Konsert (bentuk muzik). Konsert sebagai genre muzik Siapakah pencipta konsert instrumental

Objektif pelajaran:

• Pendidikan: untuk membiasakan pelajar dengan asal usul dan perkembangan genre konsert instrumental pada contoh konsert "The Four Seasons" oleh A. Vivaldi, untuk menyatukan idea tentang pelbagai jenis konsert, untuk mengembangkan idea tentang muzik program.
• Membangunkan: teruskan memperkenalkan contoh terbaik muzik Baroque.
• Pendidikan: untuk memupuk tindak balas emosi terhadap persepsi muzik klasik, untuk mengembangkan minat dan rasa hormat terhadap warisan muzik komposer dari negara lain.

peralatan: projektor multimedia, buku teks oleh G.P. Sergeeva, ED Kritskaya "Muzik" untuk gred 6, buku nota kreatif untuk buku teks ini, phono-chrestomatics untuk buku teks "Muzik" untuk gred 6, buku kerja, kamus muzik.

Pelan pembelajaran:

1. Detik organisasi.
2. Era Baroque - komposer, genre, imej muzik.
2.1. Perkembangan genre konsert dalam karya A. Vivaldi.
2.2. Sejarah kemunculan balet "The Four Seasons".
2.3. Penghibur kontemporari dan kumpulan persembahan.
3. Kerja rumah.

SEMASA KELAS

1. Detik organisasi

Sapaan dalam bentuk melodi vokal yang dipersembahkan oleh guru:

- Hello kawan-kawan, hello! (Pergerakan menaik secara beransur-ansur dari yang pertama hingga kelima dalam bunyi triad tonik).
Jawapan kanak-kanak:

- Hello cikgu, hello! (Ulangan lengkap lagu asal).

2. Mempelajari bahan baharu.

Muzik memberi inspirasi kepada seluruh dunia, memberikan jiwa dengan sayap, membantu imaginasi terbang,
muzik memberi kehidupan dan keseronokan kepada semua yang wujud ...
Dia boleh dipanggil penjelmaan semua yang indah dan agung.

Plato

cikgu: Dalam pelajaran muzik pertama dalam darjah 6, kami bercakap tentang kepelbagaian muzik: muzik boleh menjadi vokal dan instrumental. Topik pelajaran kita hari ini ialah "Konsert Instrumen". Sila namakan genre muzik instrumental dan barisan yang mungkin. (Kanak-kanak menamakan genre simfoni, konsert, vokal, lagu tanpa perkataan, sonata, suite dan kumpulan persembahan - muzik solo, muzik orkestra ensembel). Cari maksud perkataan "Konsert" dalam kamus muzik.

(Kanak-kanak mencari perkataan yang diberikan dan membaca dengan kuat definisi yang ditemui).

pelajar: Konsert (ia. konsert dari lat. - konsert- bersaing) dipanggil:

1. Persembahan awam karya muzik.
2. Genre sekeping muzik utama yang bersifat virtuoso untuk pemain solo dengan orkestra, paling kerap ditulis dalam bentuk kitaran sonata.
3. Muzik vokal atau vokal-instrumental polifonik, berdasarkan perbandingan dua bahagian atau lebih. Konsert ini dibina dalam tiga bahagian (cepat - lambat - cepat).
Dalam sejarah muzik, terdapat konsert untuk instrumen dan orkestra solo, untuk orkestra tanpa pemain solo, dalam muzik Rusia pada abad ke-18 genre konsert koir rohani timbul.

cikgu: Dalam buku teks (ms. 108-110), dalam siri grafik, kami akan mempertimbangkan pengeluaran semula lukisan "Spring" oleh S. Botticelli dan relief oleh F. Goujon. Apakah muzik gaya seni yang akan anda gunakan untuk membunyikan karya seni ini? Tajuk pelajaran hari ini ialah "Konsert Instrumen". Anda akan berkenalan dengan asal usul dan perkembangan genre muzik bilik - konsert instrumental. Ingat nama gaya seni dalam budaya dan seni negara-negara Eropah dalam tempoh dari 1600-1750; karya yang mana komposer tergolong dalam era Baroque. (Kanak-kanak harus mentakrifkan perkataan ini daripada topik "Imej muzik suci Eropah Barat", namakan nama JS Bach, buku teks ms 66). Anda telah menamakan maksud perkataan ini dengan betul. Baroque adalah salah satu gaya yang paling indah dan halus dalam seni. Mungkin berasal daripada ungkapan Portugis pleurabarocco- mutiara bentuk yang mewah. Sesungguhnya, Baroque adalah mutiara dalam rantaian perubahan nilai seni dalam lukisan, seni bina, arca, kesusasteraan, muzik.

Adalah penting bagi seorang sarjana barok untuk menangkap keindahan ilahi kehidupan. Baroque sebagai gaya artistik dicirikan oleh ekspresif, kemegahan, dinamik. Seni Baroque berusaha untuk mempengaruhi secara langsung perasaan penonton dan pendengar, menekankan sifat dramatik pengalaman emosi manusia. Dengan kemunculan Baroque, muzik buat pertama kalinya menunjukkan sepenuhnya keupayaannya untuk penjelmaan yang mendalam dan serba boleh bagi dunia pengalaman emosi manusia. Genre muzik dan teater, pertama sekali, opera, muncul di hadapan, yang ditentukan oleh usaha untuk ekspresi dramatik dan gabungan pelbagai jenis seni, ciri-ciri Baroque. Ini juga menunjukkan dirinya dalam bidang muzik keagamaan, di mana genre utama adalah oratorio rohani, cantata, dan nafsu. Pada masa yang sama, terdapat kecenderungan ke arah pengasingan muzik daripada perkataan - ke arah pembangunan intensif pelbagai genre instrumental. Budaya Baroque diwakili oleh pencapaian tertinggi dalam seni visual (Rubens, Van Dyck, Velazquez, Ribera, Rembrandt), dalam seni bina (Bernini, Puget, Kuazevox), dalam muzik (A. Corelli, A. Vivaldi, JS Bach, G . F. Handel). Era Baroque dianggap dari 1600-1750. Selama satu setengah abad ini, bentuk muzik seperti itu dicipta, yang, setelah mengalami perubahan, wujud hari ini.

Dalam pelajaran hari ini anda akan berkenalan dengan kitaran konsert "The Seasons", yang merupakan kemuncak karya A. Vivaldi. Antonio Vivaldi ialah seorang pemain biola, komposer dan guru Itali.

Warisan kreatif Vivaldi sangat besar. Ia merangkumi kira-kira 700 tajuk. Antaranya terdapat 19 buah opera. Tetapi kepentingan sejarah utama karyanya ialah penciptaan konsert instrumental solo. Kira-kira 500 karya telah ditulis dalam genre ini. Banyak konsertnya ditulis untuk satu atau lebih biola, dua konserto untuk dua mandolin dan beberapa untuk muzik yang luar biasa, contohnya, untuk dua biola dan dua organ. Semasa mengarang konsert untuk instrumen bertali, komposer adalah salah seorang yang pertama beralih kepada mengarang muzik untuk instrumen tiupan, yang dianggap primitif dan tidak menarik untuk komposer. Oboe, tanduk Perancis, seruling, sangkakala kedengaran penuh dan harmoni dalam konsertnya. Konsert untuk dua sangkakala A. Vivaldi menulis atas permintaan. Jelas sekali, para penghibur ingin membuktikan bahawa muzik yang indah dan virtuoso boleh dimainkan pada sangkakala. Sehingga kini persembahan konsert ini menjadi bukti ketrampilan tertinggi penghibur. Banyak muzik telah ditulis oleh komposer untuk bassoon - lebih daripada 30 konserto untuk bassoon dan orkestra. Antara alat muzik tiupan, Vivaldi memberi keutamaan khusus kepada seruling dengan timbre lembut dan lembut. Dalam bahagian yang diberikan kepada seruling, ia berbunyi dengan suara penuh, menunjukkan semua kebaikannya.

Konserto grosso (perbandingan keseluruhan ensemble dengan beberapa instrumen) dibentuk dalam karya A. Corelli. A. Vivaldi mengambil langkah ke hadapan berbanding pendahulunya: dia membentuk genre konsert solo, yang jauh berbeza dalam skala pembangunan, dinamisme dan ekspresif muzik. Gubahan konsert berselang seli antara bahagian solo dan orkestra berdasarkan "kontras yang tersusun dengan baik." Prinsip kontras menentukan bentuk tiga bahagian konsert: Pergerakan pertama - pantas dan bertenaga; ke-2 - lirik, merdu, berbentuk kecil; Pergerakan ke-3 - akhir, meriah dan cemerlang. Konsert instrumental solo direka untuk penonton yang luas, yang mana unsur-unsur hiburan, beberapa teater telah wujud, dimanifestasikan dalam persaingan antara pemain solo dan orkestra - dalam silih berganti tutti dan solo. Inilah sebenarnya maksud konsert itu, muzik itu.

Kitaran konsert "The Four Seasons" adalah kemuncak kreativiti A. Vivaldi.
Saya cadangkan anda mendengar bahagian pertama konsert itu. (Bahagian 1 berbunyi, cikgu tidak menyebut nama).
- Musim apakah muzik ini boleh dikaitkan? ? (Pelajar menentukan intonasi awal, sifat muzik, rentak pantas, kontras dinamik, detik bergambar - tiruan kicauan burung, ini musim bunga).

Dunia yang kita diami ini penuh dengan pelbagai jenis bunyi. Desir dedaunan, guruh, bunyi ombak, siulan angin, dengungan kucing, bunyi kayu yang terbakar di perapian, kicauan burung ...
Pada zaman dahulu, seseorang menyedari bahawa bunyi adalah berbeza: tinggi dan rendah, pendek dan panjang, teredam dan kuat. Tetapi bunyi itu sendiri bukan muzik lagi. Dan apabila seseorang mula mengaturnya untuk menyatakan perasaan dan fikirannya, muzik muncul.
Bagaimanakah anda boleh mencirikan melodi? (Jawapan kanak-kanak yang mungkin: anda boleh mendengar dengan jelas di mana orkestra bermain, dan di mana biola solo berbunyi. Melodi yang dimainkan oleh orkestra; melodi dalam skala utama, sangat jelas, terang, mudah diingati, dalam irama tarian. Melodi yang dilakukan oleh pemain solo jauh lebih rumit, ia adalah virtuoso, cantik, dihiasi dengan nyanyian muzik, serupa dengan nyanyian burung).

Tiruan suara burung telah popular di kalangan pemuzik sepanjang zaman. Nyanyian burung telah ditiru pada zaman dahulu, dan sehingga hari ini tiruan seperti itu terdapat dalam cerita rakyat muzik pelbagai orang. Pemikir, saintis, pemuzik mencari asal-usul muzik dalam nyanyian burung. "Kemuzikan" banyak burung tidak pernah berhenti memukau. Tidak hairanlah burung bulbul telah menjadi salah satu simbol seni secara umum, dan perbandingan dengannya adalah pujian bagi penyanyi itu. Komposer era Baroque menulis banyak muzik "burung" yang indah - "Swallow" oleh K. Daken, "Calling over", "Chicken" oleh F. Rameau, "Nightingale in Love" dan "Nightingale - Winner" oleh F. Couperin, banyak "Cuckoo" - oleh Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini, dll. Adakah tema muzik orkestra dan pemain solo berkaitan? (Dalam tema muzik, satu irama, keseronokan dinamik yang terang, nafas ruang dalam alam semula jadi, kegembiraan hidup dirasai).
- Apakah instrumen yang paling sempurna dalam era Baroque?

Berapa sedikit alat bertali yang digunakan oleh A. Vivaldi berbanding dengan orkestra moden. Dalam versi asal, mengikut idea komposer, hanya terdapat lima rentetan. Ensembel tali moden bermula dengan orkestra kecil, terdiri daripada lima, kemudian sepuluh, dua belas, empat belas instrumen. Biola adalah alat orkestra yang paling penting, Cinderella dari orkestra simfoni moden. Ia masih merupakan alat yang paling sempurna daripada semua tali. Dia mempunyai bunyi yang indah dan julat yang luar biasa. Instrumen terbaik dalam sejarah telah dibuat pada zaman Vivaldi dan Bach. Di bandar kecil Itali Cremona, biola yang indah dan unik telah dibuat. Mari kita ingat nama Stradivari, Amati, Guarneri. Pekan kecil itu terkenal dengan tukangnya. Sepanjang tiga ratus tahun yang lalu, tiada siapa yang mampu membuat biola lebih baik daripada tuan Cremona. Dalam karyanya, A. Vivaldi menunjukkan kecerahan dan keindahan bunyi biola sebagai alat solo.

Muzik adalah salah satu bentuk seni. Seperti lukisan, teater, puisi, ia adalah gambaran kiasan kehidupan. Setiap seni bercakap bahasanya sendiri. Muzik - bahasa bunyi dan intonasi - mempunyai kedalaman emosi yang istimewa. Sisi emosi inilah yang anda rasai apabila mendengar muzik A. Vivaldi.

Muzik mempunyai kesan yang kuat terhadap dunia dalaman seseorang. Ia boleh membawa keseronokan atau, sebaliknya, menyebabkan kebimbangan mental yang kuat, mendorong refleksi dan terbuka kepada pendengar aspek kehidupan yang tidak diketahui sebelum ini. Ia adalah muzik yang diberikan untuk meluahkan perasaan yang sangat kompleks sehingga kadang-kadang mustahil untuk menggambarkannya dengan kata-kata.

Fikirkan, adakah mungkin untuk mementaskan balet dengan muzik ini? Apabila pemain solo dan orkestra bersaing dalam kemahiran, mereka pasti bermain untuk penonton. Ia adalah dalam selang-selang bunyi orkestra dan biola solo yang berbunyi terang, dalam perasaan teater dan perbincangan, dalam keharmonian dan keharmonian bentuk muzik, ciri-ciri ciri muzik barok dapat dirasai. Apabila anda mendengar bahagian 1 konsert sekali lagi, dengar kain muzik yang berbunyi. Suara melodi digabungkan dengan iringan yang berterusan dan khusus bentuk. Ini berbeza dengan gubahan tempoh sebelumnya, di mana polifoni memainkan peranan utama - bunyi serentak beberapa melodi yang sama pentingnya.

Jadi, konsert A. Vivaldi "The Four Seasons" terdiri daripada empat bahagian. Nama setiap bahagian sepadan dengan nama musim. Perkembangan imej muzik setiap pergerakan adalah berdasarkan bukan sahaja pada penjajaran bunyi biola solo dan tutti orkestra. Dalam konsert itu, muzik mengikuti imej sonnet puitis, yang dengannya komposer mendedahkan kandungan setiap konsert kitaran, i.e. ada beberapa program. Terdapat cadangan bahawa soneta ditulis oleh komposer sendiri. Mari kita beralih kepada terjemahan sonnet, yang telah menjadi sejenis program konsert. Buku teks di muka surat 110- 111 menawarkan dua pilihan terjemahan. Yang manakah, pada pendapat anda, lebih sesuai dengan imej muzik bahagian pertama konsert "Spring"? Dengan cara ekspresif apakah teks sastera menyampaikan mood seseorang, keadaan mental dan emosinya yang dikaitkan dengan kedatangan musim bunga? A. Vivaldi, menggunakan program sastera dalam konsertnya, adalah pengasas muzik program. Pada abad ke-19, muzik program muncul - karya berdasarkan asas sastera.

Muzik yang diprogramkan ialah sejenis muzik instrumental. Ini adalah karya muzik yang mempunyai program lisan, selalunya puitis dan mendedahkan kandungan yang tercetak di dalamnya. Program ini boleh menjadi tajuk yang menunjukkan, sebagai contoh, fenomena realiti yang ada dalam fikiran komposer ("Morning" oleh E. Grieg kepada drama oleh G. Ibsen "Peer Gynt") atau karya sastera yang memberi inspirasi kepadanya (" Romeo dan Juliet" oleh P. Tchaikovsky - overture - fantasi berdasarkan tragedi dengan nama yang sama oleh William Shakespeare).
Mari kita teruskan untuk bekerja dengan tutorial. Pada halaman 109 anda ditawarkan tema utama bahagian pertama konsert "Spring". Saya akan mengingatkan anda tentang bunyinya apabila saya memainkan alat itu. Bolehkah melodi ini dinyanyikan? Mari kita menyanyikan melodi. Mengetahui cara ekspresi muzik, mencirikan tema muzik ini (pelajar mencirikan melodi, skala, tempoh, tempo, daftar, timbre). Adakah tema ini berulang? Dalam bentuk muzik apakah (rondo, variasi) bahagian pertama konsert itu ditulis? Apakah prinsip perkembangan (pengulangan atau kontras) yang digunakan oleh komposer dalam muzik pergerakan pertama? Adakah terdapat sebarang episod bergambar? Jika ada, maka tentukan keperluan mereka dan sahkan dengan contoh daripada teks sastera. Bolehkah anda mendendangkan melodi penyanyi solo? (Sukar untuk dilakukan, petikan virtuoso, seperti tiupan angin, bunyi burung). Bandingkan dengan perwakilan grafik melodi (pergerakan ke atas, tempoh pendek, dsb.). Keperluan untuk mencipta muzik instrumental terprogram muncul di Itali pada abad ke-17. Pada masa ini apabila imej perbuatan heroik dan idylls pastoral, gambar dunia bawah tanah dan kuasa semula jadi - laut yang mengamuk, dedaunan berdesir, menjadi bergaya dalam opera; orkestra memainkan peranan yang dominan dalam adegan tersebut. Berbanding dengan komposer-instrumentalis era Baroque, A. Vivaldi menemui bakat yang hebat dalam bidang ini. Untuk masa yang lama, Vivaldi diingati terima kasih kepada J.S.Bach, yang membuat beberapa transkripsi karyanya. Enam konsert Vivaldi untuk piano dan organ telah ditranskripsikan, yang untuk masa yang lama dianggap ditulis oleh Bach sendiri. Kreativiti A. Vivaldi mempunyai pengaruh yang besar terhadap pembentukan gaya kreatif J.S. Bach, terutamanya konsert biola pertama oleh Vivaldi.

Anda sekali lagi akan merujuk kepada muzik bahagian pertama konsert "Spring", tetapi uji bakat akan menjadi luar biasa: anda berdua akan mendengar dan menonton serpihan balet "The Seasons" dengan muzik A. Vivaldi yang dipentaskan oleh koreografer Perancis yang luar biasa R. Petit. Balet dilakukan oleh rombongan Marseille.

Drama "The Four Seasons" dipentaskan oleh koreografer yang berbeza dengan muzik yang berbeza. Banyak komposer telah menulis muzik mengenai topik ini, ini adalah A. Vivaldi, P. Tchaikovsky, A. Glazunov dan lain-lain. Terdapat versi persembahan yang berbeza: ini adalah empat musim, empat kali kehidupan, empat kali sehari. Persembahan hari ini oleh koreografer R. Petit dipentaskan bertemakan Balanchine. Mari beralih kepada Ensiklopedia Balet.

George Balanchine, lahir 1904, ialah seorang koreografer Amerika. Kerjanya menyumbang kepada pembentukan arah baru dalam koreografi. Dipentaskan balet dramatik, komedi, lawak, selalunya berdasarkan plot mudah, di mana aksi itu didedahkan melalui tarian dan pantomim; gaya balet sebahagian besarnya ditentukan oleh reka bentuk hiasan, di mana terdapat makna tertentu. Arah ini dalam kerjanya paling maju selepas 1934. Balanchine mula mencipta balet kepada muzik yang tidak dimaksudkan untuk tarian (suite, simfoni, termasuk konsert Four Seasons). Tidak ada plot dalam balet ini, kandungannya didedahkan dalam pembangunan imej muzik dan koreografi.

Idea untuk mencipta balet dengan tema Balanchine, balet tanpa plot, neoklasikisme, tarian demi tarian, melawat koreografer. Hasil dari keinginan ini adalah penciptaan balet The Four Seasons. Roland seorang lelaki impresionis, boleh menerima tanggapan. Terima kasih kepada muzik hebat A. Vivaldi dan imaginasi kreatif koreografer, persembahan hari ini dipentaskan. Salah satu ciri yang membezakan R. Peti sebagai koreografer ialah kesederhanaan dan kejelasan teks koreografi. R. Peti adalah seorang yang boleh mencipta secara mutlak dalam semua arah dan dalam semua genre: dia mementaskan tarian untuk filem, banyak revue untuk muzikal, persembahan drama. Dia mengadakan persembahan di mana tarian adalah sesuatu yang ilahi, sesuatu yang membawa keseronokan dan kegembiraan kepada mereka yang berada di kalangan penonton. R.Pety adalah seorang yang memuja segala yang indah. Untuk koreografinya, dia sentiasa dipandu oleh hanya satu kriteria - kecantikan, gabungan harmoni muzik dan kecantikan.

Balet Four Seasons dipersembahkan di salah satu dataran tercantik di dunia - Dataran St. Mark di Venice. Seni bina ketuhanan dataran adalah latar belakang untuk persembahan ini. Artis yang membuat persembahan telah menjadi legenda, kerana mereka adalah bintang tahun 70-80an. Ini ialah Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit sangat menghargai kreativiti dan bakat mereka. Khususnya, Domenik Kolfuni ialah salah satu ballerina Petit yang paling digemari. D. Colfuni adalah seorang ballerina Opera Nasional Paris, tetapi atas permintaan R. Peti pergi ke Marseille. R.Pety mencipta banyak persembahan untuknya, khususnya, drama "My Pavlova". Sama seperti A. Pavlova pernah menjadi ideal untuk koreografer M. Fokin, D. Colfuni menjadi "Pavlova" yang sama untuk R. Peta. (Melihat serpihan balet "Seasons", "Spring").

Minat pemuzik profesional dalam muzik era Baroque tidak kering. Orkestra Baroque Venetian telah ditubuhkan pada tahun 1997 oleh ahli harpsichordis dan ahli barok Itali yang terkenal Andrea Marcon. Sepanjang empat tahun, kolektif ini telah mendapat kemasyhuran sebagai salah satu ensembel terbaik persembahan instrumental barok, terutamanya sebagai penterjemah muzik Antonio Vivaldi yang meyakinkan. Banyak konsert dan persembahan opera oleh orkestra di banyak negara Eropah telah mendapat pengiktirafan luas bukan sahaja di kalangan penonton yang luas, tetapi juga di kalangan pengkritik muzik. Orkestra mempersembahkan penonton dengan persembahan mereka bacaan baharu karya A. Vivaldi, F. Cavalli, B. Marcello.

Pada musim konsert yang lalu, konsert telah diadakan di 28 bandar di Amerika Syarikat dengan pemain biola Robert McDuffy, lawatan di Jepun dan Korea dengan pemain biola Giuliano Carminolo, program karya Antonio Vivaldi telah dilakukan di salah satu dewan konsert terbaik di Amsterdam - Concertogebouw. Mengambil bahagian dalam pelbagai festival di Austria, Switzerland dan Jerman, orkestra itu telah membuat persembahan dengan pemain solo terkenal seperti Magdalena Kozhena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
Diskografi luas orkestra telah memenangi banyak anugerah berprestij. Ia termasuk rakaman konserto biola oleh Vivaldi dan Locatelli, album simfoni dan konsert untuk rentetan oleh Vivaldi, banyak karya oleh komposer era Baroque yang dipersembahkan oleh pemuzik terkemuka zaman kita.

Minat terhadap muzik A. Vivaldi tidak padam. Gayanya dikenali oleh pelbagai pendengar, muziknya cerah dan tidak kehilangan warnanya. Contohnya ialah daya tarikan koreografer moden R. Peti terhadap muzik Vivaldi dan penghasilan balet The Four Seasons yang mengagumkan, ciptaan orkestra instrumental baharu.

Apakah rahsia populariti muzik A. Vivaldi? Mendengarkan muzik komposer zaman dahulu, apakah yang membuatkan seseorang itu gembira dan sedih? Apa yang dia perjuangkan, apa yang dia fikirkan dan bagaimana dia melihat dunia? Muzik oleh A. Vivaldi, muzik masa lalu adalah jelas. Perasaan, pemikiran, pengalaman orang moden tidak berubah sama sekali berbanding dengan masa lalu. Ini adalah kegembiraan hidup, persepsi dunia di sekeliling kita, yang dalam muzik Vivaldi adalah positif dan mengesahkan kehidupan. Konsert dalam karya A. Vivaldi adalah kesinambungan perkembangan genre konsert instrumental, setelah menerima bentuk lengkap, yang menjadi model untuk generasi berikutnya komposer Eropah.

3. Kerja rumah: tugasan dalam buku nota kreatif mengenai topik "Konsert Instrumen".

Pengunjung filharmoni sudah biasa dengan suasana istimewa dan ceria yang memerintah di dewan tempat konsert instrumental dipersembahkan. Kepentingan khusus ialah persaingan antara pemain solo dan keseluruhan kolektif - orkestra. Sememangnya konsert itu adalah antara genre instrumental yang paling sukar. Keistimewaannya terletak pada fakta bahawa pemain solo diletakkan dalam keadaan paling sukar yang boleh wujud dalam muzik. Dia perlu membuktikan keunggulan instrumennya dalam persaingan dengan berpuluh-puluh orang lain.

Bukan sia-sia bahawa komposer memberikan konsert watak yang cemerlang, virtuoso, berusaha untuk mendedahkan semua kemungkinan teknikal dan artistik instrumen pilihan mereka. Konsert biasanya ditulis untuk instrumen yang paling maju dan kaya sumber - piano, biola, cello.

Pada masa yang sama, konsert itu mengandaikan bukan sahaja persaingan para peserta, tetapi juga penyelarasan bergantian bahagian solo dan pengiring dalam penjelmaan konsep umum gubahan.

Oleh itu, konsert instrumental mengandungi kecenderungan yang kelihatan bertentangan:

• di satu pihak, ia direka untuk mendedahkan keupayaan satu instrumen berbanding dengan keseluruhan orkestra;
• sebaliknya, ia memerlukan ensembel yang lengkap dan sempurna.

Dan, nampaknya, perkataan konsert mempunyai asal ganda: dari bahasa Latin "concertare", yang bermaksud "untuk bersaing," dan dari "concerto" Itali, iaitu, "persetujuan." Makna ganda ini adalah makna dan kekhususan genre ini.

Konsert instrumental. Sejarah genre

Sejarah konsert sebagai bentuk persembahan ensemble kembali ke zaman dahulu. Permainan bersama pada beberapa instrumen dengan pencalonan pemain solo terdapat dalam budaya muzik banyak negara.

Tetapi istilah itu sendiri muncul pada akhir Renaissance, pada abad ke-16, di Itali. Ini adalah nama karya polifonik vokal yang dilakukan di gereja. Karya sedemikian adalah berdasarkan perbandingan (pertandingan) dua atau lebih bahagian nyanyian, diiringi oleh organ, dan kadangkala oleh ensembel instrumental.

Kemudian nama ini diserahkan kepada gubahan ruang untuk beberapa instrumen. Konsert serupa ditemui pada awal abad ke-17, tetapi menjelang pertengahan abad konsert itu menjadi karya orkestra dan mengambil nama baru - "Concerto Grosso".

Konsert grosso

Pencipta genre baharu Concerto grosso ("konsert besar") ialah pemain biola dan komposer Itali yang cemerlang pada abad ke-17 - awal abad ke-18 Arcangelo Corelli. Dalam Concerto Grosso, sudah ada pembahagian ke dalam instrumen solo dan pengiring, dan yang pertama sentiasa beberapa dan mereka dipanggil concertino.

Perkembangan seterusnya bentuk ini dikaitkan dengan, yang lebih muda sezaman dengan Corelli. Dalam karya Vivaldi, kitaran konsert mengambil bentuk 3 bahagian, di mana bahagian laju yang melampau membingkai bahagian tengah, yang perlahan. Dia juga mencipta konsert pertama dengan satu instrumen solo, biola. Konsert sedemikian telah ditulis oleh Bach dan Handel.

Kemudian, harpsichord, yang pada asalnya melakukan fungsi iringan dalam Concerto grosso, mula dikemukakan sebagai instrumen solo. Secara beransur-ansur bahagiannya menjadi lebih rumit, dan dari masa ke masa harpsichord dan orkestra bertukar peranan.

Struktur konsert oleh Wolfgang Amadeus Mozart

Struktur 3 bahagian konsert itu akhirnya ditubuhkan sebagai bentuk utama. Pada masa yang sama, pergerakan pertama ditulis dalam bentuk sonata dengan pendedahan berganda (kali pertama ia dipersembahkan oleh orkestra, yang kedua, dengan beberapa perubahan - oleh pemain solo). Pergerakan itu berakhir dengan irama virtuoso - episod yang dilakukan oleh seorang pemain solo.

Sebagai peraturan, pada masa itu irama tidak dirakam oleh komposer, tetapi ditandakan dengan lencana khas di bahagian instrumen solo. Di sini pemain solo diberi kebebasan sepenuhnya untuk membuat improvisasi, untuk menunjukkan kebolehan virtuosonya. Tradisi ini berterusan untuk masa yang agak lama, dan hanya pada era pasca-Beethoven bahawa irama mula direkodkan oleh pengarang, memperoleh peranan penting dalam perkembangan idea komposisi.

Tetapi jika kadenza dalam satu bentuk atau yang lain dimasukkan dalam konserto instrumental hari ini, pendedahan berganda tema utama telah beransur-ansur hilang.

II, pergerakan perlahan, tidak mempunyai bentuk yang kukuh, tetapi pergerakan III, akhir cepat, ditulis dalam bentuk sonata atau rondo.

Perkembangan konsert instrumental pada abad ke-19-20

Genre konsert telah melalui pembentukan dan pembangunan yang jauh, mematuhi kecenderungan gaya dalam tempoh masa tertentu. Mari kita perhatikan hanya perkara yang paling penting dan penting.

Konsert ini mengalami kelahiran baru dalam karya Beethoven. Jika di Mozart dia masih dikurniakan ciri-ciri hiburan, maka Beethoven dengan tegas menundukkannya kepada tugas-tugas ideologi, membawanya lebih dekat dengan simfoni.

Simfonisasi konsert itu diteruskan oleh komposer era Romantik. Di bawah pengaruh puisi simfoni, bahagian-bahagian konsert bergabung menjadi satu komposisi yang terus berkembang. Pencipta konsert 1 peribadi itu ialah. Dia memberinya pandangan yang cemerlang.

Konsert instrumental dalam karya Mendelssohn, Chopin, Schumann, Grieg mendedahkan keinginan untuk lirik. Ini, seterusnya, membawa kepada penurunan dalam peranan elemen virtuoso konsert. Jika instrumen solo Beethoven dan orkestra adalah sama dalam hak, yang pertama mendominasi romantik, dan yang kedua diberikan peranan yang mengiringi sederhana.

Sementara itu, tradisi Beethoven konsert simfoni terus berkembang dalam karya Brahms. Pengaruh simfoni lirik-dramatik mempengaruhi konsert Tchaikovsky dan terutamanya Rachmaninoff.

Dia berkata perkataan baharu dalam kebangkitan Konserto Chopin. Konsert pianonya berskala virtuoso dan menjadikan piano besar bersaing dengan jayanya dengan bahagian orkestra yang dibangunkan dengan baik. Konserto biola Prokofiev adalah lirik dan menarik terutamanya oleh tafsiran melodi alat solo.

Kecenderungan kebangkitan konsert lama juga boleh dikesan dalam karya komposer abad ke-20. Oleh itu, virtuoso "baroque" yang megah berkembang dalam karya Gershwin dan Khachaturian, kebangkitan bentuk purba dapat dikesan dalam karya Hindemith, Bartok dan Stravinsky.

Konsert instrumental

Perkataan ini sendiri, sudah tentu, biasa kepada anda, terutamanya dalam makna pertamanya. "Konsert," kata kamus muzik, "adalah persembahan umum karya mengikut program yang telah disusun sebelumnya."

Tetapi hakikatnya perkataan ini mempunyai makna lain: ini adalah nama sekeping untuk alat muzik (atau suara) yang diiringi oleh orkestra. Tetapi mengapa ia dipanggil begitu? Dan kenapa peserta pertandingan itu perlu bermain konsert itu?

Perkataan ini boleh diterjemahkan sebagai "pertandingan" ", oleh itu," Konsert untuk Piano dan Orkestra "adalah pertandingan antara pemain piano dan orkestra simfoni.

Bilakah anda berminat untuk menonton sukan? Apabila "lawan" sama kekuatan dan kemahiran, bukan? Kerana jika pasukan yang lemah dan kuat atau ahli sukan bersaing dengan pemula amatur, maka sudah jelas terlebih dahulu siapa yang akan menang. Dan ini tidak menarik sama sekali.

Dalam konsert beberapa alat muzik dan ... keseluruhan orkestra simfoni bersaing. Itu dia, itu dia! Tetapi adakah benar-benar mungkin untuk beberapa seruling kecil atau biola yang rapuh dan anggun untuk menang, atau sekurang-kurangnya, dari segi sukan, "membuat seri" dengan pukal sedemikian? Apakah jenis pertandingan ini?

Hebat, kawan-kawan, persaingan yang hebat! Oleh kerana kekuatan, kuasa dan kecemerlangan orkestra simfoni bertentangan dengan bakat penghibur solo, kemahirannya, dicapai dengan kerja keras bertahun-tahun. Saya akan memberitahu anda satu rahsia bahawa pemenang hampir selalu adalah orang yang pada pandangan pertama nampaknya paling lemah. Pemain solo menundukkan orkestra. Sudah tentu, hanya jika dia seorang pemuzik sebenar, seorang penghibur yang berbakat, kerana baginya ini adalah ujian yang sangat serius. Dan apabila tiada kemahiran dan bakat, orkestra menang. Tetapi betapa sedihnya kemenangan ini. Ada kemenangan, tetapi tiada muzik.

Muzik konsert. Betapa kesukaran yang anda tidak akan dapati di dalamnya! Petikan yang sukar untuk teka-teki, kord yang kuat, skala bergolek dengan pantas ... Ini semua yang dipanggil kesukaran teknikal, ujian ketangkasan jari, daya hentaman, - dalam satu perkataan, kemahiran seorang pemain muzik. Dan komposer, mencipta konsert, sentiasa berfikir bahawa pemuzik dapat menunjukkan semua kemahirannya dalam karya ini.

Walau bagaimanapun, jika komposer hanya memikirkan perkara ini, jika konsert itu hanya terdiri daripada masalah dan teka-teki yang bijak, ia tidak boleh dipanggil karya seni yang sebenar. Kerja sedemikian tidak akan mempunyai perkara yang paling penting - pemikiran, kandungan.

Inilah yang ditulis oleh Tchaikovsky mengenai konsert itu: "Terdapat dua kekuatan yang sama di sini, iaitu, orkestra yang hebat, kaya dengan warna yang tidak habis-habisnya, yang dengannya saingan yang kecil, tidak jelas, tetapi berkemauan kuat bertarung dan menang (dengan syarat pemain itu berbakat. ). Dalam perjuangan ini terdapat banyak puisi dan jurang kombinasi yang menggoda untuk komposer."

Jika halaman buku itu boleh berbunyi selepas kata-kata ini, kami akan segera mendengar kord orkestra yang terang dan berbunyi penuh - permulaan Konsert Piano Pertama. Dengan bunyi pertama muzik ini, seolah-olah kegembiraan itu sendiri pecah ke dalam dewan. Betapa kecil dan lemahnya pemain piano yang duduk di piano itu. Bunyi kuat orkestra itu seolah-olah telah memagarnya dari dewan dengan dinding yang padat.

Dan suara baru mencurah-curah ke dalam bunyi yang meriah seperti loceng yang kuat. “Dengar! - seolah-olah mereka memberitahu kami kord yang diukur dan sungguh-sungguh - Dengar! Anda tidak boleh tidak mendengar saya." Dan kami mendengar, kami mendengar dengan sempurna suara piano yang nyaring dan kuat. Biola mencurah-curah dalam melodi yang luas, dan orkestra secara beransur-ansur menjadi tenang, menundukkan kegembiraannya yang tidak terkawal.

Kini satu piano besar berbunyi ... Kord dan petikan Virtuoso bertukar antara satu sama lain, berpakaian melodi dalam pakaian yang berkilauan dan mewah. Tetapi orkestra masih belum mencapai kata sepakat. Dia tidak akan mengalah dengan begitu mudah, dia tidak akan menyerah tanpa perlawanan. Pertengkaran sengit tercetus. Tema utama kini didengari dalam orkestra, kini dalam bahagian piano ... Ya, sudah tentu, ini adalah, di atas semua, muzik yang indah. Muzik sebenar, bukan hanya membingungkan, helah virtuoso.

Biasanya muzik konsert adalah ringan, ceria dan elegan. Saya mesti memberitahu anda bahawa perkataan "konsert" diterjemahkan bukan sahaja sebagai "pertandingan", tetapi juga sebagai "persetujuan." Ini bermakna pertandingan sentiasa mesra.

Tetapi, sudah tentu, mendengar konsert, anda kadang-kadang berasa sedih, dan bermimpi, dan berfikir tentang sesuatu. Kadangkala muzik boleh menjadi sangat gelap, malah tragis. Sebagai contoh, dalam konsert biola Shostakovich atau dalam Konsert Piano Ketiga, yang akan kita bincangkan kemudian. Walau bagaimanapun, ini berlaku lebih jarang.

Rasa muzik yang halus dan ekspresif konsert biola Felix Mendelssohn digabungkan di sini dengan keterukan bentuk. Komposer telah mencapai drama tinggi itu di sini, yang membolehkan kita bercakap tentang kaitannya dengan tradisi simfoni Beethoven. Pada masa yang sama, konsert itu penuh dengan semangat romantisme - dari nota pertama hingga terakhir. Ia menumpukan ciri paling ciri karya Mendelssohn - lirik, penulisan lagu, keanggunan, rasa keindahan dan keharmonian dunia sekeliling.

Konsert ialah kerja yang besar dan berbilang bahagian (walaupun terdapat juga konsert satu bahagian). Sebagai peraturan, ia mempunyai tiga bahagian. Yang pertama adalah yang paling berkesan, "kawasan utama perjuangan." Yang kedua adalah perlahan, lirik. Selalunya imejnya dikaitkan dengan alam semula jadi. Bahagian ketiga adalah final. Muzik akhir paling kerap terutamanya ceria, tergesa-gesa dan cemerlang.

Apakah yang menyerupai struktur sedemikian? Sudah tentu, simfoni! Sedikit simfoni. Hanya dengan watak baru - pemain solo.

Tidak seperti simfoni, konsert itu mempunyai apa yang dipanggil cadenza - episod besar yang dilakukan oleh pemain solo tanpa orkestra. Adalah menarik bahawa pada zaman dahulu, ketika bentuk konsert baru mula muncul, kadenza digubah bukan oleh komposer, tetapi oleh penghibur itu sendiri. Komposer hanya menunjukkan tempat yang sepatutnya (biasanya dalam pergerakan pertama). Kemudian kadenza itu seperti nombor plug-in, di mana pemain solo menunjukkan semua kemahirannya, menunjukkan keupayaan alat muzik. Adalah mudah untuk meneka bahawa merit muzik dari irama sedemikian sebahagian besarnya tidak begitu hebat dan tidak memainkan peranan yang besar dalam kandungan karya itu.

Dia adalah orang pertama yang menulis kadenza untuk seorang pemain piano dalam Konsert Piano Keempatnya. Sejak itu, ia telah menjadi peraturan. Cadenzas telah tidak lagi menjadi "orang asing" dalam muzik umum konsert itu, walaupun sehingga hari ini mereka mengekalkan kebijaksanaan dan kecemerlangan mereka dan masih memberi pemain peluang untuk menunjukkan penguasaan sebenar, untuk menunjukkan semua kemungkinan alat muzik, sama ada piano atau seruling, biola atau trombon.

Kami mengatakan bahawa konsert adalah pertandingan, tetapi di atas semua, sudah tentu, ia adalah ujian yang paling serius untuk pemain solo, ujian serius untuk gelaran pemuzik sebenar.

Sekarang anda mungkin faham mengapa persembahan konsert sentiasa dimasukkan dalam program pertandingan.

Dan jika pemain solo itu adalah pemuzik yang sebenar dan berbakat, maka ...

Teks oleh Galina Levasheva.

Persembahan

Termasuk:
1. Persembahan - 10 slaid, ppsx;
2. Bunyi muzik:
Tchaikovsky. Konsert untuk piano dan orkestra №1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (serpihan), mp3;
Rachmaninov. Konsert untuk piano dan orkestra №3. I. Allegro (serpihan), mp3;
Mendelssohn. Konsert untuk biola dan orkestra. I. Allegro molto appassionato (serpihan), mp3;
Beethoven. Konsert untuk piano dan orkestra №4. I. Allegro moderato. Cadenza, mp3;
3. Artikel sahabat, docx.

Bentuk instrumental konsert itu boleh dianggap sebagai sumbangan sebenar Baroque, yang merangkumi cita-cita estetik era yang ditandai dengan perubahan mendadak, kebimbangan dan jangkaan yang tegang. Konsert ialah sejenis permainan muzik cahaya dan bayang-bayang, sejenis struktur, di mana setiap bahagian komponen bertentangan dengan bahagian lain. Dengan kemunculan konsert itu, lahir kecenderungan ke arah penceritaan muzik, ke arah perkembangan melodi sebagai sejenis bahasa yang mampu menyampaikan lubuk perasaan manusia. Sebenarnya, etimologi perkataan "concertare" berasal daripada perkataan "compete", "fight", walaupun memahami maksud bentuk muzik ini juga disambungkan dengan "consertus" atau "conserere", yang bermaksud "to coordinate", "untuk menyusun", "untuk bersatu" ... Makna etimologi sangat sesuai dengan matlamat komposer, yang, melalui bentuk baru, menyumbang kepada kemajuan menakjubkan bahasa muzik era itu.

Ahli sejarah percaya bahawa kelahiran konserto grosso instrumental adalah pada tahun 70-an abad ke-17, dan silsilahnya sama ada dari konsert vokal dan instrumental dan organ dan organ orkestra abad ke-16-17, yang dalam banyak cara hampir dengan ia, atau daripada sonata ensemble yang terbentuk pada abad ke-17. Genre yang dinamakan, bersama dengan opera, merangkumi ciri utama gaya muzik baharu - barok.

L. Viadana dalam kata pengantar koleksi konsertnya (Frankfurt, 1613) menekankan bahawa melodi dalam konsert itu kedengaran lebih jelas daripada motet, kata-kata tidak dikaburkan oleh counterpoint, dan keharmonian, disokong oleh bass general. organ, jauh lebih kaya dan penuh. Malah, fenomena yang sama telah diterangkan pada tahun 1558 oleh G. Tsarlino: "Ia berlaku bahawa beberapa mazmur ditulis dengan cara choros pezzato (melibatkan persembahan" koir yang dibahagikan, koyak "- N. 3.). koir sering dinyanyikan di Venice semasa Vesper dan pada waktu-waktu khusyuk yang lain dan disusun atau dibahagikan kepada dua atau tiga koir, dengan empat suara dalam setiap satu.

Koir menyanyi secara bergantian dan kadangkala bersama-sama, yang sangat bagus pada penghujungnya. Dan oleh kerana koir sedemikian terletak agak jauh antara satu sama lain, komposer, untuk mengelakkan percanggahan antara suara individu, mesti menulis supaya setiap koir secara individu berbunyi baik ... Bes koir yang berbeza mesti sentiasa bergerak serentak atau oktaf, kadang-kadang dalam satu pertiga, tetapi tidak pernah - kepada yang kelima. "Pergerakan bass pelbagai koir secara serentak membuktikan pembentukan homofoni secara beransur-ansur. Secara selari, tiruan pepejal polifoni lama digantikan oleh prinsip gema dinamik, berkaitan kepadanya, tetapi sudah menuju ke era baru - salah satu daripada prinsip pembentukan bukan polifonik yang pertama.

Walau bagaimanapun, peniruan terus memainkan peranan penting dalam pembangunan muzik - selalunya lurus, seperti dalam gaya lama. Terdapat asas bentuk yang boleh dilihat yang akan menjadi ciri konserto grosso masa hadapan. Pendedahan berganda akan menjadi perkara biasa dalam konsert berdasarkan tema tarian, dan sementara eksposisi pertama Corelli biasanya solo, dalam konsert kemudiannya, permulaan tutti lebih popular. Secara umum, pendedahan berganda adalah semula jadi untuk konserto grosso: lagipun, pendengar perlu mempersembahkan kedua-dua jisim bunyi dari awal lagi. Cara pembangunan yang paling mudah juga jelas - panggilan dua orang ramai. Dan tutti terakhir harus merumuskan "kontroversi konsert": begitu juga dengan Pretorius, begitu juga dengan Bach, Handel, Vivaldi. Contoh dari Misa Benevoli menjangkakan bentuk konsert, atau ritual, yang mendominasi muzik pada separuh pertama abad ke-18. Sehingga kini, masih tiada kata sepakat mengenai asal usul borang ini.

Penemunya H. Riemann mengaitkannya dengan fugue dan menyamakan ritual dengan tema, dan penempatan solo dengan selingan. Sebaliknya, Schering, merujuk kepada keterangan A. Scheibe (1747), mempertikaikan hubungan bentuk konsert dengan fugue dan secara langsung memperolehnya daripada aria dengan ritornelle. A. Hutchings, sebaliknya, tidak bersetuju dengan ini: dia menganggap sonata untuk trompet dan orkestra tali sebagai sumber bentuk ini, yang wujud di Bologna pada akhir abad ke-17 dan yang, pada pendapatnya, mempunyai kesan langsung pada bacaan tersebut. Hutchings menekankan bahawa hanya selepas konsert itu disebarkan, aria opera dengan riturnel memperoleh bentuk siapnya.

Hanya satu perkara yang tidak dapat dipertikaikan: pada separuh pertama abad ke-18, bentuk konsert ditemui dalam hampir semua genre, dan bukan kebetulan bahawa penyelidik menganggapnya sebagai bentuk utama zaman mereka (seperti bentuk sonata pada separuh kedua tahun). abad ke-18). Sebagai "pembentukan bebas antara dualisme tematik monotematik dan klasik", bentuk konsert menyediakan kedua-dua kesatuan tematik dan tahap kontras yang diperlukan dan, lebih-lebih lagi, membolehkan pelaku menunjukkan penguasaannya dalam petikan solo. Namun, untuk semua kebaharuan mereka, sampel yang dianalisis secara langsung mengikuti muzik abad ke-16, pertama sekali dari canzona - nenek moyang hampir semua genre instrumental kemudiannya. Dalam canzon instrumental (canzonada sonar) kitaran sonata masa hadapan dilahirkan, bentuk seperti fugue atau pembingkaian jenis tindak balas tiga bahagian mula mengkristal (banyak canzon berakhir dengan tema awal); canzones adalah yang pertama daripada komposisi instrumental yang dicetak dan, akhirnya, di sini buat pertama kalinya kumpulan orkestra semata-mata, tanpa penyertaan suara, mula dibandingkan.

Adalah dipercayai bahawa langkah ke arah konserto grosso baharu ini telah dibuat oleh G. Gabrieli, ahli organ St. Mark di Venice (1584-1612). Secara beransur-ansur, dalam canzone dan sonatanya, bukan sahaja bilangan instrumen dan koir meningkat, tetapi kontras tematik juga timbul: sebagai contoh, kord tutti yang sungguh-sungguh menentang pembinaan tiruan salah satu koir. Pada kontras inilah banyak bentuk Baroque awal dan pertengahan akan dibina: kitaran instrumental keseluruhan akan berkembang daripadanya, dan di beberapa bahagian kontras sedemikian, ciri canzona, akan kekal sehingga era Corelli dan bahkan kemudian.

Melalui canzona, kaedah membentuk, yang merupakan ciri motet, juga menembusi muzik instrumental Baroque - rentetan episod berbilang gelap.

Secara amnya, melodi barok - sama ada "mosaik" canzona dan sonata awal, atau "melodi tidak berkesudahan" Bach dan sezamannya - sentiasa mempunyai watak kemajuan daripada dorongan tertentu. Tenaga impuls yang berbeza menentukan tempoh penggunaan yang berbeza, tetapi apabila inersia habis, irama akan datang, seperti yang berlaku di canzone abad ke-17 atau dalam miniatur polifonik barok matang. BV Asafiev mencerminkan corak ini dalam formula terkenal i: m: t. Penggunaan konsert mengatasi sifat tertutup formula ini, memikirkan semula irama, mengubahnya menjadi dorongan untuk penempatan baharu atau melengahkannya tanpa henti dengan bantuan dorongan dan modulasi tempatan yang sentiasa baharu pada tahap struktur motivik (modulasi struktur - A. istilah Milky).

Kurang kerap, kontras secara tiba-tiba digunakan, memindahkan pembangunan ke pesawat lain. Oleh itu, sudah dalam sonata Marini, ciri "teknik peralihan beransur-ansur" Baroque mula terbentuk: perkembangan seterusnya mengikuti secara langsung dari yang sebelumnya, walaupun ia mengandungi unsur-unsur yang berbeza. Baroque awal mewarisi daripada muzik Renaissance satu lagi prinsip pembentukan: pergantungan pada formula berirama-intonasi tarian popular yang telah berkembang dalam muzik harian Renaissance.

Sebutan juga harus dibuat tentang sonata "ruang" dan "gereja". Menurut ahli sejarah, kedua-dua genre akhirnya terbentuk tepat pada separuh kedua abad ke-17, ketika Lehrenzi bekerja. Nama-nama genre dikaitkan dengan teori "gaya" (selepas ini, istilah "gaya" dalam pemahaman abad ke-18, kami berikan dalam tanda petikan), yang, seterusnya, adalah sebahagian daripada estetika "retorik. rasionalisme" biasa kepada semua seni barok. (Istilah ini dicadangkan oleh A. Morozov dalam artikel "Masalah Baroque Eropah").

Retorik berkembang dalam amalan pidato Yunani Kuno dan telah ditetapkan dalam risalah Aristotle dan kemudian Cicero. Tempat penting dalam retorik telah diberikan, pertama, kepada "locitopici" - "tempat biasa", yang membantu pemidato mencari, mengembangkan topik dan menyampaikannya dengan jelas dan meyakinkan, secara instruktif, menyenangkan dan menyentuh, dan, kedua, "teori gaya", mengikut mana sifat pertuturan berubah bergantung pada tempat, subjek, komposisi penonton, dan lain-lain. Bagi pemuzik era Baroque, locitopici menjadi koleksi cara ekspresif seni mereka, cara untuk mengobjektifkan perasaan individu juga- diketahui dan tipikal. Dan kategori "gaya" membantu untuk memahami kepelbagaian genre dan bentuk zaman moden, memperkenalkan kriteria historisisme ke dalam estetika muzik (selalunya di bawah samaran perkataan "fesyen"), menjelaskan perbezaan antara muzik negara yang berbeza. , mengetengahkan ciri-ciri individu dalam karya komposer terhebat era itu, mencerminkan pembentukan sekolah berprestasi ...

Menjelang akhir abad ke-17, istilah sonata da camera, dachiesa bermaksud bukan sahaja dan bukan sahaja tempat persembahan seperti sifat kitaran, yang direkodkan pada tahun 1703 oleh de Brossard, pengarang salah satu kamus muzik yang pertama. . Dalam banyak cara sepadan dengan penerangan Brossard empat puluh lapan kitaran Corelli, bersatu dalam empat opus: op. 1 dan 3 - sonata gereja, op. 2 dan 4 adalah bilik.<...>Prinsip pembinaan utama untuk kedua-dua jenis kitaran ialah tempo, dan selalunya kontras metrik. Walau bagaimanapun, dalam sonata gereja, bahagian perlahan biasanya kurang bebas: ia berfungsi sebagai pengenalan dan pautan kepada yang cepat, jadi rancangan nada mereka sering terbuka.

Bahagian perlahan ini hanya terdiri daripada beberapa langkah atau mendekati arioso instrumental, dibina di atas denyutan kord piano yang berterusan, dengan gangguan ekspresif atau tiruan, kadangkala termasuk beberapa bahagian bebas, dipotong oleh Caesuras. Bahagian pantas sonata gereja biasanya fugues atau lebih banyak pembinaan konsert percuma dengan unsur-unsur tiruan, kemudian dalam bentuk Allegro fugue dan konsert boleh digabungkan. Dalam sonata ruang, seperti dalam suite orkestra atau clavier, bahagian-bahagiannya kebanyakannya tonal dan lengkap dari segi struktur, dalam bentuknya seseorang boleh mengesan perkembangan lanjut dua dan tiga bahagian asas.

Thematicism of the chime, dan terutamanya saraband dan gavotte, biasanya homophonic, selalunya simetri; asas bentuk sonata adalah ketara. Sebaliknya, allemandes dan gigues sering bergerak tanpa henti dan ulangan, unsur polifonik adalah biasa dalam alllemandes, gigue sering disemai dengan semangat konsert. Dachiesa dan sonata dacamera tidak dikaitkan dengan skema komposisi yang ketat.

Semua konsert bilik bermula dengan pendahuluan, diikuti dengan karya tarian, hanya sekali-sekala "digantikan" dengan intro perlahan atau konsert Allegro. Konsert gereja lebih serius dan serius, tetapi dalam tema mereka irama gigue, gavotte atau minuet kedengaran dari semasa ke semasa. Konsert chamber yang dipanggil, yang tidak mempunyai persamaan dengan sonata dacamera seperti suite dan, menurut penyelidik, tidak berasal dari muzik chamber, tetapi dalam muzik gereja sekolah Bologna, memperkenalkan kekeliruan yang besar ke dalam bahagian genre awal. abad ke 18.

Kami bercakap tentang kontemporari dan "berganda" dari apa yang dipanggil tawaran Itali - konserto tiga bahagian oleh Torelli, Albinoni dan Vivaldi, penerangan buku teks yang diserahkan kepada kami oleh I.-I. Kuantz. Bahagian pertama "konsert ruang" biasanya digubah dalam meter empat denyutan, dalam bentuk konsert; ritualnya sepatutnya dibezakan oleh kemegahan dan kekayaan polifonik; pada masa hadapan, kontras berterusan episod cemerlang, heroik dengan episod lirik diperlukan. Pergerakan kedua, perlahan bertujuan untuk merangsang dan menenangkan nafsu, berbeza dengan yang pertama dalam meter dan tonaliti (minor dengan nama yang sama, kunci tahap pertama persaudaraan, dominan minor dalam major) dan membenarkan sejumlah hiasan dalam bahagian solois, yang semua suara lain dipatuhi.

Akhirnya, pergerakan ketiga adalah pantas sekali lagi, tetapi sama sekali tidak serupa dengan yang pertama: ia lebih kurang serius, sering menari, dalam meter tiga rentak; ritualnya adalah pendek dan penuh api, tetapi tidak terlepas dari beberapa genit, watak umum adalah meriah, suka bermain; bukannya perkembangan polifonik pepejal pergerakan pertama, terdapat iringan homofonik ringan. Kvants juga menamakan tempoh optimum konsert sedemikian: pergerakan pertama ialah 5 minit, yang kedua ialah 5-6 minit, dan yang ketiga ialah 3-4 minit. Daripada semua kitaran dalam muzik barok, tiga bahagian adalah bentuk yang paling stabil dan tertutup dalam pelan kiasan. Walau bagaimanapun, walaupun "bapa" bentuk ini, Vivaldi, sering mengubah jenis genre bahagian individu. Jadi, sebagai contoh, dalam konserto A-major "Dresden" bertanduk dua (dalam karya terkumpul Vivaldi yang disunting oleh F. Malipiero - jilid XII, no. 48), dia membuka pergerakan pertama kitaran tiga bahagian, sambil menambah pembingkaian perlahan kepada Allegro dalam watak perarakan Perancis. Dan dalam Konserto Kelapan dari Jilid XI koleksi Malipiero, pergerakan ketiga, berbeza dengan perihalan Quantz, adalah fugue.

Bach kadangkala bertindak dengan cara yang sama: dalam Konserto Brandenburg No. 2, bentuk kitaran "memodulasi" daripada tiga bahagian menjadi empat bahagian, satu gereja, ditutup oleh fugue. Selalunya, bahagian yang dipinjam daripada suite, sonata gereja atau overture opera ditambah pada kitaran tiga bahagian. Dalam "Konserto Brandenburg" No. 1 ia adalah minuet dan polonaise. Dan dalam Konsert Violin GF Telemann dalam F major, bentuk ritual pergerakan pertama diikuti dengan sambungan suite tipikal: Corsicana, allegrezza ("kegembiraan"), scherzo, rondo, polonaise dan minuet. Modulasi pada tahap kitaran dijalankan melalui pautan biasa - Corsicana: ia adalah dalam 3/2, Unpocograve, tetapi dengan keanehan melodi dan keangularannya ia membawa jauh dari jenis genre tradisional bahagian perlahan konsert. Oleh itu, peningkatan nilai "improvisasi" boleh diperhatikan.

Sementara itu, Quantz, seperti ahli teori lain pada masa itu, menganggap salah satu ciri terpenting konserto grosso "pencampuran tiruan yang bijak dalam suara konsert," supaya telinga menarik satu atau instrumen lain, tetapi pada masa yang sama semua pemain solo. akan tetap sama. Akibatnya, pada zaman Corelli, konserto grosso terdedah kepada pengaruh rakan-rakannya - konsert solo dan matang (tanpa pemain solo). Sebaliknya, dalam persembahan, pemain solo tambahan dari orkestra kadang-kadang dibezakan, sebagai contoh, dalam bahagian pertama konsert "Spring", op. 8 Vivaldi dalam episod pertama yang menggambarkan kicauan burung, dua lagi biola dari orkestra menyertai biola solo, dan pada akhir konsert biola solo kedua diperkenalkan tanpa sebarang niat visual - untuk memperkayakan tekstur.

Genre ini dicirikan oleh campuran pelbagai instrumen konsert, berjumlah dari dua hingga lapan dan lebih banyak lagi. Rakan senegara dengan Quantz, Matteson menganggap bilangan bahagian dalam konsert terlalu berlebihan dan menyamakan konsert sedemikian dengan set meja bukan untuk memuaskan rasa lapar, tetapi demi kemegahan dan keanggunan. "Sesiapa sahaja boleh meneka," tambah Matteson dengan penuh pertimbangan, "bahawa dalam pertikaian instrumen sedemikian ... tidak ada kekurangan gambaran cemburu dan pendendam, pura-pura iri dan benci." Kedua-dua Quantz dan Matteson berasal dari tradisi concertogrosso Jerman. Schering menghubungkan cinta orang Jerman kepada ensembel campuran dalam genre ini dengan tradisi bermain alat muzik tiup: walaupun pada zaman pertengahan Jerman terdapat bengkel Stadtpfeifer (pemuzik bandar) yang bermain di gereja, pada upacara khidmat, di majlis perkahwinan, dan juga memberikan pelbagai isyarat dari kubu atau menara dewan bandar ...

Konsertino tembaga, menurut Schering, muncul sangat awal, hampir serentak dengan rentetan. Modelnya yang paling popular juga ialah trio dua obo dan bassoon unison "bass". Kadangkala obo digantikan dengan seruling. Pengedaran meluas komposisi sedemikian (tidak lama lagi akan ada juga dua sangkakala dengan timpani "bass") dikaitkan bukan sahaja dengan merit akustik dan persamaan mereka dengan trio rentetan, tetapi juga kepada pihak berkuasa Lully, yang pada tahun 70-an ke-17 abad memindahkan mereka dari kumpulan tentera Perancis ke opera. Gabungan tiga dan lima suara - dinamik semata-mata, bukan timbre - menyusun dan membahagikan bentuknya dengan sempurna. Malah, ini adalah perkembangan lanjut teknik konsert multi-chorus lama.

Mengikuti contoh Lully, Georg Muffat akan menggunakan echo-roll massa tertutup di bahagian perkembangan konsertigrossinya, teknik ini tidak akan diabaikan oleh Corelli dan pengikutnya. Walau bagaimanapun, pada abad ke-18, Vivaldi "menolak pemahaman lama tentang concertino, yang menuntut perpaduan gaya kedua-dua perkara yang baik, dan mengemukakan program baharu, berwarna-warni dan terprogram yang ditentukan oleh semangat zaman. Prinsip ini telah pun diketahui. kepada komposer opera Venice. Torelli dan Corelli secara beransur-ansur mengembangkannya dalam konsert pastoral mereka. Vivaldi menggabungkannya dengan puisi deklamasi. " Seperti yang sering berlaku dalam sejarah muzik, tafsiran program berwarna-warni orkestra datang ke gaya simfoni dari teater. Sebaliknya, banyak tawaran kepada opera, oratorio, cantata pada awal abad ke-18 ternyata menjadi kitaran konserto grosso. Salah satu "permulaan Itali" pertama - untuk opera "Eraclea" (1700) oleh A. Scarlatti - kitaran "Vivaldian" tiga bahagian.

Prinsip menyandingkan jisim bunyi adalah salah satu prinsip asas orkestra barok, dan bukan untuk apa-apa bentuk ritual berdasarkan penyandingan ini sesuai dengan semua genre. Pengaruhnya boleh dikesan kembali dalam simfoni klasikistik awal (penipisan tekstur di bahagian sisi, pencerobohan tutti - "riturneli", dll.), Dalam opera Gluck, Rameau, dan saudara Graun. Dan simfoni untuk dua orkestra, kepada gulungan yang ditambah juxtapositions konsertini diasingkan daripada mereka, telah ditulis di Itali seawal separuh kedua abad ke-18; dalam muzik harian dan program, Haydn dan Mozart kadangkala menggunakan polychorus.

Topik pelajaran: "Konsert Instrumen".

Tujuan pedagogi: untuk memberi idea tentang genre konsert instrumental, tentang bila dan bagaimana ia timbul, bagaimana ia berkembang.

Berdasarkan tujuan pelajaran, berikut ditetapkan tugasan:

Pendidikan: untuk membiasakan pelajar dengan asal usul dan perkembangan genre konsert instrumental pada contoh konsert "The Four Seasons" oleh A. Vivaldi, untuk menyatukan idea tentang pelbagai jenis konsert, untuk mengembangkan idea tentang muzik program.

Membangunkan: teruskan memperkenalkan contoh terbaik muzik Baroque.

Pendidikan: memupuk tindak balas emosi terhadap persepsi muzik klasik, mengembangkan minat dan menghormati warisan muzik komposer dari negara lain.

Keputusan yang dirancang:

peribadi : pelajar akan bermotivasi untuk belajar muzik, keupayaan untuk menjalankan penilaian kendiri dalam proses refleksi; pelajar akan berpeluang membentuk pematuhan yang stabil terhadap norma moral dan keperluan etika dalam tingkah laku;

Subjek: pelajar akan belajar secara sedar melihat dan melakukan muses. kerja; untuk menavigasi dalam genre muzik, imej, bentuk; merujuk kepada sumber primer sastera, mengetengahkan masalah moral teks sastera sebagai asas kepada perkembangan idea tentang cita-cita moral; untuk memahami spesifik muzik dan sastera sebagai bentuk seni.

Metasubjek.

Peribadi: pelajar akan belajar menunjukkan tindak balas emosi, sikap peribadi apabila melihat muzik; pelajar akan berpeluang untuk belajar jelaskan maksud penilaian, motif, matlamat mereka.

Kognitif: akan belajar menganalisis, membandingkan karya muzik dan imej satu karya, mencari umum dan berbeza; menilai dan menghubungkaitkan ciri-ciri karya komposer. Dapatkan peluang untuk belajar istilah khas individu sendiri dalam kursus yang dipelajari, menggunakan sumber maklumat yang berbeza, berusaha untuk komunikasi bebas dengan seni.

kawal selia: akan belajar mempersembahkan muzik yang menyampaikan makna artistik; mendapat peluang untuk belajar mentakrif dan merumus topik dan masalah pelajaran; menilai karya muzik dari sudut keindahan dan kebenaran.

Komunikatif: akan belajar mengatur kerja secara berpasangan, kumpulan; nyatakan pendapat anda, berhujah dan mengesahkannya dengan fakta; P mendapat peluang untuk belajar bekerjasama dengan rakan sebaya dalam persembahan lagu dan kerja kumpulan.

Jenis pelajaran: pengajaran "penemuan" pengetahuan baru.

Jenis pelajaran: pelajaran refleksi.

peralatan: komputer riba, phono-chrestomatics untuk buku teks "Muzik" untuk 6 gred, kitaran "The Seasons" oleh A. Vivaldi, perkataan yang dicetak untuk lagu oleh A. Ermolov "The Seasons", dsb.

SEMASA KELAS

Org. seketika. Sikap emosi.

salam sejahtera;

Hello kawan-kawan yang dikasihi, gembira dapat berjumpa dengan anda.

Saya jumpa awak lagi hari ini
Muzik untuk berbunyi semula
Dan seni yang indah
Akan menawan kita lagi.
Semua hati dengan satu aspirasi
Muzik akan bersatu
Dan sungguh-sungguh dan indah
Ia akan berbunyi dalam jiwa kita!

Saya harap anda akan mengambil bahagian secara aktif dalam pelajaran. Sebaliknya, saya akan cuba menjadikan pelajaran itu menarik dan bermaklumat untuk anda.

2. Topik pelajaran. Penetapan matlamat.

1) Sepanjang beberapa pelajaran, kami bercakap tentang muzik bilik. Beritahu saya, apakah itu "muzik bilik"?

Dewan, i.e. muzik bilik direka untuk dipersembahkan di dalam bilik kecil untuk penonton kecil (jawapan kanak-kanak).

Untuk memahami apa yang akan dibincangkan hari ini dalam pelajaran, saya cadangkan anda menyelesaikan teka silang kata. Perkataan itu tersembunyi secara menegak. Kami bekerja secara berpasangan.

Sekumpulan besar pemuzik instrumental membuat persembahan bersama (ORCHESTRA)

Kerja berbilang bahagian untuk korus, pemain solo dan orkestra (KANTATA)

Persembahan muzik di mana nyanyian adalah alat ekspresi utama (OPERA)

Pengenalan orkestra kepada opera, persembahan atau karya simfoni bebas (OVERTURE)

Ensembel empat penghibur (penyanyi atau pemain instrumen) (KUARTET)

(menegak) Sekeping muzik utama untuk orkestra simfoni dan mana-mana instrumen solo, yang terdiri daripada 3 bahagian (KONSERT)

- pengesahan, penilaian;

2) - Merumus topik pelajaran.

- Topik pelajaran ialah "Konsert Instrumen" (tulis di papan tulis).

Apakah matlamat yang boleh kita tetapkan?

3) pengulangan dan pengenalan bahan baru .;

Mari kita ingat apa itu konsert?

- Konsert -(diterjemahkan dari bahasa Itali bermaksud persetujuan, dari bahasa Latin - persaingan). Konsert - sekeping muzik untuk orkestra simfoni dan instrumen solo. Ia biasanya terdiri daripada tiga bahagian. Terdapat konsert untuk satu instrumen, tanpa orkestra, untuk orkestra tanpa pemain solo, konsert untuk koir. Dalam muzik Rusia, genre konsert koir suci digunakan secara meluas.

Konsert instrumental - konsert untuk alat muzik sahaja, tanpa nyanyian.

- Genre konsert itu muncul pada abad ke-17 berkaitan dengan perkembangan intensif persembahan biola.

Antonio Vivaldi ialah pemain biola, konduktor dan guru virtuoso, salah seorang komposer terhebat pada abad ke-17 - ke-18. Hidup dan bekerja pada zaman itu barok
Adakah pencipta genre - konsert instrumental.

Takrifkan dalam satu perkataan zaman barok? ( Keanehan).

Kira-kira 450 konsert Vivaldi diketahui. Drama dalam muzik, kontras antara korus dan pemain solo, suara dan instrumen memukau penonton: ketepuan memberi laluan kepada ketenangan, kelembutan kepada kuasa, solo telah diganggu oleh orkestra.
Dalam gubahan konsert Vivaldi, bahagian solo dan orkestra silih berganti.

Puncak kreativiti Vivaldi. Kitaran ini bersatu empat konsert untuk biola solo dan orkestra tali. Pada mereka, perkembangan imej muzik adalah berdasarkan perbandingan bunyi * biola - solo * orkestra - tutti (diterjemah dari bahasa Itali bermaksud semua).

Prinsip kontras menentukan bentuk tiga bahagian konsert: Pergerakan pertama - pantas dan bertenaga; ke-2 - lirik, merdu, berbentuk kecil; Pergerakan ke-3 - akhir, meriah dan cemerlang.

Alam semula jadi sentiasa menggembirakan pemuzik, penyair dan artis. Keindahan alam semula jadi, perubahan musim: musim luruh, musim sejuk, musim bunga, musim panas - adalah unik, masing-masing dengan cara tersendiri

Apa pendapat anda, penyair artis beralih kepada tema musim?

Adakah anda tahu karya sedemikian?

Penyair telah menulis banyak puisi tentang alam, artis telah menulis banyak gambar tentang alam, dan komposer telah menulis banyak muzik yang menggambarkan gambar alam.

Hari ini kita akan membandingkan bagaimana setiap musim digambarkan dalam puisi, lukisan dan muzik. Dan puisi penyair Rusia, reproduksi lukisan oleh artis Rusia dan muzik ajaib komposer Itali Antonio Vivaldi, yang berjaya mencerminkan keindahan alam semula jadinya dengan muziknya, akan membantu kita dalam hal ini.

Puisi, lukisan dan muzik akan membantu kita melihat, mendengar dan merasai setiap musim.

(Bahagian 1 berbunyi, cikgu tidak menyebut nama).

Apakah perasaan yang diungkapkan oleh muzik ini?

Muzik ini boleh dikaitkan dengan musim apa? ?

Pelajar menentukan intonasi awal, sifat muzik, rentak pantas, kontras dinamik, detik bergambar - tiruan kicauan burung - ini adalah musim bunga

Muzik yang didengar adalah terang, berdering, menggembirakan. Anda boleh merasakan penerbangan, pergerakan, kicauan burung di dalamnya. Melodinya ringan, kedatangan musim bunga dirasai dalam muzik.

Bagaimanakah melodi utama bahagian 1 konsert itu berbunyi?

Bahagian ini dimulakan dengan melodi yang ceria, riang, ringan, ringan, telus, santai.

Apakah yang digambarkan oleh komposer dalam episod itu?

Burung-burung yang bernyanyi, sungai yang merungut, guruh berdentum dan kilat.

Apabila ribut petir berlalu, sekali lagi dalam setiap bunyi adalah kegembiraan kedatangan musim bunga. Burung-burung bernyanyi lagi, mengumumkan kedatangan musim bunga.

pelajar: Jawapan kanak-kanak yang mungkin: anda boleh mendengar dengan jelas di mana orkestra bermain dan di mana biola solo bermain. Melodi, yang dipersembahkan oleh orkestra dalam skala major, sangat jelas, terang, mudah diingat, dalam irama tarian. Melodi yang dilakukan oleh pemain solo jauh lebih rumit, ia adalah virtuoso, cantik, dihiasi dengan nyanyian muzik, serupa dengan nyanyian burung).

Jadi, apa yang anda rasa, bayangkan?

Adakah ia awal musim bunga atau lewat?

ya. Awal, kerana muzik menggambarkan kebangkitan alam semula jadi.

Bagaimanakah muzik yang menyampaikan keadaan ini berbunyi (dengan pantas, bertenaga, tergesa-gesa ...)

Respon pelajar

Pernahkah anda mendengar bagaimana instrumen meniru bunyi alam semula jadi? (tayangan slaid)

Nyanyian burung yang riang, bunyi anak sungai yang riang, angin sepoi-sepoi bertiup, digantikan dengan ribut petir.

Atau mungkin ini adalah keadaan seseorang yang memerhatikan kebangkitan musim bunga kehidupan?

Bagaimana perasaan anda pada musim bunga?

Apakah perasaan baru yang anda ada?

Respon pelajar

Guru melengkapkan: perasaan kebahagiaan, cahaya, kehangatan, kejayaan alam semula jadi.

Pelajar menentukan bahawa ia adalah SPRING. Kami menyiarkan pengeluaran semula tentang musim bunga.

Kitaran konsert "Seasons" - esei program , yang berdasarkan sonnet puitis, dengan bantuan yang komposer mendedahkan kandungan setiap konsert kitaran. Diandaikan bahawa soneta itu ditulis oleh komposer sendiri

- Teks sastera adalah serupa dengan teks muzik, dan setiap seni menghasilkan semula keadaan seseorang, perasaannya disebabkan oleh kedatangan musim bunga dengan caranya sendiri.

Tema musim sentiasa popular dalam seni. Ini dijelaskan oleh beberapa faktor.

pertama, ia memungkinkan dengan cara seni khusus ini untuk menangkap peristiwa dan perbuatan yang paling berciri pada musim tertentu.

Kedua, ia sentiasa dikurniakan makna falsafah tertentu: perubahan musim dipertimbangkan dalam aspek perubahan tempoh kehidupan manusia

musim bunga, iaitu, kebangkitan kuasa semula jadi, mempersonifikasikan permulaan dan melambangkan belia

musim sejuk - penghujung jalan adalah usia tua.

Mendengar "Musim Sejuk" (2j. Largo) A. Vivaldi.

(Jawapan kajian). Muzik tenang, merdu, menjiwai, merenung, lirik.

Mengapakah muzik yang ditulis lebih daripada tiga abad yang lalu sering dipersembahkan pada zaman kita?

(Jawapan kajian).

Jadi kawan-kawan, apakah tanggapan anda?

Pukul berapa tahun ini?

Apakah yang anda bayangkan semasa mendengar muzik ini?

Dan bagaimana ini disampaikan dalam bunyi, dalam prestasi?

(tema, pergerakan melodi, kuasa bunyi)

ya. Terdapat perasaan sejuk musim sejuk yang melanda, seolah-olah "di bawah tiupan angin berais, semua makhluk hidup menggeletar di dalam salji" (pertunjukan slaid)

Adakah anda fikir muzik hanya mengandungi imej alam semula jadi, musim sejuk, atau adakah perasaan komposer manusia disampaikan?

ya. Lagipun, seseorang adalah sebahagian daripada alam semula jadi, dan dalam muzik ini kita merasakan ketenangan, kemahuan, kesediaan seseorang untuk mengatasi kesukaran musim sejuk: sejuk, sejuk.

4) kecergasan fizikal;

Sekiranya ada masa, maka pada masa yang sama kita mencirikan bahagian "Musim Panas", bahagian "Musim Gugur".

cikgu bersama-sama dengan kanak-kanak menentukanPrinsip kontras berfungsi

Bahagian pertama - Allegro (Musim bunga telah tiba)

cepat, bertenaga, biasanya tanpa intro yang perlahan

Bahagian kedua - Largo e pianissimo semper (Penggembala yang sedang tidur) lirik, merdu, lebih sederhana saiznya

Bahagian ke-3 - Allegro danza pastorale. (tarian desa) akhir, tangkas, cemerlang

- nilaikan kerja ini pada kad skor anda.

4) kompilasi syncwines (dalam kumpulan);

SYNQUWINE (5 baris)

Barisan pertama- kata nama;

Baris kedua- dua kata adjektif;

Baris ketiga- tiga kata kerja;

Baris keempat-

Baris kelima-

1. Datang, berbunga, bangun.

   Rahmat!

Penggredan.

Kesimpulan: Komposer, dalam konsertnya, menyatakan persepsinya sendiri tentang dunia di sekelilingnya. Muzik menyampaikan perasaan seseorang, hubungannya dengan alam semula jadi, dunia. Mereka tidak berubah, berterusan, tanpa mengira zaman di mana seseorang hidup.

Konsert Vivaldi meletakkan asas untuk pembangunan genre konsert instrumental.

4. Karya vokal.

Latihan pernafasan;

Pra-Korus;

Pendengaran;

Menyanyi lagu oleh Y. Antonov. "Kecantikan tinggal di mana-mana";

4. Keputusan. Refleksi.

Apa yang telah anda pelajari?

Apa yang anda suka?

(isi lembaran mood).

Lembaran penilaian kendiri Lembaran penilaian kendiri

Lembaran penilaian kendiri Lembaran penilaian kendiri

Lembaran penilaian kendiri Lembaran penilaian kendiri

Lembaran penilaian kendiri Lembaran penilaian kendiri

Lembaran penilaian kendiri Lembaran penilaian kendiri

SPRING (La Primavera)

Musim bunga akan datang! Dan lagu yang menggembirakan

Alam semula jadi penuh. Matahari dan kehangatan

Aliran merungut. Dan berita percutian

Zephyr membawa, Seperti sihir.

Tiba-tiba awan baldu datang

Guruh syurga kedengaran seperti Injil.

Tetapi angin puyuh yang kuat cepat kering,

Dan kicauan sekali lagi melayang di angkasa biru.

Nafas bunga, gemerisik herba,

Alam mimpi penuh.

Gembala itu tidur, letih dalam sehari,

Dan anjing itu menyalak hampir tidak kedengaran.

Bunyi bagpipe gembala

Berdengung di atas padang rumput,

Dan nimfa menari bulatan ajaib

Musim bunga diwarnai dengan sinaran yang menakjubkan.

MUSIM PANAS (L "Estate)

Kawanan itu berkeliaran dengan malas di ladang.

Dari panas yang berat dan menyesakkan

Segala sesuatu di alam semula jadi menderita, kering,

Semua makhluk hidup merana kehausan.

Mendengar dari hutan. Perbualan lembut

Goldfinch dan burung merpati penyu memimpin perlahan-lahan,

Dan hamparan itu dipenuhi dengan angin yang hangat.

Tiba-tiba semangat dan perkasa meluncur ke bawah

Boreas, meletupkan kedamaian kesunyian.

Ia gelap di sekeliling, terdapat awan yang marah.

Dan budak gembala itu menangis, ditangkap oleh ribut petir.

Dari ketakutan, miskin, membeku:

Petir menyambar, guruh berdentum

Dan telinga yang masak dicabut

Ribut tanpa belas kasihan di sekeliling.

AUTUMN (L "Autunno)

Perayaan menuai petani membuat bising.

Keseronokan, ketawa, membunyikan lagu-lagu yang menggembirakan!

Dan jus Bacchus, menyalakan darah,

Semua yang lemah ditumbangkan, memberikan mimpi yang indah.

Dan selebihnya bersemangat untuk meneruskan

Tetapi menyanyi dan menari sudah tidak tertanggung.

Dan, melengkapkan kegembiraan keseronokan,

Malam menjerumuskan semua orang ke dalam tidur yang nyenyak.

Dan pada waktu subuh mereka melompat ke hutan

Pemburu, dan pemburu bersama mereka.

Dan, setelah menemui jejak, mereka menurunkan kumpulan anjing itu,

Dengan melulu mereka memandu binatang itu, meniup sangkakala.

Takut dengan bunyi bising yang dahsyat

Pelarian yang cedera, lemah

Lari dengan degil dari anjing yang menyiksa,

Tetapi lebih kerap ia mati, akhirnya.

MUSIM SEJUK (L "Inverno)

Menggigil, membeku, dalam salji yang sejuk

Dan ombak bergulung dari utara angin.

Anda mengetuk gigi anda dari kesejukan semasa berlari,

Anda tumbuk kaki anda, anda tidak boleh panas

Betapa manisnya dalam keselesaan, kehangatan dan ketenangan

Berlindung daripada cuaca buruk pada musim sejuk.

Perapian api, fatamorgana separuh tidur.

Dan jiwa yang beku penuh dengan kedamaian.

Rakyat bergembira dengan hamparan musim sejuk.

Jatuh, tergelincir dan berguling lagi.

Dan sangat gembira mendengar ais dipotong

Di bawah rabung tajam yang diikat dengan besi.

Dan di langit, Cirocco dan Boreus bertemu,

Ada pertempuran berlaku antara mereka.

Walaupun sejuk dan ribut salji masih belum menyerah,

Musim sejuk memberi kita.

SYNQUWINE (5 baris)

Barisan pertama- kata nama;

Baris kedua- dua kata adjektif;

Baris ketiga- tiga kata kerja;

Baris keempat- frasa 4 perkataan yang menyampaikan sikap, mood sendiri;

Baris kelima- kesimpulan, dalam satu perkataan atau frasa.

Pelajar memberi contoh syncwine, kemudian bandingkan dengan contoh guru

1. Awal, cerah, lama ditunggu-tunggu.

   Datang, berbunga, bangun.

   Jiwa dipenuhi dengan firasat kebahagiaan.

   Rahmat!

SYNQUWINE (5 baris)

Barisan pertama- kata nama;

Baris kedua- dua kata adjektif;

Baris ketiga- tiga kata kerja;

Baris keempat- frasa 4 perkataan yang menyampaikan sikap, mood sendiri;

Baris kelima- kesimpulan, dalam satu perkataan atau frasa.

Pelajar memberi contoh syncwine, kemudian bandingkan dengan contoh guru

1. Awal, cerah, lama ditunggu-tunggu.

   Datang, berbunga, bangun.

   Jiwa dipenuhi dengan firasat kebahagiaan.

   Rahmat!

SYNQUWINE (5 baris)

Barisan pertama- kata nama;

Baris kedua- dua kata adjektif;

Baris ketiga- tiga kata kerja;

Baris keempat- frasa 4 perkataan yang menyampaikan sikap, mood sendiri;

Baris kelima- kesimpulan, dalam satu perkataan atau frasa.

Pelajar memberi contoh syncwine, kemudian bandingkan dengan contoh guru

1. Awal, cerah, lama ditunggu-tunggu.

   Datang, berbunga, bangun.

   Jiwa dipenuhi dengan firasat kebahagiaan.

   Rahmat!

SYNQUWINE (5 baris)

Barisan pertama- kata nama;

Baris kedua- dua kata adjektif;

Baris ketiga- tiga kata kerja;

Baris keempat- frasa 4 perkataan yang menyampaikan sikap, mood sendiri;

Baris kelima- kesimpulan, dalam satu perkataan atau frasa.

Pelajar memberi contoh syncwine, kemudian bandingkan dengan contoh guru

1. Awal, cerah, lama ditunggu-tunggu.

   Datang, berbunga, bangun.

   Jiwa dipenuhi dengan firasat kebahagiaan.

   Rahmat!