Ano ang kahulugan ng drama. Ang dula bilang isang genre ng panitikan
Ang drama ay isang pampanitikan na genre (kasama ang epiko at liriko), na kinabibilangan ng paglikha ng isang artistikong mundo para sa entablado na sagisag sa isang pagtatanghal. Tulad ng epiko, nire-reproduce nito ang layunin ng mundo, iyon ay, mga tao, bagay, natural na mga phenomena.
MGA KATANGIAN
1. Ang drama ay ang pinaka sinaunang uri ng panitikan, ang pangunahing pagkakaiba nito sa iba ay nagmula sa parehong sinaunang panahon - sinkretismo, kapag ang iba't ibang uri ng sining ay pinagsama sa isa (ang sinkretismo ng sinaunang pagkamalikhain ay nasa pagkakaisa ng artistikong nilalaman at mahika, mitolohiya , moralidad).
2. Ang mga dramatikong gawa ay may kondisyon.
Sinabi ni Pushkin: "Sa lahat ng uri ng mga komposisyon, ang pinaka-hindi kapani-paniwala ay mga dramatiko."
3. Ang dula ay batay sa tunggalian, isang pangyayaring pinagtibay ng aksyon. Ang balangkas ay nabuo sa pamamagitan ng mga pangyayari at kilos ng mga tao.
4. Ang pagiging tiyak ng drama bilang isang genre ng panitikan ay nakasalalay sa espesyal na organisasyon ng masining na pananalita: hindi tulad ng epiko, walang pagsasalaysay sa drama at ang direktang pananalita ng mga tauhan, ang kanilang mga diyalogo at monologo ay higit na mahalaga.
Ang drama ay hindi lamang berbal (mga pangungusap na "sa tabi"), kundi pati na rin isang itinanghal na aksyon, kaya't ang pagsasalita ng mga tauhan (dialogues, monologues) ay mahalaga. Kahit na sa sinaunang trahedya, ang mga koro ay may mahalagang papel (pagkanta ng opinyon ng may-akda), at sa mga klasiko ang papel na ito ay ginampanan ng mga nangangatuwiran.
"Hindi ka maaaring maging isang manunulat ng dula kung hindi mahusay magsalita" (Didero).
"Ang mga character sa isang mahusay na play ay dapat magsalita sa aphorisms. Ang tradisyon na ito ay nangyayari sa loob ng mahabang panahon" (M. Gorky).
5. Bilang isang tuntunin, ang isang dramatikong gawain ay nagsasangkot ng mga epekto sa entablado, bilis ng pagkilos.
6. Espesyal na dramatikong karakter: hindi karaniwan (nakakamalay na intensyon, nabuo ang mga kaisipan), itinatag na karakter, sa kaibahan sa epiko.
7. Dramatic works - maliit ang volume.
Sinabi ni Bunin sa okasyong ito: "Kailangan nating i-compress ang pag-iisip sa mga tiyak na anyo. Ngunit ito ay kapana-panabik!".
8. Ang ilusyon ng kumpletong kawalan ng may-akda ay nilikha sa dula. Mula sa talumpati ng may-akda sa drama, tanging mga pangungusap lamang ang natitira - mga maikling indikasyon ng may-akda sa lugar at oras ng pagkilos, sa mga ekspresyon ng mukha, intonasyon, atbp.
9. Theatrical ang ugali ng mga tauhan. Sa buhay, hindi sila ganoon ang ugali, at hindi sila nagsasalita ng ganyan.
Alalahanin natin ang hindi likas ng asawa ni Sobakevich: "Hiniling ni Feodulia Ivanovna na maupo, na sinasabi din:" Pakiusap! "at gumawa ng paggalaw sa kanyang ulo, tulad ng mga artista na kumakatawan sa mga reyna. Pagkatapos ay umupo siya sa sofa, tinakpan ang sarili sa kanya. merino shawl at hindi na ginalaw ang kanyang mata o kilay, walang ilong."
TRADITIONAL SCHEME NG PLOT NG ANUMANG DRAMATIKO NA GAWA: EXPOSURE - representasyon ng mga bayani; LOAD - pag-aaway; DEVELOPMENT OF THE ACTION - set ng mga eksena, pagbuo ng ideya; CULMINATION - ang apogee ng tunggalian; RESOLUSYON.
Ang dramatikong genre ng panitikan ay may tatlong pangunahing genre: trahedya, komedya at drama sa makitid na kahulugan ng salita, ngunit mayroon din itong mga genre gaya ng vaudeville, melodrama, tragicomedy.
Trahedya (Greek tragoidia, lit. - kanta ng kambing) - "isang dramatikong genre batay sa kalunos-lunos na banggaan ng mga heroic character, ang kalunos-lunos na kinalabasan nito at puno ng kalunos-lunos ..."
Inilalarawan ng trahedya ang realidad bilang isang grupo ng mga panloob na kontradiksyon; inilalantad nito ang mga salungatan ng realidad sa isang matinding anyo. Ito ay isang dramatikong gawain, na batay sa isang hindi mapagkakasunduang salungatan sa buhay, na humahantong sa pagdurusa at pagkamatay ng bayani. Kaya, sa isang banggaan sa mundo ng mga krimen, kasinungalingan at pagkukunwari, ang nagdadala ng mga advanced na humanistic ideals na si Danish prince Hamlet, ang bayani ng trahedya ng parehong pangalan ni W. Shakespeare, tragically napahamak. Sa pakikibaka na isinagawa ng mga kalunos-lunos na bayani, ang mga kabayanihang katangian ng pagkatao ng tao ay inihayag nang may malaking kapunuan.
Ang genre ng trahedya ay may mahabang kasaysayan. Ito ay nagmula sa mga ritwal ng relihiyosong kulto, ay isang pagtatanghal sa entablado ng isang alamat. Sa pagdating ng teatro, ang trahedya ay lumitaw bilang isang malayang genre ng dramatikong sining. Ang mga lumikha ng mga trahedya ay ang mga sinaunang Greek playwright noong ika-5 siglo. BC e. Sophocles, Euripides, Aeschylus, na nag-iwan sa kanyang mga perpektong sample. Sinasalamin nila ang kalunos-lunos na banggaan ng mga tradisyon ng sistema ng tribo sa bagong kaayusang panlipunan. Ang mga salungatan na ito ay nakita at inilalarawan ng mga manunulat ng dulang pangunahin sa mitolohikong materyal. Ang bayani ng isang sinaunang trahedya ay iginuhit sa isang hindi malulutas na salungatan alinman sa pamamagitan ng kalooban ng isang mapang-akit na kapalaran (kapalaran) o sa pamamagitan ng kalooban ng mga diyos. Kaya, ang bayani ng trahedya ni Aeschylus "Prometheus chained" ay nagdurusa dahil nilabag niya ang kalooban ni Zeus nang sunugin niya ang mga tao at tinuruan sila ng mga crafts. Sa trahedya ni Sophocles "Oedipus Rex" ang bayani ay napahamak na maging isang parricide, na pakasalan ang kanyang sariling ina. Ang sinaunang trahedya ay karaniwang may kasamang limang kilos at itinayo bilang pagsunod sa "tatlong pagkakaisa" - lugar, oras, aksyon. Ang mga trahedya ay isinulat sa taludtod at nakikilala sa pamamagitan ng kataasan ng pananalita; ang bayani nito ay isang "mataas na bayani."
Ang komedya, tulad ng trahedya, ay nagmula sa sinaunang Greece. Ang "ama" ng komedya ay ang sinaunang Greek playwright na si Aristophanes (V-IV siglo BC). Sa kanyang mga gawa, kinutya niya ang kasakiman, uhaw sa dugo at imoralidad ng aristokrasya ng Atenas, nanindigan para sa isang mapayapang patriyarkal na buhay ("Mga Kabayo", "Mga Ulap", "Lysistrata", "Mga Palaka").
Ang katutubong komedya ay umiral sa Russia sa mahabang panahon. Ang isang natatanging komedyante ng Russian Enlightenment ay si D.N. Fonvizin. Ang kanyang komedya na "Undergrowth" ay walang awang nilibak ang "wild nobility" na naghahari sa pamilyang Prostakov. Sumulat ng mga komedya I.A. Krylov ("Aral sa mga anak na babae", "Fashion shop"), tinutuya ang paghanga sa mga dayuhan.
Noong ika-19 na siglo ang mga halimbawa ng satirical, social realistic comedy ay nilikha ni A.S. Griboyedov ("Woe from Wit"), N.V. Gogol ("Inspektor"), A.N. Ostrovsky ("Mapagkakakitaang lugar", "Ang aming mga tao - magkakasundo kami", atbp.). Ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ni N. Gogol, A. Sukhovo-Kobylin sa kanyang trilogy ("Krechinsky's Wedding", "Deed", "Tarelkin's Death") ay nagpakita kung paano "niyakap" ng burukrasya ang buong Russia, na nagdadala ng mga problema na maihahambing sa pinsala. dulot ng mga Tatar.ang pamatok ng Mongol at ang pagsalakay ni Napoleon. Mga sikat na komedya ni M.E. Saltykov-Shchedrin (“The Death of Pazukhin”) at A.N. Tolstoy ("The Fruits of Enlightenment"), na sa ilang paraan ay lumapit sa trahedya (naglalaman sila ng mga elemento ng tragicomedy).
Itinatakwil ng Tragicomedy ang moral absolute ng komedya at trahedya. Ang saloobing pinagbabatayan nito ay nauugnay sa isang pakiramdam ng relativity ng umiiral na pamantayan ng buhay. Ang labis na pagpapahalaga sa mga prinsipyong moral ay humahantong sa kawalan ng katiyakan at maging sa pagtanggi sa mga ito; ang mga pasimula ng subjective at layunin ay malabo; ang isang hindi malinaw na pag-unawa sa realidad ay maaaring magdulot ng interes dito o ganap na kawalang-interes at maging ang pagkilala sa pagiging hindi makatwiran ng mundo. Ang tragicomic worldview ay nangingibabaw sa kanila sa mga pagbabago sa kasaysayan, bagaman ang tragicomic na simula ay naroroon na sa dramaturgy ng Euripides (Alcestis, Ion).
Ang dula ay isang dula na may matalim na tunggalian, na, hindi katulad ng trahedya, ay hindi gaanong kahanga-hanga, mas makamundo, karaniwan at kahit papaano ay nalutas. Ang pagiging tiyak ng drama ay nakasalalay, una, sa katotohanan na ito ay itinayo sa moderno, at hindi sa sinaunang materyal, at pangalawa, ang drama ay nagtatatag ng isang bagong bayani na naghimagsik laban sa kanyang kapalaran at mga pangyayari. Ang pagkakaiba sa pagitan ng drama at trahedya ay nakasalalay sa kakanyahan ng tunggalian: ang mga trahedya na salungatan ay hindi malulutas, dahil ang kanilang paglutas ay hindi nakasalalay sa personal na kalooban ng tao. Ang trahedya na bayani ay nahahanap ang kanyang sarili sa isang trahedya na sitwasyon nang hindi sinasadya, at hindi dahil sa isang pagkakamali na kanyang ginawa. Ang mga dramatikong salungatan, hindi tulad ng mga trahedya, ay hindi malulutas. Ang mga ito ay batay sa pag-aaway ng mga karakter na may gayong mga puwersa, prinsipyo, tradisyon na sumasalungat sa kanila mula sa labas. Kung ang bida ng isang drama ay namatay, kung gayon ang kanyang kamatayan sa maraming paraan ay isang gawa ng isang boluntaryong desisyon, at hindi ang resulta ng isang tragically walang pag-asa na sitwasyon. Kaya, si Katerina sa "Thunderstorm" ni A. Ostrovsky, na labis na nag-aalala na nilabag niya ang mga pamantayan sa relihiyon at moral, na hindi naninirahan sa mapang-api na kapaligiran ng bahay ng mga Kabanov, ay sumugod sa Volga. Ang nasabing decoupling ay hindi sapilitan; ang mga hadlang sa rapprochement sa pagitan nina Katerina at Boris ay hindi maituturing na hindi malulutas: ang paghihimagsik ng pangunahing tauhang babae ay maaaring magwakas sa ibang paraan.
Ano ang dramaturgy? Ang sagot sa tanong na ito ay depende sa konteksto kung saan ginamit ang salita. Una sa lahat, ito ay isang uri ng panitikan na inilaan para sa mga produksyon sa entablado, na nagpapahiwatig ng pakikipag-ugnayan ng mga character sa labas ng mundo, na sinamahan ng paliwanag ng may-akda.
Ang dramaturgy ay isa ring gawain na binuo ayon sa iisang prinsipyo at batas.
Mga tampok ng dramaturhiya
- Ang aksyon ay dapat maganap sa kasalukuyang panahunan at mabilis na umunlad sa parehong lugar. Nagiging saksi ang manonood at dapat maging suspense at makiramay sa mga nangyayari.
- Ang produksyon ay maaaring sumaklaw sa isang yugto ng panahon ng ilang oras at kahit na taon. Gayunpaman, ang aksyon ay hindi dapat tumagal ng higit sa isang araw sa entablado, dahil nalilimitahan ito ng mga posibilidad ng panonood ng manonood.
- Depende sa kronolohiya ng akda, ang isang drama ay maaaring binubuo ng isa o higit pang mga gawa. Kaya, ang panitikan ng French classicism ay karaniwang kinakatawan ng 5 acts, at 2 acts ay katangian ng Spanish dramaturgy.
- Ang lahat ng aktor sa drama ay nahahati sa dalawang grupo - mga antagonist at protagonist (maaaring naroroon din ang mga karakter sa labas ng entablado), at ang bawat kilos ay isang tunggalian. Ngunit hindi dapat suportahan ng may-akda ang panig ng sinuman - ang manonood ay maaari lamang hulaan mula sa mga pahiwatig mula sa konteksto ng akda.
Konstruksyon ng drama
Ang dula ay may balangkas, balangkas, tema, at intriga.
- Ang balangkas ay isang salungatan, ang kaugnayan ng mga tauhan sa mga kaganapan, na kung saan, ay kinabibilangan ng ilang mga elemento: paglalahad, balangkas, pagbuo ng aksyon, kasukdulan, pagtanggi sa aksyon, denouement at finale.
- Ang balangkas ay ang magkakaugnay na tunay o kathang-isip na mga pangyayari sa pagkakasunod-sunod ng panahon. Parehong ang balangkas at ang balangkas ay isang salaysay ng mga pangyayari, ngunit ang balangkas ay katotohanan lamang ng nangyari, at ang balangkas ay isang ugnayang sanhi.
- Ang tema ay isang serye ng mga pangyayari na nagiging batayan ng isang dramatikong akda, na pinag-isa ng isang suliranin, iyon ay, ang nais ng may-akda na isipin ng manonood o mambabasa.
- Ang dramatikong intriga ay ang interaksyon ng mga tauhan na nakakaimpluwensya sa inaasahang takbo ng mga pangyayari sa isang akda.
Mga elemento ng drama
- Paglalahad - isang pahayag ng kasalukuyang estado ng mga pangyayari, na nagiging sanhi ng tunggalian.
- Ang tali ay ang pag-set up ng isang salungatan o isang kinakailangan para sa pag-unlad nito.
- Ang kasukdulan ay ang pinakamataas na punto ng tunggalian.
- Ang denouement ay ang kudeta o pagbagsak ng pangunahing tauhan.
- Ang pangwakas ay ang paglutas ng salungatan, na maaaring magwakas sa tatlong paraan: ang salungatan ay naresolba at may masayang pagtatapos, ang salungatan ay hindi nalutas, o ang salungatan ay malulutas sa trahedya - ang pagkamatay ng pangunahing tauhan o anumang iba pang pag-alis ng bayani mula sa trabaho sa final.
Ang tanong na "ano ang dramaturgy" ay maaari na ngayong sagutin ng ibang kahulugan - ito ay ang teorya at sining ng pagbuo ng isang dramatikong akda. Dapat itong umasa sa mga patakaran para sa pagbuo ng isang balangkas, magkaroon ng isang plano at isang pangunahing ideya. Ngunit sa kurso ng makasaysayang pag-unlad, dramaturhiya, mga genre (trahedya, komedya, drama), ang mga elemento nito at nagpapahayag na paraan ay nagbago, na hinati ang kasaysayan ng dramaturhiya sa ilang mga siklo.
Ang pagsilang ng dramaturhiya
Sa unang pagkakataon, ang pinagmulan ng dramaturgy ay napatunayan ng mga inskripsiyon sa dingding at papyri sa panahon ng Sinaunang Ehipto, kung saan mayroon ding isang balangkas, isang kasukdulan at isang denouement. Ang mga pari, na may kaalaman sa mga diyos, ay naimpluwensyahan ang kamalayan ng mga taong Egyptian dahil mismo sa mga alamat.
Ang mito nina Isis, Osiris at Horus ay kumakatawan sa isang uri ng Bibliya para sa mga Ehipsiyo. Ang Dramaturgy ay higit na binuo sa Sinaunang Greece noong ika-5-6 na siglo BC. e. Ang genre ng trahedya ay ipinanganak sa sinaunang Greek dramaturgy. Ang balangkas ng trahedya ay ipinahayag sa pagsalungat ng isang mabuti at makatarungang bayani sa kasamaan. Natapos ang pangwakas sa malagim na pagkamatay ng kalaban at dapat na magdulot ng matinding damdamin sa manonood para sa malalim na paglilinis ng kanyang kaluluwa. Ang kababalaghan na ito ay may kahulugan - catharsis.
Ang mga alamat ay pinangungunahan ng mga tema ng militar at pampulitika, dahil ang mga trahedya noong panahong iyon ay lumahok sa mga digmaan nang higit sa isang beses. Ang dramaturgy ng Sinaunang Greece ay kinakatawan ng mga sumusunod na sikat na manunulat: Aeschylus, Sophocles, Euripides. Bilang karagdagan sa trahedya, muling binuhay ang genre ng komedya, kung saan ginawang pangunahing tema ng mundo si Aristophanes. Ang mga tao ay pagod na sa mga digmaan at kawalan ng batas ng mga awtoridad, kaya't hinihiling nila ang isang mapayapa at kalmadong buhay. Ang komedya ay nagmula sa mga komiks na kanta na kung minsan ay walang kabuluhan. Humanismo at demokrasya ang mga pangunahing ideya sa gawain ng mga komedyante. Ang pinakatanyag na trahedya noong panahong iyon ay ang mga dulang "Persians" at "Chained Prometheus" ni Aeschylus, "Oedipus Rex" ni Sophocles at "Medea" ni Euripides.
Sa pagbuo ng dramaturgy noong ika-2-3 siglo BC. e. naimpluwensyahan ng mga sinaunang Romanong manunulat ng dula: Plautus, Terence at Seneca. Si Plautus ay nakiramay sa mas mababang strata ng lipunang nagmamay-ari ng alipin, kinutya ang mga sakim na usurero at mangangalakal, samakatuwid, ang pagkuha ng mga sinaunang kwentong Griyego bilang batayan, dinagdagan niya sila ng mga kwento tungkol sa mahirap na buhay ng mga ordinaryong mamamayan. Mayroong maraming mga kanta at biro sa kanyang mga gawa, ang may-akda ay tanyag sa kanyang mga kontemporaryo at pagkatapos ay naimpluwensyahan ang European dramaturgy. Kaya, ang kanyang sikat na komedya na "The Treasure" ay ginawang batayan ni Moliere nang isulat ang kanyang obra na "The Miser".
Si Terence ay isang kinatawan ng susunod na henerasyon. Hindi siya tumutuon sa mga paraan ng pagpapahayag, ngunit mas malalim sa paglalarawan ng sikolohikal na bahagi ng karakter ng mga karakter, at ang mga salungatan sa tahanan at pamilya sa pagitan ng mga ama at mga anak ay naging mga tema para sa mga komedya. Ang kanyang tanyag na dula na "Brothers" ay nagpapakita ng problemang ito nang malinaw.
Ang isa pang manunulat ng dula na gumawa ng malaking kontribusyon sa pagbuo ng dula ay si Seneca. Siya ang tagapagturo ni Nero, emperador ng Roma, at may mataas na posisyon sa ilalim niya. Ang mga trahedya ng playwright ay palaging nabuo sa paligid ng paghihiganti ng pangunahing tauhan, na nagtulak sa kanya sa mga kakila-kilabot na krimen. Ipinaliwanag ito ng mga mananalaysay sa pamamagitan ng madugong kalupitan na naganap noon sa palasyo ng imperyal. Ang gawa ni Seneca na "Medea" ay naimpluwensyahan ang Western European theater, ngunit, hindi katulad ng "Medea" ni Euripides, ang reyna ay ipinakita bilang isang negatibong karakter, uhaw sa paghihiganti at hindi nakakaranas ng anumang mga damdamin.
Ang mga trahedya sa panahon ng imperyal ay pinalitan ng isa pang genre - pantomime. Isa itong sayaw na sinasaliwan ng musika at pag-awit, na kadalasang ginaganap ng isang artista na may takip ang bibig. Ngunit ang mas tanyag ay ang mga pagtatanghal ng sirko sa mga amphitheater - mga labanan ng gladiator at mga kumpetisyon sa kalesa, na humantong sa pagbaba ng moral at pagbagsak ng Imperyo ng Roma. Ang mga playwright sa unang pagkakataon ay pinaka malapit na ipinakita sa madla kung ano ang dramaturgy, ngunit ang teatro ay nawasak, at ang drama ay muling nabuhay muli pagkatapos lamang ng kalahating libong taon na pahinga sa pag-unlad.
Liturgical drama
Matapos ang pagbagsak ng Imperyong Romano, muling binuhay ang dramaturhiya noong ika-9 na siglo lamang sa mga seremonya at panalangin sa simbahan. Ang simbahan, upang maakit ang pinakamaraming tao hangga't maaari na sumamba at kontrolin ang masa sa pamamagitan ng pagsamba sa Diyos, ay nagpapakilala ng maliliit na kamangha-manghang pagtatanghal, tulad ng muling pagkabuhay ni Jesu-Kristo o iba pang mga kuwento sa Bibliya. Ito ay kung paano nabuo ang liturgical drama.
Gayunpaman, ang mga tao ay nagtipon para sa mga pagtatanghal at nagambala mula sa serbisyo mismo, bilang isang resulta kung saan lumitaw ang isang semi-liturgical na drama - ang mga pagtatanghal ay inilipat sa mga portiko at mga kwento ng buhay batay sa mga kuwento sa Bibliya, na mas naiintindihan ng madla, ay nagsimulang gagawing batayan.
Muling pagkabuhay ng dramaturhiya sa Europa
Ang dramaturgy ay higit na binuo sa panahon ng Renaissance noong ika-14-16 na siglo, na bumabalik sa mga halaga ng sinaunang kultura. Ang mga plot mula sa sinaunang Greek at Roman myths ay nagbibigay inspirasyon sa mga may-akda ng Renaissance
Sa Italya na nagsimulang muling mabuhay ang teatro, lumitaw ang isang propesyonal na diskarte sa mga paggawa ng entablado, tulad ng isang musikal na uri ng trabaho tulad ng nabuo ang opera, komedya, trahedya at pastoral ay nabuhay muli - isang genre ng dramaturhiya, ang pangunahing tema kung saan ay rural. buhay. Ang komedya sa pag-unlad nito ay nagbigay ng dalawang direksyon:
- pang-agham na komedya, na idinisenyo para sa isang bilog ng mga edukadong tao;
- komedya sa kalye - improvisational na teatro ng mga maskara.
Ang pinakakilalang kinatawan ng Italian dramaturgy ay sina Angelo Beolco ("Coquette", "Comedy without a title"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") at Lodovico Ariosto ("Comedy about the chest", "Furious Orlando").
Ang English drama ay nagpapatibay sa posisyon ng teatro ng realismo. Ang mga mito at misteryo ay pinapalitan ng isang sosyo-pilosopiko na pag-unawa sa buhay. Ang ninuno ng Renaissance drama ay itinuturing na English playwright na si Christopher Marlo ("Tamerlane", "The Tragic History of Doctor Faust"). Ang teatro ng realismo ay binuo sa ilalim ni William Shakespeare, na sumuporta din sa mga ideyang makatao sa kanyang mga gawa - Romeo at Juliet, King Lear, Othello, Hamlet. Ang mga may-akda ng panahong ito ay nakinig sa mga hangarin ng mga karaniwang tao, at ang mga paboritong bayani ng mga dula ay mga simpleton, usurero, mandirigma at courtesan, pati na rin ang mga mababang-loob na bayaning nagsasakripisyo. Ang mga karakter ay umaangkop sa balangkas, na naghatid ng mga katotohanan ng panahong iyon.
Ang panahon ng ika-17-18 siglo ay kinakatawan ng dramaturhiya ng panahon ng Baroque at Classicism. Ang humanismo bilang isang direksyon ay nawawala sa background, at ang bayani ay nakadarama ng pagkawala. Ang mga ideyang Baroque ay naghihiwalay sa Diyos at sa tao, ibig sabihin, ngayon, ang tao mismo ay naiwan upang maimpluwensyahan ang kanyang sariling kapalaran. Ang pangunahing direksyon ng Baroque dramaturgy ay mannerism (ang impermanence ng mundo at ang precarious na posisyon ng tao), na likas sa mga drama na "Fuente Ovehuna" at "The Star of Seville" ni Lope de Vega at mga gawa ni Tirso de Molina - "Seville Seducer", "Pious Martha".
Ang klasisismo ay kabaligtaran ng baroque pangunahin dahil ito ay nakabatay sa realismo. Ang trahedya ang nagiging pangunahing genre. Ang paboritong tema sa mga gawa nina Pierre Corneille, Jean Racine at Jean-Baptiste Moliere ay ang salungatan ng personal at civic na interes, damdamin at tungkulin. Ang paglilingkod sa estado ay ang pinakamataas na marangal na layunin para sa isang tao. Ang trahedya na "The Cid" ay nagdala ng malaking tagumpay kay Pierre Corneille, at dalawang dula ni Jean Racine "Alexander the Great", "Thebais, o Brothers- enemies" ay isinulat at itinanghal sa payo ni Molière.
Si Moliere ang pinakasikat na manunulat ng dula sa panahong iyon at nasa ilalim ng pagtangkilik ng naghahari at nag-iwan ng 32 dulang nakasulat sa iba't ibang genre. Ang pinakamahalaga sa kanila ay ang "Madcap", "Doctor in Love" at "Imaginary Sick".
Sa panahon ng Enlightenment, tatlong uso ang nabuo: classicism, sentimentalism at rococo, na nakaimpluwensya sa dramaturgy ng England, France, Germany at Italy noong ika-18 siglo. Ang kawalan ng hustisya ng mundo sa mga ordinaryong tao ay naging pangunahing tema para sa mga manunulat ng dula. Ang mga matataas na uri ay nagbabahagi ng mga lugar sa mga karaniwang tao. Ang Enlightenment Theater ay nagpapalaya sa mga tao mula sa itinatag na mga pagkiling at nagiging hindi lamang entertainment, kundi isang moral na paaralan para sa kanila. Ang drama ng mga Filisteo ay nagkakaroon ng katanyagan (George Lilo "The London Merchant" at Edward Moore "The Gambler"), na nagha-highlight sa mga problema ng bourgeoisie, na isinasaalang-alang ang mga ito na kasinghalaga ng mga problema ng royalty.
Ang Gothic dramaturgy ay ipinakita sa unang pagkakataon ni John Home sa mga trahedya na "Douglas" at "Fatal Discovery", na ang mga tema ay pampamilya at pang-araw-araw na kalikasan. Ang drama sa Pransya ay kinakatawan sa mas malawak na lawak ng makata, mananalaysay at publicist na si Francois Voltaire (Oedipus, The Death of Caesar, The Prodigal Son). Si John Gay ("The Beggar's Opera") at Bertolt Brecht ("The Threepenny Opera") ay nagbukas ng mga bagong direksyon para sa komedya - moralizing at makatotohanan. At halos palaging pinupuna ni Henry Fielding ang sistemang pampulitika ng Ingles sa pamamagitan ng mga satirical comedies (Love in Various Disguises, The Coffeehouse Politician), theatrical parodies (Pasquin), farces at ballad operas (The Lottery, The Scheming Maid), pagkatapos nito ang batas sa theatrical censorship ay ipinakilala.
Dahil ang Alemanya ang ninuno ng romantikismo, ang dramaturhiya ng Aleman ay pinaka-binuo noong ika-18 at ika-19 na siglo. Ang pangunahing tauhan ng mga gawa ay isang idealized na taong may likas na kakayahan, laban sa totoong mundo. F. Malaki ang impluwensya ni Schelling sa pananaw sa mundo ng mga romantiko. Nang maglaon, inilathala ni Gotthald Lessing ang kanyang akdang "Hamburg Dramaturgy", kung saan pinuna niya ang klasisismo at itinaguyod ang mga ideya ng realismo ng Enlightenment ni Shakespeare. Si Johann Goethe at Friedrich Schiller ay lumikha ng Weimar theater at pinagbubuti ang acting school. Sina Heinrich von Kleist ("The Schroffenstein Family", "Prince Friedrich of Homburg") at Johann Ludwig Tieck ("Puss in Boots", "The World Inside Out") ay itinuturing na pinakamaliwanag na kinatawan ng German dramaturgy.
Ang kasagsagan ng dramaturgy sa Russia
Ang drama ng Russia ay nagsimulang aktibong umunlad noong ika-18 siglo sa ilalim ng kinatawan ng klasisismo - A.P. Sumarokov, na tinawag na "ama ng teatro ng Russia", na ang mga trahedya ("Monsters", "Narcissus", "Guardian", "Cuckold sa pamamagitan ng imahinasyon") ay nakatuon sa gawain ni Molière. Ngunit noong ika-19 na siglo na ang direksyong ito ay gumaganap ng isang natatanging papel sa kasaysayan ng kultura.
Maraming mga genre ang nabuo sa mga dramang Ruso. Ito ang mga trahedya ng V. A. Ozerov ("Yaropolk at Oleg", "Oedipus sa Athens", "Dimitri Donskoy"), na sumasalamin sa mga problemang sosyo-politikal na nauugnay sa panahon ng Napoleonic Wars, satirical comedies ni I. Krylov ("Mad Pamilya", "Coffee House") at mga dramang pang-edukasyon ni A. Griboedov ("Woe from Wit"), N. Gogol ("The Government Inspector") at A. Pushkin ("Boris Godunov", "A Feast in the Time of Salot").
Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, matatag na itinatag ng realismo ang posisyon nito sa mga dramang Ruso, at si A. Ostrovsky ay naging pinakakapansin-pansing manunulat ng dula sa direksyong ito. Ang kanyang gawain ay binubuo ng mga makasaysayang dula ("Voevoda"), mga drama ("Bagyo ng Kulog"), mga satirical na komedya ("Mga Lobo at Tupa") at mga engkanto. Ang pangunahing katangian ng mga akda ay isang maparaan na adventurer, mangangalakal at aktor ng probinsiya.
Mga tampok ng bagong direksyon
Ang panahon mula ika-19 hanggang ika-20 siglo ay nagpapakilala sa atin sa isang bagong drama, na naturalistic dramaturgy. Ang mga manunulat sa panahong ito ay naghangad na ihatid ang "tunay" na buhay, na nagpapakita ng pinaka-hindi magandang tingnan na mga aspeto ng buhay ng mga tao noong panahong iyon. Ang mga aksyon ng isang tao ay tinutukoy hindi lamang ng kanyang panloob na paniniwala, kundi pati na rin ng mga nakapaligid na pangyayari na nakaimpluwensya sa kanila, kaya ang pangunahing katangian ng trabaho ay maaaring hindi isang tao, ngunit kahit isang buong pamilya o isang hiwalay na problema, kaganapan.
Ang bagong drama ay kumakatawan sa ilang literary currents. Ang lahat ng mga ito ay nagkakaisa sa pamamagitan ng atensyon ng mga manunulat ng dula sa estado ng pag-iisip ng karakter, ang kapani-paniwalang paghahatid ng katotohanan at ang pagpapaliwanag ng lahat ng mga aksyon ng tao mula sa isang natural na agham na pananaw. Si Henrik Ibsen ang nagtatag ng bagong drama, at ang impluwensya ng naturalismo ay malinaw na ipinakita sa kanyang dulang Ghosts.
Sa teatro na kultura ng ika-20 siglo, 4 na pangunahing direksyon ang nagsisimulang umunlad - simbolismo, ekspresyonismo, Dadaismo at surrealismo. Ang lahat ng mga tagapagtatag ng mga usong ito sa dramaturhiya ay nagkakaisa sa pamamagitan ng pagtanggi sa tradisyunal na kultura at paghahanap ng mga bagong paraan ng pagpapahayag. Maeterlinck (“The Blind”, “Joan of Arc”) at Hofmannsthal (“The Fool and Death”), bilang mga kinatawan ng simbolismo, ginagamit ang kamatayan at ang papel ng tao sa lipunan bilang pangunahing tema sa kanilang mga dula, at Hugo Ball, isang kinatawan ng Dadaist dramaturgy, ay nagbigay-diin sa kawalang-kabuluhan ng pagkakaroon ng tao at ang kumpletong pagtanggi sa lahat ng mga paniniwala. Ang surrealism ay nauugnay sa pangalan ni Andre Breton ("Pakiusap"), ang mga bayani na ang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng hindi magkakaugnay na mga diyalogo at pagsira sa sarili. Ang dramang ekspresyonista ay namamana ng romantikismo, kung saan ang pangunahing tauhan ay laban sa buong mundo. Ang mga kinatawan ng trend na ito sa dramaturgy ay sina Gan Jost ("Young Man", "The Hermit"), Arnolt Bronnen ("Riot Against God") at Frank Wedekind ("Pandora's Box").
kontemporaryong drama
Sa pagliko ng ika-20-21 siglo, ang modernong dramaturgy ay nawala ang mga posisyon nito at lumipat sa isang estado ng paghahanap para sa mga bagong genre at nagpapahayag na paraan. Sa Russia, nabuo ang direksyon ng existentialism, at pagkatapos nito ay umunlad ito sa Germany at France.
Si Jean-Paul Sartre sa kanyang mga drama ("Behind Closed Doors", "Flies") at iba pang mga manunulat ng dula ay pumili ng isang taong patuloy na iniisip ang walang pag-iisip na pamumuhay sa buhay bilang bayani ng kanilang mga gawa. Ang takot na ito ay nagpapaisip sa kanya tungkol sa di-kasakdalan ng mundo sa paligid niya at baguhin ito.
Sa ilalim ng impluwensya ni Franz Kafka, lumitaw ang teatro ng walang katotohanan, na tinatanggihan ang mga makatotohanang karakter, at ang mga gawa ng mga manunulat ng dula ay isinulat sa anyo ng mga paulit-ulit na diyalogo, hindi pagkakapare-pareho ng mga aksyon at kawalan ng mga ugnayang sanhi. Pinipili ng dramaturgy ng Russia ang mga pangkalahatang halaga ng tao bilang pangunahing tema. Ipinagtatanggol niya ang mga mithiin ng tao at nagsusumikap para sa kagandahan.
Ang pag-unlad ng dula sa panitikan ay direktang nauugnay sa takbo ng mga makasaysayang kaganapan sa mundo. Ang mga manunulat ng dula mula sa iba't ibang bansa, na palaging nasa ilalim ng impresyon ng mga problemang sosyo-politikal, ay madalas na sila mismo ang nanguna sa direksyon sa sining at sa gayon ay naiimpluwensyahan ang masa. Ang kasagsagan ng dramaturgy ay nahulog sa panahon ng Roman Empire, Ancient Egypt at Greece, sa panahon ng pag-unlad kung saan nagbago ang mga anyo at elemento ng drama, at ang tema para sa mga gawa ay nagpakilala ng mga bagong problema sa balangkas, o bumalik sa mga lumang problema noong unang panahon. At kung ang mga playwright ng unang millennia ay nagbigay-pansin sa pagpapahayag ng pananalita at karakter ng bayani, na kung saan ay pinaka-malinaw na ipinahayag sa gawain ng playwright ng panahong iyon - si Shakespeare, kung gayon ang mga kinatawan ng modernong direksyon ay pinalakas ang papel ng kapaligiran at subtext sa kanilang mga gawa. Batay sa nabanggit, maaari tayong magbigay ng ikatlong sagot sa tanong: ano ang dramaturhiya? Ito ay mga dramatikong akda na pinag-isa ng isang panahon, bansa o manunulat.
Sa paglipas ng millennia ng pag-unlad ng kultura, ang sangkatauhan ay lumikha ng hindi mabilang na mga akdang pampanitikan, kung saan mayroong ilang mga pangunahing uri na magkatulad sa paraan at anyo ng pagmuni-muni ng mga ideya ng tao tungkol sa mundo sa paligid. Ito ang tatlong uri (o uri) ng panitikan: epiko, dula, tula.
Paano naiiba ang bawat uri ng panitikan?
Epos bilang isang uri ng panitikan
epiko(epos - Griyego, pagsasalaysay, kwento) ay isang larawan ng mga pangyayari, penomena, mga prosesong panlabas sa may-akda. Sinasalamin ng mga epikong gawa ang layunin ng takbo ng buhay, ang pagkakaroon ng tao sa kabuuan. Gamit ang iba't ibang masining na paraan, ipinapahayag ng mga may-akda ng mga epikong gawa ang kanilang pag-unawa sa historikal, sosyo-politikal, moral, sikolohikal at marami pang ibang suliranin na kinabubuhayan ng lipunan ng tao sa kabuuan at partikular sa bawat kinatawan nito. Ang mga epikong gawa ay may makabuluhang mga posibilidad sa larawan, sa gayon ay tinutulungan ang mambabasa na malaman ang tungkol sa mundo sa paligid niya, upang maunawaan ang malalalim na problema ng pagkakaroon ng tao.
Ang dula bilang isang uri ng panitikan
Drama(drama - Griyego, aksyon, aksyon) ay isang uri ng panitikan, ang pangunahing tampok nito ay ang yugto ng kalikasan ng mga gawa. Mga dula, i.e. Ang mga dramatikong gawa ay partikular na nilikha para sa teatro, para sa pagtatanghal sa entablado, na, siyempre, ay hindi ibinubukod ang kanilang pag-iral sa anyo ng mga independiyenteng tekstong pampanitikan na inilaan para sa pagbabasa. Tulad ng epiko, ang drama ay muling gumagawa ng relasyon sa pagitan ng mga tao, ang kanilang mga aksyon, ang mga salungatan na lumitaw sa pagitan nila. Ngunit hindi tulad ng epiko, na may katangiang pagsasalaysay, ang dula ay may diyalogong anyo.
Kaugnay nito katangian ng mga dramatikong gawa :
2) ang teksto ng dula ay binubuo ng mga pag-uusap ng mga tauhan: ang kanilang mga monologo (ang pagsasalita ng isang karakter), mga diyalogo (ang pag-uusap ng dalawang karakter), polylogues (sabay-sabay na pagpapalitan ng mga puna ng ilang mga kalahok sa aksyon). Iyon ang dahilan kung bakit ang katangian ng pananalita ay lumalabas na isa sa pinakamahalagang paraan ng paglikha ng isang di malilimutang karakter ng bayani;
3) ang aksyon ng dula, bilang isang panuntunan, ay bubuo nang pabago-bago, masinsinang, bilang panuntunan, binibigyan ito ng 2-3 oras ng oras ng yugto.
Lyrics bilang isang uri ng panitikan
Lyrics(lyra - Griyego, isang instrumentong pangmusika, sa saliw kung saan ang mga akdang patula, mga kanta ay ginanap) ay nakikilala sa pamamagitan ng isang espesyal na uri ng pagbuo ng isang masining na imahe - ito ay isang imahe-karanasan kung saan ang indibidwal na emosyonal at espirituwal na karanasan ng may-akda ay nakapaloob. Ang mga liriko ay maaaring tawaging pinaka-mahiwagang uri ng panitikan, dahil ito ay tinutugunan sa panloob na mundo ng isang tao, ang kanyang mga subjective na damdamin, ideya, ideya. Sa madaling salita, ang isang liriko na gawa ay pangunahing nagsisilbi sa indibidwal na pagpapahayag ng sarili ng may-akda. Ang tanong ay lumitaw: bakit ang mga mambabasa, i.e. ang ibang tao ay tumutukoy sa mga ganitong gawain? Ang bagay ay ang lyricist, na nagsasalita sa kanyang sarili at tungkol sa kanyang sarili, nakakagulat na naglalaman ng mga unibersal na damdamin ng tao, mga ideya, pag-asa, at mas makabuluhan ang personalidad ng may-akda, mas mahalaga ang kanyang indibidwal na karanasan para sa mambabasa.
Ang bawat uri ng panitikan ay mayroon ding sariling sistema ng mga genre.
Genre(genre - French genus, species) - isang makasaysayang naitatag na uri ng akdang pampanitikan na may katulad na mga tampok na tipolohiya. Ang mga pangalan ng mga genre ay tumutulong sa mambabasa na mag-navigate sa walang hanggan na dagat ng panitikan: ang isang tao ay mahilig sa mga kuwento ng tiktik, ang isa ay mas gusto ang pantasya, at ang pangatlo ay isang tagahanga ng mga memoir.
Paano matukoy Anong genre ang kinabibilangan ng partikular na piyesa? Kadalasan, ang mga may-akda mismo ay tumutulong sa amin sa ito, na tinatawag ang kanilang paglikha ng isang nobela, kuwento, tula, atbp. Gayunpaman, ang ilang mga kahulugan ng may-akda ay tila hindi inaasahan sa amin: tandaan na ang A.P. Binigyang-diin ni Chekhov na ang The Cherry Orchard ay isang komedya, at hindi man lang drama, ngunit ang A.I. Itinuring ni Solzhenitsyn ang "Isang Araw sa Buhay ni Ivan Denisovich" na isang kuwento, hindi isang kuwento. Tinatawag ng ilang iskolar sa panitikan ang panitikang Ruso bilang isang koleksyon ng mga kabalintunaan ng genre: ang nobela sa taludtod na "Eugene Onegin", ang tula sa prosa na "Dead Souls", ang satirical na salaysay na "The History of a City". Nagkaroon ng maraming kontrobersya tungkol sa "Digmaan at Kapayapaan" ni L.N. Tolstoy. Ang mismong manunulat ay nagsabi lamang tungkol sa kung ano ang hindi niya aklat: “Ano ang Digmaan at Kapayapaan? Ito ay hindi isang nobela, hindi gaanong tula, hindi gaanong kasaysayan ng kasaysayan. "Digmaan at Kapayapaan" ang nais at maipahayag ng may-akda sa anyo kung saan ito ipinahayag. At noong ika-20 siglo lamang sumang-ayon ang mga kritiko sa panitikan na tawagan ang napakatalino na paglikha ng L.N. Ang epikong nobela ni Tolstoy.
Ang bawat pampanitikan genre ay may isang bilang ng mga matatag na tampok, ang kaalaman kung saan ay nagbibigay-daan sa amin upang maiugnay ang isang partikular na gawain sa isa o ibang grupo. Ang mga genre ay nabuo, nagbabago, namamatay at ipinanganak, halimbawa, literal sa harap ng ating mga mata, isang bagong genre ng blog (web loq English network magazine) - isang personal na Internet diary - ay lumitaw.
Gayunpaman, sa loob ng ilang siglo na ngayon, mayroong mga stable (tinatawag din silang canonical) na mga genre.
Panitikan ng mga akdang pampanitikan - tingnan ang talahanayan 1).
Talahanayan 1.
Mga genre ng mga akdang pampanitikan 
Mga epikong genre ng panitikan
Ang mga epikong genre ay pangunahing naiiba sa dami, sa batayan na ito ay nahahati sila sa mga maliliit ( sanaysay, maikling kwento, maikling kwento, fairy tale, parabula ), karaniwan ( kwento ), malaki ( nobela, epikong nobela ).
Tampok na artikulo- isang maliit na sketch mula sa kalikasan, ang genre ay parehong naglalarawan at nagsasalaysay. Maraming mga sanaysay ang nilikha sa isang dokumentaryo, batayan ng buhay, madalas silang pinagsama sa mga cycle: isang klasikong halimbawa ay "Sentimental Journey Through France and Italy" (1768) ng Ingles na manunulat na si Laurence Sterne, sa panitikang Ruso ito ay "Paglalakbay mula sa St. Petersburg hanggang Moscow” (1790) A . Radishcheva, "Frigate Pallada" (1858) I. Goncharov "Italy" (1922) B. Zaitsev at iba pa.
Kwento- isang maliit na genre ng pagsasalaysay, na karaniwang naglalarawan ng isang yugto, isang insidente, isang karakter ng tao, o isang mahalagang insidente mula sa buhay ng isang bayani na nakaimpluwensya sa kanyang hinaharap na kapalaran ("Pagkatapos ng Ball" ni L. Tolstoy). Ang mga kuwento ay nilikha pareho sa isang dokumentaryo, madalas na autobiographical na batayan ("Matryonin Dvor" ni A. Solzhenitsyn), at salamat sa purong fiction ("The Gentleman from San Francisco" ni I. Bunin).
Ang intonasyon at nilalaman ng mga kuwento ay ibang-iba - mula sa komiks, nakakatawa (ang mga unang kuwento ni A.P. Chekhov) hanggang sa malalim na trahedya (Kolyma Tales ni V. Shalamov). Ang mga kwento, tulad ng mga sanaysay, ay madalas na pinagsama sa mga siklo ("Mga Tala ng isang Mangangaso" ni I. Turgenev).
Novella(nobela ital. balita) ay sa maraming paraan ay katulad ng isang kuwento at itinuturing na iba't-ibang, ngunit ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang espesyal na dinamismo ng pagsasalaysay, matalas at madalas na hindi inaasahang mga liko sa pagbuo ng mga kaganapan. Kadalasan ang pagsasalaysay sa maikling kuwento ay nagsisimula sa pangwakas, ay binuo ayon sa batas ng pagbabaligtad, i.e. sa reverse order, kapag ang denouement ay nauna sa mga pangunahing kaganapan ("Terrible Revenge" ni N. Gogol). Ang tampok na ito ng pagbuo ng maikling kuwento ay hihiramin ng genre ng tiktik.
Ang salitang "nobela" ay may isa pang kahulugan na kailangang malaman ng mga magiging abogado. Sa sinaunang Roma, ang pariralang "novellae leges" (mga bagong batas) ay ginamit upang tukuyin ang mga batas na ipinakilala pagkatapos ng opisyal na kodipikasyon ng batas (pagkatapos ng paglabas ng Kodigo ni Theodosius II noong 438). Ang mga maikling kwento ni Justinian at ng kanyang mga kahalili, na inilathala pagkatapos ng ikalawang edisyon ng Kodigo ng Justinian, ay naging bahagi ng kodigo ng mga batas ng Roma (Corpus iuris civillis). Sa modernong panahon, ang isang nobela ay tinatawag na isang batas na isinumite para sa pagsasaalang-alang ng parlyamento (sa madaling salita, isang draft na batas).
Kwento- ang pinakaluma sa maliliit na epikong genre, isa sa mga pangunahing sa oral art ng sinumang tao. Ito ay isang maliit na gawain ng isang mahiwagang, adventurous o pang-araw-araw na kalikasan, kung saan ang fiction ay malinaw na binibigyang diin. Ang isa pang mahalagang katangian ng kuwentong-bayan ay ang nakapagpapatibay na katangian nito: "Ang kuwento ay isang kasinungalingan, ngunit may pahiwatig dito, isang aral para sa mabubuting tao." Ang mga kwentong bayan ay karaniwang nahahati sa mahiwagang ("The Tale of the Frog Princess"), sambahayan ("Sinagang mula sa isang palakol") at mga engkanto tungkol sa mga hayop ("Kubo ni Zayushkina").
Sa pag-unlad ng nakasulat na panitikan, lumilitaw ang mga kwentong pampanitikan kung saan ginagamit ang mga tradisyonal na motif at ang mga simbolikong posibilidad ng isang kuwentong bayan. Ang manunulat na Danish na si Hans Christian Andersen (1805-1875) ay nararapat na itinuturing na isang klasiko ng genre ng fairy tale ng literatura, ang kanyang kahanga-hangang "The Little Mermaid", "The Princess and the Pea", "The Snow Queen", "The Steadfast Tin Soldier. Ang ", "Shadow", "Thumbelina" ay minamahal ng maraming henerasyon ng mga mambabasa, parehong napakabata at medyo may edad na. At ito ay malayo sa hindi sinasadya, dahil ang mga engkanto ni Andersen ay hindi lamang pambihirang, at kung minsan ay kakaibang pakikipagsapalaran ng mga bayani, naglalaman sila ng malalim na pilosopikal at moral na kahulugan, na nakapaloob sa magagandang simbolikong mga imahe.
Sa mga kwentong pampanitikan sa Europa noong ika-20 siglo, naging klasiko ang The Little Prince (1942) ng manunulat na Pranses na si An-toine de Saint-Exupery. At ang sikat na "Chronicles of Narnia" (1950 - 1956) ng Ingles na manunulat na si Kl. Si Lewis at The Lord of the Rings (1954-1955), gayundin ng Englishman na si J. R. Tolkien, ay isinulat sa genre ng pantasya, na matatawag na modernong pagbabago ng isang sinaunang kuwentong bayan.
Sa panitikang Ruso, hindi maunahan, siyempre, ang mga kwento ng A.S. Pushkin: "Tungkol sa namatay na prinsesa at pitong bayani", "Tungkol sa mangingisda at isda", "Tungkol kay Tsar Saltan ...", "Tungkol sa gintong cockerel", "Tungkol sa pari at sa kanyang manggagawang si Balda". Ang isang kapalit na mananalaysay ay si P. Ershov, ang may-akda ng The Little Humpbacked Horse. Si E. Schwartz noong ika-20 siglo ay lumilikha ng anyo ng isang fairy tale play, isa sa kanila ang "The Bear" (isa pang pangalan ay "Ordinary Miracle") ay kilala ng marami salamat sa kahanga-hangang pelikula na idinirek ni M. Zakharov.
Parabula- din ng isang napaka sinaunang folklore genre, ngunit, hindi tulad ng isang fairy tale, ang mga talinghaga ay naglalaman ng mga nakasulat na monumento: ang Talmud, ang Bibliya, ang Koran, isang monumento ng Syrian literature "Teaching Akahara". Ang talinghaga ay isang gawa ng isang nakapagtuturo, simbolikong kalikasan, na nakikilala sa pamamagitan ng kadakilaan at kabigatan ng nilalaman. Ang mga sinaunang talinghaga, bilang panuntunan, ay maliit sa dami; hindi naglalaman ng detalyadong salaysay ng mga kaganapan o mga sikolohikal na katangian ng karakter ng bayani.
Ang layunin ng talinghaga ay pagpapatibay o, gaya ng sinabi nila minsan, ang pagtuturo ng karunungan. Sa kulturang Europeo, ang pinakatanyag ay ang mga talinghaga mula sa mga Ebanghelyo: tungkol sa alibughang anak, tungkol sa mayaman at kay Lazarus, tungkol sa hindi matuwid na hukom, tungkol sa baliw na mayaman, at iba pa. Si Kristo ay madalas na nakikipag-usap sa mga alagad nang may alegorya, at kung hindi nila naiintindihan ang kahulugan ng talinghaga, ipinaliwanag niya ito.
Maraming mga manunulat ang bumaling sa genre ng talinghaga, hindi palaging, siyempre, naglalagay ng isang mataas na relihiyosong kahulugan dito, sa halip ay sinusubukang ipahayag ang ilang uri ng moralistikong pagpapatibay sa isang alegorya na anyo, tulad ng, halimbawa, L. Tolstoy sa kanyang huli na gawain. Dalhin mo. V. Rasputin - Paalam kay Matera "ay maaari ding tawaging isang detalyadong parabula kung saan ang manunulat ay nagsasalita nang may pagkabalisa at kalungkutan tungkol sa pagkasira ng "ekolohiya ng budhi" ng isang tao. Ang kwentong "The Old Man and the Sea" ni E. Hemingway ay itinuturing din ng maraming kritiko na nasa tradisyon ng isang parabula na pampanitikan. Ang kilalang makabagong Brazilian na manunulat na si Paulo Coelho ay gumagamit din ng parable form sa kanyang mga nobela at maikling kwento (ang nobelang The Alchemist).
Kuwento- isang karaniwang genre ng pampanitikan, malawak na kinakatawan sa panitikan sa mundo. Ang kuwento ay naglalarawan ng ilang mahahalagang yugto mula sa buhay ng bayani, bilang panuntunan, isang storyline at isang maliit na bilang ng mga character. Ang mga kwento ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahusay na sikolohikal na saturation, ang may-akda ay nakatuon sa mga karanasan at pagbabago ng mood ng mga character. Kadalasan, ang pangunahing tema ng kuwento ay ang pag-ibig ng kalaban, halimbawa, "White Nights" ni F. Dostoevsky, "Asya" ni I. Turgenev, "Mitina's Love" ni I. Bunin. Ang mga kuwento ay maaari ding pagsamahin sa mga siklo, lalo na ang mga nakasulat sa autobiographical na materyal: "Pagkabata", "Pagbibinata", "Kabataan" ni L. Tolstoy, "Kabataan", "Sa Mga Tao", "Aking mga Unibersidad" ni A. Gorky. Ang mga intonasyon at tema ng mga kuwento ay napaka-magkakaibang: trahedya, tinutugunan sa matinding panlipunan at moral na mga isyu ("Lahat ay dumadaloy" ni V. Grossman, "Bahay sa Embankment" ni Y. Trifonov), romantiko, kabayanihan ("Taras Bulba" ni N. Gogol), pilosopiko , talinghaga ("Pit" ni A. Platonov), pilyo, komiks ("Tatlo sa isang bangka, hindi binibilang ang aso" ng Ingles na manunulat na si Jerome K. Jerome).
nobela(Ang Gotap French sa orihinal, noong huling bahagi ng Middle Ages, anumang akdang nakasulat sa wikang Romansa, kumpara sa mga nakasulat sa Latin) ay isang pangunahing epikong gawa kung saan ang salaysay ay nakatuon sa kapalaran ng isang indibidwal. Ang nobela ay ang pinaka kumplikadong genre ng epiko, na nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi kapani-paniwalang bilang ng mga tema at plot: pag-ibig, makasaysayang, tiktik, sikolohikal, hindi kapani-paniwala, makasaysayang, autobiographical, panlipunan, pilosopiko, satirical, atbp. Ang lahat ng mga anyo at uri na ito ng nobela ay pinag-isa ng sentral na ideya nito - ang ideya ng personalidad, ang sariling katangian ng isang tao.
Ang nobela ay tinatawag na epiko ng pribadong buhay, dahil inilalarawan nito ang magkakaibang koneksyon sa pagitan ng mundo at tao, lipunan at indibidwal. Ang realidad na nakapalibot sa isang tao ay ipinakita sa nobela sa iba't ibang konteksto: historikal, pampulitika, panlipunan, kultural, pambansa, atbp. Ang may-akda ng nobela ay interesado sa kung paano nakakaapekto ang kapaligiran sa karakter ng isang tao, kung paano siya nabuo, kung paano umunlad ang kanyang buhay, kung nagawa niyang mahanap ang kanyang kapalaran at mapagtanto ang kanyang sarili.
Iniuugnay ng marami ang paglitaw ng genre sa sinaunang panahon, ito ay sina Long's Daphnis at Chloe, Apuleius' Golden Ass, ang chivalrous na nobelang Tristan at Isolde.
Sa gawain ng mga klasiko ng panitikan sa mundo, ang nobela ay kinakatawan ng maraming mga obra maestra:
Talahanayan 2. Mga halimbawa ng klasikong nobela ng mga dayuhan at Ruso na manunulat (XIX, XX siglo) 
Mga sikat na nobela ng mga manunulat na Ruso noong siglo XIX
.:
Noong ika-20 siglo, ang mga manunulat na Ruso ay bumuo at nagpaparami ng mga tradisyon ng kanilang mga dakilang nauna at lumikha ng hindi gaanong kapansin-pansin na mga nobela:
Siyempre, wala sa mga enumerasyon na ito ang maaaring mag-claim ng pagkakumpleto at kumpletong objectivity, lalo na sa modernong prosa. Sa kasong ito, pinangalanan ang pinakasikat na mga gawa na lumuwalhati sa panitikan ng bansa at pangalan ng manunulat.
epikong nobela. Noong sinaunang panahon, may mga anyo ng kabayanihan na epiko: mga alamat ng alamat, rune, epiko, kanta. Ito ay ang Indian na "Ramayana" at "Mahabharata", ang Anglo-Saxon na "Beowulf", ang Pranses na "Awit ni Roland", ang Aleman na "Awit ng mga Nibelung", atbp. Sa mga gawaing ito, ang mga pagsasamantala ng bayani ay dinakila sa isang idealisado, madalas pinalaking anyo. Ang mga huling epikong tula na "Iliad" at "Odyssey" ni Homer, "Shah-name" ni Ferdowsi, habang pinanatili ang mitolohiyang kalikasan ng maagang epiko, gayunpaman, ay may malinaw na koneksyon sa totoong kasaysayan, at ang tema ng interweaving ng tao. kapalaran at ang buhay ng mga tao ay nagiging isa na.pangunahin. Ang karanasan ng mga sinaunang tao ay hihilingin sa ika-19-20 siglo, kapag ang mga manunulat ay susubukan na maunawaan ang dramatikong relasyon sa pagitan ng panahon at ng indibidwal na personalidad, sabihin ang tungkol sa mga pagsubok na ang moralidad, at kung minsan ang pag-iisip ng tao, ay napapailalim sa ang panahon ng pinakamalaking makasaysayang kaguluhan. Alalahanin natin ang mga linya ni F. Tyutchev: "Mapalad siya na bumisita sa mundong ito sa mga nakamamatay na sandali nito." Ang romantikong pormula ng makata sa katotohanan ay nangangahulugan ng pagkawasak ng lahat ng nakagawiang anyo ng buhay, kalunus-lunos na pagkalugi at hindi natutupad na mga pangarap.
Ang kumplikadong anyo ng epikong nobela ay nagbibigay-daan sa mga manunulat na masining na tuklasin ang mga problemang ito sa lahat ng kanilang pagkakumpleto at hindi pagkakapare-pareho.
Kapag pinag-uusapan natin ang genre ng epikong nobela, siyempre, naaalala natin kaagad ang Digmaan at Kapayapaan ni Leo Tolstoy. Maaaring mabanggit ang iba pang mga halimbawa: Quiet Flows the Don ni M. Sholokhov, Life and Fate ni V. Grossman, The Saga of the Forsytes ng Ingles na manunulat na Galsworthy; ang aklat ng Amerikanong manunulat na si Margaret Mitchell na "Gone with the Wind" ay maaari ding isaalang-alang na may magandang dahilan sa genre na ito.
Ang mismong pangalan ng genre ay nagpapahiwatig ng isang synthesis, isang kumbinasyon ng dalawang pangunahing prinsipyo dito: ang nobela at ang epiko, i.e. kaugnay ng tema ng buhay ng isang indibidwal at tema ng kasaysayan ng mga tao. Sa madaling salita, ang epikong nobela ay nagsasabi tungkol sa mga kapalaran ng mga bayani (bilang panuntunan, ang mga bayani mismo at ang kanilang mga kapalaran ay kathang-isip, imbento ng may-akda) laban sa background at malapit na nauugnay sa mga kaganapan sa kasaysayan na gumagawa ng kapanahunan. Kaya, sa "Digmaan at Kapayapaan" - ito ang mga kapalaran ng mga indibidwal na pamilya (Rostovs, Bolkonskys), mga paboritong bayani (Prince Andrei, Pierre Bezukhov, Natasha at Princess Mary) sa punto ng pagbabago para sa Russia at sa buong Europa, ang makasaysayang panahon ng simula ng ika-19 na siglo, ang Digmaang Patriotiko noong 1812 . Sa aklat ni Sholokhov, ang mga kaganapan sa Unang Digmaang Pandaigdig, dalawang rebolusyon at isang madugong digmaang sibil ay tragically pumasok sa buhay ng Cossack farm, ang pamilyang Melekhov, ang kapalaran ng mga pangunahing karakter: Grigory, Aksinya, Natalya. V. Grossman talks tungkol sa Great Patriotic War at ang pangunahing kaganapan nito - ang Labanan ng Stalingrad, tungkol sa trahedya ng Holocaust. Sa "Buhay at Kapalaran" ang makasaysayang at tema ng pamilya ay magkakaugnay din: sinusubaybayan ng may-akda ang kasaysayan ng mga Shaposhnikov, sinusubukang maunawaan kung bakit naiiba ang pag-unlad ng kapalaran ng mga miyembro ng pamilyang ito. Inilalarawan ni Galsworthy ang buhay ng pamilya Forsyte noong maalamat na panahon ng Victoria sa England. Si Margaret Mitchell ay isang pangunahing kaganapan sa kasaysayan ng US, ang Digmaang Sibil sa pagitan ng Hilaga at Timog, na kapansin-pansing binago ang buhay ng maraming pamilya at ang kapalaran ng pinakasikat na pangunahing tauhang babae ng panitikang Amerikano - si Scarlett O'Hara.
Mga dramatikong genre ng panitikan
Trahedya(tragodia Greek goat song) ay isang dramatikong genre na nagmula sa sinaunang Greece. Ang paglitaw ng sinaunang teatro at trahedya ay nauugnay sa pagsamba sa diyos ng pagkamayabong at alak, si Dionysus. Ang isang bilang ng mga pista opisyal ay nakatuon sa kanya, kung saan ang mga ritwal na mahiwagang laro ay nilalaro sa mga mummers, satyr, na kinakatawan ng mga sinaunang Greeks bilang bipedal na mga nilalang na tulad ng kambing. Ipinapalagay na ang hitsura ng mga satyr, na umawit ng mga himno sa kaluwalhatian ni Dionysus, ang nagbigay ng kakaibang pangalan sa pagsasalin sa seryosong genre na ito. Ang pagkilos sa teatro sa Sinaunang Greece ay binigyan ng isang mahiwagang relihiyosong kahalagahan, at ang mga teatro, na itinayo sa anyo ng malalaking open-air arena, ay palaging matatagpuan sa pinakasentro ng mga lungsod at isa sa mga pangunahing pampublikong lugar. Ang mga manonood kung minsan ay gumugol ng buong araw dito: kumain, uminom, malakas na nagpahayag ng kanilang pagsang-ayon o pagkondena sa palabas na ipinakita. Ang kasagsagan ng sinaunang trahedya ng Griyego ay nauugnay sa mga pangalan ng tatlong mahusay na trahedya: Aeschylus (525-456 BC) - ang may-akda ng mga trahedya na Chained Prometheus, Oresteia, atbp.; Sophocles (496-406 BC) - may-akda ng "Oedipus Rex", "Antigone" at iba pa; at Euripides (480-406 BC) - ang lumikha ng Medea, Troy Nok, atbp. Ang kanilang mga nilikha ay mananatiling mga halimbawa ng genre sa loob ng maraming siglo, susubukan nilang gayahin, ngunit mananatili silang hindi malalampasan. Ang ilan sa mga ito ("Antigone", "Medea") ay itinanghal hanggang ngayon.
Ano ang mga pangunahing tampok ng trahedya? Ang pangunahing isa ay ang pagkakaroon ng isang hindi malulutas na pandaigdigang salungatan: sa sinaunang trahedya, ito ang paghaharap sa pagitan ng kapalaran, kapalaran, sa isang banda, at ang tao, ang kanyang kalooban, malayang pagpili, sa kabilang banda. Sa mga trahedya ng mga huling panahon, ang salungatan na ito ay nagkaroon ng moral at pilosopikal na katangian, bilang isang paghaharap sa pagitan ng mabuti at masama, katapatan at pagkakanulo, pag-ibig at poot. Ito ay may ganap na karakter, ang mga bayani, na sumasalungat sa mga pwersa, ay hindi handa para sa pagkakasundo, kompromiso, at samakatuwid ay madalas na maraming pagkamatay sa pagtatapos ng trahedya. Ganito nabuo ang mga trahedya ng mahusay na English playwright na si William Shakespeare (1564-1616), alalahanin natin ang pinakasikat sa kanila: Hamlet, Romeo and Juliet, Othello, King Lear, Macbeth, Julius Caesar, atbp.
Sa mga trahedya ng mga manunulat ng dulang Pranses noong ika-17 siglo na sina Corneille ("Horace", "Polyeuctus") at Racine ("Andromache", "Britanic") ang salungatan na ito ay nakatanggap ng ibang interpretasyon - bilang isang salungatan ng tungkulin at damdamin, makatuwiran at emosyonal. sa mga kaluluwa ng mga pangunahing tauhan, ibig sabihin. nakatanggap ng sikolohikal na interpretasyon.
Ang pinakatanyag sa panitikang Ruso ay ang romantikong trahedya na "Boris Godunov" ni A.S. Pushkin, nilikha sa makasaysayang materyal. Sa isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, ang makata ay malinaw na nagbigay ng problema ng "tunay na kasawian" ng estado ng Moscow - isang kadena na reaksyon ng mga impostor at "kakila-kilabot na kalupitan" na handa ang mga tao para sa kapakanan ng kapangyarihan. Isa pang problema ay ang ugali ng mga tao sa lahat ng nangyayari sa bansa. Ang imahe ng "tahimik" na mga tao sa finale ng "Boris Godunov" ay simboliko; hanggang ngayon, ang mga talakayan ay nagpapatuloy tungkol sa kung ano ang gustong sabihin ni Pushkin dito. Batay sa trahedya, isang opera ng parehong pangalan ni M. P. Mussorgsky ang isinulat, na naging isang obra maestra ng mga klasikong opera ng Russia.
Komedya(Greek komos - isang masasayang pulutong, oda - isang kanta) - isang genre na nagmula sa sinaunang Greece nang mas huli kaysa sa trahedya (ika-5 siglo BC). Ang pinakasikat na komedyante noong panahong iyon ay si Aristophanes ("Clouds", "Frogs", atbp.).
Sa komedya, sa tulong ng pangungutya at katatawanan, i.e. komiks, ang mga bisyong moral ay kinukutya: pagkukunwari, katangahan, kasakiman, inggit, duwag, kasiyahan. Ang mga komedya ay may posibilidad na maging paksa; tinutugunan ang mga isyung panlipunan, na inilalantad ang mga pagkukulang ng kapangyarihan. Matukoy ang pagkakaiba sa pagitan ng mga sitcom at komedya ng karakter. Sa una, ang isang tusong intriga, isang hanay ng mga kaganapan ("The Comedy of Errors" ni Shakespeare) ay mahalaga, sa pangalawa - ang mga character ng mga character, ang kanilang kahangalan, one-sidedness, tulad ng sa mga komedya na "The Undergrowth" ni D. Fonvizin, "The Tradesman in the Nobility", "Tartuffe", na isinulat ng klasikong genre, French comedian ng ika-17 siglo na si Jean-Baptiste Molière. Sa dramaturhiya ng Russia, ang satirical na komedya na may matalas na pagpuna sa lipunan, tulad ng N. Gogol's The Inspector General, M. Bulgakov's Crimson Island, ay naging partikular na hinihiling. Maraming kahanga-hangang komedya ang nilikha ni A. Ostrovsky ("Wolves and Sheep", "Forest", "Mad Money", atbp.).
Ang genre ng komedya ay palaging nagtatamasa ng tagumpay sa publiko, marahil dahil ito ay nagpapatunay sa tagumpay ng hustisya: sa pagtatapos, ang bisyo ay tiyak na dapat parusahan, at ang kabutihan ay dapat na magtagumpay.
Drama- isang medyo "batang" genre na lumitaw sa Germany noong ika-18 siglo bilang isang lesedrama (sa German) - isang dula para sa pagbabasa. Ang drama ay tinutugunan sa pang-araw-araw na buhay ng isang tao at lipunan, pang-araw-araw na buhay, relasyon sa pamilya. Ang drama ay pangunahing interesado sa panloob na mundo ng isang tao, ito ang pinaka sikolohikal sa lahat ng mga dramatikong genre. Kasabay nito, ito rin ang pinaka-panitikan sa mga genre ng entablado, halimbawa, ang mga dula ni A. Chekhov ay higit na nakikita bilang mga teksto para sa pagbabasa, at hindi bilang mga pagtatanghal sa teatro.
Mga liriko na genre ng panitikan
Ang paghahati sa mga genre sa lyrics ay hindi ganap, dahil. ang mga pagkakaiba sa pagitan ng mga genre sa kasong ito ay may kondisyon at hindi gaanong halata tulad ng sa epiko at drama. Mas madalas nating nakikilala ang mga liriko na gawa sa pamamagitan ng kanilang mga pampakay na tampok: landscape, pag-ibig, pilosopiko, palakaibigan, intimate lyrics, atbp. Gayunpaman, maaari naming pangalanan ang ilang mga genre na binibigkas ang mga indibidwal na katangian: elehiya, soneto, epigram, mensahe, epitaph.
Elehiya(elegos Greek mournful song) - isang tula ng katamtamang haba, bilang panuntunan, moral-pilosopiko, pag-ibig, nilalaman ng kumpisalan.
Ang genre ay lumitaw noong unang panahon, at ang elegiac distich ay itinuturing na pangunahing tampok nito, i.e. paghahati ng tula sa mga couplet, halimbawa:
Dumating na ang inaasam-asam: tapos na ang matagal ko nang trabaho, Bakit lihim na bumabagabag sa akin ang di maintindihang kalungkutan?
A. Pushkin
Sa tula ng ika-19-20 siglo, ang paghahati sa mga couplet ay hindi na isang mahigpit na pangangailangan, ngayon ang mga tampok na semantiko na nauugnay sa pinagmulan ng genre ay mas makabuluhan. Sa mga tuntunin ng nilalaman, ang elehiya ay bumalik sa anyo ng sinaunang libing na "umiiyak", kung saan, habang nagdadalamhati sa namatay, sabay-sabay nilang naalala ang kanyang pambihirang mga birtud. Ang pinagmulang ito ay paunang natukoy ang pangunahing tampok ng elehiya - ang kumbinasyon ng kalungkutan sa pananampalataya, panghihinayang sa pag-asa, ang pagtanggap ng pagiging sa pamamagitan ng kalungkutan. Ang liriko na bayani ng elehiya ay may kamalayan sa di-kasakdalan ng mundo at mga tao, ang kanyang sariling pagkakasala at kahinaan, ngunit hindi tinatanggihan ang buhay, ngunit tinatanggap ito sa lahat ng kalunus-lunos na kagandahan nito. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang "Elegy" ni A.S. Pushkin:
Ang mga nakatutuwang taon ay nawala ang saya
Mahirap para sa akin, tulad ng isang hindi malinaw na hangover.
Ngunit, tulad ng alak - ang kalungkutan ng mga nakaraang araw
Sa aking kaluluwa, mas matanda, mas malakas.
Ang aking landas ay malungkot. Nangako sa akin ng paghihirap at kalungkutan
Ang paparating na magulong dagat.
Ngunit ayaw ko, oh mga kaibigan, mamatay;
Nais kong mabuhay upang makapag-isip at magdusa;
At alam kong mag-eenjoy ako
Sa pagitan ng kalungkutan, pag-aalala at pagkabalisa:
Minsan lasing na naman ako ng may harmony,
luluha ako sa fiction,
At marahil - sa aking malungkot na paglubog ng araw
Ang pag-ibig ay magniningning sa isang paalam na ngiti.
Soneto(sonetto, ital. kanta) - ang tinatawag na "solid" na anyong patula, na may mahigpit na mga tuntunin sa pagbuo. Mayroong 14 na linya sa soneto, nahahati sa dalawang quatrains (quatrains) at dalawang three-line verses (tercet). Sa quatrains dalawang rhyme lang ang inuulit, sa terzets dalawa o tatlo. Ang mga paraan ng pagtutula ay mayroon ding sariling mga kinakailangan, na, gayunpaman, ay iba-iba.
Ang lugar ng kapanganakan ng soneto ay Italya, ang genre na ito ay kinakatawan din sa Ingles at Pranses na tula. Si Petrarch, ang ika-14 na siglong makatang Italyano, ay itinuturing na sikat ng genre. Inialay niya ang lahat ng kanyang sonnet sa kanyang pinakamamahal na si Donna Laura.
Sa panitikang Ruso, ang mga sonnet ng A.S. Pushkin ay nananatiling hindi maunahan, ang magagandang sonnet ay nilikha din ng mga makata ng Panahon ng Pilak.
Epigram(Greek epigramma, inskripsiyon) ay isang maikli, mapanuksong tula, na kadalasang tinutugunan sa isang partikular na tao. Ang mga epigram ay isinulat ng maraming makata, kung minsan ay tumataas ang bilang ng kanilang mga masamang hangarin at maging mga kaaway. Ang epigram sa Count Vorontsov ay umikot para sa A.S. Pushkin sa pamamagitan ng poot ng maharlikang ito at, sa huli, pagpapatalsik mula sa Odessa patungong Mikhailovskoye:
Popu-aking panginoon, kalahating mangangalakal,
Kalahating matalino, kalahating mangmang,
Semi-scoundrel, pero may pag-asa
Kung ano ang magiging kumpleto sa wakas.
Ang mga mapanuksong taludtod ay maaaring italaga hindi lamang sa isang tiyak na tao, kundi pati na rin sa isang pangkalahatang addressee, tulad ng, halimbawa, sa epigram ng A. Akhmatova:
Maaari bang lumikha si Bice tulad ni Dante,
Dapat bang luwalhatiin ni Laura ang init ng pag-ibig?
Tinuruan kong magsalita ang mga babae...
Ngunit, Diyos, kung paano sila patahimikin!
Mayroong kahit na mga kaso ng isang uri ng tunggalian ng mga epigram. Nang ang sikat na abogado ng Russia na si A.F. Ang mga kabayo ay hinirang sa Senado, ang mga masamang hangarin ay nagpaabot ng isang masamang epigram sa kanya:
Dinala ni Caligula ang kabayo sa Senado,
Nakatayo siya na nakasuot ng velvet at ginto.
Ngunit sasabihin ko, mayroon tayong parehong arbitrariness:
Nabasa ko sa mga papel na nasa Senado si Kony.
Ano ang sinabi ni A.F. Si Koni, na nakilala sa kanyang pambihirang talento sa panitikan, ay sumagot:
(Greek epitafia, lapida) - isang tula ng paalam para sa isang patay na tao, na nilayon para sa isang lapida. Noong una, ang salitang ito ay ginamit sa literal na kahulugan, ngunit nang maglaon ay nakakuha ito ng mas matalinghagang kahulugan. Halimbawa, ang I. Bunin ay may isang liriko na miniature sa prosa na "Epitaph", na nakatuon sa paalam sa mahal ng manunulat, ngunit magpakailanman na umuurong sa ari-arian ng Russia. Unti-unti, ang epitaph ay binago sa isang tula-dedikasyon, isang tula ng paalam ("Wreath to the Dead" ni A. Akhmatova). Marahil ang pinakatanyag na tula ng ganitong uri sa tula ng Russia ay ang "The Death of a Poet" ni M. Lermontov. Ang isa pang halimbawa ay ang "Epitaph" ni M. Lermontov, na nakatuon sa memorya ni Dmitry Venevitinov, isang makata at pilosopo na namatay sa edad na dalawampu't dalawa.
Mga liriko-epikong genre ng panitikan
May mga gawa na pinagsasama ang ilang mga tampok ng lyrics at epiko, bilang ebedensya sa mismong pangalan ng grupong ito ng mga genre. Ang kanilang pangunahing tampok ay ang kumbinasyon ng pagsasalaysay, i.e. isang kuwento tungkol sa mga pangyayari, na may paglilipat ng damdamin at karanasan ng may-akda. Nakaugalian na ang pagtukoy sa mga genre ng liriko-epiko tula, oda, balada, pabula .
Tula(poeo Greek I create I create) ay isang napakatanyag na genre ng pampanitikan. Ang salitang "tula" ay may maraming kahulugan, parehong direkta at matalinghaga. Noong sinaunang panahon, ang malalaking epikong gawa, na ngayon ay itinuturing na mga epiko (ang mga tula ni Homer na nabanggit na sa itaas), ay tinawag na mga tula.
Sa panitikan noong ika-19-20 siglo, ang isang tula ay isang malaking akdang patula na may detalyadong balangkas, kung saan kung minsan ay tinatawag itong isang patula na kuwento. Ang tula ay may mga tauhan, isang balangkas, ngunit ang kanilang layunin ay medyo iba kaysa sa isang kwentong tuluyan: sa tula ay nakakatulong sila sa liriko na pagpapahayag ng sarili ng may-akda. Marahil iyon ang dahilan kung bakit mahal na mahal ng mga romantikong makata ang genre na ito ("Ruslan at Lyudmila" ni maagang Pushkin, "Mtsyri" at "Demonyo" ni M. Lermontov, "Cloud in Pants" ni V. Mayakovsky).
Ay oo(oda Greek song) - isang genre na pangunahing kinakatawan sa panitikan noong ika-18 siglo, bagama't mayroon din itong sinaunang pinagmulan. Ang ode ay bumalik sa sinaunang genre ng dithyramb - isang himno na niluluwalhati ang isang bayani ng bayan o ang nagwagi sa Olympic Games, i.e. isang natatanging tao.
Ang mga makata noong ika-18-19 na siglo ay lumikha ng mga odes sa iba't ibang okasyon. Ito ay maaaring maging isang apela sa monarko: M. Lomonosov inialay ang kanyang mga odes kay Empress Elizabeth, G. Derzhavin kay Catherine P. Habang niluluwalhati ang kanilang mga gawa, ang mga makata sa parehong oras ay nagturo sa mga empresses, nagbigay inspirasyon sa kanila ng mahahalagang ideya sa politika at sibil.
Ang mga mahahalagang pangyayari sa kasaysayan ay maaari ding maging paksa ng pagluwalhati at paghanga sa oda. G. Derzhavin pagkatapos mahuli ng hukbong Ruso sa ilalim ng utos ni A.V. Suvorov ng Turkish fortress, isinulat ni Izmail ang ode na "Kulog ng tagumpay, umalingawngaw!", Na sa loob ng ilang panahon ay ang hindi opisyal na awit ng Imperyo ng Russia. Mayroong isang uri ng espirituwal na ode: "Pagninilay sa umaga sa kadakilaan ng Diyos" ni M. Lomonosov, "Diyos" ni G. Derzhavin. Ang mga ideyang sibiko, pampulitika ay maaari ding maging batayan ng isang oda ("Liberty" ni A. Pushkin).
Ang genre na ito ay may binibigkas na didactic na kalikasan, maaari itong tawaging isang patula na sermon. Samakatuwid, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kataimtiman ng estilo at pananalita, ang masayang pagsasalaysay. Ang isang halimbawa ay ang sikat na sipi mula sa M. Lomonosov na "Ode on the Day of Accession to the All-Russian Throne of Her Majesty Empress Elizabeth Petrovna noong 1747", isinulat noong taon nang inaprubahan ni Elizabeth ang bagong charter ng Academy of Sciences, na makabuluhang nagpapataas ng mga pondo para sa pagpapanatili nito. Ang pangunahing bagay para sa mahusay na ensiklopedya ng Russia ay ang paliwanag ng nakababatang henerasyon, ang pag-unlad ng agham at edukasyon, na, ayon sa makata, ay magiging susi sa kaunlaran ng Russia.
Balada(balare provence - to dance) ay lalong popular sa simula ng ika-19 na siglo, sa sentimental at romantikong tula. Ang genre na ito ay nagmula sa French Provence bilang isang katutubong sayaw ng nilalaman ng pag-ibig na may mga obligadong pag-uulit. Pagkatapos ang ballad ay lumipat sa England at Scotland, kung saan nakakuha ito ng mga bagong tampok: ngayon ito ay isang kabayanihan na kanta na may isang maalamat na balangkas at mga bayani, halimbawa, ang mga sikat na ballad tungkol sa Robin Hood. Ang tanging palaging tampok ay ang pagkakaroon ng mga refrain (pag-uulit), na magiging mahalaga para sa mga ballad na isusulat sa ibang pagkakataon.
Ang mga makata noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo ay umibig sa balad para sa espesyal na pagpapahayag nito. Kung gagamit tayo ng pagkakatulad sa mga epikong genre, ang isang balad ay matatawag na isang poetic novella: dapat itong magkaroon ng hindi pangkaraniwang pag-ibig, maalamat, kabayanihan na balangkas na kumukuha ng imahinasyon. Madalas, hindi kapani-paniwala, kahit na mystical na mga imahe at motif ang ginagamit sa mga ballad: alalahanin natin ang sikat na "Lyudmila" at "Svetlana" ni V. Zhukovsky. Hindi gaanong sikat ang "The Song of the Prophetic Oleg" ni A. Pushkin, "Borodino" ni M. Lermontov.
Sa mga liriko ng Russia noong ika-20 siglo, ang balad ay isang romantikong tula ng pag-ibig, na kadalasang sinasaliwan ng saliw ng musika. Ang mga ballad ay lalong sikat sa "bardic" na tula, ang awit na kung saan ay maaaring tawaging ballad ni Yuri Vizbor, na minamahal ng marami.
Pabula(basnia lat. story) - isang maikling kuwento sa taludtod o prosa na may likas na didaktiko, satiriko. Ang mga elemento ng genre na ito mula noong sinaunang panahon ay naroroon sa alamat ng lahat ng mga tao bilang mga engkanto tungkol sa mga hayop, at pagkatapos ay binago sa mga anekdota. Ang pampanitikang pabula ay nabuo sa Sinaunang Greece, ang nagtatag nito ay Aesop (V siglo BC), pagkatapos ng kanyang pangalan alegoriko na pananalita ay nagsimulang tawaging "Aesopian language". Sa isang pabula, bilang panuntunan, mayroong dalawang bahagi: plot at moralizing. Ang una ay naglalaman ng isang kuwento tungkol sa ilang nakakatawa o walang katotohanan na pangyayari, ang pangalawa - moralidad, pagtuturo. Ang mga hayop ay madalas na nagiging mga bayani ng mga pabula, sa ilalim ng mga maskara kung saan medyo nakikilala ang mga bisyo sa moral at panlipunan ay nakatago, na kinukutya. Ang mga dakilang fabulist ay si Lafontaine (France, ika-17 siglo), Lessing (Germany, ika-18 siglo).Sa Russia, I.A. Krylov (1769-1844). Ang pangunahing bentahe ng kanyang mga pabula ay isang masigla, katutubong wika, isang kumbinasyon ng tuso at karunungan sa intonasyon ng may-akda. Ang mga plot at larawan ng marami sa mga pabula ni I. Krylov ay mukhang nakikilala kahit ngayon.
Ang mga dramatikong gawa (isa pang gr. na aksyon), tulad ng mga epiko, ay muling nililikha ang serye ng mga kaganapan, ang mga aksyon ng mga tao at ang kanilang mga relasyon. Tulad ng may-akda ng isang epikong akda, ang manunulat ng dula ay napapailalim sa "batas ng pagbuo ng aksyon." Ngunit walang detalyadong narrative-descriptive na imahe sa drama.
Actually, auxiliary at episodic ang speech ng author dito. Ganito ang mga listahan ng mga aktor, kung minsan ay sinasamahan ng mga maikling katangian, pagtatalaga ng oras at lugar ng pagkilos; paglalarawan ng sitwasyon sa entablado sa simula ng mga kilos at yugto, pati na rin ang mga komento sa mga indibidwal na replika ng mga karakter at mga indikasyon ng kanilang mga paggalaw, kilos, ekspresyon ng mukha, intonasyon (mga pangungusap).
Ang lahat ng ito ay bumubuo ng isang side text ng isang dramatikong akda.Ang pangunahing teksto nito ay isang hanay ng mga pahayag ng mga tauhan, ang kanilang mga replika at monologo.
Kaya ang ilang limitadong artistikong posibilidad ng drama. Gumagamit lamang ang manunulat-playwright ng isang bahagi ng visual na paraan na magagamit ng lumikha ng isang nobela o isang epiko, isang maikling kuwento o isang maikling kuwento. At ang mga tauhan ng mga tauhan ay ipinahayag sa dula na may kaunting kalayaan at ganap kaysa sa epiko. “Nakikita ko ang drama,” ang sabi ni T. Mann, “bilang sining ng silweta, at nararamdaman ko lamang na ang isinalaysay na tao bilang isang malaking-malaki, integral, totoo at plastik na imahe.”
Kasabay nito, ang mga manunulat ng dula, hindi tulad ng mga may-akda ng mga epikong gawa, ay napipilitang limitahan ang kanilang mga sarili sa dami ng tekstong pandiwa na nakakatugon sa mga kinakailangan ng sining ng teatro. Ang oras ng aksyon na inilalarawan sa drama ay dapat na magkasya sa mahigpit na balangkas ng oras ng entablado.
At ang pagganap sa mga form na pamilyar sa bagong European theater ay tumatagal, tulad ng alam mo, hindi hihigit sa tatlo o apat na oras. At ito ay nangangailangan ng angkop na sukat ng dramatikong teksto.
Ang oras ng mga kaganapan na muling ginawa ng manunulat ng dula sa panahon ng yugto ng yugto ay hindi na-compress o nakaunat; ang mga tauhan ng drama ay nagpapalitan ng mga pahayag nang walang anumang kapansin-pansing agwat ng oras, at ang kanilang mga pahayag, gaya ng binanggit ni K.S. Stanislavsky, bumubuo ng isang solid, tuluy-tuloy na linya.
Kung sa tulong ng pagsasalaysay ay naitatak ang aksyon bilang isang bagay na nakaraan, kung gayon ang tanikala ng mga diyalogo at monologo sa dula ay lumilikha ng ilusyon ng kasalukuyang panahon. Ang buhay dito ay nagsasalita na parang mula sa sarili nitong mukha: sa pagitan ng inilalarawan at ng mambabasa ay walang tagapamagitan-nagsasalaysay.
Ang aksyon ay muling nilikha sa drama na may pinakamataas na kamadalian. Ito ay umaagos na parang sa harap ng mga mata ng mambabasa. “Lahat ng anyo ng pagsasalaysay,” ang isinulat ni F. Schiller, “inilipat ang kasalukuyan sa nakaraan; lahat ng dramatic ay ginagawang kasalukuyan ang nakaraan.”
Ang drama ay nakatuon sa entablado. Ang teatro ay isang pampubliko, mass art. Ang pagganap ay direktang nakakaapekto sa maraming tao, na parang pinagsama sa isa bilang tugon sa kung ano ang nangyayari sa kanila.
Ang layunin ng drama, ayon kay Pushkin, ay kumilos sa karamihan, upang sakupin ang pag-usisa nito" at para sa layuning ito makuha ang "katotohanan ng mga hilig": "Ang drama ay isinilang sa plaza at bumubuo ng kasiyahan ng mga tao. Ang mga tao, tulad ng mga bata, ay nangangailangan ng libangan, aksyon. Ang drama ay nagpapakita sa kanya ng hindi pangkaraniwang, kakaibang mga pangyayari. Gusto ng mga tao ang matinding damdamin. Tawanan, habag at kilabot ang tatlong string ng ating imahinasyon, niyanig ng dramatikong sining.
Ang dramatikong genre ng panitikan ay lalong malapit na konektado sa globo ng pagtawa, dahil ang teatro ay pinagsama at binuo na may malapit na koneksyon sa mga mass festivities, sa isang kapaligiran ng paglalaro at kasiyahan. "Ang genre ng komiks ay pangkalahatan para sa unang panahon," ang sabi ni O. M. Freidenberg.
Totoo rin ang sinasabi tungkol sa teatro at drama ng ibang mga bansa at panahon. Tama si T. Mann nang tawagin niya ang "comedian instinct" na "ang pangunahing prinsipyo ng anumang dramatikong kasanayan."
Hindi kataka-taka na ang drama ay humahantong sa isang panlabas na kamangha-manghang pagtatanghal ng kung ano ang inilalarawan. Ang kanyang koleksyon ng imahe ay lumalabas na hyperbolic, kaakit-akit, theatrical at maliwanag. "Ang teatro ay nangangailangan ng labis na malalawak na linya kapwa sa boses, pagbigkas, at sa mga kilos," isinulat ni N. Boileau. At ang pag-aari na ito ng sining sa entablado ay palaging nag-iiwan ng marka sa pag-uugali ng mga bayani ng mga dramatikong gawa.
"Paano siya kumilos sa teatro," komento ni Bubnov (Sa Ibaba ni Gorky) sa galit na galit ng desperado na si Klesch, na, sa pamamagitan ng hindi inaasahang panghihimasok sa pangkalahatang pag-uusap, ay nagbigay ng epekto sa teatro.
Makabuluhan (bilang isang katangian ng dramatikong uri ng panitikan) ang mga paninisi ni Tolstoy laban kay W. Shakespeare para sa kasaganaan ng hyperbole, dahil kung saan ang posibilidad ng isang artistikong impresyon ay di-umano'y nilabag. "Mula sa mga unang salita," isinulat niya ang tungkol sa trahedya na "King Lear", "makikita ng isang tao ang isang pagmamalabis: isang pagmamalabis ng mga kaganapan, isang pagmamalabis ng mga damdamin at isang pagmamalabis ng mga pagpapahayag."
Mali si L. Tolstoy sa pagtatasa ng gawa ni Shakespeare, ngunit ang ideya ng pangako ng mahusay na English playwright sa theatrical hyperbole ay ganap na makatwiran. Ang nasabi tungkol sa "King Lear" na walang gaanong dahilan ay maaaring maiugnay sa mga sinaunang komedya at trahedya, mga dramatikong gawa ng klasisismo, sa mga dula nina F. Schiller at V. Hugo, atbp.
Noong ika-19-20 na siglo, nang ang pagnanais para sa makamundong pagiging tunay ay nanaig sa panitikan, ang mga kombensiyon na likas sa drama ay naging hindi gaanong halata, kadalasan ay nabawasan ang mga ito sa pinakamababa. Sa pinanggalingan ng hindi pangkaraniwang bagay na ito ay ang tinatawag na "petty-bourgeois drama" ng ika-18 siglo, ang mga lumikha at theorist kung saan sina D. Diderot at G.E. Nababawasan.
Mga gawa ng pinakamalaking manunulat ng dulang Ruso noong siglo XIX. at ang simula ng ika-20 siglo - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov at M. Gorky - ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging maaasahan ng mga recreated na anyo ng buhay. Ngunit kahit na ang mga manunulat ng dula ay itinakda ang kanilang mga pananaw sa pagiging totoo, ang balangkas, sikolohikal, at aktwal na verbal hyperbole ay nanatili.
Pinadama ng mga teatro na kombensiyon ang kanilang sarili kahit na sa dramaturhiya ni Chekhov, na siyang pinakamataas na limitasyon ng "kamukha ng buhay". Tingnan natin ang huling eksena ng The Three Sisters. Isang kabataang babae ang nakipaghiwalay sa isang mahal sa buhay sampu o labinlimang minuto ang nakalipas, malamang na magpakailanman. Limang minuto pa ang nakalipas ay nalaman ang tungkol sa pagkamatay ng kanyang kasintahan. At ngayon sila, kasama ang panganay, pangatlong kapatid na babae, ay nagbubuod ng moral at pilosopikal na mga resulta ng nakaraan, iniisip ang mga tunog ng isang martsa ng militar tungkol sa kapalaran ng kanilang henerasyon, tungkol sa hinaharap ng sangkatauhan.
Mahirap isipin na nangyayari ito sa katotohanan. Ngunit hindi natin napapansin ang implausibility ng pagtatapos ng The Three Sisters, dahil sanay na tayo sa katotohanang malaki ang pagbabago ng drama sa mga anyo ng buhay ng mga tao.
Ang nabanggit na mga kumbinsido sa katarungan ng paghatol ni A. S. Pushkin (mula sa kanyang nabanggit na artikulo) na "ang pinakadiwa ng dramatikong sining ay hindi kasama ang pagiging totoo"; “Sa pagbabasa ng tula, nobela, madalas nating nakakalimutan ang ating mga sarili at naniniwala na ang insidenteng inilalarawan ay hindi kathang-isip, kundi ang katotohanan.
Sa isang oda, sa isang elehiya, maaari nating isipin na ipinakita ng makata ang kanyang tunay na damdamin, sa totoong mga pangyayari. Ngunit nasaan ang kredibilidad sa isang gusali na nahahati sa dalawang bahagi, kung saan ang isa ay puno ng mga manonood na sumang-ayon.
Ang pinakamahalagang papel sa mga dramatikong gawa ay nabibilang sa mga kumbensyon ng pagsasalita sa pagsisiwalat ng sarili ng mga karakter, na ang mga diyalogo at monologo, na kadalasang puspos ng mga aphorism at maxims, ay nagiging mas malawak at epektibo kaysa sa mga pangungusap na maaaring bigkasin sa isang katulad na sitwasyon sa buhay.
Ang mga replika "sa tabi" ay may kondisyon, na, kung baga, ay hindi umiiral para sa iba pang mga karakter sa entablado, ngunit malinaw na naririnig sa madla, pati na rin ang mga monologo na binibigkas ng mga karakter lamang, nag-iisa sa kanilang sarili, na isang purong yugto. pamamaraan para sa pagpapalabas ng panloob na pananalita (maraming mga monologo tulad ng sa mga sinaunang trahedya, at sa dramaturhiya ng modernong panahon).
Ang playwright, na nagse-set up ng isang uri ng eksperimento, ay nagpapakita kung paano ipahayag ng isang tao ang kanyang sarili kung ipinahayag niya ang kanyang mga mood nang may pinakamataas na kapunuan at ningning sa mga binibigkas na salita. At ang pananalita sa isang dramatikong gawain ay kadalasang may pagkakahawig sa masining na liriko o oratorical na pananalita: ang mga tauhan dito ay may posibilidad na ipahayag ang kanilang sarili bilang mga improvisers-poets o masters ng pampublikong pagsasalita.
Samakatuwid, bahagyang tama si Hegel, isinasaalang-alang ang drama bilang isang synthesis ng epikong simula (kaganapan) at ang liriko (pagpapahayag ng pagsasalita).
Ang drama ay, kumbaga, dalawang buhay sa sining: teatro at pampanitikan. Binubuo ang dramatikong batayan ng mga pagtatanghal, na umiiral sa kanilang komposisyon, ang dramatikong gawain ay nakikita rin ng publikong nagbabasa.
Ngunit hindi ito palaging nangyari. Ang pagpapalaya ng dula mula sa entablado ay unti-unting isinagawa - sa loob ng ilang siglo at natapos kamakailan lamang: noong ika-18-19 na siglo. Ang mga makabuluhang halimbawa ng dramaturgy sa buong mundo (mula noong unang panahon hanggang ika-17 siglo) sa panahon ng kanilang paglikha ay halos hindi kinikilala bilang mga akdang pampanitikan: umiral lamang sila bilang bahagi ng sining ng pagtatanghal.
Ni W. Shakespeare o J. B. Molière ay hindi naisip ng kanilang mga kontemporaryo bilang mga manunulat. Ang isang mapagpasyang papel sa pagpapalakas ng ideya ng drama bilang isang gawaing inilaan hindi lamang para sa paggawa ng entablado, kundi pati na rin para sa pagbabasa, ay ginampanan ng "pagtuklas" sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo ni Shakespeare bilang isang mahusay na dramatikong makata.
Noong ika-19 na siglo (lalo na sa unang kalahati nito) ang mga pampanitikang merito ng drama ay kadalasang inilalagay sa itaas ng mga magagandang tanawin. Kaya, naniniwala si Goethe na "ang mga gawa ni Shakespeare ay hindi para sa mga mata ng katawan", at tinawag ni Griboyedov ang kanyang pagnanais na marinig ang mga taludtod ng "Woe from Wit" mula sa entablado na "pambata".
Laganap na ang tinatawag na Lesedrama (drama para sa pagbabasa), na nilikha na nakatuon sa persepsyon sa pagbabasa. Ganito ang Goethe's Faust, ang mga dramatikong gawa ni Byron, ang maliliit na trahedya ni Pushkin, ang mga drama ni Turgenev, tungkol sa kung saan sinabi ng may-akda: "Ang aking mga dula, na hindi kasiya-siya sa entablado, ay maaaring may ilang interes sa pagbabasa."
Walang mga pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng Lesedrama at ng dula, na ang may-akda ay nakatuon sa paggawa ng entablado. Ang mga drama na ginawa para sa pagbabasa ay kadalasang posibleng mga stage drama. At ang teatro (kabilang ang moderno) ay matigas ang ulo na naghahanap at kung minsan ay nahahanap ang mga susi sa kanila, ang katibayan kung saan ay ang matagumpay na mga paggawa ng "A Month in the Country" ni Turgenev (una sa lahat, ito ang sikat na pre-rebolusyonaryong pagganap ng Art Theater) at marami (bagaman malayo sa palaging matagumpay) yugto ng pagbabasa ng mga maliliit na trahedya ni Pushkin noong ika-20 siglo.
Ang lumang katotohanan ay nananatiling may bisa: ang pinakamahalaga, ang pangunahing layunin ng drama ay ang entablado. "Tanging kapag gumanap sa entablado," sabi ni A. N. Ostrovsky, "nagkakaroon ng ganap na tapos na anyo ang dramatikong fiction ng may-akda at gumagawa ng eksaktong moral na aksyon na itinakda ng may-akda sa kanyang sarili bilang isang layunin na makamit."
Ang paglikha ng isang pagtatanghal batay sa isang dramatikong gawain ay nauugnay sa malikhaing pagkumpleto nito: ang mga aktor ay gumagawa ng mga intonasyon-plastik na mga guhit ng mga papel na kanilang ginagampanan, ang pintor ay nagdidisenyo ng espasyo sa entablado, ang direktor ay gumagawa ng mga mise-en-scenes. Kaugnay nito, medyo nagbabago ang konsepto ng dula (mas nabibigyang pansin ang ilan sa mga panig nito, hindi gaanong pansin ang iba), madalas itong nakokonkreto at pinagyayaman: ang produksyon ng entablado ay nagpapakilala ng mga bagong semantic shade sa drama.
Kasabay nito, ang prinsipyo ng tapat na pagbabasa ng panitikan ay pinakamahalaga para sa teatro. Tinatawagan ang direktor at mga aktor na ihatid ang itinanghal na gawain sa madla nang may pinakamataas na posibleng pagkakumpleto. Ang katapatan ng pagbabasa sa entablado ay nagaganap kung saan malalim na nauunawaan ng direktor at mga aktor ang dramatikong gawain sa pangunahing nilalaman nito, genre, mga tampok ng istilo.
Ang mga pagtatanghal sa entablado (pati na rin ang mga adaptasyon sa pelikula) ay lehitimo lamang sa mga kaso kung saan may kasunduan (kahit na magkamag-anak) sa pagitan ng direktor at mga aktor at ang bilog ng mga ideya ng manunulat-mandula, kapag ang mga tauhan sa entablado ay maingat na nakatutok sa kahulugan ng ang itinanghal na gawain, sa mga tampok ng genre nito, ang mga tampok ng istilo nito at sa mismong teksto.
Sa klasikal na aesthetics ng ika-18-19 na siglo, lalo na nina Hegel at Belinsky, ang drama (pangunahin ang genre ng trahedya) ay itinuturing na pinakamataas na anyo ng pagkamalikhain sa panitikan: bilang "korona ng tula".
Ang isang buong serye ng mga artistikong kapanahunan ay, sa katunayan, ay nahayag nang nakararami sa dramatikong sining. Sina Aeschylus at Sophocles sa kasagsagan ng sinaunang kultura, sina Moliere, Racine at Corneille sa panahon ng klasisismo ay walang katumbas sa mga may-akda ng mga epikong gawa.
Mahalaga sa bagay na ito ang gawain ng Goethe. Ang lahat ng mga pampanitikang genre ay magagamit ng mahusay na manunulat na Aleman, ngunit nakoronahan niya ang kanyang buhay sa sining sa paglikha ng isang dramatikong gawain - ang walang kamatayang Faust.
Sa nakalipas na mga siglo (hanggang sa ika-18 siglo), ang drama ay hindi lamang matagumpay na nakipagkumpitensya sa epiko, ngunit madalas na naging nangungunang anyo ng masining na pagpaparami ng buhay sa espasyo at oras.
Ito ay dahil sa maraming dahilan. Una, ang sining sa teatro ay may malaking papel, naa-access (hindi tulad ng mga sulat-kamay at naka-print na mga libro) sa pinakamalawak na saray ng lipunan. Pangalawa, ang mga pag-aari ng mga dramatikong gawa (ang paglalarawan ng mga karakter na may binibigkas na mga tampok, ang pagpaparami ng mga hilig ng tao, ang pagkahumaling sa mga kalunos-lunos at katawa-tawa) sa panahon ng "pre-realist" ay ganap na tumutugma sa pangkalahatang mga uso sa panitikan at pangkalahatang artistikong.
At kahit na sa XIX-XX siglo. ang sosyo-sikolohikal na nobela, isang genre ng epikong panitikan, ay inilipat sa unahan ng panitikan; ang mga dramatikong gawa ay mayroon pa ring lugar ng karangalan.
V.E. Khalizev Theory of Literature. 1999
Sa isang banda, kapag gumagawa ng isang drama, ginagamit ang mga paraan na nasa arsenal ng manunulat, ngunit, sa kabilang banda, ang akda ay hindi dapat pampanitikan. Inilalarawan ng may-akda ang mga pangyayari sa paraang makikita ng taong magbabasa ng pagsusulit ang lahat ng nangyayari sa kanyang imahinasyon. Halimbawa, sa halip na "naupo sila sa bar nang napakatagal na panahon" maaari mong isulat ang "uminom sila ng anim na beer bawat isa", atbp.
Sa drama, ang mga nangyayari ay ipinapakita hindi sa pamamagitan ng panloob na pagmuni-muni, ngunit sa pamamagitan ng panlabas na pagkilos. Bukod dito, lahat ng mga kaganapan ay nagaganap sa kasalukuyang panahon.
Gayundin, ang ilang mga paghihigpit ay ipinapataw sa dami ng trabaho, dahil. dapat itong iharap sa entablado sa loob ng inilaang oras (hanggang sa maximum na 3-4 na oras).
Ang mga kinakailangan ng drama, bilang isang sining sa entablado, ay nag-iiwan ng kanilang marka sa pag-uugali, kilos, salita ng mga tauhan, na kadalasang pinalalaki. Ano ang hindi maaaring mangyari sa buhay sa loob ng ilang oras, sa drama maaari itong napakahusay. Kasabay nito, ang madla ay hindi mabigla sa pamamagitan ng conventionality, implausibility, dahil ang genre na ito sa una ay nagpapahintulot sa kanila sa isang tiyak na lawak.
Sa panahon na ang mga libro ay mahal at hindi naa-access ng marami, ang drama (bilang isang pampublikong pagtatanghal) ay ang nangungunang anyo ng masining na pagpaparami ng buhay. Gayunpaman, sa pag-unlad ng teknolohiya sa pag-print, nawala ito sa mga epikong genre. Gayunpaman, kahit ngayon, ang mga dramatikong gawa ay nananatiling hinihiling sa lipunan. Ang pangunahing manonood ng drama ay, siyempre, mga theatergoers at moviegoers. Bukod dito, ang bilang ng huli ay lumampas sa bilang ng mga mambabasa.
Depende sa paraan ng pagtatanghal, ang mga dramatikong gawa ay maaaring nasa anyo ng mga dula at iskrip. Ang lahat ng mga dramatikong gawa na nilalayong itanghal mula sa yugto ng teatro ay tinatawag na mga dula (Pranses na pi èce). Mga dramatikong gawa batay sa kung aling mga pelikula ang ginawa ay mga script. Ang parehong mga dula at script ay naglalaman ng mga pahayag ng may-akda upang ipahiwatig ang oras at lugar ng aksyon, ipahiwatig ang edad, hitsura ng mga karakter, atbp.
Ang istruktura ng dula o iskrip ay sumusunod sa istruktura ng kwento. Karaniwan, ang mga bahagi ng isang dula ay itinalaga bilang isang kilos (action), isang phenomenon, isang episode, isang larawan.
Ang mga pangunahing genre ng mga dramatikong gawa:
- drama,
- trahedya
- komedya
- trahedya
- komedya
- vaudeville
- sketch.
Drama
Ang dula ay isang akdang pampanitikan na naglalarawan ng isang seryosong tunggalian sa pagitan ng mga aktor o sa pagitan ng mga aktor at lipunan. Ang relasyon sa pagitan ng mga karakter (bayani at lipunan) sa mga gawa ng ganitong genre ay laging puno ng drama. Sa takbo ng pagbuo ng balangkas, mayroong matinding pakikibaka kapwa sa loob ng mga indibidwal na karakter at sa pagitan nila.
Bagama't napakaseryoso ng hidwaan sa drama, maaari pa rin itong malutas. Ipinapaliwanag ng sitwasyong ito ang intriga, ang tensiyonado na pag-asa ng madla: kung ang bayani (mga bayani) ay makakaalis sa sitwasyon o hindi.
Ang drama ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang paglalarawan ng tunay na pang-araw-araw na buhay, ang pagbabalangkas ng "mortal" na mga katanungan ng pag-iral ng tao, isang malalim na pagsisiwalat ng mga karakter, ang panloob na mundo ng mga karakter.
Mayroong mga uri ng drama gaya ng historikal, panlipunan, pilosopikal. Ang drama ay isang melodrama. Sa loob nito, malinaw na nahahati ang mga karakter sa positibo at negatibo.
Mga kilalang drama: Othello ni W. Shakespeare, At the Bottom ni M. Gorky, Cat on a Hot Roof ni T. Williams.
Trahedya
Ang Trahedya (mula sa Griyegong tragos ode - "awit ng kambing") ay isang dramatikong akdang pampanitikan batay sa isang hindi mapagkakasunduang salungatan sa buhay. Ang trahedya ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang maigting na pakikibaka ng malalakas na karakter at hilig, na nagtatapos sa isang sakuna na kinalabasan para sa mga karakter (karaniwan ay kamatayan).
Ang salungatan ng isang trahedya ay kadalasang napakalalim, may pangkalahatang kahulugan at maaaring simboliko. Ang kalaban, bilang panuntunan, ay nagdurusa nang malalim (kabilang ang kawalan ng pag-asa), ang kanyang kapalaran ay hindi masaya.
Ang teksto ng trahedya ay kadalasang nakakaawa. Maraming trahedya ang nakasulat sa talata.
Mga kilalang trahedya: "Chained Prometheus" ni Aeschylus, "Romeo and Juliet" ni W. Shakespeare, "Thunderstorm" ni A. Ostrovsky.
Komedya
Ang komedya (mula sa Greek komos ode - "merry song") ay isang akdang pampanitikan kung saan ang mga tauhan, sitwasyon at kilos ay ipinakita nang nakakatawa, gamit ang katatawanan at pangungutya. Kasabay nito, ang mga karakter ay maaaring medyo malungkot o malungkot.
Karaniwan ang komedya ay naglalahad ng lahat ng pangit at katawa-tawa, nakakatawa at awkward, kinukutya ang mga bisyo sa lipunan o tahanan.
Ang komedya ay nahahati sa komedya ng mga maskara, posisyon, karakter. Kasama rin sa genre na ito ang farce, vaudeville, sideshow, sketch.
Ang komedya ng mga sitwasyon (comedy of situations, situational comedy) ay isang dramatikong komedya na gawa kung saan ang mga pangyayari at pangyayari ang pinagmulan ng nakakatawa.
Ang komedya ng mga tauhan (comedy of manners) ay isang dramatikong gawaing komedya kung saan ang pinagmumulan ng katatawanan ay ang panloob na kakanyahan ng mga tauhan (moral), nakakatawa at pangit na isang panig, isang labis na katangian o pagsinta (bisyo, depekto).
Ang komedya ay isang magaan na komedya na gumagamit ng mga simpleng diskarte sa komiks at idinisenyo para sa isang magaspang na lasa. Karaniwan ang isang komedya ay ginagamit sa isang circus lunade.
Ang Vaudeville ay isang magaan na komedya na may nakakaaliw na intriga, na may malaking bilang ng mga numero ng sayaw at kanta. Sa US, ang vaudeville ay tinatawag na musical. Sa modernong Russia, karaniwan ding sabihin ang "musical", ibig sabihin ay vaudeville.
Ang interlude ay isang maliit na eksena sa komiks na pinapatugtog sa pagitan ng mga aksyon ng pangunahing pagtatanghal o pagtatanghal.
Ang Sketch (English sketch - "sketch, sketch, sketch") ay isang maikling komedya na may dalawa o tatlong karakter. Karaniwan, ang pagtatanghal ng mga sketch ay ginagamit sa entablado at telebisyon.
Mga kilalang komedya: "The Frogs" ni Aristophanes, "The Government Inspector" ni N. Gogol, "Woe from Wit" ni A. Griboyedov.
Mga sikat na palabas sa TV sketch: "Our Russia", "Town", "Monty Python's Flying Circus".
Tragikomedya
Ang tragicomedy ay isang dramatikong akdang pampanitikan kung saan ang isang trahedya na balangkas ay inilalarawan sa isang komiks na anyo o isang random na paghalu-halo ng mga trahedya at nakakatawang elemento. Sa tragicomedy, ang mga seryosong yugto ay pinagsama sa mga nakakatawa, ang mga kahanga-hangang karakter ay itinakda ng mga comic character. Ang pangunahing paraan ng tragicomedy ay ang kataka-taka.
Masasabi nating "tragicomedy is the funny in the tragic" or vice versa, "the tragic in the funny."
Mga kilalang tragicomedies: "Alcestis" ni Euripides, "The Tempest" ni W. Shakespeare, "The Cherry Orchard" ni A. Chekhov, ang mga pelikulang "Forrest Gump", "The Great Dictator", "The Same Munchazen".
Ang mas detalyadong impormasyon sa paksang ito ay matatagpuan sa mga aklat ni A. Nazaikin
