ศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัย. มุมมองคู่: ศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัย

The Hermitage จัดแสดงนิทรรศการที่น่าสนใจ - ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น "MONO-NO AVARE. The Charm of Things"

ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันเป็นแฟนของศิลปะร่วมสมัย ฉันชอบดีกว่าเมื่อมีบางสิ่งที่ต้องพิจารณา (งานกราฟิกที่ยุ่ง หรืองานตกแต่งและประยุกต์ ethnos คือทุกสิ่งของฉัน) การชื่นชมความงามของแนวคิดที่สะอาดไม่ใช่เรื่องสนุกสำหรับฉันเสมอไป (มาเลวิช ขอโทษนะ ฉันไม่ชอบสี่เหลี่ยมสีดำ!)

แต่วันนี้ฉันได้ไปนิทรรศการนี้!

อันมีค่าถ้าคุณอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสนใจงานศิลปะและยังไม่เคยไปนิทรรศการจะเปิดจนถึงวันที่ 9 กุมภาพันธ์! ไปเพราะมันน่าสนใจ!

แนวคิดไม่ได้โน้มน้าวใจฉันมากนัก อย่างที่ฉันเขียนไว้ข้างต้นแล้ว ฉันคิดว่าเป็นเวลาหนึ่งปีของการเยี่ยมชมนิทรรศการสมัยใหม่ วัตถุหนึ่งหรือสองชิ้นดูเหมือนจะน่าขบขันสำหรับฉันมากที่สุด และหลายสิ่งหลายอย่างไม่ได้สัมผัสฉันมากจนฉันรู้สึกเสียใจกับเวลาที่เสียไป แต่นี่อยู่ในประเภทใด ๆ ในงานศิลปะใด ๆ เปอร์เซ็นต์ของอัตราส่วนของความสามารถและความธรรมดา มันจะดีถ้ามันเป็นหนึ่งในสิบ! แต่ฉันชอบนิทรรศการนี้

ผลงานสร้างสรรค์ของญี่ปุ่นตั้งอยู่ในห้องโถงนิทรรศการของอาคารเจ้าหน้าที่ทั่วไป การติดตั้งครั้งแรกที่พบกับผู้เยี่ยมชมคือเขาวงกตที่น่าทึ่งซึ่งโรยด้วยเกลือลงบนพื้น พื้นสีเทา เกลือขาว พื้นที่ทำเครื่องหมายอย่างประณีตอย่างไม่น่าเชื่อ ทอเป็นทุ่งเดียว โถงนิทรรศการขนาดใหญ่และเครื่องประดับสีขาวแผ่กระจายไปทั่วพื้นราวกับทะเลสาบที่น่าตื่นตาตื่นใจ และคุณเข้าใจว่าศิลปะนี้ชั่วคราวเพียงใด นิทรรศการจะปิดลงเขาวงกตจะถูกกวาดออกไปด้วยไม้กวาด ฉันดูหนังเรื่อง "พระพุทธเจ้าน้อย" และในตอนเริ่มต้น พระภิกษุได้วางเครื่องประดับที่ซับซ้อนจากทรายสี และในตอนท้ายของหนัง พระก็เคลื่อนไหวอย่างแหลมคมด้วยพู่กันของเขา และงานไททานิคก็กระจัดกระจายไปในสายลม มันเป็นแล้วกระโดดและไม่ใช่ และที่บอกว่าชื่นชมความงามที่นี่และตอนนี้ทุกอย่างหายวับไป ดังนั้นเขาวงกตเกลือนี้ เขาเข้าสู่บทสนทนากับคุณ คุณเริ่มตอบคำถามที่เขาเคยถามคุณมาก่อน ศิลปิน - โมโตอิ ยามาโมโตะ

ใช่ ๆ! นี่เป็นเขาวงกตขนาดใหญ่ คุณรู้สึกถึงมาตราส่วนหรือไม่?

วัตถุชิ้นที่สองที่ดึงดูดใจคือโดมขนาดใหญ่ที่ทำจากโพลีเอทิลีนและเรซินสีดำยาสุอากิ โอนิชิ พื้นที่ถูกตัดสินอย่างผิดปกติ บนเส้นด้ายเรซินที่บางที่สุดสีดำแขวนอยู่เล็กน้อยกวนเล็กน้อยโดม ... หรือภูเขาที่มีความโล่งใจที่ซับซ้อน เมื่อคุณเข้าไปข้างใน คุณจะเห็นรูปแบบลายจุด - ตำแหน่งที่เรซินเกาะติด เป็นเรื่องตลกราวกับว่าฝนสีดำกำลังมาอย่างเงียบ ๆ และคุณอยู่ใต้ร่มเงา

คุณมากับเทคนิคนี้ได้อย่างไร? ตลกเหรอ? แต่ดูมีชีวิตชีวาขึ้นเล็กน้อย โดมแกว่งไกวเล็กน้อยจากลมที่พัดผ่านผู้มาเยือน และมีความรู้สึกโต้ตอบของคุณกับวัตถุ เข้า "ถ้ำ" ได้ ดูจากภายในว่าเป็นอย่างไร!

แต่เพื่อไม่ให้รู้สึกว่าทุกอย่างเป็นภาพขาวดำ ฉันจะโพสต์ภาพองค์ประกอบที่ทำจากห่วงที่เชื่อมต่อเข้าด้วยกันอีกสองสามภาพ ลอนผมพลาสติกสีตลกๆ แบบนี้! และคุณยังสามารถเดินผ่านห้องนี้ ในห่วง หรือจะมองทุกอย่างจากภายนอกก็ได้

ฉันชอบวัตถุเหล่านี้มากที่สุด แน่นอน แนวความคิดของศิลปะร่วมสมัยจะเปลี่ยนไปในเร็ว ๆ นี้ สอดคล้องกับยุคใหม่ จะไม่หวนคืนสู่ความเก่า และจะไม่เหมือนเดิมอีกต่อไป มันจะเปลี่ยนไป แต่เพื่อให้เข้าใจว่าคืออะไร กระแสน้ำที่ไหลเชี่ยว และอะไร มาจากไหน เราต้องรู้ว่าตอนนี้กำลังเกิดอะไรขึ้น และอย่าอายไปจากแนวคิดนั้นไม่ใช่สำหรับฉัน แต่พยายามดูและชื่นชมมัน พรสวรรค์มีน้อยเหมือนทุกครั้ง แต่ก็มีอยู่ และหากผู้จัดแสดงพบคำตอบ ก็ไม่สูญหายทั้งหมด !!!

นิทรรศการศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัย "มุมมองคู่" จะจัดขึ้น

1. มีสิ่งแปลกปลอมมากมายในศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น ตัวอย่างเช่น ภาพวาดเหล่านี้โดย Izumi Kato สร้างขึ้นด้วยมือโดยไม่ต้องใช้แปรง

2. เมื่อมองแวบแรกอาจดูเหมือนว่าเป็นหลอดไฟธรรมดา แต่งานที่มีความหมายลึกซึ้งนี้อุทิศให้กับเส้นขนานที่ 38 ซึ่งแยกเกาหลีเหนือและใต้ออกจากกัน

3. แน่นอน ในงานทุกชิ้นมีความหมายลึกซึ้งที่ไม่ได้อยู่บนพื้นผิว แต่แม้ว่าคุณจะไม่พบมัน คุณก็สามารถชื่นชมได้ ตัวอย่างเช่น ความงามของดอกกุหลาบที่ทำขึ้นอย่างชำนาญนี้

4.เหล่านี้เป็นผลงานของ เคนจิ ยาโนเบะ เกี่ยวกับวิธีที่บุคคลสามารถอยู่รอดได้ในวันสิ้นโลก

6. นี่เป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา "Child of the Sun" ที่สร้างขึ้นหลังจากเกิดอุบัติเหตุที่โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ฟุกุชิมะ

8. มาโกโตะ ไอดะ "บอนไซ ไอจัง"

9.นี่ก็เป็นศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นด้วย

10. โครงการที่น่าสนใจ "ต้องการเลนินในอพาร์ทเมนท์มอสโก" Yosinori Niva กำลังมองหาสิ่งของที่ยังหลงเหลืออยู่ซึ่งเกี่ยวข้องกับบุคลิกของเลนินในบ้านของชาวมอสโก สิ่งที่แปลกที่สุดคือไม่ใช่ชาวรัสเซียที่ทำสิ่งนี้ แต่เป็นชาวญี่ปุ่น

14. อย่างไรก็ตาม งานนี้ใช้หนูตัวจริงยัดไส้

15.รูปภาพเหล่านี้แสดงถึงความกลัวของผู้คน

ตั้งแต่วันที่ 16 พฤศจิกายน 2556 อาศรมได้เปิดนิทรรศการ "Mono no avare เสน่ห์ของสิ่งต่างๆ ศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัย" นิทรรศการที่ตั้งอยู่ในอาคารปีกตะวันออกของอาคาร General Staff จัดทำโดยพิพิธภัณฑ์ State Hermitage โดยได้รับการสนับสนุนจากสถานเอกอัครราชทูตญี่ปุ่นในรัสเซีย จัดแสดง การจัดวาง ประติมากรรม วิดีโออาร์ต ภาพถ่ายโดยศิลปินชาวญี่ปุ่นในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ปีและออกแบบเพื่อเติมหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะอายุหลายศตวรรษของดินแดนอาทิตย์อุทัย ... ชื่อของพวกเขาที่รู้จักกันที่บ้านนั้นยังไม่เป็นที่รู้จักสำหรับประชาชนชาวรัสเซียและชาวยุโรป: Kaneuji Teppi, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita และคนอื่น ๆ ฮิรากิ ซาวา ...

คำว่า "mono-no avare" ซึ่งมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 แปลได้ว่า "เสน่ห์ของสิ่งของ" หรือ "ความยินดีจากสิ่งของ" และมีความเกี่ยวข้องกับแนวคิดทางพุทธศาสนาเรื่องความชั่วช้าและความไร้สาระ ของการเป็น วัตถุและวัตถุทางจิตวิญญาณที่รายล้อมบุคคลนั้นซ่อนเสน่ห์เฉพาะตัวที่หายวับไป (ไม่ปกติ) เฉพาะตัวสำหรับเขาเพียงคนเดียว บุคคลและเหนือสิ่งอื่นใดศิลปินจะต้องมีหัวใจที่ตอบสนองเพื่อที่จะค้นหาและสัมผัสเสน่ห์นี้เพื่อตอบสนองต่อมันภายใน ศิลปินร่วมสมัยมีความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนของวัสดุซึ่งความเรียบง่ายภายในของความหมายส่องประกาย โดยจงใจจำกัดตัวเองให้อยู่ในรูปแบบและแรงจูงใจบางอย่าง พวกเขาใช้เทคนิคศิลปะญี่ปุ่นโบราณในระดับใหม่

ในญี่ปุ่น เช่นเดียวกับในรัสเซีย ศิลปะร่วมสมัยเป็นปรากฏการณ์ที่เกิดขึ้นจากภายนอก จากตะวันตก ซึ่งไม่สามารถเข้าใจได้เสมอไปและก่อให้เกิดการปฏิเสธ ทั้งสองวัฒนธรรมมองว่าศิลปะร่วมสมัยของแองโกล - อเมริกันเป็นสัญลักษณ์ของการยืมวัฒนธรรมแบบใหม่ ในญี่ปุ่นในปี 1970 เช่นเดียวกับในรัสเซียในปี 1990 ศิลปินรู้สึกเหมือนเป็นคนนอก พวกเขาไปทำงานทางตะวันตก แต่ในช่วงทศวรรษ 1970 ในญี่ปุ่น คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ฟังดูเป็นแง่บวก ทำให้คนรุ่นใหม่ลืมคำจำกัดความของ "ศิลปะหลังสงคราม" ที่เกี่ยวข้องกับโศกนาฏกรรมและความเสื่อมโทรม

การออกดอกของศิลปะร่วมสมัยอย่างแท้จริงในความหมายแบบตะวันตกนั้นเกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1980 เท่านั้น เมื่อแกลเลอรี่ต่างๆ ไม่เพียงแต่เปิดในกินซ่าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในส่วนอื่นๆ ของโตเกียวด้วย ในปี 1989 พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยแห่งแรกก่อตั้งขึ้นในฮิโรชิมา และการเปิดพิพิธภัณฑ์ในโตเกียวก็เกิดขึ้นตามมาในปี 1990 นับแต่นั้นเป็นต้นมา การยอมรับปรากฏการณ์ศิลปะร่วมสมัยในระดับชาติอย่างค่อยเป็นค่อยไปและการเข้าสู่ชีวิตประจำวันของวัฒนธรรมก็เริ่มต้นขึ้น ขั้นตอนต่อไปคือการถือครองล้มลุกแห่งชาติและสามปี

ในยุคที่เทคโนโลยีสื่อครอบงำโดยสมบูรณ์ ศิลปินชาวญี่ปุ่นให้ความสนใจกับสื่อพื้นเมือง สัมผัส และฟัง นิทรรศการนี้เป็นที่สนใจอย่างมากสำหรับการจัดวาง โดยผลงานของเรียวตะ คุวาคุโบะ (เกิดในปี พ.ศ. 2514) มีโครงสร้างเรียบง่าย แต่ซับซ้อนในการดำเนินการ โดยมีเงาแสดงบทบาทหลัก ศิลปินร่างวัตถุและสร้างลานตาที่เคลื่อนไหวได้อย่างน่าทึ่ง Kaneuji Teppai (เกิดปี 1978) นำเสนอการออกแบบที่ไม่คาดคิดจากวัสดุในครัวเรือนในชีวิตประจำวัน วัตถุที่เขาเก็บรวบรวมซึ่งมีสีและจุดประสงค์ต่างกัน ถูกพับเป็นรูปทรงแปลกประหลาดที่เปลี่ยนเป็นประติมากรรมสมัยใหม่หรือภูมิทัศน์ที่ปกคลุมไปด้วยหิมะจากภาพวาดญี่ปุ่นบนผ้าไหม

"การเลือกวัสดุ" ในงานวิดีโอและประเภท "วัตถุที่พบ" สร้างโดย Hiroaki Morita (b. 1973) และในภาพวาด - โดย Shinishiro Kano (b. 1982) และ Masaya Chiba (b. 1980) ศักยภาพของ "การเลือกวัสดุ" ที่ธรรมดามากซึ่งรวบรวมโดยศิลปินนั้นกลับไปสู่การสร้างจิตวิญญาณของทุกสิ่งและทุกสิ่งตามประเพณีของศาสนาพุทธด้วยแนวคิดที่ว่าในสิ่งมีชีวิตและในทุกวัตถุ - จากคนไปจนถึงใบหญ้าเล็ก ๆ - ธรรมชาติของพระพุทธเจ้าวางอยู่ นอกจากนี้ยังมีความใส่ใจในแก่นแท้ภายในของสิ่งต่าง ๆ ที่ถูกมองว่าเป็นความงามและเสน่ห์

การติดตั้งโดย Kengo Quito (b. 1977) ประกอบด้วยห่วง ในเวลาเดียวกันเช่นประติมากรรมและภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีระนาบที่แยกไม่ออก สีพื้นฐาน และมุมมอง ช่องว่างในนั้นกลายเป็นเครื่องบินต่อหน้าต่อตาเรา ซึ่งทำให้สามารถคัดลอกสัญลักษณ์และสัญลักษณ์ของศิลปะทั้งหมดที่สูญเสียการเชื่อมต่อกับความเป็นจริงได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุด

พวกเขาทำงานค่อนข้างแตกต่างกับพื้นที่ของ Yasuaki Onishi (b. 1979) และ Motoi Yamamoto (b. 1966) ในการติดตั้ง โยชิฮิโระ สุดะ (เกิดปี พ.ศ. 2512) ได้ผสมผสานแนวทางที่แตกต่างกันเหล่านี้เข้ากับความเรียบง่ายที่น่าดึงดูดใจ ได้เริ่มการบุกรุกน้อยที่สุดในพื้นที่จัดแสดงนิทรรศการ โดยวางต้นไม้ที่ดูเหมือนของจริงลงในนั้นอย่างสุขุม

นิทรรศการ "Mono no avare The Charm of Things. Contemporary Art of Japan" จัดทำโดยกรมศิลปะร่วมสมัยเป็นส่วนหนึ่งของโครงการ Hermitage 20/21 Mikhail B. Piotrovsky ผู้อำนวยการทั่วไปของ State Hermitage กล่าวว่า “วัตถุประสงค์ของโครงการคือการรวบรวม จัดแสดง และศึกษาศิลปะแห่งศตวรรษ XX-XXI อาศรม 20/21 มีไว้สำหรับผู้ที่ต้องการติดตาม สมัยนั้นทั้งมือสมัครเล่นและมืออาชีพ นักเลงที่เก่งกาจ และผู้ชมที่อายุน้อยที่สุด "

ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการคือ Dmitry Yuryevich Ozerkov หัวหน้าภาควิชาศิลปะร่วมสมัยของ State Hermitage, Ph.D. ในปรัชญาและ Ekaterina Vladimirovna Lopatkina รองหัวหน้าภาควิชาศิลปะร่วมสมัย ที่ปรึกษาทางวิทยาศาสตร์ของนิทรรศการคือ Anna Vasilievna Savelyeva นักวิจัยใน Oriental Department of the State Hermitage มีการจัดเตรียมโบรชัวร์ภาพประกอบสำหรับนิทรรศการ ผู้เขียนข้อความคือ D.Yu โอเซอร์คอฟ.

ศิลปะญี่ปุ่นเป็นสถานที่สำคัญในคอลเล็กชั่นของ State Hermitage และผลงานจำนวนประมาณ 10,000 ชิ้น พิพิธภัณฑ์ประกอบด้วยไม้แกะสลักสี 1,500 แผ่น รวมถึงผลงานของปรมาจารย์ด้านการแกะสลักชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงในช่วงกลางศตวรรษที่ 18-20 คอลเล็กชั่นเครื่องลายครามและเซรามิก (นิทรรศการมากกว่า 2,000 รายการ); เคลือบเงาของศตวรรษที่ 16-20; ตัวอย่างผ้าและชุด ส่วนที่มีค่าที่สุดในคอลเล็กชั่นงานศิลปะญี่ปุ่นของ Hermitage คือคอลเล็กชั่น netsuke ซึ่งเป็นรูปปั้นขนาดเล็กของศตวรรษที่ 17-19 ที่มีผลงานมากกว่า 1,000 ชิ้น

ฉากศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัยดูเหมือนจะเป็นโลกาภิวัตน์อย่างสมบูรณ์ ศิลปินเดินทางระหว่างโตเกียวและนิวยอร์ก เกือบทั้งหมดได้รับการศึกษาในยุโรปหรืออเมริกา ผลงานของพวกเขาใช้ภาษาอังกฤษศิลปะระดับนานาชาติ อย่างไรก็ตาม ภาพนี้ก็ยังห่างไกลจากความสมบูรณ์

รูปทรงและแนวโน้มของประเทศกำลังพิสูจน์ให้เห็นว่าเป็นหนึ่งในสินค้าโภคภัณฑ์ที่เป็นที่ต้องการตัวมากที่สุดที่ญี่ปุ่นนำเสนอสู่ตลาดโลกสำหรับแนวคิดและผลงานทางศิลปะ

การทำงานของเครื่องบิน กระแส Superflat รวมวัฒนธรรม Geek อเมริกันและภาพวาดญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมอย่างไร

หากในโลกตะวันตกสำหรับเกือบทุกคน (ยกเว้นบางทีอาจเป็นนักทฤษฎีหลังสมัยใหม่ที่กระตือรือร้นที่สุด) พรมแดนระหว่างวัฒนธรรมระดับสูงและวัฒนธรรมมวลชนยังคงมีความเกี่ยวข้องอยู่ แม้ว่าจะเป็นปัญหาก็ตาม ในญี่ปุ่นโลกเหล่านี้ก็ปะปนกันไปโดยสิ้นเชิง

ตัวอย่างนี้คือทาคาชิ มูราคามิ ซึ่งประสบความสำเร็จในการรวมนิทรรศการในแกลเลอรี่ที่ดีที่สุดของโลกเข้ากับการผลิตแบบสตรีมมิ่ง

บันทึกทัวร์นิทรรศการมูราคามิ "ฝนจะตก"

อย่างไรก็ตาม ความสัมพันธ์ของมูราคามิกับวัฒนธรรมสมัยนิยม และสำหรับญี่ปุ่น วัฒนธรรมของแฟนการ์ตูนและอนิเมะ (โอตาคุ) เป็นหลักนั้นซับซ้อนกว่า ปราชญ์ฮิโรกิ อาซูมะวิพากษ์วิจารณ์ความเข้าใจของโอตาคุว่าเป็นปรากฏการณ์ญี่ปุ่นแท้ๆ โอตาคุถือว่าตนเองเกี่ยวข้องโดยตรงกับประเพณีสมัยเอโดะในศตวรรษที่ 17-19 ซึ่งเป็นยุคแห่งการแยกตัวและการปฏิเสธความทันสมัย Azuma ให้เหตุผลว่าขบวนการโอตาคุซึ่งเชื่อมโยงกับมังงะ แอนิเมชั่น นิยายภาพ เกมคอมพิวเตอร์ สามารถเกิดขึ้นได้เฉพาะในบริบทของการยึดครองของชาวอเมริกันหลังสงครามอันเป็นผลมาจากการนำเข้าวัฒนธรรมอเมริกัน ศิลปะของมุราคามิและผู้ติดตามของเขาได้สร้างโอตาคุขึ้นใหม่ด้วยเทคนิคป๊อปอาร์ตและหักล้างตำนานชาตินิยมเกี่ยวกับความถูกต้องของประเพณี มันแสดงถึง "การทำให้เป็นอเมริกันอีกครั้งของวัฒนธรรมอเมริกันแบบญี่ปุ่น"

จากมุมมองของประวัติศาสตร์ศิลปะ superflat อยู่ใกล้กับภาพวาดอุกิโยะเอะของญี่ปุ่นยุคแรกที่สุด งานที่มีชื่อเสียงที่สุดในประเพณีนี้คือการแกะสลัก "คลื่นลูกใหญ่นอกคานางาวะ" โดย Katsushika Hokusai (1823–1831)

สำหรับลัทธิสมัยใหม่แบบตะวันตก การค้นพบภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นความก้าวหน้าครั้งสำคัญ มันทำให้เราเห็นภาพเหมือนเครื่องบินและพยายามที่จะไม่เอาชนะคุณลักษณะนี้ แต่เพื่อใช้งาน

ผู้บุกเบิกประสิทธิภาพ ศิลปะญี่ปุ่นในทศวรรษ 1950 ในปัจจุบันมีความหมายอย่างไร?

เอกสารกระบวนการสร้างสรรค์ของ Akira Kanayama และ Kazuo Shiragi

Superflat เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในยุค 2000 เท่านั้น แต่งานศิลปะที่สำคัญสำหรับศิลปะโลกเริ่มขึ้นในญี่ปุ่นเร็วกว่านี้มาก และเร็วกว่าในตะวันตกด้วยซ้ำ

ผลงานศิลปะที่เปลี่ยนไปในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 60 และ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมา ในญี่ปุ่น การแสดงปรากฏในทศวรรษที่ห้าสิบ

นับเป็นครั้งแรกที่ Gutai Group ได้เปลี่ยนโฟกัสจากวัตถุที่มีในตัวเองเป็นการผลิต จากนี้ไปเป็นขั้นตอนหนึ่งในการละทิ้งงานศิลปะเพื่อสนับสนุนเหตุการณ์ชั่วคราว

แม้ว่าศิลปินแต่ละคนจาก Gutai (และมี 59 คนใน 20 ปี) ยังคงมีอยู่อย่างแข็งขันในบริบทระหว่างประเทศ แต่ความเข้าใจเกี่ยวกับศิลปะหลังสงครามของญี่ปุ่นในฐานะกิจกรรมโดยรวมโดยทั่วไปเริ่มขึ้นในฝั่งตะวันตกเมื่อไม่นานมานี้ บูมเกิดขึ้นในปี 2013: นิทรรศการหลายแห่งในแกลเลอรีขนาดเล็กในนิวยอร์กและลอสแองเจลิส "Tokyo 1955-1970: a new avant-garde" ที่ MOMA และนิทรรศการย้อนยุคขนาดใหญ่ "Gutai: Splendid Playground" ที่พิพิธภัณฑ์ Guggenheim การนำเข้าศิลปะญี่ปุ่นของมอสโกดูเหมือนจะเป็นความต่อเนื่องของแนวโน้มนี้ในทันที

นิทรรศการย้อนหลังเหล่านี้ดูทันสมัยเพียงใด ตัวอย่างเช่น วัตถุหลักของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์คือการสร้างงาน (น้ำ) ของ Sadamasa Motonagi ซึ่งระดับของหอกของพิพิธภัณฑ์เชื่อมต่อกับท่อโพลีเอทิลีนที่มีน้ำสี พวกเขามีลักษณะคล้ายกับจังหวะพู่กันที่ฉีกออกจากผืนผ้าใบและเป็นตัวอย่างของการเน้นที่ "ความสม่ำเสมอ" ของ Gutai (ตามชื่อของกลุ่มที่แปลมาจากภาษาญี่ปุ่น) สาระสำคัญของวัตถุที่ศิลปินใช้

ผู้เข้าร่วม Gutai หลายคนได้รับการศึกษาเกี่ยวกับภาพวาดคลาสสิกของนิฮงกะ หลายคนเชื่อมโยงชีวประวัติกับบริบททางศาสนาของพุทธศาสนานิกายเซน กับการประดิษฐ์ตัวอักษรญี่ปุ่นที่มีลักษณะเฉพาะ พวกเขาทั้งหมดได้ค้นพบแนวทางใหม่ แบบเป็นขั้นตอนหรือแบบมีส่วนร่วมสำหรับประเพณีโบราณ Kazuo Shiraga บันทึกวิดีโอว่าเขาวาดสีเดียวของเขาอย่างไรที่คาดการณ์ Rauschenberg ด้วยเท้าของเขา หรือแม้แต่สร้างภาพในที่สาธารณะ

มิโนรุ โยชิดะ เปลี่ยนดอกไม้จากภาพพิมพ์ญี่ปุ่นให้กลายเป็นวัตถุที่ทำให้เคลิบเคลิ้ม เช่น ดอกไม้ไบเซ็กชวล ซึ่งเป็นหนึ่งในประติมากรรมจลนศาสตร์ (เคลื่อนไหว) แห่งแรกของโลก

ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์พูดถึงความสำคัญทางการเมืองของงานเหล่านี้:

"Gutai แสดงให้เห็นถึงความสำคัญของการกระทำส่วนบุคคลโดยเสรี การทำลายความคาดหวังของผู้ชมและแม้แต่ความโง่เขลา เป็นวิธีตอบโต้ความเฉยเมยทางสังคมและความสอดคล้องที่ยอมให้รัฐบาลทหารได้รับอิทธิพลจำนวนมาก บุกจีนและ แล้วเข้าร่วมสงครามโลกครั้งที่สอง"

ดีและฉลาด ทำไมศิลปินถึงออกจากญี่ปุ่นเพื่อไปอเมริกาในทศวรรษ 1960

Gutai เป็นข้อยกเว้นของกฎในญี่ปุ่นหลังสงคราม กลุ่มแนวหน้ายังคงเป็นชายขอบ โลกศิลปะมีลำดับชั้นอย่างเคร่งครัด เส้นทางหลักสู่การยอมรับคือการเข้าร่วมการแข่งขันที่จัดขึ้นโดยสมาคมที่เป็นที่ยอมรับของศิลปินคลาสสิก ดังนั้น หลายคนชอบที่จะไปทางตะวันตกและรวมเข้ากับระบบศิลปะภาษาอังกฤษ

เป็นเรื่องยากสำหรับผู้หญิงโดยเฉพาะ แม้แต่ใน Gutai ที่ก้าวหน้า ส่วนแบ่งของการปรากฏตัวของพวกเขาก็ยังไม่ถึงหนึ่งในห้า เราสามารถพูดอะไรเกี่ยวกับสถาบันแบบดั้งเดิมสำหรับการเข้าถึงการศึกษาพิเศษที่จำเป็น เมื่ออายุหกสิบเศษ ๆ เด็กผู้หญิงก็ได้รับสิทธิไปแล้ว แต่สอนศิลปะ (ถ้าไม่เกี่ยวกับการตกแต่งซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดทักษะ เรียวไซ เคนโบ- ภรรยาที่ดีและแม่ที่ฉลาด) ถูกสังคมรังเกียจ

โยโกะ โอโนะ. ตัดชิ้น

เรื่องราวของการอพยพของศิลปินชาวญี่ปุ่นที่ทรงอิทธิพล 5 คนจากโตเกียวไปยังสหรัฐอเมริกา เป็นเรื่องของการศึกษาโดย Midori Yoshimoto, Into Performance: Japanese Women Artists ในนิวยอร์ก Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi และ Shigeko Kubota ในตอนเริ่มต้นอาชีพของพวกเขาตัดสินใจออกไปนิวยอร์กและทำงานที่นั่นรวมถึงการปรับปรุงประเพณีศิลปะญี่ปุ่นให้ทันสมัย มีเพียง Yoko Ono เท่านั้นที่เติบโตในสหรัฐอเมริกา - แต่เธอก็จงใจปฏิเสธที่จะกลับไปญี่ปุ่น โดยไม่แยแสกับลำดับชั้นทางศิลปะของโตเกียวในช่วงพักระยะสั้นในปี 2505-2507

Ono กลายเป็นคนที่มีชื่อเสียงที่สุดในห้าคนนี้ - ไม่เพียง แต่ในฐานะภรรยาของ John Lennon เท่านั้น แต่ยังเป็นผู้เขียนการแสดงโปรโต - สตรีนิยมที่อุทิศให้กับการทำให้ร่างกายของผู้หญิงกลายเป็นวัตถุ มีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนระหว่าง Cut Piece Ono ซึ่งผู้ชมสามารถตัดเสื้อผ้าของศิลปินและ "Rhythm 0" โดย "ยายการแสดง" ของ Marina Abramovich

บนขาสั้น วิธีผ่านการฝึกอบรมการแสดงของผู้เขียนโดย Tadashi Suzuki

ในกรณีของ Ohno และ Gutai วิธีการและธีมของงานซึ่งแยกออกจากผู้แต่งกลายเป็นเรื่องสำคัญในระดับสากล มีการส่งออกรูปแบบอื่น - เมื่อมีการรับรู้ผลงานของศิลปินด้วยความสนใจในเวทีระหว่างประเทศ แต่การยืมวิธีการนั้นไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากความเฉพาะเจาะจง กรณีที่โดดเด่นที่สุดคือระบบการฝึกการแสดงของทาดาชิ ซูซูกิ

โรงละครซูซูกิเป็นที่รักแม้กระทั่งในรัสเซีย - และไม่น่าแปลกใจเลย ครั้งสุดท้ายที่เขาอยู่กับเราคือในปี 2016 กับละครเรื่อง "Trojans" ที่อิงจากเนื้อหาของ Euripides และในช่วงปี 2000 เขามาพร้อมกับผลงานของ Shakespeare และ Chekhov หลายครั้ง ซูซูกิย้ายการกระทำของบทละครไปสู่บริบทของญี่ปุ่นในปัจจุบันและเสนอการตีความข้อความที่ไม่ชัดเจน: เขาค้นพบการต่อต้านชาวยิวใน Ivanovo และเปรียบเทียบกับทัศนคติที่ไม่ใส่ใจของญี่ปุ่นต่อชาวจีน ย้ายการกระทำของ King Lear ไปยังชาวญี่ปุ่น โรงพยาบาลบ้า

ซูซูกิสร้างระบบของเขาขึ้นเพื่อต่อต้านโรงเรียนการละครของรัสเซีย ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในช่วงที่เรียกว่าสมัยเมจิ จักรวรรดิญี่ปุ่นสมัยใหม่ที่กำลังพัฒนาได้ประสบกับการเคลื่อนไหวของฝ่ายค้านที่เพิ่มขึ้น ผลที่ได้คือวัฒนธรรมตะวันตกที่ปิดตัวลงอย่างมหาศาล ในบรรดารูปแบบที่นำเข้าคือระบบ Stanislavsky ซึ่งยังคงอยู่ในญี่ปุ่น (และในรัสเซีย) หนึ่งในวิธีการหลักในการกำกับ

ซูซูกิ แบบฝึกหัด

ในวัยหกสิบเศษ เมื่อซูซูกิเริ่มอาชีพการงาน วิทยานิพนธ์ที่เนื่องจากลักษณะทางร่างกายของพวกเขา นักแสดงชาวญี่ปุ่นไม่คุ้นเคยกับบทบาทจากตำราตะวันตกซึ่งเต็มไปด้วยละครในขณะนั้นจึงแพร่หลายมากขึ้นเรื่อยๆ ผู้กำกับหนุ่มพยายามเสนอทางเลือกที่น่าเชื่อถือที่สุด

ระบบการออกกำลังกายของ Suzuki เรียกว่า ไวยากรณ์ขา มีหลายวิธีในการนั่ง รวมถึงการยืนและเดินมากขึ้น

นักแสดงของเขามักจะเล่นเท้าเปล่าและดูเหมือนหนักเนื่องจากจุดศูนย์ถ่วงลดลงจนแน่นที่สุดกับพื้น ซูซูกิสอนพวกเขาและผู้เข้าร่วมจากต่างประเทศในการแสดงของเขาในหมู่บ้าน Toga ในบ้านญี่ปุ่นเก่า ๆ ที่เต็มไปด้วยอุปกรณ์ที่ทันสมัย คณะของเขาแสดงเพียง 70 ครั้งต่อปี และเวลาที่เหลือที่พวกเขาอาศัยอยู่แทบไม่เคยออกจากหมู่บ้านและไม่มีเวลาสำหรับเรื่องส่วนตัว มีแต่งานเท่านั้น

Toga Center มีอายุย้อนไปถึงปี 1970 และได้รับการออกแบบโดยสถาปนิกชื่อดังระดับโลก Arata Isozaka ตามคำขอของผู้อำนวยการ ระบบของ Suzuki อาจดูเหมือนปิตาธิปไตยและอนุรักษ์นิยม แต่เขาพูดถึง Toga ในแง่ของการกระจายอำนาจสมัยใหม่ ย้อนกลับไปในช่วงกลางปี ​​2000 ซูซูกิเข้าใจถึงความสำคัญของการส่งออกงานศิลปะจากเมืองหลวงไปยังภูมิภาคต่างๆ และการจัดจุดการผลิตในท้องถิ่น ผู้กำกับระบุว่า แผนที่การแสดงละครของญี่ปุ่นนั้นคล้ายคลึงกับแผนที่ของรัสเซียในหลาย ๆ ด้าน โดยมีการกระจุกตัวอยู่ที่โตเกียวและศูนย์เล็กๆ หลายแห่ง โรงละครรัสเซียจะได้รับประโยชน์จากบริษัทที่ออกทัวร์ในเมืองเล็กๆ เป็นประจำและอยู่ห่างจากเมืองหลวง

เส้นทางดอกไม้. โรงละครสมัยใหม่ค้นพบทรัพยากรใดในระบบละครโนะและคาบูกิ?

วิธีการของซูซูกิเติบโตจากประเพณีญี่ปุ่นโบราณสองแบบ - แต่ยังรวมถึงคาบุกิด้วย โรงละครประเภทนี้ไม่เพียงแต่มีลักษณะเป็นศิลปะการเดินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรายละเอียดที่ชัดเจนกว่าด้วย ซูซูกิมักจะปฏิบัติตามกฎของผู้ชายที่ทำหน้าที่ทุกอย่าง ใช้วิธีแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ที่มีลักษณะเฉพาะ เช่น ฮานามิจิ ("เส้นทางแห่งดอกไม้") ของลวดลายคาบุกิ ซึ่งเป็นแท่นที่ยื่นจากเวทีไปสู่ด้านในของหอประชุม เขายังใช้ประโยชน์จากสัญลักษณ์ที่เป็นที่รู้จัก เช่น ดอกไม้และม้วนกระดาษ

แน่นอน ในโลกโลก ไม่มีปัญหาเรื่องสิทธิพิเศษของญี่ปุ่นที่จะใช้รูปแบบประจำชาติของพวกเขา

โรงละครของหนึ่งในผู้กำกับคนสำคัญที่สุดในยุคของเรา โรเบิร์ต วิลสันชาวอเมริกัน สร้างขึ้นจากการกู้ยืมเงินจาก แต่

เขาไม่เพียงแต่ใช้หน้ากากและเครื่องสำอางที่เตือนใจผู้ชมทั่วไปในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังยืมวิธีการแสดงโดยอิงจากการแสดงท่าทางที่ช้าลงสูงสุดและการแสดงท่าทางที่พอเพียง การผสมผสานรูปแบบดั้งเดิมและพิธีกรรมเข้ากับคะแนนแสงล้ำสมัยและดนตรีมินิมัลลิสต์ (ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Wilson คือการผลิตโอเปร่า Einstein on the Beach ของ Philip Glass) โดยพื้นฐานแล้วจะสร้างการสังเคราะห์ต้นกำเนิดและความเกี่ยวข้องที่ศิลปะร่วมสมัยส่วนใหญ่มุ่งมั่น .

โรเบิร์ต วิลสัน. "ไอน์สไตน์บนชายหาด"

หนึ่งในเสาหลักของการเต้นรำสมัยใหม่ - butoh ซึ่งแปลตามตัวอักษร - การเต้นรำแห่งความมืดเกิดขึ้นจากละครโนะและคาบุกิ คิดค้นขึ้นในปี 1959 โดยนักออกแบบท่าเต้น Kazuo Ono และ Tatsumi Hijikata ผู้ซึ่งดึงจุดศูนย์ถ่วงต่ำและมุ่งเน้นไปที่ขา Butoh เป็นการถ่ายโอนความคิดเกี่ยวกับประสบการณ์ทางทหารที่กระทบกระเทือนจิตใจไปสู่มิติทางร่างกาย

“พวกเขาแสดงให้เห็นร่างกายที่ป่วย พังทลาย แม้กระทั่งมหึมาและมหึมา<…>การเคลื่อนไหวช้า แล้วจงใจคม ระเบิด ด้วยเหตุนี้จึงใช้เทคนิคพิเศษเมื่อเคลื่อนไหวราวกับว่าไม่มีกล้ามเนื้อหลักเนื่องจากคันโยกกระดูกของโครงกระดูก "นักประวัติศาสตร์การเต้นรำ Irina Sirotkina จารึก butoh ในประวัติศาสตร์ของการปลดปล่อยร่างกาย ด้วยการออกจากบรรทัดฐานของบัลเล่ต์ เธอเปรียบเทียบ Butoh กับการฝึกฝนของนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นของต้นศตวรรษที่ 20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman และพูดถึงอิทธิพลของการเต้น "หลังสมัยใหม่" ในภายหลัง

เศษเสี้ยวของการเต้นรำของคัตสึระ คัน ผู้สืบทอดประเพณีบูโตสมัยใหม่

ปัจจุบัน บูโตในรูปแบบดั้งเดิมไม่ใช่แนวปฏิบัติที่ล้ำหน้าอีกต่อไป แต่เป็นการสร้างประวัติศาสตร์ขึ้นใหม่

อย่างไรก็ตาม คำศัพท์เกี่ยวกับการเคลื่อนไหวที่พัฒนาโดยโอโนะ ฮิจิกาตะ และผู้ติดตามยังคงเป็นแหล่งข้อมูลสำคัญสำหรับนักออกแบบท่าเต้นร่วมสมัย ทางตะวันตกมีการใช้ Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky และแม้แต่ในวิดีโอเรื่อง "Belong To The World" ของ The Weekend ในญี่ปุ่น ผู้สืบทอดประเพณีบูโตคือ ตัวอย่างเช่น ซาบุโร เตซิกาวาระ ซึ่งจะมารัสเซียในเดือนตุลาคม แม้ว่าตัวเขาเองจะปฏิเสธความคล้ายคลึงของการเต้นรำแห่งความมืด แต่นักวิจารณ์ก็พบสัญญาณที่จำได้ค่อนข้างมาก: ร่างกายที่ดูเหมือนไม่มีกระดูก, ความเปราะบาง, ความไร้เสียงของขั้นตอน จริงอยู่ พวกเขาถูกวางไว้ในบริบทของการออกแบบท่าเต้นหลังสมัยใหม่ - ด้วยจังหวะที่สูง การวิ่งจ็อกกิ้ง ทำงานร่วมกับเสียงเพลงหลังยุคอุตสาหกรรม

ซาบุโร เทสิกาวาระ. การเปลี่ยนแปลง

ท้องถิ่นทั่วโลก ทำไมศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นจึงยังคงคล้ายกับศิลปะตะวันตก?

ผลงานของ Tesigavara และเพื่อนร่วมงานหลายคนของเขาเข้ากับโปรแกรมของเทศกาลนาฏศิลป์ร่วมสมัยที่ดีที่สุดของตะวันตก ภาพรวมคร่าวๆ ของการแสดงและการแสดงที่จัดแสดงในเทศกาล / โตเกียว การแสดงประจำปีที่ใหญ่ที่สุดในโรงละครญี่ปุ่นประจำปีนั้นยากจะสังเกตเห็นความแตกต่างพื้นฐานจากแนวโน้มของยุโรป

ความเฉพาะเจาะจงของสถานที่กลายเป็นหนึ่งในประเด็นหลัก ศิลปินชาวญี่ปุ่นสำรวจพื้นที่ของโตเกียว ตั้งแต่กลุ่มทุนนิยมในรูปแบบของตึกระฟ้าไปจนถึงพื้นที่ชายขอบของความเข้มข้นของโอตาคุ

อีกหัวข้อหนึ่งคือการอธิบายความเข้าใจผิดระหว่างรุ่นอย่างละเอียด การแสดงละครเป็นสถานที่พบปะพูดคุยกันแบบสดๆ และจัดการสื่อสารของคนในวัยต่างๆ โปรเจ็กต์ที่อุทิศให้กับเธอโดยโทชิกิ โอคาดะ และอากิระ ทานายามะ ได้ถูกนำไปที่เวียนนาเป็นเวลาหลายปีติดต่อกันสำหรับหนึ่งในเทศกาลศิลปะการแสดงที่สำคัญของยุโรป ไม่มีอะไรใหม่ในการถ่ายโอนเอกสารสารคดีและเรื่องราวส่วนตัวไปยังเวทีภายในสิ้นปี 2000 แต่ภัณฑารักษ์ของเทศกาลเวียนนาได้นำเสนอโครงการเหล่านี้ต่อสาธารณชนเพื่อเป็นโอกาสในการติดต่อกับวัฒนธรรมอื่น

อีกสายหลักคือการพัฒนาประสบการณ์ที่กระทบกระเทือนจิตใจ สำหรับชาวญี่ปุ่น มันไม่เกี่ยวข้องกับป่าช้าหรือความหายนะ แต่เกี่ยวข้องกับการทิ้งระเบิดที่ฮิโรชิมาและนางาซากิ โรงละครกล่าวถึงเขาอยู่ตลอดเวลา แต่คำพูดที่ทรงพลังที่สุดเกี่ยวกับการระเบิดปรมาณูในช่วงเวลาแห่งการกำเนิดของวัฒนธรรมญี่ปุ่นสมัยใหม่ทั้งหมดยังคงเป็นของทาคาชิ มูราคามิ

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" เป็นชื่อโครงการที่ได้รับการดูแลจัดการในปี 2548 ของเขาในนิวยอร์ก "Little Boy" - "baby" ในภาษารัสเซีย - เป็นชื่อของหนึ่งในระเบิดที่ทิ้งในญี่ปุ่นในปี 1945 สะสมการ์ตูนมังงะหลายร้อยเรื่องจากนักวาดภาพประกอบชั้นนำ ของเล่นวินเทจที่โดดเด่น และของที่ระลึกที่ได้รับแรงบันดาลใจจากอะนิเมะชื่อดังตั้งแต่ Godzilla ไปจนถึง Hello Kitty มูราคามิได้ผลักดันความเข้มข้นของความน่ารัก - คาวาอี้ เข้าไปในพื้นที่พิพิธภัณฑ์จนสุดขีด ควบคู่ไปกับการเลือกแอนิเมชั่น ซึ่งภาพตรงกลางเป็นภาพการระเบิด ดินเปล่า เมืองที่ถูกทำลาย

ฝ่ายค้านนี้เป็นคำแถลงขนาดใหญ่ครั้งแรกเกี่ยวกับการทำให้เป็นทารกของวัฒนธรรมญี่ปุ่นเพื่อรับมือกับพล็อต

ตอนนี้ข้อสรุปนี้ดูเหมือนชัดเจนอยู่แล้ว การศึกษาเชิงวิชาการเกี่ยวกับคาวาอิของ Inuhiko Yomota นั้นอิงจากเรื่องนี้

ทริกเกอร์ที่กระทบกระเทือนจิตใจในภายหลังก็เกิดขึ้นเช่นกัน ที่สำคัญที่สุด - เหตุการณ์เมื่อวันที่ 11 มีนาคม 2011 แผ่นดินไหวและสึนามิซึ่งนำไปสู่อุบัติเหตุครั้งใหญ่ที่โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ฟุกุชิมะ ที่งาน Festival / Tokyo-2018 มีการแสดงทั้ง 6 รายการเพื่อทำความเข้าใจผลที่ตามมาจากภัยพิบัติทางธรรมชาติและเทคโนโลยี พวกเขายังกลายเป็นธีมสำหรับผลงานชิ้นหนึ่งที่นำเสนอที่ Solyanka ตัวอย่างนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าคลังแสงของวิธีการที่สำคัญในศิลปะตะวันตกและญี่ปุ่นไม่ได้แตกต่างกันโดยพื้นฐาน Haruyuki Ishii สร้างการติดตั้งโทรทัศน์สามเครื่อง ซึ่งวนลูปฟุตเทจที่มีการแก้ไขด้วยความเร็วสูงและวนซ้ำของรายการโทรทัศน์ที่เกิดแผ่นดินไหว

“งานประกอบด้วยวิดีโอ 111 รายการที่ศิลปินดูทุกวันในข่าว จนถึงช่วงเวลาที่ทุกสิ่งที่เขาเห็นกลายเป็นนิยาย” ภัณฑารักษ์อธิบาย New Japan เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของการที่ศิลปะไม่ต่อต้านการตีความตามตำนาน แต่ในขณะเดียวกัน สายตาวิพากษ์วิจารณ์ก็เผยให้เห็นว่าการตีความแบบเดียวกันอาจเกี่ยวข้องกับศิลปะจากแหล่งกำเนิดใดๆ ภัณฑารักษ์พูดถึงการไตร่ตรองซึ่งเป็นพื้นฐานของประเพณีญี่ปุ่น โดยใช้คำพูดอ้างอิงจากเล่าจื๊อ ในเวลาเดียวกัน ราวกับหลุดจากวงเล็บที่งานศิลปะร่วมสมัยเกือบทั้งหมดเน้นที่ "เอฟเฟกต์ผู้สังเกตการณ์" (นี่คือชื่อนิทรรศการ) - ไม่ว่าจะอยู่ในรูปแบบของการสร้างบริบทใหม่การรับรู้ปรากฏการณ์ที่คุ้นเคยหรือในการวางตัว คำถามเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของการรับรู้ที่เพียงพอเช่นนี้

Imagined Communities เป็นผลงานอีกชิ้นหนึ่งของศิลปินวิดีโอ Haruyuki Ishii

เกม

อย่างไรก็ตาม เราไม่ควรคิดว่าญี่ปุ่นในทศวรรษ 2010 เป็นประเทศที่มีความก้าวหน้า

นิสัยของลัทธิจารีตนิยมแบบเก่าที่ดีและความรักของลัทธินอกรีตแบบตะวันออกยังไม่ถูกกำจัดให้สิ้นซาก “Theater of Virgins” เป็นชื่อของบทความที่ค่อนข้างน่ายินดีเกี่ยวกับโรงละครญี่ปุ่น “Takarazuka” ในนิตยสารอนุรักษ์นิยมรัสเซีย “PTZh” ทาคาระซึกะปรากฏตัวขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 เป็นโครงการธุรกิจเพื่อดึงดูดนักท่องเที่ยวให้มายังเมืองห่างไกลที่มีชื่อเดียวกัน ซึ่งบังเอิญกลายเป็นสถานีปลายทางของรถไฟเอกชน มีเพียงเด็กผู้หญิงที่ยังไม่ได้แต่งงานเท่านั้นที่เล่นในโรงละครซึ่งตามแผนของเจ้าของรถไฟควรจะล่อผู้ชมชายให้เข้ามาในเมือง วันนี้ Takarazuka ทำหน้าที่เป็นอุตสาหกรรม - มีช่องทีวีของตัวเอง รายการคอนเสิร์ตที่วุ่นวาย และแม้แต่สวนสนุกในท้องถิ่น แต่มีเพียงสาวโสดเท่านั้นที่มีสิทธิ์อยู่ในคณะ - หวังว่าอย่างน้อยพวกเขาจะไม่ตรวจสอบความบริสุทธิ์

อย่างไรก็ตาม Takarazuka อ่อนลงเมื่อเทียบกับ Toji Deluxe club ในเกียวโตซึ่งชาวญี่ปุ่นเรียกว่าโรงละคร พวกเขาแสดงออกอย่างดุเดือดโดยตัดสินโดย คำอธิบายเอียน บูรูมา คอลัมนิสต์ชาวนิวยอร์ก โชว์เปลื้องผ้า: สาวเปลือยหลายคนบนเวทีเปลี่ยนการสาธิตอวัยวะเพศเป็นพิธีกรรมสาธารณะ

เช่นเดียวกับการปฏิบัติทางศิลปะหลายอย่าง การแสดงนี้มีพื้นฐานมาจากตำนานโบราณ (ด้วยความช่วยเหลือของเทียนและแว่นขยาย ผู้ชายจากผู้ชมสามารถผลัดกันสำรวจ "ความลับของแม่เทพธิดา Amaterasu") และผู้เขียนเองก็นึกถึง ประเพณีที่

การค้นหาคู่ภาษาตะวันตกสำหรับทาคาราซึกิและโทจิจะถูกทิ้งให้ผู้อ่าน - พวกเขาหาได้ไม่ยาก ขอให้เราทราบเพียงว่าการต่อสู้กับการกดขี่เช่นนี้เป็นการชี้นำส่วนสำคัญของศิลปะร่วมสมัย - ทั้งแบบตะวันตกและแบบญี่ปุ่น ตั้งแต่การเต้นแบบสุดยอดไปจนถึงการเต้นบูโต

ชาวญี่ปุ่นค้นพบความงามที่ซ่อนอยู่ในสิ่งของต่างๆ ในศตวรรษที่ 9-12 ในยุคเฮอัน (794-1185) และยังกำหนดด้วยแนวคิดพิเศษว่า "mono no avare" (ภาษาญี่ปุ่น 物 の 哀 れ (も の の あ わ)れ)) ซึ่งแปลว่า "เศร้าสลดเสน่ห์ของสิ่งต่างๆ" "เสน่ห์ของสิ่งของ" เป็นหนึ่งในคำจำกัดความของความงามที่เก่าแก่ที่สุดในวรรณคดีญี่ปุ่น มีความเกี่ยวข้องกับความเชื่อของศาสนาชินโตที่ว่าทุกสิ่งมีเทพในตัวเอง - กามเทพ - และมีเสน่ห์เฉพาะตัวของมันเอง อาวารีเป็นแก่นแท้ภายในของสิ่งต่าง ๆ ที่ก่อให้เกิดความสุข ความตื่นเต้น

- Wasi หรือ wagami
การทำกระดาษด้วยมือ. ชาวญี่ปุ่นในยุคกลางชื่นชมวาชิไม่เพียงเพราะคุณสมบัติที่ใช้งานได้จริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความงามด้วย เธอมีชื่อเสียงในด้านความละเอียดอ่อนและเกือบจะโปร่งใสซึ่งไม่ได้กีดกันความแข็งแกร่งของเธอ Washi ทำมาจากเปลือกของต้น kozo (หม่อน) และต้นไม้อื่นๆ
กระดาษ Washi ได้รับการอนุรักษ์มานานหลายศตวรรษ โดยเห็นได้จากอัลบั้มและปริมาณของงานเขียนพู่กันญี่ปุ่นโบราณ ภาพวาด ฉากกั้น และงานแกะสลักที่คงอยู่มาหลายศตวรรษจนถึงปัจจุบัน
กระดาษของ Wasya เป็นเส้นใย ถ้าคุณมองผ่านกล้องจุลทรรศน์ คุณจะเห็นรอยแยกที่อากาศและแสงแดดทะลุผ่าน คุณภาพนี้ใช้ในการผลิตฉากกั้นและโคมญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม
ของที่ระลึก Washi เป็นที่นิยมมากในหมู่ชาวยุโรป สิ่งของชิ้นเล็กและมีประโยชน์มากมายทำจากกระดาษนี้: กระเป๋าสตางค์ ซองจดหมาย พัดลม มีความแข็งแรงเพียงพอและน้ำหนักเบาในเวลาเดียวกัน

- โกเฮ
มิ่งขวัญทำจากแถบกระดาษ Gohei เป็นไม้เท้าพิธีกรรมของนักบวชชินโตซึ่งติดแถบกระดาษซิกแซก กระดาษแผ่นเดียวกันนี้ถูกแขวนไว้ที่ทางเข้าศาลเจ้าชินโต บทบาทของกระดาษในศาสนาชินโตนั้นยิ่งใหญ่มาก และมีความหมายลึกลับติดอยู่กับผลิตภัณฑ์กระดาษเสมอ และความเชื่อที่ว่าทุกสิ่ง ทุกปรากฏการณ์ แม้แต่คำพูด มีกามิ - เทพ - ยังอธิบายลักษณะที่ปรากฏของศิลปะประยุกต์เช่น gohei ศาสนาชินโตมีความคล้ายคลึงกับลัทธินอกรีตของเราในบางแง่มุม สำหรับศาสนาชินโต คามิยินดีอย่างยิ่งในทุกสิ่งที่ไม่ปกติ ตัวอย่างเช่นในกระดาษ และยิ่งกว่านั้นใน gohei ที่บิดเป็นซิกแซกที่ซับซ้อนซึ่งแขวนอยู่หน้าทางเข้าศาลเจ้าชินโตในปัจจุบันและบ่งบอกถึงการปรากฏตัวของเทพในวัด มี 20 ตัวเลือกสำหรับการพับ gohei และสิ่งที่ไม่ธรรมดาโดยเฉพาะจะดึงดูด kami ส่วนใหญ่แล้ว gohei จะเป็นสีขาว แต่ก็มีสีทอง สีเงิน และเฉดสีอื่นๆ อีกมากมาย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เป็นต้นมา ญี่ปุ่นต้องเสริมความแข็งแกร่งให้โกเฮบนเข็มขัดของนักมวยปล้ำซูโม่ก่อนเริ่มการแข่งขัน

- อเนศมา.
นี่คือการทำตุ๊กตากระดาษ ในศตวรรษที่ 19 ภรรยาซามูไรทำตุ๊กตาจากกระดาษ ซึ่งเด็กๆ เล่นโดยแต่งตัวพวกเขาด้วยเสื้อผ้าที่แตกต่างกัน ในช่วงเวลาที่ไม่มีของเล่น Anesama เป็นคู่สนทนาเพียงคนเดียวสำหรับเด็ก "เล่น" ในบทบาทของแม่ พี่สาว ลูกและเพื่อน
ตุ๊กตาม้วนขึ้นจากกระดาษวาชิของญี่ปุ่น ขนทำจากกระดาษยู่ยี่ ย้อมด้วยหมึกและเคลือบด้วยกาว ซึ่งทำให้ตุ๊กตามีความเงางาม ลักษณะเด่นคือจมูกเล็กน่ารักบนใบหน้ายาว ทุกวันนี้ ของเล่นธรรมดาชิ้นนี้ ซึ่งไม่ต้องการอะไรมากนอกจากมือที่ชำนาญ มีรูปร่างแบบดั้งเดิมและยังคงทำต่อไปในลักษณะเดียวกับเมื่อก่อน

- โอริกามิ
ศิลปะการพับกระดาษแบบโบราณ (ภาษาญี่ปุ่น 折 り 紙 แปลตามตัวอักษรว่า "กระดาษพับ") ศิลปะ Origami มีรากฐานมาจากจีนโบราณ ซึ่งเป็นที่ที่ประดิษฐ์กระดาษ เดิมที origami ถูกนำมาใช้ในพิธีทางศาสนา เป็นเวลานานรูปแบบศิลปะนี้มีให้สำหรับตัวแทนของชนชั้นสูงเท่านั้นซึ่งสัญญาณของรูปแบบที่ดีคือความเชี่ยวชาญของเทคนิคการพับกระดาษ หลังจากสงครามโลกครั้งที่สองเท่านั้น origami ก็ไปไกลกว่าตะวันออกและจบลงที่อเมริกาและยุโรปซึ่งพบแฟน ๆ ทันที Origami แบบคลาสสิกถูกพับจากกระดาษสี่เหลี่ยม
มีชุดสัญลักษณ์ทั่วไปบางชุดที่จำเป็นในการร่างโครงร่างการพับของผลิตภัณฑ์ที่ซับซ้อนที่สุด ป้ายตามแบบแผนส่วนใหญ่ถูกนำมาใช้จริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 โดยอาจารย์ชาวญี่ปุ่นชื่อดัง อากิระ โยชิซาวะ
Origami แบบคลาสสิกกำหนดให้ใช้กระดาษสี่เหลี่ยมสีเท่า ๆ กันโดยไม่ต้องใช้กาวหรือกรรไกร รูปแบบศิลปะร่วมสมัยบางครั้งอาจเบี่ยงเบนไปจากหลักการนี้

- คิริงามิ
คิริงามิเป็นศิลปะในการตัดรูปทรงต่างๆ ออกจากแผ่นกระดาษที่พับหลายครั้งโดยใช้กรรไกร แบบพับกระดาษที่อนุญาตให้ใช้กรรไกรและการตัดกระดาษในขั้นตอนการทำแบบจำลอง นี่คือข้อแตกต่างที่สำคัญระหว่าง kirigami และเทคนิคการพับกระดาษอื่น ๆ ซึ่งเน้นในชื่อ: 切 る (kiru) - เพื่อตัด 紙 (gami) - กระดาษ ในวัยเด็ก เราทุกคนชอบตัดเกล็ดหิมะ ซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของคิริกามิ คุณสามารถตัดด้วยเทคนิคนี้ ไม่เพียงแต่เกล็ดหิมะเท่านั้น แต่ยังมีรูปทรงต่างๆ ดอกไม้ มาลัย และสิ่งน่ารักอื่นๆ ที่ทำจากกระดาษด้วย ผลิตภัณฑ์เหล่านี้สามารถใช้เป็นลายฉลุสำหรับพิมพ์ ตกแต่งอัลบั้ม โปสการ์ด กรอบรูป ในการออกแบบแฟชั่น การออกแบบภายใน และการตกแต่งอื่น ๆ

- อิเคบานะ
อิเคบานะ (ญี่ปุ่น 生 け 花 หรือ い け ば な) ในภาษาญี่ปุ่นแปลว่า ike "- ชีวิต" bana "- ดอกไม้หรือ" ดอกไม้ที่มีชีวิตอยู่ " ศิลปะการจัดดอกไม้ของญี่ปุ่นถือเป็นหนึ่งในประเพณีที่สวยงามที่สุดของชาวญี่ปุ่น ในการจัดองค์ประกอบ ikebana จะใช้กิ่งที่ตัด ใบไม้ และยอด ควบคู่ไปกับดอกไม้ หลักการพื้นฐานคือหลักการของความเรียบง่ายที่วิจิตรบรรจงเพื่อให้ได้มาซึ่งพวกเขาพยายามเน้นความงามตามธรรมชาติของพืช อิเคบานะเป็นการสร้างรูปแบบธรรมชาติใหม่ที่ผสมผสานความงามของดอกไม้และความงามของจิตวิญญาณของปรมาจารย์ผู้สร้างองค์ประกอบเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืน
วันนี้ในญี่ปุ่นมีโรงเรียน ikebana ที่ใหญ่ที่สุด 4 แห่ง ได้แก่ Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu นอกจากนี้ยังมีทิศทางและแนวโน้มที่แตกต่างกันประมาณพันแห่งซึ่งสอดคล้องกับหนึ่งในโรงเรียนเหล่านี้

- โอริบาน่า
ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 17 โรงเรียนสองแห่งของ Ohara (รูปแบบหลักของ Ikebana - Oribana) และ Koryu (รูปแบบหลัก - Sseka) ออกจาก Ikenobo อย่างไรก็ตาม โรงเรียนโอฮาระยังเรียนแค่โอริบาน่าเท่านั้น อย่างที่คนญี่ปุ่นพูดกันว่า Origami จะไม่เปลี่ยนเป็น Origomi เป็นสิ่งสำคัญมาก โกมิ ภาษาญี่ปุ่น แปลว่า ขยะ ท้ายที่สุดแล้วมันเกิดขึ้นได้อย่างไรพับกระดาษแล้วจะทำอย่างไรกับมัน? Oribana เสนอไอเดียมากมายสำหรับช่อดอกไม้สำหรับตกแต่งภายใน โอริบานะ = โอริกามิ + อิเคบานะ

- ผิด.
วิจิตรศิลป์ที่เกิดจากการจัดดอกไม้ ร้านดอกไม้ของเราปรากฏขึ้นเมื่อแปดปีที่แล้ว แม้ว่าจะมีอยู่ในญี่ปุ่นมานานกว่าหกร้อยปี กาลครั้งหนึ่งในยุคกลาง ซามูไรเข้าใจเส้นทางของนักรบ และความผิดพลาดเป็นส่วนหนึ่งของเส้นทางนั้น เช่นเดียวกับการเขียนอักษรอียิปต์โบราณและกวัดแกว่งดาบ ความหมายของความผิดพลาดคือในสภาวะที่มีอยู่ทั้งหมดในขณะนั้น (satori) อาจารย์ได้สร้างภาพดอกไม้แห้ง (ดอกไม้กด) จากนั้นภาพนี้สามารถใช้เป็นกุญแจ เป็นแนวทางสำหรับผู้ที่พร้อมที่จะเข้าสู่ความเงียบและสัมผัสกับซาโตริ
แก่นแท้ของศิลปะที่ "ผิด" คือการรวบรวมและทำให้แห้งดอกไม้ สมุนไพร ใบไม้ เปลือกใต้แท่นกด และติดไว้บนฐาน ผู้เขียนสร้างงาน "จิตรกรรม" อย่างแท้จริงด้วยความช่วยเหลือของพืช กล่าวอีกนัยหนึ่งเธอเข้าใจผิด - นี่คือภาพวาดด้วยต้นไม้
ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของร้านดอกไม้ขึ้นอยู่กับการรักษารูปร่าง สี และเนื้อสัมผัสของวัสดุจากพืชแห้ง ชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาเทคนิคในการปกป้องภาพวาดที่ "ผิดพลาด" จากการหมดไฟและมืดลง สาระสำคัญของมันคืออากาศถูกสูบออกระหว่างกระจกกับภาพวาดและเกิดสุญญากาศขึ้นซึ่งจะช่วยป้องกันไม่ให้พืชเสื่อมสภาพ
ดึงดูดไม่เพียงแค่ธรรมชาติที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมของศิลปะนี้ แต่ยังมีโอกาสแสดงจินตนาการ รสชาติ ความรู้เกี่ยวกับคุณสมบัติของพืช ร้านขายดอกไม้ทำเครื่องประดับ ทิวทัศน์ ภาพนิ่ง ภาพบุคคล และภาพวาดตามหัวข้อ

- บอนไซ
บอนไซเป็นปรากฏการณ์ที่ปรากฏเมื่อพันกว่าปีที่แล้วในประเทศจีน แต่วัฒนธรรมนี้ถึงจุดสูงสุดในญี่ปุ่นเท่านั้น (บอนไซ - ญี่ปุ่น 盆栽 lit. "ปลูกในกระถาง") - ศิลปะในการปลูกต้นไม้จริงในขนาดย่อ พืชเหล่านี้ปลูกโดยพระภิกษุสงฆ์เมื่อหลายศตวรรษก่อนคริสตกาล และต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในกิจกรรมของขุนนางท้องถิ่น
บอนไซตกแต่งบ้านและสวนญี่ปุ่น ในยุคโทคุงาวะ การออกแบบสวนได้รับแรงผลักดันใหม่: การปลูกชวนชมและต้นเมเปิ้ลกลายเป็นงานอดิเรกสำหรับคนรวย การปลูกพืชแคระ (hachi-no-ki - "กระถางต้นไม้") ก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน แต่บอนไซในสมัยนั้นมีขนาดใหญ่มาก
ทุกวันนี้ ต้นไม้ธรรมดาๆ ใช้สำหรับบอนไซ มันกลายเป็นต้นเล็กๆ เนื่องจากการตัดแต่งกิ่งอย่างต่อเนื่องและวิธีการอื่นๆ ในเวลาเดียวกัน อัตราส่วนของขนาดของระบบราก ถูกจำกัดโดยปริมาตรของชาม และส่วนพื้นดินของบอนไซจะสอดคล้องกับสัดส่วนของต้นไม้ที่โตเต็มวัยในธรรมชาติ

- มิซึฮิกิ
ความคล้ายคลึงของ macrame นี่คือศิลปะประยุกต์ของญี่ปุ่นโบราณในการผูกปมต่างๆ จากเชือกพิเศษ และสร้างลวดลายจากพวกมัน งานศิลปะดังกล่าวมีการใช้งานที่หลากหลายมาก ตั้งแต่บัตรของขวัญ จดหมาย ไปจนถึงทรงผมและกระเป๋าถือ ในปัจจุบัน มิซูฮิกิมีการใช้กันอย่างแพร่หลายในอุตสาหกรรมของขวัญ สำหรับทุกงานในชีวิต ของขวัญควรจะห่อและมัดด้วยวิธีเฉพาะ มีปมและองค์ประกอบมากมายในงานศิลปะของมิซูฮิกิ และไม่ใช่ชาวญี่ปุ่นทุกคนที่รู้จักพวกเขาทั้งหมดด้วยใจ แน่นอนว่ามีปมทั่วไปและเรียบง่ายที่ใช้บ่อยที่สุด: เมื่อแสดงความยินดีกับการเกิดของเด็ก, สำหรับงานแต่งงานหรืองานศพ, วันเกิดหรือการรับเข้ามหาวิทยาลัย

- คุมิฮิโมะ
Kumihimo เป็นผ้าถักเปียญี่ปุ่น เมื่อทอด้ายจะได้ริบบิ้นและเชือกผูกรองเท้า เชือกรองเท้าเหล่านี้ทอด้วยเครื่องจักรพิเศษ - Marudai และ Takadai เครื่องทอผ้ารุ่น Marudai ใช้สำหรับทอเชือกรองเท้าแบบกลม ในขณะที่เครื่องทอผ้า Takadai ใช้สำหรับทอเชือกรองเท้าแบบแบน Kumihimo ในภาษาญี่ปุ่นแปลว่า "เชือกทอ" (คุมิ - การทอ, พับเข้าด้วยกัน, ฮิโมะ - เชือก, ลูกไม้) แม้ว่าที่จริงแล้วนักประวัติศาสตร์จะยืนกรานว่าการทอผ้าดังกล่าวสามารถพบเห็นได้ในหมู่ชาวสแกนดิเนเวียและชาวแอนดีส แต่ศิลปะคุมิฮิโมะของญี่ปุ่นก็ถือเป็นการทอผ้าประเภทหนึ่งที่เก่าแก่ที่สุด การกล่าวถึงครั้งแรกนั้นมีอายุย้อนไปถึงปี 550 เมื่อพระพุทธศาสนาแผ่ขยายไปทั่วประเทศญี่ปุ่นและพิธีพิเศษจำเป็นต้องมีการตกแต่งพิเศษ ต่อมาเชือกผูกรองเท้าคุมิฮิโมะเริ่มถูกใช้เป็นตัวยึดเข็มขัดโอบิบนชุดกิโมโนของผู้หญิง เป็นเชือกสำหรับ "บรรจุ" อาวุธยุทโธปกรณ์ของซามูไรทั้งหมด (ซามูไรใช้คุมิฮิโมะเพื่อการตกแต่งและการใช้งานเพื่อผูกเกราะและเกราะม้า) เช่นเดียวกับการรวมกลุ่มของหนัก
ลวดลายต่างๆ ของคุมิฮิโมะสมัยใหม่นั้นทออย่างง่ายดายบนเครื่องทอกระดาษแข็งแบบโฮมเมด

- โคโมโนะ
อะไรหลงเหลืออยู่ของชุดกิโมโนหลังจากหมดวาระแล้ว? คุณคิดว่าพวกเขากำลังโยนมันทิ้งไป? ไม่มีอะไรแบบนี้! คนญี่ปุ่นจะไม่ทำอย่างนั้น กิโมโนเป็นสิ่งที่มีราคาแพง ทิ้งง่ายจนคิดไม่ถึงและเป็นไปไม่ได้ ... นอกจากการใช้ชุดกิโมโนแบบอื่นแล้ว ช่างฝีมือผู้หญิงยังทำของที่ระลึกชิ้นเล็ก ๆ จากเศษเล็กเศษน้อยอีกด้วย เหล่านี้เป็นของเล่นขนาดเล็กสำหรับเด็ก ตุ๊กตา เข็มกลัด มาลัย เครื่องประดับสตรีและผลิตภัณฑ์อื่น ๆ กิโมโนเก่าใช้ทำสิ่งน่ารักเล็ก ๆ ซึ่งเรียกรวมกันว่า "โคโมโนะ" สิ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่จะใช้ชีวิตของพวกเขาเอง สานต่อเส้นทางของชุดกิโมโน นี่คือสิ่งที่คำว่าโคโมโนะหมายถึง

- คันซาชิ
ศิลปะการตกแต่งกิ๊บติดผม (ส่วนใหญ่มักตกแต่งด้วยดอกไม้ (ผีเสื้อ ฯลฯ) ทำจากผ้า (ส่วนใหญ่เป็นผ้าไหม) คันซาชิญี่ปุ่น (คันซาชิ) เป็นปิ่นปักผมยาวสำหรับทรงผมผู้หญิงญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ทำจากไม้ เคลือบเงา สีเงิน กระดองเต่าใช้ในทรงผมแบบจีนและญี่ปุ่น เมื่อประมาณ 400 ปีที่แล้ว สไตล์ทรงผมของผู้หญิงเปลี่ยนไปในญี่ปุ่น: ผู้หญิงเลิกหวีผมแบบเดิมๆ - ทาเรกามิ (ผมตรงยาว) และเริ่มจัดทรงในรูปแบบที่สลับซับซ้อนและแปลกประหลาด - nihongami ใช้วัตถุต่างๆ - กิ๊บติดผม, ไม้, หวี ตอนนั้นเองที่คุชิหวีหวีธรรมดาก็กลายเป็นเครื่องประดับที่สง่างามของความงามที่ไม่ธรรมดาซึ่งกลายเป็นงานศิลปะที่แท้จริงเครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมของผู้หญิงญี่ปุ่นไม่อนุญาตให้ประดับข้อมือ และสร้อยคอดังนั้นการตกแต่งผมจึงเป็นความงามหลักและทุ่งสำหรับการแสดงออก - รวมทั้งแสดงให้เห็นถึงรสนิยมและความหนาของกระเป๋าเงิน bka เจ้าของ. บนภาพพิมพ์ คุณจะเห็นว่าถ้าดูดีๆ ผู้หญิงญี่ปุ่นจะแขวนผ้าแคนซาชิราคาแพงถึง 20 ตัวไว้ในทรงผมได้อย่างไร
ปัจจุบัน มีการฟื้นฟูประเพณีการใช้คันซาชิในหมู่หญิงสาวชาวญี่ปุ่นที่ต้องการเพิ่มความหรูหราและสง่างามให้กับทรงผมของพวกเขา กิ๊บติดผมที่ทันสมัยสามารถตกแต่งด้วยดอกไม้ที่ทำด้วยมือที่สวยงามเพียงหนึ่งหรือสองดอก

- คินุซาอิกะ
งานปักสวยๆจากญี่ปุ่น Kinusaiga (絹 彩画) เป็นการผสมผสานระหว่างผ้าบาติกและการเย็บปะติดปะต่อกัน แนวคิดหลักคือจากชุดกิโมโนผ้าไหมเก่า ชิ้นส่วนต่างๆ ถูกประกอบเป็นภาพวาดใหม่ ซึ่งเป็นงานศิลปะที่แท้จริง
ขั้นแรก ศิลปินทำสเก็ตช์บนกระดาษ จากนั้นภาพวาดนี้จะถูกโอนไปยังแผ่นไม้ เส้นขอบของลวดลายถูกตัดด้วยร่องหรือร่อง จากนั้นจากชุดกิโมโนไหมเก่า แพทช์เล็ก ๆ ที่เข้ากับสีและโทนสีจะถูกตัด และขอบของแผ่นแปะเหล่านี้จะเติมเต็มในร่อง เมื่อคุณดูภาพดังกล่าว คุณจะรู้สึกว่าคุณกำลังดูภาพ หรือแม้แต่ดูทิวทัศน์นอกหน้าต่างก็ดูสมจริงมาก

- เทมาริ
ลูกบอลเหล่านี้เป็นลูกบอลปักเรขาคณิตแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม เย็บโดยใช้ตะเข็บที่ง่ายที่สุด ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นของเล่นสำหรับเด็ก และตอนนี้ได้กลายเป็นรูปแบบศิลปะประยุกต์ที่มีแฟนๆ มากมาย ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้นแต่ทั่วโลก เชื่อกันว่าเมื่อนานมาแล้ว ผลิตภัณฑ์เหล่านี้ผลิตโดยภรรยาของซามูไรเพื่อความบันเทิง ในตอนแรกพวกมันถูกใช้เป็นลูกบอลสำหรับเล่นบอล แต่ทีละขั้นตอนพวกเขาเริ่มได้รับองค์ประกอบทางศิลปะและต่อมาเปลี่ยนเป็นเครื่องประดับตกแต่ง ความงามอันละเอียดอ่อนของลูกบอลเหล่านี้เป็นที่รู้จักทั่วประเทศญี่ปุ่น และทุกวันนี้ สินค้าที่มีสีสันและผลิตอย่างปราณีตเป็นหนึ่งในงานฝีมือพื้นบ้านของญี่ปุ่น

- ยูบินุกิ
ปลอกนิ้วญี่ปุ่นเมื่อเย็บหรือปักด้วยมือจะวางบนนิ้วกลางของนิ้วกลางของมือที่ทำงานด้วยความช่วยเหลือของปลายนิ้วเข็มจะได้รับทิศทางที่ต้องการและแหวนบนนิ้วกลางดันเข็มเข้าไป งาน ในขั้นต้น ปลอกนิ้วยูบินุกิของญี่ปุ่นนั้นทำขึ้นมาค่อนข้างง่าย - แถบผ้าหรือหนังที่มีความหนาแน่นสูงกว้างประมาณ 1 ซม. ในหลายชั้นถูกพันรอบนิ้วอย่างแน่นหนาและถูกมัดเข้าด้วยกันด้วยเย็บแผลตกแต่งที่เรียบง่ายหลายแบบ เนื่องจากกระโปรงเป็นสิ่งที่จำเป็นสำหรับทุกบ้าน พวกเขาจึงเริ่มตกแต่งด้วยงานปักเรขาคณิตด้วยเส้นไหม รูปแบบที่มีสีสันและซับซ้อนถูกสร้างขึ้นจากการผสมผสานของตะเข็บ ยูบินุกิจากสิ่งของธรรมดาๆ ในชีวิตประจำวันได้กลายเป็นสิ่งของสำหรับ "ชื่นชม" ซึ่งเป็นเครื่องประดับของชีวิตประจำวัน
Yubinuki ยังคงใช้ในการเย็บผ้าและงานปัก แต่ก็สามารถสวมใส่ได้ง่ายๆ บนนิ้วมือ เช่น แหวนประดับ งานปักสไตล์ยูบินุกิใช้สำหรับตกแต่งวัตถุรูปวงแหวนต่างๆ - แหวนผ้าเช็ดปาก สร้อยข้อมือ ที่ใส่เทมาริ กระโปรงปัก และยังมีเข็มกลัดปักในสไตล์เดียวกันอีกด้วย ลวดลายกระโปรงเป็นแรงบันดาลใจที่ดีในการปักผ้าโอบิในเทมาริ

- ซุยโบคุงะหรือซูมิเอะ
ภาพวาดหมึกญี่ปุ่น. ภาพวาดสไตล์จีนนี้ถูกใช้โดยศิลปินชาวญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 14 และปลายศตวรรษที่ 15 กลายเป็นกระแสหลักของภาพวาดญี่ปุ่น ซุยโบคุงะเป็นโมโนโครม มีลักษณะเฉพาะโดยการใช้หมึกสีดำ (ซูมิ) ถ่านแข็ง หรือหมึกจีนที่ทำจากเขม่าที่บดด้วยหมึก เจือจางด้วยน้ำ และทาลงบนกระดาษหรือไหม ขาวดำเสนอตัวเลือกโทนสีที่ไม่รู้จบให้กับศิลปินซึ่งชาวจีนรู้จักมานานแล้วว่าเป็น "สี" ของหมึก บางครั้งซุยโบคุงะอนุญาตให้ใช้สีจริงได้ แต่จำกัดไว้เฉพาะการลากเส้นที่ละเอียดอ่อนและโปร่งใสซึ่งยังคงอยู่ใต้เส้นหมึกเสมอ การวาดภาพด้วยหมึกร่วมกับศิลปะการประดิษฐ์ตัวอักษร เช่น ลักษณะสำคัญ เช่น การแสดงออกที่ควบคุมอย่างเข้มงวดและความเชี่ยวชาญทางเทคนิคของรูปแบบ คุณภาพของภาพเขียนด้วยหมึกลดลงเช่นเดียวกับในการประดิษฐ์ตัวอักษรเพื่อความสมบูรณ์และความต้านทานต่อการฉีกขาดของเส้นที่วาดด้วยหมึกซึ่งตามเดิมถืองานศิลปะไว้ได้เช่นเดียวกับกระดูกที่ยึดเนื้อเยื่อไว้

- เอตากามิ
โปสการ์ดที่วาด (e - รูปภาพ, แท็ก - จดหมาย) การทำโปสการ์ดด้วยมือของคุณเองโดยทั่วไปเป็นกิจกรรมที่ได้รับความนิยมอย่างมากในญี่ปุ่น และก่อนวันหยุด ความนิยมก็เพิ่มมากขึ้นไปอีก คนญี่ปุ่นชอบส่งไปรษณียบัตรให้เพื่อน ๆ และพวกเขาชอบที่จะได้รับพวกเขาด้วย นี่คือจดหมายด่วนประเภทหนึ่งบนช่องว่างพิเศษ สามารถส่งทางไปรษณีย์ได้โดยไม่ต้องใช้ซองจดหมาย ไม่มีกฎเกณฑ์หรือเทคนิคพิเศษใน etegami ใครก็ตามที่ไม่มีการฝึกอบรมพิเศษก็สามารถทำได้ Etagami ช่วยแสดงอารมณ์ ความประทับใจได้อย่างแม่นยำ นี่คือโปสการ์ดทำมือที่ประกอบด้วยรูปภาพและจดหมายสั้นๆ ที่สื่อถึงอารมณ์ของผู้ส่ง เช่น ความอบอุ่น ความหลงใหล ความห่วงใย ความรัก ฯลฯ พวกเขาส่งการ์ดเหล่านี้สำหรับวันหยุดและเช่นเดียวกับฤดูกาล การกระทำ ผักและผลไม้ คนและสัตว์ ยิ่งภาพนี้วาดง่ายเท่าไหร่ก็ยิ่งดูน่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

- ฟุโรชิกิ
เทคนิคการบรรจุภัณฑ์แบบญี่ปุ่นหรือศิลปะการพับผ้า ฟุโรชิกิเข้ามาในชีวิตของคนญี่ปุ่นมาอย่างยาวนาน ม้วนหนังสือโบราณของยุคคามาคุระ-มุโรมาจิ (1185 - 1573) ที่มีภาพผู้หญิงถือเสื้อผ้ามัดที่ห่อด้วยผ้าบนศีรษะรอดชีวิตมาได้ เทคนิคที่น่าสนใจนี้มีขึ้นตั้งแต่ ค.ศ. 710 - 794 AD ในญี่ปุ่น คำว่า "ฟุโรชิกิ" แปลตามตัวอักษรว่า "เสื่ออาบน้ำ" และเป็นผ้าสี่เหลี่ยมที่ใช้ห่อและพกพาสิ่งของต่างๆ ที่มีรูปร่างและขนาด
ในสมัยก่อน ในห้องอาบน้ำแบบญี่ปุ่น (ฟุโระ) เป็นเรื่องปกติที่จะเดินในชุดกิโมโนผ้าฝ้ายบางเบา ซึ่งผู้มาเยือนนำมาจากบ้านด้วย คนอาบน้ำยังนำพรมพิเศษ (ชิกิ) ที่เขายืนขณะถอดเสื้อผ้ามาด้วย เมื่อเปลี่ยนเป็นชุดกิโมโน "อาบน้ำ" ผู้มาเยี่ยมก็ห่อเสื้อผ้าของเขาด้วยพรม และหลังจากอาบน้ำเขาก็ห่อกิโมโนเปียกในพรมเพื่อนำกลับบ้าน ดังนั้นเสื่ออาบน้ำจึงกลายเป็นกระเป๋าเอนกประสงค์
Furoshiki ใช้งานง่ายมาก: เนื้อผ้ามีรูปร่างเหมือนวัตถุที่คุณห่อ และที่จับทำให้ง่ายต่อการขนย้าย นอกจากนี้ ของขวัญที่ไม่ได้ห่อด้วยกระดาษแข็ง แต่ในผ้าเนื้อนุ่มหลายชั้น สื่อถึงความหมายที่พิเศษ มีหลายแบบสำหรับการพับ furoshiki สำหรับทุกโอกาส ทุกวัน หรือวันหยุด

- อามิกุมิ
ศิลปะญี่ปุ่นในการถักนิตติ้งหรือโครเชต์สัตว์อ่อนขนาดเล็กและสิ่งมีชีวิตที่มีรูปร่างเหมือนมนุษย์ อะมิกุมิ (ภาษาญี่ปุ่น 編 み 包 み แปลตรงตัวว่า "ถักนิตติ้ง") เป็นสัตว์ที่น่ารักที่สุด (เช่น หมี กระต่าย แมว สุนัข ฯลฯ) ผู้ชายตัวเล็ก ๆ แต่ก็สามารถเป็นวัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งมีคุณสมบัติของมนุษย์ได้เช่นกัน . ตัวอย่างเช่น คัพเค้ก หมวก กระเป๋า และอื่นๆ Amigurumi ถักแบบนิตติ้งหรือแบบนิตติ้งหรือแบบโครเชต์ เมื่อเร็ว ๆ นี้ amigurumi แบบโครเชต์ได้กลายเป็นที่นิยมและแพร่หลายมากขึ้น
ถักจากเส้นด้ายด้วยวิธีถักง่ายๆ - ในลักษณะเกลียวและต่างจากวิธีการถักแบบยุโรปที่มักจะไม่เชื่อมต่อวงกลม พวกเขายังโครเชต์ในขนาดที่เล็กกว่าเมื่อเทียบกับความหนาของเส้นด้ายเพื่อสร้างผ้าที่มีความหนาแน่นมากโดยไม่มีช่องว่างสำหรับช่องว่างภายในที่จะคืบคลานผ่าน อะมิกุมิมักทำมาจากชิ้นส่วนต่างๆ แล้วนำมาประกอบเข้าด้วยกัน ยกเว้นอะมิกุมิบางตัวที่ไม่มีแขนขา แต่มีเพียงแค่หัวและลำตัวเท่านั้น ซึ่งประกอบเป็นชิ้นเดียว บางครั้งแขนขาจะเต็มไปด้วยชิ้นพลาสติกเพื่อให้มีน้ำหนัก ในขณะที่ส่วนอื่น ๆ ของร่างกายเต็มไปด้วยไฟเบอร์ฟิลเลอร์
สุนทรียศาสตร์ของ Amigurumi กระจายไปตามความน่ารัก ("kawaii")