Ang pag-unlad ng volleyball sa Russia. Bolshoi Theatre Development ng volleyball sa Russia

• Espesyalidad ng Higher Attestation Commission ng Russian Federation17.00.01
• Bilang ng mga pahina 181

Kabanata I. Mga yugto ng spatial at pandekorasyon na pakikipagsapalaran ng K.A. Marjanishvili mula 1901 hanggang 1917.

Kabanata 2. Scenographic na imahe ng rebolusyonaryong panahon sa mga pagtatanghal ni K. A. Marjanishvili.

Kabanata 3. Karanasan sa pakikipagtulungan sa mga artista upang lumikha ng mga pagtatanghal sa musika

Kabanata 4. Ang huling pagtatanghal ng K.A. Marjanishvili sa yugto ng Russian Soviet. III

Inirerekomendang listahan ng mga disertasyon

• Isang sinaunang dula sa St. Petersburg stage ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo 2009, kandidato ng kasaysayan ng sining Yakimova, Zhanna Valerievna

• Mga bagong teknolohiya sa modernong proseso ng pagtatanghal: batay sa materyal ng theatrical art sa St. Petersburg 1990-2010. 2011, kandidato ng kasaysayan ng sining Astafieva, Tatyana Vladimirovna

• Pamamaraan ng pagdidirekta Vs.E. Meyerhold at ang kanyang impluwensya sa modernong teatro 2005, kandidato ng art history Jung Jung Ok

• Ritmo sa scenography ng mga pagtatanghal ng ballet ng Russia noong ika-20 siglo 2003, kandidato ng kasaysayan ng sining Vasilyeva, Alena Aleksandrovna

• Ang ebolusyon ng mga prinsipyo ng disenyo ng entablado sa mga pagtatanghal ng Leningrad State Maly Opera Theater. Mga artista ng MALEGOT. 1918-1970s 2006, kandidato ng kasaysayan ng sining Oves, Lyubov Solomonovna

Panimula ng disertasyon (bahagi ng abstract) sa paksang "Spatial at pandekorasyon na pakikipagsapalaran ng K.A. Marjanishvili sa entablado ng Russia. 1917-1933"

Mga katulad na disertasyon sa espesyalidad na "Theater Arts", 17.00.01 code VAK

• Ang gawa ng People's Artist ng UzSSR T.U. Khojaev (sa problema ng ideolohikal at artistikong integridad ng pagganap sa Uzbek Academic Drama Theatre na pinangalanang Khamza ng 50s - 60s) 1985, kandidato ng kasaysayan ng sining Zakhidova, Nafisa Gafurovna

• Ang mga artista ng Opera S.I. Zimina. Sa problema ng stylistic diversity ng pandekorasyon na mga solusyon 2012, kandidato ng kasaysayan ng sining Gordeeva, Marina Nikolaevna

• Ang relasyon ng sining sa kulturang Georgian: Ang halimbawa ng silent cinema 1912-1934 0 taon, kandidato ng pag-aaral sa kultura Ratiani, Irina Ivanovna

• Mga pangunahing prinsipyo ng artistikong relasyon sa pagitan ng pagdidirekta at scenography, at ang kanilang ebolusyon sa teatro ng Latvian 1985, kandidato ng kasaysayan ng sining Tishheizere, Edite Eizhenovna

• Mga problema ng senograpiya sa pagdidirekta ng K.S. Stanislavsky 1985, kandidato ng kasaysayan ng sining Mosina, Ekaterina Leonidovna

Listahan ng mga sanggunian para sa pananaliksik sa disertasyon kandidato ng kasaysayan ng sining Getashvili, Nina Viktorovna, 1984

Pakitandaan na ang mga siyentipikong teksto na ipinakita sa itaas ay nai-post para sa mga layuning pang-impormasyon lamang at nakuha sa pamamagitan ng orihinal na pagkilala sa teksto ng disertasyon (OCR). Samakatuwid, maaaring maglaman ang mga ito ng mga error na nauugnay sa hindi perpektong mga algorithm ng pagkilala. Walang ganoong mga error sa mga PDF file ng mga disertasyon at abstract na inihahatid namin.

Vladimir Urin (1947) - Pangkalahatang Direktor ng Bolshoi Theater mula noong Hulyo 2013. Mula 1995 hanggang 2013, siya ang pangkalahatang direktor ng Moscow Academic Musical Theater na pinangalanang Stanislavsky at Nemirovich Danchenko. Sa panahong ito, ayon sa maraming eksperto, maraming beses na may malinaw na patakaran sa repertoire at sarili nitong maliliwanag na bituin - kapwa sa opera at ballet.

Anatoly Iksanov (1952) - Pangkalahatang Direktor ng Bolshoi Theatre noong 2000-2013. Noong 1978-1998 nagtrabaho siya bilang punong tagapangasiwa, representante na direktor, direktor ng Leningrad Bolshoi Drama Theater na pinangalanang M. Gorky (ngayon ay Bolshoi Drama Theater na pinangalanang G.A. Tovstonogov, BDT), at ang TV channel na "Kultura".

Sa ilalim ng Iksanov, ang Bagong Stage ay binuksan at ang muling pagtatayo ng teatro ay natapos. Ang panahong ito ay minarkahan din ng isang malaking bilang ng mga iskandalo at mga insidente.

Vladimir Vasiliev (1940) - artistikong direktor - direktor ng Bolshoi Theatre noong 1995-2000. Ballet dancer, koreograpo, guro, People's Artist ng USSR. Sa ballet troupe ng Bolshoi Theatre - mula noong 1958, noong 1958-1988 -.

Sa ilalim niya, isang modernong sistema ng kontrata ang naaprubahan sa teatro; ang mga tradisyon ng mga pagtatanghal ng benepisyo ay muling binuhay: corps de ballet, koro at orkestra; ang sariling video studio ng teatro at ang paggawa ng isang regular na serye ng mga programa sa "Kultura" na channel sa TV ay inayos; isang press service ang nilikha at ang opisyal na pahina ng Bolshoi Theater sa Internet ay binuksan; Ang mga aktibidad sa pag-publish ay pinalawak.

Vladimir Kokonin (1938) - pangkalahatang direktor ng Bolshoi Theatre noong 1991-1995, mula 1995 hanggang 2000 - executive director. Pinarangalan na Artist ng Russian Federation. Nagsimula siyang magtrabaho sa Bolshoi Theater noong 1967 bilang isang orkestra artist. Nagtrabaho siya sa USSR Ministry of Culture at naging representante ng direktor ng All-Union Touring and Concert Association "State Concert of the USSR". Mula 1981 hanggang 1986 siya ay representante na direktor para sa repertoire at isang miyembro ng artistikong konseho ng Bolshoi Theater.

Sa ilalim ng Kokonin, ang katayuan ng teatro ay naaprubahan bilang isang partikular na mahalagang bagay sa kultura ng estado na may direktang subordination sa pamahalaan ng Russian Federation.

Mga artistikong direktor ng opera

Si Makvala Kasrashvili (1942) ay namamahala sa mga creative team ng Bolshoi Theater opera troupe mula noong 2000. People's Artist ng USSR, nagwagi ng State Prize ng Russia. Noong 1966 nagtapos siya sa Tbilisi State Conservatory (klase ng Vera Davydova). Sa parehong taon ginawa niya ang kanyang debut sa Bolshoi Theater.

Vladimir Andropov (1946) - artistikong direktor ng Bolshoi Theater opera troupe mula 2000 hanggang 2002. People's Artist ng Russia. Noong 1978, tinanggap siya ng Bolshoi Theater bilang conductor at artistic director ng stage orchestra. Sa Bolshoi Theater ay itinanghal niya ang opera na "The Beautiful Miller's Wife" at ang mga ballet na "Insomnia", "The Queen of Spades" at "Passacaglia". Mula noong 2009, pinamunuan niya ang National Academic Orchestra of Folk Instruments ng Russia na pinangalanang N.P. Osipov.

Yuri Grigoriev (1939) - artistikong direktor ng Bolshoi Theatre opera mula 1999 hanggang 2000. People's Artist ng Russia. Noong 1968-1990, soloista ng Bolshoi Theatre ng USSR at Kremlin Palace of Congresses. Mula noong 1990, kumanta siya sa mga yugto ng mga opera house sa Russia at sa ibang bansa. Mula noong 1979 siya ay nagtuturo sa solo singing department ng Moscow Conservatory, at mula noong 1996 siya ay isang propesor.

Bela Rudenko (1933) - artistikong direktor ng Bolshoi Theater opera troupe mula 1995 hanggang 1998. Noong 1973 siya ay naging soloista ng Bolshoi Theater. Ginampanan ang mga tungkulin ni Lyudmila sa opera ni Mikhail Glinka na "Ruslan at Lyudmila", Natasha Rostova ("Digmaan at Kapayapaan"), Yolan ("Milan"), Rosina "The Barber of Seville"), Violetta "La Traviata"), Lucia " Lucia de Lammermoor") at marami pang iba. Nagtanghal siya sa entablado ng Bolshoi Theatre hanggang 1988.

Alexander Lazarev (1945) - artistikong direktor ng opera at punong konduktor ng Bolshoi Theatre mula 1987 hanggang 1995. Opera at symphony conductor, guro, People's Artist ng Russia. Nagturo siya sa departamento ng opera at symphony na pagsasagawa ng orchestral faculty ng Moscow Conservatory. Gumaganap siya bilang guest conductor kasama ang mga nangungunang symphony orchestra at opera group sa mundo.

Mga artistikong direktor ng ballet troupe

Galina Stepanenko (1966) - kumikilos na artistikong direktor ng ballet troupe mula noong Enero 2013. Kasama ang Bolshoi Theater ballet troupe mula noong 1990. Mula noong Disyembre 2012 - guro-tutor

Sergei Filin (1970) - artistikong direktor ng Bolshoi Theater ballet troupe mula noong 2011. People's Artist ng Russia. Noong 1988-2008 nagtrabaho siya bilang ballet soloist sa Bolshoi Theatre troupe. Noong 2008-2011 siya ang direktor ng ballet troupe ng Moscow Academic Musical Theater. K.S. Stanislavsky at Vl.I. Nemirovich Danchenko.

Yuri Burlaka (1968) - artistikong direktor ng Bolshoi Theater ballet troupe noong 2009-2011. . Nakipagtulungan siya sa Bolshoi Theater mula noong 2008. Noong 1986-2006 siya ang nangungunang soloista ng Moscow State Regional Theatre na "Russian Ballet" sa ilalim ng direksyon ni Vyacheslav Gordeev. Mula noong 2006 siya ay naging isang guro at tagapagturo, at mula noong Abril 2007 siya ay nagtrabaho bilang artistikong direktor ng Russian Ballet Theater.

Alexey Ratmansky - artistikong direktor ng Bolshoi Theater ballet troupe noong 2004-2009. Pinarangalan na Artist ng Ukraine. Noong 1986-1992 at noong 1995-1997 siya ay isang soloista ng ballet troupe ng Kyiv Opera and Ballet Theater (National Opera of Ukraine) na pinangalanang T. G. Shevchenko. Noong 1992-1995 nagtrabaho siya sa Royal Winnipeg Ballet sa Canada. Noong 1997 siya ay tinanggap sa Royal Danish Ballet, kung saan gumanap siya ng mga nangungunang tungkulin. Mula noong 2009 - (American Ballet Theatre).

Boris Akimov (1946) - artistikong direktor ng Bolshoi Theater ballet troupe noong 2000-2003. People's Artist ng USSR. Kasama ang Bolshoi Theater ballet troupe mula noong 1965. Mula noong 1989 - guro at koreograpo ng Bolshoi Theatre. Noong 2001-2005 siya ay isang propesor sa Moscow State Academy of Choreography. Mula noong 2013, siya ay naging chairman ng artistikong konseho ng Bolshoi Theater ballet troupe.

Alexey Fadeechev (1960) - artistikong direktor ng ballet ng State Academic Bolshoi Theatre noong 1998-2000. People's Artist ng Russia. Mula noong 1978 siya ay naging soloista ng Bolshoi Theatre ballet. Noong 2001 inayos niya ang pribadong teatro ng sayaw ni Alexei Fadeechev.

Alexander Bogatyrev (1949 1998) - kumikilos na artistikong direktor ng ballet troupe noong 1997-1998. People's Artist ng RSFSR. Mula noong 1969 siya ay naging soloista ng Bolshoi Theater ballet troupe. Noong 1995-1997 hawak niya ang posisyon ng manager ng Bolshoi Theater ballet troupe.

Vyacheslav Gordeev (1948) - pinangunahan ang ballet troupe ng Bolshoi Theatre noong 1995-1997. People's Artist ng USSR. Noong 1968-1989 sumayaw siya bilang bahagi ng tropa ng Bolshoi Theatre. Mula noong 1998 - propesor sa Russian Academy of Slavic Culture. Artistic director ng Moscow Regional State Theatre na "Russian Ballet".

Yuri Grigorovich (1927) - artistikong direktor ng ballet troupe noong 1988-1995. Choreographer at choreographer, guro, People's Artist ng USSR. Mula noong 1964, nagsilbi siya bilang punong koreograpo ng Bolshoi Theater. Mula noong 2008 - choreographer ng Bolshoi Theater ballet troupe. Mula noong 1988, siya ay naging pinuno ng departamento ng koreograpia sa Moscow State Academy of Choreography.

Ang materyal ay inihanda batay sa impormasyon mula sa mga bukas na mapagkukunan

Noong 1970, bumalik si Andzhaparidze sa Tbilisi Opera House. Siya ay nasa mahusay na hugis ng boses, na nagpatuloy sa kanyang malikhaing karera sa entablado ng Georgian. Naakit ang madla sa kanyang Radames sa Aida, ang mang-aawit ay gumanap doon sa unang pagkakataon sa pinakamahirap na papel ni Othello sa opera ni Verdi, na isang signature role para sa isang dramatikong tenor. Kasabay nito (hanggang 1977) nanatili siyang isang panauhing soloista ng Bolshoi Theater, na patuloy na kumanta sa entablado nito na si Herman, na minamahal ng kanyang sarili at ng kanyang mga tagapakinig, at, mas madalas, sina Don Carlos, Jose at Cavaradossi.
"Ipapahayag ko ang isa, marahil ay kabalintunaan, na iniisip," ibinahagi ng artist ang kanyang damdamin sa madla. – Ito ay mas kumikita at maginhawa para sa isang aktor na kumanta sa Tbilisi - ang madla dito ay mas emosyonal, at, sa mabuting kahulugan ng salita, pinatawad kami, ang mga artista, higit pa, na mayroon ding magandang halaga sa edukasyon. Ang mas mahirap. Pero kung natanggap ka na, tapos na! Ang sinabi ay hindi, siyempre, nagpapawalang-bisa sa simpleng katotohanan, pareho para sa publiko ng Tbilisi at Moscow: kung kumanta ka nang hindi maganda, hindi sila tinatanggap, kung mahusay kang kumanta, tinatanggap sila nang maayos. Pagkatapos ng lahat, bilang panuntunan, ang mga kaswal na madla ay hindi pumupunta sa opera house."

"La Traviata". Alfred – Z. Andzhaparidze, Germont – P. Lisitsian

Mula noong 1972, si Zurab Andzhaparidze ay naging isang guro, propesor sa Tbilisi Conservatory, pagkatapos ay pinuno ng departamento ng mga disiplina sa musika sa Tbilisi Theatre Institute. Noong 1979–1982 - direktor ng Tbilisi Opera and Ballet Theater. Nagtrabaho din siya bilang isang direktor sa Kutaisi Opera House (nagtanghal ng mga opera na "Mindia" ni O. Taktakishvili, "Leila" ni R. Lagidze, "Daisi" ni Z. Paliashvili), sa mga sinehan sa Tbilisi at Yerevan. Lumahok sa paglikha ng mga bersyon ng pelikula ng mga opera ni Paliashvili na "Abesalom at Eteri" at "Daisi".
Hindi madalas, ngunit gustung-gusto niyang gumanap sa entablado ng konsiyerto, nakakaakit ng mga tagapakinig sa kanyang maaraw, kumikinang na boses at artistikong kagandahan bilang isang tagapalabas ng mga romansa ni P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rachmaninov, Neapolitan na mga kanta, vocal cycle ni O. Taktakishvili. Siya ay miyembro ng hurado ng mga internasyonal na kumpetisyon sa boses, kabilang ang V International Competition na pinangalanang P.I. Tchaikovsky (1974). Ang unang tagapangulo ng International Competition na pinangalanan kay D. Andguladze (Batumi, 1996).
Isang palakaibigang tao, tumutugon sa totoong talento, si Zurab Andzhaparidze sa isang pagkakataon ay nagbigay ng simula sa buhay sa maraming mang-aawit, kabilang ang mga soloista ng Bolshoi Theatre Makvala Kasrashvili, Zurab Sotkilava, Badri Maisuradze. Sa Georgia siya ang ipinagmamalaki ng bansa.
Ang pagkakaroon ng natanggap na pamagat ng People's Artist ng USSR noong 1966, sa ika-190 anibersaryo ng Bolshoi Theater, ang mang-aawit ay kasunod na iginawad ng ilang matataas na parangal: ang State Prize ng Georgian SSR. Z. Paliashvili (1971); Order of the Red Banner of Labor (1971); Order of the October Revolution (1981).
Namatay si Zurab Ivanovich sa Tbilisi sa kanyang kaarawan. Siya ay inilibing sa parke ng Tbilisi Opera House sa tabi ng mga luminaries ng Georgian opera music na sina Zakhary Paliashvili at Vano Sarajishvili.
Noong 1960–1970s, ang kumpanya ng Melodiya ay nag-publish ng mga pag-record ng mga eksena sa opera kasama si Zurab Andzhaparidze sa mga tungkulin ni Radamès, Herman, Jose, Vaudemont, Othello kasama ang Bolshoi Theater Orchestra (conductors A.Sh. Melik-Pashaev, B.E. Khaikin, M.F. Ermler ). Sa pakikilahok ng mang-aawit, naitala ng kumpanya ng pag-record ng Melodiya ang opera na "The Queen of Spades" kasama ang mga soloista, koro at orkestra ng Bolshoi Theater (1967, conductor B.E. Khaikin).
Ang Evgeniy Svetlanov Foundation ay naglabas ng isang CD na may recording ng opera na "Tosca" 1967 (State Symphony Orchestra sa ilalim ng E.F. Svetlanov) kasama si T.A. Milashkina at Z.I. Andzhaparidze sa mga pangunahing tungkulin. Ang obra maestra ng pagganap na ito ay nagbabalik ng dalawang magagandang tinig ng huling siglo sa kanilang mga kapanahon.
Sa koleksyon ng State Television and Radio Fund, maririnig din ang boses ng mang-aawit sa mga papel nina Don Carlos, Manrico (Don Carlos, Il Trovatore ni G. Verdi), Nemorino (Elisir of Love ni G. Donizetti), Canio (Pagliacci ni R. Leoncavallo), Turiddu (“Rural Honor” ni P. Mascagni), Des Grieux, Calaf (“Manon Lescaut”, “Turandot” ni G. Puccini), Abesalom, Malkhaz (“Abesalom and Eteri”, “ Daisi” ni Z. Paliashvili).
"Kadalasan ngayon, kapag nakikinig ka sa mga pag-record ng mga mang-aawit ng mga nakaraang taon, maraming mga idolo ng nakaraan ang nawawalan ng halo," sabi ng nangungunang baritone ng Bolshoi Theater na si Vladimir Redkin, isang kalahok sa isang gala concert bilang memorya ng artist sa Tbilisi Opera. at Ballet Theater na ipinangalan kay Paliashvili isang taon pagkatapos ng pagkamatay ng mang-aawit. – Ang mga pamantayan para sa vocal mastery, paraan, istilo ay nagbago ng malaki, at ang mga tunay na talento lamang ang tumayo sa pagsubok ng panahon. Ang boses ni Zurab Andzhaparidze, ang kanyang personalidad sa pagkanta ay perpektong pakinggan at maririnig na ngayon. Ang kadalian ng tunog, ang malambot na timbre, ang dami ng tunog, ang cantilena nito - lahat ng ito ay nananatili."
Ang memorya ng pambihirang tenor ay pinarangalan sa kanyang tinubuang-bayan - sa Georgia. Sa ikalimang anibersaryo ng pagkamatay ng artist, isang bronze bust ni sculptor Otar Parulava ang na-install sa kanyang libingan sa parke ng Tbilisi Opera House. Sa bahay 31 sa Paliashvili Street, kung saan nakatira ang mang-aawit, isang memorial plaque ang ipinakita noong 1998. Ang Zurab Andzhaparidze Prize ay itinatag, ang unang nagwagi kung saan ay ang Georgian tenor na si T. Gugushvili. Isang pundasyon na pinangalanang Zurab Andzhaparidze ay nilikha sa Georgia.
Noong 2008, sa okasyon ng ika-80 kaarawan ni Zurab Ivanovich, ang aklat na "Zurab Andzhaparidze" (M., na pinagsama-sama ni V. Svetozarov) ay nai-publish.
T.M.

Antarova Concordia Evgenievna
mezzo-soprano
1886–1959

Si Concordia Evgenievna Antarova, isang pambihirang mang-aawit sa opera at kamara, ay kilala sa mga twenties at thirties ng ikadalawampu siglo. Siya ay isang maliwanag, kawili-wiling tao, na ang kapalaran ay nakipag-ugnay sa masayang malikhaing tagumpay at malungkot na mga pagsubok sa buhay.
Ang mang-aawit ay ipinanganak sa Warsaw noong Abril 13 (25), 1886. Ang kanyang ama ay nagsilbi sa Kagawaran ng Pampublikong Edukasyon, ang kanyang ina ay nagbigay ng mga aralin sa wikang banyaga. Mayroong maraming mga aktibista ng mga tao sa pamilya; ang sikat na Sofya Perovskaya ay ang tiyahin ni Antarova. Mula sa kanyang mga ninuno, minana ni Cora ang kultura, determinasyon at tibay ng loob.
Sa edad na labing-isa, ang batang babae ay nawalan ng kanyang ama, at sa labing-apat, ang kanyang ina. Nagtrabaho siya ng part-time na nagbibigay ng pribadong mga aralin at nakapagtapos ng high school. Nang maging mahirap na ito, pumunta ako sa isang monasteryo. Dito natutunan niya ang pagsusumikap, pasensya, kabaitan, at dito nahayag ang kanyang kamangha-manghang tinig - isang magandang malalim na contralto, at kumanta siya nang may kasiyahan sa koro ng simbahan. Ang talento ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa kanyang susunod na buhay. Sa pagpapala ni John ng Kronstadt, bumalik si Antarova sa mundo.
Noong 1904, nagtapos siya sa Faculty of History and Philology ng Higher Women's Courses sa St. Petersburg at nakatanggap ng imbitasyon sa Department of Philosophy. Ngunit siya ay hindi mapaglabanan na naaakit sa teatro, pinangarap niyang kumanta. Kumuha si Antarova ng mga pribadong aralin mula kay Propesor I.P. Pryanishnikov, nag-aral siya kasama niya sa St. Petersburg Conservatory. Nakuha niya ang kanyang kabuhayan at edukasyon sa pamamagitan ng mga aralin, night shift, nagtuturo sa isang factory school, at patuloy na nagsusumikap para sa kanyang ninanais na layunin.
Noong 1901–1902 nagtanghal siya sa St. Petersburg People's House sa mga opera na “Vakula the Blacksmith” ni N.F. Solovyov sa papel ni Solokha at "Boris Godunov" ni M.P. Mussorgsky bilang Innkeeper.
Noong 1907, pagkatapos ng pagtatapos mula sa conservatory, na nakayanan ang isang mahirap na kumpetisyon mula sa isang daan at animnapung aplikante, siya ay tinanggap sa tropa ng Mariinsky Theatre.
Pagkalipas ng isang taon, lumipat siya sa Moscow Bolshoi Theatre, kung saan siya nagtrabaho (na may pahinga noong 1930–1932) hanggang 1936, bilang isa sa mga nangungunang soloista sa grupong contralto: sa oras na iyon ang teatro ay nangangailangan ng gayong mga tinig.
Kasama sa repertoire ng mang-aawit ang dalawampu't isang tungkulin sa Russian at Western classical operas. Ito ay: Ratmir sa "Ruslan at Lyudmila" at Vanya sa "Ivan Susanin" ni M.I. Glinka; Prinsesa sa "Rusalka" ni A.S. Dargomyzhsky, Genius sa "The Demon" ni A.G. Rubinstein, Polina at Countess sa "The Queen of Spades", Olga at Nanny sa "Eugene Onegin", Martha sa "Iolanta" ni P.I. Tchaikovsky; Konchakovna sa "Prince Igor" ni A.P. Borodina, Egorovna sa "Dubrovsky" E.F. Napravnik. Ilang tungkulin sa mga opera ni N.A. Rimsky-Korsakov - Alkonost sa "The Tale of the City of Kitezh", Nezhata at Lyubava sa "Sadko", Lel sa "The Snow Maiden", Dunyasha sa "The Tsar's Bride" (Antarova ang unang gumanap ng papel na ito sa Bolshoi Theatre).
Kabilang sa mga dayuhang opera sa repertoire ng mang-aawit ay ang mga tungkulin ni Schvertleit sa Die Walküre, Floschild sa Twilight of the Gods, at Erda sa Das Rheingold ni R. Wagner (ang unang tagapalabas sa Bolshoi).

"Prinsipe Igor". Konchakovna – K. Antarova, Vladimir Igorevich – A. Bogdanovich

Lumahok si K. Antarova sa mga unang paggawa ng mga opera ng Sobyet na "The Stupid Artist" ni I.P. Shishova (bahagi ni Drosida) at "Breakthrough" ni S.I. Pototsky (partido ni Afmya). Ang mang-aawit ay nagtrabaho sa ilalim ng gabay ng mga sikat na direktor na si P.I. Melnikova, A.I. Bartsala, I.M. Lapitsky, R.V. Vasilevsky, V.A. Lossky; natitirang mga konduktor V.I. asong babae, E.A. Cooper, M.M. Ippolitova-Ivanova at iba pa. Malikhaing nakipag-usap siya kay F.I. Shalyapin, A.V. Nezhdanova, S.V. Rachmaninov, K.S. Stanislavsky, V.I. Kachalov...
Lubos na pinahahalagahan ng mga kasamahan ang K.E. Antarov bilang isang mang-aawit at artista.
"Ang Antarova ay isa sa mga nagtatrabaho na artista na hindi tumitigil sa kanilang mga likas na kakayahan, ngunit sa lahat ng oras ay walang pagod na sumusulong sa landas ng pagpapabuti," ito ang sinabi ng natitirang konduktor na V.I. tungkol sa kanya. Isang asong babae na ang papuri ay hindi madaling makuha.
Ngunit ang opinyon ni L.V. Sobinova: "Palagi siyang may kahanga-hangang boses, pambihirang musikal at artistikong kakayahan, na nagbigay sa kanya ng pagkakataong kunin ang isa sa mga unang lugar sa tropa ng Bolshoi Theatre. Nasaksihan ko ang patuloy na artistikong paglaki ng artist, ang kanyang mulat na paggawa sa kanyang natural na mayaman na boses, na may orihinal na magandang timbre at malawak na hanay.
"Laging sinasakop ni Kora Evgenievna Antarova ang isa sa mga unang lugar sa tropa ng Bolshoi Theater sa mga tuntunin ng kanyang mga kakayahan sa artistikong," kinumpirma din ni M.M. Ippolitov-Ivanov.
Ang isa sa mga pinakamahusay na tungkulin ng mang-aawit ay ang Countess. Kalaunan ay isinulat ni K. Antarova ang tungkol sa pagtatrabaho dito sa loob ng ilang taon: "Ang papel ng Countess sa opera ni Tchaikovsky na The Queen of Spades ay ang aking unang tungkulin bilang isang "matandang babae." Napakabata ko pa, sanay na gumanap lamang sa mga batang papel, at samakatuwid, nang hilingin sa akin ng orkestra ng Bolshoi Theater na kantahin ang papel na ito sa pagganap ng benepisyo nito, pareho akong nataranta at napahiya. Ang pagganap sa seremonyal na pagtatanghal na ito ay lalo na nakakatakot, dahil ang direktor ng Moscow Conservatory na si Safonov, na hindi karaniwang hinihingi at mahigpit, ay inanyayahan na isagawa ito. Wala akong karanasan sa entablado. Wala akong ideya kung paano dapat bumangon, maupo, kumilos, o kung ano ang ritmo ng kanyang mga karanasan. Ang mga tanong na ito ay nagpahirap sa akin sa buong panahon na natutunan ko ang bahaging musikal ng Countess, at wala akong mahanap na sagot sa kanila.

Kondesa. "Reyna ng Spades"

Pagkatapos ay nagpasya akong hanapin ang A.P. sa Moscow. Krutikova, isang dating artista ng Bolshoi Theater, ang pinakamahusay na tagapalabas ng papel ng Countess, na sa isang pagkakataon ay nakakuha ng pag-apruba ng P.I. mismo. Tchaikovsky. Sinubukan ni Krutikova na ihatid sa akin ang kanyang interpretasyon ng imahe ng Countess, na hinihingi ang imitasyon. Ngunit hindi malamang na ang pamamaraang ito ay magbubunga ng mabungang mga resulta... Pumunta ako sa Tretyakov Gallery at iba pang mga museo, kung saan hinanap ko ang mga mukha ng matatandang babae at pinag-aralan ang mga wrinkles ng katandaan para sa pampaganda, naghahanap ng mga pose na katangian ng lumang. edad.
Lumipas ang ilang taon, at nakilala ko si K.S. sa masining na gawain. Stanislavsky. Noon ko lang napagtanto kung ano ang hindi nakapagbigay sa akin ng kasiyahan sa aking Kondesa, sa kabila ng magagandang pagsusuri at papuri. Hindi ito naglalaman sa akin, sa Antarova, o sa aking artistikong pagkatao. Ang mga klase kasama si Konstantin Sergeevich ay nagpahayag ng mga bagong gawain sa akin. Ang imahe ng Countess ay tumigil na umiral para sa akin sa paghihiwalay, sa labas ng panahon, kapaligiran, pagpapalaki, atbp. Itinuro sa akin ni Konstantin Sergeevich na ihayag ang buong linya ng buhay ng katawan ng tao (iyon ay, ang lohikal na pagkakasunud-sunod ng mga panlabas na pisikal na aksyon), na nabuo nang kahanay sa linya ng panloob na buhay ng imahe.
Unti-unti, hindi ko na kailangan ang mga saklay ng conditional role transfer. Nagsimula akong mamuhay ng isang natural na buhay sa entablado, dahil ang aking imahinasyon ay madaling nagdala sa akin mula sa mga nakamamanghang bulwagan ng mga palasyo ng Paris patungo sa Summer Garden o sa mayamot at madilim na mga silid ng matandang countess mismo.
Natagpuan ko ang ritmo ng pulso ng Countess sa aking puso."
K.E. Si Antarova ay kumanta ng mga solong konsiyerto, ang programa kung saan kasama ang mga gawa ni A.P. Borodina, P.I. Tchaikovsky, S.V. Rachmaninov, M.P. Mussorgsky, M.A. Balakireva, V.S. Kalinnikova, A.T. Grechaninova, N.K. Medtner, P.N. Renchitsky... Noong 1917–1919 madalas siyang gumanap sa mga patron concert.
Lumahok sa pagganap ng mga symphonic na gawa. Siya ang unang tagapalabas sa Moscow ng vocal part sa "Solemn Mass" ni G. Rossini sa Pavlovsky Station sa ilalim ng baton ng conductor N.V. Galkin (1892), ang unang performer ng "Strict Tunes" ni J. Brahms (1923).
Ang pagkakaroon ng isang pambihirang talento sa panitikan, isinalin ni Antarova ang mga teksto ng mga romansa ng mga dayuhang may-akda para sa kanyang sarili. Ang edukasyong pilolohiko ay naging kapaki-pakinabang kay Concordia Evgenievna sa hinaharap. Ang mang-aawit ay nagtrabaho kasama si Stanislavsky sa kanyang Opera Studio, na nilikha para sa komprehensibong malikhaing pagbuo ng mga mang-aawit ng Bolshoi Theater. Bilang resulta, nagsulat ako ng isang libro, na lubhang kailangan para sa mga propesyonal, "Mga pag-uusap ni K.S. Stanislavsky sa studio ng Bolshoi Theater noong 1918–1922. Ito ay halos verbatim recording ng mga session ng direktor kasama ang mga miyembro ng studio.
Ang pangunahing gawain na itinakda ni Stanislavsky para sa mga aktor ay ipinahayag ni Antarova sa mga pag-record na ito: "Sa kanyang mga pag-eensayo, isinagawa ni Stanislavsky ang madalas niyang sinabi: "Sa sining maaari ka lamang maakit, hindi ka makakapag-order dito." Sinunog niya ang kanyang sarili at sinindihan ang lahat ng mga estudyante sa studio na may pagmamahal sa paggawa sa tunay na sining, tinuturuan siyang hanapin hindi ang sarili sa sining, kundi ang sining sa sarili."
Ang kapatid ni Stanislavsky na si Z.S. Sumulat si Sokolova sa mang-aawit noong 1938:
"Nagulat ako kung paano mo mai-record ang mga pag-uusap at aktibidad ng iyong kapatid nang napakasalita. Kahanga-hanga! Habang binabasa ang mga ito at pagkatapos, nagkaroon ako ng ganoong estado na parang, ngayon, narinig ko siya at naroroon sa kanyang mga klase. Naalala ko pa kung saan, kailan, pagkatapos ng kung anong rehearsal sinabi niya ang ni-record mo..."
Ang aklat ay nai-publish nang maraming beses at isinalin sa mga banyagang wika. Noong 1946, nilikha ni K. Antarova ang Gabinete ng K.S. sa All-Russian Theatre Society. Stanislavsky, kung saan isinagawa ang aktibong gawain upang itaguyod ang kanyang artistikong pamana. May isa pang mahalagang libro - "On One Creative Path", na isang pag-record ng mga pag-uusap ng mang-aawit kay V.I. Kachalov, na inihayag ang kanyang pamana sa sining sa mga batang artista. Marahil ay mai-publish din ito balang araw.
Ngunit maaari mo ring matutunan mula kay Cora Evgenievna mismo ang isang tunay na mataas na saloobin sa sining. Hindi siya palaging nasisiyahan sa kapaligiran sa teatro. Sumulat siya: "Kapag ang aktor ay lumipat mula sa personal na "Ako", na itinuturing niyang sentro ng buhay, at mula sa pagprotekta sa kanyang mga personal na egoistic na karapatan sa paglilista at pagsasakatuparan ng kanyang mga responsibilidad sa buhay at sining, kung gayon ang kapaligiran na ito ay mawawala. Bukod sa kultura, walang paraan para makipaglaban.”
Ang personal na buhay ni K. Antarova ay mahirap. Ang kaligayahan sa isang lalaking may mataas na espirituwalidad, malapit sa mga pananaw, ay nagwakas sa trahedya: Ang asawa ni Cora Evgenievna ay pinigilan at binaril. Tulad ng para sa kanyang hinaharap na kapalaran, mayroong dalawang bersyon. Ayon sa isa, mayroong katibayan na, sa kanyang personal na kahilingan, siya ay "pinakawalan mula sa serbisyo" sa Bolshoi Theater noong 1930 at naging empleyado sa aklatan ng Leningrad. Ayon sa isa pang bersyon, ang malikhaing buhay ng mang-aawit ay nagambala ng pagpapatapon, at ang kanyang pagbabalik sa entablado ay naganap salamat sa utos ng I.V. Si Stalin, na, na bumisita sa teatro, ay hindi narinig si Antarova sa dula at tinanong kung bakit hindi siya kumanta.
K.E. Bumalik si Antarova sa entablado at noong 1933 ay iginawad siya sa titulong Honored Artist ng RSFSR. Gayunpaman, may mas kaunting lakas na natitira upang ipagpatuloy ang pagkamalikhain.
Nagturo siya ng kaunti, nanatili sa Moscow sa mga taon ng digmaan, at, tulad ng nangyari sa kalaunan, patuloy na nakikibahagi sa pagkamalikhain, ngunit sa ibang uri. At dito niya muling natagpuan na kapaki-pakinabang ang kanyang philological education.
Sa kabila ng mga kalunos-lunos na kalagayan ng kanyang buhay, pinanatili ni K. Antarova ang kanyang espirituwal na mundo na mayaman at maliwanag, nagawang tumaas sa mga pangyayari, bukod dito, palagi siyang may lakas na suportahan ang iba at maging isang espirituwal na guro. Ang kanyang saloobin sa buhay at mga tao ay makikita sa nobelang aklat na "Two Lives," na isinulat niya noong 40s at hindi nilayon na mailathala. Ang manuskrito ay itinatago ng kanyang mga mag-aaral. Ngayon ay nai-publish na. Ang kamangha-manghang aklat na ito ay nakatayo sa tabi ng mga gawa ng E.I. Roerich at N.K. Roerich, E.P. Blavatsky... Ito ay tungkol sa espirituwal na buhay ng isang tao, tungkol sa pagbuo ng kanyang kaluluwa sa mga pagsubok sa buhay, tungkol sa araw-araw na gawain para sa kabutihang panlahat, kung saan K.E. Nakita ni Antarova ang kahulugan ng pagkakaroon.

Nezhata. "Sadko"

Noong 1994, nai-publish ang libro at hindi nagtagal ay muling nai-publish.
Sa mga memoir ni K. Antarova, isa sa kanyang mga espirituwal na estudyante, Doctor of Art History S. Tyulyaev, ay binanggit ang huling liham ng mang-aawit sa kanya, na nagpapahayag ng kakanyahan ng kanyang saloobin sa buhay: "...Hindi ko kailanman sinasabi: "Ako hindi pwede," pero lagi kong sinasabi: "Malagtagumpay ako." Hindi ko kailanman iniisip: "Hindi ko alam," ngunit paulit-ulit kong inuulit, "Darating ako diyan." Ang pag-ibig ay laging mabuti. Ngunit kailangan mong tandaan na ang Ina ng Buhay ay higit na nakakaalam ng lahat kaysa sa atin. Walang nakaraan, ang hinaharap ay hindi alam, at ang buhay ay lumilipad “ngayon.” At ang isang taong lumikha ay ang nabubuhay sa kanyang "ngayon".
Namatay si Concordia Evgenievna sa Moscow noong Pebrero 6, 1959. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Novodevichy.
Ang espirituwal na kapangyarihan na nagmumula sa kanya ay naramdaman ng lahat ng nakakakilala kay Antarova. Sabi nga ng isa sa mga kaibigan niya, she “ was talented in everything. Siya mismo ay maganda... at lahat ng nasa paligid niya. Ang sikat na kasabihang Chekhov ay natagpuan ang isang hindi pangkaraniwang kumpletong sagisag sa Kora Evgenievna.
L.R.

Antonova Elizaveta Ivanovna
mezzo-soprano, contralto
1904-1994

Ang pambihirang kagandahan ng contralto, puno ng kadalisayan, lakas, at malalim na pagpapahayag na katangian ng Russian vocal school, ay nagdala kay Elizaveta Antonova ng paghanga ng parehong madla at ng kanyang mga kasamahan sa entablado. Hanggang ngayon, ang kanyang boses, sa kabutihang palad ay napanatili sa mga pag-record, ay patuloy na nakakaganyak sa mga tagapakinig. "...Ang mga boses tulad ng contralto ni Antonova ay napakabihirang, marahil isang beses bawat daang taon, o mas kaunti pa," sabi ng kinikilalang master ng opera stage na si Pavel Gerasimovich Lisitsian, ang pangmatagalang partner ng mang-aawit sa mga pagtatanghal ng Bolshoi Theater.

Prinsesa. "Sirena"

Si Elizaveta Antonova ay ipinanganak noong Abril 24 (Mayo 7), 1904 at lumaki sa Samara. Ang mga kalawakan ng Volga ay palaging nagtaguyod ng pag-ibig sa pag-awit. Gayunpaman, pagkatapos ng pagtatapos mula sa Labor School sa Samara pagkatapos ng rebolusyon, nagtrabaho siya bilang isang accountant. Ngunit ang isang hindi mapaglabanan na pagnanais na matutong kumanta ay humantong sa kanya sa Moscow, kung saan siya ay dumating sa edad na labing-walo kasama ang isang kaibigan, walang mga kamag-anak o kaibigan doon. Isang hindi inaasahang pagkikita sa isang kababayan, pagkatapos ay napakabata, at kalaunan ay isang sikat na artista na si V.P. Ang Efanov, na nagbibigay sa kanila ng suporta sa isang dayuhang lungsod, ay may kapaki-pakinabang na epekto sa pag-unlad ng mga karagdagang kaganapan. Nang makakita ng isang patalastas para sa pagpasok sa koro ng Bolshoi Theater, hinikayat ng isang kaibigan si Lisa, na hindi man lang marunong magbasa ng musika, na subukan ang kanyang kapalaran. Sa kabila ng katotohanan na higit sa apat na raang tao ang nakikilahok sa kumpetisyon, kabilang ang mga may mas mataas na edukasyon sa musika, para kay Elizaveta Antonova ang pagtatangka na ito ay nagtatapos sa tagumpay - ang kanyang boses ay labis na namangha sa komite ng pagpili na siya ay walang kondisyon na nakatala sa koro. Natutunan niya ang mga unang bahagi "mula sa boses" sa ilalim ng gabay ng Bolshoi Theater choirmaster V.P. Stepanov, na nagpahayag ng pagnanais na mag-aral kasama ang naghahangad na mang-aawit. Sa pamamagitan ng pakikilahok sa mga paggawa ng opera ng Bolshoi Theater, nakakakuha din siya ng mga kasanayan sa entablado. At pagkatapos ay kumukuha siya ng mga aralin mula sa sikat na dating mang-aawit na si M.A. Si Deishi-Sionitskaya, isang estudyante ni K. Everardi, isang sikat na baritonong mang-aawit at propesor ng pagkanta, vocal mentor ng isang buong kalawakan ng mga mang-aawit na bumubuo sa kulay ng entablado ng opera ng Russia.
Pagkatapos ng limang taon ng trabaho sa Bolshoi Theater choir (1923–1928) at mabungang pag-aaral kasama si Deisha-Sionitskaya, naglakbay si E. Antonova sa Leningrad, kung saan nagpasya siyang subukan ang kanyang kamay sa opera troupe ng Maly Opera Theater. Isang soloista sa opera na MALEGOTA noong 1928–1929, gumanap siya doon bilang Niklaus sa The Tales of Hoffmann ni J. Offenbach, gayundin si Chipra sa operetta ni J. Strauss na The Gypsy Baron. At noong 1930, nang bumalik sa Moscow, pumasok siya sa First Moscow Music College, kung saan nag-aral siya sa klase ng T.G. Derzhinskaya, kapatid na babae K.G. Derzhinskaya. Sa oras na ito ay gumaganap siya sa mga eksperimentong sinehan at nagbibigay ng mga konsyerto. Noong 1933, pagkatapos ng pagtatapos sa kolehiyo, bumalik siya sa Bolshoi Theater, ngunit ngayon bilang isang soloista sa opera troupe.
Ang debut ng mang-aawit sa entablado ng Bolshoi Theater noong Hunyo 1933 ay ang papel ng Prinsesa sa "Rusalka" ni A.S. Dargomyzhsky, na kalaunan ay pinangalanan sa kanyang pinakamahusay na mga gawa. Naabot ang propesyonal na kapanahunan, una siyang gumanap ng maliliit na tungkulin - ang batang babae na Polovtsian sa "Prince Igor" ni A.P. Borodin, ang 2nd Lady sa “The Huguenots” ni J. Meyerbeer, Nezhata sa “Sadko” ni N.A. Rimsky-Korsakov. Ang tatlumpung taong gulang ay unang kumanta ng Nanny sa "Eugene Onegin" ng P.I. Tchaikovsky, at pagkatapos ay si Olga. Simula noon, si Elizaveta Antonova ay gumaganap ng nangungunang contralto at mezzo-soprano repertoire sa teatro. Ang pag-attach ng malaking kahalagahan sa pagtatrabaho sa mga karakter sa entablado, ang mang-aawit, bilang panuntunan, ay nag-aaral hindi lamang sa kanyang bahagi at sa opera sa kabuuan, kundi pati na rin sa mapagkukunang pampanitikan. Naalala ko ang mga pag-uusap namin ni L.V. Sobinov at iba pang mga luminaries ng Russian vocal art, at siya ang partner ni A.V. Nezhdanova, N.A. Obukhova, A.S. Pirogova, M.O. Reizena, E.A. Stepanova, V.V. Barsova, S.I. Kumikislap, sinabi ng mang-aawit: "Napagtanto ko na kailangan mong matakot sa mga panlabas na kamangha-manghang pose, lumayo sa mga operatic convention, maiwasan ang nakakainis na mga cliches, kailangan mong matuto mula sa mga dakilang master ng Russian vocal school, na lumikha ng walang hanggang buhay, malalim. makatotohanan, makatotohanan sa buhay at nakakumbinsi na mga larawang nagpapakita ng ideolohikal na nilalaman ng akda." Siya mismo ang lumikha ng parehong mga klasikal na imahe, sa mga tradisyon ng makatotohanang sining, na minarkahan ng mataas na pagganap ng kultura, sa entablado ng Bolshoi, na sumali sa kalawakan ng mga kinikilalang masters nito at naging isang phenomenon ng Russian opera theater.
Ang mga tungkuling "lalaki" ay itinuturing na isa sa mga perpektong tagumpay sa boses at entablado ng artist: nanatili siya sa kasaysayan ng Russian opera bilang isang walang kapantay na tagapalabas ng mga tungkulin ni Lelya sa "The Snow Maiden" ni N.A. Rimsky-Korsakov, Siebel sa "Faust" ni C. Gounod, Vanya sa "Ivan Susanin", Ratmir sa "Ruslan at Lyudmila" ni M.I. Glinka. Ayon kay Elizaveta Ivanovna, ang pagbabasa ng mahusay na tula ni Pushkin na "Ruslan at Lyudmila" ay nakatulong sa kanya ng higit sa paglikha ng imahe ni Ratmir. Tulad ng patotoo ng mga nakasaksi, ang Khazar Khan Ratmir ay nakakagulat na nababagay sa kanyang mababang contralto at panlabas na mga tampok sa entablado at napuno ng isang tunay na oriental na lasa. Nakibahagi si E. Antonova sa premiere ng produksyon (conductor-producer A.Sh. Melik-Pashaev, director R.V. Zakharov). Ang kanyang kasosyo sa dula, si Nina Pokrovskaya, tagapalabas ng papel ni Gorislava, ay naalala ang gawaing ito at ang kanyang minamahal na Ratmir: "Nagustuhan ko ang produksyon na ito ni A.Sh. Melik-Pashayeva at R.V. Zakharova. Alam ko sa pinakamaliit na detalye ang kuwento ni Gorislava, na nahuli ng mga infidels at ibinigay sa harem ni Ratmir. Ang kapangyarihan ng pag-ibig at ang katatagan ng babaeng Ruso na ito ay palaging namamangha sa akin. Isipin na lang, alang-alang kay Lyudmila, tiniis ni Ruslan ang napakaraming pagsubok, at nalampasan ng aking Gorislava ang lahat ng mga hadlang alang-alang kay Ratmir. At ang kanyang debosyon at lakas ng pakiramdam ay nagbago sa batang Khazar khan. Sa finale ng opera, sina Ratmir at Gorislava ay nasa pantay na termino kasama sina Lyudmila at Ruslan - ang parehong mag-asawa ay nararapat sa isang mataas na parangal. Ito ay kung paano nila nalaman kung paano magmahal pabalik sa paganong Rus'!

Ratmir. "Ruslan at Ludmila"

Ang guwapong Ratmir ay si E.I. Antonov. Siguro dahil ito ang unang Ratmir para sa akin, mayroon pa rin akong natatanging hitsura ng Ratmir - Antonova. Isang matangkad, maringal na pigura, matapang, hindi man lang palayaw, ugali at galaw, magagandang katangian ng mukha. At, siyempre, ang boses ay isang tunay na contralto, mayaman, buong boses, na may napakagandang timbre. Ang kamangha-manghang mga intonasyon ng tinig na ito ay banayad, hinaplos ang tainga, dinala ng mapang-akit na mga salpok, at binihag. Para sa kapakanan ng pagliligtas sa gayong Ratmir, ang aking Gorislava ay handa na pumunta sa mga dulo ng mundo! Nakakalungkot na hindi napanatili ng pelikulang iyon para sa mga sumunod na henerasyon ang isa sa pinakamagagandang gawa ng isang mahuhusay na artista!” Sa kabutihang palad, ang unang kumpletong pag-record ng 1938 opera na may partisipasyon ng E.I. ay nananatili. Antonova, na inilabas ni Melodiya sa mga talaan ng gramopon noong kalagitnaan ng dekada 1980.
Ang pagganap ni Elizaveta Antonova ng Vanya sa Ivan Susanin, na itinuturing ding obra maestra sa entablado, ay hindi gaanong kahanga-hanga sa mga kasamahan at manonood. Muling nakibahagi ang mang-aawit sa premiere performance - ang unang produksyon ng opera na may bagong libretto ng makatang Silver Age na si S.M. Gorodetsky sa pakikipagtulungan sa direktor ng produksyon B.A. Mordvinov at conductor S.A. Lynching. Noong nakaraan, bago ang Rebolusyong Oktubre ng 1917, ang opera na ito ay ginanap sa entablado ng Bolshoi Theater sa ibang bersyon, na batay sa libretto ni Baron E. Rosen. Sa isang pagsusuri ng premiere ng "Ivan Susanin" noong Pebrero 1939, na inilathala sa pahayagan ng Pravda, kompositor, akademikong B.V. Sumulat si Asafiev: "E. Lumilikha si Antonova ng isang kahanga-hangang imahe ng Vanya. Ito ay isang mahusay na artistikong tagumpay. Parehong ang vocal part at ang role ang pinakamahirap. Ibinigay ni Glinka dito nang buong-buo ang kanyang marubdob na pagmamahal sa kasanayan sa boses at sa kanyang mga natuklasan sa larangan ng mga kakayahan sa boses at mga prospect para sa pag-awit ng Russia."
Sa pakikipag-usap sa natitirang bass M.D. Mikhailov tungkol sa mga gumaganap ng mga pangunahing tungkulin sa "Ivan Susanin", inspektor ng Bolshoi Theatre opera noong 1930s-1950s. B.P. Nailalarawan ni Ivanov ang E. Antonova - Vanya sa sumusunod na paraan: "Hindi huminto si Antonova sa maingat na pagbuo ng mga detalye ng entablado, ang kanyang mahusay na boses ay ginagawang posible na madali at nakakumbinsi na maisagawa ang bahaging ito. Sa ika-apat na eksena, salamat sa kanyang malakas na boses, nakamit ni Antonova ang matataas na kalunos-lunos at binihag ang mga manonood. Ang simple-hearted character ni Vanya Antonov ay naipapahayag sa pamamagitan ng vocal expressiveness, habang ang kay Zlatogorov ay ipinahahatid sa pamamagitan ng drama."

Ang buong pangalan ay "State Academic Bolshoi Theater of Russia" (SABT).

Kasaysayan ng Opera

Isa sa mga pinakalumang Russian musical theater, ang nangungunang Russian opera at ballet theater. Ang Bolshoi Theatre ay gumaganap ng isang natitirang papel sa pagtatatag ng pambansang makatotohanang tradisyon ng opera at ballet art at sa pagbuo ng Russian musical at stage performing school. Sinusubaybayan ng Bolshoi Theater ang kasaysayan nito noong 1776, nang ang tagausig ng lalawigan ng Moscow, si Prince P. V. Urusov, ay tumanggap ng pribilehiyo ng gobyerno "na maging may-ari ng lahat ng mga pagtatanghal sa teatro sa Moscow...". Mula noong 1776, ang mga pagtatanghal ay itinanghal sa bahay ng Count R.I. Vorontsov sa Znamenka. Si Urusov, kasama ang negosyanteng M.E. Medox, ay nagtayo ng isang espesyal na gusali ng teatro (sa sulok ng Petrovka Street) - ang "Petrovsky Theater", o "Opera House", kung saan ginanap ang opera, drama at ballet performance noong 1780-1805. Ito ang unang permanenteng teatro sa Moscow (nasunog ito noong 1805). Noong 1812, nawasak ng sunog ang isa pang gusali ng teatro - sa Arbat (arkitekto K. I. Rossi) at ang tropa ay gumanap sa pansamantalang lugar. Noong Enero 6 (18), 1825, ang Bolshoi Theatre (disenyo ni A. A. Mikhailov, arkitekto O. I. Bove), na itinayo sa site ng dating Petrovsky, ay binuksan kasama ang prologue na "The Triumph of the Muses" na may musika nina A. N. Verstovsky at A. A. Alyabyev. Ang silid - ang pangalawang pinakamalaking sa Europa pagkatapos ng teatro ng La Scala ng Milan - pagkatapos ng sunog noong 1853 ay makabuluhang itinayong muli (arkitekto A.K. Kavos), naitama ang mga acoustic at optical deficiencies, ang auditorium ay nahahati sa 5 tier. Ang pagbubukas ay naganap noong Agosto 20, 1856.

Ang unang Russian folk musical comedies ay itinanghal sa teatro - "The Miller - the Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker" ni Sokolovsky (1779), "The St. Petersburg Gostiny Dvor" ni Pashkevich (1783) at iba pa. Ang unang pantomime ballet, The Magic Shop, ay ipinakita noong 1780 sa araw ng pagbubukas ng Petrovsky Theater. Kabilang sa mga pagtatanghal ng ballet, nangingibabaw ang maginoo na kamangha-manghang-mitolohikal na mga palabas, ngunit ang mga pagtatanghal ay itinanghal din na kasama ang mga katutubong sayaw ng Russia, na isang mahusay na tagumpay sa publiko ("Village Festival", "Village Picture", "The Takeing of Ochakov", atbp.). Kasama rin sa repertoire ang pinakamahalagang opera ng mga dayuhang kompositor noong ika-18 siglo (G. Pergolesi, D. Cimarosa, A. Salieri, A. Grétry, N. Daleirac, atbp.).

Sa huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo, ang mga mang-aawit ng opera ay gumanap sa mga dramatikong pagtatanghal, at ang mga dramatikong aktor ay gumanap sa mga opera. Ang tropa ng Petrovsky Theater ay madalas na pinunan ng mga mahuhusay na aktor at artista, at kung minsan ng buong grupo ng mga serf theater, na binili ng pamamahala ng teatro mula sa mga may-ari ng lupa.

Kasama sa troupe ng teatro ang mga aktor ng serf mula sa Urusov, mga aktor mula sa mga tropa ng teatro ng N. S. Titov at ang Moscow University. Kabilang sa mga unang aktor ay sina V. P. Pomerantsev, P. V. Zlov, G. V. Bazilevich, A. G. Ozhogin, M. S. Sinyavskaya, I. M. Sokolovskaya, kalaunan E. S. Sandunova at iba pa. Ang mga unang ballet artist - mga mag-aaral ng Orphanage (kung saan itinatag ang isang ballet school773 sa ilalim ng 1 ng choreographer I. Walberch) at mga mananayaw ng serf ng mga tropa ng Urusov at E. A. Golovkina (kabilang ang: A. Sobakina, D. Tukmanova, G. Raikov, S. Lopukhin at iba pa).

Noong 1806, marami sa mga aktor ng serf ng teatro ang nakatanggap ng kanilang kalayaan; ang tropa ay inilagay sa pagtatapon ng Direktor ng Moscow Imperial Theaters at naging isang teatro ng korte, na direktang nasasakop sa Ministri ng Korte. Tinukoy nito ang mga paghihirap sa pagbuo ng advanced na sining ng musikal ng Russia. Ang domestic repertoire sa una ay pinangungunahan ng mga vaudeville, na napakapopular: "The Village Philosopher" ni Alyabyev (1823), "Teacher and Student" (1824), "Humpster" at "Fun of the Caliph" (1825) ni Alyabyev at Verstovsky, atbp. Mula sa katapusan ng ika-20 siglo Noong 1980s, ang Bolshoi Theater ay nagtanghal ng mga opera ni A. N. Verstovsky (inspektor ng musika para sa mga sinehan sa Moscow mula noong 1825), na minarkahan ng mga pambansang-romantikong tendensya: "Pan Tvardovsky" (1828), " Vadim, o ang Labindalawang Natutulog na Birhen" (1832), "Askold's Grave" "(1835), na nanatili sa repertoire ng teatro sa loob ng mahabang panahon, "Longing for the Motherland" (1839), "Churova Dolina" (1841), "Thunderbreaker" (1858). Si Verstovsky at ang kompositor na si A. E. Varlamov, na nagtrabaho sa teatro noong 1832-44, ay nag-ambag sa edukasyon ng mga mang-aawit na Ruso (N. V. Repina, A. O. Bantyshev, P. A. Bulakhov, N. V. Lavrov, atbp.). Nagtanghal din ang teatro ng mga opera ng mga kompositor ng Aleman, Pranses at Italyano, kabilang ang Don Giovanni ni Mozart at The Marriage of Figaro, Fidelio ni Beethoven, The Magic Shooter ng Weber, Fra Diavolo, Fenella at The Bronze Horse" ni Auber, "Robert the Devil" ni Meyerbeer , "The Barber of Seville" ni Rossini, "Anne Boleyn" ni Donizetti, atbp. Noong 1842, ang Moscow Theatre Administration ay naging subordinate sa St. Petersburg Directorate. Itinanghal noong 1842, ang opera ni Glinka na "A Life for the Tsar" ("Ivan Susanin") ay naging isang kahanga-hangang pagtatanghal na itinanghal sa mga solemne na pista opisyal sa korte. Salamat sa mga pagsisikap ng mga artista ng St. Petersburg Russian Opera Troupe (inilipat sa Moscow noong 1845-50), ang opera na ito ay ginanap sa entablado ng Bolshoi Theater sa isang hindi maihahambing na mas mahusay na produksyon. Sa parehong pagganap, ang opera ni Glinka na Ruslan at Lyudmila ay itinanghal noong 1846, at ang Esmeralda ni Dargomyzhsky noong 1847. Noong 1859, itinanghal ng Bolshoi Theater ang "The Mermaid". Ang hitsura ng mga opera nina Glinka at Dargomyzhsky sa entablado ng teatro ay minarkahan ng isang bagong yugto sa pag-unlad nito at may malaking kahalagahan sa pagbuo ng makatotohanang mga prinsipyo ng vocal at stage art.

Noong 1861, inupahan ng Directorate of Imperial Theaters ang Bolshoi Theater sa isang Italian opera troupe, na gumanap ng 4-5 araw sa isang linggo, na mahalagang umalis sa Russian opera 1 araw. Ang kumpetisyon sa pagitan ng dalawang grupo ay nagdala ng isang tiyak na benepisyo sa mga mang-aawit na Ruso, na pinipilit silang patuloy na pagbutihin ang kanilang mga kasanayan at humiram ng ilang mga prinsipyo ng Italian vocal school, ngunit ang kapabayaan ng Directorate of Imperial Theaters na aprubahan ang pambansang repertoire at ang pribilehiyong posisyon ng pinahirapan ng mga Italyano ang tropang Ruso na magtrabaho at pinigilan ang opera ng Russia na magkaroon ng pagkilala sa publiko. Ang bagong Russian opera house ay maaari lamang ipanganak sa paglaban sa Italian mania at entertainment trend upang maitatag ang pambansang pagkakakilanlan ng sining. Nasa 60-70s na, ang teatro ay pinilit na makinig sa mga tinig ng mga progresibong pigura sa kulturang musikal ng Russia, sa mga hinihingi ng bagong demokratikong madla. Ang mga opera na "Rusalka" (1863) at "Ruslan at Lyudmila" (1868), na itinatag sa repertoire ng teatro, ay ipinagpatuloy. Noong 1869, itinanghal ng Bolshoi Theater ang unang opera ni P. I. Tchaikovsky, "The Voevoda," at noong 1875, "The Oprichnik." Noong 1881, itinanghal ang "Eugene Onegin" (ang pangalawang produksyon, 1883, ay itinatag sa repertoire ng teatro).

Mula noong kalagitnaan ng 80s ng ika-19 na siglo, nagkaroon ng pagbabago sa saloobin ng pamamahala ng teatro patungo sa opera ng Russia; Ang mga paggawa ng mga natatanging gawa ng mga kompositor ng Russia ay isinagawa: "Mazepa" (1884), "Cherevichki" (1887), "The Queen of Spades" (1891) at "Iolanta" (1893) ni Tchaikovsky, ang mga opera ng mga kompositor " Ang Mighty Handful" ay unang lumitaw sa entablado ng Bolshoi Theater - "Boris Godunov" ni Mussorgsky (1888), "The Snow Maiden" ni Rimsky-Korsakov (1893), "Prince Igor" ni Borodin (1898).

Ngunit ang pangunahing atensyon sa repertoire ng Bolshoi Theater sa mga taong ito ay binayaran pa rin sa mga French opera (J. Meyerbeer, F. Aubert, F. Halévy, A. Thomas, C. Gounod) at Italyano (G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi) mga kompositor. Noong 1898, itinanghal ang "Carmen" ni Bizet sa unang pagkakataon sa Russian, at noong 1899, itinanghal ang "The Trojans in Carthage" ni Berlioz. Ang German opera ay kinakatawan ng mga gawa ni F. Flotow, Weber's The Magic Shooter, at mga solong produksyon ng Wagner's Tannhäuser at Lohengrin.

Kabilang sa mga Ruso na mang-aawit noong kalagitnaan at ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo ay sina E. A. Semyonova (ang unang tagapalabas ng Moscow ng mga bahagi ng Antonida, Lyudmila at Natasha), A. D. Alexandrova-Kochetova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov (na lumikha ng mga larawan ng Onegin at ang Demon), B. B. Korsov, M. M. Koryakin, L. D. Donskoy, M. A. Deisha-Sionitskaya, N. V. Salina, N. A. Preobrazhensky, atbp. May pagbabago hindi lamang sa repertoire, kundi pati na rin sa kalidad ng mga produksyon at musikal na interpretasyon ng mga opera. Noong 1882-1906 ang punong konduktor ng Bolshoi Theater ay si I.K. Altani, noong 1882-1937 ang punong choirmaster ay si U.I. Avranek. Ang P. I. Tchaikovsky at A. G. Rubinstein ay nagsagawa ng kanilang mga opera. Ang mas seryosong pansin ay binabayaran sa pandekorasyon na disenyo at kultura ng pagtatanghal ng dula. (Noong 1861-1929, nagtrabaho si K. F. Waltz bilang isang dekorador at mekaniko sa Bolshoi Theater).

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, isang reporma ng teatro ng Russia ang namumuo, ang mapagpasyang pagliko nito patungo sa lalim ng buhay at makasaysayang katotohanan, patungo sa pagiging totoo ng mga imahe at damdamin. Ang Bolshoi Theater ay papasok na sa kanyang kapanahunan, na nakakakuha ng katanyagan bilang isa sa pinakamalaking sentro ng musikal at teatro na kultura. Kasama sa repertoire ng teatro ang pinakamahusay na mga gawa ng sining sa mundo, gayunpaman, ang Russian opera ay sumasakop sa isang sentral na lugar sa entablado nito. Sa kauna-unahang pagkakataon, ang Bolshoi Theatre ay nagtanghal ng mga paggawa ng mga opera ni Rimsky-Korsakov na "The Pskov Woman" (1901), "Pan-voevoda" (1905), "Sadko" (1906), "The Tale of the Invisible City of Kitezh" (1908), "The Golden Cockerel" (1909), pati na rin ang "The Stone Guest" ni Dargomyzhsky (1906). Kasabay nito, itinatanghal ng teatro ang mga makabuluhang gawa ng mga dayuhang kompositor gaya ng "Die Walküre", "The Flying Dutchman", "Tannhäuser" ni Wagner, "The Trojans in Carthage" ni Berlioz, "Pagliacci" ni Leoncavallo, "Honor Rusticana ” ni Mascagni, “La Bohème” ni Puccini, atbp.

Ang pag-unlad ng gumaganap na paaralan ng sining ng Russia ay dumating pagkatapos ng isang mahaba at matinding pakikibaka para sa mga klasikong opera ng Russia at direktang nauugnay sa malalim na kasanayan ng domestic repertoire. Sa simula ng ika-20 siglo, isang konstelasyon ng mga magagaling na mang-aawit ang lumitaw sa entablado ng Bolshoi Theater - F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova. Ang mga natitirang mang-aawit ay gumanap kasama nila: E. G. Azerskaya, L. N. Balanovskaya, M. G. Gukova, K. G. Derzhinskaya, E. N. Zbrueva, E. A. Stepanova, I. A. Alchevsky, A V. Bogdanovich, A. P. Bonachich, G. A. Baklanov, I. V. Gry S. langit. Noong 1904-06, ang S. V. Rachmaninov ay nagsagawa sa Bolshoi Theater, na nagbibigay ng isang bagong makatotohanang interpretasyon ng mga klasikong opera ng Russia. Mula noong 1906, si V. I. Suk ay naging konduktor. Ang koro sa ilalim ng direksyon ng U. I. Avranek ay nakakamit ng mga honed skills. Ang mga kilalang artista ay kasangkot sa disenyo ng mga pagtatanghal - A. M. Vasnetsov, A. Ya. Golovin, K. A. Korovin.

Ang Great October Socialist Revolution ay nagbukas ng bagong panahon sa pag-unlad ng Bolshoi Theater. Sa mga mahihirap na taon ng Digmaang Sibil, ang tropa ng teatro ay ganap na napanatili. Ang unang season ay nagsimula noong Nobyembre 21 (Disyembre 4), 1917 sa opera na "Aida". Isang espesyal na programa ang inihanda para sa unang anibersaryo ng Rebolusyong Oktubre, na kinabibilangan ng ballet na "Stepan Razin" sa musika ng symphonic na tula ni Glazunov, ang "Veche" na eksena mula sa opera na "Pskovite" ni Rimsky-Korsakov at ang choreographic na larawan " Prometheus” sa musika ni A. N. Scriabin. Sa panahon ng 1917/1918, ang teatro ay nagbigay ng 170 opera at ballet na pagtatanghal. Mula noong 1918, ang Bolshoi Theatre Orchestra ay nagbigay ng mga cycle ng symphony concert na may partisipasyon ng mga soloista. Kasabay nito, ginanap ang mga instrumental na konsiyerto ng kamara at konsiyerto ng mga mang-aawit. Noong 1919, ang Bolshoi Theater ay iginawad sa pamagat ng akademiko. Noong 1924, binuksan ang isang sangay ng Bolshoi Theater sa lugar ng dating pribadong opera house ni Zimin. Ang mga pagtatanghal ay ginanap sa yugtong ito hanggang 1959.

Noong 20s, lumitaw ang mga opera ng mga kompositor ng Sobyet sa entablado ng Bolshoi Theater - "Trilby" ni Yurasovsky (1924, 2nd production 1929), "Decembrists" ni Zolotarev at "Stepan Razin" ni Triodin (pareho noong 1925), "The Love for Three Oranges" Prokofiev (1927), "Ivan the Soldier" ni Korchmarev (1927), "Son of the Sun" ni Vasilenko (1928), "Zagmuk" ni Crane at "Breakthrough" ni Pototsky (parehong noong 1930), atbp. Kasabay nito, maraming gawain ang ginagawa sa mga klasiko ng opera. Ang mga bagong produksyon ng mga opera ni R. Wagner ay naganap: "Das Rheingold" (1918), "Lohengrin" (1923), "Die Meistersinger ng Nuremberg" (1929). Noong 1921, ginanap ang oratorio ni G. Berlioz na "The Damnation of Faust". Ang paggawa ng opera ni M. P. Mussorgsky na "Boris Godunov" (1927), na ginanap sa unang pagkakataon sa kabuuan nito sa mga eksena, ay naging pangunahing mahalaga. Sa ilalim ni Kromy At Sa St. Basil's(ang huli, na inayos ni M. M. Ippolitov-Ivanov, mula noon ay kasama sa lahat ng mga produksyon ng opera na ito). Noong 1925, naganap ang premiere ng opera ni Mussorgsky na "Sorochinskaya Fair". Kabilang sa mga makabuluhang gawa ng Bolshoi Theater ng panahong ito: "The Tale of the Invisible City of Kitezh" (1926); "The Marriage of Figaro" ni Mozart (1926), gayundin ang mga opera na "Salome" ni R. Strauss (1925), "Cio-Cio-san" ni Puccini (1925), atbp., na itinanghal sa unang pagkakataon sa Moscow.

Ang mga makabuluhang kaganapan sa malikhaing kasaysayan ng Bolshoi Theatre ng 30s ay nauugnay sa pag-unlad ng Soviet opera. Noong 1935, ang opera ni D. D. Shostakovich na "Katerina Izmailova" (batay sa kuwento ni N. S. Leskov na "Lady Macbeth ng Mtsensk") ay itinanghal, pagkatapos ay "Quiet Don" (1936) at "Virgin Soil Upturned" ni Dzerzhinsky (1937), "Battleship " " ni Chishko (1939), "Ina" ni Zhelobinsky (pagkatapos ng M. Gorky, 1939), atbp. Ang mga gawa ng mga kompositor ng mga republikang Sobyet ay itinanghal - "Almast" ni Spendiarov (1930), "Abesalom at Eteri" ni Z. Paliashvili (1939). Noong 1939, muling binuhay ng Bolshoi Theater ang opera na si Ivan Susanin. Ang bagong produksyon (libretto ni S. M. Gorodetsky) ay nagsiwalat ng katutubong-bayanihang kakanyahan ng gawaing ito; Ang mga eksena sa mass choir ay nakakuha ng espesyal na kahalagahan.

Noong 1937, ang Bolshoi Theatre ay iginawad sa Order of Lenin, at ang pinakadakilang masters nito ay iginawad sa pamagat ng People's Artist ng USSR.

Noong 20-30s, ang mga natitirang mang-aawit ay gumanap sa entablado ng teatro - V. R. Petrov, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, K. G. Derzhinskaya, E. A. Stepanova, E. K. Katulskaya, V. V. Barsova, I. S. Kozlovsky, I. S. Kozlovsky Pirogov, M. D. Mikhailov, M. O. Reizen, N. S. Khanaev, E. D. Kruglikova, N. D. Shpiller, M. P. Maksakova, V. A. Davydova, A. I. Baturin, S. I. Migai, L. F. Savransky, N. N. Ozerov, ang mga conductor ng R. N. Ozerov, V. V. I. Suk, M. M. Ippolitov-Ivanov, N. S. Golovanov, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, Yu. F. Fayer, L. P. Steinberg, V.V. Nebolsin. Ang Bolshoi Theatre opera at mga pagtatanghal ng ballet ay itinanghal ng mga direktor na V. A. Lossky, N. V. Smolich; koreograpo R.V. Zakharov; choirmasters U. O. Avranek, M. G. Shorin; artist P. W. Williams.

Sa panahon ng Great Patriotic War (1941-45), ang bahagi ng Bolshoi Theater troupe ay inilikas sa Kuibyshev, kung saan noong 1942 naganap ang premiere ng opera ni Rossini na William Tell. Sa entablado ng sangay (ang pangunahing gusali ng teatro ay nasira ng isang bomba) noong 1943 ang opera na "On Fire" ni Kabalevsky ay itinanghal. Sa mga taon ng post-war, ang opera troupe ay bumaling sa klasikal na pamana ng mga mamamayan ng mga sosyalistang bansa; ang mga opera na "The Bartered Bride" ni Smetana (1948) at "Pebble" ni Moniuszko (1949) ay itinanghal. Ang mga pagtatanghal na "Boris Godunov" (1948), "Sadko" (1949), "Khovanshchina" (1950) ay kilala para sa lalim at integridad ng musikal at entablado ensemble. Ang mga matingkad na halimbawa ng mga klasikong ballet ng Sobyet ay ang mga ballet na "Cinderella" (1945) at "Romeo and Juliet" (1946) ni Prokofiev.

Mula noong kalagitnaan ng 40s, ang papel ng pagdidirekta ay tumataas sa paglalahad ng ideolohikal na nilalaman at pagsasakatuparan ng intensyon ng may-akda sa isang akda, sa pagtuturo sa isang aktor (mang-aawit at ballet dancer) na may kakayahang lumikha ng malalim na makabuluhan, sikolohikal na makatotohanang mga imahe. Ang papel ng ensemble sa paglutas ng mga problema sa ideolohikal at masining ng pagtatanghal ay nagiging mas makabuluhan, na nakamit salamat sa mataas na kasanayan ng orkestra, koro at iba pang mga grupo ng teatro. Ang lahat ng ito ay nagpasiya sa istilo ng pagganap ng modernong Bolshoi Theater at dinala ito sa buong mundo na katanyagan.

Noong 50-60s, tumindi ang gawa ng teatro sa mga opera ng mga kompositor ng Sobyet. Noong 1953, itinanghal ang monumental na epikong opera na "Decembrists" ni Shaporin. Ang opera ni Prokofiev na Digmaan at Kapayapaan (1959) ay kasama sa gintong pondo ng teatro ng musikal ng Sobyet. Ang mga produksyon ay "Nikita Vershinin" ni Kabalevsky (1955), "The Taming of the Shrew" ni Shebalin (1957), "Mother" ni Khrennikov (1957), "Jalil" ni Zhiganov (1959), "The Tale of a Real Man” ni Prokofiev (1960), “Fate” person" ni Dzerzhinsky (1961), "Not Only Love" ni Shchedrin (1962), "Oktubre" ni Muradeli (1964), "The Unknown Soldier" ni Molchanov (1967), "Optimistic Tragedy" ni Kholminov (1967), "Semyon Kotko" ni Prokofiev (1970).

Mula noong kalagitnaan ng 50s, ang repertoire ng Bolshoi Theater ay napunan ng mga modernong dayuhang opera. Sa unang pagkakataon, itinanghal ang mga gawa ng mga kompositor na sina L. Janacek (Her Stepdaughter, 1958), F. Erkel (Bank-Ban, 1959), F. Poulenc (The Human Voice, 1965), B. Britten (A Midsummer's Dream). gabi", 1965). Ang klasikal na Russian at European repertoire ay lumawak. Kabilang sa mga natatanging gawa ng grupo ng opera ay ang Fidelio ni Beethoven (1954). Ang mga opera ay itinanghal din: "Falstaff" (1962), "Don Carlos" (1963) ni Verdi, "The Flying Dutchman" ni Wagner (1963), "The Tale of the Invisible City of Kitezh" (1966), "Tosca" (1971), "Ruslan" at Lyudmila" (1972), "Troubadour" (1972); ballets - "The Nutcracker" (1966), "Swan Lake" (1970). Kasama sa opera troupe ng panahong ito ang mga mang-aawit na I. I. at L. I. Maslennikov, E. V. Shumskaya, Z. I. Andzhaparidze, G. P. Bolshakov, A. P. Ivanov, A. F. Krivchenya, P. G. Lisitsian, G. M. Nelepp, I. I. Petrov at iba pa. Mga konduktor at nagtrabaho sa entablado ng musika ng mga pagtatanghal - A. Sh. Melik-Pashaev, M. N. Zhukov, G. N. Rozhdestvensky, E. F. Svetlanov; mga direktor - L. B. Baratov, B. A. Pokrovsky; koreograpo L. M. Lavrovsky; mga artista - P. P. Fedorovsky, V. F. Ryndin, S. B. Virsaladze.

Ang mga nangungunang masters ng Bolshoi Theater opera at ballet troupes ay gumanap sa maraming bansa sa buong mundo. Ang opera troupe ay naglibot sa Italy (1964), Canada, Poland (1967), East Germany (1969), France (1970), Japan (1970), Austria, Hungary (1971).

Noong 1924-59, ang Bolshoi Theater ay may dalawang yugto - ang pangunahing yugto at isang sangay na yugto. Ang pangunahing yugto ng teatro ay isang five-tier auditorium na may 2,155 na upuan. Ang haba ng bulwagan, kabilang ang shell ng orkestra, ay 29.8 m, lapad - 31 m, taas - 19.6 m Lalim ng entablado - 22.8 m, lapad - 39.3 m, laki ng portal ng entablado - 21.5 × 17.2 m. Sa Noong 1961, ang Bolshoi Theatre ay nakatanggap ng isang bagong venue ng entablado - ang Kremlin Palace of Congresses (auditorium para sa 6000 na upuan; laki ng entablado sa plano - 40 × 23 m at taas sa rehas na bakal - 28.8 m, portal ng entablado - 32 × 14 m; tablet Ang entablado ay nilagyan ng labing-anim na lifting at lowering platform). Ang Bolshoi Theater at ang Palasyo ng mga Kongreso ay nagho-host ng mga seremonyal na pagpupulong, mga kongreso, mga dekada ng sining, atbp.

Panitikan: Ang Bolshoi Moscow Theater at isang pagsusuri ng mga kaganapan na nauna sa pagtatatag ng wastong teatro ng Russia, M., 1857; Kashkin N.D., Opera stage ng Moscow Imperial Theater, M., 1897 (sa rehiyon: Dmitriev N., Imperial Opera stage sa Moscow, M., 1898); Chayanova O., "Triumph of the Muses", Memo ng mga makasaysayang alaala para sa sentenaryo na anibersaryo ng Moscow Bolshoi Theater (1825-1925), M., 1925; kanya, Medox Theater sa Moscow 1776-1805, M., 1927; Teatro ng Moscow Bolshoi. 1825-1925, M., 1925 (koleksiyon ng mga artikulo at materyales); Borisoglebsky M., Mga Materyales sa kasaysayan ng Russian ballet, tomo 1, L., 1938; Glushkovsky A.P., Mga alaala ng isang koreograpo, M. - L., 1940; State Academic Bolshoi Theatre ng USSR, M., 1947 (koleksyon ng mga artikulo); S. V. Rachmaninov at Russian opera, koleksyon. mga artikulong na-edit ni I. F. Belzy, M., 1947; "Theater", 1951, No. 5 (nakatuon sa ika-175 anibersaryo ng Bolshoi Theater); Shaverdyan A.I., Bolshoi Theater ng USSR, M., 1952; Polyakova L.V., Kabataan ng Bolshoi Theater Opera Stage, M., 1952; Khripunov Yu. D., Arkitektura ng Bolshoi Theater, M., 1955; Bolshoi Theatre ng USSR (koleksyon ng mga artikulo), M., 1958; Grosheva E. A., Bolshoi Theater ng USSR sa nakaraan at kasalukuyan, M., 1962; Gozenpud A. A., Musical theater sa Russia. Mula sa mga pinagmulan hanggang Glinka, L., 1959; kanyang, Russian Soviet Opera Theater (1917-1941), L., 1963; sa pamamagitan niya, Russian Opera Theater noong ika-19 na siglo, tomo 1-2, L., 1969-71.

L. V. Polyakova
Musical Encyclopedia, ed. Yu.V.Keldysh, 1973-1982

Kasaysayan ng ballet

Nangunguna sa teatro ng musikal ng Russia, na gumaganap ng isang natitirang papel sa pagbuo at pag-unlad ng mga pambansang tradisyon ng ballet art. Ang paglitaw nito ay nauugnay sa pag-usbong ng kulturang Ruso noong ika-2 kalahati ng ika-18 siglo, kasama ang paglitaw at pag-unlad ng propesyonal na teatro.

Ang tropa ay nagsimulang mabuo noong 1776, nang ang philanthropist ng Moscow na si Prince P. V. Urusov at ang negosyanteng si M. Medox ay tumanggap ng mga pribilehiyo ng gobyerno para sa pagpapaunlad ng negosyo sa teatro. Ang mga pagtatanghal ay ibinigay sa bahay ni R.I. Vorontsov sa Znamenka. Noong 1780, itinayo ang Medox sa Moscow sa sulok ng kalye. Ang gusali ng teatro ng Petrovka, na naging kilala bilang Petrovsky Theater. Dito naganap ang mga pagtatanghal ng drama, opera at ballet. Ito ang unang permanenteng propesyonal na teatro sa Moscow. Ang kanyang ballet troupe ay hindi nagtagal ay napunan ng mga mag-aaral ng ballet school ng Moscow Orphanage (umiiral mula noong 1773), at pagkatapos ay kasama ang mga serf actor mula sa tropa ni E. A. Golovkina. Ang unang pagtatanghal ng ballet ay "The Magic Shop" (1780, choreographer L. Paradise). Sinundan ito ng: "The Triumph of the Pleasures of the Female Sex," "The Feigned Death of Harlequin, or the Deceived Pantalon," "The Deaf Mistress" at "The Feigned Anger of Love" - ​​lahat ng ginawa ng koreograpo na si F. Morelli (1782); "Village morning entertainment when the sun awakeens" (1796) at "The Miller" (1797) - choreographer P. Pinucci; "Medea at Jason" (1800, pagkatapos ng J. Nover), "The Toilet of Venus" (1802) at "Revenge for the Death of Agamemnon" (1805) - choreographer D. Solomoni, atbp. Ang mga pagtatanghal na ito ay batay sa mga prinsipyo ng klasisismo, sa mga komiks na balete (“The Deceived Miller,” 1793; “Cupid’s Deceptions,” 1795) nagsimulang lumitaw ang mga tampok ng sentimentalismo. Kabilang sa mga mananayaw ng tropa, si G. I. Raikov, A. M. Sobakina at iba pa ay tumayo.

Noong 1805, nasunog ang gusali ng Petrovsky Theatre. Noong 1806 ang tropa ay nasa ilalim ng hurisdiksyon ng Directorate of Imperial Theaters at naglaro sa iba't ibang lugar. Ang komposisyon nito ay muling napuno, ang mga bagong ballet ay itinanghal: "Gishpan Evenings" (1809), "Pierrot's School", "Algerians, o ang Defeated Sea Robbers", "Zephyr, o ang Anemone, na naging permanente" (lahat - 1812), "Semik, o Festivities in Maryina Roshcha" (sa musika ni S. I. Davydov, 1815) - lahat ay itinanghal ni I. M. Abletz; "The New Heroine, or the Cossack Woman" (1811), "Celebration in the Camp of the Allied Army in Montmartre" (1814) - pareho sa musika ni Kavos, choreographer I. I. Valberkh; "Festival on the Sparrow Hills" (1815), "Triumph of the Russians, o Bivouac near Krasny" (1816) - pareho sa musika ni Davydov, choreographer A. P. Glushkovsky; "Cossacks on the Rhine" (1817), "Neva Walk" (1818), "Ancient Games, or Yule Evening" (1823) - lahat sa musika ng Scholz, ang koreograpo ay pareho; "Russian Swing on the Banks of the Rhine" (1818), "Gypsy Camp" (1819), "Festival in Petrovsky" (1824) - lahat ay choreographed ni I. K. Lobanov, atbp. Karamihan sa mga pagtatanghal na ito ay mga divertissement na may malawak na paggamit ng folk mga ritwal at katangiang sayaw. Ang mga pagtatanghal na nakatuon sa mga kaganapan ng Digmaang Patriotiko noong 1812 ay lalong mahalaga - ang unang mga ballet sa isang modernong tema sa kasaysayan ng yugto ng Moscow. Noong 1821, nilikha ni Glushkovsky ang unang ballet batay sa gawain ni A. S. Pushkin ("Ruslan at Lyudmila" sa musika ng Scholz).

Noong 1825, kasama ang prologue na "The Triumph of the Muses," na itinanghal ni F. Gyullen-Sor, nagsimula ang mga pagtatanghal sa bagong gusali ng Bolshoi Theater (arkitekto O. I. Bove). Itinatanghal din niya ang mga ballet na "Fnella" sa musika ng opera ni Ober na may parehong pangalan (1836), "Tom Thumb" ("The Cunning Boy and the Cannibal") nina Varlamov at Guryanov (1837), atbp. T. N. namumukod-tangi sa ang ballet troupe ng panahong ito Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronina-Ivanova, T. S. Karpakova, K. F. Bogdanov, atbp. Noong 1840s. Ang ballet ng Bolshoi Theatre ay tiyak na naiimpluwensyahan ng mga prinsipyo ng romantikismo (ang mga aktibidad nina F. Taglioni at J. Perrot sa St. Petersburg, ang mga paglilibot ng M. Taglioni, F. Elsler, atbp.). Ang mga natitirang mananayaw ng direksyon na ito ay sina E. A. Sankovskaya, I. N. Nikitin.

Ang malaking kahalagahan para sa pagbuo ng makatotohanang mga prinsipyo ng sining sa entablado ay ang mga paggawa sa Bolshoi Theater ng mga opera na "Ivan Susanin" (1842) at "Ruslan at Lyudmila" (1846) ni Glinka, na naglalaman ng mga detalyadong choreographic na eksena na gumaganap ng isang mahalagang dramatikong papel. Ang mga ideolohikal at artistikong prinsipyong ito ay ipinagpatuloy sa "Rusalka" ni Dargomyzhsky (1859, 1865), "Judith" ni Serov (1865), at pagkatapos ay sa mga paggawa ng opera ni P. I. Tchaikovsky at ang mga kompositor ng "The Mighty Handful." Sa karamihan ng mga kaso, ang mga sayaw sa mga opera ay choreographed ni F. N. Manokhin.

Noong 1853, sinira ng apoy ang lahat ng interior ng Bolshoi Theatre. Ang gusali ay naibalik noong 1856 ng arkitekto na si A.K. Kavos.

Sa ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo, ang Bolshoi Theater ballet ay makabuluhang mas mababa kaysa sa St. Petersburg (walang ganoong talentadong direktor bilang M. I. Petipa, o ang parehong kanais-nais na mga kondisyong materyal para sa pag-unlad). Ang Little Humpbacked Horse ni Pugni, na itinanghal ni A. Saint-Leon sa St. Petersburg at inilipat sa Bolshoi Theater noong 1866, ay nagtamasa ng napakalaking tagumpay; Inihayag nito ang matagal nang ugali ng Moscow ballet patungo sa genre, komedya, pang-araw-araw at pambansang katangian. Ngunit ilang orihinal na pagtatanghal ang nalikha. Ang isang bilang ng mga paggawa ni K. Blazis ("Pygmalion", "Dalawang Araw sa Venice") at S. P. Sokolov ("Fern, o Gabi sa ilalim ni Ivan Kupala", 1867) ay nagpahiwatig ng isang tiyak na pagbaba sa mga prinsipyo ng malikhaing teatro. Ang tanging makabuluhang kaganapan ay ang dula na "Don Quixote" (1869), na itinanghal sa entablado ng Moscow ni M. I. Petipa. Ang paglalim ng krisis ay nauugnay sa mga aktibidad ng mga koreograpo na si V. Reisinger (The Magic Slipper, 1871; Kashchei, 1873; Stella, 1875) at J. Hansen (The Virgin of Hell, 1879) na inimbitahan mula sa ibang bansa. Ang produksyon ng "Swan Lake" nina Reisinger (1877) at Hansen (1880) ay hindi rin matagumpay, dahil nabigo silang maunawaan ang makabagong diwa ng musika ni Tchaikovsky. Sa panahong ito, ang tropa ay may malalakas na tagapalabas: P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva, A. I. Sobeshchanskaya, P. M. Karpakova, S. P. Sokolov, V. F. Geltser, at kalaunan L. N. Gaten, L. A. Roslavleva, A. A. Dzhuri, A. N. I. Bogdanov iba pa; ang mga mahuhusay na mimic na aktor ay nagtrabaho - F.A. Reishausen at V. Vanner, ang pinakamahusay na mga tradisyon ay ipinasa mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon sa mga pamilya ng Manokhin, Domashovs, Ermolovs. Ang reporma na isinagawa noong 1882 ng Directorate of Imperial Theaters ay humantong sa isang pagbawas sa ballet troupe at pinalubha ang krisis (lalo na ipinakita sa mga eclectic na produksyon ng koreograpo na si J. Mendes, na inimbitahan mula sa ibang bansa - "India", 1890; "Daita ”, 1896, atbp.).

Ang pagwawalang-kilos at gawain ay napagtagumpayan lamang sa pagdating ng koreograpo na si A. A. Gorsky, na ang mga aktibidad (1899-1924) ay minarkahan ang isang buong panahon sa pagbuo ng Bolshoi Theatre ballet. Hinahangad ni Gorsky na palayain ang ballet mula sa masasamang kombensiyon at cliches. Pinayaman ang ballet sa mga tagumpay ng modernong dramatikong teatro at pinong sining, itinanghal niya ang mga bagong produksyon ng Don Quixote (1900), Swan Lake (1901, 1912) at iba pang ballet ni Petipa, at nilikha ang mime drama na Gudula's Daughter ni Simon (batay sa Notre Dame de Paris) V. Hugo, 1902), ang ballet na "Salammbô" ni Arends (batay sa nobela ng parehong pangalan ni G. Flaubert, 1910), atbp. Sa pagsisikap na makamit ang dramatikong kabuuan ng isang pagtatanghal ng balete, Minsan pinalaki ni Gorsky ang papel ng script at pantomime, at kung minsan ay minamaliit ang musika at epektibong symphonic na sayaw. Kasabay nito, si Gorsky ay isa sa mga unang direktor ng mga ballet na itinakda sa symphonic music na hindi nilayon para sa sayaw: "Ang pag-ibig ay mabilis!" sa musika ni Grieg, "Schubertian" sa musika ni Schubert, ang divertisement na "Carnival" sa musika ng iba't ibang kompositor - lahat noong 1913, "The Fifth Symphony" (1916) at "Stenka Razin" (1918) sa musika ng Glazunov. Sa mga pagtatanghal ni Gorsky, ang talento ng E. V. Geltser, S. V. Fedorova, A. M. Balashova, V. A. Coralli, M. R. Reisen, V. V. Krieger, V. D. Tikhomirova, M. M. Mordkina, V. A. Ryabtseva, A. E. Volininahu E. A. I.

Sa pagtatapos ng 19 - simula. ika-20 siglo Ang mga pagtatanghal ng ballet ng Bolshoi Theater ay isinagawa ni I. K. Altani, V. I. Suk, A. F. Arends, E. A. Cooper, theater decorator K. F. Waltz, artist K. A. Korovin, A. ay nakibahagi sa disenyo ng mga pagtatanghal. Ya. Golovin et al.

Ang Great October Socialist Revolution ay nagbukas ng mga bagong landas para sa Bolshoi Theater at tinukoy ang pamumulaklak nito bilang nangungunang kumpanya ng opera at ballet sa artistikong buhay ng bansa. Sa panahon ng Digmaang Sibil, ang tropa ng teatro, salamat sa atensyon ng estado ng Sobyet, ay napanatili. Noong 1919, sumali ang Bolshoi Theater sa grupo ng mga akademikong teatro. Noong 1921-22, ang mga pagtatanghal sa Bolshoi Theater ay ibinigay din sa New Theater. Isang sangay ng Bolshoi Theater ang binuksan noong 1924 (pinamamahalaan hanggang 1959).

Mula sa mga unang taon ng kapangyarihan ng Sobyet, ang ballet troupe ay nahaharap sa isa sa pinakamahalagang malikhaing gawain - upang mapanatili ang klasikal na pamana at dalhin ito sa isang bagong madla. Noong 1919, ang "The Nutcracker" ay itinanghal sa unang pagkakataon sa Moscow (choreographer Gorsky), pagkatapos ay mga bagong produksyon ng "Swan Lake" (Gorsky, kasama ang pakikilahok ng V. I. Nemirovich-Danchenko, 1920), "Giselle" (Gorsky, 1922 ), "Esmeralda" "(V.D. Tikhomirov, 1926), "The Sleeping Beauty" (A.M. Messerer at A.I. Chekrygin, 1936), atbp. Kasabay nito, hinahangad ng Bolshoi Theater na lumikha ng mga bagong ballet - ang isang gawang gawa ay itinanghal sa symphonic music ("Spanish Capriccio" at "Scheherazade", choreographer L. A. Zhukov, 1923, atbp.), Ang mga unang eksperimento ay ginawa upang isama ang isang modernong tema (ballet extravaganza ng mga bata "Eternally Living Flowers" ​​sa musika ni Asafiev at iba pa , koreograpo Gorsky , 1922; allegorical ballet na "Tornado" ni Bera, choreographer K. Ya. Goleizovsky, 1927), pagbuo ng choreographic na wika ("Joseph the Beautiful" ni Vasilenko, ballet ni Goleizovsky, 1925; "Footsky, ballet" ni Oran ni L. A. Lashchilin at I A. Moiseev, 1930, atbp.). Ang dula na "The Red Poppy" (choreographer na si Tikhomirov at L.A. Lashchilin, 1927) ay nakakuha ng landmark na kahalagahan, kung saan ang makatotohanang pagtatanghal ng isang modernong tema ay batay sa pagpapatupad at pag-renew ng mga klasikal na tradisyon. Ang malikhaing paghahanap para sa teatro ay hindi mapaghihiwalay mula sa mga aktibidad ng mga artist - E. V. Geltser, M. P. Kandaurova, V. V. Krieger, M. R. Reizen, A. I. Abramova, V. V. Kudryavtseva, N. B. Podgoretskaya , L. M. Bank, E. M. Ilyushen Vtseva, V. M. Ilyushen Tikho, V. tsova, N. I. Tarasova, V. I. Tsaplina, L. A. Zhukova at iba pa.

1930s sa pagbuo ng Bolshoi Theater ballet ay minarkahan ng mga pangunahing tagumpay sa sagisag ng makasaysayang at rebolusyonaryong tema (The Flame of Paris, ballet ni V. I. Vainonen, 1933) at mga larawan ng literary classics (The Bakhchisarai Fountain, ballet ni R. V. Zakharov, 1936). Isang direksyon na naglalapit dito sa panitikan at dramatikong teatro ang nagtagumpay sa ballet. Nadagdagan ang kahalagahan ng pagdidirekta at pag-arte. Ang mga pagtatanghal ay nakikilala sa pamamagitan ng dramatikong integridad ng pag-unlad ng aksyon at ang sikolohikal na pag-unlad ng mga karakter. Noong 1936-39, ang ballet troupe ay pinamumunuan ni R.V. Zakharov, na nagtrabaho sa Bolshoi Theater bilang isang koreograpo at direktor ng opera hanggang 1956. Ang mga pagtatanghal sa isang modernong tema ay nilikha - "The Little Stork" (1937) at "Svetlana" ( 1939) ni Klebanova (parehong - ballet choreographer A. I. Radunsky, N. M. Popko at L. A. Pospekhin), pati na rin ang "Prisoner of the Caucasus" ni Asafiev (pagkatapos ng A. S. Pushkin, 1938) at "Taras Bulba" ni Solovyov-Sedoy (pagkatapos ng N. V. Gogol, 1941, parehong sa pamamagitan ng ballet choreographer Zakharov), "Tatlong Taba na Lalaki" ni Oransky (pagkatapos ng Yu. K. Olesha, 1935, ballet choreographer I. A. Moiseev), atbp. Sa mga taong ito, ang sining ng M. T. ay umunlad sa Bolshoi Theater Semyonova, O. V. Lepeshinskaya, A. N. Ermolaev, M. M. Gabovich, A. M. Messerer, ang mga aktibidad ng S. N. Golovkina, M. S. Bogolyubskaya, I. V. Tikhomirnova, V. A. nagsimulang Preobrazhensky, Yu. G. Kondratov, V. Dmitriev V. Williams, atbp. ang disenyo ng mga pagtatanghal ng ballet, at nakamit ni Yu. F. Fayer ang mataas na kasanayan sa pagsasagawa sa ballet.

Sa panahon ng Great Patriotic War, ang Bolshoi Theater ay inilikas sa Kuibyshev, ngunit bahagi ng tropa na nanatili sa Moscow (pinununahan ni M. M. Gabovich) ay nagpatuloy sa mga pagtatanghal sa isang sangay ng teatro. Kasabay ng pagtatanghal ng lumang repertoire, isang bagong pagganap ng "Scarlet Sails" ni Yurovsky ang nilikha (koreograpo ng ballet na si A. I. Radunsky, N. M. Popko, L. A. Pospekhin), na itinanghal noong 1942 sa Kuibyshev, at noong 1943 inilipat sa entablado ng Bolshoi Teatro. Ang mga brigada ng mga artista ay paulit-ulit na pumunta sa harap.

Noong 1944-64 (na may mga pagkagambala) ang ballet troupe ay pinamumunuan ni L. M. Lavrovsky. Ang mga sumusunod ay itinanghal (ang mga pangalan ng mga koreograpo sa mga bracket): "Cinderella" (R.V. Zakharov, 1945), "Romeo and Juliet" (L.M. Lavrovsky, 1946), "Mirandolina" (V.I. Vainonen, 1949), "The Bronze Horseman ” (Zakharov, 1949), “Red Poppy” (Lavrovsky, 1949), “Shurale” (L. V. Yakobson, 1955), “Laurencia” (V. M. Chabukiani, 1956), atbp. Paulit-ulit na nakipag-ugnayan sa Bolshoi Theater at sa mga revivals ng classics - "Giselle" (1944) at "Raymonda" (1945) na itinanghal ni Lavrovsky, atbp. Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, ang pagmamalaki ng yugto ng Bolshoi Theatre ay ang sining ng G. S. Ulanova, na ang mga imahe ng sayaw ay nabihag ng kanilang liriko at sikolohikal pagpapahayag. Isang bagong henerasyon ng mga artista ang lumaki; kasama ng mga ito M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratyeva, L. I. Bogomolova, R. K. Karelskaya, N. V. Timofeeva, Yu. T. Zhdanov, G. K. Farmanyants, V. A. Levashov, N. B. Fadeechev, Ya. D.

Noong kalagitnaan ng 1950s. Sa mga paggawa ng Bolshoi Theater, nagsimulang madama ang mga negatibong kahihinatnan ng pagnanasa ng mga koreograpo para sa isang panig na pagsasadula ng isang pagganap ng ballet (everydayism, ang pamamayani ng pantomime, underestimation ng papel ng epektibong sayaw) ay nagsimulang madama, na kung saan ay lalo na makikita sa mga pagtatanghal. "The Tale of the Stone Flower" ni Prokofiev (Lavrovsky, 1954), "Gayane" (Vainonen, 1957), "Spartak" (I. A. Moiseev, 1958).

Nagsimula ang isang bagong panahon noong huling bahagi ng 50s. Kasama sa repertoire ang mga landmark na pagtatanghal para sa Soviet ballet ni Yu. N. Grigorovich - "The Stone Flower" (1959) at "The Legend of Love" (1965). Sa mga produksyon ng Bolshoi Theatre, lumawak ang hanay ng mga imahe at mga problema sa ideolohiya at moral, tumaas ang papel ng prinsipyo ng sayaw, naging mas magkakaibang ang mga anyo ng drama, pinayaman ang choreographic na bokabularyo, at nagsimulang isagawa ang mga kagiliw-giliw na paghahanap sa sagisag ng modernong tema. Ito ay ipinakita sa mga paggawa ng mga koreograpo: N. D. Kasatkina at V. Yu. Vasilyov - "Vanina Vanini" (1962) at "Mga Geologist" ("Heroic Poem", 1964) ni Karetnikov; O. G. Tarasova at A. A. Lapauri - "Second Lieutenant Kizhe" sa musika ng Prokofiev (1963); K. Ya. Goleizovsky - "Leyli at Majnun" ni Balasanyan (1964); Lavrovsky - "Paganini" sa musika ni Rachmaninov (1960) at "Night City" sa musika ng "The Marvelous Mandarin" ni Bartok (1961).

Noong 1961, ang Bolshoi Theatre ay nakatanggap ng isang bagong yugto - ang Kremlin Palace of Congresses, na nag-ambag sa mas malawak na aktibidad ng ballet troupe. Kasama ang mga mature masters - Plisetskaya, Struchkova, Timofeeva, Fadeechev at iba pa - ang nangungunang posisyon ay kinuha ng mga mahuhusay na kabataan na dumating sa Bolshoi Theater sa pagliko ng 50-60s: E. S. Maksimova, N. I. Bessmertnova, N. I. Sorokina , E. L. Ryabinkina, S. D. Adyrkhaeva, V. V. Vasiliev, M. E. Liepa, M. L. Lavrovsky, Yu. V. Vladimirov, V. P. Tikhonov at iba pa.

Mula noong 1964, ang punong koreograpo ng Bolshoi Theater ay si Yu. N. Grigorovich, na pinagsama at bumuo ng mga progresibong uso sa mga aktibidad ng ballet troupe. Halos bawat bagong pagtatanghal sa Bolshoi Theater ay minarkahan ng mga kawili-wiling malikhaing paggalugad. Lumitaw sila sa "The Rite of Spring" (ballet nina Kasatkina at Vasilev, 1965), "Carmen Suite" ni Bizet - Shchedrin (Alberto Alonso, 1967), "Aseli" ni Vlasov (O. M. Vinogradov, 1967), "Icare" ni Slonimsky (V.V. Vasiliev, 1971), "Anna Karenina" ni Shchedrin (M.M. Plisetskaya, N.I. Ryzhenko, V.V. Smirnov-Golovanov, 1972), "Love for Love" ni Khrennikov (V. Boccadoro, 1976"), "Chippolino" Khachaturyan (G. Mayorov, 1977), "Ang mga kaakit-akit na tunog na ito..." sa musika ng Corelli, Torelli, Rameau, Mozart (V.V. Vasiliev, 1978), "Hussar Ballad" ni Khrennikov ( O. M. Vinogradov at D. A. Bryantsev), " Ang Seagull" ni Shchedrin (M. M. Plisetskaya, 1980), "Macbeth" ni Molchanov (V. V. Vasiliev, 1980), atbp. Nakamit nito ang natitirang kahalagahan sa pag-unlad ng dulang ballet ng Sobyet na "Spartacus" (Grigorovich, 1968; Lenin Prize 1970). Si Grigorovich ay nagtanghal ng mga ballet sa mga tema ng kasaysayan ng Russia ("Ivan the Terrible" sa musika ni Prokofiev, na inayos ni M. I. Chulaki, 1975) at modernity ("Angara" ni Eshpai, 1976), na nag-synthesize at nag-generalize ng mga malikhaing paghahanap ng mga nakaraang panahon sa pagbuo ng Soviet ballet. Ang mga pagtatanghal ni Grigorovich ay nailalarawan sa lalim ng ideolohikal at pilosopikal, isang kayamanan ng mga koreograpikong anyo at bokabularyo, dramatikong integridad, at malawak na pag-unlad ng epektibong symphonic na sayaw. Sa liwanag ng mga bagong malikhaing prinsipyo, si Grigorovich ay nagtanghal din ng mga produksyon ng klasikal na pamana: "The Sleeping Beauty" (1963 at 1973), "The Nutcracker" (1966), "Swan Lake" (1969). Nakamit nila ang isang mas malalim na pagbabasa ng mga ideolohikal at makasagisag na konsepto ng musika ni Tchaikovsky ("Ang Nutcracker" ay ganap na muling itinanghal, sa iba pang mga pagtatanghal ang pangunahing koreograpia ng M. I. Petipa at L. I. Ivanov ay napanatili at ang artistikong kabuuan ay napagpasyahan alinsunod dito).

Ang mga pagtatanghal ng ballet ng Bolshoi Theater ay isinagawa ni G. N. Rozhdestvensky, A. M. Zhiuraitis, A. A. Kopylov, F. Sh. Mansurov at iba pa. V. F. Ryndin, E. G. Stenberg, A. D. ay lumahok sa disenyo. Goncharov, B. A. Messerer, V. Ya. Levental at iba pa Ang taga-disenyo ng lahat ng pagtatanghal na itinanghal ni Grigorovich ay si S. B. Virsaladze.

Ang Bolshoi Theater ballet troupe ay naglibot sa Unyong Sobyet at sa ibang bansa: sa Australia (1959, 1970, 1976), Austria (1959. 1973), Argentina (1978), Egypt (1958, 1961). Great Britain (1956, 1960, 1963, 1965, 1969, 1974), Belgium (1958, 1977), Bulgaria (1964), Brazil (1978), Hungary (1961, 1965, 1979), East Germany (1954, 1955, 1956 , 1958 ), Greece (1963, 1977, 1979), Denmark (1960), Italy (1970, 1977), Canada (1959, 1972, 1979), China (1959), Cuba (1966), Lebanon (1971), Mexico (1961 , 1973, 1974, 1976), Mongolia (1959), Poland (1949, 1960, 1980), Romania (1964), Syria (1971), USA (1959, 1962, 1963, 1966, 1973, 1973, 1973, 1978 1975, 1979), Tunisia (1976), Turkey (1960), Pilipinas (1976), Finland (1957, 1958), France. (1954, 1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979), Germany (1964, 1973), Czechoslovakia (1959, 1975), Switzerland (1964), Yugoslavia (1965, 1979, Japan (1965, 1979, Japan) 1973, 1975, 1978, 1980).

Encyclopedia "Ballet" ed. Yu.N.Grigorovich, 1981

Noong Nobyembre 29, 2002, binuksan ang Bagong Yugto ng Bolshoi Theater kasama ang premiere ng opera ni Rimsky-Korsakov na "The Snow Maiden". Noong Hulyo 1, 2005, ang pangunahing yugto ng Bolshoi Theater ay sarado para sa muling pagtatayo, na tumagal ng higit sa anim na taon. Noong Oktubre 28, 2011, naganap ang grand opening ng Historical Stage ng Bolshoi Theater.

Mga lathalain

Ang gusali ng teatro ay itinayo noong 1783-87 (nakumpleto ang harapan noong 1802) sa St. Petersburg (arkitekto G. Quarenghi) sa mga tradisyon ng sinaunang arkitektura.
Ang Hermitage Theatre ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng kulturang teatro at musikal ng Russia sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang mga bola at pagbabalatkayo ay ginanap dito, ang mga amateur na pagtatanghal ay itinanghal (ng court nobility), Italyano, Pranses (karamihan sa komiks) at mga opera ng Russia at mga dramatikong pagtatanghal ay itinanghal, at ang mga tropa ng opera at ballet ng Ruso, Pranses, Aleman, at Italyano ay gumanap.
Binuksan ito noong Nobyembre 22, 1785 (bago makumpleto ang pagtatayo) kasama ang comic opera ni M. M. Sokolovsky "The Miller - the Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker." Ang mga opera na “The Barber of Seville, or a Vain Precaution” ni Paisiello, “Richard the Lionheart” ni Gretry at iba pa ay isinagawa sa entablado ng teatro (mga kompositor na D. Cimarosa, V. Martin i Solera, G. Sarti, V. A. Lumikha si Pashkevich ng isang bilang ng mga opera lalo na para sa Hermitage Theater). Ang mga dramatikong pagtatanghal ay itinanghal: "Nanina" at "Adelaide de Teclin" ni Voltaire, "The Liar" ni Corneille, "The Bourgeois in the Nobility" at "Tartuffe" ni Moliere, "The School of Scandal" ni Sheridan, "The Minor ” ni Fonvizin, atbp.
Ang mga kilalang dramatikong aktor ay gumanap - I. A. Dmitrevsky, J. Ofren, P. A. Plavilshchikov, S. N. Sandunov, T. M. Troepolskaya, Ya. D. Shumsky, A. S. Yakovlev, mga mang-aawit - K. Gabrielli, A. M. Kruitsky, V. M. Samoilov, E. S. Sandunova, E. S. mananayaw - L. A. Duport, C. Le Pic, G. Rossi at iba pa. Ang mga tanawin para sa teatro ay sinulat ni P. Gonzaga.
Noong ika-19 na siglo, ang Hermitage Theater ay unti-unting nasira, ang mga pagtatanghal ay hindi regular na itinanghal. Ang gusali ay naibalik nang maraming beses (mga arkitekto L. I. Charlemagne, D. I. Visconti, K. I. Rossi, A. I. Stackenschneider).
Pagkatapos ng isang malaking pagsasaayos, na nagsimula noong 1895 sa ilalim ng pamumuno ng arkitekto ng korte na si A.F. Krasovsky (na naghangad na ibalik ang teatro sa "Quarengian appearance" nito), binuksan ang Hermitage Theater noong Enero 16, 1898 kasama ang vaudeville na "The Diplomat" ni Scribe at Delavigne at isang ballet suite sa musika ni L. Delibes.

Noong 1898-1909, ang teatro ay nagtanghal ng mga dula ni A. S. Griboyedov, N. V. Gogol, A. N. Ostrovsky, I. S. Turgenev at iba pa, ang mga opera na "Cupid's Revenge" ni A. S. Taneyev, "Mozart at Salieri "Rimsky-Korsakov, sipi ng "Godoperanovs" "; "Judith" ni Serov, "Lohengrin", "Romeo and Juliet", "Faust"; "Mephistopheles" ni Boito, "The Tales of Hoffmann" ni Offenbach, "The Trojans in Carthage" ni Berlioz, ballets "The Fairy Dolls" ni Bayer, "The Seasons" ni Glazunov, atbp.
Maraming mga pangunahing tagapalabas ang nakibahagi sa mga pagtatanghal: mga dramatikong aktor - K. A. Varlamov, V. N. Davydov, A. P. Lensky, E. K. Leshkovskaya, M. G. Savina, H. P. Sazonov, G. N. Fedotova, A. I. Yuzhin, Yu. M. Yuryev; Mga mang -aawit - I. A. Alchevsky, A. Yu. mga mananayaw ng ballet - M. F. Kshesinskaya, S. G. at N. G. Legat, A. P. Pavlova, O. I. Preobrazhenskaya, V. A. Trefilova at iba pa. Ang tanawin ay dinisenyo ni L. S. Bakst, A. Y. Golovin, K. A. Korovin at iba pa.
Pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre ng 1917, ang unang Unibersidad ng Manggagawa sa bansa ay binuksan sa Hermitage Theater. Ang mga lektura sa kasaysayan ng kultura at sining ay ibinigay dito mula noong 1920s. Noong 1932-35, isang museo ng musika ang nagpapatakbo sa lugar ng Hermitage Theater, kung saan ginanap ang mga pampakay na konsiyerto at eksibisyon; Ang mga artista mula sa mga sinehan ng Leningrad at mga guro mula sa Conservatory ay nakibahagi sa kanila. Ang mga nagpapaliwanag na programa at polyeto ay nai-publish para sa mga konsiyerto. Noong 1933, ang mga sipi mula sa tetralogy na "The Ring of the Nibelung" ni Wagner at ang buong "The Maid and Mistress" ni Pergolesi ay itinanghal sa entablado ng Hermitage Theater. Ang mga pagtatanghal ay sinamahan ng mga lektura.
Ang Hermitage Theater ay nagpapatakbo ng isang sangay ng Central Lecture Hall. Paminsan-minsan, ang mga pagtatanghal sa musika ay itinanghal dito (halimbawa, noong 1967, ang "Coronation of Poppea" ng Monteverdi ay itinanghal sa konsiyerto ng mga mag-aaral ng konserbatoryo at mga teatro sa musika), ang mga konsyerto sa silid ay isinaayos para sa mga kawani ng Hermitage, mga kumperensyang siyentipiko, mga sesyon, at mga symposium ay gaganapin; Noong 1977, naganap dito ang kongreso ng International Council of Museums.
A. P. Grigorieva
Musical Encyclopedia, ed. Yu. V. Keldysh, 1973-1982