक ऑफ एक्विटाइन (1071 - 1127) और गरीब गेसकॉन मार्केब्रन।

जैसा कि आप जानते हैं, प्रोवेनकल ट्राउडबॉर्ब्स ने आमतौर पर बाजीगरों के साथ सहयोग किया, जिन्होंने उनके साथ यात्रा की, उनके गाने गाए या उनके गायन के साथ प्रदर्शन किया, जैसे कि एक साथ एक नौकर और एक सहायक के कर्तव्यों को मिलाते हुए। परेशान करने वाले ने संगीत के टुकड़े के संरक्षक और कलाकार के रूप में बाजीगर के रूप में काम किया।

संकटमोचनों की संगीतमय और काव्यात्मक कला में, कविता-गीतों की कई विशिष्ट शैली किस्में निकलती हैं: अल्बा (भोर का गीत), चराई, सरवेंटा, क्रूसेडर्स के गीत, गीत-संवाद, गीत, नृत्य गीत। यह सूची एक सख्त वर्गीकरण नहीं है। प्रेम गीत एल्बम, चरागाह और नृत्य गीतों में सन्निहित हैं।

सिरवेंटा एक बहुत स्पष्ट पदनाम नहीं है। किसी भी मामले में, यह एक गीतात्मक गीत नहीं है। एक शूरवीर, एक योद्धा, एक साहसी संकटमोचक के चेहरे से आवाज़ आती है, यह कुछ समकालीनों या घटनाओं पर एक संपूर्ण वर्ग के उद्देश्य से व्यंग्यपूर्ण, अभियोगात्मक हो सकता है। बाद में, गाथागीत और रोंडो की शैलियाँ दिखाई दीं।

जैसा कि विशेष अध्ययनों की सामग्री के आधार पर आंका जा सकता है, संकटमोचनों की कला को अंततः या तो अतीत की परंपराओं से, या संगीत और काव्यात्मक रचनात्मकता के अन्य समकालीन रूपों से अलग नहीं किया जाता है।

पश्चिमी यूरोप में संगीत और काव्य गीतों के पहले रूपों और तेरहवें में संगीत रचनात्मकता की अत्यधिक पेशेवर दिशाओं के बीच, ट्रोबैबर्ड्स की कला एक महत्वपूर्ण कनेक्टिंग लिंक के रूप में काम करती है। XIV सदियों। इस कला के बाद के प्रतिनिधियों ने खुद को पहले से ही संगीत पेशेवर बनाने की ओर अग्रसर किया, एक नए संगीत कौशल की नींव रखने में महारत हासिल की।

ऐसा है एडम डे ला हाल (1237-1238 - 1287), अंतिम पतलून में से एक, अर्रास का मूल निवासी, फ्रांसीसी कवि, संगीतकार, बारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध के नाटककार। 1271 से उन्होंने काउंट रॉबर्ट d "Artois के दरबार में सेवा की, जिसके साथ वह 1282 में, सिसिली के राजा, अंजु के चार्ल्स के पास नेपल्स गए। नेपल्स में रहने के दौरान," गेम ऑफ रॉबिन एंड मैरियन "बनाया गया था - सबसे बड़ा और सबसे महत्वपूर्ण कवि-संगीतकार का एक काम।

इस तरह के काम XU111 सदी के फ्रांसीसी संगीत कॉमेडी के जन्म का प्रागितिहास हैं। और 19 वीं सदी के ओपेरा।

१२ वीं -१३ वीं शताब्दियों में जर्मनी में ट्रम्पबोर की कला के नमूने आए, और वहाँ रुचि को आकर्षित किया; गीतों का जर्मन में अनुवाद किया जाता है, यहां तक \u200b\u200bकि धुनों को कभी-कभी नए शब्दों के साथ ओवरटोन किया जाता है। 12 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध (15 वीं शुरुआत से बहुत पहले तक) का विकास, स्थानीय शूरवीरों की कलात्मक अवतार के रूप में जर्मन मिन्सैंग के कलात्मक अवतार के रूप में होता है, जो फ्रांसीसी संकटमोचनों के संगीत और काव्य कला में यह रुचि रखता है, विशेष रूप से शुरुआती मंत्रालयों के बीच।

मीनिंगर्स की कला लगभग एक सदी बाद, एक दूसरे देश में, जहां एक नए, विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष विश्वदृष्टि के गठन के लिए ऐसी कोई ठोस नींव नहीं थी, अलग-अलग ऐतिहासिक सेटिंग में, परेशानियों की कला से लगभग एक सदी बाद विकसित हुई।

मिनेसैंग के सबसे बड़े प्रतिनिधि वाल्टर वॉन डेर वोगेलवीड, कवि, पार्सिफल के लेखक, वोल्फ्राम वॉन एसचेनबाक थे। इस प्रकार, वैगनर की "तन्हुसेर" की कहानी ऐतिहासिक तथ्यों पर आधारित है।

हालांकि, अदालतों में सेवा और प्रदर्शन जर्मन मीनिंगर्स की गतिविधियों तक सीमित नहीं थे: यह उनमें से सबसे उत्कृष्ट था, जिन्होंने अपने जीवन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा दूर भटकने में बिताया।

तो, मिनसैंग की कला एकतरफा नहीं है: इसमें विभिन्न प्रवृत्तियां संयुक्त हैं, और एक समग्र के रूप में मधुर पक्ष काव्यात्मक की तुलना में अधिक प्रगतिशील है। मिनसिंगर्स के बीच गीतों की शैली विविधता कई तरह से है, जो प्रोवेनकल ट्राउडबॉर्स द्वारा खेती की गई थी: क्रूसेडर्स के गीत, विभिन्न प्रकार के प्रेम-गीत, नृत्य की धुनें।

दिवंगत मध्य युग के पवित्र संगीत का भी विकास जारी है। पॉलीफोनिक संगीत प्रस्तुति व्यापक रूप से विकसित हुई थी।

पॉलीफोनिक लेखन का विकास, जो चर्च कला की पहली विशेषता पर था, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष दोनों के लिए नए संगीत शैलियों को शामिल किया गया। पॉलीफोनी की सबसे व्यापक शैली है motet।

मोएट, जिसका भविष्य बहुत अच्छा था, ने XIII सदी में बहुत तीव्रता से विकसित किया। इसकी उत्पत्ति पिछली शताब्दी की है, जब यह नोट्रे डेम स्कूल की रचनात्मक गतिविधियों के संबंध में उत्पन्न हुई थी और पहले इसका एक उद्देश्य था।

13 वीं शताब्दी का मोती छोटे या मध्यम आकार का एक पॉलीफोनिक (आमतौर पर तीन-भाग) टुकड़ा है। मोटेट की शैली विशेषता एक तैयार मेलोडिक नमूना (चर्च की धुनों से, धर्मनिरपेक्ष गीतों से) पर प्रारंभिक निर्भरता थी, जिस पर एक अलग प्रकृति की अन्य आवाज़ें और यहां तक \u200b\u200bकि कभी-कभी अलग मूल की परतें होती थीं। परिणाम विभिन्न गीतों के साथ विभिन्न धुनों का एक संयोजन था।

साधन (viels, psalterium, organ) कुछ विशेष गतियों के प्रदर्शन में भाग ले सकते हैं। अंत में, XIII सदी में, रोज़ पॉलीफनी का एक अजीब रूप, जिसे रोंडेल, रोटा, आरयू (पहिया) कहा जाता है, ने लोकप्रियता हासिल की। यह एक कॉमिक कैनन है जो मध्ययुगीन क्षेत्ररक्षकों के लिए जाना जाता था।

13 वीं शताब्दी के अंत तक, फ्रांसीसी संगीत कला काफी हद तक पश्चिमी यूरोप में स्वर स्थापित कर रही थी। ट्राइडबैडर्स और ट्राउवर्स की संगीत और काव्य संस्कृति, साथ ही पॉलीफोनी के विकास में महत्वपूर्ण चरणों ने आंशिक रूप से अन्य देशों की संगीत कला को प्रभावित किया। संगीत के इतिहास में, 13 वीं शताब्दी (लगभग 1230 के दशक से) ने पदनाम "एग्स एंटीक" ("पुरानी कला") प्राप्त किया।

फ्रांस में एआरएस नोवा। गिलोय मशीन

1320 के आसपास, फिलिप डी विट्री के संगीत सैद्धांतिक काम, एज नोवा, पेरिस में बनाया गया था। ये शब्द - "न्यू आर्ट" - पंखों वाला निकला: उनमें से "एग्स नोवा का युग" की परिभाषा आई, जिसे अभी भी XIV सदी के फ्रांसीसी संगीत के लिए जिम्मेदार ठहराया जाता है। अभिव्यक्तियाँ "नई कला", "नया स्कूल", "नए गायक" अक्सर फिलिप डे विट्री के समय का सामना करना पड़ा, न केवल सैद्धांतिक कार्यों में। क्या सिद्धांतकारों ने नए रुझानों का समर्थन किया या उनकी निंदा की, चाहे पोप ने उनकी निंदा की - हर जगह उनका मतलब संगीत कला के विकास में नया था, जो कि पॉलीफोनी के विकसित रूपों के उद्भव से पहले मौजूद नहीं था।

फ्रांस में एज नोवा का सबसे बड़ा प्रतिनिधि गिलौम डे मैकहॉट था- अपने समय के एक प्रसिद्ध कवि और संगीतकार, जिनकी रचनात्मक विरासत का साहित्य के इतिहास में भी अध्ययन किया गया है।

कोई फर्क नहीं पड़ता कि पॉलीफोनिक रूपों के आगे के विकास को XIV सदी में कितना जटिल हो सकता है, संगीत और काव्यात्मक कला की रेखा, ट्रबडबॉर्स और ट्रूवर्स से आ रही है, फ्रांसीसी एर्स नोवा के वातावरण में पूरी तरह से खो नहीं गई थी। यदि फिलिप डी विट्री मुख्य रूप से एक संगीतज्ञ थे, और गिलियूम डी मैकहॉट बन गए फ्रांसीसी कवियों के गुरु, फिर भी, वे दोनों कवि-संगीतकार थे, इस अर्थ में, वे 13 वीं शताब्दी के पतलून की परंपराओं को जारी रखते थे। अंत में, इतना लंबा समय फिलिप डी विट्री की रचनात्मक गतिविधि को अलग नहीं करता है, जिन्होंने 1313-1314 के आसपास संगीत रचना शुरू की, और यहां तक \u200b\u200bकि मैकहॉट की गतिविधि (1320-1330 से) - एडम डे ला हाल (मन, 1286) के रचनात्मक जीवन के अंतिम वर्षों से या 1287)।

Guillaume ds Machaut की ऐतिहासिक भूमिका अधिक महत्वपूर्ण है। उसके बिना, फ्रांस में कोई भी अरस नोवा नहीं होगा। यह उनकी संगीत और काव्य रचनात्मकता, प्रचुर, मूल, बहु-शैली थी, जिसने इस युग की मुख्य विशेषताओं को केंद्रित किया। उनकी कला में, यह ऐसा है जैसे कि एक तरफ लाइनों को इकट्ठा किया जाता है, गुजरता है, एक दूसरे पर और उसके लंबे समय के गाने के आधार पर ट्राउजरबैड्स और ट्राउवर्स की संगीत और काव्य संस्कृति से, दूसरी तरफ, X11-X111 शताब्दियों के पॉलीफोनी के फ्रांसीसी स्कूलों से।

दुर्भाग्य से, हम 1323 तक मचौत के जीवन पथ के बारे में कुछ भी नहीं जानते हैं। यह केवल ज्ञात है कि उनका जन्म 1300 के आसपास मचौत में हुआ था। वे एक व्यापक युग के एक उच्च शिक्षित कवि और संगीतकार के रूप में अपने शिल्प के सच्चे स्वामी थे। निस्संदेह उच्च प्रतिभा के साथ, उन्हें निश्चित रूप से, साहित्यिक और संगीत गतिविधियों के लिए पूरी तरह से तैयारी प्राप्त करनी चाहिए। पहली तारीख जिसके साथ मचौट की जीवनी का तथ्य जुड़ा हुआ है, जब राजा के दरबार में उनकी सेवा शुरू हुई। क्लर्क, फिर शाही सचिव)। बीस से अधिक वर्षों के लिए, मचौत बोहेमिया के राजा के दरबार में था, कभी-कभी प्राग में, फिर अपने अभियानों, यात्रा, त्योहारों, शिकार आदि में लगातार भाग लेते हुए, जन \u200b\u200bलक्ज़मबर्ग के रेटिन्यू में उन्हें इटली, जर्मनी, पोलैंड के प्रमुख केंद्रों का दौरा करने का मौका मिला। सभी संभावना में, इस सभी ने गिलियूम डे मैकहॉट को कई छापें दीं और अपने जीवन के अनुभव को पूरी तरह से समृद्ध किया। 1346 में बोहेमिया के राजा की मृत्यु के बाद, वह फ्रांसीसी राजा जॉन द गुड और चार्ल्स वी की सेवा में थे, और उन्होंने रिम्स के कैथेड्रल ऑफ नोट्रे डेम में एक कैनन भी प्राप्त किया। इसने एक कवि के रूप में उनकी प्रसिद्धि में योगदान दिया। माचो को अपने जीवनकाल के दौरान बहुत महत्व दिया गया था, और 1377 में उनकी मृत्यु के बाद उन्हें उनके समकालीनों द्वारा शानदार उपमाओं में महिमा दी गई थी। मचौत का फ्रांसीसी कविता पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव था, एक पूरे स्कूल का निर्माण किया, जो कि उनके द्वारा विकसित कविता के रूपों की विशेषता है।

शैलियों के बहुपक्षीय विकास के साथ मचौत की संगीत और काव्यात्मक रचनात्मकता का पैमाना, उनके पदों की स्वतंत्रता, जिसका फ्रांसीसी कवियों पर गहरा प्रभाव पड़ा, संगीतकार का उच्च कौशल - यह सब उन्हें संगीत कला के इतिहास में पहला ऐसा प्रमुख व्यक्तित्व बनाता है।

मैकहॉट की रचनात्मक विरासत विशाल और विविध है। उसने मोटेट्स, रोड़े, रोंडो, कैनन आदि बनाए।

मचौत के बाद, जब उनके नाम को कवियों और संगीतकारों द्वारा बहुत सम्मान दिया गया था, और दोनों द्वारा एक या दूसरे तरीके से प्रभाव महसूस किया गया था, उन्हें फ्रांसीसी संगीतकारों के बीच कोई भी वास्तव में प्रमुख उत्तराधिकारी नहीं मिला। उन्होंने अपने अनुभव से बहुत कुछ सीखा, एक पॉलीफोनिस्ट के रूप में, अपनी तकनीक में महारत हासिल की, उसी तरह की विधाओं में खेती करते रहे, लेकिन विवरणों को उलझाकर अपनी कला को परिष्कृत किया।

पुनर्जागरण काल

पश्चिमी यूरोप की संस्कृति और कला के लिए पुनर्जागरण का स्थायी महत्व लंबे समय से इतिहासकारों द्वारा मान्यता प्राप्त है और आम तौर पर जाना जाता है। पुनर्जागरण संगीत को कई नए और प्रभावशाली रचनात्मक स्कूलों द्वारा प्रस्तुत किया गया है, 14 वीं शताब्दी में फ्लोरेंस में फ्रांसेस्को लैंडिनी के शानदार नाम, 15 वीं शताब्दी में गिलियूम ड्यूफे और जोहान्स ओकेगेम, 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में जोसेक्विन टॉन्स और पुनर्जागरण के परिणामस्वरूप ऑस्ट्रियर शैली के क्लासिक्स की एक आकाशगंगा है।

इटली में, XIV सदी में संगीत की कला के लिए एक नए युग की शुरुआत हुई। डच स्कूल ने आकार लिया और 15 वीं तक अपनी पहली चोटियों पर पहुंच गया, जिसके बाद इसका विकास लगातार बढ़ता गया, और एक तरह से या किसी अन्य के प्रभाव ने अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के स्वामी पर कब्जा कर लिया। पुनर्जागरण के संकेत 16 वीं शताब्दी में फ्रांस में स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, हालांकि उनकी रचनात्मक उपलब्धियां पिछली शताब्दियों में भी महान और निर्विवाद थीं। जर्मनी, इंग्लैंड और कुछ अन्य देशों में पुनर्जागरण की कक्षा के भीतर कला का उदय 16 वीं शताब्दी में हुआ।

तो, पश्चिमी यूरोपीय देशों की संगीत कला में, पुनर्जागरण की स्पष्ट विशेषताएं दिखाई देती हैं, यद्यपि कुछ असमानता के साथ, XIV-XVI सदियों के भीतर। पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति, विशेष रूप से संगीत संस्कृति, निस्संदेह देर से मध्य युग की सर्वश्रेष्ठ रचनात्मक उपलब्धियों से दूर नहीं हुई। पुनर्जागरण के युग की ऐतिहासिक जटिलता इस तथ्य में निहित थी कि सामंती व्यवस्था अभी भी लगभग हर जगह यूरोप में संरक्षित थी, और समाज के विकास में महत्वपूर्ण परिवर्तन हो रहे थे, जिसने कई मायनों में एक नए युग की शुरुआत तैयार की। यह सामाजिक-आर्थिक क्षेत्र, राजनीतिक जीवन में, समकालीनों के क्षितिज का विस्तार करने में - भौगोलिक, वैज्ञानिक, कलात्मक, चर्च की आध्यात्मिक तानाशाही पर काबू पाने में, मानवतावाद के उदय में, एक महत्वपूर्ण व्यक्ति के आत्म-जागरूकता के विकास में व्यक्त किया गया था। दुनिया की एक नई धारणा के संकेत विशेष जीवंतता के साथ उभरे और फिर विभिन्न कलाओं के प्रगतिशील आंदोलन में कलात्मक सृजन में मजबूती से स्थापित हो गए, जिसके लिए पुनर्जागरण की गंध पैदा करने वाले "मन की क्रांति" बेहद महत्वपूर्ण थी।

इसमें कोई संदेह नहीं है कि "पुनर्जागरण" में मानवतावाद ने अपने समय की कला में भारी ताज़ी ताकतों को समझा, नए विषयों की खोज के लिए कलाकारों को प्रेरित किया और बड़े पैमाने पर छवियों की प्रकृति और उनके कार्यों की सामग्री का निर्धारण किया। संगीत कला के लिए, मानवतावाद का मतलब था, सबसे पहले, मानवीय भावनाओं में गहरा होना, उनके लिए एक नए सौंदर्य मूल्य की मान्यता। इसने संगीत विशिष्टता के सबसे मजबूत गुणों की पहचान और कार्यान्वयन में योगदान दिया।

एक पूरे के रूप में पूरे युग के लिए, मुखर शैलियों की एक स्पष्ट प्रबलता, विशेष रूप से मुखर पॉलीफोनी में, विशेषता है। केवल बहुत धीरे-धीरे, धीरे-धीरे वाद्य संगीत कुछ स्वतंत्रता प्राप्त करता है, लेकिन मुखर रूपों पर और रोजमर्रा के स्रोतों (नृत्य, गीत) पर इसकी प्रत्यक्ष निर्भरता थोड़ी देर बाद ही दूर हो जाएगी। प्रमुख संगीत शैली मौखिक पाठ से जुड़ी हुई हैं।

संगीत कला का महान पथ, XIV से XVI सदी के अंत तक ट्रेस किया गया, किसी भी तरह से सरल और सीधा नहीं था, जैसे कि पुनर्जागरण की पूरी आध्यात्मिक संस्कृति केवल और केवल एक आरोही सीधी रेखा के साथ विकसित नहीं हुई थी। संगीत की कला, साथ ही साथ संबंधित क्षेत्रों में, "गॉथिक लाइन" और मध्य युग की अपनी स्थिर और समृद्ध विरासत थी।

पश्चिमी यूरोपीय देशों की संगीत कला ने इतालवी, डच, फ्रेंच, जर्मन, स्पैनिश, अंग्रेजी और अन्य रचनात्मक स्कूलों की विविधता में एक नई सीमा के साथ संपर्क किया और साथ ही साथ स्पष्ट रूप से सामान्य रुझान व्यक्त किए। सख्त शैली का एक क्लासिक पहले से ही बनाया गया था, पॉलीफोनी का एक प्रकार का "सामंजस्य" चल रहा था, होमोफोनिक लेखन की दिशा में आंदोलन तेज हो गया, कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व की भूमिका बढ़ गई, रोजमर्रा के संगीत का महत्व और उच्च स्तर की पेशेवर कला में इसका प्रभाव मजबूत हुआ, धर्मनिरपेक्ष संगीत शैलियों को लाक्षणिक रूप से समृद्ध और विशेष रूप से समृद्ध (विशेष रूप से) बनाया गया। इतालवी मैड्रिडल), युवा वाद्य संगीत स्वतंत्रता की दहलीज पर पहुंच रहा था। 17 वीं शताब्दी ने यह सब सीधे 16 वीं शताब्दी से लिया - पुनर्जागरण की विरासत के रूप में।

इटली में एआरएस नोवा। फ्रांस्वा लांडिनी

XIV सदी (ट्रेसेन्टो) की इतालवी संगीत कला ताजगी का एक अद्भुत अद्भुत प्रभाव पैदा करती है, जैसे कि एक नई, सिर्फ उभरती हुई शैली के युवा। Ars का संगीत इटली में नया है, अपने आकर्षक इतालवी स्वभाव के लिए आकर्षक और मजबूत है और उसी समय की फ्रांसीसी कला से इसका अंतर है। इटली में एर्स नोवा - पहले से ही पुनर्जागरण की भोर, इसके महत्वपूर्ण पूर्वाभास। यह मौका नहीं था कि फ्लोरेंस एर्स नोवा के इतालवी प्रतिनिधियों की रचनात्मक गतिविधि का केंद्र बन गया, जिसका महत्व मानवतावादी दिशा के नए साहित्य के लिए, और - बहुत हद तक - ललित कलाओं के लिए सबसे महत्वपूर्ण था।

अर्स नोवा अवधि 1920 के दशक से लेकर 1980 के दशक तक 14 वीं शताब्दी तक फैला है, और इटली में धर्मनिरपेक्ष संगीत रचनात्मकता के पहले वास्तविक उत्कर्ष द्वारा चिह्नित है। इतालवी Ars नोवा आध्यात्मिक कार्यों पर धर्मनिरपेक्ष की निर्विवाद प्रबलता की विशेषता है। ज्यादातर मामलों में, ये संगीत के बोल या किसी प्रकार की शैली के टुकड़े के नमूने हैं।

अर्स नोवा आंदोलन के केंद्र में, एक समृद्ध और बहुमुखी प्रतिभा के धनी फ्रांसेस्को लैंडिनी की छवि, जिन्होंने प्रमुख समकालीनों पर एक मजबूत छाप छोड़ी है, ऊंचा उठता है।

लैंडिनी का जन्म फ़िशोल में फ्लोरेंस के पास, एक चित्रकार के परिवार में हुआ था। बचपन के चेचक के बाद, वह हमेशा के लिए अंधा हो गया। विलानी के अनुसार, उन्होंने संगीत का शुरुआती अध्ययन किया (पहले गायन और फिर तार और अंग गाना)। उनका संगीत विकास अद्भुत गति से आगे बढ़ा और उनके आसपास के लोगों को आश्चर्यचकित कर दिया। उन्होंने कई उपकरणों के डिजाइन का पूरी तरह से अध्ययन किया, सुधार किए और नए डिजाइन का आविष्कार किया। इन वर्षों में, फ्रांसेस्को लैंडिनी ने सभी समकालीन इतालवी संगीतकारों को पीछे छोड़ दिया है।

वह अंग खेलने के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध थे, जिसके लिए पेट्रार्क की उपस्थिति में, उन्हें 1364 में वेनिस में लॉरेल के साथ ताज पहनाया गया था। आधुनिक विद्वानों ने अपने शुरुआती कार्यों की तिथि 1365-1370 बताई है। 1380 के दशक में, एक संगीतकार के रूप में लैंडिनी की प्रसिद्धि ने पहले ही अपने सभी इतालवी समकालीनों की सफलताओं को ग्रहण कर लिया था। लैंडिनी की फ्लोरेंस में मृत्यु हो गई और उसे सैन लोरेंजो के चर्च में दफनाया गया; उनकी समाधि पर तिथि अंकित है: 2 सितंबर, 1397।

आज, 154 Landini रचनाएँ जानी जाती हैं। उनमें से गाथागीत प्रबल होते हैं।

लांडिनी का काम अनिवार्य रूप से इटली के अरस नोवा काल को पूरा करता है। इसमें कोई संदेह नहीं है कि लैंडिनी की कला का सामान्य स्तर और उसके गुण गुण उसे प्रांतीय, आदिम, विशुद्ध रूप से वंशानुगत मानने की अनुमति नहीं देते हैं।

इटली की संगीत कला में ग्यारहवीं शताब्दी के पिछले दो दशकों में, ऐसे बदलाव हुए हैं जो पहले अर्स नोवा की स्थिति की अखंडता का उल्लंघन करते हैं, और फिर उनके युग के अंत तक ले जाते हैं। XU सदी की कला एक नए ऐतिहासिक काल से संबंधित है।

यूरोप में मध्य युग की पेशेवर संगीत संस्कृति मुख्य रूप से चर्च के साथ जुड़ी हुई है, जो कि पंथ संगीत के क्षेत्र के साथ है। धार्मिकता से भरी कला विहित और हठधर्मिता है, लेकिन, फिर भी, यह जमी नहीं है, यह सांसारिक घमंड से बदलकर प्रभु की सेवा करने के लिए अलग हो गई है। फिर भी, इस तरह के "सर्वोच्च" संगीत के साथ, लोकगीत और काम करने वाले संगीतकारों के काम के साथ-साथ नाइटहुड की महान संस्कृति भी थी।

प्रारंभिक मध्य युग की आध्यात्मिक संगीत संस्कृति

शुरुआती मध्य युग में, पेशेवर संगीत केवल कैथेड्रल और गायन स्कूलों में ही बजता था जो उनके साथ थे। पश्चिमी यूरोप के मध्य युग की संगीत संस्कृति का केंद्र इटली की राजधानी थी - रोम - बहुत शहर जहां "सर्वोच्च चर्च प्राधिकरण" स्थित थे।

590-604 में, पोप ग्रेगरी प्रथम ने पंथ गायन में सुधार किया। उन्होंने "ग्रेगोरियन एंटिफोनारियस" संग्रह में विभिन्न मंत्रों का आयोजन और संग्रह किया। ग्रेगरी I के लिए धन्यवाद, एक दिशा जिसे ग्रेगोरियन मंत्र कहा जाता है, पश्चिमी यूरोपीय पवित्र संगीत में बन रहा है।

कोरल - यह, एक नियम के रूप में, एक मोनोफोनिक जप है, जो यूरोपीय और मध्य पूर्वी लोगों की सदियों पुरानी परंपराओं को दर्शाता है। यह चिकनी मोनोफोनिक माधुर्य था जिसे कैथोलिक धर्म की नींव को समझने के लिए और एकल इच्छा को स्वीकार करने के लिए पैरिशियन का मार्गदर्शन करने के लिए कहा जाता था। ज्यादातर कोरले गाना बजानेवालों द्वारा किया गया था, और केवल कुछ हिस्सों एकल कलाकारों द्वारा प्रदर्शन किया गया था।

ग्रेगोरियन जप का आधार डायटॉनिक मोड की आवाज़ के साथ एक क्रमिक आंदोलन था, लेकिन कभी-कभी एक ही कोरले में धीमे, कठोर स्तोत्र और व्यक्तिगत सिलेबल्स के मधुर गायन भी होते थे।

इस तरह की धुनों का प्रदर्शन सिर्फ किसी पर भरोसा नहीं था, क्योंकि इसके लिए गायकों से पेशेवर मुखर कौशल की आवश्यकता थी। संगीत की तरह, लैटिन में मंत्रों का पाठ, जो कई पारिश्रमिकों के लिए समझ से बाहर है, विनम्रता, वास्तविकता से अलगाव, चिंतन। अक्सर, पाठ की अनुवर्तीता पर निर्भरता द्वारा संगीत की लयबद्ध व्यवस्था को भी वातानुकूलित किया जाता था। ग्रेगोरियन जप को आदर्श संगीत के रूप में नहीं लिया जा सकता है, बल्कि यह प्रार्थना पाठ का एक मंत्र है।

द्रव्यमान - मध्य युग के संगीतकार संगीत की मुख्य शैली

कैथोलिक प्रार्थना - चर्च की मुख्य सेवा। उन्होंने ग्रेगोरियन गायन के ऐसे प्रकारों को संयुक्त किया:

• एंटीफोनिक (जब दो गायक बारी-बारी से गाते हैं);
• संवेदनशील (एकल गायक और गाना बजानेवालों को बारी-बारी से)।

समुदाय ने केवल आम प्रार्थनाओं के गायन में भाग लिया।
बाद में, बारहवीं शताब्दी में। भजन (स्तोत्र), क्रम, राग द्रव्यमान में दिखाई दिए। वे तुकबंदी के साथ अतिरिक्त पाठ थे (मुख्य कोरले के विपरीत) और एक विशेष राग। इन धार्मिक तुकांत ग्रंथों को पारिश्रमिकों द्वारा याद किया गया था। भिक्षुओं के साथ गाते हुए, उन्होंने राग को विविधता दी और लोक के तत्वों को पवित्र संगीत में रिसना शुरू किया और लेखक की रचनात्मकता के लिए एक अवसर के रूप में कार्य किया (नोटकर ज़िका और टोकेलोन मोंक - सेंट गोलेने मठ)। बाद में, इन धुनों ने आम तौर पर स्तोत्र के हिस्सों को दबा दिया और ग्रेगोरियन मंत्र की ध्वनि को काफी समृद्ध किया।

पॉलीफोनी के पहले उदाहरण मठों से उत्पन्न होते हैं, जैसे कि ऑर्गन - समांतर क्वार्ट्स में आंदोलन या पंद्रहवें, गिमेल, फोबुरडन - छठे जीवाणुओं में आंदोलन, आचरण। इस तरह के संगीत के प्रतिनिधि संगीतकार लियोनिन और पेरोटिन (नोट्रे डेम कैथेड्रल - XII-XIII सदियों) हैं।

मध्य युग की सेक्युलर संगीत संस्कृति

मध्य युग की संगीत संस्कृति के धर्मनिरपेक्ष पक्ष का प्रतिनिधित्व फ्रांस में किया गया था - बाजीगर, mimes, minstrels , जर्मनी में - spielmans, स्पेन में - holar, रसिया में - मूर्खों... वे सभी कलाकार भटक रहे थे और अपने काम के वाद्य यंत्रों, गायन, नृत्य, जादू, कठपुतली, सर्कस कला में संयुक्त थे।

धर्मनिरपेक्ष संगीत का एक अन्य घटक शूरवीर था, तथाकथित दरबारी संस्कृति ... एक विशेष शूरवीर कोड का गठन किया गया था, यह कहा गया था कि प्रत्येक शूरवीरों में न केवल साहस और साहस होना चाहिए, बल्कि अति सुंदर शिष्टाचार, शिक्षा और सुंदर महिला के लिए समर्पित होना चाहिए। शूरवीरों के जीवन के ये सभी पहलू कार्य में परिलक्षित होते हैं troubadours (दक्षिणी फ्रांस - प्रोवेंस), trouvers (उत्तरी फ्रांस), minnesingers(जर्मनी)।

उनके काम को मुख्य रूप से प्रेम गीतों में प्रस्तुत किया गया है, जिनमें से सबसे व्यापक शैली एरिजोना (एल्ब्स - मिनिंगर्स द्वारा "मॉर्निंग सॉन्ग्स") थी। पतलून के अनुभव को व्यापक रूप से लागू करते हुए, पतलून ने अपने स्वयं के शैलियों का निर्माण किया: "मई गाने", "बुनाई गीत"।

दरबारी संस्कृति के प्रतिनिधियों की संगीत शैलियों का सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य शैली थे, जैसे रोंडो, विरेले, बैलाड, वीर महाकाव्य। साधनों की भूमिका बहुत ही निरर्थक थी, यह मुखर धुनों को एक परिचय, एक अंतर्द्वंद्व, और एक पदावनति के साथ उकसाने के लिए उबला हुआ था।

परिपक्व मध्य युग XI-XIII सदियों।

परिपक्व मध्य युग की एक विशेषता विशेषता विकास है बर्गर संस्कृति ... इसका ध्यान चर्च-विरोधी, स्वतंत्र विचार, हँसी और कार्निवल लोककथाओं के साथ संबंध था। पॉलीफोनी की नई विधाएं दिखाई देती हैं: एक मोटिव, जिसे स्वरों की मधुर भंगिमा की विशेषता होती है, इसके अलावा, विभिन्न ग्रंथों को एक साथ ही और यहां तक \u200b\u200bकि विभिन्न भाषाओं में गाया जाता है; मैड्रिगल मूल भाषा (इतालवी) में एक गीत है, काचा एक मुखर टुकड़ा है जिसमें एक पाठ है जिसमें शिकार का वर्णन है।

12 वीं शताब्दी के बाद से, वैगेंट और गोलियॉ लोक कला में शामिल हो गए, जो बाकी के विपरीत थे, साक्षर थे। विश्वविद्यालय मध्य युग की संगीत संस्कृति के वाहक बन गए। चूंकि मध्य युग की आधुनिक प्रणाली पवित्र संगीत के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी, इसलिए उन्हें चर्च मोड (आयोनियन मोड, आइओलियन मोड) कहा जाने लगा।

हेक्साकार्ड्स के सिद्धांत को भी आगे रखा गया था - केवल 6 डिग्री का उपयोग फ्रेट में किया गया था। भिक्षु गुइडो आरेतिन्स्की ने नोटों की रिकॉर्डिंग के लिए एक अधिक आदर्श प्रणाली बनाई, जिसमें 4 लाइनों की उपस्थिति थी, जिसके बीच एक तीसरा अनुपात और लाइनों का एक महत्वपूर्ण चिन्ह या रंग था। उन्होंने चरणों का शब्दांश नाम भी प्रस्तुत किया, अर्थात्, चरणों की ऊंचाई को अक्षरों के संकेतों द्वारा इंगित किया जाने लगा।

Ars Nova XIII-XV शतक

मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच संक्रमणकालीन अवधि XIV सदी थी। फ्रांस और इटली में इस अवधि को अर्स नोवा कहा जाता था, अर्थात "नई कला"। कला में नए प्रयोगों का समय आ गया है। रचनाकारों ने रचनाओं की रचना शुरू की, जिसकी लय पिछले वाले (फिलिप डे विट्री) की तुलना में बहुत अधिक जटिल हो गई।

इसके अलावा, पवित्र संगीत के विपरीत, यहां अर्धवृत्त पेश किए गए थे, जिसके परिणामस्वरूप यादृच्छिक स्वर उठते हैं और टोन में गिरावट शुरू होती है, लेकिन यह अभी तक मॉड्यूलेशन नहीं है। इस तरह के प्रयोगों के परिणामस्वरूप, ऐसे काम प्राप्त किए गए जो दिलचस्प हैं, लेकिन हमेशा व्यर्थ से दूर हैं। सोलायज उस समय के सबसे प्रतिभाशाली प्रायोगिक संगीतकार थे। मध्य युग की संगीत संस्कृति प्राचीन दुनिया की संस्कृति की तुलना में अधिक विकसित है, सीमित साधनों के बावजूद और पुनर्जागरण में संगीत के फूल के लिए पूर्व शर्त शामिल हैं।