विदेशों का संगीत साहित्य, भाग 3। "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" और

विदेशों के संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स संगीत साहित्य पर मौजूदा पाठ्यपुस्तकों के अतिरिक्त हैं। मैनुअल की सामग्री PO.02.UP.03 विषय के कार्यक्रम से मेल खाती है। संस्कृति मंत्रालय द्वारा अनुशंसित संगीत कला "पियानो", "स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट्स", "विंड एंड पर्क्यूशन इंस्ट्रूमेंट्स", "लोक इंस्ट्रूमेंट्स", "कोरल सिंगिंग" के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का "संगीत साहित्य"। रूसी संघ के।

संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स मानवीय शिक्षा और छात्रों की विशेष दक्षताओं को विकसित करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं, विशेष रूप से: "... संगीत की सोच, संगीत कार्यों की धारणा और विश्लेषण के कौशल, संगीत रूप के पैटर्न के बारे में ज्ञान प्राप्त करने के लिए, संगीत की भाषा की बारीकियों के बारे में, संगीत के अभिव्यंजक साधनों के बारे में" 1 .

पाठ्यपुस्तक सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युगों के संदर्भ में संगीतकारों के काम को प्रस्तुत करती है, ऐतिहासिक घटनाओं और संबंधित कलाओं के निकट संबंध में अध्ययन किया जाता है। सार सामग्री वी.एन. ब्रायंटसेवा, वी.एस. गलात्सकाया, एल.वी. किरिलिना, वी.डी. कोनन, टी.एन. लिवानोवा, आई.डी. प्रोखोरोवा और अन्य प्रसिद्ध संगीतज्ञों, सामान्यीकृत और संक्षिप्त निर्देशात्मक सामग्री द्वारा संगीत और संगीत साहित्य के इतिहास पर शोध का मुख्य शोध है। तालिकाओं, आरेखों और दृश्य समर्थनों की। दृश्य समर्थन (प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा चित्रों का पुनरुत्पादन, संगीतकारों, उनके रिश्तेदारों और दोस्तों के चित्र, संस्कृति और कला के प्रमुख आंकड़े, ऐतिहासिक आंकड़े, आदि) न केवल मौखिक जानकारी के साथ और पूरक हैं, बल्कि जुर्माना के क्षेत्र में जानकारी के वाहक हैं। कला, संगीत में युगों और प्रवृत्तियों से सीधे संबंधित हैं, संगीतकारों का काम, यूरोपीय देशों के इतिहास, संस्कृति और कला को दर्शाता है।

सहायक नोटों की सामग्री में चार खंड होते हैं, जो बदले में, प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति से 19 वीं शताब्दी के रोमांटिक संगीतकारों के काम के लिए यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को कवर करने वाले विषयों में विभाजित होते हैं। तो पहला खंड प्राचीन ग्रीस, मध्य युग और पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की जांच करता है। दूसरा खंड बारोक युग, जे.एस. बाख और जी.एफ. हैंडेल के कार्यों का अध्ययन करता है। तीसरा खंड क्लासिकवाद के युग को समर्पित है, जहां विनीज़ क्लासिक्स के काम पर जोर दिया गया है - जे। हेडन, डब्ल्यू। ए। मोजार्ट और एल। बीथोवेन। चौथा खंड रोमांटिकतावाद के युग पर सामग्री प्रस्तुत करता है, एफ। शुबर्ट और एफ। चोपिन का काम, उन्नीसवीं शताब्दी के रोमांटिक संगीतकारों एफ। मेंडेलसोहन, एफ। लिस्ट्ट, आर। शुमान, जी। बर्लियोज़ के काम का एक संक्षिप्त अवलोकन। डी. वर्डी, आर. वैगनर, जे. ब्राह्म्स, जे. बिज़ेट.

मैनुअल में पाठ में पाए गए अर्थों, शब्दों और अवधारणाओं के शब्दकोश, एक संक्षिप्त विश्लेषण और अध्ययन किए गए कार्यों के संगीत उदाहरण भी शामिल हैं।

तालिकाओं और आरेखों में सामग्री की एक सख्त प्रस्तुति के साथ, मैनुअल में संगीतकारों के जीवन से दिलचस्प तथ्य शामिल हैं, जो एक कथा के रूप में प्रस्तुत किए गए हैं और रंगीन कलात्मक चित्रों के साथ हैं, जो बच्चों की धारणा और ध्यान को ताज़ा करते हैं।

विदेशों के संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स बच्चों के कला स्कूल, बच्चों के संगीत स्कूल के अध्ययन के दूसरे और तीसरे वर्ष (ग्रेड 5 और 6) के छात्रों के लिए अभिप्रेत हैं, जो क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का अध्ययन कर रहे हैं। संगीत कला का। बच्चों के संगीत विद्यालयों के संगीत-सैद्धांतिक और विशेष विषयों के शिक्षक, बच्चों के कला विद्यालय नई सामग्री का अध्ययन करते समय, कवर किए गए विषयों को दोहराते और व्यवस्थित करते समय, छात्रों के मध्यवर्ती और अंतिम प्रमाणीकरण की तैयारी, संगीत-सैद्धांतिक ओलंपियाड की तैयारी, स्वतंत्र कार्य के लिए पाठ्यपुस्तक का उपयोग कर सकते हैं। छात्रों, समूह और व्यक्तिगत प्रशिक्षण, आंशिक रूप से अतिरिक्त सामान्य विकास कार्यक्रमों को लागू करते समय संगीत कला के क्षेत्र, सांस्कृतिक और शैक्षिक गतिविधियों में।

संदर्भ नोट्स के साथ एक कार्यपुस्तिका होती है, जिसे कक्षा में काम करने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

नीचे "विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स" मैनुअल के अंश दिए गए हैं।

तात्याना गुरेवना सेवलीवा के मैनुअल "विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर संदर्भ नोट्स" की खरीद के लिए, कृपया लेखक से संपर्क करें [ईमेल संरक्षित]

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1 विषय PO.02 के लिए अनुकरणीय कार्यक्रम। यूपी.03. संगीत साहित्य। - मास्को 2012

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संगीत पुस्तकालय हमें खुशी है कि आपने हमारे संगीत पुस्तकालय में अपनी रुचि की सामग्री ढूंढ ली है और डाउनलोड कर ली है। पुस्तकालय लगातार नए कार्यों और सामग्रियों के साथ अद्यतन किया जाता है, और अगली बार आप निश्चित रूप से अपने लिए कुछ नया और दिलचस्प पाएंगे। परियोजना का पुस्तकालय पाठ्यक्रम के आधार पर पूरा किया जाता है, साथ ही छात्रों के क्षितिज को पढ़ाने और विस्तार करने के लिए अनुशंसित सामग्री के आधार पर पूरा किया जाता है। छात्रों और शिक्षकों दोनों को यहां उपयोगी जानकारी मिलेगी। पुस्तकालय पद्धति संबंधी साहित्य भी प्रस्तुत करता है। हमारे पालतू जानवर संगीतकार और कलाकार समकालीन कलाकार यहां आपको प्रमुख कलाकारों, संगीतकारों, प्रसिद्ध संगीतकारों की जीवनी के साथ-साथ उनके काम भी मिलेंगे। कार्य अनुभाग में, हम प्रदर्शन की रिकॉर्डिंग पोस्ट करते हैं जो आपको सीखने में मदद करेगी, आप सुनेंगे कि यह काम कैसा लगता है, उच्चारण और काम की बारीकियां। हम classON.ru पर आपका इंतजार कर रहे हैं। वी.एन. ब्रायंटसेवा जोहान सेबेस्टियन बाख 1685 - 1750 वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट 1756 - 1791 फ्रांज शुबर्ट 1797 - 1828 www.classON.ru जोसेफ हेडन 1732 - 1809 लुडविग वैन बीथोवेन 1770 - 1827 फ्राइडरिक चोपिन 1810 - 1949 रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा के बारे में यह लगभग 10वीं शताब्दी ईसा पूर्व से अधिक से अधिक प्रचुर मात्रा में हो गया। दृश्य कला विकसित हो रही है - और कलाकार संगीतकारों को चित्रित करते हैं जो धार्मिक संस्कारों, सैन्य अभियानों, शिकार, गंभीर जुलूसों, गायन और वादन के साथ नृत्य करते हैं। इस तरह की छवियों को, विशेष रूप से, मंदिरों की दीवारों और खुदाई के दौरान मिले चीनी मिट्टी के फूलदानों पर संरक्षित किया गया है। लेखन प्रकट होता है - और पांडुलिपियों के लेखक गीतों और भजनों के काव्य ग्रंथों का परिचय देते हैं, संगीतमय जीवन के बारे में दिलचस्प जानकारी प्रदान करते हैं। समय के साथ, लेखक संगीत के बारे में दार्शनिक चर्चा, इसकी महत्वपूर्ण सामाजिक, शैक्षिक भूमिका सहित, साथ ही साथ इसकी भाषा के तत्वों के सैद्धांतिक अध्ययन पर बहुत ध्यान देते हैं। इनमें से अधिकांश जानकारी प्राचीन विश्व के कुछ देशों में संगीत के बारे में संरक्षित थी, उदाहरण के लिए, प्राचीन चीन, प्राचीन भारत, प्राचीन मिस्र, विशेष रूप से तथाकथित प्राचीन देशों में - प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम, जहां यूरोपीय संस्कृति की नींव 2 रखे गए थे। जे.एस. बाख के लिए प्राचीन काल का संगीत प्रिय बच्चों! पिछले साल आपके पास पहले से ही संगीत साहित्य का पाठ था। उन्होंने संगीत की भाषा के मूल तत्वों, कुछ संगीत रूपों और शैलियों, संगीत की अभिव्यंजक और दृश्य संभावनाओं और ऑर्केस्ट्रा पर चर्चा की। उसी समय, बातचीत स्वतंत्र रूप से विभिन्न युगों के बारे में आयोजित की गई थी - या तो पुरातनता के बारे में, या आधुनिकता के बारे में, या हमसे कम या अधिक दूर सदियों में लौटने के बारे में। और अब यह कालानुक्रमिक - ऐतिहासिक - क्रम 1 में संगीत साहित्य से परिचित होने का समय है। प्राचीन ग्रीस में संगीत के बारे में हमें प्राचीन विश्व के संगीत के बारे में जानकारी कैसे मिली पुरातनता की महान सांस्कृतिक और ऐतिहासिक भूमिका का पुख्ता सबूत यह तथ्य है कि प्राचीन ग्रीस में 8 वीं शताब्दी ईसा पूर्व में सार्वजनिक खेल प्रतियोगिताओं - ओलंपिक खेलों - का जन्म हुआ था। . और दो सदियों बाद, संगीत प्रतियोगिताएं वहां आयोजित की जाने लगीं - पाइथियन गेम्स, जिन्हें आधुनिक प्रतियोगिताओं के दूर के पूर्वज माना जा सकता है। कला के संरक्षक, सूर्य और प्रकाश के देवता, अपोलो के सम्मान में बनाए गए मंदिर में पाइथियन खेल आयोजित किए गए थे। पुराणों के अनुसार राक्षसी नाग अजगर को हराकर उसने स्वयं इन खेलों की स्थापना की थी। यह ज्ञात है कि एक बार वे आर्गोस से सक्कड़ द्वारा जीते गए थे, औलोस पर बजाते हुए, ओबो के करीब एक वायु वाद्य यंत्र, अपोलो के संघर्ष के बारे में एक कार्यक्रम नाटक, पायथन के साथ। प्राचीन ग्रीक संगीत के लिए कविता के साथ एक विशिष्ट संबंध था, नृत्य, रंगमंच। महान कवि होमर को जिम्मेदार ठहराए गए वीर महाकाव्य "इलियड" और "ओडिसी" को एक गाने की आवाज में गाया गया था। गायक आमतौर पर पौराणिक ऑर्फ़ियस की तरह, काव्य पाठ और संगीत दोनों के लेखक थे, और वे स्वयं गीत पर स्वयं के साथ थे। उत्सव में पैंटोमिमिक इशारों के साथ कोरल नृत्य गीतों का प्रदर्शन किया गया। प्राचीन ग्रीक त्रासदियों और हास्य में, एक बड़ी भूमिका गाना बजानेवालों की थी: उन्होंने कार्रवाई पर टिप्पणी की, अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया। खुदाई करते समय, पुरातत्वविदों ने सबसे सरल संगीत वाद्ययंत्र (उदाहरण के लिए, पवन वाद्ययंत्र - ड्रिल किए गए छेद वाले जानवरों की हड्डियों) को पाया और निर्धारित किया कि वे लगभग चालीस हजार साल पहले बनाए गए थे। नतीजतन, संगीत की कला पहले से ही मौजूद थी। 1877 में फोनोग्राफ का आविष्कार होने के बाद - यांत्रिक रिकॉर्डिंग और ध्वनि के पुनरुत्पादन के लिए पहला उपकरण, संगीतकार-शोधकर्ताओं ने दुनिया के उन कोनों की यात्रा करना शुरू कर दिया जहां कुछ जनजातियों के पास अभी भी जीवन का एक आदिम तरीका था। ऐसी जनजातियों के प्रतिनिधियों से, उन्होंने फोनोग्राफ की मदद से गायन और वाद्य धुनों के नमूने रिकॉर्ड किए। लेकिन इस तरह की रिकॉर्डिंग, निश्चित रूप से, केवल एक अनुमानित विचार देती है कि उन प्राचीन काल में संगीत कैसा था। शब्द "कालक्रम" (इसका अर्थ है "समय में ऐतिहासिक घटनाओं का क्रम") दो ग्रीक शब्दों - "क्रोनोस" ("समय") और "लोगो" ("सिद्धांत") से आया है। 1 लैटिन शब्द "एंटीगुस" का अर्थ है "प्राचीन"। इससे व्युत्पन्न शब्द "प्राचीन" प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम के इतिहास और संस्कृति को दर्शाता है। 2 2 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा नायकों के कार्यों पर आधारित है। आधुनिक संगीतशास्त्रियों के पास प्राचीन दुनिया में संगीत के बारे में कुछ जानकारी है और फिर भी अन्य कलाओं के इतिहासकारों से ईर्ष्या करते हैं। प्राचीन वास्तुकला, प्राचीन ललित कला, विशेष रूप से मूर्तिकला के शानदार स्मारकों की एक बड़ी संख्या के लिए संरक्षित किया गया है, महान प्राचीन नाटककारों द्वारा त्रासदियों और हास्य के ग्रंथों के साथ कई पांडुलिपियों की खोज की गई है। लेकिन उसी युग में और बहुत बाद में बनाई गई संगीतमय कृतियाँ हमारे लिए अनिवार्य रूप से अज्ञात हैं। ऐसा क्यों हुआ? तथ्य यह है कि संगीत संकेतन (नोटेशन) की पर्याप्त सटीक और सुविधाजनक प्रणाली का आविष्कार करना एक बहुत ही कठिन काम था, जिसे आप में से प्रत्येक ने तब महारत हासिल की जब आप संगीत सीखना शुरू कर रहे थे। इसे हल करने में कई शताब्दियां लगीं। सच है, प्राचीन यूनानियों ने अक्षर संकेतन का आविष्कार किया था। उन्होंने वर्णमाला के कुछ अक्षरों के साथ संगीत मोड के चरणों को निर्दिष्ट किया। लेकिन लयबद्ध संकेत (डैश से) हमेशा नहीं जोड़े जाते थे। केवल उन्नीसवीं शताब्दी ईस्वी के मध्य में, वैज्ञानिकों ने अंततः इस संकेतन के रहस्यों को उजागर किया। हालांकि, अगर वे प्राचीन ग्रीक संगीत पांडुलिपियों में ऊंचाई में ध्वनियों के अनुपात को ठीक से समझने में सक्षम थे, तो अवधि में अनुपात केवल लगभग है। इसके अलावा, बहुत कम ऐसी पांडुलिपियां मिली हैं, और उनमें केवल कुछ मोनोफोनिक कार्यों (उदाहरण के लिए, भजन) और अधिक बार - उनके टुकड़े के रिकॉर्ड हैं। पर्याप्त दृश्यता। इसलिए, संगीतकारों ने लंबे समय से सहायक संकेत चिह्नों का उपयोग किया है। इन चिह्नों को मंत्रों के शब्दों के ऊपर रखा गया था और व्यक्तिगत ध्वनियों या उनके छोटे समूहों को निरूपित किया गया था। उन्होंने ऊंचाई या अवधि में ध्वनियों के सटीक अनुपात का संकेत नहीं दिया। लेकिन अपने शिलालेख के साथ, उन्होंने कलाकारों को माधुर्य आंदोलन की दिशा की याद दिला दी, जो इसे दिल से जानते थे और इसे एक पीढ़ी से दूसरी पीढ़ी तक पहुंचाते थे। पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों में, जिनके संगीत पर बाद में इस पाठ्यपुस्तक में चर्चा की जाएगी, ऐसे चिह्नों को न्यूम कहा जाता था। न्यूम का उपयोग प्राचीन कैथोलिक लिटर्जिकल भजनों को रिकॉर्ड करने के लिए किया जाता था - ग्रेगोरियन मंत्र। यह सामान्य नाम पोप ग्रेगरी I3 के नाम से लिया गया है। किंवदंती के अनुसार, छठी शताब्दी के अंत में, उन्होंने इन मोनोफोनिक मंत्रों का मुख्य संग्रह संकलित किया। केवल पुरुषों और लड़कों द्वारा चर्च सेवा के दौरान प्रदर्शन करने का इरादा - एकल और गाना बजानेवालों द्वारा एकजुट, वे लैटिन प्रार्थना ग्रंथों में लिखे गए हैं। लेकिन 11वीं शताब्दी में, इतालवी भिक्षु गुइडो डी'अरेज़ो ("अरेज़ो से") ने संकेतन का एक नया तरीका ईजाद किया। उन्होंने मठ में कोरिस्टर लड़कों को पढ़ाया और चाहते थे कि उनके लिए आध्यात्मिक मंत्रों को याद करना आसान हो। उस समय तक, न्यूम्स को एक क्षैतिज रेखा पर, ऊपर और नीचे रखा जाने लगा। यह रेखा एक विशिष्ट ध्वनि से मेल खाती है और इस प्रकार रिकॉर्डिंग की अनुमानित ऊँचाई का स्तर निर्धारित करती है। और गुइडो एक साथ चार समानांतर रेखाएँ खींचने का विचार लेकर आया ( "शासक") एक-दूसरे से समान दूरी पर और उन पर और उनके बीच में नीम्स रखकर। इस तरह से पूर्वज आधुनिक संगीत कर्मचारियों का उदय हुआ - एक कड़ाई से पंक्तिबद्ध कैनवास की तरह, जिसने स्वरों द्वारा ध्वनियों के पिच अनुपात को सटीक रूप से इंगित करना संभव बना दिया। और सेमिटोन। और साथ ही, संगीत संकेतन अधिक दृश्य बन गया - एक राग की गति को दर्शाने वाली एक रेखा की तरह, इसके झुकना। शासकों के अनुरूप ध्वनियाँ, गुइडो ने लैटिन वर्णमाला के अक्षरों को नामित किया उनकी शैली बदलने लगी बाद में और अंत में संकेतों में बदल गए, जिन्हें उन्होंने चाबियां कहा। शासकों पर और उनके बीच "बैठे", समय के साथ वे अलग-अलग नोटों में बदल गए, जिसमें सिर पहले वर्गों के आकार के थे। प्रश्न और कार्य 1. वैज्ञानिकों के अनुसार सबसे पुराने वाद्य यंत्र कब बनाए गए थे? यह क्या कहता है? 2. फोनोग्राफ क्या है, इसका आविष्कार कब हुआ और शोधकर्ताओं ने इसका उपयोग कैसे शुरू किया? 3. प्राचीन विश्व के किन देशों के संगीत के बारे में सबसे अधिक जानकारी सुरक्षित रखी गई है? मानचित्र पर निर्धारित करें - किस समुद्र के चारों ओर ऐसे तीन देश स्थित थे। 4. प्राचीन संगीत प्रतियोगिताएं - पाइथियन गेम्स - कब और कहाँ आयोजित होने लगीं? 5. प्राचीन यूनान में संगीत किस कला से निकटता से जुड़ा था? 6. प्राचीन यूनानियों ने किस संकेत का आविष्कार किया था? यह किस प्रकार गलत है? "पोप ऑफ रोम" शीर्षक एक पादरी द्वारा धारण किया जाता है जो एक अंतरराष्ट्रीय आध्यात्मिक संगठन के रूप में कैथोलिक चर्च का प्रमुख होता है। कैथोलिक धर्म रूढ़िवादी और प्रोटेस्टेंटवाद के साथ ईसाई पंथों में से एक है। 4 प्राचीन रोम के लोग लैटिन बोलते थे। 476 में रोमन साम्राज्य के पतन के बाद, लैटिन धीरे-धीरे बोली जाने लगी। इससे तथाकथित रोमांस भाषाएँ आईं - इतालवी, फ्रेंच, स्पेनिश, पुर्तगाली। 3 मध्य युग में (इस ऐतिहासिक काल की शुरुआत को 6वीं शताब्दी ईस्वी माना जाता है) सुविधाजनक अंकन कैसे बनाया गया था, अक्षर संकेतन लगभग भुला दिया गया था। 3 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा अंकन की एक नई विधि के बारे में अफवाहें - जैसे किसी तरह का चमत्कार - पोप जॉन XIX तक पहुंच गया। उन्होंने गुइडो को अपने पास बुलाया और एक आविष्कृत रिकॉर्डिंग के अनुसार उनके लिए एक अज्ञात राग गाया। भविष्य में, समानांतर शासकों की संख्या कई बार बदली गई, ऐसा हुआ - अठारह तक भी बढ़ गया। केवल 17 वीं शताब्दी के अंत तक वर्तमान पांच-पंक्ति कर्मचारी "जीत" गए। कई अलग-अलग चाबियों का भी इस्तेमाल किया गया था। केवल उन्नीसवीं शताब्दी में ही तिहरा और बास फांक सबसे आम हो गए थे। गुइडो डी'अरेज़ो के आविष्कार के बाद, एक और कठिन कार्य लंबे समय तक हल किया गया था - संकेतन को कैसे सुधारें ताकि यह न केवल ऊंचाई में, बल्कि अवधि में भी ध्वनियों के सटीक अनुपात को इंगित करे। इसमें कई पारंपरिक नियम जोड़े गए। सबसे पहले, इसे व्यवहार में लागू करना मुश्किल बना दिया। और कई शताब्दियों के दौरान, एक और अधिक सुविधाजनक संकेतन धीरे-धीरे विकसित किया गया था - ठीक वही जिसे हम अभी भी उपयोग करना जारी रखते हैं। 17 वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद, इसमें केवल सुधार किया गया था विवरण। और ​​इसका लयबद्ध सिद्धांत, जो इतने लंबे समय से खोजा गया है, अब सबसे सरल बात लगती है। इसमें यह तथ्य शामिल है कि अवधि में एक पूरा नोट हमेशा दो हिस्सों के बराबर होता है - शैली में भिन्न, एक आधा - दो क्वार्टर, एक चौथाई - दो आठवें, और इसी तरह 16 वीं शताब्दी में सलाखों ने सलाखों को अलग करना शुरू कर दिया, और संगीत संकेतन की शुरुआत में आकार बिना असफलता के संकेत दिया गया था 17वीं सदी से है। हालाँकि, उस समय पहले से ही न केवल संगीत पांडुलिपियाँ थीं, बल्कि मुद्रित नोट भी थे। संगीत मुद्रण के लिए मुद्रण के आविष्कार के तुरंत बाद - 15 वीं शताब्दी के अंत में शुरू हुआ। प्राचीन दुनिया में और मध्य युग में लंबे समय तक, संगीत, एक नियम के रूप में, मोनोफोनिक था। केवल कुछ मामूली अपवाद थे। उदाहरण के लिए, एक गायक ने एक वाद्य यंत्र बजाते हुए एक गीत का प्रदर्शन किया और उसे डब किया (अर्थात उसे उसी समय बजाया)। उसी समय, आवाज और यंत्र कभी-कभी थोड़ा फैल सकता है, एक दूसरे से विचलित हो सकता है और जल्द ही फिर से मिल सकता है। इस प्रकार, एक मोनोफोनिक ध्वनि धारा में, दो-आवाज का "द्वीप" उत्पन्न हुआ और गायब हो गया। लेकिन हमारे युग की पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनिक गोदाम लगातार विकसित होना शुरू हुआ और बाद में पेशेवर संगीत कला में प्रमुख हो गया। यह जटिल और लंबा गठन मुख्य रूप से कैथोलिक चर्च संगीत के क्षेत्र में केंद्रित है। मामला निम्नलिखित तकनीक के आविष्कार (किसके द्वारा - अज्ञात) के साथ शुरू हुआ। एक गायक (या कई गायकों) ने मुख्य आवाज का प्रदर्शन किया - ग्रेगोरियन मंत्र की धीमी चिकनी धुन। और दूसरी आवाज समानांतर में सख्ती से चलती थी - बिल्कुल उसी लय में, केवल हर समय एक सप्तक, या एक क्वार्ट, या एक क्विंट की दूरी पर। अब, हमारे कानों में, यह बहुत खराब लगता है, "खाली"। लेकिन एक हजार साल पहले, इस तरह के गायन, एक चर्च, एक गिरजाघर की तिजोरी के नीचे गूँजते हुए, चकित और प्रसन्न होकर, संगीत के लिए नई अभिव्यंजक संभावनाओं को खोल दिया। कुछ समय बाद, चर्च के संगीतकारों ने दूसरी आवाज को आगे बढ़ाने के अधिक लचीले और विविध तरीकों की तलाश शुरू कर दी। और फिर उन्होंने अधिक से अधिक कुशलता से तीन, चार आवाजों को जोड़ना शुरू किया, बाद में कभी-कभी और भी आवाजें। प्रश्न और कार्य 1. अभ्यास पत्र अंकन में क्या असुविधाजनक था? 2. मध्ययुगीन गायकों को न्यूम ने क्या सुझाव दिया? 3. ग्रेगोरियन मंत्र क्या है और इसे क्यों कहा जाता है? 4. गुइडो डी'अरेज़ो के आविष्कार के सार की व्याख्या करें। 5. गुइडो के आविष्कार के बाद हल किया जाने वाला अगला कार्य क्या था? 6. कब से संकेतन अब महत्वपूर्ण रूप से नहीं बदला? चर्च संगीतकार पेरोटिन। वह गायन के एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि थे। कला - पेरिसियन "स्कूल ऑफ नॉट्रे डेम" ("स्कूल ऑफ अवर लेडी")। पेरोटिन के मंत्र उल्लेखनीय सुंदरता की इमारत में लग रहे थे। यह मध्यकालीन गोथिक वास्तुकला का एक प्रसिद्ध स्मारक है, जिसका वर्णन XIX सदी के फ्रांसीसी लेखक विक्टर ह्यूगो ने किया है। प्रसिद्ध में "नोट्रे डेम कैथेड्रल" उपन्यास में। संगीत में पॉलीफोनी का विकास कैसे शुरू हुआ इस तरह पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ। ग्रीक भाषा से अनुवादित, इस शब्द का अर्थ "पॉलीफोनी" है। लेकिन पॉलीफोनी को केवल इस प्रकार की पॉलीफोनी कहा जाता है जो दो या दो से अधिक समान स्वर एक साथ ध्वनि करते हैं, इसके अलावा, उनमें से प्रत्येक की अपनी स्वतंत्र मधुर रेखा होती है। यदि एक आवाज मुख्य राग का नेतृत्व करती है, जबकि अन्य इसके अधीन हैं (इसके साथ, इसके साथ), तो यह समरूपता है - दूसरा। अंकन के सुधार के लिए धन्यवाद, धीरे-धीरे, विशेष रूप से 13 वीं शताब्दी से, संगीत पांडुलिपियां अधिक होने लगीं और अधिक सटीक रूप से व्याख्या की गई। इससे न केवल संगीत संस्कृति के बारे में जानकारी प्राप्त करना संभव हो गया, बल्कि पिछले युगों के संगीत से भी परिचित होना संभव हो गया। यह कोई संयोग नहीं था कि अंकन की सफलताएं पॉलीफोनी के विकास की शुरुआत के साथ मेल खाती हैं - संगीत कला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण चरण। 4 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मास एक प्रमुख संगीत शैली बन गई है। साधारण मास 5 में भक्ति लैटिन ग्रंथों के छह मुख्य मंत्र शामिल हैं। ये हैं "किरियो एलिसन" ("भगवान, दया करो"), "ग्लोरिया" ("महिमा"), "क्रेडो" ("आई बिलीव"), "सैंक्टस" ("पवित्र"), "बेनेडिक्टस" ("धन्य" ) और "अग्नुस देई" ("भगवान का मेमना")। प्रारंभ में, ग्रेगोरियन मंत्र जनसमूह में एक स्वर में लगता था। लेकिन लगभग 15वीं शताब्दी तक, द्रव्यमान जटिल पॉलीफोनिक भागों के चक्र में बदल गया था। साथ ही, नकल का उपयोग बहुत कुशलता से किया जाने लगा। लैटिन से अनुवादित "इमिटेटियो" का अर्थ है "नकल"। संगीत में, कोई कभी-कभी अतिरिक्त-संगीत ध्वनियों की नकल कर सकता है, उदाहरण के लिए, एक कोकिला की तड़प, कोयल की पुकार, समुद्री लहरों की आवाज़। तब इसे ओनोमेटोपोइया या ओनोमेटोपोइया कहा जाता है। और संगीत में अनुकरण एक ऐसी तकनीक है, जब एक स्वर में एक राग समाप्त होने के बाद, दूसरी आवाज बिल्कुल (या बिल्कुल नहीं) इसे दूसरी ध्वनि से दोहराती है। फिर अन्य आवाजें उसी तरह प्रवेश कर सकती हैं। होमोफोनिक संगीत में, नकल संक्षिप्त रूप से दिखाई दे सकती है। और पॉलीफोनिक संगीत में, यह विकास के मुख्य तरीकों में से एक है। यह मधुर गति को लगभग निरंतर बनाने में मदद करता है: सभी आवाजों में एक साथ विराम और ताल पॉलीफोनिक संगीत में केवल दुर्लभ अपवादों के रूप में होते हैं। अन्य पॉलीफोनिक उपकरणों के साथ नकल को मिलाकर, संगीतकारों ने अपने द्रव्यमान को बड़े कोरल कार्यों में बनाया जिसमें चार या पांच आवाज एक जटिल ध्वनि कपड़े में गुंथी हुई हैं। इसमें, ग्रेगोरियन मंत्र के माधुर्य को भेद करना पहले से ही कठिन है और प्रार्थना के शब्दों को सुनना उतना ही कठिन है। यहां तक ​​कि जनता भी थी जहां लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की धुनों को मुख्य के रूप में इस्तेमाल किया गया था। इस स्थिति ने सर्वोच्च कैथोलिक आध्यात्मिक अधिकारियों को चिंतित कर दिया। 16वीं शताब्दी के मध्य में, चर्च सेवाओं के दौरान आम तौर पर पॉलीफोनिक गायन पर प्रतिबंध लगाने जा रहा था। लेकिन इस तरह का प्रतिबंध अद्भुत इतालवी संगीतकार फिलिस्तीन के लिए धन्यवाद नहीं हुआ, जिन्होंने अपना लगभग पूरा जीवन रोम में बिताया और पोप दरबार के करीब थे (उनका पूरा नाम जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीन है, जो कि "फिलिस्तीन से" है - ए रोम के पास छोटा शहर)। फिलिस्तीन, अपने लोगों के साथ (और उन्होंने उनमें से सौ से अधिक लिखा), पॉलीफोनी की उपस्थिति में कामयाब रहे। चूंकि संगत में राग-हार्मोनिक आधार होता है, संगीत प्रस्तुति के होमोफ़ोनिक गोदाम को होमोफ़ोनिक-हार्मोनिक भी कहा जाता है। प्रश्न और कार्य 1. संगीत पांडुलिपियां कब से अधिक से अधिक सटीक रूप से समझी जाने लगीं? 2. संगीत कला के इतिहास में किस महत्वपूर्ण नए चरण के साथ अंकन की सफलता मेल खाती है? 3. कब, किस संगीत में और किन धुनों के आधार पर धीरे-धीरे पॉलीफोनी का निर्माण हुआ? 4. एक समानांतर दो-आवाज क्या थी? कई समानांतर चौथे, पांचवें और सप्तक को एक साथ गाएं। 5. पॉलीफोनी और होमोफोनी में क्या अंतर है? पॉलीफोनी का विकास कैसे हुआ जबकि चर्च गायन में पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ, धर्मनिरपेक्ष संगीत में मोनोफोनी हावी रही। उदाहरण के लिए, 12वीं-14वीं शताब्दी में मध्यकालीन कवियों-गायकों द्वारा रचित और प्रस्तुत किए गए मोनोफोनिक गीतों की कई रिकॉर्डिंग को डिक्रिप्ट किया गया है। फ्रांस के दक्षिण में, प्रोवेंस में, उन्हें परेशान करने वाले कहा जाता था, फ्रांस के उत्तर में - ट्रौवर्स, जर्मनी में - मिनेसिंगर्स। उनमें से कई प्रसिद्ध शूरवीर थे और उनके गीतों में अक्सर "सुंदर महिला" की सुंदरता और गुण गाते थे जिनकी वे पूजा करते थे। इन कवियों-गायकों के गीतों की धुन अक्सर लोक धुनों के करीब होती थी, जिसमें नृत्य भी शामिल थे, और लय काव्य पाठ की लय के अधीन थी। बाद में, XIV-XVI सदियों में, कारीगरों में से जर्मन कवि-गायक कार्यशालाओं में एकजुट हुए, खुद को मिस्टरिंगर्स ("मास्टर गायक") कहते थे। चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत मोनोफोनी एक-दूसरे से अलग नहीं हुए। इस प्रकार, में ग्रेगोरियन मंत्र में आध्यात्मिक मंत्रों में जो आवाजें जोड़ी गईं, धर्मनिरपेक्ष गीतों का प्रभाव (उदाहरण के लिए, संकटमोचनों और संकटमोचनों के गीत) ध्यान देने योग्य हो गए। उसी समय, 13वीं शताब्दी के अंत तक, विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक कार्यों में दिखाई दिया फ़्रांस, जहां सभी आवाज़ों की पार्टियां एक गीत चरित्र की धुनों पर आधारित थीं, और ग्रंथों की रचना लैटिन में नहीं, बल्कि फ्रेंच में की गई थी। समय के साथ, कैथोलिक चर्च संगीत में, चर्च की छुट्टियों के लिए समर्पित विशेष जनता अभी भी है। याद रखें कि चक्र कई अलग-अलग हिस्सों (या टुकड़ों) का एक काम है, जो एक आम विचार से एकजुट है। ) एक मधुर और हार्मोनिक मोड़ है जो संगीत के पूरे टुकड़े या उसके खंड 5 6 5 www.classON.ru को पूरा करता है। रूसी कला के क्षेत्र में शिक्षा यह साबित करने के लिए कि पॉलीफोनिक रचनाएँ, बहुत कुशल रहते हुए, पारदर्शी रूप से ध्वनि कर सकती हैं और लिटर्जिकल ग्रंथों को स्पष्ट रूप से सुना जा सकता है। फिलिस्तीन का संगीत तथाकथित सख्त शैली के प्राचीन कोरल पॉलीफोनी की चोटियों में से एक है। यह हमें प्रबुद्ध उदात्त चिंतन की दुनिया में ले जाती है - जैसे कि यह एक सम, शांत करने वाली चमक बिखेरती है। कवि, संगीतकार, वैज्ञानिक और कला प्रेमी। संगत के साथ एक नए प्रकार के अभिव्यंजक एकल गायन को बनाने और इसे नाट्य क्रिया के साथ संयोजित करने के विचार से वे प्रभावित हुए। इस तरह से पहले ओपेरा का जन्म हुआ, जिसके भूखंड प्राचीन पौराणिक कथाओं से लिए गए थे। संगीतकार जैकोपो पेरी (वाई। कोरिया के साथ) और कवि ओ। रिनुकिनी द्वारा रचित सबसे पहले "डैफ्ने" है। यह 1597 में फ्लोरेंस में किया गया था (पूरी तरह से काम संरक्षित नहीं किया गया है)। प्राचीन ग्रीक पौराणिक कथाओं में, डाफ्ने नदी देवता लाडोन और पृथ्वी देवी गैया की बेटी है। अपोलो के उत्पीड़न से भागकर, उसने देवताओं से मदद के लिए प्रार्थना की और उसे लॉरेल (ग्रीक में "डैफ्ने" - "लॉरेल") - अपोलो के पवित्र वृक्ष में बदल दिया गया। चूंकि अपोलो को कला का संरक्षक देवता माना जाता था, पाइथियन खेलों के विजेताओं को लॉरेल पुष्पांजलि के साथ ताज पहनाया जाने लगा, जिसके संस्थापक को अपोलो माना जाता था। लॉरेल पुष्पांजलि और लॉरेल की एक अलग शाखा जीत, महिमा और इनाम के प्रतीक बन गए हैं। 1600 में रचित दो अन्य ओपेरा (एक जे. पेरी द्वारा, दूसरा जी. काक्किनी द्वारा) दोनों को "यूरीडाइस" कहा जाता है क्योंकि वे दोनों महान गायक ऑर्फियस के प्राचीन ग्रीक मिथक पर आधारित एक ही काव्य पाठ का उपयोग करते हैं। पहले इतालवी ओपेरा महलों और कुलीन लोगों के घरों में प्रदर्शित किए गए थे। ऑर्केस्ट्रा में कुछ प्राचीन वाद्ययंत्र शामिल थे। इसका नेतृत्व एक संगीतकार ने किया था जिसने सेम्बालो (हार्पसीकोर्ड का इतालवी नाम) बजाया था। अभी तक कोई ओवरचर नहीं था, और प्रदर्शन की शुरुआत तुरही की धूमधाम से हुई। और मुखर भागों में, सस्वर पाठ प्रबल था, जिसमें संगीत का विकास काव्य पाठ के अधीन था। जल्द ही, हालांकि, संगीत ने ओपेरा में तेजी से स्वतंत्र और महत्वपूर्ण महत्व हासिल करना शुरू कर दिया। यह पहले उत्कृष्ट ओपेरा संगीतकार - क्लाउडियो मोंटेवेर्डी की योग्यता है। उनका पहला ओपेरा - "ऑर्फ़ियस" - 1607 में मंटुआ में मंचित किया गया था। उसका नायक फिर से वही महान गायक है जिसने अपनी कला के साथ मृतकों के अंडरवर्ल्ड के देवता हेड्स को खुश किया, और उसने ऑर्फियस की प्यारी पत्नी यूरीडाइस को धरती पर रिहा कर दिया। लेकिन पाताल लोक की स्थिति - अपने राज्य को छोड़ने से पहले, यूरीडाइस को कभी न देखें - ऑर्फियस ने उल्लंघन किया और फिर से, हमेशा के लिए उसे खो दिया। मोंटेवेर्डी के संगीत ने इस दुखद कहानी को एक अभूतपूर्व गेय और नाटकीय अभिव्यक्ति दी। मोंटेवेर्डी के ऑर्फियस में मुखर भागों, गायन, आर्केस्ट्रा के एपिसोड प्रकृति में बहुत अधिक विविध हो गए। इस काम में, एक मधुर एरियोज़ शैली ने आकार लेना शुरू किया - इतालवी ओपेरा संगीत का सबसे महत्वपूर्ण विशिष्ट गुण। फ्लोरेंस के उदाहरण के बाद, ओपेरा की रचना और प्रदर्शन न केवल मंटुआ में, बल्कि रोम, वेनिस और नेपल्स जैसे इतालवी शहरों में भी किया जाने लगा। अन्य यूरोपीय देशों और उनके प्रश्न और कार्य 1 में नई शैली में रुचि पैदा होने लगी। ट्रौबाडोर्स, ट्रौवर्स, माइनसिंगर और मास्टर्सिंगर कौन हैं? 2. क्या प्राचीन चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत की धुनों के बीच कोई संबंध है? 3. साधारण द्रव्यमान के मुख्य भागों के नाम लिखिए। 4. संगीत में ओनोमेटोपोइया के उदाहरण दीजिए। 5. संगीत में अनुकरण को क्या कहते हैं? 6. फिलिस्तीन ने अपने जनसमूह में क्या हासिल करने का प्रबंधन किया? ओपेरा का जन्म। Oratorio और cantata 17वीं शताब्दी की शुरुआत से ठीक पहले - ऐतिहासिक काल की पहली शताब्दी जिसे मॉडर्न टाइम्स कहा जाता है - संगीत की कला में अत्यधिक महत्व की एक घटना हुई: ओपेरा का जन्म इटली में हुआ था। प्राचीन काल से विभिन्न नाट्य प्रस्तुतियों में संगीत का उपयोग किया जाता रहा है। उनमें, वाद्य और कोरल नंबरों के साथ, व्यक्तिगत गायन एकल, जैसे गाने, का प्रदर्शन किया जा सकता था। और ओपेरा में गायक और गायक अभिनेता और अभिनेत्री बन गए। उनके गायन, ऑर्केस्ट्रा के साथ, मंच क्रिया के संयोजन में प्रदर्शन की मुख्य सामग्री को व्यक्त करना शुरू किया। यह दृश्यों, वेशभूषा और अक्सर नृत्य - बैले द्वारा पूरक होता है। इस प्रकार, ओपेरा में, संगीत ने विभिन्न कलाओं के घनिष्ठ समुदाय का नेतृत्व किया। इसने उसके लिए महान नई कलात्मक संभावनाएं खोलीं। ओपेरा गायकों ने अभूतपूर्व शक्ति के साथ लोगों के व्यक्तिगत भावनात्मक अनुभवों को व्यक्त करना शुरू किया - हर्षित और दुखी दोनों। उसी समय, ओपेरा में सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यंजक साधन आर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल गायन आवाज का होमोफोनिक संयोजन था। और अगर 17 वीं शताब्दी तक पश्चिमी यूरोप में पेशेवर संगीत मुख्य रूप से चर्च में विकसित हुआ, और द्रव्यमान सबसे बड़ी शैली थी, तो संगीत थिएटर मुख्य केंद्र बन गया, और सबसे बड़ी शैली ओपेरा थी। 16 वीं शताब्दी के अंत में इतालवी शहर फ्लोरेंस में एक सर्कल 6 एकत्र हुआ www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा शासकों ने इसे इतालवी संगीतकारों को अपनी अदालत सेवा में आमंत्रित करने के लिए एक प्रथा के रूप में लिया। इसने इस तथ्य में योगदान दिया कि लंबे समय तक इतालवी संगीत यूरोप में सबसे प्रभावशाली बन गया। फ्रांस में, 17 वीं शताब्दी में, इसका अपना राष्ट्रीय ओपेरा उभरा, जो इतालवी से अलग था। इसके संस्थापक - जीन-बैप्टिस्ट एल यूल एल और - जन्म से इतालवी। फिर भी, उन्होंने फ्रांसीसी संस्कृति की विशिष्टताओं को सही ढंग से महसूस किया और एक प्रकार की फ्रांसीसी ऑपरेटिव शैली बनाई। लूली के ओपेरा में, एक ओर एक पाठ्य प्रकृति के सस्वर पाठ और छोटे अरिया, एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लेते हैं, और दूसरी ओर, बैले नृत्य, गंभीर मार्च और स्मारकीय गायक मंडलियां। पौराणिक कथानकों, भव्य परिधानों, नाट्य मशीनों की सहायता से जादुई चमत्कारों के चित्रण के साथ, यह सब फ्रांसीसी राजा लुई XIV के शासनकाल के दौरान दरबारी जीवन की प्रतिभा और वैभव के अनुरूप था। जर्मनी में पहला ओपेरा, डाफ्ने (1627), पूर्व-बाख युग के सबसे बड़े जर्मन संगीतकार हेनरिक शुट्ज़ द्वारा बनाया गया था। लेकिन उसका संगीत नहीं बचा है। और देश में ओपेरा शैली के विकास के लिए कोई शर्तें नहीं थीं: उन्होंने वास्तव में केवल 19 वीं शताब्दी की शुरुआत के साथ आकार लिया। और शुट्ज़ के काम में, आध्यात्मिक ग्रंथों पर अभिव्यंजक मुखर-वाद्य रचनाओं द्वारा मुख्य स्थान पर कब्जा कर लिया गया था। 1689 में, उल्लेखनीय प्रतिभा के संगीतकार, हेनरी पर्सेल द्वारा पहला अंग्रेजी ओपेरा, डिडो और एनीस, लंदन में प्रदर्शित किया गया था। इस ओपेरा का संगीत हार्दिक गीत, काव्यात्मक कल्पना और रंगीन रोजमर्रा की छवियों के साथ लुभावना है। हालांकि, परसेल की मृत्यु के बाद, लगभग दो शताब्दियों तक, अंग्रेजी संगीतकारों के बीच कोई उत्कृष्ट संगीत निर्माता नहीं थे। 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर, ओपेरा के साथ-साथ और इटली में भी, ओ आर ए टी ओ आर वाई और केंट एटा का जन्म हुआ। यह ओपेरा के समान है कि एकल कलाकार, गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा भी उनके प्रदर्शन में भाग लेते हैं, और इसमें वे एरिया, गायन, मुखर पहनावा, गाना बजानेवालों, आर्केस्ट्रा एपिसोड भी ध्वनि करते हैं। लेकिन ओपेरा में हम घटनाओं (साजिश) के विकास के बारे में सीखते हैं, न केवल एकल कलाकार जो गाते हैं, बल्कि यह भी कि वे क्या करते हैं और मंच पर आम तौर पर क्या होता है। और ओटोरियो और कैंटटा में कोई स्टेज एक्शन नहीं है। वे बिना वेशभूषा और दृश्यों के एक संगीत कार्यक्रम में प्रस्तुत किए जाते हैं। लेकिन ऑरेटोरियो और कैंटटा में भी अंतर है, हालांकि हमेशा स्पष्ट कट नहीं होता है। आमतौर पर एक भाषण एक बड़े आकार का और एक अधिक विकसित धार्मिक साजिश के साथ एक काम है। इसमें अक्सर एक महाकाव्य-नाटकीय चरित्र होता है। इस संबंध में, गायक-कथाकार के कथात्मक भाग को अक्सर वाक्पटु में शामिल किया जाता है। एक विशेष प्रकार का आध्यात्मिक भाषण "जुनून" या "निष्क्रिय" (लैटिन से अनुवादित - "पीड़ा") है। "जुनून" यीशु मसीह की पीड़ा और मृत्यु के बारे में बताता है, जिसे क्रूस पर चढ़ाया गया था। 7 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, मौखिक पाठ की सामग्री के आधार पर, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष में विभाजित हैं। 17वीं शताब्दी में और 18वीं शताब्दी की शुरुआत में, इटली में कई छोटे, कक्ष कैंटटास उत्पन्न हुए। उनमें दो या तीन अरियाओं के साथ बारी-बारी से दो या तीन पाठ शामिल थे। भविष्य में, मुख्य रूप से गंभीर प्रकृति के कैंटटा व्यापक हो गए। विभिन्न निर्माणों के आध्यात्मिक कैंटटा और "जुनून" जर्मनी में सबसे अधिक विकसित हुए थे। एरियस, और यह एक कलाप्रवीण व्यक्ति मार्ग आंदोलन को तैनात करने के लिए आकर्षक है। कोरेली और विवाल्डी की विरासत में, एक बड़ा स्थान तीनों सोनाटा शैली का है। अधिकांश तिकड़ी सोनाटा में, दो मुख्य भाग वायलिन द्वारा बजाया जाता है, और तीसरा भाग एक हार्पसीकोर्ड या अंग के साथ होता है, जिसमें बास की आवाज एक सेलो या बेससून द्वारा दोगुनी होती है। तीनों सोनाटा के बाद, वायलिन के लिए एक सोनाटा या हार्पसीकोर्ड के साथ कोई अन्य वाद्य यंत्र दिखाई दिया। साथ ही कंसर्टो ग्रोसो - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक कॉन्सर्टो (पहले - तार)। इन शैलियों के कई कार्यों की विशेषता एक पुराने सोनाटा के रूप में है। यह आमतौर पर धीमी-तेज-धीमी-तेज गति अनुपात के साथ चार-भाग चक्र होता है। कुछ समय बाद, पहले से ही 18 वीं शताब्दी में, विवाल्डी ने वायलिन के लिए एकल संगीत कार्यक्रम और ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ कुछ अन्य वाद्ययंत्रों की रचना शुरू की। तीन भागों का एक चक्र था: "तेज़-धीमे-तेज़"। प्रश्न और कार्य 1. ओपेरा का जन्म कहाँ और कब हुआ था? बताएं कि कैसे एक ओपेरा संगीत के साथ एक नाट्य प्रदर्शन से अलग होता है। 2. ओपेरा संगीत में अभिव्यक्ति का सबसे महत्वपूर्ण साधन क्या है? 3. क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के पहले ओपेरा का नाम क्या है, और इसके संगीत में कौन से गुण प्रकट होते हैं? 4. हमें पुराने फ्रेंच ओपेरा की विशेषताओं के बारे में बताएं। 5. जर्मनी में लिखे गए पहले ओपेरा और इंग्लैंड में लिखे गए पहले ओपेरा का नाम बताइए। 6. ओपेरा से ऑरेटोरियो और कैंटटा के बीच मुख्य अंतर क्या है? 7. "जुनून" ("निष्क्रिय") क्या हैं? प्राचीन मिस्र में भी, अंग ने अपना सदियों पुराना इतिहास शुरू किया। 17वीं शताब्दी तक, यह व्यापक कलात्मक संभावनाओं वाला एक बहुत ही जटिल साधन बन गया था। तब छोटे-छोटे अंग निजी घरों में भी मिल सकते थे। उनका उपयोग प्रशिक्षण सत्रों के लिए किया जाता था, वे लोक गीतों और नृत्यों की धुनों पर विविधताएं बजाते थे। और महान अंग, चमचमाते पाइपों की अपनी पंक्तियों के साथ, उनके नक्काशीदार लकड़ी के शरीर, जैसे वे अब करते हैं, चर्चों और गिरजाघरों में लग रहे थे। आजकल, कई कॉन्सर्ट हॉल में अंग भी हैं। आधुनिक अंगों में, कई हजार पाइप और सात कीबोर्ड (मैनुअल) तक होते हैं, जो एक के ऊपर एक स्थित होते हैं - जैसे सीढ़ियाँ। बहुत सारे पाइप हैं क्योंकि वे समूहों - रजिस्टरों में विभाजित हैं। ध्वनि का एक अलग रंग (समय) प्राप्त करने के लिए रजिस्टरों को चालू किया जाता है और विशेष लीवर के साथ स्विच किया जाता है। अंग भी एक पेडल से लैस हैं। यह कई बड़ी कुंजियों का एक संपूर्ण फ़ुट कीबोर्ड है। उन्हें अपने पैरों से दबाकर, ऑर्गेनिस्ट लंबे समय तक बास ध्वनियों को निकाल सकता है और बनाए भी रख सकता है (ऐसी निरंतर ध्वनियों को पेडल या ऑर्गन पॉइंट भी कहा जाता है)। समय की समृद्धि के संदर्भ में, यदि संभव हो तो, सबसे हल्के पियानोसिमो की तुलना गरजने वाले फोर्टिसिमो से करने के लिए, संगीत वाद्ययंत्रों के बीच अंग का कोई समान नहीं है। 17 वीं शताब्दी में, जर्मनी में अंग कला विशेष रूप से उच्च फूल पर पहुंच गई। अन्य देशों की तरह, जर्मन चर्च के आयोजक संगीतकार और कलाकार दोनों थे। वे न केवल आध्यात्मिक मंत्रों के साथ थे, बल्कि एकल भी थे। उनमें से कई प्रतिभाशाली गुणी और सुधारक थे जिन्होंने अपने खेल से लोगों की पूरी भीड़ को आकर्षित किया। उनमें से सबसे उल्लेखनीय में से एक डिट्रिच बक्सटेहुड है। युवा जोहान सेबेस्टियन बाख दूसरे शहर से उनका खेल सुनने के लिए पैदल आए। बक्सटेहुड का विविध और व्यापक कार्य उस समय के मुख्य प्रकार के अंग संगीत का प्रतिनिधित्व करता है। एक ओर, ये 17 वीं शताब्दी के प्रस्तावना, कल्पनाएं और वाद्य संगीत, इसकी शैलियों और रूप हैं। लंबे समय तक, वाद्य यंत्रों ने मुखर कार्यों या नृत्य के साथ आवाजों के हिस्सों को अक्सर दोगुना कर दिया। गायन रचनाओं के वाद्य यंत्रों का भी वितरण किया गया। वाद्य संगीत का स्वतंत्र विकास केवल 17वीं शताब्दी में तेज हुआ। साथ ही, मुखर पॉलीफोनी में विकसित होने वाली कलात्मक तकनीकें इसमें विकसित होती रहीं। वे गीत और नृत्य के आधार पर एक होमोफोनिक गोदाम के तत्वों से समृद्ध थे। उसी समय, ऑपरेटिव संगीत की अभिव्यंजक उपलब्धियों ने वाद्य रचनाओं को प्रभावित करना शुरू कर दिया। वायलिन, शानदार गुणी क्षमताओं के साथ, एक बहुत ही मधुर आवाज है। और यह इटली में ओपेरा के जन्मस्थान में था, वायलिन संगीत विशेष रूप से सफलतापूर्वक विकसित होना शुरू हुआ। 17 वीं शताब्दी के अंत में, आर्कान्जेलो कोरेली का काम फला-फूला और एंटोनियो विवाल्डी की रचनात्मक गतिविधि शुरू हुई। इन उत्कृष्ट इतालवी संगीतकारों ने भागीदारी के साथ और वायलिन की प्रमुख भूमिका के साथ कई वाद्य कृतियों का निर्माण किया। उनमें, वायलिन ओपेरा 8 www.classON.ru में रूसी कला टोकाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा में मानवीय आवाज के रूप में स्पष्ट रूप से गा सकता है। उनमें, पॉलीफोनिक एपिसोड कामचलाऊ मार्ग और कॉर्ड के साथ स्वतंत्र रूप से वैकल्पिक होते हैं। दूसरी ओर, ये अधिक सख्ती से निर्मित टुकड़े हैं, जिसके कारण फ्यूग्यू का उदय हुआ, जो नकली पॉलीफोनी का सबसे जटिल रूप है। बक्सटेहुड ने कोरल प्रस्तावना के रूप में प्रोटेस्टेंट कोरल के कई अंग अनुकूलन भी किए। ग्रेगोरियन मंत्र के विपरीत, यह आध्यात्मिक मंत्रों का सामान्य नाम लैटिन में नहीं, बल्कि जर्मन में है। वे 16 वीं शताब्दी में दिखाई दिए, जब एक नए प्रकार के ईसाई सिद्धांत, प्रोटेस्टेंटवाद, कैथोलिक धर्म से अलग हो गए। प्रोटेस्टेंट मंत्र का मधुर आधार जर्मन लोक गीत थे। 17 वीं शताब्दी में, अंग के समर्थन से सभी पैरिशियन द्वारा गाना बजानेवालों द्वारा प्रोटेस्टेंट मंत्र का प्रदर्शन किया जाने लगा। इस तरह की कोरल व्यवस्था के लिए, ऊपरी आवाज में एक राग के साथ एक चार-आवाज तार गोदाम विशिष्ट है। इसके बाद, इस तरह के एक गोदाम को कोरल कहा जाता था, भले ही यह एक वाद्य यंत्र में होता हो। आयोजकों ने तार वाले की-बोर्ड वाद्य यंत्रों को भी बजाया और उनके लिए संगीत तैयार किया। इन वाद्ययंत्रों के कार्यों का सामान्य नाम क्लैवियर म्यूजिक है। तार वाले कीबोर्ड उपकरणों के बारे में पहली जानकारी 14वीं-15वीं शताब्दी की है। 17वीं शताब्दी तक, हार्पसीकोर्ड इनमें से सबसे आम हो गया था। तो इसे फ्रांस में कहा जाता है, इटली में इसे सेम्बालो कहा जाता है, जर्मनी में - कीलफ्लुगेल, इंग्लैंड में - हार्पसीकोर्ड। फ्रांस में छोटे उपकरणों का नाम एपिनेट है, इटली में - इंग्लैंड के स्पिनेट्स - वर्जिन। हार्पसीकोर्ड पियानो का पूर्वज है, जो 18 वीं शताब्दी के मध्य से उपयोग में आना शुरू हुआ। जब आप हार्पसीकोर्ड की चाबियों को दबाते हैं, तो छड़ों पर लगे पंख या चमड़े की जीभ, तारों को चुटकी लगती है। यह झटकेदार, सुरीली और एक ही समय में थोड़ी सरसराहट की आवाज निकलती है। हार्पसीकोर्ड पर, ध्वनि की ताकत चाबियों पर वार की ताकत पर निर्भर नहीं करती है। इसलिए, उस पर अर्धचंद्राकार और डिमिनुएन्डोस बनाना असंभव है - पियानो के विपरीत, जिस पर हथौड़ों के साथ चाबियों के अधिक लचीले कनेक्शन के कारण यह संभव है। हार्पसीकोर्ड में दो या तीन कीबोर्ड और एक उपकरण हो सकता है जो आपको ध्वनि का रंग बदलने की अनुमति देता है। एक और छोटे कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट की आवाज - क्लैविचॉर्ड - हार्पसीकोर्ड की आवाज से कमजोर होती है। लेकिन दूसरी ओर, क्लैविकॉर्ड पर अधिक मधुर वादन संभव है, क्योंकि इसके तार नहीं तोड़े जाते हैं, बल्कि धातु की प्लेटों को उन पर दबाया जाता है। प्रारंभिक हार्पसीकोर्ड संगीत की मुख्य शैलियों में से एक एक कुंजी में लिखे गए रूप में पूर्ण किए गए कई भागों का एक सूट है। प्रत्येक भाग में आमतौर पर किसी न किसी प्रकार के नृत्य की गति का प्रयोग किया जाता है। पुराने सूट का आधार अलग-अलग चार नृत्य हैं, जो हमेशा राष्ट्रीय मूल के स्पष्ट रूप से स्पष्ट नहीं होते हैं। ये इत्मीनान से (संभवतः जर्मनी से), अधिक चुस्त झंकार (फ्रांस से), धीमी सरबंदे (स्पेन से), और तेज गिग (आयरलैंड या इंग्लैंड से) हैं। 17 वीं शताब्दी के अंत से, पेरिस के हार्पसीकोर्डिस्टों के उदाहरण के बाद, सुइट्स को ऐसे फ्रांसीसी नृत्यों के साथ पूरक किया जाने लगा, जैसे कि मिनुएट, गावोटे, बोरे और पासपीड। उन्हें मुख्य नृत्यों के बीच डाला गया, जिससे इंटरमीडिया खंड (लैटिन में "इंटीग" का अर्थ "बीच") होता है। प्राचीन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड संगीत लालित्य, अनुग्रह, और छोटे मधुर आभूषणों की एक बहुतायत से प्रतिष्ठित है, जैसे कि मोर्डेंट और ट्रिल। फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड शैली फ्रांकोइस कूपरिन (1668 - 1733) के काम में फली-फूली, जिसका नाम ग्रेट रखा गया। उन्होंने लगभग ढाई सौ नाटकों की रचना की और उन्हें सत्ताईस सुइट्स में मिला दिया। वे धीरे-धीरे विभिन्न कार्यक्रम नामों वाले नाटकों पर हावी होने लगे। अक्सर, ये महिलाओं के लघु हार्पसीकोर्ड चित्रों की तरह होते हैं - कुछ चरित्र विशेषता, उपस्थिति, आचरण के अच्छी तरह से लक्षित ध्वनि रेखाचित्र। उदाहरण के लिए, नाटक "ग्लॉमी", "टचिंग", "फुर्तीला", "बिखरे हुए", "शरारती" हैं। उनके महान समकालीन जोहान सेबेस्टियन बाख ने फ्रेंच हार्पसीकोर्ड संगीत में बहुत रुचि दिखाई, जिसमें फ्रेंकोइस कूपरिन के नाटक भी शामिल थे। प्रश्न और कार्य 1. वाद्य विधाओं का स्वतंत्र विकास कब तेज हुआ? 2. आर्केंजेलो कोरेली और एंटोनियो विवाल्डी का पसंदीदा वाद्य यंत्र कौन सा है। 3. हमें अंग की संरचना के बारे में बताएं। 4. विशेष रूप से किस देश में अंग कला का विकास हुआ? एक प्रोटेस्टेंट मंत्र क्या है? 5. हार्पसीकोर्ड की युक्ति के बारे में बताएं। पुराने हार्पसीकोर्ड सूट के मुख्य भागों में कौन से नृत्य आंदोलनों का उपयोग किया जाता है? इसलिए, पाठ्यपुस्तक के परिचयात्मक खंड में प्राचीन काल से संगीत की दुनिया में कुछ महत्वपूर्ण घटनाओं का संक्षिप्त परिचय दिया गया है। यह 18वीं और 19वीं शताब्दी में काम करने वाले महान पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों की विरासत से परिचित होने में मदद करने के लिए एक ऐतिहासिक "भ्रमण" था। कुछ समय के लिए, क्लैवियर को सभी कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए म्यूजिक कहा जाता था, जिसमें कीबोर्ड-विंड इंस्ट्रूमेंट - ऑर्गन भी शामिल था। 8 9 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान के जीवन पथ रॉड, परिवार, बचपन। जोहान सेबेस्टियन बाख का जन्म 1685 में थुरिंगिया में हुआ था - मध्य जर्मनी के क्षेत्रों में से एक, छोटे से शहर ईसेनाच में, जो जंगलों से घिरा हुआ है। थुरिंगिया में, उस समय, तीस साल के युद्ध (1618-1648) के गंभीर परिणाम, जिसमें यूरोपीय शक्तियों के दो बड़े समूह आपस में भिड़ गए थे, अभी भी महसूस किए गए थे। यह विनाशकारी युद्ध जोहान सेबेस्टियन के पूर्वजों के साथ हुआ, जो जर्मन शिल्प और किसान पर्यावरण से निकटता से जुड़े थे। उनके परदादा, वीट नाम के एक बेकर थे, लेकिन उन्हें संगीत से इतना प्यार था कि उन्होंने कभी भी एक मेन्डोलिन जैसे वाद्य यंत्र के साथ भाग नहीं लिया, यहां तक ​​​​कि जब चक्की की यात्रा के दौरान आटा मिल रहा था, तब भी वह बजाते थे। और उनके वंशजों में, जो थुरिंगिया और पड़ोसी क्षेत्रों में बस गए, इतने सारे संगीतकार थे कि इस पेशे का अभ्यास करने वाले सभी लोग वहां "बाख" कहलाते थे। ये चर्च के आयोजक, वायलिन वादक, बांसुरी वादक, तुरही बजाने वाले थे, उनमें से कुछ ने संगीतकार के रूप में प्रतिभा दिखाई। वे नगर पालिकाओं की सेवा में थे और छोटी-छोटी रियासतों और डचियों के शासकों के दरबार में थे जिनमें जर्मनी विभाजित था। सेबस्टियन बाख 1685-1750 इस महान जर्मन संगीतकार के संगीत का भाग्य अद्भुत है, जिनके जन्म को तीन सौ से अधिक वर्ष बीत चुके हैं। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्हें मुख्य रूप से एक वाद्य यंत्र और संगीत वाद्ययंत्र के पारखी के रूप में पहचान मिली, और उनकी मृत्यु के बाद उन्हें लगभग कई दशकों तक भुला दिया गया। लेकिन फिर धीरे-धीरे उन्होंने उसके काम को फिर से खोजना शुरू कर दिया और उसे एक अनमोल कलात्मक खजाने के रूप में प्रशंसा की, कौशल में नायाब, गहराई में अटूट और सामग्री की मानवता। "धारा नहीं! "समुद्र उसका नाम होना चाहिए।" तो बाख के बारे में एक और संगीत प्रतिभा - बीथोवेन 9 के बारे में कहा। बाख स्वयं अपनी रचनाओं का बहुत छोटा अंश ही प्रकाशित करने में सफल रहे। अब उनमें से एक हजार से अधिक प्रकाशित हैं (कई और खो गए हैं)। बाख की पहली पूर्ण रचना उनकी मृत्यु के सौ साल बाद जर्मनी में छपनी शुरू हुई, और इसमें छियालीस वॉल्यूम लगे। और यह भी मोटे तौर पर गणना करना असंभव है कि कितना मुद्रित किया गया है और बाख के संगीत के कितने अलग-अलग संस्करण विभिन्न देशों में मुद्रित किए जा रहे हैं। इतनी बड़ी मांग इसकी चल रही है। इसके लिए न केवल विश्व संगीत कार्यक्रम में, बल्कि शैक्षिक में भी एक व्यापक और सम्मानजनक स्थान रखता है। जोहान सेबेस्टियन बाख सचमुच संगीत में शामिल सभी लोगों के शिक्षक बने हुए हैं। वह एक गंभीर और सख्त शिक्षक है, उसे पॉलीफोनिक कार्यों को करने की कला में महारत हासिल करने के लिए ध्यान केंद्रित करने की क्षमता की आवश्यकता होती है। लेकिन जो कठिनाइयों से नहीं डरता और अपनी आवश्यकताओं पर पूरा ध्यान देता है, वह अपनी सख्ती के पीछे उस बुद्धिमान और हार्दिक दयालुता को महसूस करेगा जो वह अपनी सुंदर अमर रचनाओं से सिखाता है। Eisenach में घर जहां JSBach पैदा हुआ था 9 "बाख" का अर्थ जर्मन में "धारा" है। 10 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान सेबेस्टियन के पिता ईसेनाच में एक वायलिन वादक, शहर और दरबारी संगीतकार थे। उन्होंने अपने सबसे छोटे बेटे को संगीत पढ़ाना शुरू किया और उसे एक चर्च स्कूल में भेज दिया। एक सुंदर ऊँची आवाज़ के साथ, लड़के ने स्कूल गाना बजानेवालों में गाया। जब वे दस वर्ष के थे, तभी उनके माता-पिता का देहांत हो गया। पड़ोसी शहर ओहरड्रफ में चर्च के आयोजक बड़े भाई ने अनाथ की देखभाल की। उन्होंने अपने छोटे भाई को स्थानीय लिसेयुम को सौंपा और उन्हें स्वयं अंग का पाठ पढ़ाया। बाद में, जोहान सेबेस्टियन एक हार्पसीकोर्डिस्ट, एक वायलिन वादक और एक वायलिन वादक भी बन गया। और बचपन से ही उन्होंने विभिन्न लेखकों की रचनाओं को फिर से लिखते हुए, अपने दम पर संगीत रचना में महारत हासिल की। उन्हें एक संगीत नोटबुक को फिर से लिखना पड़ा, जो उनके बड़े भाई से गुप्त रूप से चांदनी रातों में उनके लिए विशेष रुचि थी। लेकिन जब लंबी कड़ी मेहनत पूरी हो गई, तो उन्हें यह पता चला, जोहान सेबेस्टियन से उनके अनधिकृत कार्य के लिए नाराज हो गए और निर्दयता से पांडुलिपि को उनसे छीन लिया। एक स्वतंत्र जीवन की शुरुआत। लूनबर्ग। पंद्रह साल की उम्र में, जोहान सेबेस्टियन ने एक निर्णायक कदम उठाया - वह सुदूर उत्तरी जर्मन शहर लूनबर्ग चले गए, जहां उन्होंने एक गायक-विद्वान के रूप में मठ चर्च के स्कूल में प्रवेश किया। स्कूल के पुस्तकालय में, वह जर्मन संगीतकारों की रचनाओं की पांडुलिपियों की एक बड़ी संख्या से परिचित होने में सक्षम था। लूनबर्ग और हैम्बर्ग में, जहां वे देश की सड़कों से जाते थे, कोई भी प्रतिभाशाली जीवों के खेल को सुन सकता था। यह संभव है कि हैम्बर्ग में जोहान सेबेस्टियन ने ओपेरा हाउस का दौरा किया - उस समय जर्मनी में एकमात्र ऐसा था जिसने इतालवी में नहीं, बल्कि जर्मन में प्रदर्शन दिया था। उन्होंने तीन साल बाद सफलतापूर्वक स्कूल से स्नातक किया और अपनी जन्मभूमि के करीब नौकरी की तलाश शुरू कर दी। वीमर। तीन शहरों में एक वायलिन वादक और आयोजक के रूप में संक्षिप्त रूप से सेवा करने के बाद, 1708 में बाख, पहले से ही विवाहित, नौ साल के लिए वीमर (थुरिंगिया) में बस गए। वहां वह ड्यूक के दरबार में एक ऑर्गेनिस्ट थे, और फिर वाइस-कैपेला मास्टर (चैपल के प्रमुख के सहायक - गायकों और वादकों का एक समूह)। एक किशोर के रूप में, ओहड्रफ में, बाख ने संगीत की रचना करना शुरू किया, विशेष रूप से, अंग के लिए प्रोटेस्टेंट कोरल की व्यवस्था करने के लिए, उनका पसंदीदा वाद्य यंत्र। और वीमर में, उनके कई उल्लेखनीय परिपक्व अंग कार्य दिखाई दिए, जैसे कि डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, सी माइनर में पासकाग्लिया 10, कोरल प्रील्यूड्स। उस समय तक, बाख अंग और हार्पसीकोर्ड पर एक नायाब कलाकार और सुधारक बन गए थे। इसकी पुष्टि निम्नलिखित मामले से होती है। एक बार बाख सक्सोनी की राजधानी ड्रेसडेन गए, जहां उन्होंने उनके और लुई मारचंद, प्रसिद्ध फ्रांसीसी ऑर्गेनिस्ट और हार्पसीकोर्डिस्ट के बीच एक प्रतियोगिता की व्यवस्था करने का फैसला किया। लेकिन उसने पहले सुना था कि कैसे बाख ने अद्भुत रचनात्मक सरलता के साथ हार्पसीकोर्ड पर काम किया, चुपके से ड्रेसडेन छोड़ने के लिए जल्दबाजी की। प्रतियोगिता नहीं हुई। वीमर दरबार में इतालवी और फ्रांसीसी संगीतकारों के कार्यों से परिचित होने का अवसर मिला। बाख ने अपनी उपलब्धियों को बड़ी रुचि और कलात्मक पहल के साथ माना। उदाहरण के लिए, उन्होंने हार्पसीकोर्ड और एंटोनियो विवाल्डी के वायलिन कॉन्सर्टो के अंग के लिए कई मुफ्त व्यवस्था की। इस तरह संगीत कला के इतिहास में पहला क्लैवियर कंसर्ट का जन्म हुआ। वीमर में तीन साल के लिए, बाख को हर चौथे रविवार को एक नया आध्यात्मिक कैंटटा लिखना था। इस प्रकार कुल मिलाकर तीस से अधिक रचनाएँ उत्पन्न हुईं। हालाँकि, जब बुजुर्ग कोर्ट बैंडमास्टर, जिनके कर्तव्यों को वास्तव में बाख ने निभाया था, की मृत्यु हो गई, तो रिक्त पद उन्हें नहीं, बल्कि मृतक के अक्षम बेटे को दिया गया था। इस तरह के अन्याय से नाराज बाख ने अपना इस्तीफा सौंप दिया। "अपमानजनक मांग" के लिए उन्हें घर में नजरबंद रखा गया था। लेकिन उन्होंने खुद पर जोर देते हुए एक साहसी, गर्वित तप दिखाया। और एक महीने बाद, ड्यूक को अनिच्छा से "निर्दयी आदेश" देना पड़ा ताकि विद्रोही संगीतकार को जंगल में छोड़ दिया जा सके। कोथेन। 1717 के अंत में, बाख और उनका परिवार कोथेन चले गए। कोर्ट बैंडमास्टर का स्थान उन्हें कोथेन के राजकुमार लियोपोल्ड एनहॉल्ट द्वारा पेश किया गया था, जो थुरिंगिया के पड़ोस में एक छोटे से राज्य के शासक थे। वह एक अच्छा संगीतकार था - उसने गाया, हार्पसीकोर्ड और वायोला दा गाम्बा बजाया। 11. राजकुमार ने अपने नए बैंडमास्टर को अच्छी वित्तीय सहायता प्रदान की और उसके साथ बहुत सम्मान के साथ व्यवहार किया। बाख के कर्तव्यों, जिसमें उनका अपेक्षाकृत कम समय लगा, में अठारह गायकों और वादकों के एक चैपल को निर्देशित करना, राजकुमार के साथ, और खुद वीणा बजाना शामिल था। कोथेन में, कई बाख विभिन्न उपकरणों के लिए काम करते हैं। उनमें से क्लैवियर संगीत बहुत विविध है। एक ओर, ये शुरुआती लोगों के लिए टुकड़े हैं - Passacaglia स्पेनिश मूल का एक धीमा तीन-तरफ़ा नृत्य है। इसके आधार पर, बास में बार-बार दोहराए जाने वाले माधुर्य के साथ विविधताओं के रूप में वाद्य यंत्रों का उदय हुआ। 10 11 वियोला दा गाम्बा एक प्राचीन वाद्य यंत्र है जो सेलो जैसा दिखता है। 11 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा छोटे प्रस्ताव, दो-भाग और तीन-भाग के आविष्कार। उन्हें बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन के साथ अध्ययन करने के लिए लिखा था। दूसरी ओर, यह एक स्मारकीय कार्य के दो खंडों में से पहला है - "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जिसमें कुल मिलाकर 48 प्रस्तावनाएँ और फ़्यूज़ शामिल हैं, और कॉन्सर्ट योजना की एक बड़ी रचना - "क्रोमैटिक फ़ैंटेसी एंड फ़्यूग्यू"। क्लैवियर सुइट्स के दो संग्रहों का निर्माण, जिन्हें "फ्रेंच" और "इंग्लिश" के रूप में जाना जाता है, भी कोथेन काल से संबंधित है। प्रिंस लियोपोल्ड बाख को अपने साथ पड़ोसी राज्यों की यात्राओं पर ले गए। 1720 में जब जोहान सेबेस्टियन इस तरह की यात्रा से लौटे, तो उन्हें भारी दुख हुआ - उनकी पत्नी मारिया बारबरा की अभी-अभी मृत्यु हुई थी, चार बच्चों को छोड़कर (तीन और जल्दी मर गए)। डेढ़ साल बाद, बाख ने फिर से शादी की। उनकी दूसरी पत्नी, अन्ना मगदलीना की आवाज बहुत अच्छी थी और वह बहुत संगीतमय थी। उसके साथ अध्ययन करते हुए, बाख ने दो क्लैवियर "नोट बुक्स" को अपने स्वयं के टुकड़ों से और आंशिक रूप से अन्य लेखकों के टुकड़ों से संकलित किया। अन्ना मगदलीना जोहान सेबेस्टियन के जीवन में एक दयालु और देखभाल करने वाली साथी थी। उसने उसे तेरह बच्चे पैदा किए, जिनमें से छह वयस्क होने तक जीवित रहे। लीपज़िग। 1723 में, बाख पड़ोसी थुरिंगिया के सैक्सोनी के एक प्रमुख वाणिज्यिक और सांस्कृतिक केंद्र लीपज़िग में चले गए। उन्होंने प्रिंस लियोपोल्ड के साथ अच्छे संबंध बनाए रखे। लेकिन कोथेन में, संगीत गतिविधि की संभावनाएं सीमित थीं - न तो कोई बड़ा अंग था और न ही कोई गाना बजानेवालों। इसके अलावा, बाख के बड़े बेटे थे जिन्हें वह एक अच्छी शिक्षा देना चाहता था। लीपज़िग में, बाख ने कैंटर का पद ग्रहण किया - लड़कों के गाना बजानेवालों के प्रमुख और गायन स्कूलों के शिक्षक; सेंट थॉमस (थॉमास्किर्चे) के चर्च में। उन्हें कई प्रतिबंधात्मक शर्तों को स्वीकार करना पड़ा, उदाहरण के लिए "बर्गोमास्टर की अनुमति के बिना शहर नहीं छोड़ना।" कैंटर बाख के कई अन्य कर्तव्य थे। उन्हें एक छोटे से स्कूल गाना बजानेवालों और एक बहुत छोटे ऑर्केस्ट्रा (या बल्कि, एक पहनावा) में विभाजित करना पड़ा ताकि संगीत दो चर्चों में, साथ ही शादियों, अंत्येष्टि और विभिन्न उत्सवों में सेवाओं के दौरान सुनाई दे। और सभी कोरस लड़कों में संगीत की अच्छी क्षमता नहीं थी। स्कूल का घर गंदा था, उपेक्षित था, विद्यार्थियों को खराब खाना खिलाया जाता था और भिखारी कपड़े पहनाए जाते थे। बाख, जिन्हें उसी समय लीपज़िग "संगीत निर्देशक" माना जाता था, ने इस सब पर चर्च के अधिकारियों और शहर प्रशासन (मजिस्ट्रेट) का ध्यान आकर्षित किया। लेकिन बदले में उन्हें बहुत कम भौतिक सहायता मिली, लेकिन बहुत सारे छोटे-छोटे कार्यालय नाइटपिकिंग और फटकार। छात्रों के साथ, वह न केवल गायन में, बल्कि वाद्ययंत्र बजाने में भी लगे हुए थे, इसके अलावा, उन्होंने अपने खर्च पर उनके लिए एक लैटिन शिक्षक को नियुक्त किया। लीपज़िग में सेंट थॉमस (बाएं) का चर्च और स्कूल। (एक पुराने उत्कीर्णन से)। कठिन जीवन परिस्थितियों के बावजूद, बाख उत्साह से रचनात्मकता में लगे हुए थे। अपनी सेवा के पहले तीन वर्षों में, उन्होंने लगभग हर हफ्ते गाना बजानेवालों के साथ एक नए आध्यात्मिक कैंटटा की रचना और अभ्यास किया। कुल मिलाकर, इस शैली में बाख के लगभग दो सौ कार्यों को संरक्षित किया गया है। और उनके कई दर्जन सेक्युलर कैंटटा भी जाने जाते हैं। वे, एक नियम के रूप में, स्वागत और बधाई देने वाले, विभिन्न महान व्यक्तियों को संबोधित थे। लेकिन उनमें से एक कॉमिक ओपेरा के एक दृश्य के समान, लीपज़िग में लिखी गई कॉमिक "कॉफ़ी कैंटाटा" जैसा अपवाद है। यह बताता है कि कैसे एक युवा, जीवंत लिज़ेन कॉफी के लिए एक नए फैशन के आदी है, अपने पिता की इच्छा और चेतावनियों के खिलाफ, पुराने ग्रंबलर श्लेंड्रियन। लीपज़िग में, बाख ने अपनी सबसे उत्कृष्ट स्मारकीय मुखर-वाद्य रचनाएँ बनाईं - जॉन के अनुसार जुनून, मैथ्यू12 के अनुसार जुनून और बी माइनर में मास, सामग्री में उनके करीब, साथ ही बड़ी संख्या में विभिन्न वाद्य रचनाएं, जिनमें शामिल हैं दूसरा खंड " वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जॉन और मैथ्यू (साथ ही मार्क और ल्यूक) का एक संग्रह, यीशु मसीह की शिक्षाओं के अनुयायी हैं, जिन्होंने सुसमाचारों को संकलित किया - उनके सांसारिक जीवन, पीड़ा ("जुनून") और के बारे में कहानियां मौत। ग्रीक में "सुसमाचार" का अर्थ है "सुसमाचार"। 12 12 www.classON.ru रूसी कला "द आर्ट ऑफ द फ्यूग्यू" के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उन्होंने ड्रेसडेन, हैम्बर्ग, बर्लिन और अन्य जर्मन शहरों की यात्रा की, वहां अंग बजाया, नए उपकरणों का परीक्षण किया। दस से अधिक वर्षों के लिए, बाख ने लीपज़िग में "म्यूजिक कॉलेज" का नेतृत्व किया - एक ऐसा समाज जिसमें विश्वविद्यालय के छात्र और संगीत प्रेमी - वादक और गायक शामिल थे। बाख के निर्देशन में, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के कार्यों से सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम दिए। संगीतकारों के साथ संवाद करते हुए, वह किसी भी अहंकार के लिए एक अजनबी थे और उन्होंने अपने दुर्लभ कौशल के बारे में इस प्रकार बताया: "मुझे कड़ी मेहनत करनी पड़ी, जो भी उतना ही कठिन होगा, वही हासिल करेगा।" बहुत सारी चिंताएँ, लेकिन ढेर सारी खुशियाँ भी बाख को उनके बड़े परिवार में ले आईं। उसके घेरे में, वह पूरे घरेलू संगीत समारोहों की व्यवस्था कर सकता था। उनके चार पुत्र प्रसिद्ध संगीतकार बने। ये विल्हेम फ्रीडेमैन और कार्ल फिलिप इमानुएल (मारिया बारबरा के बच्चे), जोहान क्रिस्टोफ फ्रेडरिक और जोहान क्रिश्चियन (अन्ना मैग्डेलेना के बच्चे) हैं। वर्षों से, बाख का स्वास्थ्य बिगड़ता गया। उनकी आंखों की रोशनी तेजी से खराब हो गई है। 1750 की शुरुआत में, उनकी दो असफल आंखों की सर्जरी हुई, वे अंधे हो गए और 28 जुलाई को उनकी मृत्यु हो गई। जोहान सेबेस्टियन बाख ने एक कठिन और मेहनती जीवन जिया, जो शानदार रचनात्मक प्रेरणा से प्रकाशित हुआ। उन्होंने एक महत्वपूर्ण भाग्य नहीं छोड़ा, और अन्ना मगदलीना की मृत्यु दस साल बाद गरीबों के लिए एक चैरिटी होम में हुई। और बाख की सबसे छोटी बेटी रेजिना सुज़ाना, जो 19वीं शताब्दी तक जीवित रहीं, को निजी दान द्वारा गरीबी से बचाया गया, जिसमें बीथोवेन ने एक बड़ी भूमिका निभाई। रचनात्मकता बाख का संगीत उनके मूल देश की संस्कृति से जुड़ा है। दोनों जर्मन के काम करता है और विदेशी संगीतकार। अपने काम में, उन्होंने शानदार ढंग से सामान्यीकृत और यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को समृद्ध किया। अधिकांश कैनटाट्स, "जॉन पैशन", "मैथ्यू पैशन", मास इन बी माइनर और आध्यात्मिक ग्रंथों पर कई अन्य काम बाख द्वारा लिखे गए थे। न केवल एक चर्च संगीतकार के कर्तव्य या अभ्यस्त रिवाज के अनुसार, बल्कि एक ईमानदार धार्मिक भावना से गर्म। वे मानवीय दुखों के लिए करुणा से भरे हुए हैं, मानवीय खुशियों की समझ से ओत-प्रोत हैं। समय के साथ, वे मंदिरों से बहुत आगे निकल गए और करते हैं विभिन्न राष्ट्रीयताओं और धर्मों के श्रोताओं को गहराई से प्रभावित करना बंद नहीं करना चाहिए बाख की आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष रचनाएं उनकी सच्ची मानवता में एक दूसरे से संबंधित हैं। संगीत छवियों की एक पूरी दुनिया। बाख का नायाब पॉलीफोनिक कौशल होमोफोनिक-हार्मोनिक साधनों से समृद्ध है। उनके मुखर विषयों को वाद्य विकास तकनीकों के साथ व्यवस्थित रूप से अनुमति दी जाती है, और वाद्य विषयों को अक्सर भावनात्मक रूप से संतृप्त किया जाता है, जैसे कि कुछ महत्वपूर्ण गाया जा रहा है और शब्दों के बिना उच्चारण किया जा रहा है। Organ13 के लिए D माइनर में Toccata और Fugue यह बेहद लोकप्रिय काम एक खतरनाक लेकिन साहसी इच्छा के साथ शुरू होता है। यह तीन बार सुना जाता है, एक सप्तक से दूसरे सप्तक में गिरता है, और निचले रजिस्टर में एक गड़गड़ाहट की गड़गड़ाहट की ओर जाता है। इस प्रकार, टोकाटा की शुरुआत में, एक गहरा छायांकित, भव्य ध्वनि स्थान को रेखांकित किया गया है। 1 एडैगियो प्रश्न और कार्य 1। बाख के संगीत के भाग्य के बारे में क्या असामान्य है? 2. हमें बाख की मातृभूमि, उनके पूर्वजों और उनके बचपन के वर्षों के बारे में बताएं। 3. बाख का स्वतंत्र जीवन कब और कहाँ शुरू हुआ? 4. वीमर में बाख की गतिविधि कैसे आगे बढ़ी और इसका अंत कैसे हुआ? 5. कोथेन में बाख के जीवन और इन वर्षों के उनके कार्यों के बारे में बताएं। 6. बाख कौन से वाद्य यंत्र बजाते थे और उनका पसंदीदा वाद्य यंत्र कौन सा था? 7. बाख ने लीपज़िग जाने का फैसला क्यों किया, और वहाँ उसे किन कठिनाइयों का सामना करना पड़ा? 8. हमें संगीतकार के रूप में बाख और लीपज़िग में एक कलाकार के रूप में बाख की गतिविधियों के बारे में बताएं। उनके द्वारा वहां बनाए गए कार्यों के नाम बताइए। टोकाटा (इतालवी में "टोककाटा" - "टच", "हिट" क्रिया "टोककेयर" "टच", "टच") से कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए एक कलाप्रवीण व्यक्ति है। 13 13 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा आगे, शक्तिशाली "घुमावदार" गुणी मार्ग और विस्तृत राग "फट" सुनाई देते हैं। वे कई बार विरामों से अलग हो जाते हैं और विस्तारित जीवाओं पर रुक जाते हैं। तेज और धीमी गति का यह विरोध हिंसक तत्वों से लड़ाई के बीच सतर्क राहत की याद दिलाता है। और एक मुक्त, तात्कालिक रूप से निर्मित टोकाटा के बाद, एक फ्यूगू लगता है। यह एक विषय के अनुकरणीय विकास पर केंद्रित है, जिसमें मजबूत-इच्छा सिद्धांत, जैसा कि यह था, मौलिक ताकतों पर अंकुश लगाता है: 2 एलेग्रो मॉडरेटो व्यापक रूप से विस्तार करते हुए, फ्यूग्यू एक कोडा में विकसित होता है - अंतिम, अंतिम खंड। यहाँ फिर से टोकाटा का कामचलाऊ तत्व टूट जाता है। लेकिन अंत में वह तनावपूर्ण अनिवार्य टिप्पणियों से शांत हो जाती है। और पूरे काम की आखिरी सलाखों को कठोर मानव इच्छा की कठोर और राजसी जीत के रूप में माना जाता है। बाख के अंग कार्यों का एक विशेष समूह कोरल प्रस्तावना है। उनमें से, गेय प्रकृति के कई अपेक्षाकृत छोटे टुकड़े गहरी अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित हैं। उनमें, कोरल राग की ध्वनि स्वतंत्र रूप से विकसित होने वाली आवाजों से समृद्ध होती है। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, बाख की उत्कृष्ट कृतियों में से एक, एफ माइनर में कोरल प्रस्तावना प्रस्तुत की जाती है। क्लैवियर संगीत आविष्कार बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रिडेमैन को पढ़ाते समय उनमें से सरल टुकड़ों के कई संग्रह संकलित किए। इन संग्रहों में से एक में, उन्होंने पंद्रह दो-आवाज वाले पॉलीफोनिक टुकड़ों को पंद्रह चाबियों में रखा और उन्हें "आविष्कार" कहा। लैटिन से अनुवादित, "आविष्कार" शब्द का अर्थ है "आविष्कार", "आविष्कार"। नौसिखिए संगीतकारों द्वारा प्रदर्शन के लिए उपलब्ध बाख के दो-भाग के आविष्कार, उनकी पॉलीफोनिक सरलता के लिए और साथ ही, उनकी कलात्मक अभिव्यक्ति के लिए वास्तव में उल्लेखनीय हैं। इस प्रकार, सी मेजर में पहला दो-भाग का आविष्कार एक शांत, उचित चरित्र की एक छोटी, चिकनी और अनहेल्दी थीम से पैदा हुआ है। यह ऊपरी आवाज द्वारा गाया जाता है और तुरंत एक और सप्तक में _ दोहराता है - निचला वाला: 14 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा उछलती गेंदें। ऊपरी एक की पुनरावृत्ति (नकल) के दौरान, आवाज मधुर गति जारी रखती है। इस तरह बास में लगने वाली थीम का विरोध बनता है। इसके अलावा, यह विरोध - एक ही मधुर पैटर्न के साथ - कभी-कभी तब लगता है जब विषय एक या दूसरी आवाज में फिर से प्रकट होता है (बार 2-3, 7-8, 8-9)। ऐसे मामलों में, विपक्ष को बनाए रखा जाता है (गैर-बनाए गए लोगों के विपरीत, जो हर बार विषय पेश किए जाने पर नए सिरे से बनाए जाते हैं)। अन्य पॉलीफोनिक कार्यों की तरह, इस आविष्कार में ऐसे खंड हैं जहां विषय अपने पूर्ण रूप में ध्वनि नहीं करता है, लेकिन केवल इसके व्यक्तिगत मोड़ का उपयोग किया जाता है। ऐसे अनुभागों को विषय की प्रस्तुतियों के बीच रखा जाता है और इंटरल्यूड कहा जाता है। सी में आविष्कार की सामान्य पूर्णता एक विषय पर आधारित विकास द्वारा दी गई है, जो पॉलीफोनिक संगीत के लिए विशिष्ट है। टुकड़े के बीच में, मुख्य कुंजी से प्रस्थान किया जाता है, और अंत में यह वापस आ जाता है। इस आविष्कार को सुनकर, कोई भी कल्पना कर सकता है कि दो छात्र परिश्रम से पाठ को दोहराते हैं, एक दूसरे को बेहतर अभिव्यक्ति के साथ बेहतर बताने की कोशिश करते हैं। इस टुकड़े में, सी प्रमुख आविष्कार की संरचना के समान, एक विशेष तकनीक एक बड़ी भूमिका निभाती है। विषय के प्रारंभिक परिचय के बाद ऊपरी आवाज में, निचली आवाज न केवल इसकी नकल करती है, बल्कि इसकी निरंतरता (प्रतिरूप) भी करती है। इस प्रकार, कुछ समय के लिए, एक निरंतर विहित और अनुकरण, या लाइकानन उत्पन्न होता है। साथ ही दो आवाज वाले आविष्कारों के साथ, बाख ने एक ही चाबियों में पंद्रह तीन आवाज वाले पॉलीफोनिक टुकड़े बनाये। उसने उनका नाम लिया! "सिम्फनीज़" (ग्रीक से अनुवादित - "व्यंजन")। पुराने दिनों में, पॉलीफोनिक वाद्य कार्यों को अक्सर ऐसा कहा जाता था। लेकिन बाद में इन टुकड़ों को तीन-भाग आविष्कार कहने का रिवाज़ बन गया। वे पॉलीफोनिक विकास की अधिक जटिल तकनीकों का उपयोग करते हैं। सबसे उल्लेखनीय उदाहरण एफ माइनर (नौवां) में तीन-भाग का आविष्कार है। यह दो विपरीत विषयों के एक साथ परिचय के साथ शुरू होता है। उनमें से एक का आधार, एक बास आवाज में लग रहा है, रंगीन सेमिटोन के साथ एक मापा तनाव वंश है। पुराने ओपेरा से दुखद एरिया में इस तरह की चालें अक्सर होती हैं। यह दुष्ट भाग्य, भाग्य की उदास आवाज की तरह है। बीच में दूसरा विषय, ऑल्टो वॉयस शोकपूर्ण रूपांकनों के साथ व्याप्त है-आहें: भविष्य में, तीसरा विषय इन दो विषयों के साथ और भी अधिक मर्मज्ञ विस्मयादिबोधक के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ है। नाटक के अंत तक, दुष्ट भाग्य की आवाज कठोर बनी रहती है। लेकिन इंसानी दुख की आवाजें थमने का नाम नहीं ले रही हैं। उनमें मानवीय आशा की एक अमिट चिंगारी है। और एक पल के लिए यह अंतिम एफ प्रमुख तार में चमकने लगता है। ईसेनच 15 में बाख हाउस में बी माइनर हार्पसीकोर्ड में बाख की सिम्फनी www.classON.ru रूसी कला क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा (तीन-भाग आविष्कार संख्या 15) भी अपनी गीतात्मक पैठ के लिए विख्यात है। अपने आविष्कारों और "सिम्फनी" की पांडुलिपि की प्रस्तावना में, बाख ने संकेत दिया कि उन्हें "खेलने का गायन तरीका" विकसित करने में मदद करनी चाहिए। हार्पसीकोर्ड पर, यह पूरा करना मुश्किल था। इसलिए, बाख ने घर पर, छात्रों के साथ कक्षाओं में, एक और तार वाले कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट - क्लैविकॉर्ड का उपयोग करना पसंद किया। इसकी कमजोर आवाज संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन के लिए अनुपयुक्त है। लेकिन, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पसीकोर्ड के विपरीत, क्लैविकॉर्ड के तार नहीं तोड़े जाते हैं, लेकिन धीरे से धातु की प्लेटों से जकड़े जाते हैं। यह ध्वनि की मधुरता में योगदान देता है और आपको गतिशील रंग बनाने की अनुमति देता है। इस प्रकार, बाख, जैसा कि यह था, पियानो पर अग्रणी मधुर और सुसंगत आवाज की संभावनाओं का पूर्वाभास करता था - एक ऐसा उपकरण जो उसके समय में अभी भी डिजाइन में अपूर्ण था। और महान संगीतकार की इस इच्छा को सभी आधुनिक पियानोवादकों को याद रखना चाहिए। कौरांटे फ्रांसीसी मूल का तिहरा नृत्य है। लेकिन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड झंकार के लिए, कुछ लयबद्ध परिष्कार और तौर-तरीके विशिष्ट थे। C माइनर में बाख के सुइट में Courante इस नृत्य शैली की इतालवी विविधता के समान है - अधिक जीवंत और मोबाइल। यह दो आवाज़ों के लचीले संयोजन से सुगम होता है जो एक दूसरे को भड़काने लगते हैं: सी माइनर में "फ्रेंच सूट" बाख के क्लैवियर सुइट्स के तीन संग्रहों के अलग-अलग नाम हैं। उन्होंने खुद तीसरे संग्रह में शामिल छह सुइट्स को "पार्टिटास" कहा (सूट का नाम "पार्टिटा" न केवल उनमें पाया जाता है14)। और अन्य दो संग्रह - छह टुकड़े - बाख की मृत्यु के बाद "फ्रांसीसी सूट" और "इंग्लिश सूट" कहलाने लगे, कारणों के लिए बिल्कुल स्पष्ट नहीं किया गया। "फ्रांसीसी सूट" का दूसरा भाग सी नाबालिग की कुंजी में लिखा गया था। प्राचीन सुइट्स में स्थापित परंपरा के अनुसार, इसमें चार मुख्य भाग शामिल हैं - अल्लेमांडे, कौरांटे, सरबांडे और गिग, साथ ही दो और इंटरमीडिया भाग - आरिया और मिनुएट, जो सरबांडे और गिग के बीच डाले गए हैं। अल्लेमांडे एक नृत्य है जो XVI-XVII सदियों में कई यूरोपीय देशों - इंग्लैंड, नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस और इटली में बनाया गया था। इसलिए, उदाहरण के लिए, पुराना जर्मन अल्लेमांडे एक कठिन समूह नृत्य था। लेकिन, क्लैवियर सुइट्स में प्रवेश करने के बाद, अठारहवीं शताब्दी तक अल्लेमांडे ने अपनी नृत्य विशेषताओं को लगभग खो दिया था। अपने "पूर्वजों" से उसने चार या दो तिमाहियों के आकार के साथ केवल एक इत्मीनान से शांत चाल को बरकरार रखा। यह अंततः एक शिथिल रूप से निर्मित प्रस्तावना बन गया। यह सी माइनर में बाख के सुइट से एक विचारशील गीतात्मक प्रस्तावना और अल्लेमांडे की तरह दिखता है। यहाँ प्रायः तीन स्वर अपनी पंक्तियों का नेतृत्व करते हैं। लेकिन कभी-कभी उनसे एक चौथी आवाज जुड़ी होती है। साथ ही, सबसे मधुर आवाज ऊपरी एक है: साराबांडे एक तीन-भाग वाला स्पेनिश नृत्य है। एक बार यह तेज, मनमौजी था, और बाद में यह धीमा, गंभीर, अक्सर अंतिम संस्कार के जुलूस के करीब हो गया। बाख सुइट के सरबंदे को तीन-भाग वाले गोदाम में शुरू से अंत तक वृद्ध किया गया है। मध्यम और निचली आवाजों की गति हमेशा सख्त, केंद्रित होती है (क्वार्टर और आठवीं प्रबल होती है)। और ऊपरी आवाज की गति बहुत अधिक स्वतंत्र और मोबाइल है, बहुत अभिव्यंजक है। यहां सोलहवें स्वर प्रबल होते हैं, व्यापक अंतरालों पर चालें (पांचवें, छठे, सातवें) अक्सर पाए जाते हैं। इस प्रकार, संगीत प्रस्तुति की दो विपरीत परतें बनती हैं, एक लयात्मक रूप से तीव्र ध्वनि बनाई जाती है15: "भागों में विभाजित" - "पार्टिता" शब्द का इतालवी से अनुवाद किया गया है (क्रिया "पार्टेयर" - "विभाजित करने के लिए")। सरबंदे में, प्रमुख ऊपरी आवाज बाकी के साथ इतना विपरीत नहीं है, लेकिन उनके द्वारा पूरक है। 14 15 16 www.classON.ru सी माइनर में रूसी कला प्रस्तावना और फ्यूग्यू के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा सी मेजर में द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर प्रील्यूड एंड फ्यूग्यू के पहले खंड से, सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू, प्रील्यूड और फ्यूग्यू में सी शार्प मेजर, प्रील्यूड और फ्यूग्यू सी-शार्प माइनर - और इसी तरह सप्तक में शामिल सभी बारह सेमिटोन के माध्यम से। परिणाम सभी प्रमुख और छोटी कुंजियों में कुल 24 दो-भाग "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र है। इस प्रकार बाख के वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के दोनों खंड (कुल - 48 प्रस्तावना और फ्यूग्यूज़) बनाए गए हैं। इस भव्य काम को विश्व संगीत कला में सबसे महान में से एक माना जाता है। इन दो खंडों के प्रस्तावना और भगोड़े सभी पेशेवर पियानोवादकों के प्रशिक्षण और संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शनों की सूची में शामिल हैं। बाख के समय में, स्वभाव भी धीरे-धीरे कीबोर्ड उपकरणों की ट्यूनिंग में स्थापित हो गया था - एक सप्तक का बारह बराबर सेमिटोन में विभाजन। पहले, अनुकूलन प्रणाली अधिक जटिल थी। उसके साथ, तीन या चार से अधिक वर्णों वाली चाबियों में, कुछ अंतराल और राग धुन से बाहर लग रहे थे। इसलिए, संगीतकार ऐसी चाबियों का उपयोग करने से बचते थे। द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में बाख ने सबसे पहले शानदार ढंग से साबित किया कि समान स्वभाव के साथ, सभी 24 चाबियों का उपयोग समान सफलता के साथ किया जा सकता है। इसने संगीतकारों के लिए नए क्षितिज खोले, उदाहरण के लिए, एक कुंजी से दूसरी कुंजी में परिवर्तन (संक्रमण) करने की क्षमता। वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में, बाख ने दो-आंदोलन चक्र "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" के प्रकार की स्थापना की। प्रस्तावना स्वतंत्र रूप से बनाई गई है। इसमें एक महत्वपूर्ण भूमिका होमोफोनिक-हार्मोनिक गोदाम और आशुरचना की हो सकती है। यह कड़ाई से पॉलीफोनिक कार्य के रूप में फ्यूगू के विपरीत बनाता है। इसी समय, "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र के हिस्से न केवल एक सामान्य रागिनी द्वारा एकजुट होते हैं। उनके बीच, प्रत्येक मामले में, सूक्ष्म आंतरिक संबंध अपने तरीके से प्रकट होते हैं। इन सामान्य विशिष्ट विशेषताओं को द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू में खोजा जा सकता है। प्रस्तावना में दो मुख्य भाग होते हैं। अधिक विशाल पहला पूरी तरह से दोनों हाथों में सोलहवें की एक समान गति से भरा हुआ है। यह अंदर से अभिव्यंजक मधुर और हार्मोनिक तत्वों से संतृप्त है। ऐसा लगता है जैसे, तटों से विवश, एक बेचैन धारा थरथरा रही है: गिग एक तेज, दिलेर नृत्य है, जो आयरलैंड और इंग्लैंड से उत्पन्न होता है। पुराने दिनों में, अंग्रेजी नाविक जिग नृत्य करना पसंद करते थे। सुइट्स में, टमटम आमतौर पर अंतिम, अंतिम आंदोलन होता है। अपने सी नाबालिग गिगुएट में, बाख अक्सर दो आवाजों के बीच विहित नकल की तकनीक का उपयोग करता है (जैसा कि एफ प्रमुख में आविष्कार में)। इस नाटक की प्रस्तुति एक "उछलते" बिंदीदार लय के माध्यम से व्याप्त है: अल्लेमांडे और कौरांटे के बीच के विपरीत की तुलना में, सरबांडे और गिग के बीच का अंतर तेज है। लेकिन उनके बीच डाले गए दो अतिरिक्त भागों द्वारा इसे नरम किया जाता है। "एरिया" नामक भाग एक ओपेरा में एक एकल मुखर संख्या की तरह नहीं, बल्कि एक शांत, सरल गीत की तरह लगता है। अगला मिनुएट एक फ्रांसीसी नृत्य है जो गतिशीलता को अनुग्रह के साथ जोड़ता है। तो इस सूट में, एक ही सामान्य स्वर के साथ, सभी भागों की तुलना लाक्षणिक शब्दों में की जाती है। जिग के आयाम मुख्य रूप से तीन-तरफा हैं। XVIII सदी में यह मुख्य रूप से 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 है। 16 17 www.classON.ru मध्यम आवाज में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, एक लोचदार नृत्य ताल के साथ एक स्पष्ट, उभरा हुआ, अच्छी तरह से याद किया गया विषय: 11 मॉडरेटो ऊर्जावान दृढ़ता को अनुग्रह के साथ विषय में जोड़ा जाता है, धूर्त शरारत झलकती है दृढ़ इच्छाशक्ति के माध्यम से। यह आगे विविध और गतिशील विकास के अवसर प्रदान करता है। विकास की शुरुआत में, विषय हल्का लगता है - केवल एक बार यह एक प्रमुख कुंजी (ई-फ्लैट प्रमुख) में किया जाता है। पुनरावर्तन में, मुख्य कुंजी (सी माइनर) में विषय के तीन मुख्य अंशों में से दूसरा, बास में, इतना शक्तिशाली दायरा प्राप्त करता है कि यह प्रस्तावना में उग्र प्राकृतिक शक्तियों को याद करता है। और एक और बात, फ्यूग्यू थीम का अंतिम कार्यान्वयन एक प्रबुद्ध हाउस मेजर कॉर्ड के साथ समाप्त होता है। प्रस्तावना और फ्यूग्यू के अंत के बीच इस तरह की समानता में, चक्र के विपरीत भागों के आंतरिक भावनात्मक संबंध का पता चलता है। शक्तिशाली ऊर्जा संचित होने के बाद, पहले खंड के अंत में यह प्रवाह, जैसा कि यह था, किनारे पर बहता है और अगले खंड की शुरुआत में यह और भी तेज हो जाता है, अपने रास्ते में सब कुछ खत्म करने की धमकी देता है। प्रस्तावना के इस चरमोत्कर्ष को गति में सबसे तेज़ एक (पगेस्टो) में परिवर्तन और एक पॉलीफोनिक डिवाइस के उपयोग से चिह्नित किया जाता है - एक दो-आवाज वाला कैनन। लेकिन राग-द्वेषपूर्ण राग-द्वेष और अर्थपूर्ण सस्वर वाक्यों से उग्र तत्त्वों को अचानक रोक दिया जाता है। यहाँ गति का दूसरा परिवर्तन आता है - सबसे धीमी गति (एडैगियो) के लिए। और प्रस्तावना के अंतिम सलाखों में गति के तीसरे परिवर्तन के बाद मध्यम तेज A11eggo में, बास में टॉनिक अंग बिंदु धीरे-धीरे दाहिने हाथ में सोलहवें नोटों की गति को धीमा कर देता है। यह धीरे-धीरे फैलता है और सी प्रमुख जीवा पर जम जाता है। शांति है, शांति है। प्रस्तावना के इस तरह के एक स्वतंत्र, कामचलाऊ समापन के बाद, ध्यान एक अलग, विपरीत विमान पर चला जाता है। तीन-आवाज वाला फ्यूग्यू शुरू होता है। लैटिन और इतालवी में इस शब्द का अर्थ है "दौड़ना", "उड़ान", "तेज धारा"। संगीत में, एक फ्यूग्यू एक जटिल पॉलीफोनिक काम है, जहां आवाजें एक-दूसरे के साथ पकड़ने लगती हैं। अधिकांश फ्यूग्यू एक ही विषय पर आधारित होते हैं। दो के साथ कम आम हैं, तीन या चार विषयों के साथ शायद ही कभी। और स्वरों की संख्या के अनुसार फ्यूग्यू दो-, तीन-, चार- और पांच-भाग हैं। सिंगल-डार्क फ़्यूज़ किसी एक आवाज़ में मुख्य कुंजी में थीम की प्रस्तुति के साथ शुरू होते हैं। विषय को फिर अन्य आवाजों द्वारा वैकल्पिक रूप से अनुकरण किया जाता है। इस प्रकार फ्यूगू का पहला खंड, प्रदर्शनी, बनता है। दूसरे खंड में - विकास - विषय केवल अन्य कुंजियों में दिखाई देता है। और तीसरे, अंतिम खंड में - reprise9 - इसे फिर से मुख्य कुंजी में किया जाता है, लेकिन इसे अब एक स्वर में प्रस्तुत नहीं किया जाता है। यहाँ प्रदर्शन निश्चित रूप से दोहराया नहीं गया है। फ्यूग्यू में, बनाए रखा काउंटरपोजिशन और इंटरल्यूड्स का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। बाख का सी-माइनर फ्यूग्यू, प्रश्न में, शुरू होता है, फ्यूग्यू में दिखाई देता है - पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप - बाख के काम में अपनी पूर्ण परिपक्वता और सबसे चमकीले फूल तक पहुंच गया है। 19 वीं शताब्दी के प्रसिद्ध रूसी संगीतकार और पियानोवादक, एंटोन ग्रिगोरीविच रुबिनशेटिन ने अपनी पुस्तक "म्यूजिक एंड इट्स रिप्रेजेंटेटिव्स" में, "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" की प्रशंसा करते हुए लिखा, कि कोई भी वहां "धार्मिक, वीर, उदासीन, के भगोड़े" पा सकता है। राजसी, शोकाकुल, विनोदी, देहाती, नाटकीय चरित्र; एक चीज में वे सभी एक जैसे हैं - सुंदरता में ... "जोहान सेबेस्टियन बाख की उम्र महान जर्मन संगीतकार जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759) - पॉलीफोनी के एक अद्भुत मास्टर, एक कलाप्रवीण व्यक्ति थे। उसकी किस्मत अलग थी। उन्होंने अपना अधिकांश जीवन जर्मनी के बाहर बिताया, एक देश से दूसरे देश में चले गए (वे कई दशकों तक इंग्लैंड में रहे)। 18 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा हैंडेल कई ओपेरा, oratorios, विभिन्न वाद्य कार्यों के लेखक हैं। संगीत में शास्त्रीय शैली का निर्माण प्रश्न और कार्य 1। बाख के आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष कार्यों में क्या समानता है? 2. अंग के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू की आलंकारिक प्रकृति के बारे में बताएं। 3. बाख के आविष्कारों के उन विषयों को गाएं जिन्हें आप जानते हैं। जब इसे रोक दिया जाता है तो विपक्ष क्या होता है? 4. पॉलीफोनिक कार्य में अंतराल क्या है? किस नकल को विहित या कैनन कहा जाता है? 5. सी माइनर में "फ्रेंच सूट" के मुख्य भागों का नाम और वर्णन करें। 6. बाख के वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर का निर्माण कैसे किया जाता है? 7. प्रस्तावना और भगोड़े में मुख्य अंतर क्या है? इसे द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू के उदाहरण के साथ दिखाएं। क्या उनमें भी समानताएं हैं? अठारहवीं शताब्दी का संगीत थिएटर, विशेष रूप से इसका मध्य और दूसरा भाग, यूरोपीय संगीत कला के सभी क्षेत्रों में बड़े बदलाव का समय है। इस शताब्दी की शुरुआत के साथ, दो शैलियों धीरे-धीरे इतालवी ओपेरा में उभरीं - ओपेरा सेरिया (गंभीर) और ओपेरा बफा (कॉमिक)। पौराणिक और ऐतिहासिक भूखंड अभी भी सीरियल ओपेरा में प्रचलित थे, जिसमें तथाकथित "उच्च" नायक दिखाई दिए - पौराणिक देवता, प्राचीन राज्यों के राजा, महान कमांडर। और बफा ओपेरा में, भूखंड मुख्य रूप से रोजमर्रा के आधुनिक हो गए हैं। यहां के नायक सामान्य लोग थे जिन्होंने ऊर्जावान और वास्तविक रूप से अभिनय किया। जियोवानी बतिस्ता पेर्गोलेसी की द सर्वेंट लेडी बाय जियोवानी बतिस्ता पेर्गोलेसी, जो नेपल्स में 1733 में जनता के सामने आई थी, ओपेरा बफा का पहला उल्लेखनीय उदाहरण था। नायिका, सर्पिना की उद्यमी नौकरानी, ​​चतुराई से अपने गंभीर मास्टर उबेरतो से शादी करती है और खुद एक रखैल बन जाती है। कई शुरुआती इतालवी बफा ओपेरा की तरह, द सर्वेंट मैडम को मूल रूप से पेर्गोलेसी के ओपेरा सेरिया द प्राउड प्रिजनर (याद रखें कि शब्द "इंटरल्यूड" मूल रूप से लैटिन है और इसका अर्थ है "इंटरैक्शन") के बीच मध्यांतर के दौरान एक मंच अंतराल के रूप में प्रदर्शन किया गया था। जल्द ही, द सर्वेंट-मैडम ने एक स्वतंत्र कार्य के रूप में कई देशों में बहुत प्रसिद्धि प्राप्त की। कॉमिक ओपेरा का जन्म फ्रांस में 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में हुआ था। यह पेरिस के मेलों में थिएटरों में दिए गए संगीत के साथ हंसमुख, मजाकिया हास्य प्रदर्शन से उत्पन्न हुआ। और एक कॉमिक ओपेरा में बदलने के लिए, जहां मुखर संख्याएं पात्रों की मुख्य विशेषता बन गईं, इतालवी बफा ओपेरा के उदाहरण ने फ्रांसीसी निष्पक्ष हास्य की मदद की। पेरिस में इस प्रदर्शन के लिए, इतालवी "बफ़न" के ओपेरा मंडली का बहुत महत्व था, जब फ्रांस की राजधानी सचमुच पेर्गोलेसी की "सेवक मैडम" से मुग्ध थी। इटालियन ओपेरा बफ़ा के विपरीत, फ्रांसीसी कॉमिक ओपेरा में, एरियोज़ नंबर वैकल्पिक रूप से पाठ के साथ नहीं, बल्कि संवादी संवादों के साथ होते हैं। द सिंगस्पायर भी बनाया गया है - एक जर्मन और ऑस्ट्रियाई किस्म का कॉमिक ओपेरा, जो दूसरे में दिखाई दिया। मुख्य काम वोकल और इंस्ट्रुमेंटल वर्क्स "जॉन के अनुसार जुनून", "मैथ्यू के अनुसार जुनून" मास इन बी माइनर सेक्रेड कैंटटास (लगभग 200 बच गए) ) और धर्मनिरपेक्ष कैंटटास (20 से अधिक जीवित) ऑर्केस्ट्रा काम करता है 4 सूट ("ओवरचर") 6 "ब्रेंडेनबर्ग कॉन्सर्टोस" चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल वाद्ययंत्रों के लिए कॉन्सर्टो हार्पसीकोर्ड के लिए 7 कॉन्सर्टो दो के लिए 3 कॉन्सर्टो, तीन हार्पसीकोर्ड के लिए 2 दो के लिए वायलिन कॉन्सर्टो के लिए 2 कॉन्सर्ट वायलिन झुके हुए वाद्ययंत्रों के लिए काम करता है 3 सोनाटा और वायलिन सोलो के लिए 3 पार्टिटास वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए 6 सोनाटास सेलो सोलो के लिए 6 सूट ("सोनटास") ऑर्गन वर्क्स 70 कोरल प्रील्यूड्स प्रील्यूड्स और फ्यूग्यूज़ टोकाटा और फ्यूग्यू इन डी माइनर पासकाग्लिया इन सी माइनर कीबोर्ड वर्क्स कलेक्शन "लिटिल प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स" 15 दो-भाग आविष्कार और 15 तीन-भाग आविष्कार ("सिम्फनी") 48 अच्छी तरह से स्वभाव वाले क्लेवियर 6 "फ्रांसीसी के प्रस्तावनाएं और फ्यूग्यूज" और 6 "इंग्लिश" सूट 6 सूट (पार्टाइट) "इटालियन कॉन्सर्टो" हार्पसीकोर्ड सोलो के लिए "क्रोमैटिक फैंटेसी एंड फ्यूग्यू" "द आर्ट ऑफ फ्यूग्यू" 19 www.classON.ru XVIII के मध्य में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा सदी17. हास्य ओपेरा की सभी किस्मों की संगीत भाषा लोक गीत और नृत्य धुनों के साथ घनिष्ठ संबंध की विशेषता है। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, महान जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ विलीबाल्ड ग्लक (1714-1787) द्वारा गंभीर ओपेरा शैलियों में मौलिक सुधार किया गया था। उन्होंने अपना पहला सुधारवादी ओपेरा, ऑर्फियस और यूरीडाइस (1762) लिखा, जो कि प्रसिद्ध प्राचीन ग्रीक गायक की कहानी पर आधारित है, जो कि सबसे पहले से ओपेरा में बार-बार इस्तेमाल किया गया है (इस पर परिचय में चर्चा की गई थी)। ग्लूक ने ओपेरा में अपने सुधार के लिए एक कठिन मार्ग का अनुसरण किया। वह कई यूरोपीय देशों - जर्मनी, ऑस्ट्रिया, डेनमार्क के साथ-साथ स्लाव द्वारा आबादी वाले चेक गणराज्य में, इटली के साथ-साथ इंग्लैंड में भी गए। वियना में मजबूती से बसने से पहले, ग्लक ने मिलान, वेनिस, नेपल्स, लंदन, कोपेनहेगन, प्राग और अन्य शहरों में थिएटरों के चरणों में अपनी 17 ओपेरा श्रृंखलाओं का मंचन किया। इस शैली के ओपेरा कई यूरोपीय देशों के कोर्ट थिएटरों में प्रदर्शित किए गए। अपवाद फ्रांस था। वहां, 18 वीं शताब्दी के मध्य में, उन्होंने केवल पारंपरिक फ्रांसीसी शैली में गंभीर ओपेरा की रचना और मंचन करना जारी रखा। लेकिन ग्लक ने प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार जीन-बैप्टिस्ट लुली और जीन-फिलिप रमेउ के ओपेरा स्कोर का ध्यानपूर्वक अध्ययन किया। इसके अलावा, ग्लक ने वियना में फ्रेंच कॉमिक ओपेरा की नई शैली में आठ कार्यों को लिखा और सफलतापूर्वक मंचन किया। वह निस्संदेह जर्मन और ऑस्ट्रियाई सिंगस्पील के साथ इतालवी बफा ओपेरा से अच्छी तरह परिचित थे। इस सभी ज्ञान ने ग्लक को गंभीर ओपेरा के लिए रचना के पहले से ही पुराने सिद्धांतों को पूरी तरह से नवीनीकृत करने में सक्षम बनाया। अपने सुधारवादी ओपेरा में, पहले वियना में और फिर पेरिस में, ग्लक ने पात्रों के भावनात्मक अनुभवों को बहुत अधिक सच्चाई और नाटकीय तीव्रता, प्रभावशीलता के साथ व्यक्त करना शुरू किया। उन्होंने एरियस में कलाप्रवीण व्यक्ति अंशों को ढेर करने से इनकार कर दिया, और सस्वर पाठ की अभिव्यक्ति में वृद्धि की। उनके ओपेरा संगीत और मंच के विकास के मामले में अधिक उद्देश्यपूर्ण और रचना में अधिक सामंजस्यपूर्ण बन गए। इस प्रकार, संगीत की भाषा में और नए हास्य और सुधारित गंभीर ओपेरा के निर्माण में, नई, शास्त्रीय शैली की महत्वपूर्ण विशिष्ट विशेषताओं की पहचान की गई - विकास की सक्रिय प्रभावशीलता, अभिव्यंजक साधनों की सादगी और स्पष्टता, रचनात्मक सद्भाव, और सामान्य महान और संगीत का उत्कृष्ट चरित्र। इस शैली ने धीरे-धीरे 18वीं शताब्दी के दौरान यूरोपीय संगीत में आकार लिया, 1770-1780 तक परिपक्व हुई और 19वीं शताब्दी के दूसरे दशक के मध्य तक हावी रही। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि "क्लासिक" की परिभाषा का एक और व्यापक अर्थ हो सकता है। "क्लासिक" (या "क्लासिक") को संगीत और कला के अन्य कार्यों को भी कहा जाता है जिन्हें अनुकरणीय, उत्तम, नायाब के रूप में मान्यता दी गई है - उनकी रचना के समय की परवाह किए बिना। इस अर्थ में, 16 वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार फिलिस्तीन, प्रोकोफिव के ओपेरा, और शोस्ताकोविच की सिम्फनी, 20 वीं शताब्दी के रूसी संगीतकारों को शास्त्रीय, या क्लासिक्स कहा जा सकता है। इंस्ट्रुमेंटल म्यूजिक उसी व्यापक अंतरराष्ट्रीय आधार पर ग्लक के ऑपरेटिव सुधार के रूप में, 18 वीं शताब्दी में वाद्य संगीत का गहन विकास हुआ था। यह कई यूरोपीय देशों के संगीतकारों के संयुक्त प्रयासों से किया गया था। गीत और नृत्य पर भरोसा करते हुए, संगीत की भाषा की शास्त्रीय स्पष्टता और गतिशीलता को विकसित करते हुए, उन्होंने धीरे-धीरे चक्रीय वाद्य कार्यों की नई शैलियों का निर्माण किया - जैसे कि शास्त्रीय सिम्फनी, शास्त्रीय सोनाटा, शास्त्रीय स्ट्रिंग चौकड़ी। इनमें सोनाटा रूप का बहुत महत्व है। इसलिए, वाद्य चक्रों को सोनाटा या सोनाटा-सिम्फनी कहा जाता है। सोनाटा रूप। आप पहले से ही जानते हैं कि पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप फ्यूग्यू है। और सोनाटा रूप होमोफोनिक हार्मोनिक संगीत का उच्चतम रूप है, जहां केवल कभी-कभी पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग किया जा सकता है। उनके निर्माण में, ये दोनों रूप एक दूसरे के समान हैं। फ्यूग्यू की तरह, सोनाटा रूप में तीन मुख्य खंड हैं: प्रदर्शनी, विकास और पुनर्पूंजीकरण। लेकिन उनके बीच महत्वपूर्ण अंतर भी हैं। सोनाटा फॉर्म और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर तुरंत एक्सपोजिशन 18 में दिखाई देता है। फ्यूग्यू का विशाल बहुमत पूरी तरह से एक थीम पर बनाया गया है, जिसे प्रत्येक प्रदर्शनी में वैकल्पिक रूप से किया जाता है। यह जर्मन शब्द "सिंगन" ("सिंग") से आया है। और "स्पील" ("नाटक")। 18 यह शब्द लैटिन मूल का है, जिसका अर्थ है "प्रस्तुति", "शो"। 20 www.classON.ru रूस आवाज में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। और सोनाटा के रूप में, एक नियम के रूप में, दो मुख्य विषय दिखाई देते हैं, कमोबेश चरित्र में भिन्न होते हैं। पहले मुख्य भाग का विषय लगता है, बाद में पार्श्व भाग का विषय प्रकट होता है। लेकिन किसी भी स्थिति में आपको "पक्ष" की परिभाषा को "माध्यमिक" नहीं समझना चाहिए। वास्तव में पार्श्व भाग का विषय सोनाटा रूप में मुख्य भाग के विषय से कम महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाता है। यहां "माध्यमिक" शब्द का उपयोग किया गया है, क्योंकि पहले के विपरीत, यह आवश्यक रूप से मुख्य कुंजी में नहीं, बल्कि दूसरे में, जैसे कि एक माध्यमिक में लगता है। शास्त्रीय संगीत में, यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग प्रमुख है, तो पक्ष भाग प्रमुख की कुंजी में कहा गया है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी प्रमुख है, तो पार्श्व भाग की कुंजी जी है मेजर)। यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग लघु कुंजी में है, तो पार्श्व भाग समानांतर प्रमुख में बताया गया है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी नाबालिग है, तो पक्ष भाग की कुंजी ई-फ्लैट प्रमुख है)। या तो एक छोटा बंडल या एक कनेक्टिंग बैच मुख्य और साइड पार्टियों के बीच रखा जाता है। एक स्वतंत्र, मधुर रूप से उभरा हुआ विषय भी यहां दिखाई दे सकता है, लेकिन अधिक बार मुख्य भाग के विषय के इंटोनेशन का उपयोग किया जाता है। कनेक्टिंग पार्ट साइड वाले हिस्से में संक्रमण के रूप में कार्य करता है, यह साइड पार्ट की कुंजी में बदल जाता है। इस प्रकार, तानवाला स्थिरता का उल्लंघन होता है। अफवाह कुछ नए "संगीत कार्यक्रम" की शुरुआत की उम्मीद करने लगती है। यह एक पक्ष पार्टी के विषय की उपस्थिति के रूप में सामने आता है। कभी-कभी प्रदर्शनी एक परिचय से पहले हो सकती है। और एक पक्ष भाग के बाद, या तो एक छोटा निष्कर्ष लगता है, या एक संपूर्ण अंतिम भाग, अक्सर एक स्वतंत्र विषय के साथ। साइड पार्ट के टोन को ठीक करते हुए, एक्सपोज़शन समाप्त होता है। संगीतकार के निर्देश पर, पूरी प्रदर्शनी को दोहराया जा सकता है। विकास - सोनाटा रूप का दूसरा खंड। इसमें, प्रदर्शनी से परिचित विषय नए संस्करणों में दिखाई देते हैं, अलग-अलग तरीकों से वैकल्पिक होते हैं, और उनकी तुलना की जाती है। इस तरह की बातचीत में अक्सर पूरे विषय शामिल नहीं होते हैं, लेकिन उनसे अलग किए गए रूपांकनों और वाक्यांशों को शामिल किया जाता है। यही है, विकास के विषय, जैसे कि, अलग-अलग तत्वों में विभाजित हैं, उनमें निहित ऊर्जा को प्रकट करते हैं। इस मामले में, चाबियों का लगातार परिवर्तन होता है (मुख्य कुंजी शायद ही कभी यहां प्रभावित होती है और लंबे समय तक नहीं)। अलग-अलग चाबियों में दिखाई देने पर, थीम और उनके तत्व नए तरीके से प्रकाशित होते हैं, नए दृष्टिकोण से दिखाए जाते हैं। विकास में विकास के चरमोत्कर्ष पर एक महत्वपूर्ण तनाव तक पहुँचने के बाद, इसका पाठ्यक्रम दिशा बदल देता है। इस खंड के अंत में, मुख्य कुंजी पर वापसी तैयार की जा रही है, पुनरावृत्ति की बारी है। रिप्राइज़ सोनाटा फॉर्म का तीसरा खंड है। यह मुख्य कुंजी में मुख्य भाग की वापसी के साथ शुरू होता है। कनेक्टिंग भाग एक नई कुंजी की ओर नहीं ले जाता है। इसके विपरीत, यह मुख्य कुंजी को ठीक करता है, जिसमें द्वितीयक और अंतिम दोनों भागों को अब दोहराया जाता है। तो आश्चर्य, अपनी तानवाला स्थिरता के साथ, विकास की अस्थिर प्रकृति को संतुलित करता है और पूरे को एक शास्त्रीय सामंजस्य प्रदान करता है। कभी-कभी पुनरावर्तन को एक अंतिम निर्माण द्वारा पूरक किया जा सकता है - एक कोडा (लैटिन शब्द से व्युत्पन्न जिसका अर्थ है "पूंछ")। इसलिए, जब एक फ्यूगू लगता है, तो हमारा ध्यान एक संगीत विचार में सुनने, सोचने और महसूस करने पर केंद्रित होता है, जो एक विषय द्वारा सन्निहित होता है। जब कोई काम सोनाटा रूप में सुना जाता है, तो हमारी सुनवाई दो मुख्य (और पूरक) विषयों की तुलना और बातचीत का अनुसरण करती है - जैसे कि विभिन्न संगीत कार्यक्रमों, संगीत क्रिया के विकास के बाद। इन दो संगीत रूपों की कलात्मक संभावनाओं के बीच यही मुख्य अंतर है। शास्त्रीय सोनाटा (सोनाटा-सिम्फोनिक) चक्र। लगभग 18वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में, शास्त्रीय सोनाटा चक्र ने अंततः संगीत में आकार ले लिया। पहले, सूट के रूप में वाद्य कार्यों का वर्चस्व था, जहां धीमी और तेज भागों को बारी-बारी से और पुराने सोनाटा का रूप इसके करीब था। अब, शास्त्रीय सोनाटा चक्र में, भागों की संख्या (आमतौर पर तीन या चार) निश्चित रूप से निर्धारित की गई है, लेकिन उनकी सामग्री अधिक जटिल हो गई है। पहला आंदोलन आमतौर पर सोनाटा रूप में लिखा जाता है, जिसकी चर्चा पिछले पैराग्राफ में की गई थी। वह तेज या मध्यम तेज गति से चलती है। सबसे अधिक बार यह A11eggo है। इसलिए, इस तरह के आंदोलन को आमतौर पर सोनाटा रूपक कहा जाता है। इसमें संगीत अक्सर एक ऊर्जावान, प्रभावी चरित्र, अक्सर तनावपूर्ण, नाटकीय होता है। दूसरा आंदोलन हमेशा गति और सामान्य चरित्र में पहले के विपरीत होता है। अक्सर यह धीमा, सबसे गेय और मधुर होता है। लेकिन यह अलग भी हो सकता है, उदाहरण के लिए, एक धीमी कथा या नृत्य-सुंदर के समान। तीन-भाग चक्र में, अंतिम, तीसरा भाग, फाइनल फिर से तेज़ होता है, आमतौर पर अधिक तेज़, लेकिन विकास की तुलना में कम आंतरिक रूप से तीव्र होता है पहले को। शास्त्रीय सोनाटा चक्रों (विशेष रूप से सिम्फनी) के समापन अक्सर भीड़ भरे उत्सव की मस्ती की तस्वीरें चित्रित करते हैं, और उनके विषय लोक गीतों और नृत्यों के करीब होते हैं। इस मामले में, रोंडो फॉर्म का अक्सर उपयोग किया जाता है (फ्रेंच "रोंडे" - "सर्कल" से)। जैसा कि आप जानते हैं, यहां पहला खंड (बचाव) कई बार दोहराया जाता है, नए खंडों (एपिसोड) के साथ बारी-बारी से। 21 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा उनका पहला ओपेरा? 3. शास्त्रीय शैली कब तक परिपक्व हुई और संगीत में शास्त्रीय शैली कब तक हावी रही? "क्लासिक" की दो परिभाषाओं के बीच अंतर स्पष्ट करें। 4. फ्यूगू और सोनाटा रूप के बीच सामान्य निर्माण में क्या समानता है? और उनके बीच मुख्य अंतर क्या है? 5. सोनाटा रूप के मुख्य और अतिरिक्त वर्गों के नाम लिखिए। उसका आरेख बनाइए। 6. सोनाटा के रूप के मुख्य और पार्श्व भाग एक दूसरे से उसके प्रदर्शन और उसके पुनरावृत्ति में कैसे संबंधित हैं? 7. सोनाटा रूप में विकास के लिए विशिष्ट क्या है? 8. शास्त्रीय सोनाटा चक्र के भागों का वर्णन करें। 9. कलाकारों की संरचना के आधार पर मुख्य प्रकार के शास्त्रीय सोनाटा चक्रों के नाम बताइए। यह सब चार-भाग चक्रों के कई फाइनल को अलग करता है। लेकिन उनमें चरम भागों (पहले और चौथे) के बीच दो मध्य भाग रखे जाते हैं। एक - धीमा - एक सिम्फनी में आमतौर पर दूसरा होता है, और चौकड़ी में - तीसरा। 18वीं शताब्दी की शास्त्रीय सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है, जो चौकड़ी में दूसरा स्थान लेता है। तो, हमने "सोनाटा", "चौकड़ी", "सिम्फनी" शब्दों का उल्लेख किया। इन चक्रों के बीच का अंतर कलाकारों की संरचना पर निर्भर करता है। एक विशेष स्थान सिम्फनी से संबंधित है - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक काम, जिसे कई श्रोताओं के सामने एक बड़े कमरे में ध्वनि के लिए डिज़ाइन किया गया है। इस अर्थ में, कॉन्सर्टो सिम्फनी के करीब है - ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल वाद्य यंत्र के लिए तीन-आंदोलन की रचना। सबसे आम कक्ष वाद्य चक्र सोनाटा (एक या दो उपकरणों के लिए), तिकड़ी (तीन उपकरणों के लिए), चौकड़ी (चार उपकरणों के लिए), पंचक (पांच उपकरणों के लिए) 19 हैं। संगीत में संपूर्ण शास्त्रीय शैली की तरह सोनाटा रूप और सोनाटा-सिम्फनी चक्र, 18 वीं शताब्दी में बने थे, जिसे "ज्ञान की उम्र" (या "ज्ञान का युग") कहा जाता है, साथ ही साथ "आयु" कारण"। इस सदी में, विशेष रूप से इसकी दूसरी छमाही में, तथाकथित "थर्ड एस्टेट" के प्रतिनिधियों को कई यूरोपीय देशों में नामित किया गया था। ये वे लोग थे जिनके पास न तो बड़प्पन की उपाधियाँ थीं और न ही आध्यात्मिक उपाधियाँ। उन्होंने अपनी सफलता का श्रेय अपने काम और पहल को दिया। उन्होंने "प्राकृतिक मनुष्य" के आदर्श की घोषणा की, जो प्रकृति द्वारा ही रचनात्मक ऊर्जा, उज्ज्वल दिमाग और गहरी भावनाओं से संपन्न था। यह आशावादी लोकतांत्रिक आदर्श संगीत और कला और साहित्य के अन्य रूपों में अपने तरीके से परिलक्षित होता था। उदाहरण के लिए, प्रबुद्धता की शुरुआत में मानव मन और अथक हाथों की जीत को 1719 में प्रकाशित अंग्रेजी लेखक डैनियल डेफो ​​के प्रसिद्ध उपन्यास, द लाइफ एंड अमेजिंग एडवेंचर्स ऑफ रॉबिन्सन क्रूसो द्वारा महिमामंडित किया गया था। जोसेफ हेडन 1732-1809 संगीत में शास्त्रीय शैली अपनी परिपक्वता तक पहुंच गई और जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट और लुडविग वैन बीथोवेन के कार्यों में फल-फूल रही। उनमें से प्रत्येक के जीवन और कार्य ने ऑस्ट्रिया की राजधानी विएना में एक लंबा समय बिताया। इसलिए, हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन को विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। ऑस्ट्रिया एक बहुराष्ट्रीय साम्राज्य था। इसमें ऑस्ट्रियाई लोगों के साथ, जिनकी मूल भाषा जर्मन है, हंगेरियन और चेक, सर्ब, क्रोएट्स सहित विभिन्न स्लाव लोग रहते थे। उनके गीत और प्रश्न और कार्य 1 . 18वीं शताब्दी के हास्य ओपेरा की राष्ट्रीय किस्मों के नाम लिखिए। इतालवी बफ़ा ओपेरा के निर्माण और फ्रांसीसी कॉमिक ओपेरा के निर्माण में क्या अंतर है? 2. महान ऑपरेटिव सुधारक क्रिस्टोफ विलीबाल्ड ग्लक की गतिविधि किन देशों और शहरों से जुड़ी हुई थी? उन्होंने किस भूखंड पर अन्य कक्ष-पहनावा वाद्य चक्रों के नाम लिखे - सेक्सेट (6), सेप्टेट (7), ऑक्टेट (8), नोनेट (9), डेसीमेट (10)। "कक्ष संगीत" की परिभाषा इतालवी शब्द "कैमरा" - "कमरा" से आई है। 19 वीं शताब्दी तक, कई वाद्ययंत्रों की रचनाएँ अक्सर घर पर की जाती थीं, अर्थात उन्हें "कमरे के संगीत" के रूप में समझा जाता था। 19 22 www.classON.ru रूसी कला नृत्य की धुन के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा को गांवों और शहरों दोनों में सुना जा सकता था। वियना में, लोक संगीत हर जगह बजता था - केंद्र में और बाहरी इलाके में, सड़क के चौराहों पर, सार्वजनिक उद्यानों और पार्कों में, रेस्तरां और पब में, अमीर और गरीब निजी घरों में। वियना पेशेवर संगीत संस्कृति का एक प्रमुख केंद्र भी था, जो शाही दरबार के आसपास केंद्रित था, कुलीन 1 के चैपल और कुलीन सैलून, कैथेड्रल और चर्च। ऑस्ट्रियाई राजधानी में लंबे समय से इतालवी ओपेरा सेरिया की खेती की जाती है, यहाँ, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, ग्लक ने अपना ऑपरेटिव सुधार शुरू किया। अदालती समारोहों में संगीत बहुतायत से होता था। लेकिन विनीज़ ने स्वेच्छा से संगीत के साथ मज़ाकिया प्रदर्शनों में भाग लिया, जिससे सिंगस्पिल्स पैदा हुए, और उन्हें नृत्य करने का बहुत शौक था। तीन महान विनीज़ संगीत क्लासिक्स में से, हेडन सबसे पुराना है। मोजार्ट के जन्म के समय वह 24 वर्ष के थे और बीथोवेन के जन्म के समय 38 वर्ष के थे। हेडन ने एक लंबा जीवन जिया। वह मोजार्ट से बच गया, जो लगभग दो दशकों तक जल्दी मर गया और तब भी जीवित था जब बीथोवेन ने पहले ही अपने अधिकांश परिपक्व कार्यों का निर्माण कर लिया था। निजी राजसी रंगमंच के लिए, उन्होंने सेरिया, बफा की शैलियों में दो दर्जन से अधिक ओपेरा लिखे, साथ ही कठपुतली द्वारा खेले जाने वाले प्रदर्शन के लिए कई "कठपुतली" ओपेरा भी लिखे। लेकिन उनके मुख्य रचनात्मक हितों और उपलब्धियों का क्षेत्र सिम्फोनिक और चैम्बर 2 वाद्य संगीत है। कुल मिलाकर यह 800 से अधिक रचनाएँ 3 है। उनमें से, 100 से अधिक सिम्फनी, 80 से अधिक स्ट्रिंग चौकड़ी और 60 से अधिक क्लैवियर सोनाटा विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं। सबसे बड़ी पूर्णता, चमक और मौलिकता के साथ उनके परिपक्व नमूनों में, महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार के आशावादी विश्वदृष्टि का पता चला था। केवल कभी-कभी यह उज्ज्वल रवैया एक उदास मनोदशा से निर्धारित होता है। वे हमेशा हेडन के जीवन के अटूट प्रेम, उत्सुक अवलोकन, हंसमुख हास्य, सरल, स्वस्थ और साथ ही आसपास की वास्तविकता की काव्यात्मक धारणा से दूर हो जाते हैं। जीवन पथ प्रारंभिक बचपन। रोरौ और हैनबर्ग। फ्रांज जोसेफ हेडन का जन्म 1732 में पूर्वी ऑस्ट्रिया में स्थित रोरौ गांव में हंगेरियन सीमा के पास और वियना से ज्यादा दूर नहीं हुआ था। हेडन के पिता एक कुशल कोचमेकर थे, उनकी मां ने रोरौ के मालिक, गिनती की संपत्ति पर एक रसोइया के रूप में काम किया। उनके सबसे बड़े बेटे जोसेफ, जिन्हें परिवार में प्यार से ज़ेपरल कहा जाता था, माता-पिता ने जल्दी ही उन्हें मेहनती, सटीकता, स्वच्छता का आदी बनाना शुरू कर दिया। हेडन के पिता संगीत बिल्कुल नहीं जानते थे, लेकिन उन्हें वीणा बजाते हुए गाना पसंद था, खासकर जब उनके साथ। एक छोटे से घर में मेहमान इकट्ठे हुए। Zepperl ने संगीत के लिए एक उल्लेखनीय कान का खुलासा करते हुए, एक स्पष्ट चांदी की आवाज में गाया। और जब लड़का केवल पाँच वर्ष का था, तो उसे पड़ोसी शहर हैनबर्ग में एक दूर के रिश्तेदार के पास भेजा गया, जो चर्च स्कूल और गाना बजानेवालों का नेतृत्व करता था। हैनबर्ग में, सेपरल ने गाना बजानेवालों में पढ़ना, लिखना, गिनना, गाना सीखा, और क्लैविचॉर्ड और वायलिन बजाने के कौशल में भी महारत हासिल करना शुरू कर दिया। लेकिन उनके लिए एक अजीब परिवार में रहना आसान नहीं था। कई साल बाद, उन्होंने याद किया कि तब उन्हें "भोजन से अधिक मारक" प्राप्त हुआ था। जैसे ही ज़ेपरल हैनबर्ग पहुंचे, उन्हें संगीत के साथ उसी चर्च जुलूस में भाग लेने के लिए टिमपनी को पीटना सीखने का आदेश दिया गया। लड़के ने एक छलनी ली, उसके ऊपर कपड़े का एक टुकड़ा खींचा और लगन से व्यायाम करने लगा। उन्होंने अपना कार्य सफलतापूर्वक पूरा किया। जुलूस का आयोजन करते समय ही उन्हें एक बहुत छोटे व्यक्ति की पीठ पर एक यंत्र लटकाना पड़ता था। और वह हंपबैक हो गया, जिससे दर्शकों की हंसी छूट गई। वियना में सेंट स्टीफन कैथेड्रल के चैपल में। हैनबर्ग का दौरा करने के बाद, विनीज़ कैथेड्रल बैंडमास्टर और कोर्ट संगीतकार जॉर्ज रॉयटर ने उत्कृष्ट संगीत क्षमताओं की ओर ध्यान आकर्षित किया, हेडन एक ईमानदार आस्तिक थे। वह आध्यात्मिक ग्रंथों के आधार पर कई जनसमूह और अन्य मुखर और वाद्य कार्यों के लेखक हैं। 23 www.classON.ru रूसी कला Zepperl के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। इसलिए 1740 में, आठ वर्षीय हेडन ने खुद को ऑस्ट्रिया की राजधानी में पाया, जहां उन्हें सेंट स्टीफन के कैथेड्रल (मुख्य) कैथेड्रल के चैपल में एक कोरिस्टर के रूप में स्वीकार किया गया था। खुद कर रहा हूँ। स्वतंत्र जीवन की कठिन शुरुआत। जब, अठारह वर्ष की आयु तक, युवक की आवाज टूटने लगी - यह अस्थायी रूप से कर्कश हो गई और लचीलापन खो दिया, उसे बेरहमी से और बेरहमी से चैपल से बाहर निकाल दिया गया। आश्रय और धन के बिना खुद को पाकर, वह भूख और ठंड से मर सकता था यदि उसे कुछ समय के लिए एक परिचित गायक द्वारा आश्रय नहीं दिया गया था जो छत के नीचे एक छोटे से कमरे में अपनी पत्नी और बच्चे के साथ रहता था। हेडन ने किसी भी संगीतमय काम को करना शुरू कर दिया: उन्होंने नोट्स की नकल की, गायन में पेनी सबक दिया, क्लैवियर बजाना, स्ट्रीट वाद्य यंत्रों में एक वायलिन वादक के रूप में भाग लिया, जो रात में शहरवासियों में से एक के सम्मान में सेरेनेड का प्रदर्शन करते थे। अंत में, वह वियना के केंद्र में एक घर की छठी और आखिरी मंजिल पर एक छोटा कमरा किराए पर लेने में सक्षम था। कमरा हवा से छेदा गया था, उसमें चूल्हा नहीं था, सर्दियों में पानी अक्सर जम जाता था। हेडन दस साल तक ऐसी ही दुर्दशा में रहे। लेकिन उन्होंने हिम्मत नहीं हारी और उत्साह से अपनी पसंदीदा कला में लगे रहे। "जब मैं अपने बूढ़े, कीड़े-मकोड़े खाकर बैठ गया," उन्होंने अपने बुढ़ापे में याद किया, "मैं किसी भी राजा की खुशी से ईर्ष्या नहीं करता था।" हेडन को अपने जीवंत, हंसमुख चरित्र से रोजमर्रा की कठिनाइयों को दूर करने में मदद मिली। एक बार, उदाहरण के लिए, रात में उन्होंने अपने साथी संगीतकारों को वियना की सड़कों में से एक पर एकांत कोने में रखा, और उनके संकेत पर, सभी ने जो पसंद किया, वह बजाया। परिणाम एक "बिल्ली संगीत कार्यक्रम" था, जिससे आसपास के निवासियों में हलचल मच गई। संगीतकारों में से दो पुलिस में समाप्त हो गए, लेकिन निंदनीय "सेरेनेड" के भड़काने वाले को प्रत्यर्पित नहीं किया गया था। एक लोकप्रिय हास्य अभिनेता से परिचित, हेडन ने उनके साथ मिलकर "द लेम डेविल" गायन की रचना की और एक छोटी राशि अर्जित की, एक फुटमैन के रूप में उनकी सेवा की। धीरे-धीरे, हेडन ने एक शिक्षक और संगीतकार दोनों के रूप में वियना में ख्याति प्राप्त करना शुरू कर दिया। वह प्रसिद्ध लोगों से मिले; संगीतकार और संगीत प्रेमी। एक प्रमुख अधिकारी के घर में, उन्होंने चैम्बर पहनावा के प्रदर्शन में भाग लेना शुरू किया और अपने देश की संपत्ति में संगीत समारोहों के लिए अपनी पहली स्ट्रिंग चौकड़ी बनाई। और हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी 1759 में लिखी, जब उन्हें अपने निपटान में एक छोटा ऑर्केस्ट्रा मिला, जो काउंट मोरज़िन के चैपल का प्रमुख बन गया। गिनती केवल अविवाहित संगीतकारों ने रखी। एक विनीज़ हेयरड्रेसर की बेटी से शादी करने वाले हेडन को इसे गुप्त रखने के लिए मजबूर किया गया था। लेकिन यह केवल 1760 तक जारी रहा, जब वियना में, शानदार इमारतों और स्थापत्य कलाकारों के साथ एक बड़ा खूबसूरत शहर, लड़के पर नए ज्वलंत छापों की एक लहर बह गई। चारों ओर बहुराष्ट्रीय लोक संगीत बज रहा था। गिरजाघर में और शाही दरबार में, जहाँ गाना बजानेवालों ने भी प्रदर्शन किया, गंभीर स्वर और वाद्य कार्य किए गए। लेकिन अस्तित्व की स्थितियां फिर से कठिन हो गईं। कक्षा में, पूर्वाभ्यास और प्रदर्शन में, गाना बजानेवालों के लड़के बहुत थके हुए थे। उन्हें खराब खिलाया गया, वे लगातार आधे भूखे थे। उन्हें उनके मज़ाक के लिए कड़ी सजा दी गई थी। लिटिल हेडन ने गायन, क्लैवियर और वायलिन बजाने की कला का परिश्रमपूर्वक अध्ययन करना जारी रखा और वह वास्तव में संगीत रचना करना चाहते थे। हालांकि, रॉयटर ने इस पर ध्यान नहीं दिया। अपने स्वयं के मामलों में बहुत व्यस्त, हेडन के चैपल में रहने के सभी नौ वर्षों के लिए, उसने उसे रचना में केवल दो पाठ दिए। लेकिन जोसेफ़ ने अपने लक्ष्य का हठपूर्वक, लगन से पीछा किया। कुछ साल बाद उन्होंने "द न्यू लेम इम्प" नामक एक और गीत लिखा। 20 24 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, गिनती के भौतिक मामलों को हिलाकर रख दिया और उन्होंने अपने चैपल को भंग कर दिया। हेडन की शादी असफल रही। उनका चुना हुआ एक भारी, क्रोधी चरित्र से अलग था। वह अपने पति के रचना मामलों में बिल्कुल भी दिलचस्पी नहीं ले रही थी - इस हद तक कि उसने अपनी रचनाओं की पांडुलिपियों से पैपिलोट्स और पाट के लिए अस्तर बनाया। कुछ साल बाद हेडन अपनी पत्नी से अलग रहने लगे। उनके बच्चे नहीं थे। प्रिंसेस एस्टरहाज़ी के चैपल में। 1761 में एक धनी हंगेरियन; प्रिंस पाल एंटल एस्टरहाज़ी ने हेडन को वाइस-कपेलमेस्टर के रूप में ईसेनस्टेड में आमंत्रित किया। उसी क्षण से, एस्टरहाज़ी परिवार के साथ हेडन की सेवा शुरू हुई, जो पूरे तीन दशकों तक चली। पांच साल बाद, वह बैंडमास्टर बन गया - इस पद पर रहने वाले बुजुर्ग संगीतकार की मृत्यु के बाद। पाला अंताल के उत्तराधिकारी, जिनकी 1762 में मृत्यु हो गई, विलासिता और महंगे मनोरंजन के प्रति अपनी प्रतिबद्धता से प्रतिष्ठित थे, उनके भाई मायक्लोश 1, ने मैग्निफिकेंट का उपनाम दिया। कुछ साल बाद, उन्होंने अपने निवास को ईसेनस्टेड से 126 कमरों के एक नए देश के महल में स्थानांतरित कर दिया, इसे एक विशाल पार्क के साथ घेर लिया, 400 सीटों के साथ एक ओपेरा हाउस और पास में एक कठपुतली थियेटर का निर्माण किया, और चैपल में संगीतकारों की संख्या में काफी वृद्धि की। . इसमें काम करने से हेडन को अच्छी वित्तीय सहायता मिली, और इसके अलावा - अपने नए कार्यों के आर्केस्ट्रा प्रदर्शन को निर्देशित करते हुए, बहुत कुछ लिखने और तुरंत अभ्यास में खुद को परखने का अवसर मिला। एस्टरहाज़ में (जैसा कि नई रियासत कहा जाता था), अक्सर भीड़ भरे स्वागत समारोह आयोजित किए जाते थे, अक्सर उच्च रैंकिंग वाले विदेशी मेहमानों की भागीदारी के साथ। इसके लिए धन्यवाद, हेडन का काम धीरे-धीरे ऑस्ट्रिया के बाहर जाना जाने लगा। लेकिन इस सब में, जैसा कि वे कहते हैं, सिक्के का दूसरा पहलू था। जब उन्होंने सेवा में प्रवेश किया, तो हेडन ने एक अनुबंध पर हस्ताक्षर किए, जिसके अनुसार वह एक प्रकार का संगीत सेवक बन गया। राजकुमार के आदेशों को सुनने के लिए, उसे रोजाना, रात के खाने से पहले और बाद में, पाउडर विग और सफेद मोज़ा में महल के सामने उपस्थित होना पड़ता था। अनुबंध ने हेडन को तत्काल "किसी भी संगीत को लिखने के लिए बाध्य किया, जो उसकी आधिपत्य की इच्छा रखता है, किसी को नई रचनाएँ नहीं दिखाने के लिए, और इससे भी अधिक किसी को भी उन्हें लिखने की अनुमति नहीं देने के लिए, बल्कि उन्हें पूरी तरह से अपने प्रभुत्व के लिए और उनके ज्ञान और अनुग्रह के बिना रखने के लिए। किसी के लिए कुछ भी लिखने की अनुमति नहीं"। इसके अलावा, हेडन को चैपल में आदेश और संगीतकारों के व्यवहार का पालन करना, गायकों को सबक देना और उपकरणों और नोट्स की सुरक्षा के लिए जिम्मेदार होना आवश्यक था। वह किसी महल में नहीं रहता था, बल्कि पड़ोस के गाँव में, एक छोटे से घर में रहता था। ईसेनस्टेड से, रियासत सर्दियों में वियना चली जाती थी। और एस्टरहाज़ी से, हेडन कभी-कभार ही राजकुमार के साथ या विशेष अनुमति से राजधानी में प्रवेश कर सकता था। Eisenstadt और Esterhase में बिताए कई वर्षों में, हेडन एक नौसिखिए संगीतकार से एक महान संगीतकार के रूप में चला गया, जिसका काम उच्च कलात्मक पूर्णता तक पहुँच गया और न केवल ऑस्ट्रिया में, बल्कि इसकी सीमाओं से भी परे पहचाना गया। तो, छह "पेरिस सिम्फनीज़" (नंबर 82-87) उनके द्वारा फ्रांस की राजधानी से आदेश द्वारा लिखे गए थे, जहां उन्होंने 1786 में सफलता के साथ आवाज उठाई थी। वियना में वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट के साथ हेडन की मुलाकात 1780 के दशक की है। दोनों महान संगीतकारों के काम पर मैत्रीपूर्ण तालमेल का लाभकारी प्रभाव पड़ा। समय के साथ, हेडन अपनी आश्रित स्थिति के बारे में अधिक जागरूक हो गए। 1790 की पहली छमाही में लिखे गए वियना में एस्टरहाज़ी के दोस्तों को लिखे गए उनके पत्रों में ऐसे वाक्यांश हैं: "अब - मैं अपने जंगल में बैठा हूँ - परित्यक्त - एक गरीब अनाथ की तरह - लगभग लोगों की कंपनी के बिना - उदास .. एस्टरहाज़ी के अंतिम राजकुमारों के पास विशाल सम्पदा थी, उनके कई नौकर थे और उन्होंने अपने महलों में शाही जीवन व्यतीत किया। विशेष 25 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मैं कई दिनों तक नहीं जानता था कि मैं बैंडमास्टर था या बैंडलीडर... हर समय गुलाम रहना दुखद है...» में एक नया मोड़ भाग्य। इंग्लैंड की यात्राएं। 1790 की शरद ऋतु में मिक्लोस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई। वह एक प्रबुद्ध संगीत प्रेमी थे, तार वाले वाद्ययंत्र बजाते थे और हेडन जैसे "संगीत सेवक" की अपने तरीके से सराहना नहीं कर सकते थे। राजकुमार ने उन्हें एक बड़ी आजीवन पेंशन दी। संगीत के प्रति उदासीन मिक्लोस के उत्तराधिकारी अंटल ने चैपल को खारिज कर दिया। लेकिन यह चाहते हुए कि प्रसिद्ध संगीतकार उनके कोर्ट बैंडमास्टर बने रहें, उन्होंने हेडन को नकद भुगतान भी बढ़ा दिया, जो इस प्रकार, आधिकारिक कर्तव्यों से मुक्त हो गए और खुद को पूरी तरह से निपटा सकते थे। हेडन संगीत रचना करने के इरादे से वियना चले गए, और पहले तो अन्य देशों की यात्रा के प्रस्तावों को ठुकरा दिया। लेकिन फिर वह इंग्लैंड की लंबी यात्रा करने के प्रस्ताव पर सहमत हुए और 1791 की शुरुआत में लंदन पहुंचे। इस प्रकार, अपने साठवें जन्मदिन के करीब, हेडन ने पहली बार समुद्र को अपनी आँखों से देखा और पहली बार खुद को दूसरे राज्य में पाया। ऑस्ट्रिया के विपरीत, जो अभी भी अपने तरीके से सामंती-कुलीन था, इंग्लैंड लंबे समय से एक बुर्जुआ देश था, और संगीत सहित, लंदन में सामाजिक जीवन वियना से बहुत अलग था। लंदन में, कई औद्योगिक और वाणिज्यिक उद्यमों के साथ एक विशाल शहर, महलों और कुलीनों के सैलून में आमंत्रित चयनित व्यक्तियों के लिए संगीत कार्यक्रम प्रबल नहीं हुए, बल्कि सार्वजनिक हॉल में आयोजित किए गए, जहां हर कोई शुल्क के लिए आया था। इंग्लैंड में हेडन का नाम पहले से ही महिमा के प्रभामंडल से घिरा हुआ था। प्रसिद्ध संगीतकारों और उच्च पदस्थ व्यक्तियों दोनों ने उन्हें न केवल एक समान माना, बल्कि विशेष सम्मान के साथ भी। उनके नए काम, जिसके प्रदर्शन में उन्होंने एक कंडक्टर के रूप में काम किया, उत्साह से मिले और उन्हें उदारता से भुगतान किया गया। हेडन ने 40-50 लोगों का एक बड़ा ऑर्केस्ट्रा आयोजित किया, जो कि एस्टरहाज़ी चैपल के आकार का दोगुना है। ऑक्सफोर्ड यूनिवर्सिटी ने उन्हें डॉक्टर ऑफ म्यूजिक की मानद उपाधि से सम्मानित किया। हेडन डेढ़ साल बाद वियना लौट आए। रास्ते में उन्होंने जर्मन शहर बॉन का दौरा किया। वहां उन्होंने पहली बार युवा लुडविग वैन बीथोवेन से मुलाकात की, जो जल्द ही हेडन के साथ अध्ययन करने के इरादे से वियना चले गए। लेकिन बीथोवेन ने उनसे लंबे समय तक सबक नहीं लिया। उम्र और स्वभाव में बहुत भिन्न दो संगीत प्रतिभाओं को तब वास्तविक पारस्परिक समझ नहीं मिली। हालांकि, बीथोवेन ने प्रकाशन के दौरान अपने तीन पियानो सोनाटा (नंबर 1-3) को हेडन को समर्पित कर दिया। हेडन की इंग्लैंड की दूसरी यात्रा 1794 में शुरू हुई और डेढ़ साल से भी अधिक समय तक चली। सफलता फिर से विजयी थी। बनाए गए कई कार्यों से; इन यात्राओं के दौरान और उनके संबंध में बारह तथाकथित "लंदन सिम्फनीज़" विशेष रूप से महत्वपूर्ण थे। जीवन और रचनात्मकता के अंतिम वर्ष। एस्टरहाज़ी के अगले राजकुमार, मिक्लोस II, अपने पूर्ववर्ती की तुलना में संगीत में अधिक रुचि रखते थे। इसलिए, हेडन ने कभी-कभी वियना से ईसेनस्टेड तक दौड़ना शुरू कर दिया और राजकुमार के आदेश पर कई लोगों को लिखा। हाल के वर्षों के संगीतकार की मुख्य कृतियाँ - दो स्मारकीय भाषण "द क्रिएशन ऑफ़ द वर्ल्ड" और "द सीज़न्स" - वियना में बड़ी सफलता के साथ (1799 में से एक, 1801 में दूसरा) प्रदर्शन किया गया। प्राचीन अराजकता का चित्रण, जिससे दुनिया तब उत्पन्न होती है, पृथ्वी का निर्माण, पृथ्वी पर जीवन का जन्म और मनुष्य का निर्माण - ऐसा इनमें से पहले भाषणों की सामग्री है। दूसरे भाषण के चार भाग ("स्प्रिंग", "समर", "ऑटम", "विंटर") ग्रामीण प्रकृति और किसान जीवन के अच्छी तरह से लक्षित संगीत रेखाचित्रों से बने हैं। 26 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1803 के बाद हेडन ने और कुछ नहीं लिखा। वह चुपचाप अपना जीवन व्यतीत करता था, महिमा और सम्मान से घिरा हुआ था। नेपोलियन युद्धों की ऊंचाई पर, 1809 के वसंत में हेडन की मृत्यु हो गई, जब फ्रांसीसी ने वियना में प्रवेश किया। सेलोस और डबल बास। वुडविंड वाद्ययंत्रों के समूह में बांसुरी, ओबो, शहनाई और बेससून शामिल हैं 21. हेडन के पीतल के वाद्ययंत्रों का समूह सींग और पाइप से बनता है, और उन्होंने ताल वाद्य यंत्रों से केवल टिमपनी का इस्तेमाल किया और केवल आखिरी, बारहवीं लंदन सिम्फनी में उन्होंने एक त्रिकोण जोड़ा , झांझ और एक ड्रम। प्रश्न और कार्य 1. किन तीन महान संगीतकारों को विनीज़ संगीत क्लासिक्स कहा जाता है? ऐसी परिभाषा क्या समझाती है? 2. हमें 18वीं शताब्दी में वियना के संगीतमय जीवन के बारे में बताएं। 3. हेडन की कृतियों में संगीत की प्रमुख विधाओं के नाम लिखिए। 4. हेडन का बचपन और युवावस्था कहाँ और कैसे गुजरी? 5. हेडन ने अपनी स्वतंत्र यात्रा कैसे शुरू की? 6.. प्रिंसेस एस्टरहाज़ी के चैपल में उनकी सेवा के दौरान हेडन का जीवन और कार्य कैसे आगे बढ़े? 7. हमें हेडन की इंग्लैंड यात्राओं और उनके जीवन के अंतिम वर्षों के बारे में बताएं। सिम्फोनिक रचनात्मकता जब 1759 में हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी लिखी, तो इस शैली में कई काम पहले से मौजूद थे और बनाए जाते रहे। वे इटली, जर्मनी, ऑस्ट्रिया और अन्य यूरोपीय देशों में पैदा हुए। 18 वीं शताब्दी के मध्य में, उदाहरण के लिए, जर्मन शहर मैनहेम में बनाई गई और प्रदर्शन की गई सिम्फनी, जिसमें उस समय के लिए सबसे अच्छा ऑर्केस्ट्रा था, ने सामान्य प्रसिद्धि प्राप्त की। तथाकथित "मैनहेम स्कूल" के रचनाकारों में कई चेक थे। सिम्फनी के पूर्वजों में से एक तीन-भाग इतालवी ओपेरा ओवरचर है (टेम्पो के अनुसार भागों के अनुपात के साथ: "त्वरित-धीमी-त्वरित")। प्रारंभिक ("पूर्व-शास्त्रीय") सिम्फनी में, भविष्य की शास्त्रीय सिम्फनी का मार्ग अभी भी प्रशस्त था, जिसकी पहचान आलंकारिक सामग्री का महत्व और रूप की पूर्णता थी। इस रास्ते को अपनाते हुए, हेडन 1780 के दशक में अपनी परिपक्व सिम्फनी में पहुंचे। और एक ही समय में, अभी भी बहुत युवा मोजार्ट की परिपक्व सिम्फनी दिखाई दी, आश्चर्यजनक रूप से कलात्मक महारत की ऊंचाइयों पर तेजी से आगे बढ़ रही थी। हेडन ने अपनी लंदन सिम्फनीज़ बनाई, जिसने मोजार्ट की असामयिक मृत्यु के बाद इस शैली में उनकी उपलब्धियों का ताज पहनाया, जिसने उन्हें गहरा झकझोर दिया। हेडन की परिपक्व सिम्फनी में, चार-आंदोलन चक्र की निम्नलिखित विशिष्ट संरचना स्थापित की गई थी: सोनाटा रूपक, धीमी गति, मीनू और समापन (आमतौर पर एक रोंडो या सोनाटा रूपक के रूप में)। उसी समय, चार समूहों के वाद्ययंत्रों से ऑर्केस्ट्रा की शास्त्रीय रचना इसकी मुख्य विशेषताओं में निर्धारित की गई थी। अग्रणी समूह - स्ट्रिंग। इसमें वायलिन, वायलस शामिल हैं, हेडन हमेशा शहनाई का उपयोग नहीं करते थे। उनकी लंदन सिम्फनीज़ में भी, वे केवल पाँच (बारह में से) में ही दिखाई देते हैं। 21 27 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इस सिम्फनी को "सैन्य" के रूप में जाना जाता है। हेडन की कुछ अन्य सिम्फनी के नाम भी हैं। ज्यादातर मामलों में, वे स्वयं संगीतकार द्वारा नहीं दिए जाते हैं और केवल एक विवरण को चिह्नित करते हैं, अक्सर सचित्र, उदाहरण के लिए, सिम्फनी "चिकन" या "टिकिंग" के धीमे हिस्से में क्लकिंग की नकल - सिम्फनी के धीमे हिस्से में " घंटे"। एफ-शार्प माइनर में सिम्फनी के साथ एक विशेष कहानी जुड़ी हुई है, जिसे "विदाई" नाम दिया गया था। इसका एक अतिरिक्त पाँचवाँ भाग है (अधिक सटीक रूप से, कोडा प्रकार का एक एडैगियो)। इसके प्रदर्शन के दौरान, ऑर्केस्ट्रा के सदस्य एक-एक करके अपने कंसोल पर मोमबत्तियां बुझाते हैं, अपने वाद्य यंत्र लेते हैं और चले जाते हैं। केवल दो वायलिन वादक बचे हैं, जो चुपचाप और उदास होकर आखिरी बार बजाते हैं और निकल भी जाते हैं। इसके लिए निम्नलिखित स्पष्टीकरण है। मानो एक बार गर्मियों में, प्रिंस मिक्लोस I ने एस्टरहाज़ में अपने चैपल के संगीतकारों को सामान्य से अधिक समय तक विलंबित किया। और वे जल्द से जल्द छुट्टी पाना चाहते थे ताकि वे अपने परिवारों को देख सकें जो ईसेनस्टेड में रहते थे। और फेयरवेल सिम्फनी के असामान्य दूसरे समापन ने इन परिस्थितियों के संकेत के रूप में कार्य किया। सिम्फनी के अलावा, हेडन के पास ऑर्केस्ट्रा के लिए कई अन्य काम हैं, जिसमें सौ से अधिक व्यक्तिगत मिनट शामिल हैं। और अचानक सब कुछ खुशी से बदल जाता है: सोनाटा रूपक का प्रदर्शन शुरू होता है। धीमी गति के बजाय - तेज (एलेग्रो कॉन स्पिरिटो - "जल्दी, उत्साह के साथ"), भारी बास यूनिसन के बजाय - मोबाइल का पहला मकसद, संक्रामक रूप से हंसमुख, मुख्य भाग का नृत्य विषय जी की समान ध्वनियों से पैदा होता है। और एक उच्च रजिस्टर में ए-फ्लैट। इस विषय के सभी रूपांकन, मुख्य कुंजी में बताए गए हैं, पहली ध्वनि की पुनरावृत्ति के साथ शुरू होते हैं - जैसे कि एक उत्कट रौंद के साथ: ई-फ्लैट प्रमुख में सिम्फनी यह हेडन के बारह "लंदन सिम्फनीज़" में से ग्यारहवां है। इसकी मुख्य कुंजी ई-फ्लैट प्रमुख है। इसे "टिम्पनी ट्रेमोलो सिम्फनी" 22 के रूप में जाना जाता है। सिम्फनी चार आंदोलनों में है। पहला भाग धीमे परिचय के साथ शुरू होता है। टॉनिक के लिए ट्यून किए गए टिमपनी का कांपोलो ("अंश") धीरे से लगता है। यह गड़गड़ाहट के दूर के रोल की तरह है। फिर परिचय का विषय चिकनी चौड़ी "लीजेज" में सामने आता है। सबसे पहले, यह सेलोस, डबल बेस और बेससून द्वारा ऑक्टेव यूनिसन में बजाया जाता है। ऐसा लगता है जैसे कोई रहस्यमयी परछाईं चुपचाप तैर रही हो, कभी रुक रही हो। यहां वे संकोच करते हैं और जम जाते हैं: परिचय के अंतिम उपायों में, कई बार पड़ोसी ध्वनियों जी और ए-फ्लैट पर यूनिसन वैकल्पिक होते हैं, कान को उम्मीद करने के लिए मजबूर करते हैं - आगे क्या होगा? थीम को पियानो स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों द्वारा दो बार दोहराया जाता है, जो पूरे ऑर्केस्ट्रा में नाचते हुए मस्ती की जंगली गर्जना से पूरित होता है। यह गड़गड़ाहट जल्दी से दूर हो जाती है, और रहस्य का एक संकेत फिर से जुड़ने वाले हिस्से में दिखाई देता है। तानवाला स्थिरता टूट गई है। बी-फ्लैट मेजर (ई-फ्लैट मेजर का प्रमुख) में एक मॉड्यूलेशन है - साइड वाले हिस्से की कुंजी। कनेक्टिंग भाग में कोई नया विषय नहीं है, लेकिन टिमपनी के विषय का मूल मकसद सुना जाता है - गोलार्द्ध त्वचा के साथ उनके ऊपर फैला हुआ है, जो दो छड़ियों से मारा जाता है। प्रत्येक गोलार्द्ध केवल एक पिच की ध्वनि उत्पन्न कर सकता है। शास्त्रीय सिम्फनी आमतौर पर टॉनिक और प्रमुख के लिए दो गोलार्द्धों का उपयोग करते हैं। 22 28 www.classON.ru मुख्य भाग की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और परिचय के विषय का एक दूरस्थ अनुस्मारक: प्रदर्शनी पक्ष भाग (बी-फ्लैट प्रमुख) की कुंजी की पुष्टि के साथ समाप्त होती है। प्रदर्शनी दोहराई जाती है, और विकास इस प्रकार है। यह पॉलीफोनिक नकल और मुख्य भाग के विषय से पृथक रूपांकनों के तानवाला-हार्मोनिक विकास से संतृप्त है। साइड गेम का विषय विकास के अंत की ओर दिखाई देता है। यह पूरी तरह से डी-फ्लैट मेजर की कुंजी में किया जाता है, मुख्य से बहुत दूर, यानी ऐसा प्रतीत होता है, जैसा कि एक नए, असामान्य प्रकाश में था। और एक दिन (एक फ़र्माटा के साथ एक सामान्य विराम के बाद) परिचय के रहस्यमय विषय के स्वर भी बास में दिखाई देते हैं। विकास मुख्य रूप से पियानो और पियानोसिमो लगता है, और केवल कभी-कभी - अलग-अलग sforzando लहजे के साथ फोर्ट और फोर्टिसिमो। यह रहस्य की छाप को बढ़ाता है। उनके विकास में मुख्य पार्टी के विषय से रूपांकन कभी-कभी एक शानदार नृत्य से मिलते जुलते हैं। कोई कल्पना कर सकता है कि यह किसी रहस्यमयी रोशनी का नृत्य है, जो कभी-कभी चमकीला चमकता है। ई-फ्लैट मेजर की कुंजी में न केवल मुख्य भाग, बल्कि साइड भाग को भी दोहराया जाता है, और बाइंडर को छोड़ दिया जाता है। कोड में कुछ रहस्य प्रकट होता है। यह शुरू होता है, परिचय की तरह, एक एडैगियो टेम्पो के साथ, एक शांत टिमपनी कांपोलो और धीमी गति से एकसमान चलता है। लेकिन जल्द ही, पहले भाग के अंत में, तेज गति, तेज स्वर और हंसमुख नृत्य "स्टॉम्पिंग" वापस आ जाता है। सिम्फनी का दूसरा भाग - एंडांटे - दो विषयों पर भिन्नता है - सी माइनर में गाना और सी मेजर में गाना-मार्चिंग। इन तथाकथित दोहरे रूपों का निर्माण इस प्रकार है: पहले और दूसरे विषयों को रेखांकित किया गया है, फिर अनुसरण करें: पहले विषय का पहला रूपांतर, दूसरे विषय का पहला रूपांतर, पहले विषय का दूसरा रूपांतर, दूसरा दूसरे विषय की सामग्री के आधार पर दूसरे विषय और कोड की भिन्नता। आज तक, शोधकर्ता पहले विषय की राष्ट्रीयता के बारे में तर्क देते हैं। क्रोएशियाई संगीतकारों का मानना ​​है कि यह अपनी विशेषताओं के संदर्भ में एक क्रोएशियाई लोक गीत है, जबकि हंगेरियन संगीतकारों का मानना ​​है कि यह एक हंगेरियन गीत है। सर्ब, बल्गेरियाई, डंडे भी इसमें अपनी राष्ट्रीय विशेषताएं पाते हैं। इस विवाद को निश्चित रूप से हल नहीं किया जा सकता है, क्योंकि इस तरह के एक पक्ष भाग के विषय की रिकॉर्डिंग फिर से एक हंसमुख नृत्य है। लेकिन मुख्य पार्टी की तुलना में, वह इतनी ऊर्जावान नहीं है, बल्कि अधिक सुंदर, स्त्री है। एक ओबाउ के साथ वायलिन पर माधुर्य लगता है। एक विशिष्ट वाल्ट्ज संगत इस विषय को लैंडर के करीब लाती है - एक ऑस्ट्रियाई और दक्षिण जर्मन नृत्य, वाल्ट्ज के पूर्वजों में से एक: 29 www.classON.ru पुराने राग और उसके शब्दों की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा नहीं मिली। जाहिर है, इसमें कई स्लाव और हंगेरियन धुनों की विशेषताएं विलीन हो गई हैं; इस तरह, विशेष रूप से, एक संवर्धित दूसरे (ई-फ्लैट - फ़ैडीज़) के लिए एक अजीबोगरीब चाल है: दूसरे विषय की विविधताएं वीर मार्चिंग ट्रेड को फिर से शुरू करती हैं, जो कि कलाप्रवीण व्यक्ति मार्ग से अलंकृत हैं - बांसुरी की कृपा। और एक बड़े कोड में, "म्यूजिकल इवेंट्स" के विकास में अप्रत्याशित मोड़ आते हैं। सबसे पहले, मार्चिंग थीम एक कोमल, पारदर्शी ध्वनि में बदल जाती है। फिर बिंदीदार लय के साथ इससे अलग एक आकृति तीव्रता से विकसित होती है। यह ई-फ्लैट मेजर की tonality की अचानक उपस्थिति की ओर जाता है, जिसके बाद मार्च थीम का अंतिम मार्ग सी प्रमुख में उज्ज्वल और गंभीर रूप से लगता है। सिम्फनी का तीसरा भाग - द मिनुएट - मूल रूप से एक उच्च-समाज के नृत्य की गरिमापूर्ण चाल को जोड़ती है जिसमें माधुर्य में व्यापक छलांग और तालमेल होता है: एक मंत्र और दूसरा, प्रमुख विषय। पहले के साथ तुलना में, साथ ही इसके साथ कुछ समानता है - एक चौथा बीट, माधुर्य की एक आरोही और फिर अवरोही दिशा और एक उन्नत चौथी डिग्री (फाडीज़): यह सनकी विषय एक चिकनी, शांत गति से निर्धारित होता है तिकड़ी में - पहले खंड और उसके सटीक दोहराव के बीच स्थित मिनुएट का मध्य खंड23: पियानो और पियानोसिमो स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों द्वारा पहली थीम का प्रदर्शन एक इत्मीनान से वर्णन की तरह है, जैसे कुछ असामान्य घटनाओं के बारे में एक कहानी की शुरुआत। इनमें से पहले को दूसरे, मार्चिंग थीम की अचानक जोरदार प्रस्तुति के साथ प्रस्तुत किया जा सकता है, जिसमें स्ट्रिंग समूह में पवन यंत्र जोड़े जाते हैं। पहले विषय के पहले रूपांतर में कथा स्वर को बरकरार रखा गया है। लेकिन शोकाकुल और सावधान गूँज उसकी आवाज़ में शामिल हो जाती है। दूसरे विषय के पहले संस्करण में, एकल वायलिन राग को सनकी पैटर्न वाले अंशों के साथ रंग देता है। पहले विषय के दूसरे रूपांतर में, वर्णन अचानक एक तूफानी, उत्तेजित चरित्र (सभी उपकरणों का उपयोग किया जाता है, जिसमें टिमपनी भी शामिल है) पर ले जाता है। दूसरे में, मिनुएट (या बल्कि, उनके चरित्र के संदर्भ में इसके अत्यधिक सूक्ष्म रूप से विचित्र खंड) लोक और रोजमर्रा के विषयों के साथ विरोधाभासी हैं, एक तरफ, सिम्फनी के पहले और दूसरे भाग, और दूसरी ओर, इसके अंतिम, चौथा भाग - समापन। यहां, जैसा कि एक शास्त्रीय सोनाटा रूपक में होना चाहिए, प्रदर्शनी में मुख्य भाग ई-फ्लैट प्रमुख की मुख्य कुंजी में प्रस्तुत किया जाता है, पार्श्व भाग बी-फ्लैट प्रमुख की प्रमुख कुंजी में होता है, और दोनों के पुनर्मूल्यांकन में उन्हें ई-फ्लैट प्रमुख में ध्वनि। हालांकि, पार्श्व भाग में, लंबे समय तक, आर्केस्ट्रा कार्यों का मध्य खंड आमतौर पर तीन उपकरणों द्वारा किया जाता था। यहीं से "तिकड़ी" नाम आता है। 23 30 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक बिल्कुल नया विषय है। यह मुख्य पार्टी की थीम की सामग्री पर बनाया गया है। फ्रांसीसी शब्द "रोंडे" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "सर्कल" या "गोल नृत्य"। प्रश्न और कार्य 1. हेडन और मोजार्ट अपनी परिपक्व सिम्फनी बनाने के लिए कब आए? 2. हेडन सिम्फनी में आमतौर पर कौन से भाग होते हैं? हेडन के ऑर्केस्ट्रा में वाद्ययंत्रों के समूहों के नाम बताइए। 3. हेडन की सिम्फनी के कौन से शीर्षक आप जानते हैं? 4. ई-फ्लैट प्रमुख में हेडन की सिम्फनी को "ट्रेमोलो या टॉरस के साथ" क्यों कहा जाता है? यह किस सेक्शन से शुरू होता है? 5. इस सिम्फनी के पहले आंदोलन में सोनाटा रूप के मुख्य विषयों का वर्णन करें। 6. सिम्फनी का दूसरा भाग किस रूप में और किन विषयों पर लिखा गया था? 7. तीसरे भाग के मुख्य विषयों और खंडों का वर्णन करें। 8. समापन में मुख्य और पार्श्व भागों के विषयों के बीच सहसंबंध की ख़ासियत क्या है? सिम्फनी के पहले आंदोलन और उसके समापन में संगीत के चरित्र के बीच क्या संबंध है? इस प्रकार, यह पता चलता है कि पूरा समापन एक विषय पर आधारित है। संगीतकार, जैसे कि एक जटिल खेल में, या तो पूरी तरह से विषय को फिर से शुरू करता है, या कुशलता से इसके रूपों और व्यक्तिगत तत्वों को जोड़ता है। और वह अपने आप में दिलचस्प है। आखिरकार, इसमें पहले एक हार्मोनिक आधार दिखाई देता है - दो सींगों की तथाकथित "सुनहरी चाल" - शिकार के सींगों का एक विशिष्ट संकेत। और उसके बाद ही एक नृत्य राग, जो क्रोएशियाई लोक गीतों के करीब है, इस आधार पर आरोपित किया जाता है। यह एक ध्वनि पर "स्टंपिंग" से शुरू होता है, और भविष्य में इस मकसद को कई बार दोहराया जाता है, नकल की जाती है, एक आवाज से दूसरी आवाज में चलती है। यह पहले आंदोलन के मुख्य विषय के शुरुआती मूल भाव की याद दिलाता है और इसे वहां कैसे विकसित किया जाता है। इसके अलावा, संगीतकार ने फाइनल में उसी गति का संकेत दिया - एलेग्रो कॉन स्पिरिटो। इस प्रकार, समापन में, एक हंसमुख लोक नृत्य का तत्व अंत में राज करता है। लेकिन यहां इसका एक विशेष चरित्र है - यह एक जटिल गोल नृत्य जैसा दिखता है, एक समूह नृत्य जिसमें नृत्य को गीत और खेल क्रिया के साथ जोड़ा जाता है। इसकी पुष्टि इस तथ्य से भी होती है कि प्रदर्शनी में मुख्य भाग को मुख्य कुंजी में दो अतिरिक्त बार दोहराया जाता है - एक छोटे से संक्रमणकालीन प्रकरण के बाद और एक पार्श्व भाग के बाद। यही है, यह फिर से शुरू होता है, एक सर्कल में एक आंदोलन बना रहा है। और यह सोनाटा रूप में रोंडो रूप की विशेषताओं का परिचय देता है। शब्द "रोंडो", जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, क्लैवियर रचनात्मकता जब हेडन ने अपने क्लैवियर कार्यों का निर्माण किया, पियानो ने धीरे-धीरे संगीत अभ्यास से हार्पसीकोर्ड और क्लैविकॉर्ड को बदल दिया। हेडन ने इन प्राचीन कीबोर्ड उपकरणों के लिए अपनी प्रारंभिक रचनाएँ लिखीं, और बाद के संस्करणों में उन्होंने "हार्पसीकोर्ड या पियानो के लिए" और अंत में, कभी-कभी केवल "पियानो के लिए" इंगित करना शुरू किया। उनके क्लैवियर कार्यों में, सबसे महत्वपूर्ण स्थान एकल सोनाटा का है। पहले, यह माना जाता था कि हेडन के पास उनमें से केवल 52 थे लेकिन फिर, शोधकर्ताओं की खोज के लिए धन्यवाद, यह संख्या बढ़कर 62 हो गई। उनमें से सबसे प्रसिद्ध डी मेजर और ई माइनर24 में सोनाटा हैं। डी मेजर में सोनाटा मुख्य भाग का विषय, जो इस सोनाटा के पहले भाग की शुरुआत करता है, एक नृत्य है जो हर्ष और उल्लास के साथ बचकाना शरारती सप्तक कूदता है, अनुग्रह नोट्स, मर्डेंट और ध्वनियों की पुनरावृत्ति है। इस तरह के संगीत की कल्पना ओपेरेबुफा में बजाए जाने के रूप में भी की जा सकती है: पहले के संस्करणों में, इन सोनाटा को "नंबर 37" और "नंबर 34" के रूप में मुद्रित किया जाता है, और बाद के संस्करणों में "नंबर 50" और "नंबर 53" के रूप में मुद्रित किया जाता है। . 24 31 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा लेकिन फिर मुख्य भाग से शरारती छलांग पार्श्व भाग के विषय के विकास में प्रवेश करती है, और फिर - उधम मचाते मार्ग से जोड़ने वाले भाग से आंदोलन। यह अधिक तनावपूर्ण, व्यापक हो जाता है, और अचानक जल्दी शांत हो जाता है - जैसे कि किसी तात्कालिक निर्णय से। उसके बाद, प्रदर्शनी का अंत एक निर्भीकता से नृत्य करने वाली अंतिम पार्टी के साथ होता है। विकास के नाम पर एक बार फिर जोरदार धमाका हुआ है। यहां सप्तक मुख्य भाग के विषय से कूदता है, बाएं हाथ की ओर बढ़ता है, और भी अधिक शरारती हो जाता है, और मार्ग की गति प्रदर्शनी में माध्यमिक भाग के विषय के विकास की तुलना में और भी अधिक तनाव और व्यापक दायरे तक पहुंच जाती है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (डी मेजर) में पक्ष और अंतिम भागों की ध्वनि एक हर्षित मनोदशा का प्रभुत्व स्थापित करती है। संक्षिप्त दूसरे आंदोलन द्वारा सोनाटा में सबसे मजबूत कंट्रास्ट पेश किया गया है, जो चरित्र में धीमा और संयमित है। यह डी माइनर में इसी नाम की कुंजी में लिखा होता है। सरबंदे का भारी चलना संगीत में सुनाई देता है - एक पुराना नृत्य, जो अक्सर अंतिम संस्कार के जुलूस के चरित्र को लेता है। और त्रिगुणों और बिंदीदार लयबद्ध आकृतियों के साथ अभिव्यंजक मधुर विस्मयादिबोधक में हंगेरियन जिप्सियों की शोकाकुल धुनों के साथ समानता है: सोलहवें के हंसमुख, उधम मचाते मार्ग लिंकिंग भाग को भरते हैं। और साइड पार्ट (ए मेजर की कुंजी में) का विषय भी डांस करने योग्य है, केवल अधिक संयमित, सुरुचिपूर्ण: 32 www.classON.ru ई माइनर में रूसी कला सोनाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उन्होंने इसके लिए लगन से तैयारी की, लेकिन एस्टरहाज़ी चैपल में अपने आधिकारिक कर्तव्यों के कारण इसे पूरा नहीं कर सके। यह संभव है कि दूर की "विदेशी" यात्रा के सपने और उनसे जुड़े अनुभव उस समय उत्पन्न हुए ई माइनर सोनाटा में परिलक्षित हों। हेडन द्वारा कुछ छोटे सोनाटाओं में से यह एकमात्र ऐसा है जहां पहले आंदोलन में एक स्पष्ट गीतात्मक चरित्र को बहुत तेज गति के साथ जोड़ा जाता है। इस आंदोलन के मुख्य भाग का विषय, जिसके साथ सोनाटा शुरू होता है, भी अजीब है: लेकिन हेडन की आशावादी कला में, मौत की उदास छवियों को हमेशा जीवन की उज्ज्वल छवियों से दूर किया जाता है। और इस सोनाटा का डी नाबालिग दूसरा भाग, टॉनिक पर नहीं, बल्कि प्रमुख तार पर समाप्त होता है, सीधे तेज डी प्रमुख समापन 25 से गुजरता है। समापन एक रोंडो के रूप में बनाया गया है, जहां मुख्य विषय - बचना (डी मेजर की मुख्य कुंजी में) - तीन बार दोहराया जाता है, और इसके दोहराव के बीच बदलते खंड होते हैं - एपिसोड: पहला एपिसोड डी माइनर में होता है, और दूसरा - जी मेजर में। यहाँ, केवल पहले में, डी माइनर एपिसोड में, शोकपूर्ण यादें फिसल जाती हैं - मध्य भाग की एक प्रतिध्वनि। दूसरा एपिसोड, जी मेजर में, पहले से ही लापरवाही से हंसमुख है और एक ही नोट पर दाएं और बाएं हाथों के कॉमिक "रोल कॉल" की ओर जाता है। और फिनाले (रोंडो से बचना) का फ्लाइंग और डांसिंग मुख्य विषय हेडन के सबसे हंसमुख में से एक है: थीम के शुरुआती वाक्यांश यहां दो तत्वों के संयोजन से बने हैं। बास में, बाएं हाथ में, पियानो एक मामूली टॉनिक ट्रायड पर चलता है - जैसे कहीं दूर भागने के लिए कॉल। और वहीं दाहिने हाथ में कंपकंपी का पालन करें, मानो संदेह कर रहे हों, इरादों को डगमगा रहे हों। विषय का सामान्य आंदोलन नरम, लहरदार, लहराता है। इसके अलावा, पहले आंदोलन का आकार - 6/8 - बारकारोल शैली की विशिष्ट है - "पानी पर गाने"26। लिंकिंग भाग में, ई माइनर के समानांतर जी मेजर में एक मॉड्यूलेशन होता है - साइड की कुंजी और अंतिम भाग। कनेक्टिंग और अंतिम भाग, सोलहवीं के मोबाइल मार्ग से भरे हुए, साइड वाले हिस्से को फ्रेम करते हैं - हल्का, स्वप्निल। यह इतालवी शब्द "अट्टाका सबिटो इल फिनाले" द्वारा इंगित किया गया है, जिसका अर्थ है "तत्काल समापन शुरू करना।" प्रारंभ में, विनीशियन गोंडोलियर्स के गीतों को बारकारोल कहा जाता था। शैली का नाम इतालवी शब्द "बार्का" - "नाव" से आया है। 25 26 33 www.classON.ru रूस के कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मानो ऊपर उठ रही है: प्रकृति, संकेतों की आवाज़ के साथ, मानो वापसी यात्रा के लिए बुला रही हो, हृदय हर्षित चिंता में शुरू हो गया! और यहाँ, तार संक्रमण के बाद, तीसरे आंदोलन (अंतिम) का मुख्य विषय प्रकट होता है। यह रोंडो फॉर्म का रिफ्रेन है जिसमें फिनाले लिखा गया है। यह एक प्रेरित साथ वाले गीत की तरह दिखता है जो "पूर्ण पाल पर" अपनी मूल भूमि पर पहुंचने में मदद करता है: तो, रोंडो फॉर्म की योजना, समापन में, इस प्रकार है: बचना (ई नाबालिग), पहला एपिसोड (ई प्रमुख) , बचना (ई माइनर), दूसरा एपिसोड (ई मेजर), बचना (ई माइनर)। दोनों प्रसंग मधुर आत्मीयता से परहेज़ और एक दूसरे के साथ जुड़े हुए हैं। जब लिंकिंग, द्वितीयक और अंतिम भाग ध्वनि करते हैं, तो कल्पना आकर्षक चित्र खींचती है - कितनी स्वतंत्र रूप से एक निष्पक्ष हवा चलती है, कितनी खुशी से तेज गति को आगे बढ़ाया जाता है। इसके अलावा, विकास में, मुख्य, कनेक्टिंग और अंतिम भागों की सामग्री पर निर्मित, छोटी चाबियों में विचलन प्रबल होता है। मुख्य में, अर्थात्, प्रमुख नहीं, बल्कि मामूली स्वर, द्वितीयक और अंतिम भाग जो पुनरावृत्ति में अधिक विस्तृत ध्वनि बन गए हैं। फिर भी, अज्ञात दूरी में प्रयास करने से दुख और आध्यात्मिक संदेह अंततः पराजित हो जाते हैं। पहले आंदोलन की आखिरी पट्टियों का यही अर्थ है, जहां मुख्य पार्टी के विषय की प्रेरक शुरुआत उल्लेखनीय रूप से दोहराई जाती है। सोनाटा का दूसरा भाग, धीमा, जी मेजर में, एक प्रकार का वाद्य अरिया है, जो एक हल्के चिंतनशील मूड से प्रभावित होता है। उसका हल्का रंगरूप चिड़ियों के चहकते, बड़बड़ाते हुए धाराओं की गूँज से भरा है: प्रश्न और कार्य 1. हेडन के क्लैवियर संगीत की मुख्य शैली का नाम बताइए। उनके कितने सोनाटा ज्ञात हैं? 2. डी मेजर में सोनाटा के पहले आंदोलन के मुख्य वर्गों का वर्णन करें। क्या इस भाग में मुख्य और पार्श्व भागों के बीच कोई संबंध है? 3. डी मेजर में सोनाटा का दूसरा आंदोलन संगीत में क्या अंतर लाता है? फिनाले से इसका क्या संबंध है? 4. ई माइनर में सोनाटा के पहले भाग के मुख्य भाग की थीम की संरचना और प्रकृति की विशेषताओं के बारे में बताएं। इस भाग के बाकी विषयों और वर्गों को परिपक्व और चित्रित करें। 5. ई नाबालिग में सोनाटा के दूसरे आंदोलन का चरित्र क्या है? 6. हमें ई माइनर में सोनाटा के समापन के रूप और इसके मुख्य विषय की प्रकृति के बारे में बताएं। प्रमुख काम 100 से अधिक सिम्फनी (104) विभिन्न उपकरणों और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रमों की श्रृंखला 80 से अधिक चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो के लिए) (83) 62 क्लैवियर सोनाटास क्रिएशन एंड सीजन्स ऑरेटोरियो 24 ओपेरा स्कॉटिश और आयरिश गीतों की व्यवस्था हालांकि, कोई फर्क नहीं पड़ता 34 www.classON.ru की गोद में कहीं दूर एक शांतिपूर्ण विश्राम कितना मधुर है www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई शैलियों में लिखी गई है - उनकी सिम्फनी, वाद्य संगीत कार्यक्रम, विभिन्न कक्ष पहनावा, पियानो सोनाटा, गाना बजानेवालों के लिए आवश्यक, एकल कलाकार और ऑर्केस्ट्रा। मोजार्ट की असामान्य रूप से शुरुआती और तेजी से विकसित असाधारण प्रतिभा उनके नाम के आसपास पैदा हुई; पौराणिक "संगीत चमत्कार" का प्रभामंडल। उज्ज्वल विशेषता; उन्हें ए एस पुश्किन द्वारा नाटक ("छोटी त्रासदी") "मोजार्ट और सालियरी" में एक प्रेरित कलाकार के रूप में दिया गया था। इसके आधार पर, एन ए रिम्स्की कोर्साकोव 27 द्वारा इसी नाम का ओपेरा लिखा गया था। मोजार्ट पी। का पसंदीदा संगीतकार था। I. त्चिकोवस्की 28. वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट 1756-1791 जीवन पथ परिवार। बचपन। वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट का जन्मस्थान, जिसका जन्म जनवरी 1756 में हुआ था, ऑस्ट्रियाई शहर साल्ज़बर्ग है। यह तेजी से साल्ज़ाच नदी के पहाड़ी किनारे पर सुरम्य रूप से फैला हुआ है, जिसने आल्प्स की पूर्वी तलहटी में अपना मार्ग निर्धारित किया है। साल्ज़बर्ग एक छोटी सी रियासत की राजधानी थी, जिसके शासक के पास एक आर्चबिशप की आध्यात्मिक गरिमा थी। वोल्फगैंग एमॅड्यूस के पिता लियोपोल्ड मोजार्ट ने उनके चैपल में सेवा की। वह एक गंभीर और उच्च शिक्षित संगीतकार थे - एक विपुल संगीतकार, वायलिन वादक, आयोजक और शिक्षक। उनके द्वारा प्रकाशित "स्कूल ऑफ वायलिन प्लेइंग" रूस सहित कई देशों में वितरित किया गया था। लियोपोल्ड और उनकी पत्नी अन्ना मारिया के सात बच्चों में से केवल दो ही जीवित रहे - सबसे छोटा बेटा वोल्फगैंग एमेडियस और बेटी मारिया अन्ना (नैनर्ल), जो बड़ी थी! साढ़े चार साल भाई। जब उनके पिता ने हार्पसीकोर्ड बजाने के लिए उत्कृष्ट क्षमताओं वाले नाननेरल को पढ़ाना शुरू किया, तो उन्होंने जल्द ही तीन वर्षीय वोल्फगैंग के साथ अध्ययन करना शुरू कर दिया, उनके बेहतरीन कान और अद्भुत संगीत स्मृति को देखते हुए, चार साल तक लड़के ने पहले ही कोशिश की थी संगीत रचना, और उनके पहले जीवित हार्पसीकोर्ड के टुकड़े उनके पिता द्वारा रिकॉर्ड किए गए थे जब लेखक केवल पांच वर्ष का था। एक कहानी है कि कैसे चार वर्षीय वोल्फगैंग ने क्लैवियर कॉन्सर्टो की रचना करने की कोशिश की। उन्होंने कलम के साथ अपनी उंगलियों को स्याही के कुएं में डुबाया और संगीत के कागज पर धब्बा लगा दिया। जब मेरे पिता ने इस बचकानी रिकॉर्डिंग को देखा, तो ब्लॉट्स के माध्यम से उन्होंने इसमें निस्संदेह संगीत की सार्थकता की खोज की। सबसे महान संगीत प्रतिभाओं में से एक, ऑस्ट्रियाई संगीतकार वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट केवल 35 वर्ष के थे। इनमें से, उन्होंने तीस वर्षों तक संगीत की रचना की और 600 से अधिक कार्यों की विरासत को छोड़कर, विश्व कला के स्वर्ण कोष में एक अमूल्य योगदान दिया। अपने जीवनकाल के दौरान मोजार्ट के रचनात्मक उपहार का सबसे वफादार, उच्चतम मूल्यांकन उनके बड़े समकालीन जोसेफ हेडन द्वारा दिया गया था। "... आपका बेटा," उसने एक बार वोल्फगैंग एमेडियस के पिता से कहा था, "वह सबसे महान संगीतकार है जिसे मैं व्यक्तिगत रूप से और नाम से जानता हूं; उसके पास स्वाद है, और इसके अलावा, रचना में सबसे बड़ा ज्ञान है। हेडन और मोजार्ट का संगीत, जिसे विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है, में दुनिया की एक आशावादी सक्रिय-प्रभावी धारणा है, जो अपनी काव्यात्मकता और गहराई के साथ भावनाओं को व्यक्त करने में सादगी और स्वाभाविकता का संयोजन है। साथ ही, उनके कलात्मक हितों के बीच एक महत्वपूर्ण अंतर है। हेडन लोक-रोज़ और गेय-महाकाव्य छवियों के करीब है, और मोजार्ट के लिए - वास्तव में गेय और गेय-नाटकीय वाले। मोजार्ट की कला विशेष रूप से किसी व्यक्ति के भावनात्मक अनुभवों के प्रति संवेदनशीलता के साथ-साथ विभिन्न मानवीय पात्रों के अवतार में सटीकता और जीवंतता के साथ लुभावना है। इसने उन्हें एक उल्लेखनीय ओपेरा संगीतकार बना दिया। उनके ओपेरा, और सबसे बढ़कर द मैरिज ऑफ फिगारो, डॉन जियोवानी और द मैजिक फ्लूट, को तीसरी शताब्दी के लिए अपरिवर्तनीय सफलता मिली है, जिसका मंचन सभी संगीत थिएटरों के चरणों में किया जा रहा है। विश्व संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शनों की सूची में सबसे सम्माननीय स्थानों में से एक पर मोजार्ट के कार्यों का कब्जा है। सालियरी ने मोजार्ट को ईर्ष्या से जहर देने वाला संस्करण केवल एक किंवदंती है। त्चिकोवस्की ने मोजार्ट द्वारा पियानो के चार टुकड़ों की रचना की और उनसे मोजार्टियाना सूट की रचना की। 27 28 35 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक वायलिन संगीत कार्यक्रम का प्रदर्शन करेगी ... रुमाल से ढके कीबोर्ड पर बजाएं और साथ ही अगर यह उसकी आंखों के सामने हो, तो दूर से वह सभी का नाम लेगा ध्वनियाँ कि एक-एक करके या जीवाओं में उन्हें क्लैवियर या किसी अन्य वाद्ययंत्र पर लिया जाएगा या वस्तुओं द्वारा प्रकाशित किया जाएगा - एक घंटी, एक गिलास, एक घड़ी। अंत में, वह न केवल हार्पसीकोर्ड पर, बल्कि अंग पर भी तब तक सुधार करेगा जब तक दर्शक चाहते हैं, और किसी भी, यहां तक ​​​​कि सबसे कठिन, चाबियां जिसे वे उसे कहते हैं ... ”पहली संगीत यात्राएं। लियोपोल्ड मोजार्ट ने अपने प्रतिभाशाली बच्चों के साथ प्रमुख संगीत केंद्रों में संगीत कार्यक्रम शुरू करने का फैसला किया। पहली यात्रा - जर्मन शहर म्यूनिख के लिए - 1762 की शुरुआत में हुई, जब वोल्फगैंग मुश्किल से छह साल का था। छह महीने बाद, मोजार्ट परिवार वियना चला गया। वहाँ, वोल्फगैंग और नैनेरल ने शाही दरबार में प्रदर्शन किया, एक शानदार सफलता मिली, और उपहारों की बौछार की गई। 1763 की गर्मियों में मोजार्ट्स ने पेरिस और लंदन की शानदार यात्रा की। लेकिन पहले उन्होंने कई जर्मन शहरों का दौरा किया, और वापस रास्ते में - फिर से पेरिस में, साथ ही एम्स्टर्डम, द हेग, जिनेवा और कई अन्य शहरों में। छोटे मोजार्ट्स के प्रदर्शन, विशेष रूप से वोल्फगैंग ने, सबसे शानदार शाही दरबारों में भी, हर जगह आश्चर्य और प्रशंसा जगाई। उस समय के रिवाज के अनुसार, वोल्फगैंग एक कशीदाकारी काले सूट और एक पाउडर विग में एक महान दर्शकों के सामने आया था, लेकिन साथ ही वह एक विशुद्ध रूप से बचकाना सहजता के साथ व्यवहार करता था, उदाहरण के लिए, वह अपने घुटनों पर महारानी के लिए कूद सकता था। . लगातार 4-5 घंटे तक चलने वाले संगीत कार्यक्रम छोटे संगीतकारों के लिए बहुत थका देने वाले थे, और जनता के लिए एक तरह के मनोरंजन में बदल गए। यहाँ एक घोषणा में कहा गया था: "... बारहवें वर्ष में एक लड़की और सातवें वर्ष में एक लड़का एक हार्पसीकोर्ड संगीत कार्यक्रम बजाएगा। .. इसके अलावा, एक लड़का 36 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा संगीत कार्यक्रम का दौरा तीन साल से अधिक समय तक जारी रहा और वोल्फगैंग को कई अलग-अलग अनुभव मिले। उन्होंने बड़ी संख्या में वाद्य और मुखर कार्यों को सुना, कुछ उत्कृष्ट संगीतकारों से मुलाकात की (लंदन में - जोहान सेबेस्टियन बाख, जोहान क्रिश्चियन के सबसे छोटे बेटे के साथ)। प्रदर्शनों के बीच, वोल्फगैंग ने उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन किया। पेरिस में, वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए उनके चार सोनाटा प्रिंट से बाहर हो गए, यह दर्शाता है कि ये सात साल के लड़के के काम थे। लंदन में, उन्होंने अपनी पहली सिम्फनी लिखी। साल्ज़बर्ग लौटें और वियना में रहें। पहला ओपेरा। 1766 के अंत में पूरा परिवार साल्ज़बर्ग लौट आया। वोल्फगैंग ने अपने पिता के मार्गदर्शन में व्यवस्थित रूप से रचना तकनीक में संलग्न होना शुरू किया। मोजार्ट्स ने पूरे 1768 को वियना में बिताया। थिएटर के साथ एक अनुबंध के तहत, बारह वर्षीय वोल्फगैंग ने इतालवी मॉडल का अनुसरण करते हुए, तीन महीने में बफा ओपेरा द इमेजिनरी सिंपल गर्ल लिखा। पूर्वाभ्यास शुरू हुआ, लेकिन प्रदर्शन स्थगित होने लगा और फिर पूरी तरह से रद्द कर दिया गया (शायद ईर्ष्यालु लोगों की साज़िशों के कारण)। यह अगले साल साल्ज़बर्ग में ही हुआ था। विएना में, वोल्फगैंग ने संगीत के कई अन्य टुकड़ों की भी रचना की, जिसमें पांच सिम्फनी शामिल हैं, और एक नए चर्च के अभिषेक में सफलतापूर्वक अपना गंभीर मास आयोजित किया। इटली की यात्राएं। 1769 के अंत से 1773 की शुरुआत तक, वोल्फगैंग एमॅड्यूस ने अपने पिता के साथ इटली की तीन लंबी यात्राएँ कीं। इस "संगीत की भूमि" में, युवा मोजार्ट ने रोम, नेपल्स, मिलान, फ्लोरेंस सहित एक दर्जन से अधिक शहरों में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया। उन्होंने अपनी सिम्फनी का संचालन किया, हार्पसीकोर्ड, वायलिन और अंग बजाया, दिए गए विषयों पर तात्कालिक सोनाटा और फ्यूग्यूज़, दिए गए ग्रंथों पर अरिया, उत्कृष्ट रूप से कठिन कार्यों को दृष्टि से खेला और उन्हें अन्य चाबियों में दोहराया। दो बार उन्होंने बोलोग्ना का दौरा किया, जहां कुछ समय के लिए उन्होंने प्रसिद्ध शिक्षक - सिद्धांतकार और संगीतकार पाद्रे मार्टिनी से सबक लिया। कठिन परीक्षा (जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करते हुए एक पॉलीफोनिक रचना लिखी) को शानदार ढंग से पास करने के बाद, चौदह वर्षीय मोजार्ट को एक विशेष अपवाद के रूप में बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी का सदस्य चुना गया था। और चार्टर के अनुसार, केवल संगीतकार जो बीस वर्ष की आयु तक पहुँच चुके थे और इस आधिकारिक संस्थान में प्रारंभिक प्रवास के अनुभव के साथ ही इसमें अनुमति दी गई थी। रोम में, वेटिकन (पोपल निवास) 29 में सिस्टिन चैपल का दौरा करते हुए, मोजार्ट ने एक बार 17 वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार ग्रेगोरियो एलेग्री द्वारा दो गायक मंडलियों के लिए एक बड़ी पॉलीफोनिक आध्यात्मिक रचना सुनी। इस काम को पोप की संपत्ति माना जाता था और इसे कॉपी या वितरित करने की अनुमति नहीं थी। लेकिन मोजार्ट ने पूरे जटिल कोरल स्कोर को स्मृति से लिखा, और पोप कोरिस्टर ने रिकॉर्डिंग की सटीकता की पुष्टि की। इटली - न केवल संगीत का, बल्कि ललित कला और वास्तुकला का भी एक महान देश - ने मोजार्ट को कलात्मक छापों की एक बहुतायत दी। ओपेरा हाउस में जाकर वह विशेष रूप से रोमांचित थे। युवक ने इतालवी ऑपरेटिव शैली में इतनी महारत हासिल की कि उसने थोड़े समय में तीन ओपेरा लिखे, जिनका मिलान में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया। ये दो ओपेरा-श्रृंखला हैं - "मिथ्रिडेट्स, पोंटस के राजा" और "लुसियस सुल्ला" - और पौराणिक कथानक "एस्कानियो इन अल्बा" ​​पर एक देहाती ओपेरा। वियना, म्यूनिख, मैनहेम, पेरिस की यात्राएं। शानदार रचनात्मक और संगीत कार्यक्रम की सफलता के बावजूद, वोल्फगैंग एमेडियस इतालवी राज्यों के किसी भी शासक के दरबार में सेवा पाने में विफल रहा। मुझे साल्ज़बर्ग लौटना पड़ा। यहाँ, मृत आर्चबिशप के बजाय, एक नए, अधिक निरंकुश और असभ्य शासक ने शासन किया। मोजार्ट्स के लिए, जो उनकी सेवा में थे, नई यात्राओं के लिए छुट्टी प्राप्त करना अधिक कठिन हो गया। और ओपेरा हाउस, जिसके लिए मोजार्ट रचना करना चाहते थे, साल्ज़बर्ग में उपलब्ध नहीं था, और संगीत गतिविधि के अन्य अवसर सीमित थे। दो संगीतकारों के लिए वियना की यात्रा केवल इस तथ्य के लिए संभव थी कि साल्ज़बर्ग आर्कबिशप स्वयं ऑस्ट्रिया की राजधानी का दौरा करना चाहते थे। अनिच्छा से, उसने मोजार्ट्स को यात्रा करने की अनुमति भी दी; म्यूनिख, जहां युवा संगीतकार के नए ओपेरा बफा का मंचन किया गया था। और अगली यात्रा के लिए, केवल वोल्फगैंग एमॅड्यूस ही बड़ी कठिनाई से अनुमति प्राप्त करने में सफल रहा। उनके पिता को साल्ज़बर्ग में रहने के लिए मजबूर किया गया था, और उनकी मां अपने बेटे के साथ जाने के लिए चली गईं। पहला लंबा पड़ाव जर्मन शहर मैनहेम में हुआ। यहां वोल्फगैंग एमॅड्यूस और अन्ना मारिया को उनके घर में तत्कालीन प्रसिद्ध सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के नेताओं में से एक, पूर्व-शास्त्रीय मैनहेम संगीतकार स्कूल के प्रतिनिधि द्वारा सौहार्दपूर्वक प्राप्त किया गया था। मैनहेम में, मोजार्ट माइकल एंजेलो सहित इतालवी कलाकारों द्वारा रचित। 30 पोंटस का साम्राज्य काला सागर पर एक प्राचीन राज्य है, मुख्य रूप से वर्तमान तुर्की तट ("पोंट यूक्सिनस", यानी "मेहमानी समुद्र", काला सागर के लिए प्राचीन ग्रीक नाम)। लुसियस सुल्ला एक प्राचीन यूनानी सैन्य और राजनीतिक व्यक्ति है। देहाती (इतालवी शब्द "पास्टोर" - "चरवाहा" से) एक साजिश के साथ एक काम है जो प्रकृति की गोद में जीवन को आदर्श बनाता है। सिस्टिन चैपल - वेटिकन में पोप का होम चर्च; इसे 15वीं शताब्दी में पोप सिक्सटस IV के तहत बनाया गया था। चैपल की दीवारों और छत को महान 29 37 www.classON.ru के साथ चित्रित किया गया है रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, पहले से ही परिपक्व संगीत शैली द्वारा चिह्नित कई काम, ज्यादातर वाद्य,। लेकिन यहां भी वोल्फगैंग एमेडियस के लिए कोई स्थायी नौकरी नहीं थी। 1778 के वसंत में, मोजार्ट और उनकी मां पेरिस पहुंचे। हालांकि, वहां वास्तविक पहचान पाने और एक प्रमुख स्थान पर कब्जा करने की उम्मीद सच नहीं हुई। फ्रांस की राजधानी में, चमत्कारिक बच्चा, यह प्रतीत होता है कि जीवित खिलौना, पहले ही भुला दिया गया है, और वे युवा संगीतकार की उत्कर्ष प्रतिभा को पहचानने में विफल रहे। मोजार्ट या तो संगीत कार्यक्रमों के आयोजन के साथ, या एक ओपेरा के लिए एक आदेश प्राप्त करने के साथ भाग्यशाली नहीं था। वह सबक से दयनीय कमाई पर रहता था, थिएटर के लिए वह केवल एक छोटे बैले "ट्रिंकेट" के लिए संगीत लिख सकता था। उनकी कलम के नीचे से नई उल्लेखनीय रचनाएँ निकलीं, लेकिन फिर उन्होंने अपनी ओर गंभीर ध्यान आकर्षित नहीं किया। और वोल्फगैंग की गर्मियों में एमेडियस को भारी दुःख हुआ: उसकी माँ बीमार पड़ गई और उसकी मृत्यु हो गई। अगले साल की शुरुआत में, मोजार्ट साल्ज़बर्ग लौट आया। ओपेरा इडोमेनियो। आर्कबिशप के साथ तोड़ो और वियना चले जाओ। मोजार्ट के लिए आने वाले वर्षों की सबसे महत्वपूर्ण घटनाएं म्यूनिख में क्रेते के राजा ओपेरा इडोमेनियो का निर्माण और मंचन, इसकी महान सफलता थी। यहां इटालियन ओपेरा सेरिया के सर्वोत्तम गुणों को ग्लक के ऑपरेटिव सुधार के सिद्धांतों के साथ जोड़ा गया था। इसने मोजार्ट की विशद रूप से मूल ऑपरेटिव मास्टरपीस के उद्भव का मार्ग प्रशस्त किया। ... यह 1781 था। मोजार्ट 25 साल के हैं। वह नए रचनात्मक विचारों से भरी साढ़े तीन सौ रचनाओं के लेखक हैं। और साल्ज़बर्ग आर्चबिशप के लिए, वह केवल एक संगीत सेवक है, जिसे अभिमानी और निरंकुश गुरु अधिक से अधिक दमन और अपमानित करता है, उसे "रसोइयों के ऊपर, लेकिन अभावों के नीचे" लोगों के कमरे में मेज पर बैठने के लिए मजबूर करता है, उसे अनुमति नहीं देता है बिना अनुमति के कहीं भी जाने या कहीं भी प्रदर्शन करने के लिए। यह सब मोजार्ट के लिए असहनीय हो गया, और उसने अपना इस्तीफा सौंप दिया। आर्चबिशप ने दो बार उसे शाप और अपमान के साथ मना कर दिया, और उसके दल ने संगीतकार को बेरहमी से दरवाजे से बाहर निकाल दिया। लेकिन उन्होंने एक आध्यात्मिक आघात का अनुभव किया, अपने निर्णय पर अडिग रहे। मोजार्ट पहले महान संगीतकार थे जिन्होंने आर्थिक रूप से सुरक्षित लेकिन दरबारी संगीतकार की आश्रित स्थिति से गर्व से तोड़ दिया। वियना: अंतिम दशक। मोजार्ट वियना में बस गए। उदाहरण के लिए, प्राग में अपने ओपेरा डॉन जियोवानी के पहले उत्पादन के संबंध में या जर्मनी में दो संगीत कार्यक्रमों के दौरान, केवल कभी-कभार ही उन्होंने ऑस्ट्रिया की राजधानी को छोड़ दिया। 1782 में उन्होंने कॉन्स्टेंस वेबर से शादी की, जो अपने हंसमुख स्वभाव और संगीत से प्रतिष्ठित थे। एक के बाद एक, बच्चे पैदा हुए (लेकिन छह में से चार बच्चों के रूप में मर गए)। अपने क्लैवियर संगीत के एक कलाकार के रूप में संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन से मोजार्ट की कमाई, रचनाओं के प्रकाशन और ओपेरा की प्रस्तुतियों से अनियमित थी। इसके अलावा, मोजार्ट, एक दयालु, भरोसेमंद और अव्यवहारिक व्यक्ति होने के नाते, यह नहीं जानता था कि पैसे के मामलों को समझदारी से कैसे प्रबंधित किया जाए। 1787 के अंत में कोर्ट चैंबर संगीतकार की मामूली भुगतान की स्थिति में नियुक्ति, जिसे केवल नृत्य संगीत लिखने का निर्देश दिया गया था, ने उसे पैसे की अक्सर अनुभवी आवश्यकता से नहीं बचाया। उस सब के लिए, दस विनीज़ वर्षों में, मोजार्ट ने ढाई सौ से अधिक नए काम किए। उनमें से कई विधाओं में उनकी सबसे चमकदार कलात्मक उपलब्धियाँ थीं। मोजार्ट की शादी के वर्ष में, उनकी गायकी द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो, स्पार्कलिंग का बड़ी सफलता के साथ वियना में मंचन किया गया था; हास्य31. और ओपेरा-बफा "द मैरिज ऑफ फिगारो", मूल द्वारा; शैली "जॉली ड्रामा" "डॉन जुआन" और परी कथा "मैजिक फ्लूट", जो पिछले विनीज़ वर्षों में उत्पन्न हुई, सभी में संगीत थिएटर द्वारा प्राप्त उच्चतम चोटियों से संबंधित हैं! उसका इतिहास। मोजार्ट ने 1788 की गर्मियों में लिखा था कि उनकी तीन सबसे अच्छी सिम्फनी, जो जी माइनर (नंबर 40) में से एक सहित, आखिरी निकली। उसी दशक में, संगीतकार के कई अन्य वाद्य कार्य सामने आए - चार-भाग आर्केस्ट्रा "लिटिल नाइट सेरेनेड", कई पियानो संगीत कार्यक्रम, सोनाटा और विभिन्न कक्ष पहनावा। मोजार्ट ने अपनी छह स्ट्रिंग चौकड़ी हेडन को समर्पित की, जिनके साथ उन्होंने मधुर मित्रता विकसित की। मोजार्ट ने इन वर्षों के दौरान बाख और हैंडेल के कार्यों का अध्ययन बड़ी रुचि के साथ किया। मोजार्ट का सबसे हालिया काम है रिक्वेम, गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और ऑर्केस्ट्रा के लिए मृतकों के लिए एक द्रव्यमान। जुलाई 1791 में, संगीतकार को एक ऐसे व्यक्ति द्वारा आदेश दिया गया था जो अपना नाम नहीं देना चाहता था। यह रहस्यमय लग रहा था, उदास पूर्वाभास को जन्म दे सकता है। कुछ साल बाद ही यह पता चला कि ऑर्डर विनीज़ काउंट से आया था जो किसी और के काम को खरीदना चाहता था और उसे अपना बना कर देना चाहता था। गंभीर रूप से बीमार, मोजार्ट Requiem को पूरी तरह से पूरा करने में असमर्थ था। यह संगीतकार के छात्रों में से एक द्वारा ड्राफ्ट के अनुसार पूरा किया गया था। एक कहानी है कि 5 दिसंबर, 1791 की रात को महान संगीतकार की मृत्यु की पूर्व संध्या पर, दोस्तों ने उनके साथ अभी भी अधूरे काम के कुछ हिस्सों को गाया था। Requiem में शोकाकुल डिजाइन के अनुसार, मोजार्ट के संगीत की प्रेरित गेय और नाटकीय अभिव्यक्ति ने एक विशेष उदात्तता और गंभीरता हासिल की। धन की कमी के कारण, मोजार्ट को 31 32 सेराग्लियो के लिए एक आम कब्र में दफनाया गया था - अमीर पूर्वी रईसों के घरों में महिला आधा। लैटिन शब्द "requiem" का अर्थ है "शांति"। 38 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा खराब है, और उनके दफनाने का सही स्थान अज्ञात है। सुज़ाना के लिए, काउंटेस ने अपनी पोशाक पहनी थी। अपनी पत्नी द्वारा शर्मिंदा, अल्माविवा को अब फिगारो और सुज़ाना को अपनी शादी का जश्न मनाने से रोकने के लिए मजबूर नहीं किया जाता है, जो सभी प्रकार की अप्रत्याशित घटनाओं से भरे हुए "पागल दिन" को खुशी और खुशी से समाप्त करता है। ओपेरा एक ओवरचर के साथ शुरू होता है जिसने बहुत लोकप्रियता हासिल की है और अक्सर सिम्फनी कॉन्सर्ट्स में किया जाता है 34। कई अन्य ओवरचर के विपरीत, यह ओवरचर उन विषयों का उपयोग नहीं करता है जो ओपेरा में ही ध्वनि करते हैं। यहां बाद की कार्रवाई की सामान्य मनोदशा स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई है, इसकी आकर्षक तेज और उत्साही उत्साह। ओवरचर सोनाटा रूप में लिखा गया है, लेकिन विकास के बिना, जिसे प्रदर्शनी और आश्चर्य के बीच एक संक्षिप्त संबंध से बदल दिया गया है। एक ही समय में, पांच विषयों को स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित किया जाता है, जल्दी से एक दूसरे की जगह लेते हैं। उनमें से पहला और दूसरा मुख्य बैच, तीसरा और चौथा - साइड बैच, पाँचवाँ - अंतिम बैच बनाते हैं। वे सभी ऊर्जावान हैं, लेकिन साथ ही प्रत्येक का अपना विशेष चरित्र है। मुख्य भाग का पहला विषय, स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों और बासूनों द्वारा एक साथ बजाया जाता है, शरारती चपलता के साथ तेजी से आगे बढ़ता है: प्रश्न और असाइनमेंट 1. मोजार्ट के संगीत में हेडन के संगीत के साथ क्या समानता है? और इन दो विनीज़ क्लासिक्स के कलात्मक हितों में क्या अंतर है? 2. वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट के परिवार और प्रारंभिक बचपन के बारे में बताएं। 3. मोजार्ट ने छोटे लड़के के रूप में किन देशों और शहरों में प्रदर्शन किया? ये प्रदर्शन कैसे थे? 4. मोजार्ट ने अपना पहला ओपेरा बफा किस उम्र में लिखा था? इसे क्या कहा जाता था और इसे कहाँ रखा गया था? 5. हमें युवा मोजार्ट की इटली यात्राओं के बारे में बताएं। 6. मोजार्ट ने बाद में किन शहरों का दौरा किया? क्या उनकी पेरिस यात्रा सफल रही? 7. साल्ज़बर्ग आर्चबिशप के साथ मोजार्ट के ब्रेक के बारे में बताएं। 8. मोजार्ट के जीवन और कार्य के अंतिम दशक का वर्णन करें। इस काल में उनके द्वारा रचित प्रमुख कार्यों के नाम लिखिए। ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" मोजार्ट के ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" का प्रीमियर 1786 में वियना में हुआ था। संगीतकार ने पहले दो प्रदर्शनों के लिए खुद हार्पसीकोर्ड का संचालन किया। सफलता बहुत बड़ी थी, कई लेकिन दोहराए जाने के लिए उपाय दोहराया गया था। चार कृत्यों में इस ओपेरा का लिब्रेट्टो (मौखिक पाठ) इतालवी में लोरेंजो दा पोंटे द्वारा फ्रांसीसी लेखक ब्यूमर्चैस क्रेजी डे, या द मैरिज ऑफ फिगारो की कॉमेडी पर आधारित लिखा गया था। 1875 में, पी। आई। त्चिकोवस्की ने इस लिब्रेट्टो का रूसी में अनुवाद किया, और उनके अनुवाद में ओपेरा हमारे देश में किया जाता है। मोजार्ट ने द मैरिज ऑफ फिगारो को ओपेरा बफा कहा। लेकिन यह केवल मनोरंजक स्थितियों वाली मनोरंजक कॉमेडी नहीं है। संगीत द्वारा मुख्य पात्रों को विभिन्न जीवित मानवीय पात्रों के रूप में दर्शाया गया है। और ब्यूमर्चैस के नाटक का मुख्य विचार मोजार्ट के करीब था। इसके लिए यह तथ्य निहित है कि काउंट अल्माविवा फिगारो का नौकर और उसकी दुल्हन, नौकर सुज़ाना, अपने शीर्षक वाले स्वामी की तुलना में अधिक चालाक और अधिक सभ्य निकले, जिनकी साज़िशों को वे चतुराई से प्रकट करते हैं। गिनती ने खुद सुज़ाना को पसंद कर लिया है, और वह उसकी शादी में देरी करने की कोशिश कर रहा है। लेकिन फिगारो और सुज़ाना ने बड़ी चतुराई से उन सभी बाधाओं को पार कर लिया, जो गिनती की पत्नी और युवा पृष्ठ चेरुबिनो को अपनी ओर आकर्षित करती हैं। मुख्य पार्टी की कनेक्टिंग थीम, भरी हुई पार्टी मुख्य रूप से भिन्न होती है। याद रखें कि "ओवरचर" शब्द फ्रांसीसी क्रिया "ओवरिर" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "खोलना", "शुरू करना"। 33 34 39 www.classON.ru स्केल पैसेज में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा की हिम्मत, पार्श्व भाग का पहला विषय प्रकट होता है, जिसकी धुन वायलिन द्वारा की जाती है। विषय में लयबद्ध रूप से सनकी, थोड़ा सनकी, लेकिन लगातार चरित्र है: मुखर संख्याएं। तो, फिगारो के हिस्से में पहला एकल नंबर (उसे बैरिटोन को सौंपा गया था) - एक छोटा एरिया (कैवटीना) - सुज़ाना द्वारा अपने मंगेतर को सूचित करने के तुरंत बाद लगता है कि गिनती उसके प्रेमालाप का पीछा करने लगी है। इस संबंध में, फिगारो एक मिनुएट के आंदोलन में एक माधुर्य का मज़ाक उड़ाता है - एक वीर उच्च समाज नृत्य (कैवटीना के तीन-भाग के पुनरावर्ती रूप के चरम खंड): पार्श्व भाग का दूसरा विषय निर्णायक विस्मयादिबोधक जैसा दिखता है: और अंतिम भाग का विषय सबसे संतुलित है, जैसे कि सब कुछ व्यवस्थित करना: डी प्रमुख की मुख्य कुंजी में भागों को पहले से ही दोहराया जाता है। वे एक कोडा से जुड़े हुए हैं, जो आगे के ओवरचर के हंसमुख और जीवंत चरित्र पर जोर देते हैं। इस मोजार्ट ओपेरा में, एक बड़े स्थान पर मुखर कलाकारों की टुकड़ी का कब्जा है, मुख्य रूप से युगल (दो पात्रों के लिए) और टेरसेट्स (तीन पात्रों के लिए)। वे एक हार्पसीकोर्ड के साथ सस्वर पाठ द्वारा अलग होते हैं। और दूसरा, तीसरा और अंतिम, चौथा, फाइनल के साथ समाप्त होता है - छह से ग्यारह वर्णों की भागीदारी के साथ बड़े पहनावा। एकल अलग-अलग तरीकों से कार्रवाई के गतिशील विकास में शामिल हैं। कैवटीना के मध्य भाग में, संयमित आंदोलन को एक तेज गति से बदल दिया जाता है, एक सुरुचिपूर्ण तीन-बीट राग को एक मुखर दो-बीट से बदल दिया जाता है। यहां फिगारो पहले से ही अपने मालिक की कपटी "योजनाओं को हर कीमत पर रोकने के इरादे से दृढ़ता से व्यक्त करता है: यह युवा पृष्ठ चेरुबिनो को संबोधित है। उसने गलती से सुना कि कैसे गिनती ने सुज़ैन को अपने प्यार का इजहार करने की कोशिश की, और ऐसे अवांछित गवाह को सैन्य सेवा में जाने का आदेश दिया गया। अपने एरिया में, फिगारो ने खुशी-खुशी और मजाकिया ढंग से स्थिति को ताना मारा, एक युवक को अदालत के जीवन से लाड़-प्यार में चित्रित किया, कठोर सैन्य जीवन की तस्वीरें। संगीत में, यह "आतंकवादी" धूमधाम चाल के साथ उत्तेजक नृत्य क्षमता के कुशल संयोजन से परिलक्षित होता है। यह एक रोंडो के रूप में तीन बार बजने वाला परहेज है: दूसरा गीत जैसी प्रकृति का एक छोटा सा अरिया है "गर्म रक्त दिल को उत्तेजित करता है।" यह कोमल भावनाओं का एक अधिक संयमित स्वीकारोक्ति है, जो खुद काउंटेस को डरपोक रूप से संबोधित करती है: सुज़ाना (सोप्रानो) को कई पहनावाओं में ऊर्जावान, निपुण और साधन संपन्न के रूप में वर्णित किया गया है, इसमें फिगारो से नीच नहीं है। साथ ही, चौथे अधिनियम से उज्ज्वल स्वप्निल अरिया में उनकी छवि सूक्ष्म रूप से काव्यात्मक है। इसमें, सुज़ाना ने फिगारो को एक कोमल अपील के साथ मानसिक रूप से संबोधित किया: जैसा कि खुद चेरुबिनो के लिए (उनका हिस्सा एक कम महिला आवाज - मेज़ो-सोप्रानो द्वारा किया जाता है), उन्हें दो एरियस में एक उत्साही युवक के रूप में वर्णित किया गया है, जो अभी भी खुद को समझने में असमर्थ हैं। भावनाओं, हर कदम के साथ प्यार में पड़ने के लिए तैयार। उनमें से एक हर्षित और कांपती हुई अरिया है "बताओ, मैं समझा नहीं सकता"। यह ताल के साथ मधुरता को जोड़ती है, जैसे कि रुक-रुक कर उत्साह के साथ स्पंदन: 41 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा प्रश्न और कार्य 1 । Mozart's Le nozze di Figaro का प्रीमियर कब और कहाँ हुआ? 2. इसका लिब्रेट्टो किस कॉमेडी पर आधारित है? 3. इस कार्य का मुख्य विचार क्या है? 4. ओपेरा का ओवरचर कैसे बनाया जाता है? 5. फिगारो के भाग में दो एकल संख्याओं की विशेषताओं के बारे में बताएं। 6. चेरुबिनो के हिस्से को किस आवाज को सौंपा गया है? उसके अरियास की धुन गाओ। 7. सुज़ाना को पहनावे में कैसे और कैसे - चौथे अधिनियम से अरिया में चित्रित किया गया है? चौथी भिन्नता (बाएं हाथ को दाईं ओर फेंकने के साथ), इसके विपरीत, अधिक साहसपूर्वक व्यापक है। पांचवीं भिन्नता, जहां एंडांटे ग्राज़ियोसो की प्रारंभिक अनहोनी गति को बहुत धीमी गति से बदल दिया जाता है - एडैगियो, एक मधुर वाद्य क्षेत्र है, जो रंगतुरा से रंगा हुआ है। और फिर गति का तेज (एलेग्रो) में परिवर्तन अंतिम, छठे रूपांतर के हंसमुख नृत्य चरित्र से मेल खाता है। सोनाटा का दूसरा आंदोलन मिनुएट है। हमेशा की तरह, यह पहले आंदोलन के संगीत के पुनरावर्तन में सटीक दोहराव के साथ तीन-आंदोलन के रूप में बनाया गया है। उनके बीच मध्य भाग (तिकड़ी) 35 है। मिनुएट के सभी हिस्सों में, मर्दाना रूप से दृढ़ और प्रभावशाली व्यापक स्वरों की तुलना स्त्री के कोमल और चिकने स्वरों से की जाती है, जो अभिव्यंजक गीतात्मक विस्मयादिबोधक-पते के समान हैं। ए मेजर में सोनाटा क्लेवियर मोजार्ट के प्रसिद्ध सोनाटा इन ए मेजर, जिसे आमतौर पर तुर्की मार्च सोनाटा कहा जाता है, एक असामान्य रूप से निर्मित चक्र है। यहां पहला आंदोलन सोनाटा रूपक नहीं है, बल्कि एक हल्के और शांत, सरल रूप से सुंदर विषय पर छह भिन्नताएं हैं। यह एक गीत की तरह दिखता है जिसे विनीज़ संगीतमय जीवन में एक अच्छे, शांतिपूर्ण मूड में गाया जा सकता है। इसकी धीरे-धीरे बहने वाली लय में, सिसिलियाना के आंदोलन के समान है - एक पुराना इतालवी नृत्य या नृत्य गीत: संगीतकार ने सोनाटा (अंतिम) के तीसरे भाग को "ए 11 ए टर्का" - "तुर्की तरीके से" कहा। बाद में, इस समापन को "तुर्की मार्च" नाम दिया गया। तुर्की लोक और पेशेवर संगीत की अन्तर्राष्ट्रीय संरचना में कुछ भी समान नहीं है, जो यूरोपीय कानों के लिए असामान्य है। लेकिन अठारहवीं शताब्दी में, यूरोपीय में, मुख्य रूप से नाट्य संगीत, मार्च के लिए एक फैशन उत्पन्न हुआ, जिसे पारंपरिक रूप से "तुर्की" कहा जाता है। वे "जनिसरी" ऑर्केस्ट्रा के समय के रंग का उपयोग करते हैं, जिसमें हवा और ताल वाद्य यंत्रों का प्रभुत्व था - बड़े और स्नेयर ड्रम, झांझ, त्रिकोण। तुर्की सेना की पैदल सेना इकाइयों के सैनिकों को जनिसरी कहा जाता था। उनके मार्च का संगीत यूरोपीय लोगों द्वारा जंगली, शोर, "बर्बर" के रूप में माना जाता था। विविधताओं के बीच कोई तीव्र विरोधाभास नहीं हैं, लेकिन उन सभी का एक अलग चरित्र है। पहली भिन्नता में, सुंदर सनकी मधुर आंदोलन प्रबल होता है, दूसरे में - सुशोभित चंचलता को एक विनोदी रंग के साथ जोड़ा जाता है (बाएं हाथ के हिस्से में "शरारती" अनुग्रह नोट उल्लेखनीय हैं)। तीसरी भिन्नता - ए मेजर में नहीं, बल्कि ए माइनर में लिखी गई एकमात्र - थोड़ी उदास मधुर आकृतियों से भरी हुई है, समान रूप से चलती है, जैसे कि कोमल शर्म के साथ: तिकड़ी के अंत में "मिनुएटो दा कैपो" अंकन है। . इतालवी - "सिर से", "शुरुआत से"। 35 "दा कैपो" 42 से अनुवादित www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा समापन एक असामान्य रूप में लिखा गया है। इसे तीन-भाग कोरस (एक प्रमुख में) के रूप में परिभाषित किया जा सकता है। कोरस की बार-बार पुनरावृत्ति फिनाले की संरचना को रोंडो की विशेषताएं देती है। पहला आंदोलन - आसानी से "चक्कर" रूपांकनों (एक नाबालिग) के साथ - और मध्य आंदोलन - एक मधुर मार्ग आंदोलन (एफ-तेज नाबालिग) के साथ - स्वाभाविक रूप से एक स्पष्ट चलने वाले चलने के साथ सुंदर नृत्य क्षमता को जोड़ती है: लंबे समय से यह माना जाता था कि मोजार्ट ने 1778 वर्षों की गर्मियों में पेरिस में ए मेजर में सोनाटा की रचना की। लेकिन फिर उन्हें जानकारी मिली कि यह कुछ साल बाद वियना में हुआ था। इस तरह की जानकारी और भी अधिक प्रशंसनीय है क्योंकि वहां, 1782 में, मोजार्ट के गाने "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" का प्रीमियर हुआ था। इसमें, कार्रवाई तुर्की में होती है, और ओवरचर के संगीत में, और दो मार्च-जैसे गायकों में, "जनिसरी" संगीत की नकल ध्यान देने योग्य है। इसके अलावा, क्या यह शोर है? मोजार्ट ने ए मेजर में फोर्जिंग "जनिसरी" कोडा को केवल 1784 में सीनेट के समापन के लिए जोड़ा, जब काम प्रकाशित हुआ था। यह भी उल्लेखनीय है कि सोनाटा में, "सेराग्लियो से अपहरण" के रूप में, एक बड़ी भूमिका गीत और मार्च की शैलियों की है। इस सब में, नाट्य संगीत के साथ वाद्य संगीत का संबंध, जो मोजार्ट की बहुत विशेषता है, प्रकट हुआ। प्रश्न और कार्य 1. मोजार्ट के सोनाटा में ए मेजर में चक्र के बारे में क्या असामान्य है? इस काम के पहले भाग में विषय की प्रकृति और उस पर छह भिन्नताओं के बारे में बताएं। 2. सोनाटा के दूसरे भाग में किस नृत्य शैली का प्रयोग किया गया है? 3. बताएं कि ए मेजर में सोनाटा के समापन को तुर्की मार्च क्यों कहा जाता है। इसके निर्माण की विशेषता क्या है? इसके मुख्य विषयों पर गाएं। 4. मोजार्ट के किस संगीत और नाट्य कृति के साथ उनके "तुर्की मार्च" का संगीत प्रतिध्वनित होता है? जी माइनर में सिम्फनी 1788 में वियना में रचित, जी माइनर में सिम्फनी! (नंबर 40) महान संगीतकार की सबसे प्रेरित कृतियों में से एक है। सिम्फनी का पहला आंदोलन बहुत तेज गति से सोनाटा रूपक है। यह मुख्य भाग के विषय के साथ शुरू होता है, जो तुरंत एक गोपनीय, ईमानदार गीतात्मक स्वीकारोक्ति के रूप में मोहित हो जाता है। इसे वायलिन द्वारा अन्य तार वाले वाद्ययंत्रों की मधुरता से बजने वाली संगत में गाया जाता है। ओपेरा द मैरिज ऑफ फिगारो (उदाहरण 37 देखें) से चेरुबिनो के पहले एरिया की शुरुआत में उसी उत्साहित लय को इसके माधुर्य में पहचाना जा सकता है। लेकिन अब यह अधिक "वयस्क", गंभीर और साहसी गीत है: कोरस (एक प्रमुख में) तीन बार लगता है, यह एक तरह का "जनिसरी शोर बचना" है, बाएं हाथ के हिस्से में ड्रम रोल की नकल है सुना: इस संबंध में, "तुर्की मार्च" को कभी-कभी "तुर्की शैली में रोंडो" ("रोंडो अल्ला टर्का") कहा जाता है। 36 43 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक छोटा सा विकास)। लेकिन इसमें कोई विरोधाभास नहीं है, सब कुछ सामान्य उज्ज्वल मूड का पालन करता है, जो मुख्य भाग में शुरू से ही निर्धारित होता है जो तार वाले उपकरणों पर लगता है: चरित्र की मर्दानगी को जोड़ने वाले हिस्से में बढ़ाया जाता है, जिसमें मुख्य भाग विकसित होता है . जी माइनर के समानांतर बी-फ्लैट मेजर में एक मॉड्यूलेशन है - साइड वाले हिस्से की कुंजी। इसका विषय मुख्य विषय की तुलना में हल्का, अधिक सुंदर और स्त्रीलिंग है। यह रंगीन स्वरों के साथ-साथ स्ट्रिंग और वुडविंड वाद्ययंत्रों के समय के प्रत्यावर्तन द्वारा रंगीन है: सातवें बार में, दो बत्तीस सेकंड के नोटों की एक हल्की "फड़फड़ाहट" आकृति यहां दिखाई देती है। भविष्य में, यह फिर सभी विषयों की मधुर पंक्तियों में प्रवेश करता है, फिर यह उनके चारों ओर लपेटता हुआ प्रतीत होता है, विभिन्न रजिस्टरों में विभिन्न उपकरणों के साथ दिखाई देता है। यह शांतिपूर्ण प्रकृति की आवाजों की गूँज की तरह है। केवल कभी-कभी थोड़े परेशान होते हैं, उन्हें अब करीब, फिर दूर में सुना जाता है। स्थापित परंपरा के अनुसार, सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है। लेकिन इसमें केवल मध्य भाग - तिकड़ी - स्पष्ट रूप से पारंपरिक है। जी मेजर में अपनी सहज गति, स्वरों की मधुरता और तानवाला के साथ, तिकड़ी इस मिनुएट के जी-माइनर मुख्य, चरम खंडों को बंद कर देती है, जो कि गेय और नाटकीय तनाव के मामले में असामान्य है। ऐसा लगता है कि एंडांटे में सन्निहित प्रकृति के शांत चिंतन के बाद, अब मुझे आध्यात्मिक चिंताओं और अशांति की दुनिया में लौटना पड़ा, जो सिम्फनी के पहले भाग पर हावी थी। यह सिम्फनी की मुख्य कुंजी की वापसी से मेल खाती है - जी नाबालिग: अंतिम भाग में ऊर्जा का एक नया विस्फोट होता है। यहां प्रमुख भूमिका मुख्य पार्टी के विषय के पहले - तीन-ध्वनि - रूपांकनों के बार-बार और लगातार विकास से संबंधित है। अपेक्षाकृत व्यापक विकास की शुरुआत के साथ, बादल उत्सुकता से इकट्ठा होते दिख रहे हैं। प्रकाश बी-फ्लैट प्रमुख से एफ-तेज नाबालिग की उदास दूर की कुंजी में एक तेज मोड़ है। विकास में, मुख्य पार्टी का विषय नाटकीय रूप से विकसित होता है। यह चाबियों की एक पूरी श्रृंखला से गुजरता है, अलग-अलग वाक्यांशों और रूपांकनों में विभाजित होता है, और अक्सर ऑर्केस्ट्रा की विभिन्न आवाज़ों में उनकी नकल की जाती है। इस विषय का पहला मकसद बहुत जोर से धड़कता है। लेकिन अंत में उसकी धड़कन कमजोर हो जाती है, उसके कांपने पर लगाम लग जाती है और एक आक्षेप आता है। हालाँकि, विकास में प्राप्त उच्च नाटकीय तीव्रता का प्रभाव पहले भाग के इस खंड में परिलक्षित होता है। यहां कनेक्टिंग पार्ट की लंबाई काफी बढ़ जाती है, इससे साइड की प्रेजेंटेशन होती है और फाइनल पार्ट्स अब मेजर में नहीं, बल्कि जी माइनर की मेन की में होते हैं, जो उनकी आवाज को और नाटकीय बनाता है। सिम्फनी का दूसरा आंदोलन एंडांटे इन ई फ्लैट मेजर है। यह अपनी कोमल और कोमल शांति के साथ गेय-नाटकीय पहले भाग के विपरीत है। एंडांटे रूप भी सोनाटा है (जी नाबालिग के साथ मुख्य कुंजी और सिम्फनी का चौथा भाग - समापन, बहुत तेज गति से चल रहा है। समापन सोनाटा रूप में लिखा गया है। सिम्फनी के इस भाग में प्रमुख विषय है मुख्य भाग का विषय। पहले भाग के मुख्य भाग के विषय के साथ, यह सबसे चमकीले मोजार्ट वाद्य विषयों से संबंधित है। लेकिन अगर पहले आंदोलन में विषय एक कोमल और श्रद्धेय गीतात्मक स्वीकारोक्ति की तरह लगता है, तो समापन का विषय एक भावुक गीतात्मक-नाटकीय अपील है, साहस से भरा हुआ है और हम 44 www.classON.ru बच्चों की शिक्षा की कला में शिक्षा का फैसला करेंगे। रूस 2. हमें सिम्फनी के पहले भाग और उनके विकास के मुख्य विषयों के बारे में बताएं। 3. सिम्फनी के दूसरे और तीसरे भाग में संगीत का क्या चरित्र है? 4. सिम्फनी के समापन में प्रमुख विषय क्या है? इसका चरित्र पहले आंदोलन के मुख्य भाग के विषय के चरित्र से कैसे भिन्न है? 5. फिनाले के मुख्य भाग की थीम का निर्माण कैसे किया जाता है? विकास में विकास किस पर आधारित है? मुख्य कृतियाँ यह ज्वलंत अपील रागों की आवाज़ के साथ राग के तेजी से उछाल द्वारा बनाई गई है, और एक ध्वनि के चारों ओर चक्कर लगाने वाली ऊर्जावान मधुर आकृतियाँ इसके आवेग का जवाब देती हैं। सिम्फनी के पहले आंदोलन के रूप में, समापन के पार्श्व भाग का सुंदर विषय विशेष रूप से प्रदर्शनी में उज्ज्वल होता है जब इसे बी फ्लैट मेजर में प्रदर्शित किया जाता है: 19 ओपेरा रिक्विम लगभग 50 सिम्फनीज क्लैवियर के लिए 27 संगीत कार्यक्रम और वायलिन के लिए ऑर्केस्ट्रा 5 संगीत कार्यक्रम और ऑर्केस्ट्रा के साथ ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ बांसुरी, शहनाई, बेसून, हॉर्न, वीणा के साथ बांसुरी स्ट्रिंग चौकड़ी (20 से अधिक) और पंचक के लिए सोनाटा, वायलिन और क्लैवियर के लिए विविधताएं, कल्पनाएं, रोंडो, क्लैवियर के लिए मिन्यूट्स अंतिम भाग पर आधारित है मुख्य भाग के विषय का दूसरा तत्व। समापन के विकास में, मुख्य पार्टी के विषय का पहला, प्रेरक तत्व विशेष रूप से गहन रूप से विकसित होता है। उच्च नाटकीय तनाव विकास के हार्मोनिक और पॉलीफोनिक तरीकों की एकाग्रता से प्राप्त होता है - कई चाबियों और अनुकरणीय रोल कॉल में आयोजित करना। रिप्राइज में जी माइनर के मेन की में साइड पार्ट की परफॉर्मेंस थोड़ी उदासी से ढकी होती है। और मुख्य भाग (सकारात्मक, ऊर्जावान आंकड़े) के विषय का दूसरा तत्व, जैसा कि प्रदर्शनी में है, पुनरावृत्ति में अंतिम भाग के दिल में लगता है। नतीजतन, इस सरल मज़ार्ट निर्माण में समापन पूरे सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र का एक उज्ज्वल गीतात्मक और नाटकीय शिखर बनाता है, जो आलंकारिक विकास के माध्यम से अपनी उद्देश्यपूर्णता में अभूतपूर्व है। लुडविग वैन बीथोवेन 1770-1827 महान जर्मन संगीतकार लुडविग वैन बीथोवेन तीन शानदार संगीतकारों में सबसे कम उम्र के हैं जिन्हें विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। 17वीं और 19वीं शताब्दी के मोड़ पर, भव्य सामाजिक परिवर्तन और उथल-पुथल के युग में, बीथोवेन पहले से ही जीने और बनाने के लिए हुआ था। उनकी यौवन समय, प्रश्न और कार्य 1 के साथ मेल खाती थी। मोजार्ट ने जी माइनर नंबर 40 में सिम्फनी कब और कहाँ बनाई? 45 www.classON.ru रूस में बच्चों की कला शिक्षा

संकलक से
यह पुस्तक उस ऐतिहासिक काल के संगीत साहित्य पर एक पाठ्यपुस्तक है, जो 19वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में शुरू होती है। ऐसी पाठ्यपुस्तक पहली बार दिखाई देती है: पाँचवाँ अंक समाप्त होता है, जैसा कि आप जानते हैं, के-डेबसी और एम। रवेल के काम के साथ।
पुस्तक में विभिन्न राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का विवरण शामिल है, जिन्होंने इसकी संरचना को समग्र रूप से निर्धारित किया है। पहला खंड उन सामान्य प्रक्रियाओं का विवरण देता है जो विभिन्न देशों की संगीत कला में और विभिन्न व्यक्तित्वों के संगीतकारों के काम में अपने तरीके से लागू की गई थीं। प्रत्येक बाद के खंड में किसी दिए गए देश की संगीत संस्कृति का अवलोकन होता है, साथ ही इस स्कूल के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों के काम के लिए समर्पित एक मोनोग्राफिक खंड होता है। केवल आई। स्ट्राविंस्की के काम के लिए समर्पित खंड इसकी संरचना में भिन्न है: इसमें एक परिचयात्मक समीक्षा शामिल नहीं है। और यह समझ में आता है: आखिरकार, विशेष परिस्थितियों के कारण अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताने के बाद, स्ट्राविंस्की एक रूसी मास्टर बने रहे और किसी भी विदेशी स्कूल से संबंधित नहीं थे। हमारी सदी के लगभग सभी प्रमुख संगीतकारों पर उनके रचनात्मक सिद्धांतों का निर्णायक प्रभाव हमें 20 वीं शताब्दी की संगीत कला के विकास की सामान्य तस्वीर से स्ट्राविंस्की को हटाने की अनुमति नहीं देता है। विदेशी संगीत साहित्य पर पाठ्यपुस्तक में इस मोनोग्राफिक अध्याय का समावेश स्कूल में पाठ्यक्रम की ख़ासियत के कारण भी है: जब तक उन्होंने 20 वीं शताब्दी के विदेशी संगीत का अध्ययन किया, तब तक छात्र या तो व्यक्तित्व से परिचित नहीं थे या आई। स्ट्राविंस्की का संगीत। वे केवल चौथे पाठ्यक्रम के अंत में संगीत कला के इस पृष्ठ की ओर रुख करेंगे, जहां संगीतकार के काम की केवल पहली, रूसी अवधि पर विचार किया जाता है।

पाठ्यपुस्तक के संकलनकर्ताओं और लेखकों का ध्यान समीक्षाधीन अवधि की सामान्य संगीत और ऐतिहासिक प्रक्रियाओं को दिखाने और सबसे उत्कृष्ट कार्यों का विश्लेषण करने पर केंद्रित है जो हमारी सदी के क्लासिक्स बन गए हैं। 20वीं शताब्दी की संगीत कला की घटनाओं की असाधारण जटिलता को देखते हुए, उनकी विविधता, परस्पर प्रतिच्छेदन और उनके तेजी से परिवर्तन, समीक्षा अध्यायों ने पिछले संस्करणों की तुलना में इस पुस्तक में बहुत बड़ा स्थान लिया है। फिर भी, विषय के पद्धतिगत सिद्धांतों के अनुसार, संकलक ने संगीत कार्यों के विश्लेषण पर ध्यान केंद्रित करने की मांग की, जो इस मामले में रचनात्मक तरीकों की विविधता, सोचने के तरीके, विभिन्न शैलीगत निर्णयों और की बहुलता को प्रकट करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। हमारी सदी के उस्तादों की संगीतकार तकनीक।

इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि पुस्तक संगीत कला का एक व्यापक चित्रमाला देती है, और विश्लेषण कई मामलों में बहुत जटिल है (जो काफी हद तक सामग्री द्वारा ही पूर्व निर्धारित है), संकलक इस पाठ्यपुस्तक को न केवल छात्रों को संबोधित करना संभव मानते हैं प्रदर्शन, लेकिन संगीत विद्यालयों के सैद्धांतिक विभागों के भी। पुस्तक की सामग्री शैक्षिक प्रक्रिया में इसके लिए एक चयनात्मक दृष्टिकोण की अनुमति देती है; अध्यायों के अध्ययन की गहराई और विवरण स्वयं शिक्षकों द्वारा निर्धारित किया जाता है, जो छात्रों की तैयारी के स्तर, नोट्स और संगीत रिकॉर्डिंग के साथ शैक्षिक प्रक्रिया के भौतिक उपकरण और इस भाग के लिए पाठ्यक्रम द्वारा आवंटित घंटों की संख्या पर निर्भर करता है। बेशक।
लेखकों के एक बड़े समूह ने इस पुस्तक पर काम किया। इसलिए सामग्री प्रस्तुत करने के विभिन्न तरीकों की अनिवार्यता; उसी समय, इसके लिए बहुत ही दृष्टिकोण में, संकलक ने समान कार्यप्रणाली सिद्धांतों को संरक्षित करने की मांग की।

विषय
संकलक से
XX सदी की विदेशी संगीत कला के विकास के तरीके।
ऑस्ट्रिया की संगीत संस्कृति
गुस्ताव महलेर
स्वर रचनात्मकता। "एक यात्रा प्रशिक्षु के गीत"
सिम्फोनिक रचनात्मकता। पहली सिम्फनी
अर्नोल्ड शेनबर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
"वारसॉ से उत्तरजीवी"
अल्बान बर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
म्यूजिकल ड्रामा वोज़ेक
वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो
एंटोन वेबर।
जीवन और रचनात्मक पथ
जर्मनी की संगीत संस्कृति
रिचर्ड स्ट्रॉस
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता। सिम्फोनिक कविताएँ "डॉन जुआन" और "टिल उलेन्सपीगल"
पॉल हिंदमिथ
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता। सिम्फनी "कलाकार मैथिस"।
कार्ल ओआरएफ
जीवन और रचनात्मक पथ
कार्ल ऑर्फ़ के काम की मुख्य शैलियाँ और उनकी विशेषताएं।
ओपेरा "चतुर लड़की"
"कारमिना बुराना"
इगोर स्ट्राविंस्की
जीवन और रचनात्मक पथ
"भजन की सिम्फनी"
ओपेरा "ओडिपस रेक्स"
फ्रांस की संगीत संस्कृति।
आर्थर वनगेर
जीवन और रचनात्मक पथ
नाटकीय और वक्तृत्व रचनात्मकता। ओरेटोरियो "जोन ऑफ आर्क दांव पर"
सिम्फोनिक रचनात्मकता। तीसरी सिम्फनी ("लिटर्जिकल")
डेरियस मिजो
जीवन और रचनात्मक पथ
वोकल-इंस्ट्रूमेंटल, क्रिएटिविटी। "आग का महल"
फ़्रांसिस पोलेंको
जीवन और रचनात्मक पथ
ओपेरा "मानव आवाज"
स्पेन की संगीत संस्कृति
मैनुअल डी फला
जीवन और रचनात्मक पथ
बैले "प्यार एक जादूगरनी है"
ओपेरा "लघु जीवन"

(रेटिंग: 3 , औसत: 3,67 5 में से)

शीर्षक: विदेशों का संगीत साहित्य

I. A. Prokhorov . की पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" के बारे में

आई। प्रोखोरोवा द्वारा संकलित "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" नामक पाठ्यपुस्तक स्वतंत्र अध्ययन के लिए है। यह सामग्री की प्रस्तुति की संक्षिप्तता और पहुंच की व्याख्या करता है।

"म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" पुस्तक छात्रों को लघु आत्मकथाओं और प्रसिद्ध संगीतकारों के सर्वोत्तम कार्यों से परिचित कराएगी। बच्चे ऐसे प्रतिभाशाली लोगों के जीवन और कार्य के बारे में जान सकेंगे जैसे आई.एस. बाख, जे. हेडन, डब्ल्यू.ए. मोजार्ट, एल। बीथोवेन, एफ। शुबर्ट और एफ। चोपिन। I. प्रोखोरोवा ने प्रतिभाशाली संगीतकारों की कहानियों का बहुत अधिक विस्तार से वर्णन नहीं किया है, पाठ्यपुस्तक में आपको जीवन की मुख्य तिथियां, मूल, शीर्षक और शीर्षक, गतिविधि का क्षेत्र, पेशे की पसंद को प्रभावित करने वाली स्थितियां मिलेंगी। पुस्तक संगीतकारों के जीवन और कार्य के मुख्य चरणों, उनके सामाजिक-राजनीतिक विचारों के बारे में बताएगी।

प्रकाशन "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" संगीत विद्यालयों के छात्रों के लिए है, हालांकि, हर कोई जो शास्त्रीय कार्यों के प्रति उदासीन नहीं है, इस पुस्तक में अपने लिए कुछ दिलचस्प मिलेगा। I. प्रोखोरोवा ने कुछ संगीत और गैर-संगीत अवधारणाओं के स्पष्टीकरण के साथ पाठ को समृद्ध किया, जो इसे कम अकादमिक बनाता है। संगीतकारों के जीवन का वर्णन करने वाला भाग उस काल के यूरोपीय देशों के ऐतिहासिक और सांस्कृतिक जीवन के संदर्भ में प्रस्तुत किया गया है। यह छात्रों को उन परिस्थितियों की गहरी और व्यापक समझ का अवसर देता है जिनमें महान संगीतकार रहते थे और काम करते थे।

चूंकि पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" घर पर पढ़ने के लिए है, इसमें शामिल सभी सिम्फोनिक कार्यों को चार-हाथ की व्यवस्था में पेश किया जाता है। यह ध्यान देने योग्य है कि बाख के काम के बारे में कहानी, जो कार्यक्रम के अनुसार, वर्ष के अंत में अध्ययन की जाती है, शुरुआत में रखी जाती है। लेखक ने यह कदम प्रस्तुति के कालक्रम को देखने के लिए उठाया है।

इस पुस्तक के संकलनकर्ता को विश्वास है कि पाठ्यपुस्तक के नियमित उपयोग से छात्रों में लोकप्रिय और वैज्ञानिक संगीत साहित्य से आत्म-पहचान के लिए रुचि जागृत होगी। इसके अलावा, बच्चे एक शीट से संगीत कार्यों को पढ़ने के कौशल को विकसित और मजबूत करने में सक्षम होंगे, और उन्हें चार हाथों में प्रदर्शन करने की आदत भी होगी।
प्रसिद्ध कार्यों का स्व-शिक्षण उन्हें अन्य बच्चों की उपस्थिति में पाठ के दौरान प्रदर्शन करने की अनुमति देगा, जो सामूहिक कक्षाओं को अधिक सक्रिय बना देगा और शास्त्रीय संगीत की धारणा में काफी सुधार करेगा।

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