Ang mga pianista ay mga birtuoso. Ang pinakamahusay na jazz pianist sa lahat ng oras

MSOPE "Paaralan ng Sining ng Akimat ng rehiyon ng Shemonaikha"

Proyekto ng pananaliksik

Mahusay na pianista - mga performer

Ika-19, ika-20, ika-21 siglo

Inihanda ni: Daria Tayurskikh Baitang 5

Podfatilov Denis Grade 3

Pinuno ng pangkat:

guro sa paaralan ng sining

Dobzhanskaya Y.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Panimula ………………………………………………………………… ... 2

XIX na siglo ………………………………………………………………… ..3

XX siglo ………………………………………………………………… ..13

XXI siglo ………………………………………………………………… .24

Konklusyon…………………………………………………………………………

... "piano - ito ang simula at wakas ng lahat, hindi gaanong instrumento sa musika bilang isang paraan ng pamumuhay, at ang kahulugan ay hindi sa musika para sa kapakanan ng musika, ngunit sa musika para sa kapakanan ng piano.

Herold Schonberg

Mga piyanista– ito musikero, dalubhasa sa piano performance ng mga musikal na gawa.

Mahusay na pianista. Paano ka naging mahusay na pianista? Ito ay palaging isang napakalaking trabaho. At ang lahat ay nagsisimula sa pagkabata. Maraming pianista at kompositor ang nagsimulang mag-aral ng musika sa 4 o kahit 3 taong gulang.Pagkatapos, kapag ang "malawak" na hugis ng palad ay nabuo, na sa hinaharap ay makakatulong upang maglaro nang may birtud.

Depende sa panahon ng pag-unlad ng musikang piano, kung minsan ay magkasalungat na mga kahilingan ang iniharap para sa mga pianista. Bilang karagdagan, ang propesyon ng isang musikero ay hindi maiiwasang sumasalubong sa propesyon ng isang kompositor. Karamihan sa mga pianista ay bumubuo ng kanilang sariling mga musikal na piyesa para sa piano. At ang mga bihirang birtuoso lamang ang nagtagumpay na sumikat, na eksklusibong gumaganap ng mga melodies ng ibang tao.
Sa anumang kaso, tulad ng sinumang musikero, mahalaga para sa isang pianist na maging taos-puso at emosyonal, upang ma-dissolve sa musika na kanyang ginagampanan.

Ang kasaysayan ng piano music ay medyo kawili-wili. Maraming mga yugto ang nakikilala sa loob nito, ang bawat isa ay may sariling mga tradisyon. Kadalasan, ang mga canon ng panahon ay itinakda ng isa (mas madalas ng ilang) kompositor na mahusay na pinagkadalubhasaan ang pagtugtog ng instrumento (sa una ito ay ang harpsichord, at pagkatapos ay ang piano).

Samakatuwid, ang pag-highlight ng tatlong panahon sa kasaysayan ng pianismo, pinangalanan sila sa pinakasikat na mga kompositor - Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Kung tayo ay kumikilos sa tradisyonal na terminolohiya ng mga istoryador, ito ang mga panahon ng klasisismo, pagkatapos ay romanticism at maagang modernismo, ayon sa pagkakabanggit.

Ang bawat isa sa kanila ay nanatili sa loob ng maraming siglo bilang isang mahusay na kompositor, ngunit sa isang pagkakataon ay tinukoy ng bawat isa ang mga pangunahing uso sa pianismo: klasisismo, romantikismo at maagang modernismo. Kasabay nito, ang iba pang mahusay na pianista ay kumilos nang sabay-sabay sa bawat isa sa kanila. Ang ilan sa kanila ay mahusay ding kompositor. Sila ay sina: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alcan, Robert Schumann at iba pa.

Kung maglalakbay ka sa kasaysayan ng agham ng piano, matututo ka ng maraming kawili-wiling bagay. Halimbawa, na sa iba't ibang panahon, iba't ibang panahon, ang mga pangunahing tradisyon sa pagtugtog ng piano ay itinakda ng isa o ilang magagaling na kompositor na ganap na nakabisado sa pagtugtog ng harpsichord at nang maglaon, sa pagdating ng piano, ay mga mahuhusay na pianista.

Maraming sikat na pianista ang nakaaliw at nagpasaya sa mga tagapakinig at mahilig sa musika sa buong kasaysayan. Ang piano ay naging isa sa mga pinakasikat na instrumento mula noong ito ay naimbento dahil sa kanyang versatility at kaaya-ayang tunog. Bagama't ang kasaysayan ay nagpapanatili ng ilang mga pangalan ng magagaling na pianista, ang anumang survey ng mga pinakasikat na pianist performer ay lubos na subjective, at ang mga pangalan ng naturang mga performer ay mahirap na magkasya sa isang listahan.

Gayunpaman, mayroon pa ring mga pianista na nakaangat sa tugatog ng katanyagan at pagkilala sa buong mundo.

XIXsiglo

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, isang bagong instrumento ang pumasok sa buhay musikal - piano. Ang imbentor nitong "harpsichord na may piano at forte" ay isang Padua master

Bartolomeo Cristofori.

Unti-unting pinahusay ang piano, kinuha nito ang isang nangingibabaw na lugar sa pagsasanay sa musika. Ang isang instrumento na may mekanismo ng martilyo ay naging posible upang kunin ang mga tunog ng iba't ibang lakas dito at maglapat ng unti-unti crescendoatdiminuendo. Ang mga katangiang ito ng piano ay tumugon sa pagnanais para sa emosyonal na pagpapahayag ng tunog, para sa paghahatid sa kanilang paggalaw at pag-unlad ng mga imahe, kaisipan at damdamin na nag-aalala sa mga tao.

Sa pagdating ng piano at ang pagpapakilala nito sa pagsasanay sa pagganap, ang mga bagong kinatawan ay ipinanganak.

ika-19 na siglo isulong ang isang buong kalawakan ng mga natitirang kompositor na makabuluhang pinalawak ang mga hangganan ng teknikal at nagpapahayag na paraan ng piano. Mga sentro ng European ng musikal at kulturang gumaganap, mga pangunahing paaralan ng piano, ito:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

Vienna(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg, atbp.);

Parisian, kalaunan ay kilala bilang pranses(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer, atbp.);

Aleman(Karl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdi, Robert Schumann, Hans Bülow, atbp.);

Ruso(Alexander Dubyuk, Mikhail Glinka, Anton at Nikolai Rubinstein, atbp.).

Ika-19 na siglo na istilo ng pagganap

Ang kasaysayan ng pag-unlad ng pianistic technique ay ang kasaysayan ng mga kultura at istilo. Kabilang sa mga kailangang-kailangan na kasanayan ng isang pianista noong 18-19 na siglo, ang improvisasyon ay dapat na, kung gayon ang pianista ay hindi pa humiwalay sa kompositor, at kung tumugtog siya ng musika ng ibang tao, kung gayon ang panuntunan ay itinuturing na isang napaka-malaya, indibidwal na malikhaing paggamot. ng musikal na teksto, nagkaroon ng kasanayan sa pangkulay at mga pagkakaiba-iba, na ngayon ay itinuturing na hindi wasto.

Ang estilo ng mga masters ng ika-19 na siglo ay napuno ng tulad na gumaganap na sariling kalooban na ituturing namin itong isang daang porsyento na walang lasa at hindi katanggap-tanggap.

Isang namumukod-tanging papel sa pag-unlad ng musikang piano at kulturang pianistiko ay nabibilang sa Mga paaralan sa London at Vienna.

Ang nagtatag ng London School ay ang sikat na birtuoso, kompositor at guro

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi at ang kanyang mga estudyante ay tumugtog ng English piano, na may malaking tunog at nangangailangan ng malinaw, matatag na keystroke, dahil ang instrumentong ito ay may napakahigpit na keyboard. Ang Viennese piano, na dinisenyo ni master Johannes Stein at minamahal ni Mozart, ay may mas malambing, kahit na hindi gaanong malakas na tunog, at may medyo magaan na keyboard. Samakatuwid, naging direktor at pagkatapos ay kapwa may-ari ng isa sa pinakamalaking kumpanya ng piano sa England, pinahusay ni Clementi ang mga instrumentong Ingles, na nagbibigay sa kanila ng higit na melodiousness at nagpapagaan sa keyboard. Ang impetus para dito ay ang personal na pagpupulong ni Clementi kay Mozart noong 1781 sa Vienna, kung saan sa korte ng Austrian emperor naganap ang kanilang uri ng kompetisyon bilang mga kompositor at pianista. Tinamaan si Clementi sa lapit ng pagtugtog ni Mozart at ng kanyang "piano singing".

Muzio Clementi - ang may-akda ng maraming gawa sa piano at isang kilalang guro, ay lumikha ng kanyang sariling paaralan ng pagtugtog ng piano. Siya ang may-akda ng unang nakapagtuturo na mga teknikal na pagsasanay at etudes sa kasaysayan ng piano, na nagbibigay ng ideya ng mga prinsipyong pamamaraan nito.

Si Clementi mismo at ang kanyang mga mag-aaral (I. Kramer, D. Field - isa sa mga pinaka matalinong mag-aaral, E. Brekr) - mga dakilang birtuoso noong unang bahagi ng ika-19 na siglo - ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mahusay na pamamaraan ng daliri. Si Clementi, kasama ang kanyang mga mag-aaral, ay lumikha ng isang progresibong pamamaraan na nakatuon sa pagbuo ng mga bagong paraan ng pagbibigay-kahulugan sa instrumento, ang paggamit ng isang buong "konsiyerto" na tunog at embossed na pananaw. M. Clementi's pedagogical work "A Step to Parnassus, or the Art of Playing the Piano, Embodied in 100 Exercises in austere and Elegant Styles." Ang gawaing ito ay isang pangunahing paaralan para sa pagpapalaki ng mga kasanayan sa pianistic, 100 mga pagsasanay na humanga sa iba't ibang nilalaman at dami ng mga nakatalagang gumaganap na gawain. Maraming mga kinatawan ng paaralan sa London ang matapang na mga innovator sa larangan ng pianismo, na gumagamit sa kanilang mga komposisyon, bilang karagdagan sa mga sipi ng daliri, dobleng mga nota, octaves, mga istruktura ng chord, pag-eensayo at iba pang mga diskarte na nagdaragdag ng kinang at pagkakaiba-iba sa tunog.

Ang paaralang Clementi ay nagbigay ng ilang mga tradisyon sa piano pedagogy:

ang prinsipyo ng maraming oras ng mga teknikal na pagsasanay;

paglalaro ng "nakahiwalay", tulad ng martilyo na mga daliri na may hindi gumagalaw na kamay;

kalubhaan ng ritmo at magkasalungat na dinamika.

Ang mga nagtatag ng Vienna School ay ang mga dakilang pianist na kompositor: Haydn, Mozart at Beethoven.

Ang isang pangunahing kinatawan ng progresibong piano pedagogy ay napakatanyag

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Ang "Theoretical and Practical School of Piano" ni Czerny ay may maraming bagay na karaniwan sa "Manual" ni Hummel. Sa pagsasalita nang detalyado tungkol sa pamamaraan ng paglalaro, tungkol sa mga paraan ng pag-unlad nito at ang pagkuha ng mga kasanayang kinakailangan para sa pianista, binibigyang-diin niya sa ikatlong bahagi ng kanyang trabaho na ang lahat ng ito ay "paraan lamang para sa pagkamit ng tunay na layunin ng sining, na, walang alinlangan, ay upang ilagay ang kaluluwa sa paglalaro. at espiritu at sa gayon ay naiimpluwensyahan ang mga damdamin at kaisipan ng mga nakikinig."

Dapat itong tapusin na ang pamamaraan ng pagtuturo ng ika-19 na siglo ay nabawasan sa puro teknikal na mga problema, na batay sa pagnanais na bumuo ng lakas at katatasan ng daliri sa pamamagitan ng mga oras ng pagsasanay. Kasabay nito, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang mga pinaka mahuhusay na performer, karamihan sa kanila ay mga mag-aaral ng Clementi, Adam, Czerny, Field at iba pang mga natitirang guro, na nakamit ang mataas na birtuosity, matapang na bumuo ng mga bagong diskarte para sa pagtugtog ng piano, pagkamit ang lakas ng tunog ng instrumento, ang ningning at ningning ng mga kumplikadong sipi. Ang partikular na kahalagahan sa texture ng kanilang mga gawa ay ang mga istruktura ng chord, octaves, double notes, rehearsals, mga diskarte sa paglipat ng kamay at iba pang mga epekto na nangangailangan ng partisipasyon ng buong kamay.

Paris ika-19 na siglo - ay ang sentro ng musikal kultura, birtuoso kasanayan. Ang lumikha ng paaralan sa Paris ng pagtugtog ng piano ay isinasaalang-alang kompositor, piyanista, guro

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Sa kanyang akdang "A Method for Teaching the Piano with the Help of a Hands-On" (1830), pinatunayan niya ang paggamit ng mga teknikal na kagamitan para sa pagbuo ng iba't ibang uri ng teknik (fine technique, stretching of muscles, atbp.). Kapansin-pansing tampok ang mga paaralan ng ganitong uri ay isang pamayanan ng authoritarian pedagogical mga pag-install. Ang pag-aaral ay nagsimula sa pagbuo ng tamang landing sa instrumento at pag-master ng pinakasimpleng motor-technical formula, at pagkaraan lang ay nagsimulang matuto ang mga estudyante ng mga musikal na piyesa.

Ang pagnanais para sa virtuosity ay humantong sa pagbilis ng bilis ng pagsasanay, ang pag-abuso sa mga mekanikal na ehersisyo, na humantong sa parehong mga sakit sa trabaho at sa pagbaba ng kontrol sa pandinig.

Alemanya ika-19 na siglo Ang impluwensya ng literary-critical at pedagogical na aktibidad sa romantikong aesthetics ng bansang ito ay makabuluhan.

Robert Schumann (1810-1856)

Ang isang makabuluhang lugar sa mga akda ni Robert Schumann ay inookupahan ng pagbuo ng mga katanungan ng pagbuo ng isang musikero - isang tunay na artista ng isang bagong uri, sa panimula ay naiiba sa mga fashion virtuosos. Itinuturing ng kompositor na ito ang isa sa pinakamabisang paraan ng pagpapalaki ng kultura ng musika.

Ang mga problema ng musical pedagogy ay naaantig sa mga gawa ni R. Schumann "Household and Life Rules for Musicians", "Supplement to the Album for Youth", sa paunang salita sa Etudes ni Caprice ni Paganini, op.Z. Ang nilalaman ng ang pangunahing mga isyu sa musika at pedagogical ay ang mga sumusunod: ang pakikipag-ugnayan ng etikal at aesthetic na edukasyon , ang pagkuha ng malalim at maraming nalalaman na kaalaman na nagiging batayan ng anumang edukasyon, ang pagbabalangkas ng mga prinsipyo ng seryosong sining at pagpuna sa direksyon ng salon at pagkahilig para sa "teknolohiya para sa kapakanan ng teknolohiya" sa kompositor at gumaganap na sining, ang paglaban sa amateurism.

Ang mga musikal at pedagogical na pananaw ni Schumann ay nagsilbi at patuloy na nagsisilbing batayan para sa mga makabagong pamamaraan. Ang piano music ng kompositor ay aktibong ginagamit pa rin sa mga programang pang-edukasyon sa lahat ng antas.

Imposibleng hindi sabihin ang tungkol sa isang mahusay na kompositor at birtuoso, Polish pianist

Frederic Chopin (1810-1849)

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, si Frederic Chopin ang naging unang kompositor na sumulat ng musika na eksklusibo para sa piano. Bilang isang matalinong bata, sumulat si Chopin ng maraming magaganda at kumplikadong mga piyesa ng piano na ikinatuwa ng maraming estudyante at mga manlalaro ng piano sa mga nakaraang taon. Mabilis na nasakop ni Chopin ang Paris. Agad niyang pinahanga ang mga manonood sa kanyang kakaiba at hindi pangkaraniwang pagganap. Sa oras na iyon, ang Paris ay binaha ng mga musikero mula sa buong mundo. Ang pinakasikat ay mga birtuoso na pianista. Ang kanilang pagganap ay nakikilala sa pamamagitan ng teknikal na kahusayan at katalinuhan, na nagpasindak sa madla. Iyon ang dahilan kung bakit ang pinakaunang concert performance ni Chopin ay napakatindi ng contrast. Ayon sa mga alaala ng mga kontemporaryo, ang kanyang pagganap ay nakakagulat na espirituwal at patula. Ang memorya ng sikat na Hungarian na musikero na si Franz Liszt ay nakaligtas sa unang konsiyerto ng Chopin. Sinimulan din niya ang kanyang napakatalino na karera bilang isang pianist at kompositor: "Naaalala namin ang kanyang unang pagtatanghal sa Pleyel Hall, nang ang palakpakan, na lumalago nang may paghihiganti, ay tila hindi sapat na maipahayag ang aming sigasig sa harap ng talento, na, kasama ang kagalakan. mga pagbabago sa larangan ng kanyang sining, nagbukas ng isang bagong yugto sa pagbuo ng mala-tula na pakiramdam. Sinakop ni Chopin ang Paris, gaya ng minsang sinakop ni Mozart at Beethoven ang Vienna. Tulad ni Liszt, kinilala siya bilang pinakamahusay na pianista sa mundo.

Hungarian na kompositor, pianista, konduktor, guro

Franz Liszt (1811-1886)

Peer at kaibigan ni F. Chopin. Ang guro ni Ferenc sa piano ay si K. Cerny.

Gumaganap sa mga konsyerto mula noong siyam na taong gulang, unang naging tanyag si Liszt bilang isang birtuoso na pianista.

Noong 1823-1835. nanirahan siya at nagbigay ng mga konsiyerto sa Paris, kung saan binuo din niya ang kanyang aktibidad sa pagtuturo at pagsusulat. Dito nakilala at naging malapit ang musikero kay G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand, at iba pang kilalang mga pigura ng sining at panitikan.

Noong 1835-1839. Naglakbay si Liszt sa Switzerland at Italya at sa panahong ito ay naperpekto niya ang kanyang mga kasanayan sa piyanista.

Sa kanyang trabaho bilang isang kompositor, iniharap ni Liszt ang ideya ng isang synthesis ng ilang mga sining, pangunahin ang musika at tula. Samakatuwid ang pangunahing prinsipyo nito - programmatic (ang musika ay binubuo para sa isang tiyak na balangkas o imahe). Ang resulta ng isang paglalakbay sa Italya at isang kakilala sa mga kuwadro na gawa ng mga Italian masters ay ang piano cycle na "Years of Wanderings", pati na rin ang fantasy sonata na "After reading Dante".

Si Franz Liszt ay gumawa din ng malaking kontribusyon sa pagbuo ng musikang piano ng konsiyerto.

Kultura ng musika ng Russia noong ika-19 na siglo parang isang uri ng "time machine". Sa loob ng isang daang taon, ang Russia ay dumaan sa isang tatlong siglong landas, na hindi maihahambing sa maayos at unti-unting pag-unlad ng mga pambansang paaralan ng komposisyon sa malalaking bansa ng Kanlurang Europa. Sa panahong ito lamang nagtagumpay ang mga kompositor na Ruso, sa tunay na kahulugan ng salita, na makabisado ang naipon na kayamanan ng katutubong sining at muling buhayin ang mga kaisipan ng mga tao sa maganda at perpektong mga anyo ng klasikal na musika.

Sa huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ang musical pedagogy sa Russia ay gumagawa ng mga unang hakbang: ang Russian piano school ay nabuo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng aktibong pag-unlad ng mga dayuhang pamamaraan ng pagtuturo at sa parehong oras ang hangarin ng mga nangungunang gurong Ruso na lumikha ng isang pambansang paaralan ng pianismo.

Hindi tulad ng Kanlurang Europa, ang Russia ay hindi alam ang isang mataas na binuo clavier kultura, kahit na ang harpsichord ay kilala mula noong ika-16 na siglo. Ang mga tagapakinig ng Russia ay nagpakita ng malaking interes ng eksklusibo sa vocal na musika, at ang mga instrumento sa keyboard na umiral sa Russia ay ginamit upang sabayan ang pagkanta at pagsayaw. Sa pagtatapos lamang ng ika-18 siglo. lumalaki ang interes sa pag-aaral na maglaro ng clavier. Ang Clavichord School of Simon Lelein at mga sipi mula sa "Clavier School" ni Daniel Gottlieb Türk ay nai-publish sa Russian.

Sa simula ng ika-19 na siglo, inilathala ang paglalathala ng treatise ni Vincenzo Manfredini na "Harmonic and Melodic Rules for Teaching All Music". Kasabay nito, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang iba't ibang mga paaralan ng piano ng mga dayuhang musikero ay nai-publish sa Russian: "School of piano playing" ni M. Clementi (1816), "Complete practical school for piano" ni D. Steibelt ( 1830), "School" ni F. Günten (1838) at iba pa.

Kabilang sa mga kilalang musikero at guro ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. sina I. Prach, John Field, Adolph Hanselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Sa mga taong ito, ang mga paaralan ng mga may-akda ng Russia ay nagtapos din sa Russia, ang mga compiler na kung saan ay nagsisikap na ilapit ang mga paraan ng pagtuturo sa mga gawain ng pagtuturo ng mga musikero ng Russia. Kasama sa repertoire ng "School" ni I. Prach (Czech, totoong pangalan Jan Bohumir, taon ng kapanganakan, namatay noong 1818; kompositor, na nagtrabaho nang mahabang panahon sa St. Petersburg sa iba't ibang institusyong pang-edukasyon bilang isang guro ng musika) , halimbawa, maraming mga gawa ng mga may-akda ng Russia.

Sa orihinal na manwal I. Pracha"Kumpletong Paaralan para sa Piano ..." (1806) ay isinasaalang-alang ang mga detalye ng kulturang gumaganap ng Russia; itinaas ang mga tanong tungkol sa edukasyong pangmusika ng mga bata. Malaki ang kontribusyon ni Prach sa pag-unlad ng piano pedagogy. Kinkreto niya ang teoretikal na mga probisyon batay sa mga patnubay na tumutukoy sa iba't ibang paraan ng pagpapatupad (harmonic figurations, arpeggios at chord, sirang octaves, atbp.) na may mga halimbawang naglalarawan ng isang partikular na pamamaraan o paggalaw.

Aktibidad J. Patlang bilang isang musikero at guro ay may malaking kahalagahan para sa Russian piano pedagogy. Nagdala siya ng isang kalawakan ng mga sikat na musikero tulad ng M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke at marami pang iba. Ang Field School ay walang alinlangan na may malaking kahalagahan. Maaari siyang ituring na tagapagtatag ng nangungunang paaralan ng piano. Noong 20-30s. ika-19 na siglo Sa kanyang mga pag-aaral, hinangad ni Field na ipailalim ang teknikal na gawain sa mga layuning masining: ang pagpapahayag ng pagbigkas, ang delicacy ng pagtatapos ng tunog ng bawat nota, at ang pagsisiwalat ng nilalaman ng akda.

A. HanseltatA. Gerke

Nagturo sila sa mga pangkalahatang institusyong pang-edukasyon at sa St. Petersburg Conservatory. Ang kanilang pedagogical na pamamaraan ay sumasalamin sa progresibong direksyon ng Russian piano school, lalo na: pagbuo ng mga abot-tanaw batay sa paggamit ng isang malawak na repertoire, ang pagnanais na turuan ang kalayaan ng mag-aaral. Sila ay masigasig na kalaban ng "pagsasanay" na pamamaraan, "drill".

A. Villuan ay isang progresibong pag-iisip na guro. Ang kanyang makasaysayang papel ay namamalagi sa katotohanan na nahukay niya ang talento sa musika ni A. Rubinstein bilang isang bata at nakapagbigay ng tamang direksyon sa kanyang pag-unlad. Ang pinakamahusay na mga aspeto ng pamamaraan ng pedagogical ni Villuan, na ipinakita sa kanyang praktikal na aktibidad, ay makikita sa kanyang "Paaralan" (1863). Ang paraan ng paggawa ng tunog na natagpuan niya - "pag-awit" sa piano - ay naging isa sa makapangyarihang masining na paraan ng pagtugtog ni A. Rubinstein. Ang "Paaralan" ay sumasaklaw sa isang malaking halaga ng kaalaman na may kaugnayan sa teknikal na pagsasanay at edukasyon sa musika ng pianista. Lalo na mahalaga ang mga pananaw ni Villuane sa pagkamit ng malambing na malalim na tunog ng piano, sa pagbuo ng legato, kung saan ginagamit ang mga makatwirang pamamaraan, na hindi nawawala ang kanilang kahalagahan sa kasalukuyang panahon.

Sa kasaysayan ng pre-rebolusyonaryo at post-rebolusyonaryong sining ng Russia, kabilang ang nangungunang papel Petersburg at Moscow Conservatories

ang pinakamalaking sentro ng kultura ng musika ng bansa. Ang mga aktibidad ng parehong conservatories ay nabuo sa malapit na pakikipag-ugnay, na natukoy hindi lamang sa pagkakapareho ng kanilang mga gawain, kundi pati na rin sa katotohanan na madalas na ang mga mag-aaral ng St. Petersburg Conservatory ay nagtrabaho sa Moscow, at ang mga Muscovites ay naging mga guro ng St. Petersburg Conservatory. .

Kaya, nagtapos si PI Tchaikovsky mula sa St. Petersburg Conservatory, pagkatapos ay naging isa sa mga unang propesor ng Moscow Conservatory; L. Nikolaev (mag-aaral ng V. Safonov sa Moscow Conservatory) - kalaunan ay isa sa mga nangungunang kinatawan ng piano school sa Leningrad; Ang mga mag-aaral ni Nikolaev na sina V. Sofronitsky at M. Yudin ay nagtrabaho sa Moscow nang maraming taon.

Mga tagapagtatag ng St. Petersburg at Moscow Conservatories, mga kapatid

Anton at Nikolay Rubinsteinov,

Sa mga taon ng pamumuno ng mga konserbatoryo, inilatag nila ang mga pangunahing pundasyon para sa pagsasanay ng mga batang musikero. Ang kanilang mga mag-aaral (A. Ziloti, E. Sauer - mga mag-aaral ng Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - mga mag-aaral ni Anton) ay naging panganay sa isang kalawakan ng mga batang performer na nanalo ng pagkilala sa ang pamayanang musikal sa daigdig.

Sa pamamagitan ng pagsisikap ng magkakapatid na Rubinstein, nakuha ang pedagogy ng piano ng Russia noong huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. malaking awtoridad at internasyonal na pagkilala. Sa kanila ang utang ng Russia na kinuha nito ang isa sa mga unang lugar sa pagtuturo ng pagtugtog ng piano.

Mahihinuha na ang mga advanced na musikero-mga guro ng Kanlurang Europa at Ruso noong ika-19 na siglo ay naghahanap ng makatwiran, orihinal na mga paraan ng pag-impluwensya sa estudyante. Naghanap sila ng mga epektibong paraan upang i-streamline ang gawaing teknikal. Malikhaing ginagamit ang mga tradisyon ng clavier music at ang mga ideya na nabuo sa mga nakaraang siglo tungkol sa kakanyahan ng proseso ng pagbuo ng pamamaraan ng pagganap ng pianista, ang pamamaraan ng ika-19 na siglo. dumating sa pagpapatunay ng kapaki-pakinabang na prinsipyo ng paglalaro - ang holistic na paggamit ng pianistic apparatus. Ito ay noong ika-19 na siglo na ang isang tunay na napakagandang base ng mga etudes at pagsasanay ay nilikha, na hanggang ngayon ay nananatiling kailangan sa pagtuturo ng piano.

Ang pagtatasa ng materyal na musikal ay nagpapakita na ang mga tagalikha nito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais na maghanap para sa mga natural na paggalaw ng paglalaro, mga prinsipyo ng daliri na nauugnay sa mga tampok na istruktura ng kamay ng tao.

Kasabay nito, dapat tandaan na ang ika-19 na siglo. nagbigay ng musikal na pedagogy at edukasyon ng isang sistema ng makikinang na mga ideya at, higit sa lahat, ang pagnanais na turuan ang isang mahusay na edukadong musikero sa pamamagitan ng kapaki-pakinabang na pag-unlad ng kanyang malikhaing pagkatao.

XXsiglo

20 siglo - ang kasagsagan ng sining ng piano. Ang panahong ito ay hindi pangkaraniwang mayaman sa mga pambihirang talento at natatanging pianista.

Sa simula ng ika-20 siglo, sila ay naging tanyag Hoffman at Corto, Schnabel at Paderewski. At natural SA. Rachmaninov, ang henyo ng Panahon ng Pilak, na minarkahan ang isang bagong panahon hindi lamang sa musika ng piano, kundi pati na rin sa kultura ng mundo sa pangkalahatan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang panahon ng mga sikat na pianista bilang Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Ang listahan ay nagpapatuloy ...

20th century performing style

***

Ito ay isang pagsusumikap para sa isang malalim na pag-unawa sa musikal na teksto, at para sa isang tumpak na paglipat ng intensyon ng kompositor, at isang pag-unawa sa estilo at kalikasan ng musika bilang batayan para sa isang makatotohanang interpretasyon ng mga masining na imahe na likas sa akda.

***

Huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo - isang napakalaking kaganapan sa kasaysayan ng kultura ng sining ng mundo. Ang paghaharap sa pagitan ng demokratikong kultura ng masa, na higit na aktibong pumasok sa pakikibaka para sa kanilang mga karapatang panlipunan, at ang piling kultura ng burgesya, ay naging lubhang pinalubha.

Ang pinakamalaking mga artista sa panahong ito ay nakilala ang mga tampok ng krisis sa ebolusyon ng bagong musika: "Nabubuhay tayo sa isang panahon kung saan ang batayan ng pag-iral ng tao ay sumasailalim sa isang pagkabigla, - sabi ni I. Stravinsky, ang modernong tao ay nawalan ng pakiramdam ng halaga at katatagan ... Dahil ang espiritu mismo ay may sakit, kung gayon ang musika ng ating panahon at lalo na kung ano ang nilikha nito, kung ano ang itinuturing na tama, ay may kasamang mga palatandaan ng pathological failure. iba pang mga pangunahing musikero.

Ngunit, sa kabila ng mga epekto ng krisis sa panahon, ang musika ay umabot sa mga bagong maningning na taas. Ang piano pedagogy ay pinayaman ng maraming kawili-wiling mga gawa. Ang atensyon ng mga may-akda ng nai-publish na mga gawa ay nakadirekta sa mga isyu ng artistikong kasanayan ng mga mag-aaral.

Mga kilalang guro ng pianista G. Neuhaus, G. Hoffmann, I. Kogan nakabuo ng mga pamamaraan para sa matagumpay na pagkatuto ng mag-aaral.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - piyanista, guro, manunulat ng musika. Nagtatag ng pinakamalaking paaralan ng pianistic ng Sobyet. Lahat ng isinulat niya ay puno ng madamdaming pagmamahal sa sining, para sa musikang piano at pagganap.

Ang pinaka-interesante sa amin ay ang aklat na pinamagatang "On the Art of Piano Playing".

Ang libro ay nakasulat sa isang matingkad na matalinghagang wika, puno ng mga paghatol tungkol sa maraming mga kompositor, performer at guro. Naghahatid ito ng mga bagong problema at tanong na nagpapasigla sa bawat piyanista. Mayroong maraming mga pahina sa loob nito, na may katangian ng isang musikal na autobiography, na nakatuon sa mga alaala ng kanilang sariling malikhaing landas. Gayunpaman, sa improvisasyong ito, ang mga pananaw ng may-akda sa sining ng piano at ang mga gawain ng isang guro ay malinaw na nakikita. Sa kanyang mga gawa, isinulat ni Neuhaus ang tungkol sa masining na imahe, ritmo, tunog, trabaho sa pamamaraan, fingering at pedalization, tungkol sa mga gawain ng isang guro at mag-aaral, at tungkol sa aktibidad ng konsiyerto ng isang musikero.

Sa pamamagitan ng mahusay na panghihikayat, ipinakita niya na ang tinatawag na "textbook" na pamamaraan, na nagbibigay ng higit sa lahat ng isang recipe - "mahirap na mga panuntunan", kahit na tama at nasubok, - ay palaging magiging isang paunang, pinasimple na pamamaraan, na patuloy na nangangailangan ng pag-unlad, paglilinaw, kapag nahaharap sa totoong buhay. karagdagan, o, gaya ng sabi niya, "sa isang dialectical transformation." Siya ay matalas at may temperamental na sumasalungat sa "paraan ng pagtuturo" at "walang katapusang pagsuso sa parehong mga gawa" sa gawaing pedagogical, laban sa maling posisyon na "magagawa ng pagdidirekta ang lahat sa mga mag-aaral." Hinahangad niyang lutasin ang dialectically hindi lamang sa mga pangkalahatang problema sa pagganap ng musika, kundi pati na rin ang mas makitid na mga teknikal na katanungan.

Sa pagtukoy sa tungkulin ng guro, naniniwala si Neuhaus na ang guro ay dapat magsikap na hindi gaanong guro ng pagtugtog ng piano bilang isang guro ng musika.

Si Neuhaus ay nagbigay ng espesyal na pansin sa kanyang gawaing pedagogical sa pagkakaugnay ng "musika" at "teknikal". Kaya, upang mapagtagumpayan ang teknikal na kawalan ng katiyakan, ang pagpilit ng mga paggalaw ng mag-aaral, siya, una sa lahat, ay naghanap sa globo ng pag-impluwensya sa pag-iisip ng mag-aaral, sa mga landas ng musika mismo. Siya ay kumilos sa isang katulad na paraan kapag nagrerekomenda sa mga mag-aaral ng mga pamamaraan ng trabaho sa "mahirap na lugar." Sa kanyang opinyon, ang lahat ng "mahirap", "kumplikado", "hindi pamilyar" ay dapat, kung maaari, ay bawasan sa mas "madali", "simple", "pamilyar"; sa parehong oras, mahigpit niyang pinayuhan na huwag iwanan ang paraan ng pagtaas ng kahirapan, dahil sa tulong ng pamamaraang ito ay nakuha ng manlalaro ang mga kasanayang iyon, ang karanasan na magpapahintulot sa kanya na ganap na malutas ang problema.

Sa wakas, si Neuhaus ay nagsumikap sa lahat upang mailapit ang mag-aaral sa musika, upang ipakita sa kanya ang nilalaman ng ipinakitang gawain, at hindi lamang upang magbigay ng inspirasyon sa kanya ng isang matingkad na mala-tula na imahe, ngunit din upang bigyan siya ng isang detalyadong pagsusuri ng anyo at istraktura. ng trabaho - melody, armonya, ritmo, polyphony, texture - sa isang salita, upang ipakita sa mag-aaral ang mga batas ng musika at ang mga paraan ng pagkakatawang-tao nito.

Pinag-uusapan ritmo bilang isa sa mga pinakamahalagang elemento na bumubuo sa proseso ng pagganap, binibigyang-diin ni Neuhaus ang napakalaking kahalagahan ng "pakiramdam ng kabuuan", ang kakayahang "mahabang pag-iisip", kung wala ang pianista ay hindi maaaring makatutugtog ng anumang pangunahing gawain mula sa punto ng pagtingin sa anyo.

Itinuturing ng may-akda na ang pagmamaliit ay isang malaking pagkakamali ng piyanista tunog (hindi sapat na pakikinig sa tunog) at ang muling pagtatasa nito, iyon ay, "ninamnam ang kagandahang senswal nito." Sa paglalagay ng tanong na ito sa paraang ito, tinukoy ni Neuhaus ang konsepto ng kagandahan ng tunog sa isang bagong paraan - hindi abstractly, nang walang koneksyon sa estilo at nilalaman, ngunit hinango ito mula sa pag-unawa sa estilo at kalikasan ng musikang tinutugtog.

Kasabay nito, binibigyang-diin niya na ang gawaing musikal at "kumpiyansa sa musika" lamang ay hindi malulutas ang tanong ng mastering piano technique. Kailangan din ang pisikal na pagsasanay, hanggang sa mabagal at malakas na paglalaro. "Sa ganoong gawain," dagdag niya, "ang mga sumusunod na patakaran ay dapat sundin: siguraduhin na ang kamay, ang buong braso, mula sa kamay hanggang sa magkasanib na balikat, ay ganap na libre, hindi" nagyeyelo "kahit saan, hindi kurot, hindi“ tumitigas ”, hindi nawawala ang kanilang potensyal (!) flexibility habang pinapanatili ang kumpletong kalmado at ginagamit lamang ang mga paggalaw na mahigpit na "kailangan".

Pagtukoy sa iyong pananaw sa daliri, Isinulat ni Neuhaus na ang pinakamahusay na fingering ay ang nagbibigay-daan sa iyo upang mas tumpak na ihatid ang kahulugan ng isang naibigay na musika. Tinatawag niyang pinakamaganda at aesthetically justified ang fingering na may kaugnayan sa espiritu, karakter at istilo ng musika ng may-akda.

Katulad nito, tinukoy ni Neuhaus ang problema pedalisasyon. Tamang sabi niya na ang mga pangkalahatang tuntunin kung paano mag-pedal ay nalalapat sa artistikong pedalisasyon bilang ilang seksyon ng syntax sa wika ng makata. Sa esensya, walang tamang pedal, sa kanyang opinyon. Ang art pedal ay hindi mapaghihiwalay sa sound image. Ang mga kaisipang ito ay sinusuportahan sa aklat ng isang bilang ng mga kagiliw-giliw na halimbawa, kung saan makikita ng isa kung gaano kahalaga ang inilakip ng may-akda sa iba't ibang paraan ng pagpedal.

Masasabi lamang natin na tiningnan ni Neuhaus ang pamamaraan ng pianista bilang isang bagay na organikong konektado sa pag-unawa sa musika at mga mithiin sa sining. Ito, sa katunayan, ang batayan ng paaralang gumaganap ng Sobyet sa pangkalahatan at, sa partikular, ang paaralang Neuhaus, na nag-aral ng mga kahanga-hangang performer gaya ng S. Richter, E. Gilels, J. Zak at marami pang ibang natatanging pianista.

Ang mga artikulo at libro ay kumakatawan sa isang uri ng kontribusyon sa paaralan ng piano ng Sobyet

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Sa aklat na "At the Gates of Mastery" pinag-uusapan ng may-akda ang tungkol sa mga sikolohikal na kinakailangan para sa tagumpay ng gawaing pianista. Sa gawaing ito, tinukoy niya ang "tatlong pangunahing link": isang malinaw na pananaw sa layunin, tumuon sa layuning ito at patuloy na pagnanais na makamit ito. Tama niyang sinabi na ang konklusyong ito ay hindi bago at hindi nalalapat sa mga pianista lamang, ngunit sa anumang larangan ng sining at paggawa ng tao.

Sa paunang salita sa libro, pinag-uusapan niya ang kahalagahan ng pag-iisip ng pianista, tungkol sa papel sa kanyang gawain ng tamang sikolohikal na setting, na isang paunang kinakailangan para sa tagumpay ng mga aralin. Ang paksang ito ay may malaking interes hindi lamang para sa mga gumaganap, kundi pati na rin para sa mga guro, kung saan higit ang nakasalalay sa pagbuo ng pag-iisip ng isang mag-aaral at ang kanyang sikolohikal na setting.

Sa pagsasalita ng layunin, kalooban, atensyon, konsentrasyon, pagpipigil sa sarili, imahinasyon at iba pang mga elemento na tumutukoy sa tagumpay sa gawain ng isang pianista, idinagdag ni Kogan sa kanila ang pangangailangan para sa isang marubdob na pagnanais na ipahayag sa isang perpektong anyo na ipinaglihi at minamahal na mga musikal na imahe. Binigyan niya ng espesyal na pansin ang isyu ng "creative calmness" at excitement ng performer bago ang performance at sa panahon ng performance sa concert.

Isinasaalang-alang ang iba't ibang yugto ng obra ng pianista sa isang piyesa, detalyadong inilarawan ni Kogan ang tatlong yugto ng prosesong ito: 1) panonood at paunang pag-playback, 2) pag-aaral sa mga piraso, 3) "pagsasama-sama" ng trabaho bilang huling yugto.

Nanirahan si Kogan sa partikular na detalye sa pagbigkas, pagdaliri, teknikal na regrouping at mental na representasyon ng mga paghihirap. malapit na lahat ng sinuri niya ay batay sa pianistic na prinsipyo ng Busoni.

Naglalaman din ang aklat ng pagsusuri ng ilang aspeto ng sining ng pagtatanghal, na nakatanggap ng kaunting atensyon sa metodolohikal na panitikan. Kabilang dito, halimbawa, ang tanong ng verbal subtext ng iba't ibang yugto sa mga gawa sa piano, na maaaring magsilbing "auxiliary intonation guide", na ginagawang posible na "mas madaling mahanap ang natural na pamamahagi ng paghinga, nakakumbinsi" na pagbigkas "ng indibidwal na intonasyon."

Ang pagkakaroon ng pag-aaral sa pedagogical heritage ng Kogan, maaari nating tapusin na ang mga gawa ni Kogan ay higit na nailalarawan sa pamamagitan ng pangunahing mga patnubay sa pamamaraan ng modernong Soviet pianistic school sa piano performing arts.

Isa sa mga pinakadakilang pianista ng simula ng ating siglo, ay gumagawa ng kaluwalhatian ng mga sining ng pagtatanghal ng ikadalawampu siglo

Joseph Hoffman (1876-1957)

Ang kapalaran ng isang naglilibot na artista - isang kababalaghan na sa isang sibilisadong anyo ay nagpapanatili ng mga tradisyon ng mga itinerant na musikero - sa loob ng mahabang panahon ay naging lot ng Hoffmann. Si Hoffman ay kasangkot din sa pagtuturo, ngunit hindi ito kasing liwanag ng pagganap.

Si Hoffmann ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa panahon ng pagsasanay. Ang pangangailangan ng Guro, ang pangangailangan na magtiwala sa kanya, ang kanyang kahalagahan para sa pagbuo ng tagapalabas - ito ang mga motibo na paulit-ulit na lumilitaw sa mga pahina ng mga libro ni Hoffmann. Si Hoffmann mismo ay masuwerte sa kanyang mga guro - sila ang sikat na pianista at kompositor na si Moritz Moszkowski (may-akda ng makikinang na virtuoso etudes at salon plays) at ang sikat na Anton Rubinstein, na nakikipagkita kung kanino naging isa sa mga pangunahing kaganapan sa malikhaing buhay ni Hoffmann.

Ang isa pang mahalagang kaganapan sa buhay ni Hoffmann, na radikal na naimpluwensyahan ang kanyang malikhaing kapalaran, paraan ng pag-iisip, paraan ng pamumuhay, ay ang paglipat sa Amerika (at kalaunan - ang pag-ampon ng pagkamamamayan ng Amerika). Samakatuwid - isang matino, praktikal na pananaw sa buhay, isang mala-negosyo na diskarte sa anuman, kabilang ang malikhain, mga problema; ang purong Amerikanong praktikal na ito ay makikita sa mga libro at artikulo.

Sa kanyang aklat noong 1914, The Piano Playing Answers to Questions about Piano Playing, mahalagang tinukoy ni Hoffmann ang mga pangkalahatang prinsipyo na nakakatulong sa mahusay na pagtugtog ng piano. Binibigyang-diin niya ang bentahe ng klase sa umaga. Pinapayuhan na huwag magsanay ng higit sa isang oras, hindi hihigit sa dalawang oras na magkasunod. Ang lahat ay dapat depende sa pisikal na kondisyon. Pinapayuhan din niya na baguhin ang oras at pagkakasunod-sunod ng mga pinag-aralan na akda. Ang pinagtutuunan ng pansin ng pianista ay ang diskurso tungkol sa "teknolohiya" ng pagtugtog ng piano, kung saan naiintindihan niya nang husto. Isinasaalang-alang ni Hoffmann ang mahalagang gawain nang walang instrumento (mayroon din at walang mga tala).

Lalo na mahalaga ang mga kaisipan ni Hoffmann sa "teknikong pangkaisipan" - ang pangangailangang simulan ang pagsusuri ng dula na may pagsusuri sa anyo at tekstura; higit pa, sa proseso ng pagsusuri, ang bawat sipi "ay dapat na ganap na handa sa pag-iisip bago ito masuri sa piano."

Hoffmann, maraming mga tampok ng estilo ay napaka-moderno. Ito ay malapit sa amin sa pagiging praktiko nito - lahat ng bagay sa kakanyahan, walang labis.

Henyo ng Panahon ng Pilak, mahusay na pianista, kompositor, konduktor

Sergei Rachmaninoff (1873-1943)

Nagsimula siyang mag-aral ng musika nang sistematikong sa edad na lima edad. Noong 1882, pumasok si Sergei sa Petersburg konserbatoryo. Noong 1885 lumipat siya sa Moscow at naging mag-aaral ng Moscow Conservatory, kung saan nag-aral muna siya sa sikat na pianist-guro na si NS Zverev (na ang mag-aaral ay ang Ruso na kompositor at pianista na si Alexander Nikolayevich Scriabin), at mula noong 1888 - kasama ang pianista at konduktor Alexander Ilyich Ziloti (piano); kompositor, pianista at konduktor na si Anton Stepanovich Arensky (komposisyon, instrumentasyon, pagkakaisa); kompositor, pianista at musikal at pampublikong pigura na si Sergei Ivanovich Taneev (counterpoint sa mahigpit na pagsulat).

Si Rachmaninov ay isa sa mga pinakadakilang musikero sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang kanyang sining ay nakikilala sa pamamagitan ng mahalagang katotohanan, demokratikong oryentasyon, katapatan at emosyonal na kapunuan ng masining na pagpapahayag. Sinundan ni Rachmaninov ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga klasikong musikal, pangunahin ang Ruso. Siya ay isang madamdaming mang-aawit ng kalikasang Ruso.

Sa kanyang mga gawa, marubdob na pagsabog ng hindi mapagkakasundo na protesta at tahimik na pagmumuni-muni, nanginginig na pagkaalerto at malakas na determinasyon, madilim na trahedya at masigasig na himno, malapit na magkakasamang nabubuhay. Ang musika ni Rachmaninoff, na nagtataglay ng hindi mauubos na melodic at sub-voice-polyphonic richness, ay nakakuha ng mga mapagkukunan ng katutubong-awit ng Russia at ilang mga tampok ng znamenny chant. Isa sa mga orihinal na pundasyon ng istilong pangmusika ni Rachmaninoff ay ang organikong kumbinasyon ng lawak at kalayaan ng melodic na paghinga na may ritmikong enerhiya. Ang tema ng tinubuang-bayan, sentro ng mature na gawain ni Rachmaninoff. Ang pangalan ni Rachmaninoff bilang isang pianista ay kapareho ng mga pangalan nina F. Liszt at A. G. Rubinstein. Ang phenomenal technique, malambing na lalim ng tono, flexible at imperous na ritmo ay ganap na sumunod sa pagtugtog ni Rachmaninoff.

Ang kaluwalhatian ni Rachmaninoff bilang isang pianist ay sapat na mahusay at sa lalong madaling panahon ay naging tunay na maalamat. Ang kanyang mga interpretasyon ng kanyang sariling musika at ang mga gawa ng mga romantikong kompositor - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt - ay nagtamasa ng partikular na tagumpay. Ang aktibidad ng konsiyerto ni Rachmaninoff bilang isang gumagala na birtuoso na eskriba sa mga lungsod at bansa ay nagpatuloy nang walang pagkaantala sa loob ng halos 25 taon.

Sa America, kung saan nagkataon na lumipat siya upang manirahan, nakamit niya ang nakamamanghang tagumpay na nakasama ng isang dayuhang performer dito. Ang madla ay naaakit hindi lamang sa pamamagitan ng mataas na pagganap ng mga kasanayan ni Rachmaninov, kundi pati na rin sa paraan ng kanyang paglalaro, at panlabas na asetisismo, kung saan nakatago ang maliwanag na likas na katangian ng makikinang na musikero. "Ang isang tao na may kakayahang ipahayag ang kanyang mga damdamin sa ganoong paraan at sa gayong puwersa ay dapat una sa lahat ay matutong makabisado ang mga ito nang perpekto, upang maging kanilang panginoon ..." - ito ay isinulat sa isa sa mga pagsusuri.

Ang mga pag-record ng gramopon ng dula ni Rachmaninoff ay nagbibigay ng ideya ng kanyang kahanga-hangang pamamaraan, pakiramdam ng anyo, pambihirang responsableng saloobin sa detalye. Ang pianism ni Rachmaninoff ay nakaimpluwensya sa mga namumukod-tanging masters ng piano performance gaya nina Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

American pianist - virtooz ng Ukrainian-Jewish na pinagmulan, isa sa mga pinakadakilang pianista ng ikadalawampu siglo

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Ipinanganak sa Russia mula noong 1928 sa USA. Kinatawan ng romantikong istilo ng pagganap (mga gawa ni F. Liszt, kasama sa kanyang sariling mga transkripsyon, ni Fryderyk Chopin, mga kompositor ng Russia, atbp.).

Si Vladimir Horowitz ay nag-aral ng V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky at F. M. Blumenfeld sa Kiev School of Music, na binago mula Setyembre 1913 sa Kiev Conservatory. Sa pagtatapos noong 1920, hindi nakatanggap ng diploma si V. Horowitz, dahil wala siyang sertipiko ng pagtatapos mula sa gymnasium. Ginawa niya ang kanyang unang solong konsiyerto sa Kharkov noong 1920 (ngunit ang unang dokumentadong pampublikong konsiyerto ay naganap noong Disyembre 1921 sa Kiev). Pagkatapos ay nagbigay siya ng mga konsyerto sa iba't ibang mga lungsod ng Russia kasama ang isang batang residente ng Odessa - violinist na si Nathan Milstein, kung saan madalas silang nagbayad sa tinapay kaysa sa pera, dahil sa mahirap na sitwasyon sa ekonomiya sa bansa.

Mula noong 1922, si Horowitz, na nagbibigay ng mga konsyerto sa mga lungsod ng Russia, Ukraine, Georgia, Armenia, ay nag-iipon ng isang napakalaking repertoire sa mga tuntunin ng lakas ng tunog. Kaya, halimbawa, sa loob ng tatlong buwan (Nobyembre 1924 - Enero 1925) gumanap siya ng higit sa 150 mga gawa sa sikat na "serye ng Leningrad", na binubuo ng 20 mga konsyerto. Sa kabila ng kanyang mga naunang tagumpay bilang isang pianist, sinabi ni Horowitz na gusto niyang maging isang kompositor, ngunit pinili niya ang isang karera bilang isang pianist upang matulungan ang isang pamilya na nawalan ng kanilang buong kapalaran sa panahon ng 1917 Revolution. Ang tagumpay ng "mga anak ng Rebolusyon" (gaya ng tawag sa kanila ni Lunacharsky sa isa sa kanyang mga artikulo) ay napakalaki. Sa maraming lungsod, lumitaw ang mga fan club ng mga batang musikero na ito.

Noong Setyembre 1925, nakakuha si Vladimir Horowitz ng pagkakataong umalis patungong Alemanya (opisyal siyang nag-aral). Bago umalis, natutunan at naglaro siya ng 1st concert ng PI Tchaikovsky sa Leningrad. Salamat sa komposisyong ito, naging tanyag siya sa Europa. Ang konsiyerto na ito ay gumanap ng isang "fatal" na papel sa buhay ng pianist: sa bawat oras, pagkamit ng tagumpay sa mga bansa ng Europa at Amerika, eksaktong gumanap si Horowitz sa unang konsiyerto ng PI Tchaikovsky. Sinundan ni Milstein ang pianista sa Alemanya noong Disyembre 1925. Sa Europa, ang parehong mga musikero ay mabilis na nakakuha ng katanyagan bilang mga makikinang na birtuoso. Si Horowitz ay pinili ng mga awtoridad ng Sobyet upang kumatawan sa Ukraine sa inaugural na International Chopin Competition noong 1927, ngunit nagpasya ang pianista na manatili sa Kanluran at samakatuwid ay hindi lumahok sa kompetisyon. Hanggang 1940, naglakbay siya kasama ang mga konsiyerto sa halos lahat ng mga bansa sa Europa at kahit saan ay isang napakalaking tagumpay. Sa Paris, nang tumugtog si V. Horowitz, tinawag ang mga gendarmes upang pakalmahin ang mga manonood, na sinisira ang mga upuan sa sobrang saya. Noong 1928, mahusay na gumanap si Vladimir Horowitz sa Carnegie Hall sa New York at naglakbay nang may matunog na tagumpay sa maraming lungsod sa Amerika.

Russian pianist na may ugat ng Aleman

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Ginugol niya ang kanyang pagkabata at pagbibinata sa Odessa, kung saan nag-aral siya kasama ang kanyang ama, isang pianista at organista, nag-aral sa Vienna, at nagtrabaho bilang isang accompanist sa opera house. Ibinigay niya ang kanyang unang konsiyerto noong 1934. Sa edad na 22, bilang pormal na itinuro sa sarili, pumasok siya sa Moscow Conservatory, kung saan nag-aral siya kay Heinrich Neuhaus. Noong 1940 ginawa niya ang kanyang unang pampublikong pagpapakita sa Moscow, gumaganap ng Prokofiev's 6th Sonata; kasunod na naging unang performer ng kanyang ika-7 at ika-9 na sonata (ang huli ay nakatuon kay Richter). Noong 1945 nanalo siya sa All-Union Competition of Music Performers.

Mula sa pinakaunang mga hakbang sa propesyonal na larangan, siya ay nakita bilang isang birtuoso at isang musikero ng pambihirang sukat.

Para sa ilang mga henerasyon ng mga Sobyet at Ruso na musikero at mahilig sa musika, si Richter ay hindi lamang isang natitirang pianista, kundi pati na rin ang maydala ng pinakamataas na artistikong at moral na awtoridad, ang personipikasyon ng modernong unibersal na musikero-educator. Ang malaking repertoire ni Richter, na lumawak hanggang sa mga huling taon ng kanyang aktibong buhay, ay may kasamang musika mula sa iba't ibang panahon, mula sa Bach's Well-Tempered Clavier at Handel's suites hanggang sa Gershwin's Concerto, Webern Variations at Stravinsky's Movements.

Sa lahat ng larangan ng repertoire, napatunayang isang natatanging artista si Richter, pinagsasama ang ganap na kawalang-kinikilingan ng kanyang diskarte sa musikal na teksto (maingat na pagsunod sa mga tagubilin ng may-akda, kumpiyansa na kontrol sa mga detalye, pag-iwas sa retorika na pagmamalabis) na may hindi pangkaraniwang mataas na dramatikong tono at espirituwal. pokus ng interpretasyon.

Ang likas na pagtaas ng kamalayan ni Richter sa responsibilidad sa sining at ang kakayahang magsakripisyo sa sarili ay ipinakita sa kanyang espesyal na pangako sa pagtatanghal ng grupo. Sa unang bahagi ng karera ni Richter, ang kanyang pangunahing mga kasosyo sa grupo ay ang pianista, ang mag-aaral ni Neuhaus na si Anatoly Vedernikov, ang mang-aawit na si Nina Dorliak (soprano, asawa ni Richter), ang violinist na si Galina Barinova, ang cellist na si Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (ang kanilang trabaho ay perpekto. sa sarili nitong paraan, tunay na cello sonatas ni Beethoven). Noong 1966, nagsimula ang partnership nina Richter at David Oistrakh; noong 1969 pinalabas nila ang Violin Sonata ni Shostakovich. Si Richter ay madalas na kasosyo ng Borodin at kusang-loob na nakipagtulungan sa mga musikero ng nakababatang henerasyon, kabilang sina Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochish, mga pianista na sina Vasily Lobanov at Andrei Gavrilov. Ang sining ni Richter bilang soloista at ensemble performer ay na-immortalize sa napakaraming studio at concert recording.

Sobyet pianist, People's Artist ng USSR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Nagsimulang tumugtog ng piano si Emil sa edad na lima at kalahati, ang kanyang unang guro ay si Yakov Tkach. Mabilis na nakamit ang makabuluhang tagumpay, unang lumitaw si Gilels sa publiko noong Mayo 1929, na gumaganap ng mga gawa ni Liszt, Chopin, Scarlatti at iba pang mga kompositor. Noong 1930, pumasok si Gilels sa Odessa Institute of Music (ngayon ay Odessa Conservatory).

At nang sumunod na taon ay nanalo siya sa All-Ukrainian Piano Competition, at makalipas ang isang taon ay nakilala niya si Arthur Rubinstein, na nagsalita nang may pagsang-ayon sa kanyang pagganap.

Ang musikero ay naging sikat pagkatapos ng kanyang tagumpay noong 1933 sa First All-Union Competition of Musicians-Performers, na sinundan ng maraming mga konsyerto sa USSR. Matapos makapagtapos mula sa Odessa Conservatory noong 1935, pumasok si Gilels sa graduate school ng Moscow Conservatory sa klase ng Heinrich Neuhaus.

Sa ikalawang kalahati ng 1930s, nakamit ng pianista ang pangunahing tagumpay sa internasyonal: siya ay nakakuha ng pangalawang lugar sa internasyonal na kumpetisyon sa Vienna (1936), natalo lamang kay Jacob Flier, at makalipas ang dalawang taon ay naghiganti siya sa kanya, na nanalo sa Izaya Competition sa Brussels, kung saan nanatili si Flier sa ikatlong pwesto. Pagbalik sa Moscow, nagsimulang magturo si Gilels sa konserbatoryo bilang isang katulong sa Neuhaus.

Sa mga taon ng digmaan, si Gilels ay nakibahagi sa patronage ng militar, noong taglagas ng 1943 ay nagbigay siya ng mga konsyerto sa kinubkob na Leningrad, pagkatapos ng pagtatapos ng digmaan ay bumalik siya sa aktibong mga aktibidad sa konsiyerto at pagtuturo. Madalas siyang gumanap kasama ang kanyang nakababatang kapatid na babae, ang violinist na si Elizaveta Gilels, gayundin si Jacob Zak. Noong 1950] bumuo ng isang piano trio kasama sina Leonid Kogan (violin) at Mstislav Rostropovich (cello), at noong 1945 nagbigay siya ng mga konsyerto sa ibang bansa sa unang pagkakataon (naging isa sa mga unang musikero ng Sobyet na pinahintulutang gawin ito), nilibot ang Italya. , Switzerland, France at mga bansang Scandinavia. Noong 1954, siya ang unang musikero ng Sobyet na gumanap sa Pleyel Hall sa Paris. Noong 1955, ang pianista ang naging unang musikero ng Sobyet na nagsagawa ng mga konsiyerto sa Estados Unidos, kung saan nagtanghal siya ng Tchaikovsky's First Piano Concerto at Rachmaninoff's Third Concerto kasama ang Philadelphia Orchestra sa ilalim ng baton ni Eugene Ormandy, at hindi nagtagal ay nagbigay ng recital sa Carnegie Hall, na kung saan ay isang malaking tagumpay. Noong 1960s-1970s, si Gilels ay isa sa mga pinakasikat na musikero ng Sobyet sa mundo, na gumugugol ng halos siyam na buwan sa isang taon sa mga konsyerto at mga dayuhang paglilibot.

Sa pagbubuod, nais kong tandaan na ang mga metodolohikal na prinsipyo at mga libro ng mga pinakatanyag na kinatawan ng pianismo ng Sobyet ay nagpapakita na ang mga pananaw ng mga musikero na ito, kasama ang lahat ng kanilang indibidwal na diskarte sa pagganap ng piano at pedagogy, ay magkapareho. Ito ang pagnanais para sa isang malalim na pag-unawa sa musikal na teksto, at para sa isang tumpak na paglipat ng intensyon ng kompositor, at isang pag-unawa sa estilo at kalikasan ng musika bilang batayan para sa isang makatotohanang interpretasyon ng mga masining na imahe na likas sa akda.

Karaniwan sa paggalang na ito, isa sa mga pahayag G. G. Neuhaus: "Lahat tayo ay nagsasalita tungkol sa parehong bagay, ngunit sa magkaibang mga salita." Ito ay karaniwan at tinutukoy ang mga prinsipyo ng paaralang pianistic ng Sobyet, na nagpalaki ng mga kahanga-hangang pianista at natatanging guro.

XXIsiglo

Ano noon at ano ang naging sining ng pagtanghal ng piano sa buong ika-20 siglo?

Ano ang bago sa simula ng ika-21 siglo?

Paano nakaugalian na ang pagtugtog ng piano ngayon, sa ikalawang dekada ng ika-21 siglo?

21st century performing style

***

Sa simula ng XXI century, dalawang pangunahing direksyon ng musical performing art ang patuloy na umiiral - transendental virtuosity at makabuluhang interpretasyon. Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang mga direksyong ito ay naging mas puro, na naghihiwalay sa isa't isa. Gayunpaman, lumitaw din ang isang bagong kababalaghan nang ang mga pianista ay maaaring sabay na maglingkod sa isa at sa iba pang kasalukuyang ng sining ng pagtatanghal.

***

Ang pagsasagawa ng mga tradisyon ay naiimpluwensyahan ng kabuuang kumpetisyon kahibangan, sa Sa kasong ito, ang pambihirang mapagkumpitensyang antas ng pagganap ng mga gawang musikal ay nagiging isang karaniwang pattern na dapat sundin, kasama na sa entablado ng konsiyerto.

Ang mga mithiin ng pag-record at ang mapagkumpitensyang antas ng pagganap, na nakakaimpluwensya sa mga tradisyon ng konsiyerto, ay nangangailangan ng makabuluhang pagtaas sa kalidad ng pagtugtog ng piano. Ang bawat piraso ng programa, at hindi lamang "mga encores", ay dapat tumunog sa antas ng isang obra maestra ng gumaganap na sining. Ang nagawa ng studio dahil sa sound engineering at pag-edit ng computer mula sa ilang mga opsyon sa pagganap ay dapat mangyari sa entablado ngayong minuto, dito at ngayon.

Ang mga internasyonal na kumpetisyon at pagdiriwang ay nakakatulong sa globalisasyon ng sining ng piano.

Madalas nating nalaman ang kanilang mga pangalan pagkatapos ng kumpetisyon ng PI Tchaikovsky. Ang kumpetisyon na ito ay nagdala ng tanyag na tao sa mga pianista tulad ng: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazi, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeniy Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova ...

American pianist na sumakop sa mga pusong Ruso

Unang nagwagi ng International Tchaikovsky Competition (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Ang American pianist na si Van Cliburn (aka Harvey Levan Cliburn) ay marahil ang pinakamamahal na dayuhang musikero sa ating bansa. Ang madla ng Russia ang unang nagpahalaga sa mga kasanayan sa pagganap ni Van Cliburn, pagkatapos ng kanyang pagbisita sa Russia na siya ay naging isang sikat na musikero sa mundo.

Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa piano sa edad na tatlo mula sa kanyang ina. Noong anim na taong gulang si Cliburn, lumipat ang pamilya sa Texas, kung saan nanalo siya sa isang kompetisyon sa labintatlo at hindi nagtagal ay ginawa ang kanyang debut sa Carnegie Hall.

Noong 1951 pumasok siya sa Juilliard School, sa klase ng Rosina Levina, at sa mga darating na taon ay nakatanggap siya ng maraming parangal sa mga prestihiyosong American at international competitions.

Ang pangalang Cliburn ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo pagkatapos ng isang kahindik-hindik na tagumpay sa unang International Tchaikovsky Competition sa Moscow noong 1958. Nakuha ng batang pianista ang simpatiya ng hurado at ng publiko. Ito ay mas nakakagulat dahil ang aksyon ay naganap sa kasagsagan ng Cold War. Sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan, si Cliburn ay binigyan ng isang kahanga-hangang masigasig na pagtanggap. Ang musikero ay napuno ng pagmamahal at paggalang sa USSR at pagkatapos ng kumpetisyon ay paulit-ulit siyang dumating upang magbigay ng mga konsyerto.

Si Van Cliburn ay naglibot sa kanyang sariling bansa at sa ibang bansa. Nakipag-usap sa royalty at mga pinuno ng estado, sa lahat ng presidente ng US. Siya ang naging unang classical music performer na nakatanggap ng platinum album. Mahigit sa isang milyong kopya ng kanyang pagganap ng Unang Piano Concerto ni Tchaikovsky ang naibenta.

Mula noong 1962, ang Van Cliburn Piano Competition ay ginanap sa Fort Worth, Texas.

Russian pianist, guro ng musika, pampublikong pigura

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Ang talento sa musika ni Vladimir Krainev ay nagpakita ng sarili sa pangalawang espesyal na paaralan ng musika sa Kharkov, kung saan siya pumasok sa edad na 5. Pagkalipas ng dalawang taon, naganap ang kanyang unang pagtatanghal sa malaking entablado - kasama ang orkestra, nagtanghal siya ng Hayd's Concerto at Beethoven's First Concerto.

Sa suporta ng mga guro ng Kharkov, pumasok si Krainev sa Moscow Central Music School sa Conservatory na pinangalanan Tchaikovsky sa klase ng Anaida Sumbatyan. Noong 1962 pumasok siya sa Conservatory na pinangalanan. Tchaikovsky sa klase ni Heinrich Neuhaus, at pagkatapos ng kanyang kamatayan ay nag-aral siya kasama ang kanyang anak na si Stanislav Neuhaus, kung saan nagtapos din siya sa graduate school noong 1969.

Ang pagkilala sa mundo ay dumating kay Vladimir Krainev noong unang bahagi ng 1960s, nang manalo siya ng mga pangunahing premyo sa mga pangunahing internasyonal na kompetisyon sa Leeds (Great Britain, 1963) at Lisbon (Portugal, 1964). Pagkatapos magtanghal sa Leeds, nakatanggap ang batang pianista ng imbitasyon na maglibot sa Estados Unidos. Noong 1970, nanalo siya ng napakatalino na tagumpay sa IV International P.I. Tchaikovsky sa Moscow.

Mula noong 1966 si Vladimir Krainev ay naging soloista ng Moscow State Philharmonic Society. Mula noong 1987 - Propesor ng Moscow Conservatory. Mula noong 1992 - Propesor sa Mas Mataas na Paaralan ng Musika at Teatro sa Hannover (Germany).

Si Vladimir Krainev ay naglibot nang malawakan sa Europa at USA, na gumaganap kasama ang mga namumukod-tanging konduktor tulad nina Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Mazur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondetskis.

Si Krainev ay ang tagapag-ayos ng pagdiriwang na "Vladimir Krainev invites" sa Ukraine at ang International Competition for Young Pianists sa Kharkov (mula noong 1992) na ipinangalan sa kanya.

Noong 1994 nilikha ng pianist ang International Charitable Foundation para sa mga Young Pianists. Ang Foundation ay nagbigay ng tulong at suporta sa hinaharap na mga propesyonal na musikero, lumikha ng mga kondisyon para sa kanilang pagkamalikhain sa Russia at sa ibang bansa, nag-aayos ng mga paglilibot at konsiyerto ng mga batang musikero, sumusuporta sa mga institusyong pang-edukasyon ng kultura at sining.

Sikat na conductor at pianist, People's Artist ng RSFSR, tagapagtatag at pinuno mula 1990 hanggang 1999 at mula 2003 hanggang sa kasalukuyan ng Russian National Orchestra. Nagwagi ng gintong medalya sa 1978 International Tchaikovsky Competition at ang 2004 Grammy Prize.

Ipinanganak si Mikhail Vasilievich Pletnev1957 taon

Ginugol ni Pletnev ang kanyang pagkabata sa Saratov at Kazan, mula sa edad na 7 nagsimula siyang pumasok sa isang paaralan ng musika sa Kazan Conservatory sa klase ng piano. Mula sa edad na 13 nag-aral siya sa Central Music School sa Moscow Tchaikovsky Conservatory. Noong 1973, ang 16-taong-gulang na Pletnev ay nanalo sa Grand Prix sa International Youth Competition sa Paris at sa sumunod na taon ay pumasok sa Moscow Conservatory, nag-aral sa ilalim ng pangangasiwa ng mga propesor na sina Yakov Flier at Lev Vlasenko.

Noong 1977, nanalo si Pletnev ng unang premyo sa All-Union Piano Competition sa Leningrad, at noong 1978 nanalo siya ng gintong medalya at unang premyo sa Moscow International Tchaikovsky Competition. Noong 1979, nagtapos si Pletnev mula sa conservatory, at noong 1981 - graduate school, pagkatapos nito ay naging katulong siya kay Vlasenko, pagkatapos ay nagsimulang magturo sa kanyang sariling klase ng piano.

Naging soloista ng Konsiyerto ng Estado noong 1981, nanalo si Pletnev ng katanyagan bilang isang birtuoso na pianista, binanggit ng press ang kanyang mga interpretasyon sa gawa ni Tchaikovsky, ngunit pati na rin ang kanyang mga pagtatanghal nina Bach, Beethoven, Rachmaninoff at iba pang mga kompositor. Nakipagtulungan si Pletnev sa mga sikat na conductor gaya nina Vladimir Ashkenazi, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai at ang pinakasikat na symphony orchestra sa mundo, kabilang ang London Symphony at Los Angeles Philharmonic.

Noong 1980, ginawa ni Pletnev ang kanyang debut bilang isang konduktor, at pagkaraan ng sampung taon, noong 1990, sa gastos ng mga dayuhang donasyon, nilikha niya ang independiyenteng Russian National Symphony Orchestra (na kalaunan ay pinalitan ng pangalan ang Russian National Orchestra, RNO) at hanggang 1999 ang artistikong direktor, punong konduktor at pangulo. pondo. Noong 2008, naging Guest Conductor si Pletnev kasama ang Orchestra della Svizzera italiana (Symphony Orchestra ng Italian Switzerland). Noong 2006, nilikha ni Pletnev ang National Culture Support Fund. Mula 2006 hanggang 2010, si Pletnev ay isang miyembro ng Konseho para sa Kultura at Sining sa ilalim ng Pangulo ng Russian Federation, at mula 2007 hanggang 2009 siya ay isang miyembro ng Komisyon ng Russian Federation para sa UNESCO.

Kazakh pianist, guro, propesor at rektor ng Kurmangazy Kazakh National Conservatory,

People's Artist ng Kazakhstan, nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon, propesor

Si Zhania Yakhiyaevna Aubakirov ay ipinanganak noong 1957

Nagtapos mula sa Alma-Ata State Conservatory na pinangalanan Kurmangazy, Moscow State Conservatory. PI Tchaikovsky at postgraduate na pag-aaral (kasama si Propesor L.N. Vlasenko).

Mula noong 1979 - accompanist ng State Academic Opera and Ballet Theater na pinangalanang V.I. Abai at assistant-trainee ng Moscow State Conservatory na pinangalanan P. I. Tchaikovsky. 1981 - senior teacher, associate professor, pinuno ng espesyal na departamento ng piano ng Alma-Ata State Conservatory na pinangalanan Kurmangazy. Mula noong 1983 siya ay naging soloista ng Kazakh State Philharmonic na pinangalanang I. Jambula. Mula noong 1993 - Propesor ng Almaty State Conservatory na pinangalanang I. Kurmangazy. 1994 - itinatag ang "Paaralan ng May-akda ng Zhania Aubakirova", nagtatrabaho ayon sa mga modernong pamamaraan at teknolohiyang pang-edukasyon. Mula noong 1997 - Rector ng Kurmangazy Kazakh National Conservatory. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, ang konserbatoryo ay naging nangungunang unibersidad ng musika sa bansa at sentro ng kultura at pang-edukasyon ng republika, noong 2001 ay iginawad ang Pambansang katayuan.

1998 - Sa inisyatiba ni Zhania Aubakirova, ang "Classics" na ahensya ng musika ay inayos, na gaganapin ang "Kazakh seasons sa France" na may mahusay na tagumpay, nag-organisa ng mga konsyerto sa higit sa 18 mga bansa, naitala ang higit sa 30 mga CD, higit sa 20 mga musikal na pelikula tungkol sa Kazakh performers. 2009 - noong Nobyembre, ang Student Symphony Orchestra ng Kazakh National Conservatory. Nilibot ni Kurmangazy ang limang pinakamalaking lungsod sa Estados Unidos: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston at New York. Ang mga batang musikero, kasama ang kanilang rektor, People's Artist ng Republika ng Kazakhstan na si Zhania Aubakirova, ay gumanap sa pinakasikat na mga bulwagan sa mundo - ang Kennedy Center at Carnegie Hall.

Ang mga recital at pagtatanghal ni Zhania Aubakirova kasama ang mga sikat na orkestra na nagpo-promote ng mga klasikong musikal sa mundo at mga gawa ng mga kompositor ng Kazakh ay regular na ginaganap sa Kazakhstan, ang pinakamalaking mga bulwagan ng konsiyerto sa France, England, Germany, Japan, Russia, Poland, Italy, USA, Israel, Greece, Hungary. Ang Great Halls ng Moscow Tchaikovsky Conservatory at ang St. Petersburg Philharmonic, ang Moscow House of Music.

Namumukod-tanging piyanista sa ating panahon

Boris Berezovskyipinanganak noong 1969

Pumasok siya sa Moscow Conservatory sa klase ng natitirang pianista na si Eliso Virsaladze. Pagkaraan ng ilang sandali, si Berezovsky ay naging "masikip" sa klase ni Eliso Virsaladze, kung saan ang tradisyonal na repertoire lamang ang nilalaro, kaya nagsimula siyang kumuha ng mga pribadong aralin mula kay Alexander Sats. Ang Sats ay nagbubukas ng mga bagong abot-tanaw para sa Russian classical na musika para kay Boris Berezovsky. Kasama niya, sinimulan ni Berezovsky na maglaro ng Medtner, maraming Rachmaninov at marami pang iba. Ngunit hindi nagawa ni Boris Berezovsky na makumpleto ang kanyang pag-aaral sa Moscow Conservatory, siya ay pinatalsik para sa pakikilahok sa Tchaikovsky Competition sa mga huling pagsusulit. Ngunit ang pangyayaring ito ay hindi nakahadlang sa kanya na maging pinaka birtuoso at hinihiling na tagapalabas sa ating panahon.

Sa loob ng higit sa sampung taon ay gumanap si Boris Berezovsky kasama ang mga pinakasikat na orkestra sa mundo: ang BBC Orchestra, ang London at New York Philharmonic, ang bagong Japanese Philharmonic Orchestra, ang Birmingham at Philadelphia Symphony. Regular na nakikilahok si Berezovsky sa iba't ibang chamber music festival, at maririnig ang kanyang mga recital sa Berlin at New York, Amsterdam at London. Nagsasalita ng matatas na Ingles at Pranses.

Ang pianist ay may medyo malawak na discography. Ang pinakabagong mga pag-record ng kanyang mga konsyerto ay nakatanggap ng pinakamataas na pagsusuri mula sa mga kritiko. Ang German Recording Association ay nagbibigay ng mataas na parangal sa mga sonata ni Rachmaninoff na binigyang-kahulugan ni Boris Berezovsky. Ang mga pag-record ng mga gawa ni Ravel ay pumasok sa mga klasikal na tsart na Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Si Boris Berezovsky ay ang nagwagi ng gintong medalya ng 9th International Tchaikovsky Competition, siya ay tinawag na "bagong Richter", ang tunog ng Berezovsky, na may isang transparent na pianissimo at ang pinakamayamang spectrum ng mga dynamic na lilim, ay kinikilala bilang ang pinaka perpekto sa mga pianista ng kanyang henerasyon. Ngayon si Boris Berezovsky ay maririnig nang mas madalas sa mga pangunahing yugto ng konsiyerto sa Russia.

Isa sa mga inspirado, matalinong performer, Ruso piyanista , guro, soloista Philharmonic ng Estado ng Moscow , People's Artist ng Russia

Nikolaikaleoń hivMeadowś nskiy ay ipinanganak sa1972 taon

Nakuha ng kanyang paglalaro ang lahat ng pinakamahusay na maiaalok ng central music school at conservatory sa Moscow.

Ang inspiradong interpreter na ito, na nagtataglay ng napakatalino na pamamaraan sa paglalaro, ay mayroon na ngayong isang pambihirang regalo para sa isang malikhaing diskarte sa materyal, isa sa iilan, nagagawa niyang dalhin ang kislap ng Diyos sa liwanag sa mga gawa ng Beethoven, upang ipakita ang bihirang " infernal sound" ni Mozart, upang tumugtog ng anumang karapat-dapat na materyal upang ang isang napapagod na manonood ay muling nakatuklas ng mga melodies na tinugtog ng libu-libong beses sa isang ganap na naiibang embodiment.

Ngayon sa Russia maraming mga propesyonal na may kakayahang magpakita ng mataas na uri. Gayunpaman, sa anumang paraan ay mas mababa sa mga kilalang kasamahan, ang Lugansky ay nananatiling isang natatanging kababalaghan sa musikang Ruso.

Maaari kang maglaro ng mga classic sa iba't ibang paraan: bawat paaralan - French, German, Italian - nag-aalok ng sarili nitong solusyon sa matataas na hamon ng natatanging tunog.

Ngunit ang sinumang tunay na birtuoso na pianista ay "lumilikha ng kanyang sariling mga klasiko", na isang katibayan ng henyo. Si Nikolai Lugansky, sa bukang-liwayway ng kanyang karera sa musika, ay tinawag na "Richter pianist", pagkatapos ay inihambing din siya kay Alfred Corto.

Si Nikolai Lugansky ay nananatiling isang natatanging kababalaghan sa musikang Ruso.

Sikat na Russian pianist, klasikal na musikero

Si Evgeny Igrevich Kisin ay ipinanganak noong 1971

Sa edad na 6 pumasok siya sa Gnessin Music School. Ang una at tanging guro ay si Anna Pavlovna Kantor.

Noong una, bilang isang child prodigy, gumanap siya sa ilalim ng pangalang Zhenya Kisin. Sa edad na 10 siya ay gumanap sa unang pagkakataon kasama ang orkestra, na gumaganap ng ika-20 Konsiyerto ni Mozart. Makalipas ang isang taon ay nagbigay siya ng kanyang unang solo concert. Noong 1984 (sa edad na 12) gumanap siya ng 1st at 2nd Concertos ni Chopin para sa piano at orkestra sa Great Hall ng Moscow Conservatory.

Noong 1985, nagpunta sa ibang bansa si Evgeny Kissin sa unang pagkakataon na may mga konsyerto, noong 1987 ginawa niya ang kanyang debut sa Kanlurang Europa sa Berlin Festival. Noong 1988 gumanap siya kasama si Herbert von Karajan sa Konsiyerto ng Bagong Taon ng Berlin Philharmonic Orchestra, na gumaganap ng 1st Concerto ni Tchaikovsky.

Noong Setyembre 1990, ginawa ni Kissin ang kanyang debut sa US, kung saan gumanap siya ng Chopin Concertos 1 at 2 kasama ang New York Philharmonic Orchestra sa ilalim ng baton ni Zubin Meta. Makalipas ang isang linggo, nagbibigay ang musikero ng isang recital sa Carnegie Hall. Noong Pebrero 1992, nakibahagi si Kissin sa Grammy Awards sa New York, na ipinalabas sa telebisyon sa tinatayang anim na raang milyong manonood. Noong Agosto 1997 nagbigay siya ng isang recital sa pagdiriwang ng Proms sa Albert Hall ng London - ang unang gabi ng piano sa higit sa 100 taon ng kasaysayan ng pagdiriwang.

Si Kissin ay nagsasagawa ng masinsinang aktibidad ng konsiyerto sa Europa, Amerika at Asya, nangongolekta ng patuloy na nabili; gumanap kasama ang mga nangungunang orkestra sa mundo sa ilalim ng baton ng mga konduktor gaya nina Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazi, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seidzi Ozavaich, Yevgeny Svetir Rostropov , Georg Solti at Maris Jansons; Kasama sa mga kasosyo sa musika ng kamara ni Kissin sina Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern at iba pa.

Si Yevgeny Kisin ay gumaganap din ng mga gabi ng tula sa Yiddish at Russian. Isang compact disc na may mga recording ng mga gawa ng kontemporaryong tula sa Yiddish na ginanap ni E. Kissin "Af di keyboard fun yidischer poetry" (Sa mga susi ng Jewish na tula) ay inilabas noong 2010. Ayon mismo kay Kissin, mayroon siyang malakas na pagkakakilanlang Hudyo mula pagkabata at nag-post ng mga materyal na pro-Israel sa kanyang personal na website.

Russian pianist, public figure, People's Artist ng Russia

Si Denis Leonidovich Matsuev ay ipinanganak noong 1975

Ginugol ni Denis Matsuev ang kanyang pagkabata sa kanyang katutubong Irkutsk. Ipinanganak sa isang malikhaing pamilya, ang batang lalaki ay nag-aral ng musika mula sa isang maagang edad. Una, nagpunta siya sa paaralan ng pangkalahatang edukasyon ng lungsod No. 11 na pinangalanang V.V. Mayakovsky at sa parehong oras ay nagsimulang dumalo sa lokal na paaralan ng sining. Sa edad na labing-anim na si Denis Matsuev ay pumasok sa Irkutsk Musical College. Gayunpaman, mabilis niyang napagtanto na ang kanyang talento ay nangangailangan ng mas masusing pagbawas. Sa family council, napagpasyahan na lumipat sa kabisera. Naunawaan ng mga magulang na ang kanilang mahuhusay na anak na lalaki ay maaaring magkaroon ng isang matagumpay na malikhaing talambuhay. Si Denis Matsuev ay lumipat sa Moscow noong 1990.

Noong 1991 siya ay naging isang laureate ng International Public Charitable Foundation na tinatawag na "New Names". Salamat sa pangyayaring ito, na sa kanyang kabataan, binisita niya ang higit sa apatnapung bansa sa mundo na may mga pagtatanghal sa konsiyerto. Dumating ang pinakamahalagang tao upang makinig sa kanyang birtuoso na tumutugtog: ang reyna ng Ingles, ang Papa at iba pa. Noong 1993, pinamamahalaang ni Denis Matsuev na pumasok sa Moscow State Conservatory. Kaayon, gumanap siya sa mga programa ng New Names public foundation, na ginanap sa ilalim ng pangangasiwa ng patron ni Denis na si Svyatoslav Belz. Noong 1995, ang artista ay tinanggap bilang isang soloista sa Moscow State Philharmonic. Pinahintulutan nito si Denis Leonidovich na palawakin ang saklaw ng kanyang aktibidad sa konsyerto.

Kasama ang tagumpay sa Eleventh International Competition na pinangalanan kay Pyotr Ilyich Tchaikovsky, ang musikero ay naging tanyag sa mundo. Ang kanyang talambuhay ay pinalamutian ng nakamamatay na kaganapang ito noong 1998. Si Denis Matsuev ay naging isa sa pinakasikat na pianista sa mundo. Ang kanyang mga birtuoso na pagganap ay nagdulot ng isang mahusay na taginting sa mundo. Ang artist ay nagsimulang maimbitahan sa pinaka-prestihiyosong mga kaganapan. Halimbawa, nagtanghal siya sa seremonya ng pagsasara ng Sochi Olympics.

Mula noong 2004 Denis Matsuev taun-taon ay nagpapakita ng kanyang personal na subscription. Ang pinakamahusay na symphony orchestra ng Russia at sa ibang bansa ay gumaganap kasama ang musikero.

Marami siyang ginagawa para sa kanyang bansa. Sa pagsisikap na maitanim sa mga tao ang pagmamahal sa musika, inaayos ng artista ang lahat ng uri ng mga pagdiriwang at mga kumpetisyon. Bukod dito, hinahangad niyang hawakan sila sa iba't ibang mga rehiyon ng Russia, upang ang lahat ng mga residente ng bansa ay maaaring hawakan ang mataas na sining, marinig ang napakatalino na pagganap ng pinakamahusay na mga gawa sa musika.

Sa konklusyon, ibubuod namin ang mga pangunahing direksyon at uso sa pag-unlad ng sining ng piano ng XXI century. Sa birtuoso at makabuluhang direksyon ng piano art, ang mga sumusunod na kadahilanan ay natagpuan na kasama ng pag-unlad: isang oryentasyon patungo sa kalidad at aesthetics ng sound recording, isang pagtaas sa pagpapahayag ng conjugation ng tono, isang pagpapalawak ng mga posibilidad sa larangan ng agogics at sound timbre, isang pagbagal at pagbaba sa average na dynamic na antas ng pagganap, polyphonization ng texture. Ang mga salik na ito ay nag-aambag sa paglago ng lalim at modernong pag-renew ng bahagi ng nilalaman ng pagganap. Kasabay nito, ang piano concert repertoire ay ina-update dahil sa pagtuklas ng mga bagong mataas na artistikong mga gawa na hindi pinahahalagahan noon.

Gayunpaman, ito ay ang pangkalahatan at kahulugan ng intonasyon na siyang pangunahing mga uso sa pag-unlad ng sining ng piano ng XXI century.

Ang listahang ito ng mga gumaganap na pianist ay nagpapakita na ang piano ay nag-aalok ng halos walang limitasyong inspirasyon. Sa loob ng tatlong siglo, pinasaya ng mga musikero ng piano ang mga tagapakinig at binigyang-inspirasyon sila sa kanilang sariling mga pagsasamantala sa mundo ng musika.

Hindi mahalaga kung anong oras ang musikero ay nabibilang, hindi lamang ang kanyang talento ang nagpagaling sa kanya, kundi pati na rin ang kumpletong paglusaw sa musika !!!

PSAng pagkakaroon ng pag-aaral ng panitikan sa isyung ito, dumating kami sa konklusyon na ang pag-unlad ng mga paaralan ng piano mula sa sandali ng kanilang pagbuo hanggang sa ating panahon ay dahil sa espirituwal na kakayahang umangkop ng personalidad ng master, at ang mga paghahanap sa pedagogical ay nagsilbing isang malikhaing batayan at aktwal na nagpapasigla. pagkamalikhain. Sinuportahan ng mga progresibong musikero-educator ang lahat ng bagay na itinuturing nilang mahalaga sa sining; mataas na civic ideals, misyonero predestinasyon ng pagkamalikhain.

Ang pag-iisip ng mga pangunahing musikero-performer at guro ay palaging naglalayong bumuo ng mga prinsipyo sa pagtuturo na nakakatugon sa mga ideya ng mga gawain ng pagganap. Ito ay higit na tinutukoy ang nilalaman ng mga akdang pang-agham na nakatuon sa pagtugtog ng instrumento.

Sa mga lumang treatise ng clavier era, sinabi ang tungkol sa komposisyon ng musika, ang pamamaraan ng improvisasyon at ang pag-aayos ng mga komposisyon ng musikal, nakaupo sa instrumento, fingering at mga patakaran ng laro. Ang lahat ng ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na sa panahon ng pre-piano ang tagapalabas ay isang kompositor, na nagpapakilala sa mga tagapakinig sa kanyang sariling mga gawa at sa kanyang kasanayan sa improvisasyon. Ang propesyon ng isang performer-interpreter (ngunit hindi isang kompositor ng musika) sa mga taong iyon ay hindi pa nahiwalay bilang isang espesyal na anyo ng malikhaing aktibidad ng isang musikero. Noong ika-19 na siglo lamang, kasama ang pag-akyat ng isang bagong instrumento - ang piano - sa entablado ng konsiyerto, at ang sigasig para sa birtuosidad ng pagtugtog, nagkaroon ng unti-unting pagkakaiba-iba ng mga musikero, kompositor, performer at guro na nagtuturo sa pagtugtog ng instrumentong ito.

Ang nilalaman ng mga akdang siyentipiko sa sining ng musika ay nagbago din sa maraming paraan. Sa iba't ibang mga pag-aaral, mga aklat-aralin at mga gawa sa pamamaraan ng pagtuturo, ang lahat ng mga isyu na nauugnay sa pagkamalikhain sa musika, pagganap at pedagogy ay hindi na isinasaalang-alang. Ang tema ng bawat gawain ay isang partikular na lugar lamang ng musicology. Ang mga may-akda ng mga libro sa sining ng piano ay pangunahing interesado sa mga isyu ng mastering ang pianistic technique, at karamihan sa mga metodolohikal na gawa at mga pantulong sa pagtuturo ay nakatuon sa mga paksang ito. Kaya, sa loob ng maraming taon, ang mga teoretikal na gawa sa pagganap ng piano ay nabawasan sa mga problema ng pagtatatag ng mga makatwirang pamamaraan ng pagtugtog, na ginagawang posible upang makamit ang virtuoso technique. Sa huling bahagi lamang ng ika-19 at ika-20 siglo, ang mga kilalang musikero ay bumaling sa mga masining na isyu ng mga sining ng pagtatanghal, na tumutukoy sa mga gawain ng interpretasyon, pag-unawa sa istilo at nilalaman ng mga gawang musikal. Ang mga tanong sa pamamaraan ng pagtugtog ng piano ay nauugnay din sa mga problemang ito. Ang pinakamahalagang layunin ng guro ay ang edukasyon ng isang musikero, na ang pagganap ng sining ay hindi isang pagpapakita ng teknikal na kasanayan, ngunit ang kakayahang ihatid ang pinakaloob na kahulugan ng isang gawa ng sining sa pamumuhay, matalinghagang anyo ng pagpapahayag.

Ang bawat mahilig sa klasikal na musika ay maaaring pangalanan ang kanyang paborito.

Ang solong pagganap ni Alfred Brendel ay inihayag para sa Hunyo 30 sa Concert Hall ng Mariinsky Theater. Hindi posible na mahanap ang konsiyerto na ito sa opisyal na website ng pianista. Ngunit mayroong isang petsa para sa paparating na konsiyerto sa Moscow, na magaganap sa ika-14 ng Nobyembre. Gayunpaman, si Gergiev ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang kakayahang malutas ang mga hindi malulutas na problema.

BASAHIN DIN:

Magpapalipas si Martha Argerich ngayong Hunyo, gaya ng dati, sa lungsod ng Lugano sa Switzerland, kung saan magaganap ang kanyang sariling music festival. Nagbabago ang mga programa at kalahok, isang bagay ang nananatiling hindi nagbabago: tuwing gabi si Argerich mismo ay nakikilahok sa pagganap ng isa sa mga gawa. Noong Hulyo, gumaganap din si Argerich sa Europa: Cyprus, Germany at Switzerland.

Sa Moscow, nagtanghal si Marc-André Hamen noong Marso ng taong ito bilang bahagi ng parehong subscription bilang Maurizio Pollini. Noong Hunyo, nilibot ni Amlen ang Europa. Kasama sa kanyang iskedyul ang mga recital sa Copenhagen at Bonn at mga pagtatanghal sa isang pagdiriwang sa Norway.

Noong Hunyo, nilibot ni Evgeny Kissin ang Switzerland, Austria at Germany kasama ang Kremerata Baltica Orchestra, na tumutugtog ng ika-20 at ika-27 na Concertos ni Mozart. Ang susunod na paglilibot ay naka-iskedyul para sa Oktubre: sa Frankfurt, Munich, Paris at London, sasamahan ni Kissin si Dmitry Hvorostovsky.

Nagsimula si June Arkady Volodos sa isang pagtatanghal sa Paris, sa tag-araw ay maririnig siya sa Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen at Oslo, gayundin sa maliit na bayan ng Dusniki sa Poland sa tradisyonal na pagdiriwang ng Chopin.

Noong 1999, huminto si Pogorelich sa pagganap. Sinasabing ang dahilan nito ay ang pagharang sa pianista sa Philadelphia at London ng hindi nasisiyahang mga tagapakinig. Ayon sa isa pang bersyon, ang pagkamatay ng kanyang asawa ang naging sanhi ng depresyon ng musikero. Kamakailan ay bumalik si Pogorelich sa entablado ng konsiyerto, ngunit hindi siya gaanong gumaganap.

Ang huling posisyon sa listahan ang pinakamahirap na punan. Napakaraming mahuhusay na pianista pa ang natitira: Si Christian Zimmerman na ipinanganak sa Poland, American Murray Peraia, Japanese Mitsuko Ushida, Korean Kun Wu Peck o Chinese Lang Lang. Ipinagpatuloy nina Vladimir Ashkenazi at Daniel Barenboim ang kanilang mga karera. Ang sinumang mahilig sa musika ay magpapangalan sa kanilang paborito. Kaya hayaang manatiling bakante ang isang puwesto sa nangungunang sampung.

Maaari kang mamuhay sa musika, ngunit hindi kailanman gumawa ng isang kapalaran mula sa iyong talento. Ngunit ang mga taong ito - ang pinakamayamang pianista sa mundo - ay nagawang makapasok sa mga piling tao, bukod pa, ang kanilang kapital ay tinatantya sa milyun-milyong dolyar. Ito ang mga tunay na bituin, mahusay na tumugtog ng piano, gumaganap sa mga palabas at nagbibigay ng mga magarang konsiyerto, sumulat ng musika sa kanilang sarili o inilalagay lamang ang kanilang buong kaluluwa sa instrumento.

Mga musikero at showmen

Ang Briton na si Jules Holland (buong pangalan - Julian Miles Holland) ay perpektong pinagsama ang karera bilang isang musikero sa trabaho sa industriya ng telebisyon. Isang kompositor at showman, siya, noong bata pa, ay nagtrabaho sa mga pub sa London at kumita ng sarili niyang pera. Bukod pa rito, nagpakita siya ng magandang boses at sariling istilo ng pagkanta, kaya naging karagdagang bentahe ito ng batang performer. Naglabas siya ng ilang album, nakipagtulungan sa Sting at George Harrison, David Gilmour at Eric Clapton, Bono at Mark Knopfler. Ang pagganap sa buong mundo ay nakakuha kay Jules ng netong halaga na $2 milyon.

Mahigit sa dalawang daang palabas sa isang taon ang ibinibigay ng American singer at pianist na si Michael Feinstein. Ang pagkahilig sa piano ay lumitaw sa kanyang pagkabata - ipinadala ng kanyang mga magulang ang kanyang anak na lalaki upang kumuha ng mga aralin sa musika, pagkatapos ay natuklasan niya na maaari siyang tumugtog nang walang mga tala sa harap ng kanyang mga mata. Sa edad na 20, siya, tulad ni Jules, ay nag-entertain ng mga tao sa mga bar, at pagkatapos ay masuwerte siyang nakapasok sa isang engrande na proyekto. Nagtala siya ng malawak na koleksyon ng mga talaan ng gramopon (mga gawa ni Ira Gershwin). Ang gawain ay tumagal ng 6 na taon, sa parehong oras na ang musikero ay gumanap sa Broadway, kalaunan ang Carnegie Hall, ang Sydney Opera House, ang White House at ang Buckingham Palace ay isinumite sa kanya - kahit saan si Michael ay nagbigay ng malalaking konsiyerto. Bilang isang resulta, ang kapalaran ni Feinstein ay katumbas ng $ 10 milyon.

Mga mahuhusay na pianist - "multi-pianist"

Kasama rin sa listahan ng pinakamayamang pianista ang isang katutubong ng Unyong Sobyet - si Regina Spektor. Ipinanganak siya sa Moscow, sa isang musikal na pamilya, kalaunan ang mga magulang (na nagbigay sa batang babae ng kanyang unang mga aralin) ay lumipat sa Amerika. Doon siya nagsimulang tumugtog ng piano sa sinagoga. Nag-aral si Regina kay Sonya Vargas, nagsulat ng mga kanta, at kalaunan ay nagtapos sa conservatory. Noong 2001, inilabas ang unang album ng batang babae, pagkalipas ng tatlong taon ay mayroon na siyang kontrata sa Sire Records. Ang mga interes ni Regina ay magkakaiba: hindi lamang klasikal na musika, kundi pati na rin ang folk, punk, hip-hop, rock, jazz, Russian at Jewish na musika. Ang mga paglilibot at pag-record ay nagdala sa pianista ng $ 12 milyon.

Ang edad ni Spector, ang 35-taong-gulang na si Sara Barellis, ay nagsimula bilang miyembro ng choir ng paaralan, pagkatapos ay lumipat sa isang musical group na nagdadalubhasa sa pag-awit ng cappella. Bilang isang mag-aaral, nagtrabaho si Sarah sa mga nightclub at bar, at kalaunan ay nagsimulang magtanghal sa mga festival at malalaking lugar. Ang debut disc ng Barellis ay nakakuha ng pagkilala, hindi nagtagal ay pumirma siya ng kontrata sa Epic Records, umakyat ang kanyang karera - at ngayon ay naglilibot na si Sarah sa buong Amerika. Ang kanyang istilo ay piano-rock na may mga impluwensya ng jazz at kaluluwa, pagmamay-ari niya hindi lamang ang piano, kundi pati na rin ang gitara, harmonium at ukulele. Ang mga konsyerto, duet kasama sina Sherrill Crow at Norah Jones, mga pagtatanghal para sa pamilyang Obama, mga pagpapakita ng panauhin sa mga palabas sa TV, mga album at mga single ay nakakuha ng $ 16 milyon kay Sarah.

kababalaghan sa Asya

At narito ang klasikal na pianista - isa sa pinakamayamang pianista sa aming "hit parade" - ang kinatawan ng China Lan Lan. Siya - ang pinakabata sa ranggo - nakamit ang katanyagan (at $ 20 milyon) nang maaga. Ang kanyang unang pakikipagtagpo sa musikang Kanluranin ay isang fragment mula sa kultong serye sa TV na Tom at Jerry (kung saan gumanap ang mga bayani ng Hungarian Rhapsody No. 2 ni Franz Liszt). Nagtapos siya sa konserbatoryo at pagkatapos ng ilang mga tagumpay sa mga kumpetisyon ay itinuturing na pinakamahusay na pianista sa bansa. Nasa edad na 14, lumipat si Lan Lan sa Philadelphia at pumasok sa Curtis Institute of Music. Ang isang 3 milyong kontrata sa Sony, mga konsyerto para sa mga pinuno ng mundo, mga paglilibot sa Europa, USA at Asya ay ginawa siyang isang unibersal na paborito at ginawa siyang isa sa daang pinaka-maimpluwensyang tao sa planeta ayon sa Forbes.

Arranger, improviser, producer

Ang kompositor, performer, producer ng musika, arranger, organizer ng banda ng kanyang sariling pangalan, si Yanni Chrysomallis ay ipinanganak sa Greece, ngunit ngayon ay nakatira sa USA. Hindi siya agad nagpasya na musika ang pangunahing bagay sa kanyang buhay. Sa una, pumasok si Yanni sa Faculty of Psychology sa Unibersidad ng Minnesota, at doon na siya nagsimulang matutong maglaro ng keyboard. Ang unang pagkilala ay dumating sa kanya sa 1988-1989 tour, nang gumanap siya kasama ang Dallas Symphony Orchestra. Pagkatapos nito, gumawa si Yanni ng isang kamangha-manghang karera na may malaking bilang ng mga konsyerto, mga parangal sa musika, mga natatanging pag-record. Ang kapital ng Chrysomallis ngayon ay $40 milyon.

Pinuno ng La Scala

Ang direktor ng musika ng maalamat na Teatro alla Scala, ang 72-taong-gulang na si Daniel Barenboim, ay may pinagmulang Ruso. Ang kanyang mga magulang ay lumipat mula sa USSR patungong Argentina, kung saan lumaki si Daniel. Ang magaling na batang lalaki ay nagbigay ng kanyang unang konsiyerto sa edad na 7 (ang kanyang ama at ina ay mga pianista, at tinuruan nila ang kanyang anak). Ang malikhaing landas ng musikero ay kamangha-mangha: pinamunuan niya ang Chicago Symphony Orchestra, ang Paris Orchestra, ang Berlin State Opera, siya ay isang Honorary Knight Commander ng Order of the British Empire, ang Order of the Legion of Honor, at ginawaran ng Grammy pitong beses. Ang kayamanan ng pianista ay tinatayang nasa $50 milyon.

Most awarded film composer

Ang pinakasikat at pinamagatang kompositor ng pelikula na si John Williams ay isa rin sa pinakamayamang pianista sa mundo. 100 milyong kapital, limang Academy Awards (at 49 na nominasyon), 21 Grammys, 4 na Golden Globes at marami pang ibang parangal - ito ay napakahalaga! Sumulat si Williams ng musika para sa lahat ng mga pelikula ni Steven Spielberg at para sa mga obra maestra ni George Lucas, kabilang ang Star Wars at ang serye ng Indiana Jones. Nagsimula si John bilang isang jazz pianist na gumaganap sa mga club sa New York. Nagsimula siyang magsulat ng musika para sa mga pelikula noong 1960s, mula noon ay nakuha niya ang pamagat ng pinakasikat na kompositor ng pelikula sa lahat ng panahon.

Mga alamat ng musika

Ang ikalawang linya ng aming pagraranggo ng pinakamayamang pianista ay nararapat na inookupahan ni Billy Joel. Ang "net worth" nito ay $160 milyon. Ang musikero, mang-aawit, manunulat ng kanta na si William Martin Joel ay lumaki sa isang musikal na pamilya: ang kanyang ama ay isang klasikal na pianista, at naging guro siya para sa kanyang anak. Si Billy ay nagliliwanag sa pagtugtog ng piano habang nag-aaral pa upang tulungan ang kanyang ina sa pera. Kalaunan ay nag-enroll siya sa Columbia University. Ang unang solong album, ang Cold Spring Harbor, ay isang kumpletong kapahamakan, ngunit ang ilang mga kanta ay pinatugtog sa radyo, at si Joel ay nakapagpirma ng isang kontrata sa Columbia Records, pagkatapos ay naging maayos ang lahat.

Ang pinuno ng rating ay napakayaman - $ 440 milyon. Naging interesado siya sa piano sa edad na tatlo at kumuha ng mga aralin sa edad na pito. Sa lalong madaling panahon ang batang lalaki ay pinamamahalaang manalo ng isang iskolar sa Royal Academy of Music, sa panahon ng kanyang pag-aaral ay gumanap siya sa isang kalapit na pub. Dumagsa rito ang mga tao mula sa lahat ng nakapaligid na kalye upang makinig sa bata. Ang batang pianist ay naging isang rock star, nakakuha ng dagat ng mga tagahanga, nasakop ang libu-libong yugto, kumanta ng duet kasama ang pinakadakilang mang-aawit sa lahat ng oras, naitala ang mga album, nanalo ng maraming mga parangal. Hindi mo pa nahuhulaan kung sino ito? Ang pinakamayaman (at pinaka-talentadong) pianist sa mundo, si Elton John.

Espesyalista sa piano performance ng mga musikal na gawa.

Ang isang kawili-wiling katotohanan ay na para sa propesyon ng pianista ay lalong mahalaga na simulan ang paggawa ng musika sa napakaagang edad, mga tatlo hanggang apat na taong gulang. Pagkatapos ay nabuo ang isang "malawak" na hugis ng palad, na sa hinaharap ay makakatulong upang mahusay na maglaro.

Depende sa panahon ng pag-unlad ng musikang piano, kung minsan ay magkasalungat na mga kahilingan ang iniharap para sa mga pianista. Bilang karagdagan, ang propesyon ng isang musikero ay hindi maaaring hindi intersect sa. Karamihan sa mga pianista ay bumubuo ng kanilang sariling mga musikal na piyesa para sa piano. At ang mga bihirang birtuoso lamang ang nagtagumpay na sumikat, na eksklusibong gumaganap ng mga melodies ng ibang tao.

Sa anumang kaso, tulad ng sinumang musikero, mahalaga para sa isang pianist na maging taos-puso at emosyonal, upang ma-dissolve sa musika na kanyang ginagampanan. Ayon kay Harold Schonberg, isang sikat na kritiko sa musika, hindi lang ito isang instrumento, ito ay isang paraan ng pamumuhay, ibig sabihin, ang kahulugan ng buhay ng isang pianista ay hindi lamang musika, kundi musika para sa kapakanan ng piano.

Mozart, Liszt at Rachmaninoff - mga klasiko ng sining ng piano

Ang kasaysayan ng piano music ay medyo kawili-wili. Maraming mga yugto ang nakikilala sa loob nito, ang bawat isa ay may sariling mga tradisyon. Kadalasan, ang mga canon ng panahon ay itinakda ng isa (mas madalas ng ilan) na mahusay na pinagkadalubhasaan ang pagtugtog ng instrumento (sa una ito ay ang harpsichord, at pagkatapos ay ang piano).

Samakatuwid, ang pag-highlight ng tatlong panahon sa kasaysayan ng pianismo, pinangalanan sila sa pinakasikat na mga kompositor - Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Kung tayo ay kumikilos sa tradisyonal na terminolohiya ng mga istoryador, ito ang mga panahon ng klasisismo, pagkatapos ay romanticism at maagang modernismo, ayon sa pagkakabanggit.

Mga sikat na pianista noong ika-18-19 na siglo

Sa bawat isa sa mga panahong ito, nagtrabaho din ang iba pang mga pianista, na marami sa kanila ay mga kompositor din ng mga gawang musikal at nag-iwan ng hindi maalis na marka sa kasaysayan ng musikang piano. Ito ang dalawa sa tatlong "Viennese classics" na sina Schubert at Beethoven, ang mga German na sina Brahms at Schumann, ang Pole Chopin at ang French na si Charles Valentin Alcan.

Johannes Brahms

Sa panahong ito, ang mga pianista ay pangunahing kinakailangan na makapag-improvise. Ang propesyon ng pianista ay malapit na nauugnay sa pag-compose. At kahit na gumaganap ng mga gawa ng ibang tao, ang kanyang sariling interpretasyon, isang libreng interpretasyon, ay itinuturing na tama. Sa ngayon, ang gayong pagtatanghal ay maituturing na walang lasa, hindi tama, kahit na walang kakayahan.

Mga sikat na pianista noong ika-20 at ika-21 siglo

Ika-20 siglo - ang kasagsagan ng sining ng piano. Ang panahong ito ay hindi pangkaraniwang mayaman sa mga pambihirang talento at natatanging pianista.

Sa simula ng ika-20 siglo, naging tanyag sina Hoffmann at Korto, Schnabel at Paderewski. At siyempre, si Rachmaninov, ang henyo ng Silver Age, na minarkahan ang isang bagong panahon hindi lamang sa musika ng piano, kundi pati na rin sa kultura ng mundo sa kabuuan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang panahon ng mga sikat na pianista tulad ng Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff ...

Svyatoslav Richter

Ang mga namumukod-tanging pianista gaya ng American Van Cliburn, na naging unang nagwagi ng International Tchaikovsky Competition noong 1958, ay nagpatuloy sa kanilang musikal na pagkamalikhain sa simula ng ika-21 siglo. Ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit sa musikero na nanalo sa parehong kumpetisyon sa susunod na taon - ang pinakasikat na pop pianist na si Vladimir Ashkenazi.

Ang pinakasikat na pianista ay hindi si Mozart

Kung i-poll mo kung sino ang pinakasikat na pianist sa kasaysayan, malamang na sasagot ang karamihan sa mga tao - Mozart. Gayunpaman, hindi lamang perpektong pinagkadalubhasaan ni Wolfgang Amadeus ang instrumento, ngunit isa ring likas na kompositor.

Ito ay kilala na ang natatanging memorya, hindi kapani-paniwalang kakayahan para sa improvisasyon at talento ng mahusay na pianista ay nabuo lamang salamat sa ama ng maliit na henyo. Bilang resulta ng mga pang-araw-araw na gawain, sa ilalim ng banta ng pagiging naka-lock sa isang aparador, ang isang bata na nasa 4 na taong gulang ay madaling gumanap sa halip kumplikadong mga gawa, na nakakagulat sa iba. Hindi gaanong sikat si Salieri, na walang kislap ng henyo, ang walang hanggang kalaban ni Mozart, na hindi makatarungang inakusahan ng kanyang mga inapo ng kanyang pinagplanohang pagpatay.

Sa pamamagitan ng paraan, sa karamihan ng mga kaso ang isang musikero ay nagiging isang kompositor at sa gayon ay nakakamit ng katanyagan. Samakatuwid, hindi dapat kataka-taka na halos anumang henyong musikero ay nagiging isang sikat na manunulat ng kanta. Bihirang-bihira na may nakakamit lamang ng katanyagan bilang isang performer.

Domestic pianists

Alam ng kasaysayan ng musika ang maraming halimbawa nang ang isang sikat na pianista ay naging mas popular dahil sa hindi kapani-paniwalang tagumpay ng kanyang mga nilikha. Nakakatuwang malaman na maraming ganoong mga henyo ang ipinanganak sa Russia. Ang Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Shostakovich ay isang maliit na bahagi lamang ng kalawakan ng mga mahuhusay na musikero ng Russia. Kabilang sa mga modernong sikat na performer, si Denis Matsuev ay maaaring mapansin lalo na - isang karapat-dapat na kahalili sa mga tradisyon ng paaralan ng musika ng Russia.

Maaaring naaalala ng sinumang ipinanganak sa Unyong Sobyet ang tagumpay na natamo ng sikat at birtuoso na performer na si Van Cliburn noong Cold War. Ang nagwagi sa unang International Tchaikovsky Competition, ang batang Amerikanong pianista ay hindi natakot na pumunta sa isang bansang sarado sa lipunang Kanluranin. Ang unang piano concerto ni Tchaikovsky, na ginawa niya, ay naging unang platinum album sa mga klasikal na musikero.

Sa pamamagitan ng paraan, mayroong tatlong mga panahon sa kasaysayan ng pianismo, na ipinangalan sa mga dakilang pianista: Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Ang panahon ng Mozart ay klasisismo, ang panahon ng Liszt ay nailalarawan sa pamamagitan ng pinong romantikismo, at ang panahon ni Rachmaninov, nang naaayon, ay naging simula ng modernismo. Hindi dapat kalimutan na ang mga mahusay na pianista tulad ni Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, Chopin ay nagtrabaho nang sabay-sabay sa mga sikat na musikero na ito.

Mga kontemporaryong pianista

Ang ilang mga tao ay naniniwala na ang pag-usbong ng pianismo ay tapos na, at ang mga kontemporaryong performer at kompositor ay halos walang maihaharap sa korte ng isang nasirang publiko. Gayunpaman, ang makinang na Svyatoslav Richter ay nagtrabaho sa pagtatapos ng huling siglo. Sa pangkalahatan, ang ika-20 siglo ay itinuturing ng mga eksperto bilang ang kasagsagan ng sining ng piano. Ang simula ng siglo ay minarkahan ng paglitaw ng mga kahanga-hangang pianista tulad ng Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Karto at, siyempre, Rachmaninoff. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang mga naturang pangalan ay tumunog bilang Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein.

Sina Vladimir Ashkenazi at Denis Matsuev, mga piano virtuoso, ay nagpapasaya sa mga tagahanga sa kanilang talento ngayon. Hindi malamang na ang ika-21 siglo ay magiging mahirap sa mga talento sa musika sa hinaharap.