De mest berømte klassiske musikstykker. De mest berømte klassiske musikstykker Forskellige typer keyboard-strengeinstrumenter

Så fokus for vores opmærksomhed i dag er de mest berømte klassiske musikstykker. I flere århundreder har klassisk musik været spændende for sine lyttere, og forårsaget dem storme af følelser og følelser. Hun har længe været en del af historien og er flettet sammen med nutiden med tynde tråde.

Uden tvivl vil klassisk musik i en fjern fremtid ikke være mindre efterspurgt, da et sådant fænomen i den musikalske verden ikke kan miste sin relevans og betydning.

Nævn et hvilket som helst klassisk stykke - det vil være værdigt til førstepladsen i enhver musikliste. Men da de mest berømte klassiske musikværker ikke kan sammenlignes med hinanden, på grund af deres kunstneriske unikke karakter, præsenteres de her nævnte opuser kun som værker til bekendtskab.

"Måneskinssonaten"

Ludwig van Beethoven

I sommeren 1801 blev det geniale værk af L.B. Beethoven, der var bestemt til at blive berømt over hele verden. Titlen på dette værk, "Moonlight Sonata", er kendt af absolut alle, fra gammel til ung.

Men oprindeligt havde værket titlen "Næsten Fantasy", som forfatteren dedikerede til sin unge studerende, elskede Juliet Guicciardi. Og navnet, som det er kendt under den dag i dag, blev opfundet af musikkritikeren og digteren Ludwig Rellshtab efter L.V. Beethoven. Dette værk hører til et af de mest berømte musikstykker af komponisten.

Forresten er en fremragende samling af klassisk musik repræsenteret af udgaverne af avisen "Komsomolskaya Pravda" - kompakte bøger med diske til at lytte til musik. Du kan læse om og lytte til hans musik - meget praktisk! Anbefalede bestil diske med klassisk musik direkte fra vores side : tryk på "køb"-knappen og gå straks til butikken.

"Tyrkisk marts"

Wolfgang Amadeus Mozart

Dette værk er tredje del af Sonate nr. 11, det blev født i 1783. Oprindeligt hed den "Turkish Rondo" og var meget populær blandt østrigske musikere, som senere omdøbte den. Navnet "Turkish March" blev også tildelt værket, fordi det stemmer overens med de tyrkiske janitsjarorkestre, for hvilke trommelyden er meget karakteristisk, hvilket kan spores i "Tyrkish March" af V.A. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Komponisten skrev selv dette værk til digtet "The Virgin of the Lake" af W. Scott, eller rettere til dets uddrag, og havde ikke tænkt sig at skrive en så dybt religiøs komposition til Kirken. Nogen tid efter værkets fremkomst satte en ukendt musiker, inspireret af bønnen "Ave Maria", sin tekst til musikken af ​​geniet F. Schubert.

"Impromptu Fantasy"

Frederic Chopin

F. Chopin, romantikkens geni, dedikerede dette værk til sin ven. Og det var ham, Julian Fontana, der ikke adlød forfatterens instruktioner, udgav den i 1855, seks år efter komponistens død. F. Chopin mente, at hans arbejde ligner impromptuen af ​​I. Mosheles, en discipel af Beethoven, en berømt komponist og pianist, hvilket var årsagen til afslaget på at udgive "Fantasia-Impromptu". Dette geniale værk er dog aldrig blevet betragtet som plagiat, bortset fra forfatteren selv.

"Humlebiens flugt"

Nikolay Rimsky-Korsakov

Komponisten af ​​dette værk var en fan af russisk folklore - han var interesseret i eventyr. Dette førte til skabelsen af ​​operaen "Fortællingen om Tsar Saltan" på plottet af A.S. Pushkin. En del af denne opera er mellemspillet "Humlebiens flugt". Mesterligt, utroligt levende og genialt imiterede i værket lydene af flugten af ​​dette insekt N.A. Rimsky-Korsakov.

"Caprice nr. 24"

Niccolo Paganini

Oprindeligt komponerede forfatteren alle sine caprics udelukkende for at forbedre og finpudse evnen til at spille violin. I sidste ende bragte de en masse nye og ukendte ting ind i violinmusikken. Og den 24. caprice, den sidste af kapricerne komponeret af N. Paganini, bærer en hurtig tarantella med folkelige intonationer og er også anerkendt som et af de værker, der nogensinde er skabt til violinen, som ikke har sin side i kompleksitet.

"Vocalise, opus 34, nr. 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Dette værk afslutter komponistens 34. opus, som kombinerer fjorten sange skrevet for stemme med klaverakkompagnement. Vocalise indeholder som forventet ikke ord, men udføres på én vokallyd. S.V. Rachmaninov dedikerede det til Antonina Nezhdanova, en operasangerinde. Meget ofte opføres dette stykke på en violin eller cello, akkompagneret af klaverakkompagnement.

"Måneskin"

Claude Debussy

Dette værk er skrevet af komponisten under indtryk af linjerne i et digt af den franske digter Paul Verlaine. Navnet formidler meget tydeligt den blødhed og rørende melodi, som påvirker lytterens sjæl. Dette populære værk af den geniale komponist C. Debussy lyder i 120 film fra forskellige generationer.

Som altid, den bedste musik er i vores gruppe i kontakt .

Lyt til noget fra klassikerne - hvad kunne være bedre?! Især i weekenden, hvor du vil slappe af, glemme dagens bekymringer, arbejdsugens bekymringer, drømme om det smukke og bare muntre dig selv op. Tænk bare, klassiske værker blev skabt af geniale forfattere for så længe siden, at det er svært at tro, at noget kan overleve i så mange år. Og disse værker bliver stadig elsket og lyttet til, de skaber arrangementer og moderne fortolkninger. Selv i moderne forarbejdning forbliver geniale komponisters værker klassisk musik. Som han indrømmer, er klassiske værker geniale, og alt genialt kan ikke være kedeligt.

Sandsynligvis har alle store komponister et særligt øre, en særlig følsomhed over for tone og melodi, som gjorde det muligt for dem at skabe musik, som nydes af snesevis af generationer, ikke kun af deres landsmænd, men også af klassisk musikfans over hele verden. Hvis du stadig er i tvivl om du elsker klassisk musik, så skal du mødes med, og du vil være overbevist om, at du faktisk allerede er en mangeårig fan af fantastisk musik.

Og i dag vil vi tale om de 10 mest berømte komponister i verden.

Johann Sebastian Bach

Førstepladsen hører fortjent til. Et geni blev født i Tyskland. Den mest talentfulde komponist skrev musik til cembalo og orgel. Komponisten skabte ikke en ny musikstil. Men han var i stand til at skabe perfektion i alle stilarter af sin tid. Han er forfatter til over 1000 kompositioner. I sine værker Bach kombinerede forskellige musikstile, som han stiftede bekendtskab med i løbet af sit liv. Musikalsk romantik blev ofte kombineret med barokstilen. I livet Johann Bach som komponist fik han ikke den anerkendelse, den fortjente, interessen for hans musik opstod næsten 100 år efter hans død. I dag kaldes han en af ​​de største komponister, der nogensinde har levet på jorden. Hans unikke karakter som person, lærer og musiker afspejlede sig i hans musik. Bach lagde grundlaget for moderne og moderne musik, og opdelte musikkens historie i før-Bach og post-Bach. Det menes, at musik Bach dyster og dyster. Hans musik er ret grundlæggende og solid, behersket og fokuseret. Som refleksioner af en moden, klog person. Skabelse Bach påvirket mange komponister. Nogle af dem tog et eksempel fra hans værker eller brugte temaer fra dem. Og musikere fra hele verden spiller musik Bach beundrer hendes skønhed og perfektion. Et af de mest opsigtsvækkende værker - "Brandenburg Koncerter"- fremragende bevis på, at musik Bach kan ikke betragtes som for dyster:

Wolfgang Amadeus Mozart

Det betragtes med rette som et geni. I en alder af 4 spillede han allerede frit på violin og cembalo, i en alder af 6 begyndte han at komponere musik, og i en alder af 7 improviserede han dygtigt cembalo, violin og orgel og konkurrerede med berømte musikere. Allerede som 14-årig Mozart- en anerkendt komponist og i en alder af 15 - medlem af musikakademierne i Bologna og Verona. Af natur besad han et fænomenalt øre for musik, hukommelse og evnen til at improvisere. Han har skabt et forbløffende antal værker - 23 operaer, 18 sonater, 23 klaverkoncerter, 41 symfonier og mere. Komponisten ønskede ikke at efterligne, han forsøgte at skabe en ny model, der afspejlede musikkens nye personlighed. Det er ikke tilfældigt, at musik i Tyskland Mozart kaldes "sjælens musik", i sine værker viste komponisten træk ved sin oprigtige, kærlige natur. Den største melodist lagde særlig vægt på opera. Opera Mozart- en æra i udviklingen af ​​denne type musikkunst. Mozart bredt anerkendt som en af ​​de største komponister: hans unikke karakter ligger i det faktum, at han arbejdede i alle musikalske former i sin tid og opnåede den største succes i alle. En af de mest genkendelige stykker - "Tyrkisk marts":

Ludwig van Beethoven

En anden stor tysker var en vigtig skikkelse i den romantisk-klassiske periode. Selv dem, der ikke ved noget om klassisk musik, ved om det. Beethoven Er en af ​​de mest fremførte og respekterede komponister i verden. Den store komponist var vidne til de voldsomme omvæltninger, der fandt sted i Europa og tegnede sit kort om. Disse store omvæltninger, revolutioner og militære konfrontationer afspejlede sig i komponistens værker, især i symfoniske. Han legemliggjorde i musikken billederne af heroisk kamp. I udødelige værker Beethoven du vil høre menneskers kamp for frihed og broderskab, urokkelig tro på lysets sejr over mørket, såvel som drømme om frihed og lykke for menneskeheden. En af de mest berømte og fantastiske fakta i hans liv er, at øresygdom udviklede sig til fuldstændig døvhed, men på trods af dette fortsatte komponisten med at skrive musik. Han blev også betragtet som en af ​​de fineste pianister. musik Beethoven overraskende enkel og forståelig for det bredeste udvalg af lyttere. Generationer skifter, og endda epoker, og musik Beethoven stadig begejstrer og glæder folks hjerter. Et af hans bedste værker - "Måneskinssonaten":

Richard Wagner

Med den stores navn Richard Wagner oftest forbundet med hans mesterværker "Bryllupskor" eller "Valkyriernes flugt"... Men han er ikke kun kendt som komponist, men også som filosof. Wagner betragtede hans musikalske værker som en måde at udtrykke et bestemt filosofisk begreb på. MED Wagner en ny musikalsk æra af operaer begyndte. Komponisten forsøgte at bringe operaen tættere på livet, musik for ham er kun et middel. Richard Wagner- skaberen af ​​musikdrama, reformator af operaer og dirigentkunsten, fornyer af musikkens harmoniske og melodiske sprog, skaberen af ​​nye musikalske udtryksformer. Wagner- forfatteren til verdens længste soloarie (14 minutter 46 sekunder) og verdens længste klassiske opera (5 timer og 15 minutter). I livet Richard Wagner blev betragtet som en kontroversiel person, der enten var tilbedt eller hadet. Og ofte begge sammen. Mystisk symbolisme og antisemitisme gjorde ham til Hitlers yndlingskomponist, men lukkede vejen for hans musik til Israel. Hverken tilhængere eller modstandere af komponisten benægter dog hans storhed som komponist. Fantastisk musik fra de første toner Richard Wagner absorberer dig sporløst og efterlader ikke plads til tvister og uenigheder:

Franz Schubert

Den østrigske komponist er et musikalsk geni, en af ​​de bedste sangskrivere. Han var kun 17, da han skrev sin første sang. Han kunne skrive 8 sange på en dag. I løbet af sit kreative liv skabte han mere end 600 kompositioner baseret på vers fra mere end 100 store digtere, herunder Goethe, Schiller og Shakespeare. Derfor Franz Schubert i top 10. Selvom kreativitet Schubert meget forskelligartet, hvad angår brugen af ​​genrer, ideer og reinkarnationer, er vokal- og sangtekster fremherskende og bestemmende i hans musik. Før Schubert sangen blev betragtet som en ubetydelig genre, og det var ham, der ophøjede den til graden af ​​kunstnerisk perfektion. Desuden kombinerede han en tilsyneladende usammenhængende sang og kammersymfonisk musik, hvilket gav anledning til en ny retning af lyrisk-romantisk symfoni. Vokal- og sangtekster er en verden af ​​enkle og dybe, subtile og endda intime menneskelige oplevelser, udtrykt ikke i ord, men i lyd. Franz Schubert levede et meget kort liv, kun 31 år gammel. Skæbnen for komponistens værker er ikke mindre tragisk end hans liv. Efter døden Schubert mange uudgivne manuskripter blev tilbage, opbevaret i bogkasser og skuffer hos slægtninge og venner. Selv de nærmeste mennesker vidste ikke alt, hvad han skrev, og i mange år blev han hovedsagelig kun anerkendt som sangens konge. Nogle af komponistens værker udkom kun et halvt århundrede efter hans død. Et af de mest elskede og berømte værker Franz Schubert – "Aftenserenade":

Robert Schumann

Med en lige så tragisk skæbne er den tyske komponist en af ​​romantikkens bedste komponister. Han skabte musik af fantastisk skønhed. For at få en idé om tysk romantik fra det 19. århundrede, skal du bare lytte til "Karneval" Robert Schumann... Han var i stand til at bryde ud af de musikalske traditioner fra den klassiske æra og skabe sin egen fortolkning af den romantiske stil. Robert Schumann var begavet med mange talenter og kunne selv i lang tid ikke vælge mellem musik, poesi, journalistik og filologi (han var en polyglot og oversatte flydende fra engelsk, fransk og italiensk). Han var også en fantastisk pianist. Og dog hovedkaldet og passionen Schumann der var musik. I hans poetiske og dybt psykologiske musik afspejler musikken i høj grad dualiteten i komponistens natur, en impuls af passion og tilbagetrækning ind i drømmenes verden, en bevidsthed om vulgær virkelighed og en stræben efter idealet. Et af mesterværkerne Robert Schumann, som alle skal høre:

Frederic Chopin

Måske den mest berømte polak i musikkens verden. Hverken før eller efter komponisten blev født et musikalsk geni på dette niveau i Polen. Polakker er utroligt stolte af deres store landsmand, og i sit arbejde synger filmkomponisten gentagne gange om hjemlandet, beundrer landskabernes skønhed, beklager den tragiske fortid, drømmer om en stor fremtid. Frederic Chopin Er en af ​​de få komponister, der udelukkende skrev musik til klaveret. Der er ingen operaer eller symfonier i hans kreative arv, men klaverstykker præsenteres i al deres mangfoldighed. Hans værker danner grundlaget for repertoiret af mange berømte pianister. Frederic Chopin Er en polsk komponist, der også er kendt som en talentfuld pianist. Han levede kun 39 år, men formåede at skabe mange mesterværker: ballader, præludier, valse, mazurkaer, nocturner, polonaiser, etuder, sonater og meget, meget mere. En af dem - "Ballade nr. 1, g-mol".

Franz Liszt

Han er en af ​​de største komponister i verden. Han levede et relativt langt og overraskende rigt liv, oplevede fattigdom og rigdom, mødte kærligheden og mødte foragt. Ud over sit talent fra fødslen havde han en fantastisk arbejdsevne. Franz Liszt har tjent ikke kun beundring fra kendere og fans af musik. Både som komponist og som pianist modtog han universel anerkendelse fra europæiske kritikere fra det 19. århundrede. Han har skabt over 1300 værker og lignende Frederic Chopin gav fortrinsret til værker for klaver. En genial pianist Franz Liszt han forstod at gengive lyden af ​​et helt orkester på klaveret, dygtigt improviseret, besad en fantastisk hukommelse af musikalske kompositioner, han havde ingen side til synelæsning. Han havde en patetisk præstationsstil, som også afspejlede sig i hans musik, følelsesmæssigt passioneret og heroisk opløftende, skabte farverige musikalske billeder og gjorde et uudsletteligt indtryk på lytterne. Komponistens visitkort er klaverkoncerter. Et af disse værker. Og et af de mest berømte værker Blad – "Drømme om kærlighed":

Johannes Brahms

En væsentlig figur i den romantiske periode i musikken er Johannes Brahms... Lyt og elsk musik Brahms betragtes som god smag og et karakteristisk træk af romantisk karakter. Brahms skrev ikke en eneste opera, men han skabte værker i alle andre genrer. Særlig herlighed Brahms medbragte sine symfonier. Allerede i de første værker manifesteres komponistens originalitet, som med tiden har forvandlet sig til sin egen stil. Hvis vi betragter alle værkerne Brahms, kan det ikke siges, at komponisten var stærkt påvirket af sine forgængeres eller samtidiges arbejde. Og efter omfanget af kreativitet Brahms ofte sammenlignet med Bach og Beethoven... Måske er denne sammenligning begrundet i den forstand, at de tre store tyskeres værker repræsenterer kulminationen på en hel epoke i musikhistorien. I modsætning til Franz Liszt liv Johannes Brahms var blottet for turbulente begivenheder. Han foretrak rolig kreativitet, i løbet af sin levetid opnåede han anerkendelse af sit talent og universelle respekt, og blev også tildelt en betydelig hæder. Den mest fremragende musik, hvor kreativ kraft Brahms havde en særlig levende og original virkning, er hans "Tysk Requiem", et værk, som forfatteren har skabt i 10 år og dedikeret til sin mor. I din musik Brahms forherliger menneskelivets evige værdier, som ligger i naturens skønhed, kunsten af ​​fortidens store talenter, kulturen i deres hjemland.

Giuseppe Verdi

Hvad er de ti bedste komponister uden?! Den italienske komponist er bedst kendt for sine operaer. Han blev Italiens nationale berømmelse, hans arbejde er kulminationen på udviklingen af ​​italiensk opera. Hans præstationer og fortjenester som komponist kan ikke overvurderes. Hans værker til denne dag, et århundrede efter forfatterens død, forbliver de mest populære, universelt udførte, kendt af både kendere og elskere af klassisk musik.

Til Verdi det vigtigste i operaen var dramaet. De musikalske billeder af Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona skabt af komponisten kombinerer organisk lys melodi og dybde af helte, demokratiske og sofistikerede musikalske karakteristika, voldelige lidenskaber og lyse drømme. Verdi var en rigtig psykolog i at forstå menneskelige lidenskaber. Hans musik er adel og kraft, fantastisk skønhed og harmoni, usigeligt smukke melodier, vidunderlige arier og duetter. Passioner koger, komedie og tragedie fletter sig sammen og smelter sammen. Plots af operaer, ifølge ham selv Verdi, skal være "original, interessant og ... lidenskabelig, med passion over alt andet." Og de fleste af hans værker er alvorlige og tragiske, viser følelsesmæssige dramatiske situationer og de stores musik Verdi giver udtryksfuldhed til det, der sker, og understreger situationens accenter. Efter at have absorberet alt det bedste, der blev opnået af den italienske operaskole, fornægtede han ikke operatraditioner, men reformerede italiensk opera, fyldte den med realisme og gav den enhed af en helhed. Samtidig erklærede han ikke sin reform, skrev ikke artikler om den, men skrev blot operaer på en ny måde. Triumftog af et af mesterværkerne Verdi- operaer - fejede hen over italienske scener og fortsatte i Europa, såvel som i Rusland og Amerika, hvilket tvang selv skeptikere til at anerkende den store komponists talent.

10 mest berømte komponister i verden opdateret: 13. april 2019 af forfatteren: Helena

Jeg må indrømme, at jeg taler om cembalo som et dybt personligt emne for mig. Med hensyn til det i næsten fyrre år, blev jeg gennemsyret af den dybeste hengivenhed for visse forfattere og spillede til koncerter hele cyklusser af alt, hvad de skrev til dette instrument. Det drejer sig primært om François Couperin og Johann Sebastian Bach. Jeg håber, at dette vil tjene som en undskyldning for min afhængighed, som jeg frygter, at jeg ikke vil være i stand til at undgå.

ENHED

En stor familie af klaviaturstrengede plukkede instrumenter er kendt. De varierer i størrelse, form og lyd (farve) ressourcer. Næsten alle håndværkere, der lavede sådanne instrumenter i gamle dage, søgte at bringe noget af sit eget ind i deres design.

Der er meget forvirring om, hvad de hed. I de mest generelle termer er instrumenterne i deres form opdelt i langsgående (ligner et lille flygel, men med kantede former - formen på et flygel er afrundet) og rektangulære. Naturligvis er denne forskel på ingen måde dekorativ: Med et andet arrangement af strengene i forhold til keyboardet, påvirker det sted på strengen, hvor plukningen, som er karakteristisk for alle disse instrumenter, meget betydeligt klangen i klangen.

J. Vermeer Delft. Kvinde siddende ved cembalo
OKAY. 1673-1675. National Gallery, London

Cembalo er det største og mest komplekse instrument i denne familie.

I Rusland siden det 18. århundrede. det mest udbredte var instrumentets franske navn - cembalo ( clavecin), men det findes hovedsageligt i musikalsk og akademisk praksis, og italiensk - tambalo ( cembalo; Italienske navne er også kendt clavicembalo, gravicembalo). I musikologisk litteratur, især når det kommer til engelsk barokmusik, forekommer det engelske navn på dette instrument uden oversættelse cembalo.

I en cembalo er hovedtræk ved lydproduktion, at en såkaldt jumper (ellers - en pusher) er installeret i den bagerste ende af nøglen, i den øverste del af hvilken en fjer er fastgjort. Når musikeren trykker på en tangent, hæver den bagerste ende af tangenten sig (da tangenten er et håndtag), og springeren bevæger sig op, og fjeren plukker strengen. Når nøglen slippes, glider fjeren lydløst takket være en fjeder, der tillader den at bøje lidt.

Forskellige typer keyboard-strengeinstrumenter

Det er bemærkelsesværdigt, at beskrivelsen af ​​springerens handling, og usædvanlig nøjagtig, blev givet af W. Shakespeare i hans 128. sonet. Af de mange oversættelsesmuligheder er essensen af ​​at spille cembalo mest præcis - ud over den kunstneriske og poetiske side - formidles af Modest Tchaikovskys oversættelse:

Når du, min musik, spiller
Du sætter disse nøgler i bevægelse
Og med dine fingre kærtegnende dem så ømt,
Strengenes konsonans giver anledning til beundring,
Så ser jeg med jalousi på nøglerne,
Hvordan de klamrer sig til dine håndflader;
Læberne brænder og længes efter et kys
De ser misundeligt på deres uforskammethed.
Åh, hvis skæbnen pludselig vendte sig
Mig i rækken af ​​disse tørre dansere!
Glad for at din hånd gled på dem, -
Deres sjæleløshed er mere velsignet end de levendes læber.
Men hvis de er glade, så
Lad dem kysse deres fingre, mine læber.

Af alle typer klaviaturstrengede plukkede instrumenter er cembalo det største og mest komplekse. Det bruges både som soloinstrument og som ledsageinstrument. Det er uundværligt i barokmusik som ensemble. Men før vi taler om det enorme repertoire for dette instrument, er det nødvendigt at forklare noget andet i dets konstruktion.

På cembaloen er alle farver (klang) og dynamikker (det vil sige lydens kraft) i første omgang lagt ned i selve instrumentet af skaberen af ​​hver enkelt cembalo. Heri ligner det til en vis grad et organ. På cembalo kan du ikke ændre lyden ved at ændre styrken af ​​tastetrykket. Til sammenligning: På klaveret ligger hele fortolkningskunsten i blækkets rigdom, det vil sige i de mange forskellige måder at trykke eller slå på tangenten.

Cembalo mekanisme diagram

Ris. EN: 1. Shteg; 2. Spjæld; 3. Jumper (skubber); 4. Register bar; 5. Shteg;
6. Jumper (skubber) ramme; 7. Nøgle

Ris. B. Jumper (skubber): 1. Dæmper; 2. Snor; 3. Fjer; 4. Tunge; 5. Polster; 6. Forår

Det afhænger selvfølgelig af følsomheden af ​​cembalistens spil, om instrumentet lyder musikalsk eller "som en grydeske" (omtrent som Voltaire udtrykte det). Men lydens styrke og klang afhænger ikke af cembalospilleren, da der er en kompleks transmissionsmekanisme i form af en jumper og en fjer mellem cembalistens finger og strengen. Igen, til sammenligning: På klaveret påvirker det at slå på tangenten direkte virkningen af ​​hammeren, der rammer strengen, mens på cembalo er effekten på fjeren indirekte.

HISTORIE

Cembaloens tidlige historie går århundreder tilbage. Han blev første gang nævnt i John de Muris' afhandling "Musikkens spejl" (1323). En af de tidligste afbildninger af cembalo er i Weimars Miraklerbog (1440).

I lang tid troede man, at det ældste overlevende instrument blev lavet af Hieronymus fra Bologna og dateret 1521. Det opbevares i London, på Victoria and Albert Museum. Men for nylig er det blevet fastslået, at der findes et instrument, der er flere år ældre, også skabt af den italienske mester - Vincentius fra Livigimeno. Det blev præsenteret for pave Leo X. Dets produktion blev påbegyndt, ifølge inskriptionen på sagen, den 18. september 1515.

Cembalo. Weimar Miraklernes Bog. 1440

For at undgå lydens monotoni begyndte cembalomestre på et tidligt stadium af instrumentets udvikling at forsyne hver toneart med ikke én streng, men to, naturligvis, af forskellig klangfarve. Men det stod hurtigt klart, at der af tekniske årsager ikke kunne bruges mere end to sæt strenge til ét keyboard. Så opstod ideen om at øge antallet af tastaturer. Ved det 17. århundrede. de rigeste musikalsk cembalo er instrumenter med to tangenter (ellers manualer, fra lat. manus- "hånd").

Fra et musikalsk synspunkt er et sådant instrument det bedste redskab til at udføre et varieret barokrepertoire. Mange værker af cembaloens klassikere er skrevet med henblik på effekten af ​​at spille på to tangenter, for eksempel en række sonater af Domenico Scarlatti. F. Couperin foreskrev specielt i forordet til den tredje samling af hans cembalostykker, at han lagde de stykker, han kalder, i den. "Bykker croisees"(leger med krydsende [hænder]). "Sykker med et sådant navn," fortsætter komponisten, "bør opføres på to tangenter, hvoraf det ene, ved at skifte register, skulle lyde dæmpet." For dem, der ikke har en dobbeltmanuel cembalo, giver Couperin råd om, hvordan man spiller et instrument med ét keyboard. Men i en række tilfælde er kravet om to-manuel cembalo en uundværlig betingelse for en fuldgyldig kunstnerisk fremførelse af et værk. Så Bach på forsiden af ​​samlingen indeholdende den berømte "franske ouverture" og "italiensk koncert" påpegede: "for et keyboard med to manualer."

Ud fra synet på cembaloens udvikling viste to manualer sig ikke at være grænsen: Vi kender eksempler på cembalo med tre keyboards, selvom vi ikke kender til værker, der kategorisk ville kræve et sådant instrument til deres fremførelse. Det er snarere de tekniske tricks af individuelle cembalo-mestre.

Cembalo i perioden med sin strålende storhedstid (XVII-XVIII århundreder) blev spillet af musikere, der ejede alle de keyboardinstrumenter, der var i brug på det tidspunkt, nemlig orglet og clavichordet (det er derfor, de blev kaldt clavister).

Cembalo blev skabt ikke kun af cembalo-håndværkere, men også af håndværkere, der byggede orgler. Og det var naturligt at anvende nogle grundlæggende ideer i cembalokonstruktionen, som allerede var meget brugt i design af orgler. Med andre ord fulgte cembalo-mestre orgelbyggernes vej med at udvide deres instrumenters registerressourcer. Hvis der på orglet var flere og flere sæt piber fordelt mellem manualerne, så begyndte man på cembalo at bruge et større antal sæt strygere, også fordelt mellem manualerne. Med hensyn til lydstyrke adskilte disse cembalo-registre sig ikke for meget, men klangmæssigt var det ret markant.

Titelside på den første musiksamling
for jomfruen "Parfenia". London. 1611

Så ud over to sæt strenge (en for hvert keyboard), som lød unisont og i tonehøjde svarede til de lyde, der blev optaget i tonerne, kunne der være fire-fods og seksten-fods registre. (Selv betegnelsen på registrene blev lånt af cembalomestrene fra orgelbyggere: rør orgler er angivet med fod, og de hovedregistre, der svarer til notationen, er de såkaldte otte-fod, mens de piber, der udsender lyde en oktav højere end de noterede, kaldes fire-fod, en oktav lavere - seksten-fod, henholdsvis. På cembalo, i samme takter, registrene dannet af sættene strenge.)

Således lydområdet for en stor koncert-cembalo fra midten af ​​1700-tallet. var ikke blot ikke smallere end et klaver, men endnu bredere. Og det til trods for, at cembalomusikkens nodebetegnelse ser smallere ud i rækkevidde end klavermusikkens.

MUSIK

Ved det 18. århundrede. cembaloen har oparbejdet et usædvanligt rigt repertoire. Han, som et ekstremt aristokratisk instrument, spredte sig over hele Europa med sine lyse apologeter overalt. Men hvis vi taler om de mest magtfulde skoler i det 16. - tidlige 17. århundrede, så skal vi først og fremmest nævne de engelske jomfruelister.

Vi vil ikke fortælle historien om jomfruen her, vi vil kun bemærke, at dette er en slags keyboard-plukkede strengeinstrumenter, der i lyd ligner cembaloen. Det er bemærkelsesværdigt, at i en af ​​de sidste grundige undersøgelser af cembaloens historie ( Kottick E. En historie om cembaloen. Bloomington. 2003) virginel, ligesom spinet (en anden sort), betragtes som i mainstream af udviklingen af ​​selve cembaloen.

Med hensyn til navnet på virginel er det værd at bemærke, at en af ​​de foreslåede etymologier bringer det til engelsk jomfru og videre til latin jomfru, altså "jomfru", da Elizabeth I, jomfrudronningen, elskede at spille jomfru. Faktisk dukkede virginel op før Elizabeth. Oprindelsen af ​​udtrykket "virginel" er mere korrekt at lede fra et andet latinsk ord - virga("Stick"), som angiver samme jumper.

Det er interessant, at i den gravering, der pryder den første trykte udgave af musik til jomfruen ("Parfenia"), er musikeren afbildet i skikkelse af en kristen jomfru - St. Cecilia. Selve navnet på samlingen kommer i øvrigt fra det græske. parthenos hvilket betyder "jomfru".

Til at dekorere denne udgave blev der brugt en gravering fra maleriet af den hollandske kunstner Hendrik Goltzius “St. Cecilia". Gravøren spejlede dog ikke billedet på tavlen, så både selve graveringen og kunstneren viste sig at være omvendt - hendes venstre hånd er meget mere udviklet end den højre, hvilket selvfølgelig ikke kunne have været med datidens jomfrueist. Der er tusindvis af sådanne forglemmelser på graveringerne. Udseendet af en ikke-musiker bemærker ikke dette, men musikeren ser straks gravørens fejl.

Adskillige vidunderlige sider fulde af entusiastiske følelser blev dedikeret til de engelske jomfruelisters musik af grundlæggeren af ​​genoplivningen af ​​cembalo i det 20. århundrede. den vidunderlige polske cembalospiller Wanda Landowska: "Udstøbt af hjerter, der er mere værdige end vores, og fodret af folkesange, gammel engelsk musik - glødende eller fredfyldt, naiv eller patetisk - synger om naturen og kærligheden. Hun forstørrer livet. Hvis hun vender sig til mystik, så ærer hun Gud. Umiskendeligt værksted, hun er spontan og vovet. Det virker ofte mere moderne end det nyeste og avancerede. Åbn dit hjerte for charmen ved denne musik, i det væsentlige ukendt. Glem, at hun er gammel, og antag ikke, at hun på grund af dette er blottet for menneskelig følelse."

Disse linjer blev skrevet i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. I løbet af det seneste århundrede er der blevet gjort meget for at afsløre og evaluere i sin helhed den uvurderlige musikalske arv fra jomfrufolket. Og hvad er disse navne! Komponisterne William Bird og John Bull, Martin Pearson og Gil Farneby, John Munday og Thomas Morley ...

Der var tætte kontakter mellem England og Holland (allerede indgraveringen af ​​"Parthenia" vidner om dette). Cembaloer og jomfruer af hollandske håndværkere, især fra Ruckers-dynastiet, var velkendte i England. Samtidig kan Holland på en mærkelig måde ikke selv prale af en så lys komponistskole.

På kontinentet var de oprindelige cembaloskoler italienske, franske og tyske. Vi vil kun nævne deres tre hovedrepræsentanter - François Couperin, Domenico Scarlatti og Johann Sebastian Bach.

Et af de klare og tydelige tegn på en fremragende komponists gave (hvilket gælder for enhver komponist i enhver æra) er hans egen, rent personlige, unikke udtryksstil. Og i den samlede masse af utallige forfattere vil der ikke være så mange ægte skabere. Disse tre navne tilhører bestemt skaberne. Hver af dem har deres egen unikke stil.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668-1733) - en sand digter af cembalo. Sandsynligvis kunne han betragte sig selv som en lykkelig person: alle (eller næsten alle) hans cembaloværker, det vil sige præcis det, der udgør hans berømmelse og verdensbetydning, blev udgivet af ham og udgør fire bind. Således har vi en omfattende forståelse af hans cembalo-arv. Forfatteren af ​​disse linjer var så heldig at udføre en komplet cyklus af Couperins cembalo-kompositioner i otte koncertprogrammer, som blev præsenteret på festivalen for hans musik, der blev afholdt i Moskva under protektion af hr. Pierre Morel, Frankrigs ambassadør i Rusland.

Jeg ville ønske, jeg kunne tage min læser i hånden, føre ham hen til cembaloen og spille for eksempel "French Masquerade, or Masks of Dominoes" af Couperin. Hvor meget charme og charme er der! Men hvor meget psykologisk dybde også. Her har hver maske en bestemt farve og - hvad der er meget vigtigt - karakter. Forfatterens bemærkninger forklarer billederne og farverne. Der er tolv masker (og farver) i alt, og de vises i en bestemt rækkefølge.

Jeg havde allerede en gang en grund til at huske dette skuespil af Couperin i forbindelse med historien om "Sorte Plads" af K. Malevich (se "Kunst" nr. 18/2007). Faktum er, at Couperins farveskema, der starter med hvid (den første variation, der symboliserer Jomfrudommen), slutter med en sort maske (Fury eller Despair). Således skabte to skabere af forskellige epoker og forskellige kunster værker med dyb symbolsk betydning: i Couperin symboliserer denne cyklus perioder af menneskets liv - en persons aldre (tolv i henhold til antallet af måneder, hvert seks år - dette er en allegori kendt i barokken). Som et resultat har Couperin en sort maske, Malevich har en sort firkant. Hos begge er udseendet af sort resultatet af mange kræfters handling. Malevich sagde ligeud: "Jeg anser hvid og sort for at være afledt af farver og farveskemaer." Couperin introducerede os til denne farverige serie.

Det er tydeligt, at Couperin havde fantastiske cembalo til sin rådighed. Det er ikke overraskende - han var trods alt hoffet cembalo for Ludvig XIV. Instrumenterne med deres lyd var i stand til at formidle den fulde dybde af komponistens ideer.

Domenico Scarlatti(1685-1757). Denne komponist har en helt anden stil, men ligesom Couperins er en umiskendelig håndskrift det første og åbenlyse tegn på genialitet. Dette navn er uløseligt forbundet med cembalo. Selvom Domenico i sine yngre år skrev forskellig musik, blev han senere berømt netop som forfatter til et stort antal (555) cembalosonater. Scarlatti udvidede usædvanligt cembaloens præstationsevner, indført i teknikken til at spille det på en hidtil uset virtuos skala.

En slags parallel til Scarlatti i klavermusikkens senere historie er Franz Liszts værk, der som bekendt specielt studerede Domenico Scarlattis udførelsesteknikker. (Forresten, så snart vi taler om paralleller til klaverkunsten, så havde Couperin også i en vis forstand en åndelig arving - dette var selvfølgelig F. Chopin.)

Den anden halvdel af sit liv var Domenico Scarlatti (ikke at forveksle med sin far, den berømte italienske operakomponist Alessandro Scarlatti) den spanske dronning Maria Barbaras hof-cembalist, og langt størstedelen af ​​hans sonater blev skrevet specielt til hende. Man kan roligt konkludere, at hun var en vidunderlig cembalospiller, hvis hun spillede disse til tider ekstremt teknisk komplekse sonater.

J. Vermeer Delft. Pigen ved spinet. OKAY. 1670. Privat samling

I den forbindelse husker jeg et brev (1977), som jeg modtog fra den fremragende tjekkiske cembalospiller Zuzanna Ruzickova: "Kære hr. Maykapar! Jeg har en anmodning til dig. Der er som bekendt stor interesse for autentiske cembalo nu, og der foregår en del diskussion omkring dette. Et af nøgledokumenterne i diskussionen om disse instrumenter i forbindelse med D. Scarlatti er Vanloos maleri, som forestiller Maria Barbara af Portugal, hustru til Philip V. (Z. Ruzickova tog fejl - Maria Barbara var hustru til Ferdinand VI, søn af Philip V. - ER.). Raphael Puyana (stor moderne fransk cembalist - ER.) mener, at maleriet er malet efter Maria Barbaras død og derfor ikke kan være en historisk kilde. Maleriet er i Eremitagen. Det ville være meget vigtigt, hvis du kunne sende mig dokumenter på dette billede."

Fragment. 1768. Eremitage, Sankt Petersborg

Billedet, der henvises til i brevet, er "Sextet" af L.M. Wanloo (1768).

Det er i Eremitagen, i lagerhuset i afdelingen for fransk maleri i det 18. århundrede. Afdelingsforvalter I.S. Nemilova, efter at have lært om formålet med mit besøg, eskorterede mig til et stort rum, eller rettere endda en hal, hvor der er malerier, der ikke var inkluderet i hovedudstillingen. Hvor mange værker, viser det sig, opbevares her, som er af stor interesse set fra et musikalsk ikonografisk synspunkt! En efter en satte vi store rammer frem, hvorpå 10-15 malerier var installeret, undersøgte de emner, der interesserede os. Og endelig LM's sekstet. Wanloo.

Ifølge nogle rapporter forestiller dette maleri den spanske dronning Maria Barbara. Hvis denne hypotese blev bevist, så kunne vi have et cembalo spillet af Scarlatti selv! Hvad er begrundelsen for at genkende Maria Barbara i cembalospilleren afbildet i Vanloos maleri? For det første forekommer det mig, at der virkelig er en ydre lighed mellem den her afbildede dame og de berømte portrætter af Maria Barbara. For det andet boede Vanloo relativt længe ved det spanske hof og kunne derfor godt male et billede af et tema fra dronningens liv. For det tredje er et andet navn for billedet også kendt - "Den spanske koncert", og for det fjerde er nogle udenlandske musikforskere (for eksempel K. Sachs) overbevist om, at billedet er Maria Barbara.

Men Nemilova tvivlede ligesom Rafael Puyana på denne hypotese. Maleriet er malet i 1768, det vil sige tolv år efter kunstnerens afrejse fra Spanien og ti år efter Maria Barbaras død. Historien om hendes ordre er kendt: Catherine II overbragte Vanloo gennem Prins Golitsyn et ønske om at få et maleri af hans pensel. Dette værk kom straks til St. Petersborg og blev holdt her hele tiden, Golitsyn gav det til Ekaterina som en "Koncert". Hvad angår navnet "Spansk koncert", spillede spanske kostumer, hvor karaktererne er afbildet, en rolle i dets fremkomst, og, som Nemilova forklarede, er disse teatralske kostumer, og ikke dem, der dengang var på mode.

V. Landowska

På billedet henledes naturligvis opmærksomheden på cembaloen - et to-manuelt instrument med karakteristik af første halvdel af 1700-tallet. farven på tangenterne, det modsatte af den moderne (dem på klaveret er sorte, på denne cembalo er hvide og omvendt). Derudover mangler den stadig pedaler til at skifte register, selvom de allerede var kendt på det tidspunkt. Denne forbedring findes på de fleste moderne koncert-dual-manual cembalo. Behovet for at skifte register manuelt dikterede en vis tilgang til valget af registrering på cembalo.

På nuværende tidspunkt er to retninger klart defineret i den udførende praksis: tilhængerne af den første mener, at man skal bruge alle instrumentets moderne muligheder (for eksempel V. Landowska og forresten Zuzanna Ruzichkova havde denne mening). andre mener, at man, når man udfører tidlig musik på moderne cembalo, ikke bør gå ud over de fremførelsesmidler, som de gamle mestre skrev i forventning om (som Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, den samme Rafael Puyana og andre mener).

Da vi har været så meget opmærksomme på Vanloo's maleri, bemærker vi, at kunstneren selv til gengæld viste sig at være en karakter i et musikalsk portræt: et cembalostykke af den franske komponist Jacques Dufli er kendt, som kaldes "Vanloo" .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685-1750). Hans cembalo-arv er af enestående værdi. Min erfaring med at optræde til koncerter alt, hvad Bach skrev til dette instrument, vidner om: hans arv passer ind i femten (!) koncertprogrammer. Samtidig er det nødvendigt at tælle separat koncerter for cembalo og strygere, samt en masse ensemblestykker, som er utænkelige uden cembalo.

Det skal indrømmes, at for al det unikke ved Couperin og Scarlatti dyrkede hver af dem en individuel stil. Bach var alsidig. Den allerede nævnte "italiensk koncert" og "fransk ouverture" er eksempler på Bachs undersøgelse af musikken i disse nationale skoler. Og disse er blot to eksempler, der i deres titler afspejler Bachs bevidsthed. Her kan du tilføje hans cyklus af "franske suiter". Man kunne spekulere i den engelske indflydelse i hans "English Suites". Og hvor mange musikalske samples af forskellige stilarter er der i de af hans værker, som ikke afspejler dette i deres navne, men er indeholdt i selve musikken! Det er overflødigt at sige, hvor bredt den indfødte tyske klavertradition er syntetiseret i hans arbejde.

Vi ved ikke præcist, hvilke cembalo Bach spillede, men vi ved, at han var interesseret i alle de tekniske nyskabelser (også i orglet). Hans interesse for at udvide cembaloens og andre keyboards præstationsevner er tydeligst demonstreret af den berømte cyklus af præludier og fugaer i alle tonearter "The Well-Tempered Clavier".

Bach var en sand mester i cembalo. I. Forkel, den første biograf over Bach, rapporterer: "Ingen kunne erstatte slidte fjer på hans cembalo med nye, så han var tilfreds, - han gjorde det selv. Han stemte altid sit cembalo selv og var så dygtig i denne henseende, at det aldrig tog ham mere end et kvarter at stemme. Med sin måde at stemme på var alle 24 tangenter til hans rådighed, og improviseret gjorde han, hvad han ville med dem."

Allerede i løbet af den geniale skaber af cembalomusikkens levetid begyndte cembaloen at tabe terræn. I 1747, da Bach besøgte kong Frederik den Store af Preussen i Potsdam, gav han ham et tema for improvisation, og Bach improviserede åbenbart allerede på "klaveret" (det var navnet på et nyt instrument på det tidspunkt) - en af ​​fjorten eller femten, som blev lavet til kongen af ​​en ven af ​​Bach, den berømte orgelmester Gottfried Silbermann. Bach godkendte lyden, selvom han før det ikke kunne lide klaveret.

I sin tidlige ungdom skrev Mozart stadig til cembalo, men generelt er hans klaverværk naturligvis rettet mod klaveret. Udgiverne af Beethovens tidlige værker angav på titelsiderne, at hans sonater (forestil dig endda Pathetique, som blev udgivet i 1799) var beregnet til "for cembalo eller klaver". Udgiverne gik efter et trick: de ville ikke miste de købere, der havde gamle cembalo i deres huse. Men oftere og oftere var kun kroppen tilbage af cembaloerne: cembalo-"fyldet" blev fjernet som unødvendigt og erstattet med en ny hammer, det vil sige klavermekanik.

Dette rejser spørgsmålet: hvorfor dette instrument, som havde en så lang historie og en så rig kunstnerisk arv, var i slutningen af ​​det 18. århundrede. fjernet fra musikøvelser og erstattet af klaveret? Og ikke bare fordrevet, men helt glemt i det 19. århundrede? Og når alt kommer til alt, kan man ikke sige, at da denne proces med at fortrænge cembaloen begyndte, var klaveret det bedste instrument i forhold til dets kvaliteter. Tværtimod! Carl Philippe Emanuel Bach, en af ​​Johann Sebastians ældste sønner, skrev sin dobbeltkoncert for cembalo og klaver og orkester med den hensigt at demonstrere cembaloens fordele frem for klaveret.

Der er kun ét svar: klaverets sejr over cembalo blev mulig under betingelserne for en radikal ændring i æstetiske præferencer. Barokæstetik, som er baseret på enten et klart formuleret eller klart følt begreb om affektteorien (kort sagt selve essensen: én stemning, påvirke, - én sonisk maling), hvor cembaloen var det ideelle udtryksmiddel, gav først plads for sentimentalismens verdensanskuelse, derefter for en stærkere retning - klassicismen og til sidst romantikken. I alle disse stilarter var der tværtimod den mest attraktive og kultiverede idé omskiftelighed- følelser, billeder, stemninger. Og klaveret kunne udtrykke det.

Dette instrument fik en pedal med dens fantastiske egenskaber og blev i stand til at skabe en utrolig stigning og fald af lydstyrke ( crescendo og diminuendo). Alt dette kunne cembaloen i princippet ikke gøre - på grund af dets ejendommeligheder ved dets design.

Lad os stoppe op og huske dette øjeblik for at starte vores næste samtale med det - om klaveret og specifikt om den store koncert klaver, altså det "kongelige instrument", den sande hersker over al romantisk musik.

I vores historie er historie og modernitet blandet, da cembalo og andre instrumenter i denne familie i dag viste sig at være ekstremt almindelige og efterspurgte på grund af den store interesse for renæssancens og barokkens musik, det vil sige tiden, hvor de opstod og overlevede deres guldalder.

Komponist og scenekunst er to uudtømmelige kilder, der nærer hinanden: performerens hænder fylder komponistens tanke med livspust, og musikskaberen henter inspiration fra performerens dygtighed. Som mange andre komponister skabte Sofia Asgatovna Gubaidulina mange kompositioner med fokus på specifikke kunstnere, og en af ​​disse musikere er Mark Ilyich Pekarsky, der viede sit liv til slagtøjsinstrumenter. Han er ikke kun en fremragende udøver og skaber af percussion-ensemblet - Mark Ilyich skrev mange artikler og bøger om dette område af musikinstrumenter og grundlagde en klasse af percussion-ensemble på Moskvas konservatorium.

”Man kan alt på trommer, der kan gøres på en violin, på et klaver, på et orgel, bare på lidt forskellige måder, men i princippet kan percussion formidle både sjov og lidelse, og sorg og glæde, og hvad du vil,” - hævder musikeren. En af de bedste bekræftelser på denne idé kan betragtes som det fantastiske udvalg af percussioninstrumenter skabt af forskellige folk i forskellige epoker. Mange af disse instrumenter er præsenteret i en unik samling samlet af Pekarsky. Denne pragt kunne ikke undgå at interessere Gubaidulina - trods alt forsøgte Sofia Asgatovna altid at finde en ny lyd selv for de mest almindelige og velkendte instrumenter til den europæiske offentlighed, og i dette tilfælde stod komponisten over for en virkelig dyrebar spredning af usædvanlige klangfarve: skridt (Pompeianske bækkener), kinesiske bækkener, koreansk tromme chang, kinesiske klokker bian-chzhun ... Men komponisten gør noget endnu mere usædvanligt - han forener alle disse klangfarve, der kom fra den mystiske verden i Østen, med en vestlig Europæisk instrument - cembaloen ... er der en uløselig modsætning i sådan en kombination af øst og vest? Det mener Sofia Gubaidulina ikke – hun er overbevist om, at orientalske instrumenter "i kombination med cembalo mister deres lokal-geografiske nuance og indgår i en mere generaliseret form for musikfremstilling, hvor alle de forskellige klangfarvede egenskaber har en tendens til at konvergere".

En sådan "tilnærmelse" giver anledning til et overraskende harmonisk ensemble i Gubaidulinas værk, som lytter til, som det er svært at tro, at dets bestanddele kom fra forskellige dele af verden og epoker - de "taler" virkelig det samme sprog ... ja , de gør! I værket, med titlen meget enkelt - "Musik til cembalo og slagtøj fra samlingen af ​​Mark Pekarsky" - optræder en slags "musikalsk tale" med sine "fonemer" (talelyde), der foldes til "ord". Det er ikke tilfældigt, at Sofia Asgatovna oprindeligt planlagde at give dette værk en anden titel - "Logogryph", dette er navnet på et ordspil, hvor bogstav for bogstav gradvist fjernes fra et givet ord, og nye ord vises (f. "kilde - dræn - strøm"). Komponisten gør noget lignende med lydsystemer. For eksempel, i begyndelsen af ​​et stykke opstår en bølgelignende "lag" af kinesiske bækkener, der kommer ind i forskellige højder, og derefter "slukker de gradvist" - "komprimeringen" af det musikalske stof efterfølges af dets "sjældenhed". ". I dette fascinerende lyd-"spil" er det ikke så meget lydens tonehøjde, der kommer til udtryk, men dens klangfarvede karakter (en sådan musikalsk teknik kaldes sonorics). Musikalske "logogryph" bliver grundlaget for at opbygge en form. I første del opbygges en serie på otte musikalske "ord" med en gradvis stigning i antallet af lyde, og i gentagelsesafsnittet bygges de samme lydkomplekser i en anden rækkefølge: et nøjagtigt "spejlbillede" gør ikke opstår, men en generel tendens til et gradvist fald viser sig. Vi kan observere kombinationen af ​​modsatte udviklingsretninger ikke kun i form af en separat del, men også i forholdet mellem dele af værket: den første del er hovedsageligt rettet mod det høje register, den anden - til det lave register.

Indtrykket af et "intellektuelt spil" skabes ikke kun af et harmonisk "matematisk forhold", men også ved brug af musikalske citater. I første sats optræder et kort, tretonet, men stadig genkendeligt motiv fra c-mol-valsen, samt et lille fragment fra g-mol-fugaen fra første bind af Johann Sebastian Bach. Udseendet på begge citater er pudsigt ændret: Motivet fra Chopins vals optræder i en toneart langt fra originalen (h-mol), forklaret af bian-chzhun og pompeianske bækkener. Motivet fra Bachs fuga er udført af chang (selv om det senere lyder mere "traditionelt" - på cembalo, men dets konturer ændres på en sådan måde, at det giver indtryk af en falsk lyd).

"Music for Cembalo and Percussion" af Sofia Gubaidulina er et raffineret spil i sindet, men det ville være en fejl at kalde det et produkt af "kold fornuft". I klangspillet, korte motiver og lydkomplekser kan man mærke følelsernes levende "pust".

Alle rettigheder forbeholdes. Kopiering forbudt