Rancangan pengajaran seni halus klasikisme dan rococo. Seni halus klasikisme dan rococo

Pratonton:

Untuk menggunakan pratonton pembentangan, buat akaun Google (akaun) dan log masuk: https://accounts.google.com

Kapsyen slaid:

Seni halus klasikisme dan rococo MHK gred 10-11

Rancangan Nicolas Poussin - artis klasikisme Karya arca klasikisme Sarjana "genre gagah": Lukisan Rococo

Nicolas Poussin - pelukis klasik (1594 - 1665) artis Perancis yang berdiri pada asal-usul lukisan klasikisme

Saya melihat keindahan yang ideal dalam perkadaran bahagian-bahagian keseluruhan, dalam keteraturan luaran, keharmonian dan kejelasan bentuk. Lukisannya dibezakan oleh komposisi yang seimbang, sistem ruang yang tegar dan disahkan secara matematik, lukisan yang dikejar, dan rasa irama. Kriteria utama kebenaran artistik ialah akal dan pemikiran. Tema utama kreativiti ialah perbuatan kepahlawanan, berdasarkan motif sivik yang tinggi; memuliakan lelaki heroik, mampu mengetahui dan mengubah alam dengan kekuatan akal. Wira kegemaran adalah orang yang mempunyai kualiti moral yang tinggi. Sistem komposisi lukisan adalah berdasarkan dua prinsip: keseimbangan bentuk dan korelasi bebasnya.

"Keagungan Scipio"

"Gembala Arked"

"Tancred dan Erminia"

Karya arca klasikisme Salah seorang pengukir klasikisme yang cemerlang - Antonio Canova (1757 - 1822) Arca: "Orpheus", "Eurydice", "Perseus", "Theseus, pemenang Minotaur", "Cupid and Psyche", " Tiga Rahmat".

"Orpheus" "Eurydice"

"Perseus"

"Three Graces" - penjelmaan tertinggi dari ideal kecantikan baru, menurut sezaman Canova.

Bertel Thorvaldsen (1768 - 1844) Karya terbaik artis Denmark diiktiraf sebagai "Jason with the Golden Fleece", "Ganymede and the Eagle of Zeus" ("Ganymede Feeding the Eagle of Zeus"), "Mercury"

"Jason dengan Bulu Emas"

"Ganymede Memberi Makan Helang Zeus"

"Mercury"

Jean Antoine Houdon (1741 - 1828) Pengukir klasikisme Perancis yang terkenal, yang mencipta ensiklopedia potret unik orang terkenal pada zaman itu. Protagonis karyanya adalah watak sosial, mulia dan kuat, berani dan tidak berani, seorang yang kreatif.

Patung Voltaire adalah puncak karya Houdon, imej ideal seorang pemikir bijak.

Sarjana "genre gagah": Lukisan Rococo Tema utama lukisan Rococo ialah kehidupan halus golongan istana, percutian, gambar kehidupan yang indah berlatarbelakangkan alam semula jadi, dunia percintaan yang kompleks dan kiasan yang bijak.

Antoine Watteau (1684 - 1721) - "penyair masa lapang yang cuai", "penyanyi rahmat dan kecantikan"

"Ziarah ke Pulau Cythera"

Gilles (Pierrot)

Francois Boucher (1703 - 1770) - "artis of the graces", "pelukis diraja"

"Kelahiran Venus"

"Juno Melawat Aeolus, Penjaga Angin"

"Alegori Lukisan"

Mengenai topik: perkembangan metodologi, pembentangan dan nota

persembahan gaya dalam muzik (klasikisme)

Gaya persembahan gred 8 dalam muzik memperkenalkan ciri ciri klasikisme muzik dan wakil sekolah Vienna...

Persembahan untuk pelajaran Teater Seni Moscow "Budaya Artistik Klasikisme dan Rococo"

Penyampaian adalah siri ilustrasi untuk kenalan umum pelajar dengan ciri-ciri seni klasikisme dan rococo....

Ringkasan pelajaran tentang kesusasteraan Perancis menggunakan persembahan multimedia "Sastera Perancis era klasikisme"

Pelajaran ini memberikan maklumat tentang wakil utama klasikisme di Perancis....

slaid 1

slaid 2

slaid 3

slaid 4

slaid 5

slaid 6

Slaid 7

Slaid 8

Slaid 9

slaid 10

slaid 11

slaid 12

slaid 13

slaid 14

slaid 15

slaid 16

slaid 17

slaid 18

slaid 19

slaid 20

slaid 21

slaid 22

slaid 23

slaid 24

slaid 25

slaid 26

slaid 27

slaid 28

KONSEP, IDEA

Menyemak pengetahuan pelajar

Aktiviti pembelajaran sejagat

soalan kecil

10.

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

20.

21.

22. Soalan keselamatan

23. Bengkel kreatif

24. Topik untuk pembentangan, projek

25. refleksi

26. Sastera:

Kawasan seni bina (dan dalaman) yang paling menarik dan ketara pada masa itu termasuk empat gaya: barok, rococo, klasikisme dan empayar. Gaya ini wujud di semua negara maju di Eropah, menggantikan atau menambah satu sama lain, di samping itu, di setiap negara mereka memperoleh ciri-ciri tersendiri kebangsaan mereka sendiri. Oleh itu, hari ini kami menggunakan konsep seperti "Barok Rusia", Klasikisme Inggeris" atau "Empayar Perancis". Walaupun begitu, semua gaya tergolong dalam kumpulan yang sama dan dalam tempoh sejarah yang sama, jadi kami boleh menyerlahkan beberapa ciri umum di dalamnya. .

Kemewahan: gaya ini digunakan untuk menghiasi bahagian dalam golongan bangsawan, jadi mereka kadang-kadang dipanggil istana atau diraja (klasikisme adalah gaya yang paling sederhana dan terkawal dalam kumpulan ini, walaupun dalaman ini adalah kemewahan yang tidak pernah berlaku sebelum ini mengikut piawaian moden);

Bilik luas yang besar dengan siling tinggi (sekurang-kurangnya ini digunakan untuk gaya Rococo);

Kaedah hiasan: stuko, lukisan dinding atau lukisan dengan pemandangan klasik, ukiran kayu (termasuk penggunaan ukiran dalam perabot).

Perbezaan antara Rococo dan Klasikisme:

Dalam klasikisme, terdapat keinginan untuk keharmonian dan ketertiban dalam semua unsur seni bina;

Klasikisme berusaha untuk kekangan dan kesederhanaan, mengelakkan butiran megah;

Klasikisme adalah berdasarkan teori seni bina kuno, dan dengan teliti memerhatikan keharmonian ruang.

Rococo

Istilah rococo berasal dari bahasa Perancis "rocaille" (disebut "rocaille"), dan dalam terjemahan bermaksud "cangkang". Gaya itu menjadi penjelmaan yang diubah suai, tafsiran gaya Baroque yang lebih cantik dan menakjubkan, produk bangsawan Perancis dan budaya sekular. Tidak seperti gaya lain yang telah meluas dalam pelbagai bidang seni, Rococo merujuk terutamanya kepada bahagian dalam.

Sejarah. Gaya Rococo muncul pada abad ke-18 di Perancis, dan pada akhir abad itu ia menguasai seluruh Eropah.

Gaya ini secara visual sering dikelirukan dengan barok, terdapat banyak persamaan di antara mereka, tetapi terdapat juga banyak perbezaan yang boleh dikenali. Ciri-ciri tersendiri gaya Rococo:

Pedalaman sedemikian dicirikan oleh julukan berikut: elegan, ringan, suka bermain, rumit;

Bersama-sama dengan bilik besar, susun atur termasuk bilik kecil, ruang yang selesa - ceruk (ceruk besar, contohnya, untuk kawasan tidur);

Warna dalam rona terang merah jambu, biru, hijau lembut, mutiara dan ibu-mutiara;

Hiasan dinding dan siling: corak stuko terbaik, panel berukir, elemen cermin yang indah, lukisan dinding dan siling yang licin dilengkapi dengan lukisan dinding buatan tangan;

Lantai: parket bercorak dan permaidani;

Hiasan: penyepuhan, hiasan tekstil, unsur kristal dan kaca;

Istilah "rococo" (atau "rocaille") mula digunakan pada pertengahan abad ke-19. Pada mulanya, "rocaille" ialah cara menghias bahagian dalam gua, mangkuk air pancut, dsb. dengan pelbagai fosil yang meniru formasi semula jadi (semula jadi), dan "rocaille" ialah pakar yang mencipta hiasan sedemikian. Apa yang kini kita panggil "rococo " pada satu masa ia dipanggil "rasa bergambar", tetapi pada tahun 1750-an. kritikan terhadap segala-galanya "diputar belit" dan "diseksa" menjadi lebih aktif, dan penamaan "rasa rosak" mula muncul dalam kesusasteraan. Ensiklopedia berjaya terutamanya dalam kritikan, yang menurutnya tidak ada permulaan yang munasabah dalam "rasa yang rosak".

Elemen utama gaya: rocaille - keriting dan kartel - istilah yang kini dilupakan digunakan untuk menamakan cartouch rocaille. Salah satu kes terawal penggunaan istilah ini ialah "The Third Book of Rocaille and Cartel Forms" karya Mondon-son pada tahun 1736.

Walaupun populariti "bentuk purba" baru yang menjadi popular pada akhir 1750-an. (arah ini dipanggil "rasa Yunani"; objek gaya ini sering disalah anggap sebagai Rococo lewat), apa yang dipanggil Rococo mengekalkan kedudukannya sehingga akhir abad ini. Di Perancis, zaman Rococo dipanggil zaman Cupid dan Venus.

Pada tahun 1960-an dan 70-an, konsep rococo sebagai hasil daripada penghalusan barok telah meluas: "Memasuki fasa rococo, emblematik semakin kehilangan kepentingan bebasnya dan menjadi sebahagian daripada hiasan hiasan umum, bersama-sama dengan nimfa, naiad, cornucopias. , ikan lumba-lumba dan kadal air, „ Cupids dewa cinta "bertukar menjadi - putti - rococo".

Klasikisme

Sebagai gaya dalaman dan hala tuju estetik, Klasikisme berasal dari Eropah pada awal abad ke-17. Ia berdasarkan ketenangan dan seni bina antik yang ketat, perkadaran dan keharmoniannya. Diterjemahkan dari Latin "classicus" adalah norma, perintah, corak. Penemuan Pompeii pada tahun 1755 banyak mempengaruhi perkembangan Klasikisme. Akibatnya, ia adalah hasil pembangunan semula jadi dan peningkatan seni bina Renaissance.

Ciri-ciri tersendiri gaya Klasikisme:

Bahagian dalam klasikisme dicirikan oleh kata-kata dan frasa berikut: tenang, berusaha untuk yang ideal, singkat, mulia;

Hiasan dalaman dicirikan oleh bentuk geometri yang jelas, maksima biasa;

Warna: nada cerah dan kaya vanila halus, biru pucat, warna daun muda;

Penggunaan struktur seni bina antik tradisional: tiang, pilaster (separuh lajur), pedimen dan friezes;

Perhiasan dengan motif antik: ketat dan geometri;

Hiasan dinding. kertas dinding dengan lukisan atau corak kerawang yang mewah, alas dinding dan sempadan, lukisan digunakan secara meluas;

Lantai: - parket seni tetapan jenis daripada jenis kayu elit yang mahal. Di lorong, dewan atau ruang makan, adalah mungkin untuk menggunakan marmar atau penutup batu lain;

Hiasan tidak terlalu sarat dengan butiran dan elemen kecil.

Arkitek Inggeris (Scotland) Robert Adams boleh dianggap sebagai wakil paling terang era Klasikisme; dalam gambar di bawah anda dapat melihat bahagian dalam yang dibuatnya.

Klasikisme adalah berdasarkan idea-idea rasionalisme, yang mendapati ungkapan yang jelas dalam falsafah Descartes. Sebuah karya seni, dari sudut pandangan klasikisme, harus dibina berdasarkan kanun yang ketat, dengan itu mendedahkan keharmonian dan logik alam semesta itu sendiri. Kepentingan klasikisme hanyalah yang kekal, tidak berubah - dalam setiap fenomena, dia berusaha untuk mengenali ciri-ciri tipologi yang penting sahaja, membuang ciri individu rawak. Estetika klasikisme sangat mementingkan fungsi sosial dan pendidikan seni. Klasikisme menetapkan hierarki genre yang ketat, yang dibahagikan kepada tinggi (ode, tragedi, epik) dan rendah (komedi, satira, dongeng). Setiap genre mempunyai ciri yang ditetapkan dengan ketat, yang mana pencampuran tidak dibenarkan.

Sebagai arah tertentu, ia dibentuk di Perancis pada abad ke-17. Klasisisme Perancis menegaskan keperibadian seseorang sebagai nilai tertinggi makhluk, membebaskannya daripada pengaruh agama dan gereja. Mengenai ciri-ciri klasikisme dalam Empayar Rusia, lihat artikel Klasisisme Rusia.

Dalam banyak cara, klasikisme bergantung pada seni kuno (Aristotle, Horace), mengambilnya sebagai model estetik yang ideal, "zaman keemasan". Di Perancis abad ke-17, ia dipanggil masa Minerva dan Marikh.

Poussin Nicolas (1594-1665), pelukis dan pelukis Perancis. Belajar dengan K. Varen dan artis Perancis yang lain; dari 1624 Poussin tinggal di Rom (pada 1640-1642 - di Paris), dipengaruhi oleh Carracci, Domenichino, Raphael, Titian, Michelangelo, mengkaji risalah Leonardo da Vinci dan Durer, melakar dan mengukur patung-patung purba, mengkaji anatomi dan matematik. Sejak tahun 1620-an, pelukis Nicolas Poussin mencipta lukisan bunyi sivik tinggi yang meletakkan asas klasikisme dalam lukisan Eropah (lukisan "The Death of Germanicus"), gubahan puisi pada tema sastera dan mitologi, ditandai dengan susunan imej yang luhur, emosi warna yang sengit dan diselaraskan dengan lembut ("Rinaldo dan Armida", "Tancred dan Erminia", "Parnassus"). Irama komposisi yang jelas yang berlaku dalam karya Nicolas Poussin pada tahun 1630-an dianggap sebagai cerminan prinsip rasional yang memberikan kehebatan kepada perbuatan mulia seseorang ("The Arcadian Shepherds", "The Finding of Moses"). Sejak tahun 1650-an, penderitaan etika dan falsafah semakin memuncak dalam karya Poussin. Beralih kepada subjek sejarah purba, menyamakan watak-watak alkitabiah dan injil dengan pahlawan zaman purba klasik, artis mencapai kepenuhan bunyi kiasan, keharmonian yang jelas dari keseluruhannya ("Beristirahatlah dalam Penerbangan ke Mesir", "Kemurahan hati Scipio”). Membangunkan prinsip landskap yang ideal, Nicolas Poussin menjadikan alam semula jadi sebagai penjelmaan kemanfaatan dan kesempurnaan (“Lanskap dengan Polyphemus”, sekitar tahun 1649, satu siri landskap “The Seasons”, “Apollo and Daphne”). Memperkenalkan watak mitologi ke dalam landskap, mempersonifikasikan pelbagai elemen, menggunakan di dalamnya

episod kisah alkitabiah, Poussin menyatakan idea-idea keperluan atau takdir tertinggi, sebagai prinsip yang mengawal hubungan antara manusia dan alam semesta.

Watteau Jean Antoine (1684-1721), pelukis Perancis.

Dilahirkan di bandar Valenciennes (di utara Perancis) dalam keluarga tukang atap. Tarikh lahir sebenar tidak diketahui. Dibaptiskan pada 10 Oktober 1684

Sekitar 1702 Watteau datang ke Paris dan mula bekerja sebagai penyalin. Di Istana Luxembourg, dia berpeluang mempelajari lukisan P. P. Rubens.

Pada tahun 1717, Watteau menerima gelaran ahli akademik untuk lukisan besar Ziarah ke Pulau Cythera. Pada tahun 1719-1720. artis melawat England. Zaman kegemilangan kerja Watteau tidak lama. Selama kurang sedekad, dia melukis kanvas "Festival Venice", "Feast of Love", "Society in the Park", "Joys of Life", "Gilles",

"Metseten", "Tanda kedai E. F. Gersen".

Watteau tidak mengetengahkan lukisannya, tetapi, kemungkinan besar, lukisannya menjadi lebih ringan selama bertahun-tahun. Pelukis membuat banyak lukisan.

Watak kegemarannya yang berterusan mengingatkan pelakon yang memainkan drama panjang di kanvas Watteau. Pada masa dewasa, artis semakin membuat teater gubahan di mana alam semula jadi (pokok, bukit) menjadi seperti pemandangan. Adegan teater dan "perayaan gagah" adalah tema utama plotnya yang kemudian. Watteau, terutamanya panel hiasannya, mempunyai pengaruh yang menentukan terhadap perkembangan gaya Rococo.

Jean Honore Fragonard (5 April 1732, Grasse - 22 Ogos 1806, Paris), pelukis Perancis dan artis grafik. Beliau belajar di bawah J. B. S. Chardin dan F. Boucher di Paris. Pada 1756-1761 dia bekerja di Itali, di mana dia melaksanakan kitaran lukisan landskap (pinggir Rom dan Naples). Keterikatan pada realiti hidup yang konkrit, unik dan langsung beremosi mendorong Fragonard beralih daripada eksperimen lukisan sejarah ("Korez dan Calliroya", 1765, Louvre, Paris) kepada genre harian, landskap dan potret. Meneruskan tradisi genre "gagah" Boucher, kadangkala memberi penghormatan kepada konvensional dan kecanggihan Rococo, Fragonard pada masa yang sama mencapai wawasan istimewa dalam mencipta semula adegan lirik kehidupan seharian (termasuk rakyat), sfera perasaan intim manusia, dan puisi alam. Dibezakan oleh kesegaran dan pewarnaan hiasan yang indah, ringan dan perangai penulisan, irama gubahan yang lancar, karya Fragonard penuh dengan kebahagiaan sensitif, kenikmatan hidup yang penuh ("Swing", 1766, koleksi Wallace, London, "Feast in Saint-Cloud ", 1775, French Bank, Paris; Bathing Naiads, Louvre, Paris), diserap dengan ejekan yang hampir tidak ketara terhadap kelesuan comel watak-watak (Stealth Kiss, Hermitage, Leningrad) atau dipanaskan oleh simpati yang tulus, agak sentimental terhadap nasib daripada watak-watak (Keluarga Miskin, Muzium Seni Halus yang dinamakan sempena A. S. Pushkin, Moscow, "Anak-anak Petani", Hermitage, Leningrad). Kesan halus penggredan chiaroscuro adalah ciri lukisannya yang banyak (sanguine, bistre, jarang sepia) dan goresan.

Chardin Jean-Baptiste Simeon (1699-1779) - Pelukis Perancis, pelajar P.-J. Casa dan Noel Kuapel.

Membantu yang terakhir untuk melakukan aksesori dalam lukisannya, dia memperoleh seni yang luar biasa menggambarkan objek tidak bernyawa dari semua jenis dan memutuskan untuk menumpukan dirinya secara eksklusif untuk pembiakan mereka.

Pada permulaan aktiviti bebasnya, dia melukis buah-buahan, sayur-sayuran, bunga, haiwan mati, barangan rumah, sifat memburu dengan kemahiran sedemikian sehingga pencinta seni menganggap lukisannya sebagai karya seniman terkenal Flemish dan Belanda, dan hanya dari 1739 memperluaskan julatnya. subjeknya dengan adegan kehidupan rumah tangga orang miskin dan potret.

Lukisan-lukisan kategori kedua ini, yang dibezakan oleh kesederhanaan kandungannya yang naif, kekuatan dan keharmonian warna, kelembutan dan kekayaan berus, malah lebih daripada karya Chardin sebelumnya, memajukannya daripada beberapa artis kontemporari dan menguatkannya. tempatnya yang terkenal dalam sejarah lukisan Perancis. Pada tahun 1728 beliau telah ditugaskan ke Akademi Seni Paris, pada tahun 1743 beliau telah dipilih sebagai penasihatnya, pada tahun 1750 beliau memegang jawatan sebagai bendaharinya; di samping itu, sejak 1765 beliau adalah ahli Akademi Sains, Kesusasteraan dan Seni Halus Rouen.

Yang paling terkenal di antaranya ialah "Istana Kad", "Doa sebelum Makan Malam", "Ibu Rajin", "Arnab Patah dan Aksesori Memburu", "Buah Di Atas Meja Marmar" dan "Atribut Seni", "Tiga Budak Meniup Buih Sabun ", "Meja Dapur dengan Bekalan dan Perkakas", Potret Puan Geoffrin, "Gadis Membaca Surat", "Pulang dari Pasar", "Masak Mengupas Lobak", dan ulangan "Doa sebelum Makan Malam", ulangan "Istana Kad" dan " Doa Sebelum Makan Malam" dan "Wanita Pencuci", "Wanita Muda Menyulam Permaidani", "Hamba Menuang Air ke Dalam Tempayan", "Arnab Patah dan Kuali Gangsa" dan ulangan "Dobi" dan "Doa sebelum Makan Malam " dan "Ibu dan Anak" .

Seni halus klasikisme dan rococo

Nicolas Poussin - pelukis klasik

Puncak klasikisme dalam lukisan, Akademi Perancis mengisytiharkan karya artis Nicolas Poussin(1594-1665). Semasa hayatnya, dia digelar "yang paling mahir dan berpengalaman dalam bidang berus moden," dan selepas kematiannya dia diisytiharkan "suar lukisan Perancis."

Sebagai eksponen jelas idea-idea klasikisme, Poussin mengembangkan kaedah kreatif berdasarkan ideanya sendiri tentang undang-undang kecantikan. Dia melihat cita-citanya dalam perkadaran bahagian-bahagian keseluruhan, dalam keteraturan luaran, keharmonian dan kejelasan bentuk. Lukisannya dibezakan oleh komposisi yang seimbang, sistem ruang yang tegar dan disahkan secara matematik, lukisan yang tepat, dan deria irama yang menakjubkan berdasarkan teori kuno mod muzik.

Menurut Poussin, kriteria utama kebenaran dan keindahan artistik ialah akal dan pemikiran. Inilah yang dia panggil untuk mencipta dengan cara "sebagaimana alam dan akal mengajarnya." Apabila memilih topik, Poussin lebih mengutamakan perbuatan dan perbuatan kepahlawanan, yang berdasarkan motif sivik yang tinggi, dan bukannya berdasarkan nafsu manusia.

Subjek utama seni, menurut artis, adalah apa yang dikaitkan dengan idea yang luhur dan indah, yang boleh menjadi contoh dan cara untuk mendidik kualiti moral terbaik dalam diri seseorang. Poussin menumpukan kerjanya untuk memuliakan seorang lelaki heroik, yang mampu mengetahui dan mengubah alam semula jadi dengan kuasa minda yang kuat. Wira kegemarannya adalah orang yang kuat, berkemauan keras dengan kualiti moral yang tinggi. Mereka sering mendapati diri mereka dalam situasi dramatik yang memerlukan ketenangan khas, kehebatan semangat dan kekuatan watak. Pelukis itu menyampaikan perasaan tinggi mereka melalui postur, mimik muka dan gerak isyarat.

Daripada subjek sejarah, Poussin hanya memilih subjek yang terdapat aksi, pergerakan dan ekspresi. Dia mula bekerja pada lukisan itu dengan kajian teliti sumber sastera (Holy Scripture, Ovid's Metamorphoses atau T. Tasso's Jerusalem Liberated). Sekiranya dia memenuhi matlamat yang ditetapkan, artis tidak memikirkan kehidupan dalaman yang kompleks watak-watak, tetapi kemuncak tindakan itu. Perjuangan mental, keraguan dan kekecewaan diturunkan ke latar belakang. Formula plot biasa Poussin adalah seperti berikut: "Mati dilemparkan, keputusan dibuat, pilihan dibuat" (Yu. K. Zolotov).

Idea-idea klasikisme, pada pendapatnya, harus mencerminkan komposisi gambar. Dia membezakan improvisasi dengan susunan tokoh individu dan kumpulan utama yang dipertimbangkan dengan teliti.

Ruang visual harus mudah dilihat, pelan harus jelas mengikuti satu sama lain. Untuk tindakan itu sendiri, hanya kawasan kecil di latar belakang harus diperuntukkan. Dalam kebanyakan lukisan Poussin, titik persilangan pepenjuru gambar ternyata menjadi pusat semantik yang paling penting.

Sistem komposisi lukisan Poussin dibina berdasarkan dua prinsip: keseimbangan bentuk (pembinaan kumpulan di sekeliling pusat) dan nisbah bebas mereka (beralih dari pusat). Interaksi kedua-dua prinsip ini memungkinkan untuk mencapai kesan luar biasa tentang keteraturan, kebebasan dan mobiliti gubahan.

Yang sangat penting dalam sistem seni Poussin ialah warna. Saling kaitan bunyi warna utama dicapai berkat sistem pantulan: warna sengit di tengah-tengah komposisi biasanya disertai dengan warna neutral yang lembut.

Nicolas Poussin ialah pengarang pelbagai lukisan mengenai tema mitologi, sejarah, keagamaan, serta landskap. Di dalamnya seseorang hampir selalu boleh menemui adegan mise-en-scenes yang digilap, penuh dengan pemikiran dan drama. Berpaling ke masa lalu yang jauh, dia tidak menceritakan semula, tetapi mencipta semula secara kreatif, memikirkan semula cerita terkenal.

Lukisan oleh N. Poussin "Gembala Arked"- salah satu puncak karya artis, di mana idea-idea klasikisme telah menemui penjelmaan yang penuh dan jelas. Ia menunjukkan keinginan pengarang untuk kejelasan arca bentuk, kesempurnaan plastik dan ketepatan lukisan, kejelasan dan keseimbangan komposisi geometri, menggunakan prinsip bahagian emas. Keterukan perkadaran, irama linear yang licin dan jelas dengan sempurna menyampaikan keterukan dan ketinggian idea dan watak.

Gambar itu berdasarkan pemikiran falsafah yang mendalam tentang kelemahan kewujudan duniawi dan kematian yang tidak dapat dielakkan. Empat gembala, penduduk Arcadia yang bahagia (sebuah wilayah di selatan Greece, yang merupakan simbol kemakmuran abadi, kehidupan yang tenang tanpa peperangan, penyakit dan penderitaan), secara tidak sengaja menemui makam di antara semak dengan tulisan: "Iya berada di Arcadia. Tetapi sekarang aku tidak termasuk dalam golongan yang hidup, sama seperti kamu, yang sedang membaca tulisan ini, tidak akan demikian.” Maksud kata-kata ini membuat mereka berfikir... Salah seorang gembala dengan rendah hati menundukkan kepalanya, meletakkan tangannya di atas batu nisan. Yang kedua, sambil berlutut, membelek-belek huruf, cuba membaca tulisan yang separuh dipadamkan.

Yang ketiga, tidak melepaskan tangannya dari kata-kata sedih, mengangkat pandangan bertanya kepada temannya. Wanita di sebelah kanan itu juga tenang melihat tulisan itu. Dia meletakkan tangan di bahunya, seolah-olah cuba membantunya memahami dengan pemikiran tentang pengakhiran yang tidak dapat dielakkan. Oleh itu, sosok wanita dianggap sebagai tumpuan kedamaian rohani, keseimbangan falsafah yang dibawa oleh pengarang kepada penonton.

Poussin jelas berusaha untuk mencipta imej umum yang hampir dengan kanun kecantikan purba: mereka benar-benar sempurna dari segi fizikal, muda dan penuh kekuatan. Angka-angka itu, dalam banyak aspek menyerupai patung-patung purba, seimbang di angkasa. Dalam penulisan mereka, artis menggunakan chiaroscuro ekspresif.

Idea falsafah yang mendalam yang mendasari gambaran itu dinyatakan dalam bentuk yang jelas dan klasik secara ketat. Seperti dalam relief Rom, aksi utama berlaku di kawasan yang agak cetek di latar depan. Komposisi gambar sangat mudah dan logik: semuanya dibina berdasarkan irama pergerakan seimbang yang difikirkan dengan teliti dan tertakluk kepada bentuk geometri paling mudah yang dicapai berkat ketepatan pengiraan matematik. Watak-watak itu dikumpulkan hampir simetri berhampiran batu nisan, dihubungkan dengan pergerakan tangan mereka dan perasaan jeda yang berpanjangan. Pengarang berjaya mencipta imej dunia yang ideal dan harmoni yang disusun mengikut undang-undang minda yang lebih tinggi.

Sistem pewarnaan lukisan Poussin biasanya berdasarkan kepercayaan pengarang bahawa warna adalah cara yang paling penting untuk mencipta kelantangan dan kedalaman ruang. Pembahagian kepada satah biasanya ditekankan oleh konsonan warna yang kuat. Di latar depan, warna kuning dan coklat biasanya berlaku, di kedua - hangat, hijau, di ketiga - sejuk, terutamanya biru. Dalam gambar ini, segala-galanya tertakluk kepada undang-undang kecantikan klasik: pertembungan warna langit yang sejuk dengan latar depan yang hangat, dan keindahan tubuh manusia yang telanjang, yang disampaikan dalam pencahayaan yang tersebar walaupun, dilihat dengan berkesan dan mengagumkan dengan latar belakang. daripada dedaunan hijau subur landskap yang tenang.

Secara umum, gambar itu disemai dengan perasaan sedih yang tersembunyi, kedamaian dan ketenangan fikiran yang indah. Penyesuaian yang tabah dengan nasib, penerimaan kematian yang bijak dan bermaruah menjadikan klasikisme Poussin berkaitan dengan pandangan dunia kuno. Pemikiran tentang kematian tidak menyebabkan keputusasaan, tetapi dianggap sebagai manifestasi yang tidak dapat dielakkan dari undang-undang makhluk.

Sarjana "genre gagah": lukisan Rococo

Tema utama lukisan Rococo ialah kehidupan indah golongan bangsawan mahkamah, "perayaan gagah", gambar indah kehidupan "gembala" berlatarkan alam semula jadi yang murni, dunia hubungan cinta yang kompleks dan kiasan yang bijak. Kehidupan manusia adalah serta-merta dan sekejap, dan oleh itu perlu untuk menangkap "saat gembira", tergesa-gesa untuk hidup dan merasai. "Semangat perkara kecil yang menawan dan lapang" (M. Kuzmin) menjadi motif utama karya ramai artis "gaya diraja".

Bagi kebanyakan pelukis Rococo, Venus, Diana, nimfa dan cupid melebihi semua dewa lain. Segala macam "mandi", "tandas pagi" dan keseronokan segera kini hampir menjadi subjek utama imej. Nama-nama warna eksotik menjadi fesyen: "warna paha nimfa yang ketakutan" (jasmani), "warna mawar yang terapung dalam susu" (merah jambu pucat), "warna masa yang hilang" (biru). Gubahan klasikisme yang difikirkan dengan baik dan langsing memberi laluan kepada corak yang elegan dan canggih.

Antoine Watteau(1684-1721) sezaman dipanggil "penyair masa lapang cuai", "penyanyi rahmat dan kecantikan". Dalam karyanya, dia merakam perkelahan di taman malar hijau, konsert muzik dan teater di pangkuan alam semula jadi, pengakuan ghairah dan pertengkaran kekasih, tarikh indah, bola dan penyamaran. Pada masa yang sama, terdapat kesedihan yang menyakitkan dalam lukisannya, rasa keindahan yang sementara dan sifat fana dari apa yang berlaku.

Salah satu lukisan artis terkenal - "Ziarah ke Pulau Cythera", terima kasih kerana dia telah dimasukkan ke Akademi Lukisan dan Arca Diraja dan menerima gelaran "tuan perayaan gagah berani." Puan-puan menawan dan puan-puan yang gagah perkasa berkumpul di pantai teluk laut yang dipenuhi bunga. Mereka belayar ke pulau Cythera - pulau dewi cinta dan kecantikan Venus (dikenal pasti dengan dewi cinta Yunani Aphrodite), di mana dia, menurut legenda, keluar dari buih laut. Perayaan cinta bermula pada patung yang menggambarkan Venus dan cupids, salah satunya sampai ke bawah untuk meletakkan kalungan laurel pada dewi yang paling cantik. Di kaki patung itu disusun senjata, perisai, kecapi dan buku - simbol perang, seni dan sains. Nah, cinta benar-benar boleh menakluki segala-galanya!

Aksi itu terbentang seperti sebuah filem, secara berurutan menceritakan tentang perjalanan setiap pasangan yang sedang bercinta. Dalam hubungan antara watak, bahasa kiasan memerintah: tiba-tiba

pandangan yang dilemparkan, isyarat mengundang peminat di tangan seorang gadis, ucapan terputus di tengah ayat... Keharmonian manusia dan alam dirasai dalam segala-galanya. Tetapi sudah petang, matahari terbenam keemasan mewarnai langit. Percutian cinta semakin pudar, mengisi keseronokan riang pasangan bercinta dengan kesedihan. Tidak lama lagi mereka akan kembali ke kapal mereka, yang akan membawa mereka dari dunia tidak nyata ke dunia realiti setiap hari. Sebuah perahu layar yang indah - kapal cinta - sedia untuk belayar. Warna hangat, lembut, warna yang diredamkan, sapuan berus ringan yang hampir tidak menyentuh kanvas - semua ini mewujudkan suasana pesona dan cinta yang istimewa.

Dan sekali lagi saya cintakan bumi

Apakah sinar matahari terbenam yang begitu khusyuk,

Dengan berus ringan Antoine Watteau

Menyentuh hati saya sekali.

G. Ivanov

Lukisan oleh Watteau adalah milik karya agung sebenar. Gilles (Pierrot), dicipta sebagai tanda untuk persembahan oleh pelawak jelajah. Gilles ialah watak utama dan kegemaran topeng komedi Perancis, konsonan dengan Pierrot, wira dell'arte komedi Itali. Makhluk kekok dan naif itu nampaknya telah dicipta khas untuk ejekan dan helah berterusan Harlequin yang tangkas dan licik. Gilles digambarkan dalam sut putih tradisional dengan jubah dan topi bulat. Dia berdiri tidak bergerak dan hilang di hadapan penonton, manakala pelawak lain duduk berehat. Dia nampaknya sedang mencari teman bicara yang mampu mendengar dan memahaminya. Ada sesuatu yang menyentuh hati dan tidak dilindungi dalam pose tidak masuk akal pelawak itu dengan tangannya yang lemas diturunkan, pandangannya terpaku. Dalam kepenatan dan kesedihan penampilan badut itu, terbayang kesunyian seseorang yang terpaksa menghiburkan dan menghiburkan penonton yang bosan. Keterbukaan emosi wira menjadikannya salah satu imej yang paling mendalam dan penting dalam sejarah lukisan dunia.

Secara artistik, lukisan itu cemerlang. Kesederhanaan muktamad motif dan komposisi digabungkan di sini dengan corak yang tepat dan skema warna yang difikirkan dengan teliti. Hoodie putih hantu itu dicat dengan sapuan berus yang berhati-hati dan pada masa yang sama berani. Keperakan pucat, ungu abu, ton oker kelabu mengalir dan berkilauan, pecah menjadi ratusan sorotan yang menggeletar. Semua ini mewujudkan suasana yang menakjubkan untuk persepsi makna falsafah yang mendalam tentang gambar itu. Bagaimana seseorang boleh tidak bersetuju dengan kenyataan salah seorang sezamannya: "Watto menulis bukan dengan cat, tetapi dengan madu, ambar cair."

Francois Boucher(1703-1770) menganggap dirinya seorang pelajar setia Watteau. Ada yang memanggilnya "seniman rahmat", "Anacreon lukisan", "pelukis diraja". Yang terakhir melihat dalam dirinya seorang "seniman munafik", "yang mempunyai segala-galanya kecuali kebenaran." Yang lain dengan ragu-ragu berkata: "Tangannya memetik bunga ros di mana orang lain hanya mendapati duri."

Berus artis adalah milik beberapa potret upacara perempuan simpanan Raja Louis XV, Marquise de Pompadour. Adalah diketahui bahawa dia melindungi Bush, lebih daripada sekali mengarahkannya melukis mengenai subjek agama untuk kediaman desa dan rumah agam Paris. dalam gambar "Puan de Pompadour" heroin dipersembahkan dikelilingi oleh bunga bertaburan dan objek mewah, mengingatkan citarasa seni dan hobinya. Dia bersandar anggun berlatar belakangkan tirai yang rimbun dan khusyuk. Buku di tangannya adalah petunjuk yang jelas tentang pencerahan dan komitmen terhadap usaha intelektual. Marquise de Pompadour dengan bermurah hati mengucapkan terima kasih kepada artis itu, melantiknya mula-mula sebagai pengarah Kilang Gobelin, dan kemudian sebagai presiden Akademi Seni, memberinya gelaran "pelukis pertama raja."

Francois Boucher lebih daripada sekali beralih kepada gambaran adegan remeh, watak utama yang comel, gembala gembala pemalu atau gadis telanjang gemuk dalam bentuk Venus dan Diana mitologi. Lukisannya penuh dengan petunjuk yang samar-samar, perincian yang menarik (labuh skirt satin gembala yang terangkat, kaki Diana yang sedang mandi, jari ditekan ke mulut, pandangan yang fasih, menarik, anak domba berpaut pada kaki kekasih. , mencium burung merpati, dsb.). Nah, artis itu tahu fesyen dan cita rasa zamannya dengan sangat baik!

Dalam sejarah seni lukis dunia, Francois Boucher masih kekal sebagai pakar warna dan lukisan yang mengagumkan. Komposisi jenaka, sudut watak yang luar biasa, aksen warna yang kaya, pantulan terang warna lutsinar yang digunakan dengan sapuan kecil yang ringan, irama yang lancar dan mengalir - semua ini menjadikan F. Boucher seorang pelukis yang tiada tandingan. Lukisannya bertukar menjadi panel hiasan, menghiasi bahagian dalam dewan dan ruang tamu yang subur, mereka memanggil dunia kebahagiaan, cinta dan impian yang indah.