Permulaan abad ke-20 ditandai dengan "kembali" nostalgia kepada estetika Rococo, kepada imej-imej zaman Louis XIV, kepada era gagah lampau. Ini disebabkan oleh keinginan semula jadi seseorang (dan, di atas semua, seorang artis) untuk mencari keselesaan daripada irama kehidupan yang sentiasa memecut dalam gambar-gambar menarik masa lalu.

Di Rusia, dalam era Rococo, lukisan gaya Eropah hanya muncul buat kali pertama, menggantikan tradisi Rusia sendiri, lukisan ikon. Aliran Rococo sangat kuat pada pertengahan abad ke-18. Di Rusia, walau bagaimanapun, arah ini telah memperoleh terutamanya watak yang tertumpu secara sempit dan hanya menjejaskan St. Petersburg. Rococo akan menerima ekspresi sepenuhnya sedikit kemudian: dalam karya awal Rokotov, dalam "Smolnyanka" Levitsky. Keterwakilan (kesepadanan ciri sampel dengan ciri populasi atau populasi umum secara keseluruhan.) digantikan dengan keintiman, hiasan yang indah, permainan bentuk yang aneh.

Tema utama lukisan Rococo adalah kehidupan halus golongan bangsawan mahkamah, "pesta gagah", dunia hubungan cinta yang kompleks. Plot lukisan - hanya cinta, erotik, kultus keghairahan, cinta ringan (Tiada nafsu yang serius).

Seni Rococo ialah dunia fiksyen dan pengalaman intim, teater dekoratif, kecanggihan, kecanggihan yang canggih, tiada tempat untuk kepahlawanan dan kesedihan di dalamnya - mereka digantikan dengan permainan cinta, fantasi, pernak-pernik yang indah. Kesungguhan Baroque yang berat dan menyedihkan digantikan dengan kesan hiasan yang rapuh di dalam bilik. Slogan "abad" Rococo yang pendek dan singkat ialah "seni sebagai keseronokan", yang tujuannya adalah untuk membangkitkan cahaya, emosi yang menyenangkan, menghiburkan, membelai mata dengan corak garisan yang pelik, kombinasi indah cahaya elegan. warna, yang terutama dinyatakan dalam hiasan seni bina dalaman, dengan keperluan baru yang mana lukisan Rococo juga terbentuk. Rococo dicirikan oleh mood hedonistik, penarikan diri ke dalam dunia permainan teater ilusi dan indah, ketagihan kepada plot idilis-pastoral dan sensual-erotik. Artis Rococo dicirikan oleh budaya warna yang halus, keupayaan untuk membina komposisi dengan bintik-bintik hiasan yang berterusan, pencapaian cahaya umum, ditekankan oleh palet cahaya, keutamaan untuk warna pudar, kebiruan keperakan, emas dan merah jambu. Pada masa yang sama dengan pembangunan lukisan Rococo, peranan trend realistik meningkat; mencapai kemuncak potret, masih hidup, genre harian, landskap.

Estetika Rococo - estetika nuansa dan kiasan. Dalam imej seseorang, jauh lebih sukar daripada sebelumnya untuk menangkap peralihan dari ketenangan psikologi melihat model kepada penyembunyian ciri-ciri tertentu yang bermanfaat untuknya, dari wajah sebenar kepada topeng sekular, dari kehidupan kepada peranan dan sebaliknya. Dualiti imej yang menarik adalah ciri asas banyak potret era itu. Dan satu lagi perkara penting, sekali lagi berkaitan dengan permulaan permainan. Wira galeri potret abad XVIII bersedia untuk berkomunikasi dengan penonton dan menggalakkannya untuk bertindak balas. Ciri potret berdasarkan sifat genre, kualiti ini kini memperoleh kekhususan baru yang halus. Separuh pusingan, isyarat sedikit, pergerakan meniru yang agak ketara, senyuman separuh, seolah-olah pandangan kabur atau sinaran basah di mata - imej wakil zaman "gagah" ditenun daripada penggredan sedemikian.

Zaman gagah itulah yang dinamakan zaman Rococo. Secara umum, perkataan "gagah", menurut tradisi kesopanan lama, ditujukan kepada orang yang berbudi bahasa, berbudi bahasa, peramah, dikaitkan dengan bangsawan dan kesopanan; pada masa yang sama, mereka terpaksa melakukannya apabila ia datang kepada wira dan wirawati pengembaraan cinta (dalam amalan sehari-hari - teman lelaki, pita merah). Menjelang akhir abad ke-18, konsep kegagahan yang unik telah dibangunkan, bukan sahaja menunjukkan sfera sempit tingkah laku halus, tetapi, secara lebih luas, gaya dan cara hidup berdasarkan seni menjadi menyenangkan.

Penguasaan zaman "gagah" jatuh kira-kira dari 1715 hingga 1750-an, dalam beberapa sumber tempoh ini dilanjutkan sehingga permulaan Revolusi Perancis. Ciri utama zaman gagah ialah penanaman keseronokan sebagai prinsip utama kehidupan. Keberanian adalah asas hubungan antara seorang lelaki dan seorang wanita dari persekitaran bangsawan. Juga pada masa itu, seorang wanita diisytiharkan sebagai "dewi", "penguasa pemikiran", keinginannya dipenuhi, cuti diberikan untuk menghormatinya dan pada masa yang sama dia digunakan sebagai objek untuk keseronokan. Oleh itu, kami memanggil kultus Wanita Cantik tanpa melakukan apa-apa kejayaan untuk menghormatinya. Ia dianggap bentuk yang baik untuk mengekalkan kegemaran, memberikan bola, konsert dan penyamaran untuk menghormatinya. Asas perhubungan yang gagah adalah bercumbu yang indah, selalunya di luar batas kesopanan. Untuk tujuan ini, terdapat sistem komunikatif khas: "bahasa peminat", "bahasa lalat", "bahasa bunga".

Dalam Zaman Gallant, terdapat juga budaya penyamaran asli, yang tidak lagi mempunyai persamaan dengan karnival ritual zaman dahulu dan Zaman Pertengahan. Zaman Gallant dicirikan oleh kegemaran untuk berdandan. Banyak drama dan opera komik pada zaman itu memainkan situasi berikut: seorang gadis berubah menjadi kamisol, seorang lelaki muda "bertukar" menjadi seorang gadis.

Atas dasar masa ini, genre seperti adegan gagah dibentuk dalam seni halus dan hiasan.

Tempat kelahiran genre gagah ialah Perancis, di mana ia berasal pada suku pertama abad ke-18 (1710-1720). Sebab kejadiannya adalah perubahan dalam kehidupan sosial selepas kematian Louis XIV dan kenaikan pangkat Philip II dari Orleans, pemangku raja Louis XV. Tahun-tahun terakhir pemerintahan Louis XIV ditandai dengan penolakan semua jenis kesenangan, kemunafikan, penjimatan dan kesopanan, kekangan dalam fesyen. Dengan kedatangan Duke of Orleans, kehidupan mahkamah berubah secara dramatik, tiada apa yang tinggal dari zaman bekas raja: golongan bangsawan Perancis telah terjerumus ke dalam gelombang kesembronoan, kegilaan dan kemewahan.

Perubahan besar dalam minda istana diraja menyumbang kepada pembentukan genre baharu - adegan gagah, yang memaparkan kesembronoan dan hobi tanpa tujuan orang dari masyarakat tinggi.

Ciri gaya gagah

Adegan gagah sentiasa menggambarkan komunikasi kasual antara dua orang atau lebih berlatarkan landskap yang indah dan sangat cantik. Ia boleh menjadi perbualan, bercumbu, bermain, berjalan, menari. Wira lukisan, seperti alam semula jadi, yang menentang tindakan yang tidak tergesa-gesa, sentiasa cantik dan harmoni (dari sudut pandangan pelanggan "adegan gagah" - bangsawan).

Untuk tujuan ini, sebaik mungkin, gaya Rococo yang muncul pada era Regency adalah sesuai - sopan, aneh dan lapang.

Wira lukisan, sebagai peraturan, tidak mempunyai prototaip sebenar: ini bukan potret individu tertentu, tetapi hanya tambahan menarik dari "perayaan gagah". Adegan gagah itu tidak mempunyai plot tertentu, iaitu aksi dalam perkembangannya. Prinsip utama tuan pentas gagah adalah gambaran orang yang idealnya cantik dalam suasana yang tenang dan kebahagiaan mutlak. Malah kebimbangan atau sedikit rasa tidak senang dalam adegan gagah kelihatan pura-pura dan palsu. Kadang-kadang apa yang dipanggil pastoral, tema "cinta gembala" juga dirujuk kepada adegan gagah: gembala elegan menerima pacaran daripada gembala canggih yang sama.

Kekurangan plot ini, serta menghiasi alam, dikritik dengan tajam oleh ahli falsafah Pencerahan.

Denis Diderot menulis bahawa lukisan "gagah" Francois Boucher adalah elegan, bagaimanapun, menipu dan tidak mempunyai rasa, dan Marmontel percaya bahawa "Boucher tidak melihat rahmat sebenar."

Satu lagi ciri adegan gagah ialah kesembronoan, erotisme, yang wujud bukan sahaja dalam seni, tetapi juga dalam pandangan dunia bangsawan Zaman Gallant.

Artis yang bekerja dalam genre ini termasuk Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, Maurice Quentin de Latour.

Bagi artis Rusia, ini termasuk "Dunia Seni" - Konstantin Somov, Evgeny Lansere dan Alexander Benois, yang mencipta imej yang hebat, dan, pada masa yang sama, imej sedih Zaman Gallant. Dalam lukisan mereka, seseorang dapat merasakan kesedihan orang yang mengetahui nasib Marie Antoinette dan orang istananya yang halus. Siri "Versailles" Benois, "The Book of the Marquise" karya Somov, karya retrospektif dan gaya Lansere tidak meneruskan tugas untuk membina semula masa lalu - ia adalah pandangan seseorang abad ke-20 tentang dunia bola yang cerah dan cuai dan gambar cinta "Dunia Seni" memberikan idea yang sangat ideal tentang era, tetapi dari sini mereka tidak menjadi kurang penting untuk seni.

Idea keteraturan dunia yang munasabah, keindahan alam semula jadi, cita-cita moral

Refleksi objektif dunia sekeliling

Keinginan untuk kejelasan keharmonian yang munasabah, kesederhanaan yang ketat

Pembentukan rasa estetik

Kekangan dan ketenangan dalam manifestasi perasaan

Rasionalisme dan logik dalam tindakan

Rococo ialah...

gaya dalam seni abad ke-18, ciri ciri yang merupakan kecenderungan untuk bentuk yang indah dan kompleks, garis pelik, mengingatkan siluet cangkang.

43. Rocaille ialah…… elemen utama hiasan gaya Rococo, mengingatkan bentuk keriting cangkerang dan tumbuhan yang aneh.

44. Mascaron ialah .... sejenis hiasan arca bangunan berbentuk kepala manusia atau haiwan muka penuh

45. Sentimentalisme ialah... Ini adalah trend dalam kesusasteraan dan seni pada separuh kedua abad ke-18, yang dicirikan oleh peningkatan minat terhadap perasaan manusia dan sikap emosi terhadap dunia sekeliling, di mana cinta kepada manusia dan alam semula jadi diutamakan.

Antara struktur seni bina klasikisme yang cemerlang yang manakah dipanggil "Impian Dongeng"

Kediaman raja-raja Perancis di pinggir Paris ialah Istana Versailles.

47. Prinsip perancangan bandar dalam era klasikisme:

Penciptaan bandar yang ideal dengan bangunan yang dibuat mengikut pelan tunggal. Ensemble bandar direka bentuk dalam bentuk segi empat sama atau segi empat tepat dalam pelan. Di dalamnya, sistem jalan berbentuk segi empat tepat atau bulat jejari dengan dataran bandar di tengah dirancang.

48. Mengapakah karya N. Poussin digelar kemuncak klasikisme dalam seni lukis?

N. Poussin - pengasas gaya klasikisme. Beralih kepada tema mitologi kuno, sejarah kuno, Alkitab, Poussin mendedahkan tema era kontemporarinya. Dengan karya-karyanya, beliau melahirkan personaliti yang sempurna, menunjukkan dan menyanyikan contoh-contoh moral yang tinggi, kehebatan sivik.

N. Poussin

49. Apa yang menyatukan tuan terbesar "genre gagah"- A. Watteau dan F. Boucher

Dunia percintaan dan kehidupan yang kompleks dengan latar belakang alam semula jadi.

Namakan komposer klasikisme Wina.

A - Joseph Haydn, B - Wolfgang Mozart, C - Ludwig van Beethoven

A B S

51. Simfoni ialah ...(konsonan) karya untuk orkestra simfoni, terdiri daripada 4 bahagian, di mana bahagian pertama dan terakhir mempunyai kekunci yang sama, dan bahagian tengah ditulis dalam kekunci yang berkaitan dengan kunci utama, yang ditentukan

Mungkin, dalam setiap gaya dan genre seni halus, seseorang boleh menamakan wakilnya yang merupakan personifikasi mereka. Jadi, sebagai contoh, Michelangelo dan Raphael berjaya dalam lukisan Renaissance, Peter Paul Rubens dalam Baroque, Gustav Klimt dan Alfons Mucha dalam Art Nouveau. Dan jika kita bercakap tentang seni halus Rococo, maka pertama sekali nama tuan seperti Antoine Watteau dan Francois BOUCHER diingati.

Antoine WATTO

Francois BOUCHER

Lukisan Rococo dan tuan yang paling terkenal dalam gaya ini didedikasikan untuk jawatan ini, yang saya cadangkan kepada semua pencinta seni. Tema utama lukisan Rococo adalah kehidupan indah golongan bangsawan istana, "perayaan gagah", gambar indah kehidupan "gembala" berlatar belakangkan alam semula jadi yang asli (apa yang dipanggil lukisan pastoral. Ingat permaidani "Shepherdess", seolah-olah tergantung di rumah primata bangsawan, Ippolit Matveyevich Vorobyaninov, tentang mana dia berpura-pura mengingati Ostap Bender yang tidak dapat dilupakan ketika dia bertemu dengan arkivis Korobeinikov?), dunia hubungan cinta yang kompleks dan alegori yang bijak.

Kehidupan seseorang adalah singkat dan sekejap, jadi anda perlu menangkap "saat gembira", tergesa-gesa dan rasa - begitu banyak bangsawan Perancis abad ke-18 percaya, jauh dari idea ahli falsafah Pencerahan, yang menghampiri apa yang berlaku pada tahun 1789. . Terperangkap dalam hedonisme dan epikureanisme, mereka tidak dapat menawarkan hampir sebarang penentangan terhadap gelombang revolusioner yang menghanyutkan kedua-dua mereka dan dunia "keseronokan halus" yang biasa mereka kenali. Dan ia sama sekali tidak disengajakan bahawa selepas Revolusi Perancis 1789 dan keganasan Jacobin, seni sekali lagi berubah tajam, akibatnya gaya seperti Empayar muncul.

By the way, bukankah beberapa persamaan sejarah jelas?

Dalam catatan sebelum ini tentang gaya Rococo, saya sudah menulis bahawa Art Nouveau boleh dianggap sebagai penggantinya dalam lebih daripada satu abad. Populariti luar biasa Art Nouveau di Rusia pada awal abad ke-20 dalam segala-galanya daripada seni bina dan seni halus kepada kesusasteraan dan fesyen sebahagian besarnya disebabkan oleh hedonisme yang sama pada masa ini oleh golongan bangsawan dan cerdik pandai Rusia (lagipun, abad ke-20, bukan ke-18). Di samping itu, terdapat juga dekadensi, sangat bergaya di kalangan belia Rusia pada awal abad ke-20. Penyair M. Kuzmin, yang di Rusia pada awal abad yang lalu menyanyikan "semangat perkara kecil yang indah dan lapang", pastinya berada dalam gelombang semantik yang sama dengan perempuan simpanan Louis XV, Marquise Pompadour, yang mengisytiharkan: " Selepas kita, sekurang-kurangnya banjir."

Seperti yang diketahui, Perancis pra-revolusi mahupun Rusia pra-revolusi tidak lama datang untuk "banjir" ini. Dan hakikat bahawa pada akhirnya di USSR, selepas eksperimen dengan konstruktivisme dalam semangat Corbusier, gaya eklektik pada dasarnya yang dipanggil "gaya Empayar Stalinis" berjaya, juga bercakap banyak (walaupun, sudah tentu, apa yang dipanggil "Empayar Stalinist gaya", dengan dari segi seni bina, bukan Empayar).

Walau bagaimanapun, ini membawa saya sedikit ke dalam keselarian budaya-sejarah. Mari kita kembali kepada lukisan Rococo, iaitu, ke abad ke-18.

Bagi kebanyakan pelukis rococo, Venus, Diana, nimfa dan cupid membayangi semua dewa lain dalam mitologi purba, apatah lagi subjek Kristian, yang diabaikan sama sekali. Segala macam "mandi", "tandas pagi" dan keseronokan segera kini hampir menjadi subjek utama imej.

Nama warna eksotik menjadi fesyen: "warna paha nimfa yang ketakutan" (daging), "warna mawar yang terapung dalam susu" (merah jambu pucat), "warna masa yang hilang" (biru), dll. Difikirkan dengan jelas, gubahan klasikisme yang mantap memberi laluan kepada corak yang anggun dan canggih.

Antoine WATTO (1684 - 1721) sezaman memanggilnya "seorang penyair masa lapang yang cuai", "seorang penyanyi keanggunan dan kecantikan". Dalam karyanya, dia merakam perkelahan di taman malar hijau, konsert muzik dan teater di pangkuan alam semula jadi, pengakuan ghairah dan pertengkaran kekasih, tarikh indah, bola dan penyamaran. Pada masa yang sama, terdapat kesedihan yang mendalam dalam lukisannya, rasa keindahan yang sementara dan sifat fana dari apa yang berlaku.

Tetapi lukisan oleh Antoine Watteau ini, yang dicipta pada tahun 1720 sebagai tanda untuk persembahan pelawak jelajah, adalah karya sebenar beliau. Ia dikenali sebagai Gilles.

Gilles adalah salah satu watak utama komedi Perancis topeng, konsonan dengan Pierrot, wira komedi Itali dell'arte. Makhluk yang kekok, naif, seolah-olah dicipta khas untuk ejekan dan helah berterusan Harlequin yang tangkas dan licik. Dalam pose pelawak yang tidak masuk akal, berdiri sesat dan tidak bergerak di hadapan penonton, seseorang dapat merasakan pencariannya yang sia-sia untuk teman bicara yang dapat mendengar dan memahaminya. Tetapi sia-sia. Dalam kepenatan dan kesedihan penampilan badut itu, terbayang kesunyian seseorang yang terpaksa menghiburkan dan menghiburkan penonton yang bosan. Dalam gambar ini, Antoine Watteau nampaknya telah mencuba untuk mengatasi adat hedonistik yang berlaku dalam masyarakat kontemporarinya, iaitu kehebatan bakatnya.

"Gilles" - karya utama Antoine Watteau, yang meninggal dunia pada usia 36 tahun, telah ditulis olehnya sejurus sebelum kematiannya. Saya rasa komen tentang perkara ini tidak perlu.

Francois BOUCHER (1703 - 1770) menganggap dirinya pelajar setia Antoine Watteau. Ada yang memanggilnya "seniman rahmat", "Anacreon lukisan", "pelukis diraja". Yang kedua melihat dalam dirinya "seorang artis - seorang munafik", "yang mempunyai segala-galanya kecuali kebenaran." Yang lain dengan ragu-ragu berkata: "Tangannya mengumpulkan bunga mawar di mana yang lain hanya mendapati duri."

François Boucher melukis beberapa potret upacara perempuan simpanan terkenal Louis XV Marchioness Pompadour yang menaungi artis itu.

Imej marquise yang paling terkenal oleh F. Boucher ialah lukisan "Puan de Pompadour" 1756, di mana heroin itu dipersembahkan dikelilingi oleh objek yang mengingatkan citarasa artistik dan hobinya. Pada masa yang sama, buku di tangannya adalah petunjuk yang jelas tentang pencerahan dan komitmen terhadap usaha intelektual ("Selepas kita, sekurang-kurangnya banjir!". Ingat? Dia juga seorang intelektual dan penyokong pendidikan !!!)

Marquise of Pompadour dengan murah hati mengucapkan terima kasih kepada artis itu, mula-mula melantiknya sebagai pengarah kilang permaidani (baik, jika tidak, dari mana permaidani terkenal "Shepherdess" berasal?), Dan kemudian presiden Akademi Seni, memberinya gelaran " pelukis pertama raja."

Di samping memenuhi perintah mahkamah diraja Perancis, François Boucher sentiasa beralih kepada menggambarkan semua jenis adegan remeh, watak utama yang comel, gembala pemalu atau wanita telanjang gemuk dalam bentuk Venus dan Diana mitologi.

Lukisannya penuh dengan petunjuk yang samar-samar, perincian yang menarik (labuh skirt gembala yang terangkat, kaki Diana yang sedang mandi, jari ditekan ke mulut, pandangan yang fasih, mengundang, anak domba berpaut pada kaki kekasih, mencium burung merpati, dsb.).

Francois Boucher tahu fesyen dan cita rasa zamannya dengan baik!

Dalam sejarah lukisan dunia, Francois Boucher masih kekal sebagai ahli warna yang mengagumkan dan lukisan yang indah, yang lukisannya memanggil dunia kebahagiaan, cinta dan impian yang indah.

"Genre gagah" - lukisan Rococo

Sarjana "genre gagah" ROCOCO ("pelik", "berubah-ubah"; rococo Perancis dari rocaille - serpihan batu, cengkerang), aliran gaya yang menguasai seni Eropah pada tiga suku pertama abad ke-18. Ia bukanlah satu fenomena seni yang bebas melainkan satu fasa, satu peringkat tertentu gaya Baroque pan-Eropah. Istilah "rococo" timbul di Perancis pada penghujung abad ke-18, semasa zaman kegemilangan klasikisme, sebagai nama samaran yang menghina untuk semua seni bersopan dan berlagak abad ke-18: garis melengkung, berubah-ubah menyerupai garis luar cangkerang adalah ciri utama. Seni Rococo ialah dunia fiksyen dan pengalaman intim, teater dekoratif, kecanggihan, kecanggihan yang canggih, tiada tempat untuk kepahlawanan dan kesedihan di dalamnya - mereka digantikan dengan permainan cinta, fantasi, pernak-pernik yang indah. Tema utama lukisan Rococo adalah kehidupan indah golongan bangsawan istana, gambar indah kehidupan "gembala" berlatarbelakangkan alam semula jadi, dunia percintaan yang kompleks dan kiasan yang bijak. Kehidupan manusia adalah serta-merta dan sekejap, dan oleh itu adalah perlu untuk menangkap "saat gembira", tergesa-gesa untuk hidup dan merasai. "Semangat perkara kecil yang menawan dan lapang" menjadi motif utama karya ramai artis "gaya diraja.

Antoine Watteau Antoine Watteau - sezaman yang dipanggil "penyair masa lapang yang riang" dan "perayaan gagah", "penyanyi keanggunan dan keindahan." Dalam karyanya, dia merakam perkelahan di taman malar hijau, konsert muzik dan teater di pangkuan alam semula jadi, pengakuan ghairah dan pertengkaran kekasih, tarikh indah, bola dan penyamaran. Pada masa yang sama, terdapat kesedihan yang mendalam dalam lukisannya. Merasakan keindahan dan kefanaan dari apa yang berlaku.

Antoine Watteau. Ziarah ke pulau Cythera. 1717-1718 Louvre. Paris. Salah satu lukisan artis terkenal ialah Ziarah ke Pulau Cythera. Puan-puan menawan dan puan-puan yang gagah perkasa berkumpul di pantai teluk laut yang dipenuhi bunga. Mereka belayar ke pulau Cythera - pulau dewi cinta dan kecantikan Venus, di mana, menurut legenda, dia keluar dari buih laut. Warna hangat, lembut, warna yang diredamkan, sapuan berus ringan - semua ini mewujudkan suasana pesona dan kasih sayang yang istimewa.

Lukisan oleh Watteau "Gilles" ("Pierrot"), yang dicipta sebagai papan tanda untuk persembahan pelawak jelajah, adalah milik shedaura yang tulen. Gilles ialah watak utama dan kegemaran topeng komedi Perancis. Konsonan dengan Pierrot - wira dell'arte komedi Itali. Makhluk kekok dan naif itu nampaknya telah dicipta khas untuk ejekan dan helah berterusan Harlequin yang tangkas dan licik. Secara artistik, gambar itu ditulis dengan cemerlang. Kesederhanaan muktamad motif dan komposisi digabungkan di sini dengan corak yang tepat dan skema warna yang difikirkan dengan teliti. Antoine Watteau. Gilles. 1721. Louvre. Paris. (Wira teater pameran Gilles dalam kostum Pierrot).

Antoine Watteau. pelawak Itali.

Antoine Watteau. Pelakon teater Perancis.

Antoine Watteau. Cinta gamma.

Antoine Watteau. berubah-ubah. Sekitar tahun 1718. Pertapaan. Petersburg.

Antoine Watteau. Mezzetin. 1717-1719 Muzium Metropolitan. New York.

Antoine Watteau. Savoyard dengan marmot.

Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) menganggap dirinya seorang pelajar setia Watteau. Ada yang memanggilnya "seniman rahmat", "Anacreon lukisan", "pelukis diraja". Orang lain melihatnya sebagai artis "munafik", "yang mempunyai segala-galanya kecuali kebenaran." Yang lain dengan ragu-ragu berkata: "Tangannya memetik bunga mawar di mana orang lain hanya menemui duri."

Berus artis adalah milik beberapa potret perempuan simpanan Raja Louis XV, Marquise de Pompadour. Adalah diketahui bahawa dia melindungi Bush, lebih daripada sekali memerintahkannya melukis mengenai subjek agama untuk kediaman desa dan rumah agam Paris. Di Madame de Pompadour, heroin itu digambarkan dikelilingi oleh bunga bertaburan dan objek mewah, mengingatkan citarasa seni dan hobinya. Dia bersandar anggun berlatar belakangkan tirai yang rimbun dan khusyuk. Buku di tangannya adalah petunjuk yang jelas tentang pencerahan dan komitmen terhadap usaha intelektual. Marquise mengucapkan terima kasih kepada artis itu. Melantiknya pengarah Kilang Gobelin, dan kemudian memberinya gelaran "pelukis pertama raja." Francois Bush. Puan de Pompadour. 1756 Old Pinoteka, Munich.

Francois Boucher lebih daripada sekali beralih kepada gambaran adegan remeh, watak utama yang comel, gembala gembala pemalu atau gadis telanjang gemuk dalam bentuk Venus dan Diana mitologi. Lukisannya penuh dengan petunjuk yang samar-samar, perincian yang menarik (labuh skirt satin gembala yang terangkat, kaki Diana yang sedang mandi, jari ditekan ke bibir, pandangan yang fasih, mengundang, simbolik mencium burung merpati, dll.) artis tahu fesyen dan cita rasa zamannya dengan baik! Francois Bush. Memandikan Diana. . 1742. Louvre. Paris.

Dalam sejarah seni lukis, Francois Boucher masih kekal sebagai pakar warna dan lukisan yang mengagumkan. Gubahan jenaka, sudut watak yang luar biasa, siluet pelik dengan pemandangan hampir teater, aksen warna yang kaya, pantulan terang warna lutsinar yang digunakan dalam sapuan kecil, ringan, irama yang mengalir lancar - semua ini menjadikan F. Boucher seorang ahli lukisan yang tiada tandingan. Lukisannya bertukar menjadi panel hiasan, menghiasi bahagian dalam dewan dan ruang tamu yang subur, mereka memanggil dunia kebahagiaan, cinta dan impian yang indah. Francois Bush. Mimpi terganggu.

Francois Bush. Kuali dan Syringa.

FRAGONARD Jean Honore Pelukis dan pengukir Perancis, pakar terhebat era Louis XVI. menjadi terkenal dengan adegan-adegan gagah dan hariannya yang dieksekusi dengan mahir, di mana keanggunan rococo digabungkan dengan kesetiaan kepada alam semula jadi, kehalusan kesan cahaya dan udara, dan runtuhan purba yang megah. Bersama-sama dengan karya-karya yang dicipta berdasarkan pemerhatian sebenar, dia juga mencipta pastoral - membuat improvisasi, dia menghasilkan semula adegan itu dengan rancak yang seolah-olah ditulis dari alam semula jadi. FRAGONARD Jean Honore

Fragonard. Kekasih bermahkota.

Fragonard. Ciuman curi

Fragonard. Psyche menunjukkan kepada adik-beradik hadiah Cupid.

Honore Fragonard. "Ayunan" 1766.

Fragonard. Pelajaran muzik

ENGRE Jean Auguste Dominique (1780-1867), pelukis dan pelukis Perancis. Ahli komposisi yang cemerlang, lukisan yang ketat dan halus, potret yang jujur ​​dan berkarakter tajam (“L. F. Bertin”, 1832). Dalam lukisan itu dia bertindak sebagai wakil utama klasikisme akademik (The Apotheosis of Homer, 1827). Pada tahun 1806, Ingres akhirnya mengembara ke Itali, di mana dia tinggal selama bertahun-tahun (1806-20 - Rom, 1820-24 - Florence), dengan penuh semangat mempelajari seni Renaissance Itali, terutamanya Raphael. Mencipta beberapa karya: potret "Granet" (1807, Aix-en-Provence); "Madame Devose" (1807, Muzium Condé, Chantilly); Marcotte d'Argenteuil (1810, Galeri Nasional, Washington); Cardier (1811, Louvre, Paris); Madame Zenon (1816, Muzium di Nantes); Gurieva (1821, Muzium Hermitage, St. Petersburg) Louis David Potret Pelukis Ingres sekitar 1800 Muzium Pushkin Moscow

Ingres. Odalisque besar. 1814 Minyak, kanvas. Louvre, Paris.

Ingres. Suatu punca

Ingres. Potret Count Guriev. 1821. Minyak, kanvas. Hermitage, Petersburg

Patung hiasan dan seni gunaan Rococo Meissen.

Perabot rococo

Perabot rococo. Istana Musim Sejuk. Saint Petersburg.

Soalan dan tugasan: A. Watteau seorang pelukis kegembiraan dan kesedihan. "Artis Anugerah" - F. Boucher. Seni hiasan dan gunaan Rococo. Tulis sebuah esei tentang topik “Apakah yang boleh diimpikan dan dibincangkan oleh wira-wira lukisan Antoine Watteau.

4. Lukisan Zaman Gallant

Lukisan "Gallant" di Perancis wujud selari dengan aliran Roman-Hellenistik dan awal, asalnya dari sekolah Scotland, romantisme dan dikuasai sehingga Revolusi Perancis.

Kehidupan artistik kemudiannya mula terbentuk dalam bidang lukisan dalam bentuk-bentuk di mana ia memanifestasikan dirinya sehingga kini. Akademi, pameran, kritikan seni mula mempunyai pengaruh yang besar terhadap pembangunan artistik percuma. Bersama dengan Akademi Diraja, yang menarik pasukan terbaik, Akademi St. Luke di Paris, berubah daripada bengkel lama pelukis, jarang boleh bermegah dengan nama yang cemerlang; dan bersama-sama dengan akademi Paris, sekolah seni tinggi wilayah, yang mana akademi di Toulouse, Montpellier dan Lyon mengambil tempat pertama, boleh, sebagai peraturan umum, hanya memenuhi keperluan artistik tempatan. Hanya "dipinjamkan" ke Akademi Diraja di Paris yang mempunyai hak untuk mempamerkan di "Salon" Louvre; beberapa tahun kemudian, selepas pembentangan "gambar untuk hak untuk menerima", mereka menerima gelaran ahli akademik biasa. Walau bagaimanapun, akademi ini tidak layak mendapat celaan sebagai berat sebelah. Dia menerima antara ahlinya Claude Gillot, guru Watteau, sebagai "pelukis mata pelajaran bergaya", Watteau sendiri sebagai "pelukis perayaan", Greuze sebagai "pelukis genre"; artis lain ditetapkan dalam senarainya sebagai pelukis landskap, pelukis haiwan, bunga, dll. Bersama dengan pameran akademik di "salon persegi" dan di "galeri hebat" Louvre, yang kerap diulang dari 1737 dan mencapai tahap tertinggi had pada tahun 1789, juga dan akademi St. Luke, dan Kesatuan Belia menganjurkan pameran mereka sendiri.

Daripada semua pelukis yang mengikuti "kanon gagah", secara tradisinya terdapat beberapa tokoh yang paling penting.

5. Jean-Marc Nattier (1685-1766)

Nattier adalah salah seorang pelukis "gagah" tertua, dan dalam karyanya arah yang diterangkan sedikit sebanyak menunjukkan dirinya.

Dilahirkan dalam keluarga artis: bapanya Mark adalah seorang pelukis potret, ibunya Marie Courtois melukis miniatur, dan abangnya Jean-Baptiste terlibat dalam mencipta lukisan berdasarkan motif sejarah.

Jean-Marc Nattier menerima pelajaran lukisan pertamanya daripada bapanya, kemudian menghadiri kursus lukisan di Royal Academy. Pada usia lima belas (!) Nattier telah dianugerahkan hadiah seni pertama Akademi Paris.

Pada tahun 1717, Nattier pergi ke Belanda, bertemu Peter I di Amsterdam dan melukis potret Tsar dan Permaisuri Rusia Catherine. Peter menjemput Nattier meninggalkan Perancis dan pergi bersamanya ke Rusia, tetapi, merujuk kepada cintanya terhadap tanah airnya, artis itu menolak cadangannya. Jean-Marc Nattier menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Paris.

Jean-Marc Nattier ialah pencipta gaya lukisan baharu - potret sejarah (sejarah potret Perancis), terutamanya menggambarkan tokoh terkenal masa lalu Perancis.

Untuk St. Petersburg, "Putera A.B. Kurakin", "Tsar Peter I", "Catherine I" telah dibuat. Di dalamnya, serta dalam "Madame de Pompadour yang terkenal sebagai Diana the Huntress", ciri-ciri tersebut sudah muncul sebagai idealisasi penampilan mereka yang digambarkan, menggambarkan dalam imej seorang pahlawan atau tuhan purba (potret kostum), kelembutan warna. Ciri-ciri psikologi watak, yang dinyatakan secara langsung atau dengan simbolisme, hilang. "Wajah era" - seseorang dengan ekspresi damai yang tidak mencerminkan dunia dalamannya (yang, bagaimanapun, artis itu tidak berjaya atau tidak mahu capai dalam "Puteri ED Golitsyna", menyatakan narsisisme gadis itu yang jelas) ; dalam aspek ini seseorang dapat melihat sisi negatif gaya baru: "Rocaille" yang lapang tidak memerlukan refleksi yang bernas.

6. Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Watteau adalah salah seorang artis yang paling terkenal dalam sejarah seni dunia dan merupakan pakar terbesar "genre gagah". Kepelbagaian perasaan dan watak yang disampaikan oleh lukisannya (dan ini tidak menjejaskan "kesatriaan" yang sangat mudah yang dihargai oleh sezamannya!) sering bertentangan dengan karya Rococo yang "tidak berfikiran" (terutamanya karya F. Bush, menurut ahli falsafah pendidikan, "jauh dari kehidupan").

Watteau datang ke Paris pada tahun 1702 dari utara Perancis, dari Valenciennes, tempat dia pernah dilahirkan dalam keluarga roofer. Dari 1703 hingga 1708 Watteau bekerja di bengkel Claude Gillot, menyalin dan menggambarkan plot komedi Itali. Dari peringkat penting ini dalam pembentukan kreatif artis, hanya satu bukti bergambar yang terselamat - lukisan Moscow "Satire on Doctors".

Pada tahun-tahun berikutnya, Watteau mencuba dirinya dalam genre yang berbeza, kronologi kontroversi beberapa karya yang masih hidup dalam tempoh ini tidak membenarkan kita membuat kesimpulan yang pasti tentang evolusi minatnya, tetapi caranya menjadi lebih bebas, sapuan berus lebih segar dan ringan. .

Sejak 1710, selepas perjalanan singkat ke Valenciennes, Watteau sekali lagi tinggal di Paris, dalam suasana lukisan, muzik dan teater yang sangat dicintainya. Antara kawan rapatnya ialah penulis dan editor Mercurius Antoine de la Roque Perancis, peniaga lukisan, bingkai dan kaca Gersin dan Sirua, pelakon komedi Itali, penyair dan pemuzik.

Dibentuk di luar sistem akademik yang dikawal ketat, Watteau dengan tenang mempertimbangkan dan memilih cerita-cerita yang membawanya pergi, tidak mempedulikan hierarki genre, dengan bebas menyerah kepada kehendak perasaan dan fantasi. Dia tidak suka bekerja untuk memesan, lebih suka kebebasan reka bentuk dan permainan imaginasi. Dia melukis landskap, menyamar dalam semangat Gillo, potret pelakon Itali, bercuti di taman, lebih mementingkan suasana hati, kekayaan emosi dan indah adegan itu, daripada tentang persamaan potret yang teliti atau kemegahan yang sungguh-sungguh. Pengaruh "seni gagah" kepadanya telah diberikan agak lewat daripada Nattier, dan oleh itu dia diberikan dalam karya ini lebih lewat daripada yang terakhir.

Ciri-ciri psikologi yang halus tetapi jelas dapat dikesan dalam potretnya, seperti "Potret Encik Pater". Jadi, di atasnya kita memerhatikan seorang yang sangat tertumpu, tidak melihat ke arah penonton, seorang lelaki Inggeris - seorang wakil rakyat yang sederhana kaku dari negaranya. Potret arca wanita yang digambarkan di bahagian bawah kanan gambar, nampaknya, menunjukkan pekerjaan lelaki itu - dia adalah seorang pengukir.

Perkara yang sama, tetapi pada skala mood sejagat yang merangkul ramai orang sekaligus, kita lihat dalam "perayaan gagah" yang terkenal: "Ziarah ke pulau Cythera" dan "Feast of Love".

Harus dikatakan bahawa Watteau menggambarkan semua kelas Perancis, dan tidak kurang meyakinkan daripada potret bangsawan, kedua-dua "Savoyar dengan Marmot", dan "Gilles" (pemuzik pengembaraan), dan banyak pengembara, pekerja, petani - watak lakaran perjalanan - orang dari mana Watteau berasal.

Watteau lebih suka melukis kuda-kuda, tetapi dia juga mahir dalam seni hiasan, dia sendiri membuat panel hiasan untuk bahagian dalam rumah agam, pintu kereta dicat, harpsichord dan kipas, yang mempengaruhi hiasan seni bina rococo.

Kedua-dua karya hiasan dan kanvas besar dibezakan oleh ciri-ciri tipikal Watteau: lukisan yang menakjubkan, bergetar dan lembut, julat terbaik mood sekejap, penggunaan teknik lukisan dalam lukisan (lihat kajian mahkota pokok dalam "Capricious"), komposisi virtuoso kemahiran.

7. Francois Boucher (1703-1770)

"Kezalimannya harus memikat wanita, wanita yang tidak berguna, pemuda, orang cahaya, yaitu semua orang yang asing dengan rasa sejati, kebenaran"

Francois Boucher dilahirkan di Paris dalam keluarga artis Nicolas Boucher, yang menghantarnya untuk belajar dengan rakannya Francois Lemoine.

Pada usia tujuh belas, Boucher memasuki bengkel pengukir Jean-Francois Kars, yang membolehkannya mencari nafkah sendiri, serta membuat hubungan yang berguna - dengan pelanggan berpangkat tinggi mentornya.

Menerima gelaran kepujian pertama - Hadiah Akademik - untuk tesis. Selepas ini, Boucher adalah penganut cara penulisan yang sangat licin, agak "licin", yang menggembirakan rakan sezamannya dan dengan jelas membezakannya daripada Watteau. Penyertaan pada 1722-1723 dalam penciptaan etsa untuk "Koleksi Julien", di mana semua karya pendahulu yang terkenal diterbitkan semula dalam ukiran, membolehkannya berkenalan dengan karya artis ini, untuk mempelajari teknik gubahannya.

Pada tahun 1723 - Hadiah Rom. Dalam perjalanan ke Itali, artis muda mempelajari gaya chiaroscuro lembut Cortona, permulaan bergambar Lanfranco dan Tiepoli yang kukuh, bagaimanapun, tidak menerima kontras yang mendalam dan dinamisme komposisi karya dua yang terakhir pada akar - semua ini berlaku bertentangan dengan cita rasa mahkamah Perancis. Dalam semua karyanya, Boucher menunjukkan kecenderungan untuk tidak mewarnai kepelbagaian, tetapi menggunakan bintik-bintik tempatan yang besar, tetapi dengan peralihan yang indah di antara mereka. Landskap "Pemandangan Tivoli" (Muzium Seni dan Seni Bina, Boulogne-sur-Mer) dan "Pemandangan Taman Farnese" (Muzium Seni Metropolitan, New York) adalah berdasarkan teraan Itali.

Bersama dengan pengiktirafan dan kemasyhuran, Bush juga menerima banyak tempahan untuk karya seni hiasan dan gunaan, yang tidak meninggalkannya sehingga akhir hayatnya.

Dalam karya lanjut Bush, dua perkara harus diperhatikan. Yang pertama ialah penambahbaikan lagi teknik lukisan, menguasai teknik penggayaan di bawah gaya barok ekspresif G. Tiepolo ("Teaching Cupid", "Leda and the Swan" dan banyak lagi karya lain mengenai tema mitologi), di bawah porselin ("Venus menghiburkan Cupid", "Jupiter bertopengkan Diana, menggoda Callisto"). Dan yang kedua - kebolehubahan komponen ideologi karyanya, yang sama agak berlebihan "kesatria" yang Voltaire dan Diderot memarahi gayanya. Ciri psikologi dan emosi Bush sama sekali tidak ada, tempatnya diambil oleh sikapnya sendiri terhadap yang digambarkan melalui ciri-ciri yang tidak rumit. Jadi, dalam "Visit of Venus to Vulcan" artis tidak kurang daripada yang terakhir terpesona oleh heroin, dan ini disampaikan melalui keanggunan gaya berjalannya dan pusingan kepala kerintingnya (dan adakah Venus benar-benar lebih fesyen Boucher moden). Beberapa ketidakupayaan Boucher (dan mungkin juga keengganan, yang konsisten dengan citarasa mahkamah) terhadap psikologi dalaman karya-karyanya menghilangkan drama adegan seperti "Pan dan Syringa" dan "Jupiter dalam samaran Diana, menggoda Callisto" , yang tergolong dalam cerita dengan plot tragis. Namun begitu, dalam kebanyakan kes, karyanya dilihat bukannya sebagai gambar yang cantik, tetapi sebagai kanvas yang santai, sebagai contoh rahmat.

Dalam kepelbagaian genre dunia Bush, beberapa perkara harus diberi perhatian.

Pertama, yang merupakan ciri yang sangat diperlukan dalam karyanya, idealisasi penampilan mereka yang digambarkan, kebanyakannya wanita (satu siri potret Madame de Pompadour, "Potret Madame Bergeret"). Kedua, pemodenan wajah dewi purba dalam karya mitologi (yang paling menunjukkan dalam hal ini ialah lukisan "Toilet of Venus" pada tahun 1751: keriting abu gelap, bergaya pada masa artis, berbentuk badam, mata yang sedikit juling. , mulut-hati, badan kecil - dan sudah saya tidak percaya bahawa kita mempunyai watak dari mitologi purba). Semua ini bercakap tentang pengaruh pengarang genre potret-negara yang tersebar luas pada masa itu, salah satu tokoh utama yang dia sendiri, sebenarnya, adalah. Bersama-sama dengan beberapa siri "odalisques" (potret gadis muda dalam keadaan bogel), yang mana "odalisque berambut gelap" pada tahun 1745 dan "odalisque berambut perang" tahun 1752 menonjol, semua ini menunjukkan kepentingan kecantikan wanita. dan seksualiti dalam karya Bush (walau bagaimanapun, tidak pernah hampir dengan kekasaran).

Dan perkara ketiga adalah agak rata dan "teater", pada pendapat ramai pelukis seterusnya, pendekatan Boucher terhadap landskap (yang, dengan cara itu, adalah perkara biasa bagi kebanyakan artis ketika itu). "Adegan" dan "tirai"nya terserlah dengan jelas; pada tahap yang lebih rendah, ini hanya muncul dalam landskap "Itali" awalnya. Walaupun tahap penghuraian tumbuh-tumbuhan dan seni bina (lihat "Lanskap di sekitar Beauvais", "Mill", "Melintasi jambatan"), landskap Boucher didiami oleh kakitangan yang sama sekali tidak benar, petani "nya" "bangsawan, lembu jantannya - bahawa Zeus sebelum penculikan Eropah ", dan cuaca adalah hari yang tenang, sedikit mendung, dan tanpa mengira lokasi yang digambarkan. Walaupun fakta bahawa kerja utama pada landskap dengan Boucher, seperti semua pelukis lain pada zamannya, telah dijalankan di studio, "pendekatan teater gagah" yang sama tidak pernah membenarkan tuan untuk mencapai rasa realiti tempat (tugas yang dia hadapi, sepanjang penglihatan, dan tidak ditetapkan). "Perancisnya adalah 'Arcadia kecil', jauh dari realiti tetapi cantik."

Hampir tiada dalam karya itu dikatakan tentang adegan genre artis.

Oleh itu, Francois Boucher memasuki sejarah seni dunia sebagai seorang artis lukisan "gagah", lukisan manis, benar-benar realistik dalam cara penggambaran dan sama tidak realistik - dalam pilihan yang digambarkan; sebagai penggaya dan pakar seni dan kraf yang cemerlang.

Pelajarnya yang paling berbakat J. O. Fragonard mewarisi darinya keanggunan luaran, kebebasan komposisi dan keberanian warna, tetapi dia akan cuba menggabungkannya dengan kedalaman emosi yang lebih besar dalam pemindahan imej dan plot; lebih kerap, teknik kontras warna eksplisit digunakan, yang hampir tiada di Boucher, lebih banyak perhatian diberikan kepada kontras cahaya dan naungan. Calitan adalah jauh lebih besar daripada Boucher, tetapi ini hanya dirasai apabila pemeriksaan lebih dekat, kesan kelicinan perbandingan diwarisi daripada guru. Tetapi kami tidak akan memberi tumpuan kepada karyanya, kerana dengan pengecualian perkara di atas, serta penguasaan adegan genre berbanding mitologi, seninya mengikuti "jalan" yang diturap oleh Bush untuk berehat dan memikat penonton.

Kritikan seni Perancis moden tidak menghargai seni Boucher dengan tinggi. Sambil mengakui teknik unggul artis, pengkritik mencatatkan "kemanisan" karyanya, rasa artistiknya yang sering tidak sempurna (karya kemudiannya, kebanyakannya tidak jelas, mengandungi juxtapositions warna yang serupa dalam kontras yang berlebihan), serta "borjuasis" umum gayanya. .

8. Maurice Quentin de Latour (1704--1788)

De Latour - "Raja Pastel"

Mengenai "Potret Setiausaha Diraja Duval de Lepin"

De Latour dilahirkan dalam keluarga yang sederhana. Pada usia sembilan belas, dia meninggalkan kota asalnya, Saint-Quentin, dan datang ke Paris, di mana dia belajar dengan pelukis biasa-biasa saja Dupuch dan dengan beberapa artis lain.

Dua karya Latour yang pertama dipamerkan secara terbuka (potret dirinya dan isteri pelukis Boucher), yang dipamerkan di salon Paris pada tahun 1737, membawanya gelaran ahli Akademi Seni; pada tahun 1746 beliau telah dipilih menjadi ahli penuhnya, dan pada tahun 1750 beliau menerima gelaran pelukis diraja, yang beliau kekalkan selama 23 tahun. Pada tahun 1780 dia bersara ke kota asalnya.

Setelah mengalami pengaruh ideologi Pencerahan, yang dilakukan oleh JBS Chardin dan artis Inggeris, dengan siapa de Latour belajar dari 1725 selama beberapa tahun, de Latour tidak pernah menerima kemanisan dan kemanisan kebanyakan seni "gagah", bagaimanapun, kerana dia sendiri mengalami beberapa pengaruhnya, dan tidak kurang daripadanya.

MK de Latour ialah seorang lelaki yang mengambil alih baton daripada artis Venetian Rosalba Carriera dalam perkara penting untuk seni halus - dalam mengembangkan kemungkinan visual pensel pastel, menyebarkan lukisan pada masa yang sama dengan pastel pelbagai darjah kelembutan, mempopularkan lukisan pastel sebagai sejenis seni halus yang membolehkan anda mengekspresikan cat minyak yang tidak dapat diungkapkan. Apa yang sukar untuk diungkapkan dengan teknik minyak? Sebagai contoh, lukisan licin mutlak dalam lukisan minyak sering membawa kepada "menggilap", "kematian" tertentu yang digambarkan, yang tidak selalu dapat dielakkan oleh "pelukis licin" Belanda pada abad ke-17. Lukisan licin penuh dalam pastel, sebaliknya, membolehkan anda mencapai naturalisme maksimum apabila perlu, sementara (!) Ketiadaan varnis dalam komposisinya tidak menyamakan, sebagai contoh, buah-buahan dalam kerja sedemikian untuk dummies, dan menghadapi boneka. . “Setelah terlibat dalam meningkatkan dirinya dalam lukisan selama dua tahun, melalui itu [de Latour] mencapai kemahiran sedemikian dalam jenis lukisan pastel, yang tidak dapat ditandingi oleh mana-mana pastel yang mendahuluinya dan, mungkin, daripada pastel yang mengikutinya. dia.

Kemasyhurannya semakin bertambah, yang juga difasilitasi oleh fesyen untuk pastel, yang tersebar dalam masyarakat Perancis ketika itu."Ini (dan bukan sahaja) adalah sumbangan pentingnya kepada seni visual, pengaruhnya pada lukisan" pelukis gagah ". Bermula dari de Latour, pastel dilihat oleh Perancis, khususnya, artis mahkamah, bukan sahaja sebagai tambahan, tetapi juga sebagai teknik bebas.

Sebaliknya, de Latour secara langsung dipengaruhi oleh Rococo: kelembutan warna lukisannya, imej yang digambarkan, walaupun tidak ideal, tetapi dengan semangat yang tinggi, menyukai bangsawan Perancis tidak kurang daripada semangat Pencerahan dan psikologi. dalam karya beliau - tokoh sastera dan ahli falsafah pada zamannya .

"Menurut sezaman Latour, dia, seperti jarang orang lain, memahami persamaan; dengan kualiti ini, kekuatan, keharmonian dan kesenangan warna yang bertahan hingga ke hari ini dalam potretnya, walaupun preskripsi mereka, digabungkan. Jumlah terbesar daripadanya berada di muzium Saint-Quentin, ia juga banyak dikumpul di Muzium Louvre, di Paris. Banyak karya Latour telah diukir oleh tuan-tuan yang cemerlang pada zamannya." Dan walaupun de Latour secara tradisinya tidak dicirikan sebagai artis dengan gaya "gagah", "persimpangan bersama" beliau dengan Rococo membolehkan kami menyebut artis yang luar biasa ini.

Jenis dan teknik seni halus

Lukisan adalah seni halus yang rata, kekhususannya terletak pada perwakilan dengan bantuan cat yang digunakan pada permukaan imej dunia nyata, diubah oleh imaginasi kreatif artis...

Sumbangan budaya dan seni abad ke-20 kepada tamadun dunia

Dalam sejarah budaya Rusia, permulaan abad ke-20. dipanggil "zaman perak" budaya Rusia, yang bermula dengan "Dunia Seni" dan berakhir dengan simbolisme. The World of Art ialah sebuah organisasi yang ditubuhkan pada tahun 1898...

Gothic. Zaman beku zaman dahulu

Arah Gothic dalam lukisan berkembang beberapa dekad selepas kemunculan unsur-unsur gaya dalam seni bina dan arca. Salah satu trend utama dalam lukisan Gothic ialah kaca berwarna...

Pengaruh permintaan mahkamah Versailles dirasai terutamanya dalam bidang seni dan seni bina halus, hiasan dan gunaan. Selain lukisan kuda-kuda, porselin, kipas dan fesyen, gaya "gagah" menembusi bahagian dalam rumah agam...

K.A. Somov. Penanaman genre gagah

2.1 Asal-usul genre "gagah" dalam era Rococo Permulaan abad ke-20 ditandai dengan "kembali" nostalgia kepada estetika Rococo, kepada imej-imej zaman Louis XIV, ke era gagah lampau ...

Revolusi Kebudayaan di USSR (1922-1941)

“Program parti dalam bidang seni mendapat tentangan artis yang berkait rapat dengan borjuasi, menentang rejim Soviet. Artis reaksioner dan ahli teori seni terpaksa memfitnah Bolshevik, menuduh mereka...

Kebangkitan luar biasa budaya kebangsaan pada separuh pertama abad ke-19. dibenarkan untuk memanggil masa ini sebagai "zaman keemasan". Jika dalam pembangunan ekonomi dan sosio-politik Rusia ketinggalan di belakang negara-negara Eropah yang maju...

Lukisan potret Rusia dan grafik pada separuh pertama abad ke-19

Inkuisisi Suci pada Zaman Pertengahan dan refleksinya dalam seni

Pada Zaman Pertengahan, lukisan menjadi salah satu bentuk seni yang paling penting. Beberapa inovasi agama turut menyumbang kepada sikap baharu terhadap seni lukis...