Mga sikat na landscape at ang kanilang mga may-akda. Mga pintor ng landscape ng Russia

Ang unang kaakit-akit na mga landscape ay lumitaw sa Russia sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo - pagkatapos magbukas ng Imperial Academy of Arts sa St. Petersburg noong 1757, na na-modelo pagkatapos ng European academies, kung saan, bukod sa iba pang mga klase ng genre, mayroon ding isang landscape painting class. Mayroon ding pangangailangan para sa "pag-alis ng mga tanawin" ng mga hindi malilimutan at makabuluhang lugar sa arkitektura. Classicism - at sa oras na ito ng pangingibabaw nito - inaayos ang mata sa pang-unawa lamang kung ano ang nagiging sanhi ng matataas na asosasyon: maringal na mga gusali, makapangyarihang mga puno, panorama, nakapagpapaalaala ng sinaunang kabayanihan. Parehong kalikasan at urban veduta Ang genre ng veduta (mula sa Italian veduta - view) ay ang imahe ng lungsod mula sa isang partikular na kapaki-pakinabang na punto ng view. dapat ipakita sa kanilang perpektong anyo, gaya ng nararapat.

View ng Gatchina Palace mula sa Long Island. Pagpinta ni Semyon Shchedrin. 1796

Mill at Peel tower sa Pavlovsk. Pagpinta ni Semyon Shchedrin. 1792Samara Regional Art Museum

Red Square sa Moscow. Pagpinta ni Fyodor Alekseev. 1801Gallery ng Estado ng Tretyakov

View ng Stock Exchange at ang Admiralty mula sa Peter and Paul Fortress. Pagpinta ni Fyodor Alekseev. 1810Gallery ng Estado ng Tretyakov

Ang mga tanawin ay pininturahan mula sa kalikasan, ngunit tiyak na tinatapos sa workshop: ang espasyo ay nahahati sa tatlong mauunawaan na mga plano, ang pananaw ay pinasigla ng mga pigura ng tao - ang tinatawag na staffage - at ang pagkakasunud-sunod ng komposisyon ay pinalalakas ng kumbensyonal na kulay. Kaya, inilalarawan ni Semyon Shchedrin sina Gatchina at Pavlovsk, at inilalarawan ni Fyodor Alekseev ang mga parisukat ng Moscow at mga dike ng St. Sa pamamagitan ng paraan, parehong natapos ang kanilang pag-aaral sa sining sa Italya.

2. Bakit pinipinta ng mga artistang Ruso ang mga tanawin ng Italyano

Sa isang mas malaking lawak, ang susunod na yugto sa pag-unlad ng tanawin ng Russia, ang romantikong yugto, ay konektado sa Italya. Ang pagpunta doon bilang mga pensiyonado, iyon ay, para sa isang internship pagkatapos ng matagumpay na pagtatapos mula sa Academy, ang mga artista ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, bilang panuntunan, ay hindi nagmamadaling bumalik. Ang katimugang klima mismo ay tila sa kanila ay isang tanda ng kawalan ng kalayaan sa kanilang tinubuang-bayan, at ang pansin sa klima ay ang pagnanais na ilarawan ito: ang tiyak na liwanag at hangin ng isang mainit na libreng lupain, kung saan ang tag-araw ay palaging tumatagal. Binubuksan nito ang posibilidad ng mastering plein air painting - ang kakayahang bumuo ng isang scheme ng kulay depende sa tunay na pag-iilaw at kapaligiran. Ang dating, klasikong tanawin ay nangangailangan ng kabayanihan na tanawin, na nakatuon sa makabuluhan, ang walang hanggan. Ngayon ang kalikasan ay nagiging kapaligiran kung saan nakatira ang mga tao. Siyempre, ang isang romantikong tanawin (tulad ng iba pa) ay nagsasangkot din ng pagpili - kung ano lamang ang maganda ay nakakapasok sa frame: ito lamang ang isa pang maganda. Ang mga tanawin na umiiral nang nakapag-iisa sa tao, ngunit kanais-nais sa kanya - tulad ng isang ideya ng "tama" na kalikasan ay tumutugma sa katotohanan ng Italyano.

Naliliwanagan ng buwan ang gabi sa Naples. Pagpinta ni Sylvester Shchedrin. 1828Gallery ng Estado ng Tretyakov

Grotto ng Matromanio sa isla ng Capri. Pagpinta ni Sylvester Shchedrin. 1827Gallery ng Estado ng Tretyakov

Mga talon sa Tivoli. Pagpinta ni Sylvester Shchedrin. Maagang 1820sGallery ng Estado ng Tretyakov

Veranda na natatakpan ng ubas. Pagpinta ni Sylvester Shchedrin. 1828Gallery ng Estado ng Tretyakov

Si Sylvester Shchedrin ay nanirahan sa Italya sa loob ng 12 taon at sa panahong ito ay nagawa niyang lumikha ng isang uri ng pampakay na diksyunaryo ng mga romantikong landscape na motif: isang gabing naliliwanagan ng buwan, isang dagat at isang grotto kung saan bumubukas ang dagat, mga talon at terrace. Pinagsasama ng kalikasan nito ang unibersal at ang intimate, espasyo at ang pagkakataong itago mula dito sa lilim ng isang puno ng ubas pergola. Ang mga pergolas o terrace na ito ay parang mga panloob na enclosure sa infinity, kung saan, na may tanawin ng Gulpo ng Naples, ang palaboy na lazzaroni ay nagpapakasawa sa napakasayang katamaran. Mukhang bahagi sila ng mismong komposisyon ng tanawin - mga libreng bata ng ligaw na kalikasan. Si Shchedrin, tulad ng inaasahan, ay tinapos ang kanyang mga pagpipinta sa studio, ngunit ang kanyang estilo ng pagpipinta ay nagpapakita ng romantikong kaguluhan: ang isang bukas na brushstroke ay nililok ang mga anyo at texture ng mga bagay, na parang sa bilis ng kanilang agarang pag-unawa at emosyonal na tugon.

Pagpapakita ng Mesiyas (Pagpapakita ni Kristo sa mga tao). Pagpinta ni Alexander Ivanov. 1837–1857Gallery ng Estado ng Tretyakov

Pagpapakita ni Kristo sa mga tao. Paunang sketch. 1834

Pagpapakita ni Kristo sa mga tao. Isang sketch na isinulat pagkatapos ng paglalakbay sa Venice. 1839Gallery ng Estado ng Tretyakov

Pagpapakita ni Kristo sa mga tao. "Stroganov" sketch. 1830sGallery ng Estado ng Tretyakov

Ngunit si Alexander Ivanov, isang nakababatang kontemporaryo ng Shchedrin, ay nakatuklas ng ibang kalikasan - hindi konektado sa damdamin ng tao. Sa loob ng higit sa 20 taon nagtrabaho siya sa pagpipinta na "The Appearance of the Messiah", at ang mga landscape, tulad ng lahat ng iba pa, ay nilikha sa isang hindi direktang koneksyon dito: sa katunayan, madalas silang iniisip ng may-akda bilang mga sketch, ngunit sila ay isinagawa nang may larawang kumpleto. Sa isang banda, ito ay mga desyerto na panorama ng Italyano na kapatagan at mga latian (isang daigdig na hindi pa nakakatao ng Kristiyanismo), sa kabilang banda, mga close-up ng mga elemento ng kalikasan: isang sanga, mga bato sa isang batis, at kahit tuyo lang. lupa, binibigyan din ng malawak na paraan ng walang katapusang pahalang na frieze Halimbawa, sa pagpipinta na "Ang lupa malapit sa mga pintuan ng simbahan ng St. Paul sa Albano", ipininta noong 1840s.. Ang atensyon sa detalye ay puno rin ng atensyon sa plein-air effects: kung paano naaaninag ang kalangitan sa tubig, at ang bukol na lupa ay nakakakuha ng mga reflexes mula sa araw - ngunit ang lahat ng katumpakan na ito ay nagiging isang bagay na mahalaga, isang imahe ng walang hanggang kalikasan nito. mga pangunahing pundasyon. Ipinapalagay na gumamit si Ivanov ng isang lucida camera - isang aparato na tumutulong sa paghiwa-hiwalayin ang nakikita. Malamang na ginamit din ito ni Shchedrin, ngunit may ibang resulta.

3. Paano lumitaw ang unang tanawin ng Russia

Sa ngayon, ang kalikasan ay maganda at samakatuwid ay dayuhan: ang kagandahan ay ipinagkait sa sarili. Ang "Russian Italians" ay hindi inspirasyon ng malamig na Russia: ang klima nito ay nauugnay sa kawalan ng kalayaan, na may pamamanhid ng buhay. Ngunit sa ibang lupon, ang gayong mga asosasyon ay hindi bumangon. Si Nikifor Krylov, isang mag-aaral ni Alexei Gavrilovich Venetsianov, na hindi naglakbay sa labas ng sariling bayan at malayo sa isang romantikong pananaw sa mundo, marahil ay hindi alam ang mga salita ni Karl Bryullov tungkol sa imposibilidad ng pagsulat ng snow at taglamig ("lahat ay lalabas na natapon na gatas. ”). At noong 1827 nilikha niya ang unang pambansang tanawin - isang taglamig lamang.

Sa paaralang binuksan niya sa nayon ng Safonko-vo Ngayon Venetsianovo., itinuro ni Venetsianov na "upang ilarawan ang walang iba kaysa sa likas na katangian nito, at sundin ito nang mag-isa" (sa Academy, sa kabaligtaran, itinuro nilang tumuon sa mga sample, sa nasubok at perpekto). Mula sa mataas na bangko ng Tosna, ang kalikasan ay nagbukas nang malawak - sa isang malawak na pananaw. Ang panorama ay may ritmo na tinatahanan, at ang mga pigura ng mga tao ay hindi nawala sa kalawakan, sila ay kaaya-aya dito. Sa paglaon, tiyak na ang mga ganitong uri ng "maligayang tao" - isang lalaking namumuno sa isang kabayo, isang babaeng magsasaka na may maikling kamay - na makakakuha ng isang medyo souvenir accent sa pagpipinta, ngunit sa ngayon ito ang kanilang unang hitsura at sila ay iginuhit nang may malapit na pangangalaga. Ang pantay na liwanag ng niyebe at kalangitan, mga asul na anino at mga transparent na puno ay kumakatawan sa mundo bilang isang idyll, bilang sentro ng kapayapaan at tamang kaayusan. Kahit na mas matalas ang pananaw na ito sa mundo ay makikita sa mga tanawin ng isa pang estudyante ng Venetsianov, si Grigory Soroka.

Ang serf artist (Venetsianov, na naging kaibigan ng kanyang "may-ari", ay hindi kailanman nagawang palayain ang kanyang minamahal na estudyante) tinawag). Sa buong buhay niya ay pininturahan niya ang mga interior at paligid ng ari-arian, at pagkatapos ng reporma noong 1861 siya ay naging isang aktibistang magsasaka, kung saan siya ay pansamantalang inaresto at, marahil, pinarusahan ng katawan, at pagkatapos nito ay nagbigti siya. Ang iba pang mga detalye ng kanyang talambuhay ay hindi alam, ilang mga gawa ang napanatili.

Ang kanyang "Mga Mangingisda" ay tila ang pinaka "tahimik" na larawan sa buong corpus ng pagpipinta ng Russia. At ang pinaka "balanse". Ang lahat ay makikita sa lahat at tumutugon sa lahat: ang lawa, ang kalangitan, mga gusali at puno, mga anino at mga highlight, mga taong nakasuot ng puting damit na gawa sa bahay. Ang isang sagwan na ibinaba sa tubig ay hindi nagiging sanhi ng splash, o kahit isang alon sa ibabaw ng tubig. Ang mga mala-perlas na kulay sa mga puti ng canvas at maitim na berde ay ginagawang liwanag ang kulay—marahil sa gabi, ngunit mas transendente, makalangit: isang nagkakalat, kalmadong ningning. Tila ang paghuli ng isda ay nagpapahiwatig ng pagkilos, ngunit hindi ito umiiral: ang mga hindi gumagalaw na numero ay hindi nagpapakilala ng isang elemento ng genre sa espasyo. At ang mga figure na ito sa kanilang sarili sa pantalon at kamiseta ng magsasaka ay hindi mukhang mga magsasaka, ngunit mga character sa isang mahabang tula na kuwento o kanta. Ang isang kongkretong tanawin na may lawa sa nayon ng Spasskoye ay nagiging isang perpektong imahe ng kalikasan, tahimik at bahagyang mapangarapin.

4. Paano nakukuha ng tanawin ng Russia ang buhay ng Russia

Ang pagpipinta ng mga Venetian sa pangkalahatang larangan ng sining ng Russia ay sinakop ang isang maliit na lugar at hindi nahulog sa mainstream. Hanggang sa unang bahagi ng 1870s, ang tanawin ay nabuo alinsunod sa Romantikong tradisyon, na tumataas sa mga epekto at karangyaan; pinangungunahan ito ng mga monumento at mga guho ng Italyano, mga tanawin ng dagat sa paglubog ng araw at mga gabing naliliwanagan ng buwan (matatagpuan ang mga ganitong tanawin, halimbawa, sa Aivazovsky, at kalaunan sa Kuindzhi). At sa pagliko ng 1860-70s, isang matalim na muling pag-scrap ang mangyayari. Una, ito ay konektado sa hitsura sa entablado ng domestic na kalikasan, at pangalawa, sa katotohanan na ang kalikasang ito ay declaratively na walang lahat ng mga palatandaan ng romantikong kagandahan. Noong 1871, pininturahan ni Fyodor Vasilyev ang The Thaw, na agad na nakuha ni Pavel Mikhailovich Tretyakov para sa koleksyon; sa parehong taon, ipinakita ni Alexei Savrasov ang kanyang sikat na "Rooks" sa unang itinerant exhibition (pagkatapos ang pagpipinta ay tinawag na "Here the Rooks Arrived").

Parehong sa "The Thaw" at sa "Rooks" ang panahon ay hindi tinukoy: hindi na taglamig, hindi pa tagsibol. Hinangaan ng kritiko na si Stasov kung paano "narinig ni Savrasov ang taglamig", habang ang iba pang mga manonood ay "narinig" sa tagsibol lamang. Ang transisyonal, pabagu-bagong estado ng kalikasan ay naging posible na mababad ang pagpipinta ng mga banayad na atmospheric reflexes, upang gawin itong dynamic. Ngunit kung hindi, ang mga landscape na ito ay tungkol sa iba't ibang bagay.

Sa Vasiliev, ang mudslide ay conceptualized - itinatakda sa modernong buhay panlipunan: ang parehong kawalang-panahon, mapurol at walang pag-asa. Ang lahat ng lokal na panitikan, mula sa rebolusyonaryo-demokratikong mga akda ni Vasily Sleptsov hanggang sa mga anti-nihilistic na nobela ni Nikolai Leskov (ang pamagat ng isa sa mga nobelang ito - "Wala kahit saan" - ay maaaring maging pangalan ng larawan), naayos ang imposibilidad ng landas. - ang hindi pagkakasundo kung saan ang isang lalaki at isang batang lalaki ay nawala sa tanawin. Oo, at sa landscape, tama ba? Ang espasyo ay walang mga landscape na coordinate, maliban sa mga miserableng kubo na natatakpan ng niyebe, makahoy na basurang nahuhulog sa slush, at mga nakatagilid na puno sa payong ng bundok. Ito ay panoramic, ngunit pinindot pababa ng kulay-abo na kalangitan, hindi karapat-dapat sa liwanag at kulay - isang puwang kung saan walang kaayusan. May iba pa si Savrasov. Mukhang binibigyang-diin din niya ang prosaic na kalikasan ng motif: ang simbahan, na maaaring maging object ng "litrato", ay nagbigay-daan sa proscenium ng mga baluktot na birch, tulad ng butas ng ilong na niyebe at mga puddles ng natutunaw na tubig. Ang "Russian" ay nangangahulugang "mahirap", hindi magandang tingnan: "kaunting kalikasan", tulad ng sa Tyutchev. Ngunit ang parehong Tyutchev, na umaawit ng "lupain ng kanyang katutubong mahabang pagtitiis", ay sumulat: "Hindi niya mauunawaan at hindi mapapansin / Ang mapagmataas na hitsura ng isang dayuhan, / Kung ano ang kumikinang at lihim na nagniningning / Sa iyong abang kahubaran," - at sa "Rooks" ang lihim na liwanag na ito ay . Ang langit ay sumasakop sa kalahati ng canvas, at mula dito ang isang ganap na romantikong "makalangit na sinag" ay dumating sa lupa, na nagpapaliwanag sa dingding ng templo, bakod, tubig ng lawa - minarkahan nito ang mga unang hakbang ng tagsibol at binibigyang emosyonal ang tanawin. at pangkulay ng liriko. Gayunpaman, ang pagtunaw ni Vasiliev ay nangangako din ng tagsibol, at ang kahulugan ng kahulugan na ito ay posible rin dito kung nais mong makita ito - o basahin ito dito.

5. Paano nabuo ang paaralan ng landscape ng Russia

Land road. Pagpinta ni Alexei Savrasov. 1873Gallery ng Estado ng Tretyakov

Gabi. Paglipad ng mga ibon. Pagpinta ni Alexei Savrasov. 1874Odessa Art Museum

Si Savrasov ay isa sa pinakamahusay na mga colorist ng Russia at isa sa pinaka "multilingual": pantay niyang nagawang magpinta ng dumi ng kalsada ("Country Road") sa matindi at maligaya na kulay o bumuo ng pinakamagandang minimalist na pagkakaisa sa isang landscape na binubuo lamang ng lupa at kalangitan (" Paglipad sa Gabi ng mga Ibon). Isang guro sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, marami siyang naimpluwensyahan; ang kanyang birtuoso at bukas na istilo ng pagpipinta ay magpapatuloy sa Po-le-nov at Levitan, at ang mga motibo ay sasalubong sa Serov, Korovin at maging sa Shishkin (malaking oak). Ngunit si Shishkin lamang ang naglalaman ng ibang ideolohiya ng maka-ama na tanawin. Ito ay isang ideya ng kabayanihan (medyo epikong panghihikayat), ng solemne na kadakilaan, lakas at kaluwalhatian ng "pambansa" at "bayan". Patriotic pathos sa sarili nitong paraan: makapangyarihang mga pine, pareho sa anumang oras ng taon (plein air variability ay tiyak na dayuhan sa Shishkin, at mas gusto niyang magpinta ng mga conifer), nagtitipon sa isang set ng kagubatan, at mga halamang gamot, na isinulat nang buong pag-iingat. , ay bumubuo rin ng isang set na katulad na mga halamang gamot na hindi kumakatawan sa botanikal na pagkakaiba-iba. Ito ay katangian na, halimbawa, sa pagpipinta na "Rye" ang mga puno sa background, na bumababa sa laki ayon sa linear na pananaw, ay hindi mawawala ang pagkakaiba ng mga contour, na hindi maiiwasan kapag isinasaalang-alang ang aerial na pananaw, ngunit ang inviolability ng mga form ay mahalaga sa artist. Hindi nakakagulat na ang kanyang unang pagtatangka na ilarawan ang liwanag-hangin na kapaligiran sa pagpipinta na "Morning in a Pine Forest" (isinulat sa pakikipagtulungan kay Konstantin Savitsky - ang mga bear ng kanyang brush) ay nagdulot ng isang epigram sa pahayagan: "Ivan Ivanovich, iyon ba. ikaw? Ano, ama, pinapasok nila ang hamog.

Rye. Pagpinta ni Ivan Shishkin. 1878Gallery ng Estado ng Tretyakov

Umaga sa isang pine forest. Pagpinta nina Ivan Shishkin at Konstantin Savitsky. 1889Gallery ng Estado ng Tretyakov

Si Shishkin ay walang mga tagasunod, at sa pangkalahatan, ang paaralan ng landscape ng Russia ay binuo, medyo nagsasalita, kasama ang linya ng Savrasov. Iyon ay, nakakaranas ng interes sa atmospheric dynamics at paglinang ng etude freshness at isang bukas na paraan ng pagsulat. Ito ay pinatong din ng sigasig para sa impresyonismo, halos unibersal noong 1890s, at, sa pangkalahatan, ang pagkauhaw para sa emansipasyon - hindi bababa sa pagpapalaya ng pamamaraan ng kulay at brush. Halimbawa, sa Polenov - at hindi sa sinumang iba pa - halos walang pagkakaiba sa pagitan ng isang pag-aaral at isang pagpipinta. Ang mga mag-aaral ng Savrasov, at pagkatapos ay si Levitan, na pumalit kay Savrasov sa pamumuno ng klase ng landscape ng Moscow School, ay tumugon nang husto sa isang impres-Zionist na paraan sa mga agarang estado ng kalikasan, sa random na liwanag at isang biglaang pagbabago sa panahon - at ang talas at bilis ng reaksyon na ito ay ipinahayag sa paglalantad ng mga diskarte, kung paano sa pamamagitan ng motibo at sa motibo ang mismong proseso ng paglikha ng isang larawan at ang kalooban ng pintor na pumili ng isa o ibang paraan ng pagpapahayag ay naging maliwanag. Ang tanawin ay tumigil na maging ganap na layunin, ang personalidad ng may-akda ay nag-claim na igiit ang sarili nitong independiyenteng posisyon - sa ngayon ay balanse sa ibinigay na species. Kinailangan ni Levitan na italaga ang posisyong ito nang buo.

6. Paano natapos ang landscape century

Si Isaac Levitan ay itinuturing na tagalikha ng "mood landscape", iyon ay, isang artista na higit na nagpapalabas ng kanyang sariling damdamin sa kalikasan. At sa katunayan, sa mga gawa ni Levitan ang antas na ito ay mataas at ang hanay ng mga emosyon ay nilalaro sa buong keyboard, mula sa tahimik na kalungkutan hanggang sa matagumpay na saya.

Isinasara ang kasaysayan ng tanawin ng Russia noong ika-19 na siglo, ang Levitan ay tila pinagsasama-sama ang lahat ng mga paggalaw nito, na ipinapakita ang mga ito sa dulo nang may buong pagkakaiba. Sa kanyang pagpipinta, mahahanap ng isa ang parehong mahusay na nakasulat na mga quick sketch at epic panorama. Pareho niyang pinagkadalubhasaan ang parehong Impresyonistang pamamaraan ng pag-sculpting ng lakas ng tunog na may magkakahiwalay na kulay na mga stroke (minsan ay nahihigitan ang Impresyonistang "karaniwan" sa mga fractional na texture), at ang post-Impresyonistang Zionist na pamamaraan ng pasty na makulay na pagmamason. malalawak na layer. Alam niya kung paano makita ang mga anggulo ng silid, matalik na kalikasan - ngunit nagpakita rin siya ng pagmamahal para sa mga bukas na espasyo (marahil ito ay kung paano binayaran ang memorya ng Pale of Settlement - ang nakakahiyang posibilidad ng pagpapalayas mula sa Moscow ay nakabitin sa artist tulad ng isang espada ng Damocles kahit na sa oras ng katanyagan, dalawang beses na pinilit siyang magmadali sa kabuuang paglipad mula sa lungsod).

Panggabing tawag, panggabing Bell. Pagpinta ni Isaac Levitan. 1892Gallery ng Estado ng Tretyakov

Ang "malayong tanawin" ay maaaring maiugnay pareho sa isang makabayan na kulay na pakiramdam ng kalawakan ("Fresh wind. Volga"), at ipahayag ang malungkot na pananabik - tulad ng sa pagpipinta na "Vladimirka", kung saan ang dramatikong memorya ng lugar (na humantong sila sa Siberia kasama itong hard labor road escort) ay binabasa nang walang karagdagang kapaligiran sa mismong imahe ng kalsada, na lumuwag sa ulan o dating prusisyon, sa ilalim ng madilim na kalangitan. At, sa wakas, isang uri ng pagtuklas ng Levitan - mga elehiya sa tanawin ng isang pilosopiko na kalikasan, kung saan ang kalikasan ay nagiging isang okasyon para sa pagmuni-muni sa bilog ng pagiging at sa paghahanap para sa hindi matamo na pagkakaisa: "Tahimik na Paninirahan", "Itaas sa Walang Hanggang Kapayapaan", " Mga Kampana sa Gabi” .

Marahil ang kanyang huling pagpipinta, "Lake. Russia", ay maaaring kabilang sa seryeng ito. Siya ay ipinaglihi bilang isang holistic na imahe ng kalikasan ng Russia. Nais ni Levitan na tawagan itong "Rus", ngunit nanirahan sa isang mas neutral na bersyon; ang dobleng pangalan ay nakadikit sa ibang pagkakataon., gayunpaman, ay nanatiling hindi natapos. Marahil, bahagyang para sa kadahilanang ito, ang mga magkasalungat na posisyon ay pinagsama sa loob nito: ang tanawin ng Russia sa walang hanggang pag-iral nito at ang impresyonistikong pamamaraan, na matulungin sa "mga bagay na lumilipas".

Hindi natin malalaman kung ang romantikong pagpilit ng kulay at saklaw ng pulso ay nanatili sa huling bersyon. Ngunit ang intermediate state na ito ay isang synthesis sa isang larawan. Isang epikong panorama, isang walang hanggan at hindi matitinag na natural na katotohanan, ngunit sa loob nito ay gumagalaw ang lahat - mga ulap, hangin, ripples, anino at mga pagmuni-muni. Ang mga malawak na stroke ay nakukuha kung ano ang hindi pa naging, ngunit kung ano ang nagiging, nagbabago - na parang sinusubukan na maging sa oras. Sa isang banda, ang kapunuan ng kasagsagan ng tag-araw, ang solemne pangunahing trumpeta, sa kabilang banda, ang tindi ng buhay, handa para sa pagbabago. Tag-init 1900; darating ang isang bagong edad kung saan ang pagpipinta ng landscape - at hindi lamang ang pagpipinta ng landscape - ay magiging ganap na kakaiba.

Mga pinagmumulan

• Bohemian K. Kasaysayan ng mga genre. Tanawin.
• Fedorov-Davydov A. A. Ang tanawin ng Russia noong ika-18 - unang bahagi ng ika-20 siglo.

Kung sa tingin mo ang lahat ng magagaling na artista ay nasa nakaraan na, wala kang ideya kung gaano ka mali. Sa artikulong ito, malalaman mo ang tungkol sa mga pinakasikat at mahuhusay na artista sa ating panahon. At, maniwala ka sa akin, ang kanilang mga gawa ay mauupo sa iyong memorya nang hindi gaanong malalim kaysa sa mga gawa ng maestro mula sa mga nakaraang panahon.

Wojciech Babski

Si Wojciech Babski ay isang kontemporaryong Polish na pintor. Nagtapos siya mula sa Silesian Polytechnic Institute, ngunit ikinonekta ang kanyang sarili sa. Kamakailan lamang ay nagpipintura siya halos mga babae. Nakatuon sa pagpapakita ng mga emosyon, naglalayong makuha ang pinakamalaking posibleng epekto sa pamamagitan ng simpleng paraan.

Mahilig sa kulay, ngunit madalas na gumagamit ng mga kulay ng itim at kulay abo upang makamit ang pinakamahusay na impression. Hindi natatakot na mag-eksperimento sa mga bagong pamamaraan. Kamakailan, siya ay nakakakuha ng higit at higit na katanyagan sa ibang bansa, pangunahin sa UK, kung saan matagumpay niyang naibenta ang kanyang mga gawa, na matatagpuan na sa maraming pribadong koleksyon. Bilang karagdagan sa sining, interesado siya sa kosmolohiya at pilosopiya. Nakikinig ng jazz. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Katowice.

Warren Chang

Si Warren Chang ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak noong 1957 at lumaki sa Monterey, California, nagtapos siya ng magna cum laude mula sa Art Center College of Design sa Pasadena noong 1981 na may Bachelor of Fine Arts degree sa Fine Arts. Sa susunod na dalawang dekada, nagtrabaho siya bilang isang ilustrador para sa iba't ibang kumpanya sa California at New York bago simulan ang kanyang karera bilang isang propesyonal na artista noong 2009.

Ang kanyang makatotohanang mga pagpipinta ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing kategorya: mga biographical na panloob na mga pagpipinta at mga kuwadro na naglalarawan sa mga taong nagtatrabaho. Ang kanyang interes sa istilong ito ng pagpipinta ay nag-ugat sa gawa ng 16th-century na pintor na si Jan Vermeer, at umaabot sa mga bagay, self-portraits, portrait ng mga miyembro ng pamilya, kaibigan, mag-aaral, studio, silid-aralan at interior ng bahay. Ang kanyang layunin ay lumikha ng mood at damdamin sa kanyang makatotohanang mga pagpipinta sa pamamagitan ng pagmamanipula ng liwanag at paggamit ng mga naka-mute na kulay.

Si Chang ay naging tanyag pagkatapos ng paglipat sa tradisyonal na visual na sining. Sa nakalipas na 12 taon, nakakuha siya ng maraming parangal at parangal, ang pinakaprestihiyoso ay ang Master Signature mula sa Oil Painters of America, ang pinakamalaking komunidad ng oil painting sa United States. Isang tao lamang sa 50 ang pinarangalan ng pagkakataong makatanggap ng parangal na ito. Sa kasalukuyan, nakatira si Warren sa Monterey at nagtatrabaho sa kanyang studio, nagtuturo din siya (kilala bilang isang mahuhusay na guro) sa San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Si Aurelio Bruni ay isang Italyano na artista. Ipinanganak sa Blair, Oktubre 15, 1955. Nagtapos ng degree sa scenography mula sa Art Institute sa Spoleto. Bilang isang artista, siya ay nagtuturo sa sarili, habang siya ay nakapag-iisa na "itinayo ang bahay ng kaalaman" sa pundasyon na inilatag pabalik sa paaralan. Nagsimula siyang magpinta sa mga langis sa edad na 19. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Umbria.

Ang unang bahagi ng pagpipinta ni Bruni ay nag-ugat sa surrealismo, ngunit sa paglipas ng panahon ay nagsisimula siyang tumuon sa pagiging malapit ng liriko na romantikismo at simbolismo, na nagpapatibay sa kumbinasyong ito sa katangi-tanging pagiging sopistikado at kadalisayan ng kanyang mga karakter. Ang mga animate at inanimate na bagay ay nakakakuha ng pantay na dignidad at mukhang halos hyper-realistic, ngunit sa parehong oras, hindi sila nagtatago sa likod ng isang kurtina, ngunit pinapayagan kang makita ang kakanyahan ng iyong kaluluwa. Ang versatility at sophistication, sensuality at kalungkutan, pagiging maalalahanin at pagiging mabunga ang diwa ni Aurelio Bruni, na pinalusog ng karilagan ng sining at pagkakatugma ng musika.

Aleksander Balos

Si Alkasandr Balos ay isang kontemporaryong Polish na artist na dalubhasa sa oil painting. Ipinanganak noong 1970 sa Gliwice, Poland, ngunit mula noong 1989 siya ay naninirahan at nagtatrabaho sa USA, sa lungsod ng Shasta, California.

Bilang isang bata, nag-aral siya ng sining sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama na si Jan, isang self-taught na artist at sculptor, kaya mula sa isang maagang edad, ang artistikong aktibidad ay nakatanggap ng buong suporta mula sa parehong mga magulang. Noong 1989, sa edad na labing-walo, umalis si Balos sa Poland patungo sa Estados Unidos, kung saan hinikayat ng kanyang guro at part-time na artist na si Cathy Gaggliardi si Alcasander na mag-enroll sa art school. Pagkatapos ay nakatanggap si Balos ng isang buong iskolar sa Unibersidad ng Milwaukee Wisconsin, kung saan nag-aral siya ng pagpipinta kasama ang propesor ng pilosopiya na si Harry Rosin.

Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral noong 1995 na may bachelor's degree, lumipat si Balos sa Chicago upang mag-aral sa School of Fine Arts, na ang mga pamamaraan ay batay sa gawain ni Jacques-Louis David. Ang matalinghagang realismo at portraiture ang bumubuo sa karamihan ng gawa ni Balos noong 90s at unang bahagi ng 2000s. Ngayon, ginagamit ni Balos ang pigura ng tao upang i-highlight ang mga tampok at pagkukulang ng pagkakaroon ng tao, nang hindi nag-aalok ng anumang mga solusyon.

Ang mga komposisyon ng balangkas ng kanyang mga kuwadro na gawa ay inilaan upang malayang bigyang-kahulugan ng manonood, pagkatapos lamang ay makukuha ng mga canvases ang kanilang tunay na temporal at subjective na kahulugan. Noong 2005, lumipat ang artist sa Northern California, mula noon ang saklaw ng kanyang trabaho ay lumawak nang malaki at kasama na ngayon ang mga mas malayang pamamaraan ng pagpipinta, kabilang ang abstraction at iba't ibang istilo ng multimedia na tumutulong sa pagpapahayag ng mga ideya at mithiin ng pagiging sa pamamagitan ng pagpipinta.

Alyssa Monks

Si Alyssa Monks ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak siya noong 1977 sa Ridgewood, New Jersey. Siya ay naging interesado sa pagpipinta noong siya ay bata pa. Nag-aral siya sa The New School sa New York at Montclair State University, at nagtapos sa Boston College noong 1999 na may bachelor's degree. Kasabay nito, nag-aral siya ng pagpipinta sa Lorenzo Medici Academy sa Florence.

Pagkatapos ay ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa ilalim ng programa para sa master's degree sa New York Academy of Art, sa Department of Figurative Art, nagtapos noong 2001. Nagtapos siya sa Fullerton College noong 2006. Sandali siyang nag-lecture sa mga unibersidad at institusyong pang-edukasyon sa buong bansa, at nagturo ng pagpipinta sa New York Academy of Art, pati na rin sa Montclair State University at Lyme Academy College of Art.

"Gamit ang mga filter tulad ng salamin, vinyl, tubig at singaw, pinapangit ko ang katawan ng tao. Binibigyang-daan ka ng mga filter na ito na lumikha ng malalaking lugar ng abstract na disenyo, na may mga isla ng kulay na sumisilip sa kanila - mga bahagi ng katawan ng tao.

Binabago ng aking mga kuwadro ang makabagong hitsura sa mga dati na, tradisyonal na pose at kilos ng mga babaeng naliligo. Marami silang masasabi sa isang matulungin na manonood tungkol sa mga bagay na tila nakikita sa sarili gaya ng mga benepisyo ng paglangoy, pagsasayaw, at iba pa. Ang aking mga karakter ay idiniin sa salamin ng bintana ng shower cabin, na pinapangiti ang kanilang sariling katawan, na napagtatanto na sa gayon ay naiimpluwensyahan nila ang kilalang lalaki na tumingin sa isang hubad na babae. Ang makapal na patong ng pintura ay pinaghalo upang gayahin ang salamin, singaw, tubig at laman mula sa malayo. Sa malapitan, gayunpaman, ang mga kamangha-manghang pisikal na katangian ng pintura ng langis ay nagiging maliwanag. Sa pamamagitan ng pag-eksperimento sa mga layer ng pintura at kulay, nahanap ko ang sandali kapag ang mga abstract stroke ay naging ibang bagay.

Noong una kong sinimulan ang pagpinta sa katawan ng tao, agad akong nabighani at nahumaling pa dito at naramdaman kong kailangan kong gawin ang aking mga pagpipinta bilang makatotohanan hangga't maaari. Ako ay "nagpahayag" ng pagiging totoo hanggang sa ito ay nagsimulang mag-unravel at mag-deconstruct mismo. Ngayon ay tinutuklasan ko ang mga posibilidad at potensyal ng isang estilo ng pagpipinta kung saan nagtatagpo ang representasyonal na pagpipinta at abstraction - kung ang parehong mga estilo ay maaaring magkakasamang mabuhay sa parehong sandali sa oras, gagawin ko ito."

Antonio Finelli

artistang Italyano - tagamasid ng oras” – Si Antonio Finelli ay ipinanganak noong Pebrero 23, 1985. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Italya sa pagitan ng Roma at Campobasso. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa ilang mga gallery sa Italya at sa ibang bansa: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, at maaari rin silang matagpuan sa pribado at pampublikong mga koleksyon.

Mga guhit na lapis " Tagabantay ng oras” Ipinadala tayo ni Antonio Finelli sa isang walang hanggang paglalakbay sa panloob na mundo ng temporalidad ng tao at ang mahigpit na pagsusuri sa mundong ito na nauugnay dito, ang pangunahing elemento kung saan ay ang paglipas ng panahon at ang mga bakas na idinulot nito sa balat.

Si Finelli ay nagpinta ng mga larawan ng mga tao sa anumang edad, kasarian at nasyonalidad, na ang mga ekspresyon ng mukha ay nagpapahiwatig ng paglipas ng panahon, at inaasahan din ng artist na makahanap ng katibayan ng kalupitan ng oras sa mga katawan ng kanyang mga karakter. Tinukoy ni Antonio ang kanyang mga gawa na may isang pangkalahatang pamagat: "Self-portrait", dahil sa kanyang mga guhit na lapis ay hindi lamang niya inilalarawan ang isang tao, ngunit pinapayagan ang manonood na pag-isipan ang mga tunay na resulta ng paglipas ng oras sa loob ng isang tao.

Flaminia Carloni

Si Flaminia Carloni ay isang 37 taong gulang na artistang Italyano, anak ng isang diplomat. Mayroon siyang tatlong anak. Labindalawang taon siyang nanirahan sa Roma, tatlong taon sa England at France. Nakatanggap ng degree sa art history mula sa BD School of Art. Pagkatapos ay nakatanggap siya ng diploma sa specialty restorer ng mga gawa ng sining. Bago mahanap ang kanyang pagtawag at italaga ang kanyang sarili nang buo sa pagpipinta, nagtrabaho siya bilang isang mamamahayag, colorist, designer, at artista.

Ang hilig ni Flaminia sa pagpipinta ay lumitaw noong bata pa siya. Ang kanyang pangunahing daluyan ay langis dahil mahilig siya sa "coiffer la pate" at pinaglalaruan din ang materyal. Natutunan niya ang isang katulad na pamamaraan sa mga gawa ng artist na si Pascal Torua. Ang Flamininia ay inspirasyon ng mga mahuhusay na master ng pagpipinta tulad nina Balthus, Hopper, at François Legrand, pati na rin ang iba't ibang paggalaw ng sining: street art, Chinese realism, surrealism at renaissance realism. Ang kanyang paboritong artista ay si Caravaggio. Ang kanyang pangarap ay matuklasan ang therapeutic power ng sining.

Denis Chernov

Si Denis Chernov ay isang mahuhusay na Ukrainian artist, ipinanganak noong 1978 sa Sambir, rehiyon ng Lviv, Ukraine. Matapos makapagtapos mula sa Kharkov Art College noong 1998, nanatili siya sa Kharkov, kung saan siya kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho. Nag-aral din siya sa Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphics, nagtapos noong 2004.

Siya ay regular na nakikilahok sa mga eksibisyon ng sining, sa ngayon ay mayroong higit sa animnapu sa kanila, kapwa sa Ukraine at sa ibang bansa. Karamihan sa mga gawa ni Denis Chernov ay nakatago sa mga pribadong koleksyon sa Ukraine, Russia, Italy, England, Spain, Greece, France, USA, Canada at Japan. Ang ilan sa mga gawa ay naibenta sa Christie's.

Gumagana si Denis sa isang malawak na hanay ng mga diskarte sa graphic at pagpipinta. Ang mga guhit na lapis ay isa sa kanyang mga paboritong paraan ng pagpipinta, ang listahan ng mga paksa ng kanyang mga guhit na lapis ay napaka-magkakaibang, nagpinta siya ng mga landscape, portrait, hubo't hubad, komposisyon ng genre, mga ilustrasyon ng libro, mga rekonstruksyon at pantasya sa panitikan at kasaysayan.

kagubatan ng Russia sa mga kuwadro na gawa ng mga artista ng Russia

"Umaasa ako na darating ang oras na ang lahat ng kalikasan ng Russia

buhay at inspirasyon, titingnan niya mula sa mga canvases ng mga artistang Ruso" (I.I. Shishkin)

Ang kalikasan ng Russia ay magkakaiba at natatangi. Ang mga kahanga-hangang makatang Ruso ay umawit ng kanyang kagandahan sa kanilang mga tula: Zhukovsky V.A., Pushkin A.S., Tyutchev F.I., Fet A.A., Nekrasov N.A., Nikitin I.S. at iba pa. At pagkatapos ay nakita namin ang kalikasan ng Russia sa mga pagpipinta ng mga pintor ng landscape: I. Shishkin, A. Kuindzhi, I. Ostroukhov, I. Levitan, V. Polenov, G. Myasoedov, A. Gerasimov, A. Savrasov, V. Nikonov at marami ibang pintor.

SA Sa mga pagpipinta ng mga artistang Ruso, nakikita natin kung paano inihahatid ng mga tanawin ng kalikasan ang manipis na di-nakikitang linya na naghihiwalay sa atin mula rito. Ang kalikasan sa pagpipinta ay sumasalamin sa mundo kung saan hindi tao ang nangingibabaw sa kalikasan, ngunit ang kalikasan ang nangingibabaw sa kanya. Isang mundo kung saan ang mga kulay ay nagpapalala ng damdamin ng pagkakaisa sa kalikasan. Ang mga panahon sa pagpipinta ay isang espesyal na tema sa mga landscape ng mga pagpipinta ng kalikasan ng mga artistang Ruso, dahil walang gaanong nakakaantig sa pagbabago sa hitsura ng kalikasan ayon sa mga panahon. Kasabay ng panahon, nagbabago ang mood ng kalikasan, na ipinapahiwatig ng mga kuwadro na gawa sa pagpipinta sa kadalian ng brush ng artist.