Mga publikasyon sa seksyong Museo

Gabay sa Naive Art

Ang walang muwang na sining o ang sining ng mga di-propesyonal na artista ay bihirang makuha ang atensyon ng mga may-ari ng gallery at mga kritiko ng sining. Gayunpaman, ang mga gawa ng mga walang muwang na artista, simple at bukas, ay maaaring hindi gaanong kapansin-pansin at kahit na artistikong makabuluhan kaysa sa mga kuwadro na gawa ng mga kinikilalang masters. Basahin ang tungkol sa kung ano ang walang muwang na sining at kung bakit kawili-wiling sundin ito sa materyal ng portal na "Culture.RF".

Ang ibig sabihin ng Naive ay simple

Alexander Emelyanov. Self-portrait. 2000s. Pribadong koleksyon

Vladimir Melikhov. Pagbibirkasyon. 1989. Pribadong koleksyon

Ang walang muwang na sining ay gawa ng mga artista na walang propesyonal na edukasyon, na sistematiko at patuloy na nakikibahagi sa pagpipinta. Sa mismong walang muwang, maaaring makilala ng isa ang magkahiwalay na direksyon, halimbawa, art brut o outsider art - ang sining ng mga artista na may diagnosis ng psychiatric.

Ang isang napakahalagang tanong para sa mga kritiko ng sining ay kung paano makilala ang isang walang muwang na artista mula sa isang baguhan. Ang pamantayan para sa pagtatasa ng gawa ng naturang mga artista ay karaniwang ang pagka-orihinal at kalidad ng kanilang gawa. Ang personalidad ng may-akda mismo ay gumaganap din ng isang malaking papel: inilaan ba niya ang kanyang buhay sa sining, sinikap ba niyang sabihin ang isang bagay sa kanyang mga gawa (pagpinta, graphic, sculptural).

Ang una ay walang muwang

Ang walang muwang na sining ay palaging umiiral. Rock painting, Paleolithic sculpture at kahit sinaunang kouroses at caryatids - lahat ng ito ay ginawa sa isang primitivist na paraan. Ang paglitaw ng walang muwang na sining bilang isang independiyenteng kilusan ng pinong sining ay hindi nangyari sa isang gabi: ang prosesong ito ay tumagal ng higit sa isang siglo at natapos sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang pioneer ng makabagong kilusang ito ay si Henri Rousseau, isang self-taught French artist.

Naglingkod si Rousseau sa kaugalian sa loob ng mahabang panahon, na sa pagtanda ay iniwan niya ang kanyang propesyon at sineseryoso ang pagpipinta. Una niyang sinubukang ipakita ang ilan sa kanyang mga gawa noong 1886 sa Paris Exhibition of Independents, ngunit kinutya siya. At nang maglaon, sa simula ng ika-20 siglo, nakilala niya ang mga sikat na artista ng avant-garde, kabilang si Robert Delaunay, na pinahahalagahan ang matapang na istilo ni Rousseau. Ang mga avant-garde artist ay madalas na "hugot" tulad ng mga orihinal na pintor gaya ni Rousseau, tinulungan silang bumuo at kahit na nakakuha ng inspirasyon mula sa kanilang trabaho at sa kanilang pananaw para sa kanilang sariling masining na paghahanap. Di-nagtagal, ang mga gawa ni Rousseau ay nagsimulang maging demand; pinahahalagahan ng publiko ang pagka-orihinal ng kanyang mga paksa at lalo na ang kanyang gawa na may kulay.

Sa Russia, ang naive art ay lumitaw sa harap ng mass audience sa 1913 "Target" na eksibisyon na inorganisa ng artist na si Mikhail Larionov. Doon ipinakita ang mga gawa ni Niko Pirosmani, na dinala mula sa Georgia ng magkapatid na Kirill at Ilya Zdanevich, mga artista at istoryador ng sining, sa unang pagkakataon. Bago ang eksibisyong ito, walang ideya ang publiko na ang sining ng amateur ay maaaring higit pa sa mga tanyag na kopya at katutubong pagpipinta.

Mga walang muwang na katangian

Niko Pirosmani. Larawan ng Sozashvili. 1910s. Museo ng Modernong Sining ng Moscow

Niko Pirosmani. Babae na may mga itlog ng Pasko ng Pagkabuhay. 1910s Museo ng Modernong Sining ng Moscow

Ang mga gawa ng mga walang muwang na master ay madalas na nagkakaisa ng isang kapaligiran ng kagalakan at isang masigasig na pagtingin sa pang-araw-araw na buhay, maliliwanag na kulay at pansin sa detalye, isang kumbinasyon ng fiction at katotohanan.

Maraming mga klasiko ng domestic naive art, maliban, marahil, sina Niko Pirosmani at Soslanbek Edziev, ay dumaan sa paaralan ng ZNUI - ang Correspondence People's University of Arts. Itinatag ito noong 1960 batay sa mga kurso sa sining na pinangalanang Nadezhda Krupskaya; Robert Falk, Ilya Mashkov, Kuzma Petrov-Vodkin at iba pang kagalang-galang na mga may-akda ay nagturo doon. Ang pagsasanay sa ZNUI ang nagbigay ng pagkakataon sa mga naivist na makakuha ng mga teknikal na kasanayan, pati na rin ang isang propesyonal na opinyon tungkol sa kanilang trabaho.

Ang bawat walang muwang na artist ay nabuo bilang isang artist sa isang tiyak na paghihiwalay, nananatiling sarado magpakailanman sa loob ng balangkas ng kanyang sariling mga ideya at kanyang sariling istilo, at maaaring gumana sa buong buhay niya na may hanay ng mga walang hanggang tema. Kaya, ang mga gawa ni Pavel Leonov noong 1980s at huling bahagi ng 1990s ay hindi gaanong naiiba: magkatulad na komposisyon, magkatulad na karakter, magkaparehong pananaw sa katotohanan, malapit sa isang bata. Maliban na ang mga pintura ay nagiging mas mahusay na kalidad at ang mga canvases ay nagiging mas malaki. Ganoon din ang masasabi tungkol sa karamihan ng mga naivista. Ang mga ito ay tumutugon lalo na sa mga makabuluhang kaganapan sa lipunan: hindi nila binabago ang istilo depende sa oras, ngunit nagdaragdag lamang ng mga bagong materyal na palatandaan ng panahon sa kanilang mga gawa. Tulad ng, halimbawa, ang klasikong walang muwang na si Vladimir Melikhov. Ang kanyang akda na "Dibisyon" ay isang magandang paglalarawan ng kalagayan ng kababaihan sa Unyong Sobyet. Inilalarawan nito ang isang babae na literal na nasa dalawang lugar nang sabay-sabay: nagtatrabaho sa isang pabrika gamit ang isang kamay, at nag-aalaga ng isang bata gamit ang isa pa.

Walang muwang na mga tema

Pavel Leonov. Self-portrait. 1960. Moscow Museum of Modern Art

Pavel Leonov. Pag-ani. 1991. Museo ng Makabagong Sining ng Moscow

Ang mga Naivist ay bumaling sa mga unibersal na tema ng tao na malapit sa lahat: kapanganakan at kamatayan, pag-ibig at tahanan. Ang kanilang mga gawa ay palaging nauunawaan, dahil sinusubukan ng mga artista na ipahayag ang mga ideya na nakakaganyak sa kanila nang simple hangga't maaari, nang hindi sinasadya ang simbolismo at mga nakatagong kahulugan.

Isa sa mga unang malakas na impresyon ng isang walang muwang na artista ay ang kanyang paglabas sa lungsod, sa panlipunang kapaligiran. Ang mga Naivist, na, bilang panuntunan, ay nakatira sa kanayunan, ay may posibilidad na gawing ideyal ang lungsod; pinipinta nila ang mga kalye at mga parisukat bilang magaan, mahangin at kakaiba. Lalo na ang mga artista, tulad ng Elfriede Milts, ay inspirasyon ng mga makabagong teknolohiya - lalo na, ang Moscow metro.

Ang isa pang karaniwang tema para sa walang muwang na sining ay maaaring ituring na imahe ng isang tao - mga larawan at lalo na mga larawan sa sarili. Ang mga Naivist ay may paraan ng paggalugad sa mundo sa pamamagitan ng prisma ng kanilang personalidad, kanilang sariling hitsura at hitsura ng mga tao sa kanilang paligid. Interesado din sila sa paraan ng pagpapakita ng panloob na mundo ng isang tao sa kanyang hitsura. Samakatuwid, ang mga gawa sa portrait na genre ay nagbibigay ng pagkakataon sa manonood na makilala ang mga naivista nang halos personal, upang makilala sila ayon sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili. Ang paghihiwalay ng mga naivists sa kanilang sariling panloob na mundo ay inilalarawan, halimbawa, ng isang self-portrait ng kontemporaryong artista na si Alexander Emelyanov. Inilalarawan niya ang kanyang sarili bilang isang koleksyon ng mga imahe at tema kung saan siya mismo ang tumutugon.

Halos lahat ng mga klasiko ng walang muwang na sining ay binibigyang kahulugan ang tema ng pagkabata sa isang paraan o iba pa. Ang mga Naivists ay palaging nananatiling mga bata, kaya ang mga gawaing nauugnay sa ideyang ito - nakakaantig at kusang-loob - ay nagiging isang uri ng punto ng pakikipag-ugnay sa pagitan ng bata ng nakaraan at ng bata ng kasalukuyan, na nabubuhay pa rin sa kaluluwa ng artista. Kapansin-pansin na ang mga naiveist ay halos hindi nagpinta sa kanilang sarili sa imahe ng isang bata. Nakatuon sila sa mundo sa kanilang paligid, sa mga larawan ng ibang mga bata, sa mga larawan ng mga hayop - sa kung ano ang makikita sa alpabeto.

Svetlana Nikolskaya. Namatay si Stalin. 1997. Museo ng Makabagong Sining ng Moscow

Alexander Lobanov. Self-portrait sa isang hugis-itlog na frame sa ilalim ng coat of arms ng USSR. 1980. Museo ng Makabagong Sining ng Moscow

Ang susunod na mahalagang tema sa walang muwang na sining ay ang tema ng kapistahan. Gustung-gusto ng mga artista na magpinta ng mga buhay, kapistahan, kasalan at kasiyahan - lalo na silang makikita sa mga pagpipinta nina Niko Pirosmani, Pavel Leonov at Vasily Grigoriev, kung kanino ang kapistahan ay may sagrado, Eucharistic na kahulugan. Isang kapistahan ng pag-ibig, isang kapistahan ng kasiyahan, isang kapistahan ng bilog ng pamilya - bawat artista ay nakakahanap ng isang bagay na napakapersonal at mahalaga sa temang ito. Tulad ng sa tema ng tahanan, apuyan ng pamilya, na sumisimbolo sa kapayapaan, kaginhawahan at kaligtasan. Sa mga gawa ni Pavel Leonov, ang katotohanan ng Sobyet ay palaging nauugnay sa kagalakan, pista opisyal at parada. Inilalarawan din ni Leonov ang kanyang trabaho bilang masaya at maliwanag.

Gayunpaman, ang walang muwang na sining ay hindi palaging idyllic. Halimbawa, ang panlabas na sining o art brut ay kadalasang nag-iiwan sa manonood ng malabo, hindi mapakali na pakiramdam. Walang magkatugma at kumpletong mundo sa mga gawang ito - ang mga artista ay madalas na tumutok sa isang motif o paksa at muling ginawa ito sa bawat gawa. Para sa klasikong sining ng tagalabas na si Alexander Lobanov, ang naturang bagay ay ang rifle ng Mosin. Si Lobanov mismo ay hindi nagpaputok ng riple, at ang kanyang mga gawa ay walang digmaan, walang kalupitan, walang sakit. Ang item na ito ay tulad ng isang artifact, isang sagisag ng kapangyarihan, tulad ng aktibong simbolismo ng Sobyet na naroroon sa karamihan ng kanyang mga gawa.

Ang mga pangunahing pilosopikal na tema para sa mga artista ay kapanganakan at kamatayan. Itinuring ng mga Naivist ang kapanganakan ng tao, kapwa pisikal at personal, at inihambing ito sa banal na pinagmulan ng buhay sa pangkalahatan. At nakikita nila ang pag-alis ng isang tao mula sa punto ng view ng memorya at sakit na natitira tungkol sa kanya. Halimbawa, sa isang pagpipinta ni Svetlana Nikolskaya, ang mga taong nakasuot ng kulay abong kaibahan na may mayaman na pulang background; imposibleng basahin ang kanilang mga iniisip o nararamdaman - tila sila ay natakot.

Ang panahon ng klasikal na walang muwang ay unti-unting lumilipas. Sa ngayon, imposible ang gayong sarado at hiwalay na pag-iral ng mga naivista gaya ng dati. Dapat na aktibong kasangkot ang mga artista sa proseso ng sining at maunawaan kung ano ang nangyayari sa merkado ng sining. Ito ay hindi mabuti o masama - tanda lamang ng panahon. At ang mas mahalaga ay ang apela ng bawat manonood sa walang muwang na sining, hanggang sa tuluyan itong mawala.

Ang portal na "Culture.RF" ay nagpapasalamat sa senior researcher para sa kanyang tulong sa paghahanda ng materyal MMOMA, miyembro ng curatorial group ng exhibition na "NAIV...BUT" Nina Lavrishcheva at empleyado Museo ng sikat na pag-print at walang muwang na sining ng Russia Maria Artamonova.

Naive art, naive - (Ingles: naive art)- isa sa mga lugar ng primitive na sining noong ika-18-20 siglo, kabilang ang amateur art (pagpipinta, graphics, sculpture, pandekorasyon na sining, arkitektura), pati na rin ang mga pinong sining ng mga self-taught na artist. Kasama sa mga gawa ng walang muwang na sining ang mga pagpipinta ng kahanga-hangang Pranses na pintor na si A. Rousseau, na binansagang Opisyal ng Customs, dahil siya ay isang opisyal ng customs sa pamamagitan ng propesyon, at kahanga-hangang mga larawang panlalawigan ng mga taong Ruso noong ika-18 - ika-19 na siglo. hindi kilalang mga artista.

Ang isang "walang muwang" na artista ay naiiba sa isang "hindi walang muwang", tulad ng isang shaman ay naiiba sa isang propesor: pareho ay mga espesyalista, bawat isa sa kanyang sariling paraan.

Ang pagiging natatangi ng pang-araw-araw na primitive na larawan ay dahil hindi lamang sa mga kakaiba ng artistikong wika, kundi pati na rin sa likas na katangian ng kalikasan mismo. Sa pangkalahatan, ang compositional scheme ng merchant portrait ay hiniram mula sa kontemporaryong propesyonal na sining. Kasabay nito, ang kalubhaan ng mga mukha, ang mas mataas na pakiramdam ng silweta, at ang pamamaraan ng pagpipinta ay gumagawa ng isang pagpipinta ng icon ng recall. Ngunit ang koneksyon sa sikat na pag-print ay mas nararamdaman. Ito ay ipinakita lalo na sa mismong diskarte sa kalikasan, na kung saan ay napapansin ng artist na walang muwang at holistically, decoratively at makulay. Ang pambansang uri ng etnikong Ruso ay malinaw na nakikita sa mukha at pananamit. Ang maingat na pagpaparami ng pangunahin at pangalawa ay humantong sa paglikha ng isang holistic na imahe, na kapansin-pansin sa kapangyarihan ng mahalagang karakter.

Pinagsasama ng walang muwang na sining ang orihinal na ningning ng mapanlikhang pantasya, pagiging bago at katapatan ng pang-unawa sa mundo na may kakulangan ng mga propesyonal na kasanayan sa pagguhit, pagpipinta, komposisyon, pagmomolde, atbp.

Ang mga gawa ng walang muwang na sining ay lubos na magkakaibang sa anyo at indibidwal na istilo, gayunpaman, marami sa kanila ay nailalarawan sa pamamagitan ng kawalan ng linear na pananaw (maraming primitivist ang nagsisikap na ihatid ang lalim gamit ang iba't ibang mga kaliskis ng mga figure, isang espesyal na organisasyon ng mga hugis at masa ng kulay), flatness , pinasimple na ritmo at simetrya, at ang aktibong paggamit ng mga lokal na kulay , generalization ng mga form, na nagbibigay-diin sa pag-andar ng isang bagay dahil sa ilang mga deformation, nadagdagan ang kahalagahan ng contour, pagiging simple ng mga teknikal na diskarte.

Ang walang muwang na sining, bilang panuntunan, ay maasahin sa espiritu, nagpapatibay sa buhay, multifaceted at magkakaibang, at kadalasan ay may medyo mataas na aesthetic na kahalagahan. Ang walang muwang na sining ay, kumbaga, isang counterbalance sa "teknikal" na sining. Sa walang muwang na sining, walang teknik, walang paaralan, imposibleng matuto. Nagmamadaling lumabas sa iyo. Ito ay sapat sa sarili. Wala siyang pakialam kung paano siya sinusuri ng kanyang mga amo o kung anong istilo siya. Ito ay isang primordial na pagkamalikhain ng kaluluwa, at ang pag-aaral ay mas malamang na mag-alis ng lakas nito kaysa sa patalasin ito.

Ang isa sa mga panig ng walang muwang na sining ay ang kawalang muwang o pagiging simple ng mga anyo, larawan, pamamaraan; walang pride, narcissism, o pretension sa kanya. Ngunit sa likod ng kawalang muwang ng anyo, ang lalim ng kahulugan ay malinaw na nakikita (kung hindi man, habang nananatiling walang muwang, ito ay tumigil sa pagiging sining). Ito ay totoo. Ito ay naa-access ng sinuman - isang bata at isang matanda, isang mangmang, at isang doktor ng agham.

Ang mga primitivist na artista ng ika-20 siglo, na pamilyar sa klasikal at kontemporaryong propesyonal na sining, ay madalas na gumagawa ng mga kawili-wili at orihinal na mga solusyon sa sining kapag sinusubukang tularan ang ilang mga diskarte ng propesyonal na sining sa kawalan ng naaangkop na kaalaman at kasanayan sa teknikal.

Sa mahabang panahon, ang umiiral na opinyon sa Russia ay ang walang muwang na sining ay kahit papaano ay "pangalawa." Sa Russian (pati na rin sa ilang iba pang) wika, ang terminong "primitive" ay bilang isa sa mga pangunahing kahulugan nito ay isang evaluative (at tiyak na negatibo) na kahulugan. Samakatuwid, mas angkop na pag-isipan ang konsepto ng musmos na sining. Sa pinakamalawak na kahulugan, ito ay tumutukoy sa pinong sining, na nailalarawan sa pagiging simple (o pagpapasimple), kalinawan at pormal na spontaneity ng matalinhaga at nagpapahayag na wika, sa tulong kung saan ang isang espesyal na pangitain ng mundo ay ipinahayag, hindi nabibigatan ng mga kombensiyon ng sibilisasyon. Kasabay nito, nakalimutan nila na ang mga naunang avant-garde na artist, postmodernist at conceptual artist, sa paghahanap ng mga bagong visual na anyo, ay bumaling sa spontaneity at simple ng walang muwang. Nagpakita ng interes si Chagall sa gawain ng mga taong itinuro sa sarili, si Malevich ay bumaling sa mga sikat na kopya ng Russia, at ang walang muwang ay sinakop ang isang espesyal na lugar sa gawain nina Larionov at Goncharova. Higit sa lahat salamat sa mga diskarte at larawan ng walang muwang na sining, ang tagumpay ay sinamahan ng mga pagpapakita ng mga gawa nina Kabakov, Bruskin, Komar at Melamid. Maraming mga pangunahing artista noong ika-20 siglo ang gumamit ng ilang mga pamamaraan at elemento ng primitivist na wika sa kanilang trabaho. (expressionists, P. Klee, M. Chagall, H. Miro, P. Picasso, atbp.). Sa Naive art, maraming kinatawan ng kultura ang nagsisikap na makakita ng mga paraan sa labas ng artistikong kultura mula sa mga patay na sibilisasyon.

Ang walang muwang na sining, sa pananaw nito sa mundo at sa mga pamamaraan ng artistikong pagtatanghal nito, ay medyo malapit sa sining ng mga bata, sa isang banda, at sa pagkamalikhain ng may sakit sa pag-iisip, sa kabilang banda. Gayunpaman, sa kakanyahan nito, ang walang muwang na sining ay naiiba sa pareho. Ang pinakamalapit na bagay sa pananaw sa mundo sa sining ng mga bata ay ang walang muwang na sining ng mga sinaunang tao at aborigines ng Oceania at Africa. Ang pangunahing pagkakaiba nito sa sining ng mga bata ay nakasalalay sa malalim nitong kasagrado, tradisyonalismo at kanonisya. Ang pagiging musmos ng pagkabata at spontaneity ng pananaw sa mundo ay tila nagyelo magpakailanman sa sining na ito; ang mga nagpapahayag na anyo at elemento ng masining na wika ay napuno ng sagradong mahiwagang kahalagahan at simbolismo ng kulto, na may medyo matatag na larangan ng hindi makatwiran na mga kahulugan. Sa sining ng mga bata sila ay napaka-mobile at hindi nagdadala ng kulto na pagkarga. Sa kabaligtaran, ang sining ng may sakit sa pag-iisip, kadalasang malapit dito sa anyo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang masakit na pagkahumaling na may parehong motibo, isang pessimistic-depressive na mood, at isang mababang antas ng kasiningan.

Nakaupo ako sa isang cafe. Isang matandang babae ang nakaupo sa aking mesa - malinaw na wala siyang gaanong kita. Kumuha siya ng A3 sheet at karbon. “Gusto mo bang iguhit kita?” Hindi ako sumasang-ayon, ngunit hindi rin ako tumatanggi - ito ay kawili-wili. Bumubulong ng kung ano-ano, literal na iginuhit ng babae ang aking larawan sa loob ng 5 minuto at inalok akong kunin ito - siyempre, hindi libre. Makalipas ang ilang minuto, naglalakad na ako papunta sa subway, hawak-hawak ko ang isang sheet ng papel na may napaka primitive na imahe ko. Nagbayad ako ng limampung rubles para dito.

Ang babaeng ito ang nagpaalala sa akin ng walang muwang na sining. Ang Encyclopedia of Art ay nagbibigay ng sumusunod na kahulugan ng genre na ito: "tradisyonal na sining ng mga katutubong craftsmen, pati na rin ang mga self-taught na artist, pinapanatili ang pagiging bago at spontaneity ng paningin ng mundo". Marahil ay nakatagpo ka ng mga kuwadro na ito - simple, taos-puso, tila sila ay pininturahan ng isang bata, ngunit sa katunayan ang may-akda ay pag-aari ng isang may sapat na gulang. Kadalasan ang mga ito ay kahit na mga matatanda. Mayroon silang sariling propesyon - nagtatrabaho, bilang isang patakaran. Nakatira sila sa mga nayon at pumapasok sa trabaho araw-araw. Ang walang muwang na sining ay medyo lumang uso. Noong ika-17 siglo, ang mga di-propesyonal na artista ay lumikha ng kanilang sariling "walang awa na makatotohanan" na mga larawan, at noong ika-20 siglo, ang walang muwang na sining ay lumitaw bilang isang hiwalay na direksyon, na malaya sa mga tuntunin at pamantayang pang-akademiko.

Ang ninuno ng walang muwang na pagpipinta ay itinuturing na iconography. Kapag nakita mo ang gayong mga icon, malamang na madali mong makilala ang mga ito mula sa mga tradisyonal. Ang mga ito ay hindi katimbang, primitive, na parang palpak pa. Ang lahat ng mga katangiang ito ay maaaring ilapat sa anumang pagpipinta ng walang muwang na sining, hindi lamang sa mga icon.

Isa sa mga pinaka-kilalang kinatawan ng walang muwang -. Siya rin ay itinuturing na tagapagtatag ng walang muwang na sining. Isinulat ni Rousseau ang kanyang unang trabaho sa edad na 42 - nagtrabaho siya bilang isang opisyal ng customs, at nagsimulang magsulat lamang noong siya ay nagretiro. Ang mga artistang ito ay walang oras upang maging malikhain nang propesyonal, at ayaw nila. Kaya lang minsan sa kanilang libreng oras ay iginuguhit nila ang kanilang nakikita. "Pamili ng mansanas", "Threshing", "Stormy river", "White canvases" - ito ang mga pangalan ng mga kuwadro na gawa ng mga musmos na artista.

Ang gawain ni Rousseau ay madalas na kinutya at malupit na pinupuna, lalo na noong una. At ang artista ay nakakuha ng malawak na katanyagan pagkatapos na dalhin si Camille Pissarro sa isa sa kanyang mga kuwadro na gawa - nais nilang pasayahin siya, at ang master ay nagsimulang humanga sa istilo ng artist at purihin ang pagpipinta. Ito ay "Carnival Evening", 1886.

Ang mga detalye ng tanawin ay masyadong maingat na iginuhit, at ang pagtatayo ng mga plano ay nagpasaya sa madla, ngunit ito mismo ang ikinatuwa ni Pissaro.

Ang isa pa, hindi gaanong sikat na walang muwang na artista ay ang Georgian na si Niko Pirosmani. Sa simula ng ikadalawampu siglo, nang magsimulang aktibong makisali si Pirosmani sa sining, nagpinta siya ng mga gawang bahay na pintura sa mga oilcloth - puti o itim. Kung saan kinakailangan na ilarawan ang mga kulay na ito, iniwan lamang ng artista ang mga oilcloth na hindi pininturahan - at ito ay kung paano niya binuo ang isa sa kanyang mga pangunahing pamamaraan.

Gustung-gusto ni Pirosmani na ilarawan ang mga hayop, at sinabi ng kanyang mga kaibigan na sa mga hayop na ito ay iginuhit niya ang kanyang sarili. At sa katunayan, ang "mga mukha" ng lahat ng mga hayop ng Pirosmani ay may kaunting pagkakahawig sa mga totoong mukha ng hayop, at lahat sila ay may parehong hitsura: malungkot at walang pagtatanggol, maging "Giraffe" (1905) o "Bear on a Moonlit Night" (1905). ).

Namatay si Niko Pirosmani sa walang tirahan na kahirapan dahil sa gutom at kawalan. At ito sa kabila ng katotohanan na paminsan-minsan ay mayroon siyang trabaho sa pagdidisenyo ng mga palatandaan para sa mga pampublikong catering establishments.

Karamihan sa mga walang muwang na kinatawan ay hindi kumikita ng anumang pera mula sa kanilang artistikong pagkamalikhain, na nag-iiwan sa pinakamainam na ilang oras sa isang araw para dito, bilang isang libangan. Hindi ka nito gagawing propesyon - ito ang dahilan kung bakit ang mga walang muwang na artista ay isang hiwalay na kasta. Ito ay napaka-tapat na sining, mula sa kaibuturan ng aking puso - walang presyon ng mga order sa artist, walang pag-asa sa pananalapi sa pagkamalikhain. Siya ay gumuhit lamang dahil mahal niya ito - ang pag-aani, at mga ritwal sa paggawa ng mga posporo, at ang kanyang katutubong ilog sa kagubatan. Siya ay nagmamahal at nagpupuri sa abot ng kanyang makakaya.

Magagawa ito ng Romanian naive artist sa napakaespesyal na paraan. Ang kanyang mga gawa ay katulad ng mga guhit mula sa mga aklat ng mga bata - ang mga ito ay makulay, mabait at hindi kapani-paniwala. Naiiba ang Daskalu sa maraming artista ng walang muwang na sining dahil inilalarawan niya ang mga paksang pantasya, sa halip na mga ordinaryong sitwasyon sa buhay. May isang bahay na gawa sa isang sapatos, at mga Lilliputians na may mga higante, at lumilipad na mga unicorn. Kasabay nito, ang kanyang mga pagpipinta ay hindi tumitigil sa pagiging simple - kapwa sa anyo at nilalaman. Sa pagtingin sa kanila, gusto mong muling basahin ang iyong mga paboritong fairy tale at mangarap ng kaunti.

Kasama sa walang muwang ang pagkamalikhain sa sarili at sining ng amateur. Ang "walang muwang" ay hindi nangangahulugang "tanga" o "makitid ang pag-iisip." Ito ay sa halip isang kaibahan sa propesyonal na sining. Ang mga artista ng walang muwang na sining ay walang mga propesyonal na kasanayan sa sining. Ito ang kanilang pagkakaiba sa mga artista ng primitivism: ang mga, bilang mga propesyonal, ay inilarawan sa istilo ang kanilang mga gawa bilang "hindi ayos" at simple. At ang pinakamahalaga, ang mga walang muwang na artista ay hindi nagsisikap na magpinta ayon sa mga canon, nang propesyonal. Ayaw nilang paunlarin ang kanilang sining at gawin itong kanilang propesyon. Ang mga walang muwang na artista ay nagpinta ng mundo hindi sa kanilang itinuturo, ngunit sa kanilang nararamdaman.

Sa una ay tila sa akin na ang walang muwang na sining ay parang ditties. Tuwang-tuwa ako sa paghahambing na ito - naging napakakulay at maliwanag. Ngunit pagkatapos kong malaman ito, napagtanto ko na mali ako. Napakagaan ng walang muwang na sining, ngunit "seryoso sa cast-iron." Sa loob nito, hindi tulad ng mga caustic ditties, walang katatawanan, katarantaduhan, o karikatura - bagaman sa unang sulyap ay tila ganap na naiiba. Sa kawalang-muwang, ang may-akda ay laging may masigasig na pang-unawa sa kanyang inilalarawan. At kung saan walang kasiyahan, walang walang muwang na sining - hindi nila ipinapakita ang mga lugar na ito ng buhay. Ang kawalang muwang ay taos-pusong paghanga.

Mayroong Museo ng Naive Art sa Moscow - ang mga manggagawa nito ay nagsasagawa ng seryosong gawain sa pagkolekta ng mga exhibit at nakikipag-usap sa mga may-akda. Ngayon ang museo ay may humigit-kumulang 1,500 na gawa, ngunit walang gaanong espasyo para sa pagpapakita, kaya ang mga eksibisyon ay nagbabago halos bawat buwan.

Hindi sasabihin ng tekstong ito ang lahat tungkol sa mga artista ng walang muwang na sining, ngunit hayaan itong maging interesado at magbigay ng inspirasyon sa iyo na pumunta sa museo o tingnan ang mga walang muwang na larawang ito sa isang search engine. Ang mga adult na artist-dreamers na ito ay nararapat sa simpleng atensyon - kahit na walang paghanga at pagkilala sa mundo, ngunit subukan nating kilalanin sila.

Kadalasan ang walang muwang na sining ay kinikilala sa primitivism. Ngunit, bagama't ang dalawang paggalaw na ito sa sining ay napakalapit, hindi sila ang parehong bagay.

Pinagsasama ng walang muwang na sining ang amateur na pagkamalikhain, ang sining ng mga self-taught na artist. Tulad ng para sa primitivism, ito ay isang estilo ng pagpipinta na lumitaw noong ika-19 na siglo, na isang sadyang pagpapasimple ng isang pagpipinta, na ginagawang primitive ang mga anyo nito. Ito ay pinipinta na ng mga propesyonal.
Ang Art Brut art ay mas malapit sa naive art. Ang walang muwang na sining ay ipinakita sa lahat ng anyo: pagpipinta, graphics, pandekorasyon na sining, iskultura, arkitektura. Ang Russian avant-garde ay nahilig din sa walang muwang na sining.

Niko Pirosmani (1852-1918)

Marahil ang pinakatanyag na kinatawan ng walang muwang na sining ay si Niko Pirosmani (Nikolai Aslanovich Pirosmanishvili). Ito ang kantang "A Million Scarlet Roses" tungkol sa kanya. Ipinanganak siya sa Georgia sa isang pamilyang magsasaka. Nakatanggap siya hindi lamang ng isang artistikong edukasyon, ngunit walang edukasyon sa lahat. Georgian at Russian lang ang nababasa niya. Nag-aral siya ng pagpipinta mula sa mga naglalakbay na artista na nagpinta ng mga karatula para sa mga tindahan at bahay. Nilikha niya ang kanyang sariling pagkamalikhain sa tanging bagay na laging nasa kamay - sa isang simpleng oilcloth na kinuha mula sa mesa.

N. Pirosmani "Port of Batumi"
Noong tag-araw ng 1912, naging interesado ang mga Cubo-Futurist sa gawain ni Pirosmani, at sinimulan nilang isulong ito: sina Ilya at Kirill Zdanevich, Mikhail Le-Dantue at iba pa. Bumili si Kirill Zdanevich ng malaking bilang ng mga kuwadro mula sa Pirosmani, at inilathala ni Ilya Zdanevich ito noong 1913 sa pahayagang "Transcaucasian Speech" isang artikulo tungkol sa gawain ni Pirosmanishvili na pinamagatang "Nugget Artist". Noong Marso 24, 1913, sa "Target" na eksibisyon sa Moscow, kasama ang mga gawa ng mga sikat na artista (Larionov at Goncharova), ilang mga pagpipinta ni Pirosmani, na dinala mula sa Tbilisi ni Ilya Zdanevich, ay ipinakita. Ang mga batang Georgian na artista ay naging interesado sa gawa ni Pirosmani, at si David Shevardnadze ay nagsimulang mangolekta ng isang koleksyon ng kanyang mga gawa. Ngunit hindi ito nagbigay kay Pirosmani ng anumang kaunlaran sa buhay - noong 1918 namatay siya sa gutom at sakit.

N. Pirosmani "Roe deer laban sa backdrop ng isang landscape" (1915). State Museum of Art of Georgia, Tbilisi
Ang mga larawan ng hayop ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa gawa ng artist. Napansin ng isa sa mga artistang Georgian na ang mga hayop sa mga kuwadro ay may mga mata ng artist mismo.
Ang walang muwang na sining bilang isang kababalaghan ng artistikong kultura ay nasa labas ng balangkas ng propesyonal na sining. Ang pag-unawa at pagpapahalaga nito ay nagsimulang magkaroon ng hugis lamang sa simula ng ika-20 siglo, ngunit ang walang muwang na sining ay nagkaroon at patuloy na nakakaimpluwensya sa gawain ng mga propesyonal na artista sa Russia at Kanlurang Europa. Sa panahon ng kapangyarihan ng Sobyet, ang mga amateur na pagtatanghal ay ginamit para sa gawaing ideolohikal. Ngunit ang walang muwang na sining ay nanatiling tapat sa mga etikal na halaga: pananampalataya sa hinaharap, paggalang sa nakaraan. Ang pangunahing pagkakaiba nito mula sa opisyal at oportunistikong sining ay hindi ito interesado.

Sergei Zagraevsky "Still Life". Ang may-akda na ito ay nauuri rin bilang isang primitivist.

Sa maraming mga bansa mayroong mga museo ng walang muwang na sining: sa Alemanya ito ang Charlotte Zander Museum. Sa Tsaritsyno Museum, nakolekta ng mga may-ari ng lupa ang isang koleksyon ng walang muwang na sining. Ang Suzdal State Museum-Reserve ay may malaking koleksyon ng walang muwang na sining. Sa Moscow mayroong isang Museo ng Naive Art sa Novogireevo. Mayroon ding maraming mga pagpipinta ng mga baguhang artista sa mga pribadong koleksyon. Sa Nice (France) mayroong A. Zhakovsky Museum of Naive Art.
Ang mga gawa ng walang muwang na sining ay talagang kaakit-akit. Gusto mo silang tingnan at tingnan, mabigla at ngumiti, malungkot at humanga. Minsan tila hindi ito walang muwang, ito ay sining kung ito ay pumupukaw ng maraming damdamin. Parang galing sa ibang mundo. Ngunit ito ay isang personal na saloobin at personal na emosyon. Paano sinusuri ng mga eksperto ang walang muwang na pagkamalikhain?
Nag-publish siya ng ilang mga libro tungkol sa kontemporaryong walang muwang na sining K. Bohemskaya. Bumaling tayo sa kanyang aklat na "Naive Art" kapag pinag-uusapan ang gawain ni Pavel Leonov.

Pavel Petrovich Leonov (1920-2011)

Pavel Leonov (2001)

"Tinawag ni Leonov ang kanyang mga komposisyon na mga konstruksyon. Ang mga istrukturang ito ay tinutubuan ng kulay ng laman. Ang mga pigura ng mga tao ay kadalasang itim - na parang lahat sila, tulad ng mga bilanggo sa isang kampo, ay nakasuot ng itim na pea coat. Pero minsan nakasuot sila ng puti. Ang maliliit na itim na ibon, na nakikita tulad ng mga ticks sa maputlang kalangitan ng mga unang painting, ay nagiging mataba na itim na rook sa asul ng mga mamaya, at pagkatapos ay lumilipad din dito ang mga puting ibon.
Ang tagumpay ng mga pangarap sa buhay, mga plano sa pagpapatupad, na likas sa Leonov, ay isang katangian na katangian ng pambansang karakter ng Russia" (K. Bogemskaya).

P. Leonov "Kumusta, Pushkin!"
Ang mga disenyo ni Leonov ay multi-tiered, na kumakalat sa buong lugar ng canvas. At ang mga canvases ay napakalaking sukat, na nagpapahintulot sa may-akda na manirahan sa loob ng kanyang pagpipinta, kumbaga, upang mabuhay sa mundo na kanyang inilalarawan. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay naglalarawan sa nakaraan, ngunit sa parehong oras, pinalamutian ang nakaraan, tila pinag-uusapan nila ang tungkol sa isang mas magandang hinaharap. "Ang mga kuwadro na gawa ni Leonov ay naglalaman ng sigla na nasakop nila ang bawat puso na bukas sa mga artistikong impresyon at hindi nasisira ng mga pamantayan ng pagkonsumo ng mga sample ng museo."

P. Leonov "At dapat akong lumipad ..."
"Nilikha sa labas ng mga hangganan ng isang propesyonal na paaralan at istilo, ang marginal na pagkamalikhain ay ipinanganak mula sa mga pangangailangan na malayo sa pagnanais para sa artistikong katanyagan. Ang mga lumikha nito ay mga kakaibang tao - sira-sira, outcast. Ipinakita nila sa kanilang mga gawa ang mga imahe at pangitain na nagmumula sa mga alaala, pangarap at pangarap. Nagsasalita sila sa kanilang sarili sa wika ng mga imahe. Sila ay gumuhit na parang nag-e-spell, lumilikha ng sarili nilang mundo sa kanilang paligid, isang cocoon na pumipigil sa kanila mula sa realidad” (K. Bogemskaya).

P. Leonov "Sa lupain kung saan may mga puno ng palma at lemon"
“...Lilipas ang mga taon, at magiging halata sa lahat: Si Leonov ay isang mahusay na artistang Ruso. Hindi na nila maaalala ang kahulugan ng "walang muwang." Kaya si Adolf Wölfli ang naging pinakatanyag na artista sa Switzerland. Kaya, si Niko Pirosmanishvili ay itinuturing na isang mahusay na artista ng Georgia.
Lumikha si Leonov ng kanyang sariling imahe ng Russia, na hindi pa umiiral noon. Lumikha siya ng isang istilo na pagmamay-ari niya at ang kanyang sariling inspirasyon na kulay.
Ang pamana ni Leonov, na binubuo ng isa at kalahating libong malalaking canvases, tulad ng pamana ng iba pang mahusay na mga artista, ay isang napakalaking mundo ng sarili nitong, sa mga aspeto kung saan ang iba't ibang mga aspeto ng nakapaligid na mundo ay nakikita at na-refracted.
Ang kahalagahan ng Leonov ay pahalagahan ng hinaharap, na mangangailangan ng mga pundasyon para sa pagtatayo ng isang gusali ng pambansang kultura" (K. Bogemskaya).

Mula sa talambuhay

P. Leonov "Self-portrait" (1999)

Si Pavel Petrovich Leonov ay ipinanganak sa lalawigan ng Oryol. Mahirap ang kanyang buhay, nagtrabaho siya sa mga pabrika, pumutol ng kahoy, nag-ayos ng mga barko, gumawa ng mga kalsada, isang karpintero, plasterer, stove maker, tinsmith, pintor, at graphic designer. Nakatira sa Orel, Ukraine, Azerbaijan, Georgia, Uzbekistan. Ilang beses siyang inaresto noong 1940-1950.
Nagsimula siyang magpinta noong 1950s sa Kamchatka. Noong 1960s nag-aral kay Roginsky. Tinawag siya ni Roginsky na "Don Quixote ng panahon ng Sobyet." Ang pinakamabungang panahon ng kanyang trabaho ay nagsimula noong 1990s, nang ang kanyang mga gawa ay aktibong binili ng mga kolektor ng Moscow, kahit na siya ay patuloy na nabubuhay sa kahirapan, sa mahirap na mga kondisyon ng pamumuhay.
Matapos ang pagkamatay ng kanyang asawa, hindi siya nagtrabaho at nanirahan kasama ang kanyang anak sa nayon ng Savino, rehiyon ng Ivanovo. Siya ay inilibing doon.

Elena Andreevna Volkova (1915-2013)

May parang bata, mainit at nakakaantig sa kanyang mga gawa. Hindi sila tulad ng mga sikat na classic. Ngunit ang pagkilala sa kanila ay nagdudulot ng kaligayahan sa kaluluwa.

E. Volkova "Nagtago ang maliit na baboy" (1975-1980)
Kabilang sa mga ubas, pipino, mansanas, peras at mushroom, sa pinakasentro ng matikas na buhay pa rin ay namamalagi ang isang baboy. "Huwag isipin na ito ay isang jellied na baboy," sabi ni Elena Andreevna sa bawat oras, na ipinapakita ang gawaing ito. "Tumakas lang siya sa kanyang ina at nagtago sa mga prutas."
Nilikha muli ni Elena Andreevna Volkova sa kanyang mga pagpipinta ang masayang pananaw sa mundo ng kanyang pagkabata.

E. Volkova "Kabayo sa isang Silver Forest"
"Lahat ng sinusulat ko ngayon sa aking mga canvases ay ipinanganak sa akin mula pagkabata. Ito ang lahat ng aking panaginip, napagmasdan ko ang lahat, nakuha ang lahat mula pagkabata hanggang ngayon. Hinding hindi ako dadaan ng kahit anong kagandahan, gusto ko lahat ng nasa paligid ko. Ang lahat ay napakaganda sa sarili nitong paraan" (mula sa aklat na "Naive Art" ni K. Bohemskaya).
Dahil sa pagiging musikal mula pagkabata, nakikita niya ang maling kulay bilang isang maling boses na sumisira sa buong koro. Ang kanyang mga pagpipinta ay nagdadala ng init at kagalakan, espirituwal na kadalisayan at buhay mismo sa lahat ng kakayahang magamit nito.

E. Volkova "Kapayapaan sa lahat!" (1984)
Ang kanyang katotohanan ay puno ng pagmamahal. Ang kanyang mundo ay ganap na liwanag at kapayapaan.

E. Volkova "Spring"

Mula sa talambuhay

Ipinanganak siya sa Chuguev, hindi kalayuan sa bahay kung saan ipinanganak si Ilya Repin, sa isang simpleng pamilya. Nagtrabaho siya bilang assistant projectionist sa isang mobile film installation. Namatay ang kanyang asawa noong panahon ng digmaan. Nagsimulang magpinta si E. Volkova noong 1960s sa edad na 45, nang walang edukasyon sa sining. Ang isa sa mga tagapagtatag ng Ukrainian avant-garde, si Vasily Ermilov, ay nakakuha ng isang bilang ng kanyang mga pagpipinta. Si Sergei Tarabarov mula sa Moscow gallery ng walang muwang na sining na "Dar" noong 2000 ay isinasaalang-alang ang Volkova na isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na artista na nagtatrabaho sa estilo ng walang muwang na sining sa Russia.
Si Elena Volkova ang naging unang artist ng naive art genre na nagkaroon ng personal na eksibisyon sa Tretyakov Gallery.
Sa mga nagdaang taon siya ay nanirahan sa Moscow. Namatay siya sa edad na 99.

Taisiya Shvetsova (b. 1937)

Artist mula sa rehiyon ng Vologda. Wala siyang espesyal na edukasyon sa sining. Siya ay nagpinta mula noong 1996. Ang kanyang mga pagpipinta ay isang pagdiriwang ng pagkabukas-palad at kabaitan.

T. Shvetsova "Kabayo" (2008)

T. Shvetsova "Apat na Pasko" (2007)

Dutch artist na si Ina Freke (b. 1941)

Si Ina Freke ay ipinanganak sa Chroningen (Holland). Mas gusto niya ang maliliwanag na kulay ng tag-araw kaysa sa mga kalmadong tanawin ng kanyang sariling bansa. Kinuha ng artista ang kanyang brush upang mabayaran ang pagkawala ng kanyang buhay (ang pagkamatay ng kanyang asawa). Ang pagkabigla na naranasan niya ay mas madaling tiisin nang siya ay naglilok ng mga eskultura at nagpinta ng mga pintura. Maraming tao ang pumupunta sa walang muwang na sining pagkatapos ng malalim na karanasan o stress.
Ang mga paboritong tema ni Ina sa kanyang mga guhit ay ang kakaibang mundo ng Africa, ang pantasya ng paglalakbay sa kalawakan at ang pagmamahalan ng kabataan. Ang paghihiwalay ng mga maliliwanag na color spot sa pamamagitan ng mga musikal na linya ay ang istilo ni Freke.

Ina Freke "Frivolity"

I. Freke "Planet Utopia"
Nakalulungkot na para sa isang malawak na bilog ng mga mahilig sa sining at mga propesyonal, ang walang muwang na sining ay nananatiling isang marginal, hindi maintindihan at nakakatawang kultural na kababalaghan. Ito ay isang buong mundo na kailangan mo lamang pasukin upang maunawaan ito. At pumasok nang walang pagtatangi, na may dalisay na puso - pagkatapos ng lahat, ito ay may dalisay na puso na nilikha ang mga gawang ito.

Walang muwang na pagpipinta na "Sumbrero at Rosas"

"Ang pagnanais na magpinta gamit ang mga pintura ng langis ay ipinanganak sa akin. Hindi ko pa sila pininturahan noon: at pagkatapos ay nagpasya akong mag-eksperimento sa kanila at gumuhit ng isang larawan ng aking sarili sa canvas," isinulat ng maharlikang Tula na si Andrei Bolotov sa kanyang talaarawan noong taglagas ng 1763. Mahigit dalawa't kalahating siglo na ang lumipas, at ang "paghanap ng pagpipinta" ay patuloy na nagtagumpay sa ating mga kontemporaryo. Ang mga taong hindi pa nakakakuha ng lapis at brush ay biglang dinaig ng hindi mapaglabanan na pagkahilig sa sining.

Ang paglitaw ng isang bagong direksyon

Ang walang muwang na sining ng ika-20 - unang bahagi ng ika-21 siglo ay kapansin-pansing naiiba sa primitive na sining ng mga nakaraang siglo. Ang mga dahilan para dito, kakaiba, ay nakasalalay sa pag-unlad ng "pang-agham" na sining. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang mga nangungunang European masters ay lubos na nakakaalam ng "pagkapagod" ng kanilang kontemporaryong kultura. Sinikap nilang gumuhit ng sigla mula sa mabagsik, primitive na mundo na umiral sa nakaraan o nakaligtas pa rin sa malalayong sulok ng planeta. Si Paul Gauguin ay isa sa mga unang sumunod sa landas na ito. Ang pagtanggi sa mga pakinabang ng hulma na sibilisasyong European, sinubukan ng artista na ihambing ang "primitive" na buhay sa "primitive" na pagkamalikhain, nais na pakiramdam na parang isang taong may dugo ng isang ganid na dumadaloy sa kanyang mga ugat. "Dito, malapit sa aking kubo, sa kumpletong katahimikan, nangangarap ako ng malago na pagkakatugma sa mga nakalalasing na amoy ng kalikasan," isinulat ni Gauguin tungkol sa kanyang pananatili sa Tahiti.

Maraming mga masters ng simula ng huling siglo ang dumaan sa isang pagkahumaling sa primitive: Nakolekta ni Henri Matisse ang eskultura ng Africa, nakuha ni Pablo Picasso at nag-hang sa isang kilalang lugar sa kanyang studio ng isang larawan ni Henri Rousseau, Mikhail Larionov sa eksibisyon na "Target" ay nagpakita ang mga pampublikong craft sign, gawa ni Niko Pirosmanashvili at mga guhit ng mga bata.

Mula noong 1910s, nagkaroon ng pagkakataon ang mga primitive artist na ipakita ang kanilang mga gawa kasama ng mga gawa ng mga propesyonal na artista. Bilang isang resulta, isang dramatikong pagbabago ang naganap sa primitive: natanto nito ang sarili nitong artistikong halaga at tumigil na maging isang phenomenon ng peripheral na kultura. Ang pagiging simple ng primitive ay nagiging higit at higit na haka-haka. Di-nagtagal bago siya namatay, inamin ni Rousseau: "Napanatili ko ang aking kawalang-muwang... Ngayon ay hindi ko na mababago ang aking istilo ng pagsulat, na nakuha sa pamamagitan ng pagsusumikap."

Sa sandaling ito, ang walang muwang na sining ay lumalabas bilang isang espesyal na artistikong kababalaghan, naiiba sa primitive na sining. Kadalasan ang gawain ng mga walang muwang na artista ay tinukoy bilang hindi propesyonal na sining, na itinatampok ang kakulangan ng akademikong pagsasanay sa sining. Ngunit ito ay malinaw na hindi sapat upang maunawaan ang pagkakaiba nito mula sa amateurism at handicraft. Inilipat ng "walang muwang" ang diin mula sa resulta patungo sa panloob na mga sanhi. Ito ay hindi lamang "hindi pinag-aralan", kundi pati na rin ang "simple-minded", "unsophisticated" - isang direktang, walang pagkakaiba, hindi reflective na kahulugan ng katotohanan.

Mga natatanging tampok

Ang self-taught artist, sa paghahanap ng self-expression, ay hindi sinasadya na lumiliko sa mga anyo ng pagkamalikhain ng mga bata - sa mga contour, flattened space, decorativeness bilang pangunahing elemento ng bagong mundo na kanyang nilikha. Ang isang may sapat na gulang ay hindi maaaring gumuhit tulad ng isang bata, ngunit maaari niyang direktang madama ang kanyang kapaligiran tulad ng isang bata. Ang natatanging katangian ng walang muwang na sining ay hindi nakasalalay sa mga likha ng artista, ngunit sa kanyang kamalayan. Ang pagpipinta at ang mundong inilalarawan dito ay nararamdaman ng may-akda bilang isang katotohanan kung saan siya mismo ay umiiral. Ngunit ang kanyang mga pangitain ay hindi gaanong totoo para sa artista: "Ang gusto kong isulat ay palaging kasama ko. Nakita ko kaagad ang lahat ng ito sa canvas. Ang mga bagay ay agad na humihiling na ilagay sa canvas, handa na sa parehong kulay at hugis. Kapag nagtatrabaho ako, tinatapos ko ang lahat ng mga bagay hanggang sa ilalim ng brush naramdaman ko na sila ay buhay at gumagalaw: mga hayop, mga pigura, tubig, halaman, prutas at lahat ng kalikasan" (E. A. Volkova).

Ang mga prototype ng mga itinatanghal na bagay ay umiiral sa imahinasyon ng may-akda sa anyo ng materialized ngunit walang buhay na mga multo. At sa proseso lamang ng pagkumpleto ng larawan sila ay nagiging animated. Ang buhay na ito na nilikha sa canvas ay ang pagsilang ng isang bagong alamat.

// pichugin2

Ang isang walang muwang na artista ay naglalarawan hindi kung ano ang kanyang nakikita, ngunit kung ano ang kanyang nalalaman. Ang pagnanais na ihatid ang kanyang mga ideya tungkol sa mga bagay, mga tao, sa mundo, upang maipakita ang pinakamahalagang sandali sa daloy ng buhay nang hindi sinasadya na humahantong sa master sa schematization at kalinawan - isang estado kung kailan nagiging mas simple ang mga bagay, mas makabuluhan sila.

Isang lawa na may mga pato, nagtatrabaho sa mga bukid at hardin, paglalaba ng mga damit, isang pampulitikang demonstrasyon, isang piging sa kasal. Sa unang tingin, ang mundo ay ordinaryo, ordinaryo, kahit medyo boring. Ngunit tingnan natin ang mga simpleng eksenang ito. Sinasabi nila ang isang kuwento hindi tungkol sa pang-araw-araw na buhay kundi tungkol sa pagiging: tungkol sa buhay at kamatayan, mabuti at masama, pag-ibig at poot, trabaho at pagdiriwang. Ang paglalarawan ng isang partikular na episode ay nakikita dito hindi bilang isang pagsasaayos ng isang sandali, ngunit bilang isang nakapagpapatibay na kuwento para sa lahat ng panahon. Ang artista ay clumsily na nagsusulat ng mga detalye, hindi maaaring paghiwalayin ang pangunahing mula sa pangalawa, ngunit sa likod ng kawalan ng kakayahan na ito ay lumitaw ang isang sistema ng pananaw sa mundo na ganap na nagwawalis sa hindi sinasadya, ang panandalian. Ang kawalan ng karanasan ay nagiging insight: gustong sabihin ang tungkol sa pribado, ang walang muwang na artista ay nagsasalita tungkol sa hindi nababago, walang hanggang umiiral, hindi natitinag.

Kabalintunaang pinagsasama ng walang muwang na sining ang hindi inaasahan ng mga masining na solusyon at ang pagkahumaling sa isang limitadong hanay ng mga tema at paksa, na sumipi sa sandaling natagpuang mga diskarte. Ang sining na ito ay batay sa paulit-ulit na mga elemento na naaayon sa unibersal na mga ideya ng tao, tipikal na mga formula, archetypes: espasyo, simula at wakas, tinubuang-bayan (nawalang paraiso), kasaganaan, holiday, bayani, pag-ibig, dakilang hayop.

Batayan sa mitolohiya

Sa mitolohiyang pag-iisip, ang kakanyahan at pinagmulan ng isang kababalaghan ay magkapareho sa bawat isa. Sa kanyang paglalakbay sa kailaliman ng mito, ang walang muwang na artista ay dumating sa archetype ng simula. Pakiramdam niya ay malapit siya sa unang taong muling natuklasan ang mundo. Ang mga bagay, hayop at tao ay lumilitaw sa kanyang mga canvases sa isang bago, hindi nakikilalang anyo. Tulad ni Adan, na nagbibigay ng mga pangalan sa lahat ng bagay na umiiral, ang walang muwang na pintor ay nagbibigay ng bagong kahulugan sa karaniwan. Ang tema ng makalangit na kaligayahan ay malapit at naiintindihan sa kanya. Ang idyll ay nauunawaan ng artist bilang ang orihinal na estado na ibinigay sa isang tao mula sa kapanganakan. Ang walang muwang na sining ay tila nagbabalik sa atin sa pagkabata ng sangkatauhan, sa maligayang kamangmangan.

Ngunit ang tema ng Pagkahulog ay hindi gaanong laganap. Ang katanyagan ng balangkas ng "pagpapaalis mula sa paraiso" ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng isang tiyak na koneksyon sa pamilya sa pagitan ng alamat ng mga unang tao at ang kapalaran ng walang muwang na artista, ang kanyang pananaw sa mundo, at ang kanyang espirituwal na kasaysayan. Ang mga itinapon, ang lumpen ng langit - sina Adan at Eba - ay lubos na nakadarama ng pagkawala ng kaligayahan at ang kanilang hindi pagkakasundo sa katotohanan. Malapit sila sa walang muwang na artista. Pagkatapos ng lahat, alam niya ang katahimikan ng pagkabata, ang euphoria ng paglikha, at ang pait ng pagkatapon. Ang walang muwang na sining ay malinaw na nagpapakita ng kontradiksyon sa pagitan ng pagnanais ng artist na maunawaan at ipaliwanag ang mundo at ang pagnanais na magdala ng pagkakaisa dito, upang mabuhay muli ang nawawalang integridad.

Ang pakiramdam ng "paraiso na nawala," kadalasang napakalakas sa walang muwang na sining, ay nagpapalala sa pakiramdam ng artist ng personal na kawalan ng kapanatagan. Bilang isang resulta, ang pigura ng isang proteksiyon na bayani ay madalas na lumilitaw sa mga canvases. Sa tradisyonal na alamat, ang imahe ng isang bayani ay nagpapakilala sa tagumpay ng maayos na prinsipyo sa kaguluhan.

Sa mga gawa ng mga walang muwang na artista, ang hitsura ng nagwagi, na kilala mula sa mga sikat na kopya - sina Ilya Muromets at Anika the Warrior, Suvorov at ang mananakop ng Caucasus, General Ermolov - ay tumatagal ng mga tampok ng bayani ng digmaang sibil na sina Chapaev at Marshal Zhukov . Ang lahat ng mga ito ay isang interpretasyon ng imahe ng manlalaban ng ahas, na naka-imbak sa kailaliman ng genetic memory, at bumalik sa iconography ng St. George slaying ang dragon.

Ang kabaligtaran ng mandirigma-tagapagtanggol ay ang kultural na bayani-demiurge. Bukod dito, sa kasong ito, ang diin ay inililipat mula sa panlabas na pagkilos patungo sa panloob na pag-igting ng kalooban at espiritu. Ang papel ng demiurge ay maaaring gampanan ng isang mythological character, halimbawa Bacchus, na nagturo sa mga tao ng winemaking, o isang sikat na makasaysayang figure - Ivan the Terrible, Peter I o Lenin, na nagpapakilala sa ideya ng isang autocrat, ang nagtatag ng isang estado o, na tumutukoy sa mga mythological overtones, isang ninuno.

Ngunit ang imahe ng makata ay lalong popular sa walang muwang na sining. Kadalasan, ang parehong pamamaraan ng komposisyon ay ginagamit: ang isang nakaupo na pigura ay inilalarawan na may isang piraso ng papel at isang panulat o isang libro ng tula sa kanyang mga kamay. Ang unibersal na pamamaraan na ito ay nagsisilbing isang pormula para sa inspirasyong patula, at ang isang sutana, lionfish, hussar mantik o blusa ay nagsisilbing "makasaysayang" mga detalye na nagpapatunay sa malalim na pagiging tunay ng nangyayari. Ang makata ay napapaligiran ng mga tauhan ng kanyang mga tula, ang espasyo ng mundong kanyang nilikha. Ang imaheng ito ay lalong malapit sa walang muwang na artista, dahil palagi niyang nakikita ang kanyang sarili sa uniberso ng larawan sa tabi ng kanyang mga bayani, na nararanasan ang inspirasyon ng lumikha nang paulit-ulit.

Ang ideolohiya ng Sobyet ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa gawain ng maraming walang muwang na mga artista. Itinayo sa mga mitolohikong modelo, ito ay bumuo ng mga larawan ng "simula ng isang bagong panahon" at "mga pinuno ng mga tao", at pinalitan ang buhay na holiday ng mga tao ng mga ritwal ng Sobyet: mga opisyal na demonstrasyon, mga seremonyal na pagpupulong at mga seremonya, mga parangal para sa mga pinuno sa produksyon, at ang gaya ng.

Ngunit sa ilalim ng brush ng isang walang muwang na artista, ang mga itinatanghal na eksena ay nagiging isang bagay na higit pa sa mga paglalarawan ng "paraan ng pamumuhay ng Sobyet." Mula sa maraming mga pagpipinta ay itinayo ang isang larawan ng isang "kolektibong" tao, kung saan ang personal ay malabo at itinulak sa background. Ang sukat ng mga figure at ang higpit ng mga poses ay binibigyang diin ang distansya sa pagitan ng mga pinuno at ng karamihan. Bilang isang resulta, ang pakiramdam ng kawalan ng kalayaan at artificiality ng kung ano ang nangyayari ay malinaw na lumilitaw sa pamamagitan ng panlabas na balangkas. Ang pakikipag-ugnay sa katapatan ng walang muwang na sining, mga ideolohikal na multo, laban sa kalooban ng mga may-akda, ay nagiging mga karakter sa teatro ng walang katotohanan.

// pichugin

Ang kakanyahan ng kawalang-muwang

Sa walang muwang na sining ay palaging may yugto ng pagkopya ng isang modelo. Ang pagkopya ay maaaring isang yugto sa proseso ng pagbuo ng indibidwal na istilo ng isang artist o isang nakakamalay na independiyenteng pamamaraan. Halimbawa, madalas itong nangyayari kapag lumilikha ng isang larawan mula sa isang larawan. Ang isang walang muwang na artista ay walang kahihiyan sa harap ng isang "mataas" na pamantayan. Sa pagtingin sa trabaho, siya ay nakuha ng karanasan, at ang pakiramdam na ito ay nagbabago sa kopya.

Hindi napahiya sa pagiging kumplikado ng gawain, si Alexey Pichugin ay gumaganap ng "The Last Day of Pompeii" at "The Morning of the Streltsy Execution" sa pininturahan na kahoy na relief. Medyo tumpak na sumusunod sa pangkalahatang mga balangkas ng komposisyon, ang Pichugin ay nagpapantasya nang detalyado. Sa The Last Day of Pompeii, ang tuktok na helmet ng Roman sa ulo ng isang mandirigma na may dalang matandang lalaki ay nagiging isang bilog na brimmed na sumbrero. Sa "The Morning of the Streltsy Execution," ang board para sa mga utos na malapit sa lugar ng pagpapatupad ay nagsisimula na maging katulad ng isang board ng paaralan - na may puting teksto sa isang itim na background (sa Surikov ito ay kulay ng hindi pininturahan na kahoy, ngunit walang teksto sa lahat. ). Ngunit ang pinakamahalaga, ang pangkalahatang lasa ng trabaho ay nagbabago nang malaki. Hindi na ito isang madilim na umaga ng taglagas sa Red Square o isang gabi sa timog na naliliwanagan ng mga kislap ng umaagos na lava. Ang mga kulay ay nagiging napakaliwanag at eleganteng na sumasalungat sila sa drama ng mga plot at binabago ang panloob na kahulugan ng mga gawa. Ang mga katutubong trahedya na isinalin ni Alexey Pichugin ay higit na nakapagpapaalaala sa mga patas na kasiyahan.

Ang "creative inferiority complex" ng master, na isa sa mga kaakit-akit na aspeto ng "lumang" primitive, ay maikli ang buhay sa mga araw na ito. Mabilis na nadiskubre ng mga artista na ang kanilang hindi gaanong mahusay na mga likha ay may sariling kagandahan. Ang hindi sinasadyang mga salarin para dito ay mga kritiko ng sining, kolektor, at media. Sa ganitong diwa, kabalintunaan, ang mga eksibisyon ng walang muwang na sining ay gumaganap ng isang mapanirang papel. Ilang tao ang namamahala, tulad ni Rousseau, na "panatilihin ang kanilang kawalang-muwang." Minsan ang mga walang muwang na tao kahapon - sinasadya man o hindi - sumasakay sa landas ng paglinang ng kanilang sariling pamamaraan, nagsisimulang mag-istilo bilang kanilang mga sarili, ngunit mas madalas, iginuhit ng mga hindi maiiwasang elemento ng merkado ng sining, nahuhulog sila sa yakap ng kulturang masa, malawak. bilang mga tarangkahan.