Ang Romanticismismo sa fine arts noong ika-19 na siglo sandali. Romantismo sa pagpipinta-European na pagtatanghal ni mhc

Ang Romanticism bilang isang direksyon sa pagpipinta ay nabuo sa Kanlurang Europa sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang romantismo ay umunlad sa sining ng karamihan sa mga bansa sa Kanlurang Europa noong 1920s at 1930s. Ika-19 na siglo.

Ang terminong "romantismo" mismo ay nagmula sa salitang "nobela" (noong ika-17 siglo, ginamit ang mga nobela upang tumukoy sa mga akdang pampanitikan na isinulat hindi sa Latin, ngunit sa mga wikang nagmula rito - Pranses, Ingles, atbp.). Nang maglaon, lahat ng bagay na hindi maintindihan at mahiwaga ay tinawag na romantiko.

Bilang isang pangkaraniwang kababalaghan, ang romantismo ay nabuo mula sa isang espesyal na pananaw sa daigdig na nabuo ng mga resulta ng Great French Revolution. Nabigo sa mga mithiin ng Paliwanag, ang mga romantiko, na nagsusumikap para sa pagkakasundo at integridad, ay lumikha ng mga bagong ideyal na ideyal at artistikong halaga. Ang mga pangunahing bagay ng kanilang pansin ay natitirang mga character sa lahat ng kanilang mga karanasan at pagnanasa para sa kalayaan. Ang bayani ng mga romantikong gawa ay isang pambihirang tao na, sa kalooban ng kapalaran, nahahanap ang kanyang sarili sa mahirap na mga pangyayari sa buhay.

Bagaman ang romantikismo ay lumitaw bilang isang protesta laban sa sining ng klasismo, ito ay sa maraming paraan na malapit sa huli. Ang mga romantiko ay bahagi ng naturang mga kinatawan ng klasismo tulad nina N. Poussin, C. Lorrain, J. OD Ingres.

Ang mga romantiko ay nagpakilala ng mga kakaibang pambansang tampok sa pagpipinta, iyon ay, isang bagay na kulang sa sining ng mga klasikista.
Ang pinakamalaking kinatawan ng romantikong Pranses ay si T. Gericault.

Theodore Gericault

Si Théodore Gericault, ang dakilang pinturang Pranses, iskultor at graphic artist, ay isinilang noong 1791 sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Ang talento ng artista ay nagpakita sa sarili niya nang maaga. Kadalasan, sa halip na pumasok sa mga klase sa paaralan, si Gericault ay uupo sa kuwadra at gumuhit ng mga kabayo. Kahit na noon, sinubukan niya hindi lamang ilipat ang mga panlabas na tampok ng mga hayop sa papel, ngunit din upang maihatid ang kanilang pag-init ng ulo at ugali.

Matapos magtapos mula sa Lyceum noong 1808, si Gericault ay naging isang mag-aaral ng noon ay bantog na master ng pagpipinta na si Karl Vernet, na sikat sa kanyang kakayahang maglarawan ng mga kabayo sa canvas. Gayunpaman, hindi gusto ng batang artista ang istilo ni Vernet. Hindi nagtagal ay umalis siya sa studio at pumasok upang mag-aral sa isa pa, hindi gaanong may pinturang may talento kaysa kay Vernet, P.N. Gehren. Ang pag-aaral sa dalawang sikat na artista, gayunpaman si Gericault ay hindi naging kahalili ng kanilang mga tradisyon sa pagpipinta. Ang kanyang totoong mga guro ay malamang na dapat isaalang-alang na J. A. Gro at J. L. David.

Ang mga maagang gawa ng Gericault ay nakikilala sa pamamagitan ng ang katunayan na ang mga ito ay malapit sa buhay hangga't maaari. Ang ganitong mga larawan ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakalulungkot. Ipinakita nila ang masigasig na kalagayan ng may-akda kapag tinatasa ang mundo sa paligid niya. Ang isang halimbawa ay ang pagpipinta na pinamagatang "Opisyal ng Imperial Horse Rangers sa panahon ng Pag-atake", na nilikha noong 1812. Ang pagpipinta na ito ay unang nakita ng mga bisita sa Paris Salon. Masigasig nilang tinanggap ang gawain ng batang artista, pinahahalagahan ang talento ng batang panginoon.

Ang gawain ay nilikha sa panahong iyon ng kasaysayan ng Pransya noong si Napoleon ay nasa rurok ng kanyang katanyagan. Inidolo siya ng mga kapanahon, ang dakilang emperador na nagawang sakupin ang karamihan sa Europa. Ito ay sa ganitong kondisyon, sa ilalim ng impression ng mga tagumpay ng hukbo ni Napoleon, na ang larawan ay ipininta. Ipinapakita ng canvas ang isang sundalong tumatakbo sa isang kabayo upang umatake. Ang kanyang mukha ay nagpapahiwatig ng pagpapasiya, tapang at walang takot sa harap ng kamatayan. Ang buong komposisyon
sobrang dinamiko at emosyonal. Ang manonood ay may pakiramdam na siya mismo ay naging isang tunay na kalahok sa mga kaganapan na nakalarawan sa canvas.

Ang pigura ng isang matapang na sundalo ay lilitaw nang higit sa isang beses sa gawain ni Gericault. Kabilang sa mga naturang imahe, ang mga bayani ng mga kuwadro na "Opisyal ng Carabinieri", "Opisyal ng Cuirassier bago ang Pag-atake", "Portrait of the Carabinieri", "The Waced Cuirassier", nilikha noong 1812-1814, ay may partikular na interes. Ang huling gawain ay kapansin-pansin sa kung ito ay ipinakita sa susunod na eksibisyon na gaganapin sa Salon sa parehong taon. Gayunpaman, hindi ito ang pangunahing bentahe ng komposisyon. Higit sa lahat, ipinakita nito ang mga pagbabagong naganap sa malikhaing istilo ng artista. Kung sa kanyang kauna-unahang canvases ang taos-pusong damdaming makabayan ay nasasalamin, kung gayon sa mga gawaing nagsimula pa noong 1814, ang mga pathos sa paglalarawan ng mga bayani ay napalitan ng drama.

Ang isang katulad na pagbabago sa kalagayan ng artista ay muling naiugnay sa mga kaganapan na nagaganap sa Pransya sa oras na iyon. Noong 1812, si Napoleon ay natalo sa Russia, na may kaugnayan sa kung saan siya, na dating isang napakatalino na bayani, ay nakakuha ng katanyagan ng isang hindi pinalad na pinuno ng militar at isang mayabang na mayabang na tao. Sa isip, ang Gericault ay sumasalamin ng pagkabigo sa pagpipinta na "Ang Sugat na Cuirassier". Inilalarawan ng canvas ang isang sugatang mandirigma na sinusubukang iwanan ang battlefield sa lalong madaling panahon. Nakasandal siya sa isang sable - isang sandata na, marahil, ilang minuto lamang ang nakakaraan, hawak niya, hawak-hawak ito sa taas.

Ito ay ang hindi kasiyahan ni Gericault sa patakaran ni Napoleon na nagdikta ng kanyang pagpasok sa serbisyo ni Louis XVIII, na pumalit sa trono ng Pransya noong 1814. Ang sentimistikong damdamin ay naiugnay din sa katotohanang matapos ang pangalawang pag-agaw ng kapangyarihan sa Pransya ni Napoleon (panahon ng Daan-daang Mga Araw), iniwan ng batang artista ang kanyang katutubong bansa kasama ang Bourbons. Ngunit narito din, siya ay nabigo. Hindi mahinahon na binantayan ng binata kung paano sinisira ng hari ang lahat na nakamit sa panahon ng paghahari ni Napoleon. Bilang karagdagan, sa ilalim ni Louis XVIII, nagkaroon ng pagtaas ng reaksyong pyudal-Katoliko, ang bansa ay lalong lumilipat ng pabalik, na bumalik sa dating istraktura ng estado. Ang isang bata, progresibong pag-iisip ay hindi matanggap ito. Sa lalong madaling panahon, ang binata, nawalan ng pananalig sa mga mithiin, umalis sa hukbo, na pinangunahan ni Louis XVIII, at muling kumuha ng mga brush at pintura. Ang mga taong ito ay hindi matatawag na maliwanag at anumang kapansin-pansin sa gawain ng artista.

Noong 1816 si Gericault ay nagpunta sa isang paglalakbay sa Italya. Ang pagbisita sa Roma at Florence at pinag-aralan ang mga obra ng mga sikat na masters, ang artist ay mahilig sa napakalaking pagpipinta. Ang mga fresco ni Michelangelo na nag-adorno sa Sistine Chapel ay partikular na interesado sa kanya. Sa oras na ito, lumikha si Gericault ng mga gawa na, sa kanilang sukat at kamahalan, sa maraming paraan ay kahawig ng mga canvase ng mga pintor ng Mataas na Renaissance. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-kagiliw-giliw na "Ang pag-agaw ng isang nymph ng isang centaur" at "Ang taong tumumba sa toro."

Ang mga parehong tampok ng paraan ng matandang masters ay nakikita sa pagpipinta na "The Run of Free Horses in Rome", na isinulat noong 1817 at kumakatawan sa kumpetisyon ng mga mangangabayo sa isa sa mga karnabal na gaganapin sa Roma. Ang kakaibang uri ng komposisyon na ito ay naipon ng artist mula sa paunang ginawa na mga malakihang guhit. Bukod dito, ang likas na katangian ng mga sketch ay naiiba na naiiba mula sa estilo ng buong trabaho. Kung ang una ay mga eksenang naglalarawan sa buhay ng mga Romano - mga kapanahon ng artista, kung gayon ang pangkalahatang komposisyon ay nagbibigay ng mga imahe ng mga matapang na sinaunang bayani, na parang lumabas sa mga sinaunang salaysay. Dito, sinusundan ng Gericault ang landas ni J.L David, na, upang makapagbigay ng imahe ng mga heroic pathos, binihisan ang kanyang mga bayani sa mga antigong anyo.

Kaagad pagkatapos isulat ang pagpipinta na ito, bumalik si Gericault sa Pransya, kung saan siya ay naging kasapi ng lupon ng oposisyon na nabuo sa paligid ng pintor na si Horace Vernet. Pagdating sa Paris, ang artista ay lalong interesado sa mga graphic. Noong 1818 lumikha siya ng isang bilang ng mga lithograph sa isang tema ng militar, bukod dito ang pinakamahalaga ay ang Return mula sa Russia. Inilalarawan ng lithograph ang natalo na mga sundalo ng hukbong Pranses na gumagala sa isang patlang na natakpan ng niyebe. Ang mga pigura ng mga tao na lumpo at pinahirapan ng giyera ay inilalarawan sa isang tulad ng buhay at totoong paraan. Ang komposisyon ay walang mga pathetics at heroic pathos, na tipikal sa mga unang gawa ng Gericault. Hangad ng pintor na ipakita ang totoong estado ng mga gawain, ang lahat ng mga kalamidad na iniwan ng mga sundalong Pransya ng kanilang kumander ay kailangang magtiis sa isang banyagang lupain.

Sa gawaing "Bumalik mula sa Russia", sa kauna-unahang pagkakataon, ang tema ng pakikibaka ng isang tao sa kamatayan ay tumunog. Gayunpaman, dito ang motibo na ito ay hindi pa naipahayag nang malinaw tulad ng sa susunod na mga gawa ng Gericault. Ang isang halimbawa ng mga nasabing canvases ay isang pagpipinta na tinatawag na "The Raft of the Medusa". Isinulat ito noong 1819 at ipinakita sa Paris Salon sa parehong taon. Inilalarawan ng canvas ang mga taong nakikipaglaban sa nagngangalit na elemento ng tubig. Ipinapakita ng artist hindi lamang ang kanilang pagdurusa at pagpapahirap, kundi pati na rin ang pagnanais na lumitaw tagumpay sa labanan na may kamatayan sa lahat ng mga paraan.

Ang balangkas ng komposisyon ay idinidikta ng isang kaganapan na naganap noong tag-init ng 1816 at kung saan nasasabik ang buong France. Ang noon ay bantog na frigate na "Medusa" ay lumipad sa mga reef at lumubog sa baybayin ng Africa. Sa 149 katao sa barko, 15 lamang ang nakatakas, bukod dito ang siruhano na si Savigny at ang engineer na si Correar. Pagdating sa kanilang bayan, naglathala sila ng isang maliit na libro na nagsasabi tungkol sa kanilang mga pakikipagsapalaran at kanilang masayang kaligtasan. Mula sa mga alaalang ito na nalaman ng Pranses na ang kasawian ay nangyari dahil sa kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan ng barko na sumakay salamat sa pagtangkilik ng isang marangal na kaibigan.

Ang mga imaheng nilikha ng Gericault ay hindi pangkaraniwan ng pabago-bago, kakayahang umangkop at nagpapahiwatig, na nakamit ng artist sa pamamagitan ng mahaba at masipag na gawain. Upang mailarawan nang totoo ang mga kakila-kilabot na kaganapan sa canvas, upang maiparating ang damdamin ng mga taong namamatay sa dagat, nakilala ng artist ang mga nakasaksi sa trahedya, sa loob ng mahabang panahon ay pinag-aaralan niya ang mukha ng mga payat na pasyente na ginagamot sa isa sa mga ospital sa Paris , pati na rin ang mga mandaragat na nagawang makatakas mula sa mga shipwrecks. Sa oras na ito, lumikha ang pintor ng isang malaking bilang ng mga gawa sa larawan.

Ang nagngangalit na dagat ay puno din ng malalim na kahulugan, na parang sinusubukang lunukin ang isang maruming kahoy na balsa sa mga tao. Ang imaheng ito ay lubos na nagpapahayag at pabago-bago. Siya, tulad ng mga pigura ng mga tao, ay isinulat mula sa kalikasan: ang artista ay gumawa ng maraming mga sketch na naglalarawan sa dagat habang may bagyo. Paggawa ng napakalaking komposisyon, higit sa isang beses lumingon si Gericault sa mga sketch na inihanda nang mas maaga upang ganap na maipakita ang kalikasan ng mga elemento. Iyon ang dahilan kung bakit ang larawan ay gumagawa ng isang malaking impression sa manonood, kinukumbinsi siya ng pagiging totoo at katotohanan ng mga nangyayari.

Ang Raft of Medusa ay nagtatanghal ng Gericault bilang isang kapansin-pansin na master ng komposisyon. Sa loob ng mahabang panahon, pinag-isipan ng artist kung paano ayusin ang mga numero sa larawan upang lubos na maipahayag ang hangarin ng may-akda. Sa kurso ng trabaho, maraming pagbabago ang nagawa. Ang mga sketch na nauna sa larawan ay nagpapahiwatig na sa una ay nais ng Gericault na ilarawan ang pakikibaka ng mga tao sa balsa sa bawat isa, ngunit kalaunan ay tumanggi sa naturang interpretasyon ng kaganapan. Sa huling bersyon, ang canvas ay kumakatawan sa sandali kung kailan desperado na ang mga tao na makita ang barkong "Argus" sa abot-tanaw at iunat ang kanilang mga kamay dito. Ang huling karagdagan sa larawan ay isang pigura ng tao na inilagay sa ibaba, sa kanang bahagi ng canvas. Siya ang pangwakas na paghawak ng komposisyon, na pagkatapos nito ay nakakuha ng malalim na kalunus-lunos na tauhan. Kapansin-pansin na ang pagbabagong ito ay nagawa nang ipakita ang pagpipinta sa Salon.

Sa pamamagitan ng pagiging monumento at pagtaas ng emosyonalidad, ang pagpipinta ni Gericault ay sa maraming paraan ay nakapagpapaalala ng paglikha ng mga Mataas na Renaissance masters (karamihan sa Huling Hatol ni Michelangelo), na nakilala ng artist sa kanyang paglalakbay sa Italya.

Ang pagpipinta na "The Raft of Medusa", na naging obra maestra ng pagpipinta ng Pransya, ay isang malaking tagumpay sa mga lupon ng oposisyon, na nakita dito isang salamin ng mga rebolusyonaryong mithiin. Para sa parehong mga kadahilanan, ang gawain ay hindi tinanggap sa mga pinakamataas na maharlika at opisyal na kinatawan ng fine arts ng Pransya. Iyon ang dahilan kung bakit sa oras na iyon ang pagpipinta ay hindi binili ng estado mula sa may-akda.

Nabigo sa pagtanggap na ibinigay sa kanyang nilikha sa kanyang sariling bayan, si Gericault ay nagtungo sa Inglatera, kung saan ipinakita niya ang kanyang paboritong gawain sa korte ng Britain. Sa London, tinanggap ng mga art connoisseur ang sikat na canvas na may labis na sigasig.

Si Gericault ay naging malapit sa mga artista sa Ingles na bumihag sa kanya sa kanilang kakayahang taos-puso at totoo na naglalarawan ng katotohanan. Si Gericault ay naglalaan ng isang ikot ng mga lithograph sa buhay at pang-araw-araw na buhay ng kabisera ng Inglatera, bukod dito ang pinaka-kagiliw-giliw na mga gawa na tumanggap ng mga pangalang "Great English Suite" (1821) at "Ang matandang pulubi na namamatay sa pintuan ng panaderya "(1821). Sa huli, ang artista ay naglalarawan ng isang London tramp, na kaninong imahe ang mga impression na natanggap ng pintor ay nasasalamin sa proseso ng pag-aaral ng buhay ng mga tao sa mga working-class na kapitbahayan ng lungsod.

Kasama sa parehong pag-ikot ang mga naturang lithograph tulad ng "The Blacksmith of Flanders" at "At the Gates of the Adelphin Shipyard", na ipinapakita sa manonood ng larawan ng buhay ng mga ordinaryong tao sa London. Kagiliw-giliw sa mga gawaing ito ang mga imahe ng mga kabayo, mabigat at sobra sa timbang. Malaki ang pagkakaiba nila sa mga kaaya-aya at kaaya-ayang mga hayop na ipininta ng iba pang mga artista - mga kapanahon ng Gericault.

Habang nasa kabisera ng Inglatera, ang Gericault ay nakikibahagi sa paglikha ng hindi lamang mga lithograph, kundi pati na rin ang mga kuwadro na gawa. Ang isa sa mga kapansin-pansin na gawa ng panahong ito ay ang canvas na "Mga Karera sa Epsom", na nilikha noong 1821. Sa larawan, ang artist ay naglalarawan ng mga kabayo na nagmamadali sa buong bilis, at ang kanilang mga paa ay hindi masyadong hinawakan ang lupa. Ginagamit ng master ang tusong pamamaraan na ito (pinatunayan ng litrato na ang mga kabayo ay hindi maaaring magkaroon ng ganoong posisyon ng kanilang mga binti habang tumatakbo, ito ang pantasya ng artist) upang mabigyan ang dynamism ng komposisyon, upang makalikha ng mabilis na paggalaw ng mga kabayo. sa manonood. Ang pandamdam na ito ay pinahusay ng tumpak na muling paggawa ng plasticity (pustura, kilos) ng mga figure ng tao, pati na rin ang paggamit ng maliwanag at mayamang kombinasyon ng kulay (pula, bay, puting kabayo; malalim na asul, madilim na pula, puting-asul at ginintuang -yellow jackets ng jockeys) ...

Ang tema ng karera ng kabayo, na matagal nang nakakuha ng atensyon ng pintor para sa espesyal na pagpapahayag nito, ay naulit nang higit sa isang beses sa mga gawaing nilikha ni Gericault matapos ang pagkumpleto ng gawain sa Horse Racing sa Epsom.

Pagsapit ng 1822 ay umalis na ang artista sa Inglatera at bumalik sa kanyang katutubong Pransya. Dito siya ay nakikibahagi sa paglikha ng malalaking canvases, katulad ng mga gawa ng mga masters ng Renaissance. Kabilang sa mga ito ay ang "Kalakal sa mga itim", "Pagbukas ng mga pintuan ng bilangguan ng Inkwisisyon sa Espanya." Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos - pinigilan ng kamatayan si Gericault na makumpleto ang trabaho.

Ang partikular na interes ay ang mga larawan, na ang paglikha nito ay maiugnay ng mga iskolar ng sining hanggang sa panahon mula 1822 hanggang 1823. Ang kasaysayan ng kanilang pagsulat ay nararapat na magkaroon ng espesyal na pansin. Ang katotohanan ay ang mga larawang ito ay kinomisyon ng isang kaibigan ng artist na nagtrabaho bilang isang psychiatrist sa isang klinika sa Paris. Sila ay dapat na maging isang uri ng mga guhit na nagpapakita ng iba`t ibang mga sakit sa isip ng isang tao. Ganito ipininta ang mga larawang "Crazy matandang babae", "Crazy", "Crazy, na iniisip ang kanyang sarili na isang kumander". Para sa master ng pagpipinta, mahalaga dito hindi gaanong maipakita ang panlabas na mga palatandaan at sintomas ng sakit, ngunit upang maiparating ang panloob, mental na estado ng isang taong may sakit. Sa mga canvases, lumilitaw ang mga nakalulungkot na imahe ng mga tao sa harap ng manonood, na ang mga mata ay puno ng sakit at kalungkutan.

Kabilang sa mga larawan ng Gericault, isang larawan ng isang Negro ang sumasakop sa isang espesyal na lugar, na kasalukuyang nasa koleksyon ng Rouen Museum. Ang isang mapagpasyang at matigas ang loob na tao ay tumitingin sa manonood mula sa canvas, handa na upang labanan hanggang sa huli na may mga puwersa na galit sa kanya. Ang imahe ay hindi pangkaraniwang maliwanag, emosyonal at nagpapahiwatig. Ang tao sa larawang ito ay halos kapareho ng mga malalakas na loob na bayani na ipinakita ni Gericault nang mas maaga sa malalaking komposisyon (halimbawa, sa canvas na "The Raft of Medusa").

Ang Gericault ay hindi lamang isang master ng pagpipinta, ngunit din isang mahusay na iskultor. Ang kanyang mga gawa sa art form na ito sa simula ng ika-19 na siglo ay ang mga unang halimbawa ng mga romantikong eskultura. Kabilang sa mga naturang akda, ang hindi karaniwang nagpapahayag na komposisyon na "Nymph at Satyr" ay partikular na interes. Ang mga imahe na nagyeyelong gumagalaw ay tumpak na naihatid ang pagiging plastic ng katawan ng tao.

Si Théodore Gericault ay namatay nang malungkot noong 1824 sa Paris, bumagsak habang nahuhulog mula sa isang kabayo. Ang kanyang maagang pagkamatay ay isang sorpresa sa lahat ng mga kapanahon ng sikat na artista.

Ang gawain ni Gericault ay minarkahan ang isang bagong yugto sa pagbuo ng pagpipinta hindi lamang sa Pransya, kundi pati na rin sa arte sa mundo - ang panahon ng romantikismo. Sa kanyang mga gawa, natalo ng master ang impluwensya ng mga tradisyong klasiko. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkulay at sumasalamin sa lahat ng pagkakaiba-iba ng natural na mundo. Ipinakikilala ang mga figure ng tao sa komposisyon, nagsusumikap ang artist na ibunyag ang panloob na damdamin at damdamin ng isang tao nang buong buo at malinaw hangga't maaari.

Matapos ang pagkamatay ni Gericault, ang mga tradisyon ng kanyang romantikong sining ay kinuha ng mas bata na kapanahon ng artist na si E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Si Ferdinand Victor Eugene Delacroix, ang bantog na Pranses na artista at graphic artist, ang kahalili ng mga tradisyon ng romantismo na umunlad sa gawain ng Gericault, ay ipinanganak noong 1798. Nang hindi natapos ang kanyang edukasyon sa Imperial Lyceum, noong 1815 ang Delacroix ay nagpatala sa pag-aaral ng ang tanyag na panginoon Guerin. Gayunpaman, ang mga masining na pamamaraan ng batang pintor ay hindi nakamit ang mga kinakailangan ng guro, samakatuwid, pitong taon na ang lumipas, iniwan siya ng binata.

Habang nag-aaral kasama si Guerin, ang Delacroix ay naglalaan ng maraming oras sa pag-aaral ng gawain ni David at ng mga masters ng pagpipinta ng Renaissance. Ang kultura ng unang panahon, ang mga tradisyon na sinundan din ni David, isinasaalang-alang niya ang pangunahing para sa pag-unlad ng sining sa mundo. Samakatuwid, ang mga ideal na ideyal para sa Delacroix ay ang mga gawa ng mga makata at nag-iisip ng Sinaunang Greece, kasama ng mga ito ang artist lalo na pinahahalagahan ang mga gawa nina Homer, Horace at Marcus Aurelius.

Ang mga unang gawa ng Delacroix ay hindi natapos na mga canvases, kung saan hinahangad ng batang pintor na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Gayunpaman, kulang sa kasanayan at karanasan ang artist upang lumikha ng isang nagpapahiwatig na pagpipinta.

Noong 1822 ipinakita ng Delacroix ang kanyang akda na pinamagatang Dante at Virgil sa Paris Salon. Ang canvas na ito, hindi pangkaraniwang emosyonal at maliwanag ang kulay, sa maraming paraan ay nakapagpapaalala ng gawa ni Gericault na "The Raft of the Medusa".

Makalipas ang dalawang taon, isa pang pagpipinta ni Delacroix - "The Massacre on Chios" ay ipinakita sa madla ng Salon. Nasa loob nito na ang matagal nang plano ng artista ay naisakatuparan upang maipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Ang pangkalahatang komposisyon ng larawan ay binubuo ng maraming bahagi, na bumubuo ng mga pangkat ng mga tao na magkakahiwalay na inilagay, ang bawat isa ay mayroong sariling dramatikong salungatan. Sa pangkalahatan, ang gawa ay nagbibigay ng impression ng isang malalim na trahedya. Ang pakiramdam ng pag-igting at dynamism ay pinahusay ng pagsasama ng makinis at matalim na mga linya na bumubuo sa mga numero ng mga character, na humantong sa isang pagbabago sa proporsyon ng taong itinatanghal ng artist. Gayunpaman, salamat dito na ang larawan ay nakakakuha ng isang makatotohanang tauhan at mahahalagang pagkumbinsi.

Ang malikhaing pamamaraan ni Delacroix, na buong ipinahayag sa "Massacre on Chios", ay malayo sa klasikong istilo na noon ay pinagtibay sa mga opisyal na bilog ng France at kabilang sa mga kinatawan ng fine arts. Samakatuwid, ang larawan ng batang artista ay sinalubong ng matitinding pagpuna sa Salon.

Sa kabila ng kabiguan, ang pintor ay mananatiling totoo sa kanyang ideyal. Noong 1827, isa pang akda ang lumitaw sa tema ng pakikibaka ng mga Greek people para sa kalayaan - "Greece on the ruins of Missolonghi." Ang pigura ng isang matigas at mapagmataas na babaeng Griyego, na nakalarawan sa canvas, dito ipinakilala ang hindi matagumpay na Greece.

Noong 1827, nakumpleto ng Delacroix ang dalawang akda na sumasalamin sa mga malikhaing paghahanap ng master sa larangan ng mga paraan at pamamaraan ng masining na pagpapahayag. Ito ang mga kuwadro na gawa ng "Kamatayan ng Sardanapalus" at "Marino Faliero". Sa una sa kanila, ang trahedya ng sitwasyon ay naihatid sa paggalaw ng mga tao na numero. Ang imahe lamang ni Sardanapalus mismo ang static at kalmado. Sa komposisyon na "Marino Faliero" ang pigura lamang ng pangunahing tauhan ang pabago-bago. Ang natitirang mga bayani ay tila na-freeze ng takot sa pag-iisip kung ano ang dapat mangyari.

Mga 20s. XIX siglo. Gumawa ang Delacroix ng maraming mga gawa, na ang mga balangkas ay kinuha mula sa mga tanyag na akdang pampanitikan. Noong 1825 ang artista ay bumisita sa Inglatera, ang tinubuang-bayan ni William Shakespeare. Sa parehong taon, sa ilalim ng impression ng paglalakbay na ito at ang trahedya ng sikat na manunugtog ng dula na Delacroix, ang lithograph na "Macbeth" ay ginawa. Sa panahon mula 1827 hanggang 1828 nilikha niya ang lithograph na "Faust", na nakatuon sa gawain ng parehong pangalan ni Goethe.

Kaugnay sa mga pangyayaring naganap sa Pransya noong 1830, ginanap ng Delacroix ang pagpipinta na "Liberty Leading the People." Ang Rebolusyonaryong Pransya ay ipinakita sa imahe ng isang bata, malakas na babae, nangingibabaw, mapagpasyahan at independyente, matapang na namumuno sa karamihan, kung saan ang mga pigura ng isang manggagawa, isang mag-aaral, isang sugatang sundalo, isang Parisian gamine ay tumayo (isang imaheng inaasahan Si Gavroche, na lumitaw kalaunan sa Les Miserables ni V. Hugo).

Ang gawaing ito ay kapansin-pansin na naiiba mula sa magkatulad na mga gawa ng iba pang mga artista, na interesado lamang sa makatotohanang paghahatid nito o sa kaganapang iyon. Ang mga canvase na nilikha ng Delacroix ay nailalarawan sa pamamagitan ng matataas na heroic pathos. Ang mga imahe ay nasa pangkalahatan na mga simbolo ng kalayaan at kalayaan ng mamamayang Pransya.

Sa pagdating ng kapangyarihan ni Louis Philippe - ang burgis na hari - kabayanihan at ang matayog na damdaming ipinangaral ni Delacroix, walang lugar sa modernong buhay. Noong 1831 ang artista ay nagsagawa ng isang paglalakbay sa mga bansang Africa. Binisita niya ang Tangier, Meknes, Oran at Algeria. Sa parehong oras, ang Delacroix ay bumibisita sa Espanya. Ang buhay ng Silangan ay literal na nakakaakit sa artist sa mabilis na daloy nito. Lumilikha siya ng mga sketch, guhit at isang hanay ng mga watercolor.

Ang pagbisita sa Morocco, ang mga pinturang Delacroix ay nagpapinta ng mga canvase na nakatuon sa Silangan. Ang mga kuwadro na kung saan ipinapakita ng artist ang mga karera o ang labanan ng mga Moorish horsemen ay hindi pangkaraniwang dinamiko at nagpapahayag. Kung ikukumpara sa kanila, ang komposisyon na "mga Algerian na kababaihan sa kanilang mga silid", na nilikha noong 1834, ay tila kalmado at static. Kulang ito ng mabilis na dynamism at tensyon na likas sa naunang mga gawa ng artist. Lumilitaw ang delacroix dito bilang isang master of color. Ang scheme ng kulay na ginamit ng pintor sa kabuuan nito ay sumasalamin ng maliwanag na pagkakaiba-iba ng paleta, na iniuugnay ng manonood sa mga kulay ng Silangan.

Ang parehong nakakarelaks at regularidad ay katangian ng pagpipinta na "Kasal ng mga Hudyo sa Morocco", na ipininta noong 1841. Ang mahiwagang oriental na kapaligiran ay nilikha dito salamat sa tumpak na pag-render ng artist ng pagka-orihinal ng pambansang interior. Ang komposisyon ay tila nakakagulat na pabago-bago: ipinapakita ng pintor kung paano umakyat ang mga tao sa hagdan at pumasok sa silid. Ang ilaw na pumapasok sa silid ay ginagawang makatotohanang at nakakumbinsi ang imahe.

Ang mga motibo ng oriental ay naroon pa rin sa mga gawa ng Delacroix ng mahabang panahon. Kaya, sa eksibisyon na inayos sa Salon noong 1847, mula sa anim na akdang ipinakita niya, lima ang nakatuon sa buhay at pang-araw-araw na buhay ng Silangan.

Noong 30-40s. Noong ika-19 na siglo, lumilitaw ang mga bagong tema sa akda ni Delacroix. Sa oras na ito, lumilikha ang master ng mga gawa ng mga makasaysayang tema. Kabilang sa mga ito, ang mga canvases na "protesta ni Mirabeau laban sa pagkasira ng pangkalahatang estado" at "Boissy d'Angla" ay nararapat na espesyal na pansin. Ang sketch ng huli, ipinakita noong 1831 sa Salon, ay isang malinaw na halimbawa ng mga komposisyon sa tema ng sikat na pag-aalsa.

Ang mga kuwadro na "Battle of Poitiers" (1830) at "Battle of Taibur" (1837) ay nakatuon sa paglalarawan ng mga tao. Ang dinamika ng labanan, ang paggalaw ng mga tao, ang kanilang galit, galit at pagdurusa ay ipinapakita dito na may lahat ng pagiging makatotohanan. Hinahangad ng artista na iparating ang mga emosyon at hilig ng isang tao na kinuha sa isang pagnanais na manalo sa lahat ng mga gastos. Ito ang mga pigura ng mga tao na siyang pangunahing sa paghahatid ng dramatikong katangian ng kaganapan.

Kadalasan sa mga gawa ng Delacroix, ang nagwagi at ang natalo ay mahigpit na tutol sa bawat isa. Makikita ito lalo na malinaw sa canvas na "Ang pagkunan ng mga krusador sa Constantinople", na isinulat noong 1840. Sa harapan ay isang pangkat ng mga tao, na sinunggaban ng kalungkutan. Sa likod ng mga ito ay isang kaaya-aya, kaakit-akit na tanawin. Mayroon ding mga numero ng mga nagwaging horsemen, na ang mabibigat na mga silhouette ay kaibahan sa mga nakalulungkot na pigura sa harapan.

Ang "The Taking of Constantinople by the Crusaders" ay nagtatanghal ng Delacroix bilang isang kapansin-pansin na colorist. Ang mga maliliwanag at mayamang kulay, gayunpaman, ay hindi nagpapahusay sa kalunus-lunos na simula, na ipinapakita ng mga nakalulungkot na pigura na matatagpuan malapit sa manonood. Sa kabaligtaran, ang mayamang paleta ay lumilikha ng pakiramdam ng isang pagdiriwang na gaganapin bilang paggalang sa mga nanalo.

Ang komposisyon na "Trajan's Justice", na nilikha noong parehong 1840, ay hindi gaanong makulay. Kinilala ng mga kasabay ng artist ang larawang ito bilang isa sa pinakamahusay sa lahat ng mga canvases ng pintor. Ang partikular na interes ay ang katunayan na sa kurso ng kanyang trabaho ang master ay eksperimento sa larangan ng kulay. Kahit na ang mga anino ay nakakakuha ng iba't ibang mga shade mula sa kanya. Ang lahat ng mga kulay ng komposisyon ay eksaktong tumutugma sa kalikasan. Ang pagpapatupad ng trabaho ay naunahan ng mahabang obserbasyon ng pintor ng mga pagbabago sa mga shade sa likas na katangian. Pinasok sila ng artista sa kanyang talaarawan. Pagkatapos, ayon sa mga talaan, kinumpirma ng mga siyentista na ang mga natuklasan na ginawa ng Delacroix sa larangan ng tonality ay ganap na naaayon sa teorya ng kulay na ipinanganak sa oras na iyon, ang nagtatag nito ay si E. Chevreuil. Bilang karagdagan, pinatunayan ng artist ang kanyang mga natuklasan gamit ang paleta na ginamit ng paaralan ng Venetian, na isang halimbawa ng kasanayan sa larawan para sa kanya.

Kabilang sa mga canvases ng Delacroix, ang mga larawan ay sumakop sa isang espesyal na lugar. Ang master ay bihirang lumingon sa ganitong uri. Pininturahan lamang niya ang mga taong nakilala niya ng mahabang panahon, na ang pag-unlad na espiritwal ay naganap sa harap ng artista. Samakatuwid, ang mga imahe sa mga larawan ay napaka nagpapahayag at malalim. Ito ang mga larawan ng Chopin at Georges Sand. Ang canvas, na nakatuon sa tanyag na manunulat (1834), ay naglalarawan ng isang marangal at matapang na babae na kinagigiliwan ang kanyang mga kapanahon. Ang larawan ni Chopin, ipininta apat na taon mamaya, noong 1838, ay kumakatawan sa patula at may kaluluwa na imahe ng mahusay na kompositor.

Ang isang kawili-wili at hindi karaniwang nagpapahiwatig na larawan ng sikat na violinist at kompositor na Paganini, na isinulat ni Delacroix noong 1831. Ang istilo ng musika ni Paganini ay sa maraming paraan na katulad sa pamamaraan ng pagpipinta ng pintor. Ang gawain ni Paganini ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong ekspresyon at matinding emosyonalidad na katangian ng mga gawa ng pintor.

Ang mga landscape ay sumakop sa isang maliit na lugar sa trabaho ng Delacroix. Gayunpaman, naging napakahalaga nila para sa pag-unlad ng pagpipinta ng Pransya sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga landscapes ng Delacroix ay minarkahan ng pagnanais na tumpak na maiparating ang ilaw at mailap na buhay ng kalikasan. Malinaw na mga halimbawa nito ay ang mga canvases na "Sky", kung saan ang pakiramdam ng dynamics ay nilikha salamat sa mga puting ulap na niyebe na lumulutang sa kalangitan, at "The Sea Visible from the Shores of Dieppe" (1854), kung saan ang pintor ay may dalubhasang nagpapahiwatig ang pag-gliding ng mga light sailing ship sa ibabaw ng dagat.

Noong 1833, nakatanggap ang artist ng isang utos mula sa hari ng Pransya na magpinta ng isang bulwagan sa Bourbon Palace. Ang gawain sa paglikha ng napakalaking gawain ay tumagal ng apat na taon. Kapag kinumpleto ang pagkakasunud-sunod, ang pintor ay ginagabayan lalo na ng ang katunayan na ang mga imahe ay lubos na simple at laconic, naiintindihan ng manonood.
Ang huling gawa ng Delacroix ay ang pagpipinta ng kapilya ng mga Holy Angels sa Church of Saint-Sulpice sa Paris. Isinasagawa ito sa panahon mula 1849 hanggang 1861. Gamit ang maliliwanag, mayamang kulay (kulay rosas, maningning na asul, lila, na nakalagay sa isang asul na asul at dilaw na kayumanggi na background), lumilikha ang artist ng isang masayang kalagayan sa mga komposisyon na gumagawa ng manonood pakiramdam masayang masaya. Ang tanawin, kasama sa pagpipinta na "The Expulsion of Iliodor from the Temple" bilang isang uri ng background, biswal na nagpapalawak ng espasyo ng komposisyon at ng kapilya. Sa kabilang banda, na parang sinusubukang bigyang-diin ang pagkasara ng puwang, ipinakilala ng Delacroix ang isang hagdanan at isang balustrade sa komposisyon. Ang mga numero ng mga taong inilagay sa likuran nito ay tila halos patag na mga silweta.

Si Eugene Delacroix ay namatay noong 1863 sa Paris.

Ang Delacroix ay ang pinaka-edukado sa mga pintor ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. Maraming mga paksa ng kanyang mga kuwadro na gawa ay kinuha mula sa mga akdang pampanitikan ng mga bantog na masters ng panulat. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay na kadalasang pininturahan ng artist ang kanyang mga character nang hindi gumagamit ng isang modelo. Sinubukan niyang magturo ng pareho sa kanyang mga tagasunod. Ayon sa Delacroix, ang pagpipinta ay isang bagay na mas kumplikado kaysa sa primitive na pagkopya ng mga linya. Naniniwala ang artista na ang sining ay pangunahing nakasalalay sa kakayahang ipahayag ang kalagayan at malikhaing hangarin ng master.

Ang Delacroix ay may-akda ng maraming mga gawaing panteorya sa mga isyu ng kulay, pamamaraan at istilo ng artist. Ang mga gawaing ito ay nagsilbing isang beacon para sa mga pintor ng kasunod na henerasyon sa kanilang paghahanap para sa kanilang sariling masining na paraan na ginamit upang lumikha ng mga komposisyon.

Romantismo Ang (Romanticism) ay isang ideolohikal at masining na kalakaran na lumitaw sa kultura ng Europa at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 siglo - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo, bilang isang reaksyon sa mga estetika ng klasismo. Orihinal na nabuo (1790s) sa pilosopiya at tula sa Alemanya, at kalaunan (1820s) kumalat sa England, France at iba pang mga bansa. Naunang natukoy niya ang huling pag-unlad ng sining, kahit na ang mga direksyon nito na sumalungat sa kanya.

Ang kalayaan sa pagpapahayag ng sarili, nadagdagan ang pansin sa indibidwal, natatanging katangian ng tao, pagiging natural, sinseridad at kaluwagan, na pumalit sa panggagaya ng mga klasikong modelo ng ika-18 siglo, ay naging bagong pamantayan sa sining. Tinanggihan ng mga Romantics ang rationalism at pagiging praktiko ng Enlightenment bilang mekanismo, impersonal, at artipisyal. Sa halip, unahin nila ang pagiging emosyonal ng pagpapahayag, inspirasyon.

Nararamdamang malaya mula sa bumababang sistema ng aristokratikong pamahalaan, pinagsikapan nilang ipahayag ang kanilang mga bagong pananaw, na isiniwalat nila ang katotohanan. Ang kanilang lugar sa lipunan ay nagbago. Natagpuan nila ang kanilang mga mambabasa sa gitna ng lumalaking gitnang uri, handa na suportahan ang emosyon at yumuko pa sa artist - isang henyo at isang propeta. Ang pagpipigil at kababaang-loob ay tinanggihan. Napalitan sila ng malalakas na emosyon, na kadalasang umaabot sa sobrang kalabisan.

Ang mga kabataan ay lalo na naiimpluwensyahan ng romantikismo, na natanggap ang pagkakataong mag-aral at magbasa ng maraming (na pinadali ng mabilis na pag-unlad ng pag-print). Siya ay inspirasyon ng mga ideya ng indibidwal na pag-unlad at pagpapabuti ng sarili, ang pag-idealize ng personal na kalayaan sa pananaw sa mundo, na sinamahan ng pagtanggi sa rationalism. Ang personal na pag-unlad ay inilagay sa itaas ng mga pamantayan ng isang walang kabuluhan at kumukupas na aristokratikong lipunan. Ang romantismo ng mga edukadong kabataan ay nagbago sa klase ng lipunan ng Europa, na minamarkahan ang simula ng paglitaw ng isang edukadong "gitnang uri" sa Europa. At ang larawan " Gumala sa dagat ng hamog na ulap"na may magandang kadahilanan ay maaaring tinatawag na isang simbolo ng panahon ng romantikismo sa Europa.

Ang ilang mga romantiko ay bumaling sa mahiwaga, nakakainit, kahit na kakila-kilabot, katutubong paniniwala, kwentong engkanto. Ang Romantismo ay bahagi na nauugnay sa demokratikong, pambansa at rebolusyonaryong kilusan, bagaman ang "klasikal" na kultura ng Rebolusyong Pransya ay talagang pinabagal ang pagdating ng Romantismo sa Pransya. Sa oras na ito, maraming kilusang pampanitikan ang lumitaw, ang pinakamahalaga sa mga ito ay "The Tempest and the Onslaught" sa Alemanya, primitivism sa France, na pinamumunuan ni Jean-Jacques Rousseau, isang nobelang gothic, interes sa kataas-taasang mga, balada at mga lumang pag-ibig ( mula sa kung saan, sa katunayan, mayroong term na "Romanticism"). Ang mapagkukunan ng inspirasyon para sa mga manunulat na Aleman, mga teoretista ng paaralan ng Jena (magkakapatid na Schlegel, Novalis at iba pa), na nagpahayag na sila ay romantiko, ay ang transendental na pilosopiya nina Kant at Fichte, na siyang naglalagay ng pangunahing posibilidad ng pag-iisip ng isip. Ang mga bagong ideya, salamat kay Coleridge, ay tumagos sa Inglatera at Pransya, at natukoy din ang pag-unlad ng transendentalism ng Amerika.

Kaya, nagsimula ang Romanticism bilang isang kilusang pampanitikan, ngunit nagkaroon ng isang makabuluhang epekto sa musika at mas mababa sa pagpipinta. Sa mga visual arts, napakalinaw na ipinamalas ng Romanticism ang sarili sa pagpipinta at graphics, mas mababa sa arkitektura. Noong ika-18 siglo, ang mga paboritong motibo ng mga artista ay ang mga tanawin ng bundok at mga magagandang lugar ng pagkasira. Ang mga pangunahing tampok nito ay ang dinamikong komposisyon, volumetric spatiality, mayamang kulay, chiaroscuro (halimbawa, ang mga gawa ni Turner, Gericault at Delacroix). Ang iba pang mga romantikong artista ay kasama sina Fuseli at Martin. Ang pagkamalikhain ng Pre-Raphaelites at ang neo-Gothic style sa arkitektura ay maaari ding makita bilang isang pagpapakita ng Romanticism.

Sanaysay ng pagsusulit

Paksa:"Romanticism bilang isang kalakaran sa sining".

Ginanap mag-aaral 11 "B" klase ng paaralan №3

Boyprav Anna

World Art Lecturer

kultura Butsu T.N.

Brest 2002

1. Panimula

2. Ang mga dahilan para sa paglitaw ng romantismo

3. Ang mga pangunahing tampok ng romantikismo

4. Romantikong bayani

5. Romantismo sa Russia

a) Panitikan

b) Pagpipinta

c) Musika

6. Romantikismo sa Kanlurang Europa

a) Pagpipinta

b) Musika

7. Konklusyon

8. Mga Sanggunian

1. PANIMULA

Kung titingnan mo ang paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso, mahahanap mo ang maraming kahulugan ng salitang "romantismo": 1. Ang kalakaran sa panitikan at sining ng unang isang-kapat ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa pag-ideyal ng nakaraan, paghihiwalay mula sa katotohanan, kulto ng pagkatao at tao. 2. Isang takbo sa panitikan at sining, na puno ng optimismo at pagnanais na ipakita sa matingkad na mga imahe ang mataas na layunin ng isang tao. 3. Kalaguan, napuno ng idealization ng realidad, mapangaraping pagninilay.

Tulad ng makikita mula sa kahulugan, ang romantismo ay isang hindi pangkaraniwang bagay na nagpapakita mismo hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, pananamit, pamumuhay, sikolohiya ng mga tao at lumitaw sa mga puntong nagbabago ng buhay, samakatuwid ang paksa ng romantikismo ay nauugnay ngayon. Nabubuhay tayo sa pagsisimula ng siglo, nasa isang hakbang na transisyonal tayo. Kaugnay nito, sa lipunan ay may kakulangan ng pananampalataya sa hinaharap, hindi paniniwala sa mga ideyal, mayroong pagnanais na makatakas mula sa nakapaligid na katotohanan patungo sa mundo ng sariling mga karanasan at sabay na maunawaan ito. Ang mga tampok na ito ay katangian ng romantikong sining. Iyon ang dahilan kung bakit pinili ko ang paksang "Romanticism bilang isang direksyon sa sining" para sa pagsasaliksik.

Ang Romanticism ay isang napakalaking layer ng iba't ibang mga uri ng sining. Ang layunin ng aking trabaho ay upang subaybayan ang mga kundisyon ng pinagmulan at ang mga dahilan para sa paglitaw ng romantismo sa iba't ibang mga bansa, upang siyasatin ang pagbuo ng romantismo sa ganoong mga uri ng sining tulad ng panitikan, pagpipinta at musika, at ihambing ang mga ito. Ang pangunahing gawain para sa akin ay upang i-highlight ang pangunahing mga tampok ng romantikismo, katangian ng lahat ng uri ng sining, upang matukoy kung anong impluwensyang ginawa ng romantismo sa pagbuo ng iba pang mga uso sa sining.

Kapag binubuo ang paksa, gumamit ako ng mga aklat-aralin sa sining ng mga may-akda tulad ng Filimonova, Vorotnikov, atbp., Encyclopedias, mga monograp na nakatuon sa iba't ibang mga may-akda ng panahon ng Romantikong, mga materyal na talambuhay ng mga may-akda tulad ng Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov, atbp.

2. Mga DAHIL SA ROMANSA

Mas malapit tayo sa modernidad, mas maikli ang mga tagal ng panahon para sa pangingibabaw ng isang partikular na istilo. Panahon ng oras ng pagtatapos ng ika-18 hanggang ika-1 ikatlo ng ika-19 na siglo. itinuturing na panahon ng romantikismo (mula sa Pranses Romantique; isang bagay na mahiwaga, kakaiba, hindi totoo)

Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng isang bagong estilo?

Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pagtaas ng kilusang pambansang kalayaan sa Europa.

Ang mga kulog ng Paris ay umalingawngaw sa buong Europa. Ang slogan na "Kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran!" Nagtataglay ng napakalaking kaakit-akit na puwersa para sa lahat ng mga mamamayang Europa. Sa pagbuo ng mga burges na lipunan, nagsimulang kumilos ang manggagawa sa klase laban sa pyudal na kaayusan bilang isang malayang puwersang. Ang sumasalungat na pakikibaka ng tatlong klase - ang maharlika, burgesya at proletariat - ang naging batayan ng makasaysayang pag-unlad noong ika-19 na siglo.

Ang kapalaran ni Napoleon at ang kanyang papel sa kasaysayan ng Europa sa loob ng 2 dekada, 1796-1815, ay sinakop ang isip ng kanyang mga kasabayan. "Ang namumuno ng mga saloobin" - sinabi ng A.S. Pushkin.

Para sa Pransya, ito ay mga taon ng kadakilaan at kaluwalhatian, kahit na ang gastos ng buhay ng libu-libong mga Pranses. Nakita ng Italya si Napoleon bilang tagapagpalaya nito. Ang mga Pol ay naka-pin sa kanya ng malaking pag-asa.

Si Napoleon ay kumilos bilang isang mananakop na kumikilos para sa interes ng burgis na Pransya. Para sa mga monarch ng Europa, hindi lamang siya kaaway ng militar, kundi isang kinatawan din ng dayuhan na mundo ng burgesya. Kinamumuhian nila siya. Sa simula ng Napoleonic wars sa kanyang "Great Army" maraming direktang mga kalahok sa rebolusyon.

Ang pagkatao ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga. Ang binatang si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:

Alien siya sa mundo. Lahat ng tungkol sa kanya ay sikreto

Isang araw ng pagtaas - at isang oras ng pagkahulog!

Ang sikretong ito ay nakakuha ng pansin ng mga romantiko.

Kaugnay ng mga giyera ng Napoleon at ang pagkahinog ng pambansang kamalayan sa sarili, ang panahong ito ay nailalarawan sa pagtaas ng kilusang pambansang kalayaan. Ang Alemanya, Austria, Espanya ay lumaban laban sa pananakop ng Napoleonic, Italya - laban sa pamatok ng Austrian, Greece - laban sa Turkey, sa Poland ay nakipaglaban sila laban sa Russian tsarism, Ireland - laban sa British.

Nasaksihan ng isang henerasyon ang isang nakakagulat na pagbabago.

Pinangunahan ng Pransya ang lahat: ang bagyo ng limang taon ng Rebolusyong Pransya, ang pagbangon at pagbagsak ni Robespierre, ang mga kampanya ng Napoleonic, ang unang pagdukot kay Napoleon, ang kanyang pagbabalik mula sa isla ng Elba ("isang daang araw") at ang pangwakas na

ang pagkatalo sa Waterloo, ang malungkot na ika-15 anibersaryo ng rehimeng panunumbalik, ang Rebolusyong Hulyo noong 1860, ang Rebolusyong Pebrero ng 1848 sa Paris, na nagsimula ng isang rebolusyonaryong alon sa ibang mga bansa.

Sa Inglatera, bilang isang resulta ng isang rebolusyong pang-industriya noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. matatag na naitatag ang paggawa ng makina at relasyon ng kapitalista. Ang repormasyong parliyamentaryo noong 1832 ay nalinis ang landas ng burgesya hanggang sa kapangyarihan ng estado.

Ang mga namumuno sa piyudal ay nanatili sa kapangyarihan sa mga lupain ng Alemanya at Austria. Matapos ang pagbagsak ng Napoleon, malupit silang nakitungo sa oposisyon. Ngunit kahit na sa lupa ng Aleman, isang lokomotibong singaw na dinala mula sa Inglatera noong 1831 ay naging isang kadahilanan sa pag-unlad ng burges.

Ang mga rebolusyong pang-industriya, mga rebolusyong pampulitika ang nagbago sa mukha ng Europa. "Ang burgesya, sa mas mababa sa isang daang taon ng pamamahala ng klase nito, ay lumikha ng mas maraming at mas dakilang produktibong puwersa kaysa sa lahat ng naunang henerasyon na pinagsama," isinulat ng mga siyentipikong Aleman na sina Marx at Engels noong 1848.

Kaya, ang Great French Revolution (1789-1794) ay minarkahan ang isang espesyal na milyahe na naghihiwalay sa bagong panahon mula sa edad ng Enlightenment. Binago hindi lamang ang mga anyo ng estado, ang istrukturang panlipunan ng lipunan, ang pag-aayos ng mga klase. Ang buong sistema ng mga representasyon, na nag-iilaw ng maraming siglo, ay inalog. Idolohikal na inihanda ng mga guro ang rebolusyon. Ngunit hindi nila napansin ang lahat ng mga kahihinatnan nito. Ang "kaharian ng pangangatuwiran" ay hindi naganap. Ang rebolusyon, na nagpahayag ng kalayaan ng indibidwal, ay nagbunga ng kautusang burgis, ang diwa ng pagkamukuha at pagkamakasarili. Ito ang batayan sa kasaysayan para sa pagpapaunlad ng kulturang pansining, na nagsulong ng isang bagong direksyon - romantismo.

3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANSA

Ang Romanticism bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang pansining ay isang kumplikado at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa, mayroon siyang isang malinaw na pambansang ekspresyon. Sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro, hindi madaling makahanap ng mga tampok na nagkakaisa sa Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.

Sinakop ng mga Romantiko ang iba`t ibang mga posisyon sa lipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may kanya-kanyang ideyal. Ngunit para sa lahat ng maraming panig at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok.

Ang pagkadismaya sa modernidad ay nagbunga ng isang espesyal interes sa nakaraan: sa pre-burgisong mga pormasyong panlipunan, sa patriarkal na sinaunang panahon. Maraming mga romantiko ang nailalarawan sa ideya na ang kaakit-akit na exoticism ng mga bansa sa timog at silangan - Italya, Espanya, Greece, Turkey - ay isang patula na kaibahan sa nakakainip na burgis na pang-araw-araw na buhay. Sa mga bansang ito, pagkatapos ay kaunti pa ring apektado ng sibilisasyon, ang mga romantiko ay naghahanap ng maliwanag, malakas na mga tauhan, isang orihinal, makulay na pamumuhay. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng maraming mga gawaing pangkasaysayan.

Sa pagsisikap na tumaas, tulad ng higit sa tuluyan ng buhay, upang palayain ang magkakaibang kakayahan ng indibidwal, upang mapalakas ang sarili sa pagkamalikhain, tinutulan ng mga romantiko ang gawing pormalisasyon ng sining at ang deretsong matalino na diskarte dito na likas sa klasismo . Galing silang lahat pagtanggi ng Enlightenment at rationalistic canons ng klasismo, kung saan nakuha ang malikhaing pagkukusa ng artist. At kung ang klasismo ay hinahati ang lahat sa isang tuwid na linya, sa masama at mabuti, sa itim at puti, kung gayon ang romantikismo ay hindi naghahati sa isang tuwid na linya. Ang klasismo ay isang sistema, ngunit ang romantikismo ay hindi. Itinulak ng romantismo ang pagsulong ng mga makabagong panahon mula sa klasismo hanggang sa sentimentalismo, na nagpapakita ng panloob na buhay ng isang tao na kasuwato ng malawak na mundo. At ang romantismo ay sumasalungat sa pagkakaisa sa panloob na mundo. Ito ay sa romantismo na nagsisimulang lumitaw ang tunay na psychologism.

Ang pangunahing gawain ng romantikismo ay imahe ng panloob na mundo, buhay espiritwal, at magagawa ito batay sa mga kwento, mistisismo, atbp. Kinakailangan upang ipakita ang kabalintunaan ng panloob na buhay na ito, ang kawalang-katwiran nito.

Sa kanilang mga imahinasyon, binago ng mga romantiko ang hindi magandang tingnan na katotohanan o napunta sa mundo ng kanilang mga karanasan. Ang agwat sa pagitan ng panaginip at katotohanan, ang pagtutol ng magandang kathang-isip sa layunin na katotohanan, ay nasa gitna ng buong romantikong kilusan.

Sa kauna-unahang pagkakataon, ang romantikismo ay nagdudulot ng problema sa wika ng sining. "Ang sining ay isang wika ng isang ganap na naiibang uri kaysa sa kalikasan; ngunit naglalaman din ito ng parehong milagrosong puwersa na tulad ng lihim at hindi maunawaan na nakakaapekto sa kaluluwa ng tao ”(Wackenroder at Thicke). Ang artista ay isang tagasalin ng wika ng kalikasan, isang tagapamagitan sa mundo ng espiritu at mga tao. "Salamat sa mga artista, ang sangkatauhan ay lumalabas bilang isang integral na sariling katangian. Ang mga artista, sa kasalukuyan, ay pinag-iisa ang nakaraang mundo sa hinaharap na mundo. Ang mga ito ang pinakamataas na organ na pang-espiritwal kung saan ang mahahalagang pwersa ng kanilang panlabas na sangkatauhan ay nagtagpo sa bawat isa, at kung saan ang panloob na sangkatauhan ay nagpapakita ng una sa lahat ”(F. Schlegel).

Nagmula ito sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ngunit umabot sa rurok nito noong 1830s. Mula sa simula ng 1850s, ang panahon ay nagsimulang tumanggi, ngunit ang mga thread nito ay umaabot hanggang sa buong ika-19 na siglo, na nagbibigay ng batayan para sa mga naturang kalakaran tulad ng simbolismo, pagkabulok at neo-romantikismo.

Ang pagtaas ng romantikong

Ang Europa, partikular ang Inglatera at Pransya, ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng direksyon, kaya't ang pangalan ng masining na direksyon na ito - "romantisme". Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng ang katunayan na ang romantismo ng ika-19 na siglo ay lumitaw bilang isang resulta ng Great French Revolution.

Nawasak ng rebolusyon ang lahat ng dating mayroon nang hierarchy, halo-halong lipunan at strata ng lipunan. Ang lalaki ay nagsimulang makaramdam ng pag-iisa at nagsimulang humingi ng aliw sa pagsusugal at iba pang libangan. Laban sa background na ito, lumitaw ang ideya na ang lahat ng buhay ay isang laro kung saan mayroong parehong mga nagwagi at natalo. Ang pangunahing tauhan ng bawat romantikong gawain ay isang taong naglalaro sa kapalaran, na may kapalaran.

Ano ang romantikismo

Ang romantismo ay ang lahat na mayroon lamang sa mga libro: hindi maintindihan, hindi kapani-paniwalang at kamangha-manghang mga phenomena, sa parehong oras na nauugnay sa pagpapahayag ng pagkatao sa pamamagitan ng espiritwal at malikhaing buhay. Kadalasan, ang mga pangyayaring nagbubukas laban sa background ng binibigkas na mga hilig, lahat ng mga bayani ay may binibigkas na mga character, madalas silang pinagkalooban ng isang mapanghimagsik na espiritu.

Ang mga manunulat ng panahon ng romantikismo ay binibigyang diin na ang pangunahing halaga sa buhay ay ang pagkatao ng isang tao. Ang bawat tao ay isang hiwalay na mundo na puno ng kamangha-manghang kagandahan. Ito ay mula roon na ang lahat ng inspirasyon at matayog na damdamin ay iginuhit, at lilitaw din ang isang pagkahilig patungo sa pagiging perpekto.

Ayon sa mga nobelista, ang ideyal ay isang ephemeral na konsepto, ngunit gayunpaman mayroon itong karapatang umiral. Ang perpekto ay lampas sa hangganan ng lahat ng bagay na karaniwan, samakatuwid ang pangunahing tauhan at ang kanyang mga ideya ay direktang tutol sa pang-araw-araw na relasyon at mga materyal na bagay.

Mga natatanging tampok

Ang mga kakaibang katangian ng romantismo ay tulad ng nasa pangunahing mga ideya at salungatan.

Ang pangunahing ideya ng halos bawat piraso ay ang patuloy na paggalaw ng bayani sa pisikal na puwang. Ang katotohanang ito, tulad nito, ay sumasalamin ng pagkalito ng kaluluwa, ang kanyang patuloy na dumadaloy na mga pagsasalamin at, kasabay nito, ang mga pagbabago sa mundo sa paligid niya.

Tulad ng maraming mga kilusang pansining, ang romantikismo ay may sariling mga salungatan. Dito ang buong konsepto ay batay sa kumplikadong ugnayan ng bida sa labas ng mundo. Napaka-egocentric niya at sabay na maghimagsik laban sa base, bulgar, materyal na mga bagay ng katotohanan, na sa isang paraan o iba pa ay nagpapakita ng sarili sa mga aksyon, saloobin at ideya ng tauhan. Ang mga sumusunod na halimbawa ng pampanitikang romantikismo ay malinaw na ipinahayag sa bagay na ito: Childe Harold - ang pangunahing tauhan mula sa "Childe Harold's Pilgrimage" nina Byron at Pechorin - mula sa "A Hero of Our Time" ni Lermontov.

Kung gagawin nating pangkalahatan ang lahat ng nasa itaas, lumalabas na ang batayan ng anumang naturang gawain ay ang agwat sa pagitan ng katotohanan at ng ideyalisadong mundo, na may napakatalas na mga gilid.

Romantismo sa panitikan sa Europa

Ang romantikong Europa ng ika-19 na siglo ay kapansin-pansin para sa katotohanang ang karamihan sa mga gawa nito ay may kamangha-manghang batayan. Ang mga ito ay maraming mga kamangha-manghang alamat, maikling kwento at kwento.

Ang mga pangunahing bansa kung saan ang romantikismo bilang isang trend sa panitikan ay nagpapakita ng sarili nitong pinaka-malinaw na Pransya, Inglatera at Alemanya.

Ang artistikong kababalaghan na ito ay may maraming mga yugto:

1. 1801-1815 taon. Ang simula ng pagbuo ng mga romantikong aesthetics.
2. 1815-1830 taon. Ang pagbuo at pamumulaklak ng kasalukuyang, ang kahulugan ng pangunahing postulate ng direksyon na ito.
3. 1830-1848 taon. Ang romantismo ay tumatagal ng higit pang mga pormang panlipunan.

Ang bawat isa sa mga nabanggit na bansa ay gumawa ng sarili nitong, espesyal na kontribusyon sa pagpapaunlad ng kultural na kababalaghang ito. Sa Pransya, ang romantikong ay may higit na mga pampulitika, ang mga manunulat ay pagalit sa bagong burgesya. Ang lipunang ito, ayon sa mga pinuno ng Pransya, sinira ang integridad ng indibidwal, ang kagandahan at kalayaan ng espiritu.

Sa mga alamat sa English, ang romantismo ay umiiral nang mahabang panahon, ngunit hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo ay hindi ito natatangi bilang isang hiwalay na kilusang pampanitikan. Ang mga gawaing Ingles, hindi katulad ng mga Pranses, ay puno ng Gothic, relihiyon, pambansang alamat, kultura ng mga magsasaka at mga lipunan ng mga manggagawa (kabilang ang mga ispiritwal). Bilang karagdagan, ang prosa at lyrics ng Ingles ay puno ng mga paglalakbay sa malalayong lupain at paggalugad ng mga banyagang lupain.

Sa Alemanya, ang romantismo bilang isang kilusang pampanitikan ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng idealistang pilosopiya. Ang mga pundasyon ay sariling katangian at pinahihirapan ng piyudalismo, pati na rin ang pang-unawa sa uniberso bilang isang solong sistema ng pamumuhay. Halos bawat gawaing Aleman ay natatakpan ng mga pagmuni-muni sa pagkakaroon ng tao at ng buhay ng kanyang espiritu.

Europa: mga halimbawa ng mga gawa

Ang mga sumusunod na akdang pampanitikan ay itinuturing na pinaka-kapansin-pansin na mga gawa sa Europa sa diwa ng romantikismo:

Tratuhin ang "Genius of Christianity", mga kwentong "Atala" at "Rene" ni Chateaubriand;

Ang mga nobelang "Dolphin", "Corinna, o Italya" ni Germaine de Stael;

Ang nobelang "Adolphe" ni Benjamin Constant;

Ang nobelang "Mga Kumpisal ng Anak ng Siglo" ni Musset;

Ang nobelang "Saint-Mar" ni Vigny;

Manifesto "Pauna" sa akdang "Cromwell", nobelang "Notre Dame Cathedral" ni Hugo;

Ang drama na "Henry III at His Court", isang serye ng mga nobela tungkol sa Musketeers, "The Count of Monte Cristo" at "Queen Margot" ni Dumas;

Ang mga nobelang Indiana, The Wandering Apprentice, Horace, Consuelo ni Georges Sand;

Manifesto na "Racine at Shakespeare" ni Stendhal;

Mga tula ni Coleridge na The Old Sailor at Christabel;

- "Oriental Poems" at "Manfred" ni Byron;

Mga Nakolektang Gawa ng Balzac;

Ang nobelang "Ivanhoe" ni Walter Scott;

Ang fairy tale na "Hyacinth at the Rose", ang nobelang "Heinrich von Ofterdingen" ni Novalis;

Mga koleksyon ng mga maiikling kwento, engkanto at nobela ni Hoffmann.

Romantismo sa panitikan ng Russia

Ang romantikong Ruso ng ika-19 na siglo ay isinilang sa ilalim ng direktang impluwensiya ng panitikang Kanlurang Europa. Gayunpaman, sa kabila nito, mayroon itong sariling mga tampok na katangian, na sinusubaybayan kahit na sa mga nakaraang panahon.

Ang masining na kababalaghang ito sa Russia ay ganap na sumasalamin sa lahat ng poot ng mga pinuno at rebolusyonaryo sa naghaharing burgesya, lalo na, sa pamumuhay nito - walang pigil, imoral at malupit. Ang romantikong Ruso ng ika-19 na siglo ay isang direktang resulta ng mapanghimagsik na damdamin at pag-asa ng mga puntong lumiliko sa kasaysayan ng bansa.

Sa panitikan ng panahong iyon, mayroong dalawang direksyon: sikolohikal at sibil. Ang una ay batay sa paglalarawan at pagsusuri ng mga damdamin at karanasan, ang pangalawa - sa propaganda ng pakikibaka laban sa modernong lipunan. Ang pangkalahatan at pangunahing ideya ng lahat ng mga nobelista ay ang isang makata o manunulat na dapat kumilos ayon sa mga ideyal na inilarawan niya sa kanyang mga gawa.

Russia: mga halimbawa ng mga gawa

Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ng romantikismo sa panitikan ng Russia ng siglong XIX ay:

Mga Nobela na "Ondine", "Prisoner of Chillon", mga ballad na "Forest Tsar", "Fisherman", "Lenora" ni Zhukovsky;

Gumagawa ng "Eugene Onegin", "The Queen of Spades" ni Pushkin;

- "The Night Before Christmas" ni Gogol;

- "Isang Bayani ng Ating Panahon" ni Lermontov.

Romantismo sa Panitikang Amerikano

Sa Amerika, ang direksyon ay nakatanggap ng kaunting pag-unlad: ang paunang yugto nito ay nagsimula pa noong 1820-1830, ang kasunod na isa - 1840-1860 taon ng XIX siglo. Ang parehong yugto ay natatanging naiimpluwensyahan ng kaguluhan sa sibil kapwa sa Pransya (na nagsilbing lakas para sa paglikha ng Estados Unidos), at direkta sa Amerika mismo (ang giyera para sa kalayaan mula sa Inglatera at giyera sa pagitan ng Hilaga at Timog).

Ang mga masining na uso sa American Romanticism ay kinakatawan ng dalawang uri: ang abolitionist, na nagtataguyod ng paglaya mula sa pagka-alipin, at ng oriental, na pinakahusay na plantasyon.

Ang panitikang Amerikano sa panahong ito ay batay sa muling pag-iisip ng kaalaman at mga genre na nakuha mula sa Europa at halo-halong isang kakaibang paraan ng pamumuhay at tulin ng buhay sa isang bago pa at hindi kilalang kontinente. Ang mga gawaing Amerikano ay mayaman na may lasa sa mga pambansang intonasyon, isang pakiramdam ng kalayaan at pakikibaka para sa kalayaan.

Romantikong Amerikano. Mga halimbawa ng gawa

Ikot ng "Alhambra", mga kwentong "The Ghost Groom", "Rip Van Winkle" at "The Legend of Sleepy Hollow" ni Washington Irving;

Ang Huling ng Mohicans ni Fenimore Cooper;

Ang tulang "The Crow", ang mga kwentong "Ligeia", "The Golden Beetle", "The Fall of the House of Usher" at iba pa ni E. Alan Poe;

Ang mga nobelang "The Scarlet Letter" at "The House of Seven Gables" ni Gorton;

Mga nobela ni Melville na Typee at Moby Dick;

Kabin ni Tiyo Tom ni Harriet Beecher Stowe;

Makata na iniakma ang mga alamat ng "Evangeline", "Song of Hiawatha", "The Courtship of Miles Standish" ni Longfellow;

Koleksyon ng Dahon ng Grass ni Whitman;

Komposisyon "Babae sa Labing siyam na Siglo" ni Margaret Fuller.

Ang Romanticism bilang isang kilusang pampanitikan ay may isang malakas na impluwensya sa musikal, theatrical art at pagpipinta - sapat na upang maalala ang maraming mga pagtatanghal at mga kuwadro na gawa ng mga panahong iyon. Ito ay pangunahin na naganap dahil sa naturang mga katangian ng direksyon tulad ng mataas na Aestetika at pagiging emosyonal, kabayanihan at bongga, chivalry, ideyalisasyon at humanismo. Sa kabila ng katotohanang ang siglo ng romantismo ay sapat na maikli, hindi ito nakakaapekto sa kahit na anong katanyagan ng mga librong isinulat noong ika-19 na siglo, sa mga susunod na dekada - ang mga likhang sining ng panitikan sa panahong iyon ay minamahal at iginagalang ng publiko dito araw