Kontribusyon sa sining ng teatro. Ano ang ginawa ni Stanislavsky para sa teatro ng Russia? Theatrical romance na walang pag-ibig

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Panimula

1. Para sa ating masayang pagkabata

2. Amputation at gutting

Bibliograpiya

Panimula

K.S. Si Stanislavsky ay isang Russian Soviet na aktor, direktor, guro ng teatro, tagapagtatag at direktor ng Moscow Art Theater. People's Artist ng USSR (1936). Isang mahusay na pigura, palaisip at theater theorist. Batay sa pinakamayamang malikhaing kasanayan at mga pahayag ng kanyang mga natitirang predecessors at contemporaries, Stanislavsky inilatag ng isang matatag na pundasyon para sa modernong teatro science, lumikha ng isang paaralan, isang direksyon sa stage art, na natagpuan teoretikal na expression sa tinatawag na Stanislavsky system. Ang mga magulang ni Stanislavsky - Sergei Vladimirovich ...

Kakaibang magsulat tungkol kay Stanislavsky. Ito ay tulad ng kahalagahan ng carbon sa buhay sa Earth. Ang impetus na ibinigay ni Stanislavsky ay ang teatro ng buong siglo. Tila hindi kapani-paniwala, tila ito ay isang pigura lamang na napuno ng mitolohiya, ngunit ito ay. Dahil si Stanislavsky ay gumawa at nagpahayag ng isang bagay kung saan ang kultura ay hinog na at hinog na, kung saan mayroong isang aesthetic at panlipunang pangangailangan.

1. Para sa ating masayang pagkabata

Siya ay mula sa isang mayaman at edukadong merchant class, mula sa pinakamataas na bilog nito, kaya ang sonorous na apelyido na "Stanislavsky" ay hindi maaaring ang kanyang tunay na apelyido. Ito ay isang pangalan ng entablado na kinuha ni Konstantin Sergeevich Alekseev (Enero 5, 1863 - Agosto 7, 1938) nang maglaon, noong 1885. Ang kanyang pamilya ay nauugnay sa mga kolektor, ang Tretyakov brothers, at kay Savva Mamontov, ang lumikha ng isang pribadong Russian opera. . "Ang aking ama, si Sergei Vladimirovich Alekseev, isang purong Ruso at Muscovite, ay isang tagagawa at industriyalista. Ang aking ina, si Elizaveta Vasilievna Alekseeva, isang Ruso ng kanyang ama, at isang Pranses ng kanyang ina, ay anak ng sikat na artista sa Paris na si Varley . .." ("Ang aking buhay sa sining).

Ito ay isang masaya at mayamang pamilya. Ang pera sa kapaligiran na ito ay hindi isinasaalang-alang, ang edukasyon ng mga bata ay nagsimula sa bahay, kung saan inayos ng mga magulang ang isang "buong gymnasium." Gayunpaman, mula sa edad na 13, si Konstantin ay nag-aral sa gymnasium, ngunit, sa pamamagitan ng kanyang sariling pagpasok, ay hindi kumuha ng anuman mula dito. Tulad ng halos lahat ng hinaharap na mga artista, nag-aral siya nang walang kasiyahan, sa labas ng pagkawalang-galaw, at kalaunan ay pinangalanan ang Maly Theater bilang isang mapagkukunan ng espirituwal na pag-unlad, na pinalayaw sa kanya ng isang masayang kayamanan ng mga talento.

Kasabay nito, nagpatuloy ang mga amateur na pagtatanghal (ang unang pagtatanghal sa entablado sa bahay ay naganap noong 1877), at kapansin-pansin na mula sa aklat na talambuhay na "My Life in Art" ay hindi alam ng mambabasa na pagkatapos ng gymnasium ay pumasok si Alekseev. at nagtapos mula sa Lazarev Institute at nagsimulang maglingkod sa kompanya ng pamilya. Ang mga hindi gaanong kultural na kaganapan ay hindi kasama sa autobiography.

Ngunit inilarawan nang detalyado na noong una ay nagtayo ang papa ng isang bagong gusali na may malaking bulwagan para sa mga amateur na pagtatanghal sa estate malapit sa Moscow, at pagkatapos, "nadala ng aming mga aktibidad sa teatro, nagtayo siya ng isang kahanga-hangang bulwagan ng teatro para sa amin sa Moscow bilang mabuti." Ang sarap magkaroon ng mayaman na tatay!

Unti-unti, nabuo ang isang bilog ng mga amateur sa paligid ng Konstantin, na tinatawag na "Alekseevsky", kung saan itinanghal ang mga komedya, operetta at vaudeville. Si Konstantin mismo ay nagbigay ng kagustuhan sa mga katangiang karakter, nagtanghal ng mga pagtatanghal kasama ang kanyang kapatid na lalaki at babae, mahal ang tagumpay sa madla at kababaihan, at nasiyahan sa muling pagkakatawang-tao. Ang mga kabataang pwersa ay sagana.

2. Amputation at gutting

Ang artistikong pagbibinata ay natapos noong 1888 matapos makipagkita sa direktor na si Fedotov, ang asawa ng sikat na aktres na si Glikeria Fedotova. Sa palagay ko ay hindi ganoon sa Fedotov mismo, bagaman, siyempre, ang unang pagpupulong sa isang propesyonal na direktor ay hindi maaaring mabigo upang mapabilib ang isang baguhan. Malamang, si Stanislavsky mismo ay lumapit sa kung ano ang matatawag na ngayon na isang komprehensibong pag-unawa sa teatro: kasama ang mga kasamahan, kasama si Fedotov, si Stanislavsky ay bumuo ng isang proyekto para sa Moscow Society of Arts and Literature, namumuhunan ng makabuluhang personal na pondo doon - 25 o 30 libong rubles.

Dito naganap ang isang "pangalawang kapanganakan": "Malamang, sa larangan ng sining, nanatili akong parehong walang lasa na tagakopya. Nagsimulang magsagawa ng operasyon sa akin sina Fedotov at Sollogub: amputation, gutting, at leaching ng theatrical rot, na itinatago pa rin sa mga lugar na pinagtataguan. Binigyan nila ako ng matinding pambubugbog na hinding-hindi ko makakalimutan sa buong buhay ko. Sobrang kinutya nila ako at, tulad ng dalawang beses dalawa apat, pinatunayan ang pagiging atrasado, hindi pagkakapare-pareho at kabastusan ng aking panlasa noon, na noong una Natahimik ako, pagkatapos ay nahihiya ako, sa wakas ay naramdaman ko ang aking ganap na kawalang-halaga at - - parang walang laman sa loob. Ang luma ay hindi mabuti, ngunit walang bago."

Sa pagtatapos ng kanyang artistikong pagbibinata noong 1889, pinakasalan niya si Masha Perevoshchikova (sa entablado ng Lilina). Noong 1891, ipinanganak ang isang anak na babae, si Kira, noong 1894, isang anak na lalaki, si Igor.

Ang Lipunan ng Art at Literatura ay tumagal ng 10 taon, si Stanislavsky ay gumanap ng 34 na tungkulin dito, nagtanghal ng 16 na pagtatanghal. Ito ang kanyang paaralan ng paglalaro at walang humpay na pagsisiyasat sa sarili, karanasan sa paggawa at mga pagtatangka na lumikha ng isang pagtatanghal bilang isang proseso sa entablado na sinasadya ng direktor, kung saan ang direktor ay maaaring mag-alok sa aktor na maglaro nang mababaw, vaudeville, o marahil, kung ang gawaing sining ay nangangailangan. ito, "make the feeling get out of its hide places." ."

Ito ay isang sampung taon na pagtakbo bago ang pagtatatag ng Public Art Theatre. Sa oras na ito, ang pagmuni-muni sa isang bagong uri ng teatro - ang teatro ng direktor - ay nagsimula: noong 1890, ang tropa ng Duke ng Meiningen ay dumating sa Russia sa paglilibot kasama ang direktor na si Kronek sa ulo. Nagulat si Stanislavsky sa posibilidad na malutas ang mga problema sa artistikong sa pamamagitan ng hindi kumikilos, itinanghal na paraan, sa tulong ng mise-en-scenes, scenography.

Gayunpaman, ang "mga imbensyon ng direktor" ni Kroneck ay nagpalala lamang sa nakahandang pakiramdam ni Stanislavsky na ang aktor ay hindi mabuti bilang isang paraan ng pagpapahayag. Kung walang wastong karunungan sa pamamaraan ng laro, ang iba't ibang mga teknolohiya at diskarte nito, ang pangangailangan para sa kung saan ay sanhi ng mga kakaibang dramaturhiya, hindi ito maaaring maging isang elemento ng pagtatanghal na katumbas ng props, ilaw, musika, at hindi maaaring matupad ang mga gawaing itinakda ng direktor.

Sa katunayan, ang pag-unawa sa sitwasyong ito, humigit-kumulang mula 1890-1895, ay ang kapanganakan ng teatro ng direktor na binuo sa susunod na ikadalawampu siglo: ang direktor ay kailangan hindi lamang upang magtalaga ng mga aktor sa mga tungkulin ("dissolve") at siguraduhin na na ang teksto ay sinalita, at para sa isang partikular na dula ng direktor ng lahat ng bumubuo ng mga bahagi ng pagtatanghal, una sa lahat, ng mga aktor. Na naglalaro na hindi hangga't kaya nila, ngunit alinsunod sa kinakailangan ng direktor.

3. Teatro ng sining. Unang dalawampung taon

Ang pangkalahatang kawalang-kasiyahan sa estado ng diskarte sa pag-arte ay lumago. Ito ay isang partikular na bagong hitsura: Tinitingnan ni Stanislavsky ang aktor mula sa labas. Nag-iisip at nagsusulat siya tungkol sa "sining ng karanasan", na nagpapahintulot sa aktor na sikolohikal na malalim at banayad na madama ang mga damdamin at iniisip ng karakter sa entablado, na ginagawang nakikita ng manonood ang karanasan sa loob. Sa halip na mga selyo, gusto niya mula sa aktor ang isang tiyak na "tunay na karanasan" sa entablado, ang pagsasama ng psychophysical apparatus na ginagamit ng aktor sa buhay tulad ng ibang tao. Kinakailangang tanggalin ang mga clamp na sumisira sa lahat ng damdamin sa entablado, at pagkatapos ay magbubukas ang kaluluwa ng karakter.

Nakipagkita kay V.I. Nemirovich-Danchenko, Stanislavsky ventures upang lumikha ng kanyang sariling teatro. Binuksan ang art-public theater noong Oktubre 14, 1898 kasama ang dulang "Tsar Fyodor Ioannovich" (Ginampanan ni Stanislavsky si Prince Ivan Petrovich Shuisky). Kasama sa gawain ng teatro ang isang pandaigdigang reporma sa teatro na nakaapekto sa pagdidirekta, pag-arte, scenography, lahat ng bahagi ng pagtatanghal, isang espesyal na seleksyon ng dramaturhiya, at edukasyon ng mga aktor. Sa halos apatnapung taon ng trabaho sa teatro, ang lahat ng kanyang maximalism, ang lahat ng kawalang-kasiyahan sa kumikilos clichés at isang patuloy na pagtuon sa bagong bagay o karanasan, "The Seagull", "Uncle Vanya", "Three Sisters", "The Cherry Orchard", "Petty Bourgeois ", "At the Bottom", "Doctor Shtokman", "A Man's Life", "A Month in the Village"... Innovation at paghahanap sa lahat ng bagay. "Ang pantasiya ng direktor ng Stanislavsky ay walang alam na hangganan: sa sampung imbensyon, walo ang nakansela ng kanyang sarili, ang ikasiyam - sa payo ni Nemirovich-Danchenko, at ang ikasampu lamang ang nanatili sa entablado" (A. Serebrov).

At patuloy na mga eksperimento: ang studio sa Povarskaya sa Moscow Art Theater (1905), na pinamumunuan ni Vsevolod Meyerhold (na nagsimula sa Moscow Art Theater bilang isang aktor sa papel ng isang neurotic, na siya talaga) upang maghanap ng mga bagong theatrical form. , ang Unang Studio - para din sa mga eksperimento na mahirap isagawa sa teatro, dahil ang mga aktor ay gustung-gusto ang tagumpay, at hindi ang paghahanap ng bago; Ang imbitasyon ni G. Craig sa entablado ng "Hamlet". Noong 1900s -1910s. ang "Stanislavsky system" ay nagsisimulang magkaroon ng hugis.

4. Karanasan at representasyon

Ang isa sa mga pangunahing ideya ni Stanislavsky ay mayroong tatlong teknolohiya ng pag-arte: craft, "experience" at "performance" (ang ibig sabihin ng mga quotation marks na ang mga salitang ito ay pinagkalooban ng di-trivial na kahulugan).

Ang bapor ay batay sa paggamit ng mga handa na mga selyo, kung saan malinaw na mauunawaan ng manonood kung anong mga emosyon ang nasa isip ng aktor (ngunit hindi nararanasan).

Ang sining ng pagtatanghal ay batay sa katotohanan na sa proseso ng mahabang pag-eensayo ang aktor ay nakakaranas ng mga tunay na karanasan na awtomatikong lumilikha ng isang anyo ng pagpapakita ng mga karanasang ito, ngunit sa mismong pagtatanghal ay hindi nararanasan ng aktor ang mga damdaming ito, ngunit nagpaparami lamang ng anyo. , ang natapos na panlabas na pagguhit ng papel.

Sa wakas, sa sining ng karanasan, ang aktor ay nakakaranas ng mga tunay na karanasan sa entablado, sa mismong pagtatanghal, hindi katulad ng sa buhay, ngunit totoo pa rin, at ito ay nagbibigay ng buhay ng imahe sa entablado, puspos ng mga detalye. lubhang kawili-wili at banayad na hinding-hindi sila mapapanatili sa pamamagitan ng pag-uulit.nakapirming pagguhit sa sining ng representasyon. Walang pagpapakita ng mga resulta ng pagkamalikhain dito, ngunit ang proseso ng improvisasyon mismo at ang daloy ng isang buhay na pakiramdam ng tao na nakadirekta mula sa aktor patungo sa manonood.

Pinoproblema ni Stanislavsky ang laro ng aktor, ginawa ito mula sa isang organic na ari-arian sa isang artistikong tool, na nag-materialize ng dalawang pilosopiko na modelo sa pag-arte. Ang una ay batay sa katotohanan na ang buhay, bilang karagdagan sa laro, ay walang laman at magulo, at tanging ang sining ng laro, ang magandang anyo ay "nagpapalusog" sa kaguluhan. "Kailangan niyang maglaro, nang wala ito ay nasusuffocate siya, tulad ng isang walang laman na lugar na walang nilalaman; tulad ng isang damit na hindi isinusuot ng sinuman ... Ang aktor ay hindi indibidwal. Ito ang kanyang kakanyahan "(V.V. Rozanov, 1914).

Ang pangalawang modelo ay nagmumula sa umaapaw na mahahalagang materyal, mula sa pakiramdam ng "kalabisan ng kaluluwa ng isa sa ... mukha ng isa, kapalaran ng isa, buhay ng isa" (F.A. Stepun, 1923). Dalawang magkasalungat na pilosopikal na modelo ay nangangailangan ng magkakaibang mga teknolohiya sa pag-arte, at si Stanislavsky ang nagbigay ng lakas sa kanilang pagbuo.

Hindi totoo na igiit na tinanggihan ni Stanislavsky ang "representasyon" nang buo. Ang pangunahing bagay sa kanyang pagtuklas ay ang pag-unawa sa "pagganap" at "karanasan" bilang pantay na pamamaraan, mga teknolohiya ng pag-arte, na may kaugnayan sa gawain ng direktor. Minsan isang bagay ang kailangan, minsan iba. Sa madaling salita, ang makasaysayang merito ng Stanislavsky ay nakasalalay sa pagmuni-muni sa paraan ng pagkilos, na bago sa kanya ay naunawaan bilang isang bagay na "natural", mahigpit na ibinigay sa tao.

Ito ay si Stanislavsky na kilala bilang isang theoretician at bilang isang practitioner na nakamit ang pagtagumpayan ang "mga regalo ng kalikasan". Ito ay mula kay Stanislavsky na ang pagbabago ng paraan ng pag-iral sa entablado sa isang nababaluktot na paraan ng artistikong pagmomolde. Ngayon ito ay isang axiom, kahit na ang bapor ay nangingibabaw pa rin, at ang mga paghihirap na hinihiling ni Stanislavsky ay kakaunti ang hinihiling. Sa totoo lang, si Stanislavsky ay isang henyo, at ang kanyang sistema ay para sa mga henyo. Para sa maliliit na tao, siya si Mozart, na gustong maging Salieri.

Mula sa pagtulak na ginawa ni Stanislavsky, lumitaw din ang mga creolized na pamamaraan. Ang panlabas na imahe ng papel ay ibinibigay, ngunit ang aktor ay inaalok alinman upang "mabigyang-katwiran" ang anyo ("nakaranas ng katawa-tawa"), o, bilang bahagi ng kanyang nagpapahayag na paraan, upang ipakita ang isang karanasan na hindi nag-tutugma sa kahulugan sa ibinigay larawan.

Gustung-gusto ni Mikhail Chekhov ang mga ehersisyo sa "nakaranas ng katawa-tawa" (lumipad sa mesa, maglagay ng tinta sa kanyang ulo, bigyang-katwiran ang pose na ito at ipahayag ang kanyang pagmamahal). Ang mga eksperimento sa mismatch (ang pagpapahayag ng mga mata at intonasyon ay sumasalungat sa natitirang mga ekspresyon ng mukha at kilos) ay itinanghal kay Marlon Brando noong 1940s ni Lee Strasberg, si Arkady Raikin ay mahusay na nagmamay-ari nito, isang buong pagganap ng BDT - "History of the Horse " kasama si Evgeny Lebedev sa titulong papel ay binuo dito .

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, lumitaw ang teknolohiya ng "isang aktor na gumaganap ng isang aktor na gumaganap ng isang papel", na ibinigay ng mga ideya ni Stanislavsky, bagaman ang mga elemento nito ay maaaring mahuli kahit na sa The Government Inspector ni Stanislavsky kasama si M. Chekhov-Khlestakov. Nasa isip ang istrukturang ito na, halimbawa, ang dulang "Marat/Sad" (1965) ni Peter Weiss ay isinulat.

Kasabay nito, halos lahat ng mga eksperimento ni Jerzy Grotowski, kabilang ang gawain para sa aktor na "isagawa ang paggalaw ng kaluluwa sa tulong ng kanyang katawan" at ang proyektong "The Art of the Beginner" (1980s), ay nagmula sa pagmuni-muni sa cabotinage ng aktor, na minsan niyang isinagawa si Stanislavsky. Talagang ibinigay niya ang teatro ng hinaharap na may isang tindahan ng mga ideya at pamamaraan.

5. Dalawampung segundo at huli

Pagsapit ng 1917 Ang Moscow Art Theater ay lumitaw bilang ang pinakamalaking artistikong teatro sa Russia.

Pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre, halos magsara ang teatro. Ang mga pagtatanghal ay libre, ang mga tiket ay hindi ibinebenta, ngunit ipinamahagi, ang press ay hooligan, ang dating neurasthenic na si Meyerhold ay naging isang commissar at lumalakad gamit ang isang holster... huwag ngumunguya ng mga mani, tanggalin ang mga sumbrero, huwag magdala ng meryenda at huwag kainin ang mga ito sa auditorium" ("My Life in Art")

Bukod dito, noong 1919. isang pangkat ng mga artista ng Moscow Art Theater na pinamumunuan ni O.L. Knipper at V.I. Si Kachalov ay nagtungo sa Kharkov at natagpuan ang kanyang sarili sa teritoryo na inookupahan ni Denikin, mula sa kung saan siya ay ligtas na lumipat. Ang bahagi ng tropa na nanatili sa Moscow ay pinanatili ng mga Bolshevik bilang mga hostage.

Gayunpaman, noong 1922 Ang "Kachalovtsy" ay bumalik, at pagkatapos noong Setyembre 1922 ang buong Moscow Art Theatre ay nagpunta sa paglilibot sa Europa at Amerika.

Ito ay nagkakahalaga ng pag-alala na sa oras na ito na ang mga pilosopong Ruso at iba pang hindi nasisiyahang mga tao ay ipinadala sa Europa sa isang bapor. Halos kasabay nito, umalis din ang Moscow Art Theater. Ang paglilibot ay tumagal hanggang Agosto 1924: ang teatro ay hindi nais na bumalik, lahat ay hindi nagustuhan ang mga Bolshevik at ang rebolusyon.

Gayunpaman, sa huli, bumalik ang Moscow Art Theatre. Tila may pagkain, at kung gayon, kung gayon ang buhay ay nagiging mas mahusay (NEP!). Naisip nila na magiging maayos ang lahat, gaya ng sinasabi ng alipures ni Stiva Oblonsky, kung saan sinigawan ng kanyang asawa. Walang nakakaunawa na ang rebolusyon ay mas masahol pa kaysa sa asawang natagpuan sa kanyang maybahay.

Ang unang high-profile premiere pagkatapos ng pagbabalik ay "Hot Heart", pagkatapos ay "Days of the Turbins" (1926) batay sa dula ni Bulgakov, na, dahil sa hindi pagkakaunawaan, ay itinuturing pa ring halos isang "White Guard" na dula. Sa katunayan, ito ay isang klasikong bagay na Smenovekhov, na sa kontekstong pampulitika ng mga taong iyon ay itinuturing na isang tanda ng kahandaan na baguhin ang mga milestone, upang talikuran ang kanilang nakaraan at tanggapin ang isang bagong gobyerno, ganap na nililinlang ang kanilang sarili na ang mga Bolshevik ay hindi ang pinakamasamang pagpipilian. para sa Russia at iingatan nila ang walang hanggan at dakilang Russia.

Para sa teatro at Stanislavsky, na ang pangalan ay wala sa poster, ito ay isang uri ng unang pagkilos ng pagsuko. Ang pagsasama-sama nito ay "Armored train 14-69" (1927) at "Running" (1928), kung saan ang teatro ay lumapit sa "taon ng dakilang turning point".

Mula sa oras na ito nagsimula ang maalamat na awayan sa pagitan ni Stanislavsky at Nemirovich, nakakatawa na inilarawan ni Bulgakov. Si Stanislavsky ay hindi na interesado sa paggawa ng mga pagtatanghal, dahil hindi siya maaaring magpasakop sa censorship at conjuncture, bagaman, siyempre, natatakot siyang sumalungat nang hayagan (siya ay pinalaki sa mga tradisyon ng pagpapasakop sa kapangyarihan). Si Nemirovich, sa kabilang banda, ay hinila ang buong karga, dahil siya ay isang pragmatista at pilistino, na nababagay sa loob ng Moscow ni Stalin. At gusto niyang maging isang "heneral ng estado".

Si Stanislavsky ay tumakas sa mga eksperimento, na parang pinilit niya ang kanyang sarili na mahulog sa pagkabata, upang "manalo" dito, upang sila ay mahuhuli lamang; mayroon siyang personal na doktor, isang personal na tsuper, taun-taon siyang ginagamot sa ibang bansa, nakatira siya sa isang marangyang bahay sa kalye na ipinangalan sa kanya, malalim na nalubog sa "pulp of the sofa" at sa kanyang mga pagninilay sa kalikasan ng pag-arte at ang "line of physical actions" at nagkukunwaring wala itong naiintindihan sa mga nangyayari. At si Nemirovich, pagkatapos ng maraming pag-iisip, ay bumalik sa Moscow mula sa USA noong 1929 (ayaw din niyang bumalik), ay naging ganap na may-ari ng teatro, isang oportunista sa politika at isang mahusay na cynic.

Ang sitwasyon ay kakila-kilabot, tunay na trahedya. Para sa Stalin ay nagbibigay ng Moscow Art Theater na may unheard of patronage, lumiliko ang teatro sa isang court theater at ang pangunahing isa sa USSR. Moscow Art Theatre ng USSR. Si M. Gorky ay lumalabas na lampas sa kritisismo, ang mga tagapagtatag nito ay na-canonized, ang mga aktor ay tinatrato nang mabuti, ang "Stanislavsky system" ay obligado para sa lahat, tulad ng criminal code. Ang sagot ng Moscow Art Theatre ay malalim na katapatan, isang laro ng taos-pusong pag-ibig ayon sa sistema ng isa sa mga tagapagtatag nito.

Ang mga kahila-hilakbot na dula ng Sobyet ay itinanghal, ang mga kakila-kilabot na pagpupulong ay ginaganap kung saan ang isa ay dapat makipagsabwatan sa salita sa mga krimen ng rehimen. Sa mga taon ng "malaking takot" "ay tila walang isang aksyon o prosesong pampulitika, ni isang desisyong administratibo hinggil sa kapalaran ng ito o ang artist o pagtatanghal na iyon, na hindi maipagkakaloob sa" nagkakaisa. "suporta ng Moscow Art Theatre" (A. Smelyansky). Ang demoralisasyon ay kumpleto at pinal, ang pagkabulok ng banayad na "sining ng karanasan" ay hindi na maibabalik.

Kaya maruming kaluluwa, kalapastanganan upang maglaro ng Chekhov, at naiintindihan ito ng lahat. Ang una ay si Stanislavsky. Napagtanto niya na ang kanyang utak ay ginahasa at pinatay, na ang mga kaluluwa ng kanyang mga artista ay nasira, at siya mismo ay isang hostage ng sitwasyon. Ang tanging natitira ay ang magtrabaho nang tahimik kasama ang isang maliit na grupo ng mga aktor sa mga sketch, subukang maging marumi hangga't maaari at mamatay nang may dignidad.

6. Ang mga pangunahing elemento ng Stanislavsky

Ganito ang hitsura ng makasaysayang merito ni Stanislavsky sa world theater ayon sa sikat na Dictionary of the Theatre ni Patrice Pavy.

Binuksan ni Stanislavsky:

a) "subtext", pagdodoble ng executable text o pagsalungat dito; isang sikolohikal na tool na nagpapaalam tungkol sa panloob na estado ng karakter, na nagtatatag ng distansya sa pagitan ng sinabi sa teksto at kung ano ang ipinapakita sa entablado; ang hindi malay na background ng teksto ay magkakasamang umiral nang kahanay sa tekstong aktuwal na sinasalita ng mga karakter, na bumubuo ng isang bagay tulad ng isang tuloy-tuloy at sa sarili nitong paraan na makabuluhang pangalawang semantic row;

b) mise-en-scene bilang pisikal na tangibility ng pinakaloob na kahulugan ng isang dramatikong teksto;

c) ang grabitasyon ng teksto ng dula sa pagkukunwari, na may interspersed na mga paghinto: ang mga character ay hindi maglakas-loob na ipahayag ang kanilang mga iniisip hanggang sa wakas, o hindi ito magagawa, nakikipag-usap sila sa isa't isa sa kalahating mga pahiwatig, o nagsasalita sila sa pagkakasunud-sunod upang sabihin wala, pag-iingat na walang ito ay naiintindihan kausap bilang isang bagay na puno ng tunay na kahulugan.

Sa esensya, si Stanislavsky, bago pa man dumating ang sining ng pelikula at telebisyon kasama ang kanilang mga close-up at super-close-up, ay nakabuo ng isang sistema ng pag-arte para sa "myopic Thalia", nakahanap ng paraan para sa paglalaro sa teatro ng walang katotohanan, kung saan character exchange remarks na naglalaman ng wala, laban sa salita - aksyon, na anticipated teatro ng katapusan ng siglo.

Dito, magdaragdag ako ng pagsusuri ng dula sa pamamagitan ng aksyon, ang paghahanap para sa isang "linya ng mga pisikal na aksyon" - isang unibersal na pamamaraan na pinagkadalubhasaan ni Stanislavsky mismo. May mga recording ng rehearsals noong 1931-1932. "Sa aba mula sa isip." Ang dula ay nagiging "buhay" sa harap mismo ng ating mga mata, ang lahat ay puno ng lohika, nabuhay, nagsimulang huminga at gumalaw. Ang pinaka nakakatawa ay ang eksena kung saan si Stanislavsky mismo ay biglang nagsimulang maglaro ng Famusov, at si Olga Androvskaya ay nagsimulang gumanap kay Lisa.

Malinaw na nagustuhan niya ang papel ng mapang-akit na ginoo, nagustuhan niya ang tatlumpung taong gulang na kaakit-akit na Androvskaya, bigla niyang inalog ang mga lumang araw, at natapos ang lahat na nakaupo na si Liza sa kanyang kandungan, at hinalungkat niya ito gamit ang kanyang mga kamay. at hinila siya patungo sa kanya, naghahanda na magsaya, kung bakit si Androvskaya ay sineseryoso kong natakot ... Ang mga klase ay ginanap sa apartment ni Stanislavsky, hindi siya nadala sa teatro sa loob ng mahabang panahon. Ang Moscow Art Theatre ay namatay sampung taon na mas maaga kaysa sa kanya.

At sa pinakadulo simula ng panahon ng 1938/39, noong Agosto 7, namatay din si Konstantin Sergeevich habang nagtatrabaho sa Tartuffe. Ang dahilan ay pagpalya ng puso, malamang na sakit sa coronary. Ang coronary artery bypass grafting ay hindi naimbento hanggang kalahating siglo mamaya.

Bibliograpiya

Mikhail Zolotonosov. Konstantin Stanislavsky Lumang kuta. 2001

http://www.russianculture.ru/

Mga Katulad na Dokumento

Ang pag-unlad ng teatro ng Sobyet noong 1920s. Patakaran ng estado ng Russia sa direksyon na ito. Talakayan tungkol sa bagong madla ng Sobyet. Theatrical at aesthetic na konsepto ng K.S. Stanislavsky at V.E. Meyerhold. Pag-aaral ng kasaysayan ng teatro sa aralin sa kasaysayan.

thesis, idinagdag noong 09/08/2016


Kasaysayan ng "The Globe" Theatre ni Shakespeare. Ang device ng stage platform niya. Ang posisyon ng mga aktor na Ingles sa Renaissance. Ang komposisyon ng mga kumikilos na tropa. Paglalarawan ng sunog na nangyari sa panahon ng pagtatanghal. Modernong rekonstruksyon at modernisasyon ng teatro.

abstract, idinagdag noong 12/07/2015


Mga alamat at epiko ng Scythian. Relihiyon at mga gawaing panrelihiyon. Armas, pinggan, sining, kultura. Mga libing. Ang unang estado pagkatapos ng Urartian. Ang mga Scythian ay lumikha ng kanilang sariling sining, na karamihan ay pumasok sa mundo at kultura ng Russia.

abstract, idinagdag noong 11/16/2005


Organisasyon ng mga institusyong pang-edukasyon ng mga tiyak at espirituwal na departamento sa Urals. Pag-unlad ng mga tradisyon ng lokal na salaysay, mga makata at manunulat ng Ural. Paglikha ng mga aklatan, paglalathala ng libro, pag-unlad ng agham at teknolohiya, sining at pagpipinta, teatro, musika at pang-araw-araw na buhay.

abstract, idinagdag noong 05.10.2009


Buenos Aires - Babylon, na sumisipsip ng kultura, teknikal na kaalaman at propesyonal na kasanayan ng maraming tao. Arkitektura ng Buenos Aires - "Paris ng Timog Amerika". Marangyang Renaissance facade ng Colon Theatre. Mga museo at tanawin ng lungsod.

abstract, idinagdag noong 02/17/2011


Pagkabata at edukasyon ni Leonardo da Vinci. Ang imbitasyon ng hari ng Pransya at ang buhay ng artista sa kastilyo ng Clos-Luce. Ang artistikong pamana ni Leonardo, ang kanyang kontribusyon sa kulturang sining ng mundo. Mga siyentipikong imbensyon, gumagana sa larangan ng anatomy at medisina.

pagtatanghal, idinagdag 04/03/2014


Ang mga tao ng Kievan Rus IX - unang bahagi ng XIII na siglo. gumawa ng isang mahalagang kontribusyon sa kultura ng mundo, paglikha ng mga gawa ng panitikan, pagpipinta at arkitektura na hindi kupas sa paglipas ng mga siglo. Ang kultura ng mga tao. Kultura sa lungsod. Edukasyon. Panitikan ng Kievan Rus. "Ang Kuwento ng Kampanya ni Igor".

abstract, idinagdag 05/14/2008


Talambuhay, pang-agham at panlipunang aktibidad ng natitirang anak ng mga taong Kazakh na si Chokan (Shokan) Valikhanov at ang kanyang kontribusyon sa kultura at kasaysayan ng mundo. Ang sikat na paglalakbay sa Kashgaria. Sikolohikal na aspeto ng buhay at gawain ni Chokan Valikhanov.

abstract, idinagdag noong 02/15/2011


Kasaysayan ng kulturang Ruso noong ika-19 na siglo. Ang mga pagbabagong-anyo ni Peter, ang panahon ni Catherine ng naliwanagang absolutismo, ang pagtatatag ng malapit na pakikipag-ugnayan sa Kanlurang Europa bilang mga salik sa pag-unlad nito. Mga tampok ng edukasyon, agham, panitikan, pagpipinta, teatro at musika.

pagsubok, idinagdag noong 02/17/2012


Antropolohikal na kaakibat ng mga Indian sa lahing Americanoid, ang kanilang mga numero at linguistic fragmentation. Mga rehiyong kultural-kasaysayan ng Amerika at ang simula ng kolonisasyon. Ang kontribusyon ng mga Indian sa kabihasnan sa daigdig. Kultura at antas ng pag-unlad ng mga Inca, Maya at Aztec.

Ang paglikha ng Moscow Art Theater ay nangangahulugang hindi lamang ang paglitaw ng isa pang artistikong grupo, ngunit kasama nito ang isang bagong teatro na pagtuturo ay ipinanganak.

Ang reporma sa teatro na isinagawa nina Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko ay naglalayong lumikha ensemble theater, nagkakaisa sa kanilang mga malikhaing adhikain, na inspirasyon ng mga karaniwang layunin sa sining. Sa sining ng ensemble ng entablado, nakita ng mga tagalikha ng Moscow Art Theater ang pinakaperpektong anyo ng sagisag ng ideolohikal na konsepto ng pagtatanghal, isang tanda ng mataas na propesyonal na kasanayan.

Ang ideya ng ensemble ay tinutukoy hindi lamang ang malikhaing kasanayan ng teatro, kundi pati na rin ang buong organisasyon ng teatro na negosyo, ang etikal at artistikong pamantayan ng buhay ng artistikong grupo. Ang mga moral at etikal na katangian ng aktor ay hindi gaanong mahalaga para sa mga tagalikha ng teatro kaysa sa kanyang malikhaing talento at propesyonal na karanasan. Ang doktrina ni Stanislavsky ng artistikong etika at disiplina ay ang doktrina ng malikhaing kapaligiran sa teatro, ang mga kinakailangan at kundisyon ng kolektibong pagkamalikhain sa teatro, kung wala ang sining ay tiyak na mapapahamak na magtanim. Sa katunayan, ang pagsasanay ng teatro ay nakakaalam ng libu-libong mga halimbawa na nagpapakita na ang pagbawas ng mga kinakailangan sa etika ay nangangailangan ng artistikong pagkasira ng teatro.

Ngunit ang mga kinakailangan ng etika ay maaaring lumabas na walang batayan kung ang kolektibo ay hindi ibinebenta ng pagkakaisa ng mga aesthetic na pananaw at ang pagkakapareho ng mga layunin at layunin ng ideolohiya sa sining. Si Stanislavsky, sa kanyang talumpati sa kabataan sa teatro, ay nagsabi:

"Ang isang kolektibo ng ilang daang tao ay hindi maaaring magkaisa, kumapit at lumakas lamang sa batayan ng personal na pagmamahalan at pakikiramay ng lahat ng mga miyembro. Para dito, ang mga tao ay masyadong naiiba, at ang pakiramdam ng pakikiramay ay hindi matatag at nababago. Upang maghinang ng mga tao, kailangan ang mas malinaw at mas matibay na pundasyon, tulad ng: mga ideya, publiko, pulitika.

Ang ideya ng nasyonalidad at mataas na kasiningan ay naging isang mapag-isang ideya para sa Moscow Art Theater. Bago magsimula ang mga pag-eensayo, tinugon ni Stanislavsky ang tropa ng mga sumusunod na salita:

“Kung hindi natin lapitan ang bagay na ito nang may malinis na mga kamay, dudumhan natin ito, siraan ito at ikakalat sa buong Russia ... Dinala natin sa ating sarili ang isang bagay na hindi simple, pribado, ngunit pampubliko sa kalikasan. Huwag kalimutan na nagsusumikap kaming magbigay liwanag sa madilim na buhay ng mahihirap na uri, upang bigyan sila ng mga masasaya, estetikong sandali sa gitna ng dilim na tumakip sa kanila. Nagsusumikap kaming lumikha ng unang makatwiran, moral, pampublikong teatro, at inialay namin ang aming buhay sa matayog na layuning ito.

Sa ideolohikal na batayan na ito, nabuo ang isang espesyal na etika ng Moscow Art Theater, na naghihinang sa lahat ng miyembro ng tropa sa isang solong pangkat ng mga taong malikhaing katulad ng pag-iisip. Si Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko ay nagtanim sa mga aktor ng isang pakiramdam ng mataas na tungkulin sa sibiko, isang pakiramdam ng responsibilidad para sa kanilang teatro, para sa tagumpay ng pagganap, at hindi lamang sa kanilang papel.

Nabanggit iyon ni Stanislavsky ang pangunahing bagay sa sining ay isang super-task at isang cross-cutting aksyon. Sa pamamagitan nito natukoy niya ang ideolohikal na oryentasyon ng sining. Paulit-ulit niyang idiniin na ang teatro ay laging nangunguna sa pakikibaka para sa mataas na ideolohikal at masining na nilalaman ng sining.

"Ang teatro ay isang tabak na may dalawang talim: sa isang panig ay nakikipaglaban sa pangalan ng liwanag, ang isa naman sa pangalan ng kadiliman. Sa parehong puwersa ng impluwensya kung saan pinalalaki ng teatro ang mga manonood, maaari itong sirain sila, maliitin sila, sirain ang kanilang mga panlasa, saktan ang kadalisayan, pukawin ang masasamang hilig, magsilbi sa kabastusan, petiburges na kagandahan.

Pagkatapos ang teatro ay nagiging isang makapangyarihang kasangkapan ng kasamaan sa lipunan, mas mapanganib, mas malaki ang puwersa ng impluwensya nito.(K.S. Stanislavsky. Works, vol. 5, p. 472).

Paulit-ulit na binibigyang-diin ni Stanislavsky ang kahalagahan ng teatro bilang isang pulpito, bilang isang sermon. Sa pakikipag-usap sa mga mag-aaral, kawani at aktor ng sangay na tanggapan ng Moscow Art Theater noong 1911, muli niyang sinabi:

"Ang teatro ay ang pinakamalakas na sandata, ngunit, tulad ng anumang sandata, mayroon itong dalawang dulo: maaari itong magdala ng malaking pakinabang sa mga tao at maaari itong maging pinakamalaking kasamaan ...

Ang pinakamalaking kasamaan, dahil ito ang pinakamakapangyarihan, ang pinaka nakakahawa, ang pinakamadaling kumalat. Ang kasamaang dala ng masamang libro ay hindi maihahambing sa lakas ng impeksyon o sa kadalian ng pagkalat nito sa masa.

Samantala, sa teatro bilang isang institusyon ay may mga elemento ng pampublikong edukasyon, una sa lahat, siyempre. Aesthetic na edukasyon ng masa.

Kaya ito ang kahila-hilakbot na kapangyarihan na iyong gagamitin, at ito ang pananagutan na nasa iyo para sa kakayahang itapon ang kapangyarihang ito nang maayos.(K.S. Stanislavsky, ibid., pp. 468-469).

Kaya, kasama ang theatrical na pagtuturo ni Stanislavsky doktrina ng supertask at sa pamamagitan ng pagkilos(i.e. tungkol sa mataas na ideolohikal at mataas na kasiningan ng sining ng teatro); ang doktrina ng artistikong etika bilang isang kinakailangang kondisyon para sa kolektibong pagkamalikhain. Ang ikatlong bahagi ng pagtuturo ay tinatawag na "Stanislavsky system" - ang doktrina ng panloob at panlabas na pamamaraan ng pagkilos, o sa halip - sistema ng pagsasanay sa aktor.

Ang sistema ng edukasyon ng aktor - na pinagkadalubhasaan ang panloob at panlabas na mga pamamaraan ng pag-arte - ay nagsasangkot ng pare-pareho at patuloy na pagsasanay husay ng aktor: pansin sa entablado, imahinasyon at pantasya, iminungkahing mga pangyayari at "kung lamang", damdamin ng katotohanan at pananampalataya, lohika at pagkakapare-pareho, emosyonal na memorya, tempo, atbp.

Kasabay nito, si Stanislavsky ay nagpapatuloy mula sa aesthetics ng teatro, na tinukoy niya bilang "ang sining ng karanasan", sa kaibahan sa "sining ng pagganap" na katangian ng Western European theater. Ang kakanyahan ng theatrical aesthetic na ito ay nararanasan ng artist ang papel sa bawat oras at sa bawat pag-uulit ng pagkamalikhain ("ngayon, narito, ngayon").

Ang pagkamalikhain ay isang subconscious na proseso. Pero consciously excited siya ng aktor. Nagawa ni Stanislavsky na maunawaan ang landas na ito mula sa kamalayan hanggang sa hindi malay at makahanap ng isang praktikal na pamamaraan para sa pagpapatupad nito sa pagkilos. Ang acting school na nilikha ni Stanislavsky ay may sumusunod na motto: "Mahirap - gawing pamilyar, nakagawian - madali, madali - maganda."

Ang trabaho sa "sistema" ay nagsimula noong 1907, at ito ay nai-publish sa ilalim ng pamagat na "Ang gawain ng isang aktor sa kanyang sarili" lamang noong 1938. Hindi nai-publish ni Stanislavsky ang kanyang mga natuklasan hanggang sa paulit-ulit niyang napatunayan ang mga ito sa malikhaing kasanayan.

Ang pundasyon ng "sistema" ay ang mga layunin na batas ng pagkamalikhain ng organikong kalikasan ng tao na artista ("ang buhay ng espiritu ng tao"). Ang mga batas na ito ay batay sa sikolohiya at pisyolohiya (pinag-aralan ni Stanislavsky ang mga gawa ni Pavlov, Freud at iba pang mga siyentipiko). Samakatuwid, ang mga batas ng sistemang Stanislavsky ay pareho para sa lahat ng tao, lahat ng tao, lahat ng panahon.

Ang kakanyahan at layunin ng sistema ay upang makabisado ang hindi malay sa pamamagitan ng kamalayan, upang matulungan ang kalikasan ng isang tao na magsagawa ng isang malikhaing gawa.

Ipinapalagay ng theatrical aesthetics ng Russian acting school na ang aktor ay nakatira sa entablado, at hindi lumilitaw ("to be, not to seem" - iyon ang mahalaga).

Sa simula ng ika-20 siglo, maraming mga konsepto ng sining ng pag-arte na nakadirekta laban sa sistemang Stanislavsky upang pabulaanan ito. Ito ay dapat na palitan ang sikolohiya ng biomechanics, karanasan sa husay ng pagganap, isang live na aktor sa entablado na may isang papet, paglikha ng character na may isang ulat ng pag-iisip ng may-akda, aksyon na may pagsasalaysay, reincarnation na may paraan ng "alienation", atbp.

Marami sa mga konseptong ito ang nalanta, na hindi nabuhay sa kanilang mga may-akda, sa sandaling lumampas sila sa mga eksperimento sa laboratoryo. Ang iba ay tumatayo sa pagsubok ng oras. Ngunit wala sa kanila ang naging ang pangunahing teorya ng sining ng pagtatanghal noong ikadalawampu siglo, bagama't inangkin ito ng bawat isa.

Medyo huli na, "Ang gawa ng isang aktor sa kanyang sarili" ay isinalin sa mga banyagang wika. "Kung lumitaw ang aklat na ito ng hindi bababa sa limang taon na ang nakalilipas, maaaring baguhin ng boses ni Stanislavsky ang buong direksyon ng teatro ng Amerika", - kaya isinulat ng isa sa mga American theater magazine noong 1964.

Ngayon ang mga sinehan ng USA, England, France, Germany, Poland, Japan ay nagpatibay ng sistemang Stanislavsky.

Ang ika-19 na siglo sa buhay ng teatro ng Russia ay ang "ginintuang panahon", kung saan nilikha ang pinakadakilang mga gawa ng klasikal na drama, ang Russian acting school. Nagsimula ang ika-19 na siglo sa pagbuo ng mga makatotohanang prinsipyo ng dramaturhiya at pag-arte at nagtapos sa pagsilang ng teatro ng direktor, na nagbubuod sa karanasang nakamit noong siglo sa pamamagitan ng domestic stage art. Ang teoretikal na pagpapatibay ng mga prinsipyo ng sining na ito ay nakuha sa mga gawa ni K.S. Stanislavsky at Vl.I. Nemirovich-Danchenko. Ang teatro ay naging isang makabuluhang kababalaghan sa buhay kultural ng Russia sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang katanyagan ng sining sa teatro ay lumago. Ang serf theater ay pinalitan ng "libre" -? Estado at pribado. Gayunpaman, ang mga teatro ng estado ay lumitaw sa mga kabiserang lungsod noong ika-18 siglo. Sa partikular, sa St. Petersburg sa simula ng siglo XIX. mayroong ilan sa kanila - ang teatro ng palasyo sa Hermitage, ang mga teatro ng Bolshoi at Maly. Noong 1827, isang sirko ang binuksan sa kabisera, kung saan hindi lamang mga pagtatanghal ng sirko ang itinanghal, kundi pati na rin ang mga dramatikong pagtatanghal. Noong 1832 sa St. Petersburg, ayon sa proyekto ng K.I. Nagtayo si Rossi ng gusali ng isang drama theater na nilagyan ng pinakabagong teknolohiya sa teatro. Bilang karangalan sa asawa ni Nicholas I, si Alexandra Feodorovna, naging kilala ito bilang Alexandria Theatre (ngayon ay Pushkin Theatre). Noong 1833, natapos ang pagtatayo ng Mikhailovsky Theatre (ngayon ay Maly Opera at Ballet Theatre). Natanggap nito ang pangalan nito bilang parangal sa kapatid ni Nicholas I - Grand Duke Mikhail Pavlovich. Sa Moscow, ang Maly Theatre ay binuksan noong 1806, at noong 1825 ay natapos ang pagtatayo ng Bolshoi Theatre.

Sa malaking tagumpay, ang mga dramatikong gawa tulad ng "Woe from Wit" ni A.S. Griboedova, "Inspector" N.V. Gogol at iba pa. Noong 1920s at 1940s, ang namumukod-tanging Russian actor na si M.S. Shchepkin, kaibigan ni A.I. Herzen at N.V. Gogol. Ang iba pang mga kahanga-hangang artista ay nagtamasa din ng mahusay na tagumpay sa publiko - V.A. Karatygin - punong ministro ng yugto ng kabisera, P.S. Mochalov, na naghari sa entablado ng Moscow Drama Theatre, atbp.

Makabuluhang pag-unlad sa unang kalahati ng siglo XIX. ballet theater, na ang kasaysayan noong panahong iyon ay higit na nauugnay sa mga pangalan ng sikat na French director na sina Didelot at Perrault. Noong 1815, ang kahanga-hangang mananayaw na Ruso na si A.I. Istomin.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. ang isang bagong panahon ay nagsisimula sa kasaysayan ng teatro ng Russia - gumaganap ng mahusay na Russian playwright na si A.N. Ostrovsky. Ang dramaturgy ni Ostrovsky ay isang buong teatro, at sa teatro na ito isang kalawakan ng mga mahuhusay na aktor ang lumaki, na niluluwalhati ang sining ng teatro ng Russia.

Bilang karagdagan sa mga dula ni Ostrovsky sa Russian drama sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. mga dula ni A.V. Sukhovo-Kobylina, M.E. Saltykov-Shchedrin, A.K. Tolstoy, L.N. Tolstoy. Sinusundan ng teatro ang landas ng paggigiit ng katotohanan at pagiging totoo.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. makabuluhang tumaas ang interes sa kontemporaryong drama ng Russia. Ang rebolusyonaryong-demokratikong kritisismo, na pinamumunuan nina Chernyshevsky at Dobrolyubov, ay sumusuporta sa dramaturhiya ni Ostrovsky, na tumutuligsa sa madilim na kaharian ng mga maniniil na mangangalakal, ang pagiging totoo at pagkukunwari ng burukratikong makina ng autokrasya ng Russia.

Ang unang pagtatanghal ng dula ni Ostrovsky ay naganap noong Enero 14, 1853, sa entablado ng Maly Theater, nang ang komedya na Don't Get in Your Sleigh ay nilalaro. Ang Maly Theater ay nakakuha ng malaking kahalagahan sa lipunan noong 50s-70s ng ika-19 na siglo. Ang papel nito sa buhay kultural ng Russia ay napakahusay. Hindi nakakagulat na ang Maly Theatre ay tinawag na pangalawang unibersidad para sa mataas na papel na pang-edukasyon at pang-edukasyon nito. Siya ang nag-apruba ng dramaturgy ng Ostrovsky sa entablado.

Pagkatapos ng unang produksyon ng komedya na Don't Get in Your Sleigh, ibinigay ni Ostrovsky ang lahat ng kanyang mga dula sa entablado ng Maly Theater. Ang pagiging malapit sa maraming mahuhusay na artista, ang playwright mismo ay nakikibahagi sa pagtatanghal ng kanyang mga gawa. Ang kanyang mga dula ay isang buong panahon, isang bagong yugto sa pag-unlad ng sining ng entablado ng Russia. Ito ay sa mga dula ng Ostrovsky na ang talento ng pinakamalaking aktor ng Maly Theatre, Prov Mikhailovich Sadovsky (1818-1872), ay ipinahayag. Ang pagganap ng artista sa papel ni Lyubim Tortsov sa dulang "Ang kahirapan ay walang bisyo" ay isa sa pinakamataas na tagumpay ng artist. Ginampanan ni Sadovsky ang 30 mga tungkulin sa repertoire ni Ostrovsky. Ang kanyang mga bayani ay tila dumating sa entablado mula sa buhay mismo, nakilala ng manonood sa kanila ang mga kilalang tao. Si Sadovsky, kasama ang kanyang trabaho, ay nagpatuloy sa mga prinsipyo ng mahusay na realistang aktor na si Shchepkin.

Kasama si Sadovsky, ang natitirang Russian tragic actress na si Lyubov Pavlovna Nikulina-Kositskaya (1827-1868) ay naglaro sa entablado ng Maly Theatre. Siya ang una at isa sa mga pinaka-kahanga-hangang performer ni Katerina sa Ostrovsky's Thunderstorm. Pinagsama ng kanyang talento ang mga tampok ng romantikong tuwa at malalim na makatotohanang katotohanan sa paglalarawan ng mga damdamin at karanasan ng tao. Si Polina Antipyevna Strepetova (1850-1903), ang pinakamalaking provincial tragic actress, ay naalala magpakailanman ang kanyang pagganap sa entablado. Ang pagpupulong kay Nikulina-Kositskaya ay nakatulong kay Strepetova na maging isang mahusay na artista. Ang mga tradisyon ng sining na Nikulina-Kositskaya ay nakakaapekto rin sa gawain ng mahusay na trahedya na artista ng Maly Theatre M.N. Yermolova.

Ang mga advanced, demokratikong adhikain ng mga pinaka mahuhusay na aktor ng Maly Theater ay patuloy na nagdulot ng matinding pagtutol mula sa mga awtoridad sa teatro at censorship. Marami sa mga dula ni Ostrovsky, sa kabila ng kanilang tagumpay sa madla, ay madalas na binawi sa mga pagtatanghal. Gayunpaman, ang mga dula ni Ostrovsky ay nagiging mas matatag na kasama sa repertoire ng teatro, na nakakaimpluwensya rin sa iba pang mga manunulat ng dula.

Sa sining ng pagganap, patuloy na umuunlad ang mga prinsipyo ng malikhaing Shchepkin. Ang batayan ng tropa ng Maly Theatre noong 50-70s ng XIX na siglo. maging artista tulad ni P.M. Sadovsky, L.P. Nikulina-Kositskaya, S.V. Shumsky, S.V. Vasiliev, I.V. Samarin.

Noong 80-90s ng siglo XIX. pagkatapos ng pagpatay kay Alexander II ni Narodnaya Volya, tumindi ang opensiba ng reaksyon. Ang pang-aapi ng censorship ay may partikular na matinding epekto sa repertoire ng teatro. Ang Maly Theater ay dumadaan sa isa sa pinakamahirap at kontrobersyal na panahon sa kasaysayan nito. Ang batayan ng pagkamalikhain ng pinakamalaking aktor ng Maly Theatre ay ang mga klasiko.

Ang mga paggawa ng drama nina Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Hugo kasama ang pakikilahok ng pinakadakilang trahedya na aktres na si Maria Nikolaevna Yermolova ay naging mga kaganapan sa teatro ng buhay ng Moscow. , isang panawagan na labanan ang arbitrariness at karahasan.

Troupe ng Maly Theater sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. ay hindi pangkaraniwang mayaman sa mga mahuhusay na aktor. Sila ay mga kahanga-hangang kahalili ng maluwalhating tradisyon ng Maly Theatre, ang sining ng malalim na katotohanan sa buhay, ang mga tagapag-ingat ng mga utos ng Shchepkin, Mochalov, Sadovsky.

Alexandrinsky theater sa St. Petersburg sa mga unang dekada ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. ay dumadaan sa pinakamahirap na panahon ng kasaysayan nito. Ang isang malaking impluwensya sa kapalaran ng teatro ay palaging ang kalapitan nito sa korte ng hari. Tinatrato ng direktorat ng mga imperyal na teatro ang tropa ng drama ng Russia nang walang lihim na paghamak. Ang isang malinaw na kagustuhan ay ibinigay sa mga dayuhang aktor at ballet. Ang sining ng mga aktor ng Alexandria Theatre ay higit sa lahat ay bubuo sa direksyon ng pagpapabuti ng mga panlabas na pamamaraan ng pagpapahayag. Si Vasily Vasilyevich Samoilov (1813-1887) ay ang pinakadakilang master ng pagpapanggap, mahusay na pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng pag-arte, na lumikha ng buhay-buhay, magagandang tanawin na mga imahe.

Ang gawain ng pinaka-talentadong humanist na aktor na si Alexander Evstafievich Martynov (1816-1860), ang lumikha ng isang bilang ng mga larawan ng "maliit na tao", na ipinagtanggol ang kanilang karapatan sa kaligayahan, ay isang pagbubukod para sa Alexandria Theatre ng mga taong iyon. Naglaro siya ng Podkolesin sa The Marriage at Khlestakov sa The Inspector General ni Gogol, Moshkin sa The Bachelor ng Turgenev, maraming mga tungkulin mula sa repertoire ni Ostrovsky. Ang isa sa mga pinakamataas na tagumpay ng artist ay ang imahe ng Tikhon sa Ostrovsky's Thunderstorm. Si Martynov ay nag-iisa sa teatro, isang maagang kamatayan ang nagdala sa kanya sa kalakasan ng kanyang mga malikhaing kapangyarihan.

Ang gawain ng mga aktor na ito ay nagbigay daan para sa kanilang solusyon, nagbukas ng daan para sa teatro ng hinaharap.

Sa pahinang ito matututunan mo ang tungkol sa mga pinakasikat na guro sa pag-arte at mga mahuhusay na tao sa teatro na lumikha ng mga nangungunang paaralan sa pag-arte. Kabilang sa mga ito ang mga kinatawan ng stage art tulad ng Stanislavsky, Meyerhold, Chekhov, Nemirovich-Danchenko at Berhold Brecht. Ang lahat ng mga taong ito ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa sining ng teatro. At, samakatuwid, kung nakikita mo ang iyong sarili bilang isang baguhan na aktor, ang artikulong ito ay magiging kapaki-pakinabang sa iyo.

(1863 - 1938), sikat na aktor at direktor ng Russia, na siyang nagtatag ng pinakasikat na sistema ng pagsasanay sa aktor. Si Stanislavsky ay ipinanganak sa Moscow, sa isang malaking pamilya ng isang kilalang industriyalista, na may kaugnayan kay Mamontov at mga kapatid na Tretyakov. Sinimulan niya ang kanyang aktibidad sa entablado noong 1877 sa bilog ng Alekseevsky. Ang baguhang aktor na si Stanislavsky ay ginusto ang mga character na may maliwanag na karakter na naging posible upang muling magkatawang-tao: kabilang sa kanyang mga paboritong tungkulin ay tinawag niya ang mag-aaral na si Megrio mula sa vaudeville na "Ang Lihim ng Babae" at ang barbero na si Laverger mula sa "Love Potion". Tinatrato ang kanyang pagkahilig para sa entablado sa kanyang likas na pagiging ganap, si Stanislavsky ay masigasig na nagsanay ng himnastiko, pati na rin ang pagkanta kasama ang pinakamahusay na mga guro sa Russia. Noong 1888, naging isa siya sa mga tagapagtatag ng Moscow Society of Art and Literature, at noong 1898, kasama si Nemirovich-Danchenko, itinatag niya ang Moscow Art Theater, na umiiral pa rin hanggang ngayon.

Paaralan ng Stanislavsky: "Psychotechnics". Ang sistemang ipinangalan sa kanya ay ginagamit sa buong mundo. Ang Stanislavsky school ay isang psychotechnics na nagpapahintulot sa aktor na magtrabaho kapwa sa kanyang sariling mga katangian at sa papel.

Una, ang aktor ay dapat magtrabaho sa kanyang sarili sa pamamagitan ng paggawa ng pang-araw-araw na pagsasanay. Pagkatapos ng lahat, ang gawain ng isang aktor sa entablado ay isang psychophysical na proseso kung saan lumahok ang panlabas at panloob na data ng artistikong: imahinasyon, atensyon, kakayahang makipag-usap, isang pakiramdam ng katotohanan, emosyonal na memorya, isang pakiramdam ng ritmo, diskarte sa pagsasalita, plasticity, atbp. . Ang lahat ng mga katangiang ito ay kailangang paunlarin. Pangalawa, binigyang-pansin ni Stanislavsky ang trabaho ng aktor sa papel, na nagtatapos sa organikong pagsasama ng aktor sa papel, muling pagkakatawang-tao sa imahe.

Ang Stanislavsky system ang naging batayan ng pagsasanay sa aming website, at maaari mong basahin ang higit pa tungkol dito sa unang aralin.

(1874-1940) - Direktor, aktor at guro ng teatro ng Russia at Sobyet. Siya ay anak ng may-ari ng isang pabrika ng vodka, isang katutubong ng Alemanya, isang Lutheran, at sa edad na 21 nag-convert siya sa Orthodoxy, pinalitan ang pangalang Karl-Kazimir-Theodor Meyergold sa Vsevolod Meyerhold. Masigasig na dinala ng teatro sa kanyang kabataan, matagumpay na naipasa ni Vsevolod Meyerhold ang mga pagsusulit noong 1896 at tinanggap kaagad sa ika-2 taon sa Music and Drama School ng Moscow Philharmonic Society sa klase ni Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko. Noong 1898-1902, nagtrabaho si Vsevolod Meyerhold sa Moscow Art Theatre (MKhT). Noong 1906-1907 siya ang punong direktor ng Komissarzhevskaya Theater sa Ofitserskaya, at noong 1908-1917 - sa St. Petersburg Imperial Theaters. Pagkatapos ng 1917, pinamunuan niya ang Theater October movement, na naglalagay ng isang programa para sa isang kumpletong muling pagtatasa ng mga aesthetic na halaga at ang pampulitikang pag-activate ng teatro.

Sistema ni Meyerhold: "Biomechanics". Binuo ni Vsevolod Meyerhold ang simbolikong konsepto ng "conditional theatre". Pinagtibay niya ang mga prinsipyo ng "theatrical traditionalism", na hinahangad na ibalik ang teatro sa ningning at kasiyahan, bilang laban sa realismo ni Stanislavsky. Ang biomechanics na binuo niya ay isang sistema ng pagsasanay sa pag-arte na nagpapahintulot sa iyo na lumipat mula sa panlabas hanggang sa panloob na muling pagkakatawang-tao. Ang lawak kung saan ang aktor ay makikita ng madla ay nakasalalay sa eksaktong galaw na natagpuan at ang tamang intonasyon. Kadalasan ang sistemang ito ay salungat sa mga pananaw ni Stanislavsky.

Si Meyerhold ay nakikibahagi sa pananaliksik sa larangan ng Italian folk theater, kung saan ang pagpapahayag ng paggalaw ng katawan, postura at kilos ay may mahalagang papel sa paglikha ng isang pagtatanghal. Ang mga pag-aaral na ito ay nakumbinsi sa kanya na ang isang intuitive na diskarte sa papel ay dapat na mauna sa paunang saklaw nito, na binubuo ng tatlong yugto (ito ay tinatawag na "playing link"):

1. Intensiyon.
2. Pagpapatupad.
3. Reaksyon.

Sa modernong teatro, ang biomechanics ay isa sa mga mahalagang elemento ng pagsasanay ng aktor. Sa aming mga aralin, ang biomechanics ay isinasaalang-alang bilang isang karagdagan sa Stanislavsky system, at naglalayong bumuo ng kakayahang magparami ng mga kinakailangang emosyon "dito at ngayon".

(1891-1955) - Russian at American na artista, guro sa teatro, direktor. Si Mikhail Chekhov ay pamangkin ni Anton Pavlovich Chekhov, na nakatatandang kapatid ni Anton Pavlovich. Noong 1907, pumasok si Mikhail Chekhov sa A.S. Suvorin sa teatro ng Literary and Artistic Society at sa lalong madaling panahon ay nagsimulang matagumpay na gumanap sa mga pagtatanghal sa paaralan. Noong 1912, inanyayahan ni Stanislavsky si Chekhov sa Moscow Art Theatre. Noong 1928, hindi tinatanggap ang lahat ng mga rebolusyonaryong pagbabago, umalis si Mikhail Alexandrovich sa Russia at pumunta sa Alemanya. Noong 1939, lumipat siya sa Estados Unidos, kung saan nilikha niya ang kanyang sariling acting school, na napakapopular. Dumaan dito sina Marilyn Monroe, Clint Eastwood at marami pang sikat na artista sa Hollywood. Si Mikhail Chekhov ay gumaganap paminsan-minsan sa mga pelikula, kabilang ang Hitchcock's Bewitched, kung saan siya ay hinirang para sa isang Oscar sa nominasyong Best Supporting Actor.

Mga prinsipyo ng teatro ng Chekhov. Sa silid-aralan, binuo ni Chekhov ang kanyang mga saloobin tungkol sa perpektong teatro, na nauugnay sa pag-unawa ng mga aktor sa pinakamahusay at maging ang banal sa tao. Sa patuloy na pagbuo ng konseptong ito, nagsalita si Mikhail Chekhov tungkol sa ideolohiya ng "ideal na tao", na nakapaloob sa hinaharap na aktor. Ang pag-unawa sa mga kasanayan sa pag-arte ay naglalagay kay Chekhov na mas malapit kay Meyerhold kaysa kay Stanislavsky.

Bilang karagdagan, itinuro ni Chekhov ang magkakaibang mga activator ng malikhaing kalikasan ng aktor. At sa kanyang studio, binigyan niya ng malaking pansin ang problema ng kapaligiran. Itinuring ni Chekhov ang kapaligiran sa entablado o set ng pelikula bilang isang paraan upang lumikha ng isang ganap na imahe ng buong pagganap, at bilang isang pamamaraan para sa paglikha ng isang papel. Ang mga aktor na sinanay ni Chekhov ay nagsagawa ng isang malaking bilang ng mga espesyal na pagsasanay at sketch, na naging posible upang maunawaan kung ano ang kapaligiran, ayon kay Mikhail Alexandrovich. At ang kapaligiran, tulad ng naunawaan ni Chekhov, ay isang "tulay" mula sa buhay hanggang sa sining, ang pangunahing gawain kung saan ay upang lumikha ng iba't ibang mga pagbabago sa panlabas na balangkas at ang kinakailangang subtext ng mga kaganapan sa pagganap.

Iniharap ni Mikhail Chekhov ang kanyang sariling pag-unawa sa imahe ng entablado ng aktor, na hindi kasama sa sistema ni Stanislavsky. Ang isa sa mga mahahalagang konsepto ng pamamaraan ng pag-eensayo ni Chekhov ay ang "teorya ng imitasyon". Binubuo ito sa katotohanan na ang aktor ay dapat munang lumikha ng kanyang imahe ng eksklusibo sa imahinasyon, at pagkatapos ay subukang gayahin ang kanyang panloob at panlabas na mga katangian. Sa pagkakataong ito, si Chekhov mismo ay sumulat: "Kung ang kaganapan ay hindi masyadong sariwa. Kung ito ay lumilitaw sa kamalayan bilang isang alaala, at hindi bilang direktang naranasan sa ibinigay na sandali. Kung ito ay masusuri ko nang may layunin. Ang lahat na nasa saklaw pa rin ng egoism ay hindi angkop para sa trabaho.

(1858-1943) - guro ng teatro ng Russia at Sobyet, direktor, manunulat at pigura ng teatro. Si Vladimir Nemirovich-Danchenko ay ipinanganak sa Georgia sa lungsod ng Ozurgeti sa isang Ukrainian-Armenian na pamilya ng isang maharlika, isang may-ari ng lupain ng lalawigan ng Chernigov, isang opisyal ng hukbo ng Russia na nagsilbi sa Caucasus. Nag-aral si Vladimir Ivanovich sa Tiflis Gymnasium, kung saan nagtapos siya ng pilak na medalya. Pagkatapos ay pumasok siya sa Moscow University, na matagumpay niyang natapos. Nasa unibersidad na, nagsimulang mag-publish si Nemirovich-Danchenko bilang isang kritiko sa teatro. Noong 1881, ang kanyang unang dula, Rosehip, ay isinulat at itinanghal ng Maly Theater makalipas ang isang taon. At mula noong 1891, nagturo na si Nemirovich-Danchenko sa departamento ng drama ng Music and Drama School ng Moscow Philharmonic Society, na ngayon ay tinatawag na GITIS.

Si Nemirovich-Danchenko noong 1898, kasama si Stanislavsky, ay nagtatag ng Moscow Art Theater, at hanggang sa katapusan ng kanyang buhay pinamunuan niya ang teatro na ito, bilang direktor at artistikong direktor nito. Kapansin-pansin na si Nemirovich-Danchenko ay nagtrabaho ng isang taon at kalahati sa ilalim ng isang kontrata sa Hollywood, ngunit pagkatapos ay bumalik sa USSR, hindi katulad ng ilan sa kanyang mga kasamahan.

Mga konsepto ng entablado at pag-arte. Si Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko ay lumikha ng isang teatro na may malaking epekto sa pag-unlad ng Sobyet at sining ng mundo. Sa diwa ng kanilang mga malikhaing prinsipyo, na halos magkatulad, ang pinakamalaking mga direktor at aktor ng Sobyet ay pinalaki. Kabilang sa mga tampok ni Vladimir Ivanovich, maaari mong iisa ang konsepto na binuo niya tungkol sa sistema ng "tatlong pananaw": panlipunan, sikolohikal at teatro. Ang bawat isa sa mga uri ng pang-unawa ay dapat na mahalaga para sa aktor, at ang kanilang synthesis ay ang batayan ng kasanayan sa teatro. Ang Nemirovich-Danchenko na diskarte ay tumutulong sa mga aktor na lumikha ng matingkad na mga larawang puspos ng lipunan na tumutugma sa pinakamahalagang gawain ng buong pagganap.

Berholt Brecht

(1898 -1956) - German playwright, makata, manunulat, figure sa teatro. Nag-aral si Bertholt sa folk school ng Franciscan monastic order, pagkatapos ay pumasok sa Bavarian Royal Real Gymnasium, na matagumpay niyang natapos. Ang mga unang eksperimentong pampanitikan ni Brecht ay nagsimula noong 1913, mula sa katapusan ng 1914 ang kanyang mga tula ay regular na lumabas sa lokal na pamamahayag, at pagkatapos ay mga kuwento, sanaysay at mga pagsusuri sa teatro. Noong unang bahagi ng 1920s, sa Munich, sinubukan din ni Brecht na makabisado ang paggawa ng pelikula, nagsulat ng ilang mga script, at batay sa isa sa mga ito ay gumawa siya ng isang maikling pelikula noong 1923. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, umalis siya sa Alemanya. Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, ang teorya ng "epikong teatro", na isinagawa ni Brecht na direktor, ay nagbukas ng mga bagong posibilidad para sa sining ng pagganap at nagkaroon ng malaking epekto sa pag-unlad ng teatro noong ika-20 siglo. Nasa 1950s na, ang mga dula ni Brecht ay matatag na naitatag sa European theatrical repertoire, at ang kanyang mga ideya sa isang anyo o iba pa ay tinanggap ng maraming kontemporaryong manunulat ng dula.

Epikong teatro. Ang paraan ng pagtatanghal ng mga dula at pagtatanghal na nilikha ni Berholt Brecht ay ang paggamit ng mga sumusunod na pamamaraan:

• pagsasama sa pagganap ng may-akda mismo;
• ang epekto ng alienation, na nagpapahiwatig ng ilang detatsment ng mga aktor mula sa mga karakter na kanilang ginagampanan;
• ang kumbinasyon ng dramatikong aksyon na may epikong salaysay;
• ang prinsipyo ng "distancing", na nagpapahintulot sa aktor na ipahayag ang kanyang saloobin sa karakter;
• ang pagkasira ng tinatawag na "fourth wall" na naghihiwalay sa entablado mula sa auditorium, at ang posibilidad ng direktang komunikasyon sa pagitan ng aktor at ng manonood.

Ang Alienation Technique ay napatunayang isang partikular na orihinal na paraan sa pag-arte na kumukumpleto sa aming listahan ng mga nangungunang acting school. Sa kanyang mga akda, itinanggi ni Brecht ang pangangailangan para sa aktor na masanay sa papel, at sa ibang mga kaso ay itinuring itong kahit na nakakapinsala: ang pagkakakilanlan sa imahe ay hindi maiiwasang maging isang simpleng tagapagsalita ng karakter, o sa kanyang abogado. At kung minsan sa mga dula ni Brecht mismo, ang mga salungatan ay lumitaw hindi sa pagitan ng mga karakter, ngunit sa pagitan ng may-akda at ng kanyang mga karakter.

Konstantin Sergeevich Stanislavsky(Alekseev)
Enero 17, 1863 - Agosto 7, 1938
Repormador sa teatro, aktor, direktor, tagapagtatag ng Moscow Art Theatre.
Ang may-akda ng isang buong sistema ng mga pamamaraan at prinsipyo para sa pagtuturo ng isang aktor, na kilala sa ilalim ng terminong "sistema ni Stanislavsky". Isa sa mga tagapagtatag ng paaralan ng teatro, madalas na tinutukoy bilang "makatotohanang". Gumawa siya ng isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng teorya ng pagsusuri at pagsusuri ng isang gawa ng sining, pagtatanghal ng isang pagtatanghal.

Ipinanganak sa isang napakayamang patriarchal merchant na pamilya. Noong 1881 nagtapos siya mula sa Lazarev Institute of Oriental Languages, ang unang walong klase ay tinutumbas sa kurso ng isang klasikal na gymnasium. Pagkatapos ng pagtatapos Stanislavsky nagtrabaho siya sa kumpanya ng kanyang ama, sa lalong madaling panahon ay naging isa sa mga pinaka-makapangyarihang direktor ng "Vladimir Alekseev's Partnership", maingat at maingat na nagsagawa ng negosyo sa pangangalakal. Gayunpaman, ang kanyang pagkahilig sa teatro ay hindi lamang humina, ngunit, sa kabaligtaran, ay nagiging mas malakas bawat taon. Hanggang sa Rebolusyong Oktubre, nanatili siyang may-ari at pinuno nito, pinagsama ang aktibidad na ito sa isang panatikong debosyon sa teatro.

Kasama dito. Ang isang outbuilding ay itinayo sa Lyubimovka na may isang tunay na entablado, isang auditorium, artistikong banyo, kung saan nagsimulang gumana ang isang amateur na bilog ("Alekseevsky". Dito Stanislavsky nagsimulang kumilos bilang isang direktor at artista. Noong 1888 - 1889 Stanislavsky naging aktibong bahagi sa paglikha ng Kapisanan ng mga Sining at Panitikan, isang baguhang tropang to-rogo ang nagdala Stanislavsky katanyagan sa Moscow. Noong 1898, kasama ang V.I. Nemirovich-Danchenko Stanislavsky itinatag ang Moscow Art Theatre, na pumasok sa kasaysayan ng kultura ng mundo bilang isang artista, direktor, teorista, na lumikha ng agham ng gawain ng artist, na natuklasan ang mga layunin na batas ng pag-uugali ng tao sa entablado. Stanislavsky tinutukoy ang mga kondisyon kung saan nagaganap ang pagkilos ng pagbabago ng artist sa isang artistikong imahe.

Noong 1891, itinanghal niya ang mga Fruits of Enlightenment ni Tolstoy. Nasa gawaing ito, ang isa sa mga pangunahing probisyon ng kanyang hinaharap na sistema ay ipinakita - sinusubukan niyang alisin ang lahat ng mga teatro na kombensiyon mula sa pagganap at nakamit ang pinakamataas na pagiging totoo.

Noong 1896, naubos ang lahat ng mga posibilidad ng amateur theatrical Society, Stanislavsky unang inihayag ang kanyang pangarap na lumikha ng isang tunay na propesyonal, pampublikong teatro. Sa huli, sampung shareholders ang nagtipon. Ang halagang nakolekta ay maliit, ngunit ito ay dapat na sapat upang bigyan ang kaso ng isang paunang lakas. Noong Hunyo 14, 1898, ang tropa ay nagtipon sa unang pagkakataon sa Arkhipov's dacha sa Pushkino. Ang petsang ito ay itinuturing na kaarawan ng Moscow Art Theatre.

Ang mga unang rehearsal ay ginanap sa isang kamalig sa pampang ng ilog. Maraming mga pagtatanghal ang inihanda nang sabay-sabay: "Othello" at "The Merchant of Venice" ni Shakespeare, "Tsar Fyodor" ni Tolstoy, "The Innkeeper" ni Galdoni at "The Seagull" ni Chekhov.
taglagas Stanislavsky inupahan ang gusali ng Hermitage theater. Kasabay nito, muling itinayo, inayos at inensayo ang gusali. Noong Oktubre 14, naganap ang grand opening ng teatro at ang premiere ng "Tsar Fyodor".

Ang unang season ay natapos na may 40,000 deficit. Gayunpaman, ang mga shareholder ay hindi lamang sumang-ayon na ulitin ang mga kontribusyon, ngunit nagpasya din na magtayo ng isang espesyal na gusali na nilagyan ng lahat ng pinakabagong makinarya sa teatro. At sa katunayan - ang kaluwalhatian ng Art Theater ay naging malakas at lumago nang higit pa mula sa isang panahon patungo sa isa pa.

Ang mga pagtatanghal ni Chekhov ay may malaking papel dito. Noong 1899 Stanislavsky naglalagay ng "Uncle Vanya", noong 1901 - "Three Sisters", noong 1904 - "The Cherry Orchard". Ang isa pang patuloy na itinatampok na may-akda ay si Ibsen. Nasa mga unang taon na, ang "Gedda Gabler", "Doctor Shtokman", "Wild Duck" ay nilalaro. Isang matingkad, kahit na maikli, ang episode ay ang apela ni Stanislavsky kay Gorky. Ang dulang "At the Bottom" na itinanghal noong 1902 ay nagkaroon ng malaking sigaw ng publiko ( Stanislavsky Naglaro dito ang satin).

Mula noong unang bahagi ng 1900s makabuluhang bumuti ang mga usapin sa pananalapi ng teatro. Noong 1902, lumipat ang Moscow Art Theater sa sarili nitong gusali sa Kamergersky Lane.
Noong 1906, ang teatro ay nagpunta sa paglilibot sa ibang bansa sa unang pagkakataon. Bago ito, ang Europa ay ganap na walang kamalayan sa sining ng teatro ng Russia.
Noong 1918 mayroong patuloy na mga alingawngaw tungkol sa pagsasara ng teatro. Si Stanislavsky sa oras na iyon ay hindi dapat sumasalamin sa mga malikhaing isyu tulad ng sa problema ng pagpapanatili ng Art Theater. Si Lunacharsky, People's Commissar of Education, ay nakatulong nang husto kay Stanislavsky sa bagay na ito - isang matagal nang humahanga sa kanyang talento, na masigasig na nagtanggol sa Moscow Art Theater mula sa mga pag-atake ng mga proletaryo.

Stanislavsky taos-pusong sinubukang maghanap ng tugon mula sa isang bagong manonood, ngunit ang tagumpay sa landas na ito ay hindi kaagad dumating.
Sa panahon ng 1919/20 season Stanislavsky inilalagay ni Byron's Cain. Ngunit ang pagtatanghal ay hindi matagumpay (ito lamang ang premiere nito sa anim na taon mula 1918 hanggang 1923). Noong 1922, nagpunta ang Moscow Art Theater sa mga dayuhang paglilibot sa Germany, Czechoslovakia, France, at USA.

Ang tagumpay, tulad ng sa unang paglilibot, ay napakalaki, lalo na sa US. Noong 1923 at 1924 naulit ang US tour. Para sa American publisher Stanislavsky isinulat noong 1924 sa New York Public Library (kung saan ang isang hiwalay na silid ay espesyal na inupahan para sa kanya) ang aklat na "My Life in Art". Pagbalik sa Moscow pagkatapos ng dalawang taong pagkawala, inilaan niya ang kanyang sarili sa pagkamalikhain nang may panibagong sigla.

Noong 1926, pagkatapos ng maraming taon ng trabaho sa lumang repertoire ng Moscow Art Theater, nagbigay siya ng apat na premiere nang sabay-sabay: "A Warm Heart" Ostrovsky , "Nicholas I and the Decembrist" ni Kugel, "Sellers of Glory" ni Pagnol at "Days of the Turbins" ni Bulgakov. Ang huling dula ay naging isang tunay na theatrical sensation at isang uri ng simbolo ng post-revolutionary Moscow Art Theater.

At sa katunayan - isang mahabang paghinto na dulot ng mga trahedya na kaganapan ang naiwan. Noong 1927 Stanislavsky inilalagay ang The Marriage of Figaro nina Beaumarchais at Ivanov's Armored Train 14-69. Ang mga kritiko ng Sobyet, na nauna nang tumutol kay Stanislavsky dahil sa pagiging makaluma at konserbatibo (at pagkatapos ng Days of the Turbins kahit na sa pakikiramay sa puting kilusan), ay bumati sa Armored Train 14-69 nang may sigasig. Isinulat ni Lunacharsky ang tungkol sa produksyong ito: "Ito ay isang tagumpay ng kabataang panitikan ng Sobyet at sining ng teatro ng Sobyet - ang sining ng sosyalistang realismo."

Noong 1928, sa pagdiriwang ng ika-30 anibersaryo ng Moscow Art Theater, inatake sa puso si Stanislavsky. Pagkatapos nito, kailangan niyang lumayo mula sa direktang pakikilahok sa mga gawain sa teatro.
(Bilang artistikong direktor, lumahok siya sa ibang pagkakataon sa dalawang produksyon lamang: Dead Souls and Talents and Admirers.) Stanislavsky karamihan ay gumagastos sa mga dayuhang resort. Namatay siya noong Agosto 1938.

Master sa sistema Stanislavsky nagkaroon ng doktrina ng pinakamahalagang gawain - ang pangunahing ideya ng dula, ang ideya nito. Sa gitna ng pananaw sa mundo ng tropa, na nagkakaisa sa moral na katangian nito, ay ang ideya ng pagkakapantay-pantay at ang halaga ng bawat tao sa mundo. Stanislavsky naihatid ng wika ng teatro ang demokratikong ideyang ito sa madla. Malaki ang naiimpluwensyahan ng mga aktibidad ni Stanislavsky pag-unlad Russian at dayuhang teatro ng XX siglo. Stanislavsky sa unang pagkakataon ay inaprubahan ang mga prinsipyo ng teatro ng direktor sa entablado ng Russia (ang pagkakaisa ng artistikong konsepto na sumasakop sa lahat ng mga elemento ng pagganap, ang integridad ng grupo ng mga aktor, ang sikolohikal na kondisyon ng mise-en-scenes). Direktor ng maraming dula batay sa mga gawa ni Chekhov, Gorky, Turgenev.

Noong panahon ng Sobyet, ang "Stanislavsky system" ay naging isang uri ng unifying standard para sa lahat ng mga teatro at acting school ng Union. Ang pag-alis mula sa mga pamantayan at tuntunin ng "sistema" ay nakita bilang isang paglabag sa mga prinsipyo ng sosyalistang realismo sa teatro. Ang isang tiyak na negatibong papel ng "sistema" sa konteksto ng pag-unlad ng kultura ng teatro ay konektado dito. Gayunpaman, sa kabila nito, hindi natin maaaring igiit na ang mga prinsipyo ng edukasyon ng isang aktor at ang pagtatanghal ng isang pagtatanghal, na natuklasan ni Stanislavsky, ay mali. Sila, tulad ng mga prinsipyo ng anumang iba pang paaralan ng teatro, ay karapat-dapat sa pag-aaral at atensyon.