Kesusasteraan muzik negara luar 3 bahagian. "Sastera muzik negara asing"

Nota asas kesusasteraan muzik negara luar merupakan tambahan kepada buku teks sedia ada mengenai kesusasteraan muzik. Kandungan buku teks bersesuaian dengan atur cara mata pelajaran PO.02.UP.03. "Kesusasteraan Muzik" program pendidikan am pra-profesional tambahan dalam bidang seni muzik "Piano", "Alat Tali", "Alat Angin dan Perkusi", "Alat Rakyat", "Nyanyian Choral", disyorkan oleh Kementerian Kebudayaan daripada Persekutuan Rusia.

Nota sokongan tentang kesusasteraan muzik direka untuk membangunkan pendidikan kemanusiaan dan kecekapan khas pelajar, khususnya: "... untuk membentuk pemikiran muzik, kemahiran persepsi dan analisis karya muzik, untuk memperoleh pengetahuan tentang undang-undang bentuk muzik, tentang spesifik bahasa muzik, cara muzik ekspresif" 1 .

Dalam buku teks, karya komposer dibentangkan dalam konteks era budaya dan sejarah, dikaji berhubung rapat dengan peristiwa sejarah dan seni yang berkaitan. Bahan abstrak mewakili tesis utama penyelidikan mengenai sejarah muzik dan kesusasteraan muzik oleh V.N.Bryantseva, V.S. Galatskaya, L.V. Kirillina, V.D. Konen, T.N. Livanova, I.D. Prokhorova dan ahli muzik terkenal yang lain, bahan pengajaran umum dan ringkas dalam bentuk jadual, rajah dan sokongan visual. Sokongan visual (penghasilan semula lukisan oleh artis terkenal, potret komposer, saudara mara dan rakan mereka, tokoh budaya dan seni yang terkenal, personaliti sejarah, dll.) bukan sahaja mengiringi dan menambah maklumat lisan, tetapi merupakan pembawa maklumat dalam bidang halus seni, secara langsung berkaitan dengan era dan trend dalam muzik, kreativiti komposer, mencerminkan sejarah, budaya dan seni negara Eropah.

Kandungan abstrak sokongan terdiri daripada empat bahagian, yang, seterusnya, dibahagikan kepada topik yang meliputi tempoh perkembangan muzik Eropah dari budaya muzik Yunani Purba kepada karya komposer romantis abad ke-19. Jadi bahagian pertama mengkaji budaya muzik Yunani Purba, era Zaman Pertengahan dan Renaissance. Bahagian kedua meneliti era Baroque, karya JS Bach dan GF Handel. Bahagian ketiga dikhaskan untuk era klasikisme, di mana penekanannya adalah pada karya klasik Vienna - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart dan L. Beethoven. Bahagian keempat membentangkan bahan-bahan mengenai era romantisme, karya F. Schubert dan F. Chopin, gambaran ringkas tentang karya komposer romantik abad ke-19 F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Manual ini juga termasuk kamus makna, istilah dan konsep yang terdapat dalam teks, analisis ringkas dan contoh muzik karya yang dikaji.

Bersama dengan pembentangan ketat bahan dalam jadual dan gambar rajah, manual termasuk fakta menarik dari kehidupan komposer, yang dinyatakan dalam bentuk naratif dan disertai dengan ilustrasi artistik berwarna-warni, yang menyegarkan persepsi dan perhatian kanak-kanak.

Nota asas mengenai kesusasteraan muzik negara asing ditujukan untuk pelajar sekolah seni kanak-kanak, sekolah muzik kanak-kanak tahun kedua dan ketiga pengajian (gred 5 dan 6), yang mendaftar dalam program pendidikan am pra-profesional tambahan dalam bidang seni muzik. . Guru-guru muzik-teoretikal dan disiplin khas Sekolah Muzik Kanak-kanak, Sekolah Seni Kanak-kanak boleh menggunakan buku teks apabila mempelajari bahan baru, mengulang dan mensistematisasikan topik yang diliputi, bersiap sedia untuk pensijilan pertengahan dan akhir pelajar, bersiap sedia untuk Olimpik teori muzik, kerja bebas pelajar, latihan kumpulan dan individu, sebahagiannya apabila melaksanakan program pembangunan am tambahan dalam bidang seni muzik, dalam aktiviti kebudayaan dan pendidikan.

Buku kerja dilampirkan pada nota sokongan, yang direka bentuk untuk berfungsi dalam pelajaran bilik darjah.

Di bawah adalah petikan daripada manual "Nota asas mengenai kesusasteraan muzik negara asing."

Untuk pembelian manual oleh Tatyana Guryevna Savelyeva "Nota asas mengenai kesusasteraan muzik negara asing", hubungi pengarang di [e-mel dilindungi]

_____________________________________________

1 Anggaran kurikulum mata pelajaran akademik PO 02. UP.03. Kesusasteraan muzik. - Moscow 2012

______________________________________________________

Perpustakaan Muzik Kami gembira kerana anda telah menemui dan memuat turun bahan yang anda minati dalam perpustakaan muzik kami. Perpustakaan sentiasa dikemas kini dengan karya dan bahan baharu, dan pada masa akan datang anda pasti akan menemui sesuatu yang baharu dan menarik untuk anda. Perpustakaan projek disiapkan berdasarkan kurikulum, serta bahan yang disyorkan untuk mengajar dan mengembangkan ufuk pelajar. Kedua-dua pelajar dan guru akan mendapat maklumat berguna di sini. perpustakaan juga mengandungi literatur metodologi. Haiwan peliharaan kami Komposer dan penghibur Artis kontemporari Di sini anda juga akan menemui biografi artis terkenal, komposer, pemuzik terkenal serta karya mereka. Dalam bahagian kerja, kami menyiarkan rakaman persembahan yang akan membantu anda dalam pembelajaran, anda akan mendengar bagaimana kerja ini berbunyi, aksen dan nuansa kerja. Kami sedang menunggu anda di classON.ru. V.N.Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1770 - 1770 - 1770 - 1828 Pendidikan Rusia menjadi lebih banyak dan lebih banyak dari kira-kira abad X SM. Seni halus berkembang - dan artis menggambarkan pemuzik yang mengiringi upacara keagamaan, kempen ketenteraan, memburu, perarakan khidmat, dan tarian dengan nyanyian dan bermain alat. Imej sedemikian telah bertahan, khususnya, di dinding kuil dan pasu seramik yang ditemui semasa penggalian. Bahasa bertulis muncul - dan pengarang manuskrip memperkenalkan teks puisi lagu dan pujian ke dalamnya, dan memberikan maklumat menarik tentang kehidupan muzik. Dari masa ke masa, penulis banyak memberi perhatian kepada perbincangan falsafah tentang muzik, tentang sosial yang penting, termasuk peranan pendidikan, serta kajian teori tentang unsur-unsur bahasanya. Kebanyakan maklumat sedemikian telah dipelihara tentang muzik di beberapa negara Dunia Purba, contohnya, di China Purba, India Purba, Mesir Purba, terutamanya di negara-negara yang dipanggil purba - Yunani Purba dan Rom Purba, di mana asas-asas Eropah budaya diletakkan2. Pengenalan Muzik dari zaman purba kepada JS Bach Dear guys! Tahun lepas anda sudah pun mengikuti pelajaran sastera muzik. Mereka bercakap tentang unsur-unsur utama bahasa muzik, tentang beberapa bentuk dan genre muzik, tentang kemungkinan ekspresif dan bergambar muzik, tentang orkestra. Pada masa yang sama, perbualan dijalankan secara bebas tentang era yang paling berbeza - sama ada tentang zaman dahulu, kemudian tentang kemodenan, kemudian kembali ke lubang yang kurang atau lebih jauh dari kita. Dan kini tiba masanya untuk membiasakan diri dengan kesusasteraan muzik dalam urutan kronologi - sejarah - urutan1. Mengenai muzik di Greece Purba Bagaimanakah maklumat tentang muzik Dunia Purba datang kepada kita?Bukti yang meyakinkan tentang peranan budaya dan sejarah yang hebat zaman dahulu ialah hakikat bahawa di Greece Purba pada abad VIII SM sukan awam dilahirkan - Olimpik Permainan. Dan dua abad kemudian, pertandingan muzik mula diadakan di sana - Sukan Pythian, yang boleh dianggap sebagai nenek moyang jauh pertandingan moden. Sukan Pythian diadakan di kuil, dibina untuk menghormati santo penaung seni, tuhan matahari dan cahaya, Apollo. Menurut mitos, dia, setelah mengalahkan Python ular yang dahsyat, memulakan permainan ini sendiri. Adalah diketahui bahawa apabila Saccadus of Argos memenangi kemenangan ke atas mereka, bermain di aulos, alat tiup dekat dengan oboe, sekeping program tentang perjuangan Apollo, dengan Python. Muzik Yunani kuno mempunyai hubungan ciri dengan puisi, tarian , dan teater. Puisi epik heroik "Iliad" dan "Odyssey", yang dikaitkan dengan penyair legenda Homer, adalah naraspev. Penyanyi biasanya, seperti Orpheus mitologi, pengarang kedua-dua teks puisi dan muzik, dan mereka sendiri mengiringi diri mereka pada kecapi. Pada perayaan itu, lagu-lagu tarian koral dengan gerak isyarat pantomimik dipersembahkan. Dalam tragedi dan komedi Yunani kuno, korus memainkan peranan yang besar: dia mengulas tindakan itu, menyatakan sikapnya terhadap penggalian. Akibatnya, seni muzik wujud pada masa itu. Selepas fonograf, radas pertama untuk rakaman mekanikal dan pembiakan bunyi, dicipta pada tahun 1877, pemuzik penyelidikan mula mengembara ke bahagian-bahagian dunia di mana sesetengah puak masih mengekalkan cara hidup primitif mereka. Daripada wakil puak tersebut dengan bantuan fonograf, mereka membuat rakaman sampel nyanyian dan lagu instrumental. Tetapi rakaman sedemikian, sudah tentu, hanya memberikan gambaran kasar tentang bagaimana muzik pada zaman dahulu. Perkataan "kronologi" (ia bermaksud "urutan peristiwa sejarah dalam masa") berasal daripada dua perkataan Yunani - "chronos" ("masa") dan "logos" ("pengajaran"). 1 Perkataan Latin "antiguus" bermaksud "kuno." Berasal daripadanya, definisi "antik" merujuk kepada sejarah dan budaya Yunani Purba dan Rom Purba. 2 2 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia kepada tindakan wira. Ahli muzik kontemporari mempunyai sedikit pengetahuan tentang muzik di dunia purba dan bagaimanapun iri kepada ahli sejarah seni lain. Untuk sejumlah besar monumen indah seni bina purba, seni halus purba, terutamanya arca, telah bertahan, banyak manuskrip telah ditemui dengan teks tragedi dan komedi penulis drama kuno yang hebat. Tetapi karya muzik yang dicipta dalam era yang sama dan bahkan lebih lama kemudian kekal pada asasnya tidak diketahui oleh kami. Mengapa ia berlaku? Hakikatnya ternyata ia menjadi tugas yang sangat sukar untuk mencipta sistem notasi muzik (notasi) yang cukup tepat dan mudah, yang anda masing-masing kuasai ketika baru mula belajar muzik. Ia mengambil masa berabad-abad untuk menyelesaikannya. Benar, orang Yunani kuno mencipta notasi huruf. Mereka menetapkan darjah mod muzik dengan huruf abjad tertentu. Tetapi tanda berirama (daripada sempang) tidak selalu ditambah. Hanya pada pertengahan abad ke-19 Masihi, ahli sains akhirnya membongkar rahsia notasi ini. Walau bagaimanapun, jika mereka dapat mentafsir dengan tepat nisbah bunyi dalam nada dalam manuskrip muzik Yunani kuno, maka nisbah dalam tempoh hanya lebih kurang. Sesungguhnya, sangat sedikit manuskrip sebegini ditemui, dan ia mengandungi rekod hanya beberapa karya monofonik (contohnya, lagu raya) dan, lebih kerap, petikan mereka. kejelasan yang mencukupi. Oleh itu, pemuzik telah lama menggunakan ikon bantuan tambahan. Ikon ini diletakkan di atas perkataan nyanyian dan menandakan sama ada bunyi individu atau kumpulan kecil daripadanya. Mereka tidak menunjukkan nisbah bunyi yang tepat, sama ada dalam pic atau dalam tempoh. Tetapi dengan garis besar mereka, mereka mengingatkan para pelaku tentang arah pergerakan melodi, yang mengetahuinya dengan hati dan menyampaikannya dari satu generasi ke generasi yang lain. Di negara-negara Eropah Barat dan Tengah, muzik yang akan dibincangkan pada masa akan datang dalam buku teks ini, ikon sedemikian dipanggil neumas. Nevmas digunakan dalam rakaman nyanyian liturgi Katolik kuno - nyanyian Gregorian. Nama biasa ini berasal dari nama Pope Gregory I3. Menurut legenda, pada akhir abad ke-6 dia menyusun koleksi utama nyanyian monofonik ini. Direka bentuk untuk dilakukan semasa perkhidmatan gereja hanya oleh lelaki dan lelaki - solo dan korus serentak, mereka ditulis dalam teks doa dalam bahasa Latin 4. Rakaman awal nyanyian Gregorian yang tidak jelas tidak dapat ditafsirkan. Tetapi pada abad ke-11, sami Itali Guido d'Arezzo ("dari Arezzo") mencipta cara tatatanda baharu. Dia mengajar budak lelaki menyanyi di biara dan ingin memudahkan mereka menghafal nyanyian rohani. Baris ini sepadan dengan satu bunyi tertentu dan dengan itu menetapkan anggaran aras ketinggian rakaman. Dan Guido menghasilkan idea untuk melukis empat garisan selari ("pembaris") serentak pada jarak yang sama antara satu sama lain dan meletakkan nevma pada dan di antara mereka. Oleh itu, nenek moyang muncul kakitangan muzik moden - sejenis kanvas yang dibarisi ketat, yang memungkinkan untuk menunjukkan nisbah pic bunyi dengan tepat dalam nada dan semiton. Dan pada masa yang sama, notasi muzik menjadi lebih visual - seperti lukisan yang menggambarkan pergerakan melodi, selekohnya. Bunyi sepadan dengan penguasa, Guido ditanda dengan huruf Latin abjad. Garis besar mereka kemudiannya mula berubah dan akhirnya bertukar menjadi tanda, yang dipanggil kunci. "Duduk" di atas penguasa dan di antara mereka, dari masa ke masa, mereka bertukar menjadi nota berasingan, yang kepalanya pada mulanya mempunyai bentuk segi empat sama. Soalan dan tugasan 1. Bilakah, menurut saintis, alat muzik paling kuno dibuat? Apakah maksud ini? 2. Apakah fonograf, bilakah ia dicipta dan bagaimana penyelidik mula menggunakannya? 3. Mengenai muzik negara-negara Dunia Purba manakah yang mempunyai maklumat yang paling banyak dipelihara? Tentukan pada peta - sekitar laut mana tiga negara tersebut berada. 4. Bila dan di manakah pertandingan muzik purba - Sukan Pythian - bermula? 5. Dengan seni apakah muzik berkait rapat di Yunani Purba? 6. Apakah tatatanda yang dicipta oleh orang Yunani kuno? Di manakah ia tidak tepat? Gelaran "Paus" menyandang paderi yang mengetuai Gereja Katolik sebagai organisasi rohani antarabangsa. Katolik adalah salah satu kepercayaan Kristian bersama dengan Ortodoks dan Protestantisme. 4 Orang Rom purba bercakap bahasa Latin. Selepas kejatuhan Empayar Rom pada 476, bahasa Latin secara beransur-ansur tidak lagi digunakan. Dari dia datang apa yang dipanggil bahasa Romantik - Itali, Perancis, Sepanyol, Portugis. 3 Bagaimana Notasi Mudah Dicipta Pada Zaman Pertengahan (permulaan tempoh sejarah ini dianggap abad ke-6 Masihi), tatatanda huruf hampir dilupakan. Ia tidak termasuk 3 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Khabar angin tentang cara tatatanda baharu - sama seperti sejenis keajaiban - sampai kepada Pope John XIX. Dia memanggil Guido dan menyanyikan melodi yang tidak diketahui daripada rakaman yang dicipta. Selepas itu, bilangan garis selari diubah berkali-kali, ia berlaku - malah meningkat kepada lapan belas. Hanya pada penghujung abad ke-17 kakitangan lima barisan sekarang "menang". Banyak kekunci yang berbeza turut digunakan. Hanya pada abad ke-19, treble dan clef bass menjadi yang paling biasa. Selepas penciptaan Guido d "Aryozzo, untuk masa yang lama mereka menyelesaikan satu lagi masalah sukar - bagaimana untuk memperbaiki notasi supaya ia menunjukkan nisbah bunyi yang tepat, bukan sahaja dalam nada, tetapi juga dalam tempoh. Selepas beberapa ketika, mereka terfikir untuk menggunakan simbol notasi ini, berbeza dalam bentuk. Tetapi pada mulanya, banyak peraturan bersyarat telah ditambahkan pada ini, yang menyukarkan untuk digunakan dalam amalan. Dan selama beberapa abad, notasi yang lebih mudah telah dibangunkan secara beransur-ansur - betul-betul yang kini terus kita gunakan. Selepas bermulanya abad ke-17, ia hanya dipertingkatkan secara terperinci. yang telah dicari sekian lama kini nampaknya merupakan perkara yang paling mudah: keseluruhan nota dalam tempoh sentiasa sama kepada dua bahagian - yang lain dalam garis besar, satu setengah hingga dua suku, satu suku hingga dua perlapan, dan seterusnya. bahawa bar mula memisahkan ukuran pada abad ke-16, dan tandatangan masa pada permulaan notasi muzik adalah wajib e sejak abad ke-17. Walau bagaimanapun, kemudian sudah ada bukan sahaja manuskrip muzik, tetapi juga muzik bercetak. Untuk percetakan muzik bermula sejurus selepas penciptaan percetakan - menjelang akhir abad ke-15. Di dunia purba dan untuk masa yang lama pada Zaman Pertengahan, muzik biasanya monophonic. Terdapat hanya beberapa pengecualian mudah. Sebagai contoh, seorang penyanyi mempersembahkan lagu dan mengalih suaranya (iaitu memainkannya pada masa yang sama) dengan memainkan alat. Pada masa yang sama, suara dan instrumen kadang-kadang boleh tersebar sedikit, menyimpang antara satu sama lain dan tidak lama lagi bertumpu semula. Oleh itu, dalam aliran bunyi monofonik, "pulau" dua suara muncul dan hilang. Tetapi pada permulaan milenium pertama dan kedua era kita, struktur polifonik mula berkembang secara konsisten dan kemudiannya menjadi dominan dalam seni muzik profesional. Pembentukan yang kompleks dan panjang ini tertumpu terutamanya pada bidang muzik gereja Katolik. Kes itu bermula dengan ciptaan (oleh siapa - ia tidak diketahui) kaedah berikut. Seorang penyanyi (atau beberapa penyanyi) menyanyikan suara utama - melodi nyanyian Gregorian yang mengalir perlahan. Dan suara kedua bergerak selari - betul-betul dalam irama yang sama, hanya sepanjang masa pada jarak satu oktaf, atau keempat, atau kelima. Sekarang di telinga kita bunyinya sangat buruk, "kosong". Tetapi seribu tahun yang lalu, nyanyian seperti itu, bergema di bawah gerbang gereja, katedral, kagum dan gembira, membuka kemungkinan ekspresif baru untuk muzik. Selepas beberapa ketika, pemuzik gereja mula mencari kaedah yang lebih fleksibel dan pelbagai untuk mengendalikan suara kedua. Dan kemudian mereka mula lebih mahir menggabungkan tiga, empat undi, kemudian kadang-kadang lebih banyak undi. Soalan dan tugasan 1. Mengapakah tatatanda huruf menyusahkan dalam amalan? 2. Apakah yang mendorong neuma zaman pertengahan kepada penyanyi? 3. Apakah nyanyian Gregorian dan mengapa ia dipanggil begitu? 4. Jelaskan intipati ciptaan Guido d'Arozzo. 5. Apakah masalah seterusnya yang perlu diselesaikan selepas ciptaan Guido? 6. Sejak bila notasi tidak berubah dengan ketara? pemuzik gereja abad Perotin. Beliau merupakan wakil nyanyian yang cemerlang seni - Sekolah Paris Notre Dame (School of Our Lady.) Laungan Perotin kedengaran di dalam sebuah bangunan dengan keindahan yang luar biasa. novel “Notre Dame Cathedral.” Bagaimana polifoni mula berkembang dalam muzik Beginilah polifoni mula berkembang. Diterjemahkan dari bahasa Yunani, perkataan ini bermaksud "polifoni." Tetapi polifoni hanyalah sejenis polifoni di mana dua atau lebih suara yang sama didengar secara serentak, lebih-lebih lagi, setiap daripadanya mempunyai garis melodi bebasnya sendiri. sama ada satu suara mengetuai melodi utama, manakala yang lain berada di bawahnya (mengiringinya, mengiringinya), maka ia adalah homofoni - satu lagi. Terima kasih kepada peningkatan notasi, secara beransur-ansur, terutamanya sejak abad ke-13, manuskrip muzik mula ditafsirkan lebih dan lebih tepat. Ini memungkinkan untuk berkenalan bukan sahaja dengan maklumat tentang budaya muzik, tetapi juga dengan muzik era lalu. Bukan kebetulan bahawa kejayaan notasi bertepatan dengan permulaan perkembangan polifoni, peringkat penting dalam sejarah seni muzik. 4 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia telah menjadi genre muzik utama. Misa Biasa 5 termasuk enam nyanyian utama berdasarkan teks doa Latin. Ini adalah "Kiriyo eleison" ("Tuhan, kasihanilah"), "Gloria" ("Kemuliaan"), "Iman" ("Saya percaya"), "Sanctus" ("Kudus"), "Benedictus" ("Diberkati" ) dan " Agnus Dei "(" Anak Domba Tuhan "). Pada asalnya, nyanyian Gregorian kedengaran monofonik dalam massa. Tetapi pada kira-kira abad ke-15, Misa telah bertukar menjadi kitaran bahagian polifonik yang kompleks 6. Pada masa yang sama, tiruan mula digunakan dengan sangat mahir. Diterjemah dari bahasa Latin "imitasio" bermaksud "tiruan". Dalam muzik, anda kadang-kadang boleh meniru bunyi muzik tambahan, contohnya, bunyi burung bulbul, bunyi kokok burung, bunyi ombak laut. Kemudian ia dipanggil onomatopoeia atau visualisasi bunyi. Dan peniruan dalam muzik ialah teknik apabila, selepas melodi yang berakhir dengan satu suara, suara lain dengan tepat (atau tidak cukup tepat) mengulanginya dari bunyi lain. Kemudian suara lain boleh masuk dengan cara yang sama. Dalam muzik homophonic, tiruan mungkin muncul secara ringkas. Dan dalam muzik polifonik ini adalah salah satu kaedah pembangunan utama. Ia membantu menjadikan pergerakan melodi hampir berterusan: jeda dan irama serentak dalam semua suara terdapat dalam muzik polifonik hanya dalam bentuk pengecualian yang jarang berlaku7. Menggabungkan tiruan dengan teknik polifonik lain, komposer membuat karya paduan suara yang besar, di mana empat atau lima suara disatukan dalam fabrik bunyi yang kompleks. Di dalamnya, melodi nyanyian Gregorian sudah sukar untuk dilihat dan sama sukarnya untuk mendengar kata-kata doa. Malah massa muncul, di mana melodi lagu-lagu sekular popular digunakan sebagai yang utama. Keadaan ini membimbangkan pihak berkuasa gerejawi Katolik tertinggi. Pada pertengahan abad ke-16, ia akan mengharamkan sepenuhnya nyanyian polifonik semasa perkhidmatan gereja. Tetapi larangan sedemikian tidak berlaku terima kasih kepada komposer Itali yang luar biasa Palestrina, yang menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Rom dan dekat dengan mahkamah paus (nama penuhnya ialah Giovanni Pierluigi da Palestrina, iaitu, "dari Palestrina" - a bandar kecil berhampiran Rom). Palestrina dengan massanya (dan dia menulis lebih daripada seratus daripadanya) berjaya membentuk polifoni. Oleh kerana iringan mempunyai asas kord-harmonik, struktur homophonic persembahan muzik juga dipanggil homophonic-harmonic. Soalan dan tugasan 1. Sejak bila manuskrip muzik dihuraikan dengan lebih tepat? 2. Apakah peringkat baharu yang penting dalam sejarah seni muzik bertepatan dengan kejayaan notasi? 3. Bilakah, dalam muzik apa dan berdasarkan melodi apakah polifoni mula terbentuk secara konsisten? 4. Apakah selari dua suara? Nyanyikan beberapa kuart selari, kelima, dan oktaf bersama-sama. 5. Apakah perbezaan antara polifoni dan homofoni? Bagaimana polifoni terus berkembang Walaupun polifoni mula berkembang dalam nyanyian gereja, monofoni terus mendominasi dalam muzik sekular. Sebagai contoh, banyak rakaman lagu monofonik telah diuraikan, yang pada abad XII-XIV digubah dan dipersembahkan oleh penyair-penyanyi zaman pertengahan. Di selatan Perancis, di Provence, mereka dipanggil troubadours, di utara Perancis - trouvers, di Jerman - minnesingers. Ramai daripada mereka adalah kesatria yang terkenal dan dalam lagu-lagu mereka mereka sering menyanyikan keindahan dan kebaikan "wanita cantik" yang mereka puja. Melodi lagu-lagu penyair-penyanyi ini selalunya dekat dengan lagu-lagu rakyat, termasuk tarian, dan iramanya lebih rendah daripada irama teks puisi. Kemudian, pada abad XIV-XVI, "penyair-penyanyi Jerman dari kalangan tukang, yang menggelarkan diri mereka sebagai meistersingers (" penyanyi induk "), bersatu menjadi bengkel. Polifoni gereja dan monofoni sekular tidak menjadi terasing antara satu sama lain. telah ditambah dalam nyanyian suci kepada nyanyian Gregorian, pengaruh lagu-lagu sekular (contohnya, lagu troubadours dan trouvers) menjadi ketara. Pada masa yang sama, menjelang akhir abad ke-13, karya polifonik semata-mata sekular muncul di Perancis, di mana bahagian-bahagian semua suara adalah berdasarkan melodi yang bersifat lagu, dan teks-teksnya tidak digubah dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa Perancis. Dari masa ke masa, dalam muzik gereja Katolik, masih terdapat massa khas yang didedikasikan untuk cuti gereja. Ingat bahawa kitaran itu adalah karya beberapa bahagian (atau permainan) yang berasingan, disatukan oleh konsep yang sama.. 7 Cadenza (cadence ) - perolehan melodi dan harmonik, melengkapkan keseluruhan bahagian muzik atau bahagiannya.. 5 6 5 www.classON.ru pendidikan dalam bidang seni Rusia untuk membuktikan bahawa komposisi polifonik, sementara kekal sangat mahir, boleh berbunyi telus dan teks liturgi boleh didengar dengan jelas. Muzik Palestrina adalah salah satu puncak polifoni paduan suara lama yang dipanggil gaya ketat. Dia membawa kita ke dunia renungan agung yang tercerahkan - seolah-olah memancarkan sinaran yang merata dan menenangkan. penyair, pemuzik, saintis dan pencinta seni. Mereka terbawa-bawa dengan idea untuk mencipta jenis baru nyanyian solo ekspresif dengan iringan dan menggabungkannya dengan aksi teater. Ini adalah bagaimana opera pertama dilahirkan, plot yang diambil dari mitologi kuno. Yang pertama ialah Daphne, digubah oleh komposer Jacopo Peri (bersama-sama dengan J. Korea) dan penyair O. Rinuccini. Ia dilakukan pada tahun 1597 di Florence (kerja secara keseluruhannya tidak bertahan). Dalam mitologi Yunani kuno, Daphne adalah anak perempuan dewa sungai Ladon dan dewi bumi Gaia. Melarikan diri dari mengejar Apollo, dia berdoa meminta pertolongan daripada para dewa dan berubah menjadi laurel (dalam bahasa Yunani "daphne" - "laurel") - pokok suci Apollo. Oleh kerana Apollo dianggap sebagai tuhan penaung seni, pemenang Sukan Pythian mula menobatkan pemenang Sukan Pythian dengan kalungan laurel, yang mana Apollo dianggap sebagai pengasasnya. Kalungan laurel dan cabang laurel yang berasingan telah menjadi simbol kemenangan, kemuliaan, dan anugerah. Dua lagi opera, yang dikarang pada tahun 1600 (satu oleh J. Peri, satu lagi oleh J. Caccini), kedua-duanya dipanggil Eurydice, kerana kedua-duanya menggunakan teks puisi yang sama berdasarkan mitos Yunani kuno penyanyi legenda Orpheus. Opera Itali pertama dipersembahkan di istana dan rumah orang bangsawan. Orkestra itu terdiri daripada beberapa alat muzik lama. Ia diketuai oleh seorang pemuzik yang memainkan harpsichord (nama Itali untuk harpsichord). Belum ada kata putus lagi, dan bunyi trompet mengumumkan permulaan persembahan. Dan dalam bahagian vokal, recitatif diutamakan, di mana perkembangan muzik ditaklukkan kepada teks puitis. Walau bagaimanapun, tidak lama kemudian, muzik mula memperoleh makna yang semakin bebas dan penting dalam opera. Ini sebahagian besarnya disebabkan oleh komposer opera cemerlang pertama - Claudio Monteverdi. Opera pertamanya, Orpheus, dipentaskan pada tahun 1607 di Mantua. Wiranya sekali lagi adalah penyanyi legenda yang sama yang, dengan seninya, mendamaikan Hades, dewa dunia orang mati, dan dia melepaskan Eurydice, isteri tercinta Orpheus, ke bumi. Tetapi keadaan Hades - sebelum meninggalkan kerajaannya untuk tidak melihat Eurydice - Orpheus melanggar dan sekali lagi, sudah selamanya, kehilangannya. Muzik Monteverdi telah memberikan kisah sedih ini sebagai lirikal dan ekspresif dramatik yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Bahagian vokal, koir, episod orkestra dalam Orphea Monteverdi menjadi lebih pelbagai dalam watak. Dalam karya ini, gaya arios yang merdu mula terbentuk - kualiti tersendiri yang paling penting dalam muzik opera Itali. Mengikuti contoh Florence, opera mula digubah dan dipersembahkan bukan sahaja di Mantua, tetapi juga di bandar-bandar Itali seperti Rom, Venice, Naples. Minat dalam genre baru mula timbul di negara-negara Eropah yang lain, dan Soalan dan Tugas 1 mereka. Siapakah troubadours, trouver, minnesingers dan meistersingers? 2. Adakah terdapat kaitan antara polifoni gereja lama dengan melodi lagu sekular? 3. Apakah bahagian utama jisim sekata? 4. Berikan contoh onomatopoeia dalam muzik. 5. Apakah peniruan dalam muzik? 6. Apakah yang dicapai oleh Palestrina dalam massanya? Kelahiran opera. Oratorio dan cantata Sejurus sebelum permulaan abad ke-17 - abad pertama tempoh sejarah yang dipanggil Zaman Baru - satu peristiwa yang sangat penting berlaku dalam seni muzik: opera dilahirkan di Itali. Muzik telah dimainkan dalam pelbagai persembahan teater sejak sekian lama. Di dalamnya, bersama dengan nombor instrumental dan koral, solo vokal individu, sebagai contoh, lagu, boleh dilakukan. Dan dalam opera, penyanyi dan penyanyi menjadi pelakon dan pelakon. Nyanyian mereka, diiringi orkestra, digabungkan dengan aksi pentas, mula menyampaikan isi utama persembahan. Ia dilengkapi dengan pemandangan, pakaian, dan sering juga tarian - balet. Oleh itu, dalam opera, muzik memimpin dalam komuniti rapat seni yang berbeza. Ini membuka peluang seni baru yang hebat untuknya. Penyanyi dan penyanyi opera mula menyampaikan dengan kuasa yang tidak pernah berlaku sebelum ini pengalaman emosi peribadi orang - baik gembira dan sedih. Pada masa yang sama, cara ekspresif yang paling penting dalam opera ialah gabungan homofonik suara nyanyian solo dengan iringan orkestra. Dan jika sehingga abad ke-17 muzik profesional di Eropah Barat berkembang terutamanya di gereja, dan massa adalah genre terbesar, maka teater muzikal menjadi pusat utama, dan genre terbesar adalah opera. Pada penghujung abad ke-16, Bulatan 6 berkumpul di bandar Florence di Itali. Www.classON.ru Para penguasa mengamalkan adat menjemput pemuzik Itali ke perkhidmatan mahkamah mereka dalam bidang seni Rusia untuk kanak-kanak. Ini menyumbang kepada fakta bahawa muzik Itali menjadi yang paling berpengaruh di Eropah untuk masa yang lama. Di Perancis, pada abad ke-17, opera kebangsaannya sendiri muncul, berbeza daripada opera Itali. Pengasasnya, Jean-Baptiste L yule, berasal dari Itali. Namun begitu, dia betul-betul merasakan keistimewaan budaya Perancis dan mencipta gaya opera Perancis yang pelik. Dalam opera Lully, tempat yang besar telah diambil, di satu pihak, oleh pembacaan dan aria kecil dengan watak bacaan, dan di sisi lain, oleh tarian balet, perarakan khidmat dan koir monumental. Bersama-sama dengan plot mitologi, pakaian yang indah, gambaran keajaiban ajaib dengan bantuan mesin teater, semua ini sepadan dengan kemegahan dan kemegahan kehidupan istana semasa pemerintahan raja Perancis Louis XIV. Opera pertama di Jerman, Daphne (1627), dicipta oleh komposer Jerman terhebat era pra-Bach, Heinrich Schutz. Tetapi muziknya tidak bertahan. Dan tidak ada syarat untuk perkembangan genre opera di negara ini: mereka benar-benar terbentuk hanya dengan permulaan abad ke-19. Dan dalam karya Schütz, tempat utama diambil oleh komposisi vokal dan instrumental ekspresif pada teks rohani. Pada tahun 1689, opera Inggeris pertama, Dido dan Aeneas, telah dipersembahkan di London oleh komposer bakat yang luar biasa Henry Purcell. Muzik opera ini memikat dengan lirik yang menyentuh hati, fantasi puitis dan imej rakyat yang berwarna-warni. Walau bagaimanapun, selepas kematian Purcell selama hampir dua abad, tidak ada pencipta muzik yang cemerlang dalam kalangan komposer Inggeris. Pada pergantian abad XVI-XVII, serentak dengan opera dan juga di Itali dan r o d dan l dan s o r dan ke r dan I dan kucing. Ia adalah mengenai opera oleh fakta bahawa pemain solo, koir dan orkestra turut mengambil bahagian dalam persembahan mereka, dan fakta bahawa mereka juga membunyikan aria, recitatif, ensembel vokal, koir, episod orkestra. Tetapi dalam opera, kita belajar tentang perkembangan peristiwa (plot) bukan sahaja dari apa yang dinyanyikan oleh pemain solo, tetapi juga dari apa yang mereka lakukan dan apa yang berlaku di atas pentas secara umum. Dan dalam oratorio dan cantata tidak ada aksi pentas. Mereka dipersembahkan dalam suasana konsert, tanpa pakaian dan hiasan. Tetapi terdapat juga perbezaan antara oratorio dan cantata, walaupun tidak selalu jelas. Biasanya oratorio adalah karya yang lebih besar dengan plot agama yang lebih maju. Ia selalunya epik-drama. Dalam hal ini, bahagian pengucapan naratif penyanyi-pencerita sering dimasukkan dalam oratorio. Jenis khas oratorios rohani - "keghairahan", atau "pasif" (diterjemahkan dari bahasa Latin - "penderitaan"). Sengsara menceritakan tentang penderitaan dan kematian Yesus Kristus yang disalibkan di kayu salib. 7 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Cantatas, bergantung pada kandungan teks lisan, dibahagikan kepada rohani dan sekular. Pada abad ke-17 dan pada awal abad ke-18, banyak cantata ruang kecil timbul di Itali. Mereka terdiri daripada bergantian dua atau tiga bacaan dengan dua atau tiga aria. Kemudian, lagu-lagu cantata yang berwatak khusyuk menjadi meluas. Cantatas rohani dan "keghairahan" pelbagai pembinaan paling maju di Jerman. arias, dan ia adalah menarik untuk menggunakan pergerakan laluan virtuoso. Dalam warisan Corelli dan Vivaldi, tempat yang bagus tergolong dalam genre trio sonata. Dalam kebanyakan sonata trio, dua bahagian utama dimainkan oleh biola, dan bahagian ketiga, bahagian iringan, ialah harpsichord atau organ, dengan suara bes digandakan oleh cello atau bassoon. Trio sonata diikuti oleh sonata untuk biola atau alat muzik lain yang diiringi oleh harpsichord,. dan juga Concerto Grosso - konsert untuk orkestra (pertama - rentetan). Banyak karya genre ini dicirikan oleh bentuk sonata lama. Ini biasanya kitaran empat bahagian dengan kadar lambat-cepat-lambat-cepat. Agak kemudian, sudah pada abad ke-18, Vivaldi mula mengarang persembahan untuk biola dan beberapa instrumen lain, diiringi oleh orkestra. Kitaran tiga bahagian telah ditubuhkan di sana: "cepat-lambat-cepat". Soalan dan tugasan 1. Di mana dan bilakah opera itu dilahirkan? Terangkan bagaimana opera berbeza daripada persembahan teater dengan muzik. 2. Apakah cara ekspresi yang paling penting dalam muzik opera? 3. Apakah nama opera pertama oleh Claudio Monteverdi, dan apakah kualiti yang ditunjukkan dalam muziknya? 4. Beritahu kami tentang keistimewaan opera Perancis lama. 5. Apakah opera pertama yang ditulis di Jerman dan opera pertama di England? 6. Apakah perbezaan utama antara oratorio dan cantata dan opera? 7. Apakah nafsu (pasif)? Organ itu memulakan sejarah panjangnya di Mesir purba. Menjelang abad ke-17, ia telah menjadi instrumen yang sangat kompleks dengan kemungkinan artistik yang luas. Organ-organ kecil boleh ditemui ketika itu walaupun di rumah persendirian. Mereka digunakan untuk sesi latihan, mereka memainkan variasi pada melodi lagu dan tarian rakyat. Dan organ-organ besar dengan barisan paip yang berkilauan, dengan badan kayu yang dihiasi dengan ukiran, dibunyikan, seperti yang mereka lakukan sekarang, di gereja dan katedral. Pada masa kini, organ juga terdapat di banyak dewan konsert. Dalam organ moden, terdapat beberapa ribu paip dan sehingga tujuh papan kekunci (manual), terletak satu di atas yang lain - seperti tangga. Terdapat begitu banyak paip kerana ia dibahagikan kepada kumpulan - daftar. Daftar dihidupkan dan dimatikan dengan tuas khas untuk mendapatkan warna (timbre) bunyi yang berbeza. Organ-organ itu juga dilengkapi dengan pedal. Ini ialah papan kekunci seluruh kaki dengan banyak kekunci besar. Dengan menekannya dengan kakinya, ahli organ boleh mengekstrak dan juga mengekalkan bunyi bes untuk masa yang lama (bunyi berkekalan sedemikian juga dipanggil mata pedal atau organ). Dari segi kekayaan timbres, jika boleh, untuk membandingkan pianissimo yang paling ringan dengan fortissimo yang bergemuruh, organ itu tidak mempunyai tandingan antara alat muzik. Pada abad ke-17, seni organ mencapai tahap berbunga yang sangat tinggi di Jerman. Seperti di negara lain, ahli organ gereja Jerman adalah komposer dan penghibur. Mereka bukan sahaja mengiringi nyanyian rohani, tetapi juga membuat persembahan secara solo. Di antara mereka terdapat ramai virtuoso berbakat dan improviser yang menarik perhatian ramai orang dengan permainan mereka. Salah satu yang paling luar biasa di antara mereka ialah Dietrich Buxtehude. Johann Sebastian Bach muda datang untuk mendengar permainannya berjalan kaki dari bandar lain. Dalam karya Buxtehude yang pelbagai dan meluas, jenis muzik organ utama pada masa itu diwakili. Di satu pihak, ini adalah mukaddimah, fantasi dan kira-kira muzik instrumental abad ke-17, genre dan bentuknya. Sejak sekian lama, alat bermain sering digunakan untuk menduplikasi bahagian suara dalam karya vokal atau untuk mengiringi tarian. Susunan instrumental gubahan vokal juga biasa. Perkembangan bebas muzik instrumental dipergiatkan hanya pada abad ke-17. Pada masa yang sama, teknik artistik yang telah berkembang dalam polifoni vokal terus berkembang di dalamnya. Mereka diperkaya dengan unsur-unsur gudang homofonik berdasarkan lagu dan tarian. Pada masa yang sama, pencapaian ekspresif muzik opera mula mempengaruhi komposisi instrumental. Biola, bersama dengan kebolehan virtuoso yang cemerlang, mempunyai suara yang sangat merdu. Dan di tanah air opera, di Itali, muzik biola mula berkembang dengan jayanya. Pada akhir abad ke-17, kreativiti Arcangelo Corelli berkembang dan aktiviti kreatif Antonio Vivaldi bermula. Komposer Itali yang terkenal ini telah menghasilkan banyak karya instrumental dengan penyertaan dan peranan utama biola. Di dalamnya, biola boleh menyanyi secara ekspresif seperti suara manusia di bilik opera 8 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang toccata seni Rusia. Di dalamnya, episod polifonik bebas bergantian dengan improvisasi - petikan dan kord. Sebaliknya, ini adalah kepingan yang dibina dengan lebih ketat yang membawa kepada kemunculan fugue - bentuk polifoni tiruan yang paling kompleks. Buxtehude juga membuat banyak penyesuaian organ paduan suara Protestan dalam bentuk preludes paduan suara. Tidak seperti nyanyian Gregorian, ini adalah nama umum untuk nyanyian rohani, bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa Jerman. Mereka muncul pada abad ke-16, apabila jenis baru doktrin Kristian - Protestantisme - dipisahkan daripada Katolik. Asas melodi nyanyian Protestan adalah lagu rakyat Jerman. Pada abad ke-17, nyanyian Protestan dilakukan oleh korus semua umat dengan sokongan organ. Untuk susunan koral sedemikian, struktur kord empat bahagian dengan melodi dalam suara atas adalah tipikal. Selepas itu, gudang seperti itu mula dipanggil koral, walaupun ia ditemui dalam kerja instrumental. Pemain organ juga memainkan alat papan kekunci bertali dan menggubahnya. Nama biasa karya untuk instrumen ini ialah muzik clavier8. Maklumat pertama tentang instrumen papan kekunci bertali bermula pada abad XIV-XV. Menjelang abad ke-17, harpsichord telah menjadi yang paling biasa. Jadi ia dipanggil di Perancis, di Itali ia dipanggil Chembalo, di Jerman - Kilflugel, di England - harpsichord. Nama instrumen yang lebih kecil di Perancis adalah epinet, di Itali - untuk spinet England - virginel. Harpsichord adalah nenek moyang piano, yang mula digunakan pada pertengahan abad ke-18. Apabila anda menekan kekunci harpsichord, bulu atau lidah kulit yang diletakkan pada batang, seolah-olah, memetik tali. Yang terhasil secara tiba-tiba, nyaring dan pada masa yang sama sedikit berdesir bunyi. Pada harpsichord, kekuatan bunyi tidak bergantung pada kekuatan pukulan pada kekunci. Oleh itu, ia tidak boleh digunakan untuk crescendo dan diminuendo - tidak seperti piano, yang mungkin disebabkan oleh sambungan kekunci yang lebih fleksibel dengan tukul yang memukul rentetan. Harpsichord boleh mempunyai dua atau tiga papan kekunci dan mempunyai peranti yang membolehkan anda menukar warna bunyi. Bunyi alat papan kekunci kecil lain, klavikord, adalah lebih lemah daripada bunyi harpsichord. Tetapi sebaliknya, permainan yang lebih merdu mungkin pada klavikord, kerana talinya tidak dipetik, tetapi plat logam ditekan padanya. Salah satu genre utama muzik harpsichord purba ialah set beberapa bahagian, lengkap dalam bentuk, ditulis dalam satu kunci. Setiap bahagian biasanya menggunakan gerakan tarian. Asas suite lama terdiri daripada empat tarian yang berbeza, tidak selalu ditentukan dengan tepat asal negara. Ini adalah allemande yang santai (mungkin berasal dari Jerman), loceng yang lebih mudah alih (berasal dari Perancis), sarabanda perlahan (berasal dari Sepanyol) dan gigue cepat (berasal dari Ireland atau England). Dari penghujung abad ke-17, mengikut contoh ahli harpsichordis Paris, suite mula ditambah dengan tarian Perancis seperti minuet, gavotte, burré, dan paspier. Mereka diselitkan di antara tarian utama, membentuk bahagian perantara ("intg" dalam bahasa Latin bermaksud "antara"). Muzik harpsichord Perancis lama dibezakan oleh rahmat, rahmat, banyak hiasan melodi kecil, seperti mordentes dan trills. Gaya harpsichord Perancis berkembang pesat dalam karya François Couperin (1668 - 1733), yang digelar The Great. Dia mencipta kira-kira dua setengah ratus drama dan menggabungkannya menjadi dua puluh tujuh suite. Permainan dengan pelbagai nama program secara beransur-ansur mula mendominasi di dalamnya. Selalunya ini adalah seperti potret harpsichord miniatur wanita - lakaran bunyi yang bertujuan baik untuk beberapa sifat watak, rupa, sikap. Contohnya, drama "Gloomy", "Touching", "Agile", "Absent-minded", "Mischievous". Johann Sebastian Bach yang kontemporari hebat menunjukkan minat yang besar dalam muzik harpsichord Perancis, termasuk drama François Couperin. Soalan dan tugasan 1. Bilakah perkembangan bebas genre instrumental meningkat? 2. Apakah instrumen kegemaran anda Arcangelo Corelli dan Antonio Vivaldi. 3. Beritahu kami tentang struktur organ. 4. Di negara manakah seni organ telah mencapai perkembangan yang sangat tinggi? Apa itu Protestant Chorale? 5. Beritahu kami tentang struktur harpsichord. Apakah pergerakan tarian yang digunakan dalam bahagian utama suite harpsichord lama? Jadi, bahagian pengenalan buku teks secara ringkas memperkenalkan beberapa peristiwa penting dalam dunia muzik sejak zaman dahulu. Ia merupakan "perjalanan" bersejarah untuk membantu mengenali lebih lanjut dengan warisan pemuzik Eropah Barat yang hebat yang bekerja pada abad ke-18 dan ke-19. Untuk beberapa lama, clavier dipanggil muzik untuk semua instrumen papan kekunci, termasuk alat tiupan papan kekunci - organ. 8 9 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Laluan hidup Johann Rod, keluarga, zaman kanak-kanak. Johann Sebastian Bach dilahirkan pada tahun 1685 di Thuringia - salah satu wilayah di Jerman Tengah, di bandar kecil Eisenach, dikelilingi oleh hutan. Di Thuringia, pada masa itu akibat besar Perang Tiga Puluh Tahun (1618-1648), di mana dua kumpulan besar kuasa Eropah bertembung, masih terasa. Perang yang dahsyat ini berlaku untuk bertahan hidup nenek moyang Johann Sebastian, berkait rapat dengan kraf Jerman dan persekitaran petani. Datuk moyangnya, bernama Veit, adalah seorang tukang roti, tetapi dia sangat menyukai muzik sehingga dia tidak pernah berpisah dengan citer, alat yang serupa dengan mandolin, malah bermain semasa memandu ke kilang semasa tepung dikisar. Dan di antara keturunannya, yang menetap di Thuringia dan kawasan jiran, terdapat begitu banyak pemuzik sehingga setiap orang yang mengamalkan profesion ini dipanggil "Bach" di sana. Ini adalah organ gereja, pemain biola, pemain seruling, trompet, beberapa daripada mereka menunjukkan bakat untuk mengarang. Mereka berkhidmat untuk majlis perbandaran kota dan di mahkamah para penguasa kerajaan kecil dan kadipaten, di mana Jerman telah berpecah-belah. Sebastian Bach 1685-1750 Nasib muzik komposer Jerman yang hebat ini, lebih daripada tiga ratus tahun, adalah menakjubkan. Semasa hayatnya, dia menerima pengiktirafan terutamanya sebagai ahli organ dan ahli alat muzik, dan selepas kematiannya dia hampir dilupakan selama beberapa dekad. Tetapi kemudian secara beransur-ansur mereka mula kelihatan menemui semula karyanya dan mengaguminya sebagai khazanah seni yang berharga, kemahiran yang tiada tandingan, tidak habis-habis dalam kedalaman dan kemanusiaan kandungan. “Jangan jadi aliran! "Laut sepatutnya namanya." Inilah yang dikatakan oleh seorang lagi genius muzik, Beethoven, tentang Bach. Bach berjaya menerbitkan hanya sebahagian kecil daripada karyanya sendiri. Kini lebih seribu daripadanya telah diterbitkan (banyak lagi telah hilang). Koleksi lengkap pertama karya Bach mula dicetak di Jerman seratus tahun selepas kematiannya, dan ia mengambil empat puluh enam jilid yang besar. Dan adalah mustahil untuk mengira secara kasar berapa banyak yang dicetak dan berapa banyak edisi individu muzik Bach yang terus dicetak di negara yang berbeza. Begitu besar permintaan yang tidak putus-putus untuknya. Kerana ia menduduki tempat yang luas dan terhormat bukan sahaja dalam himpunan konsert dunia, tetapi juga dalam satu pendidikan. Johann Sebastian Bach terus menjadi guru kepada semua orang yang terlibat dalam muzik. Dia seorang guru yang serius dan tegas, dia memerlukan kebolehan untuk menumpukan perhatian untuk menguasai seni melaksanakan karya polifonik. Tetapi mereka yang tidak takut akan kesulitan dan akan mempertimbangkan dengan teliti keperluannya akan merasakan kebaikan yang bijaksana dan tulus di sebalik keterukannya, yang dia ajarkan dengan ciptaan abadinya yang indah. Rumah di Eisenach, tempat JS Bach dilahirkan 9 "Bach" dalam terjemahan dari bahasa Jerman bermaksud "strim". 10 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Bapa Johann Sebastian ialah seorang pemain biola, bandar dan pemuzik mahkamah di Eisenach. Dia mula mengajar muzik kepada anak bongsunya dan menghantarnya ke sekolah gereja. Dengan suara tinggi yang indah, budak lelaki itu menyanyi dalam koir sekolah. Ketika dia berumur sepuluh tahun, ibu bapanya meninggal dunia. Si abang, seorang ahli organ gereja di bandar jiran Ohrdruf, menjaga anak yatim itu. Dia menghantar adik lelakinya ke lyceum tempatan dan mengajarnya sendiri pelajaran organ. Kemudian Johann Sebastian juga menjadi pemain harpsichordis, pemain biola dan pemain biola. Dan dari zaman kanak-kanak dia menguasai komposisi muzik sendiri, menulis semula karya pelbagai pengarang. Dia terpaksa menulis semula satu buku muzik, yang sangat menarik minatnya, pada malam-malam cahaya bulan, secara rahsia daripada abangnya. Tetapi apabila kerja sukar yang panjang itu selesai, dia mendapati ini, marah kepada Johann Sebastian kerana perbuatannya yang tidak dibenarkan dan dengan kejam mengambil manuskrip itu daripadanya. Permulaan hidup berdikari. Luneburg. Pada usia lima belas tahun, Johann Sebastian mengambil langkah tegas - dia berpindah ke kota Luneburg di Jerman Utara yang jauh, di mana dia memasuki sekolah di gereja biara sebagai seorang ulama nyanyian. Di perpustakaan sekolah, dia dapat berkenalan dengan sejumlah besar manuskrip karya pemuzik Jerman. Di Luneburg dan Hamburg, di mana dia berjalan di jalan desa, seseorang boleh mendengar permainan organ yang berbakat. Ada kemungkinan bahawa di Hamburg, Johann Sebastian melawat gedung opera - pada masa itu satu-satunya di Jerman yang memberikan persembahan bukan dalam bahasa Itali, tetapi dalam bahasa Jerman. Dia berjaya menamatkan pengajian tiga tahun kemudian dan mula mencari pekerjaan lebih dekat dengan tanah airnya. Weimar. Selepas berkhidmat secara ringkas sebagai pemain biola dan organ di tiga bandar, Bach pada 1708, yang sudah berkahwin, menetap selama sembilan tahun di Weimar (Thuringia). Di sana dia adalah seorang ahli organ di mahkamah duke, dan kemudian naib konduktor (pembantu ketua gereja - sekumpulan penyanyi dan pemain instrumen). Sebagai seorang remaja, di Ohrdruf, Bach mula mengarang muzik, khususnya, membuat susunan paduan suara Protestan untuk organ, alat kegemarannya. Dan di Weimar, beberapa karya organ matangnya yang indah muncul, seperti Toccata dan Fugue dalam D minor, Passacaglia 10 dalam C minor, pendahuluan paduan suara. Pada masa itu, Bach telah menjadi penghibur organ dan harpsichord yang tiada tandingan dan improvisasi. Ini disahkan dengan meyakinkan oleh kes berikut. Sebaik sahaja Bach pergi ke ibu kota Saxony, Dresden, di mana mereka memutuskan untuk mengatur pertandingan antara dia dan Louis Marchand, pemain organ Perancis terkenal dan pemain harpsichord. Tetapi dia, setelah mendengar terlebih dahulu bagaimana Bach membuat improvisasi pada harpsichord dengan kepintaran kreatif yang menakjubkan, bergegas meninggalkan Dresden secara rahsia. Pertandingan tidak berlangsung. Di mahkamah Weimar, terdapat peluang untuk berkenalan dengan karya komposer Itali dan Perancis. Bach melayan pencapaian mereka dengan penuh minat dan inisiatif artistik. Sebagai contoh, dia membuat beberapa transkripsi percuma untuk harpsichord dan organ untuk konserto biola oleh Antonio Vivaldi. Ini adalah bagaimana konsert clavier pertama dalam sejarah seni muzik dilahirkan. Selama tiga tahun di Weimar, Bach sepatutnya mengarang cantata rohani baharu setiap Ahad keempat. Secara keseluruhan, lebih daripada tiga puluh karya timbul dengan cara ini. Walau bagaimanapun, apabila ketua kumpulan mahkamah yang berumur meninggal dunia, yang tugasnya sebenarnya dilaksanakan oleh Bach, jawatan kosong itu bukan diberikan kepadanya, tetapi kepada anak lelaki si mati yang biasa-biasa saja. Marah dengan ketidakadilan ini, Bach menyerahkan surat peletakan jawatannya. Atas "permintaan tidak sopan" dia diletakkan di bawah tahanan rumah. Tetapi dia menunjukkan keberanian, ketabahan yang membanggakan, berkeras sendiri. Dan sebulan kemudian, duke terpaksa dengan berat hati memberikan "perintah yang tidak berbelas kasihan" untuk membebaskan pemuzik yang degil itu secara percuma. Köthen. Pada penghujung tahun 1717, Bach dan keluarganya berpindah ke Köthen. Tempat ketua kumpulan mahkamah telah ditawarkan kepadanya oleh Putera Leopold dari Anhalt Köthensky, penguasa sebuah negeri kecil di sebelah Thuringia. Dia seorang pemuzik yang baik - dia menyanyi, bermain harpsichord dan viola da gamba 11. Putera raja memberikan konduktor baharunya dengan sokongan kewangan yang baik dan melayannya dengan penuh hormat. Tugas Bach, yang mengambil masa yang agak singkat, termasuk mengetuai paduan suara lapan belas vokalis dan instrumentalis, mengiringi putera raja dan bermain harpsichord sendiri. Banyak karya Bach untuk pelbagai instrumen berasal dari Köthen. Muzik Clavier dipersembahkan dengan cara yang sangat pelbagai. Di satu pihak, ini adalah karya untuk pemula - Passacaglia - tarian perlahan tiga lejang yang berasal dari Sepanyol. Atas dasarnya, kepingan instrumental timbul dalam bentuk variasi dengan melodi diulang berkali-kali dalam bes. 10 11 Viola da gamba ialah alat purba yang kelihatan seperti cello. 11 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia pendahuluan kecil, ciptaan dua bahagian dan tiga bahagian. Mereka telah ditulis oleh Bach untuk latihan dengan anak sulungnya Wilhelm Friedemann. Sebaliknya, ini adalah yang pertama daripada dua jilid karya monumental - "The Well-Tempered Clavier", yang merangkumi 48 prelude dan fugues secara keseluruhan, dan komposisi besar rancangan konsert - "Chromatic Fantasy and Fugue". Tempoh Köthen juga termasuk penciptaan dua koleksi suite clavier, yang dikenali sebagai "Perancis" dan "Inggeris". Putera Leopold membawa Bach bersamanya dalam perjalanan ke negeri jiran. Apabila Johann Sebastian kembali dari perjalanan sedemikian pada tahun 1720, dia bersedih - isterinya Maria Barbara baru sahaja meninggal dunia, meninggalkan empat orang anak (tiga lagi meninggal lebih awal). Setahun setengah kemudian, Bach berkahwin lagi. Isteri keduanya, Anna Magdalena, mempunyai suara yang bagus dan sangat muzikal. Belajar dengannya, Bach mengarang dua "Buku Nota" yang lebih jelas daripada dramanya dan sebahagiannya daripada drama pengarang lain. Anna Magdalena ialah teman hidup Johann Sebastian yang baik hati dan penyayang. Dia melahirkannya tiga belas anak, di mana enam daripadanya terselamat hingga dewasa. Leipzig. Pada tahun 1723, Bach berpindah ke Leipzig - pusat komersial dan budaya yang besar di Saxony, negara jiran Thuringia. Dia mengekalkan hubungan baik dengan Putera Leopold. Tetapi di Köthen, kemungkinan untuk aktiviti muzik adalah terhad - tidak ada organ besar, mahupun koir. Di samping itu, anak lelaki Bach yang lebih tua sedang membesar, yang dia mahu memberikan pendidikan yang baik. Di Leipzig, Bach mengambil alih sebagai penyanyi - ketua koir lelaki dan guru sekolah nyanyian; di Gereja St. Thomas (Tomaskirche). Dia terpaksa menerima beberapa syarat yang memalukan, sebagai contoh, "tidak meninggalkan bandar tanpa kebenaran burgomaster." Kantor Bach mempunyai banyak tanggungjawab lain. Dia terpaksa membahagikan kepada beberapa bahagian koir sekolah kecil dan orkestra yang sangat kecil (atau lebih tepat, ensembel) supaya muzik akan dibunyikan semasa perkhidmatan di dua gereja, serta pada majlis perkahwinan, pengebumian, dan pelbagai perayaan. Dan tidak semua penyanyi lelaki mempunyai bakat muzik yang baik. Rumah sekolah kotor, terbiar, murid-murid kurang makan dan berpakaian kurang. Kepada semua ini Bach, yang pada masa yang sama dianggap sebagai "pengarah muzik" Leipzig, lebih daripada sekali menarik perhatian pihak berkuasa gereja dan kerajaan bandar (majistret). Tetapi sebagai balasan dia menerima sedikit bantuan material, tetapi banyak omelan dan teguran pegawai kecil. Dengan pelajarnya, dia belajar bukan sahaja menyanyi, tetapi juga bermain instrumen, di samping itu, dia mengupah seorang guru Latin untuk mereka dengan perbelanjaannya sendiri. Gereja dan Sekolah St. Thomas (kiri) di Leipzig. (Dari ukiran lama). Walaupun keadaan hidup yang sukar, Bach dengan penuh semangat terlibat dalam kreativiti. Dalam tempoh tiga tahun pertama perkhidmatan itu, dia mengarang dan mempelajari nyanyian rohani baharu dengan koir hampir setiap minggu. Secara keseluruhan, kira-kira dua ratus karya Bach dalam genre ini telah terselamat. Dan beberapa dozen cantata sekularnya juga dikenali. Mereka, sebagai peraturan, mengalu-alukan dan mengucapkan tahniah, ditujukan kepada pelbagai orang bangsawan. Tetapi di antara mereka terdapat pengecualian seperti komik "Coffee Cantata" yang ditulis di Leipzig, serupa dengan adegan dari opera komik. Ia menceritakan bagaimana seorang Lizhen yang muda dan lincah menggemari fesyen baharu untuk kopi, bertentangan dengan kehendak dan amaran bapanya, Shlendrian yang suka mengomel. Di Leipzig, Bach mencipta karya vokal dan instrumental monumentalnya yang paling cemerlang - "Passion for John", "Passion for St. Matthew" 12 dan Misa dalam B minor, yang hampir dengan mereka dalam kandungan, serta sejumlah besar pelbagai karya instrumental, termasuk jilid kedua " Well-Tempered Clavier ", koleksi John dan Matthew (serta Markus dan Lukas) - pengikut ajaran Yesus Kristus, yang mengarang Injil - cerita tentang kehidupan duniawinya, penderitaan (" nafsu ") dan kematian. "Injil" diterjemahkan daripada bahasa Yunani bermaksud "berita baik". 12 12 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia "The Art of the Fugue". Dia mengembara ke Dresden, Hamburg, Berlin dan bandar-bandar Jerman lain, memainkan organ di sana, menguji instrumen baru. Selama lebih sepuluh tahun, Bach mengetuai Leipzig Collegium of Music, sebuah masyarakat yang terdiri daripada pelajar universiti dan pencinta muzik - pemain instrumental dan penyanyi. Di bawah arahan Bach, mereka mengadakan konsert awam dari karya yang bersifat sekular. Berkomunikasi dengan pemuzik, dia asing dengan mana-mana keangkuhan dan tentang kemahirannya yang jarang berlaku dia berkata: "Saya terpaksa bekerja keras, sesiapa yang rajin akan mencapai perkara yang sama". Banyak kebimbangan, tetapi juga banyak kegembiraan dibawa kepada Bach oleh keluarga besarnya. Dalam kalangannya, dia boleh mengaturkan seluruh konsert di rumah. Empat anak lelakinya menjadi komposer terkenal. Mereka ialah Wilhelm Friedemann dan Karl Philip Emanuel (anak kepada Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich dan Johann Christian (anak kepada Anna Magdalena). Selama bertahun-tahun, kesihatan Bach semakin merosot. Penglihatannya merosot secara mendadak. Pada awal 1750, beliau telah menjalani dua pembedahan mata yang tidak berjaya, menjadi buta dan meninggal dunia pada 28 Julai. Johann Sebastian Bach menjalani kehidupan yang sukar dan rajin, diterangi oleh inspirasi kreatif yang cemerlang. Dia tidak meninggalkan kekayaan yang besar, dan Anna Magdalena meninggal dunia sepuluh tahun kemudian di rumah jagaan orang miskin. Dan anak perempuan bongsu Bach, Regina Susanna, yang hidup sehingga abad ke-19 ", telah diselamatkan daripada kemiskinan melalui sumbangan peribadi, di mana Beethoven mengambil bahagian yang besar. Kreativiti Muzik Bach dikaitkan dengan budaya negara asalnya. Dia tidak pernah berpeluang untuk mengembara ke luar Jerman. Tetapi dia bersemangat mempelajari karya kedua-dua komposer Jerman dan asing. Dalam karyanya, dia dengan cemerlang menyamaratakan dan memperkayakan pencapaian seni muzik Eropah. Kebanyakan cantatas, "St. John Passion", "St. Matthew Passion" , Misa dalam B minor dan banyak lagi karya lain mengenai teks kerohanian tidak ditulis oleh Bach hanya kerana tugas atau adat kebiasaan seorang pemuzik gereja, tetapi dipanaskan oleh perasaan keagamaan yang tulus. Mereka penuh belas kasihan untuk kesedihan manusia, disemai dengan pemahaman tentang kegembiraan manusia. Lama kelamaan, mereka telah pergi jauh melampaui kuil dan tidak berhenti untuk menarik perhatian pendengar dari pelbagai bangsa dan agama. Karya rohani dan sekular Bach dengan kemanusiaan mereka yang sebenar mereka berkaitan antara satu sama lain. mereka mencipta seluruh dunia imej muzik. Kemahiran polifonik Bach yang tiada tandingan diperkaya dengan cara homofonik-harmonik. Tema vokalnya diserap secara organik dengan kaedah pembangunan instrumental, dan tema instrumental selalunya tepu secara emosi, seolah-olah sesuatu yang penting dinyanyikan dan dilafazkan tanpa kata-kata. Toccata dan Fugue dalam D Minor untuk Organ13 Karya yang sangat popular ini bermula dengan teriakan kemahuan yang mengganggu tetapi berani. Ia berbunyi tiga kali, menurun dari satu oktaf ke oktaf yang lain, dan membawa kepada gemuruh akord gemuruh di daftar bawah. Oleh itu, pada permulaan toccata, ruang bunyi yang teduh dan megah digariskan. 1 Soalan dan Tugasan Adagio 1. Mengapakah nasib muzik Bach begitu luar biasa? 2. Beritahu kami tentang tanah air Bach, nenek moyangnya dan zaman kanak-kanaknya. 3. Bilakah dan di mana kehidupan bebas Bach bermula? 4. Bagaimanakah aktiviti Bach di Weimar diteruskan dan bagaimanakah ia berakhir? 5. Beritahu kami tentang kehidupan Bach di Köthen dan tentang karya beliau tahun-tahun ini. 6. Apakah alat yang dimainkan oleh Bach dan apakah alat kegemarannya? 7. Mengapakah Bach memutuskan untuk berpindah ke Leipzig, dan apakah kesukaran yang dihadapinya di sana? 8. Beritahu kami tentang aktiviti Bach sebagai komposer dan Bach sebagai penghibur di Leipzig. Namakan karya yang dia cipta di sana. Toccata (dalam bahasa Itali "toccata" - "touch", "blow" daripada kata kerja "toccare" "to touch", "to touch") ialah karya virtuoso untuk instrumen papan kekunci. 13 13 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Laluan virtuoso “berpusing” lebih berkuasa dan “letupan” gelombang kord lebar kedengaran. Mereka dipisahkan beberapa kali dengan jeda dan berhenti pada kord lanjutan. Penjajaran pergerakan pantas dan perlahan ini mengingatkan jeda berjaga-jaga antara pergaduhan dengan unsur ganas. Dan selepas toccata yang dibina secara bebas, improvisasi, bunyi fugue. Ia tertumpu pada pembangunan meniru satu tema, di mana prinsip kehendak seolah-olah membendung kuasa unsur: 2 Allegro moderato Secara meluas, fugue berkembang menjadi kod - bahagian akhir dan akhir. Di sini sekali lagi unsur improvisasi toccata tercetus. Tetapi dia akhirnya ditenangkan dengan kata-kata penting yang tegang. Dan palang terakhir dari keseluruhan kerja dianggap sebagai kemenangan yang tegas dan bermaruah dari kehendak manusia yang tidak tergoyahkan. Preludes Chorale membentuk kumpulan khas kerja organ Bach. Antaranya, beberapa drama lirik yang agak kecil dibezakan dengan ekspresif yang mendalam. Di dalamnya, bunyi melodi paduan suara diperkaya dengan suara iringan yang dikembangkan secara bebas. Beginilah, sebagai contoh, salah satu karya agung Bach, pendahuluan paduan suara dalam F minor, diterangkan. Clavier Music Inventions Bach menyusun beberapa koleksi karya ringkas daripada yang dikarangnya semasa mengajar anak sulungnya Wilhelm Friedemann. Dalam salah satu koleksi ini, dia meletakkan lima belas keping polifonik dua bahagian dalam lima belas kekunci dan memanggilnya "ciptaan." Diterjemah dari bahasa Latin, perkataan "ciptaan" bermaksud "ciptaan", "ciptaan". Ciptaan dua bahagian Bach, tersedia untuk persembahan oleh pemuzik pemula, benar-benar luar biasa untuk kepintaran polifonik mereka dan pada masa yang sama untuk ekspresif artistik. Jadi, ciptaan dua bahagian pertama dalam C major lahir daripada tema pendek, lancar dan tidak tergesa-gesa yang bersifat tenang dan bijaksana. Suara atas menyanyikannya dan segera meniru _ berulang dalam oktaf lain - yang lebih rendah: 14 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia bola elastik sedang bergolek. Semasa ulangan (tiruan), suara atas meneruskan pergerakan melodi. Ini mewujudkan penentangan kepada tema dalam bass. Selanjutnya, pembangkang ini - dengan corak melodi yang sama - kadangkala berbunyi apabila tema muncul semula dalam satu atau suara lain (bar 2-3, 7-8, 8-9). Dalam kes sedemikian, pembangkang dipanggil dikekalkan (berbanding dengan yang tidak terkawal, yang dikarang semula setiap kali tema dijalankan). Seperti dalam karya polifonik lain, dalam ciptaan ini terdapat bahagian di mana tema dalam bentuk penuhnya tidak berbunyi, tetapi hanya giliran individunya digunakan. Bahagian sedemikian diletakkan di antara larian topik dan dipanggil selingan. Integriti umum Reka Cipta dalam jurusan C diberikan oleh pembangunan berdasarkan satu tema, yang merupakan ciri muzik polifonik. Di tengah-tengah bahagian, penyingkiran dari kunci utama dibuat, dan menjelang akhir ia kembali. Mendengar ciptaan ini, seseorang boleh membayangkan bahawa dua pelajar rajin mengulang pelajaran, cuba memberitahu satu sama lain dengan lebih baik, dengan lebih ekspresi. Dalam bahagian ini, yang serupa dalam struktur kepada ciptaan utama C, teknik khas memainkan peranan penting. Mengikuti pengenalan awal topik Dalam suara atas, suara rendah meniru bukan sahaja, tetapi juga kesinambungannya (pembangkang). Jadi untuk beberapa waktu terdapat kanonik dan mitatasi berterusan, dan licanon. Serentak dengan ciptaan dua bahagian, Bach mengarang lima belas keping polifonik tiga bahagian dalam kekunci yang sama. Dia menamakan mereka! "Symphonies" (diterjemahkan dari bahasa Yunani - "konsonan"). Kerana pada zaman dahulu, karya instrumental polifonik sering dipanggil begitu. Tetapi kemudiannya ia diterima untuk memanggil drama ini sebagai ciptaan tiga bahagian. Mereka menggunakan teknik pembangunan polifonik yang lebih kompleks. Contoh yang paling menarik ialah Ciptaan tiga bahagian dalam F minor (kesembilan). Ia bermula dengan pembentangan serentak dua tema yang berbeza. Asas salah satu daripadanya, dibunyikan dalam suara bass, adalah penurunan tegang yang diukur sepanjang semiton kromatik. Pergerakan sedemikian adalah biasa dalam aria tragis dari opera lama. Ia seperti suara suram nasib jahat, nasib. Motif sedih-mengeluh meresap dalam tema kedua di tengah, suara alto: Pada masa hadapan, kedua-dua tema ini berkait rapat dengan tema ketiga dengan seruan merayu yang lebih tulus. Sehingga ke penghujung drama, suara nasib jahat tetap tidak boleh dimaafkan. Tetapi suara-suara kesedihan manusia tidak berhenti. Percikan harapan manusia yang tidak dapat dipadamkan bersinar di dalamnya. Dan ia berkelip seketika dalam kord utama F terakhir. "simfoni" Bach dalam B minor Harpsichord di rumah Bach di Eisenach 15 juga dibezakan oleh pandangan lirik Www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia (ciptaan tiga bahagian No. 15). Dalam kata pengantar manuskrip ciptaannya dan "simfoni" Bach menegaskan bahawa mereka harus membantu mengembangkan "cara bermain yang merdu." Pada harpsichord, ini sukar dicapai. Oleh itu, Bach lebih suka di rumah, termasuk di dalam bilik darjah dengan pelajarnya, untuk menggunakan alat papan kekunci bertali lain - klavikord. Bunyinya yang lemah tidak sesuai untuk persembahan konsert. Tetapi, seperti yang telah disebutkan, tidak seperti harpsichord, rentetan clavichord tidak dipetik, tetapi diapit dengan lembut oleh plat logam. Ini menyumbang kepada kemerduan bunyi dan membolehkan rona dinamik. Oleh itu, Bach, seolah-olah, meramalkan kemungkinan penuntun suara yang merdu dan koheren pada piano - alat yang pada zamannya masih tidak sempurna dalam reka bentuk. Dan hasrat pemuzik yang hebat ini harus diingati oleh semua pemain piano moden. Couranta ialah tarian tiga bahagian yang berasal dari Perancis. Tetapi untuk lonceng harpsichord Perancis, kecanggihan dan ragam berirama tertentu adalah tipikal. The Courant in Bach's suite in C minor serupa dengan variasi Itali dalam genre tarian ini - lebih rancak dan tangkas. Ini difasilitasi oleh gabungan fleksibel dua suara, yang nampaknya menimbulkan provokasi antara satu sama lain: "Suite Perancis" dalam C minor. Tiga koleksi suite clavier Bach mempunyai nama yang berbeza. Dia sendiri memanggil enam suite yang termasuk dalam koleksi ketiga sebagai "partitas" (nama suite "partita" bukan sahaja terdapat dalam karyanya14). Dan dua koleksi lain - enam keping dalam setiap satu - mula dipanggil "suite Perancis" dan "suite Inggeris" selepas kematian Bach atas sebab-sebab yang tidak jelas. Suite kedua Perancis ditulis dalam kunci C minor. Menurut tradisi yang ditubuhkan dalam suite lama, ia mengandungi empat bahagian utama - Allemando, Couranta, Sarabanda dan Gigue, serta dua lagi bahagian perantara - Aria dan Minuet, yang diselitkan antara Sarabanda dan Gigue. Allemande adalah tarian yang terbentuk pada abad ke-16-17 di beberapa negara Eropah - England, Belanda, Jerman, Perancis dan Itali. Jadi, sebagai contoh, allemand Jerman lama adalah tarian kumpulan yang berat. Tetapi, setelah memasuki suite clavier, allemand menjelang abad ke-18 hampir kehilangan ciri tariannya. Dari "nenek moyangnya" dia hanya mengekalkan langkah yang santai dan beransur-ansur dengan saiz empat atau dua suku. Ia akhirnya bertukar menjadi pendahuluan yang dibina secara longgar. Ia kelihatan seperti pendahuluan lirik yang merenung dan Allemand dari suite Bach dalam C minor. Tiga suara yang paling kerap memimpin barisan mereka di sini. Tetapi kadangkala suara keempat menyambung kepada mereka. Pada masa yang sama, suara yang paling merdu adalah yang teratas: Sarabande ialah tarian Sepanyol tiga bahagian. Sekali dia cepat, perangai, dan kemudian menjadi lambat, khidmat, sering dekat dengan perarakan berkabung. Sarabande dari suite Bach disimpan dari awal hingga akhir di gudang tiga bahagian. Pergerakan suara tengah dan rendah adalah ketat, tertumpu sepanjang masa (suku dan lapan diutamakan). Dan pergerakan suara atas adalah lebih bebas dan mudah alih, sangat ekspresif. Nota keenam belas diutamakan di sini, selalunya terdapat pergerakan pada selang waktu yang luas (kelima, keenam, ketujuh). Beginilah bagaimana dua lapisan persembahan muzik yang berbeza terbentuk, bunyi tegang lirik dicipta15: "Dibahagikan kepada bahagian" - perkataan "partita" diterjemahkan daripada bahasa Itali (dari kata kerja "partire" - "to divide"). Di saraband, suara atasan yang terkemuka tidak begitu kontras dengan yang lain, sebaliknya melengkapi mereka. 14 15 16 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Prelude dan Fugue dalam C minor daripada jilid pertama Clavier Prelude dan Fugue yang Baik Hati dalam C major, Prelude dan Fugue dalam C minor, Prelude dan Fugue dalam C sharp major, Prelude dan Fugue dalam C sharp minor - dan seterusnya untuk kesemua dua belas semiton yang termasuk dalam satu oktaf. Hasilnya ialah sejumlah 24 kitaran dua bahagian "Prelude dan Fugue" dalam semua kunci utama dan kecil. Beginilah cara kedua-dua jilid dibina (sejumlah 48 prelude dan fugues) Bach's Well-Tempered Clavier. Karya agung ini diiktiraf sebagai antara yang terhebat dalam dunia seni muzik. Prelude dan fugues daripada kedua-dua jilid ini disertakan dalam repertoir pendidikan dan konsert semua pemain piano profesional. Pada zaman Bach, perangai yang sama akhirnya ditubuhkan secara beransur-ansur dalam menala instrumen papan kekunci - pembahagian satu oktaf kepada dua belas semiton yang sama. Sebelum ini, sistem penyesuaian adalah lebih kompleks. Dengan dia, dalam kekunci dengan lebih daripada tiga atau empat aksara, beberapa selang dan kord kedengaran tidak selaras. Oleh itu, komposer mengelak menggunakan tonaliti sedemikian. Bach adalah orang pertama yang cemerlang membuktikan dalam The Well-Tempered Clavier bahawa dengan perangai yang sama semua 24 kunci boleh digunakan dengan kejayaan yang sama. Ini membuka cakrawala baru untuk komposer, meningkatkan, sebagai contoh, keupayaan untuk membuat modulasi (peralihan) dari satu kunci ke kunci yang lain. Dalam The Well-Tempered Clavier, Bach menubuhkan jenis kitaran dua bahagian "Prelude and Fugue". Prelude dibina secara bebas. Di dalamnya, peranan penting boleh dimainkan oleh pelupusan homofonik-harmonik dan penambahbaikan. Ini mencipta kontras kepada fugue sebagai sekeping polifonik yang ketat. Pada masa yang sama, bahagian-bahagian kitaran "Prelude and Fugue" disatukan bukan sahaja oleh tonaliti biasa. Di antara mereka, dalam setiap kes, sambungan dalaman yang halus ditunjukkan dengan cara mereka sendiri. Ciri tipikal yang biasa ini boleh dikesan dalam Prelude dan Fugue dalam C minor daripada jilid pertama Clavier yang Baik Hati. Prelude terdiri daripada dua bahagian utama. Yang pertama yang lebih tebal diisi sepenuhnya dengan pergerakan yang pantas dan sekata enam belas di kedua-dua tangan. Ia penuh dengan unsur melodi dan harmonik ekspresif dari dalam. Nampaknya seakan-akan, sempit di tepi tebing, arus gelisah bergelora: Gigue ialah tarian yang pantas dan gagah, berasal dari Ireland dan England16. Pada zaman dahulu pelayar Inggeris suka menari. Dalam suite, gigue biasanya merupakan bahagian terakhir dan akhir. Dalam Jigue C minornya, Bach sering menggunakan teknik tiruan kanonik antara dua suara (seperti dalam Invention dalam F major). Penyampaian drama ini diserap melalui dan melalui irama bertitik "melantun": Berbanding dengan kontras antara Allemand dan Couranta, kontras antara Sarabanda dan Giga adalah lebih tajam. Tetapi ia dilembutkan dengan dua bahagian tambahan yang dimasukkan di antara mereka. Bahagian yang dipanggil "Aria" agak menyerupai bukan nombor vokal solo dalam opera, sebaliknya lagu yang tenang dan berfikiran sederhana. Minuet seterusnya ialah tarian Perancis yang menggabungkan mobiliti dengan keanggunan. Jadi dalam suite ini, dengan nada umum tunggal, semua bahagian dibandingkan dengan cara yang berbeza dalam hubungan kiasan. Dimensi buburan kebanyakannya tiga laluan. Pada abad ke-18, ia adalah terutamanya 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia suara tengah, jelas, lega, diingati dengan baik dengan irama tarian anjal: 11 Moderato Ketabahan bertenaga digabungkan dalam tema dengan anggun, melalui ketenangan hati yang kuat anda boleh nampak kenakalan licik. Ini memberi peluang untuk pembangunan yang lebih pelbagai dan dinamik. Pada permulaan pembangunan, tema kedengaran ringan - satu-satunya masa ia dilakukan dalam kunci utama (E flat major). Dalam penyambungan semula tiga pengaliran utama tema dalam kunci utama (C minor), yang kedua, dalam bass, memperoleh skop yang begitu kuat sehingga membuat seseorang mengingat kembali kemarahan kuasa semula jadi dalam pendahuluan. Dan satu lagi, pengaliran terakhir tema fugue berakhir dengan akord pra-utama yang terang. Persamaan antara pengakhiran mukaddimah dan fugue ini mendedahkan hubungan emosi dalaman bahagian-bahagian kitaran yang berbeza. Setelah terkumpul tenaga yang kuat, aliran ini pada penghujung bahagian pertama nampaknya melimpah dan pada permulaan bahagian seterusnya menjadi lebih terburu-buru, mengancam untuk menyapu segala-galanya di laluannya. Klimaks mukadimah ini ditandai dengan perubahan tempo kepada yang terpantas (Pesto) dan penggunaan teknik polifonik - kanon dua bahagian. Tetapi unsur yang mengamuk tiba-tiba dihentikan oleh pukulan imperatif kord dan frasa penting bagi recitatif. Di sini perubahan tempo kedua berlaku - kepada yang paling perlahan (Adagio). Dan selepas perubahan tempo ketiga kepada A11eggo yang sederhana laju dalam bar akhir prelude, titik organ tonik dalam bass secara beransur-ansur memperlahankan pergerakan not keenam belas di tangan kanan. Ia menjadi lembut merebak dan membeku pada kord C major. Ketenangan dan ketenangan bermula. Selepas penyiapan pendahuluan yang percuma dan improvisasi, perhatian beralih kepada rancangan yang berbeza dan berbeza. Fugue tiga bahagian bermula. Perkataan ini dalam bahasa Latin dan Itali bermaksud "lari", "penerbangan", "aliran pantas". Dalam muzik, fugue ialah karya polifonik yang kompleks, di mana suara seolah-olah bergema, mengejar satu sama lain. Kebanyakan fugues adalah berdasarkan satu tema. Fugues dengan dua, malah kurang kerap dengan tiga dan empat tema jarang ditemui. Dan mengikut bilangan suara, fugues terdiri daripada dua, tiga, empat dan lima suara. Fugues satu gelap bermula dengan pembentangan tema dalam kunci utama dalam mana-mana satu suara. Tema kemudiannya ditiru secara bergantian dengan suara lain. Ini adalah bagaimana bahagian pertama fugue terbentuk - eksposisi. Dalam bahagian kedua - pembangunan - tema hanya muncul dalam kekunci lain. Dan dalam bahagian ketiga, terakhir - reprise9 - ia sekali lagi dijalankan dalam kekunci utama, tetapi ia tidak lagi dibentangkan dalam satu suara. Eksposisi pastinya tidak diulang di sini. Lawan dan selingan yang dikekalkan digunakan secara meluas dalam fugues. Fugue minor C Bach, yang kita bincangkan, bermula, muncul dalam Fugue - bentuk muzik polifonik tertinggi - mencapai kematangan penuh dan berbunga paling terang dalam karya Bach. Komposer dan pemain piano terkenal Rusia abad ke-19 Anton Grigorievich Rubinstein dalam bukunya "Muzik dan Wakil-wakilnya" menulis, mengagumi "Clavier yang Baik Hati", bahawa seseorang boleh menemui di sana "fugues agama, heroik, melankolik, megah, sedih. , lucu, pastoral, dramatik. hanya dalam satu perkara mereka semua sama - dalam kecantikan ... ”Johann Sebastian Bach yang sezaman dengan komposer Jerman yang hebat Georg Friedrich Handel (1685-1759), seorang ahli polifoni yang luar biasa, organis-virtuoso. Nasibnya berbeza. Dia menghabiskan sebahagian besar hidupnya di luar Jerman, berpindah dari satu negara ke negara lain (dia tinggal selama beberapa dekad di England). 18 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Handel ialah pengarang banyak opera, oratorio, dan pelbagai karya instrumental. Pembentukan gaya klasik dalam muzik Soalan dan tugasan 1. Apakah persamaan karya rohani dan sekular Bach? 2. Beritahu kami tentang watak kiasan Toccata dan Fugue untuk Organ dalam D minor. 3. Nyanyikan tema ciptaan Bach yang anda tahu. Apakah counterposition apabila ia dipanggil dikekalkan? 4. Apakah selingan dalam sekeping polifonik? Apakah tiruan yang dipanggil kanonik atau kanon? 5. Namakan dan huraikan bahagian utama "Suite Perancis" dalam C minor. 6. Bagaimanakah Bach's Well-Tempered Clavier dibina? 7. Apakah perbezaan utama antara prelude dan fugue? Tunjukkan ini dengan Prelude dan Fugue dalam C minor daripada jilid pertama The Well-Tempered Clavier. Adakah terdapat persamaan antara mereka juga? Teater muzikal Abad ke-18, terutamanya separuh pertengahan dan kedua, adalah masa perubahan besar dalam semua bidang seni muzik Eropah. Dengan permulaan abad ini, dua genre secara beransur-ansur muncul dalam opera Itali - opera-seria (serius) dan opera-buffa (komik). Dalam opera-seria, plot mitologi dan sejarah masih berlaku, di mana pahlawan yang dipanggil "tinggi" muncul - dewa mitologi, raja negeri purba, komander legenda. Dan dalam opera buffa, plot telah menjadi kebanyakannya kontemporari setiap hari. Wira di sini adalah orang biasa yang bertindak bertenaga dan boleh dipercayai seperti hidup. The Maid-Lady karya Giovanni Battista Pergolesi, yang muncul di hadapan orang ramai pada tahun 1733 di Naples, adalah contoh pertama opera buffa yang cemerlang. Heroin - hamba Serpina yang berdaya usaha - dengan cekap mengahwini tuannya yang pemarah Uberto dan dirinya menjadi perempuan simpanan. Seperti kebanyakan opera buffa Itali awal, The Maid-Lady pada asalnya dipersembahkan sebagai selingan pentas antara aksi siri opera Prisoner Bangga oleh Pergolesi (ingat bahawa perkataan Latin untuk selingan bermaksud selingan). Tidak lama kemudian, "The Maid-Lady" mendapat kemasyhuran hebat di banyak negara sebagai karya bebas. Di Perancis, opera komik dilahirkan pada separuh kedua abad ke-18. Ia timbul daripada persembahan komedi yang menyeronokkan dan lucu dengan muzik yang diberikan di teater di pameran Paris. Dan contoh opera-buffa Itali membantu komedi tapak pameran Perancis bertukar menjadi opera komik, di mana nombor vokal menjadi ciri utama watak. Persembahan di Paris kumpulan opera "buffon" Itali adalah penting untuk ini, apabila ibu kota Perancis benar-benar terpesona oleh "The Maid-Lady" Pergolesi. Berbeza dengan opera-buffa Itali, dalam opera komik Perancis, pelbagai nombor bergantian bukan dengan recitatif, tetapi dengan dialog yang dituturkan. Zing-spiel juga dibina - pelbagai opera komik Jerman dan Austria, yang muncul dalam karya Major kedua Karya vokal dan instrumental "Passion for John", "Passion for St. Matthew" Mass dalam B minor cantatas Spiritual (kira-kira 200 terselamat) dan cantata sekular (terpelihara lebih 20) Karya orkestra 4 suite ("overtures") 6 "Brandenburg concertos" Konsert untuk instrumen solo dengan orkestra chamber 7 konsert untuk harpsichord 3 konserto untuk dua, 2 untuk tiga harpsichord 2 konserto biola Konsert untuk dua biola Berfungsi untuk alat tunduk 3 sonata dan 3 partita untuk biola solo 6 sonata untuk biola dan harpsichord 6 suite (“sonatas”) untuk cello solo Kerja organ 70 prelude paduan suara Preludes dan fugues Toccata dan fugue dalam D minor Passacaglia dalam C minor Skor piano Koleksi “Small Preludes and Fugues” 15 ciptaan dua bahagian dan 15 ciptaan tiga bahagian ("simfoni") 48 preludes dan fugues "Clavier yang baik hati" 6 "Bahasa Perancis kikh ”dan 6“ Inggeris ”suite 6 suite (partitas)“ Konsert Itali ”untuk harpsichord solo“ Chromatic Fantasy and Fugue ”“ The Art of the Fugue ”19 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia pada separuh masa abad ke-1817. Bahasa muzik semua jenis opera komik dicirikan oleh hubungan rapat dengan lagu rakyat dan melodi tarian. Pada separuh kedua abad ke-18, genre opera yang serius telah direformasi secara radikal oleh komposer Jerman yang hebat Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Dia menulis opera reformis pertamanya, Orpheus dan Eurydice (1762), berdasarkan plot tentang penyanyi Yunani kuno yang legenda, yang telah berulang kali digunakan dalam opera sejak yang terawal (ini dibincangkan dalam Pengenalan). Gluck mengikuti jalan yang sukar untuk pembaharuannya dalam opera. Dia berpeluang melawat banyak negara Eropah - Jerman, Austria, Denmark, serta Republik Czech yang didiami oleh Slav, bersama Itali - di England. Sebelum menetap dengan kukuh di Vienna, Gluck mementaskan 17 siri operanya di pentas teater di Milan, Venice, Naples, London, Copenhagen, Prague dan bandar-bandar lain. Opera genre ini telah dipersembahkan di teater mahkamah di banyak negara Eropah. Pengecualian ialah Perancis. Di sana, pada pertengahan abad ke-18, mereka terus mengarang dan mementaskan opera serius hanya dalam gaya tradisional Perancis. Tetapi Gluck dengan teliti mengkaji skor opera komposer Perancis terkenal Jean-Baptiste Lully dan Jean-Philippe Rameau. Di samping itu, Gluck menulis dan berjaya mementaskan lapan karya dalam genre baharu opera komik Perancis di Vienna. Dia tidak diragukan lagi mengenali opera buffa Itali, dengan penyanyi Jerman dan Austria. Semua pengetahuan ini membolehkan Gluck mengemas kini secara tegas prinsip-prinsip komposisi opera yang sudah lapuk. Dalam opera reformisnya, yang dipentaskan pertama kali di Vienna dan kemudian di Paris, Gluck mula menyampaikan pengalaman emosi para wira dengan kebenaran yang lebih besar dan ketegangan dramatik, kecekapan. Dia enggan mengumpul petikan virtuoso dalam arias, dan memperhebatkan ekspresi recitatif. Operanya menjadi lebih bertujuan dari segi pembangunan muzik dan pentas, lebih harmoni dalam komposisi. Oleh itu, dalam bahasa muzik dan dalam pembinaan komik baru dan opera serius yang diperbaharui, ciri-ciri tersendiri yang penting dari gaya klasik baru telah dikenalpasti - keberkesanan aktif pembangunan, kesederhanaan dan kejelasan cara ekspresif, keharmonian komposisi, bangsawan umum. dan perwatakan muzik yang luhur. Gaya ini secara beransur-ansur mengambil bentuk dalam muzik Eropah sepanjang abad ke-18, matang pada 1770-1780 dan dikuasai sehingga pertengahan dekad kedua abad ke-19. Perlu diingat bahawa takrifan "klasik" mungkin mempunyai makna yang berbeza dan lebih luas. "Klasik" (atau "klasik") juga dipanggil muzik dan karya seni lain yang telah mendapat pengiktirafan sebagai teladan, sempurna, tiada tandingan - tanpa mengira masa penciptaannya. Dalam pengertian ini, massa komposer Itali abad ke-16 Palestrina, opera Prokofiev, dan simfoni Shostakovich oleh komposer Rusia abad ke-20 boleh dipanggil klasik, atau klasik. Muzik instrumental Pada asas antarabangsa yang sama seperti pembaharuan opera Gluck, muzik instrumental berkembang secara intensif pada abad ke-18. Ia dilakukan oleh usaha baik komposer dari banyak negara Eropah. Bergantung pada lagu dan tarian, membangunkan kejelasan dan dinamisme klasik bahasa muzik, mereka secara beransur-ansur membentuk genre baharu karya instrumental kitaran - seperti simfoni klasik, sonata klasik, kuartet rentetan klasik. Di dalamnya, bentuk sonata memperoleh kepentingan yang besar. Oleh itu, kitaran instrumental dipanggil sonata atau sonata-symphonic. Bentuk sonata. Anda sudah tahu bahawa bentuk muzik polifonik tertinggi adalah fugue. Dan bentuk sonata adalah bentuk tertinggi bagi muzik harmonik homofonik, di mana teknik polifonik hanya kadangkala boleh digunakan. Dengan pembinaannya, kedua-dua bentuk ini adalah serupa antara satu sama lain. Seperti dalam fugue, terdapat tiga bahagian utama dalam bentuk sonata: eksposisi, penghuraian, dan ulangan. Tetapi terdapat juga perbezaan yang ketara antara mereka. Perbezaan utama antara bentuk sonata dan fugue serta-merta muncul dalam eksposisi 18. Sebahagian besar fugues dibina sepenuhnya berdasarkan satu tema, yang dalam eksposisi dijalankan secara bergilir-gilir dalam setiap satu. Perkataan Jerman ini berasal daripada "singen" ("to menyanyi") dan "Spiel" ("bermain") ... 18 Perkataan asal Latin bermaksud "persembahan", "pertunjukan". 20 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni di Rusia suara. Dan dalam eksposisi bentuk sonata, sebagai peraturan, dua tema utama muncul, lebih kurang berbeza dalam watak. Pertama, tema bahagian utama berbunyi, kemudian tema bahagian sisi muncul. Hanya dalam keadaan apa pun takrifan "menengah" tidak boleh difahami sebagai "menengah". Kerana sebenarnya, dalam bentuk sonata, tema bahagian sisi tidak kurang pentingnya daripada tema bahagian utama. Perkataan "menengah" digunakan di sini kerana, tidak seperti yang pertama, dalam eksposisi ia semestinya berbunyi bukan dalam kunci utama, tetapi dalam yang lain, iaitu, seolah-olah dalam yang kedua. Dalam muzik klasik, jika bahagian utama dalam eksposisi adalah major, maka bahagian sekunder dipersembahkan dalam kunci dominan (contohnya, jika kunci bahagian utama ialah C major, maka kunci bahagian sekunder ialah G utama). Jika bahagian utama dalam eksposisi adalah minor, maka bahagian sekunder dibentangkan dalam major selari (contohnya, jika kunci bahagian utama adalah dalam C minor, maka kunci bahagian sekunder adalah dalam E flat major). Sama ada berkas kecil atau parti penghubung diletakkan di antara lot utama dan sekunder. Tema pelepasan melodi bebas mungkin muncul di sini, tetapi intonasi tema bahagian utama lebih kerap digunakan. Bahagian pautan memainkan peranan peralihan ke bahagian sisi, ia memodulasi ke kunci bahagian sisi. Oleh itu, kestabilan tonal terjejas. Khabar angin mula menjangkakan permulaan beberapa "acara muzikal" baharu. Ternyata kemunculan tema parti sampingan. Kadangkala eksposisi mungkin didahului dengan pengenalan. Dan selepas permainan sampingan, sama ada kesimpulan kecil atau keseluruhan perlawanan akhir, selalunya dengan tema bebas, berbunyi. Ini adalah bagaimana eksposisi berakhir, mengukuhkan tonaliti bahagian sisi. Atas arahan komposer, keseluruhan pameran boleh diulang. Pembangunan adalah bahagian kedua bentuk sonata. Di dalamnya, tema yang biasa daripada eksposisi muncul dalam versi baharu, silih berganti dan bandingkan dengan cara yang berbeza. Interaksi sedemikian selalunya tidak melibatkan topik keseluruhan, tetapi motif dan frasa yang diasingkan daripadanya. Iaitu, tema dalam pembangunan, seolah-olah, berpecah kepada unsur-unsur yang berasingan, mendedahkan tenaga yang terkandung di dalamnya. Pada masa yang sama, terdapat perubahan tonaliti yang kerap (nada utama jarang dan disentuh secara ringkas di sini). Muncul dalam tonaliti yang berbeza, tema dan elemennya diterangi dengan cara baharu, ditunjukkan dari sudut pandangan baharu. Sebaik sahaja pembangunan dalam pembangunan mencapai ketegangan yang ketara pada kemuncak, laluannya berubah arah. Pada penghujung bahagian ini, kembali ke kunci utama disediakan, giliran kepada pengulangan berlaku. Reprise ialah bahagian ketiga bentuk sonata. Ia bermula dengan pengembalian bahagian utama ke kunci utama. Pihak penyambung tidak membawa kepada kunci baharu. Sebaliknya, ia menguatkan nada utama, di mana kedua-dua bahagian sekunder dan akhir kini diulang. Jadi pengulangan, dengan kestabilan tonalnya, mengimbangi sifat pembangunan yang tidak stabil dan memberikan keseluruhan keharmonian klasik. Reprise kadang-kadang boleh ditambah dengan pembinaan terakhir - coda (berasal daripada perkataan Latin yang bermaksud "ekor"). Jadi, apabila fugue berbunyi, perhatian kita tertumpu pada mendengar, merenung dan merasai ke dalam satu idea muzik yang dijelmakan oleh satu tema. Apabila karya dimainkan dalam bentuk sonata, telinga kita mengikuti perbandingan dan interaksi dua tema utama (dan pelengkap) - seolah-olah mengikuti perkembangan pelbagai acara muzik, aksi muzik. Ini adalah perbezaan utama antara kemungkinan artistik kedua-dua bentuk muzik ini. Kitaran sonata klasik (sonata-symphonic). Sekitar sepertiga terakhir abad ke-18, kitaran sonata klasik terbentuk dalam muzik. Sebelum ini, karya instrumental didominasi oleh bentuk suite, di mana bahagian perlahan dan pantas berselang seli, dan bentuk sonata lama, yang hampir dengannya. Kini, dalam kitaran sonata klasik, bilangan bahagian telah ditentukan dengan tepat (biasanya tiga atau empat), tetapi kandungannya menjadi lebih kompleks. Pergerakan pertama, sebagai peraturan, ditulis dalam bentuk sonata, yang telah dibincangkan dalam perenggan sebelumnya. Dia berjalan dengan laju atau sederhana laju. Selalunya ia adalah A11eggo. Oleh itu, bahagian sedemikian biasanya dipanggil sonata allegro. Muzik di dalamnya selalunya mempunyai watak yang bertenaga, berkesan, selalunya tegang, dramatik. Pergerakan kedua sentiasa berbeza dengan yang pertama dalam tempo dan watak umum. Dia selalunya perlahan, paling lirik dan merdu. Tetapi ia boleh berbeza, sebagai contoh, serupa dengan penceritaan santai atau tarian yang anggun. Dalam kitaran tiga bahagian, bahagian terakhir, bahagian ketiga, akhir sekali lagi pantas, biasanya lebih terburu-buru, tetapi kurang tegang dalam pembangunan berbanding dengan yang pertama. Pusingan akhir kitaran sonata klasik (terutama simfoni) sering melukis gambar keseronokan perayaan yang sesak, dan temanya hampir dengan lagu dan tarian rakyat. Dalam kes ini, bentuk rondo (dari bahasa Perancis "ronde" - "bulatan") sering digunakan. Seperti yang anda tahu, bahagian pertama (refrain) di sini diulang beberapa kali, berselang-seli dengan bahagian baharu (episod). 21 www.classON.ru Pendidikan seni kanak-kanak di Rusia opera pertama mereka? 3. Pada masa berapakah gaya klasik itu matang dan pada masa manakah ia mendominasi dalam muzik? Terangkan perbezaan antara dua makna "klasik". 4. Apakah persamaan dalam binaan am antara bentuk fugue dan sonata? Apakah perbezaan utama antara mereka? 5. Apakah bahagian utama dan tambahan bagi bentuk sonata? Lukis gambar rajahnya. 6. Bagaimanakah bahagian utama dan sekunder bagi bentuk sonata berkait antara satu sama lain dalam eksposisi dan dalam penampilan semula? 7. Apakah yang tipikal untuk pembangunan dalam bentuk sonata? 8. Terangkan bahagian-bahagian kitaran sonata klasik. 9. Apakah jenis utama kitaran sonata klasik, bergantung kepada komposisi pemain. Semua ini juga membezakan kebanyakan pusingan akhir kitaran empat bahagian. Tetapi di dalamnya, di antara bahagian yang melampau (pertama dan keempat), dua bahagian tengah diletakkan. Satu - perlahan - biasanya yang kedua dalam simfoni, dan yang ketiga dalam kuartet. Pergerakan ketiga simfoni klasik abad ke-18 ialah Minuet, yang menduduki tempat kedua dalam kuartet. Jadi, kami menyebut perkataan "sonata", "quartet", "symphony". Perbezaan antara kitaran ini bergantung pada komposisi pemain. Tempat istimewa adalah milik simfoni - sebuah karya untuk orkestra yang bertujuan untuk dipersembahkan di dalam bilik besar di hadapan ramai pendengar. Dalam pengertian ini, simfoni hampir dengan konsert - karya tiga bahagian untuk instrumen solo yang diiringi oleh orkestra. Kitaran instrumental chamber yang paling biasa ialah sonata (untuk satu atau dua instrumen), trio (untuk tiga instrumen), kuartet (untuk empat instrumen), kuintet (untuk lima instrumen) 19. Bentuk sonata dan kitaran sonata-simfoni, seperti keseluruhan gaya klasik dalam muzik, telah dibentuk pada abad ke-18, yang dipanggil "Zaman Pencerahan" (atau "Zaman Pencerahan"), serta "Zaman Pencerahan". Sebab”. Pada abad ini, terutamanya pada separuh kedua, wakil-wakil yang dipanggil "harta ketiga" telah dinaikkan pangkat di banyak negara Eropah. Mereka ini adalah orang yang tidak mempunyai gelaran bangsawan atau paderi. Mereka berhutang kejayaan mereka kepada kerja dan inisiatif mereka sendiri. Mereka mengisytiharkan cita-cita "manusia semula jadi", yang alam itu sendiri dikurniakan tenaga kreatif, fikiran yang cerah dan perasaan yang mendalam. Ideal demokratik yang optimis ini telah dicerminkan dengan caranya sendiri oleh muzik dan bentuk seni dan kesusasteraan lain. Sebagai contoh, kemenangan minda manusia dan tangan tanpa jemu pada permulaan Pencerahan dimuliakan oleh novel terkenal oleh penulis Inggeris Daniel Defoe, The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe, diterbitkan pada tahun 1719. Josef Haydn 1732-1809 Gaya klasik dalam muzik mencapai kematangan dan berkembang pesat dalam karya Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart dan Ludwig van Beethoven. Kehidupan dan kerja masing-masing menghabiskan masa yang lama di ibu kota Austria, Vienna. Oleh itu, Haydn, Mozart dan Beethoven dipanggil klasik Vienna. Austria ialah sebuah empayar multinasional. Di dalamnya, bersama-sama dengan orang Austria, yang bahasa ibundanya adalah Jerman, terdapat orang Hungary dan pelbagai bangsa Slavia, termasuk Czech, Serb, Croat. Lagu mereka dan Soalan dan tugasan 1. Apakah jenis opera komik kebangsaan abad ke-18? Bagaimanakah pembinaan buffa opera Itali berbeza daripada pembinaan opera komik Perancis? 2. Dengan negara dan bandar manakah aktiviti pembaharu opera yang hebat Christoph Willibald Gluck dikaitkan? Plot apa yang ditulisnya?Nama kitaran instrumental ensembel ruang lain - sextet (6), septet (7), oktet (8), nonet (9), desimet (10). Takrifan "muzik ruang" berasal dari perkataan Itali "kamera" - "bilik". Sehingga abad ke-19, komposisi untuk beberapa instrumen sering dilakukan di rumah, iaitu, ia difahami sebagai "muzik bilik". 19 22 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang melodi tarian seni Rusia boleh didengari di kampung dan di bandar. Di Vienna, muzik rakyat dibunyikan di mana-mana - di tengah dan di pinggir, di persimpangan jalan, di taman dan taman awam, di restoran dan pub, di rumah persendirian kaya dan miskin. Vienna juga merupakan pusat utama budaya muzik profesional yang berpusat di sekitar mahkamah empayar, kapel golongan bangsawan 1 dan salun, katedral dan gereja bangsawan. Di ibu negara Austria, opera-seria Itali telah lama ditanam, di sini, seperti yang telah disebutkan, Gluck memulakan pembaharuan operanya. Muzik banyak mengiringi perayaan mahkamah. Tetapi orang Vienna juga dengan rela hati menghadiri pertunjukan riang dengan muzik, dari mana Singspils dilahirkan, dan mereka sangat suka menari. Daripada tiga muzik klasik Vienna yang hebat, Haydn adalah yang tertua. Dia berusia 24 tahun ketika Mozart dilahirkan dan 38 ketika Beethoven dilahirkan. Haydn hidup lama. Dia terselamat daripada kematian awal Mozart hampir dua dekad dan masih hidup apabila Beethoven telah mencipta kebanyakan karya matangnya. Untuk teater putera swasta, dia menulis lebih daripada dua dozen opera dalam genre seria, buffa, serta beberapa opera "boneka" untuk persembahan yang dilakukan oleh boneka. Tetapi bidang minat dan pencapaian kreatif utamanya adalah simfoni dan muzik instrumental chamber2. Secara keseluruhan, ini adalah lebih daripada 800 gubahan3. Antaranya, lebih daripada 100 simfoni, lebih daripada 80 kuartet rentetan dan lebih daripada 60 sonata clavier amat penting. Dalam sampel matang mereka, pandangan optimis komposer hebat Austria itu didedahkan dengan kesempurnaan, kecerahan dan keaslian yang paling hebat. Cuma kadangkala pandangan cerah ini dicetuskan oleh suasana yang lebih suram. Mereka sentiasa diatasi dengan cinta Haydn yang tidak habis-habisnya, pemerhatian yang tajam, jenaka yang ceria, ringkas, sihat dan pada masa yang sama persepsi puitis tentang realiti sekeliling. Laluan hidup Awal kanak-kanak. Rorau dan Hainaburg. Franz Joseph Haydn dilahirkan pada tahun 1732 di kampung Rorau, yang terletak di timur Austria, berhampiran sempadan Hungary dan tidak jauh dari Vienna. Bapa Hayd adalah seorang pembuat kereta yang mahir, ibunya berkhidmat sebagai tukang masak di ladang count, pemilik Rorau. Anak sulungnya Joseph, yang mesra dipanggil Sepperl dalam keluarga, awal-awal diajar oleh ibu bapanya untuk menjadi rajin, kemas dan kemas. Bapa Hayd tidak tahu sama sekali, tetapi dia suka menyanyi, mengiringi dirinya sendiri pada kecapi, terutamanya ketika dia. tetamu berkumpul di sebuah rumah kecil. Sepperl menyanyi bersama-sama dengan suara yang jelas dan keperakan, mendedahkan telinga yang indah untuk muzik. Dan apabila budak lelaki itu hanya berumur lima tahun, dia dihantar ke bandar jiran Hainburg kepada saudara jauh yang mengetuai sekolah gereja dan koir. Di Hainburg, Sepperl belajar membaca, menulis, mengira, menyanyi dalam koir, dan juga mula menguasai kemahiran bermain clavichord dan biola. Tetapi kehidupan tidak mudah baginya dalam keluarga yang asing. Beberapa tahun kemudian, dia teringat bahawa dia kemudian menerima "lebih banyak palu daripada makanan." Sebaik sahaja Sepperl tiba di Hainburg, dia diberitahu untuk belajar bagaimana untuk mengalahkan timpani untuk mengambil bahagian dalam perarakan gereja yang sama dengan muzik. Budak itu mengambil ayak, menarik sehelai kain ke atasnya dan mula bersenam dengan tekun. Dia berjaya mengatasi tugasnya. Hanya apabila menganjurkan perarakan, alat itu perlu digantung di belakang seorang lelaki yang sangat pendek. Dan dia seorang yang bongkok, yang membuatkan penonton ketawa. Di kapel Katedral St. Stephen di Vienna. Mengunjungi Hainburg dalam perjalanan, konduktor katedral Vienna dan komposer mahkamah Georg Reuter menarik perhatian kepada keupayaan muzik yang luar biasa Haydn adalah seorang yang ikhlas beragama. Beliau adalah pengarang beberapa massa dan karya vokal dan instrumental lain mengenai teks rohani. 23 www.classON.ru Pendidikan seni kanak-kanak di Rusia Sepperl. Jadi pada tahun 1740, Haydn yang berusia lapan tahun mendapati dirinya berada di ibu negara Austria, di mana dia telah dimasukkan sebagai penyanyi ke kapel Katedral (utama) Katedral St. Stephen. melakukannya sendiri. Permulaan yang sukar untuk hidup berdikari. Apabila, pada usia lapan belas tahun, suara lelaki muda itu mula pecah - seketika menjadi serak dan hilang kelenturan, dia dibuang dengan kasar dan tanpa belas kasihan keluar dari gereja. Menemui dirinya tanpa perlindungan dan harta, dia boleh mati kerana kelaparan dan kesejukan, jika dia tidak bernaung untuk beberapa lama oleh penyanyi yang dikenali yang tinggal bersama isteri dan anaknya di dalam bilik kecil di bawah bumbung. Haydn mula mengambil mana-mana karya muzik yang datang bersama: dia menulis semula nota, memberikan pelajaran dalam nyanyian, bermain clavier, mengambil bahagian sebagai pemain biola dalam ensembel instrumental Street, yang membuat serenade pada waktu malam sebagai penghormatan kepada mana-mana penduduk bandar. Akhirnya dia dapat menyewa sebuah bilik kecil di tingkat enam dan terakhir sebuah rumah di tengah Vienna. Angin bertiup melalui bilik, tidak ada dapur, dan air sering membeku pada musim sejuk. Haydn hidup dalam keadaan yang sedemikian selama sepuluh tahun. Tetapi dia tidak putus asa dan bersemangat mempelajari seni kegemarannya. "Apabila saya duduk di clavier tua saya, dimakan cacing," dia ingat pada usia tua, "Saya tidak iri hati akan kebahagiaan mana-mana raja." Haydn dibantu untuk mengatasi kesukaran seharian dengan perwatakannya yang lincah dan ceria. Sekali, sebagai contoh, pada waktu malam dia meletakkan rakan pemuziknya di sudut terpencil di salah satu jalan di Vienna, dan pada isyaratnya semua orang mula bermain apa sahaja yang mereka suka. Hasilnya ialah "konsert kucing", yang menimbulkan kekecohan di kalangan penduduk sekitar. Dua daripada pemuzik telah dibawa ke polis, tetapi penghasut "serenade" skandal itu tidak diberikan. Setelah bertemu dengan pelakon komik popular itu, Haydn bekerjasama dengannya untuk mengarang singspiel syaitan yang lumpuh dan memperoleh sejumlah kecil wang. , berkhidmat kepadanya sebagai penjaga kaki. Secara beransur-ansur Haydn mula mendapat kemasyhuran di Vienna baik sebagai seorang guru dan sebagai komposer. Dia bertemu orang terkenal; pemuzik dan pencinta muzik. Di rumah seorang pegawai terkemuka, dia mula mengambil bahagian dalam persembahan ensembel bilik dan mencipta kuartet rentetan pertamanya untuk konsert di estet negaranya. Haydn menulis simfoni pertamanya pada tahun 1759, apabila dia menerima orkestra kecil di pelupusannya, menjadi ketua gereja Count Morcin. Kiraan itu hanya menyimpan pemuzik bujang di tempatnya. Haydn, yang berkahwin dengan anak perempuan pendandan rambut Vienna, terpaksa merahsiakan perkara ini. Tetapi ini berterusan hanya sehingga 1760, apabila di Vienna, sebuah bandar besar yang indah dengan bangunan-bangunan megah dan ensembel seni bina, gelombang kesan baru yang jelas melanda budak itu. Muzik rakyat multinasional kedengaran. Di katedral dan di mahkamah empayar, di mana kapel juga mengadakan persembahan, karya vokal dan instrumental yang khidmat dilakukan. Tetapi keadaan kewujudan sekali lagi ternyata sukar. Dalam kelas, latihan dan persembahan, budak-budak korister sangat letih. Mereka diberi makan dengan sedikit, mereka sentiasa kelaparan. Mereka dihukum berat kerana gurauan mereka. Little Haydn terus tekun mempelajari seni nyanyian, bermain clavier dan biola, dan dia benar-benar mahu mengarang muzik. Bagaimanapun, Reuter tidak mengendahkan perkara ini. Terlalu sibuk dengan urusannya sendiri, sepanjang sembilan tahun Hayd tinggal di kapel, dia hanya memberinya dua pelajaran gubahan. Tetapi Joseph berdegil mengejar matlamatnya, dengan tekun.Beberapa tahun kemudian dia menulis sebuah lagi singspiel yang dipanggil "The New Lame Devil." 20 24 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia, hal ehwal material kiraan itu digoncang dan dia menolak kapelnya. Perkahwinan Haydn tidak berjaya. Orang pilihannya dibezakan oleh watak yang sukar dan suka bergaduh. Dia sama sekali tidak berminat dengan hal ehwal mengarang suaminya - sehingga ke tahap dia membuat papillotes dan pate untuk pate daripada manuskrip karyanya. Beberapa tahun kemudian, Haydn mula tinggal berasingan dengan isterinya. Mereka tidak mempunyai anak. Di kapel putera-putera Esterhazy. Pada tahun 1761, seorang Hungary yang kaya; Putera Pal Antal Esterhazy menjemput Haydn ke Eisen Stadt sebagai naib ketua kumpulan. Sejak saat itu, perkhidmatan Haydn bersama keluarga Esterhazy bermula, yang berlangsung selama tiga dekad. Lima tahun kemudian, dia menjadi Kapellmeister selepas kematian seorang pemuzik tua yang memegang jawatan ini. pewaris Pala Antala, yang meninggal dunia pada tahun 1762, - saudaranya Myklos 1, yang digelar Magnificent, dibezakan oleh komitmen terhadap hiburan mewah dan mahal. Beberapa tahun kemudian, dia memindahkan kediamannya dari Eisenstadt ke istana negara baru dengan 126 bilik, mengelilinginya dengan taman yang besar, membina sebuah gedung opera dengan 400 tempat duduk dan teater boneka berdekatan, dan dengan ketara meningkatkan bilangan pemuzik di kapel. . Bekerja di dalamnya memberi Haydn sokongan material yang baik, dan selain itu, peluang untuk mengarang banyak dan segera menguji dirinya dalam amalan, mengarahkan persembahan orkestra karya barunya. Di Esterhase (sebagai kediaman putera raja yang baru dipanggil), majlis resepsi yang penuh sesak sering diadakan, selalunya dengan penyertaan tetamu asing yang berpangkat tinggi. Terima kasih kepada ini, kerja Haydn secara beransur-ansur menjadi terkenal di luar Austria. Tetapi terdapat dalam semua ini, seperti yang mereka katakan, dan sisi lain syiling. Apabila memasuki perkhidmatan, Haydn menandatangani kontrak, mengikut mana dia menjadi sejenis pelayan muzik. Setiap hari, sebelum dan selepas makan malam, dia terpaksa muncul di hadapan Istana dengan rambut palsu serbuk dan stoking putih, untuk mendengar arahan putera raja. Kontrak itu mewajibkan Haydn untuk segera menulis "apa-apa muzik yang diingini oleh tuannya, bukan untuk menunjukkan sebarang gubahan baru kepada sesiapa, dan lebih-lebih lagi untuk tidak membenarkan sesiapa menghapuskannya, tetapi menyimpannya semata-mata untuk pertuanannya dan bukan untuk mengarang apa-apa. bagi sesiapa sahaja tanpa pengetahuan dan keizinanNya."... Di samping itu, Haydn dikehendaki mematuhi peraturan dalam gereja dan tingkah laku pemuzik, memberi pengajaran kepada penyanyi, dan bertanggungjawab ke atas keselamatan instrumen dan nota. Dia tidak tinggal di istana, tetapi di kampung jiran, di rumah kecil. Dari Eisenstadt, istana putera pernah berpindah ke Vienna pada musim sejuk. Dan dari Esterhaza Haydn boleh sampai ke ibu kota hanya sekali-sekala dengan putera raja atau dengan kebenaran khas. Selama bertahun-tahun dihabiskan di Eisenstadt dan di Esterhase, Haydn berubah daripada pemuzik pemula kepada komposer yang hebat, yang karyanya mencapai kesempurnaan artistik yang tinggi dan menerima pengiktirafan bukan sahaja di Austria, tetapi juga jauh di luar sempadannya. Jadi, enam "Simphoni Paris" (No. 82-87) telah ditulis olehnya atas permintaan dari ibu kota Perancis, di mana mereka dibunyikan dengan kejayaan pada tahun 1786. Pertemuan Hayd dengan Wolfgang Amadeus Mozart di Vienna bermula pada tahun 1780-an. Pertemuan mesra itu memberi kesan yang baik terhadap hasil kerja kedua-dua pemuzik yang hebat. Lama kelamaan, Haydn semakin sedar akan kedudukan tanggungannya. Dalam suratnya kepada rakan-rakan dari Esterhazy di Vienna, yang ditulis pada separuh pertama tahun 1790, terdapat frasa seperti itu: "Sekarang - saya duduk di padang gurun saya - ditinggalkan - seperti anak yatim piatu yang miskin - hampir tanpa kumpulan orang - sedih ... Putera Esterhazy yang terakhir memiliki ladang yang luas, mempunyai ramai hamba dan menjalani kehidupan di istana mereka seperti diraja. Istimewa 25 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia selama berhari-hari Saya tidak tahu sama ada saya seorang konduktor atau konduktor ... Sedih menjadi hamba sepanjang masa ... ”Satu nasib baru . Perjalanan ke England. Miklos Esterhazy meninggal dunia pada musim gugur 1790. Dia seorang pencinta muzik yang tercerahkan, bermain alat muzik bertali dan tidak dapat tidak menghargai dengan caranya sendiri seperti "pelayan muzik" seperti Haydn. Putera raja mewariskan kepadanya pencen seumur hidup yang besar. Pewaris Miklos, Antal, tidak peduli dengan muzik, menolak gereja itu. Tetapi kerana mahu komposer terkenal itu terus disenaraikan sebagai ketua band mahkamahnya, dia juga meningkatkan bayaran tunai kepada Haydn, yang, dengan itu, bebas daripada tugas rasmi dan boleh melupuskan dirinya sepenuhnya. Haydn berpindah ke Vienna, berniat untuk mengarang muzik, dan pada mulanya menolak tawaran untuk melawat negara lain. Tetapi kemudian dia bersetuju dengan tawaran untuk membuat perjalanan jauh ke England dan pada awal 1791 tiba di London. Jadi, sudah menghampiri hari lahirnya yang keenam puluh, Haydn pertama kali melihat laut dengan matanya sendiri dan buat kali pertama mendapati dirinya berada di negeri lain. Tidak seperti Austria, yang masih feudal-bangsawan dalam susunannya, England telah lama menjadi negara borjuasi, dan kehidupan sosial, termasuk muzikal, London sangat berbeza daripada Vienna. Di London, sebuah bandar besar dengan banyak perusahaan perindustrian dan komersial, konsert diadakan bukan untuk orang terpilih yang dijemput ke istana dan salun golongan bangsawan, tetapi dianjurkan di dewan orang ramai, di mana semua orang datang dengan bayaran. Nama Haydn di England sudah dikelilingi oleh lingkaran kegemilangan. Pemuzik terkenal dan orang kenamaan sama-sama melayannya bukan sahaja sebagai setara, tetapi juga dengan penghormatan yang istimewa. Karya barunya, di mana dia bertindak sebagai konduktor, disambut dengan penuh semangat dan dibayar dengan murah hati. Haydn mengendalikan orkestra besar 40-50 orang, iaitu dua kali ganda saiz Kapel Esterhazy. Universiti Oxford menganugerahkan beliau ijazah kedoktoran kehormat dalam bidang muzik. Haydn kembali ke Vienna selepas setahun setengah. Dalam perjalanan, dia melawat bandar Bonn di Jerman. Di sana dia pertama kali bertemu dengan Ludwig van Beethoven muda, yang tidak lama kemudian berpindah ke Vienna dengan niat untuk belajar dengan Haydn. Tetapi Beethoven tidak mengambil pengajaran daripadanya untuk masa yang lama. Dua jenius muzik, terlalu berbeza dari segi umur dan perangai, tidak menemui persefahaman bersama yang sebenar ketika itu. Bagaimanapun, Beethoven mendedikasikan tiga sonata pianonya (No. 1-3) kepada Haydn apabila diterbitkan. Perjalanan kedua Haydn ke England bermula pada tahun 1794 dan berlangsung walaupun lebih sedikit daripada satu setengah tahun. Kejayaan itu sekali lagi berjaya. Daripada banyak karya yang dicipta; semasa dan berkaitan dengan perjalanan ini, dua belas yang dipanggil "London Symphony" adalah sangat penting. Tahun-tahun terakhir kehidupan dan pekerjaan. Putera Esterhazy seterusnya, Miklos II, lebih berminat dalam muzik daripada pendahulunya. Oleh itu, Haydn mula sekali-sekala datang dari Vienna ke Eisenstadt dan menulis beberapa jisim atas perintah putera raja. Karya utama komposer dalam beberapa tahun kebelakangan ini - dua oratorio monumental "The Creation of the World" dan "The Seasons" - telah dilakukan di Vienna dengan kejayaan yang luar biasa (satu pada tahun 1799, satu lagi pada tahun 1801). Penggambaran kekacauan purba, dari mana dunia muncul, penciptaan Bumi, kelahiran kehidupan di Bumi dan penciptaan manusia - demikianlah kandungan pertama oratorio ini. Empat bahagian oratorio kedua ("Musim Bunga", "Musim Panas", "Musim Gugur", "Musim Sejuk") terdiri daripada sketsa muzik yang sesuai dengan alam luar bandar dan kehidupan petani. 26 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Selepas 1803, Haydn tidak menulis apa-apa lagi. Dia diam-diam menjalani hidupnya, dikelilingi oleh kemuliaan dan kehormatan. Haydn meninggal dunia pada musim bunga 1809, pada kemuncak Perang Napoleon, apabila Perancis memasuki Vienna. cello dan bes berganda. Kumpulan alat tiup kayu terdiri daripada seruling, obo, klarinet dan bassoon.21 Kumpulan alatan tembaga Haydn dibentuk oleh tanduk dan trompet Perancis, dan daripada perkusi dia hanya menggunakan timpani, dan hanya dalam Simfoni London kedua belas yang terakhir, dia menambah segi tiga, simbal dan gendang. Soalan dan tugasan 1. Tiga komposer hebat yang manakah dipanggil muzik klasik Vienna? Apakah yang menerangkan definisi ini? 2. Beritahu kami tentang kehidupan muzik Vienna pada abad ke-18. 3. Apakah genre muzik utama dalam karya Haydn. 4. Di mana dan bagaimana zaman kanak-kanak dan remaja Haydn? 5. Bagaimanakah Haydn memulakan laluan bebasnya? 6 .. Bagaimanakah kehidupan dan pekerjaan Haydn semasa berkhidmat di kapel putera-putera Esterhazy? 7. Beritahu kami tentang perjalanan Haydn ke England dan tahun-tahun terakhir hidupnya. Seni Simfoni Apabila Haydn menulis simfoni pertamanya pada tahun 1759, banyak karya dalam genre ini telah wujud dan terus dicipta. Mereka berasal dari Itali, Jerman, Austria dan negara-negara Eropah yang lain. Pada pertengahan abad ke-18, contohnya, simfoni, yang digubah dan dipersembahkan di bandar Mannheim di Jerman, yang memiliki orkestra terbaik pada masa itu, mendapat kemasyhuran sejagat. Terdapat ramai orang Czech di kalangan komposer yang dipanggil "Sekolah Mannheim". Salah satu nenek moyang simfoni ialah pertunjukan opera Itali tiga bahagian (dengan nisbah bahagian mengikut tempo: "cepat-lambat-cepat".). Dalam simfoni awal ("praklasik"), laluan ke simfoni klasik masa depan masih diturap, ciri-ciri tersendirinya ialah kepentingan kandungan kiasan dan kesempurnaan bentuknya. Mengambil jalan ini, Haydn mula mengarang simfoni matangnya pada tahun 1780-an. Dan pada masa yang sama, simfoni matang Mozart yang sangat muda muncul, dengan cepat memajukan tahap kemahiran artistik yang tinggi. Haydn mencipta London Symphony, yang menobatkan pencapaiannya dalam genre ini, selepas kematian Mozart yang tidak lama lagi, yang sangat menggegarkannya. Simfoni matang Haydn membentuk komposisi tipikal kitaran empat pergerakan berikut: sonata allegro, pergerakan perlahan, minuet, dan finale (biasanya dalam bentuk rondo atau sonata allegro). Pada masa yang sama, komposisi klasik orkestra empat kumpulan instrumen ditentukan dalam ciri utamanya. Kumpulan utama ialah kumpulan rentetan. Ia termasuk biola, biola; Haydn tidak selalu menggunakan Klarinet. Malah dalam "London Symphonies" beliau hanya berbunyi dalam lima (daripada dua belas). 21 27 www.classON.ru Pendidikan seni kanak-kanak di Rusia Simfoni ini dikenali sebagai "Ketenteraan". Beberapa simfoni Haydn yang lain juga mempunyai nama. Dalam kebanyakan kes, mereka tidak diberikan oleh komposer sendiri dan menandakan hanya satu perincian, selalunya bergambar, contohnya, meniru clucking di bahagian perlahan simfoni "Ayam" atau "berdetik" - di bahagian perlahan "Jam". "simfoni. Kisah istimewa dikaitkan dengan simfoni minor F-sharp, yang dinamakan Farewell. Ia mempunyai bahagian kelima tambahan (lebih tepat lagi, kod jenis Adagio). Semasa persembahannya, ahli orkestra satu demi satu memadamkan lilin di konsol mereka, mengambil instrumen mereka dan pergi. Hanya dua pemain biola yang tinggal, yang secara senyap-senyap dan sedih menghabiskan bar terakhir dan juga pergi. Terdapat penjelasan berikut untuk ini. Seolah-olah pada suatu musim panas Putera Miklos I menahan pemuzik kapelnya di Esterhaza lebih lama daripada biasa. Dan mereka ingin mendapatkan percutian secepat mungkin untuk melihat keluarga mereka yang tinggal di Eisenstadt. Dan akhir kedua yang luar biasa Simfoni Perpisahan membayangkan keadaan ini. Selain simfoni, Haydn mempunyai banyak karya lain untuk orkestra, termasuk lebih seratus minit berasingan. Dan tiba-tiba semuanya berubah dengan gembira: eksposisi sonata allegro bermula. Daripada tempo perlahan - cepat (Allegro con spirito - "Cepat, dengan inspirasi"), bukannya unison bass berat - dari bunyi G dan A yang sama rata dalam daftar tinggi, motif pertama mudah alih, ceria berjangkit, menari tema bahagian utama dilahirkan. Semua motif tema ini, yang dinyatakan dalam kunci utama, bermula dengan pengulangan bunyi pertama - seolah-olah dengan pijak yang gagah: Simfoni dalam E flat major Ini adalah yang kesebelas daripada dua belas "London Symphony" oleh Haydn. Kunci utamanya adalah dalam E flat major. Ia dikenali sebagai Timpani Tremolo Simfoni 22. Simfoni itu terbahagi kepada empat bahagian. Bahagian pertama bermula dengan pengenalan yang perlahan. Tremol ("beat") timpani yang ditala kepada tonik berbunyi dengan senyap. Ia seperti guruh yang berdentum jauh. Kemudian tema pengenalan terungkap dalam "tepi" lebar yang licin. Pada mulanya ia dimainkan secara serentak oktaf oleh cello, double bass dan bassoon. Nampaknya seolah-olah beberapa bayang-bayang misteri diam-diam melayang masuk, kadang-kadang berhenti seketika. Jadi mereka teragak-agak dan membeku: dalam bar terakhir pengenalan, bunyi serentak pada bunyi G dan A-flat bersebelahan beberapa kali, memaksa telinga untuk mengharapkan - apa yang akan berlaku seterusnya? Persembahan dua kali tema itu oleh alat piano bertali dilengkapkan dengan gemuruh keseronokan tarian yang ganas, kedengaran hebat dalam keseluruhan orkestra. Gemuruh ini bergegas dengan pantas, dan bayangan misteri muncul semula dalam kumpulan yang menghubungkan. Kestabilan tona terjejas. Modulasi berlaku dalam major B-flat (dominan dalam major E-flat) - kunci bahagian sisi. Di bahagian penghubung, tidak ada tema baru, tetapi motif asal tema Timpani kedengaran - hemisfera dengan kulit terbentang di atasnya, di mana mereka memukul dengan dua batang kayu. Setiap hemisfera hanya boleh mengeluarkan bunyi satu pic sahaja. Dalam simfoni klasik, dua hemisfera biasanya digunakan, ditala kepada tonik dan dominan. 22 28 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia bahagian utama dan peringatan jauh tentang tema pengenalan: Eksposisi berakhir dengan penegasan tonaliti bahagian menengah (B-flat major). Eksposisi diulang, dan perkembangan selanjutnya menyusul. Ia penuh dengan perkembangan polifonik meniru dan tonal-harmonik motif yang diasingkan daripada tema bahagian utama. Tema kumpulan sampingan muncul pada akhir pembangunan. Ia dilakukan sepenuhnya dalam kunci D-flat major, jauh dari yang utama, iaitu, ia kelihatan seolah-olah dalam pencahayaan baru yang luar biasa. Dan suatu hari (selepas jeda umum dengan fermata), intonasi intro misteri muncul dalam bass. Perkembangan ini kebanyakannya berbunyi piano dan pianissimo, dan hanya sekali-sekala - forte dan fortissimo dengan loghat individu sforzando. Ini meningkatkan kesan misteri. Motif dari tema bahagian utama dalam perkembangan mereka kadang-kadang menyerupai tarian yang hebat. Orang boleh membayangkan bahawa ini adalah tarian beberapa lampu misteri, kadang-kadang berkelip terang. Dalam reprise dalam kunci E-flat major, bukan sahaja bahagian utama, tetapi juga bahagian sisi diulang, dan bahagian penyambung dilangkau. Beberapa misteri muncul dalam kod. Ia bermula, seperti intro, dengan tempo Adagio, gegaran timpani yang tenang dan gerakan perlahan serentak. Tetapi tidak lama kemudian, pada penghujung pergerakan pertama, rentak yang pantas, bunyi nyaring dan tarian ceria "menghendap" kembali. Pergerakan kedua simfoni - Andante - adalah variasi pada dua tema - lagu dalam C minor dan lagu dan perarakan dalam C major. Pembinaan yang dipanggil variasi berganda ini adalah seperti berikut: tema pertama dan kedua dibentangkan, kemudian ikuti: variasi pertama tema pertama, variasi pertama tema kedua, variasi kedua tema pertama, kedua. variasi tema dan kod kedua, berdasarkan bahan tema kedua. Sehingga hari ini, penyelidik berhujah tentang kewarganegaraan topik pertama. Pemuzik Croatia percaya bahawa ini adalah lagu rakyat Croatia berdasarkan ciri-cirinya, dan pemuzik Hungary percaya bahawa ia adalah lagu Hungary. Serb, Bulgaria dan Poland juga menemui ciri kebangsaan mereka di dalamnya. Pertikaian ini tidak dapat diselesaikan dengan pasti, kerana rakaman tema bahagian sampingan sekali lagi adalah tarian riang. Tetapi jika dibandingkan dengan parti utama, dia tidak begitu bertenaga, tetapi lebih anggun, feminin. Melodi dimainkan oleh biola dengan oboe. Iringan waltz tipikal membawa tema ini lebih dekat dengan tarian Lander - Austria dan Jerman Selatan, salah satu nenek moyang waltz: 29 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia melodi lama dan kata-katanya belum pernah dijumpai. Nampaknya, ciri-ciri beberapa lagu Slavic dan Hungary bergabung di dalamnya; itu, khususnya, sejenis gerakan untuk saat yang diperbesarkan (E-flat - fadies): variasi tema kedua menyambung semula rentak kawad heroik, dihiasi dengan petikan virtuoso - rahmat seruling. Dan dalam kod besar terdapat giliran yang tidak dijangka dalam pembangunan "acara muzik". Pada mulanya, tema perarakan bertukar menjadi bunyi yang lembut dan telus. Kemudian motif yang diasingkan daripadanya dengan irama bertitik berkembang secara intensif. Ini membawa kepada kemunculan mendadak kunci dalam E-flat major, selepas itu persembahan akhir tema kawad kedengaran terang dan khusyuk dalam C major. Pergerakan ketiga simfoni - Minuet - pada asalnya menggabungkan bunga upacara tarian masyarakat tinggi dengan lompatan lebar yang berubah-ubah dan sinkopasi dalam melodi: Melodi dan yang kedua, tema utama perarakan. Berbeza dengan yang pertama, dia pada masa yang sama mempunyai beberapa pertalian dengannya - rentak keempat, arah melodi menaik dan kemudian menurun dan darjah IV yang meningkat (fadiez): Tema aneh ini ditekankan oleh pergerakan yang lancar dan tenang dalam Trio - bahagian tengah Minuet, terletak di antara bahagian pertama dan pengulangan tepatnya23: Penyampaian tema pertama dengan rentetan piano dan pianissimo kedengaran seperti penceritaan yang santai, seperti permulaan cerita tentang beberapa peristiwa luar biasa. Yang pertama daripada mereka mungkin membayangkan persembahan tiba-tiba kuat tema kawad kedua, di mana instrumen tiupan ditambah pada kumpulan rentetan. Nada naratif dikekalkan dalam variasi pertama tema pertama. Tetapi suara-suara sedih dan was-was menyertai bunyinya. Dalam variasi pertama tema kedua, biola solo mewarnai melodi dengan petikan bercorak aneh. Dalam variasi kedua tema pertama, penceritaan tiba-tiba mengambil watak ribut dan gelisah (semua instrumen digunakan, termasuk timpani). Dalam yang kedua, Minuet (atau lebih tepat, bahagiannya yang sangat pelik secara halus dalam 1 aksara) berbeza dengan tema rakyat sehari-hari, di satu pihak, bahagian pertama dan kedua simfoni, dan di pihak yang lain, bahagian terakhir, pergerakan keempat - akhir. Di sini, seperti yang sepatutnya dalam sonata allegro klasik, eksposisi membentangkan bahagian utama dalam kunci utama E flat major, bahagian sisi dalam kunci dominan B flat major, dan dalam ulangan kedua-duanya berbunyi dalam E flat jurusan. Walau bagaimanapun, di bahagian sisi, untuk masa yang lama, bahagian tengah karya orkestra biasanya dilakukan oleh tiga instrumen. Di sinilah nama "trio" berasal. 23 30 www.classON.ru Topik yang sama sekali baru muncul dalam bidang seni Rusia untuk kanak-kanak. Ia berdasarkan tema parti utama. berasal daripada perkataan Perancis "ronde", yang bermaksud "bulatan" atau "tarian bulat". Soalan dan tugasan 1. Bilakah Haydn dan Mozart mula mengarang simfoni matang mereka? 2. Apakah bahagian yang biasanya terdiri daripada simfoni Haydn? Namakan kumpulan instrumen dalam orkestra Haydn. 3. Apakah nama yang anda tahu tentang simfoni Haydn? 4. Mengapakah simfoni Haydn dalam E-flat major dipanggil "dengan gegaran Taurus"? Bahagian apa ia bermula? 5. Huraikan tema utama bentuk sonata dalam pergerakan pertama simfoni ini. 6. Dalam bentuk apakah dan pada tema apakah bahagian kedua simfoni itu ditulis? 7. Huraikan topik utama dan bahagian bahagian ketiga. 8. Apakah keistimewaan korelasi antara tema permainan utama dan sekunder di peringkat akhir? Apakah kaitan antara watak muzik dalam pergerakan pertama simfoni dan pada penamatnya? Oleh itu, ternyata keseluruhan pengakhiran adalah berdasarkan satu tema. Komposer - seolah-olah dalam permainan yang rumit - sama ada menyambung semula tema sepenuhnya, atau dengan mahir menggabungkan varian dan elemen individunya. Dan dia sendiri adalah rumit. Lagipun, asas harmonik pertama kali muncul di dalamnya - apa yang dipanggil "laluan emas" dua tanduk Perancis - isyarat tipikal tanduk memburu. Dan hanya kemudian melodi tarian, dekat dengan lagu-lagu rakyat Croatia, ditumpangkan atas dasar ini. Ia bermula dengan "menghentak" pada satu bunyi, dan kemudian motif ini diulang berkali-kali, ditiru, berpindah dari satu suara ke suara yang lain. Ini mengingatkan tema awal tema utama bahagian pertama dan bagaimana ia dibangunkan di sana. Di samping itu, komposer menunjukkan tempo yang sama dalam finale - Allegro con spirito. Maka pada peringkat akhir, unsur tarian rakyat ceria akhirnya bermaharajalela. Tetapi ia mempunyai watak istimewa di sini - ia menyerupai tarian bulat yang rumit, tarian kumpulan, di mana tarian digabungkan dengan lagu dan aksi suka bermain. Ini disahkan oleh fakta bahawa dalam eksposisi bahagian utama diulang dalam kunci utama dua kali tambahan - selepas episod peralihan pendek dan selepas bahagian sekunder. Iaitu, ia seolah-olah diperbaharui, bergerak dalam bulatan. Dan ini membawa ciri-ciri bentuk rondo ke dalam bentuk sonata. Perkataan yang sama "rondo", seperti yang telah disebutkan, kreativiti Clavier Apabila Haydn mencipta karya claviernya, piano secara beransur-ansur menggantikan harpsichord dan clavichord daripada latihan muzik. Haydn menulis karya awalnya untuk instrumen papan kekunci purba ini, dan dalam edisi kemudiannya dia mula menunjukkan "untuk harpsichord atau piano" dan, akhirnya, kadang-kadang hanya "untuk piano". Di antara karya-karyanya yang lebih jelas, tempat yang paling penting adalah milik sonata solo. Sebelum ini, dipercayai bahawa Haydn hanya mempunyai 52 daripadanya. Tetapi kemudian, hasil carian penyelidik, jumlah ini meningkat kepada 62. Yang paling terkenal ialah sonata dalam D major dan E minor. Sonata dalam D Major Tema bahagian utama, yang memulakan pergerakan pertama sonata ini, adalah tarian yang memercikkan kegembiraan dan keceriaan dengan lompatan oktaf nakal yang kebudak-budakan, not grace, morden dan pengulangan bunyi. Muzik sedemikian juga boleh dibayangkan bermain dalam operabuffa: Dalam edisi sebelumnya sonata ini dicetak sebagai "No. 37" dan "No. 34", dan dalam edisi kemudian - sebagai "No. 50" dan "No. 53". 24 31 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Tetapi perkembangan tema parti sampingan ditembusi oleh lompatan nakal dari parti utama, dan kemudian - laluan yang cerewet Pergerakan dari parti penghubung. Ia menjadi lebih tegang, menyapu dan tiba-tiba cepat tenang - seolah-olah dengan beberapa keputusan segera. Selepas itu, eksposisi berakhir dengan bahagian penutup yang menari sambil lewa. Terdapat banyak kesibukan yang meriah dalam pembangunan lagi. Di sini oktaf melompat dari tema bahagian utama, bergerak ke tangan kiri, dibuat lebih nakal, dan pergerakan petikan mencapai ketegangan dan skop yang lebih besar daripada dalam pembangunan tema bahagian sampingan dalam eksposisi. Dalam ulangan, bunyi bahagian sekunder dan akhir dalam kekunci utama (D major) dengan kukuh menyatukan penguasaan suasana gembira. Kontras yang paling kuat dibawa ke dalam sonata oleh pergerakan kedua yang pendek, yang perlahan dan terkawal dalam watak. Ia ditulis dalam kunci nama yang sama dalam D minor. Dalam muzik, seseorang boleh mendengar tapak berat sarabanda - tarian kuno yang sering memperoleh watak perarakan berkabung. Dan dalam seruan melodi ekspresif dengan kembar tiga dan angka berirama bertitik terdapat persamaan dengan lagu-lagu sedih gipsi Hungary: Petikan yang riang dan cerewet dari enam belas mengisi bahagian penghubung. Dan tema bahagian sampingan (dalam kunci utama A) juga tarian, hanya lebih terkawal, anggun: 32 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Sonata dalam E minor Pada awal 1780-an Haydn menerima jemputan untuk membuat lawatan konsert ke London buat kali pertama ... Dia bersungguh-sungguh mempersiapkannya, tetapi kemudiannya tidak dapat melaksanakannya kerana tugas rasminya di gereja Esterhazy. Ada kemungkinan bahawa impian perjalanan "luar negara" yang jauh dan pengalaman yang berkaitan dengannya dicerminkan dalam sonata E minor yang muncul pada masa itu. Ini adalah satu-satunya daripada beberapa sonata Haydn kecil, di mana dalam pergerakan pertama watak lirik yang jelas digabungkan dengan tempo yang sangat pantas. Tema bahagian utama pergerakan ini, dengan mana sonata bermula: Tetapi dalam seni optimis Haydn, imej kematian yang suram sentiasa ditakluki oleh cara hidup yang cerah juga adalah pelik. Dan pergerakan kedua dalam D minor sonata ini, berakhir bukan pada tonik, tetapi pada kord dominan, serta-merta melepasi final D major yang tergesa-gesa 25. Akhir dibina dalam bentuk rondo, di mana tema utama - menahan diri (dalam kunci utama D major) - diulang tiga kali, dan antara pengulangannya terdapat bahagian yang berubah - episod: episod pertama dalam D minor, dan yang kedua dalam G major. Di sini, hanya dalam episod kecil D yang pertama, kenangan pahit menyelinap - gema di bahagian tengah. Episod kedua, G major sudah ceria sambil lewa dan membawa kepada "roll call" komik tangan kanan dan kiri pada nota yang sama. Dan tema utama penerbangan terakhir (rondo refrain) adalah salah satu yang paling ceria dalam karya Haydn: Frasa awal tema di sini terdiri daripada gabungan dua elemen. Dalam bass, di tangan kiri, piano bergerak mengikut bunyi triad tonik kecil seperti panggilan untuk tergesa-gesa ke suatu tempat ke kejauhan. Dan tepat di tangan kanannya gemetar, seolah-olah ragu-ragu, motif teragak-agak-jawapan mengikuti. Pergerakan umum tema adalah lembut, beralun, bergoyang. Di samping itu, saiz pergerakan pertama - 6/8 - adalah tipikal untuk genre barcarole - "lagu di atas air" 26. Di bahagian penyambung, modulasi berlaku selari dengan E minor dalam G major - kunci bahagian sekunder dan akhir. Bahagian penghubung dan akhir, diisi dengan laluan bergerak keenam belas, membingkai bahagian sisi - ringan, termenung, Ini ditunjukkan oleh perkataan Itali "attacca subito il Finale", yang bermaksud "untuk memulakan perlawanan akhir dengan segera." Pada asalnya, lagu-lagu gondoli Venetian dipanggil barcaroles. Nama genre itu berasal dari perkataan Itali "barca" - "bot". 25 26 33 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni di Rusia nampaknya melonjak ke atas: alam semula jadi, dengan bunyi isyarat, seolah-olah memanggil dalam perjalanan pulang, jantung seolah-olah bergetar dalam penggera yang menggembirakan! Dan di sini, selepas peralihan kord, tema utama pergerakan ketiga (akhir) timbul. Ini adalah penahanan bentuk rondo yang mana Finale ditulis. Ia kelihatan seperti lagu lulus yang diilhamkan yang membantu untuk tergesa-gesa "belayar penuh" ke tanah asal: Jadi, skema bentuk rondo, pada peringkat akhir adalah seperti berikut: menahan diri (E minor), episod pertama (E major), menahan diri (E minor), episod kedua ( E major), menahan diri (E minor). Kedua-dua episod disambungkan dengan refrain dan dengan satu sama lain hubungan melodi. Apabila bahagian penyambung, sisi dan akhir berbunyi, imaginasi melukis imej yang menggoda - betapa bebasnya angin bertiup, betapa pantasnya pergerakan dengan riang ke hadapan. Selanjutnya, dalam pembangunan, dibina pada bahan bahagian utama, penyambung dan akhir, sisihan dalam kekunci kecil berlaku. Dalam utama, iaitu, bukan dalam major, tetapi dalam kunci minor, bahagian sekunder dan bahagian penutup yang telah menjadi bunyi yang lebih luas dalam reprise. Namun begitu, kesedihan dan keraguan rohani akhirnya dapat diatasi dengan berusaha ke jarak yang tidak diketahui. Ini adalah maksud bar terakhir pergerakan pertama, di mana permulaan tema bahagian utama yang menarik diulang dengan cara yang luar biasa. Pergerakan kedua sonata, perlahan, dalam G major, adalah sejenis aria instrumental, disemai dengan suasana kontemplatif yang ringan. Coloratura cahayanya penuh dengan gema burung berkicauan, rungutan anak sungai: Soalan dan tugasan 1. Namakan genre utama muzik clavier Haydn. Berapa banyak sonata yang diketahui? 2. Terangkan bahagian utama pergerakan pertama sonata dalam D major. Adakah terdapat hubungan di bahagian ini antara bahagian utama dan sisi? 3. Apakah kontras yang ditambahkan oleh pergerakan kedua kepada muzik sonata dalam D major? Apakah hubungannya dengan pengakhirannya? 4. Beritahu kami tentang keistimewaan struktur dan watak tema bahagian utama pergerakan pertama sonata dalam E minor. Matang dan huraikan selebihnya topik dan bahagian bahagian ini. 5. Apakah watak pergerakan kedua sonata dalam E minor? 6. Beritahu kami tentang bentuk akhir sonata dalam E minor dan sifat tema utamanya. Karya utama Lebih 100 simfoni (104) Siri konserto untuk pelbagai instrumen dan orkestra Lebih 80 kuartet (untuk dua biola, biola dan cello) (83) 62 sonata clavier Creation of the World dan The Seasons Oratorios 24 opera Susunan lagu Scotland dan Ireland Walau bagaimanapun, manis kerana rehat yang damai berada di suatu tempat yang jauh, di pangkuan 34 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia yang ditulis dalam banyak genre - simfoninya, konsert instrumental, pelbagai ensembel bilik, sonata piano, Requiem untuk koir, pemain solo dan orkestra. Bakat fenomenal Mozart yang luar biasa awal dan berkembang pesat dicipta berdasarkan namanya; halo "keajaiban muzik" legenda. Ciri terang; AS Pushkin memberikannya sebagai artis yang diilhamkan dalam drama ("Tragedi Kecil") "Mozart dan Salieri". Opera eponim oleh N.A.Rimsky ditulis berdasarkannya. Korsakov 27. Mozart ialah P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Keluarga Laluan Hidup. Zaman kanak-kanak. Tempat kelahiran Wolfgang Amadeus Mozart, yang dilahirkan pada Januari 1756, ialah bandar Salzburg di Austria. Ia terbentang dengan indah di tebing berbukit Sungai Salzach yang deras, yang telah meletakkan katilnya di kaki bukit timur Alps. Salzburg adalah ibu kota kerajaan kecil, penguasa yang ditahbiskan sebagai uskup agung. Bapa Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart, berada di kapelnya. Dia seorang pemuzik yang serius dan berpendidikan tinggi - seorang komposer, pemain biola, organ, guru yang produktif. "School of Violin Playing" yang diterbitkan oleh beliau telah diedarkan di beberapa negara, termasuk Rusia. Daripada tujuh anak Leopold dan isterinya Anna Maria, hanya dua yang terselamat - anak bongsu Wolfgang Amadeus dan anak perempuan Maria Anna (Nannerl), yang lebih tua! abang selama empat setengah tahun. Apabila bapanya mula mengajar Nannerl bermain harpsichord, yang mempunyai kebolehan yang sangat baik, dia tidak lama kemudian mula belajar dengan Wolfgang yang berusia tiga tahun, melihat telinganya yang halus dan ingatan muzik yang menakjubkan, selama empat tahun budak itu telah cuba mengarang. muzik, dan kepingan harpsichord pertamanya yang masih hidup telah dirakam oleh bapanya, ketika pengarangnya baru berusia lima tahun. Terdapat kisah tentang bagaimana Wolfgang yang berusia empat tahun cuba mengarang konserto yang lebih jelas. Bersama-sama dengan pen, dia mencelupkan lubang dakwat pada jarinya dan meletakkan tompok pada kertas muzik. Tidak apabila ayah saya melihat ke dalam rakaman kebudak-budakan ini, kemudian melalui bintik-bintik dia mendapati di dalamnya makna muzik yang tidak diragui. Salah seorang jenius muzik terhebat, komposer Austria Wolfgang Amadeus Mozart hidup hanya 35 tahun. Daripada jumlah ini, dia mengarang muzik selama tiga puluh tahun dan, meninggalkan lebih daripada 600 karya, membuat sumbangan yang tidak ternilai kepada dana emas seni dunia. Penilaian yang paling setia dan tertinggi tentang hadiah kreatif Mozart semasa hayatnya diberikan oleh Joseph Haydn, kontemporari lamanya. “... Anakmu,” dia pernah berkata kepada bapa Wolfgang Amadeus, “adalah komposer terhebat yang saya kenali secara peribadi dan namanya; dia mempunyai rasa, dan selain itu, pengetahuan terbesar dalam komposisi." Muzik Haydn dan Mozart, yang dipanggil klasik Vienna, dikaitkan dengan persepsi yang optimistik, aktif-aktif terhadap dunia, gabungan kesederhanaan dan semula jadi dalam meluahkan perasaan dengan keagungan dan kedalaman puitis mereka. Pada masa yang sama, terdapat perbezaan yang ketara antara minat seni mereka. Haydn lebih dekat dengan imej rakyat dan lirik-epik, dan kepada Mozart - sebenarnya imej lirik dan lirik-drama. Seni Mozart terutamanya memikat dengan kepekaan terhadap pengalaman emosi seseorang, serta ketepatan dan kemeriahan dalam penjelmaan pelbagai watak manusia. Ini menjadikannya seorang komposer opera yang hebat. Operanya, dan di atas semua Le Nozze di Figaro, Don Juan dan The Magic Flute, telah menikmati kejayaan yang tidak berubah untuk abad ketiga, dipentaskan di pentas semua teater muzikal. Salah satu tempat paling mulia dalam repertoir konsert dunia diduduki oleh karya Mozart. Versi yang Salieri meracuni Mozart kerana iri hati hanyalah legenda. Tchaikovsky mendalangi empat keping piano oleh Mozart dan mengarang suite Mozartiana daripadanya. 27 28 35 www.classON.ru Pendidikan seni kanak-kanak di Rusia akan mengadakan konsert biola ... bermain papan kekunci yang ditutup dengan sapu tangan serta jika ia berada di hadapan matanya, kemudian dari jauh dia akan menamakan semua bunyi bahawa satu demi satu atau dalam kord akan dimainkan pada clavier atau mana-mana instrumen lain, atau diterbitkan oleh objek - loceng, gelas, jam. Pada akhirnya, dia akan membuat improvisasi bukan sahaja pada harpsichord, tetapi juga pada organ selagi pendengar mahukannya, dan dalam mana-mana, walaupun yang paling sukar, kunci yang akan dinamakan kepadanya ... "Perjalanan konsert pertama . Leopold Mozart memutuskan untuk mula membuat lawatan konsert ke pusat muzik utama bersama anak-anaknya yang berbakat. Perjalanan pertama - ke bandar Munich di Jerman - berlaku pada awal 1762, ketika Wolfgang berusia hampir enam tahun. Enam bulan kemudian, keluarga Mozart pergi ke Vienna. Di sana Wolfgang dan Nannerl membuat persembahan di mahkamah empayar, adalah kejayaan yang memberangsangkan, dihujani dengan hadiah. Pada musim panas 1763, Mozarts mengambil perjalanan panjang ke Paris dan London. Tetapi pertama-tama mereka melawat beberapa bandar Jerman, dan dalam perjalanan pulang - sekali lagi di Paris, serta di Amsterdam, The Hague, Geneva dan beberapa bandar lain. Persembahan Mozarts kecil, terutamanya Wolfgang, menyebabkan kejutan dan kekaguman di mana-mana, walaupun di mahkamah diraja yang paling indah. Mengikut adat pada masa itu, Wolfgang muncul di hadapan khalayak yang mulia dalam sut bersulam dengan zblot dan rambut palsu serbuk, tetapi pada masa yang sama berkelakuan dengan spontan kebudak-budakan semata-mata, dia boleh, sebagai contoh, melompat berlutut untuk permaisuri. Konsert, yang berlangsung selama 4-5 jam berturut-turut, sangat memenatkan untuk pemuzik muda, dan untuk orang ramai mereka bertukar menjadi sejenis hiburan. Berikut adalah apa yang dikatakan oleh salah satu pengumuman: “... Seorang gadis dalam dua belas dan seorang lelaki dalam tujuh akan memainkan konsert di harpsichord. .. Di samping itu, budak lelaki 36 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Lawatan konsert berlangsung lebih daripada tiga tahun dan membawa Wolfgang banyak tanggapan yang berbeza. Dia mendengar sejumlah besar karya instrumental dan vokal, bertemu dengan beberapa pemuzik yang luar biasa (di London - dengan anak bongsu Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Di antara persembahan, Wolfgang dengan penuh semangat mempelajari komposisi. Empat daripada sonatanya untuk biola dan harpsichord diterbitkan di Paris, menunjukkan bahawa ini adalah karya seorang budak lelaki berusia tujuh tahun. Di London, dia menulis simfoni pertamanya. Kembali ke Salzburg dan tinggal di Vienna. Opera pertama. Pada akhir tahun 1766, seluruh keluarga kembali ke Salzburg. Wolfgang mula belajar secara sistematik teknik mengarang di bawah bimbingan bapanya. Mozarts menghabiskan sepanjang 1768 di Vienna. Di bawah kontrak dengan teater itu, Wolfgang yang berusia dua belas tahun menulis, mengikuti model Itali, opera-buffa "The Imaginary Simpleton" dalam masa tiga bulan. Latihan bermula, tetapi persembahan ditangguhkan dan kemudian dibatalkan sepenuhnya (mungkin kerana tipu daya orang yang dengki). Ia berlaku hanya pada tahun berikutnya di Salzburg. Di Vienna, Wolfgang mengarang banyak muzik lain, termasuk lima simfoni, dan berjaya menjalankan Misa khidmatnya pada pentahbisan gereja baru. Perjalanan ke Itali. Dari penghujung 1769 hingga awal 1773, Wolfgang Amadeus membuat tiga perjalanan panjang merentasi Itali bersama bapanya. Di "tanah muzik" ini, Mozart muda tampil dengan kejayaan besar di lebih daripada sedozen bandar, termasuk Rom, Naples, Milan, Florence. Dia menjalankan simfoninya, memainkan harpsichord, biola dan organ, sonata dan fugue yang telah diubahsuai pada tema pratetap, aria pada teks pratetap, memainkan karya sukar dengan cemerlang dari pandangan dan mengulanginya dalam kekunci lain. Dia dua kali melawat Bologna, di mana untuk beberapa waktu dia mengambil pelajaran dari guru terkenal - ahli teori dan komposer Padre Martini. Setelah berjaya menahan ujian yang sukar (setelah menulis komposisi polifonik menggunakan teknik polifonik yang kompleks), Mozart yang berusia empat belas tahun telah dipilih sebagai ahli Akademi Filharmonik Bologna sebagai Pengecualian istimewa. Dan menurut piagam itu, hanya pemuzik yang telah mencapai umur dua puluh tahun dan mempunyai pengalaman terdahulu dalam institusi bereputasi ini dibenarkan masuk ke dalamnya. Di Rom, setelah melawat Kapel Sistine di Vatican (kediaman paus) 29, Mozart pernah mendengar karya suci polifonik besar untuk dua koir oleh komposer Itali abad ke-17 Gregorio Allegri. Karya ini dianggap sebagai hak milik Paus dan tidak dibenarkan untuk disalin atau diedarkan semula. Tetapi Mozart mencatatkan keseluruhan skor paduan suara kompleks dari ingatan, dan paduan suara paus mengesahkan ketepatan rakaman itu. Itali - sebuah negara yang hebat bukan sahaja muzik, tetapi juga seni halus dan seni bina - memberikan Mozart kesan artistik yang banyak. Dia sangat tertarik dengan melawat rumah opera. Lelaki muda itu sangat menguasai gaya opera Itali sehingga dalam masa yang singkat dia menulis tiga opera, yang kemudiannya dipentaskan dengan kejayaan besar di Milan. Ini adalah dua siri opera - "Mithridates, King of Pontus" dan "Lucius Sulla" - dan opera pastoral mengenai plot mitologi "Ascanio in Alba" 30. Perjalanan ke Vienna, Munich, Mannheim, Paris. Di sebalik kejayaan kreatif dan konsertnya yang cemerlang, Wolfgang Amadeus tidak berjaya mendapatkan perkhidmatan di mahkamah mana-mana pemerintah di negeri Itali. Saya terpaksa kembali ke Salzburg. Di sini, bukannya ketua biskop yang telah meninggal dunia, pemerintah baru yang lebih zalim dan biadap memerintah. Ia menjadi lebih sukar bagi bapa dan anak Mozarts, yang berada dalam perkhidmatannya, untuk mendapatkan cuti untuk perjalanan baharu. Dan gedung opera, yang Mozart bercita-cita untuk mengarang, tidak tersedia di Salzburg, dan kemungkinan lain aktiviti muzik adalah terhad. Perjalanan ke Vienna dua pemuzik hanya mungkin kerana fakta bahawa uskup agung Salzburg sendiri ingin melawat ibu kota Austria. Dia dengan berat hati memberi kebenaran kepada Mozarts untuk pergi ke; Munich, di mana peminat opera baru komposer muda itu dipentaskan. Dan untuk perjalanan seterusnya, hanya Wolfgang Amadeus yang berjaya mendapat kebenaran dengan susah payah. Bapanya terpaksa tinggal di Salzburg, dan ibunya pergi menemani anaknya. Perhentian panjang pertama berlaku di bandar Mannheim, Jerman. Di sini Wolfgang Amadeus dan Anna Maria disambut mesra di rumahnya oleh salah seorang pemimpin orkestra simfoni, yang terkenal pada masa itu, wakil sekolah komposer Mannheim pra-klasik. Di Mannheim, Mozart digubah oleh artis Itali, termasuk Michelangelo. 30 Kerajaan Pontic ialah sebuah negeri purba di Laut Hitam, terutamanya pantai Turki semasa (“Pontus Euxine”, iaitu, “laut yang mesra”, nama Yunani kuno untuk Laut Hitam). Lucius Sulla ialah seorang pemimpin tentera dan politik Yunani purba. Pastoral (dari perkataan Itali "pastore" - "gembala") adalah sebuah karya dengan plot yang idealisasi kehidupan di pangkuan alam semula jadi. Sistine Chapel - gereja rumah paus di Vatican; ia dibina pada abad ke-15 di bawah Pope Sixtus IV. Dinding dan siling gereja dicat oleh orang-orang hebat 29 37 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia beberapa karya, kebanyakannya instrumental, ditandai dengan kematangan gaya muzik. Tetapi tiada kekosongan kerja tetap untuk Wolfgang Amadeus di sini sama ada. Pada musim bunga tahun 1778, Mozart dan ibunya tiba di Paris. Namun, harapan untuk mendapat pengiktirafan sebenar di sana dan menjadi sebuah jawatan terkemuka tidak menjadi kenyataan. Di ibu negara Perancis, kanak-kanak ajaib, mainan yang seolah-olah hidup ini, telah pun dilupakan, dan mereka gagal mengenali bakat pemuzik muda yang sedang berkembang. Mozart tidak bernasib baik sama ada dengan susunan konsert, atau menerima tempahan untuk sebuah opera. Dia hidup dengan pendapatan yang menyedihkan dari pelajaran, untuk teater dia hanya boleh menulis muzik untuk balet kecil "Trinkets". Karya-karya baru yang indah keluar dari bawah penanya, tetapi mereka tidak menarik perhatian serius kepada diri mereka sendiri ketika itu. Dan pada musim panas, Wolfgang Amadeus mengalami kesedihan yang berat: ibunya jatuh sakit dan meninggal dunia. Pada awal tahun berikutnya, Mozart kembali ke Salzburg. Opera "Idomeneo". Berpisah dengan ketua biskop dan berpindah ke Vienna. Bagi Mozart, peristiwa paling penting pada tahun-tahun akan datang ialah penciptaan dan pementasan opera Idomeneo, Raja Crete di Munich, dan kejayaan besarnya. Di sini kualiti terbaik opera-seria Itali digabungkan dengan prinsip pembaharuan opera Gluck. Ini membuka jalan kepada kemunculan karya agung opera Mozart yang asli. ... Tahun itu ialah 1781. Mozart berumur 25 tahun. Dia adalah pengarang tiga setengah ratus karya, penuh dengan idea kreatif baru. Dan untuk Uskup Agung Salzburg, dia hanya seorang pelayan muzik, yang pemiliknya yang sombong dan menindas semakin menindas dan memalukan, memaksanya untuk duduk di meja di dalam bilik "di atas tukang masak, tetapi di bawah pembantu", tidak membenarkannya. tanpa kebenaran sama ada untuk meninggalkan tempat atau membuat persembahan di mana-mana ... Semua ini menjadi tidak tertanggung untuk Mozart, dan dia menyerahkan surat peletakan jawatan. Uskup agung dua kali menolaknya dengan kutukan dan penghinaan, dan rombongannya dengan kasar menendang pemuzik itu keluar dari pintu. Tetapi dia, setelah mengalami kejutan mental, tetap teguh dalam keputusannya. Mozart menjadi komposer hebat pertama yang dengan bangganya berpisah dengan kedudukan pemuzik mahkamah yang selamat dari segi kewangan tetapi bergantung. Vienna: dekad yang lalu. Mozart menetap di Vienna. Hanya sekali-sekala dia meninggalkan ibu negara Austria untuk masa yang singkat, sebagai contoh, berkaitan dengan pengeluaran pertama opera Don Juan di Prague atau semasa dua lawatan konsert di Jerman. Pada tahun 1782 dia berkahwin dengan Constance Weber, yang dibezakan oleh watak ceria dan muzikalnya. Kanak-kanak dilahirkan satu demi satu (tetapi daripada enam, empat mati sebagai bayi). Pendapatan Mozart daripada persembahan konsert sebagai penghibur muziknya yang lebih jelas, daripada penerbitan karya dan persembahan opera adalah tidak teratur. Di samping itu, Mozart, sebagai seorang yang baik hati, mudah tertipu dan tidak praktikal, tidak tahu cara menguruskan hal ehwal kewangan secara berhemat. Pelantikan pada penghujung tahun 1787 ke jawatan yang dibayar tidak seberapa sebagai pemuzik dewan mahkamah, yang diarahkan untuk mengarang muzik tarian sahaja, tidak menyelamatkan daripada keperluan wang yang sering dirasakan. Untuk semua itu, selama sepuluh tahun Vienna, Mozart mencipta lebih daripada dua setengah ratus karya baharu. Antaranya, pencapaian artistiknya yang paling cemerlang dalam banyak genre bersinar. Pada tahun perkahwinan Mozart di Vienna, singspiel beliau "The Abduction from the Seraglio", berkilauan, telah dipentaskan dengan kejayaan besar; humor 31. Dan opera buffa "The Marriage of Figaro", po asal; genre "drama ceria" "Don Juan" dan opera "The Magic Flute", yang muncul dalam beberapa tahun kebelakangan ini di Vienna, adalah antara ketinggian tertinggi yang dicapai oleh teater muzikal secara keseluruhan! kisah beliau. Tiga daripada simfoni terbaiknya, yang ternyata menjadi yang terakhir, termasuk G minor (No. 40), Mozart menulis pada musim panas 1788. Dalam dekad yang sama, banyak karya instrumental lain oleh komposer muncul - orkestra empat bahagian "Little Night Serenade", sejumlah konsert piano, sonata, dan pelbagai ensembel bilik. Mozart mendedikasikan enam kuartet rentetannya kepada Haydn, dengan siapa dia menjalin persahabatan yang mesra. Pada tahun-tahun ini, Mozart mengkaji dengan penuh minat karya Bach dan Handel. Karya terbaru Mozart ialah Requiem, Mass for the arwah untuk koir, solois dan orkestra32. Pada Julai 1791, dia telah ditugaskan kepada komposer oleh seorang lelaki yang tidak mahu memberikan namanya. Ia kelihatan misteri, boleh menimbulkan firasat gelap. Hanya beberapa tahun kemudian ternyata pesanan itu datang dari kiraan Vienna, yang ingin membeli karya orang lain dan menganggapnya sebagai miliknya. Sakit teruk, Mozart tidak dapat menyelesaikan Requiem sepenuhnya. Salah seorang pelajar komposer menyelesaikannya berdasarkan draf. Terdapat kisah bahawa pada malam kematian pemuzik yang hebat, yang diikuti pada malam 5 Disember 1791, rakan-rakan menyanyi bersama-sama dengannya sebahagian daripada kerja yang masih belum selesai. Selaras dengan reka bentuk sedih dalam Requiem, ekspresi lirikal dan dramatik yang diilhamkan dari muzik Mozart telah memperoleh keagungan dan keseriusan yang istimewa. Kerana kekurangan dana, Mozart telah dikebumikan di kubur biasa untuk 31 32 Seraglio - separuh wanita di rumah bangsawan timur yang kaya. Perkataan Latin "requiem" bermaksud "rehat." 38 www.classON.ru Pendidikan seni kanak-kanak di Rusia adalah miskin, dan tempat sebenar pengebumiannya masih tidak diketahui. bagi Suzanne, menyamar sebagai countess dalam pakaiannya. Kerana malu dengan isterinya, Almaviva terpaksa tidak lagi mengganggu Figaro dan Suzanne untuk meraikan perkahwinan itu, yang dengan gembira dan gembira berakhir dengan "hari gila" yang penuh dengan pelbagai kejadian yang tidak dijangka. Opera ini bermula dengan pembukaan, yang telah menjadi sangat popular dan sering dipersembahkan dalam konsert simfoni 34. Tidak seperti kebanyakan tawaran lain, tawaran ini tidak menggunakan tema daripada opera itu sendiri. Di sini suasana umum tindakan seterusnya disampaikan dengan jelas, kepantasan yang menarik dan keceriaan yang menggembirakan. Tawaran itu ditulis dalam bentuk sonata, tetapi tanpa perincian, yang digantikan dengan hubungan pendek antara eksposisi dan ulangan. Pada masa yang sama, lima tema menonjol dengan jelas, dengan cepat menggantikan satu sama lain. Yang pertama dan kedua merupakan parti utama, yang ketiga dan keempat - pihak sampingan, yang kelima - parti terakhir. Mereka semua bertenaga, tetapi pada masa yang sama masing-masing mempunyai ciri khasnya sendiri. Tema pertama bahagian utama, dimainkan dengan tali dan bassoon secara serentak, bergerak dengan pantas, dengan ketangkasan nakal: Soalan dan Tugasan 1. Apakah yang menjadikan muzik Mozart berkaitan dengan muzik Haydn? Apakah perbezaan antara minat artistik kedua-dua klasik Vienna ini? 2. Beritahu kami tentang keluarga dan zaman kanak-kanak awal Wolfgang Amadeus Mozart. 3. Di negara dan bandar manakah Mozart beraksi semasa kecil? Bagaimanakah persembahan ini berlangsung? 4. Pada umur berapa Mozart menulis buffa opera pertamanya? Apa yang dipanggil dan di mana ia dipasang? 5. Beritahu kami tentang perjalanan Mozart muda ke Itali. 6. Apakah bandar yang dilawati oleh Mozart kemudiannya? Adakah perjalanannya ke Paris berjaya? 7. Beritahu kami tentang rehat Mozart dengan Ketua Biskop Salzburg. 8. Terangkan dekad terakhir kehidupan dan kerja Mozart. Apakah karya utama yang dicipta oleh beliau dalam tempoh ini. Opera "The Marriage of Figaro" Tayangan perdana opera Mozart "The Marriage of Figaro" berlangsung di Vienna pada tahun 1786. Dua persembahan pertama dikendalikan oleh komposer sendiri di harpsichord. Kejayaan itu sangat besar, tetapi langkah itu diulangi untuk satu encore. Libretto (teks lisan) opera ini dalam empat lakonan ditulis dalam bahasa Itali oleh Lorenzo da Ponte berdasarkan komedi penulis Perancis Beaumarchais "Hari Gila, atau Perkahwinan Figaro". Pada tahun 1875 P. I. Tchaikovsky menterjemah libretto ini ke dalam bahasa Rusia, dan dalam terjemahannya opera dipersembahkan di negara kita. Mozart menggelar Le Nozze di Figaro sebagai buffa opera. Tetapi ia bukan sekadar komedi yang menghiburkan dengan situasi lucu. Watak-watak utama digambarkan oleh muzik sebagai watak manusia hidup yang pelbagai. Dan idea utama permainan Beaumarchais adalah dekat dengan Mozart. Kerana ia terdiri daripada fakta bahawa hamba Count Almaviva Figaro dan pengantin perempuannya, pembantu rumah Suzanne, ternyata lebih bijak dan lebih baik daripada tuan mereka yang bergelar, yang tipu dayanya mereka dedahkan dengan bijak. Count sendiri menyukai Suzanne, dan dia cuba menangguhkan perkahwinannya. Tetapi Figaro dan Suzanne dengan bijak mengatasi semua halangan yang timbul, menarik kepada pihak mereka isteri kiraan dan halaman muda Cherubino 33. Pada akhirnya mereka mengaturnya supaya pada waktu petang di taman kiraan menerima Kedua, gembar-gembur dengan sweepingness: Selepas Halaman adalah seorang budak lelaki atau seorang pemuda yang berasal dari bangsawan, sedang berkhidmat untuk orang yang mulia. Tema penghubung parti utama, parti yang diisi berbeza terutamanya, Mari kita ingatkan bahawa perkataan "overture" berasal dari kata kerja Perancis "ouvrir", yang bermaksud "untuk membuka", "untuk memulakan". 33 34 39 www.classON.ru berani Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia dengan petikan seperti skala, tema pertama bahagian sisi muncul, melodi yang dimainkan oleh biola. Tema ini mempunyai watak aneh secara berirama, sedikit berubah-ubah, tetapi berterusan: nombor vokal. Jadi, nombor solo pertama dalam bahagian Figaro (dia diamanahkan kepada bariton) - aria kecil (cavatina) - berbunyi sejurus selepas Susanna memaklumkan tunangnya bahawa kiraan itu mula mengejarnya. Dalam hal ini, Figaro secara mengejek menyenandungkan melodi dalam pergerakan minuet - tarian masyarakat tinggi yang gagah (bahagian ekstrem dalam bentuk balas dendam tiga bahagian cavatina): Tema kedua bahagian sekunder mengingatkan seruan tegas: Dan tema bahagian akhir adalah yang paling seimbang, seolah-olah menyelesaikan segala-galanya: Dalam ulangan, kedua dan akhir permainan diulang sudah terutamanya rema zhor. Mereka diiringi oleh coda, yang lebih menekankan watak ceria dan meriah dari overture itu. Dalam opera oleh Mozart ini, ensembel vokal menduduki tempat yang besar, terutamanya duet (untuk dua watak) dan tercet (untuk tiga watak). Mereka dipisahkan dengan recitatif yang diiringi oleh harpsichord. Dan aksi kedua, ketiga dan terakhir, keempat, berakhir dengan perlawanan akhir - ensembel besar dengan penyertaan enam hingga sebelas watak. Tindakan garam dimasukkan ke dalam pembangunan dinamik dengan cara yang berbeza. Dan di bahagian tengah cavatina, pergerakan yang terkawal digantikan dengan yang pantas, melodi tiga rentak yang elegan - dua rentak yang bertenaga. Di sini Figaro sudah dengan tegas menyatakan hasratnya dengan segala cara untuk menghalang "rancangan tuannya yang berbahaya: 40 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Nombor yang paling terkenal dalam parti Figaro ialah arianya" Frisky, berambut kerinting , budak cinta." Ia ditujukan kepada halaman muda Cherubino. Dia secara tidak sengaja mendengar bagaimana kiraan itu cuba mengisytiharkan cintanya kepada Suzanne, dan saksi yang tidak diingini itu diarahkan untuk pergi ke perkhidmatan tentera. Dalam arianya, Figaro dengan ceria dan jenaka mengejek keadaan, melukis gambar kehidupan tentera yang keras untuk seorang lelaki muda, dimanjakan oleh kehidupan mahkamah. Ini dicerminkan dalam muzik oleh gabungan mahir tarian gagah dengan gerakan gemuruh "seperti berperang". Ini adalah pantang bunyi tiga kali dalam bentuk rondo: Satu lagi ialah aria kecil seperti lagu "Darah panas menggembirakan hati". Ini adalah pengakuan perasaan lembut yang lebih terkawal, dengan malu-malu yang ditujukan kepada Countess sendiri: Suzanne (soprano) dicirikan dalam banyak kumpulan sebagai bertenaga, cekap dan bijak, tidak lebih rendah daripada Figaro dalam hal ini. Pada masa yang sama, imejnya dipuisi secara halus dalam aria mimpi ringan dari lakonan keempat. Di dalamnya, Suzanne secara mental menyampaikan rayuan lembut kepada Figaro: Bagi Cherubino sendiri (bahagiannya dilakukan oleh suara wanita rendah - mezzo-soprano), dia digambarkan dalam dua aria sebagai seorang pemuda yang bersemangat, masih tidak dapat memahami perasaannya sendiri , bersedia untuk jatuh cinta dengan setiap langkah. Salah seorang daripada mereka adalah aria yang gembira dan bergetar "Untuk memberitahu, saya tidak dapat menjelaskan". Kemerduan digabungkan dalam dirinya dengan irama, seolah-olah berdenyut sekejap-sekejap dengan keseronokan: 41 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Soalan dan tugas 1. Bila dan di mana tayangan perdana opera Mozart Le Nozze di Figaro berlangsung? 2. Untuk komedi apa librettonya ditulis? 3. Apakah idea utama karya ini? 4. Bagaimanakah perasmian kepada opera dianjurkan? 5. Beritahu kami tentang keistimewaan dua nombor solo dalam bahagian Figaro. 6. Undi manakah yang diamanahkan oleh parti Cherubino? Nyanyikan alunan arianya. 7. Bagaimanakah Suzanne dicirikan dalam ensemble dan bagaimana - dalam aria dari babak keempat? Variasi keempat (dengan membaling tangan kiri ke atas kanan), sebaliknya, adalah lebih berani menyapu. Variasi kelima, di mana tempo awal Andante grazioso yang tidak tergesa-gesa digantikan dengan yang sangat perlahan - Adagio, ialah aria instrumental yang merdu, berwarna dengan coloratura. Dan kemudian perubahan tempo kepada yang cepat (Allegro) sepadan dengan watak tarian ceria variasi terakhir, keenam. Pergerakan kedua sonata ialah Minuet. Seperti biasa, ia distrukturkan dalam bentuk ulangan tiga bahagian dengan pengulangan yang tepat dalam ulangan muzik pergerakan pertama. Di antara mereka ialah bahagian tengah (Trio) 35. Di semua bahagian Minuet, intonasi sapuan yang tegas dan angkuh secara maskulin disandingkan dengan intonasi feminin yang lembut dan mengalir, sama dengan seruan lirik yang ekspresif. Sonata dalam A Major untuk Clavier Sonata Mozart yang terkenal dalam A major, yang biasanya dipanggil "Turkish March Sonata", ialah kitaran yang dibina dengan luar biasa. Pergerakan pertama di sini bukanlah sonata allegro, tetapi enam variasi pada tema yang ringan dan tenang serta anggun. Ia kelihatan seperti lagu yang boleh dinyanyikan dalam suasana yang baik dan damai dalam kehidupan muzik Vienna. Iramanya yang bergoyang lembut menyerupai pergerakan Sicily - tarian atau lagu tarian Itali lama: Komposer memanggil pergerakan ketiga sonata (finale) "A11a Turca" - "Dalam genus Turki". Kemudian, nama "Turkish March" telah diberikan ke final ini. Tidak ada persamaan dengan struktur intonasi rakyat Turki dan muzik profesional, yang luar biasa bagi telinga Eropah. Tetapi pada abad ke-18 di Eropah, terutamanya muzik teater, muncul fesyen untuk perarakan, yang secara konvensional dipanggil "Turki". Mereka menggunakan timbre orkestra "Janissary", di mana alat tiup dan perkusi didominasi - gendang besar dan kecil, simbal, segitiga. Janissari dipanggil askar unit infantri tentera Turki. Muzik perarakan mereka dianggap oleh orang Eropah sebagai liar, bising, "biadab". Tiada kontras yang ketara antara variasi, tetapi semuanya mempunyai watak yang berbeza. Dalam variasi pertama, pergerakan melodi aneh yang anggun diguna pakai, dalam yang kedua, keceriaan anggun digabungkan dengan warna jenaka (yang patut diberi perhatian ialah nota anugerah "nakal" di bahagian kiri). Variasi ketiga - satu-satunya yang ditulis bukan dalam A major, tetapi dalam A minor - dipenuhi dengan figura merdu yang sedikit sedih bergerak sekata, seolah-olah dengan rasa malu yang lembut: Di penghujung Trio terdapat sebutan "Minuetto da capo". Bahasa Itali - "dari kepala", "dari awal." 35 "Da capo" diterjemahkan daripada 42 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Perlawanan akhir ditulis dalam bentuk yang luar biasa. Ia boleh ditakrifkan sebagai tiga bahagian dengan korus (dalam A major). Korus yang diulang memberikan watak rondo pada akhir. Pergerakan pertama - dengan motif "berputar" ringan (dalam A minor) - dan pergerakan tengah - dengan pergerakan petikan yang merdu (F-sharp minor) - secara semula jadi menggabungkan tarian anggun dengan langkah kawad yang jelas: Untuk masa yang lama, ia adalah percaya bahawa Mozart mengarang sonata dalam A major pada musim panas 1778 tahun di Paris. Tetapi kemudian mereka menemui maklumat bahawa ini berlaku beberapa tahun kemudian, di Vienna. Maklumat sedemikian adalah lebih masuk akal kerana di sana, pada tahun 1782, tayangan perdana singspiel Mozart "The Abduction from the Seraglio" berlangsung. Di dalamnya, aksi itu berlaku di Turki, dan dalam muzik overture, dan dalam dua koir perarakan, tiruan muzik "Janissary" adalah ketara. Selain itu, ia adalah bising; Memalsukan kod "Janissary" dalam A major, Mozart menambah Senat ke peringkat akhir hanya pada tahun 1784 apabila karya itu diterbitkan. Perlu diperhatikan juga bahawa dalam sonata, seperti dalam The Abduction from the Seraglio, peranan yang besar dimiliki oleh genre lagu dan perarakan. Dalam semua ini, sambungan muzik instrumental dengan muzik teater, sangat ciri Mozart, telah dimanifestasikan. Soalan dan tugasan 1. Apakah keistimewaan kitaran dalam sonata Mozart dalam A major? Beritahu kami tentang sifat tema dan enam variasi padanya di bahagian pertama bahagian ini. 2. Apakah genre tarian yang digunakan dalam pergerakan kedua sonata? 3. Terangkan mengapa kesudahan sonata dalam A major dipanggil Turkish March. Apakah keistimewaan pembinaannya? Nyanyi tema utamanya. 4. Apakah karya muzik dan teater Mozart yang bergema dengan muzik "Turkish March" beliau? Simfoni dalam G minor Ditulis di Vienna pada tahun 1788, simfoni dalam G minor! (No. 40) adalah salah satu karya yang paling diilhamkan oleh komposer hebat. Pergerakan pertama simfoni ialah sonata allegro pada kadar yang sangat pantas. Ia bermula dengan tema bahagian utama, yang segera memikat hati sebagai pengakuan lirik yang sulit dan ikhlas. Ia dinyanyikan oleh biola dengan iringan bergoyang lembut daripada alat muzik bertali yang lain. Melodinya mengiktiraf irama gelisah yang sama seperti pada permulaan aria pertama Cherubino daripada The Marriage of Figaro (lihat contoh 37). Tetapi kini ia lebih "dewasa", lirik yang serius dan berani: Korus (dalam A major) berbunyi tiga kali, ia seperti sejenis "korus bising janissary", di bahagian tangan kiri anda boleh mendengar tiruan gelek gendang: Dalam hal ini, "Perarakan Turki" kadangkala dipanggil "Rondo dalam gaya Turki" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia Satu perkembangan kecil). Tetapi tidak ada kontras di dalamnya, semuanya mematuhi mood terang umum, yang dari awal lagi ditentukan di bahagian utama, yang berbunyi pada instrumen rentetan: Kejantanan watak dipertingkatkan di bahagian penghubung, di mana bahagian utama berkembang. Modulasi berlaku selari dengan G minor dalam B flat major - kunci bahagian sisi. Temanya lebih ringan, lebih anggun dan feminin berbanding dengan tema utama. Ia diwarnai oleh intonasi kromatik, serta selang seli timbre rentetan dan alat tiupan kayu: Dalam ukuran ketujuh, angka dua not tiga puluh saat yang mudah "berkibar" muncul di sini. Pada masa hadapan, ia sama ada menembusi ke dalam baris melodi semua tema, atau seolah-olah melilit mereka, muncul dalam daftar yang berbeza untuk instrumen yang berbeza. Ini adalah, seolah-olah, gema suara-suara yang bersifat damai. Hanya pada masa-masa sedikit terganggu, mereka kedengaran kini dekat, kini di kejauhan. Mengikut tradisi yang telah ditetapkan, pergerakan ketiga simfoni ialah Minuet. Tetapi di dalamnya hanya bahagian tengah yang jelas tradisional - Trio. Dengan pergerakan lancar, kemerduan suara dan tonaliti G major, Trio memulakan bahagian utama G minor, ekstrem Minuet ini, yang secara amnya luar biasa dari segi lirik dan ketegangan dramatik. Nampaknya selepas renungan tenang alam semula jadi, yang terkandung dalam Andante, kini saya terpaksa kembali ke dunia kebimbangan mental dan kebimbangan yang berlaku dalam gerakan pertama simfoni. Ini sepadan dengan pemulangan kunci utama simfoni - G minor: Letupan tenaga baharu berlaku di bahagian akhir. Di sini peranan utama adalah pembangunan berulang dan berterusan motif pertama - tiga bunyi - tema parti utama. Dengan permulaan perkembangan yang benar-benar aneh, awan nampaknya berkumpul dengan membimbangkan. Dari major B-flat yang ringan, belokan tajam dibuat ke dalam kekunci jauh yang suram bagi minor F-sharp. Tema kumpulan utama berkembang secara dramatik dalam pembangunan. Ia melalui beberapa nada, terbahagi kepada frasa dan motif yang berasingan, dan ia sering ditiru dalam suara orkestra yang berbeza. Motif pertama tema ini berdenyut dengan sangat kuat. Tetapi akhirnya, denyutannya menjadi lemah, menahan gegarannya, dan serangan semula berlaku. Walau bagaimanapun, kesan keamatan dramatik tinggi yang dicapai dalam pembangunan ditunjukkan dalam bahagian bahagian pertama ini. Di sini panjang bahagian penyambung meningkat dengan ketara, ia membawa kepada persembahan bahagian sisi dan akhir tidak lagi dalam major, tetapi dalam kunci utama G minor, yang menjadikan bunyinya lebih dramatik. Pergerakan kedua simfoni ialah Andante dalam E flat major. Ia berbeza dengan pergerakan lirik-dramatik pertama dengan ketenangan yang lembut dan lembut. Bentuk Andante juga adalah sonata (dengan G minor menjadi kunci utama dan pergerakan keempat simfoni - akhir berjalan pada tempo yang sangat pantas. Akhir ditulis dalam bentuk sonata. Tema bahagian utama mendahului bahagian ini daripada simfoni. tema instrumental Mozart yang paling terang. Tetapi jika tema di bahagian pertama kedengaran seperti pengakuan lirik yang lembut dan bergetar, maka tema akhir ialah tarikan lirik-dramatik yang penuh semangat, penuh keberanian dan kami akan memutuskan 44 pembangunan www.classON.ru. 3. Apakah watak muzik dalam gerakan kedua dan ketiga simfoni? 4. Apakah tema utama dalam kesudahan simfoni? Bagaimanakah wataknya berbeza dengan watak tema bahagian utama pergerakan pertama? 5. Bagaimanakah tema permainan utama perlawanan akhir distrukturkan? Apakah pembangunan dalam pembangunan berdasarkan? Karya-karya utama Daya tarikan yang berapi-api ini dicipta oleh melodi melodi yang meningkat sebagai tindak balas kepada bunyi kord; figura melodi yang bertenaga mengelilingi satu bunyi seolah-olah bertindak balas kepada impulsnya. Seperti dalam gerakan pertama simfoni, tema anggun bahagian kedua akhir kedengaran sangat terang dalam pameran apabila ia dipersembahkan dalam major B-flat: 19 opera Requiem Kira-kira 50 simfoni 27 konserto untuk clavier dan orkestra 5 konserto untuk biola dan orkestra Konsert dengan iringan orkestra untuk seruling, klarinet, bassoon, tanduk Perancis, seruling dengan kecapi Kuartet tali (lebih daripada 20) dan kuintet Sonatas untuk clavier, untuk biola dan clavier Variasi, fantasi, rondo, minuet untuk clavier Bahagian akhir ialah berdasarkan unsur kedua tema bahagian utama. Dalam pembangunan akhir, unsur invokatif pertama tema permainan utama berkembang terutamanya secara intensif. Ketegangan dramatik yang tinggi dicapai dengan kepekatan kaedah pembangunan harmonik dan polifonik - menjalankan dalam banyak kekunci dan panggilan tiruan. Dalam ulangan, prestasi bahagian sekunder dalam kunci utama G minor sedikit dibayangi oleh kesedihan. Dan elemen kedua tema bahagian utama (angka afirmatif, bertenaga), seperti dalam eksposisi, berbunyi berdasarkan bahagian akhir dalam ulangan. Hasilnya, kesudahan dalam ciptaan Matsart yang cemerlang ini membentuk lirik yang jelas dan kemuncak dramatik keseluruhan kitaran sonata-simfoni, yang tidak pernah berlaku sebelum ini dalam tujuan pembangunan imej melalui. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Komposer hebat Jerman Ludwig van Beethoven ialah anak bongsu daripada tiga pemuzik cemerlang yang dipanggil klasik Vienna. Beethoven kebetulan telah hidup dan mencipta pada permulaan abad ke-17 dan ke-19, dalam era perubahan dan pergolakan sosial yang hebat. Masa mudanya bertepatan dengan masa, Soalan dan Tugasan 1. Bila dan di mana Mozart mencipta Symphony dalam G minor No. 40? 45 www.classON.ru Pendidikan kanak-kanak dalam bidang seni Rusia

DARIPADA KONTRAKTOR
Buku ini adalah buku teks mengenai kesusasteraan muzik zaman sejarah yang bermula pada dekad terakhir abad ke-19. Buku teks sedemikian muncul buat kali pertama: keluaran kelima berakhir, seperti yang anda ketahui, dengan karya K. Debussy dan M. Ravel.
Buku ini termasuk ciri-ciri pelbagai sekolah muzik kebangsaan, yang menentukan struktur keseluruhannya. Bahagian pertama memberikan penerangan tentang proses umum yang telah dilaksanakan dengan cara mereka sendiri dalam seni muzik negara yang berbeza dan dalam karya komposer individu yang berbeza. Setiap bahagian berikutnya terdiri daripada gambaran keseluruhan budaya muzik negara tertentu, serta bahagian monografi yang didedikasikan untuk karya komposer paling penting sekolah ini. Hanya bahagian yang dikhaskan untuk kerja I. Stravinsky berbeza dalam strukturnya: tidak ada tinjauan pengenalan di dalamnya. Dan ini boleh difahami: selepas semua, menghabiskan sebahagian besar hidupnya di luar Rusia kerana keadaan istimewa, Stravinsky kekal sebagai tuan Rusia dan tidak tergolong dalam mana-mana sekolah asing. Pengaruh tegas prinsip kreatifnya pada hampir semua pemuzik terkemuka abad kita tidak membenarkan Stravinsky dikeluarkan dari gambaran umum perkembangan seni muzik pada abad ke-20. Kemasukan bab monografi ini dalam buku teks mengenai kesusasteraan muzik asing juga disebabkan oleh keistimewaan kurikulum di sekolah: pada masa mempelajari muzik asing pada abad ke-20, pelajar sama sekali tidak mengenali sama ada keperibadian atau muzik I. Stravinsky. Mereka akan beralih ke halaman seni muzik ini hanya pada akhir tahun keempat, di mana hanya tempoh pertama, karya komposer Rusia yang dipertimbangkan.

Perhatian penyusun dan pengarang buku teks tertumpu pada kedua-dua menunjukkan proses muzik dan sejarah umum tempoh yang sedang dipertimbangkan, dan pada analisis karya paling cemerlang yang telah menjadi klasik abad kita. Memandangkan kerumitan luar biasa peristiwa seni muzik abad ke-20, ketidakkonsistenan, persimpangan, dan perubahan pesatnya, bab ulasan menduduki tempat yang jauh lebih besar dalam buku ini berbanding terbitan sebelumnya. Walau bagaimanapun, selaras dengan prinsip metodologi subjek, penyusun cuba menyimpan di tengah-tengah perhatian analisis karya muzik, yang dalam kes ini direka untuk mendedahkan kepelbagaian kaedah kreatif, cara berfikir, penyelesaian gaya yang berbeza dan kepelbagaian teknik mengarang para sarjana abad kita.

Memandangkan fakta bahawa buku itu menyediakan panorama seni muzik yang luas, analisis dalam banyak kes adalah sangat rumit (yang sebahagian besarnya ditentukan oleh bahan itu sendiri), penyusun menganggap mungkin untuk menangani buku teks ini kepada pelajar bukan sahaja berprestasi. , tetapi juga jabatan teori sekolah muzik. Kandungan buku membolehkan pendekatan terpilih untuknya dalam proses pendidikan; kedalaman dan perincian kajian bab ditentukan oleh guru sendiri, bergantung pada tahap kesediaan pelajar, peralatan bahan proses pendidikan dengan nota dan rakaman muzik dan bilangan jam yang diperuntukkan oleh kurikulum untuk bahagian ini kursus.
Sekumpulan besar pengarang telah mengusahakan buku ini. Oleh itu - cara yang berbeza untuk menyampaikan bahan tidak dapat dielakkan; pada masa yang sama, dalam pendekatannya, penyusun berusaha untuk mengekalkan prinsip metodologi yang seragam.

KANDUNGAN
Daripada penyusun
Cara pembangunan seni muzik asing abad XX.
Budaya muzik Austria
GUSTAV MALER
Kreativiti vokal. "Lagu-lagu Perantis Kelana"
Kreativiti simfoni. Simfoni pertama
ARNOLD SCHENBERG
Jalan hidup dan kreatif
"Penyelamat Warsaw"
ALBAN BERG
Jalan hidup dan kreatif
Drama muzikal "Wozzeck"
Konsert untuk biola dan orkestra
ANTON WEBERN.
Jalan hidup dan kreatif
Budaya muzik di Jerman
RICHARD STRAUSS
Jalan hidup dan kreatif
Kreativiti simfoni. Puisi simfoni "Don Juan" dan "Till Ulenspiegel"
PAUL HINDEMIT
Jalan hidup dan kreatif
Kreativiti simfoni. Simfoni "Artist Mathis".
CARL ORF
Jalan hidup dan kreatif
Genre utama karya Karl Orff dan ciri-cirinya.
Opera "Gadis Cerdik"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Jalan hidup dan kreatif
"Symphony of Psalms"
Opera "Oedipus the King"
Budaya muzik Perancis.
ARTHUR ONEGGER
Jalan hidup dan kreatif
Kreativiti teater dan pidato. Oratorio "Jeanne d" Arc di pancang "
Kreativiti simfoni. Simfoni Ketiga ("Liturgi")
DARIUS MILLO
Jalan hidup dan kreatif
Vokal dan instrumental, kreativiti. "Istana api"
FRANCIS PULENCK
Jalan hidup dan kreatif
Opera "Suara Manusia"
Budaya muzik Sepanyol
MANUEL DE FALLA
Jalan hidup dan kreatif
Balet "Cintailah Penyihir"
Opera "Hidup Singkat"

(anggaran: 3 , purata: 3,67 daripada 5)

Tajuk: Kesusasteraan muzik negara luar

Mengenai buku "Sastera muzik negara asing" I. A. Prokhorov

Buku teks bertajuk "Kesusasteraan Muzik Negara Asing", yang disusun oleh I. Prokhorova, bertujuan untuk kajian bebas. Ini menerangkan ringkasan dan kebolehcapaian pembentangan bahan.

Buku "Kesusasteraan Muzik Negara Asing" akan membiasakan pelajar dengan biografi pendek dan karya terbaik komposer terkenal. Kanak-kanak akan dapat belajar tentang kehidupan dan kerja jenius seperti I.S. Bach, J. Haydn, V.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert dan F. Chopin. I. Prokhorova tidak menerangkan secara terperinci kisah komposer berbakat, dalam buku teks anda akan menemui tarikh utama kehidupan, asal usul, tajuk dan tajuk, bidang aktiviti, keadaan yang mempengaruhi pilihan profesion. Buku ini akan menceritakan tentang peringkat utama kehidupan dan kerja pemuzik, pandangan sosio-politik mereka.

Penerbitan "Kesusasteraan Muzik Negara Asing" ditujukan untuk pelajar sekolah muzik, bagaimanapun, semua orang yang tidak peduli dengan karya klasik akan menemui sesuatu yang menarik dalam buku ini. Teks I. Prokhorov telah diperkaya dengan penjelasan beberapa konsep muzik dan muzik tambahan, yang menjadikannya kurang akademik. Bahagian yang menggambarkan kehidupan pemuzik dibentangkan dalam konteks kehidupan sejarah dan budaya negara-negara Eropah pada zaman itu. Ini memberi peluang kepada pelajar untuk mendapatkan pemahaman yang lebih mendalam dan lebih luas tentang keadaan di mana komposer legenda hidup dan bekerja.

Memandangkan buku "Kesusasteraan Muzik Negara Asing" bertujuan untuk bacaan rumah, semua karya simfoni yang terdapat di dalamnya ditawarkan dalam susunan empat tangan. Perlu diingat bahawa cerita tentang kerja Bach, yang, menurut program itu, dipelajari pada akhir tahun, disiarkan pada awalnya. Penulis mengambil langkah sedemikian demi menjaga kronologi pembentangan.

Pengarang buku ini yakin bahawa penggunaan buku teks secara berkala akan membangkitkan minat pelajar untuk berkenalan secara bebas dengan kesusasteraan muzik popular dan saintifik. Di samping itu, kanak-kanak akan dapat mengembangkan dan mengukuhkan kemahiran membaca penglihatan mereka, serta membiasakan diri melakukan persembahan dalam empat tangan.
Mempelajari karya terkenal sendiri akan membolehkan anda melaksanakannya semasa pelajaran, dengan kehadiran kanak-kanak lain, yang akan menjadikan pelajaran kumpulan lebih aktif dan meningkatkan persepsi muzik klasik dengan ketara.

Di laman web kami tentang buku lifeinbooks.net anda boleh memuat turun secara percuma tanpa pendaftaran atau membaca buku dalam talian "Kesusasteraan Muzik Negara Asing" oleh I. A. Prokhorov dalam format epub, fb2, txt, rtf, pdf untuk iPad, iPhone, Android dan Kindle. Buku ini akan memberi anda banyak detik yang menyenangkan dan keseronokan sebenar daripada membaca. Anda boleh membeli versi penuh daripada rakan kongsi kami. Juga, di sini anda akan menemui berita terkini dari dunia sastera, mengetahui biografi pengarang kegemaran anda. Untuk penulis pemula, terdapat bahagian yang berasingan dengan petua dan nasihat berguna, artikel menarik, yang mana anda sendiri boleh mencuba kemahiran sastera.