Plano ng aralin ang magagaling na sining ng klasismo at rococo. Ang visual arts ng klasismo at rococo

Pag-preview:

Upang magamit ang preview ng mga pagtatanghal, lumikha ng iyong sarili ng isang Google account (account) at mag-log in dito: https://accounts.google.com

Mga slide na kapsyon:

Fine arts ng klasismo at rococo MHC 10-11 mga marka

Planuhin si Nicolas Poussin - pintor ng klasismoismo Mga obra ng iskultura ng klasismoismo Mga masters ng "galanteng genre": pagpipinta ni Rococo

Nicolas Poussin - pintor ng klasismo (1594 - 1665) pintor ng Pransya, na tumayo sa pinanggalingan ng pagpipinta ng klasismo

Nakita ko ang ideyal ng kagandahan sa proporsyonalidad ng mga bahagi ng kabuuan, sa panlabas na kaayusan, pagkakasundo at kalinawan ng mga form. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng isang balanseng komposisyon, isang matibay, na-verify na matematika na sistema ng pag-oorganisa ng puwang, isang embossed pattern, at isang pakiramdam ng ritmo. Ang pangunahing pamantayan ng katotohanang pansining ay ang dahilan at pag-iisip. Ang mga pangunahing tema ng pagkamalikhain ay mga kabayanihang bayan batay sa mataas na mga layuning sibiko; pagluwalhati ng isang taong magiting na may kakayahang kilalanin at ibahin ang kalikasan sa kapangyarihan ng pangangatuwiran. Ang mga paboritong bayani ay ang mga taong may mataas na moral na ugali. Ang komposisyon na sistema ng mga kuwadro na gawa ay batay sa dalawang mga prinsipyo: ang balanse ng mga form at ang kanilang libreng ratio.

"Ang pagka-lalaki ng Scipio"

"Arcadian Shepherds"

Tancred at Herminia

Mga obra ng pagka-iskultura ng klasismoismo Isa sa mga natitirang iskultor ng klasismo - Antonio Canova (1757 - 1822) Mga Kulturang: "Orpheus", "Eurydice", "Perseus", "Theseus, ang nagwagi ng Minotaur", "Cupid at Psyche", " Tatlong Grasya ".

"Orpheus" "Eurydice"

"Perseus"

Ang Three Graces ay ang pinakamataas na sagisag ng bagong ideyal ng kagandahan, ayon sa mga kasabay ni Canov.

Bertel Thorvaldsen (1768 - 1844) Ang pinakamagandang akda ng Denmark artist ay kinikilala bilang "Jason with the Golden Fleece", "Ganymede at the eagle of Zeus" ("Ganymede feeding the eagle of Zeus"), "Mercury"

"Jason with the Golden Fleece"

"Ganymede nagpapakain ng agila ni Zeus"

"Mercury"

Jean Antoine Houdon (1741 - 1828) Ang bantog na iskulturang Pranses ng klasismo, na lumikha ng isang natatanging encyclopedia ng portrait ng mga kilalang tao ng panahon. Ang pangunahing tauhan ng kanyang mga gawa ay isang taong panlipunan na may marangal at malakas na tauhan, matapang at walang takot, isang taong malikhain.

Ang rebulto ng Voltaire ay ang tuktok ng gawain ni Houdon, ang perpektong imahe ng isang pantas sa palagay.

Mga master ng "galanteng genre": pagpipinta ni Rococo Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang pino na buhay ng mga courtier, piyesta opisyal, idyllic na mga larawan ng buhay laban sa likuran ng kalikasan, ang mundo ng mga intrigang pag-ibig na kumplikado at mapanlikha na mga alegasyon.

Antoine Watteau (1684 - 1721) - "makata ng walang aliw na paglilibang", "mang-aawit ng biyaya at kagandahan"

"Paglalakbay sa isla ng Kiferu"

"Gilles" ("Pierrot")

Francois Boucher (1703 - 1770) - "artist ng mga biyaya", "pintor ng hari" 1. Ang imahe ng mga walang kabuluhan (mapang-akit, walang kabuluhan) na mga eksena 2. Hindi siguradong pahiwatig 3. Maanghang na mga detalye

"Ang Kapanganakan ni Venus"

"Bumisita si Juno sa Tagapangalaga ng Hangin Aeolus"

"Allegory ng Pagpipinta"

Sa paksa: mga pagpapaunlad na pang-pamamaraan, mga presentasyon at tala

istilo ng pagtatanghal sa musika (klasismo)

Ang pagtatanghal ng mga estilo ng ika-8 baitang sa musika ay nagpapakilala sa mga tampok na katangian ng klasikong musikal at sa mga kinatawan ng paaralang Viennese ...

Paglalahad para sa aralin ng MHC na "The Artistic Culture of Classismism at Rococo"

Ang pagtatanghal ay isang nakalarawang serye para sa pangkalahatang kakilala ng mga mag-aaral na may mga kakaibang katangian ng sining ng klasismo at rococo ...

Buod ng isang aralin sa panitikang Pranses gamit ang multimedia na pagtatanghal na "Panitikang Pranses ng panahon ng klasismo"

Ang araling ito ay nagbibigay ng impormasyon tungkol sa pangunahing mga kinatawan ng klasismo sa Pransya ...

Slide 1

Slide 2

Slide 3

Slide 4

Slide 5

Slide 6

Slide 7

Slide 8

Slide 9

Slide 10

Slide 11

Slide 12

Slide 13

Slide 14

Slide 15

Slide 16

Slide 17

Slide 18

Slide 19

Slide 20

Slide 21

Slide 22

Slide 23

Slide 24

Slide 25

Slide 26

Slide 27

Slide 28

KONSEPTO, IDEAS

Pagsubok sa kaalaman ng mga mag-aaral

Pangkalahatang aktibidad sa pagkatuto

mga sub-katanungan

10.

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

20.

21.

22. Kontrolin ang mga katanungan

23. Malikhaing pagawaan

24. Mga paksa ng mga pagtatanghal, proyekto

25. repleksyon

26. Panitikan:

Ang pinaka kapansin-pansin at kapansin-pansin na mga lugar ng arkitektura (at interior) ng panahong iyon ay may kasamang apat na istilo: Baroque, Rococo, Classicism at Empire. Ang mga istilong ito ay umiiral sa lahat ng mga maunlad na bansa ng Europa, pinalitan o suplemento sa bawat isa, bilang karagdagan, sa bawat bansa ay nakuha nila ang kanilang sariling pambansang natatanging mga tampok. Samakatuwid, ngayon ginagamit namin ang mga ganitong konsepto tulad ng "Russian Baroque", English Classism "o" French Empire. "Sa kabila nito, ang lahat ng mga istilo ay kabilang sa iisang pangkat at sa isang makasaysayang panahon, kaya maaari nating makilala ang isang bilang ng mga karaniwang tampok sa kanila.

Karangyaan: ang mga istilong ito ay ginamit upang palamutihan ang loob ng aristokrasya, samakatuwid tinatawag silang palasyo o harian (ang klasismo ay ang pinaka katamtaman at pinipigilan na istilo sa pangkat na ito, bagaman sa modernong pamantayan ang mga interior na ito ay isang walang uliran na karangyaan);

Malaking maluluwang na silid na may matataas na kisame (hindi bababa sa lahat ay tumutukoy sa istilong Rococo);

Mga pamamaraan sa dekorasyon: paghubog ng stucco, mga kuwadro na dingding o mga kuwadro na may mga klasikong paksa, mga larawang inukit sa kahoy (kabilang ang paggamit ng larawang inukit sa mga kasangkapan).

Mga pagkakaiba sa pagitan ng rococo at klasismo:

Sa klasismo, mayroong isang pagsusumikap para sa pagkakaisa at kaayusan ng lahat ng mga elemento ng arkitektura;

Nagsisikap ang klasismo para sa pagpipigil at pagiging simple, pag-iwas sa magagandang detalye;

Ang klasismo ay batay sa sinaunang teorya ng arkitektura, at maingat na sinusunod ang pagkakasundo ng spatial.

Rococo

Ang term na rococo ay nagmula sa Pranses na "rocaille" (binibigkas na "rocaille"), at sa pagsasalin ay nangangahulugang "shell". Ang istilo ay naging isang binago na sagisag, isang mas maganda at mabisang interpretasyon ng istilong Baroque, isang produkto ng aristokrasya ng Pransya at sekular na kultura. Hindi tulad ng iba pang mga istilo na kumalat sa iba't ibang larangan ng sining, ang Rococo ay higit na tumutukoy lamang sa mga interior.

Kasaysayan Ang istilo ng Rococo ay lumitaw noong ika-18 siglo sa Pransya, at sa pagtatapos ng siglo ay nangingibabaw ito sa buong Europa.

Ang istilong ito ay biswal na madalas na nalilito sa Baroque; talagang marami ang pagkakapareho sa pagitan nila, ngunit marami ring mga makikilala na pagkakaiba. Mga natatanging tampok ng istilong Rococo:

Ang mga nasabing interior ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga sumusunod na epithets: kaaya-aya, ilaw, mapaglarong, masalimuot;

Kasama ng malalaking silid, ang layout ay naglalaman ng maliliit na silid, komportableng mga puwang - mga alcoves (mga malalaking niches, halimbawa, para sa isang natutulog na lugar);

Mga Kulay sa light shade ng rosas, asul, malambot na berde, perlas at perlas;

Palamuti ng dingding at kisame: ang pinakamagaling na mga pattern ng stucco, mga larawang inukit, mga magagandang elemento ng salamin, makinis na pagpipinta ng mga dingding at kisame, na kinumpleto ng mga fresco na pininturahan ng kamay;

Mga sahig: patterned parquet at carpets;

Mga karapat-dapat: gilding, dekorasyon ng tela, mga elemento ng kristal at salamin;

Ang terminong "rococo" (o "rocaille") ay ginamit noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Sa una, ang "rocaille" ay isang paraan ng pagdekorasyon ng mga interior ng grottoes, fountain bowls, atbp. Na may iba`t ibang mga fossil na gumagaya sa natural (natural) na pormasyon, at ang "rocaille" ay isang master na lumilikha ng gayong mga dekorasyon. Ang tinatawag nating ngayon na "rococo" , sa isang pagkakataon tinawag itong "nakamamanghang lasa", ngunit noong 1750s. ang pagpuna sa lahat ng bagay na "baluktot" at "pinahirapan" ay naging mas aktibo, at ang pangalang "nasirang lasa" ay nagsimulang lumitaw sa panitikan. Ang mga Encyclopedist ay lalong matagumpay sa pagpuna, ayon kung saan walang makatuwirang simula sa "spoiled lasa".

Ang mga pangunahing elemento ng istilo: rocaille - curl at cartel - isang nakalimutang term na ginamit ngayon upang pangalanan ang mga cartoches ng rocaille. Ang isa sa mga pinakamaagang kaso ng paggamit ng mga term na ito ay ang alitan ni Mondon na anak na "The Third Book of Rocaille and Cartel Forms" ng 1736.

Sa kabila ng katanyagan ng mga bagong "antigong anyo" na nagmula sa huling bahagi ng 1750. (ang kalakaran na ito ay tinawag na "lasa ng Griyego"; ang mga bagay ng istilong ito ay madalas na napagkakamalang Rococo sa paglaon), ang tinaguriang Rococo ay nanatili sa posisyon nito hanggang sa huling bahagi ng siglo. Sa Pransya, ang panahon ng Rococo ay tinawag na oras nina Cupid at Venus.

Noong 1960s at 70s, ang konsepto ng Rococo ay kumalat bilang isang resulta ng paggiling ng Baroque: "Pagpasok sa yugto ng Rococo, ang mga emblema ay lalong nawawalan ng kanilang independiyenteng kahulugan, at nagiging bahagi ng pangkalahatang dekorasyon, kasama ang nymphs, naiads , cornucopias, dolphins at triton, "Ang mga Kupido ng diyos ng pag-ibig ay" naging - putti - rococo ".

Klasismo

Bilang isang panloob na istilo at trend ng Aesthetic, ang Klasismo ay nagmula sa Europa sa simula ng ika-17 siglo. Ito ay batay sa kahinahunan at makulit na antigong arkitektura, mga proporsyon at pagkakasundo nito. Isinalin mula sa Latin, ang "classicus" ay isang pamantayan, pagkakasunud-sunod, pattern. Ang pagbuo ng klasismo ay makabuluhang naiimpluwensyahan ng pagtuklas ng Pompeii noong 1755. Bilang isang resulta, ito ay resulta ng isang natural na pag-unlad at pagpapabuti sa arkitektura ng Renaissance.

Mga natatanging tampok ng istilong Klasismo:

Ang loob ng klasismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga sumusunod na salita at parirala: kalmado, pagsisikap para sa perpekto, laconic, marangal;

Ang panloob na dekorasyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng malinaw na geometriko, maximum na tamang mga form;

Mga Kulay: magaan at mayamang tono ng pinong banilya, maputlang asul, ang kulay ng mga batang dahon;

Ang paggamit ng tradisyonal na antigong istruktura ng arkitektura: mga haligi, pilasters (semi-haligi), pediment at frieze;

Mga burloloy na may mga antigong motibo: mahigpit at geometriko;

Palamuti sa dingding. Ang wallpaper na may marangyang mga disenyo o pattern ng openwork, mga wall skirting board at hangganan, malawakang ginagamit ang pagpipinta;

Mga sahig: - nakatanim na art parket na gawa sa mamahaling, piling mga uri ng kahoy. Sa pasilyo, bulwagan o lugar ng kainan, posible na gumamit ng marmol o iba pang mga coatings ng bato;

Ang palamuti ay hindi sobrang karga ng mga detalye at maliliit na elemento.

Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng panahon ng klasismo ay maaaring isaalang-alang ang Ingles (Scottish) na arkitekto na si Robert Adams, sa mga larawan sa ibaba makikita mo ang mga interior na ginawa niya.

Ang klasismo ay batay sa mga ideya ng rationalism, na nakakita ng isang malinaw na pagpapahayag sa pilosopiya ng Descartes. Ang isang gawain ng sining, mula sa pananaw ng klasismo, ay dapat na itayo batay sa mahigpit na mga canon, sa gayon ihahayag ang pagkakasundo at pagkakapare-pareho ng uniberso mismo. Ang interes para sa klasismo ay walang hanggan lamang, hindi nagbabago - sa bawat kababalaghan, hinahangad niyang makilala ang mga mahahalaga lamang, tampok na typological, pagtatapon ng mga random na indibidwal na tampok. Ang mga estetika ng klasismo ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa panlipunan at pang-edukasyon na pagpapaandar ng sining. Ang klasismo ay nagtatatag ng isang mahigpit na hierarchy ng mga genre, na nahahati sa mataas (ode, trahedya, epiko) at mababa (comedy, satire, fable). Ang bawat genre ay mahigpit na tinukoy na mga tampok, ang paghahalo kung saan ay hindi pinapayagan.

Paano nabuo ang isang tiyak na direksyon sa Pransya noong ika-17 siglo. Iginiit ng klasikong Pranses ang pagkatao ng isang tao bilang pinakamataas na halaga ng pagiging, pinalaya siya mula sa impluwensya ng relihiyon at simbahan. Para sa mga kakaibang uri ng klasismo sa Imperyo ng Russia, tingnan ang artikulong klasikong Ruso.

Sa maraming paraan, ang klasismo ay umasa sa sinaunang sining (Aristotle, Horace), na kinukuha ito bilang isang perpektong modelo ng aesthetic, ang "ginintuang edad". Noong ika-17 siglo France, tinawag itong oras ng Minerva at Mars.

Poussin Nicolas (1594-1665), pinturang Pranses at draftsman. Nag-aral kasama si K. Varen at iba pang mga artista sa Pransya; mula noong 1624 Si Poussin ay nanirahan sa Roma (noong 1640-1642 - sa Paris), naimpluwensyahan ni Carracci, Domenichino, Raphael, Titian, Michelangelo, pinag-aralan ang mga pakikitungo nina Leonardo da Vinci at Durer, na-sketch at sinukat ang mga antigong estatwa, pinag-aralan ang anatomya at matematika. Mula noong 1620s, ang pintor na si Nicolas Poussin ay lumikha ng mga kuwadro na gawa ng mataas na tunog sibil, na naglagay ng mga pundasyon ng klasismo sa pagpipinta sa Europa (ang pagpipinta na "Kamatayan ng Germanicus"), mga tulang patula sa pampanitikan at mitolohikal na tema, na minarkahan ng isang dakilang sistema ng mga imahe, pagiging emosyonal ng isang matindi, marahang pagsasaayos ng kulay ("Rinaldo at Armida", "Tancred at Herminia", "Parnassus"). Ang malinaw na komposisyon na ritmo na nananaig sa mga gawa ni Nicolas Poussin noong 1630 ay pinaghihinalaang bilang isang salamin ng makatuwirang prinsipyo, na nagbibigay ng kadakilaan sa mga marangal na gawa ng tao ("Arcadian Shepherds", "Finding Moises"). Mula noong 1650, ang mga etos at pilosopiko na pathos ay lumalaki sa gawain ni Poussin. Pagbabalik sa mga balangkas ng sinaunang kasaysayan, na inihahalintulad ang biblikal at ebanghelikal na mga tauhan sa mga bayani ng klasiko noong unang panahon, nakamit ng artist ang pagkakumpleto ng matalinghagang tunog, ang malinaw na pagkakasundo ng kabuuan ("Pahinga sa Paglipad patungong Ehipto", "The Magnanimity of Scipio "). Pagbuo ng mga prinsipyo ng isang perpektong tanawin, ginawang likas na katangian ni Nicolas Poussin ang likas na layunin at pagiging perpekto ("Landscape with Polyphemus", circa 1649, isang serye ng mga landscapes na "The Seasons", "Apollo at Daphne"). Ipinakikilala ang mga mitolohikal na character sa tanawin, na isinasatao ang iba't ibang mga elemento, gamit ang mga ito

mga yugto ng mga alamat sa Bibliya, ipinahayag ni Poussin ang ideya ng isang mas mataas na pangangailangan o kapalaran, bilang simula, na kinokontrol ang ugnayan sa pagitan ng tao at ng uniberso.

Watteau Jean Antoine (1684-1721), pintor ng Pransya.

Ipinanganak sa lungsod ng Valencienne (sa hilaga ng Pransya) sa pamilya ng isang bubong. Ang eksaktong petsa ng kapanganakan ay hindi alam. Nabinyagan noong Oktubre 10, 1684

Noong 1702 si Watteau ay dumating sa Paris at nagsimulang magtrabaho bilang isang kopya. Sa Palasyo ng Luxembourg, nagkaroon siya ng pagkakataon na pag-aralan ang mga kuwadro na gawa ni P.P Rubens.

Noong 1717 natanggap ni Watteau ang pamagat ng akademiko para sa malaking larawan na "Pilgrimage to the island of Kiferu". Noong 1719-1720. bumisita ang artist sa England. Ang kasikatan ng pagkamalikhain ni Watteau ay panandalian. Sa mas mababa sa isang dekada, pininturahan niya ang mga canvases na "The Venetian Festival", "The Feast of Love", "Society in the Park", "Joy of Life", "Gilles",

"Metseten", "Ang pag-sign ng shop ng E. F. Gersen".

Si Watteau ay hindi nakikipag-date sa kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit malamang na mas magaan ang kanyang pagpipinta sa mga nakaraang taon. Maraming ginuhit ang artist.

Ang kanyang palaging mga paboritong character ay nakapagpapaalala ng mga artista na kumikilos ng mahabang dula sa mga canvases ni Watteau. Sa kanyang mature na panahon, ang artista ay higit pa at mas maraming mga komposisyon ng dula-dulaan kung saan ang kalikasan (mga puno, burol) ay nagiging tulad ng isang dekorasyon. Ang mga eksenang teatro at "galante na pagdiriwang" ang pangunahing tema ng kanyang mga susunod na balangkas. Ang Watteau, lalo na ang kanyang mga pandekorasyon na panel, ay may isang mapagpasyang impluwensya sa pagbuo ng istilong Rococo.

Jean Honore Fragonard (Abril 5, 1732, Grasse - Agosto 22, 1806, Paris), pinturang Pranses at graphic artist. Nag-aral kasama sina J. B. S. Chardin at F. Boucher sa Paris. Noong 1756-1761 nagtrabaho siya sa Italya, kung saan gumanap siya ng mga siklo ng mga guhit sa tanawin (sa paligid ng Roma at Naples). Ang pagkakabit sa kongkretong natatangi at direktang emosyonal sa buhay na katotohanan ay nag-udyok kay Fragonard na lumipat mula sa mga karanasan ng pagpipinta sa kasaysayan ("Korez at Calliroya", 1765, Louvre, Paris) sa uri ng pang-araw-araw na buhay, tanawin at larawan. Ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ng "galanteng" genre ng Boucher, kung minsan ay nagbabayad ng pagkilala sa mga kombensiyon at sopistikado ng Rococo, Fragonard, sa parehong oras, nakakamit ang isang espesyal na pagtagos sa libangan ng mga liriko na eksena ng pang-araw-araw (kabilang ang katutubong) buhay, ang globo ng matalik na damdamin ng tao, at ang tula ng kalikasan. Nakikilala sa pagiging bago at pino ng dekorasyon ng kulay, gaan at pag-uugali ng pagsusulat, makinis na komposisyon ng mga ritmo, ang mga gawa ni Fragonard ay puno ng sensitibong kaligayahan, buong dugo na kasiyahan sa buhay (Swing, 1766, koleksyon ng Wallace, London, Feast at Saint-Cloud, 1775 , Bank of France, Paris; The Bathing Naiads, Louvre, Paris), ay napuno ng isang halos hindi kapansin-pansin na panunuya sa cuteness languor ng mga character (The Sneak Kiss, Hermitage, Leningrad) o pinainit ng taos-puso, medyo sentimental simpatiya sa kapalaran ng mga bayani (The Poor Family, A S. Pushkin, Moscow; "Farmer's Children", Hermitage, Leningrad). Ang mga pino na epekto ng pag-gradate ng ilaw at lilim ay katangian ng kanyang maraming mga guhit (tunay, bistrome, mas madalas sepia) at etchings.

Chardin Jean-Baptiste Simeon (1699-1779) - pintor ng Pransya, mag-aaral ng P.-J. Casa at Noel Cuapelle.

Pagtulong sa huli na magsagawa ng mga aksesorya sa kanyang mga kuwadro na gawa, nakakuha siya ng isang pambihirang sining ng paglalarawan ng mga walang buhay na bagay ng lahat ng uri at nagpasyang italaga ang kanyang sarili sa eksklusibo sa kanilang kopya.

Sa simula ng kanyang independiyenteng karera, nagpinta siya ng mga prutas, gulay, bulaklak, patay na hayop, gamit sa bahay, mga katangian ng pangangaso na may ganitong kasanayan na kinuha ng mga mahilig sa sining ang kanyang mga kuwadro na gawa para sa mga gawa ng mga tanyag na Flemish at Dutch artist, at mula pa noong 1739 ay pinalawak niya ang saklaw ng kanyang mga paksa sa mga eksena ng buhay sa bahay ng mga mahihirap na tao at mga larawan.

Ang mga larawan ng pangalawang kategoryang ito, na nakikilala sa kanilang walang muwang na nilalaman, lakas at pagkakasundo ng mga kulay, lambot at kayamanan ng brush, kahit na higit sa mga naunang gawa ni Chardin, ay tinulak siya mula sa bilang ng mga napapanahong artista at pinalakas sa likuran niya ang isa sa kilalang mga lugar sa kasaysayan ng pagpipinta ng Pransya. Noong 1728 ay naatasan siya sa Parisian Academy of Arts, noong 1743 siya ay nahalal sa kanyang tagapayo, noong 1750 ay kinuha niya ang posisyon ng kanyang tresurero; bilang karagdagan, mula noong 1765 siya ay miyembro ng Rouen Academy of Science, Panitikan at Fine Arts.

Ang pinakatanyag sa kanila ay ang "Card Lock", "Panalangin Bago Hapunan", "Masipag na Ina", "Broken Hare at Mga Pangangaso na Kagamitan", "Mga Prutas sa isang Marmol na Talahanayan" at "Mga Katangian ng Sining", "Tatlong Lalaki na Bumubuga ng Mga Bubble" , "Talahanayan sa kusina na may mga probisyon at kagamitan", isang larawan ni Gng. Jofrain, "Batang babae na nagbabasa ng isang liham", "Bumabalik mula sa merkado", "Naglilinis ng liko ng singkamas", at mga paulit-ulit na "Panalangin bago maghapunan", isang pag-uulit ng "Card lock" at "Prayers bago maghapunan" at "Laundresses", "Young woman embroidering a carpet", "Isang maid na nagbubuhos ng tubig sa isang pitsel", "Broken hare at isang copper cauldron" at mga pag-uulit ng "Laundresses" at "Prayers bago kumain "at" Ina at anak "...

Ang visual arts ng klasismo at rococo

Nicolas Poussin - pintor ng klasismo

Ang tuktok ng klasismo sa pagpipinta, ipinroklama ng French Academy ang gawain ng artist Nicolas Poussin(1594-1665). Sa panahon ng kanyang buhay siya ay tinawag na "ang pinaka-bihasang at may karanasan sa mga modernong brush masters", at pagkamatay niya ay idineklara siyang "beacon ng pagpipinta ng Pransya."

Bilang isang malinaw na tagapagpahiwatig ng mga ideya ng klasismo, bumuo si Poussin ng isang malikhaing pamamaraan batay sa kanyang sariling ideya ng mga batas ng kagandahan. Nakita niya ang kanyang perpekto sa proporsyonalidad ng mga bahagi ng kabuuan, sa panlabas na kaayusan, pagkakasundo at kalinawan ng mga form. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng isang balanseng komposisyon, isang matibay, na-verify na matematika na sistema ng pag-oorganisa ng puwang, isang tumpak na pagguhit, isang kamangha-manghang pakiramdam ng ritmo, batay sa sinaunang doktrina ng mga mode ng musikal.

Ayon kay Poussin, ang pangunahing pamantayan para sa artistikong katotohanan at kagandahan ay ang dahilan at pag-iisip. Ito ang tinawag niyang likhain sa paraang "bilang kalikasan at katwiran turuan ito." Kapag pumipili ng mga paksa, nagbigay si Poussin ng kagustuhan sa mga kabayanihan at gawa, na batay sa matataas na mga motibo sibil, kaysa sa basahin ang mga hilig ng tao.

Ang pangunahing paksa ng sining, ayon sa artist, ay kung saan nauugnay sa ideya ng dakila at maganda, na maaaring magsilbing isang huwaran at isang paraan ng pagtuturo ng pinakamahusay na mga moral na katangian sa isang tao. Inilaan ni Poussin ang kanyang gawain sa pagluwalhati ng isang bayani, na may kakayahang makilala at mabago ang kalikasan sa kapangyarihan ng isang makapangyarihang isip. Ang kanyang mga paboritong tauhan ay mga malalakas, may lakas na loob na mga tao na may matataas na katangian sa moral. Kadalasan ay nahahanap nila ang kanilang mga sarili sa mga dramatikong sitwasyon na nangangailangan ng espesyal na pagpipigil, kadakilaan ng espiritu at lakas ng tauhan. Ipinaabot ng pintor ang kanilang dakilang damdamin sa pamamagitan ng mga pose, ekspresyon ng mukha at kilos.

Sa mga planong pangkasaysayan, pinili lamang ni Poussin ang mga kung saan mayroong pagkilos, paggalaw at pagpapahayag. Sinimulan niyang gawin ang pagpipinta sa isang maingat na pag-aaral ng mapagkukunan ng panitikan (Banal na Kasulatang, "Metamorphoses" ni Ovid o "Jerusalem Set Free" ni T. Tasso). Kung natugunan niya ang itinakdang mga layunin, hindi pinag-isipan ng artista ang mahirap na panloob na buhay ng mga bayani, ngunit ang paghantong sa pagkilos. Ang pakikibaka sa kaisipan, pagdududa at pagkabigo ay naibalik sa likuran. Ang karaniwang pormula ng balangkas ng Poussin ay ang mga sumusunod: "Ang die ay cast, ang desisyon ay ginawa, ang pagpipilian ay ginawa" (Yu. K. Zolotov).

Ang mga ideya ng klasismo, sa kanyang opinyon, ay dapat na sumasalamin sa komposisyon ng larawan. Inihambing niya ang improvisation sa maingat na pag-iisip na pag-aayos ng mga indibidwal na pigura at pangunahing mga grupo.

Ang puwang na nakalarawan ay dapat na madaling makita, ang mga plano ay dapat na malinaw na sumunod sa bawat isa. Para sa pagkilos mismo, isang maliit na lugar lamang sa likuran ang dapat makilala. Sa karamihan ng mga canvases ni Poussin, ang punto ng intersection ng diagonals ng larawan ay naging pinakamahalagang sentro ng semantiko.

Ang komposisyong sistema ng mga kuwadro na gawa ni Poussin ay itinayo sa dalawang prinsipyo: balanse ng mga form (pagbuo ng mga grupo sa paligid ng gitna) at sa kanilang libreng ratio (paglilipat mula sa gitna). Ang pakikipag-ugnay ng dalawang prinsipyong ito ay naging posible upang makamit ang isang pambihirang impression ng kaayusan, kalayaan at kadaliang kumilos ng komposisyon.

Ang kulay ay may malaking kahalagahan sa masining na sistema ng Poussin. Ang pagkakaugnay ng pangunahing mga makukulay na tunog ay nakamit salamat sa system ng reflexes: matinding kulay sa gitna ng komposisyon ay karaniwang sinamahan ng malambot na mga kulay na walang kinikilingan.

Si Nicolas Poussin ay may-akda ng maraming mga kuwadro na gawa sa mitolohiko, makasaysayang, mga relihiyosong tema, pati na rin mga landscape. Sa mga ito maaari mong palaging makahanap ng pinong mga mise-en-eksena, puno ng pagmumuni-muni at drama. Paglingon sa malayong nakaraan, hindi siya nagsabi muli, ngunit malikhaing muling likhain, muling binigyan ng kahulugan ang mga kilalang balak.

Pagpinta ni N. Poussin "Arcadian Shepherds"- isa sa taas ng trabaho ng artista, kung saan natagpuan ng mga ideya ng klasismo ang kanilang buong at malinaw na sagisag. Nararamdaman ng isa ang pagsusumikap ng may-akda para sa kalinawan ng iskultura ng mga form, pagkakumpleto ng plastik at kawastuhan ng pagguhit, kalinawan at balanse ng komposisyon ng geometriko gamit ang prinsipyo ng ginintuang seksyon. Ang kalubhaan ng mga sukat, isang maayos, malinaw na linear na ritmo na perpektong naihatid ang kalubhaan at kataas-taasang mga ideya at tauhan.

Ang larawan ay batay sa isang malalim na kaisipang pilosopiko tungkol sa paglipat ng pagkakaroon sa lupa at ang hindi maiwasang kamatayan. Apat na mga pastol, residente ng masayang Arcadia (isang rehiyon sa timog Greece, na isang simbolo ng walang hanggang kasaganaan, isang matahimik na buhay na walang giyera, sakit at pagdurusa), aksidenteng makahanap ng isang libingan sa gitna ng mga palumpong na may nakasulat: "Siya ay nasa Arcadia. Ngunit ngayon hindi ako kasama sa mga nabubuhay, tulad ng wala sa inyo na bumabasa ngayon ng inskripsiyong ito. " Ang kahulugan ng mga salitang ito ay naiisip nila ... Ang isa sa mga pastol ay mapagpakumbabang yumuko ang kanyang ulo, ipinatong ang kanyang kamay sa lapida. Ang pangalawa, nakaluhod, pinapatakbo ang kanyang daliri sa mga titik, sinusubukan na basahin ang kalahating nabura na inskripsyon.

Ang pangatlo, nang hindi inaalis ang kanyang mga kamay sa mga nakalulungkot na salita, itinaas ang isang nagtatanong sa kanyang kasama. Ang babae sa kanan ay mahinahon din na tumingin sa inskripsyon. Inilagay niya ang kanyang kamay sa balikat niya, na parang sinusubukang tulungan siya na makitungo sa pag-iisip ng isang hindi maiwasang wakas. Sa gayon, ang pigura ng isang babae ay itinuturing na pokus ng espirituwal na kapayapaan, ang balanse ng pilosopiya kung saan dinadala ng may-akda ang manonood.

Malinaw na nagsusumikap si Poussin na lumikha ng mga pangkalahatang imahe na malapit sa mga canon ng sinaunang kagandahan: ang mga ito ay talagang perpekto sa pisikal, bata at puno ng lakas. Ang mga numero, katulad ng mga antigong estatwa, ay balanseng sa kalawakan. Sa kanilang pagsusulat, gumamit ang artist ng nagpapahiwatig ng chiaroscuro.

Ang malalim na ideyang pilosopiko na pinagbabatayan ng larawan ay ipinahayag sa isang malinaw at malinis na klasikal na form na malinis. Tulad ng pagginhawa ng Roman, ang pangunahing aksyon ay nagaganap sa isang mababaw na harapan. Ang komposisyon ng larawan ay lubhang simple at lohikal: ang lahat ay batay sa isang maingat na naisip na ritmo ng balanseng paggalaw at napailalim sa pinakasimpleng mga geometric na hugis na nakamit salamat sa kawastuhan ng mga kalkulasyon sa matematika. Ang mga tauhan ay pinagsasama halos simetriko malapit sa lapida, naiugnay sa pamamagitan ng paggalaw ng kamay at isang pakiramdam ng isang matagal na pag-pause. Nagawa ng may-akda na lumikha ng isang imahe ng isang perpekto at maayos na mundo, na nakaayos ayon sa mas mataas na mga batas ng pangangatuwiran.

Ang sistemang pangkulay ng mga pinta ni Poussin ay karaniwang batay sa paniniwala ng may-akda na ang kulay ang pinakamahalagang pamamaraan para sa paglikha ng dami at lalim ng espasyo. Ang paghati sa mga eroplano ay karaniwang binibigyang diin ng katinig ng mga malalakas na kulay. Sa harapan, ang dilaw at kayumanggi na mga kulay ay karaniwang nanaig, sa pangalawang - mainit, berde, sa pangatlo - malamig, pangunahing asul. Sa larawang ito, ang lahat ay napapailalim sa mga batas ng klasikal na kagandahan: ang kulay ng salpukan ng malamig na kalangitan na may mainit-init na harapan, at ang kagandahan ng hubad na katawan ng tao, na naiparating sa kahit na nagkalat na ilaw, ay napakahusay na napansin lalo na laban sa background. ng luntiang berdeng mga dahon ng isang matahimik na tanawin.

Sa pangkalahatan, ang larawan ay napuno ng isang nakatagong kalungkutan, kapayapaan at idyllic kapayapaan ng isip. Ang pagsasaayos ng Stoic sa kapalaran, isang matalino, marangal na pagtanggap sa kamatayan ay ginawang katulad ng sinaunang pananaw sa mundo ang klasismo ni Poussin. Ang pag-iisip ng kamatayan ay hindi naging sanhi ng kawalan ng pag-asa, ngunit pinaghihinalaang bilang isang hindi maiiwasang pagpapakita ng pagiging regular ng pagiging.

Mga masters ng "gallant genre": pagpipinta ni Rococo

Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ni Rococo ay ang pino na buhay ng aristokrasya ng korte, "galante na kasiyahan", mga idyllic na larawan ng buhay na "pastol" laban sa background ng malinis na kalikasan, ang mundo ng mga intrigang pag-ibig na kumplikado at mapanlikha na mga alegasyon. Ang buhay ng tao ay madalian at panandalian, at samakatuwid kinakailangan upang mahuli ang "masayang sandali", upang magmadali upang mabuhay at makaramdam. "Ang espiritu ng kaibig-ibig at mahangin na maliliit na bagay" (M. Kuzmin) ay naging leitmotif ng maraming mga artista ng "istilo ng hari".

Para sa karamihan sa mga pintor ng Rococo, ang Venus, Diana, nymphs at cupids ay nalulupig ang lahat ng iba pang mga diyos. Ang lahat ng mga uri ng "paliligo", "mga banyo sa umaga" at mga instant na kasiyahan ngayon ay halos pangunahing paksa ng imahe. Uso ang mga pangalan ng mga bulaklak: "ang kulay ng hita ng isang takot na nymph" (laman), "ang kulay ng rosas na lumulutang sa gatas" (maputlang rosas), "ang kulay ng nawalang oras" (asul). Malinaw na naisip, ang mga payat na komposisyon ng klasismo ay nagbibigay daan sa isang matikas at sopistikadong disenyo.

Antoine Watteau(1684-1721) ay tinawag ng kanyang mga kasabayan na "ang makata ng walang aliw na paglilibang", "ang mang-aawit ng biyaya at kagandahan." Sa kanyang mga gawa, nakunan niya ang mga picnic sa mga evergreen park, konsiyerto ng musikal at theatrical sa dibdib ng kalikasan, masigasig na pagtatapat at pagtatalo ng mga mahilig, idyllic na mga petsa, bola at masquerade. Sa parehong oras, sa kanyang mga kuwadro na gawa ay may isang masakit na kalungkutan, isang pakiramdam ng paglipat ng kagandahan at ang ephemerality ng nangyayari.

Isa sa mga sikat na kuwadro na gawa ng artist - "Paglalakbay sa isla ng Kiferu", salamat kung saan siya ay napasok sa Royal Academy of Painting and Sculpture at natanggap ang titulong "Master of Gallant Festivals". Ang mga kaibig-ibig na kababaihan at mga galaw na ginoo ay nagtipon sa baybayin ng baybayin ng dagat na sinabog ng mga bulaklak. Naglayag sila patungo sa isla ng Kythera - ang isla ng diyosa ng pag-ibig at kagandahang Venus (nakilala sa diyosa ng pag-ibig na Greek na Aphrodite), kung saan, ayon sa alamat, lumabas siya mula sa bula ng dagat. Ang kapistahan ng pag-ibig ay nagsisimula sa isang estatwa na naglalarawan sa Venus at mga cupid, na ang isa ay umaabot pababa upang maglagay ng isang laurel garland sa pinakatanyag ng mga dyosa. Sa paanan ng estatwa ay ang mga sandata, nakasuot, lira at libro - mga simbolo ng giyera, sining at agham. Kaya, ang pag-ibig ay talagang may kakayahang masakop ang lahat!

Ang aksyon ay nagbubukas tulad ng isang pelikula, sunud-sunod na nagsasabi tungkol sa lakad ng bawat isa sa mga mag-asawa sa pag-ibig. Ang wika ng mga pahiwatig ay naghahari sa ugnayan ng mga bayani: bigla

ang itinapon na mga sulyap, ang nag-aanyaya na kilos ng fan sa mga kamay ng batang babae, ang pananalita ay naputol sa kalagitnaan ng pangungusap ... Ang pagkakasundo ng tao at kalikasan ay nadarama sa lahat. Ngunit dumidilim na, ang ginintuang paglubog ng araw ay kulay ng kalangitan. Ang piyesta opisyal ng pag-ibig ay kumukupas, pinupuno ang kalinga-lugod na kasiyahan ng mga mag-asawa na may kalungkutan. Sa lalong madaling panahon bumalik sila sa kanilang barko, na magdadala sa kanila mula sa hindi totoong mundo patungo sa mundo ng pang-araw-araw na katotohanan. Isang kahanga-hangang barko sa paglalayag - ang barko ng pag-ibig - handa nang maglayag. Mainit, malambot na kulay, naka-mute na kulay, light stroke stroke na bahagya na hinawakan ang canvas - lahat ng ito ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng kagandahan at pag-ibig.

At muli mahal ko ang lupa para sa pagiging

Na ang mga sinag ng paglubog ng araw ay solemne

Gamit ang isang light brush na Antoine Watteau

Hinawakan ang puso ko minsan.

G. Ivanov

Ang pagpipinta ni Watteau ay kabilang sa totoong mga obra. "Gilles" ("Pierrot"), nilikha bilang isang palatandaan para sa mga palabas na itinerant comedians '. Si Gilles ang pangunahing at paboritong tauhan ng komedyang Pranses ng mga maskara, katinig kay Pierrot, ang bayani ng Italian commedia dell'arte. Isang malamya, walang muwang na nilalang na parang espesyal na nilikha para sa patuloy na panlilibak at mga trick ng matalino at tuso na Harlequin. Inilalarawan si Gilles sa isang tradisyonal na puting cape costume at isang bilog na sumbrero. Nakatayo siyang walang galaw at nawala sa harap ng manonood, habang ang iba pang mga komedyante ay tumira upang magpahinga. Mukhang naghahanap siya ng isang kausap na maaaring makinig at maunawaan siya. Mayroong isang bagay na nakakaantig at hindi protektado sa katawa-tawa na pose ng komedyante na may mahinhin na ibinaba ang mga kamay, na may isang nakapirming tingin. Sa pagod at malungkot na hitsura ng payaso, ang pag-iisip ng kalungkutan ng isang tao na pinilit na libangin at aliwin ang isang nababagabag na madla ay nagkalat. Ang emosyonal na pagiging bukas ng bayani ay gumagawa sa kanya ng isa sa pinakamalalim at pinakamahalagang imahe sa kasaysayan ng pagpipinta sa mundo.

Sa masining na termino, ang larawan ay makinang na naisakatuparan. Ang tunay na pagiging simple ng motibo at komposisyon ay narito na pinagsama sa mga tumpak na pattern at maingat na naisip na mga kulay. Ang aswang puting hoodie ay pininturahan ng maingat ngunit naka-bold na stroke ng brush. Kumikintab na maputlang pilak, abo-apog, kulay-abo na buffy tone na dumadaloy at kumislap, pumapasok sa daan-daang nanginginig na mga highlight. Ang lahat ng ito ay lumilikha ng isang kamangha-manghang kapaligiran para sa pang-unawa ng malalim na pilosopiko kahulugan ng larawan. Paano maaaring hindi sumasang-ayon sa pahayag ng isa sa kanyang mga kasabayan: "Si Watteau ay hindi nagsusulat ng mga pintura, ngunit may pulot, natunaw na amber."

Francois Boucher(1703-1770) isinasaalang-alang ang kanyang sarili na isang tapat na alagad ng Watteau. Tinawag siya ng ilan na "artista ng mga biyaya", "Anacreon ng pagpipinta", "pintor ng hari". Ang pangalawa ay nakakita sa kanya bilang isang "mapagpaimbabaw na artista", "na mayroong lahat maliban sa katotohanan." Ang iba pa ay nag-aalinlangan: "Ang kanyang kamay ay pumili ng mga rosas kung saan ang iba ay matatagpuan lamang sa mga tinik."

Ang brush ng artist ay kabilang sa isang bilang ng seremonyal na mga larawan ng paborito ni Haring Louis XV, ang Marquise de Pompadour. Ito ay kilala na siya patronized Boucher, higit sa isang beses iniutos sa kanya ng mga kuwadro na gawa sa relihiyosong paksa para sa mga tirahan ng bansa at mga mansyon ng Paris. Sa larawan "Madame de Pompadour" ang pangunahing tauhang babae ay ipinakita na napapalibutan ng mga nakakalat na bulaklak at maluho na mga bagay, nakapagpapaalala ng kanyang masining na kagustuhan at libangan. Regular siyang kumikontra laban sa backdrop ng luntiang, solemne na mga drapery. Ang libro sa kanyang kamay ay isang malinaw na pahiwatig ng kaliwanagan at pangako sa intelektuwal na hangarin. Malugod na pinasalamatan ng Marquise de Pompadour ang artista, na hinirang siya bilang unang direktor ng Pabrika ng Tapestry, at pagkatapos ay pangulo ng Academy of Arts, na binigyan siya ng titulong "unang pintor ng hari."

Si Francois Boucher na higit pa sa isang beses ay lumingon sa paglalarawan ng mga walang kabuluhang eksena, na ang pangunahing mga tauhan ay ang pagiging cute, mahiyain na mga pastor o babae na mabubukol na hubad na kababaihan sa anyo ng mga mitolohikal na Venus at Dianes. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay puno ng hindi siguradong mga pahiwatig, detalyado na pantay (ang itinaas na laylayan ng satin na palda, ang nakakataas na paa ng isang naliligo na si Diana, isang daliri ang nakadikit sa kanyang mga labi, isang mahusay magsalita, nag-aanyaya ng tingin, tupa na yakap ang mga paa ng mga nagmamahal, humahalik mga kalapati, atbp.). Kaya, perpektong alam ng artist ang fashion at panlasa ng kanyang panahon!

Sa kasaysayan ng pagpipinta sa buong mundo, si Francois Boucher ay nananatiling isang kahanga-hangang panginoon ng kulay at magandang-maganda ang pagguhit. Maingat na nalutas ang mga komposisyon, hindi pangkaraniwang foreshortenings ng mga character, mayamang accent ng kulay, maliwanag na salamin ng mga transparent na pintura na inilapat na may maliit, light stroke, makinis, dumadaloy na ritmo - lahat ng ito ay gumagawa ng F. Boucher na isang hindi maunahan na pintor. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay naging pandekorasyon na mga panel, pinalamutian ang mga luntiang interior ng bulwagan at sala, tinawag nila ang mundo ng kaligayahan, pag-ibig at magagandang mga pangarap.