ஜப்பானிய ஓவியம். தற்கால ஜப்பானிய ஓவியம்

ஜப்பானில் மோனோக்ரோம் ஓவியம் ஓரியண்டல் கலையின் தனித்துவமான நிகழ்வுகளில் ஒன்றாகும். பல படைப்புகள் மற்றும் ஆய்வுகள் அதற்காக அர்ப்பணிக்கப்பட்டுள்ளன, ஆனால் இது பெரும்பாலும் மிகவும் நிபந்தனைக்குரிய விஷயமாகவும், சில நேரங்களில் அலங்காரமாகவும் கருதப்படுகிறது. இது அவ்வாறு இல்லை. ஜப்பானிய கலைஞரின் ஆன்மீக உலகம் மிகவும் பணக்காரமானது, மேலும் அவர் ஆன்மீகத்தைப் பற்றி அழகியல் கூறுகளைப் பற்றி அதிகம் கவலைப்படுவதில்லை. கிழக்கின் கலை என்பது வெளிப்புற மற்றும் உள், வெளிப்படையான மற்றும் மறைமுகமான தொகுப்பாகும்.

இந்த இடுகையில் நான் ஒரே வண்ணமுடைய ஓவியத்தின் வரலாற்றில் அல்ல, அதன் சாராம்சத்தில் கவனம் செலுத்த விரும்புகிறேன். இது குறித்து விவாதிக்கப்படும்.

திரை "பைன்ஸ்" ஹசெகாவா தோஹாகு, 1593

மோனோக்ரோம் ஓவியங்களில் நாம் காண்பது பைன் முக்கோணத்துடன் கலைஞரின் தொடர்புகளின் விளைவாகும்: காகிதம், தூரிகை, மை. எனவே, படைப்பை சரியாகப் புரிந்து கொள்ள, கலைஞரையும் அவரின் அணுகுமுறையையும் ஒருவர் புரிந்து கொள்ள வேண்டும்.

"லேண்ட்ஸ்கேப்" சேசு, 1398.

காகிதம் ஒரு ஜப்பானிய எஜமானரைப் பொறுத்தவரை, அவர் தனது விருப்பத்திற்கு அடிபணிய வைக்கும் ஒரு மேம்பட்ட பொருள் மட்டுமல்ல, மாறாக அதற்கு நேர்மாறானது - அது ஒரு “சகோதரர்”, எனவே அவளுக்கு எதிரான அணுகுமுறை அதற்கேற்ப வளர்ந்துள்ளது. காகிதம் சுற்றியுள்ள இயற்கையின் ஒரு பகுதியாகும், இது ஜப்பானியர்கள் எப்போதுமே நடுக்கம் கொண்டவர்களாகவும், தங்களைத் தாங்களே அடிபணியச் செய்யாமல், சமாதானமாக அதனுடன் இணைந்து வாழவும் முயன்றனர். காகிதம் என்பது கடந்த காலத்தில் ஒரு குறிப்பிட்ட பகுதியில் ஒரு குறிப்பிட்ட காலத்திற்கு நின்று, அதைச் சுற்றி எதையாவது "பார்த்தது", இது இதையெல்லாம் சேமிக்கிறது. ஒரு ஜப்பானிய கலைஞர் இப்படித்தான் உணருகிறார். பெரும்பாலும், எஜமானர்கள், வேலையைத் தொடங்குவதற்கு முன்பு, ஒரு வெற்றுத் தாளை நீண்ட நேரம் பார்த்தார்கள் (அதைப் பற்றி சிந்தித்துப் பார்த்தார்கள்), அப்போதுதான் ஓவியம் தீட்டத் தொடங்கினர். இன்றும், நிஹான்-கா (பாரம்பரிய ஜப்பானிய ஓவியம்) நுட்பத்தை கடைபிடிக்கும் சமகால ஜப்பானிய கலைஞர்கள் காகிதத்தை கவனமாக தேர்வு செய்கிறார்கள். காகித ஆலைகளிலிருந்து ஆர்டர் செய்ய அவர்கள் அதை வாங்குகிறார்கள். ஒரு குறிப்பிட்ட தடிமன், ஈரப்பதம் ஊடுருவக்கூடிய தன்மை மற்றும் அமைப்பு கொண்ட ஒவ்வொரு கலைஞருக்கும் (பல கலைஞர்கள் இந்த காகிதத்தை மற்ற கலைஞர்களுக்கு விற்க வேண்டாம் என்று தொழிற்சாலை உரிமையாளருடன் ஒரு ஒப்பந்தத்தை முடிக்கிறார்கள்) - எனவே, ஒவ்வொரு ஓவியமும் தனித்துவமான மற்றும் உயிருள்ள ஒன்றாக கருதப்படுகிறது.

"மூங்கில் தோப்பில் படித்தல்" சியூபன், 1446.

இந்த பொருளின் முக்கியத்துவத்தைப் பற்றி பேசுகையில், ஜப்பானிய இலக்கியத்தின் புகழ்பெற்ற நினைவுச்சின்னங்களை சீ ஷோனகனின் "குறிப்புகள் அட் ஹெட் போர்டு" மற்றும் முரசாகி ஷிகிபு எழுதிய "சென்ஜி மோனோகோட்டரி" போன்றவற்றைக் குறிப்பிடுவது மதிப்பு: "குறிப்புகள்" மற்றும் "சென்ஜி" இரண்டிலும் நீங்கள் கோர்ட்டுகள் அல்லது காதலர்கள் செய்திகளைப் பரிமாறும்போது கதைகளைக் காணலாம். ... இந்த செய்திகள் எழுதப்பட்ட தாள் பொருத்தமான பருவம், நிழல் மற்றும் உரையை எழுதும் முறை ஆகியவை அதன் அமைப்புக்கு ஒத்திருந்தன.

கியோசென் எழுதிய "முரசாக்கி ஷிகிபு அட் இஷியாமா ஆலயம்"

தூரிகை - இரண்டாவது கூறு எஜமானரின் கையின் தொடர்ச்சியாகும் (மீண்டும், இது ஒரு இயற்கை பொருள்). எனவே, தூரிகைகள் ஆர்டர் செய்யும்படி செய்யப்பட்டன, ஆனால் பெரும்பாலும் கலைஞரால் தான். அவர் தேவையான நீளத்தின் முடிகளை எடுத்தார், தூரிகையின் அளவு மற்றும் மிகவும் வசதியான பிடியைத் தேர்ந்தெடுத்தார். மாஸ்டர் தனது சொந்த தூரிகை மூலம் மட்டுமே எழுதுகிறார், வேறு இல்லை. (தனிப்பட்ட அனுபவத்திலிருந்து: நான் சீன கலைஞரான ஜியாங் ஷிலூனின் மாஸ்டர் வகுப்பில் இருந்தேன், மாஸ்டர் வகுப்பில் இருந்த அவரது மாணவர்கள் என்ன செய்ய முடியும் என்பதைக் காட்ட பார்வையாளர்களிடம் கேட்கப்பட்டது, மேலும் அவர்கள் ஒவ்வொருவரும், எஜமானரின் தூரிகையை எடுத்துக்கொண்டு, அவர்கள் எதிர்பார்த்ததைச் செயல்படுத்த மாட்டார்கள் என்று கூறினார் , தூரிகை அவர்களுடையது அல்ல என்பதால், அவர்கள் அதற்குப் பழக்கமில்லை, அதை எவ்வாறு சரியாகப் பயன்படுத்துவது என்று தெரியவில்லை).

கட்சுஷிகா ஹொகுசாய் எழுதிய "புஜி" மை ஸ்கெட்ச்

மஸ்காரா மூன்றாவது முக்கியமான உறுப்பு. கண் இமை மயிர்களுக்கு ஊட்டப்படும் ஒரு வகை சாய கலவை வெவ்வேறு வகைகளாக இருக்கலாம்: உலர்த்திய பின், அது ஒரு பளபளப்பான அல்லது மேட் விளைவைக் கொடுக்கலாம், இது வெள்ளி அல்லது ஓச்சர் நிழல்களுடன் கலக்கப்படலாம், எனவே மஸ்காராவின் சரியான தேர்வும் முக்கியமல்ல.

யமமோட்டோ பேட்சு, 18 - 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதி.

ஒரே வண்ணமுடைய ஓவியத்தின் முக்கிய பாடங்கள் இயற்கைக்காட்சிகள். அவற்றில் ஏன் நிறம் இல்லை?

இரட்டை திரை "பைன்ஸ்", ஹசெகாவா தோஹாகு

முதலாவதாக, ஜப்பானிய கலைஞருக்கு அந்த பொருளின் மீது அக்கறை இல்லை, ஆனால் அதன் சாராம்சத்தில், ஒரு குறிப்பிட்ட கூறு அனைத்து உயிரினங்களுக்கும் பொதுவானது மற்றும் மனிதனுக்கும் இயற்கையுக்கும் இடையிலான நல்லிணக்கத்திற்கு வழிவகுக்கிறது. எனவே, படம் எப்போதுமே ஒரு குறிப்பாகும், அது நம் புலன்களுக்கு உரையாற்றப்படுகிறது, பார்வைக்கு அல்ல. புரிந்துகொள்ளுதல் என்பது உரையாடலுக்கான தூண்டுதலாகும், அதாவது இணைப்பு. கோடுகள் மற்றும் புள்ளிகள் படத்தில் முக்கியம் - அவை கலை மொழியை உருவாக்குகின்றன. இது எஜமானரின் சுதந்திரம் அல்ல, அவர் விரும்பிய இடத்தில் ஒரு கொழுப்பு வழியை விட்டுவிட்டார், ஆனால் வேறொரு இடத்தில், மாறாக, அதை வரைவதில்லை - படத்தில் உள்ள ஒவ்வொன்றிற்கும் அதன் சொந்த அர்த்தமும் முக்கியத்துவமும் உள்ளது, மேலும் ஒரு சீரற்ற தன்மையைத் தாங்கவில்லை.

இரண்டாவதாக, வண்ணம் எப்போதுமே ஒருவித உணர்ச்சி வண்ணத்தை கொண்டுள்ளது மற்றும் வெவ்வேறு மாநிலங்களில் உள்ள வெவ்வேறு நபர்களால் வித்தியாசமாக உணரப்படுகிறது, ஆகையால், உணர்ச்சி நடுநிலைமை பார்வையாளரை ஒரு உரையாடலில் மிகவும் போதுமான அளவில் நுழைய அனுமதிக்கிறது, அவரை கருத்து, சிந்தனை, சிந்தனைக்கு நிலைநிறுத்துகிறது.

மூன்றாவதாக, இது யின் மற்றும் யாங்கின் தொடர்பு, எந்த மோனோக்ரோம் ஓவியமும் மை மற்றும் அதன் தீண்டப்படாத காகிதத்தின் விகிதத்தின் அடிப்படையில் இணக்கமானது.

பெரும்பாலான காகித இடம் ஏன் பயன்படுத்தப்படவில்லை?

"லேண்ட்ஸ்கேப்" சியுபன், 15 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி.

முதலில், வெற்று இடம் பார்வையாளரை படத்தில் மூழ்கடிக்கும்; இரண்டாவதாக, படம் ஒரு கணம் அது மேற்பரப்பில் மிதந்து மறைந்து போகும் போல உருவாக்கப்படுகிறது - இது உலகக் கண்ணோட்டம் மற்றும் உலகக் கண்ணோட்டத்தின் காரணமாகும்; மூன்றாவதாக, மை இல்லாத பகுதிகளில், காகிதத்தின் அமைப்பும் நிழலும் முன்னுக்கு வருகின்றன (இது எப்போதும் இனப்பெருக்கம் செய்வதில் தெரியாது, ஆனால் உண்மையில் இது எப்போதும் இரண்டு பொருட்களின் தொடர்பு - காகிதம் மற்றும் மை).

சேசு, 1446

ஏன் இயற்கை?

ஜியாமி எழுதிய "நீர்வீழ்ச்சியின் சிந்தனை", 1478

ஜப்பானிய உலகக் கண்ணோட்டத்தின்படி, இயற்கையானது மனிதனை விட பரிபூரணமானது, எனவே அவன் அவளிடமிருந்து கற்றுக் கொள்ள வேண்டும், அதை எல்லா வகையிலும் கவனித்துக் கொள்ள வேண்டும், அழிக்கவோ அடிபணியவோ கூடாது. ஆகையால், பல நிலப்பரப்புகளில் நீங்கள் மக்களின் சிறிய உருவங்களைக் காணலாம், ஆனால் அவை எப்போதும் முக்கியமற்றவை, நிலப்பரப்புடன் சிறியவை, அல்லது சுற்றியுள்ள இடத்தில் பொறிக்கப்பட்டிருக்கும் குடிசைகளின் படங்கள் மற்றும் அவை எப்போதும் காணப்படாதவை - இவை அனைத்தும் உலகக் கண்ணோட்டத்தின் அடையாளங்கள்.

"பருவங்கள்: இலையுதிர் காலம் மற்றும் குளிர்காலம்" சேசு. "லேண்ட்ஸ்கேப்" சேசு, 1481

முடிவில், மோனோக்ரோம் ஜப்பானிய ஓவியம் குழப்பமான மை தெளிக்கப்படவில்லை, இது கலைஞரின் உள் ஈகோவின் விருப்பம் அல்ல - இது படங்கள் மற்றும் சின்னங்களின் முழு அமைப்பாகும், இது தத்துவ சிந்தனையின் களஞ்சியமாகும், மிக முக்கியமாக, தங்களையும் நம்மைச் சுற்றியுள்ள உலகையும் தொடர்பு கொள்ளவும் ஒத்திசைக்கவும் ஒரு வழி.

ஒரே வண்ணமுடைய ஜப்பானிய ஓவியத்தை எதிர்கொள்ளும் போது பார்வையாளருக்கு எழும் முக்கிய கேள்விகளுக்கான பதில்கள் இங்கே என்று நான் நினைக்கிறேன். அதை மிகச் சரியாகப் புரிந்துகொள்ளவும், நீங்கள் சந்திக்கும் போது அதை உணரவும் அவை உங்களுக்கு உதவும் என்று நம்புகிறேன்.

ஜப்பானிய கிளாசிக்கல் ஓவியம் நீண்ட மற்றும் சுவாரஸ்யமான வரலாற்றைக் கொண்டுள்ளது. ஜப்பானிய நுண்கலைகள் வெவ்வேறு பாணிகளிலும் வகைகளிலும் குறிப்பிடப்படுகின்றன, அவை ஒவ்வொன்றும் அதன் சொந்த வழியில் தனித்துவமானது. வெண்கல டோட்டாகு மணிகள் மற்றும் மட்பாண்டத் துண்டுகளில் காணப்படும் பண்டைய வர்ணம் பூசப்பட்ட சிலைகள் மற்றும் வடிவியல் கருவிகள் கி.பி 300 க்கு முந்தையவை.

ப art த்த கலை நோக்குநிலை

ஜப்பானில், சுவர் ஓவியம் கலை நன்கு வளர்ந்தது; 6 ஆம் நூற்றாண்டில், ப Buddhism த்தத்தின் தத்துவத்தின் கருப்பொருளில் உள்ள படங்கள் குறிப்பாக பிரபலமாக இருந்தன. அந்த நேரத்தில், நாட்டில் பெரிய கோயில்கள் கட்டப்பட்டு வந்தன, அவற்றின் சுவர்கள் எல்லா இடங்களிலும் ப Buddhist த்த புராணங்கள் மற்றும் புராணங்களின் அடிப்படையில் வரையப்பட்ட ஓவியங்களால் அலங்கரிக்கப்பட்டன. ஜப்பானிய நகரமான நாராவுக்கு அருகிலுள்ள ஹோரியுஜி கோவிலில் சுவர் ஓவியம் வரைவதற்கு இன்னும் பழமையான எடுத்துக்காட்டுகள் உள்ளன. ஹோரியுஜியின் ஓவியங்கள் புத்தர் மற்றும் பிற கடவுள்களின் வாழ்க்கையின் காட்சிகளை சித்தரிக்கின்றன. இந்த சுவரோவியங்களின் கலை பாணி பாடல் வம்சத்தின் போது சீனாவில் பிரபலமான சித்திரக் கருத்துக்கு மிக நெருக்கமாக உள்ளது.

டாங் வம்சத்தின் ஓவிய நடை நாரா காலத்தின் நடுப்பகுதியில் குறிப்பிட்ட புகழ் பெற்றது. தகாமட்சுசுகாவின் கல்லறையில் காணப்படும் ஓவியங்கள் இந்த காலகட்டத்தில் இருந்து கி.பி 7 ஆம் நூற்றாண்டைச் சேர்ந்தவை. டாங் வம்சத்தின் செல்வாக்கின் கீழ் உருவாக்கப்பட்ட கலை நுட்பம், பின்னர் காரா-இவின் ஓவிய வகையின் அடிப்படையை உருவாக்கியது. யமடோ-இ பாணியில் முதல் படைப்புகள் தோன்றும் வரை இந்த வகை பிரபலமாக இருந்தது. பெரும்பாலான ஓவியங்கள் மற்றும் ஓவியம் தலைசிறந்த படைப்புகள் அறியப்படாத எழுத்தாளர்களின் தூரிகைக்கு சொந்தமானவை, இன்று அந்தக் காலத்தின் பல படைப்புகள் செசோயின் கருவூலத்தில் வைக்கப்பட்டுள்ளன.

டெண்டாய் போன்ற புதிய ப schools த்த பள்ளிகளின் வளர்ந்து வரும் செல்வாக்கு 8 மற்றும் 9 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் ஜப்பானிய காட்சி கலைகளின் பரந்த மத நோக்குநிலையை பாதித்தது. ஜப்பானிய ப Buddhism த்த மதத்தில் ஒரு சிறப்பு முன்னேற்றத்தைக் கண்ட 10 ஆம் நூற்றாண்டில், ரெய்கோட்ஸு வகை, "வரவேற்பு ஓவியங்கள்" தோன்றியது, இது மேற்கு சொர்க்கத்தில் புத்தரின் வருகையை சித்தரிக்கிறது. கியோட்டோ ப்ரிபெக்சர், உஜி நகரில் பாதுகாக்கப்பட்டுள்ள பெடோ-இன் கோவிலில் 1053 ஆம் ஆண்டிலிருந்து ரெய்கோட்ஸுவின் ஆரம்ப எடுத்துக்காட்டுகளைக் காணலாம்.

நடைகளை மாற்றுதல்

ஹியான் காலத்தின் நடுப்பகுதியில், சீன பாணியான காரா-இ யமடோ-இ வகையால் மாற்றப்பட்டது, இது நீண்ட காலமாக ஜப்பானிய ஓவியத்தின் மிகவும் பிரபலமான மற்றும் விரும்பப்பட்ட வகைகளில் ஒன்றாக மாறியது. புதிய ஓவிய பாணி முக்கியமாக மடிப்புத் திரைகள் மற்றும் நெகிழ் கதவுகளின் ஓவியத்திற்கு பயன்படுத்தப்பட்டது. காலப்போக்கில், யமடோ-இ கிடைமட்ட எமகிமோனோ சுருள்களுக்கு நகர்த்தப்பட்டது. எமகி வகையைச் சேர்ந்த கலைஞர்கள் தேர்ந்தெடுக்கப்பட்ட சதித்திட்டத்தின் அனைத்து உணர்ச்சிகளையும் தங்கள் படைப்புகளில் தெரிவிக்க முயன்றனர். சென்ஜி மோனோகடாரி சுருள் பல அத்தியாயங்களை ஒன்றாக இணைத்து, வேகமான பக்கவாதம் மற்றும் பிரகாசமான, வெளிப்படையான வண்ணங்களைப் பயன்படுத்தி அக்கால கலைஞர்கள்.

ஆண்களின் உருவப்படங்களின் வகையான ஓட்டோகோ-இ-இன் மிகப் பழமையான மற்றும் மிக முக்கியமான எடுத்துக்காட்டுகளில் ஒன்று இ-மக்கி. பெண்களின் உருவப்படங்கள் ஒன்னா-இ என்ற தனி வகையாக தனிமைப்படுத்தப்பட்டுள்ளன. இந்த வகைகளுக்கு இடையில், உண்மையில், ஆண்களுக்கும் பெண்களுக்கும் இடையிலானதைப் போலவே, மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க வேறுபாடுகள் உள்ளன. டேல் ஆஃப் செஞ்சியின் வடிவமைப்பில் ஒன்னா-இ பாணி வண்ணமயமாக வழங்கப்படுகிறது, அங்கு வரைபடங்களின் முக்கிய கருப்பொருள்கள் காதல் கதைக்களங்கள், நீதிமன்ற வாழ்க்கையின் காட்சிகள் ஆகியவை அடங்கும். ஓட்டோகோ-இ ஆண் பாணி முதன்மையாக வரலாற்றுப் போர்கள் மற்றும் பேரரசின் வாழ்க்கையில் பிற முக்கிய நிகழ்வுகளின் கலை சித்தரிப்பு ஆகும்.

நவீன ஜப்பானிய கலைகளின் கருத்துக்களை மேம்படுத்துவதற்கும் மேம்படுத்துவதற்கும் கிளாசிக்கல் ஜப்பானிய கலைப்பள்ளி ஒரு வளமான களமாக மாறியுள்ளது, இதில் பாப் கலாச்சாரம் மற்றும் அனிமேஷின் செல்வாக்கு மிகவும் தெளிவாகக் காணப்படுகிறது. நம் காலத்தின் மிகவும் பிரபலமான ஜப்பானிய கலைஞர்களில் ஒருவரான தகாஷி முரகாமி என்று அழைக்கப்படலாம், போருக்குப் பிந்தைய காலகட்டத்தில் ஜப்பானிய வாழ்க்கையின் காட்சிகளை சித்தரிப்பதற்கும், நுண்கலை மற்றும் பிரதான நீரோட்டத்தின் இணைவை அதிகப்படுத்தும் கருத்தாக்கத்திற்கும் இவருடைய பணி அர்ப்பணிக்கப்பட்டுள்ளது.

கிளாசிக்கல் பள்ளியின் பிரபல ஜப்பானிய கலைஞர்கள் பின்வருவனவற்றை உள்ளடக்குகின்றனர்.

பதட்டமான ஷுபன்

ஷுபன் 15 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் பணிபுரிந்தார், பாடல் வம்சத்தின் சீன எஜமானர்களின் படைப்புகளைப் படிக்க நிறைய நேரம் ஒதுக்கியதால், இந்த மனிதர் ஜப்பானிய கலை வகையின் தோற்றத்தில் இருந்தார். சுமி-இ பாணி, ஒரே வண்ணமுடைய மை ஓவியத்தின் நிறுவனர் என்று ஷுபன் கருதப்படுகிறார். புதிய வகையை பிரபலப்படுத்த அவர் நிறைய முயற்சிகளை மேற்கொண்டார், அதை ஜப்பானிய ஓவியத்தின் முன்னணி திசைகளில் ஒன்றாக மாற்றினார். ஷுபூனின் மாணவர்களில் சேசு மற்றும் பிரபல கலைப் பள்ளியின் நிறுவனர் கனோ மசனோபு உள்ளிட்ட பிரபல கலைஞர்களாக மாறினர். பல நிலப்பரப்புகள் சியூபனின் படைப்பாற்றலுக்குக் காரணம் என்று கூறப்படுகின்றன, ஆனால் அவரது மிகவும் பிரபலமான படைப்பு பாரம்பரியமாக ஒரு மூங்கில் தோப்பில் படித்தல் என்று கருதப்படுகிறது.

ஒகாட்டா கோரின் (1658-1716)

ஜப்பானிய ஓவிய வரலாற்றில் மிகச்சிறந்த கலைஞர்களில் ஒருவரான ஒகாட்டா கோரின், ரிம்ப் கலை பாணியின் நிறுவனர் மற்றும் பிரகாசமான பிரதிநிதிகளில் ஒருவர். அவரது படைப்புகளில், கோரின் தைரியமாக பாரம்பரிய ஸ்டீரியோடைப்களிலிருந்து விலகி, தனது சொந்த பாணியை உருவாக்கினார், இதன் முக்கிய பண்புகள் சிறிய வடிவங்கள் மற்றும் சதித்திட்டத்தின் தெளிவான தோற்றம். கோரின் இயற்கையை சித்தரிப்பதிலும், சுருக்கமான வண்ண அமைப்புகளுடன் பணியாற்றுவதிலும் தனது குறிப்பிட்ட திறமைக்கு பெயர் பெற்றவர். "பிளம் ப்ளாசம் ரெட் அண்ட் ஒயிட்" என்பது ஓகாட்டா கோரின் மிகவும் பிரபலமான படைப்புகளில் ஒன்றாகும், அவரது ஓவியங்கள் "கிரிஸான்தமம்ஸ்", "அலைகள் மாட்சுஷிமா" மற்றும் பலவும் அறியப்படுகின்றன.

ஹசெகாவா தோஹாகு (1539-1610)

தோஹாகு ஜப்பானிய கலைப் பள்ளியான ஹசெகாவாவின் நிறுவனர் ஆவார். தோஹாகுவின் படைப்பின் ஆரம்ப காலம் ஜப்பானிய ஓவியத்தின் புகழ்பெற்ற பள்ளியின் செல்வாக்கால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது கானோ, ஆனால் காலப்போக்கில் கலைஞர் தனது தனித்துவமான பாணியை உருவாக்கியுள்ளார். பல வழிகளில், தோஹாகுவின் பணி அங்கீகரிக்கப்பட்ட மாஸ்டர் சேஷுவின் படைப்புகளால் பாதிக்கப்பட்டது, ஹோசெகாவா இந்த பெரிய எஜமானரின் ஐந்தாவது வாரிசாக தன்னை கருதினார். ஹசெகாவா தோஹாகுவின் ஓவியம் "தி பைன்ஸ்" உலகளவில் புகழ் பெற்றது; அவரது படைப்புகள் "மேப்பிள்", "பைன்ஸ் மற்றும் பூக்கும் தாவரங்கள்" மற்றும் பிறவற்றையும் அறியலாம்.

கனோ எட்டோகு (1543-1590)

கனோ பள்ளி பாணி சுமார் நான்கு நூற்றாண்டுகளாக ஜப்பானில் காட்சி கலைகளில் ஆதிக்கம் செலுத்தியது, மேலும் கனோ எட்டோகு இந்த கலைப் பள்ளியின் மிகவும் பிரபலமான மற்றும் முக்கிய பிரதிநிதிகளில் ஒருவராக இருக்கலாம். ஐடோகு அதிகாரிகளால் கனிவாக நடத்தப்பட்டார், பிரபுக்கள் மற்றும் பணக்கார புரவலர்களின் ஆதரவானது அவரது பள்ளியை வலுப்படுத்துவதற்கும், சந்தேகத்திற்கு இடமின்றி மிகவும் திறமையான இந்த கலைஞரின் படைப்புகளின் பிரபலத்திற்கும் பங்களிக்க முடியவில்லை. எடோகு கானோவால் வரையப்பட்ட சைப்ரஸ் எட்டு-குழு நெகிழ் திரை, ஒரு உண்மையான தலைசிறந்த படைப்பு மற்றும் மோனோயாமா பாணியின் நோக்கம் மற்றும் சக்தியின் தெளிவான எடுத்துக்காட்டு. "நான்கு பருவங்களின் பறவைகள் மற்றும் மரங்கள்", "சீன லயன்ஸ்", "ஹெர்மிட்ஸ் அண்ட் ஃபேரி" மற்றும் பல மாஸ்டரின் பிற படைப்புகள் குறைவான சுவாரஸ்யமானவை அல்ல.

கட்சுஷிகா ஹொகுசாய் (1760-1849)

உக்கியோ-இ (ஜப்பானிய மரக்கட்டை) வகையின் மிகச் சிறந்த மாஸ்டர் ஹொகுசாய். ஹொகுசாயின் படைப்புகள் உலகளாவிய அங்கீகாரத்தைப் பெற்றுள்ளன, மற்ற நாடுகளில் அவரது புகழ் பெரும்பாலான ஆசிய கலைஞர்களின் பிரபலத்துடன் ஒப்பிடமுடியாது, அவரது படைப்பான "தி கிரேட் வேவ் ஆஃப் கனகாவா" உலக கலை காட்சியில் ஜப்பானிய நுண்கலைகளின் வருகை அட்டையாக மாறிவிட்டது. அவரது படைப்புப் பாதையில், ஹொகுசாய் முப்பதுக்கும் மேற்பட்ட புனைப்பெயர்களைப் பயன்படுத்தினார், அறுபதுக்குப் பிறகு கலைஞர் தன்னை முழுவதுமாக கலைக்காக அர்ப்பணித்தார், இந்த நேரமே அவரது படைப்பின் மிகவும் பயனுள்ள காலமாக கருதப்படுகிறது. ஹொகுசாயின் பணி வெஸ்டர்ன் இம்ப்ரெஷனிஸ்ட் மற்றும் பிந்தைய இம்ப்ரெஷனிஸ்ட் எஜமானர்களின் பணிகளை பாதித்தது, இதில் ரெனோயர், மோனெட் மற்றும் வான் கோக் ஆகியோரின் பணிகள் அடங்கும்.

ஒவ்வொரு நாட்டிலும் சமகால கலையின் சொந்த ஹீரோக்கள் உள்ளனர், அதன் பெயர்கள் நன்கு அறியப்பட்டவை, அதன் கண்காட்சிகள் அபிமானிகள் மற்றும் ஆர்வமுள்ளவர்களைக் கூட்டிக்கொள்கின்றன, மேலும் யாருடைய படைப்புகள் தனியார் வசூலில் சிதறடிக்கப்படுகின்றன.

இந்த கட்டுரையில், ஜப்பானின் மிகவும் பிரபலமான சமகால கலைஞர்கள் சிலருக்கு நாங்கள் உங்களை அறிமுகப்படுத்துவோம்.

கெய்கோ தனபே

கியோட்டோவில் பிறந்த கெய்கோ, ஒரு குழந்தையாக, பல கலைப் போட்டிகளில் வென்றார், ஆனால் அவர் கலைத்துறையில் பட்டம் பெறவில்லை. டோக்கியோவில் உள்ள ஒரு ஜப்பானிய சுய-அரசு வர்த்தக அமைப்பின் சர்வதேச உறவுகள் துறையிலும், சான் பிரான்சிஸ்கோவில் ஒரு பெரிய சட்ட நிறுவனத்திலும், சான் டியாகோவில் ஒரு தனியார் ஆலோசனை நிறுவனத்திலும் பணியாற்றியுள்ளார், மேலும் விரிவாகப் பயணம் செய்துள்ளார். 2003 ஆம் ஆண்டில் அவர் தனது வேலையை விட்டு விலகினார், மேலும் சான் டியாகோவில் வாட்டர்கலர் ஓவியத்தின் அடிப்படைகளை கற்றுக் கொண்ட அவர், கலைக்காக மட்டுமே தன்னை அர்ப்பணித்தார்.

இகெனகா யசுனாரி

ஜப்பானிய கலைஞரான இகெனாகா யசுனாரி, மென்சோ தூரிகை, தாது நிறமிகள், கார்பன் கருப்பு, மை மற்றும் கைத்தறி ஆகியவற்றை ஒரு தளமாகப் பயன்படுத்தி, பண்டைய ஜப்பானிய ஓவிய மரபில் சமகால பெண்களின் உருவப்படங்களை வரைகிறார். அவரது கதாபாத்திரங்கள் நம் காலத்து பெண்கள், ஆனால் நிஹோங்கா பாணிக்கு நன்றி, அவர்கள் பழங்காலத்திலிருந்தே எங்களிடம் வந்தார்கள் என்ற உணர்வை ஒருவர் பெறுகிறார்.

அபே தோஷியுகி

அபே தோஷியுகி ஒரு யதார்த்த கலைஞர், அவர் வாட்டர்கலர் நுட்பத்தை முழுமையாக தேர்ச்சி பெற்றார். அபே ஒரு கலைஞர்-தத்துவவாதி என்று அழைக்கப்படலாம்: அவர் அடிப்படையில் நன்கு அறியப்பட்ட அடையாளங்களை வரைவதில்லை, அவற்றைப் பார்க்கும் நபரின் உள் நிலைகளை பிரதிபலிக்கும் அகநிலை பாடல்களை விரும்புகிறார்.

ஹிரோகோ சாகாய்

ஒரு கலைஞராக ஹிரோகோ சாகாயின் வாழ்க்கை 90 களின் முற்பகுதியில் ஃபுகுயோகாவில் தொடங்கியது. சீனன் காகுயின் பல்கலைக்கழகம் மற்றும் நிஹான் பிரஞ்சு ஸ்கூல் ஆஃப் இன்டீரியர் டிசைன் இன் டிசைன் அண்ட் விஷுவலைசேஷனில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, அவர் அட்லியர் யூம்-சுமுகி லிமிடெட் நிறுவனத்தை நிறுவினார். இந்த ஸ்டுடியோவை 5 ஆண்டுகளாக வெற்றிகரமாக நிர்வகித்தது. அவரது பல படைப்புகள் மருத்துவமனைகள், பெரிய நிறுவனங்களின் அலுவலகங்கள் மற்றும் ஜப்பானில் உள்ள சில நகராட்சி கட்டிடங்களின் லாபிகளை அலங்கரிக்கின்றன. அமெரிக்காவுக்குச் சென்ற பிறகு, ஹிரோகோ எண்ணெய்களில் வண்ணம் தீட்டத் தொடங்கினார்.

ரியுசுகே புகாஹோரி

ரியுசுகி புகாஹோரியின் முப்பரிமாண வேலை ஹாலோகிராம் போன்றது. அவை அக்ரிலிக் வண்ணப்பூச்சுடன் தயாரிக்கப்படுகின்றன, பல அடுக்குகளில் பயன்படுத்தப்படுகின்றன, மற்றும் பிசின் ஒரு வெளிப்படையான திரவம் - இவை அனைத்தும், நிழல்கள் வரைதல், விளிம்புகளை மென்மையாக்குதல், வெளிப்படைத்தன்மையைக் கட்டுப்படுத்துதல் போன்ற பாரம்பரிய முறைகளைத் தவிர்த்து, ரியுசுகி சிற்ப ஓவியங்களை உருவாக்க அனுமதிக்கிறது மற்றும் வேலைக்கு ஆழத்தையும் யதார்த்தத்தையும் தருகிறது.

நட்சுகி ஒட்டானி

நட்சுகி ஒட்டானி ஒரு திறமையான ஜப்பானிய இல்லஸ்ட்ரேட்டர், இங்கிலாந்தில் வசித்து வருகிறார்.

மாகோடோ முரமாட்சு

மாகோடோ முரமாட்சு தனது கலைக்கான அடிப்படையாக ஒரு வெற்றி-வெற்றி கருப்பொருளைத் தேர்ந்தெடுத்தார் - அவர் பூனைகளை ஈர்க்கிறார். அவரது படங்கள் உலகம் முழுவதும் பிரபலமாக உள்ளன, குறிப்பாக புதிர்கள் வடிவில்.

டெட்சுயா மிஷிமா

சமகால ஜப்பானிய கலைஞரான மிஷிமாவின் பெரும்பாலான ஓவியங்கள் எண்ணெய்களில் செய்யப்பட்டவை. அவர் 90 களில் இருந்து தொழில் ரீதியாக ஓவியத்தில் ஈடுபட்டு வருகிறார், அவருக்கு பல தனி கண்காட்சிகள் மற்றும் ஏராளமான கூட்டு கண்காட்சிகள் உள்ளன, ஜப்பானிய மற்றும் வெளிநாட்டு.

வணக்கம் அன்புள்ள வாசகர்கள் - அறிவையும் உண்மையையும் தேடுபவர்கள்!

ஜப்பானிய கலைஞர்கள் அவர்களின் தனித்துவமான பாணியால் வேறுபடுகிறார்கள், தலைமுறை கலைஞர்களால் மதிக்கப்படுகிறார்கள். ஜப்பானிய ஓவியத்தின் மிக முக்கியமான பிரதிநிதிகள் மற்றும் அவற்றின் ஓவியங்களைப் பற்றி இன்று நாம் பேசுவோம், பண்டைய காலங்கள் முதல் நவீன காலம் வரை.

சரி, ரைசிங் சூரியனின் நிலத்தின் கலையில் மூழ்குவோம்.

கலையின் தோற்றம்

ஜப்பானிய ஓவியத்தின் பண்டைய கலை முதன்மையாக எழுத்தின் தனித்தன்மையுடன் தொடர்புடையது, எனவே இது கையெழுத்துப் பதிவின் அஸ்திவாரங்களில் கட்டப்பட்டுள்ளது. முதல் மாதிரிகளில் வெண்கல மணிகள், உணவுகள் மற்றும் அகழ்வாராய்ச்சியின் போது காணப்படும் வீட்டுப் பொருட்கள் ஆகியவை அடங்கும். அவற்றில் பல இயற்கை சாயங்களால் வரையப்பட்டிருந்தன, மேலும் கிமு 300 க்கு முன்னர் தயாரிப்புகள் செய்யப்பட்டன என்று ஆராய்ச்சி கூறுகிறது.

கலை வளர்ச்சியில் ஒரு புதிய சுற்று ஜப்பானுக்கு வந்தவுடன் தொடங்கியது. எமகிமோனோவில் - காகிதத்தால் செய்யப்பட்ட சிறப்பு சுருள்கள் - ப Buddhism த்த மதத்தின் தெய்வங்களின் படங்கள், ஆசிரியர் மற்றும் அவரது பின்பற்றுபவர்களின் வாழ்க்கையின் காட்சிகள் பயன்படுத்தப்பட்டன.

ஓவியத்தில் மத கருப்பொருள்களின் ஆதிக்கம் இடைக்கால ஜப்பானில், அதாவது 10 முதல் 15 ஆம் நூற்றாண்டு வரை காணப்படுகிறது. ஐயோ, அந்தக் காலத்து கலைஞர்களின் பெயர்கள் இன்றுவரை பிழைக்கவில்லை.

15-18 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் காலகட்டத்தில், ஒரு புதிய சகாப்தம் தொடங்குகிறது, இது வளர்ந்த தனிப்பட்ட பாணியுடன் கலைஞர்களின் தோற்றத்தால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. நுண்கலைகளின் மேலும் வளர்ச்சிக்கு அவர்கள் திசையனைக் குறித்தனர்.

கடந்த காலத்தின் பிரகாசமான பிரதிநிதிகள்

பதட்டமான ஷுபன் (15 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதி)

ஒரு சிறந்த மாஸ்டர் ஆக, சீனாவின் பாடல் கலைஞர்களின் எழுத்து நுட்பத்தையும் அவர்களின் படைப்புகளையும் சியுபன் ஆய்வு செய்தார். அதைத் தொடர்ந்து, ஜப்பானில் ஓவியம் நிறுவியவர்களில் ஒருவராகவும், சுமி-இ உருவாக்கியவராகவும் ஆனார்.

சுமி-இ என்பது மை ஓவியத்தை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஒரு கலை பாணி, அதாவது ஒரு வண்ணம்.

புதிய பாணி கலை வட்டாரங்களில் வேரூன்றி இருப்பதை உறுதிசெய்ய ஷுபன் நிறைய செய்தார்.செஷு போன்ற எதிர்கால பிரபலமான ஓவியர்கள் உட்பட பிற திறமைகளுக்கு கலையை கற்றுக் கொடுத்தார்.

ஷுபனின் மிகவும் பிரபலமான ஓவியம் மூங்கில் தோப்பில் படித்தல் என்று அழைக்கப்படுகிறது.

பதட்டமான ஷுபன் எழுதிய "மூங்கில் தோப்பில் படித்தல்"

ஹசெகாவா தோஹாகு (1539-1610)

அவர் தனது பெயரில் ஒரு பள்ளியின் நிறுவனர் ஆனார் - ஹசெகாவா. முதலில் அவர் கனோ பள்ளியின் நியதிகளைப் பின்பற்ற முயன்றார், ஆனால் படிப்படியாக அவரது தனிப்பட்ட "கையெழுத்து" அவரது படைப்புகளில் காணத் தொடங்கியது. தோஹாகு சேஷுவின் கிராபிக்ஸ் மூலம் வழிநடத்தப்பட்டார்.

படைப்புகளின் அடிப்படையானது எளிமையான, லாகோனிக், ஆனால் சிக்கலற்ற பெயர்களைக் கொண்ட யதார்த்தமான நிலப்பரப்புகளால் ஆனது:

• "பைன்ஸ்";
• "மேப்பிள்";
• "பைன்ஸ் மற்றும் பூக்கும் தாவரங்கள்".

"தி பைன்ஸ்", ஹசெகாவா தோஹாகு

சகோதரர்கள் ஒகாட்டா கோரின் (1658-1716) மற்றும் ஒகாட்டா கென்சான் (1663-1743)

சகோதரர்கள் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் சிறந்த கைவினைஞர்கள். மூத்தவர் - ஒகாட்டா கோரின் - தன்னை முழுவதுமாக ஓவியம் வரைந்து அர்ப்பணித்து, ரிம்ப் வகையை நிறுவினார். அவர் ஒரே மாதிரியான படங்களைத் தவிர்த்தார், இம்ப்ரெஷனிஸ்ட் வகையை விரும்பினார்.

ஒகாட்டா கோரின் பொதுவாக இயற்கையையும் பூக்களை குறிப்பாக சுருக்கங்களின் பிரகாசமாக வரைந்தார். அவரது தூரிகைகள் ஓவியங்களுக்கு சொந்தமானது:

• "பிளம் மலரும் சிவப்பு மற்றும் வெள்ளை";
• "மாட்சுஷிமாவின் அலைகள்";
• "கிரிஸான்தமம்ஸ்".

ஒகாட்டா கோரின் எழுதிய "அலைகள் மாட்சுஷிமா"

தம்பி, ஒகாட்டா கென்சானுக்கு பல புனைப்பெயர்கள் இருந்தன. அவர் ஓவியத்தில் ஈடுபட்டிருந்தாலும், அவர் ஒரு அற்புதமான மட்பாண்ட கலைஞராக மிகவும் பிரபலமானவர்.

ஒகாட்டா கென்சான் பல மட்பாண்ட நுட்பங்களில் தேர்ச்சி பெற்றவர். தரமற்ற அணுகுமுறையால் அவர் வேறுபடுத்தப்பட்டார், எடுத்துக்காட்டாக, அவர் ஒரு சதுர வடிவத்தில் தட்டுகளை உருவாக்கினார்.

அவரது சொந்த ஓவியம் சிறப்பால் வேறுபடவில்லை - இதுவும் அவரது அம்சமாகும். ஒரு சுருள் அல்லது கவிதையின் பகுதிகள் போன்ற தயாரிப்புகளுக்கு கையெழுத்துப் பிரதியைப் பயன்படுத்துவதை அவர் விரும்பினார். சில நேரங்களில் அவர்கள் தங்கள் சகோதரருடன் சேர்ந்து பணியாற்றினர்.

கட்சுஷிகா ஹொகுசாய் (1760-1849)

அவர் உக்கியோ-இ பாணியில் பணியாற்றினார் - ஒரு வகையான மரக்கட்டை, வேறுவிதமாகக் கூறினால், வேலைப்பாடு ஓவியம். படைப்பாற்றலின் எல்லா நேரங்களுக்கும், அவர் சுமார் 30 பெயர்களை மாற்றினார். மிகவும் பிரபலமான படைப்பு - "கனகாவாவில் தி கிரேட் வேவ் ஆஃப்", இதற்கு நன்றி அவர் தனது தாயகத்திற்கு வெளியே பிரபலமானார்.

ஹொகுசாய் கட்சுஷிகா எழுதிய கனகாவாவின் பெரிய அலை

60 ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு ஹொகுசாய் குறிப்பாக கடினமாக உழைக்கத் தொடங்கினார், இது நல்ல பலனைக் கொடுத்தது. வான் கோ, மோனெட், ரெனோயர் அவரது படைப்புகளை நன்கு அறிந்திருந்தனர், மேலும் அது ஒரு குறிப்பிட்ட அளவிற்கு ஐரோப்பிய எஜமானர்களின் படைப்புகளை பாதித்தது.

ஆண்டோ ஹிரோஷிஜ் (1791-1858)

19 ஆம் நூற்றாண்டின் மிகச் சிறந்த கலைஞர்களில் ஒருவர். எடோவில் பிறந்தார், வாழ்ந்தார், பணியாற்றினார், ஹொகுசாயின் பணியைத் தொடர்ந்தார், அவரது படைப்புகளால் ஈர்க்கப்பட்டார். அவர் இயற்கையை சித்தரித்த விதம் படைப்புகளின் எண்ணிக்கையைப் போலவே ஆச்சரியமாக இருக்கிறது.

எடோ என்பது டோக்கியோவின் முன்னாள் பெயர்.

அவரது படைப்புகளைப் பற்றிய சில புள்ளிவிவரங்கள் இங்கே உள்ளன, அவை ஓவியங்களின் சுழற்சியால் குறிப்பிடப்படுகின்றன:

• 5.5 ஆயிரம் - அனைத்து வேலைப்பாடுகளின் எண்ணிக்கை;
• “எடோவின் 100 காட்சிகள்;
• "புஜியின் 36 காட்சிகள்";
• "கிசோகைடோவின் 69 நிலையங்கள்";
• "டோக்கிடோவின் 53 நிலையங்கள்".

ஆண்டோ ஹிரோஷிகேவின் ஓவியம்

நிலுவையில் உள்ள வான் கோக் தனது அச்சிட்டுகளின் ஓரிரு நகல்களை எழுதினார் என்பது சுவாரஸ்யமானது.

நவீனத்துவம்

தகாஷி முரகாமி

ஓவியர், சிற்பி, ஆடை வடிவமைப்பாளர், அவர் ஏற்கனவே 20 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் ஒரு பெயரைப் பெற்றார். தனது வேலையில், அவர் கிளாசிக் கூறுகளுடன் ஃபேஷன் போக்குகளைப் பின்பற்றுகிறார், மேலும் அனிம் மற்றும் மங்கா கார்ட்டூன்களிலிருந்து உத்வேகம் பெறுகிறார்.

தகாஷி முரகாமியின் ஓவியம்

தகாஷி முரகாமியின் படைப்புகள் துணை கலாச்சாரமாகக் கருதப்படுகின்றன, ஆனால் அதே நேரத்தில் அவை நம்பமுடியாத அளவிற்கு பிரபலமாக உள்ளன. எடுத்துக்காட்டாக, 2008 ஆம் ஆண்டில் அவரது படைப்புகளில் ஒன்று $ 15 மில்லியனுக்கும் அதிகமாக ஏலத்தில் வாங்கப்பட்டது. ஒரு காலத்தில், சமகால படைப்பாளி மார்க் ஜேக்கப்ஸ் மற்றும் லூயிஸ் உய்ட்டன் ஆகிய பேஷன் ஹவுஸுடன் இணைந்து பணியாற்றினார்.

டைகோ அசிமா

முந்தைய கலைஞரின் தோழர், அவர் நவீன சர்ரியல் ஓவியங்களை உருவாக்குகிறார். அவை நகரங்கள், மெகாசிட்டிகளின் வீதிகள் மற்றும் உயிரினங்களின் காட்சிகளை வேறொரு பிரபஞ்சத்திலிருந்து வந்ததைப் போல சித்தரிக்கின்றன - பேய்கள், தீய சக்திகள், அன்னிய பெண்கள். ஓவியங்களின் பின்னணியில், நீங்கள் பெரும்பாலும் அழகிய, சில நேரங்களில் பயமுறுத்தும் தன்மையைக் காணலாம்.

அவரது ஓவியங்கள் பெரிய அளவுகளை அடைகின்றன, அவை அரிதாகவே காகித ஊடகங்களுடன் மட்டுப்படுத்தப்படுகின்றன. அவை தோல், பிளாஸ்டிக் பொருட்களுக்கு மாற்றப்படுகின்றன.

2006 ஆம் ஆண்டில், பிரிட்டிஷ் தலைநகரில் ஒரு கண்காட்சியின் ஒரு பகுதியாக, ஒரு பெண் சுமார் 20 வளைவு கட்டமைப்புகளை உருவாக்கியது, இது கிராமப்புறங்கள் மற்றும் நகரத்தின் அழகை பிரதிபலிக்கும், பகல் மற்றும் இரவு. அவர்களில் ஒருவர் மெட்ரோ நிலையத்தை அலங்கரித்தார்.

ஏய் அரகாவா

இந்த வார்த்தையின் கிளாசிக்கல் அர்த்தத்தில் இளைஞனை வெறுமனே ஒரு கலைஞர் என்று அழைக்க முடியாது - அவர் 21 ஆம் நூற்றாண்டின் கலையில் மிகவும் பிரபலமான நிறுவல்களை உருவாக்குகிறார். அவரது கண்காட்சிகளின் கருப்பொருள்கள் உண்மையிலேயே ஜப்பானிய மற்றும் நட்பு உறவைத் தொடுகின்றன, அத்துடன் முழு அணியினதும் வேலை.

ஹே அரகாவா பெரும்பாலும் பல்வேறு இருபது ஆண்டுகளில் பங்கேற்கிறார், எடுத்துக்காட்டாக, வெனிஸில், தனது தாயகத்தில் நவீன கலை அருங்காட்சியகத்தில் காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டுள்ளது, மேலும் தகுதியுடன் பல்வேறு விருதுகளைப் பெறுகிறது.

இகெனகா யசுனாரி

நவீன ஓவியர் இகெனாகா யசுனாரி பொருந்தாத இரண்டு விஷயங்களை இணைக்க முடிந்தது: இன்றைய சிறுமிகளின் வாழ்க்கை உருவப்படம் மற்றும் பாரம்பரிய ஜப்பானிய நுட்பங்கள் பழங்காலத்தில் இருந்து. தனது படைப்பில், ஓவியர் சிறப்பு தூரிகைகள், இயற்கை நிறமி வண்ணப்பூச்சுகள், மை மற்றும் நிலக்கரியைப் பயன்படுத்துகிறார். வழக்கமான கைத்தறிக்கு பதிலாக - கைத்தறி துணி.

ஓவியநாகா யசுனாரி

சித்தரிக்கப்பட்ட சகாப்தத்திற்கும், கதாநாயகிகளின் தோற்றத்திற்கும் முரணான இந்த நுட்பம் கடந்த காலத்திலிருந்து அவர்கள் எங்களிடம் திரும்பி வந்துள்ளனர் என்ற தோற்றத்தை உருவாக்குகிறது.

சமீபத்தில் இணைய சமூகத்தில் பிரபலமாக இருந்த ஒரு முதலை வாழ்க்கையின் சிக்கல்களைப் பற்றிய தொடர் ஓவியங்களும் ஜப்பானிய கார்ட்டூனிஸ்ட் கெய்கோவால் உருவாக்கப்பட்டன.

முடிவுரை

எனவே, ஜப்பானிய ஓவியம் கிமு 3 ஆம் நூற்றாண்டில் தொடங்கியது, அதன் பின்னர் நிறைய மாற்றங்கள் ஏற்பட்டுள்ளன. முதல் படங்கள் மட்பாண்டங்களுக்கு பயன்படுத்தப்பட்டன, பின்னர் ப Buddhist த்த கருக்கள் கலைகளில் மேலோங்கத் தொடங்கின, ஆனால் ஆசிரியர்களின் பெயர்கள் இன்றுவரை பிழைக்கவில்லை.

நவீன காலத்தின் சகாப்தத்தில், தூரிகையின் எஜமானர்கள் மேலும் மேலும் தனித்துவத்தை பெற்றனர், வெவ்வேறு திசைகளை உருவாக்கினர், பள்ளிகள். இன்றைய நுண்கலை பாரம்பரிய ஓவியத்துடன் மட்டுப்படுத்தப்படவில்லை - நிறுவல்கள், கேலிச்சித்திரங்கள், கலை சிற்பங்கள் மற்றும் சிறப்பு கட்டமைப்புகள் பயன்படுத்தப்படுகின்றன.

உங்கள் கவனத்திற்கு மிக்க நன்றி, அன்பே வாசகர்களே! எங்கள் கட்டுரை உங்களுக்கு பயனுள்ளதாக இருக்கும் என்று நாங்கள் நம்புகிறோம், மேலும் கலையின் பிரகாசமான பிரதிநிதிகளின் வாழ்க்கை மற்றும் வேலை பற்றிய கதைகள் அவற்றை நன்கு தெரிந்துகொள்ள உங்களை அனுமதித்தன.

நிச்சயமாக, பண்டைய காலங்கள் முதல் இன்றுவரை அனைத்து கலைஞர்களையும் பற்றி ஒரு கட்டுரையில் சொல்வது கடினம். எனவே, ஜப்பானிய ஓவியத்தின் அறிவை நோக்கிய முதல் படியாக இது இருக்கட்டும்.

எங்களுடன் சேருங்கள் - வலைப்பதிவிற்கு குழுசேரவும் - ப Buddhism த்தத்தையும் கிழக்கின் கலாச்சாரத்தையும் ஒன்றாகப் படிப்போம்!

எல்லா சிறந்த கலைஞர்களும் கடந்த காலங்களில் இருந்தவர்கள் என்று நீங்கள் நினைத்தால், நீங்கள் எவ்வளவு தவறு செய்கிறீர்கள் என்பது உங்களுக்குத் தெரியாது. இந்த கட்டுரையில், எங்கள் காலத்தின் மிகவும் பிரபலமான மற்றும் திறமையான கலைஞர்களைப் பற்றி நீங்கள் அறிந்து கொள்வீர்கள். மேலும், என்னை நம்புங்கள், அவர்களின் படைப்புகள் கடந்த காலங்களிலிருந்து மேஸ்ட்ரோவின் படைப்புகளை விட உங்கள் நினைவில் ஆழமாக மூழ்கிவிடும்.

வோஜ்சீச் பாப்ஸ்கி

வோஜ்சீச் பாப்ஸ்கி ஒரு சமகால போலந்து கலைஞர். அவர் சிலேசிய பாலிடெக்னிக் நிறுவனத்தில் தனது படிப்பை முடித்தார், ஆனால் தன்னை இணைத்துக் கொண்டார். சமீபத்தில் அவர் முக்கியமாக பெண்களை வரைந்து வருகிறார். உணர்ச்சிகளின் வெளிப்பாட்டில் கவனம் செலுத்துகிறது, எளிய வழிமுறைகளால் மிகப்பெரிய விளைவைப் பெற முயல்கிறது.

வண்ணத்தை விரும்புகிறது, ஆனால் பெரும்பாலும் சிறந்த அனுபவத்திற்காக கருப்பு மற்றும் சாம்பல் நிற நிழல்களைப் பயன்படுத்துகிறது. வெவ்வேறு புதிய நுட்பங்களை பரிசோதிக்க பயப்படவில்லை. சமீபத்தில், இது வெளிநாடுகளில் அதிகளவில் பிரபலமடைந்து வருகிறது, முக்கியமாக இங்கிலாந்தில், அதன் படைப்புகளை வெற்றிகரமாக விற்கிறது, இது ஏற்கனவே பல தனியார் வசூல்களில் காணப்படுகிறது. கலைக்கு மேலதிகமாக, அண்டவியல் மற்றும் தத்துவத்திலும் ஆர்வம் கொண்டவர். ஜாஸைக் கேட்கிறது. அவர் தற்போது கட்டோவிஸில் வசித்து வருகிறார்.

வாரன் சாங்

வாரன் சாங் ஒரு சமகால அமெரிக்க கலைஞர். 1957 இல் பிறந்து கலிபோர்னியாவின் மான்டேரியில் வளர்ந்த இவர், 1981 ஆம் ஆண்டில் பசடேனா ஆர்ட் சென்டர் காலேஜ் ஆஃப் டிசைனில் இருந்து கம் லாட் பட்டம் பெற்றார், அங்கு அவர் இந்த துறையில் நுண்கலை இளங்கலைப் பெற்றார். அடுத்த இரண்டு தசாப்தங்களாக, 2009 இல் தொழில்முறை கலைஞராக ஒரு தொழிலைத் தொடங்குவதற்கு முன்பு கலிபோர்னியா மற்றும் நியூயார்க்கில் உள்ள பல்வேறு நிறுவனங்களுக்கு இல்லஸ்ட்ரேட்டராக பணியாற்றினார்.

அவரது யதார்த்தமான ஓவியங்களை இரண்டு முக்கிய பிரிவுகளாகப் பிரிக்கலாம்: வாழ்க்கை வரலாற்று உள்துறை ஓவியங்கள் மற்றும் உழைக்கும் மக்களை சித்தரிக்கும் ஓவியங்கள். இந்த ஓவிய ஓவியத்தில் அவரது ஆர்வம் 16 ஆம் நூற்றாண்டின் கலைஞரான ஜான் வெர்மீரின் படைப்புகளில் வேரூன்றியுள்ளது, மேலும் பொருள்கள், சுய உருவப்படங்கள், குடும்ப உறுப்பினர்கள், நண்பர்கள், மாணவர்கள், ஸ்டுடியோ, வகுப்பறை மற்றும் வீட்டு உட்புறங்களின் உருவப்படங்கள் வரை நீண்டுள்ளது. ஒளியைக் கையாளுதல் மற்றும் முடக்கிய வண்ணங்களைப் பயன்படுத்துவதன் மூலம் அவரது யதார்த்தமான ஓவியங்களில் மனநிலையையும் உணர்ச்சியையும் உருவாக்குவதே அவரது குறிக்கோள்.

பாரம்பரிய காட்சி கலைகளுக்கு மாறிய பிறகு சாங் பிரபலமானார். கடந்த 12 ஆண்டுகளில், அவர் ஏராளமான விருதுகளையும் க ors ரவங்களையும் பெற்றுள்ளார், அவற்றில் மிகவும் மதிப்புமிக்கது அமெரிக்காவின் எண்ணெய் ஓவியர்கள் சங்கத்தின் மாஸ்டர் கையொப்பமாகும், இது அமெரிக்காவின் எண்ணெய் ஓவியர்களின் மிகப்பெரிய சமூகமாகும். 50 பேரில் ஒருவர் மட்டுமே இந்த விருதைப் பெறுவதற்கான வாய்ப்பைப் பெறுகிறார். வாரன் தற்போது மான்டேரியில் வசித்து வருகிறார், மேலும் அவரது ஸ்டுடியோவில் பணிபுரிகிறார் மற்றும் சான் பிரான்சிஸ்கோ அகாடமி ஆஃப் ஆர்ட்ஸில் கற்பிக்கிறார் (திறமையான கல்வியாளர் என்று அழைக்கப்படுகிறார்).

ஆரேலியோ புருனி

ஆரேலியோ புருனி ஒரு இத்தாலிய கலைஞர். அக்டோபர் 15, 1955 இல் பிளேரில் பிறந்தார். ஸ்போலெட்டோவில் உள்ள கலை நிறுவனத்தில் மேடை வடிவமைப்பில் பட்டம் பெற்றார். ஒரு கலைஞராக, அவர் சுயமாகக் கற்றுக் கொள்ளப்படுகிறார், ஏனெனில் அவர் பள்ளியில் அமைக்கப்பட்ட அஸ்திவாரத்தில் சுயாதீனமாக “அறிவின் வீட்டைக் கட்டினார்”. அவர் தனது 19 வயதில் எண்ணெய்களில் ஓவியம் தீட்டத் தொடங்கினார். அவர் தற்போது உம்ப்ரியாவில் வசித்து வருகிறார்.

புருனியின் ஆரம்பகால ஓவியம் சர்ரியலிசத்தில் வேரூன்றியுள்ளது, ஆனால் காலப்போக்கில் அவர் பாடல் வரிகள் மற்றும் குறியீட்டின் அருகாமையில் கவனம் செலுத்தத் தொடங்குகிறார், இந்த கலவையை அவரது கதாபாத்திரங்களின் சுத்திகரிக்கப்பட்ட நுட்பம் மற்றும் தூய்மையுடன் மேம்படுத்துகிறார். அனிமேஷன் செய்யப்பட்ட மற்றும் உயிரற்ற பொருள்கள் சம க ity ரவத்தைப் பெறுகின்றன, மேலும் அவை மிகைப்படுத்தப்பட்டவை, ஆனால், அதே நேரத்தில், அவை திரைக்குப் பின்னால் மறைக்காது, ஆனால் உங்கள் ஆன்மாவின் சாரத்தைக் காண உங்களை அனுமதிக்கின்றன. பன்முகத்தன்மை மற்றும் நுட்பமான தன்மை, சிற்றின்பம் மற்றும் தனிமை, சிந்தனை மற்றும் பலன் ஆகியவை ஆரேலியோ புருனியின் ஆவி, கலையின் சிறப்பையும், இசையின் ஒற்றுமையையும் ஊட்டுகின்றன.

அலெகாசந்தர் பாலோஸ்

அல்காசந்தர் பலோஸ் எண்ணெய் ஓவியத்தில் நிபுணத்துவம் பெற்ற ஒரு சமகால போலந்து ஓவியர் ஆவார். 1970 இல் போலந்தின் கிளிவிஸில் பிறந்தார், ஆனால் 1989 முதல் அமெரிக்காவில், கலிபோர்னியாவின் சாஸ்தாவில் வசித்து வருகிறார்.

ஒரு குழந்தையாக இருந்தபோது, \u200b\u200bதன்னுடைய தந்தை ஜான், சுய கற்பித்த கலைஞரும் சிற்பியுமான வழிகாட்டுதலின் கீழ் கலையைப் பயின்றார், ஆகவே, சிறுவயதிலிருந்தே கலை நடவடிக்கைகள் பெற்றோரின் முழு ஆதரவையும் பெற்றன. 1989 ஆம் ஆண்டில், தனது பதினெட்டு வயதில், போலோஸ் போலந்தை விட்டு அமெரிக்காவுக்குச் சென்றார், அங்கு அவரது பள்ளி ஆசிரியரும் பகுதிநேர கலைஞருமான கேட்டி காக்லியார்டி அல்காசந்திராவை கலைப் பள்ளிக்குச் செல்ல ஊக்குவித்தார். பாலோஸ் பின்னர் மில்வாக்கி விஸ்கான்சின் பல்கலைக்கழகத்தில் முழு உதவித்தொகையைப் பெற்றார், அங்கு அவர் தத்துவ பேராசிரியர் ஹாரி ரோசினுடன் ஓவியம் பயின்றார்.

1995 ஆம் ஆண்டில் தனது படிப்பை முடித்து, இளங்கலைப் பட்டம் பெற்றபின், பாலோஸ் சிகாகோவுக்குச் சென்றார், ஸ்கூல் ஆஃப் ஃபைன் ஆர்ட்ஸில் படிக்க, அதன் முறைகள் ஜாக்-லூயிஸ் டேவிட் ஆகியோரின் வேலையை அடிப்படையாகக் கொண்டவை. 90 களில் மற்றும் 2000 களின் முற்பகுதியில் பாலோஸின் படைப்புகளில் பெரும்பகுதியை உருவக யதார்த்தமும் உருவப்படமும் உருவாக்கியது. இன்று பலோஸ் எந்தவொரு உருவத்தையும் வழங்காமல், தனித்தன்மையை முன்னிலைப்படுத்தவும், மனித இருப்பின் குறைபாடுகளைக் காட்டவும் மனித உருவத்தைப் பயன்படுத்துகிறார்.

அவரது ஓவியங்களின் சதித் தொகுப்புகள் பார்வையாளரால் சுயாதீனமாக விளக்கும் நோக்கம் கொண்டவை, அப்போதுதான் கேன்வாஸ்கள் அவற்றின் உண்மையான தற்காலிக மற்றும் அகநிலை அர்த்தத்தைப் பெறும். 2005 ஆம் ஆண்டில், கலைஞர் வடக்கு கலிஃபோர்னியாவுக்குச் சென்றார், அப்போதிருந்து, அவரது படைப்பின் நோக்கம் கணிசமாக விரிவடைந்துள்ளது, மேலும் இப்போது மேலும் தாராளவாத ஓவிய நுட்பங்களை உள்ளடக்கியது, இதில் சுருக்கம் மற்றும் பல்வேறு மல்டிமீடியா பாணிகள் ஆகியவை அடங்கும்.

அலிஸா துறவிகள்

அலிஸா மாங்க்ஸ் ஒரு சமகால அமெரிக்க கலைஞர். அவர் 1977 இல் நியூ ஜெர்சியிலுள்ள ரிட்ஜ்வுட் நகரில் பிறந்தார். அவள் குழந்தையாக இருந்தபோது ஓவியத்தில் ஆர்வம் காட்ட ஆரம்பித்தாள். அவர் நியூயார்க்கில் உள்ள புதிய பள்ளி மற்றும் மாண்ட்க்ளேர் மாநில பல்கலைக்கழகத்தில் பயின்றார், மேலும் 1999 இல் பாஸ்டன் கல்லூரியில் பி.ஏ. அதேசமயம், புளோரன்சில் உள்ள லோரென்சோ மெடிசி அகாடமியில் ஓவியம் பயின்றார்.

பின்னர் அவர் நியூயார்க் அகாடமி ஆஃப் ஆர்ட்டில் முதுகலை பட்டப்படிப்பில் தனது படிப்பைத் தொடர்ந்தார், உருவக் கலைத் துறையில், 2001 இல் பட்டம் பெற்றார். அவர் 2006 இல் புல்லர்டன் கல்லூரியில் பட்டம் பெற்றார். ஒரு காலத்தில் அவர் நாடு முழுவதும் உள்ள பல்கலைக்கழகங்கள் மற்றும் கல்வி நிறுவனங்களில் விரிவுரை செய்தார், நியூயார்க் அகாடமி ஆஃப் ஆர்ட், மற்றும் மாண்ட்க்ளேர் ஸ்டேட் யுனிவர்சிட்டி மற்றும் லைம் அகாடமி ஆஃப் ஆர்ட்ஸ் கல்லூரி ஆகியவற்றில் ஓவியம் கற்பித்தார்.

“கண்ணாடி, வினைல், நீர் மற்றும் நீராவி போன்ற வடிப்பான்களைப் பயன்படுத்துவதன் மூலம், நான் மனித உடலை சிதைக்கிறேன். இந்த வடிப்பான்கள் சுருக்க வடிவமைப்பின் பெரிய பகுதிகளை உருவாக்க உங்களை அனுமதிக்கின்றன, அவற்றின் வழியாக வண்ண தீவுகள் உள்ளன - மனித உடலின் பாகங்கள்.

என் ஓவியங்கள் ஏற்கனவே நிறுவப்பட்ட, பாரம்பரிய தோற்றங்கள் மற்றும் குளிக்கும் பெண்களின் சைகைகளின் நவீன பார்வையை மாற்றுகின்றன. நீச்சல், நடனம் மற்றும் பலவற்றின் நன்மைகள் போன்ற சுயமாகத் தோன்றும் விஷயங்களைப் பற்றி அவர்கள் கவனமுள்ள பார்வையாளரிடம் நிறைய சொல்ல முடியும். என் கதாபாத்திரங்கள் ஷவர் ஸ்டால் ஜன்னலின் கண்ணாடிக்கு எதிராக அழுத்தி, தங்கள் உடலை சிதைத்து, அதன் மூலம் ஒரு நிர்வாணப் பெண்ணின் மோசமான ஆண் தோற்றத்தை அவை பாதிக்கின்றன என்பதை உணர்ந்துள்ளனர். வண்ணப்பூச்சின் அடர்த்தியான அடுக்குகள் தூரத்திலிருந்து கண்ணாடி, நீராவி, நீர் மற்றும் சதை ஆகியவற்றைப் பிரதிபலிக்கும் வகையில் கலக்கப்படுகின்றன. இருப்பினும், நெருக்கமாக, எண்ணெய் வண்ணப்பூச்சின் அற்புதமான இயற்பியல் பண்புகள் தெளிவாகின்றன. வண்ணப்பூச்சு மற்றும் வண்ண அடுக்குகளை பரிசோதிப்பதன் மூலம், சுருக்க பக்கவாதம் வேறொன்றாக மாறும் ஒரு தருணத்தை நான் காண்கிறேன்.

நான் முதன்முதலில் மனித உடலை ஓவியம் தீட்டத் தொடங்கியபோது, \u200b\u200bநான் உடனடியாக கவரப்பட்டேன், அதோடு கூட வெறி கொண்டேன், என் ஓவியங்களை முடிந்தவரை யதார்த்தமாக உருவாக்க வேண்டும் என்று நம்பினேன். யதார்த்தத்தை அவிழ்த்து வெளிப்படுத்தத் தொடங்கும் வரை நான் அதை "வெளிப்படுத்தினேன்". பிரதிநிதித்துவ ஓவியம் மற்றும் சுருக்கம் சந்திக்கும் ஒரு ஓவியத்தின் சாத்தியக்கூறுகள் மற்றும் திறன்களை இப்போது நான் ஆராய்ந்து வருகிறேன் - இரு பாணிகளும் ஒரே நேரத்தில் ஒன்றிணைந்தால், நான் செய்வேன். ”

அன்டோனியோ ஃபினெல்லி

இத்தாலிய கலைஞர் - “ நேரக் கண்காணிப்பாளர்”- அன்டோனியோ ஃபினெல்லி 23 பிப்ரவரி 1985 இல் பிறந்தார். அவர் தற்போது இத்தாலியில் ரோம் மற்றும் காம்போபாசோ இடையே வசித்து வருகிறார். இவரது படைப்புகள் இத்தாலி மற்றும் வெளிநாடுகளில் உள்ள பல கேலரிகளில் காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டுள்ளன: ரோம், புளோரன்ஸ், நோவாரா, ஜெனோவா, பலேர்மோ, இஸ்தான்புல், அங்காரா, நியூயார்க், மற்றும் அவை தனியார் மற்றும் பொது சேகரிப்புகளிலும் காணப்படுகின்றன.

பென்சில் வரைபடங்கள் " நேரக் கண்காணிப்பாளர்”அன்டோனியோ ஃபினெல்லி மனித தற்காலிகத்தின் உள் உலகம் மற்றும் இந்த உலகத்துடன் தொடர்புடைய நுணுக்கமான பகுப்பாய்வு வழியாக ஒரு நித்திய பயணத்திற்கு நம்மை அனுப்புகிறார், இதன் முக்கிய உறுப்பு நேரம் கடந்து செல்வதும், தோலில் ஏற்படும் தடயங்களும் ஆகும்.

எந்த வயது, பாலினம் மற்றும் தேசியம் கொண்டவர்களின் உருவப்படங்களை ஃபினெல்லி வரைகிறார், அதன் முகபாவங்கள் காலப்போக்கில் கடந்து செல்வதற்கு சாட்சியமளிக்கின்றன, கலைஞரும் தனது கதாபாத்திரங்களின் உடல்களில் காலத்தின் இரக்கமின்மைக்கான ஆதாரங்களைக் கண்டுபிடிப்பார் என்று நம்புகிறார். அன்டோனியோ தனது படைப்புகளை ஒரு பொது தலைப்பு மூலம் வரையறுக்கிறார்: “சுய உருவப்படம்”, ஏனெனில் அவரது பென்சில் வரைபடங்களில் அவர் ஒரு நபரை சித்தரிப்பது மட்டுமல்லாமல், ஒரு நபருக்குள் காலப்போக்கின் உண்மையான முடிவுகளை சிந்திக்க பார்வையாளரை அனுமதிக்கிறது.

ஃபிளாமினியா கார்லோனி

ஃபிளாமினியா கார்லோனி 37 வயதான இத்தாலிய கலைஞர், ஒரு தூதரின் மகள். இவருக்கு மூன்று குழந்தைகள் உள்ளனர். அவர் ரோமில் பன்னிரண்டு ஆண்டுகள், இங்கிலாந்து மற்றும் பிரான்சில் மூன்று ஆண்டுகள் வாழ்ந்தார். பி.டி ஸ்கூல் ஆஃப் ஆர்ட்டிலிருந்து கலை வரலாற்றில் பட்டம் பெற்றார். பின்னர் அவர் கலைப் படைப்புகளை மீட்டெடுப்பவராக டிப்ளோமா பெற்றார். தனது தொழிலைக் கண்டுபிடிப்பதற்கும், ஓவியத்தில் தன்னை முழுமையாக அர்ப்பணிப்பதற்கும் முன்பு, அவர் ஒரு பத்திரிகையாளர், வண்ணமயமானவர், வடிவமைப்பாளர் மற்றும் நடிகையாக பணியாற்றினார்.

ஓவியத்தின் மீதான ஃபிளாமினியாவின் ஆர்வம் குழந்தை பருவத்திலிருந்தே தோன்றியது. அவளுடைய முக்கிய ஊடகம் எண்ணெய், ஏனென்றால் அவள் “கோயிஃபர் லா பேட்டை” நேசிக்கிறாள், மேலும் பொருளுடன் விளையாடுகிறாள். பாஸ்கல் டோருவா என்ற கலைஞரின் படைப்புகளிலும் இதே போன்ற ஒரு நுட்பத்தை அவர் கற்றுக்கொண்டார். ஃபிளாமினியா சிறந்த ஓவியர்களான பால்தஸ், ஹாப்பர் மற்றும் பிரான்சுவா லெக்ராண்ட் மற்றும் பல்வேறு கலை இயக்கங்களால் ஈர்க்கப்பட்டுள்ளது: தெரு கலை, சீன யதார்த்தவாதம், சர்ரியலிசம் மற்றும் மறுமலர்ச்சி யதார்த்தவாதம். அவளுக்கு பிடித்த கலைஞர் காரவாஜியோ. கலையின் சிகிச்சை சக்தியைக் கண்டுபிடிப்பதே அவரது கனவு.

டெனிஸ் செர்னோவ்

டெனிஸ் செர்னோவ் ஒரு திறமையான உக்ரேனிய கலைஞர், 1978 இல் உக்ரைனின் எல்விவ் பிராந்தியத்தில் உள்ள சாம்பீரில் பிறந்தார். 1998 இல் கார்கோவ் கலைப் பள்ளியில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, அவர் கார்கோவில் தங்கியிருந்தார், அங்கு அவர் தற்போது வசித்து வருகிறார். கிராஃபிக்ஸ் துறையின் கார்கோவ் மாநில வடிவமைப்பு மற்றும் கலை அகாடமியிலும் 2004 இல் பட்டம் பெற்றார்.

அவர் கலை கண்காட்சிகளில் தவறாமல் பங்கேற்கிறார், தற்போது அறுபதுக்கும் மேற்பட்டவர்கள் உக்ரைனிலும் வெளிநாட்டிலும் உள்ளனர். டெனிஸ் செர்னோவின் பெரும்பாலான படைப்புகள் உக்ரைன், ரஷ்யா, இத்தாலி, இங்கிலாந்து, ஸ்பெயின், கிரீஸ், பிரான்ஸ், அமெரிக்கா, கனடா மற்றும் ஜப்பான் ஆகிய நாடுகளில் உள்ள தனியார் வசூலில் வைக்கப்பட்டுள்ளன. சில படைப்புகள் கிறிஸ்டிக்கு விற்கப்பட்டன.

டெனிஸ் பரந்த அளவிலான கிராஃபிக் மற்றும் ஓவிய நுட்பங்களில் செயல்படுகிறது. பென்சில் வரைபடங்கள் அவருக்கு மிகவும் பிடித்த ஓவிய முறைகளில் ஒன்றாகும், அவரது பென்சில் வரைபடங்களுக்கான கருப்பொருள்களின் பட்டியலும் மிகவும் மாறுபட்டது, அவர் இயற்கை காட்சிகள், உருவப்படங்கள், நிர்வாணங்கள், வகை பாடல்கள், புத்தக விளக்கப்படங்கள், இலக்கிய மற்றும் வரலாற்று புனரமைப்புகள் மற்றும் கற்பனைகளை எழுதுகிறார்.