Mga pangunahing uri ng orkestra na texture. Instrumentasyon at instrumentasyon: teksturang orkestra Orkestra ng mga katutubong instrumento

Para sa mga nagnanais na mag-orchestrate ng kanilang sarili o mga gawa ng ibang tao, ang dami ng impormasyong nilalaman sa manwal na ito ay lubhang hindi sapat. Ang mga mag-aaral ng theoretical composition department ay dapat sumangguni sa mas kumpleto at detalyadong mga manwal sa instrumentasyon at instrumentasyon (ang ilan sa mga manwal na ito ay nakalista sa paunang salita). Ngunit kahit na ang pinaka masusing pag-aaral ng teorya ng orkestra mula sa mga libro at mga eksperimento sa pag-orkestra ng mga piyesa ng piano ay hindi magbibigay sa isang baguhang orkestra ng anuman nang walang praktikal na pag-aaral ng orkestra, kulay ng orkestra, pag-aaral ng mga detalye ng bawat instrumento sa loob ng mahabang panahon at sa gastos ng maraming trabaho.

Ang tanging paraan sa kaalamang ito ay ang pag-aralan ang mga marka at makinig sa mga orkestra na gawa na may marka sa kamay. Lubhang kapaki-pakinabang na pamilyar muna sa mga orkestra na gawa sa clavierauszug (kaayusan para sa dalawa o apat na kamay) at pagkatapos ay suriin ang iskor bago at pagkatapos itanghal ito ng orkestra. Napaka-kapaki-pakinabang na dumalo sa mga orkestra na pag-eensayo, na makasama sa orkestra ng ilang beses, upang masusing tingnan ang mga instrumento, pakikinig sa kanilang timbre, at iba pa. atbp. Ngunit dapat kang makisali sa orkestrasyon lamang pagkatapos mong ganap na makabisado ang pagkakatugma, alam ang polyphony at anyo.

Ang instrumentasyon ay isang lubhang kumplikado at banayad na sining. Walang alinlangan, si N.A. Rimsky-Korsakov ay ganap na tama nang sabihin niya na "ang instrumento ay pagkamalikhain, ngunit ang pagkamalikhain ay hindi maituturo" (Rimsky-Korsakov, Fundamentals of Orchestration). Hindi lahat ng kompositor, na hindi masisisi sa kakulangan ng kaalaman, master ang orkestra at nararamdaman ang lasa ng orkestra. Sa huli, ang sinumang karampatang musikero ay matututong magsalin ng kanyang sarili o gawa ng ibang tao sa isang orkestra; ngunit hindi lahat ay maaaring sumulat para sa isang orkestra sa paraang, ayon kay Rimsky-Korsakov, ang instrumentasyon ay isa sa mga aspeto ng kaluluwa ng komposisyon mismo. Walang alinlangan na hindi lahat ng kompositor ay may pakiramdam ng orkestra na kulay - isang ganap na espesyal na pakiramdam, tulad ng isang pakiramdam ng anyo - kahit na sumulat sila para sa orkestra.

Sa karamihan ng mga kaso, kapag bumubuo ng isang piraso para sa orkestra, ang may-akda ay umaasa sa orkestra na kagamitan at, kahit na hindi siya agad na sumulat ng isang buong marka, ang kanyang mga sketch ay, kumbaga, isang pinaikling marka ng orkestra, at ang karagdagang orkestra ay ang pagbuo lamang. ng mga detalye sa pagtatanghal ng piyesang ito para sa orkestra. Gayunpaman, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit ng isang espesyal na lugar ng sining ng orkestra, na kung saan ay nagiging mas at mas laganap bawat taon: ito ang instrumento ng mga gawa ng ibang tao.

Sa ilang mga kaso, ang mga kompositor, dahil sa iba't ibang mga pangyayari, ay hindi nagawang instrumento ang kanilang gawaing inilaan para sa orkestra, at ang iba ay gumawa ng gawaing ito para sa kanya. Ganito ang kaso sa "The Stone Guest" ni Dargomyzhsky, kasama ang mga opera ng Mussorgsky, atbp. Ngunit kadalasan mayroong mga medyo "mabubuhay" na mga orkestra na mga piraso na resulta ng orkestrasyon ng mga gawa sa piano (tulad ng, halimbawa, "Mozartiana ” ni Tchaikovsky, “Pictures at an Exhibition” ni Mussorgsky, dalawang beses na ginamit : M. Tushmalov at M. Ravel; tatlong orchestral suite ni D. Rogal-Levitsky - “Listiana”, “Chopiniana” at “Scriabiniana”, at ilang iba pang katulad na mga gawa).

Kapag nag-oorkestra ng mga gawa ng piano, kung minsan ang may-akda ng orkestra ay namamahala upang ipakita ang gawain nang napaka-organikong "orkestra" na ang akda ay nakakakuha ng isang ganap na bago, espesyal na kalidad, at ang piyesang ito ay may bawat karapatan sa buhay bilang isang orkestra na gawa. Sa ilalim lamang ng gayong mga kondisyon maaari nating isaalang-alang na ang orkestrasyon ng gawaing piano ay nakamit ang layunin nito.

Ang isang baguhan na nag-aaral ng isang buong marka ng orkestra ay kailangang maging pamilyar sa mga pangunahing uri ng texture ng orkestra na tiyak sa organiko, na likas lamang sa orkestra.

Ang mekanikal, literal na pagsasalin ng isang piano text sa isang orkestra, na may mga pambihirang eksepsiyon, ay humahantong sa isang kulay abo, walang kulay na sonority. Tanging ang mga katangi-tanging malinaw na mga gawa tulad ng mga gawa ng mga klasikong Viennese o, halimbawa, ang mga dula ni Grieg, na inayos mismo ng may-akda, ay mahusay na tunog kapwa sa piano at sa orkestra, halos ganap na pinapanatili ang mga uri ng pagtatanghal sa parehong mga edisyon. Ngunit kahit dito, kapag na-transcribe para sa orkestra, ang ilang mga pagbabago ay kinakailangan, sanhi ng alinman sa mga teknikal na kinakailangan ng mga indibidwal na instrumento at buong grupo, o sa pagnanais na kahit papaano ay i-highlight ang tema, palakasin ang bass, baguhin ang saliw nang mas kapaki-pakinabang, atbp.

Ang mga pangunahing uri ng pag-aayos ng mga instrumento sa (karamihan) 4-voice harmony ay ang mga sumusunod:

1. Ang pag-aayos ng palapag (tinatawag na layering ni Rimsky-Korsakov) ay ang pag-aayos ng mga instrumento kasama ang nominal na taas.

Halimbawa:

Soprano - fl. fl. 1 gob. 1 gob. 1

Alto - gob. fl. 2 gob. 2 cla. 1

Tenor - Clar. gob. 1 cl. 1 cl. 2

Bass ay isang bading. o gob. 2 o cl. 2 o phage. 1, atbp.

2. Paligid, iyon ay, tulad ng isang pagsasaayos ng mga instrumento kung saan ang ilang mga timbre (o timbre) ay napapalibutan ng iba na magkapareho sa bawat isa.

Halimbawa:

Oboe 1 - plauta 1 klarinete 1

Flute 1 - oboe 1 oboe

Flute 2 - oboe 2 clarinet 2

Oboe 2 - o plauta 2

3. Pagtatawid. Kapag tumatawid, nakaposisyon ang mga instrumento

sa sumusunod na paraan:

Oboe 1 clarinet 1

Flute 1 bassoon 1

Oboe 2 clarinet 2

Flute 2 bassoon 2

grupo sa kabuuan, upang ihiwalay ang timbre ng isang partikular na instrumento mula sa buong grupo, atbp. Ang pinakasimpleng pag-aayos, na itinanghal, ay lalo na minamahal ng mga klasikong Viennese, na hindi nagbigay ng malaking kahalagahan sa mga subtleties ng mga kulay ng timbre ng mga instrumento ng hangin ng parehong grupo. Sa mga susunod na panahon lamang nagsisimula silang bigyang-pansin ang kumbinasyon ng mga instrumento ng hangin sa isa't isa, at dito lumitaw ang isang malaking bilang ng mga magkakaibang kumbinasyon, na lumilikha ng mga mayayamang kulay sa mga grupo ng woodwind at tanso. Isang praktikal na pag-aaral lamang ng orkestra ang magbibigay-daan sa mag-aaral na maunawaan ang mga benepisyo at katangian ng isang partikular na pagsasaayos o kumbinasyon ng mga instrumento.

Ang iba't ibang mga kaayusan ay may pinakamaliit na epekto sa sonority ng string group; ngunit kahit na dito, ang mga nakaranasang orkestra ay madalas na gumagamit ng mga kaso ng paglalagay ng mga solong bahagi - violas o, halimbawa, cellos - sa itaas ng bahagi ng violin, na maaaring magbigay, sa ilalim ng mga espesyal na kondisyon, ng isang napakakulay na sonority.

Ang kumplikadong pamamaraan ng "superposing" ng isang timbre sa isa pa ay gumaganap ng isang malaking papel.

Halimbawa:

1. oboe 1 + plauta 1 nang sabay-sabay;

2. oboe 1 + clarinet 1 nang sabay-sabay

oboe 2 + clarinet 2 nang sabay-sabay

3. klarinete 1 + bassoon 1 nang sabay-sabay

bassoon 2 + horn in unison

Ang pamamaraan na ito ay hindi palaging sanhi ng pagnanais na mapahusay ang sonority ng isang naibigay na boses, ngunit kadalasan ang layunin nito ay paghaluin ang mga kulay upang makakuha ng isang bagong kumplikadong timbre.

Sa bagay na ito, tulad ng sa ilang iba pa, ang orkestra ay nagbibigay ng napakalaking pagkakataon; ito ay isang bagay lamang ng husay, panlasa at talino ng kompositor.

Ang mga pangunahing pamamaraan ng pagkulay ng texture ng orkestra ay kinabibilangan ng: Isolating the melody, which is done by amplification, iyon ay, pagdodoble, tripling sa pamamagitan ng pagpapatong sa nangungunang boses o pagdodoble ng melody sa isa, dalawa, atbp. octaves, o paghihiwalay ng melody sa pamamagitan ng timbre paghahambing: ibig sabihin, ang himig ay isinasagawa sa ibang timbre kaysa sa saliw. Ang pinakakaraniwang uri ng texture ng orkestra ay kinabibilangan ng iba't ibang mga kaso ng paghahambing ng materyal: simula sa simpleng paghahalili ng mga chord sa iba't ibang grupo hanggang sa paghahambing sa iba't ibang instrumento, iba't ibang grupo - mga buong parirala, mga sipi, atbp. Ang uri ng paghahambing ay maaari ding uriin bilang gayon -tinawag. roll call o imitasyon. Sa kasong ito, ang parirala ay karaniwang ginagaya sa iba't ibang mga rehistro at karamihan sa iba't ibang mga timbre.

Ang paglipat ng melody mula sa isang instrumento patungo sa isa pa ay sanhi ng iba't ibang mga pagsasaalang-alang, ang mga pangunahing ay:

1. Ang haba ng parirala ay nagpapalubha sa mga teknikal na kakayahan ng tagapalabas (halimbawa, paghinga sa mga instrumento ng hangin). Sa ganitong mga kaso, karaniwang ginagamit nila ang paglilipat ng parirala sa isang homogenous na instrumento.

2. Laki ng daanan sa buong saklaw. Sa kasong ito, ginagamit nila ang pagpapadala ng parirala sa isang mas mataas (sa tessitura) na instrumento (na may isang pataas na sipi) o isang mas mababang isa (na may isang pababang sipi).

3. Ang paghahatid ay ginagamit din hindi lamang para sa purong teknikal na mga kadahilanan, kundi pati na rin para sa mga kadahilanang may kaugnayan sa mga kulay ng timbre (pagbabago ng timbre, paglilinaw o pampalapot ng sonority, atbp.).

Kapag nagtatanghal ng maharmonya na figuration (halimbawa, kasamang mga figure), ang mga orkestra ay kadalasang gumagamit ng pagbabago sa direksyon ng paggalaw, na nagpapakilala sa kabaligtaran (sa isa't isa) direksyon ng mga figure ng saliw, "paglalagay" ng isang napapanatiling tunog (pedal) o isang buong grupo ( chord) ng mga napapanatiling tunog sa ilalim ng gumagalaw na mga boses. tunog. Pinapayaman nito ang sonority, na nagbibigay ng higit na kayamanan at pagiging compactness.

Kapag nag-oorkestra, napakahalaga na isaalang-alang ang sonority ng bawat instrumento o ng buong grupo. Napakahirap magbigay ng isang paghahambing na talahanayan ng kapangyarihan ng iba't ibang mga instrumento, dahil ang bawat isa sa mga instrumento (lalo na ang mga instrumento ng hangin) ay may iba't ibang lakas ng tunog sa isang rehistro o iba pa sa buong saklaw nito.

Malinaw kahit sa isang walang karanasan na orkestra na, halimbawa, ang isang brass group sa forte ay magiging mas malakas kaysa sa isang woodwind group. Ngunit sa parehong forte at piano posible na makamit ang parehong lakas ng sonority sa parehong mga grupo. Mukhang ang isang hiwalay na grupo ng mga string (halimbawa, 1st violin), dahil sa kanilang numerical superiority, ay dapat na mas malakas kaysa sa isang woodwind (halimbawa, oboe, flute). Ngunit salamat sa maliwanag na pagkakaiba sa mga timbre, ang isang oboe o plauta ay malinaw na maririnig kahit na ang isang timbre ay nakapatong sa isa pa, hindi banggitin ang isang solong pagtatanghal ng isang bahagi ng hangin na may saliw ng isang string quintet.

Ang pagbabalanse ng lakas ng sonority ay maaaring makamit sa iba't ibang paraan, tulad ng pagdodoble.

Halimbawa:

2 plauta (mababa ang rehistro)

2 sungay

violas + klarinete

cello + bassoon

2 sungay + 2 bassoon

2 trumpeta + 2 obo

atbp. At sa iba't ibang paraan, gamit ang likas na katangian ng mga timbre, mga dynamic na shade, atbp.

Bilang karagdagan sa mga uri ng pagtatanghal na nakalista sa itaas, mayroong isang malaking bilang ng iba't ibang mga diskarte sa orkestra, parehong kilala at karaniwang ginagamit sa iba't ibang mga panahon ng iba't ibang mga kompositor, at lalo na ang mga paborito, kung minsan ay naimbento ng ilang mga may-akda. Ang bawat kompositor ng orkestra ay bubuo ng kanyang sariling mga diskarte sa orkestra na nakakatugon sa kanyang malikhain at istilong mga layunin. Ang bawat orkestra ay lumalapit sa orkestra sa kanyang sariling paraan, ngunit gayunpaman ay palaging mahigpit na isinasaalang-alang ang mga kakayahan ng mga instrumento at ang mga detalye ng bawat grupo.

Ang mga pamamaraan ng pagtatanghal ng orkestra ay may malapit na koneksyon sa anyo, sa malikhaing istilo ng isang partikular na kompositor, at sama-samang bumubuo sila ng karaniwang tinatawag na istilo ng orkestra ng isang partikular na kompositor.

Ang kalansing ay tulad ng isang bungkos ng mga kahoy na plato na kapag inalog ay naghahampas sa isa't isa at gumagawa ng mga tunog na nagbibitak. Ang masaya at epektibong tool na ito ay maaaring gawin gamit ang iyong sariling mga kamay. Humigit-kumulang 20 makinis, kahit na mga plato na may sukat na 200 x 60 mm ay pinutol at pinaplano mula sa tuyong kahoy (mas mabuti oak).

Pangkalahatang view ng ratchet at mga sukat ng mga plato nito.

Ang parehong bilang ng mga intermediate na kahoy na spacer sa pagitan ng mga ito, 5 mm makapal, ay ginawa. Ang mga spacer na ito ay kinakailangan upang paghiwalayin ang mga plato. Kung wala ang mga ito, ang mga plato ay magkakadikit nang mahigpit at ang mga epekto sa isa't isa ay magiging mahina. Ang laki at lokasyon ng mga gasket ay ipinahiwatig sa tuldok na linya sa figure. Sa itaas na bahagi ng bawat plato, sa isang maikling distansya mula sa mga gilid (mga 10 mm) at sabay-sabay sa nakalakip na spacer, dalawang butas na may diameter na halos 7 mm ay drilled. Ang isang siksik, malakas na kurdon o insulated wire ay sinulid sa lahat ng mga butas na ito, at ang lahat ng mga plato, na alternating sa mga spacer, ay nakabitin dito. Upang matiyak na ang mga plato ay palaging mahigpit na gumagalaw, 4 na buhol ay nakatali sa kurdon kapag iniiwan ang mga ito. Ang mga libreng dulo ay nakatali sa isang singsing. Hindi ito dapat malawak, na may kakayahang payagan ang mga kamay ng manlalaro na magkasya sa mga resultang kalahating singsing.

Kapag ginanap, ang ratchet ay umaabot tulad ng isang akurdyon, ngunit hugis-fan, dahil sa tuktok ang mga plato ay mahigpit na nakakabit sa mga buhol. Sa isang maikling pagtulak ng libreng bahagi ng magkabilang kamay, ang ratchet ay tila agad na nag-compress. Ang mga plato ay nagtama sa isa't isa, na gumagawa ng ingay. Sa pamamagitan ng pagmamanipula ng iyong mga kamay, paghampas sa mga ito nang sabay-sabay o hiwalay, makakagawa ka ng iba't ibang uri ng ritmo sa instrumentong ito.

Ang ratchet ay karaniwang hawak sa antas ng ulo o dibdib, at kung minsan ay mas mataas; Pagkatapos ng lahat, ang instrumento na ito ay umaakit ng pansin hindi lamang sa tunog nito, kundi pati na rin sa hitsura nito. Madalas itong pinalamutian ng mga kulay na laso, bulaklak, atbp.

... “Oh, tatlo! Bird-three, sino ang nag-imbento sa iyo? Alam mo, maaari ka lamang ipanganak kasama ng isang masiglang tao, sa lupaing iyon na hindi mahilig magbiro, ngunit kumalat nang maayos sa kalahati ng mundo, at magpatuloy at bilangin ang mga milya hanggang sa tamaan ka nito sa mukha. ”

Sino ang hindi nakakaalala sa mga linyang ito ng Gogol! Sino ang hindi nakakaalam ng kamangha-manghang kakayahan ng mga taong Ruso na palamutihan ang lahat ng nakapaligid sa kanila, upang dalhin ang mga elemento ng kagandahan at pagkamalikhain sa mga pinaka-ordinaryong bagay! Kaya paano magiging posible na sumakay sa isang mapangahas na troika nang walang musika, nang walang mga kampana at kampana? Sa kabutihang palad, walang espesyal na trabaho ang kinakailangan: ang mga kampanilya at mga kampanilya ay nakabitin sa ilalim ng arko at nanginginig kapag nagmamaneho nang mabilis, na naglalabas ng isang buong hanay ng mga kulay-pilak na tunog.

Kampana at kampana.

Ano ang pagkakaiba sa pagitan ng mga kampana at mga kampana at bakit tayo mas interesado sa huli? Ang kampanilya ay isang metal na tasa na nakabukas sa ibaba na may nakapirming striker (dila) sa loob. Tunog lang ito kapag nasuspinde sa patayong posisyon. Ang kampana ay isang guwang na bola kung saan ang isang metal na bola (kung minsan ay marami) ay malayang gumugulong, at kapag inalog, tumama sa mga dingding at naglalabas ng tunog. Ang kampana ay mas malinaw at mas maliwanag sa timbre, ang kampana ay duller; mas maikli ang tunog nito. Ngunit ito ay tunog sa anumang posisyon. Napakaraming mga kanta at instrumental na komposisyon ang nakatuon sa Russian troika at sa mga kutsero na naging kinakailangan upang ipakilala ang isang espesyal na instrumentong pangmusika sa orkestra ng katutubong instrumento, na ginagaya ang tunog ng mga kampana at kampanilya ng mga kutsero. Ang instrumentong ito ay tinatawag na mga kampana.

Ang isang strap ay tinatahi sa isang maliit na piraso ng katad na kasing laki ng palad upang makatulong na hawakan ang instrumento sa palad. Sa kabilang banda, ang maraming mga kampana mismo hangga't maaari ay natahi. Sa pamamagitan ng pag-alog ng mga kampana o pagpindot sa mga ito sa tuhod, ang manlalaro ay gumagawa ng mga tunog na kulay-pilak, na nakapagpapaalaala sa pagtunog ng mga kampana ng Russian troika. Ang isang espesyal na epekto ay nakukuha kasabay ng pagtugtog ng tamburin (nanginginig) at glyok (uri ng Kanlurang Europa ng mga kampana). Maaari mong i-hang ang mga kampanilya hindi sa balat, ngunit sa ilang bagay, halimbawa, sa isang kahoy na stick o kutsara.

Rubel

Ang ruble, tulad ng mga kutsara, ay isang pang-araw-araw na bagay para sa mga taong Ruso. Noong unang panahon, kapag wala pang plantsa, ang mga damit ay pinaplantsa sa pamamagitan ng pag-roll habang basa sa isang rolling pin at pagkatapos ay i-roll ito ng mahabang panahon, siksik ito sa isang ruble. Posible na ang isang tao ay hindi sinasadyang dumaan sa isa pang nababanat na bagay sa kahabaan ng mga ngipin nito at ang resulta ay isang kumikinang na cascade ng mga tunog, katulad ng kinuha namin mula sa mga fence board gamit ang isang stick. Tulad ng makikita mo, ang mga instrumentong pangmusika, lalo na ang mga instrumentong percussion, ay nilikha ng buhay mismo, at madalas ng ating pang-araw-araw na buhay. Kailangan mo lang maging mapagmasid, maparaan at mapag-imbento. Ang pagkakaiba sa pagitan ng isang musical ruble at isang household ruble ay ang una ay guwang, ang pangalawa ay solid. Ang guwang ay natural na mas malakas at umaalingawngaw.

Ang rubel ay mahusay na binibigyang-diin sa pagganap ng lahat ng uri ng maikling arpeggios o mga tala ng grasya. Hindi ito dapat gamitin nang labis, dahil ang tunog nito ay maaaring mabilis na maging boring.

Kahon

Kahon

Ang kahoy na kahon ay isang napakahinhin ngunit mahalagang instrumento ng Russian folk orchestra. Ito ay isang maliit, pahaba, maingat na planado at kahit na pinakintab na kahoy na bloke sa lahat ng panig, kadalasang maple, na may maliit na lukab sa ilalim ng itaas na bahagi ng katawan, na nagsisilbing isang resonator. Ang tunog ay ginawa gamit ang drum o xylophone sticks.

Binibigyang-diin ng kahon ang mga indibidwal na rhythmic point at ginagaya ang pag-click ng mga takong sa pagsasayaw. Ang kahon ay ganap na kailangang-kailangan sa pagpapadala ng clatter ng hooves, lalo na sa kumbinasyon ng mga kutsara o castanets.

kahoy na panggatong

Ang isang bihirang instrumentong pangmusika ay hindi gawa sa kahoy: woodwinds, lahat ng mga string, button accordions at harmonicas, maraming mga instrumento ng pagtambulin ay kahit papaano ay konektado sa pamamagitan ng kanilang disenyo sa kahoy, na sa halos lahat ng mga kasong ito ay gumaganap ng papel ng isang resonator. Ngunit ang isang puno ay hindi lamang tumutulong sa iba pang mga katawan na tumunog, ngunit maaari mismo kumanta, gumawa ng mga musikal na tunog, iyon ay, mga tunog ng isang tiyak na pitch. Upang gawin ito, kailangan mong i-cut ang mga bloke ng tuyo, napapanahong kahoy na may iba't ibang laki at pagkatapos ay ayusin ang mga ito ayon sa mga hakbang ng sound scale. Ang kilalang xylophone, isang maliwanag at makulay na instrumento, ay itinayo gamit ang prinsipyong ito.

Ngunit sa mga tao, ang mga imbentor at joker ay nag-imbento ng kanilang sariling xylophone, na mas simple at mas mausisa. Imagine: isang ordinaryong dumadaan ang pumunta sa entablado na may dalang bundle ng panggatong sa likod. Pagkatapos ay inilatag niya ang kanyang "kahoy na panggatong" sa kanyang harapan at nagsimulang tumugtog ng masasayang himig ng sayaw sa mga ito gamit ang maliliit na mallet na kahoy. At kung ang ibang mga musikero na may katulad na mga instrumento ay sumama sa kanya, ang epekto ay magiging mahusay at hindi inaasahan. Ang lahat ng ito ay nasa mga tradisyon ng Russian buffoonery.

Hindi lahat ng kahoy ay maganda ang tunog, kaya magbibigay kami ng ilang mga tip sa paggawa ng instrumento. Ang nais na uri ng kahoy ay maple, birch o spruce. Ang "mga log" ay pinutol sa mga piraso ng iba't ibang haba, ngunit ng humigit-kumulang sa parehong kapal. Sa isang gilid (tawagin natin itong conventionally sa tuktok, harap) ang log ay kailangang planed na may isang eroplano o kutsilyo. Sa kasong ito, ang ibabaw ay dapat na medyo bilugan. Ang mga dingding sa gilid ay maaaring manatiling hindi ginagamot, para sa higit na pagiging tunay ng "kahoy na panggatong". Ngunit ang ibabang bahagi ng log ay dapat na maging "kaluluwa" ng instrumento; dapat mong gawin ito nang mas maingat. Kung ginawa namin ang itaas na ibabaw na matambok, kung gayon ang mas mababang isa, sa kabaligtaran, ay dapat na malukong. Ito ay kinakailangan, una, upang lumikha ng isang resonating cavity sa loob ng bar, at pangalawa, para sa paparating na pagsasaayos nito. Tulad ng anumang iba pang instrumento, ang pag-tune, kalinawan at kahulugan ng bawat tunog ay dapat na malapit sa ideal hangga't maaari. At kung medyo madaling ibagay ang isang tumutunog na hanay ng hangin sa isang instrumento ng hangin, isang string sa isang string na instrumento, at isang tansong tambo sa isang pneumatic instrument, kung gayon ang isang bloke ng kahoy na may hindi gaanong tinukoy na pitch sound ay mas mahirap. At gayon pa man susubukan namin.

Una, suriin natin kung aling tala ang nakuha mula sa pinakamahabang log.

Ang pinakamalaking "log" ay dapat na 700-800 mm ang haba, mga 100 mm ang lapad at mga 30 mm ang kapal. Ang mga sukat ay napaka-approximate, dahil mahirap hulaan ang lahat: ang density ng kahoy, ang mga indibidwal na iregularidad ng bloke, atbp. Agad na gawin ang itaas na bahagi ng bahagyang hugis-itlog at buhangin ito. Sa ibabang bahagi ay maglalabas kami ng isang recess sa buong bloke, maliit sa simula. Pagkatapos ay maglalatag tayo ng isang makapal, parang lubid na lubid sa mesa, na maaaring magamit sa ibang pagkakataon upang itali ang buong bundle. Ito ay habang nakahiga sa lubid (maluwag, hindi secured) na ang mga indibidwal na log ay tutunog kapag hinampas. Kung hindi, lalabas kaagad ang tunog. Ang lubid ay hindi dapat dumaan sa ilalim ng pinakadulo ng log, ngunit humigit-kumulang sa ilalim ng bawat ikatlong bahagi ng haba nito. Pinakamainam na hanapin ang posisyon ng lubid sa eksperimentong paraan, iyon ay, sa pamamagitan ng pagsubok kung saan ang tunog ay mas malakas, mas buo at mas malinaw.

Ang bow group ang batayan ng symphony orchestra. Ito ang pinakamarami (mayroong 24 na performer sa maliit na orkestra, at hanggang 70 katao sa malaking orkestra). May kasamang mga instrumento mula sa apat na pamilya, na nahahati sa 5 bahagi. Ang divisi technique (division) ay nagpapahintulot sa pagbuo ng anumang bilang ng mga partido. Ito ay may malaking saklaw mula sa C counter octave hanggang G ikaapat na oktaba. Nagtataglay ng mga pambihirang teknikal at nagpapahayag na kakayahan.

Ang pinakamahalagang kalidad ng mga nakayukong instrumento ay ang pagkakapareho ng timbre sa buong misa. Ipinaliwanag ito parehong device lahat ng nakayukong instrumento, gayundin ang mga katulad na prinsipyo ng paggawa ng tunog.

Ang kayamanan ng mga nagpapahayag na posibilidad ng mga string ay nauugnay sa iba't ibang mga pamamaraan ng paglipat ng busog kasama ang mga string - mga stroke. Ang paraan ng paghawak ng busog ay may malaking impluwensya sa karakter, lakas, timbre ng tunog at parirala. Paggawa ng tunog gamit ang busog - arco. Ang mga stroke ay maaaring nahahati sa tatlong grupo.

Unang pangkat: pantay, makinis na paggalaw nang hindi umaalis sa mga string. Maghiwalay– ang bawat tunog ay nilalaro na may hiwalay na paggalaw ng bow.

Tremolo- mabilis na paghahalili ng dalawang tunog o pag-uulit ng parehong tunog, na lumilikha ng epekto ng panginginig, panginginig, pagkutitap. Ang pamamaraan na ito ay unang ginamit ni Claudio Monteverdi sa opera "Ang Labanan ng Tancred at Clorinda." Legato – isang pinagsamang pagganap ng ilang mga tunog sa bawat paggalaw ng bow, na lumilikha ng epekto ng pagkakaisa, melodiousness, at lawak ng paghinga. Portamento - ang tunog ay nalilikha sa pamamagitan ng bahagyang pagtulak ng busog.

Ang pangalawang pangkat ng mga stroke: pagtulak ng mga paggalaw ng busog, ngunit hindi umaalis sa mga string. Hindi legato, martele– bawat tunog ay ginawa ng isang hiwalay, masiglang paggalaw ng busog. Staccato– ilang maikli, biglaang tunog sa bawat paggalaw ng bow.

Ang ikatlong pangkat ng mga stroke ay mga jumping stroke. Spiccato– tumatalbog na paggalaw ng busog para sa bawat tunog.

Staccato volant– lumilipad na staccato, naglalaro ng maraming tunog sa isang paggalaw ng bow.

Upang kapansin-pansing baguhin ang timbre ng mga instrumentong pangkuwerdas, ginagamit din ang mga tiyak na pamamaraan ng pagtugtog.

Pagtanggap col legno- Ang paghampas ng string gamit ang baras ng busog ay nagdudulot ng katok, nakamamatay na tunog. Dahil sa matinding kalikasan nito, ang pamamaraan na ito ay bihirang ginagamit, sa mga espesyal na kaso. Ito ay unang ipinakilala ni Berlioz sa Bahagi V ng Symphony Fantastique - "Dream on the Night of the Sabbath." Ginamit ito ni Shostakovich sa "episode ng pagsalakay" mula sa Seventh Symphony.

Ang tunog ng mga instrumentong kuwerdas ay nagiging ganap na hindi nakikilala kapag tinutugtog sa pamamagitan ng plucking - pizzicato. Tuyong tuyo at biglaang tunog ng string pizzicato - Delibes "Pizzicato" mula sa ballet na "Sylvia", Tchaikovsky's Fourth Symphony, scherzo.

Upang pahinain o pigilan ang tunog, gumamit ng mute ( con sordino) - isang goma, goma, buto o kahoy na plato na inilalagay sa mga string sa stand. Pinapalitan din ni Surdina ang timbre ng mga instrumento, ginagawa itong matte at mainit, tulad ng sa "Death of Ose" na bahagi mula sa "Peer Gynt" suite ni Grieg. Ang isang kawili-wiling halimbawa ay din ang "Flight of the Bumblebee" mula sa Act III ng opera na "The Tale of Tsar Saltan" ni Rimsky-Korsakov - ang tunog ng mga naka-mute na violin ay lumilikha ng kumpletong ilusyon ng paghiging.

Maliwanag na coloristic na pamamaraan ng pagtugtog ng mga instrumentong string - harmonika. Ang mga harmonika ay may isang napaka-espesyal na timbre; wala silang kapunuan at emosyonalidad. Sa forte, ang harmonics ay parang sparks, sa piano ay kamangha-mangha ang tunog, misteryoso. Ang sipol ng harmonics ay kahawig ng pinakamataas na tunog ng plauta.

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang paghahanap para sa mas mataas na pagpapahayag ay humantong sa katotohanan na nagsimula silang gumawa ng mga tunog sa mga instrumentong kuwerdas na dati ay itinuturing na hindi masining. Halimbawa, ang laro sa stand sul ponticello lumilikha ng isang malupit, pagsipol, malamig na sonority. Isang laro sa itaas ng fingerboard sul tasto – ang sonority ay humina at mapurol. Ginagamit din ang pagtugtog sa likod ng kinatatayuan, sa leeg, at pagtapik sa katawan ng instrumento gamit ang iyong mga daliri. Ang lahat ng mga pamamaraan na ito ay unang ginamit ni K. Penderecki sa kanyang komposisyon para sa 52 string na instrumento na "Lament for the Victims of Hiroshima" (1960).

Sa lahat ng mga instrumento ng string, maaari mong sabay-sabay na tumugtog ng mga double notes, pati na rin ang tatlo at apat na sonorous chords, na mahusay na tinutugtog o arpeggiato. Ang ganitong mga kumbinasyon ay mas madaling gumanap na may walang laman na mga string at ginagamit, bilang panuntunan, sa mga solong gawa.

Ang mga ninuno ng nakayukong mga instrumento ay Arabic rebab, Persian kemancha, na dumating sa Europa noong ika-8 siglo. Ang mga naglalakbay na musikero sa medyebal na Europa ay sinamahan ang kanilang mga sarili sa Fidele at Rebecca. Sa panahon ng Renaissance, sila ay naging laganap viols, pagkakaroon ng isang tahimik, muffled na tunog. Ang pamilya ng mga viols ay marami: viola da braccio, viola da gamba, viola d amore, bass, double bass viola, bastard viola - na may pangunahing at resonator string. Ang mga viol ay may 6–7 string, na nakatutok sa ikaapat at pangatlo.

Mga lektura

Seksyon 3. Mga regulasyon ng instrumentasyon at pagsasaayos.

1.1. Tekstur ng orkestra. Ang instrumentasyon o orkestra ay ang pagtatanghal ng isang gawaing pangmusika para sa isang tiyak na komposisyon ng orkestra - simponya, hangin, mga instrumentong katutubong, orkestra ng accordion o para sa iba't ibang mga ensemble. Ito ay isang malikhaing proseso, dahil ang konsepto ng komposisyon, ang ideolohikal at emosyonal na nilalaman nito ay tumutukoy sa pagpili ng mga instrumento, ang paghalili ng kanilang mga timbre, ang likas na katangian ng paghahambing ng mga indibidwal na grupo ng orkestra, atbp. Kadalasan ay kailangang lumiko ang isa. sa mga piraso ng piano o accordion, ang musikal na teksto kung saan, mula sa punto ng view ng orchestral texture , ay may hindi natapos na hitsura. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng partikular na pagtatanghal ng mga instrumentong ito. Upang makalikha ng isang orkestra na tela, kinakailangan na lubusang i-rework ang texture ng piano o button ng accordion: gumawa ng mga pagbabago sa tessitura arrangement ng mga boses, dagdagan ang mga nawawalang boses sa harmonic accompaniment, suriin ang voice guidance, magdagdag ng mga pedal sound, contrapuntal melodies, at supporting voices. Sa proseso ng instrumento, dapat isaalang-alang ng isa ang gayong tampok ng marka ng orkestra bilang pagdoble ng mga indibidwal na elemento ng textural (melody, harmonic accompaniment). Pagdodoble ng mga indibidwal na boses sa iba't ibang mga rehistro. Ang bawat boses ng orkestra na marka, na kumakatawan sa isang bahagi ng pangkalahatang tunog, ay gumaganap ng isang partikular na function. Ang mga bahagi ng orkestra na texture sa instrumentasyon para sa isang orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso ay karaniwang tinatawag na mga function. Kabilang dito ang: melody, bass, figuration, harmonic pedal, counterpoint. Ito ay kinakailangan upang makilala function ng orchestral texture at harmonic functions.

Hindi tulad ng huli, ang mga function ng orchestral texture ay tinutukoy ng mga katangian ng isa o ibang uri ng musikal na materyal: monodic, harmonic o polyphonic.

Ang texture ng orkestra ay:

 isang hanay ng mga paraan ng musikal na pagtatanghal;

 ang istraktura ng musikal na tela kasama ang teknikal na istraktura at komposisyon ng musical sonority.

Mga uri ng invoice:

1) monodic - isang himig, walang saliw, sa pagkakaisa o sa isang oktaba;

(P. Tchaikovsky. Romeo at Juliet. Panimula-2 cl .+2 fag .

2) homophonic-harmonic - isang polyphonic na uri ng musika, kung saan ang isa sa mga tinig (karaniwan ay ang itaas) ay pinakamahalaga, ang iba ay sinasamahan, sinasamahan; (J. Haydn. Symphony No. 84 Allegro. p. 5-tema v - ni 1-simula)

(J.Haydn. Symphony No. 84 Allegro. pp. 5-8-12 tutti orchestra)

4) polyphonic - sabay-sabay na tunog ng ilang pantay na boses;

J.Bach. Mga konsiyerto sa Brandenburg. Konsyerto F No. 1st.

5) halo-halong - homophonic-polyphonic, chord-polyphonic, atbp.

P. Tchaikovsky. Romeo at Juliet.pp.30-31 chordal, -polyphonic; pp26-27 chord, chord-polyphonic)

Mga function ng orchestral texture.

Ang mga function ng orkestra ay mga bahagi ng pagtatanghal ng orkestra (orchestral texture).

Kasama sa mga function ng orkestra ang: melody, bass, orchestral pedal, harmonic figuration at counterpoint (backing voice).

Ang pakikipag-ugnayan ng mga pag-andar ng orkestra ay maaaring magkakaiba; ito ay idinidikta ng likas na katangian ng trabaho at mga tampok ng texture nito. Kailangan mong magkaroon ng isang malinaw na pag-unawa sa mga detalye ng bawat isa sa mga function ng orkestra at ang mga anyo ng kanilang pakikipag-ugnayan.

Ang himig, kung saan, una sa lahat, ang tema ay kinakatawan bilang isang kaluwagan na hindi malilimutang materyal, ay ang pangunahing pag-andar ng texture ng orkestra. Sa lahat ng mga elemento ng musikal na tela, ito ang pinaka-naa-access sa pang-unawa. Ang pagtatanghal ng iba pang mga bahagi ng texture ay higit na nakasalalay sa likas na katangian ng melody, ang hanay kung saan ito matatagpuan, at ang dynamic na pattern.

Kapag nag-instrumento, kinakailangang i-highlight ang pangunahing melodic na linya at magsikap na matiyak na ang pagtatanghal ay hindi labis na kargado ng mga pangalawang boses. Ang paghihiwalay ng melody ay nakamit sa pamamagitan ng isang bilang ng mga pamamaraan:

a) pagdodoble ng melody nang sabay-sabay;

b) pagdodoble ng isang oktaba o ilang oktaba;

P. Tchaikovsky. Romeo at Juliet. tumaas

c) pagsasakatuparan ng melody sa isang contrasting timbre na naiiba sa iba pang mga function; d) hawak ang himig sa isang tiyak na distansya mula sa mga maharmonya na tinig, na nagtataguyod ng paghihiwalay nito.

(J. Haydn. Symphony No. 84 Allegro. p. 5)

Kadalasan, sa isang makabuluhang yugto ng panahon sa anumang trabaho, lamang isang himig nang walang kasama. Minsan ang himig ay nagkakaiba sa ilang tinig, na bumubuo ng mga dayandang na katangian ng mga katutubong kanta ng Russia.

Maaari ding i-highlight ang melody timbre. Ang isang napaka-karaniwang pamamaraan ay ang paglalahad ng isang melody sa ibang, contrasting timbre kumpara sa pagtatanghal ng iba pang mga orkestra function.

Kapag nagdodoble ng isang melody, na nakahiwalay sa isang orchestral texture bilang isang independiyenteng function, madalas na ginagamit ang kumbinasyon ng iba't ibang timbre sa unison sound (halimbawa, alto domras tremolo + button accordion legato, maliit na domras staccato + button accordion staccato, atbp.)

(altos legato+ kasama ang l. legato, v-ni- staccato+fl.- staccato).

(J. Haydn. Symphony No. 84 Allegro. p. 6 v-ni+fl.)

Isa sa mga katangiang pamamaraan ay ang pangunahan ang melody na may dobleng mga nota at chord. ( v - ni 1+2; cor - ni 1,2,3)

(J. Haydn. Symphony No. 84 Allegro. p. 6 A)

Sa orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso, ang pagtugtog ng melody na may dobleng mga nota ay napakakaraniwan, dahil ang dobleng mga nota ay ang pangunahing pamamaraan ng pagtugtog ng balalaika prime. Ang tuloy-tuloy na pinapanatili na pangalawang boses ay karaniwang isang harmonic appendage, isang uri ng "kasama" ng melodic na linya.

Bassay ang pinakamababang tono ng boses. Tinutukoy nito ang harmonic na istraktura ng isang chord. Ang paghihiwalay ng bass sa isang independiyenteng pag-andar ay dahil sa ang katunayan na ang papel nito sa orchestral texture ay napakahalaga. Sa tutti, ang bass line ay maaaring palakasin sa pamamagitan ng pagdodoble ng octave o sabay-sabay v - la + vc - lo, vc - lo + c - lo + bason ) -maaaring may iba't ibang stroke ( vc - lo -legato+ c - lo - pizz.)

Kailangan ding banggitin may korteng bass. Ang pinakasimpleng halimbawa ng isang figured bass ay isang bass na binubuo ng dalawang alternating sound: ang pangunahing isa, na tumutukoy sa isang naibigay na harmony. Matatagpuan, bilang panuntunan, sa mas malakas na beat ng bar, at auxiliary. Kadalasan, ang auxiliary bass ay ang neutral na tunog ng isang triad - isang ikalimang kung ang pangunahing tunog ay isang prima, o isang prima kung ang pangunahing tunog ay isang pangatlo.

P. Tchaikovsky. Konsiyerto para sa piano at orkestra. pahina 118. figure 50)

Minsan mayroong isang mas kumplikadong may korte na bass, pangunahing gumagalaw kasama ang mga tunog ng chord.

Orkestra pedal Sa isang orkestra, ang mga sustained harmonic na tunog ay tinatawag.

Mahalaga ang pedal. Gumagana nang walang tunog ng pedal na tuyo, hindi sapat na mayaman, at kulang sa kinakailangang density ng orchestral texture.

Kadalasang ginagamit para sa mga pedal cor-ni, fag., celo, timp . Sa mga tuntunin ng posisyon ng pitch, ang pedal ay madalas na matatagpuan sa ibaba ng melody. P. Tchaikovsky. Konsiyerto para sa piano at orkestra. p. 141 double bass pedal., 65 digits)

Ang isyu ng paggamit ng pedal sa praktikal na instrumento ay dapat palaging lapitan nang malikhain. Sa mga gawa na transparent sa texture, ipinapayong limitahan kahit ang isang buong harmonic pedal sa dalawa o tatlong harmonic na tunog sa isang malawak na pag-aayos. (P. Tchaikovsky. Konsiyerto para sa piano at orkestra. p. 116 bassoons 1,2)

Sa kabaligtaran, sa mga gawa na may siksik na harmonic na pag-unlad, at lalo na sa tutti, ipinapayong ilagay ang pedal sa buong hanay ng tunog ng orkestra, na isinasaalang-alang lamang ang mga batas ng overtone na istraktura ng chord (malawak na pag-aayos ng chord sa mas mababang hanay ng tunog ng orkestra at malapit sa gitna at mataas).

Ang isang espesyal na kaso ng orchestral pedal ay isang napapanatiling tunog na isa ring harmonic organ point. P. Tchaikovsky. Konsiyerto para sa piano at orkestra. pahina 118. numero 50)- timp.

Ang tunog ng pedal ay maaaring mapanatili hindi lamang sa bass. Kadalasan mayroong mga kaso kapag ito ay pinananatili sa mataas na boses.

Harmonic figuration bilang isa sa mga function ng orchestral texture ay nakabatay sa pag-uulit, paghalili o paggalaw ng mga tunog ng harmony sa iba't ibang rhythmic combinations.

Ang Harmonic figuration ay tumutulong upang ipakita ang higit na kalayaan ng pagkakaisa. Sa isang orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso, ang harmonic figuration ay karaniwang ipinagkakatiwala sa mga balalaikas na segundo at violas, kung minsan ay may pagdaragdag ng balalaikas prime o bass balalaikas. Ang mga kaso ng pagsasagawa ng harmonic figuration na may domras at button accordions ay hindi gaanong karaniwan at pangunahin sa kumbinasyon ng figuration na may balalaikas.

Ang pinakasimpleng harmonic figuration ay paulit-ulit na chord.

Ang isang mas kapansin-pansin na anyo ng harmonic figuration ay ang paggalaw sa kahabaan ng mga tunog ng isang chord: papalitan ng dalawang tunog, isang maikling mabagal na arpeggio, sirang arpeggio, atbp. Kadalasan, ang paggalaw kasama ang mga tunog ng isang chord ay nangyayari nang sabay-sabay sa tatlong boses.

Minsan pinagsasama ng harmonic figuration ang paggalaw kasama ang mga tunog ng isang chord sa paggamit ng mga non-chord na tunog. Ang figuration na ito ay lumalapit sa counterpoint sa function.

Kapag nagtatanghal ng harmonic figuration (halimbawa, kasamang mga figure), ang mga orkestra ay kadalasang gumagamit ng pagbabago sa direksyon ng paggalaw, na nagpapakilala sa kabaligtaran (sa isa't isa) na direksyon ng accompaniment figure, at "paglalagay" ng matagal na tunog (pedal) sa ilalim ng gumagalaw na mga boses (tingnan ang pahina 35) o isang buong pangkat (chord) ng mga napapanatiling tunog. Pinapayaman nito ang sonority, na nagbibigay ng higit na kayamanan at pagiging compactness. (Tingnan ang mga halimbawa 16, 17, 18, 24, 25, 26, 27, 31, 33).

Ang Harmonic figuration ay maaaring gumanap nang sabay-sabay ng iba't ibang grupo ng mga instrumento, maging napakakomplikado at iba-iba, at paminsan-minsan ay nakakakuha ng nangungunang kahalagahan.

Counterpoint.Ang katagang ito sa kursong instrumentasyon ay tumutukoy sa himig na sumasabay sa pangunahing melodic na boses. Sa kasong ito, ang counterpoint ay dapat na namumukod-tangi sa timbre sa iba pang mga function ng orkestra. Ang isang mahalagang kahihinatnan ng paggamit ng counterpoint ay timbre contrast. Ang antas ng kaibahan ng timbre ng parehong mga indibidwal na instrumento at buong grupo ng orkestra ay direktang nakadepende sa antas ng kalayaan ng counterpoint.

Ang counterpoint sa isang orkestra ay maaaring:

A) kanonikal na imitasyon ng tema, J. Bach. Mga konsiyerto sa Brandenburg. Konsyerto F No. 1, pahina 19, numero 23 v - ni picc .+ ob 1.)

B) pangalawang tema na tumutunog nang sabay-sabay sa pangunahing,

C) isang espesyal na binubuo, independiyenteng melodic sequence na naiiba sa tema sa ritmo, direksyon ng paggalaw, karakter, atbp.

Ang Counterpoint, bilang isang function ng orkestra, ay katulad ng melody, at ang pag-unlad nito ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong mga katangian: paghihiwalay sa pamamagitan ng humahantong sa isang octave at ilang octaves, pagdodoble nang sabay-sabay sa mga kaugnay na timbre at sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga timbre; nangunguna sa double notes, chords. Kapag gumagamit ng counterpoint, mahalagang isaalang-alang ang likas na katangian ng pagbuo ng tema, sa isang banda, at counterpoint, sa kabilang banda. Kung malaki ang pagkakaiba ng counterpoint sa tema sa rhythmic pattern at magrehistro ng tunog, maaaring gumamit ng ganap na homogenous na timbre. Kung ang counterpoint at theme ay may homogenous melodic line at matatagpuan sa parehong register, dapat, kung maaari, gumamit ng iba't ibang kulay ng timbre para sa tema at counterpoint.

Interaksyon ng mga function sa isang orkestra. Ang mga function ng orkestra ay ginagamit sa instrumentasyon alinsunod sa ilang mga patakaran na itinatag sa pagsasanay sa orkestra.

Una sa lahat, ang pagpapakilala ng isang partikular na function sa isang orkestra ay nangyayari sa simula ng isang musikal na parirala (panahon, pangungusap, bahagi), at ang pag-off nito ay nangyayari sa dulo ng parirala (panahon, pangungusap, bahagi).

Bilang karagdagan, ang komposisyon ng mga instrumento na kasangkot sa pagsasagawa ng isang tiyak na function din, para sa karamihan, ay hindi nagbabago mula sa simula hanggang sa katapusan ng parirala. Ang tanging eksepsiyon ay ang mga kaso kapag ang pagpapakilala o pag-off ng bahagi ng mga instrumento ay nauugnay sa isang crescendo, diminuendo o sforzando ng buong orkestra.

Ang pinakasimpleng at pinaka-karaniwang pagtatanghal sa isang orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso ay binubuo ng tatlong mga pag-andar: melody, harmonic figuration at bass.

Ang pedal ay idinagdag para sa mas malawak na density at compactness ng texture sa mga kaso kung saan ang melody ay ipinakita sa magkasabay na tunog, at hindi sa double notes o chord. Upang ang mga orkestra na pag-andar ay malinaw na naririnig at hindi sumanib sa isa't isa, ang bawat isa sa kanila ay dapat na maipakita nang malinaw at malinaw.

Kadalasan ang ilang mga pag-andar ay pinagsama nang hindi nakakagambala sa pagkakaisa ng buong texture. Kaya, halimbawa, ang isang melody na nilalaro sa bass ay natural din na gumaganap ng function ng bass.

Bass inilatag l Ang egato, sa kawalan ng isang espesyal na pedal sa orchestral texture, ay tumatagal sa pag-andar ng isang pedal. Ang bass ay maaaring maging isang harmonic figure sa parehong oras.

Sa mga kaso kung saan ang harmonic figuration o harmonic pedal ay may independiyenteng melodic na kahulugan, ang mga ito ay counterpoint din.

Kapag nag-oorkestra, napakahalaga na isaalang-alang ang sonority ng bawat instrumento o ng buong grupo. Napakahirap magbigay ng isang paghahambing na talahanayan ng kapangyarihan ng iba't ibang mga instrumento, dahil ang bawat isa sa mga instrumento (lalo na ang mga instrumento ng hangin) ay may iba't ibang lakas ng tunog sa isang rehistro o iba pa sa buong saklaw nito.

Malinaw kahit sa isang walang karanasan na orkestra na, halimbawa, ang isang brass group sa forte ay magiging mas malakas kaysa sa isang woodwind group. Ngunit sa parehong forte at piano posible na makamit ang parehong lakas ng sonority sa parehong mga grupo. Mukhang ang isang hiwalay na grupo ng mga string (halimbawa, 1st violin), dahil sa kanilang numerical superiority, ay dapat na mas malakas kaysa sa isang woodwind (halimbawa, oboe, flute). Ngunit salamat sa maliwanag na pagkakaiba sa mga timbre, ang isang oboe o plauta ay malinaw na maririnig kahit na ang isang timbre ay nakapatong sa isa pa, hindi banggitin ang isang solong pagtatanghal ng isang bahagi ng hangin na may saliw ng isang string quintet.

Ang pagbabalanse ng lakas ng sonority ay maaaring makamit sa iba't ibang paraan, tulad ng pagdodoble:
Halimbawa:
1 oboe
2 plauta (mababa ang rehistro)
2 sungay
1 tubo
violas + klarinete
cello + bassoon
2 sungay + 2 bassoon
2 trumpeta + 2 obo
atbp.
at sa iba't ibang paraan, gamit ang katangian ng mga timbre, dynamic shade, atbp.

Bilang karagdagan sa mga uri ng pagtatanghal na nakalista sa itaas, mayroong isang malaking bilang ng iba't ibang mga diskarte sa orkestra, parehong kilala at karaniwang ginagamit sa iba't ibang mga panahon ng iba't ibang mga kompositor, at lalo na ang mga paborito, kung minsan ay naimbento ng ilang mga may-akda. Ang bawat kompositor ng orkestra ay bubuo ng kanyang sariling mga diskarte sa orkestra na nakakatugon sa kanyang malikhain at istilong mga layunin. Ang bawat orkestra ay lumalapit sa orkestra sa kanyang sariling paraan, ngunit gayunpaman ay palaging mahigpit na isinasaalang-alang ang mga kakayahan ng mga instrumento at ang mga detalye ng bawat grupo.

Matapos ipakita ng guro ang iba't ibang uri ng texture ng orkestra gamit ang mga sample mula sa mga kompositor ng Kanluran at Ruso, na sinusundan ng pakikinig sa kanila sa isang recording, sinimulan ng mga mag-aaral na suriin ang marka. Sa buong bahagi ng isang pamilyar na piraso, ang mga mag-aaral ay nakakahanap ng iba't ibang uri ng orkestra na texture, sinusuri ang relasyon sa pagitan ng mga grupo, ang kanilang kumbinasyon, atbp.

Ngayon gusto kong pag-usapan ang mga pinakakaraniwang pagkakamali na ginagawa ng mga nagsisimulang kompositor kapag nagsusulat ng musika/mga marka para sa isang symphony orchestra. Gayunpaman, ang mga error na gusto kong iguhit ang iyong pansin ay karaniwan din hindi lamang sa symphonic na musika, kundi pati na rin sa rock, pop, atbp. na musika.

Sa pangkalahatan, ang mga error na nakatagpo ng isang kompositor ay maaaring nahahati sa dalawang grupo:
Ang una ay ang kakulangan ng kaalaman at karanasan. Ito ay isang madaling itama na bahagi.
Ang pangalawa ay isang kakulangan ng karanasan sa buhay, mga impression at isang pangkalahatang hindi matatag na pananaw sa mundo. Mahirap ipaliwanag, ngunit ang bahaging ito ay minsan mas mahalaga kaysa sa pagkakaroon ng kaalaman. Pag-uusapan ko ito sa ibaba.
Kaya, tingnan natin ang 9 na pagkakamali na dapat bigyang pansin.

1. Walang malay na paghiram
Nabanggit ko na ito sa isa sa aking mga podcast (). Ang unconscious plagiarism o unconscious borrowing ay isang rake na halos lahat ay nahuhulog. Ang isang paraan upang labanan ito ay ang makinig sa iba't ibang musika hangga't maaari. Kadalasan, kung makikinig ka sa isang kompositor o performer, malakas ang impluwensya niya sa iyo, at ang mga elemento ng kanyang musika ay tumatagos sa iyo. Gayunpaman, kung makikinig ka sa 100-200 o higit pang iba't ibang mga kompositor/grupo, hindi ka na makokopya, ngunit gagawa ng sarili mong kakaibang istilo. Ang paghiram ay dapat makatulong sa iyo, at hindi maging isa pang Shostakovich.

2. Kakulangan ng balanse

Ang pagsulat ng balanseng marka ay isang kumplikadong proseso; Kapag nag-aaral ng instrumento, ang espesyal na pansin ay binabayaran sa sonority ng bawat grupo ng orkestra kung ihahambing sa iba. Ang bawat multi-layered consonance ay nangangailangan ng kaalaman sa dynamics ng mga indibidwal na instrumento.

Katangahan na magsulat ng isang chord para sa tatlong trumpeta at isang plauta, dahil ang plauta ay hindi maririnig kahit na sa gitnang dinamika ng tatlong trumpeta.

Maraming ganyang moments.

Halimbawa, ang isang piccolo flute ay maaaring sumuntok sa buong orkestra. Maraming mga subtleties ang may karanasan, ngunit ang kaalaman ay may malaking papel.

Ang pagpili ng texture ay gumaganap din ng isang mahalagang papel - adhesion, layering, overlay at framing sa pagkakaroon ng parehong mga instrumento, nangangailangan sila ng iba't ibang mga dinamika. Nalalapat ito hindi lamang sa orkestra.

Sa mayamang rock at pop arrangement, mahalagang isaalang-alang ito sa halip na umasa sa paghahalo. Bilang isang patakaran, ang isang mahusay na pag-aayos ay hindi nangangailangan ng interbensyon mula sa panghalo (ibig sabihin ang taong gumagawa ng paghahalo).

3. Hindi kawili-wiling mga texture
Ang paggamit ng mga monotonous na texture sa mahabang panahon ay nakakapagod para sa nakikinig. Pag-aaral ng mga marka ng mga masters, makikita mo na ang mga pagbabago sa orkestra ay maaaring mangyari sa bawat sukat, na patuloy na nagpapakilala ng mga bagong kulay. Napakadalang ay isang melody na tinutugtog ng isang instrumento. Ang mga duplikasyon, pagbabago sa mga timbre, atbp. ay patuloy na ipinakilala. Ang pinakamahusay na paraan upang maiwasan ang monotony ay ang pag-aralan ang mga marka ng ibang tao at pag-aralan nang detalyado ang mga diskarteng ginamit.

4. Extra effort

Ito ay ang paggamit ng hindi pangkaraniwang mga diskarte sa paglalaro, ang mga nangangailangan ng labis na konsentrasyon mula sa mga gumaganap. Karaniwan, ang mga simpleng diskarte ay maaaring gamitin upang lumikha ng isang mas euphonious na marka.

Ang paggamit ng mga bihirang pamamaraan ay dapat na makatwiran at maaari lamang gamitin kung ang nais na emosyonal na epekto ay hindi makukuha sa anumang iba pang paraan. Siyempre, ginagamit ni Stravinsky ang mga mapagkukunan ng orkestra sa maximum, ngunit nawalan siya ng nerbiyos. Sa pangkalahatan, mas simple ang mas mahusay. Kung magpasya kang gumawa ng avant-garde, maghanap muna ng isang orkestra na handang tumugtog nito :)

5. Kakulangan ng damdamin at lalim ng intelektwal
Ang balanseng patuloy kong sinasabi.

Kailangan mong mamuhay ng isang kawili-wiling buhay upang magkaroon ng emosyon sa iyong musika. Halos lahat ng kompositor ay naglakbay at humantong sa matinding buhay panlipunan. Mahirap makakuha ng mga ideya kung sarado ka sa loob ng apat na pader. Mahalaga rin ang intelektwal na bahagi - dapat ipakita ng iyong musika ang iyong pananaw sa mundo.

Ang pag-aaral ng pilosopiya, esotericism, at mga kaugnay na sining ay hindi isang kapritso, ngunit isang kinakailangang kondisyon para sa iyong malikhaing pag-unlad. Upang magsulat ng mahusay na musika, kailangan mo munang maging isang mahusay na tao sa loob.

Iyon ay, paradoxically, upang magsulat ng musika, ito ay hindi sapat upang malaman lamang ito. Kailangan mo ring makipag-usap sa mga tao, kalikasan, atbp.

6. Hysteria at intellectual overload
Ang labis na damdamin o malamig na intelektwalidad ay humantong sa isang kabiguan sa musika. Ang musika ay dapat na isang emosyon na kinokontrol ng isip, kung hindi man ay nanganganib na mawala ang pinakadiwa ng musikal na sining.

7.Paggawa ng template

Ang paggamit ng mga itinatag na cliches, cliches, atbp. ay pumapatay sa pinakadiwa ng pagkamalikhain.

Kung gayon, bakit ka mas mahusay kaysa sa isang tagapag-ayos ng sasakyan?

Mahalagang gawin ang pagiging natatangi ng bawat isa sa iyong gawa, ito man ay isang marka o isang pag-aayos ng isang pop na kanta, ang iyong Sarili ay dapat madama dito. Ito ay binuo ng patuloy na paghahanap para sa mga bagong diskarte, mga istilo ng pagtawid at pagnanais para maiwasan ang pag-uulit. Siyempre, minsan mainam na gumamit ng mga template dahil maganda ang tunog ng mga ito, ngunit bilang resulta ay nawawala ang pinakamahalagang bagay - ang iyong sarili.

8. Kamangmangan sa mga kasangkapan
Kadalasan ang mga hanay ng mga instrumento ay ginagamit nang hindi tama, ang mahinang kaalaman sa mga diskarte ay humahantong sa katotohanan na ang mga manlalaro ng orkestra ay hindi maaaring gumanap sa iyong mga bahagi.

At, ang pinaka-kawili-wili, ang isang mahusay na nakasulat na bahagi ay pakinggan kahit sa isang VST, ngunit ang mga bahagi na isinulat nang hindi isinasaalang-alang ang mga katangian ng instrumento ay hindi masyadong kapani-paniwala kahit na sa live na pagganap.

Bigyan kita ng simpleng halimbawa.

Dahil ako ay isang gitarista, upang matukoy ang playability ng isang bahagi, kailangan ko lang tingnan ang mga tala upang maunawaan kung paano akma ang bahagi sa gitara. Ibig sabihin, karamihan sa mga bahagi ay pisikal na nalalaro, ngunit ang mga ito ay maaaring hindi maginhawa na walang saysay na pag-aralan ang mga ito, o ang mga ito ay isinulat sa paraang, kahit na tumugtog sa isang gitara, sila ay magiging tunog ng ibang instrumento. . Upang maiwasan ito, kailangan mong mag-aral ng mga solong gawa para sa mga instrumentong sinusulatan mo. Maipapayo na matutunan ang mga pangunahing pamamaraan ng laro.

Halimbawa, kaya kong tumugtog ng lahat ng instrument ng rock band + trumpeta, flute, double bass at ilang drums. Hindi ito nangangahulugan na maaari akong pumili at tumugtog ng hindi bababa sa isang malinaw na himig, ngunit kung kinakailangan, maaari ko itong matutunan at i-play ito kahit papaano nang may pagka-clumsily :)

Ang pinakamagandang bagay ay maghanap ng soloista at ipakita sa kanya ang iyong trabaho, kaya mabilis kang matututong magsulat ng mga puwedeng laruin at maginhawang bahagi. Bilang karagdagan, mahalaga na ang iyong mga bahagi ay madaling i-sight-play o mabilis na kunan (kung nagsusulat ka para sa mga musikero ng session).

9. Artipisyal na tunog na mga marka
Dahil ang karamihan sa mga may-akda ay nagtatrabaho sa VST, napakahalaga na ang iyong mga marka ay mukhang makatotohanan nang kaunti o walang pagwawasto. Tulad ng isinulat ko sa itaas, maganda ang pagkakasulat ng mga bahagi kahit sa regular na MIDI. Nalalapat ito sa parehong komposisyon ng rock at isang buong orkestra ng symphony. Mahalagang tiyakin na ang nakikinig ay hindi nag-iisip: ang orkestra ay tunog ng mekanikal o ang mga tambol ay gawa ng tao. Siyempre, sa maingat na pakikinig maaari mong palaging makilala ang isang live na pagganap mula sa isang programa, ngunit ang isang hindi musikero at 90% ng mga musikero ay hindi magagawa ito, sa kondisyon na nagawa mo nang perpekto ang iyong trabaho.

Good luck at maiwasan ang mga pagkakamali.

Mga Pangunahing Kaalaman sa Orkestrasyon

RIMSKY-KORSAKOV

BASICS

MGA ORKESTRASYON

Paunang Salita ng Editor.

Ang pag-iisip ng isang aklat-aralin sa orkestra ay paulit-ulit na sinakop ang N. A. Rimsky-Korsakov sa panahon ng kanyang karera sa musika. Isang makapal na kuwaderno na may 200 pahina, na sakop ng maliit na sulat-kamay, na itinayo noong 1873-74, ay nakaligtas. Sinasaklaw ng notebook ang mga pangkalahatang isyu ng acoustics, nagbibigay ng klasipikasyon ng mga instrumento ng hangin at, sa wakas, isang detalyadong paglalarawan ng istraktura at pag-finger ng mga flute ng iba't ibang mga sistema, oboe, clarinet, atbp.

Ang aming, post-Wagner time ay isang panahon ng maliwanag at kaakit-akit na kulay sa orkestra. M. Glinka, Fr. Liszt, R. Wagner, ang pinakabagong mga kompositor ng Pranses - Delibes, Bizet at iba pang bagong paaralang Ruso - Borodin, Glazunov at Tchaikovsky - binuo ang bahaging ito ng sining sa sukdulang mga limitasyon ng ningning, imahe at kagandahan ng tunog, na nakakubli sa bagay na ito sa mga nakaraang colorists - Weber, Meyerbeer at Mendelssohn, kung kanino, siyempre, utang nila ang kanilang pag-unlad. Sa pagsasama-sama ng aking aklat, ang aking pangunahing layunin ay ipaliwanag sa handa na mambabasa ang mga batayan ng kaakit-akit at masiglang orkestra sa ating panahon, na naglalaan ng isang makabuluhang bahagi sa pag-aaral ng mga timbre at mga kumbinasyon ng orkestra.

1) ang panahon ng pagsusumikap para sa mga instrumento ng pagtambulin - ang pinakamababang antas; sa kanila siya ay naniniwala sa lahat ng kagandahan ng tunog at inilalagay ang lahat ng kanyang pag-asa sa kanila;

2) isang panahon ng pag-ibig para sa mga alpa, tila kinakailangan sa kanya na doblehin ang tunog ng instrumentong ito;

3) ang susunod na panahon - pagsamba sa woodwind at mga naka-istilong instrumento ng hangin, ang pagnanais para sa mga saradong tunog, at ang mga string ay ipinakita sa alinman sa mga mute, o paglalaro ng piccato;

4) ang panahon ng pinakamataas na pag-unlad ng panlasa, na palaging nag-tutugma sa isang kagustuhan para sa lahat ng iba pang materyal ng bow group, bilang pinakamayaman at pinaka-nagpapahayag. Ang mga maling akala na ito - ang 1st, 2nd at 3rd period - ay dapat labanan sa panahon ng self-education.

Ang pinakamahusay na gabay ay palaging pagbabasa ng mga marka at pakikinig sa mga kompositor ng orkestra na may hawak na marka sa kanilang mga kamay. Mahirap magtatag ng anumang order dito. Dapat mong pakinggan at basahin ang lahat, at higit sa lahat ang pinakabagong musika; ito lamang ang magtuturo sa iyo kung paano mag-orkestrate, at ang luma ay magbibigay ng "kapaki-pakinabang" na mga halimbawa. Ang Weber, Mendelssohn, Meyerbeer, Glinka, Wagner, Liszt at ang pinakabagong mga kompositor ng mga paaralang Pranses at Ruso ay ang pinakamahusay na mga halimbawa.

Mga Pangunahing Kaalaman sa Orkestrasyon

Kabanata I.

PANGKALAHATANG PANGKALAHATANG-IDEYA NG MGA ORCHESTRA GROUPS

Nakayuko.

Ang komposisyon ng isang bow quartet at ang bilang ng mga gumaganap nito sa isang modernong opera o orkestra ng konsiyerto ay ipinakita tulad ng sumusunod:

Ang bilang ng mga unang biyolin sa malalaking orkestra ay umabot sa 20 at 24, at ang iba pang mga nakayukong instrumento ay pinarami nang naaayon. Ang bilang na ito, gayunpaman, ay naglalagay ng isang strain sa normal na komposisyon ng mga instrumentong woodwind, ang bilang nito sa kasong ito ay kailangang doblehin.

Ang mga sumusunod na tunog sa itaas, na ipinapakita sa sumusunod na talahanayan ng mga volume ng nakayukong instrumento, ay dapat gamitin nang may pag-iingat, i.e. sa pinahabang mga nota, sa mabagal na paggalaw at makinis na melodic pattern, mga pagkakasunud-sunod na tulad ng sukat ng katamtamang bilis, mga sipi na may pag-uulit ng mga nota, pag-iwas sa mga pagtalon hangga't maaari.

Ang mahalagang kakayahan para sa isang magkakaugnay na pagkakasunud-sunod ng mga tunog at panginginig ng boses ng mga naka-clamp na mga string ay ginagawa ang nakayukong grupo na isang kinatawan ng melodiousness at expressiveness na higit sa iba pang mga orkestra na grupo, na pinadali ng mga nabanggit na katangian: init, lambot at maharlika ng timbre. Gayunpaman, ang mga tunog ng nakayukong mga kuwerdas, na lampas sa mga limitasyon ng mga tinig ng tao, ay kahit papaano ay mas mataas kaysa sa mga tunog ng mga biyolin, na lumalampas sa mga limitasyon ng mataas na soprano:

mawala ang pagpapahayag at init ng timbre. Ang mga tunog ng walang laman na mga string, na may malinaw at medyo mas malakas na sonority kumpara sa mga naka-clamp, ay walang pagpapahayag, kaya naman ang mga performer ay palaging mas gusto ang mga clamped string para sa pagpapahayag.

Ang mga makabuluhang pagbabago sa timbre at katangian ng sonority ng mga nakayukong instrumento ay ginawa sa pamamagitan ng paggamit ng mga harmonika, mute at mga espesyal na pambihirang posisyon ng bow.

tanso. kahoy.

Kung ang komposisyon ng pangkat ng bow, bilang karagdagan sa bilang ng mga gumaganap, ay tila pare-pareho sa kahulugan ng limang pangunahing bahagi nito, na nakakatugon sa mga kinakailangan ng anumang marka ng orkestra, kung gayon ang pangkat ng mga instrumentong woodwind ay binubuo ng ibang-iba na mga komposisyon , kapwa sa bilang ng mga tinig at sa pagpili ng mga sonoridad, depende sa kagustuhan ng orkestra . Sa isang woodwind group, tatlong pangunahing tipikal na komposisyon ang makikita: isang dobleng komposisyon, isang triple na komposisyon at isang quadruple na komposisyon (tingnan ang talahanayan sa itaas).

Ang mga numerong Arabe ay nagpapahiwatig ng bilang ng mga gumaganap ng bawat genus o uri. Ang mga Roman numeral ay isang gumaganap na pariah. Ang mga uri ng instrumento ay inilalagay sa mga bracket, na hindi nangangailangan ng pagtaas sa bilang ng mga gumaganap, ngunit pinapalitan lamang ng parehong tagapalabas, pansamantala, o para sa buong piraso, na iniiwan ang generic na instrumento para sa partikular na isa. Karaniwan, ang mga gumaganap ng mga unang bahagi ng plauta, oboe, clarinet at bassoon ay hindi binabago ang kanilang mga instrumento sa mga tiyak na mga instrumento upang mapanatili

nang hindi binabago ang kanilang embouchure, dahil ang kanilang mga partido ay kadalasang napaka responsable. Ang mga bahagi ng small at alto flute, cor anglais, small at bass clarinet at contrabassoon ay nahuhulog sa bahagi ng ikalawa at ikatlong performer, na ganap o pansamantalang pinapalitan ang kanilang mga generic na instrumento sa kanila at para sa layuning ito ay nakasanayan ang kanilang sarili sa pagtugtog ng mga partikular na instrumento.

Kadalasan ang isang pares na komposisyon ay ginagamit sa pagdaragdag ng isang maliit na plauta bilang isang permanenteng instrumento. Paminsan-minsan ay nakakatagpo ang isang tao ng paggamit ng dalawang maliliit na plauta, o dalawang sungay sa Ingles, atbp., nang hindi dinadagdagan ang triple o quadruple na komposisyon na kinuha bilang batayan.

Kung ang nakayukong grupo ay may isang tiyak na iba't ibang mga timbre na naaayon sa iba't ibang mga kinatawan nito, at isang pagkakaiba sa mga rehistro na naaayon sa kanilang iba't ibang mga string, kung gayon ang pagkakaiba-iba at pagkakaiba ay isang mas banayad at hindi gaanong kapansin-pansin na pag-aari. Sa grupo ng woodwind, sa kabaligtaran, ang pagkakaiba sa mga timbre ng mga indibidwal na kinatawan nito: mga flute, oboe, clarinets at bassoons ay mas kapansin-pansin, pati na rin ang pagkakaiba sa mga rehistro sa bawat isa sa mga pinangalanang kinatawan. Sa pangkalahatan, ang pangkat ng woodwind ay may mas kaunting kakayahang umangkop kumpara sa nakayukong grupo sa mga tuntunin ng kadaliang mapakilos, ang kakayahang maglilim at biglaang paglipat mula sa isang lilim patungo sa isa pa, bilang isang resulta kung saan wala itong antas ng pagpapahayag at sigla na nakikita natin. sa nakayukong grupo.

Sa bawat isa sa mga instrumentong woodwind ay nakikilala ko ang lugar ng nagpapahayag na pagtugtog, i.e. isa kung saan ang isang ibinigay na instrumento ay lumalabas na pinaka may kakayahang sa lahat ng uri ng unti-unti at biglaang mga kulay ng lakas at pag-igting ng tunog, na nagbibigay-daan sa tagapalabas na magbigay ng pagpapahayag sa laro sa pinakatumpak na kahulugan ng salita. Samantala, sa labas ng lugar ng expressive playing, ang instrumento ay may higit na makulay (kulay) ng tunog kaysa expressiveness. Ang terminong "lugar ng nagpapahayag na paglalaro," marahil ay ipinakilala ko sa unang pagkakataon, ay hindi naaangkop sa mga kinatawan ng matinding tuktok at ibaba ng pangkalahatang sukat ng orkestra, i.e. sa maliit na plauta at kontrabassoon, na walang lugar na ito at nabibilang sa kategorya ng mga makukulay na instrumento, hindi nagpapahayag.

Ang lahat ng apat na generic na kinatawan ng pangkat na gawa sa kahoy: flute, oboe, clarinet at bassoon sa pangkalahatan ay dapat ituring na mga instrumento ng pantay na lakas. Ang kanilang mga kinatawan ng species ay dapat ding isaalang-alang na pareho: maliit at alto flute, English horn, maliit at bass clarinet at contrabassoon. Sa bawat isa sa mga instrumentong ito ay may apat na rehistro, na tinatawag na mababa, gitna, mataas at mataas at may ilang pagkakaiba sa timbre at lakas. Ang eksaktong mga hangganan ng mga rehistro ay mahirap itatag, at ang mga katabing rehistro ay sumanib sa isa't isa sa mga tuntunin ng lakas at timbre, na dumadaan sa isa't isa nang hindi mahahalata; ngunit ang pagkakaiba sa lakas at timbre sa buong rehistro, hal. sa pagitan ng mababa at mataas ay kapansin-pansin na.

Ang apat na generic na kinatawan ng pangkat na gawa sa kahoy ay karaniwang nahahati sa dalawang seksyon: a) mga instrumento ng isang timbre ng ilong, na parang isang madilim na sonority - mga obo at bassoon (English horn at contrabassoon) at b) mga instrumento ng isang chest timbre, bilang if of a light sonority - flute at clarinets (maliit at alto flute at snare at bass clarinets). Ang masyadong elementarya at prangka na katangian ng mga timbre ay malamang na naaangkop sa gitna at mataas na mga rehistro ng mga instrumentong ito. Ang mas mababang mga rehistro ng mga obo at bassoon, nang hindi nawawala ang kanilang timbre ng ilong, ay nakakakuha ng makabuluhang density at pagkamagaspang, habang ang mas mataas na mga rehistro ay nakikilala sa pamamagitan ng medyo tuyo o payat na timbre. Ang chesty at light timbre ng mga flute at clarinets sa mababang registers ay kumukuha ng nasal at dark tint, at sa mas mataas na registers ito ay nagpapakita ng makabuluhang sharpness.

Sa talahanayan sa itaas, ang pinakamataas na nota ng bawat rehistro ay ipinapakita na nag-tutugma sa pinakamababang tala ng susunod na rehistro, dahil sa katotohanan ang mga gilid ng mga rehistro ay masyadong malabo.

Para sa higit na kalinawan at kadalian ng pagsasaulo, ang mga nota sa hangganan ng mga rehistro sa mga flute at obo ay pinili upang maging mga tala g, at para sa mga tala ng clarinet at bassoon c. Ang mas mataas na mga rehistro ay isinusulat bilang mga tala lamang hanggang sa kanilang mga hangganan ng paggamit; Ang mga karagdagang tunog, na hindi karaniwan dahil sa kahirapan sa pagkuha o dahil sa kanilang hindi sapat na halaga ng artistikong, ay naiwang hindi nakasulat. Ang bilang ng mga tunog sa mas matataas na mga rehistro na aktwal na posibleng i-play ay lubhang hindi tiyak para sa bawat instrumento at kadalasan ay nakadepende sa kalidad ng mismong instrumento o sa mga katangian ng embouchure ng manlalaro.

Ang lugar ng nagpapahayag na pag-play ay minarkahan ng isang linya sa ibaba ng mga generic na instrumento; ang linyang ito ay tumutugma sa parehong lugar para sa bawat isa sa mga instrumento ng species.

Mga instrumento na may magaan, chesty timbre: ang flute at clarinet ay mahalagang pinaka-mobile; Sa mga ito, ang unang lugar sa ganitong kahulugan ay inookupahan ng plauta; sa mga tuntunin ng kayamanan at kakayahang umangkop ng mga lilim at kakayahang magpahayag, ang primacy ay walang alinlangan na kabilang sa clarinet, na may kakayahang magdala ng tunog upang ganap na kumukupas at mawala. Mga instrumentong pang-ilong: oboe at bassoon, para sa mga kadahilanang nauugnay sa paraan ng paggawa ng mga ito ng tunog sa pamamagitan ng double reed, ay may kaunting kadaliang kumilos at flexibility sa mga shade. Kadalasang nilalayon, kasama ng mga plauta at clarinet, upang maisagawa ang lahat ng uri ng mabilis na kaliskis at mabilis na mga sipi, ang mga instrumentong ito ay pangunahing melodiko pa rin sa malawak na kahulugan ng salita, i.e. mas mahinahon na malambing; mas madalas na ipinagkatiwala sa kanila ang mga sipi at pariralang may makabuluhang mobile sa mga kaso kung saan nagdodoble sila ng mga flute, clarinet o nakayukong instrumento, habang ang matatas na parirala at mga sipi ng flute at clarinet ay madalas na lumalabas nang independyente.

Ang lahat ng apat na generic na instrumento, pati na rin ang kanilang mga uri, ay may parehong kakayahan para sa legato at staccato, para sa magkakaibang pagpapangkat ng mga diskarteng ito; ngunit ang staccato ng mga obo at bassoon, napakatalas at naiiba, ay lalong kanais-nais, habang ang makinis at mahabang legato ay ang bentahe ng mga plauta at clarinet; sa mga obo at bassoon, mas gusto ang mixed at staccato na mga parirala; sa mga flute at clarinets, mas gusto ang mga mixed at legatto na parirala. Ang pangkalahatang paglalarawan na ginawa ngayon ay hindi dapat, gayunpaman, humadlang sa orkestra sa paggamit ng mga ipinahiwatig na pamamaraan sa kabaligtaran na kahulugan.

Kapag inihambing ang mga teknikal na tampok ng mga instrumento ng woodwind, kinakailangang ituro ang mga sumusunod na makabuluhang pagkakaiba:

A) Ang mabilis na pag-uulit ng parehong nota na may mga simpleng stroke ay karaniwan sa lahat. hanging kahoy; kahit na ang mas madalas na pag-uulit sa pamamagitan ng dobleng suntok (tu-ku-tu-ku) ay posible lamang sa mga plauta, bilang mga instrumento na walang tambo.

b) Ang clarinet, dahil sa espesyal na istraktura nito, ay hindi gaanong angkop para sa mabilis na octave leaps na katangian ng mga flute, oboe at bassoon.

V) Ang mga arpeggiated chords at oscillating legato double notes ay maganda lamang sa mga flute at clarinet, ngunit hindi sa mga obo at bassoon.

Dahil sa pangangailangan para sa paghinga, ang mga instrumento ng hangin ay hindi maaaring italaga upang humawak ng mga tala nang masyadong mahaba, o upang tumugtog nang walang pagkaantala na may hindi bababa sa mga maikling paghinto, na, sa kabaligtaran, ay lubos na naaangkop sa nakayukong grupo.

Sinusubukang kilalanin ang mga timbre ng apat na generic na kinatawan ng kahoy na grupo mula sa sikolohikal na pananaw, kinuha ko ang kalayaan na gawin ang sumusunod na pangkalahatan, tinatayang mga kahulugan para sa dalawang rehistro - gitna at mataas:

A) plauta. - Ang timbre ay malamig, pinakaangkop para sa magagandang melodies na walang kabuluhan sa major, at may dampi ng mababaw na kalungkutan sa minor.

b) Oboe.-Ang timbre ay simple-minded at masayahin sa major melodies at touching malungkot sa minor melodies.

V) Clarinet.-Flexible at expressive timbre para sa dreamily joyful o brilliantly cheerful melodies sa major at para sa dreamily sad o passionately dramatic melodies sa minor.

G) Bassoon. - Ang timbre ay senile at nanunuya sa major at masakit sa menor de edad.

Sa matinding mga rehistro, mababa at mataas, ang timbre ng parehong mga instrumento ay tila sa akin ay ang mga sumusunod:

Tungkol sa karakter, timbre at kahulugan ng mga tiyak na instrumento, sasabihin ko ang sumusunod:

Ang kahalagahan ng maliit na plauta at maliit na klarinete ay pangunahing binubuo sa pagpapalawak ng pataas sa sukat ng kanilang mga generic na kinatawan - ang malaking plauta at klarinete. Kasabay nito, ang mga tampok na katangian ng mas mataas na mga rehistro ng mga generic na instrumento ay lumilitaw, bilang ito ay, sa isang medyo pinalaking anyo sa mga partikular na instrumento. Kaya, ang pagsipol ng timbre ng mas mataas na rehistro ng maliit na plauta ay umabot sa kamangha-manghang lakas at liwanag, habang hindi kaya ng mas katamtamang mga lilim. Ang mas mataas na rehistro ng isang maliit na klarinete ay mas matalas kaysa sa mas mataas na rehistro ng isang ordinaryong klarinete. Ang mas mababa at gitnang mga rehistro ng parehong maliliit na instrumento ay higit na tumutugma sa mga rehistro ng ordinaryong plauta at klarinete at samakatuwid ay halos walang papel sa usapin ng orkestrasyon.

Ang halaga ng contrabassoon ay nasa pababang extension ng sukat ng ordinaryong bassoon, kung saan ang mga katangiang katangian ng lower register ng bassoon ay lumilitaw na may higit na ningning sa kaukulang register ng contrabassoon, at ang gitna at itaas na mga rehistro ng huli. mawawala ang kanilang kahalagahan kumpara sa generic na instrumento. Ang mas mababang rehistro ng contrabassoon ay nakikilala sa density ng menacing timbre nito na may makabuluhang lakas sa piano.

Ang Ingles na sungay o alto oboe, na katulad ng likas na katangian ng sonority sa generic na kinatawan nito, ay may, gayunpaman, higit na lambing ng kanyang tamad-pangarap na timbre; gayunpaman, ang kanyang mababang rehistro ay nananatiling makabuluhang matalim. Ang bass clarinet, para sa lahat ng pagkakatulad nito sa isang ordinaryong clarinet, ay mas madidilim at mas madilim sa timbre sa mababang rehistro kaysa sa huli, at sa mataas na rehistro ay wala itong silveriness at sa paanuman ay hindi masyadong angkop para sa masaya o masayang mood. Tulad ng para sa alto flute, ang instrumentong ito, na medyo bihira pa sa kasalukuyan, ay nagpapanatili sa pangkalahatan ng katangian ng isang ordinaryong plauta, at may mas malamig at medyo malasalamin na timbre sa gitna at mataas na rehistro nito. Ang lahat ng tatlong uri ng mga instrumento na ito, sa isang banda, ay nagsisilbing pababa sa mga kaliskis ng kaukulang mga generic na kinatawan ng grupong kahoy; bukod dito, mayroon silang makulay na tunog at kadalasang ginagamit bilang solong mga instrumento.
Kamakailan lamang, sinimulan nang ilapat ang mga mute sa woodwind group, na binubuo ng isang malambot na tapunan na ipinasok sa kampanilya, o kung minsan ay pinapalitan ng isang scarf na pinagsama sa isang bola. Pinipigilan ang sonority ng mga obo, cor anglais at bassoon, dinadala ito ng mga mute sa antas ng pinakadakilang piano, imposibleng gumanap nang wala ang kanilang tulong. Ang paggamit ng mga mute para sa mga clarinet ay walang layunin, dahil kahit na wala ang mga ito, ang buong pianissimo ay makakamit sa mga instrumentong ito. Hindi pa rin posible na maglapat ng mute sa mga plauta, bagama't ang tulad nito ay lubhang kanais-nais, lalo na para sa maliit na plauta. Inaalis ng mga mute ang kakayahang tumugtog ng pinakamababang nota ng instrumento:

tanso.

Ang komposisyon ng pangkat na tanso, tulad ng komposisyon ng pangkat ng woodwind, ay hindi kumakatawan sa kumpletong pagkakapareho, ngunit ibang-iba alinsunod sa mga kinakailangan ng marka. Sa grupo ng tanso, gayunpaman, kasalukuyang posible na makilala ang tatlong tipikal na komposisyon, na tumutugma sa tatlong komposisyon ng wood-pair, ternary at quadruple. Iminumungkahi ko ang sumusunod na talahanayan:

Ang lahat ng tatlong komposisyon na ipinakita ay malinaw na maaaring mabago ayon sa kagustuhan ng orkestra. Sa parehong operatic at symphonic na musika mayroong maraming mga pahina at paggalaw nang walang paglahok ng tuba, trombone o trumpeta, o alinman sa mga instrumento ay lumilitaw lamang pansamantala bilang karagdagang instrumento. Sa talahanayan sa itaas, sinubukan kong ipakita ang mga komposisyon na pinakakaraniwan at pinakakaraniwang ginagamit sa kasalukuyan.

1 . Mga tubo. Malinaw at medyo malupit, na pumupukaw ng sonority sa kuta; Ang piano ay may makapal, kulay-pilak na mataas na tunog at medyo naka-compress, na parang nakamamatay, mababa ang tunog.
2 . Alto trumpeta. kasangkapan,
inimbento at ipinakilala ko sa unang pagkakataon sa marka ng opera-ballet na "Mlada". Ang layunin ng paggamit nito ay upang makakuha ng mga mababang tono ng medyo mas mataas na density, kalinawan at kagandahan. Tatlong boses na kumbinasyon ng dalawang ordinaryong trumpeta at pangatlo
mas malinaw ang tunog kaysa sa tatlong trumpeta
pinag-isang sistema. Kumbinsido sa kagandahan at benepisyo
alto trumpet, ipinagpatuloy ko ang paggamit nito
marami sa aking mga sumunod na opera na may tatlong pirasong kahoy na cast.
3 . Maliit na tubo, naimbento
at ginamit ko for the first time din sa score
"Mlada" na may layuning maging malaya
naglabas ng matataas na tono ng trumpeta na timbre. Tool
katulad sa istraktura at sukat sa maliit na cornet ng mga bandang militar.

b) Cornet. Ang timbre ay malapit sa isang trumpeta, ngunit medyo mahina at malambot. Isang mahusay na instrumento, medyo bihirang ginagamit sa modernong opera o mga orkestra ng konsiyerto. Ang mga mahuhusay na gumaganap ay alam kung paano gayahin ang timbre ng mga cornet sa mga trumpeta, at ang katangian ng mga trumpeta sa mga cornet.

V) French horn o sungay. Napakadilim sa ibabang rehiyon at liwanag, na parang bilog at puno, sa itaas, maganda ang patula at malambot na timbre. Sa gitnang mga nota nito, ang instrumentong ito ay lumalabas na napaka-angkop at tumutugma sa timbre ng bassoon, kaya naman ito ay nagsisilbing transisyon o koneksyon sa pagitan ng tanso at kahoy na mga grupo. Sa pangkalahatan, sa kabila ng mekanismo ng mga piston, ang instrumento ay hindi masyadong mobile at tila tamad sa mga tuntunin ng paggawa ng tunog.

G) Trombone. Ang timbre ay madilim at mapanganib sa mababang tono at taimtim na magaan sa itaas. Makapal at mabigat na piano, malakas at malakas na forte. Ang mga trombone na may mekanismo ng piston ay may higit na kadaliang kumilos kumpara sa mga rocker trombone, gayunpaman, sa mga tuntunin ng kinis at kadakilaan ng tunog, ang huli ay walang alinlangan na mas kanais-nais kaysa sa una, lalo na dahil ang mga kaso ng paggamit ng sonority ng mga trombones ayon sa kanilang likas na katangian ay nangangailangan ng kaunting kadaliang kumilos.

d) Bass o double bass tuba. Isang makapal, malupit na timbre, hindi gaanong katangian kaysa sa trombone, ngunit mahalaga dahil sa magagandang mababang tono nito. Tulad ng double bass at contrabassoon, ito ay mahalaga pangunahin bilang pagdodoble ng bass voice ng grupo nito ng isang octave na mas mababa. Ang mekanismo ng mga piston ay may sapat na kadaliang kumilos.

Ang grupo ng tanso, na may medyo mas mataas na kapantayan ng sonority sa bawat isa sa mga kinatawan nito, kumpara sa kahoy na grupo, ay nagpapakita ng mas kaunting kakayahan para sa nagpapahayag na paglalaro sa eksaktong kahulugan ng salita. Gayunpaman, ang lugar ng nagpapahayag na paglalaro ay maaaring masubaybayan sa ilang lawak sa pangkat na ito, sa gitna ng mga kaliskis nito. Tulad ng maliit na plauta at kontrabassoon, ang konsepto ng pagpapahayag na pagtugtog ay halos hindi nalalapat sa maliit na trumpeta at double bass tuba.

Maikling boses.

Pinulot.

Isang orchestral quartet sa karaniwang komposisyon nito, naglalaro nang walang tulong ng bow, ngunit sa pamamagitan ng hawakan ang mga string gamit ang mga dulo ng mga daliri, hindi ko maaaring isaalang-alang kung hindi ang isang bagong independiyenteng grupo na may isang timbre na eksklusibong pag-aari nito, na, kasama ng alpa, na gumagawa ng mga tunog sa parehong paraan, tinatawag kong isang grupo ng mga plucked na instrumento o isang grupong nabunot.

Ang pagkakaroon ng buong hanay ng mga dynamic na shade mula ff hanggang pp, Pizzicato

Sa pangkalahatan, mula sa buong sukat ng instrumentong ito:
Halos palaging ginagamit lang nila ang major, minor, una at second octaves, na iniiwan ang extreme lower and upper regions para sa mga espesyal na kaso at octave doublings.
Ang alpa ay mahalagang instrumentong diatonic, dahil ang chromaticism sa loob nito ay nakuha mula sa pagkilos ng mga pedal; para sa parehong dahilan, ang mabilis na modulasyon ay hindi katangian ng instrumento na ito, at ang orkestra ay dapat palaging isaisip ito. Ang paggamit ng dalawang alpa na salitan sa pagtugtog ay maaaring malinaw na maalis ang mga paghihirap sa bagay na ito.
Ang isang napaka-espesyal na teknikal na pamamaraan ng laro ay ang glissando. Sa pag-aakalang alam ng mambabasa ang mga detalye ng muling pagsasaayos ng alpa sa pamamagitan ng mga dobleng pedal nito sa ikapitong kuwerdas ng iba't ibang uri, gayundin sa mga major at minor na diatonic na kaliskis ng lahat ng mga tuning, mapapansin ko lamang na may mga glissando na parang sukat, dahil sa kilalang tagal ng pagtunog ng bawat string, isang cacophonous na halo ng mga tunog ay nakuha; samakatuwid, ang paggamit ng tulad ng isang purong musikal na epekto ay nangangailangan lamang ng itaas na mga oktaba ng sukat ng alpa sa ilalim ng kondisyon ng isang buong piano, at ang tunog ng mga kuwerdas ay panandalian at medyo naiiba; ang paggamit ng glissando scales in forte na may partisipasyon ng lower at middle strings ay maaari lamang pahintulutan bilang musical at decorative effect.
Ang Glissando sa enharmonically tuned seventh at non-chords ay mas karaniwan at hindi nangangailangan ng katuparan ng mga kundisyon sa itaas at nagbibigay-daan para sa lahat ng uri ng mga dynamic na shade.
Sa mga maharmonya na tunog sa alpa, oktaba lamang ang ginagamit. Ang mabilis na paggalaw ng mga harmonika ay mahirap. Sa mga harmonic chords, tatlong-voice chords lamang ang posible, sa malapit na pagkakaayos, na may dalawang nota para sa kaliwang kamay at isa para sa kanan.
Ang maselan na mala-tula na timbre ng alpa ay may kakayahan sa lahat ng uri ng dinamikong mga nuances, ngunit walang makabuluhang kapangyarihan, at samakatuwid ay nangangailangan ng napakaingat na paghawak mula sa orkestra, at tanging sa tatlo o apat na alpa na magkakasabay maaari itong makipaglaban sa ilang forte ng buong orkestra. Sa isang glissando, ang isang makabuluhang mas malaking kapangyarihan ng sonority ay nakuha, depende sa bilis ng pagpapatupad nito. Ang maharmonya na mga tunog ng isang kaakit-akit, mahiwagang banayad na timbre ay may mahinang sonority at magagamit lamang sa piano. Sa pangkalahatan, tulad ng picatto, ang alpa ay hindi isang instrumentong nagpapahayag, ngunit ito ay makulay.

Mga tambol at tugtog na may partikular na tunog at mga keyboard.

Timpani.

Sa lahat ng mga instrumento ng pagtambulin at pagtunog, ang timpani ay sumasakop sa unang lugar, bilang isang kinakailangang miyembro ng alinmang
opera o symphony orchestra. Ang isang pares ng timpani, na nakatutok sa tonic at nangingibabaw ng pangunahing istraktura ng dula, ay matagal nang kailangang-kailangan na asset ng orkestra na komposisyon hanggang sa at kabilang ang panahon ni Beethoven; mula sa kalagitnaan ng huling siglo, kapwa sa Zalada at sa mga marka ng paaralang Ruso, ang mga kahilingan para sa tatlo at kahit apat na tunog ng timpani ay lumitaw nang mas madalas sa parehong piraso o seksyon ng musikal. Sa panahong ito, kung, dahil sa kanilang mataas na gastos, ang timpani na may pingga para sa agarang pagsasaayos ay medyo bihira, kung gayon ang 3 tornilyo na timpani ay matatagpuan sa anumang disenteng orkestra. Makakaasa rin ang orkestra sa katotohanan na ang isang makaranasang performer, na mayroong 3 turnilyo na timpani, ay palaging magiging posible na ibagay ang isa sa timpani sa anumang nota sa medyo mahabang pag-pause.

sa kasalukuyang panahon, mahirap sabihin ang anumang tiyak tungkol sa itaas na limitasyon ng sukat ng timpani, dahil ito ay ganap na nakasalalay sa laki at kalidad ng maliit na timpani, na ang mga sukat ay nag-iiba. Naniniwala ako na dapat limitahan ng orkestra ang sarili sa:

Ang timpani ay isang instrumento na nagbibigay ng lahat ng posibleng mga kakulay ng kapangyarihan, mula sa pinakadakilang dumadagundong na fortissimo hanggang sa halos hindi maririnig na pianissimo, at sa tremolo ito ay may kakayahang maghatid ng pinakaunti-unting mga crescendos, diminuendos at morendos.

Piano at celesta.

Ang paggamit ng piano timbre sa mga orkestra na gawa (Ibinubukod ko ang mga piano concerto na may sinamahan ng isang orkestra) ay matatagpuan halos eksklusibo sa mga gawa ng paaralan ng Russia. Ang application na ito ay gumaganap ng isang dalawahang papel: ang timbre ng piano, dalisay o kasama ng alpa, ay nagsisilbi upang kopyahin ang katutubong instrumento ang gusel, na sumusunod sa halimbawa ng Glinka; o ang piano ay ginagamit bilang isang uri ng hanay ng mga kampana o mga kampana na may napaka banayad na sonority. Bilang isang miyembro ng isang orkestra sa halip na isang solong instrumento, ang piano ay mas gusto kaysa sa isang concert grand piano.

Mga kampana, kampana at xylophone.

Ang isang set ng mga kampana o metallophone ay maaaring simple o keyboard. Marahil dahil sa kakulangan pagpapabuti, ang huli ay karaniwang mas maputla kaysa sa una sa sonority. Ang paggamit ay lubos na katulad ng celesta, ngunit ang timbre ay walang alinlangan na mas maliwanag, mas matunog at mas matalas.

Ang isang set ng tunog na mga piraso ng kahoy na hinampas ng dalawang martilyo ay tinatawag na xylophone. Ang timbre ay isang ringing click, ang sonority ay medyo matalim at malakas.

Pag-drum at tugtog nang walang tiyak na tunog.

Isang grupo ng percussion at tugtog na walang tiyak na tunog: 1) tatsulok, 2) castanets, 3) mga kampana, 4) tamburin, 5) rods, 6) snare drum, 7) cymbals, bass drum at 9) tom-tom, bilang walang kakayahang sumali sa melody o harmony, at naaangkop lamang sa ritmo, ay maaaring uriin bilang mga instrumentong pampalamuti. Palibhasa'y walang makabuluhang musical significance, ang mga instrumentong ito ay isasaalang-alang ko lamang ng nagkataon sa aklat na ito; dito ko lamang ituturo na sa mga nakalistang instrumento sa dekorasyon 1, 2 at 3 ay maaaring ituring na mga instrumento ng taas, 4, 5, 6 at 7 - bilang mga instrumento ng katamtamang sukat, 8 at 9 - bilang mga instrumento ng mababang sukat, na nagpapahiwatig ang kanilang kakayahang pagsamahin sa kaukulang mga lugar ng orchestral scale sa mga instrumento na may mga tunog ng isang tiyak na pitch.

Paghahambing ng lakas ng sonoridad ng mga orkestra na grupo at ang kumbinasyon ng mga timbre.

Ang paghahambing ng lakas ng sonoridad ng bawat isa sa mga grupong may mahabang tinig sa isa't isa, ang isa ay maaaring makarating sa mga sumusunod, kahit na tinatayang, mga konklusyon:

Sa mga kinatawan ng pinakamakapangyarihan sa mga tuntunin ng sonority ng grupong tanso, ang mga trumpeta, trombones at tubas ay may pinakamalaking lakas. (Sa forte ang mga sungay ay dalawang mas mahina)
Ang mga hanging kahoy sa kuta ay karaniwang kalahating kasing lakas ng mga sungay.
Sa piano, ang lahat ng woodwind at brass instrument ay maituturing na pantay.
Ang paghahambing ng lakas ng mga instrumento ng hangin sa mga nakayukong instrumento ay mahirap, dahil ito ay nakasalalay sa bilang ng mga gumaganap ng huli; gayunpaman, batay sa karaniwang komposisyon ng isang nakayukong quartet, maaari nating sabihin na sa isang piano, ang bawat nakayukong bahagi (halimbawa, ang unang biyolin, ang pangalawa, atbp.) ay dapat ituring na katumbas ng isang woodwind, halimbawa. isang plauta, isang oboe, clarinet o bassoon; sa kuta - ang bawat isa sa mga may kuwerdas na bahagi ay dapat ituring na katumbas ng dalawang woodwind, halimbawa. dalawang plauta o klarinete at oboe atbp. atbp.
Ang paghahambing ng lakas ng mga instrumentong may maikling boses sa lakas ng mga instrumentong may mahabang tinig ay mas mahirap dahil sa katotohanan na ang mga paraan ng pagkuha at paggawa ng tunog at ang katangian nito sa parehong kategorya ng taludtod ay magkaiba sa isa't isa. Ang pinagsanib na pwersa ng mga grupong mahahabang tinig ay madaling nilulunod ang nabunot na grupo sa kanilang katinuan, lalo na ang banayad na tunog ng piano, celesta at col legno. Tulad ng para sa mga kampana, kampana at xylophone, ang iba't ibang mga tunog ng huli ay madaling tumagos kahit na ang pinagsamang pwersa ng mahabang tunog na mga grupo. Ang parehong dapat sabihin tungkol sa tugtog, maingay, kaluskos, kaluskos at dumadagundong na mga timbre ng timpani at lahat ng iba pang mga instrumentong pampalamuti.
Ang impluwensya ng mga timbre ng isang grupo sa isa pa ay makikita sa pagdodoble ng mga kinatawan ng isa ng mga kinatawan ng iba tulad ng sumusunod: ang mga timbre ng woodwind group ay malapit na sumanib, sa isang banda, sa timbre ng bowed group , at sa kabilang banda, kasama ang timbre ng grupong tanso. Pagpapalakas at

ang iba, nakikinig sila sa timbre ng mga nakayukong instrumento at nagbibilang ng timbre ng mga instrumentong tanso. Ang timbre ng mga nakayukong instrumento ay hindi gaanong nakakapagsama sa timbre ng mga instrumentong tanso; kapag pinagsama ang mga ito, ang isa at ang iba pang timbre ay maririnig nang hiwalay. Ang kumbinasyon ng lahat ng tatlong timbre nang sabay-sabay ay nagbibigay ng condensed, soft at cohesive sonority.

Ang timbre ng isang nakayukong instrumento, na idinagdag sa pagkakaisa ng isang instrumentong kahoy, ay nagbibigay lamang sa huli ng higit na pagkakaugnay-ugnay at lambot, habang ang pamamayani ng timbre ay nananatili sa mga instrumento ng hangin.

nagbibigay lamang ng mas malaking densidad sa nakayukong pagkakaisa, at ang kabuuang impresyon ay nakukuha bilang mula sa nakayukong pagkakaisa.

Mga Pangunahing Kaalaman sa Orkestrasyon