Apakah definisi drama. Drama sebagai genus sastera

rumah / bekas

Drama ialah genus sastera (bersama-sama dengan epik dan lirik), yang melibatkan penciptaan dunia seni untuk pelaksanaan pentas dalam drama. Seperti epik, ia menghasilkan semula dunia objektif, iaitu manusia, benda, fenomena alam.

SIFAT-SIFAT KHUSUS

1. Drama adalah jenis kesusasteraan yang paling kuno, dari zaman dahulu yang sama perbezaan utamanya dari yang lain datang - sinkretisme, apabila pelbagai jenis seni digabungkan dalam satu (sinkretisme kreativiti purba - dalam perpaduan kandungan artistik dan sihir, mitologi, akhlak).

2. Karya dramatik adalah bersyarat.

Pushkin berkata: "Dari semua jenis karya, yang paling tidak masuk akal adalah yang dramatik."

3. Di tengah-tengah drama adalah konflik, peristiwa yang digubal oleh tindakan. Plot dibentuk oleh peristiwa dan tindakan orang.

4. Kekhususan drama sebagai genus sastera terdiri daripada organisasi khas ucapan artistik: tidak seperti epik, tidak ada penceritaan dalam drama dan ucapan langsung watak-watak, dialog dan monolog mereka adalah yang paling penting.

Drama bukan sahaja lisan (komentar "ke tepi"), tetapi juga aksi yang dipentaskan, oleh itu pertuturan watak-watak adalah penting (dialog, monolog). Malah dalam tragedi kuno, koir memainkan peranan penting (menyanyikan pendapat pengarang), dan dalam klasik peranan ini dimainkan oleh resonator.

"Anda tidak boleh menjadi penulis drama tanpa kefasihan" (Diderot).

"Pelakon dalam drama yang baik harus bercakap dalam kata-kata mutiara. Tradisi ini telah berlaku untuk masa yang lama" (M. Gorky).

5. Sebagai peraturan, karya dramatik menganggap kesan pentas, kelajuan tindakan.

6. Watak dramatik khas: luar biasa (niat sedar, pemikiran terbentuk), watak yang berlaku, berbeza dengan epik.

7. Karya dramatik bervolume kecil.

Bunin berkata pada kesempatan ini: "Kita perlu memerah pemikiran ke dalam bentuk yang tepat. Tetapi ini sangat mengujakan!"

8. Ilusi ketiadaan sepenuhnya pengarang dicipta dalam drama. Daripada ucapan pengarang dalam drama, hanya tinggal teguran - arahan ringkas pengarang tentang tempat dan masa aksi, mimik muka, intonasi, dll.

9. Tingkah laku watak-watak adalah teater. Dalam kehidupan, mereka tidak berkelakuan seperti itu, dan mereka tidak berkata begitu.

Marilah kita mengimbas semula sifat tidak wajar isteri Sobakevich: "Feodulia Ivanovna meminta untuk duduk, berkata juga:" Tolong! "Dan membuat pergerakan dengan kepalanya, seperti pelakon yang mewakili permaisuri. tiada hidung. ".

SKEMA TRADISIONAL PLOT MANA-MANA KARYA DRAMATIK: EKSPOSISI - perwakilan wira; TIE - perlanggaran; PERKEMBANGAN TINDAKAN - satu set adegan, perkembangan idea; BUDAYA - puncak konflik; PELEPASAN.

Genre kesusasteraan dramatik mempunyai tiga genre utama: tragedi, komedi dan drama dalam erti kata yang sempit, tetapi ia juga mengandungi genre seperti vaudeville, melodrama dan tragicomedy.

Tragedi (Greek tragoidia, secara literal - lagu kambing) - "genre dramatik berdasarkan perlanggaran tragis watak heroik, hasil yang tragis dan penuh dengan kesedihan ..."

Tragedi itu menggambarkan realiti sebagai sekumpulan percanggahan dalaman, ia mendedahkan konflik realiti dalam bentuk yang sangat tegang. Ini adalah karya dramatik berdasarkan konflik hidup yang tidak dapat didamaikan yang membawa kepada penderitaan dan kematian wira. Jadi, dalam pertembungan dengan dunia jenayah, pembohongan dan kemunafikan, pembawa cita-cita kemanusiaan yang maju, putera Denmark Hamlet, wira tragedi dengan nama yang sama oleh W. Shakespeare, tewas secara tragis. Dalam perjuangan yang dilakukan oleh pahlawan tragis, sifat kepahlawanan watak manusia terserlah dengan sangat lengkap.

Genre tragedi mempunyai sejarah yang panjang. Ia timbul daripada upacara pemujaan agama, adalah pentas pentas mitos. Dengan kemunculan teater, tragedi terbentuk sebagai genre seni dramatik yang bebas. Pencipta tragedi itu adalah penulis drama Yunani kuno pada abad ke-5. BC NS. Sophocles, Euripides, Aeschylus, yang meninggalkan contoh sempurnanya. Mereka mencerminkan pertembungan tragis tradisi sistem puak dengan tatanan sosial baharu. Konflik ini dilihat dan digambarkan oleh penulis drama terutamanya pada bahan mitologi. Wira tragedi purba mendapati dirinya ditarik ke dalam konflik yang tidak dapat diselesaikan sama ada dengan kehendak takdir (takdir), atau dengan kehendak tuhan. Jadi, wira tragedi Aeschylus "Prometheus the Chained" menderita kerana dia melanggar kehendak Zeus apabila dia membakar orang dan mengajar mereka kraf. Dalam tragedi Sophocles "King Oedipus" pahlawan itu ditakdirkan untuk menjadi seorang paicide, untuk berkahwin dengan ibunya sendiri. Tragedi purba biasanya terdiri daripada lima tindakan dan dibina dengan mematuhi "tiga kesatuan" - tempat, masa, tindakan. Tragedi ditulis dalam ayat dan dibezakan oleh keluhuran ucapan, pahlawannya adalah "wira tinggi".

Komedi, seperti tragedi, berasal dari Yunani kuno. Penulis drama Yunani kuno Aristophanes (abad V-IV SM) dianggap sebagai "bapa" komedi. Dalam karyanya, dia mengejek ketamakan, dahagakan darah dan tidak bermoral bangsawan Athena, menganjurkan kehidupan patriarki yang aman ("Penunggang Kuda", "Awan", "Lysistratus", "Katak").

Di Rusia, komedi rakyat telah wujud untuk masa yang lama. Pelawak terkenal Pencerahan Rusia ialah D.N. Fonvizin. Komedinya "The Minor" tanpa belas kasihan mengejek "tuanan liar" yang memerintah dalam keluarga Prostakov. Menulis komedi I.A. Krylov ("A Lesson for Daughters", "Fashion Shop"), mempersendakan kekaguman terhadap orang asing.

Pada abad XIX. sampel komedi realistik satira dan sosial dicipta oleh A.S. Griboyedov ("Celaka dari Kecerdikan"), N.V. Gogol ("Inspektor Jeneral"), A.N. Ostrovsky ("Tempat yang menguntungkan", "Rakyat kita - kita akan dinomborkan", dll.). Meneruskan tradisi N. Gogol, A. Sukhovo-Kobylin dalam triloginya ("The Wedding of Krechinsky", "Delo", "Death of Tarelkin") menunjukkan bagaimana birokrasi "meringankan" seluruh Rusia, menjadikan masalahnya setanding kepada kerosakan yang disebabkan oleh kuk Mongol Tatar dan pencerobohan Napoleon. Komedi M.E. Saltykov-Shchedrin (Kematian Pazukhin) dan A.N. Tolstoy ("Buah Pencerahan"), yang dalam beberapa cara mendekati tragedi (ia mengandungi unsur tragicomedy).

Tragicomedy menolak moral mutlak komedi dan tragedi. Persepsi dunia yang mendasarinya dikaitkan dengan rasa relativiti kriteria kehidupan yang sedia ada. Melebihkan prinsip moral membawa kepada ketidakpastian dan bahkan meninggalkannya; prinsip subjektif dan objektif adalah kabur; pemahaman yang tidak jelas tentang realiti boleh menyebabkan minat terhadapnya atau ketidakpedulian sepenuhnya dan juga pengiktirafan terhadap ketidaklogisan dunia. Pandangan dunia tragicomic dalam mereka mendominasi pada titik perubahan sejarah, walaupun permulaan tragicomic sudah ada dalam drama Euripides ("Alkestida", "Ion").

Drama adalah drama dengan konflik akut, yang, berbeza dengan tragis, tidak begitu agung, lebih biasa, biasa dan entah bagaimana boleh diselesaikan. Keistimewaan drama itu terletak, pertama, pada hakikat bahawa ia berdasarkan moden dan bukan pada bahan antik, dan kedua, drama itu menegaskan hero baru yang memberontak terhadap nasib dan keadaannya. Perbezaan antara drama dan tragedi adalah pada intipati konflik: konflik rancangan tragis tidak dapat diselesaikan, kerana penyelesaiannya tidak bergantung pada kehendak peribadi seseorang. Wira tragis mendapati dirinya dalam situasi tragis secara tidak sengaja, dan bukan kerana kesilapan yang telah dilakukannya. Konflik dramatik, tidak seperti yang tragis, tidak dapat diatasi. Mereka didasarkan pada pertembungan watak dengan kuasa, prinsip, tradisi yang menentang mereka dari luar. Sekiranya wira drama itu mati, maka kematiannya dalam banyak cara adalah tindakan keputusan sukarela, dan bukan akibat keadaan yang tidak ada harapan yang tragis. Jadi, Katerina dalam "The Thunder" oleh A. Ostrovsky, sangat bimbang bahawa dia telah melanggar norma agama dan moral, tidak dapat hidup dalam suasana menindas rumah Kabanov, bergegas ke Volga. Penolakan ini tidak perlu; halangan kepada perhubungan antara Katerina dan Boris tidak boleh dianggap tidak dapat diatasi: pemberontakan heroin boleh berakhir dengan cara yang berbeza.

Apa itu drama? Jawapan kepada soalan ini akan bergantung pada konteks di mana perkataan itu digunakan. Pertama sekali, ini adalah sejenis kesusasteraan yang dimaksudkan untuk persembahan pentas, membayangkan interaksi watak dengan dunia luar, yang disertai dengan penjelasan pengarang.

Drama juga merupakan karya yang dibina mengikut satu prinsip dan undang-undang.

Ciri-ciri drama

Tindakan itu harus berlaku dalam masa sekarang dan berkembang pesat di tempat yang sama. Penonton menjadi saksi dan mesti berada dalam ketegangan dan empati dengan apa yang berlaku.
Prestasi boleh meliputi jangka masa beberapa jam atau bahkan tahun. Bagaimanapun, aksi itu tidak boleh bertahan lebih daripada sehari di atas pentas, kerana ia dihadkan oleh kemungkinan penonton.
Bergantung pada kronologi karya, drama boleh terdiri daripada satu atau beberapa lakonan. Oleh itu, kesusasteraan klasikisme Perancis biasanya diwakili oleh 5 lakonan, dan 2 lakonan adalah ciri drama Sepanyol.
Semua watak dalam drama dibahagikan kepada dua kumpulan - antagonis dan protagonis (watak bukan pentas juga mungkin hadir), dan setiap lakonan adalah pertarungan. Tetapi penulis tidak perlu menyokong pihak sesiapa - penonton hanya boleh meneka dari petunjuk dari konteks karya.

Pembinaan drama

Drama ini mempunyai plot, plot, tema dan tipu daya.

Plot adalah konflik, hubungan watak dengan peristiwa, yang, seterusnya, merangkumi beberapa elemen: pendedahan, latar, perkembangan tindakan, klimaks, penurunan tindakan, denouement dan akhir.
Cerita ialah rentetan peristiwa sebenar atau rekaan yang berkaitan antara satu sama lain. Kedua-dua plot dan plot adalah penceritaan peristiwa, tetapi plot hanyalah fakta tentang apa yang berlaku, dan plot adalah hubungan sebab-akibat.
Tema ialah rentetan peristiwa yang menjadi asas kepada karya dramatik, yang disatukan oleh satu masalah, iaitu apa yang pengarang mahukan penonton atau pembaca fikirkan.
Intrik dramatik ialah interaksi watak-watak yang mempengaruhi perjalanan peristiwa yang dijangkakan dalam sesebuah karya.

Unsur drama

Eksposisi ialah pernyataan keadaan semasa yang menimbulkan konflik.
Plot adalah penubuhan konflik atau prasyarat untuk perkembangannya.
Klimaks adalah titik tertinggi konflik.
Denouement ialah rampasan kuasa atau kemalangan watak utama.
Akhir - penyelesaian konflik, yang boleh berakhir dengan tiga pilihan: konflik diselesaikan dan mempunyai pengakhiran yang bahagia, konflik tidak diselesaikan atau konflik diselesaikan secara tragis - kematian protagonis atau mana-mana kesimpulan lain wira dari bekerja di peringkat akhir.

Soalan "apa itu drama" kini boleh dijawab dengan satu definisi lagi - ini adalah teori dan seni membina karya dramatik. Ia perlu bergantung pada peraturan pembinaan plot, mempunyai idea dan idea utama. Tetapi dalam perjalanan perkembangan sejarah, drama, genre (tragedi, komedi, drama), elemen dan cara ekspresinya berubah, yang membahagikan sejarah drama kepada beberapa kitaran.

Asal usul drama

Buat pertama kalinya, asal usul drama dibuktikan dengan inskripsi dinding dan papirus pada era Mesir Purba, di mana terdapat juga permulaan, kemuncak dan denouement. Paderi yang mempunyai pengetahuan tentang dewa-dewa mempengaruhi kesedaran rakyat Mesir dengan tepat kerana mitos.

Mitos Isis, Osiris dan Horus mewakili sejenis Bible untuk orang Mesir. Selanjutnya, drama menerima perkembangannya di Yunani Purba pada abad ke-5-6 SM. NS. Dalam drama Yunani kuno, genre tragedi dilahirkan. Plot tragedi itu dinyatakan dalam penentangan seorang wira yang baik dan adil terhadap kejahatan. Perlawanan akhir berakhir dengan kematian tragis protagonis dan sepatutnya menimbulkan perasaan yang kuat pada penonton untuk pembersihan jiwanya secara mendalam. Fenomena ini mempunyai definisi - katarsis.

Mitos itu dikuasai oleh tema ketenteraan dan politik, kerana tragedi pada masa itu sendiri lebih daripada sekali mengambil bahagian dalam peperangan. Dramaturgi Yunani Purba diwakili oleh penulis terkenal berikut: Aeschylus, Sophocles, Euripides. Sebagai tambahan kepada tragedi itu, genre komedi juga dihidupkan semula, di mana Aristophanes menjadikan tema utama dunia. Orang ramai bosan dengan peperangan dan pelanggaran undang-undang pihak berkuasa, oleh itu mereka menuntut kehidupan yang aman dan tenang. Komedi itu berasal dari lagu-lagu komik, yang kadangkala remeh. Humanisme dan demokrasi adalah idea utama dalam karya pelawak. Tragedi yang paling terkenal pada masa itu ialah drama "Persians" dan "Chained Prometheus" oleh Aeschylus, "King Oedipus" oleh Sophocles dan "Medea" oleh Euripides.

Mengenai perkembangan drama pada abad ke-2-3 SM. NS. dipengaruhi oleh penulis drama Rom kuno: Plautus, Terentius dan Seneca. Plautus berempati dengan lapisan bawah masyarakat pemilik hamba, mengejek para pemakan riba dan pedagang yang tamak, oleh itu, mengambil cerita Yunani kuno sebagai asas, dia menambah mereka dengan cerita tentang kehidupan rakyat biasa yang sukar. Terdapat banyak lagu dan jenaka dalam karyanya, pengarangnya popular dengan rakan seangkatannya dan seterusnya mempengaruhi drama Eropah. Jadi, komedi terkenalnya "Treasure" telah diambil sebagai asas oleh Moliere ketika menulis karyanya "The Miser".

Terence adalah ahli generasi kemudian. Dia tidak menekankan cara ekspresif, tetapi menyelidiki lebih mendalam tentang huraian komponen psikologi watak watak, dan konflik harian dan keluarga antara bapa dan anak menjadi tema untuk komedi. Drama terkenalnya "The Brothers" hanya mencerminkan masalah ini dengan jelas.

Seorang lagi penulis drama yang memberi sumbangan besar kepada perkembangan drama ialah Seneca. Dia adalah tutor Nero, maharaja Rom, dan menduduki jawatan tinggi di bawahnya. Tragedi penulis drama sentiasa berkembang di sekitar balas dendam protagonis, yang mendorongnya kepada jenayah yang dahsyat. Ahli sejarah mengaitkan ini dengan kekejaman berdarah yang berlaku pada masa itu di istana empayar. Medea Seneca kemudiannya mempengaruhi teater Eropah Barat, tetapi, tidak seperti Medea karya Euripides, permaisuri diwakili oleh watak negatif yang lapar untuk membalas dendam dan tidak mengalami sebarang kebimbangan.

Tragedi di era empayar digantikan dengan genre lain - pantomim. Ini adalah tarian yang diiringi muzik dan nyanyian, yang biasanya dilakukan oleh seorang pelakon dengan mulut tertutup. Tetapi yang lebih popular ialah persembahan sarkas di amfiteater - pergaduhan gladiator dan perlumbaan kereta kuda, yang membawa kepada kemerosotan moral dan keruntuhan Empayar Rom. Buat pertama kalinya, penulis drama memberi penonton idea paling dekat tentang drama itu, tetapi teater itu telah musnah, dan drama itu dihidupkan semula hanya selepas rehat setengah milenium dalam pembangunan.

Drama liturgi

Selepas kejatuhan Empayar Rom, drama dihidupkan semula hanya pada abad ke-9 dalam upacara dan doa gereja. Gereja, untuk menarik seramai mungkin orang untuk menyembah dan mengawal orang ramai melalui penyembahan kepada Tuhan, memperkenalkan produksi kecil yang menakjubkan, seperti kebangkitan Yesus Kristus atau cerita alkitabiah yang lain. Ini adalah bagaimana drama liturgi berkembang.

Walau bagaimanapun, orang ramai berkumpul untuk persembahan dan terganggu dari perkhidmatan itu sendiri, akibatnya drama separa liturgi muncul - persembahan dipindahkan ke beranda dan plot setiap hari berdasarkan cerita alkitabiah yang lebih mudah difahami oleh penonton mula diambil sebagai asas.

Kebangkitan drama di Eropah

Selanjutnya, drama menerima perkembangannya dalam Renaissance pada abad ke-14-16, kembali kepada nilai-nilai budaya kuno. Plot daripada mitos Yunani dan Rom purba memberi inspirasi kepada pengarang Renaissance

Di Itali teater itu mula dihidupkan semula, pendekatan profesional untuk persembahan pentas muncul, jenis karya muzik seperti opera dibentuk, komedi, tragedi dan pastoral dihidupkan semula - genre drama, tema utamanya adalah kehidupan luar bandar. . Komedi dalam perkembangannya memberi dua arah:

komedi terpelajar yang direka untuk kalangan orang terpelajar;
komedi jalanan - teater topeng improvisasi.

Wakil drama Itali yang paling menonjol ialah Angelo Beolko ("Coquette", "Komedi tanpa tajuk"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") dan Lodovico Ariosto ("Komedi tentang dada", "Furious Orlando").

Drama Inggeris mengukuhkan kedudukan teater realisme. Mitos dan misteri digantikan dengan pemahaman sosio-falsafah kehidupan. Pengasas drama Renaissance dianggap sebagai penulis drama Inggeris - Christopher Marlowe (Tamerlane, The Tragic Story of Doctor Faust). Teater realisme menerima perkembangannya di bawah William Shakespeare, yang juga menyokong idea humanistik dalam karyanya - Romeo dan Juliet, King Lear, Othello, Hamlet. Pengarang pada masa ini mendengar keinginan orang biasa, dan wira kegemaran drama adalah orang bodoh, pemakan riba, pahlawan dan pelacur, serta heroin sederhana yang mengorbankan diri. Watak-watak menyesuaikan diri dengan plot, yang menyampaikan realiti masa itu.

Tempoh abad ke-17-18 diwakili oleh drama era Baroque dan Classicism. Humanisme sebagai hala tuju memudar ke latar belakang, dan wira berasa kehilangan. Idea Baroque memisahkan Tuhan dan manusia, iaitu, kini manusia dibiarkan mempengaruhi nasibnya sendiri. Arah utama drama Baroque ialah mannerisme (ketidakkekalan dunia dan kedudukan manusia yang tidak menentu), yang wujud dalam drama "Fuente Ovejuna" dan "Star of Seville" oleh Lope de Vega dan karya Tirso de Molina - "Penggoda Seville", "Marta Saleh".

Klasikisme adalah bertentangan dengan Baroque pada dasarnya kerana ia berdasarkan realisme. Tragedi menjadi genre utama. Tema kegemaran dalam karya Pierre Corneille, Jean Racine dan Jean-Baptiste Moliere ialah konflik kepentingan peribadi dan sivik, perasaan dan tugas. Berkhidmat kepada negara adalah matlamat mulia tertinggi bagi seseorang. Tragedi "Sid" membawa kejayaan besar kepada Pierre Corneille, dan dua drama oleh Jean Racine "Alexander the Great", "Thebaida, atau Brothers-Enemies" telah ditulis dan dipentaskan atas nasihat Moliere.

Moliere adalah penulis drama paling popular pada masa itu dan berada di bawah naungan orang yang memerintah dan meninggalkan 32 drama yang ditulis dalam pelbagai genre. Yang paling ketara ialah "Madcap", "Doctor in Love" dan "Imaginary Sick".

Semasa Pencerahan, tiga gerakan telah dibangunkan: Klasikisme, Sentimentalisme dan Rococo, yang mempengaruhi drama England, Perancis, Jerman dan Itali pada abad ke-18. Ketidakadilan dunia terhadap rakyat biasa telah menjadi tema utama bagi penulis drama. Golongan atasan berkongsi tempat duduk dengan rakyat biasa. "Teater pendidikan" membebaskan orang daripada prasangka yang telah ditetapkan dan menjadi bukan sahaja hiburan, tetapi juga sekolah moral untuk mereka. Drama philistine (George Lilo The London Merchant dan Edward Moore The Gambler) semakin popular, yang memberi penerangan tentang masalah borjuasi, menganggapnya sama pentingnya dengan masalah royalti.

Drama Gothic dipersembahkan buat pertama kali oleh John Goma dalam tragedi Douglas dan Fatal Discovery, yang temanya adalah keluarga dan watak harian. Drama Perancis diwakili kebanyakannya oleh penyair, ahli sejarah dan publisiti Francois Voltaire (Oedipus, Death of Caesar, Prodigal Son). John Gay ("The Beggar's Opera") dan Bertold Brecht ("Threepenny Opera") membuka hala tuju baharu untuk komedi - bermoral dan realistik. Dan Henry Fielding hampir selalu mengkritik sistem politik Inggeris melalui komedi satira ("Love in Various Masks", "The Coffee Shop Politician"), parodi teater ("Pasquin"), sandiwara dan opera balada ("The Lottery", "The Intriguing". Pembantu Rumah") , selepas itu undang-undang penapisan teater diperkenalkan.

Oleh kerana Jerman adalah nenek moyang romantisme, drama Jerman paling berkembang pada abad ke-18-19. Protagonis karya itu adalah seorang yang ideal, berbakat kreatif, menentang dunia nyata. F. Schelling mempunyai pengaruh yang besar pada pandangan dunia orang romantis. Kemudian, Gothald Lessing menerbitkan karyanya Hamburg Drama, di mana dia mengkritik klasikisme dan mempromosikan idea realisme pencerahan Shakespeare. Johann Goethe dan Friedrich Schiller mencipta Teater Weimar dan menambah baik sekolah lakonan. Wakil-wakil drama Jerman yang paling menonjol dianggap Heinrich von Kleist ("Keluarga Schroffenstein", "Putera Friedrich of Homburg") dan Johann Ludwig Thicke ("Puss in Boots", "The World Inside Out").

Perkembangan drama di Rusia

Drama Rusia mula berkembang secara aktif pada abad ke-18 di bawah wakil klasikisme - AP Sumarokov, yang dipanggil "bapa teater Rusia", yang tragedinya ("Monsters", "Narcissus", "Guardian", "Cuckold by Imagination". ") memberi tumpuan kepada kerja Moliere. Tetapi pada abad ke-19 arah ini memainkan peranan yang luar biasa dalam sejarah budaya.

Beberapa genre telah berkembang dalam drama Rusia. Ini adalah tragedi VA Ozerov ("Yaropolk dan Oleg", "Oedipus di Athens", "Dimitri Donskoy"), yang mencerminkan masalah sosio-politik yang mendesak semasa perang Napoleon, komedi satira I. Krylov (" The Rabid Family", "Coffee House" dan drama pendidikan oleh A. Griboyedov ("Woe from Wit"), N. Gogol ("The Inspector General") dan A. Pushkin ("Boris Godunov", "Feast during the Plague" ).

Pada separuh kedua abad ke-19, realisme telah mengukuhkan kedudukannya dalam drama Rusia, dan A. Ostrovsky menjadi penulis drama paling terkemuka dalam aliran ini. Karya beliau terdiri daripada drama sejarah ("Voivode"), drama ("Ribut Petir"), komedi satira ("Serigala dan Bebiri") dan cerita dongeng. Protagonis karya itu adalah seorang pengembara yang bijak, pedagang dan pelakon wilayah.

Ciri-ciri arah baharu

Tempoh dari abad ke-19 hingga abad ke-20 memperkenalkan kita kepada drama baharu, iaitu drama naturalistik. Penulis-penulis kali ini cuba menyampaikan kehidupan "sebenar", menunjukkan aspek yang paling tidak menarik dalam kehidupan manusia pada masa itu. Tindakan seseorang ditentukan bukan sahaja oleh keyakinan batinnya, tetapi juga oleh keadaan sekeliling yang mempengaruhi mereka, oleh itu watak utama kerja itu boleh menjadi bukan satu orang, tetapi juga seluruh keluarga atau masalah yang berasingan, peristiwa.

Drama baharu ini memaparkan beberapa gerakan sastera. Mereka semua disatukan oleh perhatian penulis drama kepada keadaan minda watak, transmisi realiti yang boleh dipercayai dan penjelasan semua tindakan manusia dari sudut pandangan saintifik semula jadi. Ia adalah Henrik Ibsen yang merupakan pengasas drama baru itu, dan pengaruh naturalisme paling jelas ditunjukkan dalam dramanya "Ghosts".

Dalam budaya teater abad ke-20, 4 arah utama mula berkembang - simbolisme, ekspresionisme, dadaisme dan surealisme. Semua pengasas aliran dalam drama ini disatukan oleh penolakan budaya tradisional dan pencarian cara ekspresi baru. Maeterlink ("The Blind", "Joan of Arc") dan Hoffmannsthal ("The Fool and Death"), sebagai wakil Simbolisme, menggunakan kematian dan peranan manusia dalam masyarakat sebagai tema utama dalam drama mereka, dan Hugo Ball, seorang wakil drama Dadaistik, menekankan ketiadaan kewujudan manusia dan penafian sepenuhnya terhadap semua kepercayaan. Surrealisme dikaitkan dengan nama André Breton ("Sila"), yang wiranya dicirikan oleh dialog yang tidak koheren dan pemusnahan diri. Drama ekspresionis mewarisi romantisme, di mana protagonis berhadapan dengan seluruh dunia. Wakil aliran ini dalam drama ialah Gan Yost (Lelaki Muda, The Hermit), Arnolt Bronnen (Revolt Against God) dan Frank Wedekind (Kotak Pandora).

Drama kontemporari

Pada permulaan abad ke-20 dan ke-21, drama moden kehilangan kedudukannya dan beralih ke keadaan mencari genre dan cara ekspresi baharu. Di Rusia, arah eksistensialisme terbentuk, dan kemudian berkembang di Jerman dan Perancis.

Jean-Paul Sartre dalam dramanya ("Behind Closed Doors", "Flies") dan penulis drama lain memilih wira karya mereka seorang lelaki yang sentiasa memikirkan tentang kehidupan yang tidak bertimbang rasa. Ketakutan ini membuatkan dia berfikir tentang ketidaksempurnaan dunia di sekelilingnya dan mengubahnya.

Di bawah pengaruh Franz Kafka, teater yang tidak masuk akal timbul, yang menafikan watak realistik, dan karya penulis drama ditulis dalam bentuk dialog berulang, tindakan tidak konsisten dan ketiadaan hubungan sebab-akibat. Drama Rusia memilih nilai kemanusiaan sejagat sebagai tema utama. Dia mempertahankan cita-cita lelaki dan berusaha untuk kecantikan.

Perkembangan drama dalam sastera berkait langsung dengan perjalanan peristiwa sejarah di dunia. Penulis drama dari negara yang berbeza, sentiasa terkesan dengan masalah sosio-politik, selalunya mereka mengetuai hala tuju dalam seni dan dengan itu mempengaruhi orang ramai. Zaman kegemilangan drama jatuh pada era Empayar Rom, Mesir Purba dan Yunani, semasa perkembangan bentuk dan unsur drama berubah, dan tema untuk karya sama ada membawa masalah baru kepada plot, atau kembali ke masalah lama zaman dahulu. Dan jika penulis drama beribu tahun pertama memberi perhatian kepada ekspresi ucapan dan watak wira, yang paling jelas dinyatakan dalam karya penulis drama pada masa itu - Shakespeare, maka wakil-wakil trend moden menguatkan peranan suasana. dan subteks dalam karya mereka. Berdasarkan perkara di atas, kita boleh memberikan jawapan ketiga kepada soalan: apakah itu drama? Ini adalah karya dramatik yang disatukan oleh satu era, negara atau penulis.

Selama beribu tahun perkembangan budaya, manusia telah mencipta karya sastera yang tidak terkira banyaknya, di antaranya beberapa jenis asas dapat dibezakan, serupa dengan cara dan bentuk refleksi idea seseorang tentang dunia di sekelilingnya. Ini adalah tiga jenis (atau jenis) kesusasteraan: epik, drama, lirik.

Apakah perbezaan antara setiap jenis sastera?

Epik sebagai sejenis sastera

Epos(epos - Yunani, narasi, cerita) ialah imej peristiwa, fenomena, proses luaran pengarang. Karya epik mencerminkan perjalanan hidup yang objektif, manusia secara umum. Dengan menggunakan pelbagai cara artistik, pengarang karya epik menyatakan pemahaman mereka tentang masalah sejarah, sosio-politik, moral, psikologi dan banyak lagi masalah lain yang dihadapi oleh masyarakat manusia secara amnya dan setiap wakilnya khususnya. Karya epik mempunyai keupayaan bergambar yang ketara, dengan itu membantu pembaca mempelajari tentang dunia di sekelilingnya, untuk memahami masalah mendalam kewujudan manusia.

Drama sebagai sejenis sastera

Drama(drama - Yunani, aksi, aksi) adalah sejenis kesusasteraan, ciri utamanya ialah sifat indah karya. Permainan, i.e. karya dramatik dicipta khusus untuk teater, untuk pementasan di atas pentas, yang, tentu saja, tidak mengecualikan kewujudannya dalam bentuk teks sastera bebas yang bertujuan untuk membaca. Seperti epik, drama itu menghasilkan semula hubungan antara manusia, tindakan mereka, konflik yang timbul di antara mereka. Tetapi berbeza dengan epik yang bersifat naratif, drama mempunyai bentuk dialog.

Berkaitan dengan ini ciri-ciri karya dramatik :

2) teks drama terdiri daripada perbualan watak-watak: monolog mereka (ucapan satu watak), dialog (perbualan dua watak), polilog (pertukaran ucapan serentak oleh beberapa peserta dalam tindakan itu). Itulah sebabnya ciri pertuturan ternyata menjadi salah satu cara yang paling penting untuk mencipta watak pahlawan yang tidak dapat dilupakan;

3) tindakan permainan, sebagai peraturan, berkembang agak dinamik, secara intensif, sebagai peraturan, 2-3 jam masa pentas diperuntukkan kepadanya.

Lirik sebagai sejenis sastera

Lirik(lyra - Yunani, alat muzik, dengan iringan karya puitis, lagu-lagu dipersembahkan) dibezakan oleh jenis pembinaan khas imej artistik - ia adalah pengalaman imej di mana pengalaman emosi dan rohani individu pengarang dijelmakan. Lirik boleh dipanggil jenis kesusasteraan yang paling misteri, kerana ia ditujukan kepada dunia dalaman seseorang, sensasi subjektifnya, idea, idea. Dalam erti kata lain, karya lirik terutamanya menyajikan ekspresi diri individu pengarang. Timbul persoalan: mengapa para pembaca, i.e. orang lain merujuk kepada kerja-kerja sedemikian? Masalahnya ialah penulis lirik, bercakap bagi pihaknya sendiri dan tentang dirinya sendiri, secara mengejutkan merangkumi emosi, idea, harapan manusia sejagat, dan semakin penting keperibadian pengarang, semakin penting pengalaman individunya untuk pembaca.

Setiap jenis sastera juga mempunyai sistem genre tersendiri.

genre(genre - genus Perancis, spesies) ialah jenis karya sastera yang dibangunkan secara sejarah yang mempunyai ciri tipologi yang serupa. Nama-nama genre membantu pembaca menavigasi lautan kesusasteraan yang tidak terbatas: seseorang suka cerita detektif, yang lain lebih suka fantasi, dan yang ketiga adalah peminat memoir.

Bagaimana untuk menentukan Apakah genre yang dimiliki oleh karya tertentu? Selalunya, pengarang sendiri membantu kami dengan ini, memanggil ciptaan mereka sebagai novel, cerita, puisi, dll. Walau bagaimanapun, beberapa definisi pengarang kelihatan tidak dijangka kepada kami: ingat bahawa A.P. Chekhov menekankan bahawa "The Cherry Orchard" adalah komedi, dan bukan drama sama sekali, tetapi A.I. Solzhenitsyn menganggap One Day in the Life of Ivan Denisovich sebagai cerita, bukan cerita. Beberapa pengkritik sastera memanggil kesusasteraan Rusia sebagai koleksi paradoks genre: novel dalam ayat "Eugene Onegin", puisi prosa "Dead Souls", kronik satira "The History of a City". Terdapat banyak kontroversi mengenai "Perang dan Keamanan" oleh L.N. Tolstoy. Penulis sendiri hanya berkata tentang apa yang bukan bukunya: "Apa itu" Perang dan Keamanan "? Ini bukan novel, malah kurang puisi, masih kurang kronik sejarah. "Perang dan Keamanan" adalah apa yang penulis inginkan dan boleh ungkapkan dalam bentuk di mana ia dinyatakan." Dan hanya pada abad XX pengkritik sastera bersetuju untuk memanggil penciptaan cemerlang L.N. Novel epik Tolstoy.

Setiap genre sastera mempunyai beberapa ciri yang stabil, pengetahuan yang membolehkan kita mengklasifikasikan karya tertentu dalam satu atau kumpulan lain. Genre berkembang, berubah, pupus dan dilahirkan, sebagai contoh, secara literal di hadapan mata kita, genre baru blog (web loq) - diari Internet peribadi - telah muncul.

Walau bagaimanapun, selama beberapa abad terdapat genre yang stabil (ia juga dipanggil kanonik).

Karya sastera sastera - lihat jadual 1).

Jadual 1.

Genre karya sastera

Genre sastera epik

Genre epik terutamanya berbeza dalam jumlah, mengikut kriteria ini ia dibahagikan kepada kecil ( sketsa, cerita, cerpen, dongeng, perumpamaan ), purata ( cerita ), besar ( novel, novel epik ).

Artikel ciri- lakaran kecil dari alam semula jadi, genre adalah deskriptif dan naratif. Banyak esei dicipta berdasarkan dokumentari, berasaskan kehidupan, selalunya ia digabungkan menjadi kitaran: contoh klasik ialah "A Sentimental Journey through France and Italy" (1768) oleh penulis Inggeris Laurence Stern, dalam kesusasteraan Rusia ia adalah "A Perjalanan dari St. Petersburg ke Moscow" (1790) A Radishchev, "Frigate Pallas" (1858) oleh I. Goncharov "" Itali "(1922) oleh B. Zaitsev dan lain-lain.

cerita- genre naratif kecil, yang biasanya menggambarkan satu episod, kejadian, watak manusia, atau insiden penting dari kehidupan wira yang mempengaruhi nasibnya yang lebih jauh ("After the Ball" oleh L. Tolstoy). Kisah-kisah itu dicipta kedua-duanya berdasarkan dokumentari, selalunya autobiografi ("Matryonin Dvor" oleh A. Solzhenitsyn), dan terima kasih kepada fiksyen tulen ("The Lord from San Francisco" oleh I. Bunin).

Intonasi dan kandungan cerita sangat berbeza - daripada komik, ingin tahu (cerita awal oleh A.P. Chekhov) kepada tragis yang mendalam (cerita Kolyma oleh V. Shalamov). Cerita, seperti esei, sering digabungkan dalam kitaran ("Nota Pemburu" oleh I. Turgenev).

Novella(novel ital. berita) dalam banyak cara serupa dengan cerita dan dianggap seumpamanya, tetapi ia dibezakan oleh kedinamikan khas naratif, perubahan yang tajam dan sering tidak dijangka dalam perkembangan peristiwa. Selalunya, naratif dalam novel bermula dengan pengakhiran, dibina mengikut hukum penyongsangan, i.e. susunan terbalik, apabila denouement mendahului peristiwa utama ("Balas dendam yang dahsyat" oleh N. Gogol). Ciri binaan novel ini nanti akan dipinjam oleh genre detektif.

Perkataan "novella" mempunyai makna lain yang perlu diketahui oleh bakal peguam. Di Rom kuno, frasa "novellae leges" (undang-undang baru) ialah nama yang diberikan kepada undang-undang yang diperkenalkan selepas kodifikasi undang-undang rasmi (selepas keluaran Kod Theodosius II pada 438). Novel Justinian dan penggantinya, yang diterbitkan selepas edisi kedua Kod Justinian, kemudiannya membentuk sebahagian daripada korpus undang-undang Rom (Corpus iuris civillis). Dalam era moden, novel dipanggil undang-undang yang diserahkan kepada parlimen (dengan kata lain, draf undang-undang).

Kisah dongeng- Yang tertua daripada genre epik kecil, salah satu yang utama dalam karya lisan mana-mana orang. Ini adalah karya kecil yang mempunyai watak ajaib, mencabar atau setiap hari, di mana fiksyen ditekankan dengan jelas. Satu lagi ciri penting cerita rakyat ialah sifatnya yang membina: "Kisah dongeng adalah pembohongan, tetapi ada petunjuk di dalamnya, pengajaran untuk orang yang baik." Adalah menjadi kebiasaan untuk membahagikan cerita rakyat kepada sihir ("Kisah Puteri Katak"), setiap hari ("Bubur dari Kapak") dan cerita tentang haiwan ("pondok Zayushkina").

Dengan perkembangan sastera bertulis, cerita sastera muncul di mana motif tradisional dan kemungkinan simbolik cerita rakyat digunakan. Penulis Denmark Hans Christian Andersen (1805-1875) berhak dianggap sebagai klasik dalam genre cerita dongeng sastera, "The Little Mermaid", "The Princess and the Pea", "The Snow Queen", "The Steadfast Tin Soldier". ", "Shadow", "Thumbelina" disukai oleh banyak generasi pembaca, kedua-duanya sangat muda dan cukup matang. Dan ini jauh dari kebetulan, kerana kisah-kisah Andersen bukan sahaja luar biasa, dan kadang-kadang pengembaraan pahlawan yang aneh, ia mengandungi makna falsafah dan moral yang mendalam, disertakan dalam imej simbolik yang indah.

Dari kisah sastera Eropah pada abad ke-20, The Little Prince (1942) oleh penulis Perancis Antoine de Saint-Exupéry telah menjadi klasik. Dan "Chronicles of Narnia" yang terkenal (1950 - 1956) oleh penulis Inggeris Cl. Lewis dan "The Lord of the Rings" (1954-1955), juga oleh orang Inggeris JR Tolkien, ditulis dalam genre fantasi, yang boleh dipanggil transformasi moden cerita rakyat kuno.

Dalam kesusasteraan Rusia, yang tidak dapat ditandingi, tentu saja, adalah kisah-kisah A.S. Pushkin: "Tentang puteri mati dan tujuh pahlawan", "Tentang nelayan dan ikan", "Tentang Tsar Saltan ...", "Tentang ayam sabung emas", "Tentang imam dan pekerjanya Balda." Pencerita pengganti ialah P. Ershov, pengarang The Little Humpbacked Horse. E. Schwartz pada abad XX mencipta bentuk drama dongeng, salah seorang daripada mereka "The Bear" (nama lain ialah "An Ordinary Miracle") terkenal dengan banyak terima kasih kepada filem indah yang diarahkan oleh M. Zakharov.

Perumpamaan- juga genre cerita rakyat yang sangat kuno, tetapi, tidak seperti kisah dongeng, perumpamaan mengandungi monumen bertulis: Talmud, Bible, Al-Quran, monumen kesusasteraan Syria "Mengajar kepada Akhara". Perumpamaan ialah karya simbolik yang mengajar, dibezakan oleh keluhuran dan keseriusan kandungannya. Perumpamaan kuno, sebagai peraturan, adalah kecil dalam jumlah; mereka tidak mengandungi cerita terperinci tentang peristiwa atau ciri psikologi watak pahlawan.

Tujuan perumpamaan itu ialah peneguhan atau, seperti yang pernah mereka katakan, pengajaran kebijaksanaan. Dalam budaya Eropah, yang paling terkenal ialah perumpamaan dari Injil: tentang anak yang hilang, tentang orang kaya dan Lazarus, tentang hakim yang tidak adil, tentang orang kaya yang gila dan lain-lain. Kristus sering bercakap secara alegori kepada murid-muridnya, dan jika mereka tidak memahami maksud perumpamaan itu, dia menjelaskannya.

Ramai penulis beralih kepada genre perumpamaan, tidak selalu, sudah tentu, meletakkan makna keagamaan yang tinggi ke dalamnya, tetapi cuba untuk menyatakan beberapa pembangunan moralistik dalam bentuk alegori, seperti, sebagai contoh, L. Tolstoy dalam karyanya yang kemudian. Bawalah. V. Rasputin - Perpisahan kepada Ibu "juga boleh dipanggil perumpamaan terperinci, di mana penulis bercakap dengan penggera dan kesedihan tentang kemusnahan" ekologi hati nurani "seseorang. Kisah "The Old Man and the Sea" oleh E. Hemingway juga dianggap oleh ramai pengkritik sebagai tradisi perumpamaan sastera. Penulis terkenal Brazil moden Paulo Coelho juga menggunakan bentuk perumpamaan dalam novel dan ceritanya (novel "The Alchemist").

Cerita itu- genre sastera biasa, diwakili secara meluas dalam kesusasteraan dunia. Cerita ini menggambarkan beberapa episod penting dari kehidupan wira, sebagai peraturan, satu jalan cerita dan sebilangan kecil watak. Cerita-cerita dicirikan oleh ketepuan psikologi yang hebat, pengarang memberi tumpuan kepada pengalaman dan perubahan dalam mood watak-watak. Selalunya tema utama cerita menjadi cinta protagonis, contohnya, "White Nights" oleh F. Dostoevsky, "Asya" oleh I. Turgenev, "Mitya's Love" oleh I. Bunin. Novel juga boleh digabungkan ke dalam kitaran, terutamanya yang ditulis pada bahan autobiografi: "Kanak-kanak", "Remaja", "Remaja" oleh L. Tolstoy, "Kanak-kanak", "In People", "Universiti Saya" oleh A. Gorky. Intonasi dan tema cerita sangat pelbagai: tragis, menangani isu sosial dan moral yang akut ("Semuanya mengalir" oleh V. Grossman, "House on the Embankment" oleh Y. Trifonov), romantis, heroik ("Taras Bulba" oleh N. Gogol), falsafah , perumpamaan ("The Foundation Pit" oleh A. Platonov), nakal, komik ("Tiga dalam bot, tidak mengira anjing" oleh penulis Inggeris Jerome K. Jerome).

novel(Gotap Perancis. Pada asalnya, pada akhir Zaman Pertengahan, mana-mana karya yang ditulis dalam bahasa Romantik, berbanding yang ditulis dalam bahasa Latin) ialah karya epik utama di mana naratifnya tertumpu kepada nasib seseorang individu. Novel adalah genre epik yang paling sukar, yang dibezakan oleh sejumlah besar tema dan plot: cinta, sejarah, detektif, psikologi, hebat, sejarah, autobiografi, sosial, falsafah, satira, dll. Semua bentuk dan jenis novel ini disatukan oleh idea utamanya - idea keperibadian seseorang, keperibadian.

Novel ini dipanggil epik kehidupan peribadi, kerana ia menggambarkan hubungan yang pelbagai antara dunia dan manusia, masyarakat dan keperibadian. Realiti yang mengelilingi seseorang dipersembahkan dalam novel dalam konteks yang berbeza: sejarah, politik, sosial, budaya, kebangsaan, dll. Pengarang novel tertarik dengan bagaimana persekitaran mempengaruhi watak seseorang, bagaimana dia dibentuk, bagaimana hidupnya berkembang, sama ada dia berjaya mencari tujuannya dan menyedari dirinya.

Kemunculan genre ini dikaitkan oleh banyak orang kepada zaman dahulu, ini adalah "Daphnis dan Chloe" Long, "Keldai Emas" karya Apuleius, novel kesatria "Tristan dan Isolde".

Dalam karya-karya klasik kesusasteraan dunia, novel ini diwakili oleh banyak karya:

Jadual 2. Contoh novel klasik penulis asing dan Rusia (XIX, XX abad)

Novel terkenal penulis Rusia abad ke-19 .:

Pada abad ke-20, penulis Rusia mengembangkan dan memperbanyakkan tradisi pendahulu mereka yang hebat dan mencipta novel yang tidak kurang hebatnya:

Sudah tentu, tiada satu pun daripada penghitungan ini boleh berpura-pura lengkap dan menyeluruh, terutamanya dalam prosa kontemporari. Dalam hal ini, karya paling terkenal yang telah mengagungkan kedua-dua sastera tanah air dan nama penulis dinamakan.

Novel epik... Pada zaman dahulu, terdapat bentuk epik heroik: cerita rakyat, rune, epik, lagu. Ini ialah "Ramayana" dan "Mahabharata" India, "Beowulf" Anglo-Saxon, "Song of Roland", bahasa Jerman "Song of the Nibelungs", dll. Dalam karya-karya ini dalam bentuk ideal, sering dibesar-besarkan, jasa pahlawan itu ditinggikan. Puisi epik kemudiannya "Iliad" dan "Odyssey" oleh Homer, "Shah-name" oleh Ferdowsi, sambil mengekalkan watak mitologi epik awal, bagaimanapun, mempunyai hubungan yang jelas dengan sejarah sebenar, dan tema jalinan manusia. nasib dan kehidupan rakyat menjadi antara yang utama. Pengalaman orang dahulu kala akan menjadi permintaan pada abad XIX-XX, apabila penulis akan cuba memahami hubungan dramatik antara era dan keperibadian individu, bercakap tentang apa yang menguji moral, dan kadang-kadang jiwa manusia, tertakluk kepada masa pergolakan sejarah terbesar. Mari kita ingat baris F. Tyutchev: "Berbahagialah dia yang melawat dunia ini pada saat-saat yang menentukan." Formula romantis penyair secara realiti bermakna kemusnahan semua bentuk kehidupan yang lazim, kehilangan tragis dan impian yang tidak direalisasikan.

Bentuk novel epik yang kompleks membolehkan penulis meneroka masalah ini secara artistik secara keseluruhan dan percanggahan mereka.

Apabila kita bercakap tentang genre novel epik, sudah tentu, kita segera mengingati "Perang dan Keamanan" oleh L. Tolstoy. Contoh lain boleh dinamakan: "Quiet Don" oleh M. Sholokhov, "Life and Fate" oleh V. Grossman, "The Forsyte Saga" oleh penulis Inggeris Galsworthy; buku "Gone with the Wind" oleh penulis Amerika Margaret Mitchell juga boleh diklasifikasikan dengan genre ini dengan alasan yang besar.

Nama genre itu sendiri menunjukkan sintesis, gabungan dua prinsip asas di dalamnya: novel dan epik, i.e. dikaitkan dengan tema kehidupan seseorang individu dan tema sejarah umat. Dalam erti kata lain, novel epik menceritakan tentang nasib wira (sebagai peraturan, wira itu sendiri dan nasib mereka adalah rekaan, dicipta oleh pengarang) dengan latar belakang dan berhubung rapat dengan peristiwa sejarah yang mencipta zaman. Jadi, dalam "Perang dan Keamanan" - ini adalah nasib keluarga individu (Rostovs, Bolkonskys), pahlawan tercinta (Putera Andrei, Pierre Bezukhov, Natasha dan Puteri Marya) dalam tempoh sejarah permulaan abad ke-19, Patriotik Perang 1812, titik perubahan bagi Rusia dan seluruh Eropah ... Dalam buku Sholokhov - peristiwa Perang Dunia Pertama, dua revolusi dan perang saudara berdarah secara tragis menceroboh kehidupan ladang Cossack, keluarga Melekhov, nasib watak utama: Grigory, Aksinya, Natalia. V. Grossman bercakap tentang Perang Patriotik Besar dan acara utamanya - Pertempuran Stalingrad, mengenai tragedi Holocaust. Tema sejarah dan keluarga juga saling berkaitan dalam Life and Fate: pengarang menjejaki sejarah Shaposhnikovs, cuba memahami mengapa nasib ahli keluarga ini berkembang dengan sangat berbeza. Galsworthy menerangkan kehidupan keluarga Forsyte semasa era Victoria legenda di England. Margaret Mitchell ialah peristiwa penting dalam sejarah AS, Perang Saudara Utara-Selatan, yang secara drastik mengubah kehidupan banyak keluarga dan nasib heroin paling terkenal dalam kesusasteraan Amerika - Scarlett O'Hara.

Genre sastera dramatik

Tragedi(lagu kambing Greek tragodia) ialah genre dramatik yang berasal dari Greece purba. Kemunculan teater dan tragedi purba dikaitkan dengan penyembahan kultus dewa kesuburan dan wain, Dionysus. Sejumlah cuti didedikasikan untuknya, di mana permainan sihir ritual dimainkan dengan mummers, satyr, yang diwakili oleh orang Yunani kuno dalam bentuk makhluk seperti kambing berkaki dua. Diandaikan bahawa penampilan para satir yang menyanyikan lagu-lagu pujian untuk kemuliaan Dionysus inilah yang memberikan nama yang aneh kepada genre serius ini dalam terjemahan. Persembahan teater di Greece Purba diberi kepentingan keagamaan yang ajaib, dan teater, yang dibina dalam bentuk arena terbuka yang besar, sentiasa terletak di tengah-tengah bandar dan merupakan salah satu tempat awam utama. Penonton kadangkala menghabiskan sepanjang hari di sini: makan, minum, dengan lantang menyatakan persetujuan atau kecaman mereka terhadap persembahan yang dipersembahkan. Zaman kegemilangan tragedi Yunani kuno dikaitkan dengan nama tiga tragedi hebat: ini adalah Aeschylus (525-456 SM) - pengarang tragedi "Chained Prometheus", "Oresteia", dll.; Sophocles (496-406 SM) - pengarang "King Oedipus", "Antigone" dan lain-lain; dan Euripides (480-406 SM) - pencipta Medea, Troyanok, dll. Ciptaan mereka akan kekal sebagai contoh genre selama berabad-abad, mereka akan cuba meniru mereka, tetapi mereka akan kekal tiada tandingan. Sebahagian daripada mereka ("Antigone", "Medea") dipentaskan di atas pentas hari ini.

Apakah ciri utama tragedi itu? Yang utama ialah kehadiran konflik global yang tidak dapat diselesaikan: dalam tragedi kuno, ini adalah konfrontasi antara nasib, nasib, di satu pihak, dan seseorang, kehendaknya, pilihan bebas, di pihak yang lain. Dalam tragedi era kemudian, konflik ini mengambil watak moral dan falsafah, sebagai konfrontasi antara kebaikan dan kejahatan, kesetiaan dan pengkhianatan, cinta dan kebencian. Ia mempunyai watak mutlak, wira yang merangkumi kuasa lawan tidak bersedia untuk perdamaian, kompromi, dan oleh itu sering terdapat banyak kematian di penghujung tragedi. Ini adalah bagaimana tragedi penulis drama Inggeris yang hebat William Shakespeare (1564-1616) dibina, mari kita ingat yang paling terkenal: Hamlet, Romeo dan Juliet, Othello, King Lear, Macbeth, Julius Caesar, dll.

Dalam tragedi penulis drama Perancis abad ke-17 Corneille (Horace, Polyeuct) dan Racine (Andromache, Britannica), konflik ini menerima tafsiran yang berbeza - sebagai konflik tugas dan perasaan, rasional dan emosi dalam jiwa protagonis, iaitu. ... memperoleh tafsiran psikologi.

Yang paling terkenal dalam kesusasteraan Rusia ialah tragedi romantis "Boris Godunov" oleh A.S. Pushkin, berdasarkan bahan sejarah. Dalam salah satu ciptaan terbaiknya, penyair secara mendadak membangkitkan masalah "masalah sebenar" negara Moscow - reaksi berantai penipu dan "kekejaman yang dahsyat" yang orang bersedia untuk demi kuasa. Masalah lain ialah sikap rakyat terhadap segala yang berlaku dalam negara. Imej orang "senyap" dalam final "Boris Godunov" adalah simbolik, dan perbincangan berterusan hingga hari ini tentang apa yang Pushkin ingin katakan. Opera dengan nama yang sama oleh M.P. Mussorgsky ditulis berdasarkan tragedi itu, yang telah menjadi karya agung opera klasik Rusia.

Komedi(Greek komos - orang ramai yang ceria, oda - lagu) - genre yang berasal dari Yunani Purba lewat sedikit daripada tragedi (abad V SM). Pelawak yang paling terkenal pada masa itu ialah Aristophanes ("Awan", "Katak", dll.).

Dalam komedi dengan bantuan satira dan jenaka, i.e. komik, maksiat moral diejek: kemunafikan, kebodohan, ketamakan, dengki, pengecut, leka. Komedi biasanya topikal, i.e. juga ditujukan kepada isu sosial, mendedahkan kepincangan pihak berkuasa. Bezakan antara sitkom dan komedi watak. Pada yang pertama, tipu daya licik, rangkaian peristiwa ("The Comedy of Errors" oleh Shakespeare) adalah penting, yang kedua - watak-watak pahlawan, kebodohan mereka, berat sebelah, seperti dalam komedi "The Minor" oleh D. Fonvizin, "Bourgeois in the Nobility", "Tartuffe", milik genre klasik, penulis komedi Perancis abad ke-17 Jean Baptiste Moliere. Dalam drama Rusia, komedi satira dengan kritikan sosial yang tajam, seperti, sebagai contoh, "The Inspector General" oleh N. Gogol, "Crimson Island" oleh M. Bulgakov, ternyata sangat diminati. Banyak komedi indah dicipta oleh A. Ostrovsky ("Serigala dan Kambing biri-biri", "Hutan", "Wang Gila", dll.).

Genre komedi sentiasa popular di kalangan orang ramai, mungkin kerana ia mengesahkan kemenangan keadilan: di akhir, maksiat pastinya harus dihukum, dan kebajikan mesti menang.

Drama- genre yang agak "muda" yang muncul di Jerman pada abad ke-18 sebagai lesedrama (Jerman) - drama untuk membaca. Drama ini ditujukan kepada kehidupan seharian seseorang dan masyarakat, kehidupan seharian, hubungan keluarga. Drama terutamanya berminat dengan dunia dalaman seseorang; ia adalah yang paling psikologi dari semua genre dramatik. Pada masa yang sama, ia adalah genre pentas yang paling sastera, contohnya, drama A. Chekhov sebahagian besarnya dianggap lebih sebagai teks untuk membaca, dan bukan sebagai persembahan teater.

Genre lirik sastera

Pembahagian kepada genre dalam lirik tidak mutlak, kerana perbezaan antara genre dalam kes ini adalah bersyarat dan tidak begitu jelas seperti dalam epik dan drama. Selalunya, kami membezakan karya lirik dengan ciri tematiknya: landskap, cinta, falsafah, mesra, lirik intim, dsb. Walau bagaimanapun, anda boleh menamakan beberapa genre yang mempunyai ciri individu yang jelas: elegi, sonnet, epigram, mesej, epitaph.

Elegi(elegos Greek. lagu plaintif) - puisi sederhana panjang, sebagai peraturan, moral-falsafah, cinta, kandungan pengakuan.

Genre ini berasal dari zaman dahulu, dan distich elegiac dianggap sebagai ciri utamanya, i.e. membahagikan puisi kepada rangkap, contohnya:

Saat yang dirindui telah tiba: kerja saya selama bertahun-tahun telah berakhir, Mengapa kesedihan yang tidak dapat difahami diam-diam mengganggu saya?

A. Pushkin

Dalam puisi abad ke-19-20, pembahagian kepada kuplet tidak lagi menjadi keperluan yang begitu ketat, kini ciri-ciri semantik yang dikaitkan dengan asal usul genre lebih ketara. Pada asasnya, elegi kembali kepada bentuk "Ratapan" pengebumian Purba, di mana, meratapi si mati, pada masa yang sama mengenang jasanya yang luar biasa. Asal ini telah menentukan ciri utama elegi - gabungan kesedihan dengan iman, penyesalan dengan harapan, penerimaan melalui kesedihan. Wira lirik elegi menyedari ketidaksempurnaan dunia dan manusia, dosa dan kelemahannya sendiri, tetapi tidak menolak kehidupan, tetapi menerimanya dalam semua keindahannya yang tragis. Contoh yang menarik ialah "Elegy" oleh A.S. Pushkin:

Tahun gila pudar keseronokan

Sukar untuk saya seperti mabuk samar-samar.

Tetapi seperti wain adalah kesedihan hari-hari yang telah berlalu

Dalam jiwa saya, semakin tua semakin kuat.

Jalan saya membosankan. Menjanjikan saya susah payah dan kesedihan

Laut bergelora yang datang.

Tetapi saya tidak mahu mati, oh kawan-kawan;

Saya mahu hidup untuk berfikir dan menderita;

Dan saya tahu saya akan menikmati

Antara kesedihan, kebimbangan dan kebimbangan:

Kadang-kadang saya akan bersenang-senang dalam keharmonian lagi,

Saya akan menitiskan air mata atas fiksyen,

Dan mungkin - untuk matahari terbenam yang menyedihkan saya

Cinta akan bersinar dengan senyuman perpisahan.

Soneta(sonetto ital. lagu) - bentuk puisi "pepejal" yang dipanggil, yang mempunyai peraturan pembinaan yang ketat. Soneta mempunyai 14 baris, dibahagikan kepada dua kuatrain (quatrains) dan dua tiga rangkap (tercets). Dalam quatrain, hanya dua rima diulang, dalam tercet, dua atau tiga. Kaedah berima juga mempunyai keperluan mereka sendiri, yang bagaimanapun, berbeza-beza.

Tempat kelahiran soneta adalah Itali; genre ini juga diwakili dalam puisi Inggeris dan Perancis. Coryphaeus genre dianggap sebagai penyair Itali abad XIV Petrarch. Dia mendedikasikan semua sonetanya kepada Donna Laura yang dikasihinya.

Dalam kesusasteraan Rusia, soneta A.S. Pushkin tetap tiada tandingannya, soneta yang indah juga dicipta oleh penyair Zaman Perak.

Epigram(Epigramma Yunani, inskripsi) ialah puisi pendek yang mengejek, biasanya ditujukan kepada orang tertentu. Epigram ditulis oleh ramai penyair, kadangkala meningkatkan bilangan penyayang dan juga musuh mereka. Epigram pada Count Vorontsov berpaling untuk A.S. Kebencian Pushkin terhadap bangsawan ini dan, akhirnya, pengusiran dari Odessa ke Mikhailovskoe:

Popu-tuanku, separuh pedagang,

Separuh arif, separuh jahil,

Setengah kejam, tetapi ada harapan

Itu akan lengkap akhirnya.

Ayat mengejek boleh didedikasikan bukan sahaja kepada orang tertentu, tetapi juga kepada penerima umum, seperti, sebagai contoh, dalam epigram A. Akhmatova:

Bolehkah Biche seperti Dante mencipta,

Adakah Laura untuk mengagungkan bahang cinta?

Saya mengajar wanita bercakap ...

Tetapi, Tuhan, bagaimana untuk membungkam mereka!

Terdapat juga kes yang diketahui tentang sejenis pertarungan epigram. Apabila peguam terkenal Rusia A.F. Kuda-kuda telah dilantik ke Senat, orang-orang yang bersimpati memanjangkan epigram jahat kepadanya:

Caligula membawa seekor kuda ke Senat,

Dia berdiri, terselit baldu dan emas.

Tetapi saya akan berkata, kita mempunyai kesewenang-wenangan yang sama:

Saya membaca di akhbar bahawa Koni berada di Dewan Negara.

Ke mana A.F. Kuda, yang dibezakan oleh bakat sastera yang luar biasa, menjawab:

(Epitafia Yunani, batu nisan) - puisi-perpisahan kepada orang yang telah mati, bertujuan untuk batu nisan. Pada mulanya, perkataan ini digunakan secara literal, tetapi kemudiannya memperoleh makna yang lebih kiasan. Sebagai contoh, I. Bunin mempunyai miniatur lirik dalam prosa "Epitaph", yang didedikasikan untuk berpisah dengan jalan untuk penulis, tetapi selama-lamanya surut ke estet Rusia masa lalu. Secara beransur-ansur, epitaph diubah menjadi puisi dedikasi, puisi perpisahan ("Karangan Bunga untuk Orang Mati" oleh A. Akhmatova). Mungkin puisi yang paling terkenal seperti ini dalam puisi Rusia ialah The Death of a Poet oleh M. Lermontov. Contoh lain ialah Epitaph M. Lermontov, yang didedikasikan untuk ingatan Dmitry Venevitinov, seorang penyair dan ahli falsafah yang meninggal dunia pada usia dua puluh dua tahun.

Genre kesusasteraan Lyro-epic

Terdapat karya di mana beberapa ciri lirik dan epik digabungkan, seperti yang dibuktikan oleh nama kumpulan genre ini. Ciri utama mereka ialah gabungan naratif, i.e. cerita tentang peristiwa, dengan pemindahan perasaan dan pengalaman pengarang. Ia adalah kebiasaan untuk merujuk kepada genre lirik-epik puisi, ode, balada, fabel .

sajak(poeo Greek. Saya cipta saya cipta) adalah genre sastera yang sangat terkenal. Perkataan "puisi" mempunyai banyak makna, baik secara langsung mahupun kiasan. Pada zaman dahulu, puisi dipanggil karya epik besar, yang hari ini dianggap sebagai epik (puisi Homer yang disebutkan di atas).

Dalam kesusasteraan abad XIX-XX, puisi adalah karya puitis yang besar dengan plot terperinci, yang kadang-kadang dipanggil cerita puitis. Puisi itu mempunyai watak, plot, tetapi tujuannya agak berbeza daripada dalam cerita prosaik: dalam puisi itu mereka membantu ekspresi diri lirik pengarang. Ini mungkin mengapa penyair romantis sangat menyukai genre ini ("Ruslan dan Lyudmila" oleh Pushkin awal, "Mtsyri" dan "Demon" oleh M. Lermontov, "A Cloud in Pants" oleh V. Mayakovsky).

Oh ya(lagu Yunani oda) ialah genre yang diwakili terutamanya dalam kesusasteraan abad ke-18, walaupun ia juga mempunyai asal usul kuno. Ode itu kembali kepada genre purba dithyramba - lagu yang memuliakan wira negara atau pemenang Sukan Olimpik, i.e. seorang yang cemerlang.

Penyair abad ke-18-19 mencipta odes pada pelbagai kesempatan. Ini boleh menjadi rayuan kepada raja: M. Lomonosov mendedikasikan pujiannya kepada Empress Elizabeth, G. Derzhavin kepada Catherine P. Memuliakan perbuatan mereka, para penyair secara serentak mengajar permaisuri dan memberi inspirasi kepada mereka dengan idea politik dan sivik yang penting.

Peristiwa bersejarah yang penting juga boleh menjadi subjek pengagungan dan kekaguman dalam sebuah ode. G. Derzhavin selepas penangkapan tentera Rusia di bawah pimpinan A.V. Kubu Turki Suvorov, Izmail menulis ode "Guntur kemenangan, bunyi!", Yang untuk beberapa waktu adalah lagu tidak rasmi Empayar Rusia. Terdapat sejenis pujian rohani: "Morning Meditation on God's Greatness" oleh M. Lomonosov, "Tuhan" oleh G. Derzhavin. Idea sivil, politik juga boleh menjadi asas ode ("Liberty" oleh A. Pushkin).

Genre ini mempunyai sifat didaktik yang jelas; ia boleh dipanggil khutbah puitis. Oleh itu, ia dibezakan oleh kesungguhan suku kata dan ucapan, penceritaan yang tidak tergesa-gesa. Contohnya adalah petikan terkenal dari "Ode pada hari permaisurinya Empress Elizabeth Petrovna ke takhta All-Russian pada tahun 1747" oleh M. Lomonosov, ditulis pada tahun apabila Elizabeth meluluskan piagam baharu Akademi Sains, dengan ketara meningkatkan dana untuk penyelenggaraannya. Perkara utama untuk ensiklopedia Rusia yang hebat adalah pencerahan generasi muda, pembangunan sains dan pendidikan, yang, menurut keyakinan penyair, akan menjadi jaminan kemakmuran Rusia.

Balada(balare provence - tarian) menikmati populariti tertentu pada awal abad ke-19, dalam puisi sentimental dan romantis. Genre ini berasal dari Provence Perancis sebagai tarian rakyat kandungan cinta dengan korus-pengulangan wajib. Kemudian balada itu berhijrah ke England dan Scotland, di mana ia memperoleh ciri-ciri baru: kini ia adalah lagu heroik dengan plot legenda dan wira, sebagai contoh, balada terkenal tentang Robin Hood. Satu-satunya perkara yang tidak berubah ialah kehadiran refrain (pengulangan), yang juga penting untuk balada yang ditulis nanti.

Penyair abad ke-18 dan awal abad ke-19 jatuh cinta dengan balada kerana ekspresinya yang istimewa. Jika kita menggunakan analogi dengan genre epik, balada boleh dipanggil novella puitis: ia memerlukan cinta yang luar biasa, legenda, plot heroik yang menangkap imaginasi. Selalunya, imej dan motif yang hebat, malah mistik digunakan dalam balada: mari kita ingat "Lyudmila" dan "Svetlana" yang terkenal oleh V. Zhukovsky. Tidak kurang terkenal ialah "Song of the Prophetic Oleg" A. Pushkin, "Borodino" M. Lermontov.

Dalam lirik Rusia abad ke-20, balada adalah puisi cinta romantis, sering diiringi dengan iringan muzik. Balada sangat popular dalam puisi "bardic", yang lagunya boleh dipanggil balada Yuri Vizbor, yang disukai ramai.

Cerita dongeng(cerita basnia lat.) - cerpen dalam pantun atau prosa yang bersifat didaktik, menyindir. Sejak zaman purba, unsur-unsur genre ini telah hadir dalam cerita rakyat semua orang sebagai cerita tentang haiwan, dan kemudian berubah menjadi anekdot. Dongeng sastera terbentuk di Yunani Kuno, pengasasnya ialah Aesop (abad ke-5 SM), selepas namanya ucapan alegori itu mula dipanggil "bahasa Aesopian". Dalam dongeng, sebagai peraturan, terdapat dua bahagian: plot dan yang bermoral. Yang pertama mengandungi cerita tentang beberapa kejadian lucu atau tidak masuk akal, yang kedua - moral, pengajaran. Wira dongeng selalunya haiwan, di bawah topengnya terdapat maksiat moral dan sosial yang boleh dikenali yang diejek. Fabulist yang hebat ialah Lafontaine (Perancis, abad ke-17), Lessing (Jerman, abad ke-18). Di Rusia, I.A. Krylov (1769-1844). Kelebihan utama dongengnya ialah bahasa rakyat yang hidup, gabungan kelicikan dan kebijaksanaan dalam intonasi pengarang. Plot dan imej kebanyakan dongeng I. Krylov kelihatan agak dikenali sehingga hari ini.

Karya dramatik (Aksi gr. lain), seperti karya epik, mencipta semula siri peristiwa, tindakan orang dan hubungan mereka. Seperti pengarang karya epik, penulis drama tertakluk kepada "undang-undang untuk membangunkan tindakan." Tetapi tidak ada imej naratif-deskriptif yang terperinci dalam drama itu.

Sebenarnya ucapan penulis adalah bantu dan episodik di sini. Ini ialah senarai watak, kadangkala disertakan dengan penerangan ringkas, penetapan masa dan tempat tindakan; penerangan tentang latar belakang pentas pada permulaan lakonan dan episod, serta ulasan tentang ucapan individu tentang watak dan petunjuk pergerakan, gerak isyarat, mimik muka, intonasi (remarks) mereka.

Semua ini membentuk teks sampingan karya dramatik, manakala teks utamanya ialah rangkaian pernyataan watak, ucapan dan monolog mereka.

Oleh itu had tertentu kemungkinan artistik drama. Penulis-pengarang drama hanya menggunakan sebahagian daripada cara subjek-bergambar yang tersedia kepada pencipta novel atau epik, cerpen atau cerita. Dan watak-watak watak didedahkan dalam drama dengan kurang kebebasan dan kesempurnaan berbanding dalam epik. "Saya menganggap drama," kata T. Mann, "sebagai seni bayang, dan saya hanya merasakan orang yang diceritakan sebagai imej volumetrik, integral, nyata dan plastik."

Pada masa yang sama, penulis drama, tidak seperti pengarang karya epik, terpaksa mengehadkan diri mereka kepada jumlah teks lisan yang memenuhi keperluan seni teater. Masa aksi yang digambarkan dalam drama mesti sesuai dengan kerangka ketat masa pentas.

Dan persembahan dalam bentuk biasa untuk teater Eropah Baharu berlangsung, seperti yang anda ketahui, tidak lebih daripada tiga hingga empat jam. Dan itu memerlukan teks dramatik bersaiz sesuai.

Masa peristiwa yang diterbitkan semula oleh penulis drama semasa episod pentas tidak dimampatkan atau diregangkan; watak-watak drama bertukar-tukar kenyataan tanpa sebarang selang masa yang ketara, dan kenyataan mereka, seperti yang dinyatakan oleh K.S. Stanislavsky, membentuk garis yang kukuh dan berterusan.

Jika dengan bantuan penceritaan aksi itu ditangkap sebagai sesuatu yang lampau, maka rangkaian dialog dan monolog dalam drama itu mewujudkan ilusi masa kini. Kehidupan di sini bercakap seolah-olah dari wajahnya sendiri: antara apa yang digambarkan dan pembaca tidak ada perantara-perawi.

Aksi itu dicipta semula dalam drama dengan sangat spontan. Ia mengalir seolah-olah di hadapan mata pembaca. “Semua bentuk naratif, - tulis F. Schiller, - memindahkan masa kini ke masa lalu; segala yang dramatik menjadikan masa lalu hadir."

Drama ini tertumpu kepada keperluan pentas. Dan teater adalah seni massa awam. Persembahan itu secara langsung mempengaruhi ramai orang, seolah-olah bergabung sebagai tindak balas kepada apa yang berlaku di hadapan mereka.

Tujuan drama itu, menurut Pushkin, adalah untuk bertindak ke atas orang ramai, untuk melibatkan rasa ingin tahu mereka "dan untuk ini untuk menangkap" kebenaran keghairahan ":" Drama itu dilahirkan di dataran dan merupakan hiburan yang popular. Rakyat, seperti kanak-kanak, memerlukan hiburan, tindakan. Drama itu memberikannya kejadian yang luar biasa dan pelik. Rakyat menuntut perasaan yang kuat. Ketawa, kasihan dan seram adalah tiga rentetan imaginasi kita, digoncang oleh seni drama."

Terutamanya hubungan rapat dikaitkan dengan jenis sastera dramatik dengan sfera ketawa, kerana teater itu disatukan dan dibangunkan dalam hubungan yang tidak dapat dipisahkan dengan perayaan besar-besaran, dalam suasana bermain dan menyeronokkan. "Genre komik adalah universal untuk zaman dahulu," kata O. M. Freidenberg.

Perkara yang sama boleh dikatakan tentang teater dan drama negara dan era lain. T. Mann betul apabila dia memanggil "naluri pelawak" "prinsip asas semua kemahiran dramatik."

Tidak menghairankan jika drama ini cenderung ke arah persembahan luaran yang berkesan dari yang digambarkan. Imejnya ternyata hiperbolik, menarik, terang secara teater. "Teater memerlukan garis lebar yang dibesar-besarkan baik dalam suara, bacaan, dan dalam gerak isyarat," tulis N. Boileau. Dan sifat seni persembahan ini selalu meninggalkan kesan pada tingkah laku wira karya dramatik.

"Seperti dalam teater yang dimainkannya," Bubnov ("At the Bottom" oleh Gorky) mengulas tentang omelan kegilaan Tick yang terdesak, yang, dengan pencerobohan yang tidak dijangka ke dalam perbualan umum, memberinya kesan teater.

Ketara (sebagai ciri jenis kesusasteraan dramatik) Tolstoy mencela W. Shakespeare kerana banyaknya hiperbola, yang didakwa "melanggar kemungkinan kesan artistik." "Daripada perkataan pertama, - dia menulis tentang tragedi" King Lear "- seseorang boleh melihat keterlaluan: keterlaluan peristiwa, keterlaluan perasaan dan keterlaluan ekspresi."

Dalam menilai karya Shakespeare, L. Tolstoy adalah salah, tetapi idea tentang kepatuhan penulis drama Inggeris yang hebat terhadap hiperbola teater adalah betul sepenuhnya. Apa yang telah dikatakan mengenai "King Lear" tanpa sebab yang kurang boleh dikaitkan dengan komedi dan tragedi kuno, karya dramatik klasikisme, dengan lakonan F. Schiller dan W. Hugo, dsb.

Pada abad ke-19 dan ke-20, apabila keinginan untuk keaslian setiap hari wujud dalam kesusasteraan, konvensyen yang wujud dalam drama menjadi kurang jelas, mereka sering dikurangkan kepada minimum. Pada asal-usul fenomena ini adalah apa yang dipanggil "drama borjuasi" abad ke-18, pencipta dan ahli teorinya ialah D. Diderot dan G.E. Kurang.

Karya penulis drama Rusia terbesar abad XIX. dan permulaan abad XX - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov dan M. Gorky - dibezakan oleh kebolehpercayaan bentuk kehidupan yang dicipta semula. Tetapi walaupun Penulis Drama ditetapkan pada kebolehpercayaan, plot, hiperbola psikologi dan pertuturan kekal.

Konvensyen teater membuat diri mereka terasa walaupun dalam drama Chekhov, yang menunjukkan had maksimum "seperti hidup". Mari kita lihat adegan akhir Three Sisters. Seorang wanita muda, sepuluh hingga lima belas minit yang lalu, berpisah dengan orang yang disayangi, mungkin selama-lamanya. Lagi lima minit yang lalu mengetahui tentang kematian tunangnya. Oleh itu, mereka, bersama-sama dengan kakak perempuan ketiga, meringkaskan keputusan moral dan falsafah masa lalu, mencerminkan bunyi perarakan tentera tentang nasib generasi mereka, tentang masa depan umat manusia.

Tidak mustahil untuk membayangkan ini berlaku dalam realiti. Tetapi kami tidak menyedari kemustahilan pengakhiran The Three Sisters, kerana kami sudah terbiasa dengan fakta bahawa drama secara signifikan mengubah bentuk kehidupan orang.

Perkara di atas meyakinkan kesahihan penghakiman A. S. Pushkin (dari artikelnya yang telah disebutkan) bahawa "intipati seni dramatik tidak termasuk kebolehpercayaan"; “Membaca sajak, novel, kita sering lupa dan percaya bahawa kejadian yang diterangkan itu bukan rekaan, tetapi kebenaran.

Dalam sebuah ode, dalam sebuah elegi, kita boleh berfikir bahawa penyair itu menggambarkan perasaan sebenar dalam keadaan sebenar. Tetapi di mana kredibiliti dalam sebuah bangunan terbahagi kepada dua bahagian, salah satunya dipenuhi penonton yang telah bersetuju."

Peranan yang paling penting dalam karya dramatik tergolong dalam konvensyen pengungkapan diri wira, yang dialog dan monolognya, sering tepu dengan kata-kata mutiara dan maksim, ternyata jauh lebih luas dan berkesan daripada ucapan yang boleh diucapkan dalam bentuk yang serupa. situasi kehidupan.

Replika "ke sisi" adalah bersyarat, yang, seolah-olah, tidak wujud untuk watak-watak lain di atas pentas, tetapi jelas boleh didengari oleh penonton, serta monolog yang diucapkan oleh wira sahaja, bersendirian dengan diri mereka sendiri, yang merupakan kaedah pentas semata-mata untuk mengeluarkan ucapan dalaman (terdapat banyak monolog seperti dalam tragedi purba dan dalam drama zaman moden).

Penulis drama, menubuhkan sejenis eksperimen, menunjukkan bagaimana seseorang akan menyatakan dirinya jika dalam kata-kata yang diucapkan dia menyatakan perasaannya dengan kesempurnaan dan kecerahan maksimum. Dan ucapan dalam karya dramatik sering mendapat persamaan dengan ucapan artistik-lirik atau pidato: wira di sini cenderung untuk mengekspresikan diri mereka sebagai penyair improvisasi atau mahir pengucapan awam.

Oleh itu, Hegel sebahagiannya betul, menganggap drama itu sebagai sintesis prinsip epik (kejadian) dan lirik (ungkapan pertuturan).

Drama mempunyai, seolah-olah, dua kehidupan dalam seni: teater dan sastera itu sendiri. Membentuk asas dramatik persembahan, dalam komposisi mereka, karya dramatik juga dilihat oleh penonton membaca.

Tetapi ini tidak selalu berlaku. Pembebasan drama dari pentas dilakukan secara beransur-ansur - selama beberapa abad dan berakhir secara relatif baru-baru ini: pada abad ke-18-19. Contoh drama yang penting di dunia (dari zaman dahulu hingga abad ke-17) pada masa penciptaannya secara praktikal tidak diiktiraf sebagai karya sastera: ia hanya wujud sebagai sebahagian daripada seni persembahan.

Baik W. Shakespeare mahupun J. B. Moliere tidak dianggap oleh rakan seangkatan mereka sebagai penulis. "Penemuan" Shakespeare sebagai penyair dramatik yang hebat pada separuh kedua abad ke-18 memainkan peranan yang menentukan dalam menyatukan konsep drama sebagai karya yang bertujuan bukan sahaja untuk pengeluaran pentas, tetapi juga untuk membaca.

Pada abad XIX. (terutama pada separuh masa pertama) kelebihan sastera drama itu sering diletakkan di atas pentas. Jadi, Goethe percaya bahawa "karya Shakespeare bukan untuk mata badan," dan Griboyedov memanggil keinginannya untuk mendengar puisi "Woe from Wit" dari pentas "kebudak-budakan".

Apa yang dipanggil Lesedrama (drama untuk membaca), yang dicipta dengan tumpuan terutamanya pada persepsi dalam membaca, telah tersebar luas. Begitulah Faust Goethe, karya dramatik Byron, tragedi kecil Pushkin, drama Turgenev, yang penulis katakan: "Lakonan saya, tidak memuaskan di atas pentas, mungkin menarik untuk dibaca."

Tiada perbezaan asas antara Lesedrama dan drama yang diarahkan oleh pengarang untuk pementasan produksi. Drama yang dihasilkan untuk bacaan selalunya berpotensi berasaskan pentas. Dan teater (termasuk yang moden) secara gigih mencari dan kadang-kadang mencari kunci kepada mereka, buktinya adalah kejayaan pementasan "Sebulan di Negara" Turgenev (pertama sekali, ini adalah persembahan pra-revolusi Moscow yang terkenal. Teater Seni) dan banyak (walaupun jauh dari sentiasa berjaya) bacaan pentas tragedi kecil Pushkin pada abad XX.

Kebenaran lama tetap berkuat kuasa: yang paling penting, tujuan utama drama adalah pentas. "Hanya dengan persembahan pentas, - kata A. N. Ostrovsky, - fiksyen dramatik pengarang menerima bentuk yang lengkap dan menghasilkan tindakan moral yang tepat, pencapaian yang telah ditetapkan oleh pengarang sendiri sebagai matlamat".

Penciptaan persembahan berdasarkan karya dramatik dikaitkan dengan penyiapan kreatifnya: pelakon mencipta lukisan intonasi-plastik peranan yang dimainkan, artis menghiasi ruang pentas, pengarah mengembangkan mise-en-scenes. Dalam hal ini, konsep permainan agak berubah (sesetengah pihaknya diberi lebih perhatian, yang lain - kurang perhatian), sering dikonkritkan dan diperkaya: persembahan pentas membawa warna semantik baru ke dalam drama.

Pada masa yang sama, prinsip kesetiaan dalam membaca sastera adalah amat penting bagi teater. Pengarah dan pelakon diminta untuk menyampaikan karya yang dipentaskan kepada penonton selengkap mungkin. Kesetiaan kepada pembacaan pentas berlaku apabila pengarah dan pelakon memahami secara mendalam karya dramatik dalam ciri substantif, genre dan gaya utamanya.

Persembahan pentas (serta adaptasi filem) adalah sah hanya dalam kes-kes di mana terdapat persetujuan (walaupun relatif) antara pengarah dan pelakon dengan julat idea penulis-pengarang drama, apabila pelakon pentas dengan teliti memperhatikan maksud karya berperingkat, kepada keanehan genrenya, ciri gayanya dan kepada teks itu sendiri.

Dalam estetika klasik abad ke-18-19, khususnya oleh Hegel dan Belinsky, drama (terutamanya genre tragedi) dilihat sebagai bentuk ciptaan sastera tertinggi: sebagai "mahkota puisi".

Beberapa era seni sebenarnya telah menunjukkan diri mereka terutamanya dalam seni drama. Aeschylus dan Sophocles semasa zaman kegemilangan budaya purba, Moliere, Racine dan Cornelle semasa zaman klasikisme tidak dapat ditandingi dalam kalangan pengarang karya epik.

Kerja Goethe adalah penting dalam hal ini. Semua genera sastera tersedia untuk penulis Jerman yang hebat, tetapi dia menobatkan hidupnya dalam seni dengan penciptaan karya dramatik - Faust yang abadi.

Pada abad yang lalu (sehingga abad ke-18), drama bukan sahaja berjaya bersaing dengan epik, tetapi sering menjadi bentuk utama pembiakan artistik kehidupan dalam ruang dan masa.

Terdapat beberapa sebab untuk ini. Pertama, seni teater memainkan peranan yang besar, boleh diakses (berbanding dengan buku tulisan tangan dan bercetak) kepada lapisan masyarakat yang paling luas. Kedua, sifat-sifat karya dramatik (penggambaran watak-watak dengan ciri-ciri yang jelas, pembiakan nafsu manusia, graviti terhadap kesedihan dan aneh) dalam zaman "pra-realistik" sepenuhnya sepadan dengan kecenderungan seni umum dan sastera umum.

Dan walaupun pada abad XIX-XX. novel sosio-psikologi, genre sejenis kesusasteraan epik, telah berpindah ke barisan hadapan sastera; karya dramatik masih memegang tempat yang dihormati.

V.E. Teori Kesusasteraan Khalizev. tahun 1999

Di satu pihak, apabila mengerjakan drama, cara digunakan yang berada dalam simpanan penulis, tetapi, sebaliknya, karya itu tidak seharusnya sastera. Pengarang menerangkan peristiwa itu supaya orang yang akan membaca ujian dapat melihat segala yang berlaku dalam khayalannya. Sebagai contoh, bukannya "mereka duduk di bar untuk masa yang sangat lama," anda boleh menulis "mereka minum enam bir," dan seterusnya.

Dalam drama, apa yang berlaku tidak ditunjukkan melalui refleksi dalaman, tetapi melalui tindakan luaran. Lebih-lebih lagi, semua peristiwa berlaku pada masa sekarang.

Juga, sekatan tertentu dikenakan ke atas jumlah kerja, sejak ia mesti dipersembahkan di atas pentas dalam masa yang ditetapkan (sehingga maksimum 3-4 jam).

Tuntutan drama sebagai seni pentas meninggalkan kesan pada tingkah laku, gerak isyarat, dan kata-kata watak, yang sering dibesar-besarkan. Apa yang tidak boleh berlaku dalam hidup dalam beberapa jam, dalam drama ia boleh berlaku. Pada masa yang sama, penonton tidak akan terkejut dengan konvensional, ketidakmungkinan, kerana genre ini pada mulanya membolehkan mereka pada tahap tertentu.

Pada zaman yang disayangi dan tidak boleh diakses oleh banyak buku, drama (sebagai persembahan awam) adalah bentuk utama pembiakan kehidupan artistik. Walau bagaimanapun, dengan perkembangan teknologi percetakan, ia memberi laluan kepada keutamaan genre epik. Namun begitu, sehingga hari ini, karya dramatik tetap mendapat permintaan di kalangan masyarakat. Penonton utama drama itu, sudah tentu, penonton teater dan penonton wayang. Lebih-lebih lagi, bilangan yang terakhir melebihi bilangan pembaca.

Bergantung kepada kaedah penghasilan, karya dramatik boleh dalam bentuk drama dan skrip. Semua karya dramatik yang bertujuan untuk dipersembahkan dari pentas teater dipanggil drama (Perancis pi èce). Karya dramatik, yang digunakan untuk membuat filem, adalah skrip. Kedua-dua drama dan skrip mengandungi kenyataan pengarang untuk menunjukkan masa dan tempat tindakan, menunjukkan umur, penampilan watak, dsb.

Struktur drama atau skrip mengikut struktur cerita. Biasanya, bahagian-bahagian drama ditetapkan sebagai lakonan (aksi), fenomena, episod, gambar.

Genre utama karya dramatik:

- drama,

- tragedi,

- komedi,

- tragicomedy,

- sandiwara,

- vaudeville,

- lakaran.

Drama

Drama ialah karya sastera yang menggambarkan konflik serius antara pelakon atau antara pelakon dengan masyarakat. Hubungan antara wira (wira dan masyarakat) karya genre ini sentiasa penuh dengan drama. Dalam perkembangan plot, terdapat perjuangan yang sengit baik dalam watak individu dan antara mereka.

Walaupun konflik dalam drama sangat serius, ia dapat diselesaikan. Keadaan ini menjelaskan tipu muslihat, jangkaan penonton yang tegang: adakah wira dapat melepaskan diri dari situasi itu atau tidak.

Drama ini dicirikan oleh penerangan tentang kehidupan seharian yang sebenar, penyampaian soalan "fana" tentang kewujudan manusia, pendedahan mendalam tentang watak, dunia dalaman watak.

Terdapat jenis drama seperti sejarah, sosial, falsafah. Sejenis drama ialah melodrama. Di dalamnya, wajah lakonan jelas terbahagi kepada positif dan negatif.

Drama terkenal: "Othello" oleh V. Shakespeare, "At the Bottom" oleh M. Gorky, "Cat on a Hot Tin Roof" oleh T. Williams.

Tragedi

Tragedi (dari bahasa Yunani tragos ode - "lagu kambing") adalah karya dramatik sastera berdasarkan konflik hidup yang tidak dapat didamaikan. Tragedi dicirikan oleh pergelutan sengit antara watak dan nafsu yang kuat, yang berakhir dengan akibat bencana bagi watak (biasanya kematian).

Konflik tragedi biasanya sangat mendalam, mempunyai kepentingan manusia sejagat dan boleh menjadi simbolik. Watak utama, sebagai peraturan, sangat menderita (termasuk putus asa), nasibnya tidak bahagia.

Teks tragedi itu sering terdengar menyedihkan. Banyak tragedi ditulis dalam ayat.

Tragedi yang terkenal: "Chained Prometheus" oleh Aeschylus, "Romeo and Juliet" oleh V. Shakespeare, "The Thunderstorm" oleh A. Ostrovsky.

Komedi

Komedi (dari bahasa Yunani komos ode - "lagu lucu") ialah karya dramatik sastera di mana watak, situasi dan aksi dipersembahkan secara lucu, menggunakan jenaka dan sindiran. Dalam kes ini, watak-watak boleh menjadi agak sedih atau sedih.

Biasanya komedi mempersembahkan segala yang jelek dan tidak masuk akal, lucu dan tidak masuk akal, mengejek maksiat sosial atau sehari-hari.

Komedi dibahagikan kepada komedi topeng, kedudukan, watak. Genre ini juga termasuk sandiwara, vaudeville, interlude, sketsa.

Sitkom (komedi situasi, komedi situasi) ialah karya komedi dramatik di mana peristiwa dan keadaan menjadi sumber kelakar.

Komedi watak (komedi moral) ialah karya komedi dramatik di mana sumber kelakarnya adalah intipati dalaman watak (moral), lucu dan hodoh berat sebelah, sifat hipertrofi atau ghairah (maksiat, kekurangan).
Farce ialah komedi ringan yang menggunakan teknik komik mudah dan direka untuk rasa yang kasar. Biasanya slapstick digunakan dalam sarkas untuk lownade.

Vaudeville ialah komedi ringan dengan tipu daya yang menghiburkan, di mana terdapat sejumlah besar nombor tarian dan lagu. Di Amerika Syarikat, vaudeville dipanggil muzikal. Di Rusia moden, mereka juga biasanya menyebut "muzik", yang bermaksud vaudeville.

Interlude ialah adegan komik kecil yang dilakonkan antara aksi lakonan atau persembahan utama.

Sketsa ialah karya komedi pendek dengan dua atau tiga watak. Lazimnya, lakaran dipersembahkan di atas pentas dan televisyen.

Komedi terkenal: "Frogs" oleh Aristophanes, "The Inspector General" oleh N. Gogol, "Woe from Wit" oleh A. Griboyedov.

Rancangan lakaran TV terkenal: "Rusia Kita", "Pekan", "Sirkus Terbang Monty Python".

Tragicomedy

Tragicomedy ialah karya dramatik sastera di mana plot tragis digambarkan dalam bentuk komik atau merupakan timbunan unsur tragis dan komik yang tidak teratur. Dalam tragikomedi, episod serius digabungkan dengan watak-watak lucu dan luhur yang dicetuskan oleh watak-watak komik. Teknik utama tragicomedy adalah aneh.

Kita boleh mengatakan bahawa "tragicomedy is funny in the tragic" atau sebaliknya, "tragis in the funny."

Tragikomedi terkenal: "Alkestida" oleh Euripides, "The Tempest" oleh V. Shakespeare, "The Cherry Orchard" oleh A. Chekhov, filem "Forrest Gump", "The Great Dictator", "The Same Munchazen."

Maklumat lebih terperinci mengenai topik ini boleh didapati dalam buku oleh A. Nazaykin