Kalayaan na humahantong sa mga tao sa barikada. Abstract sa paksa: Ang gawa ng Pranses na artist na si Eugene Delacroix na "Kalayaan na namumuno sa mga tao. Detalyadong pagsusuri sa larawan

Panimula. 2

"Kalayaan na namumuno sa mga tao." 3

Kagiliw-giliw na katotohanan .. 8

Bibliograpiya. 10

Panimula.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, 1798-1863, pintor at graphic artist, kinatawan ng romantikismo.

Ipinanganak noong Abril 26, 1798 sa Saint Maurice malapit sa Paris. Nag-aral sa École des Beaux-Arts sa Paris. Ginawa niya ang kanyang pasinaya kasama ang pagpipinta Dante at Virgil (1822).

Noong 1823, ang artista ay bumaling sa tema ng pakikibaka ng mga Greek laban sa Turkey. Ang resulta ng kawan ay ang komposisyon na "The Massacre on Chios" (1824), kung saan ipinakita ang talento at propesyonalismo ng may-akda. Ang isang pagpipinta ay ipininta noong 1827. "Greece on the Ruins of Missolunghi". Mula sa oras na iyon, ang Delacroix ay nakilala bilang isang makasaysayang romantikong pintor. Ang artista ay lumikha ng isang bilang ng mga gawa sa mga paksang pangkasaysayan: mga kuwadro na "Pagpapatupad ng Doge Marino Faliero" (1826), "Kamatayan ni Sardanapalus" (1827), mga guhit sa mga gawa ni V. Scott; mga kuwadro na gawa "Battle of Poitiers" (1830), "Battle of Nancy" (1831), "The capture of Constantinople by the crusaders" (1840-1841).

Bilang karagdagan sa pagpipinta, pag-on sa nakaraan, ang Delacroix ay nagpinta ng napapanahong Pransya. Ang mga larawan ng mga artista, manunulat, pati na rin ng mga lithograph ay ang ginagawa ng artist noong 30s. Bumalik sa huling bahagi ng 1920s. lumikha siya ng isang bilang ng mga guhit para sa trahedya ni JV Goethe "Faust", pati na rin ang pagpipinta na "Faust sa kanyang pag-aaral" (1827).

Ang kaguluhan sa Paris noong tag-araw ng 1830 ang tema para sa pagsusulat marahil ang pinakatanyag na pagpipinta ni Delacroix - "Liberty on the Barricades" ("July 28, 1830"). Ipinakita ito isang taon pagkatapos ng pagpigil sa pag-aalsa ng Paris - sa Salon ng 1831.

Nang sumunod na taon, ang artista ay nagpunta sa Silangan, nanirahan sa Morocco at Algeria. Ang mga motif na oriental ay bumubuo ng isang makabuluhang bahagi ng gawain ng Delacroix. Noong 1834, lumitaw ang mga kuwadro na "Algerian women", noong 1854 - "Ang pamamaril ng leon sa Morocco". Sa mga huling taon ng kanyang buhay, pinangunahan ng artista ang hurado ng iba't ibang mga eksibisyon at salon.

Namatay siya noong Agosto 13, 1863 sa Paris. Sa panahon ng kanyang buhay, ang Delacroix ay lumikha ng isang malaking bilang ng mga kuwadro na gawa sa makasaysayang at pang-araw-araw na mga tema, mga tanawin, mga larawan (halimbawa, Georges Sand, F. Chopin), mga buhay pa rin. Ang pintor ay nagpinta din ng mga bulwagan ng mga palasyo at kapilya sa simbahan sa lungsod ng Saint-Sulpice.

"Kalayaan na namumuno sa mga tao"

Sa kanyang talaarawan, ang batang si Eugene Delacroix ay sumulat noong Mayo 9, 1824: "Naramdaman ko ang pagnanais na magsulat sa mga modernong paksa." Hindi ito isang hindi sinasadyang parirala, isang buwan bago ito nagsulat siya ng isang katulad na parirala: "Gusto kong magsulat tungkol sa mga plano ng rebolusyon." Ang artista ay paulit-ulit na nagsalita tungkol sa kanyang pagnanais na magsulat sa mga napapanahong tema dati, ngunit bihira niyang napagtanto ang kanyang Mga Pagnanasa. Nangyari ito sapagkat naniniwala ang Delacroix: "... lahat ay dapat isakripisyo alang-alang sa pagkakaisa at tunay na paglalagay ng balangkas. Dapat nating gawin nang walang mga modelo sa mga kuwadro. Ang isang buhay na modelo ay hindi tumutugma nang eksakto sa imaheng nais nating iparating: ang ang modelo ay alinman sa bulgar, o may depekto, o Ang kagandahan nito ay ibang-iba at mas perpekto kung kaya't ang lahat ay dapat baguhin. "

Ginusto ng artist ang mga plots mula sa mga nobela kaysa sa kagandahan ng isang modelo ng buhay. "Ano ang dapat gawin upang makahanap ng isang balangkas? - tinanong niya ang kanyang sarili isang araw. - Magbukas ng isang libro na maaaring magbigay ng inspirasyon, at tiwala sa iyong kalooban!" At sineseryoso niyang sundin ang kanyang sariling payo: bawat taon ang libro ay nagiging isang mapagkukunan ng mga tema at balangkas para sa kanya.

Ganito unti unting lumaki at lumakas ang pader, pinaghiwalay ang Delacroix at ang kanyang sining mula sa reyalidad. Ang rebolusyon ng 1830 ay natagpuan siya kaya naatras sa kanyang pag-iisa. Ang lahat na ilang araw na ang nakalilipas ang kahulugan ng buhay ng romantikong henerasyon ay agad na itinapon, nagsimulang "magmukhang maliit" at hindi kinakailangan sa harap ng kadakilaan ng mga pangyayaring naganap.

Ang pagkamangha at sigasig na naranasan sa mga panahong ito ay sinalakay ang liblib na buhay ni Delacroix. Para sa kanya, nawala sa katotohanan ang kasuklam-suklam na shell ng kabastusan at pagiging ordinaryo, na inilalantad ang tunay na kadakilaan na hindi pa niya nakita dito at kung saan ay dati niyang hinanap sa mga tula ni Byron, mga kasaysayan ng kasaysayan, sinaunang mitolohiya at sa Silangan.

Ang mga araw ng Hulyo ay umalingawngaw sa kaluluwa ni Eugene Delacroix na may ideya ng isang bagong larawan. Ang mga laban sa Barricade noong Hulyo 27, 28 at 29 sa kasaysayan ng Pransya ay nagpasya sa kinalabasan ng isang coup sa pulitika. Ngayong mga araw, si Haring Charles X, ang huling kinatawan ng dinastiyang Bourbon, na kinamumuhian ng mga tao, ay napabagsak. Sa kauna-unahang pagkakataon para sa Delacroix hindi ito isang makasaysayang, pampanitikan o oriental na balangkas, ngunit isang totoong buhay. Gayunpaman, bago natanto ang ideyang ito, kailangan niyang dumaan sa isang mahaba at mahirap na landas ng pagbabago.

Si R. Escolier, ang biographer ng artist, ay nagsulat: "Sa simula pa lamang, sa ilalim ng unang impression ng kanyang nakita, hindi nilayon ni Delacroix na ilarawan ang Liberty sa mga tagasunod nito ... Nais lamang niyang kopyahin ang isa sa mga yugto ng Hulyo, tulad ng bilang pagkamatay ni d'Arcola. " Oo, pagkatapos ay maraming mga pagganap ang nagawa at isinakripisyo. Ang magiting na pagkamatay ni d'Arcola ay naiugnay sa pagkunan ng mga rebelde sa Paris City Hall. Sa araw na pinanghahawakang tropa ng hari ang suspensyon na tulay ng Greve sa ilalim ng apoy, lumitaw ang isang binata at sumugod sa bulwagan ng bayan. Bulalas niya: "Kung mamatay ako, tandaan na ang pangalan ko ay d'Arcol." Siya ay talagang pinatay, ngunit nagawang mabihag ang mga tao at ang bulwagan ng bayan ay nakuha.

Si Eugene Delacroix ay gumawa ng isang sketch na may panulat, na, marahil, ay naging unang sketch para sa isang hinaharap na pagpipinta. Ang katotohanang ito ay hindi isang ordinaryong pagguhit ay pinatunayan ng tumpak na pagpili ng sandali, at ang pagkakumpleto ng komposisyon, at mga maingat na accent sa mga indibidwal na pigura, at ang background ng arkitektura, na organiko na isinama sa aksyon, at iba pang mga detalye. Ang pagguhit na ito ay maaaring magsilbing isang sketch para sa isang hinaharap na pagpipinta, ngunit ang kritiko ng sining na si E. Kozhina ay naniniwala na nanatili lamang itong isang sketch na walang kinalaman sa canvas na isinulat ni Delacroix kalaunan.

Ang artist ay hindi na nasiyahan sa pigura ng D'Arcola na nag-iisa, na nagmamadali at dinadala ang mga rebelde gamit ang kanyang kabayanihan na salpok. Inililipat ni Eugene Delacroix ang gitnang papel na ito sa sarili ni Liberty.

Ang artista ay hindi isang rebolusyonaryo at inamin niya mismo: "Ako ay isang rebelde, ngunit hindi isang rebolusyonaryo." Ang pampulitika ay hindi gaanong interes sa kanya, kaya nais niyang ilarawan ang hindi isang hiwalay na panandaliang yugto (kahit na ang kabayanihan na namatay ng d'Arcola), kahit na isang hiwalay na katotohanang pangkasaysayan, ngunit ang likas na katangian ng buong kaganapan. Kaya, tungkol sa lugar ng aksyon, Paris, ay mahuhusgahan lamang ng isang piraso na nakasulat sa background ng larawan sa kanang bahagi (sa kaibuturan ay hindi mo halos makita ang banner na itinaas sa tore ng Notre Dame Cathedral), at ng mga bahay ng lungsod. Ang sukat, ang pakiramdam ng napakalawak at saklaw ng kung ano ang nangyayari - ito ang ipinahiwatig ng Delacroix sa kanyang malaking canvas at kung ano ang hindi ibibigay ng imahe ng isang pribadong yugto, kahit na isang marilag.

Ang komposisyon ng pagpipinta ay napaka-pabago-bago. Sa gitna ng larawan ay isang pangkat ng mga armadong kalalakihan na may simpleng damit, na gumagalaw sa direksyon ng harapan ng larawan at sa kanan. Dahil sa usok ng pulbura, ang lugar ay hindi nakikita, at kung gaano kalaki ang pangkat na ito mismo ay hindi nakikita. Ang presyur ng karamihan ng tao, pinupuno ang lalim ng larawan, ay lumilikha ng isang lumalaking panloob na presyon na dapat hindi maiwasang makalusot. At sa gayon, nangunguna sa karamihan ng tao, isang magandang babae na may isang tatlong kulay na republikanong banner sa kanyang kanang kamay at isang baril na may isang bayonet sa kanyang kaliwa ay humakbang nang malawak mula sa isang ulap ng usok hanggang sa tuktok ng kinuha na barikada. Nasa kanyang ulo ang isang pulang cap na Phrygian ng Jacobins, ang kanyang mga damit ay nagbubulabog, inilalantad ang kanyang mga suso, ang profile ng kanyang mukha ay kahawig ng mga klasikong tampok ng Venus de Milo. Ito ay isang kalayaan na puno ng lakas at inspirasyon, na nagpapakita ng daan patungo sa mga mandirigma na may isang mapagpasyang at matapang na kilusan. Nangunguna sa mga tao sa mga barikada, ang Freedom ay hindi nagbibigay ng mga utos o utos - hinihimok at pinamunuan nito ang mga rebelde.

Kapag nagtatrabaho sa larawan, dalawang magkasalungat na prinsipyo ang nagkabanggaan sa pananaw ng mundo ni Delacroix - inspirasyon ng inspirasyon ng reyalidad, at sa kabilang banda, kawalang tiwala sa katotohanang ito, na matagal nang na-uugat sa kanyang isipan. Ang hindi pagtitiwala na ang buhay ay maaaring maging maganda sa kanyang sarili, na ang mga imahe ng tao at pulos nakalarawan ay nangangahulugan na maihahatid sa kabuuan ang ideya ng isang larawan. Ang kawalan ng tiwala na ito ang nagdidikta sa Delacroix ng makasagisag na pigura ng Liberty at ilang iba pang mga pagpapahusay sa alegoryo.

Inililipat ng artist ang buong kaganapan sa mundo ng alegorya, na sumasalamin sa ideya sa parehong paraan tulad ng ginawa ni Rubens, na sinamba niya, (sinabi ni Delacroix sa batang si Edouard Manet: "Kailangan mong makita si Rubens, kailangan mong mapaloob sa Rubens, kailangan mong kopyahin si Rubens, sapagkat si Rubens ay isang diyos ") sa mga abstract na konsepto. Ngunit ang Delacroix ay hindi pa rin sumusunod sa kanyang idolo sa lahat ng bagay: ang kalayaan para sa kanya ay sinasagisag hindi ng isang sinaunang diyos, ngunit ng pinakasimpleng babae, na, gayunpaman, ay naging maringal na pamamahala.

Ang Allegorical Freedom ay puno ng katotohanan sa buhay, sa isang mabilis na salpok ay nauuna ito sa haligi ng mga rebolusyonaryo, kinakaladkad sila at ipinahahayag ang pinakamataas na kahulugan ng pakikibaka - ang kapangyarihan ng ideya at ang posibilidad ng tagumpay. Kung hindi natin alam na ang Nike ng Samothrace ay hinukay mula sa lupa pagkamatay ng Delacroix, maaaring ipalagay na ang artista ay binigyang inspirasyon ng obra maestra na ito.

Maraming mga kritiko sa sining ang nabanggit at pinahiya ang Delacroix para sa katotohanang ang lahat ng kadakilaan ng kanyang pagpipinta ay hindi maaaring mapigilan ang impresyon na sa una ay hindi lamang kapansin-pansin. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa pagkakabangga ng kamalayan ng artist ng mga kalaban na adhikain, na nag-iwan ng marka kahit sa nakumpletong canvas, pag-aalangan ni Delacroix sa pagitan ng taos-pusong pagnanais na ipakita ang katotohanan (tulad ng nakita niya) at isang kusang pagnanasang itaas ito sa gilid, sa pagitan ng isang gravitation patungo sa emosyonal, agaran at naitatag na pagpipinta.nasasanay sa artistikong tradisyon. Marami ang hindi nasiyahan na ang pinakalupit na pagiging totoo, na kinatakutan ang mabuting tagapakinig ng mga Art Salons, ay pinagsama sa larawang ito na may isang hindi nagkakamali, perpektong kagandahan. Mapansin bilang isang karangalan ang isang katiyakan ng katiyakan sa buhay, na hindi pa kailanman nahayag sa gawain ni Delacroix (at hindi naulit ulit sa paglaon), pinahiya ang artist para sa paglalahat at simbolismo ng imahen ng Kalayaan. Gayunpaman, at para sa paglalahat ng iba pang mga imahe, ginagawang may kasalanan ang artist na ang naturalistic na hubad ng isang bangkay sa harapan ay katabi ng kahubaran ng Kalayaan.

Ang duwalidad na ito ay hindi nakaligtas sa kapwa mga kasabayan ni Delacroix at kalaunan ay mga tagahanga at kritiko. Kahit na 25 taon na ang lumipas, kung nasanay na ang publiko sa naturalismo nina Gustave Courbet at Jean François Millet, si Maxime Ducan ay nagngangalit pa rin sa harap ng Liberty on the Barricades, na kinakalimutan ang anumang pagpipigil sa mga expression: "O, kung ang Kalayaan ay tulad, kung ito "batang babae na walang paa at may hubad na suso na tumatakbo sumisigaw at kumakaway ng baril, hindi namin ito kailangan. Wala kaming kinalaman sa nakakahiyang shrew na ito!"

Ngunit, sa panunuligsa sa Delacroix, ano ang maaaring salungat sa kanyang pagpipinta? Ang rebolusyon ng 1830 ay nasasalamin sa gawain ng ibang mga artista. Matapos ang mga pangyayaring ito, kinuha ni Louis-Philippe ang trono ng hari, na sinubukang ipakita ang kanyang pagdating sa kapangyarihan bilang halos nag-iisang nilalaman ng rebolusyon. Maraming mga artista na kumuha ng diskarteng ito sa paksa ay tinahak ang landas ng kaunting pagtutol. Ang rebolusyon, bilang isang kusang alon ng mga tao, bilang isang kilalang tanyag na salpok para sa mga panginoon na ito ay tila wala talaga. Tila nagmamadali silang kalimutan ang tungkol sa lahat ng kanilang nakita sa mga lansangan sa Paris noong Hulyo 1830, at "tatlong maluwalhating araw" ay lilitaw sa kanilang imahe bilang mahusay na balak na pagkilos ng mga taong bayan ng Paris, na nag-aalala lamang sa kung paano mabilis na kumuha ng isang bagong hari sa halip na ang tinapon. Kasama sa mga gawaing ito ang pagpipinta ni Fontaine na "The Guard Proclaiming King Louis Philippe" o ang pagpipinta ni O. Bernet na "The Duke of Orleans Leaving the Palais Royal".

Ngunit, na itinuturo ang pagkakatulad ng pangunahing imahe, ang ilang mga mananaliksik ay nakakalimutang tandaan na ang pagiging alegoriko ng Kalayaan ay hindi talaga lumilikha ng hindi pagkakasundo sa natitirang mga numero sa larawan, hindi ito mukhang alien at pambihirang larawan. na maaaring mukhang sa unang tingin. Pagkatapos ng lahat, ang natitirang mga character na kumikilos ay alegoriko din sa kanilang kakanyahan at sa kanilang papel. Sa kanilang katauhan, ang Delacroix, tulad nito, ay naglalahad ng mga puwersang gumawa ng rebolusyon: ang mga manggagawa, ang mga intelihente at ang mga pulubi ng Paris. Ang isang manggagawa sa isang blusa at isang mag-aaral (o artista) na may baril ay mga kinatawan ng ilang tiyak na antas ng lipunan. Ito ay walang alinlangan na maliwanag at maaasahang mga imahe, ngunit dinala ng Delacroix ang paglalahat na ito sa mga simbolo. At ang pagkakatulad na ito, na malinaw na naramdaman na sa kanila, ay umabot sa pinakamataas na pag-unlad nito sa pigura ng Kalayaan. Siya ay isang mabigat at magandang diyosa, at sa parehong oras siya ay isang matapang na Parisian. At sa tabi niya, ang paglukso sa mga bato, pagsisigaw ng tuwa at pagwagayway ng mga pistola (na parang nagsasagawa ng mga kaganapan) ay isang mabilis, walang gulo na batang lalaki - isang maliit na henyo ng mga barikada ng Paris, na tatawaging Victor ni Hav sa loob ng 25 taon.

Ang pagpipinta na "Liberty on the Barricades" ay nagtatapos sa romantikong panahon sa gawain ni Delacroix. Ang artista mismo ay labis na minamahal ang pagpipinta niyang ito at gumawa ng maraming pagsisikap upang maabot ito sa Louvre. Gayunpaman, pagkatapos ng pagsamsam ng kapangyarihan ng "burgis na monarkiya", ipinagbawal ang pag-eksibit ng canvas na ito. Noong 1848 lamang, naipakita ng Delacroix ang kanyang pagpipinta nang isa pang beses, at kahit sa mahabang panahon, ngunit pagkatapos ng pagkatalo ng rebolusyon, ito ay natapos sa bodega nang mahabang panahon. Ang totoong kahulugan ng gawaing ito ng Delacroix ay natutukoy ng pangalawang pangalan nito, hindi opisyal: matagal nang nakasanayan na makita sa larawang ito ang "Marseillaise of French painting".

Noong 1999, ang Svoboda ay lumipad sakay ng Airbus Beluga mula sa Paris patungo sa eksibisyon sa Tokyo sa pamamagitan ng Bahrain at Calcutta sa loob ng 20 oras. Ang mga sukat ng canvas - 2.99 m ang taas ng 3.62 m ang haba - ay masyadong malaki para sa isang Boeing 747. Ang transportasyon ay isinasagawa sa isang patayo na posisyon sa isang silid ng presyon ng isothermal, protektado mula sa panginginig.

Noong Pebrero 7, 2013, isang bisita sa Louvre-Lens Museum, kung saan ipinakita ang Kalayaan, ay nagsulat sa ibabang bahagi ng canvas na may isang marker, pagkatapos nito ay nakakulong siya. Noong Pebrero 8, naibalik ng mga restorer ang pagpipinta nang mas mababa sa dalawang oras.

Bibliograpiya.

1. Delacroix, Ferdinand-Victor-Eugene // Brockhaus at Efron Encyclopedic Dictionary: sa 86 na dami (82 na dami at 4 na karagdagang). - SPb., 1890-1907. Petsa ng pag-access: 14.12.2015

2. "Isang daang magagaling na larawan" N.A. Ionin, publishing house na "Veche", 2002 . Petsa ng pag-access: 14.12.2015

3. Batas at kasaysayan ng kulturang pansining: aklat-aralin. manwal para sa mga mag-aaral sa unibersidad na nag-aaral sa direksyon ng "Jurisprudence" / [V.G. Vishnevsky at iba pa]; ed. M.M. Atsara - M.: UNITI-DANA, 2012 .-- 431p. - (Serye na "Cogito ergo sum"). Petsa ng pag-access: 14.12.2015

Eugene Delacroix

Fig. Eugene Delacroix "Liberty na Nangunguna sa Mga Tao"

Eugène Delacroix - La liberté guidant le peuple (1830)

Paglalarawan ng pagpipinta ni Eugene Delacroix na "Kalayaan na namumuno sa mga tao"

Ang pagpipinta, nilikha ng artista noong 1830, at ang balangkas nito ay nagsasabi tungkol sa mga araw ng Rebolusyong Pransya, lalo na tungkol sa mga pag-aaway sa kalye sa Paris. Sila ang humantong sa pagbagsak ng kinamumuhian na rehimen ng pagpapanumbalik ni Karl H.

Sa kanyang kabataan, si Delacroix, na lasing ng hangin ng kalayaan, ay pumalit sa posisyon ng isang rebelde, inspirasyon siya ng ideya ng pagsulat ng isang canvas na niluwalhati ang mga kaganapan noong mga panahong iyon. Sa isang liham sa kanyang kapatid, isinulat niya: "Maaaring hindi ako nakipaglaban para sa Motherland, ngunit susulat ako para sa kanya." Ang gawain dito ay tumagal ng 90 araw, pagkatapos nito ay ipinakita sa madla. Ang canvas ay tinawag na "Freedom Leading the People".

Ang balangkas ay sapat na simple. Ang barikada sa kalye, ayon sa mga mapagkukunang makasaysayang alam na ang mga ito ay itinayo mula sa mga kasangkapan at mga bato sa kalsada. Ang gitnang tauhan ay isang babae na, na may mga paa, ay tumatawid ng isang hadlang ng mga bato at humahantong sa mga tao sa kanilang nilalayon na layunin. Sa ibabang bahagi ng harapan, nakikita ang mga numero ng pinatay na tao, sa kaliwang bahagi ng oposisyonista, na pinatay sa bahay, isang damit na pantulog ang isinusuot sa bangkay, at sa kanang bahagi ng isang opisyal ng hukbong-bayan . Ito ang mga simbolo ng dalawang mundo ng hinaharap at ng nakaraan. Sa kanyang kanang nakataas na kamay, isang babae ang may hawak ng tricolor na Pransya, na sumasagisag sa kalayaan, pagkakapantay-pantay at kapatiran, at sa kanyang kaliwang kamay ay may hawak siyang baril, handang ibigay ang kanyang buhay para sa isang makatarungang dahilan. Ang kanyang ulo ay nakatali sa isang scarf, tipikal ng mga Jacobins, ang kanyang dibdib ay naka-bared, na nangangahulugang ang mabangis na pagnanais ng mga rebolusyonaryo na magtapos sa kanilang mga ideya at hindi matakot sa kamatayan mula sa mga bayonet ng mga tropa ng hari.

Ang mga numero ng iba pang mga rebelde ay nakikita sa likuran nito. Ang may-akda, kasama ang kanyang brotsa, ay binigyang diin ang pagkakaiba-iba ng mga rebelde: may mga kinatawan ng burgesya (isang lalaki na may bowler hat), isang artesano (isang lalaki na puting shirt) at isang batang lansangan (gavroche). Sa kanang bahagi ng canvas, sa likod ng mga ulap ng usok, makikita ang dalawang tore ng Notre Dame, sa mga bubong kung saan nakalagay ang banner ng rebolusyon.

Eugene Delacroix. "Kalayaan na namumuno sa mga tao (Freedom on the barricades)" (1830)
Canvas, langis. 260 x 325 cm
Louvre, Paris, France

Ang Delacroix ay walang alinlangan na ang pinakadakilang romantiko na nagsasamantala ng motibo ng pagpaparang sa dibdib bilang isang paraan ng paghahatid ng magkasalungat na damdamin. Ang makapangyarihang sentral na pigura sa Freedom Leading the People ay may utang na loob sa emosyonal na epekto sa kanyang majestically illuminised na mga suso. Ang babaeng ito ay isang pulos mitolohikal na pigura na nakakuha ng isang ganap na nasasalat na pagiging tunay, na lumilitaw sa mga tao sa mga barikada.

Ngunit ang kanyang basag na suit ay ang pinaka maselan na ehersisyo sa masining na paggupit at pananahi, upang ang nagresultang hinabing produkto ay ipinapakita ang mga dibdib pati na rin posible at sa gayon iginiit ang kapangyarihan ng diyosa. Ang damit ay tinahi ng isang manggas upang iwanan ang kamay na may hawak na watawat na nakalantad. Sa itaas ng baywang, bukod sa mga manggas, ang tela ay malinaw na hindi sapat upang masakop hindi lamang ang dibdib, kundi pati na rin ang pangalawang balikat.

Ang malayang espiritu ay nagbibihis ng Kalayaan ng isang bagay na walang simetrya sa disenyo, na hanapin ang mga antigong basahan upang maging isang angkop na sangkap para sa isang dyosa na may pasok. Bilang karagdagan, ang kanyang nakalantad na suso ay hindi maaaring mailantad sa anumang paraan bilang isang resulta ng ilang biglang hindi sinasadyang pagkilos; sa halip, sa kabaligtaran, ang detalyeng ito mismo ay isang mahalagang bahagi ng kasuutan, ang sandali ng orihinal na ideya - dapat na agad na pukawin ang damdamin ng kabanalan, pansariling pagnanasa at desperadong galit!

, Lance

"Kalayaan na namumuno sa mga tao"(fr. La Liberté guidant le peuple) o "Freedom on the Barricades"- pagpipinta ng French artist na si Eugene Delacroix.

Ang Delacroix ay lumikha ng isang pagpipinta batay sa Rebolusyong Hulyo noong 1830, na nagtapos sa rehimeng Pagpapanumbalik ng monarkiya ng Bourbon. Matapos ang maraming mga sketch ng paghahanda, tumagal lamang siya ng tatlong buwan upang makumpleto ang pagpipinta. Sa isang liham sa kanyang kapatid noong Oktubre 12, 1830, nagsulat si Delacroix: "Kung hindi ko ipinaglaban ang Inang bayan, kahit papaano magsusulat ako para dito."

Sa kauna-unahang pagkakataon na "Liberty Leading the People" ay ipinakita sa Paris Salon noong Mayo 1831, kung saan ang pagpipinta ay masiglang natanggap at kaagad na binili ng estado. Si Heinrich Heine, sa partikular, ay nagsalita tungkol sa kanyang mga impression sa salon at sa pagpipinta ni Delacroix. Dahil sa rebolusyonaryong balangkas, ang canvas ay hindi ipinakita sa publiko sa susunod na isang-kapat ng isang siglo.

Sa gitna ng larawan ay isang babae na sumasagisag sa kalayaan. Nasa ulo niya ang isang cap ng Phrygian, sa kanyang kanang kamay ay ang bandila ng Republican France, sa kanyang kaliwa ay isang baril. Ang hubad na dibdib ay sumasagisag sa pag-aalay ng Pranses ng panahong iyon, na nagpunta sa kaaway na may "mga hubad na dibdib". Ang mga pigura sa paligid ng Liberty - manggagawa, burges, tinedyer - ay sumasagisag sa pagkakaisa ng mga mamamayang Pransya sa panahon ng rebolusyon noong Hulyo. Ang ilang mga mananalaysay ng sining at kritiko ay nagpapahiwatig na ang artist ay naglalarawan ng kanyang sarili sa anyo ng isang tao sa isang tuktok na sumbrero sa kaliwa ng pangunahing tauhan.

Noong 1999, lumipad ang Svoboda ng 20 oras na paglipad mula sa Paris patungo sa eksibisyon sa Tokyo sa pamamagitan ng Bahrain at Calcutta. Isinasagawa ang transportasyon sakay ng Airbus Beluga (ang sukat ng canvas - 2.99 m ang taas ng 3.62 m ang haba - ay masyadong malaki para sa isang Boeing 747) sa isang patayo na posisyon sa isang silid ng presyon ng isothermal, protektado mula sa panginginig ng boses.

Noong Pebrero 7, 2013, isang bisita sa museo ng Louvre-Lens, kung saan ipinakita ang "Liberty", ay sumulat sa ibabang bahagi ng canvas na may marker, pagkatapos nito ay nakakulong siya. Kinabukasan, inalis ng mga restorer ang pinsala nang mas mababa sa dalawang oras.

Filmography

• "Sa mga paaspement. The Stopping Moment ", pelikula Alena Zhobera mula sa siklo na "Palettes" (France, 1989).

Sumulat ng isang pagsusuri sa artikulong "Freedom Leading the People"

Mga Tala (i-edit)

Mga link

• sa Louvre database (fr.)

Sipi mula sa Liberty na Nangunguna sa mga Tao

Ang pagpipinta ni Jacques Louis David "The Oath of the Horatii" ay isang nagbabago point sa kasaysayan ng pagpipinta ng Europa. Stylistically, kabilang pa rin ito sa klasismo; ito ay isang istilong nakatuon sa Antiquity, at sa unang tingin ang oryentasyong ito ay nananatili kay David. Ang "Ang Panunumpa ng Horatii" ay nakasulat sa balangkas kung paano ang tatlong kapatid na lalaki ni Horace ay pinili ng mga Romanong makabayan upang labanan ang mga kinatawan ng pagalit na lungsod ng Alba Longa ng mga kapatid na si Curiacia. Sina Titus Livy at Diodorus ng Siculus ay may kwentong ito; Sinulat ni Pierre Corneille ang trahedya sa balangkas nito.

"Ngunit tiyak na ang panunumpa ng Horatii na wala sa mga klasikal na teksto na ito.<...>Si David ang gumagawa ng panunumpa sa gitnang yugto ng trahedya. Hawak ng matanda ang tatlong mga espada. Nakatayo ito sa gitna, kinakatawan nito ang axis ng larawan. Sa kanyang kaliwa ay ang tatlong anak na lalaki na nagsasama sa isang pigura, sa kanan niya ay tatlong kababaihan. Ang larawan na ito ay nakakagulat na simple. Bago si David, ang klasismo, kasama ang lahat ng oryentasyon nito patungo sa Raphael at Greece, ay hindi makahanap ng isang matitigas, simpleng panlalaki na wika upang ipahayag ang mga halaga ng sibiko. Tila narinig ni David ang sinabi ni Diderot, na walang oras upang makita ang canvas na ito: 'Kailangan mong magsulat tulad ng sinabi nila sa Sparta.'

Ilya Doronchenkov

Sa panahon ni David, ang Antiquity ay unang naging nasasalamin salamat sa arkeolohiko na pagtuklas ng Pompeii. Bago sa kanya, ang Antiquity ay ang kabuuan ng mga teksto ng mga sinaunang may-akda - Homer, Virgil at iba pa - at maraming sampu o daan-daang hindi ganap na napanatili ang mga eskultura. Ngayon ito ay naging nasasalin, hanggang sa kasangkapan at kuwintas.

"Ngunit wala sa mga ito ang nasa larawan ni David. Dito, ang Antiquity ay kapansin-pansin na nabawasan hindi gaanong sa entourage (mga helmet, hindi regular na mga espada, togas, mga haligi), ngunit sa diwa ng sinaunang mabangis na pagiging simple. "

Ilya Doronchenkov

Maingat na inayos ni David ang hitsura ng kanyang obra maestra. Sinulat niya ito at ipinakita sa Roma, na nagkakaroon ng magagandang pagpuna doon, at pagkatapos ay nagpadala ng isang sulat sa isang patron ng Pransya. Sa loob nito, iniulat ng artist na sa ilang mga punto ay tumigil siya sa pagpipinta ng isang larawan para sa hari at nagsimulang ipinta ito para sa kanyang sarili, at, sa partikular, nagpasya na gawin itong hindi parisukat, tulad ng hinihiling para sa Paris Salon, ngunit hugis-parihaba. Tulad ng inaasahan ng artista, ang mga alingawngaw at liham na nagpasabog sa kaguluhan ng publiko, ang pagpipinta ay nai-book sa isang kumikitang lugar sa nakabukas na Salon.

"At ngayon, na may pagkaantala, inilalagay ang larawan at inilalantad na nag-iisa. Kung parisukat ito, mai-hang sa isang hilera ng iba pa. At sa pagbabago ng laki, ginawang natatangi ito ni David. Ito ay isang napaka-nangingibabaw na masining na kilos. Sa isang banda, idineklara niya ang kanyang sarili bilang pangunahing isa sa paglikha ng canvas. Sa kabilang banda, naakit niya ang pansin ng lahat sa larawang ito. "

Ilya Doronchenkov

Ang larawan ay may isa pang mahalagang kahulugan, na ginagawang isang obra maestra sa lahat ng oras:

"Ang canvas na ito ay hindi umaakit sa isang tao - umaakit ito sa isang taong nakatayo sa mga ranggo. Ito ay isang koponan. At ito ay isang utos sa isang tao na unang kumikilos at pagkatapos ay sumasalamin. Tamang-tama na ipinakita ni David ang dalawang di-intersecting, ganap na nakalulungkot na mga mundo - ang mundo ng mga kumikilos na kalalakihan at ang mundo ng mga naghihirap na kababaihan. At ang katas na ito - napaka masigla at maganda - ay nagpapakita ng panginginig sa takot na aktwal na nakatayo sa likod ng kasaysayan ng Horatii at sa likod ng larawang ito. At dahil ang takot na ito ay pandaigdigan, kung gayon ang "Panunumpa ng Horatii" ay hindi kami iiwan kahit saan. "

Ilya Doronchenkov 

Abstract

Noong 1816, ang frigate ng Pransya na Medusa ay nasira sa baybayin ng Senegal. 140 pasahero ang umalis sa brig sa isang balsa, ngunit 15 lamang ang nakaligtas; kinailangan nilang gumamit ng cannibalism upang makaligtas sa 12 araw na pagala sa alon. Isang iskandalo ang sumiklab sa lipunang Pransya; isang walang kakayahan na kapitan, isang maharlika ayon sa paniniwala, ay napatunayang nagkasala sa sakuna.

"Para sa liberal na lipunan ng Pransya, ang sakuna ng frigate na Medusa, ang paglubog ng barko, na para sa taong Kristiyano ay sumasagisag sa pamayanan (una ang simbahan, at ngayon ang bansa), ay naging isang simbolo, isang napakasamang tanda ng simula ng bagong rehimen ng Pagpapanumbalik. "

Ilya Doronchenkov

Noong 1818, ang batang artist na si Théodore Gericault, na naghahanap para sa isang karapat-dapat na paksa, binasa ang libro ng mga nakaligtas at nagsimulang gumawa ng kanyang pagpipinta. Noong 1819, ang pagpipinta ay ipinakita sa Paris Salon at naging isang hit, isang simbolo ng romantismo sa pagpipinta. Mabilis na inabandona ni Gericault ang balak na ilarawan ang pinaka nakakaakit - isang eksena ng kanibalismo; hindi niya ipinakita ang pananaksak, kawalan ng pag-asa, o ang mismong sandali ng kaligtasan.

"Unti-unting pinili niya ang tamang tamang sandali. Ito ang sandali ng maximum na pag-asa at maximum na kawalan ng katiyakan. Ito ang sandali kung kailan unang nakita ng mga taong nakaligtas sa balsa ang brig na "Argus" sa abot-tanaw, na unang pumasa sa balsa (hindi niya ito napansin).
At doon lamang, pagpunta sa isang banggaan na kurso, nadapa ako sa kanya. Sa sketch, kung saan natagpuan na ang ideya, ang "Argus" ay kapansin-pansin, ngunit sa larawan ay nagiging isang maliit na tuldok sa abot-tanaw, nawawala, na nakakaakit ng mata, ngunit tila wala. "

Ilya Doronchenkov

Tumanggi si Gericault sa naturalismo: sa halip na payat na katawan, mayroon siyang magagandang matapang na mga atleta sa kanyang pagpipinta. Ngunit hindi ito ideyalisasyon, ito ay gawing unibersalisasyon: ang larawan ay hindi tungkol sa mga tiyak na pasahero ng Meduza, ito ay tungkol sa lahat.

"Ang Gericault ay nagkakalat ng mga patay sa harapan. Hindi siya ang nag-imbento nito: gumulong ang kabataang Pranses tungkol sa mga patay at sugatang katawan. Ang nasasabik na ito, pinalo ang nerbiyos, nawasak ang mga kombensyon: ang isang klasikista ay hindi maaaring ipakita ang pangit at kakila-kilabot, ngunit gagawin namin. Ngunit ang mga bangkay na ito ay may ibang kahulugan. Tingnan kung ano ang nangyayari sa gitna ng larawan: mayroong bagyo, mayroong isang funnel kung saan iginuhit ang mata. At ang manonood, na nakatayo sa harap mismo ng larawan, ay lumalakad sa mga katawan sa balsa na ito. Nandoon kaming lahat. "

Ilya Doronchenkov

Ang pagpipinta ni Gericault ay gumagana sa isang bagong paraan: ito ay hindi nakatuon sa isang hukbo ng mga manonood, ngunit sa bawat tao, ang lahat ay inaanyayahan sa balsa. At ang karagatan ay hindi lamang ang dagat ng nawawalang pag-asa ng 1816. Ito ang kapalaran ng tao.

Abstract

Pagsapit ng 1814 ang France ay nagsawa na kay Napoleon, at ang pagdating ng mga Bourbons ay natanggap nang may kaluwagan. Gayunpaman, maraming mga kalayaan sa pulitika ang natapos, nagsimula ang Pagpapanumbalik, at sa pagtatapos ng 1820s, sinimulan ng mga nakababatang henerasyon na malaman ang ontological mediocrity ng kapangyarihan.

"Ang Eugene Delacroix ay kabilang sa stratum na iyon ng mga piling tao sa Pransya, na tumaas sa ilalim ni Napoleon at itinulak ng mga Bourbons. Gayunpaman, nagamot siya nang mabuti: nakatanggap siya ng gintong medalya para sa kanyang unang pagpipinta sa Salon, Dante's Boat, noong 1822. At noong 1824 ay gumawa siya ng pagpipinta na "The Massacre in Chios", na naglalarawan ng paglilinis ng etniko, nang ang populasyon ng Greek sa isla ng Chios ay ipinatapon at nawasak noong Digmaan ng Kalayaan ng Greece. Ito ang kauna-unahang paglunok ng liberalismong pampulitika sa pagpipinta, na tungkol dito sa napakalayong mga bansa. "

Ilya Doronchenkov

Noong Hulyo 1830, naglabas si Charles X ng maraming batas na mahigpit na pinaghihigpitan ang mga kalayaan sa politika at nagpadala ng mga tropa na basagin ang bahay-pahayagan ng pahayagan ng oposisyon. Ngunit ang mga Parisian ay tumugon sa pamamagitan ng pagbaril, ang lungsod ay natakpan ng mga barikada, at sa panahon ng "Tatlong Maluwalhating Araw" ay bumagsak ang rehimeng Bourbon.

Ang bantog na pagpipinta ni Delacroix, na nakatuon sa mga rebolusyonaryong kaganapan noong 1830, ay naglalarawan ng iba't ibang mga istratehiyang panlipunan: isang masilaw sa isang tuktok na sumbrero, isang batang lalaki na tramp, isang manggagawa sa isang shirt. Ngunit ang pangunahing, syempre, ay isang batang magandang babae na may hubad na dibdib at balikat.

"Nakukuha ng Delacroix dito kung ano ang mga artista ng ika-19 na siglo, na higit na mas makatotohanang nag-iisip, na halos hindi makuha ito. Nagtagumpay siya sa isang larawan - napaka nakakaawa, napaka romantiko, napaka sonorous - upang pagsamahin ang katotohanan, pisikal na nahahalata at brutal (tingnan ang mga bangkay na minamahal ng mga romantiko sa harapan) at mga simbolo. Dahil ang babaeng buong dugo ito, syempre, Freedom mismo. Ang mga pagpapaunlad sa politika mula pa noong ika-18 siglo ay nagpakita sa mga artista ng pangangailangan na mailarawan ang hindi nakikita. Paano mo makikita ang kalayaan? Ang mga pagpapahalagang Kristiyano ay naihatid sa isang tao sa pamamagitan ng isang napaka-tao - sa pamamagitan ng buhay ni Kristo at ng kanyang pagdurusa. At tulad ng mga pampulitika na abstraction tulad ng kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran ay walang anyo. At ngayon ang Delacroix ay marahil ang una at, sa totoo lang, hindi lamang ang isa, sa pangkalahatan, ay matagumpay na nakayanan ang gawaing ito: alam na natin ngayon kung ano ang hitsura ng kalayaan. "

Ilya Doronchenkov

Ang isa sa mga simbolong pampulitika sa larawan ay ang cap ng Phrygian sa ulo ng batang babae, isang permanenteng heraldic na simbolo ng demokrasya. Ang isa pang motibo sa pakikipag-usap ay ang kahubdan.

"Ang kahubaran ay matagal nang naiugnay sa pagiging natural at sa kalikasan, at noong ika-18 siglo ay pinilit ang samahan na ito. Ang kasaysayan ng French Revolution kahit na nakakaalam ng isang natatanging pagganap, kapag ang isang hubad na artista sa teatro ng Pransya ay naglalarawan ng kalikasan sa Notre Dame Cathedral. At ang kalikasan ay kalayaan, ito ay naturalness. At ito ang pinaninindigan ng nasasalat, senswal, kaakit-akit na babaeng ito. Nagpapahiwatig ito ng likas na kalayaan. "

Ilya Doronchenkov

Bagaman ang larawang ito ay nagpasikat sa Delacroix, hindi nagtagal ay natanggal ito sa kanyang mga mata nang mahabang panahon, at naiintindihan kung bakit. Ang manonood na nakatayo sa harap niya ay nasa posisyon ng mga inaatake ng Freedom, na inaatake ng rebolusyon. Napaka-komportable na panoorin ang hindi maiwasang kilusan na madudurog sa iyo.

Abstract

Noong Mayo 2, 1808, isang anti-Napoleonic rebelyon ang sumiklab sa Madrid, ang lungsod ay nasa kamay ng mga nagpoprotesta, ngunit sa gabi ng ika-3 araw sa paligid ng kabisera ng Espanya ay may malawak na pamamaril sa mga rebelde. Ang mga pangyayaring ito ay nagtagal humantong sa isang giyera gerilya na tumagal ng anim na taon. Kapag natapos na ito, dalawang mga kuwadro na gawa ang iatasan ng pintor na si Francisco Goye upang gunitain ang pag-aalsa. Ang una ay "Ang pag-aalsa ng Mayo 2, 1808 sa Madrid."

"Inilalarawan talaga ni Goya ang sandali na nagsimula ang pag-atake - ang unang welga ng Navajo na nagsimula ang giyera. Ito ang higpit ng sandali na napakahalaga rito. Tila inilalapit niya ang camera, mula sa isang panorama na inililipat niya sa isang pambihirang malapit na shot, na hindi rin sa ganoong lawak bago sa kanya. Mayroong isa pang kapanapanabik na bagay: ang pakiramdam ng gulo at pananaksak ay lubhang mahalaga dito. Walang taong naaawa ka. May mga biktima at may mga mamamatay-tao. At ang mga mamamatay-taong mata na mamamatay-tao na ito, mga patriots ng Espanya, sa pangkalahatan, ay nakikibahagi sa negosyong kumakat. "

Ilya Doronchenkov

Sa pangalawang larawan, binabago ng mga character ang mga lugar: ang mga na-cut sa unang larawan, sa pangalawa kinunan nila ang mga pumutol sa kanila. At ang moral ambivalence ng away sa kalye ay napalitan ng kalinawan sa moral: Si Goya ay nasa panig ng mga nagrebelde at nasawi.

"Ang mga kaaway ay diborsiyado ngayon. Sa kanan ay ang mga mabubuhay. Ito ay isang serye ng mga taong naka-uniporme na may mga baril, eksaktong pareho, mas magkatulad kaysa sa mga kapatid ni Horace kay David. Ang kanilang mga mukha ay hindi nakikita, at ang kanilang shako ay ginagawang mga kotse, tulad ng mga robot. Hindi ito mga pigura ng tao. Tumayo sila sa itim na silweta sa kadiliman laban sa background ng isang parol na binabaha ang isang maliit na pag-clear.

Sa kaliwa ay ang mga mamamatay. Lumipat sila, umiikot, nagbibihis, at sa ilang kadahilanan tila mas matangkad sila kaysa sa kanilang mga berdugo. Bagaman ang pangunahing, gitnang tauhan - isang lalaking Madrid na may kulay kahel na pantalon at isang puting shirt - ay nakaluhod. Matangkad pa rin siya, medyo nasa burol siya.

Ilya Doronchenkov

Ang naghihingalong rebelde ay nakatayo sa pose ni Kristo, at para sa higit na pagkumbinsi na inilalarawan ni Goya ang stigmata sa kanyang mga palad. Bilang karagdagan, ginagawa ng artist ang lahat ng oras sa pamamagitan ng isang mahirap na karanasan - upang tingnan ang huling sandali bago ang pagpapatupad. Sa wakas, binago ni Goya ang pag-unawa sa isang makasaysayang kaganapan. Bago sa kanya, ang kaganapan ay inilarawan ng ritwal nito, retorikal na panig; para kay Goya, ang isang kaganapan ay isang instant, pag-iibigan, isang sigaw na hindi pampanitikan.

Ipinapakita ng unang larawan ng diptych na hindi pinapatay ng mga Espanyol ang Pranses: ang mga sumasakay na nahuhulog sa ilalim ng paa ng kabayo ay nakadamit ng mga kasuutang Muslim.
Ang katotohanan ay na sa tropa ni Napoleon mayroong isang detatsment ng Mamelukes, mga cavalrymen ng Egypt.

"Mukhang kakaiba na ang artista ay ginagawang mga Muslim na mandirigma sa isang simbolo ng pananakop ng Pransya. Ngunit pinapayagan nitong gawing link ng Goya ang isang modernong kaganapan sa kasaysayan ng Espanya. Para sa anumang bansa na huwad ang pagkakakilanlan nito sa panahon ng Napoleonic Wars, napakahalaga na mapagtanto na ang giyerang ito ay bahagi ng isang walang hanggang digmaan para sa mga halaga nito. At tulad ng isang mitolohikal na giyera para sa mga mamamayang Espanya ay ang Reconquista, ang pananakop sa Iberian Peninsula mula sa mga kahariang Muslim. Samakatuwid, si Goya, habang nananatiling tapat sa dokumentaryo, hanggang sa kasalukuyan, ay inilalagay ang kaganapang ito na nauugnay sa pambansang alamat, pinipilit ang isang tao na mapagtanto ang pakikibaka noong 1808 bilang walang hanggang pakikibaka ng mga Espanyol para sa pambansa at Kristiyano. "

Ilya Doronchenkov

Nagawang lumikha ng artistikong pormularyo para sa pagpapatupad ng artist. Tuwing ang kanyang mga kasamahan - maging sila Manet, Dix o Picasso - ay bumaling sa paksa ng pagpapatupad, sinunod nila si Goya.

Abstract

Ang rebolusyonaryong larawan ng ika-19 na siglo ay naganap nang mas maliwanag kaysa sa larawan ng kaganapan sa tanawin.

"Ang tanawin ay ganap na nagbabago ng optika. Binabago ng isang tao ang kanyang sukat, ang isang tao ay nakakaranas ng kanyang sarili nang magkakaiba sa mundo. Ang isang tanawin ay isang makatotohanang paglalarawan ng kung ano ang nasa paligid natin, na may pakiramdam ng hangin na puno ng kahalumigmigan at pang-araw-araw na mga detalye kung saan kami ay lumubog. O maaari itong maging isang projection ng aming mga karanasan, at pagkatapos ay sa mga pagtatapos ng paglubog ng araw o sa isang masayang maaraw na araw, nakikita natin ang estado ng aming kaluluwa. Ngunit may mga kapansin-pansin na mga landscape na nabibilang sa parehong mga mode. At napakahirap unawain, sa katunayan, alin ang nangingibabaw. "

Ilya Doronchenkov

Ang dwalidad na ito ay malinaw na ipinakita sa Aleman na artist na si Caspar David Friedrich: ang kanyang mga tanawin ay kapwa nagsasabi sa atin tungkol sa likas na katangian ng Baltic, at kasabay nito ay kumakatawan sa isang pahayag na pilosopiko. Ang mga tanawin ng Friedrich ay may isang pagod na pakiramdam ng pagkalungkot; ang taong nasa kanila ay bihirang tumagos pa sa likuran at kadalasang nakatalikod sa manonood.

Ang kanyang huling pagpipinta, Ages of Life, ay naglalarawan ng isang pamilya sa harapan: mga bata, magulang, isang matandang lalaki. At higit pa, lampas sa spatial gap - ang langit ng paglubog ng araw, dagat at mga boat.

"Kung titingnan natin kung paano itinayo ang canvas na ito, makikita natin ang isang kapansin-pansin na overlap sa pagitan ng ritmo ng mga figure ng tao sa harapan at ng ritmo ng mga paglalayag na barko sa dagat. Narito ang mga matangkad na numero, narito ang mga mabababang numero, narito ang mga malalaking barko sa paglalayag, narito ang mga bangka sa ilalim ng mga paglalayag. Ang mga kalikasan at paglalayag na mga barko ang tinatawag na musika ng mga spheres, ito ay walang hanggan at malaya sa tao. Ang taong nasa harapan ay ang kanyang pangwakas na pagkatao. Ang dagat ni Frederick ay madalas na isang talinghaga para sa otherness, kamatayan. Ngunit ang kamatayan para sa kanya, isang taong naniniwala, ay ang pangako ng buhay na walang hanggan, na hindi natin alam. Ang mga taong ito sa harapan - maliit, clumsy, hindi masyadong kaakit-akit na nakasulat - sundin ang ritmo ng isang paglalayag na barko gamit ang kanilang ritmo, habang inuulit ng isang piyanista ang musika ng mga sphere. Ito ang aming musikang pantao, ngunit lahat ito ng mga tula na may mismong musika na pinuno ng kalikasan para kay Friedrich. Samakatuwid, para sa akin na sa canvas na ito ay nangangako si Frederick - hindi isang paraiso sa kabilang buhay, ngunit ang aming pangwakas na pagkatao ay nakakasundo pa rin sa sansinukob. "

Ilya Doronchenkov 

Abstract

Matapos ang Great French Revolution, napagtanto ng mga tao na mayroon silang nakaraan. Ang ika-19 na siglo, sa pamamagitan ng pagsisikap ng mga romantics-aesthetes at mga historian-positivist, ay lumikha ng modernong ideya ng kasaysayan.

"Ang ika-19 na siglo ay lumikha ng makasaysayang pagpipinta na alam natin. Non-abstract Greek at Roman na mga bayani, kumikilos sa isang perpektong setting, na ginabayan ng mga perpektong motibo. Ang kasaysayan ng ika-19 na siglo ay nagiging dula-dulaan at melodramatic, papalapit na ito sa isang tao, at ngayon ay nakakaya nating hindi makasama sa mga dakilang gawa, ngunit sa mga kasawian at trahedya. Ang bawat bansa sa Europa ay lumikha ng sarili nitong kasaysayan noong ika-19 na siglo, at sa pagbuo ng kasaysayan, sa pangkalahatan, lumikha ito ng sarili nitong larawan at mga plano para sa hinaharap. Sa puntong ito, ang pagpipinta ng makasaysayang Europa ng ika-19 na siglo ay katakut-takot na pag-aralan, bagaman, sa palagay ko, hindi ito umalis, halos hindi iniiwan ang tunay na mahusay na mga gawa. At sa mga dakilang gawaing ito, nakikita ko ang isang pagbubukod na tayong mga Russia ay maaaring maipagmamalaki nang may karapatan. Ito ang "Ang Umaga ng Pagpapatupad ng Strelets" ni Vasily Surikov. "

Ilya Doronchenkov

Ang pang-labinsiyam na siglo ng pagpipinta sa kasaysayan na nakatuon sa panlabas na kredibilidad ay karaniwang nagsasabi ng kuwento ng isang solong bayani na namamahala sa kuwento o natalo. Ang pagpipinta ni Surikov ay isang kapansin-pansin na pagbubukod dito. Ang bayani nito ay isang karamihan ng tao sa mga makukulay na outfits, na sumasakop sa halos apat na-ikalimang bahagi ng larawan; ito ay nagpapakita ng larawan na maging kapansin-pansin na hindi maayos. Sa likuran ng buhay na buhay na pag-ikot ng karamihan, kung saan ang bahagi nito ay malapit nang mamatay, nakatayo sa makulay, gusot na templo ni St. Basil na Mapalad. Sa likod ng nagyeyelong Peter, isang linya ng mga sundalo, isang linya ng bitayan - isang linya ng mga laban sa pader ng Kremlin. Ang larawan ay pinagsama-sama ng tunggalian ng mga pananaw ni Peter at ng mamamana ng pulang-balbas.

"Maraming masasabi tungkol sa hidwaan sa pagitan ng lipunan at estado, mga tao at emperyo. Ngunit para sa akin na ang bagay na ito ay may ilang iba pang mga kahulugan na ginagawang natatangi. Si Vladimir Stasov, isang tagapagpalaganap ng pagkamalikhain ng mga Itinerante at tagapagtanggol ng pagiging totoo ng Russia, na sumulat ng maraming mga hindi kinakailangang bagay tungkol sa kanila, ay mahusay na nagsabi tungkol sa Surikov. Tinawag niyang "choral" ang ganitong mga pinta. Sa katunayan, kulang sila sa isang bayani - kulang sila sa isang makina. Ang mga tao ang naging makina. Ngunit sa larawang ito, ang papel ng mga tao ay malinaw na nakikita. Si Joseph Brodsky sa kanyang panayam sa Nobel ay perpektong sinabi na ang isang tunay na trahedya ay hindi kapag namatay ang isang bayani, ngunit kapag namatay ang isang koro. "

Ilya Doronchenkov

Ang mga kaganapan ay nagaganap sa mga kuwadro na gawa ni Surikov na para bang labag sa kagustuhan ng kanilang mga tauhan - at dito ang konsepto ng kasaysayan ng artist ay malinaw na malapit sa kay Tolstoy.

"Ang lipunan, mga tao, bansa sa larawang ito ay tila nahahati. Ang mga sundalo ni Pedro na naka-uniporme na lilitaw na itim at ang mga mamamana sa puti ay pinagkakaiba bilang mabuti at masama. Ano ang nag-uugnay sa dalawang hindi pantay na bahagi ng komposisyon na ito? Ito ay isang mamamana sa isang puting shirt, papatayin, at isang kawal na naka-uniporme, na sumusuporta sa kanya sa balikat. Kung aalisin nating itak ang lahat ng bagay na pumapaligid sa kanila, hindi namin kailanman maiaako sa ating buhay na ang taong ito ay hinahantong sa pagpatay. Ito ang dalawang kaibigan na umuuwi, at ang isa ay sumusuporta sa iba pa sa isang magiliw at magiliw na pamamaraan. Nang si Petrusha Grinev ay binitay ng mga Pugachevite sa "The Captain's Daughter", sinabi nila: "Huwag kang mag-alala, huwag mag-alala," na parang nais talaga nilang magsaya. Ang pakiramdam na ang mga taong hinati ng kalooban ng kasaysayan ay sabay na magkakapatid at nagkakaisa ay isang kamangha-manghang kalidad ng canvas ni Surikov, na hindi ko rin alam saanman. "

Ilya Doronchenkov 

Abstract

Sa pagpipinta, mahalaga ang laki, ngunit hindi bawat paksa ay maaaring mailarawan sa isang malaking canvas. Iba't ibang tradisyon na nakalarawan ang larawan ng mga tagabaryo, ngunit madalas - hindi sa malalaking pinta, ngunit ito mismo ang "Libing sa Ornans" ni Gustave Courbet. Ang Ornand ay isang maunlad na bayan ng probinsya, kung saan nagmula ang artist.

"Ang Courbet ay lumipat sa Paris ngunit hindi naging bahagi ng pagtatatag ng masining. Hindi siya nakatanggap ng isang pang-akademikong edukasyon, ngunit mayroon siyang isang malakas na kamay, isang napakatitim ng tingin at mahusay na ambisyon. Palagi siyang nararamdaman na isang probinsyano, at higit sa lahat nasa bahay siya, sa Ornans. Ngunit siya ay nanirahan halos sa kanyang buong buhay sa Paris, nakikipaglaban sa sining na namamatay na, nakikipaglaban sa sining na pinakahusay at nagsasalita tungkol sa pangkalahatan, tungkol sa nakaraan, tungkol sa maganda, nang hindi napansin ang modernidad. Ang uri ng sining na higit na pinupuri, na sa halip ay nakalulugod, bilang isang patakaran, ay nakakahanap ng napakataas na demand. Ang Courbet ay isang rebolusyonaryo sa pagpipinta, bagaman ngayon ang rebolusyonaryong likas na ito ay hindi masyadong malinaw sa amin, dahil nagsusulat siya ng buhay, nagsusulat siya ng tuluyan. Ang pangunahing bagay na rebolusyonaryo tungkol sa kanya ay ang pagtigil niya sa pag-idealize ang kanyang kalikasan at nagsimulang ipinta ito nang eksakto sa nakikita niya, o sa paraang sa palagay niya ay nakikita niya. "

Ilya Doronchenkov

Ang higanteng pagpipinta ay naglalarawan ng halos limampung tao halos sa buong paglago. Ang lahat sa kanila ay totoong mukha, at nakilala ng mga eksperto ang halos lahat ng mga kalahok sa libing. Pininturahan ng Courbet ang kanyang mga kapwa kababayan, at kaaya-aya para sa kanila na makapasok sa larawan nang eksakto tulad nila.

"Ngunit noong ang pagpipinta na ito ay ipinakita noong 1851 sa Paris, lumikha ito ng isang iskandalo. Sumalungat siya sa lahat ng nakasanayan ng publiko sa Paris sa sandaling iyon. Nasaktan niya ang mga artista dahil sa kawalan ng isang malinaw na komposisyon at magaspang, siksik na pasty na pagpipinta, na nagpapahiwatig ng materyalidad ng mga bagay, ngunit ayaw maging maganda. Natakot niya ang isang ordinaryong tao sa pamamagitan ng katotohanang hindi niya talaga maintindihan kung sino ito. Kapansin-pansin ang pagkasira ng mga komunikasyon sa pagitan ng mga manonood ng panlalawigan ng Pransya at ng mga Parisian. Kinuha ng mga taga-Paris ang paglalarawan ng kagalang-galang na mayamang pulutong na ito bilang paglalarawan ng mga mahihirap. Ang isa sa mga kritiko ay nagsabi: "Oo, ito ay isang galit, ngunit ito ay isang pagkagalit sa mga lalawigan, at ang Paris ay mayroong sariling galit." Ang kapangitan ay talagang naintindihan bilang ang tunay na katotohanan. "

Ilya Doronchenkov

Tumanggi ang Courbet na maging perpekto, na siyang gumawa sa kanya ng isang tunay na avant-garde ng ika-19 na siglo. Nakatuon siya sa mga tanyag na Prints na Pranses, ang potograpiyang grupo ng Olandes, at antigong solemne. Tinuturo sa atin ng Courbet na makita ang pagiging moderno sa pagiging natatangi nito, sa trahedya nito at sa kagandahan nito.

"Alam ng mga salon ng Pransya ang mga imahe ng matitinding paggawa ng mga magsasaka, mahirap na magsasaka. Ngunit ang mode ng imahe ay pangkalahatang tinanggap. Kailangang naawa ang mga magsasaka, kailangang makiramay ang mga magsasaka. Ito ay isang medyo overhead view. Ang taong nakikiramay ay sa pamamagitan ng kahulugan ang isang priyoridad. At pinagkaitan ng Courbet ang kanyang manonood ng posibilidad ng naturang patronizing empathy. Ang kanyang mga tauhan ay marilag, malaki, hindi pinapansin ang kanilang mga manonood, at hindi nila pinapayagan na maitaguyod ang naturang pakikipag-ugnay sa kanila, na ginagawang bahagi ng pamilyar na mundo, napakalakas nilang sinira ang mga stereotype. "

Ilya Doronchenkov 

Abstract

Ang ika-19 na siglo ay hindi nagustuhan ang kanyang sarili, na ginugusto na maghanap ng kagandahan sa iba pa, maging ito ng Antiquity, the Middle Ages o the East. Si Charles Baudelaire ang unang natutunang makita ang kagandahan ng modernidad, at ang mga artista na si Baudelaire ay hindi nakalaan na makitang nakapaloob ito sa pagpipinta: halimbawa, Edgar Degas at Edouard Manet.

"Si Manet ay isang provocateur. Si Manet, sa parehong oras, ay isang makinang na pintor, na ang kagandahan ng mga kulay, mga kulay na napaka-magkatulad na pagsasama, ay hindi tinatanong ng manonood sa kanilang mga sarili ng halatang mga katanungan. Kung titingnan natin nang mabuti ang kanyang mga kuwadro na gawa, madalas nating aminin na hindi namin naiintindihan kung ano ang nagdala sa mga taong ito dito, kung ano ang ginagawa nila sa tabi-tabi, kung bakit ang mga bagay na ito ay nakakonekta sa mesa. Ang pinakasimpleng sagot: Ang Manet ay higit sa lahat isang pintor, si Manet ay higit sa lahat ng isang mata. Interesado siya sa kumbinasyon ng mga kulay at pagkakayari, at ang lohikal na pagpapares ng mga bagay at tao ang pang-sampung bagay. Ang mga nasabing larawan ay madalas na nakalito sa manonood na naghahanap ng nilalaman, na naghahanap ng mga kwento. Hindi nagkukwento si Manet. Maaari siyang manatili sa ganoong kamangha-manghang tumpak at magandang-maganda na optal na kagamitan, kung hindi pa niya nilikha ang kanyang huling obra maestra sa mga taong iyon nang siya ay sinapian ng isang nakamamatay na sakit. "

Ilya Doronchenkov

Ang pagpipinta na "The Bar at the Folies Bergères" ay ipinakita noong 1882, noong una ay nanalo ng panunuya ng mga kritiko, at pagkatapos ay mabilis na kinilala bilang isang obra maestra. Ang tema nito ay isang café-concert, isang kapansin-pansin na kababalaghan ng buhay sa Paris sa ikalawang kalahati ng siglo. Tila na malinaw at maaasahang nakuha ni Manet ang buhay ng "Folies Bergère".

"Ngunit kapag sinimulan nating tingnan nang mabuti ang nagawa ni Manet sa kanyang pagpipinta, mauunawaan natin na mayroong isang malaking bilang ng mga hindi pagkakapare-pareho, hindi malay na nakakagambala at, sa pangkalahatan, ay hindi nakakatanggap ng isang malinaw na resolusyon. Ang batang babae na nakikita namin ay isang saleswoman, dapat siya, sa kanyang pagiging kaakit-akit, pinahinto ang mga bisita, ligawan siya at umorder ng isa pang inumin. Samantala, hindi siya nakikipaglandian sa amin, ngunit tinitingnan niya kami. Sa mesa, sa init, mayroong apat na bote ng champagne - ngunit bakit hindi sa yelo? Sa imahe ng salamin, ang mga bote na ito ay nasa maling gilid ng mesa mula sa harapan. Ang baso na may mga rosas ay hindi nakikita sa parehong anggulo kung saan nakikita ang lahat ng iba pang mga bagay sa mesa. At ang batang babae sa salamin ay hindi eksaktong hitsura ng batang babae na tumingin sa amin: siya ay mas siksik, mayroon siyang higit pang bilugan na mga hugis, sumandal siya sa bisita. Sa pangkalahatan, kumikilos ito bilang dapat na kumilos ang tinitingnan natin. "

Ilya Doronchenkov

Ang pambabatikos na pagpuna ay nakakuha ng pansin sa katotohanan na ang batang babae, kasama ang kanyang mga balangkas, ay kahawig ng isang bote ng champagne na nakatayo sa counter. Ito ay isang angkop na pagmamasid, ngunit halos hindi kumpleto: ang kalungkutan ng larawan, ang sikolohikal na paghihiwalay ng magiting na babae ay tutol sa isang prangkahang interpretasyon.

"Ang mga optikal na balangkas at sikolohikal na bugtong ng larawan, tila, walang malinaw na sagot, gawin tayong bawat oras na lapitan ito ulit at tanungin ang mga katanungang ito, subconsciously saturated with that feeling of the beautiful, sad, tragic, daily modern life na pinangarap ni Baudelaire at tuluyan ng iniwan si Manet sa harapan namin. "

Ilya Doronchenkov 

"Pinili ko ang isang modernong balangkas, isang eksena sa mga barikada ... Kung hindi ko ipinaglaban ang kalayaan ng sariling bayan, pagkatapos ay dapat na sumulat ako para sa kanya," sinabi ni Delacroix sa kanyang kapatid, na tumutukoy sa pagpipinta na "Freedom Leading the Tao "(dito ay kilala rin ito bilang" Freedom on the Barricades ").
Sa mga bangkay ng mga nahulog, si Freedom ay naglalakad na walang sapin, na may hubad na dibdib, na tumatawag sa mga rebelde. Sa kanyang nakataas na kamay, hawak niya ang tricolor na republikanong watawat, at ang mga kulay nito - pula, puti at asul - umalingawngaw sa canvas.
Ang gawaing ito ng Delacroix ay dapat tawaging isang romantikong alegorya sa halip na isang dokumentaryong account ng mga kaganapan ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Mismong si Delacroix ay hindi lumahok sa "maluwalhating mga araw", na pinapanood kung ano ang nangyayari mula sa mga bintana ng kanyang pagawaan, ngunit pagkatapos ng pagbagsak ng monarkiya ng Bourbon ay nagpasya siyang mapanatili ang imahe ng Himagsikan.
Sa panahon ng Pagpapanumbalik, tila sa maraming mga Pranses na ang lahat ng mga sakripisyo ng Great French Revolution at the Empire ay walang kabuluhan. Noong Hulyo 1830, tumaas ang kawalang-kasiyahan sa rehimeng Bourbon. Nag-alsa ang mga Parisian at sinakop ang kabisera. Sa France, ang tinaguriang July Monarchy ay naitatag. Naging kapangyarihan ni Haring Louis Philippe. "Mga banal na araw ng Paris Hulyo!" Bulalas ni Heinrich Heine. "Palagi kang magsasaksi sa likas na kataas-taasang tao, na hindi na mawawala. Ang isa na nabuhay sa iyo ay hindi na lumuluha sa mga dating libingan, ngunit puno ng kagalakan pananampalataya sa pagkabuhay na muli ng mga bansa. Sagradong araw. Hulyo! Napakaganda ng araw, napakaganda ng mga tao sa Paris! "
Sa kanyang obra maestra, pinagsama ng Delacroix ang tila hindi tugma - ang katotohanan ng protokol ng pag-uulat kasama ang dakilang tela ng patula na parabula. Nagbigay siya ng isang maliit na yugto ng kalye na nakikipaglaban sa isang walang oras, mahabang tula na tunog. Ang gitnang katangian ng canvas ay Freedom, na pinagsasama ang marangal na pustura ng Aphrodite of Milos na may mga tampok na ipinagkaloob kay Auguste Barbier kay Freedom: "Ito ay isang malakas na babae na may isang malakas na dibdib, may isang namamagang tinig, na may apoy sa kanyang mga mata, mabilis, may malawak na hakbang. "