Живопись - едва ли не самый древний вид искусства. Еще в первобытную эпоху на стенах пещер наши предки делали изображения людей и животных. Это первые примеры живописи. С тех пор данный вид искусства неизменно оставался спутником человеческой жизни. Примеры живописи на сегодняшний день многочисленны и разнообразны. Мы попытаемся максимально охватить этот вид искусства, рассказать об основных жанрах, стилях, направлениях и техниках в нем.

Техники живописи

Рассмотрим для начала основные техники живописи. Одной из самых распространенных является масло . Это техника, в которой применяются краски, созданные на масляной основе. Эти краски наносятся мазками. С помощью них можно создать многообразие различных оттенков, а также передать с максимальным реализмом необходимые образы.

Темпера - еще одна популярная техника. О ней идет речь, когда применяются краски-эмульсии. Связующим веществом в этих красках является яйцо или вода.

Гуашь - техника, широко используемая в графике. Краска гуашь делается на клеевой основе. Ее можно использовать для работы на картоне, бумаге, кости или шелке. Изображение долговечно, а линии получаются четкими. Пастель - это техника рисования сухими карандашами, при этом поверхность должна быть шероховатой. И, конечно, стоит сказать и об акварели. Эту краску обычно разводят водой. Мягкий и тонкий красочный слой получается при использовании этой техники. Особенно популярны Конечно, мы перечислили лишь основные техники, которые используются в живописи чаще всего. Есть и другие.

На чем обычно пишутся картины? Наиболее популярна живопись на холсте. Его натягивают на раму или клеят на картон. Отметим, что в прошлом довольно часто использовались деревянные доски. Сегодня популярна не только живопись на холсте, могут применяться для создания изображения и любые другие плоские материалы.

Типы живописи

Можно выделить 2 основных ее типа: станковая и монументальная живопись. Последняя связана с архитектурой. К этому типу относятся росписи потолков и стен зданий, украшение их выполненными из мозаики или других материалов изображениями, витражи и прочее. Станковая живопись с конкретным зданием не связана. Ее можно перенести с места на место. В станковой живописи выделяется множество разновидностей (иначе их называют жанрами). Остановимся на них подробнее.

Жанры живописи

Слово "жанр" по происхождению французское. Оно переводится как "род", "вид". То есть под именем жанра выступает содержание некоторого рода, и, произнося его название, мы понимаем, о чем же картина, что мы найдем в ней: человека, природу, животное, предметы и т.д.

Портрет

Наиболее древним жанром живописи является портрет. Это изображение человека, который похож лишь на самого себя и больше ни на кого. Другими словами, портрет - изображение в живописи индивидуального облика, так как индивидуальным лицом обладает каждый из нас. Этот жанр живописи имеет свои разновидности. Портрет может быть в рост, погрудный или же пишут только одно лицо. Отметим, что не любое изображение человека является портретом, так как художник может создать, например, "человека вообще", не списывая его ни с кого. Однако когда он изображает конкретного представителя человеческого рода, то работает именно над портретом. Стоит ли говорить о том, что примеры живописи этого жанра многочисленны. Но представленный ниже портрет знает практически каждый житель нашей страны. Речь идет об изображении А. С. Пушкина, созданном в 1827 году Кипренским.

К этому жанру можно добавить также автопортрет. В этом случае художник изображает самого себя. Существует парный портрет, когда на картине - люди в паре; и групповой портрет, когда изображается группа лиц. Можно отметить также парадный портрет, разновидность которого - конный, один из наиболее торжественных. Он был очень популярен в прошлом, но сейчас редко встречаются такие работы. Однако следующий жанр, о котором мы поговорим, актуален в любое время. О чем же идет речь? Об этом можно догадаться, перебрав жанры, которые мы еще не назвали, характеризуя живопись. Натюрморт - один из них. Именно о нем мы сейчас поговорим, продолжая рассматривать живопись.

Натюрморт

Это слово также имеет французское происхождение, означает оно "мертвая натура", хотя по смыслу точнее будет "неживая натура". Натюрморт - изображение неодушевленных предметов. Они отличаются большим разнообразием. Отметим, что натюрморты могут изображать также и "живую натуру": затихших на лепестках бабочек, прекрасные цветы, птиц, а иногда среди даров природы можно заметить и человека. Однако это все-таки будет натюрморт, поскольку изображение живого - не самое важное для художника в этом случае.

Пейзаж

Пейзаж - еще одно французское слово, означающее в переводе "вид страны". Оно аналогично немецкому понятию "ландшафт". Пейзаж - это изображение природы в ее разнообразии. К этому жанру присоединяются следующие разновидности: архитектурный пейзаж и весьма популярный морской пейзаж, который называют чаще одним словом "марина", а работающие в нем художники именуются маринистами. Многочисленные примеры живописи в жанре морского пейзажа можно найти в творчестве И. К. Айвазовского. Один из них - "Радуга" 1873 года.

Эта картина написана маслом и сложна в исполнении. А вот пейзажи акварелью создавать совсем несложно, поэтому в школе на уроках рисования это задание давалось каждому из нас.

Анималистический жанр

Следующий жанр - анималистический. Здесь все просто - это изображение птиц и животных в природе, в естественной среде.

Бытовой жанр

Бытовой жанр представляет собой изображение сцен из жизни, быта, забавных "происшествий", домашней жизни и историй обыкновенных людей в обыкновенной среде. А можно обойтись и без историй - просто запечатлевать будничные занятия и дела. Такие картины иногда именуют жанровой живописью. В качестве примера приведем представленную выше работу Ван Гога "Едоки картофеля" (1885 год).

Исторический жанр

Темы живописи разнообразны, однако отдельно выделяется исторический жанр. Это изображение исторических героев и событий. Батальный жанр примыкает к нему, в нем представлены эпизоды войны, битвы.

Религиозный и мифологический жанр

В мифологическом жанре написаны произведения живописи на темы старинных и древних сказаний о богах и героях. Нужно отметить, что изображение носит светский характер, и этим оно отличается от изображений божеств, представленных на иконе. К слову сказать, религиозная живопись - это не только иконы. Она объединяет различные работы, написанные на религиозные сюжеты.

Столкновение жанров

Чем богаче содержание жанра, тем больше возникает его "спутников". Жанры могут сливаться, поэтому существует живопись, которую вообще нельзя уложить в рамки какого-либо из них. В искусстве есть как общее (техники, жанры, стили), так и индивидуальное (взятое в отдельности конкретное произведение). Отдельная картина несет в себе и нечто общее. Поэтому у многих художников может быть один жанр, но написанные в нем картины никогда не похожи. Такие особенности имеет культура живописи.

Стиль

Стиль в является аспектом визуального восприятия картин. В него можно объединять работы одного художника либо работы художников определенного периода, направления, школы, местности.

Академическая живопись и реализм

Живопись академическая - это особое направление, формирование которого связано с деятельностью академий художеств Европы. Оно появилось в 16 веке в Болонской академии, выходцы из которой стремились подражать мастерам Возрождения. С 16 века методы обучения живописи стали основываться на строгом соблюдении правил и норм, следовании формальным образцам. художеств в Париже считалась одной из наиболее влиятельных в Европе. Она пропагандировала эстетику классицизма, господствовавшего во Франции в 17 веке. Парижская академия? способствовав систематизации образования, постепенно превратила правила классического направления в догму. Так академическая живопись стала особым направлением. В 19 веке одними из самых видных проявлений академизма стали работы Ж. Л. Жерома, Александра Кабаннеля, Ж. Энгра. Классические каноны только на рубеже 19-20 веков были заменены реалистическими. Именно реализм становится в начале 20 века базовым методом обучения в академиях, превращается в догматическую систему.

Барокко

Барокко - стиль и эпоха искусства, для которых характерна аристократичность, контрастность, динамичность образов, простые детали при изображении изобилия, напряжения, драмы, роскошь, слияние реальности и иллюзии. Этот стиль появился в Италии в 1600 году и распространился по всей Европе. Караваджо и Рубенс являются самыми яркими его представителями. Барокко нередко сравнивают с экспрессионизмом, однако, в отличие от последнего, ему не присущи слишком отталкивающие эффекты. Произведения живописи этого стиля сегодня характеризуются сложностью линий и изобилием орнаментов.

Кубизм

Кубизм - это зародившееся в 20 веке авангардное направление искусства. Создателем его является Пабло Пикассо. Кубизм произвел настоящую революцию в скульптуре и живописи Европы, вдохновив на создание похожих направлений в архитектуре, литературе, музыке. Художественная живопись в этом стиле характеризуется перекомбинированными, ломанными предметами, имеющими абстрактную форму. При их изображении используется множество точек зрения.

Экспрессионизм

Экспрессионизм - еще одно важное направление современного искусства, появившееся в Германии в первой половине 20 в. Сначала оно охватывало только поэзию и живопись, а затем распространилось и на другие области искусства.

Экспрессионисты изображают мир субъективно, искажая реальность для создания большего эмоционального эффекта. Их цель - заставить задуматься зрителя. Выражение в экспрессионизме преобладает над изображением. Можно отметить, что для многих работ характерны мотивы мучений, боли, страданий, крика (работа Эдварда Мунка, представленная выше, так и называется - "Крик"). Художников-экспрессионистов совсем не интересует материальная реальность, их картины наполнены глубоким смыслом и эмоциональными переживаниями.

Импрессионизм

Импрессионизм - направление живописи, нацеленное в основном на работу на пленэре (открытом воздухе), а не в студии. Оно обязано своим названием картине "Впечатление, Восход солнца" Клода Моне, которая представлена на фото ниже.

Слово "впечатление" на английском языке - impression. Импрессионистические картины передают в первую очередь световое ощущение художника. Основные особенности живописи в этом стиле следующие: еле видимые, тонкие мазки; изменение освещения, точно переданное (внимание зачастую акцентировано на эффекте течения времени); открытая композиция; простая общая цель; движение как ключевой элемент опыта и восприятия человека. Самыми яркими представителями такого направления, как импрессионизм, являются Эдгар Дега, Клод Моне, Пьер Ренуар.

Модернизм

Следующее направление - модернизм, зародившийся как совокупность тенденций в различных сферах искусства в конце 19 и начале 20 в. Парижский "Салон отверженных" был открыт в 1863 году. Здесь выставлялись художники, картины которых не допускались в официальный салон. Эту дату можно считать датой возникновения модернизма как отдельного направления в искусстве. Иначе модернизм называют иногда "иным искусством". Его цель - создание уникальных картин, не похожих на другие. Главная черта работ - особенное видение мира автором.

Художники в своем творчестве восстали против ценностей реализма. Самосознание является яркой характеристикой данного направления. Это часто приводит к экспериментам с формой, а также к склонности к абстракции. Используемым материалам и процессу работы представители модернизма уделяют особое внимание. Одними из самых ярких его представителей считаются Генри Матисс (его работа "Красная комната" 1908 года представлена выше) и Пабло Пикассо.

Неоклассицизм

Неоклассицизм - главное направление живописи в Северной Европе с середины 18 века и до конца 19-го. Для него характерно возвращение к особенностям античного Возрождения и даже времен классицизма. В архитектурном, артистическом и культурном смыслах неоклассицизм появился как ответ рококо, воспринимавшемуся как неглубокий и вычурный стиль искусства. Художники-неоклассицисты, благодаря хорошим знаниям церковных законов, старались вводить каноны в свои работы. Однако они избегали простого воспроизведения классических мотивов и тем. Художники-неоклассицисты пытались поместить свою картину в рамки традиции и продемонстрировать таким образом мастерство владения жанром. Неоклассицизм в этом отношении прямо противопоставлен модернизму, где достоинствами считаются импровизация и самовыражение. К самым известным его представителям относятся Николя Пуссен, Рафаэль.

Поп-арт

Последнее направление, которое мы рассмотрим, - поп-арт. Он появился в Британии в середине 50-х годов прошлого века, а в конце 50-х - и в Америке. Поп-арт, как считается, зародился как реакция на идеи абстрактного экспрессионизма, доминировавшие в то время. Говоря об этом направлении, невозможно не упомянуть В 2009 году "Восемь Элвисов", одна из его картин, была продана за 100 млн долларов.

Испокон веков человек стремится к совершенству, ища гармонию в мире, который его окружает. Находя прекрасное, он пытается отыскать способ, чтобы сохранить эту красоту и донести ее до своих потомков. Изобразительное искусство - один из немногих методов, изобретенных человеком еще в первобытные времена. Тогда древние люди рисовали на скалах и стенах пещер, изображая сцены жизни своего народа. Именно так в первобытном обществе начало зарождаться искусство живописи. Со временем художники научились использовать разнообразные средства и методы рисования. Появлялись новые жанры и виды живописи. Передавая накопленные знания и опыт из поколения в поколение, люди сумели сохранить картину мира в первозданном виде. И сегодня мы имеем возможность любоваться всеми частями света, разглядывая произведения художников разных эпох.

Отличие от других видов изобразительного искусства

Живопись, в отличие от иных способов передачи зрительных образов, выполняется нанесением краски на холст, бумагу или иную поверхность. Этот вид изобразительного искусства имеет необычный художественный стиль выражения. Художник, играя с воображением и оттенками красок, способен подать зрителю не просто отображение видимого мира, но, добавив от себя свежие образы, передать свое видение и подчеркнуть что-то новое и необычное.

Виды живописи и их краткая характеристика

Этот вид искусства характеризуется в зависимости от того, какие краски и материал используются. Различают разнообразные техники и виды живописи. Существует 5 основных разновидностей: миниатюрная, станковая, монументальная, театрально-декорационная и декоративная.

Миниатюрная живопись

Она начала развиваться еще до изобретения книгопечатания, в средние века. В то время существовали рукописные книги, которые мастера искусства украшали тонко прорисованными заставками и концовками, а также оформляли тексты красочными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине 19-го века миниатюрную живопись использовали для создания маленьких портретов. Для этого художники предпочитали акварельные краски, потому что благодаря чистым и глубоким цветам и их сочетаниям портреты приобретали особое изящество и благородство.

Станковая живопись

Такое искусство живописи получило свое название благодаря тому, что картины выполняются с использованием мольберта, т. е. станка. Полотна пишутся чаще всего на холсте, который натягивается на подрамник. Также в качестве материальной основы могут быть применены и бумага, и картон, и дерево. Картина, написанная на мольберте, является полностью самостоятельным произведением. На ней могут изображать как вымышленное художником, так и фактическое во всех проявлениях. Это могут быть как неодушевленные предметы, так и люди, как современность, так и исторические события.

Монументальная живопись

Этот вид изобразительного искусства представляет собой живописные творения крупных масштабов. Монументальную живопись используют для украшения потолков и стен зданий, а также разнообразных строительных сооружений. С помощью нее художники выявляют значительные социальные и исторические события, влияющие на развитие общества и содействующие формированию людей в духе прогресса, патриотизма и гуманности.

Театрально-декорационная живопись

Данный вид используется для грима, бутафорий, украшения костюмов и декораций, помогающих раскрыть сюжет спектакля. Костюмы, грим и декорации выполняются по эскизам художника, который стремится передать стиль эпохи, социальное положение и персональный характер персонажей.

Декоративная живопись

Под ней подразумевается украшение интерьера и зданий, используя красочные панно, с помощью которых создается зрительное увеличение или уменьшение размера комнаты, иллюзия прорыва стены и т. п.

Живопись в России

Мы перечислили основные виды живописи, различающиеся особенностью использования живописцем материала для творчества. Теперь поговорим об особенностях этого вида искусства, присущих нашей стране. Россия во все времена славилась своими обширными просторами с богатой флорой и фауной. И каждый художник стремился запечатлеть на холсте всю красоту природы и передать зрителю великолепие образы.

Разнообразные виды пейзажей в живописи можно наблюдать на полотнах знаменитых творцов. Каждый из них, используя свою технику, старался передать зрителю собственные эмоции и собственное видение. Русская живопись прославлена такими мастерами, как Левитан, Шишкин, Саврасов, Айвазовский и многие другие. Для написания своих знаменитых картин они использовали разные техники. И точно так же, как разнообразны внутренние миры мастеров живописи, так и многогранны в конечном итоге их творения и эмоции, вызываемые у зрителей. Самые искренние и глубокие чувства порождают знаменитые произведения наших живописцев.

Так, например, «Утро в сосновом бору» Шишкина наполняет нас утонченным светом и дарит спокойствие. Мы словно чувствуем утренний свежий воздух, погружаясь в хвойную атмосферу и наблюдая за играми медвежат. В то время как «Берег моря» Айвазовского переносит нас в пучину переживаний и тревоги. Деревенские осенние пейзажи Левитана преподносят порцию ностальгии и воспоминаний. А творение Саврасова «Грачи прилетели» окутывает легкой грустью и дарит надежду.

Подтверждением колоссального потенциала и таланта русского народа, а также любви к своей родине и природе, является русская живопись. Каждый может удостовериться в этом, глядя на картины наших соотечественников. И главная задача - сохранить живую русскую живописную традицию и творческие способности народа.

Живопись – одно из древних искусств, которое на протяжении многих веков прошло эволюцию от наскальных росписей палеолита, до новейших течений XX и уже даже XXI века. Это искусство родилось практически с появлением человечества. Древние люди, даже не осознав полностью себя человеком, почувствовали необходимость изображать окружающий мир на поверхности. Они рисовали всё, что видели: животных, природу, охотничьи сцены. Для рисования они использовали что-то похожее на краски, сделанные из натуральных материалов. Это были земляные краски, древесный уголь, чёрная сажа. Кисточки делали из волос животных, либо просто рисовали пальцами.

В результате изменений возникали новые виды и жанры живописи. За древним периодом последовал период Античности. Возникло стремление живописцев и художников к воспроизведению реальной окружающей жизни, таковой, какова она видится человеку. Стремление к точности передачи вызвало зарождение основ перспективы, основ светотеневых построений различных изображений и исследование этого художниками. И они, в первую очередь, изучали то, как можно изобразить объёмное пространство на плоскости стены, во фресковой живописи. Некоторые произведения искусства, такие как объёмное пространство, светотени, стали использовать для украшения помещений, центров религии и погребения.

Следующим важным периодом в прошлом живописи является Средневековье. В это время живопись была более религиозного характера, и мировоззрение стало отражаться на искусстве. Творчество художников было направлено на иконопись и другие мелодии религии. Основными важными моментами, которые должен был подчеркнуть художник, было не столько точное отображение реальности, сколько передача духовности даже в самых различных живописных произведениях. Полотна мастеров того времени поражали своей выразительностью контуров, колоритностью и красочностью. Живопись средневековья кажется нам плоскостной. Все персонажи художников того времени находятся на одной линии. И поэтому многие произведения кажутся нам несколько стилизованными.

Период серого Средневековья сменил более яркий период Ренессанса. Эпоха Возрождения вновь внесла перелом в историческое развитие этого искусства. Новые настроения в обществе, новое мировоззрение стали диктовать художнику: какие же аспекты в живописи раскрывать более полно и ясно. Жанры живописи, такие как портрет и пейзаж, станут независимыми стилями. Художники выражают эмоции человека и его внутренний мир через новые способы живописи. На XVII и XVIII век приходится ещё более серьёзный рост живописи. В этот период католическая церковь теряет свою значимость, и художники в своих произведениях всё чаще отображают истинные виды людей, природы, бытовой и обыденной жизни. В этот период также формируются такие жанры, как – барокко, рококо, классицизм, маньеризм. Возникает романтизм, который позже сменяется более эффектным стилем - импрессионизмом.

В начале ХХ века живопись кардинально меняется и появляется более новое направление современного искусства – абстрактная живопись. Идея этого направления в том, чтобы передать согласие между человеком и искусством, создать гармоничность в сочетаниях линий и цветовых бликов. Это искусство не имеющее предметности. Она не преследует точной передачи реального образа, а наоборот – передаёт то, что в душе художника, его эмоции. Важной ролью для этого вида искусства являются формы и цвета. Суть её заключается в том, чтобы по-новому передать ранее знакомые предметы. Здесь художникам предоставляется полная свобода своих фантазий. Это и дало толчок к зарождению и развитию современных направлений, таких как авангардизм, андеграунд, абстракционизм. С конца ХХ века и по настоящее время живопись постоянно меняется. Но, несмотря на всё новые достижения и современные технологии, художники всё-таки остаются верны классическому искусству – масляной и акварельной живописи, творят свои шедевры при помощи красок и холстов.

Наталия Мартыненко

История изобразительного искусства

История живописи - бесконечная цепочка, начавшаяся с самых первых сделанных картин. Каждый стиль вырастает из стилей, которые были перед ним. Каждый великий художник добавляет что-то к достижениям более ранних художников и влияет на более поздних художников.

Мы можем наслаждаться живописью за её красоту. Его линии, формы, цвета и состав (расположение частей) могут нравиться нашим чувствам и задерживаться в наших воспоминаниях. Но наслаждение искусством возрастает, когда мы узнаем, когда и почему и как оно было создано.

На историю живописи повлияли многие факторы. География, религия, национальные особенности, исторические события, разработка новых материалов - все это помогает формировать видение художника. На протяжении всей истории живопись отражала меняющийся мир и наши представления об этом. В свою очередь, художники предоставили одни из лучших записей о развитии цивилизации, иногда раскрывая больше, чем письменное слово.

Доисторическая живопись

Пещерные жители были самыми ранними художниками. Цветные рисунки животных, датируемые от 30 000 до 10 000 лет до нашей эры, были найдены на стенах пещер на юге Франции и в Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны на протяжении многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Очень грубые человеческие фигуры, сделанные в жизненных позициях, были найдены в Африке и на востоке Испании.

Пещерные художники заполняли стены пещеры рисунками в богатых ярких тонах. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненного бизона, больше не способного стоять - вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело, чёрным. Пигменты, которые использовали пещерные художники - охра (оксиды железа, различающиеся по цвету от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (тёмный металл). Они измельчались в мелкий порошок, смешивались со смазкой (возможно, с жирным маслом), и наносились на поверхность какой-то щёткой. Иногда пигменты приобретали форму палочек, похожих на мелки. Жир, смешанный с порошкообразными пигментами, делал лакокрасочную жидкость, а частицы пигмента склеивались. Жители пещеры делали щётки из животных волосков или растений, а острые инструменты из кремния (для рисования и царапин).

Ещё 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Методы и материалы были усовершенствованы и улучшены в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.

Египетская и месопотамская живопись (3400–332 до н.э.)

Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое египетское искусство было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне. Они также воспроизводили сцены из жизни человека в настенных росписях в погребальных камерах.

Египетские техники изобразительного искусства оставались неизменными на протяжении веков. В одном способе акварельная краска наносилась на глинистые или известняковые поверхности. В другом процессе контуры вырезались на каменных стенах и окрашивались акварельными красителями. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для приклеивания краски к поверхности. К счастью, сухой климат и запечатанные гробницы мешали некоторым из этих акварельных картин разрушаться от сырости. Много охотничьих сцен со стен гробниц в Фивах, датируемых около 1450 г. до н.э., хорошо сохранились. Они показывают, как охотники преследуют птиц или рыбу рыбу. Эти сюжеты всё ещё можно идентифицировать сегодня, потому что они были аккуратно и тщательно окрашены.

Месопотамская цивилизация, которая продолжалась с 3200 по 332 год до нашей эры, была расположена в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Дома в Месопотамии строились, в основном, из глины. Поскольку глина смягчается дождём, их здания рушились в пыль, уничтожая любые настенные картины, которые, возможно, были бы очень интерсными. Что сохранилось, это украшенная керамика (окрашенная и обжигаемая) и красочные мозаики. Хотя мозаики нельзя рассматривать как живопись, они часто оказывают на неё влияние.

Эгейская цивилизация (3000–1100 до н.э.)

Третьей великой ранней культурой была Эгейская цивилизация. Эгейцы жили на островах у берегов Греции и на полуострове Малой Азии примерно в то же время, что и древние египтяне и месопотамцы.

В 1900 году археологи начали выкапывать дворец короля Миноса в Кноссе на острове Крит. Раскопки открыли произведения искусства, написанные около 1500 г. до н.э. в необычно свободном и грациозном стиле того времени. Очевидно, критяне были беззаботными, любящими природу людьми. Среди их любимых тем в искусстве были морская жизнь, животные, цветы, спортивные игры, массовые процессии. В Кноссе и других эгейских дворцах картины были выполнены на мокрых гипсовых стенах красками из минеральных веществ, песка и земляных охр. Краска пропиталась влажной штукатуркой и стала постоянной частью стены. Эти картины позже назвали фресками (от итальянского слова «свежие» или «новые»). Критянам нравились яркие жёлтые, красные, синие и зёленые тона.

Греческая и римская классическая живопись (1100 г. до н.э. – 400 г. н.э.)

Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не много писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.

Окрашенные вазы - это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Самая ранняя вазочная живопись была выполнена в геометрических фигурах и орнаментах (1100-700 до н.э.). Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.

Красно-фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.

Римские настенные росписи были найдены главным образом на виллах (загородных домах) в Помпеях и Геркулануме. В 79 году нашей эры эти два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Почти на каждом доме и вилле в Помпеях на стенах были картины. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.

Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.

Ранняя христианская и византийская живопись (300–1300 г.г.)

Римская империя пошла на спад в 4 веке н.э. В то же время набирало силу христианство. В 313 году римский император Константин официально признал религию и сам принял христианство.

Возникновение христианства сильно повлияло на искусство. Художникам было поручено украсить стены церквей фресками и мозаикой. Они делали панно в церковных часовнях, иллюстрировали и украшали церковные книги. Под влиянием Церкви, художники должны были как можно яснее сообщать об учениях христианства.

Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны. Итальянские художники делали фон кусками позолоченного стекла. Они изображали человеческие фигуры в богатых цветах на фоне сверкающего золота. Общий эффект получался плоским, декоративным и не реалистичным.

Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан. «Византийское» - это название, данное стилю искусства, которое развивалось вокруг древнего города Византии (ныне Стамбул, Турция). Мозаичная техника идеально соответствовала византийскому вкусу для великолепно украшенных церквей. Знаменитые мозаики Феодоры и Юстиниана, изготовленные около 547 г. н.э., демонстрируют вкус к богатству. Ювелирные изделия на фигурах блестят, а цветные придворные платья сверкают на фоне блестящего золота. Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.

Средневековая живопись (500–1400 г.г.)

Первая часть средневековья, примерно с 6 по 11 века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время беспорядков искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варранские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.

Лучшее из кельтского и саксонского искусства можно найти в рукописях 7 и 8 веков. Книжные иллюстрации, освещение и миниатюрная живопись, практикуемая с позднего римского времени, получила распространение в средние века. Освещение - это украшение текста, заглавных букв и полей. Использовались золотые, серебряные и яркие цвета. Миниатюра - это маленькая картинка, часто портрет. Первоначально этот термин использовался для описания декоративного блока вокруг начальных букв в рукописи.

Карл Великий, который был коронован императором Священной Римской империи в начале IX века, пытался возродить классическое искусство позднего римского и раннехристианского периодов. Во время его правления художники миниатюр подражали классическому искусству, но они также передавали через свои предметы личные чувства.

Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (11-13 вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.

Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов - сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона. Цвета блестящие и похожи на драгоценные камни, как в витражном стекле, а золото мерцает над страницей. Изящно тонкие листовые и цветочные конструкции граничат с текстом. Художники, вероятно, использовали увеличительные стекла для выполнения такой сложной детализированной работы.

Италия: Чимабуэ и Джотто

Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле. Во Флоренции художник Чимабуэ (1240-1302) Пытался модернизировать некоторые из старых византийских методов. Ангелы в «Мадонне на престоле» более активны, чем обычно на картинах того времени. Их жесты и лица показывают немного больше человеческих чувств. Чимабуэ добавил к своим картинам новое чувство монументальности или великолепия. Однако, он продолжал следовать многим византийским традициям, таким как золотой фон и узорное расположение предметов и фигур.

Это был великий флорентийский художник Джотто (1267-1337), который фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. В этих сценах из жизни Марии и Христа есть настоящие эмоции, напряжение и натурализм. Все качества человеческого тепла и симпатии присутствуют. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и он поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности.

Для своих небольших панелей Джотто использовал чистую яичную темперу, среду, которая была усовершенствована флорентийцами в 14-м веке. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей. Картины темперой создают впечатление, что на сцену падает мягкий дневной свет. Они имеют почти плоский вид, в отличие от глянца масляной живописи. Яичная темпера оставалась главной краской, пока масло почти полностью не заменило её в 16 веке.

Поздняя средневековая живопись к северу от Альп

В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив к своим картинам бесчисленные подробности. Все волосы были изящно очерчены, и каждая деталь драпировки или настила пола была точно установлена. Изобретение масляной живописи упростило детализацию деталей.

Фламандский художник Ян ван Эйк (1370-1414) внёс свой большой вклад в развитие масляной живописи. Когда используется темпера, цвета нужно наносить отдельно. Они не могут хорошо затенять друг друга, потому что краска быстро сохнет. С маслом, которое медленно сохнет, художник может достичь более сложных эффектов. Его портреты 1466-1530 г. г. были исполнены в фламандской масляной технике. Все детали и даже зеркальное отражение - чёткие и точные. Цвет прочный и имеет твёрдую, эмалеобразную поверхность. Грунтованная деревянная панель, была приготовлена ​​так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину слоями тонкого цвета, называемого глазурью. Темпера, вероятно, использовалась в оригинальной подлеске и для бликов.

Итальянский ренессанс

В то время, когда ван Эйк работал на Севере, итальянцы переходили в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение. Итальянские художники были вдохновлены скульптурой древних греков и римлян. Итальянцы хотели возродить дух классического искусства, который прославляет человеческую независимость и благородство. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сцены. Но они также подчёркивали земную жизнь и достижения людей.

Флоренция

Достижения Джотто в начале 14 века положили начало Ренессансу. Итальянские художники XVII века его продолжили. Мазаччо (1401-1428) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения. Он жил во Флоренции, богатом торговом городе, где начиналось искусство эпохи Возрождения. К моменту его смерти в конце двадцатых годов он произвёл революцию в живописи. В своей знаменитой фреске «The Tribute Money» он ставит солидные скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется, уходит далеко вдаль. Мазаччо, возможно, учился перспективе у флорентийского архитектора и скульптора Брунеллески (1377-1414).

Техника фрески была очень популярна в эпоху Возрождения. Она особенно подходила для больших росписей, потому что цвета на фреске сухие и идеально плоские. Изображение можно просматривать под любым углом без бликов или отражений. Также фрески обладают доступностью. Обычно, у художников было несколько помощников. Работы выполнялись по частям, потому что их нужно было закончить, пока штукатурка была ещё влажной.

Полный «трёхмерный» стиль Мазаччо был типичным для нового прогрессивного направления 15-го века. Стиль Фра Анджелико (1400-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый многими художниками раннего Ренессанса. Он был менее озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его «Коронация Богородицы» - пример темперы в самом красивовом исполнении. Весёлые, насыщенные цвета на фоне золота и акцентированные золотом. Картина выглядит как увеличенная миниатюра. Длинные узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. Композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.

Ещё одним флорентийцем, который работал в традиционном стиле, был Сандро Боттичелли (1444-1515). Текучие ритмические линии соединяют участки «Весны» Боттичелли. Фигура Весны, переносимая западным ветром, проносится справа. Три грации танцуют в кругу, развевающиеся складки их платьев и изящные движения их рук выражают ритмы танца.

Леонардо да Винчи (1452-1519) учился живописи во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие его картины сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с разными способами создания и применения краски, а не с использованием проверенных и достоверных методов. «Тайная вечеря» (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана в масле, но, к сожалению, Леонардо написал её на влажной стене, из-за которой краска раскололась. Но даже в плохом состоянии (до реставрации) картина обладала способностью возбуждать эмоции у всех, кто это видит.

Одной из отличительных особенностей стиля Леонардо был его метод изображения огней и темноты. Итальянцы называли его полутёмное освещение «сфумато», что означает дымчатый или туманный. Фигуры в «Мадонне из скал» завуалированы в атмосфере сфумато. Их формы и черты мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и тёмных тонов.

Рим

Кульминация ренессансной живописи произошла в 16 веке. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим. Под папой Сикстом IV и его преемником, Юлием II, город Рим был славно и богато украшен художниками эпохи Возрождения. Некоторые из самых амбициозных проектов этого периода были начаты во времена папства Юлия II. Юлий поручил великому скульптору и живописцу Микеланджело (1475-1564) расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы. Юлий также пригласил живописца Рафаэля (1483-1520) помочь украсить Ватикан. С помощниками Рафаэль расписывал четыре комнаты квартир Папы в Ватиканском дворце.

Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры в его картине настолько прочные и объёмные, что они выглядят как скульптуры. Сикстинский потолок, который занял у Микеланджело 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета. Чтобы выполнить эту грандиозную фреску, Микеланджело пришлось ложиться на спину на леса. Задумчивое лицо Иеремии среди пророков, которые окружают потолок, некоторые эксперты считают автопортретом Микеланджело.

Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино ещё очень молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим для работы в Ватикане, его стиль стал одним из величайших по красоте исполнения. Он особенно любил свои прекрасные портреты Мадонны с младенцем. Они были воспроизведены тысячами, их можно увидеть повсюду. Его «Мадонна дель Грандука» успешна благодаря своей простоте. Безвременная в своей мирности и чистоте, она так же привлекательна для нас, как и для итальянцев эпохи Рафаэля.

Венеция

Венеция была главным северным итальянским городом эпохи Возрождения. Его посетили художники из Фландрии и других регионов, которые знали о фламандских экспериментах с масляной краской. Это стимулировало раннее использование масляной техники в итальянском городе. Венецианцы научились писать картины на плотно вытянутом холсте, а не на деревянных панелях, обычно используемых во Флоренции.

Джованни Беллини (1430-1515) был величайшим венецианским художником 15 века. Он также был одним из первых итальянских художников, кто использовал масло на холсте. Джорджоне (1478-1151) и Тициан (1488-1515), который является самым известным из всех венецианских художников, были учениками в мастерской Беллини.

Мастер масляной техники Тициан писал огромные холсты в тёплых, насыщенных цветах. В своих зрелых картинах он пожертвовал деталями для создания потрясающих эффектов, например как в «Мадонне Песаро». Он использовал большие кисти, чтобы делать крупные мазки. Его цвета особенно богаты, потому что он терпеливо создавал глазури контрастных цветов. Обычно глазури наносили на коричневую темперированную поверхность, что придавало картине единый тон.

Ещё одним великим венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте без предварительных эскизов или контуров. Он часто искажал свои формы (выкручивал их) ради композиции и драмы сюжета. Его техника, которая включает в себя широкие мазки и драматические контрасты света и темноты, кажется очень современной.

Художник Кириакос Теотокопулос (1541-1614) был известен как Эль Греко («Греческий»). Рожденный на острове Крит, который был оккупирован венецианской армией, Эль Греко обучался итальянскими художниками. Будучи молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите, и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали работу Эль Греко выдающейся.

В своих картинах он искажал естественные формы и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто, которым он восхищался. Позже, Эль Греко перебрался в Испанию, где мрачность испанского искусства повлияла на его работу. В его драматическом видении Толедо, шторм бушует над смертельной тишиной города. Холодный блюз, зелень и сине-белые оттенки разносят холод над пейзажем.

Ренессанс во Фландрии и Германии

Золотым веком живописи во Фландрии (ныне частью Бельгии и северной Франции) был 15-й век, время ван Эйка. В XVI веке многие фламандские художники подражали итальянским художникам эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Тогда распространилась жанровая живопись - сцены из повседневной жизни, которые иногда были очаровательными, а иногда и фантастическими. Иероним Босх (1450-1515), предшествовавший жанровым художникам, имел необычайно яркое воображение. Он придумал всевозможных странных, гротескных существ для «The Temptation of St. Anthony». Питер Брейгель Старший (1525-1569) также работал во фламандской традиции, но добавил к своим жанровым сценам перспективу и другие характеристики Ренессанса.

Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками XVI века. Они многое сделали для смягчения мрачного реализма ранней немецкой живописи. Дюрер как минимум один раз имел визит в Италию, где он был впечатлён картинами Джованни Беллини и других северных итальянцев. Благодаря этому опыту он привил немецкой живописи знание перспективы, чувство цвета и света и новое понимание композиции. Гольбейн усвоил ещё больше итальянских достижений. Его чувствительный рисунок и способность выбирать только самые важные детали сделали его мастером-портретистом.

Барочная живопись

XVII век известен в искусстве как период Барокко. В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две контрастные точки зрения. Караваджо (настоящее имя Микеланджело Мериси) всегда черпал вдохновение непосредственно из реалий жизни. Одна из его главных проблем заключалась в том, чтобы скопировать природу как можно точнее, не прославляя её каким-либо образом. Карраччи, с другой стороны, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения. Он изучал древнюю скульптуру и работы Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Стиль Караваджо восхищал многих художников, особенно испанца Риберу и молодого Веласкеса. Карраччи вдохновил Николу Пуссена (1594-1665), ивестного французского живописца XVII века.

Испания

Диего Веласкес (1599-1660), придворный живописец испанского короля Филиппа IV, был одним из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи человека. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это мастерство.

Фландрия

Картины фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577-1640 гг.) Представляют собой воплощение полноцветного стиля барокко. Они разрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией рисовать маленькие картины. Его полотна огромны, наполнены человеческими фигурами. Он получал больше заказов yа большие картины, чем мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники переносили эскиз на большой холст и заканчивали картину под руководством Рубенса.

Голландия

Достижения голландского живописца Рембрандта (1606-1669) являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар - точно поймать и передать человеческие эмоции. Как и Тициан, он долго работал над созданием многослойных картин. Земные цвета - жёлтая охра, коричневая и коричнево-красная - были его фаворитами. Его картины выполнены, в основном, в тёмных тонах. Важное значение тёмных многослойных частей, делают его технику необычной. Акцент передаётся ярким освещением относительно светлых участков.

Ян Вермеер (1632-1675) был в одной из групп голландских художников, которые писали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в рисовании любых текстур - сатиновых, персидских ковров, хлебных корочек, металла. Общее впечатление от интерьера Вермеера - это солнечная, жизнерадостная комната, наполненная знаковыми бытовыми предметами.

Живопись 18 века

В 18 веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных художников. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украшал интерьеры дворцов и других зданий грандиозными красочными фресками, представляющими сцены богатства. Франческо Гварди (1712-1793) был очень искусен кистью, всего несколькими пятнами цвета он мог вызвать в воображении идею крошечной фигуры в лодке. Зрелищные виды Антонио Каналетто (1697-1768 гг.) воспевали прошлую славу Венеции.

Франция: стиль Рококо

Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале 18 века привёл к развитию стиля Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) были связаны с трендами Рококо. Ватто писал мечтательные видения, жизнь, в которой всё - веселье. В основе стиля - пикники в парках, лесные вечеринки, где веселые джентльмены и элегантные дамы развлекаются на природе.

Другие художники 18-го века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и Голландский Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые домашние сюжеты и натюрморты. Его цвета трезвы и спокойны по сравнению с Ватто.

Англия

В XVIII веке англичане впервые разработали отдельную школу живописи. Ядро состояло, в основном, из художников-портретистов, на которых влияли художники венецианского ренессанса. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788) являются самыми известными. Рейнольдс, который путешествовал по Италии, следовал идеалам живописи ренессанса. Его портреты, обаятельные и трогательные, не особенно интересны по цвету или текстуре. У Гейнсборо, с другой стороны, был талант к блеску. Поверхности его картин светятся сияющим цветом.

Живопись 19 века

XIX век иногда рассматривается как период, в течение которого начало складываться современное искусство. Одной из важных причин так называемой революции в искусстве в это время было изобретение камеры, которая заставила художников пересмотреть цель живописи.

Более важным событием стало широкое использование заранее изготовленных красок. До 19-го века большинство художников или их помощники делали свои собственные краски путём измельчения пигмента. Ранние коммерческие краски уступали ручным краскам. Художники в конце 19-го века обнаружили, что тёмные синие и коричневые тона более ранних картин в течение нескольких лет становились чёрными или серыми. Они снова начали использовать чистые цвета, чтобы сохранить свою работу, а иногда потому, что пытались более точно отражать солнечный свет в уличных сценах.

Испания: Гойя

Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с 17-го века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские персонажи оснащены элегантной одеждой и прекрасными драгоценностями, но на некоторых их лицах все, что отражается, это тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя рисовал драматические сцены, такие как Третье мая 1808 года. На этой картине изображено исполнение группой испанских повстанцев французскими солдатами. Смелые контрасты светлых и темных и мрачных цветов, пронизанные красными брызгами, вызывают мрачный ужас зрелища.

Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские ландшафтные художники Джон Констебль (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись 19-го века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники XIX века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление, или сломанный цвет. Он использовал контрастные цвета над основным цветом фона. Он часто использовал нож для палитры, чтобы плотно нанести цвет. Картина «Hay Wain» сделала его знаменитым, после показа в Париже в 1824 году. Это простая деревенская сцена сенокоса. Облака дрейфуют над лугами, покрытыми пятнами солнечного света. Картины Тёрнера более драматичны, чем у Констебля, который писал величественные достопримечательности природы - бури, морские пейзажи, пылающие закаты, высокие горы. Часто золотая дымка частично скрывает объекты в его картинах, заставляя их казаться плавающими в бесконечном пространстве.

Франция

Период правления Наполеона и Французская революция ознаменовали появление двух противоположных тенденций во французском искусстве - классицизма и романтизма. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и эпохой Возрождения. Они подчёркивали детали и использовали цвет для создания твёрдых форм. Будучи любимым художником революционного правительства, Давид часто писал исторические события того периода. В своих портретах, таких как мадам Рекамье, он стремился к достижению классической простоты.

Теодор Герико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи и у него не было терпения для имитации классических статуй. Вместо этого он восхищался Рубеном и венецианцами. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.

Художники Барбизона также были частью общего романтического движения, которое продолжалось примерно с 1820 по 1850 год. Они работали недалеко от деревни Барбизон на краю леса Фонтенбло. Они черпали вдохновение на природе и заканчивали картины в своих студиях.

Другие художники экспериментировали с повседневными обычными предметами. Ландшафты Жана Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, и его этюды человеческого тела показывают своего рода сбалансированное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он изображал мир таким, как видел его - даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру всего лишь несколькими мрачными цветами. Эдуар Мане (1832-1883) также брал основу для своих сюжетов из окружающего мира. Люди были потрясены его красочными контрастами и необычными приёмами. На поверхностях его картин часто есть плоская, узорная текстура мазков. Методы Мане по нанесению эффектов света на форму повлияли на молодых художников, особенно импрессионистов.

Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела изображать природу именно так, какой она была. Они пошли намного дальше, чем Констебль, Тёрнер и Мане в изучении эффектов света в цвете. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто писал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как он меняется в разных условиях освещённости. Каким бы ни был объект, его картины состоят из сотен крошечных мазков, расположенных рядом друг с другом, часто в контрастных цветах. На расстоянии штрихи смешиваются, чтобы создать впечатление твёрдых форм. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал методы импрессионизма, чтобы захватить праздник парижской жизни. В его «Танце у Мулен де ла Галетт» люди в ярко окрашенной одежде толпились и весело танцевали. Ренуар написал всю картину мелкими мазками. Точки и штрихи краски создают текстуру на поверхности картины, которая придаёт ей особый вид. Толпы людей, кажется, растворяются в солнечном свете и мерцающем цвете.

Живопись 20-го века

Ряд художников вскоре стали недовольны импрессионизмом. Художники, такие как Пол Сезанн (1839-1906), чувствовали, что импрессионизм не описывает прочность форм в природе. Сезанн любил рисовать натюрморты, потому что они позволяли ему сосредоточиться на форме фруктов или других предметов и их расположении. Объекты его натюрмортов выглядят прочно, потому что он сводил их к простым геометрическим формам. Его техника размещения пятен краски и коротких мазков богатого цвета бок о бок показывает, что он многому научился у импрессионистов.

Винсент Ван Гог (1853-90) и Поль Гоген (1848-1903) отреагировали на реализм импрессионистов. В отличие от импрессионистов, которые говорили, что они объективно рассматривают природу, Ван Гог мало заботился о точности. Он часто искажал объекты, чтобы выразить свои мысли более творчески. Он использовал импрессионистские принципы для помещения контрастных цветов рядом друг с другом. Иногда он сжимал краску с трубок прямо на холст, как в «Поле жёлтой кукурузы».

Гоген не заботился о пятнистом цвете импрессионистов. Он плавно применял цвет в больших плоских областях, которые он отделял друг от друга линиями или тёмными краями. Красочные тропические народы обеспечили большую часть его сюжетов.

Метод Сезанна создания пространства при помощи простых геометрических форм был развит Пабло Пикассо (1881-1973), Жоржем Браком (1882-1963) и другими. Их стиль стал известен как Кубизм. Кубисты рисовали объекты так, как будто их можно было увидеть с нескольких углов сразу или, как если бы их разобрали и собрали на плоском холсте. Часто объекты оказывались не похожими на что-либо существующее в природе. Иногда кубисты вырезали фигуры из ткани, картона, обоев или других материалов и наклеивали их на холст, чтобы сделать коллаж. Текстуры также варьировались, добавляя к краске песок или другие вещества.

Более поздние тенденции заключались в том, чтобы уделять меньше внимания теме. Больший акцент стали получать композиция и техника изображения.

Живопись

(от рус. живо и писать) - вид изобразительного искусства, заключающийся в создании картин, живописных полотен, наиболее полно и жизнеподобно отражающих действительность.

Произведение искусства, выполненное красками (масляными, темперными, акварельными, гуашевыми и др.), нанесенными на какую-либо твердую поверхность, называется живописью. Главное выразительное средство живописи - цвет, его способность вызывать различные чувства, ассоциации, усиливает эмоциональность изображения. Необходимый для живописи цвет художник обычно составляет на палитре, а затем превращает краску в цвет на плоскости картины, создавая цветовой порядок - колорит. По характеру цветовых сочетаний он может быть теплым и холодным, веселым и грустным, спокойным и напряженным, светлым и темным.

Образы живописи очень наглядны и убедительны. Живопись способна передавать на плоскости объем и пространство, природу, раскрывать сложный мир человеческих чувств и характеров, воплощать общечеловеческие идеи, события исторического прошлого, мифологические образы и полет фантазии.

Живопись делится на станковую и монументальную. Художник пишет картины на холсте, натянутом на подрамник и установленном на мольберте, который также может быть назван станком. Отсюда и название «станковая живопись».

А само слово «монументальная» говорит о чем-то большом и значительном. Монументальная живопись - это большие картины на внутренних или наружных стенах зданий (фрески, панно и др.). Произведение монументальной живописи нельзя отделить от его основы (стены, опоры, потолка и т. п.). Темы для монументальных картин тоже выбираются значительные: исторические события, героические подвиги, народные сказания и др. Непосредственно с монументальной живописью смыкаются мозаика и витраж, которые также можно отнести к декоративному искусству. Здесь важно достижение стилевого и образного единства монументальной живописи и архитектуры, синтеза искусств.

Следует отличать такие виды живописи, как декоративная роспись, иконопись, миниатюра, театрально-декорационная. Каждая из разновидностей живописи отличается спецификой технического исполнения и решения художественно-образных задач.

В отличие от живописи как самостоятельного вида изобразительного искусства, живописный подход (способ) может использоваться и в других его видах: в рисунке, графике и даже в скульптуре. Сущность живописного подхода заключается в изображении объекта во взаимосвязи с окружающей его пространственной световоздушной средой, в тонкой градации тональных переходов.

Многообразие объектов и событий окружающего мира, пристальный интерес к ним художников привели к возникновению на протяжении XVII-XX вв. жанров живописи: портрета, натюрморта, пейзажа, анималистического, бытового (жанровая живопись), мифологического, исторического, батального жанров. В произведениях живописи может встречаться сочетание жанров или их элементов. Например, натюрморт или пейзаж могут удачно дополнять портретное изображение.

По техническим приемам и используемым материалам живопись можно разделить на следующие виды: масляная, темперная, восковая (энкаустика), эмаль, клеевая, водяными красками по сырой штукатурке (фреска) и др. В некоторых случаях трудно бывает отделить живопись от графики. Произведения, выполненные акварелью, гуашью, пастелью, могут относиться и к живописи, и к графике.

Живопись может быть однослойной, выполняемой сразу, и многослойной, включающей подмалевки и лессировки, наносимые на просохший красочный слой прозрачные и полупрозрачные слои краски. Этим достигаются тончайшие нюансы и оттенки цвета.

Важными средствами художественной выразительности в живописи являются, кроме цвета [колорита), пятно и характер мазка, обработка красочной поверхности (фактура), валеры, показывающие тончайшие изменения тона в зависимости от освещения, рефлексы, появляющиеся от взаимодействия лежащих рядом цветов.

Построение объема и пространства в живописи связано с линейной и воздушной перспективой, пространственными свойствами теплых и холодных цветов, светотеневой моделировкой формы, передачей общего цветового тона полотна. Для создания картины, кроме цвета, необходимы хороший рисунок и выразительная композиция. Художник, как правило, начинает работу над полотном с поиска наиболее удачного решения в эскизах. Затем в многочисленных живописных этюдах с натуры он прорабатывает необходимые элементы композиции. Работа над картиной может начинаться с выполнения рисунка композиции кистью, подмалевка и непосредственно написания полотна теми или иными живописными средствами. Причем даже подготовительные эскизы и этюды порой имеют самостоятельное художественное значение, особенно если принадлежат кисти известного живописца.

Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков эволюцию от наскальных росписей палеолита до новейших течений живописи XX в. Живопись обладает широким кругом возможностей воплощения замысла от реализма до абстракционизма. Огромные духовные сокровища накоплены в ходе ее развития.

В античную эпоху возникло стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек. Это вызвало зарождение принципов светотени, элементов перспективы, появление объемно-пространственных живописных изображений. Раскрылись новые тематические возможности отображения действительности живописными средствами. Живопись служила для украшения храмов, жилищ, гробниц и других сооружений, находилась в художественном единстве с архитектурой и скульптурой.

Средневековая живопись была преимущественно религиозного содержания. Она отличалась экспрессией звучных, в основном локальных цветов, выразительностью контуров.

Фон фресок и картин, как правило, был условным, отвлеченным или золотым, воплощающим в своем таинственном мерцании божественную идею. Значительную роль играла символика цвета.

В эпоху Возрождения ощущение гармонии мироздания, антропоцентризм (человек в центре смешения чистых цветов, и эффекты передачи фактуры. Художники вышли писать свои картины на пленэр.

В конце XIX-XX вв. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым. Различные реалистические и модернистские течения завоевывают себе право на существование.

Появляется абстрактная живопись (см. авангардизм, абстракционизм, андеграунд), которая ознаменовала отказ от изобразительности и активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность цвета, утрированность и геометризацию форм, декоративность и ассоциативность композиционных решений.

В XX в. продолжается поиск новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно приведет к появлению новых стилей в живописи, но масляная живопись по-прежнему остается одной из самых любимых техник художников.

Процесс развития европейской живописи в XVII - XVIII вв. усложняется, складываются национальные школы, каждая со своими традициями и особенностями. Живопись провозглашала новые социально-гражданские идеалы, углублялись психологическая проблематика, ощущение конфликтного взаимоотношения личности и окружающего мира. Обращение к многообразию реальной жизни, особенно к повседневному окружению человека, привело к четкому формированию системы жанров: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой жанр и т. д. Формировались различные живописные системы: динамичная живопись барокко с характерной для нее незамкнутой, спиралевидной композицией; живопись рококо с игрой изысканных нюансов цвета, светлых тонов; живопись классицизма с четким, строгим и ясным рисунком.

В XIX в. живопись играла активную роль в общественной жизни. Живопись романтизма отличалась активным интересом к драматическим событиям истории и современности, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита.

Живопись Живопись

Вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность. В художественных произведениях, создаваемых живописью, используются цвет и рисунок, светотень, выразительность мазков, фактуры и композиции, что позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объёмность предметов, их качественное, материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду. Живопись может передавать состояние статичности и ощущение временного развития, покоя и эмоционально-духовной насыщенности, преходящей мгновенности ситуации, эффект движения и т. п.; в живописи возможны развёрнутое повествование и сложный сюжет. Это позволяет живописи не только наглядно воплощать зримые явления реального мира, показывать широкую картину жизни людей, но и стремиться к раскрытию сущности исторических процессов, внутреннего мира человека, к выражению отвлечённых идей. В силу своих обширных идейно-художественных возможностей живопись является важным средством художественного отражения и истолкования действительности, обладает существенным социальным содержанием и разнообразными идеологическими функциями.

Широта и полнота охвата реальной действительности сказываются в обилии присущих живописи жанров (исторический жанр, бытовой жанр, батальный жанр, портрет, пейзаж, натюрморт). Различают живопись: монументально-декоративную (стенные росписи, плафоны, панно), предназначенную для украшения архитектуры и играющую важную роль в идейно-образном истолковании архитектурной постройки; станковую (картины), обычно не связанную с каким-либо определенным местом в художественном ансамбле; декорационную (эскизы театральных и кинодекораций и костюмов); иконопись; миниатюру. К разновидностям живописи относятся также диорама и панорама. По характеру веществ, связующих пигмент (красящее вещество), по технологическим способам закрепления пигмента на поверхности различаются масляная живопись. Живопись красками на воде по штукатурке - сырой (фреска) и сухой (а секко), темпера, клеевая живопись, восковая живопись, эмали, живопись керамическими и силикатными красками и т. п. Непосредственно с живописью смыкаются мозаика и витраж, решающие те же, что и монументальная живопись художественные задачи. Для исполнения живописных произведений используют также акварель, гуашь, пастель, тушь.

Цвет является наиболее специфическим для живописи выразительным средством. Его экспрессия, способность вызывать различные чувственные ассоциации усиливает эмоциональность изображения, обусловливает изобразительные, выразительные и декоративные возможности живописи. В произведениях живописи цвет образует целостную систему (колорит). Обычно применяется ряд взаимосвязанных цветов и их оттенков (гамма красочная), хотя существует также живопись оттенками одного цвета (монохромная). Цветовая композиция обеспечивает определенное колористическое единство произведения, влияет на ход его восприятия зрителем, являясь существенной частью его художественной структуры. Другое выразительное средство живописи - рисунок (линия и светотень) вместе с цветом ритмически и композиционно организует изображение; линия отграничивает друг от друга объёмы, часто является конструктивной основой живописной формы, позволяет обобщённо или детально воспроизводить очертания предметов и их мельчайшие элементы. Светотень позволяет не только создать иллюзию объёмности изображений, передать степень освещения или затемнённости предметов, но и создаёт впечатление движения воздуха, света и тени. Важную роль в живописи играет также красочное пятно или мазок художника, являющийся его основным техническим приёмом и позволяющий передать множество аспектов. Мазок способствует пластической, объёмной лепке формы, передаче её материального характера и фактуры, в сочетании с цветом воссоздаёт колористическое богатство реального мира. Характер мазка (гладкий, слитный или пастозный, раздельный, нервозный и т. п.) способствует также созданию эмоциональной атмосферы произведения, передаче непосредственного чувства и настроения художника, его отношения к изображённому.

Условно различаются два типа живописного изображения: линейно-плоскостное и объёмно-пространственное, но между ними нет чётких границ. Для линейно-плоскостной живописи характерны плоские пятна локального цвета, очерченные выразительными контурами, чёткие и ритмичные линии; в древней и отчасти в современной живописи встречаются условные способы пространственного построения и воспроизведения предметов, которые раскрывают зрителю смысловую логику изображения, размещение предметов в пространстве, но почти не нарушают двухмерность живописной плоскости. Возникшее в античном искусстве стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек, вызвало появление в живописи объёмно-пространственных изображений. В живописи такого типа могут воспроизводиться цветом пространственные соотношения, создаваться иллюзия глубокого трёхмерного пространства, зрительно уничтожаться живописная плоскость с помощью тональных градаций, воздушной и линейной перспективы, путём распределения тёплых и холодных цветов; объёмные формы моделируются цветом и светотенью. В объёмно-пространственном и линейно-плоскостном изображении используются выразительность линии и цвета, причём эффект объёмности, даже скульптурности, достигается градацией светлых и тёмных тонов, распределённых в чётко ограниченном цветовом пятне; при этом колорит часто бывает пёстрым, фигуры и предметы не сливаются с окружающим пространством в единое целое. Тональная живопись (см. Тон) с помощью сложной и динамической разработки цвета показывает тончайшие изменения как цвета, так и его тона в зависимости от освещения (см. Валер), а также от взаимодействия рядом лежащих цветов (см. Рефлекс); общий тон объединяет предметы с окружающей их световоздушной средой и пространством. В живописи Китая, Японии, Кореи сложился особый тип пространственного изображения, в котором возникает ощущение бесконечного, увиденного сверху пространства, с уходящими вдаль и не сходящимися в глубине параллельными линиями; фигуры и предметы почти лишены объёма; их положение в пространстве показывается главным образом соотношением тонов.

Произведение живописи состоит из основы (холст, дерево, бумага, картон, камень, стекло, металл и др.), обычно покрытой грунтом, и красочного слоя, иногда защищённого предохранительной плёнкой лака. Изобразительные и выразительные возможности живописи, особенности техники письма во многом зависят от свойств красок, которые обусловлены степенью размельчения пигментов и характером связующих, от инструмента, которым работает художник, от применяемых им разбавителей; гладкая или шероховатая поверхность основы и грунта влияет на приёмы наложения красок, на фактуру произведений живописи, а просвечивающий цвет основы или грунта - на колорит; иногда свободные от краски части основы или грунта могут играть определенную роль в колористическом построении. Поверхность красочного слоя произведения живописи, то есть его фактура, бывает глянцевитой и матовой, слитной или прерывистой, гладкой или неровной. Необходимый цвет, оттенок достигаются как смешением красок на палитре, так и лессировками. Процесс создания картины или настенной росписи может распадаться на несколько стадий, особенно чётких и последовательных в средневековой темперной и классической масляной живописи (рисунок на грунте, подмалёвок, лессировки). Существует живопись и более импульсивного характера, позволяющая художнику непосредственно и динамично воплощать свои жизненные впечатления благодаря одновременной работе над рисунком, композицией, лепкой форм и колоритом (см. Алла прима).

Живопись возникла в эпоху позднего палеолита (40-8 тысяч лет назад). Сохранились наскальные росписи (в Южной Франции, Северной Испании и др.), исполненные земляными красками (охрами), чёрной сажей и древесным углём с помощью расщеплённых палочек, кусочков меха и пальцев (изображения отдельных животных, а затем и охотничьих сцен). В живописи палеолита встречаются как линейно-силуэтные изображения, так и несложная моделировка объёмов, но композиционное начало в ней ещё слабо выражено. Более развитые, абстрактно обобщённые представления о мире отразились в живописи неолита, в которой изображения связываются в повествовательные циклы, появляется образ человека (см. Первобытное искусство).

Живопись рабовладельческого общества обладала уже развитой образной системой, богатыми техническими средствами. В Древнем Египте, а также в древней Америке существовала монументальная живопись, выступавшая в синтезе с архитектурой (см. Синтез искусств ; роспись гробниц, реже зданий). Связанная главным образом с заупокойным культом, она носила развёрнуто-повествовательный характер; главное место занимало в ней обобщённое и нередко схематическое изображение человека. Строгая канонизация изображений, проявлявшаяся в особенностях композиции, соотношении фигур и отражавшая господствовавшую в обществе жёсткую иерархию, сочеталась со смелыми и меткими жизненными наблюдениями и обилием деталей, почерпнутых из окружающего мира (пейзаж, бытовая утварь, изображения зверей и птиц). Древняя живопись главными художественно-выразительными средствами которой были контурная линия и цветовое пятно, обладала декоративными качествами, её плоскостность подчёркивала гладь стены.

В античную эпоху живопись, выступавшая в художественном единстве с архитектурой и скульптурой и украшавшая храмы, жилища, гробницы и др. сооружения (см. Помпеи , Геркуланум , Пестум , Казанлыкская гробница), служила не только культовым, но и светским целям. Раскрылись новые, специфические возможности живописи, дающей широкое по тематике отображение действительности. В античности зародились принципы светотени, своеобразные варианты линейной и воздушной перспективы. Наряду с мифологическими создавались бытовые и исторические сцены, пейзажи, портреты, натюрморты. Античная фреска (на многослойной штукатурке с примесью мраморной пыли в верхних слоях) имела блестящую, глянцевитую поверхность. В Древней Греции возникла почти не сохранившаяся станковая живопись (на досках, реже на холсте) главным образом в технике энкаустики (см. Восковая живопись); некоторое представление об античной станковой живописи дают файюмские портреты.

В средние века в Западной Европе, Византии, на Руси, Кавказе и Балканах развивалась живопись, религиозная по содержанию: фреска (как по сухой, так и по влажной штукатурке, наносившейся на камень или кирпичную кладку), иконопись (на грунтованных досках преимущественно яичной темперой), а также книжная миниатюра (на грунтованном пергаменте или бумаге; исполнялась темперой, акварелью, гуашью, клеевыми и другими красками), включавшая порой и исторические сюжеты. Иконы, настенные росписи (подчинявшиеся архитектурным членениям и плоскости стены), а также мозаики, витражи вместе с архитектурой образовывали в церковных интерьерах единый ансамбль. Средневековой живописи присущи экспрессия звучного, преимущественно локального цвета и ритмичной линии, выразительность контуров; формы обычно плоскостные, стилизованные, фон отвлечённый, часто золотой; встречаются также условные приёмы моделировки объёмов, как бы выступающих на лишённой глубины живописной плоскости. Значительную роль играла символика композиции и цвета. В 1-м тысячелетии н. э. высокий подъём пережила монументальная живопись (клеевыми красками по белой гипсовой или известковой прогрунтовке на глинисто-соломистом грунте) в странах Передней и Средней Азии, в Индии, Китае, на Цейлоне (ныне Шри-Ланка). В феодальную эпоху в Месопотамии, Иране, Индии, Средней Азии, Азербайджане, Турции развивалось искусство миниатюры, для которого характерны тонкая красочность, изящество орнаментального ритма, яркость жизненных наблюдений. Поэтичностью, поразительной зоркостью видения людей и природы, лаконичностью живописной манеры, тончайшей тональной передачей воздушной перспективы выделялась дальневосточная живопись тушью, акварелью и гуашью на свитках из шёлка и бумаги - в Китае, Корее, Японии.

В Западной Европе в эпоху Возрождения утверждались принципы нового искусства, основанного на гуманистическом мировоззрении, открывающего и познающего реальный мир. Возросла роль живописи, выработавшей систему средств реалистического изображения действительности. Отдельные достижения живописи Возрождения были предвосхищены в XIV в. итальянским живописцем Джотто. Научное изучение перспективы, оптики и анатомии, использование усовершенствованной Я. ван Эйком (Нидерланды) техники масляной живописи способствовали раскрытию заложенных в природе живописи возможностей: убедительному воспроизведению объёмных форм в единстве с передачей пространственной глубины и световой среды, раскрытию цветового богатства мира. Новый расцвет пережила фреска; важное значение приобрела и станковая картина, сохранявшая декоративное единство с окружающей предметной средой. Ощущение гармонии мироздания, антропоцентризм живописи и духовная активность её образов характерны для композиций на религиозные и мифологические темы, портретов, бытовых и исторических сцен, изображений обнажённой натуры. Постепенно темперу вытеснила комбинированная техника (лессировка и проработка деталей маслом по темперному подмалёвку), а затем и технически совершенная многослойная масляно-лаковая живопись без темперы. Наряду с гладкой, детализирующей живописью на досках с белым грунтом (характерной для художников нидерландской школы и ряда школ итальянского Раннего Возрождения) венецианская школа живописи выработала в XVI в. приёмы свободной, пастозной живописи на холстах с цветными грунтами. Одновременно с живописью локальным, часто ярким цветом, с чётким рисунком развивалась и тональная живопись Крупнейшие живописцы Возрождения - Мазаччо, Пьеро делла Франческа, А. Мантенья, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторетто в Италии, Я. ван Эйк, П. Брейгель Старший в Нидерландах, А. Дюрер, Х. Хольбейн Младший, М. Нитхардт (Грюневальд) в Германии и др.

В XVII-XVIII вв. процесс развития европейской живописи усложнялся. Складывались Национальные школы во Франции (Ж. де Латур, Ф. Шампень, Н. Пуссен, А. Ватто, Ж. Б. С. Шарден, Ж. О. Фрагонар, Ж. Л. Давид), Италии (М. Караваджо, Д. Фетти, Дж. Б. Тьеполо, Дж. М. Креспи, Ф. Гварди), Испании (Эль Греко, Д. Веласкес, Ф. Сурбаран, Б. Э. Мурильо, Ф. Гойя), Фландрии (П. П. Рубенс, Я. Йорданс, А. ван Дейк, Ф. Снейдерс), Голландии (Ф. Халс, Рембрандт, Я. Вермер, Я. ван Рёйсдал, Г. Терборх, К. Фабрициус), Великобритании (Дж. Рейнолдс, Т. Гейнсборо, У. Хогарт), России (Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, В. Л. Боровиковский). Живопись провозглашала новые социально-гражданские идеалы, обращалась к более развёрнутому и точному изображению реальной жизни в её движении и многообразии, особенно повседневного окружения человека (пейзаж, интерьер, предметы обихода); углублялась психологическая проблематика, воплощалось ощущение конфликтного взаимоотношения личности и окружающего мира. В XVII в. расширилась и чётко оформилась система жанров. В XVII-XVIII вв. наряду с переживавшей расцвет монументально-декоративной живописью (особенно в стиле барокко), существовавшей в тесном единстве со скульптурой и архитектурой и создававшей активно действующую на человека эмоциональную среду, большую роль играла станковая живопись. Формировались различные живописные системы, как обладавшие общностью стилевых признаков (динамичная живопись барокко с характерной для неё незамкнутой, спиралевидной композицией; живопись классицизма с чётким, строгим и ясным рисунком; живопись рококо с игрой изысканных нюансов цвета, светлых и блёклых тонов), так и не укладывавшиеся в какие-либо определенные стилевые рамки. Стремясь к воспроизведению красочности мира, световоздушной среды, многие художники совершенствовали систему тональной живописи. Это вызвало индивидуализацию технических приёмов многослойной масляной живописи. Рост станковизма, усиление потребности в произведениях, рассчитанных на интимное созерцание, повлекли за собой развитие и камерных, тонких и лёгких, техник живописи - пастели, акварели, туши, различных видов портретной миниатюры.

В XIX в. складывались новые национальные школы реалистической. живописи в Европе и Америке. Расширялись связи живописи Европы и других частей света, где опыт европейской реалистической живописи получил самобытное истолкование, часто на основе местных древних традиций (в Индии, Китае, Японии, других странах); европейская живопись испытывала влияние искусства дальневосточных стран (главным образом Японии и Китая), что сказалось в обновлении приёмов декоративно-ритмической организации живописной плоскости. В XIX в. живопись решала сложные и актуальные мировоззренческие проблемы, играла активную роль в общественной жизни; важное значение в живописи приобрела острая критика социальной действительности. На протяжении XIX в. в живописи культивировались также и далёкие от жизни каноны академизма, отвлеченная идеализация образов; возникли тенденции натурализма. В борьбе с отвлечённостью позднего классицизма и салонного академизма сложилась живопись романтизма с её активным интересом к драматическим событиям истории и современности, энергией живописного языка, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита (Т. Жерико, Э. Делакруа во Франции; Ф. О. Рунге и К. Д. Фридрих в Германии; во многом О. А. Кипренский, Сильвестр Щедрин, К. П. Брюллов, А. А. Иванов в России). Реалистическая живопись, основывающаяся на непосредственном наблюдении характерных явлений действительности, приходит к более полному, конкретно-достоверному, зрительно- убедительному изображению жизни (Дж. Констебл в Великобритании; К. Коро, мастера барбизонской школы, О. Домье во Франции; А. Г. Венецианов, П. А. Федотов в России). В период подъёма революционного и национально-освободительного движения в Европе живопись демократического реализма (Г. Курбе, Ж. Ф. Милле во Франции; М. Мункачи в Венгрии, Н. Григореску и И. Андрееску в Румынии, А. Менцель, В. Лейбль в Германии, и др.) показывала быт и труд народа, его борьбу за свои права, обращалась к важнейшим событиям национальной истории, создала яркие образы простых людей и передовых общественных деятелей; во многих странах возникли школы национального реалистического пейзажа. Социально-критической остротой отличалась тесно связанная с эстетикой русских революционных демократов живопись передвижников и близких к ним художников - В. Г. Перова, И. Н. Крамского, И. Е. Репина, В. И. Сурикова, В. В. Верещагина, И. И. Левитана.

К художественному воплощению окружающего мира в его естественности и постоянной изменчивости приходит в начале 1870-х гг. живопись импрессионизма (Э. Мане, К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей, Э. Дега во Франции), обновившая технику и приёмы организации живописной поверхности, выявившая красоту чистого цвета и фактурных эффектов. В XIX в. в Европе господствовала станковая живопись маслом, её техника во многих случаях приобретала индивидуальный, свободный характер, постепенно утрачивая присущие ей строгую систематичность (чему способствовало и распространение новых красок фабричного производства); палитра расширялась (создавались новые пигменты и связующие); вместо тёмных цветовых грунтов в начале XIX в. вновь внедрялись белые грунты. Монументально- декоративная живопись, использовавшая в XIX в. почти исключительно клеевые или масляные краски, приходила в упадок. В конце XIX - начале XX вв. делаются попытки возрождения монументальной живописи и слияния различных видов живописи с произведениями декоративно-прикладного искусства и архитектурой в единый ансамбль (главным образом в искусстве "модерна"); обновляются технические средства монументально-декоративной живописи, разрабатывается техника силикатной живописи.

В конце XIX - XX вв. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым; сосуществуют и борются различные реалистические и модернистские течения. Вдохновлённая идеалами Октябрьской революции 1917, вооружённая методом социалистического реализма, интенсивно развивается живопись в СССР и других социалистических странах. Возникают новые школы живописи в странах Азии, Африки, Австралии, Латинской Америки.

Реалистическая живопись конца XIX - XX вв. отличается стремлением познать и показать мир во всей его противоречивости, раскрыть сущность происходящих в социальной действительности глубинных процессов, не имеющих порой достаточно наглядного облика; отражение и истолкование многих явлений реальности приобретало часто субъективный, символический характер. Живопись XX в. наряду с наглядно-зримым объёмно-пространственным способом изображения широко использует новые (а также и восходящие к древности), условные принципы трактовки зримого мира. Уже в живописи постимпрессионизма (П. Сезанн, В. ван Гог, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек) и отчасти в живописи "модерна" зарождались черты, определившие особенности некоторых течений XX в. (активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и ассоциативность цвета, мало связанного с естественными красочными отношениями, утрированность форм, декоративность). По-новому осмыслялся мир в искусстве русских живописцев конца XIX - начала XX вв.- в картинах В. А. Серова, М. А. Врубеля, К. А. Коровина.

В XX в. действительность противоречиво, а нередко и глубоко субъективно осознаётся и претворяется в живописи крупнейших художников капиталистических стран: П. Пикассо, А. Матисса, Ф. Леже, А. Марке, А. Дерена во Франции; Д. Риверы, Х. К. Ороско, Д. Сикейроса в Мексике; Р. Гуттузо в Италии; Дж. Беллоуза, Р. Кента в США. В картинах, настенных росписях, живописных панно нашло выражение правдивое осмысление трагических противоречий действительности, часто переходящее в обличение уродств капиталистического строя. С эстетическим осмыслением новой, "технической" эры связано отражение пафоса индустриализации жизни, проникновение в живопись геометричных, "машинных" форм, к которым нередко сводятся формы органические, поиски отвечающих мироощущению современного человека новых форм, которые могут быть использованы в декоративном искусстве, архитектуре и промышленности. Широкое распространение в живописи, главным образом капиталистических стран, с начала XX в. получили различные модернистские течения, отражающие общий кризис культуры буржуазного общества; однако и в модернистской живописи находят косвенное отражение "больные" проблемы современности. В живописи многих модернистских течений (фовизм, кубизм, футуризм, дадаизм, позднее - сюрреализм) отдельные более или менее легко узнаваемые элементы зримого мира фрагментируются или геометризируются, предстают в неожиданных, иногда алогичных сочетаниях, порождающих множество ассоциаций, сливаются с чисто абстрактными формами. Дальнейшая эволюция многих из этих течений привела к полному отказу от изобразительности, к появлению абстрактной живописи (см. Абстрактное искусство), что ознаменовало распад живописи как средства отражения и познания действительности. С середины 60-х гг. в странах Западной Европы и Америки живопись порой становится одним из элементов поп-арта.

В XX в. возрастает роль монументально-декоративной живописи как изобразительной (например, революционно- демократическая монументальная живопись в Мексике), так и неизобразительной, обычно плоскостной, гармонирующей с геометризованными формами современной архитектуры.

В XX в. растёт интерес к поискам в области техники живописи (в том числе восковой и темперной; для монументальной живописи изобретаются новые краски - силиконовые, на кремнийорганических смолах и др.), однако по-прежнему преобладает масляная живопись.

Многонациональная советская живопись тесно связана с коммунистической идеологией, с принципами партийности и народности искусства, она представляет качественно новый этап развития живописи, который определяется торжеством метода социалистического реализма. В СССР живопись развивается во всех союзных и автономных республиках, зарождаются новые национальные школы живописи. Советской живописи присущи острое чувство реальности, материальности мира, духовная насыщенность образов. Стремление охватить социалистическую действительность во всей её сложности и полноте привело к использованию многих жанровых форм, которые наполняются новым содержанием. Уже с 20-х гг. особое значение приобретает историко-революционная тема (полотна М. Б. Грекова, А. А. Дейнеки, К. С. Петрова-Водкина, Б. В. Иогансона, И. И. Бродского, А. М. Герасимова). Далее появляются патриотические полотна, повествующие о героическом прошлом России, показывающие историческую драму Великой Отечественной войны 1941-45, духовную стойкость советского человека.

Большую роль в развитии советской живописи играет портрет: собирательные образы людей из народа, участников революционного переустройства жизни (А. Е. Архипов, Г. Г. Рижский и др.); психологические портреты, показывающие внутренний мир, духовный склад советского человека (М. В. Нестеров, С. В. Малютин, П. Д. Корин и др.).

Типичный уклад жизни советских людей отражается в жанровой живописи, дающей поэтически-яркое изображение новых людей и нового быта. Для советской живописи характерны большие полотна, проникнутые пафосом социалистического строительства (С. В. Герасимов, А. А. Пластов, Ю. И. Пименов, Т. Н. Яблонская и др.). Эстетическое утверждение своеобразных форм жизни союзных и автономных республик лежит в основе сложившихся в советской живописи национальных школ (М. С. Сарьян, Л. Гудиашвили, С. А. Чуйков, У. Тансыкбаев, Т. Салахов, Э. Илтнер, М. А. Савицкий, А. Гудайтис, А. А. Шовкуненко, Г. Айтиев и др.), представляющих составные части единой художественной культуры советского социалистического общества.

В пейзажной живописи, как и в других жанрах, национальные художественные традиции сочетаются с поисками нового, с современным чувством природы. Лирическая линия русский пейзажной живописи (В. Н. Бакшеев, Н. П. Крымов, Н. М. Ромадин и др.) дополняется развитием индустриального пейзажа с его стремительными ритмами, с мотивами преображённой природы (Б. Н. Яковлев, Г. Г. Нисский). Высокого уровня достигла натюрмортная живопись (И. И Машков, П. П. Кончаловский, М. С. Сарьян).

Эволюция социальных функций живописи сопровождается общим развитием живописной культуры. В границах единого реалистического метода советская живопись добивается многообразия художественных форм, приёмов, индивидуальных стилей. Широкий размах строительства, создание крупных общественных зданий и мемориальных ансамблей способствовали развитию монументально- декоративной живописи (работы В. А. Фаворского, Е. Е. Лансере, П. Д. Корина), возрождению техники темперной росписи, фрески и мозаики. В 60-х - начале 80-х гг. усилилось взаимовлияние монументальный и станковой живописи, возросло стремление максимально использовать и обогащать выразительные средства живописи (см. также Союз Советских Социалистических Республик и статьи о советский союзных республиках).

"Владимирская богоматерь". 1-я пол. 12 в. Третьяковская галерея. Москва.

Рафаэль. Фреска "Парнас" в Станца делла Сеньятура в Ватикане. 1509 -1511

Я. Вермер. "Бокал вина". Около 1660. Картинная галерея. Берлин-Далем.

П. В. Кузнецов. "Натюрморт с хрусталем". 1928. Русский музей. Ленинград.
Литература: ВИИ, т. 1-6, М., 1956-66; ИРИ, т. 1-13, М., 1953-69; К. Юон, О живописи, (М.-Л.), 1937; Д. И. Киплик, Техника живописи, (6 изд.), М.-Л., 1950; А. Каменский, Зрителю о живописи, М., 1959; Б. Сланский, Техника живописи, пер. с чеш., М., 1962; Г. А. Недошивин, Беседы о живописи, (2 изд.), М., 1964; Б. Р. Виппер, Статьи об искусстве, М., 1970; Ward J., History and methods of ancient and modern painting, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Painting and painters, Cleveland, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, P., 1964; Barron J. N., The language of painting, Cleveland, (1967); Nicolaus K., DuMont"s Handbuch der Gemaldekunde, Koln, 1979.

Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)

Один из видов изобразительного искусства . Живописное произведение создаётся с помощью красок, нанесённых на поверхность стены, доски, холста, металла и др. Само название «живопись» говорит о том, что художник «пишет жизнь» во всём её богатстве, многообразии и красочном блеске. В этом её отличие от чёрно-белой графики . Как никакой другой вид искусства, живопись способна воплотить всю гамму чувств, переживаний, отношений между людьми; точные наблюдения натуры и полёт фантазии, великие идеи и мгновенные впечатления, трепет жизни, воздуха и света.

Статуя объёмна, её можно обойти со всех сторон; живопись – искусство красок на плоскости; картину зритель видит лишь с одной точки зрения. Одной из задач живописи, которую каждая эпоха решает по-своему, является создание иллюзии глубины пространства, трёхмерности объёмов на плоскости. В этом заключается условность живописного языка. Кроме того, краски, имеющиеся в распоряжении художника, не тождественны реальным цветам, его палитра намного беднее природной.

Живописец отбирает в окружающем мире то, что отвечает его художественной задаче, видоизменяет, подчёркивает, обобщает многое в одном, стремится передать внутренние качества людей и законы природы, недоступные непосредственному зрению, свои переживания, своё отношение к ним. Главные выразительные средства живописи: колорит (красочная гамма, обладающая эмоциональным воздействием на зрителя); композиция (соотношение частей картины); перспектива (линейная, обратная, параллельная и др.); светотень (распределение света и тени), линии и красочные пятна; ритм, фактура (характер живописной поверхности – гладкой или рельефной). В манере письма, в движении кисти, в особенностях наложения краски на холст или другую поверхность всегда ощущается индивидуальность художника, его неповторимый творческий «почерк».

По назначению и характеру исполнения различают монументальную, станковую, декоративную и театрально-декорационную живопись. К монументальной живописи относят стенные росписи (фрески ) и мозаики, витражи, плафоны, панно , неразрывно связанные с архитектурой, со стеной (потолком, полом) здания, для которого они создавались; отчасти иконы и большие створчатые алтарные композиции («Гентский алтарь» Я. ван Эйка , 1432). Монументальные произведения нельзя перенести в другой интерьер. Иконы, складные алтари, предназначенные для храмов, технически возможно поместить в другое пространство (сейчас многие из них выставлены в музеях), однако, лишённые естественного окружения, вырванные из ансамбля, они теряют значительную часть своего воздействия на зрителя. Художественный язык монументальной живописи отличают строгость и величие, лаконизм обобщённых форм, крупные пятна цвета. Монументальная живопись существует с глубокой древности – ещё первобытные люди создавали наскальные росписи (Альтамира в Испании, 15-10-е тыс. до н. э.).

Рембрандт. «Портрет Хендрикье Стоффельс у окна». Ок. 1659 г.

Произведения станковой живописи – картины – создаются с помощью станка-мольберта и не предназначены для конкретного помещения. Первые станковые произведения появились в эпоху Возрождения (15–16 вв.). Основу (доска, холст, натянутый на подрамник, и т. д.) покрывали белым грунтом из гипса (мела), смешанного с клеем или маслом. Грунт выравнивал поверхность и «подсвечивал» красочный слой изнутри. Наряду с белыми, многие мастера (П. П. Рубенс и др.) использовали цветные (золотисто-коричневые, красные) грунты, придававшие единство колориту картины. Поверх грунта в один или несколько слоёв наносили краски; иногда готовое произведение покрывали лаком. Заключённые в раму картины подобны окну в мир, созданный фантазией художника. Как правило, в них соблюдается единство места, времени и действия.

Декоративная живопись (как сюжетная, так и орнаментальная) призвана не только украшать поверхность стены, но и акцентировать её конструктивные элементы (колонны , столбы, арки и т. д.); её выполняют в технике фрески и др. Разновидностью декоративной живописи является гризайль , широко применявшаяся для украшения дворцовых интерьеров, где она имитировала скульптурные рельефы (дворец Шереметевых в Кусково, 18 в.). Декоративными росписями украшают также керамические изделия. Роспись керамической посуды называют вазописью .

Театрально-декорационная живопись – это декорации и эскизы костюмов для театральных спектаклей и кинофильмов; наброски отдельных мизансцен.
Основные техники живописи: масляная живопись, темпера , клеевая живопись, энкаустика и др. Акварель, гуашь, пастель занимают промежуточное положение между живописными и графическими техниками. Красочные пигменты первоначально добывались из минералов (жёлто-коричневые охры – из глины, красные – из гематита, белые – из извести, чёрные – из угля или жжёной кости, синие и зелёные – из лазурита и малахита и т. д.). Позднее появились краски, изготовленные химическим путём. Во всех живописных техниках используются одни и те же пигменты, но разные связующие – жидкие и клейкие вещества, не позволяющие рассыпаться красочным порошкам. Клеевыми красками, замешанными на казеине, писали древнеегипетские мастера; эти краски не растекались, что позволяло передавать множество мелких деталей. Не дошедшие до нас картины легендарных древнегреческих мастеров и надгробные фаюмские портреты были написаны в технике энкаустики: краски вплавляли в горячий растопленный воск. Густые восковые краски позволяли создать выразительную рельефную фактуру. В Средние века входит в употребление темпера – краски, замешанные на яичном желтке или белке с разными добавками. Темперные изображения отличает приглушённость красочной гаммы. Темпера прочна и долговечна, не растрескивается со временем, в отличие от масляной живописи.

Масляная живопись появилась в эпоху Возрождения; её изобретение приписывают нидерландцу Я. ван Эйку. Пигменты разводились льняным, ореховым и др. растительными маслами; благодаря этому краски быстро сохли, их можно было накладывать тонкими, прозрачными слоями, что придавало живописи особую светоносность и блеск. Недостаток масляных красок в том, что они со временем теряют эластичность, темнеют и покрываются трещинами (кракелюрами). Работа масляными красками допускает огромное многообразие приёмов – от тонкой тщательной отделки до широкой и темпераментной живописи «alla prima»; с их помощью можно создать гладкую эмалевую поверхность и пластичную, рельефную фактуру. Именно в этой технике художник может с наибольшей полнотой выразить свою творческую индивидуальность и передать всё фактурное многообразие мира – прозрачное стекло, пушистый мех, теплоту человеческой кожи.
Истинное наслаждение для ценителей живописи представляет созерцание чуда превращения мазков в живые формы, плоти красок в плоть вещей. Мастера эпохи Возрождения, «малые голландцы », в 17 в. стремились создать ощущение «нерукотворности» изображённых предметов; они писали тончайшими кистями, накладывая мелкие, незаметные мазочки. В кон. 19 в. художники стремятся «обнажить» творческий процесс, выявить красоту не только изображённого предмета, но и фактурности самой живописной кладки (сгустки краски, её потёки и наплывы, «мозаика» мазков и т. д.). Мастера 20 в. используют всё многообразие техник и приёмов живописи.