Kuzbass-kunstneren Ivan Egorovich Selivanov er vores nationale rigdom. Samtidskunst stykke for stykke

hjem / Utro kone

naiv kunst Dette begreb bruges i flere betydninger og er faktisk identisk med begrebet "primitiv kunst". På forskellige sprog og af forskellige videnskabsmænd bruges disse begreber oftest til at henvise til den samme række af fænomener i kunstnerisk kultur. På russisk (såvel som i nogle andre) har udtrykket "primitiv" en noget negativ betydning. Derfor er det mere hensigtsmæssigt at fokusere på konceptet naiv kunst. I bredeste forstand er dette betegnelsen for billedkunst, som er kendetegnet ved enkelhed (eller forenkling), klarhed og formel umiddelbarhed af det billedlige og ekspressive sprog, ved hjælp af hvilket en særlig vision af verden, der ikke er tynget af civilisatoriske konventioner. kommer til udtryk. Konceptet dukkede op i den nye europæiske kultur i de sidste århundreder, derfor afspejler det de professionelle holdninger og ideer i denne kultur, som betragtede sig selv som det højeste udviklingstrin. Fra disse positioner forstås ved naiv kunst også oldtidens folks arkaiske kunst (før den egyptiske eller før de oldgræske civilisationer), for eksempel primitiv kunst; kunsten af folk, der var forsinket i deres kulturelle og civilisationsmæssige udvikling (den oprindelige befolkning i Afrika, Oceanien, indianerne i Amerika); amatørkunst og ikke-professionel kunst i den bredeste skala (for eksempel de berømte middelalderfresker i Catalonien eller den ikke-professionelle kunst fra de første amerikanske immigranter fra Europa); mange værker af den såkaldte "internationale gotiske"; folkekunst; endelig kunsten af talentfulde primitivistiske kunstnere i det 20. århundrede,

som ikke modtog en professionel kunstuddannelse, men følte den kunstneriske kreativitets gave i sig selv og helligede sig dens selvstændige realisering i kunsten. Nogle af dem (fransk A. Rousseau, C. Bombois, georgisk N. Pirosmanishvili, kroatisk I. Generalich, amerikansk A.M. Robertson og andre) har skabt ægte kunstneriske mesterværker, der er kommet ind i verdenskunstens skatkammer. Naiv kunst, hvad angår verdens vision og metoderne til dens kunstneriske præsentation, er på den ene side noget tæt på børns kunst, og på den anden side til psykisk syges arbejde. Men i det væsentlige adskiller det sig fra begge. Det, der i verdenssyn er tættest på børnekunst, er de arkaiske folks og indfødte i Oceanien og Afrikas naive kunst. Dens grundlæggende forskel fra børnekunst ligger i dens dybe hellighed, traditionalisme og kanonicitet. Barnlig naivitet og umiddelbarhed af verdensopfattelsen syntes at være fastfrosset for evigt i denne kunst, dens udtryksfulde former og elementer af kunstnerisk sprog var fyldt med hellig magisk betydning og kultsymbolik, som har et ret stabilt felt af irrationelle betydninger. I børns kunst er de meget mobile og bærer ikke en kultbelastning. Naiv kunst er som regel optimistisk i ånden, livsbekræftende, mangefacetteret og mangfoldig og har oftest en ret høj æstetisk betydning. Derimod er den psykisk syge kunst, ofte tæt på den i form, præget af en smertefuld besættelse af de samme motiver, en pessimistisk-depressiv stemning og et lavt kunstnerisk niveau. De naive kunstværker er ekstremt forskellige i form og individuel stil, men mange af dem er karakteriseret ved fraværet af et lineært perspektiv (mange primitivister søger at formidle dybde ved hjælp af figurer i forskellige skalaer, en særlig organisering af former og farver masser), fladhed, forenklet rytme og symmetri og aktiv brug af lokale farver. , generalisering af former, understreger funktionaliteten af et objekt på grund af visse deformationer, øget betydning af konturen, enkelhed af tekniske metoder. Primitive kunstnere fra det 20. århundrede, som er fortrolige med klassisk og nutidig professionel kunst, kommer ofte med interessante og originale kunstneriske løsninger, når de forsøger at efterligne visse teknikker inden for professionel kunst i mangel af passende teknisk viden og færdigheder. Handlinger, som kunstnere af naiv kunst oftest tager fra livet omkring dem, folklore, religiøs mytologi eller deres egen fantasi. Det er nemmere for dem end mange professionelle kunstnere at styre spontan, intuitiv kreativitet, ikke hindret af kulturelle og sociale regler og forbud. Som følge heraf opstår originale, overraskende rene, poetiske og sublime kunstneriske verdener, hvor der hersker en eller anden ideel naiv harmoni mellem natur og menneske. Det var disse egenskaber ved naiv kunst, der tiltrak sig opmærksomheden hos mange kunstmestre fra det 20. århundrede, fra tidlige avantgarde-kunstnere til konceptualister og postmodernister. Forskellige teknikker og elementer af primitivisternes sprog blev brugt i deres arbejde af mange store kunstnere i det 20. århundrede. (ekspressionister, P.Klee, M.Chagall, J.Miro, P.Picasso og osv.). I naiv kunst søger mange kulturrepræsentanter at se veje ud af kunstnerisk kultur fra civilisatoriske blindgyder.

Primitivisme (neo-primitivisme)
- en retning, der opstod i europæisk og russisk kunst i begyndelsen af det tyvende århundrede. Hans vigtigste
et tegn var den programmatiske forenkling af kunstneriske virkemidler, appellen til forskellige former for primitiv kunst - folke- og børnekunst, primitiv og middelalderkunst mv. Det var baseret på ønsket om at opnå renheden af synet på verden, iboende i civilisationens uspolerede bevidsthed.
I Rusland er primitivisme tydeligst repræsenteret af navnene N.S. Goncharova, M.F. Larionov, K.S. Malevich, kunstnere fra grupperne "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail" og nogle mestre af "Blue Rose". Inspirationskilden for neo-primitivisterne er østens kunst, såvel som populære print, provinsielle skilte, børnekunst, folkelegetøj og primitive kulturers kunst.

"Herefter fortsatte Gurdjieff med at forklare menneskets forskellige funktioner og

centre, der administrerer disse funktioner. I samme rækkefølge præsenteres disse ideer i

foredrag om psykologi. Forklaringerne og relaterede diskussioner tog ret meget

meget tid ... der er ingen måde at formidle disse samtaler i den form, som de

virkelig sket. Derfor samlede jeg alt materiale om psykologi og

kosmologi i to separate forelæsningsrækker. Det skal her bemærkes, at ideerne ikke var det

givet til os i den form, de præsenteres i i forelæsningerne.

Betyder

Jeg ved, du eksisterer. Du er ikke en opdigtet fantasi, ikke en drøm, ikke en syg fantasi, ikke en illusion. Nogle gange forekommer det mig, at du er meget tæt på. Næsten bagud. Eller ved siden af strømmen af mennesker. Man behøver kun at lukke øjnene i det flygtige nu, og jeg vil høre din stemme, eller jeg bliver til en sort nat ved en øde korsvej og møder dit blik. Men tiden går. Dag efter dag. År efter år. Som før. Men det er du ikke. Nogle gange falder hænderne, og der er ingen styrke til at tage et skridt. Ønsket om at forlade alt, og underskrive med blod under deres egen impotens. Snup selve tanken om, at du stadig er her. Men jeg husker. Du tabte aldrig. Gik ikke først. Så jeg giver heller ikke op. Vi startede dette spil længe før fødslen, og det er næppe bestemt til at slutte. Jeg kan ikke huske, hvor længe det har stået på. Jeg har mødt dine tanker og handlinger i andre. Og troede. Jeg har fundet. Og klyngede sig som en gal til et illusorisk håb. Du leger med mig gennem mennesker, som var mig nær og kær. Du ved det gør ondt. Men tiden sætter alt på sin plads. Og forståelse samles igen fra de brudte fragmenter af den fjerne fortid. Jeg ved, at det måske heller ikke er nemt for dig lige nu. Så meget er gået forbi, så meget er blevet fundet, der ligner oprigtighed og gensidighed. Men det var også mine tanker. De hooked, stak i dit hjerte og fik dig til at tro, at din søgen er slut. Men tiden satte alt på sin plads. Og du er alene igen. Jeg ved det gør ondt. Tilgiv mig. Jeg vil bare sige én ting. Jeg er ikke et opdigtet fantasi, ikke en drøm, ikke en syg fantasi, ikke en illusion. Jeg eksisterer. Og en dag vil vi mødes igen, og vi vil aldrig miste hinanden igen.

Rubinshtein S.L. Væren og bevidsthed

Om det mentales plads i den generelle sammenkobling af den materielle verdens fænomener

At stille et problem

En videbegærlig, søgende menneskelig tanke, der med stadigt stigende lidenskab og succes trænger ind i universets dybder, erkender den materielle verden i dens uendelighed - i stort og småt, forstår atomets og universets struktur, løser den ene efter den anden problemer, som naturen stiller foran sig ved hvert skridt. Denne nysgerrige, søgende tanke om mennesket kunne ikke lade være med at vende sig til sig selv, kunne ikke lade være med at dvæle ved spørgsmålet om forholdet mellem tanke og natur, det åndelige og det materielle. Dette er filosofiens grundlæggende spørgsmål. Dens anderledes løsning adskiller idealisme og materialisme - de vigtigste tendenser, der kæmper i filosofi. Den teoretiske betydning af dette spørgsmål er indlysende.

Men spørgsmål af stor teori, korrekt stillet og korrekt forstået, er samtidig praktiske spørgsmål af stor betydning. At virkelig se store teoretiske problemer er at se dem i relation til livets grundlæggende spørgsmål.

Spørgsmålet om sammenhængen mellem det mentale og det materielle, om det mentales afhængighed af materielle forhold, er ikke kun et spørgsmål om viden, men også om håndterbarhed mentale processer. Løsningen af spørgsmålet om afhængigheden af et eller andet forløb af mentale processer af objektive forhold bestemmer måderne til dannelse, rettet forandring og uddannelse af folks psykologi. Korrekt stillede spørgsmål om viden om verden er i sidste ende forbundet med opgaverne med dens revolutionære transformation.

Primitivisme - en malerstil, der opstod i det 19. århundrede, indeholdende en bevidst forenkling af billedet, hvilket gør dets former primitive, som værket i primitive tider.

primitivisme: primitivisme maleri primitivisme i kunst primitivisme malerier anarko primitivisme stil primitivisme Russisk primitivisme primitivisme kunstnere træk ved primitiv primitivisme primitivisme primitivisme wikipedia i malerier primitivisme i Rusland malerier malerier i stil med primitivisme i primitivisme i litteratur og afspejler primitivisme i litteratur

Maleriet, som et individuelt anliggende, udført udelukkende af forfatteren selv, var den første til at udnytte denne tilstand, bryde med rutinen, mere beslutsomt og længere end andre, og bevægede sig væk fra accepterede æstetiske stereotyper.

Retningen af denne bevægelse - overgangen fra naturalisme til konvention, fra sofistikering til forenkling, fra modernistisk sofistikering til primitivisme - var den samme som i europæisk kunst. Analysen viser, at oprindelsen til denne tendens findes uden for den russiske kunstneriske tradition.

Men i vendingen mod primitivisme er to modsatrettede tendenser allerede fra begyndelsen mere eller mindre adskilte. Den første bærer implicit ideen om forenkling (i Rousseauistisk forstand) og svarer til begrebet "primitiv". Det andet, der ikke kan skelnes på et tidligt tidspunkt, udtrykker sig også i generaliserede, betingede former, men dets mål er en kortfattet form som sådan, universaliseringen af formen, dens forenkling. I den første forstand har vor avantgardes primitivisme sit grundlag i den russiske mentalitet, i dets særlige bondeliv, i mytologiseringen af sit eget folk, i Tolstojs forenklingsprædikener.

Uligheden med både den tyske og den franske version er indlysende. Der begynder det med en appel til oceanisk og afrikansk "primitiv" kunst. Her - med en appel til forskellige former for russisk traditionel kunstnerisk kultur: til urban folklore, ritualer, nationalt tøj, arkitektur, populære print, folkelegetøj mv. Disse elementer bruges på forskellige måder af kunstnere som Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova og andre. Billederne af bønder af Goncharova og Malevich har et fælles udgangspunkt . I K. Malevichs værker, der blev præsenteret på udstillingen "Jack of Diamonds" i 1910, er indflydelsen af den ejendommelige primitivisme af fauvistisk farvelægning, som er karakteristisk for N. Goncharovas arbejde i 1900-tallet, til at tage og føle på. Nogle værker (for eksempel Going, 1910) giver os mulighed for at tale om Goncharovas indflydelse på Malevich i denne tidlige periode. Men den videre skæbne for de retninger, som disse kunstneres arbejde udvikler sig i, giver os mulighed for at se, at ligheden mellem deres tidlige værker er vildledende. Denne embryonale lighed er kun delvist bevaret i udviklede former.

primitivisme:
primitivisme maleri
primitivisme i kunsten
billedets primitivisme
anarko primitivisme
primitivisme stil
russisk primitivisme
primitivisme kunstnere
træk ved primitiv primitivisme
primitivisme wikipedia i billeder
primitivisme i russiske malerier
malerier i primitivismens stil
primitivisme i litteratur og malerier
primitivisme i filosofi og refleksion i malerier

Vladimir Lyubarovs værker er i det russiske statsmuseum, det statslige Tretyakov-galleri, russiske private samlinger såvel som i museer og private samlinger i mange lande i verden.

Vladimir Lyubarov- en velkendt boggrafiker, der illustrerede mere end hundrede bøger, herunder Voltaire, Rabelais, Gogol, Strugatsky, Sholom Aleichem, Singer. I elleve år var han chefkunstner for magasinet "Kemi og liv", og i begyndelsen af perestrojka organiserede han sammen med en gruppe forfattere det første private bogforlag i Rusland, "Tekst".

Men i 1992 ændrede Lyubarov, uventet for dem omkring ham, sit liv dramatisk. Han opgav rollen som en prestigefyldt storbykunstner og købte et lille hus i en halvforladt landsbyPeremilovopå kanten af Vladimir-regionen og kastede sig hovedkulds ud i et simpelt bondeliv.

Da han begyndte at male, begyndte han at skildre sine nye landsmænd. "Billeder fra det russiske liv" var en stor succes i Vesten, og snart blev Lyubarov inviteret til at udstille i Belgien, Tyskland, Frankrig og Schweiz. Og snart kom succes i Rusland. I de seneste år er to personlige udstillinger af kunstneren blevet afholdt i et af de mest prestigefyldte Moskva-gallerier -Galleri "House of Nashchokin", og i 2008 fandt en personlig udstilling af Vladimir Lyubarov sted iStatens Tretyakov Galleri.

Wu" Vores gade"(det var navnet på en af kunstnerens udstillinger) af Vladimir Lyubarov er der ingen nøjagtig geografisk adresse: hvor den er placeret - om det er i en by, i en landsby eller bare i en åben mark - er ukendt. Og folk fra forskellige blodlinjer og religioner lever på det - russere, jøder og mennesker af en ubestemt "kaukasisk nationalitet".

Karaktererne adskiller sig ikke kun fra hinanden i deres nationale outfit, men også i den tid, de lever i: På Our Street flyder det frem og tilbage, og tilfældigt, eller står endda helt stille, som kunstneren vil. Og på samme tid er dette et typisk russisk bagland: realiteterne er umiddelbart genkendelige - et beskidt marked og en typisk provinsbanegård og en kulturpark med en uundværlig "pige med en pagaj", og trængsel i køer, samt borgere, der drikker i naturens skød.

Bor på "Vores Gade" og et lille jødisk samfund, bestående af"russiske jøder"- skomagere og rabbinere, slagtere og skræddere. Passer perfekt ind i det russiske landskab, de holder sabbatten, spiser matzah på påsken, studerer Toraen og Talmud og tænker mere og mere på det evige.

Mange af Lyubarovs plots er ærligt talt litterære, inspireret af legender, bibelske lignelser, historier, et sted bag dem truer skyggerne af Sholom Aleichem, Babel, Isaac Bashevis Singer og heltene fra russiske eventyr.

Litteratur i maleriet omtales nogle gange som en mangel hos den eller den kunstner. Og de taler forgæves. Litteraturen har som moderen til al kunst været en stærk inspirationskilde for mange af de største malere. Hvor mange malerier er inspireret af bøgernes bog – Bibelen!

Når vi taler om Lyubarovs malerier, udtaler kendere ofte ordene "lubok" og "naivitet". Nå, selvfølgelig er der en skinne her og naivitet også. Men hvilken naivitet? Naive, som jeg forstår det, bliver oftest betragtet som kunstnere, der med en naturlig evne til at male, ikke har modtaget en særlig uddannelse, ikke har mestret den passende teknik, men forbløffer deres beundrere med et friskt livssyn og et "tvunget" tilsidesættelse af kunstens love.

Lyubarov tilhører ikke denne race af kunstnere. Han er en høj professionel og mestrer sin kunst til perfektion. Men det, han har til fælles med naive kunstnere, er evnen til at se på verden med et blik af ukompliceret professionalisme, at blive overrasket over det, han ser, måske endda på en barnlig måde, og få os til at opleve den samme overraskelse. I denne forstand er enhver sand kunstner naiv, og ethvert sandt kunstværk er også til en vis grad naivt.

Han har en sjælden gave til i private kendsgerninger og situationer i hverdagen at se en særlig, metaforisk betydning, sammenhængen mellem tider og nationale traditioner, sjove og betydningsfulde.

Kunstnerens værker vidner om forfatterens høje professionelle kultur, kreative opfindsomhed og unikke stilistiske måde at være på, hans involvering i hans karakterers skæbne.

Den følelsesmæssige, meningsfulde række af Vladimir Lyubarovs værker bærer en ægte charme og dybde af oprigtig empati for den mangesidede verden omkring os, dybden af hans filosofiske generalisering og groteske fortolkning, som i sig selv allerede fortjener seriøs opmærksomhed og tankevækkende holdning både til mesterens personlighed og hans kreative forhåbninger.

Lyubarovs kunst hører uden tvivl til de lyse, uforlignelige fænomener i moderne russisk kunstnerisk kultur.

Valentin Rodionov - Generaldirektør for staten Tretyakov Gallery

Vladimir Lyubarov gik for nylig langs Novy Arbat og fandt på bakker og stande, generøst fyldt med værker af "folkekunst", og et betydeligt antal billeder af Vladimir Lyubarov. Alle disse billeder var forsynet med hans "håndskrevne" underskrift. Og nogle af dem - så endda tre på én gang: under billedet, på passepartouten og på bagsiden. At være sikker. Og det ville ingen være i tvivl om. For at være ærlig var kunstneren Lyubarov mest oprørt ikke af selve det faktum at sælge forfalskninger på Novy Arbat, men over kvaliteten af disse produkter. Fyre stresser ikke.

fyre. Arbat "tranebærene" blev trykt på en kopimaskine og derefter håndfarvet. Hvor Arbat-håndværkerne ikke bryder sig om farven, ændrer de den modigt. Forbedre, så at sige. Og hvor de virkelig kommer af - det er i navnene på billederne. De komponerer deres egne – og vi, siger de, er ikke født med en bast. Kunstneren Lyubarov stod i lang tid i nærheden af standen, så på "hans" billeder og - kom nu, han tænker, jeg vil købe det.

Og hvad? Halvandet "tusind" rubler er store billeder, og små er generelt tre hundrede. Kom nu – vær ikke nærig. Så Lyubarov spildte ikke tid på bagateller - han købte et stort billede. Sandt nok kaldte han det "Chorus", og her - "Uden falskhed." Hvorfor? - Jeg gad ikke, især siden under en hård diskussion med sælgeren ("Jeg sværger, originalen!" - "Jamen, du siger mig! Jeg ser en malet kopimaskine!" - "Mand, tag et billede eller gå forbi dig selv!"), blev prisen for "sig selv" reduceret til syv hundrede. Hvilket var rart. Og igen er der nu noget at vise venner og bekendte.

Med udtrykket "primitivisme" i maleriet er ikke alt så simpelt. For det første er kunsthistorikere ikke altid enige om at tyde dens betydning. Derudover forværres alt af tilstedeværelsen af synonymer, som det kan udpeges med. Eller slet ikke synonymer - alt efter hvilket af synspunkterne man skal forholde sig til.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). løve og sol

Lad os forstå begreberne

I slutningen af det 19. og begyndelsen af det 20. århundrede begyndte nogle progressive europæiske kunstnere at gå amok over ekspressiviteten og kortheden af artefakter fra primitive kulturer. Den ukomplicerede og grove naivitet i afrikanske rituelle masker og træfigurer forekommer dem at være et enkelt og indlysende svar på søgen efter måder at overvinde stivheden og stagnationen i det akademiske maleri. På det tidspunkt havde impressionismen allerede mistet sin tidligere friskhed og skandaløshed, så den kunne ikke hævde at være en rystende grund.

Primitive kulturers værker - forfædrene til moderne primitivistiske mesterværker - omfatter både forhistorisk klippekunst eller stenidoler og de kulturelle traditioner hos moderne stammefolk, der bor i Afrika, Oceanien og lignende. Afrikanske masker som disse var en afgørende faktor i fremkomsten af mange avantgardebevægelser i det tidlige 19. århundrede.

Fotokilde: newpackfon.ru

I et af koordinatsystemerne mener man, at det er værket af professionelle kunstnere, der har en akademisk kunstuddannelse og alle de nødvendige færdigheder, men som bevidst går efter forenklingen af stilistiske og tekniske teknikker for at efterligne primitiv kunst, henviser til primitivisme . Arven fra selvlærte kunstnere, der maler klodset, barnligt, i dette tilfælde, omtales som naiv kunst.

I et andet kunsthistorisk univers er primitivisme og naiv kunst fuldstændige synonymer og udskiftelige begreber. Fra dette synspunkt er begrebet "naiv kunst" en slags eufemisme, der er nødvendig for større eufoni, i modsætning til begrebet "primitivisme", som på mange sprog har en noget nedsættende konnotation.

Vi vil tage den anden version som et aksiom og huske på, at primitivisme såvel som naiv kunst er stilarter, der inkluderer ikke-professionelle kunstneres arbejde, hvis talentmængde dækker fraværet af visse færdigheder, som f.eks. evne til korrekt at opbygge perspektiv eller formidle chiaroscuro.

Til arven fra sofistikerede håndværkere, der er vidende om at stilisere den ene eller anden type primitiv kunst (gamle ikonmalerier, etniske motiver eller populære tryk, for eksempel), vil vi bruge udtrykket "neo-primitivisme". Det er præcis, hvad medlemmerne af de russiske kunstforeninger "Jack of Diamonds" og "Donkey's Tail" gjorde i begyndelsen af forrige århundrede.

Kazimir Severinovich Malevich. Børn
1908, 30,2×23,8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Blegning af linned. Fra "Bønder-serien"

Avantgarde-kunstnere som Kazimir Malevich, Mikhail Larionov og Natalya Goncharova hentede inspiration fra folkekunst, som også er klassificeret som primitiv kunst. Og udtrykket neo-primitivisme blev først brugt generelt i en pamflet af Alexander Shevchenko, udgivet af kunstneren i 1913: "Neo-primitivisme. Hans teori. Hans muligheder. Hans præstationer.

Hvis kunstnere i Vesteuropa kun delvist brugte naiv kunsts teknikker i deres værker og udviklede på deres grundlag sådanne tendenser som fauvisme, kubisme eller ekspressionisme, så blev neo-primitivisme i Rusland en væsentlig tendens, hvorfra Suprematismen til sidst voksede og tog form. Derfor bruger vestlige kunsthistorikere nogle gange udtrykket neo-primitivisme specifikt i forhold til russiske tilhængere af idealerne om naiv kunst, som flittigt propaganderede og anvendte dem i praksis.

Mikhail Fedorovich Larionov. Venus og Michael
1912, 85,5×68 cm

Ifølge Alexandre Benois, »Det særegne ved neo-primitivismen var, at dens repræsentanter ikke stræbte efter stilisering, ikke efter efterligning af en folkemester, men for udtryk for de væsentlige aspekter af folkeæstetikken. Her er det mest illustrative eksempel Larionovs arbejde, der - i overensstemmelse med folkeæstetikken - sætter lighedstegn mellem det vigtige og det uvæsentlige, det høje og det lave, og går til det yderste i dette - dyrker principperne for hegnstegning og "kasernemaleri". " ".

Tilbage til det basale

Vejen gennem tornene til stjernerne for primitivisterne blev ryddet af så anerkendte skabere som Gauguin, Picasso og Matisse. Efter, i et forsøg på at modtage helbredelse fra en alvorlig sygdom, som Gauguin rangerede civilisationens velsignelser til, tog kunstneren til Tahiti, og der smeltede han sammen med naturen på alle mulige måder og berigede sin stil undervejs med de lyse farver i en eksotiske øer og naive billeder af lokal kultur, andre fulgte ham.

Paul Gauguin. Tahitiske præster
1898, 87,5×113,7 cm

De tyske ekspressionister Emil Nolde og Max Pechstein prøvede også lykken i Oceaniens vidder, men deres medarbejdere Ernst Ludwig Kirchner og Erich Heckel rekonstruerede primitivt landskab lige i deres værksteder. Franske kunstnere behøvede ikke at rejse langt for at få inspiration, det var ikke engang nødvendigt at forlade Paris. Fra kolonierne i Frankrig i Vestafrika bragte købmænd alle former for etnisk kunsthåndværk til hovedstaden, som derefter blev afviklet i museer og små butikker.

Will Gompertz i Den uforståelige kunst. Fra Monet til Banksy fortæller, hvordan kunstneren Maurice de Vlaminck utilsigtet bliver katalysatoren for et udbrud af interesse for primitiv kunst og som et resultat af fremkomsten af en sådan bevægelse som fauvisme. I 1905 så han tre udskårne afrikanske masker i en parisisk cafe. Påvirket af udtrykket "instinktiv kunst", som han kaldte det, købte Vlaminck maskerne af etablissementets ejer og skyndte sig at vise byttet til sine kunstnervenner.

Henri Matisse. Kvinde i hat
1905, 24×31 cm

Maurice de Vlaminck. Restaurant

Andre Deren. Collioure Havn
1905, 72×91 cm

Henri Matisse og André Derain delte Vlamincks fascination af Van Goghs udtryksfulde palet og Gauguins eksotiske sysler. Hans beregning var berettiget: hans venner betragtede de erhvervede artefakter som en manifestation af frihed til at tænke, ikke fyldt med civilisationens materialistiske idealer, men med en barnlig spontanitet og naivitet. Resultatet af mødet mellem de tre kunstnere blev konklusionen, at farven og følelserne på lærredet er af dominerende betydning, i modsætning til billedets realisme og pålidelighed.

Som et resultat blev malerier født, hvor de forsøgte at bringe deres nye kunstneriske principper ud i livet så meget som muligt. Farvet med sindssyge kombinationer af rene, ublandede farver for den tid, påført i skarpe separate streger, var lærrederne så trodsige, at arrangørerne af Salonen i 1905 først nægtede at acceptere værker til udstilling. Kun takket være Matisses personlige autoritet lykkedes det at presse igennem deltagelsen af Treenighedens eksperimenter i Salonen.

Så vil der være stormfulde og fulde af indignationsanmeldelser fra kunsthistorikere, hvoraf den ene, som det ofte sker (se impressionisme), vil give navn til en ny avantgardetrend - Fauvisme: den ærværdige kritiker Louis Vaucelles vil sige, at vilde dyr malede sprøjtende farver - "les fauves" på fransk. Men det er en lidt anden historie.

Hvordan Picasso opdagede Rousseau

Maleriet af en lovende ung spanier lavede også en enestående saltomortale under direkte indflydelse af primitiv kunst og dens skriftefadere. Da Picasso så det sidste knirken i Matisses forfatterskab – prangende, i modsætning til lærreder, fri for akademiske fordomme, mistede han roen og søvnen. Uden at tænke sig om to gange går Picasso til det etnografiske museum, hvor en omfattende samling af afrikanske masker blev opbevaret. Der gennemgik han en form for indvielsesritual. Hvem ved, måske indeholdt disse rituelle genstande virkelig magisk kraft?

"Jeg var helt alene, huskede kunstneren. - Jeg ville løbe derfra. Men jeg blev. Jeg kunne bare ikke gå. Jeg indså noget meget vigtigt; der skete mig noget. Jeg så på disse feticher, og det stod pludselig klart for mig, at jeg også var imod alle. Jeg føler også, at alt omkring mig er ukendt og fjendtligt. Mens jeg stod alene i det forfærdelige museum, omgivet af masker, indiske dukker, støvede mannequiner, må jomfruerne af Avignon have vist sig for mig; ikke at de var foranlediget af de former, jeg så: det billede var min første oplevelse af eksorcisme - ja, det er rigtigt!"

Pablo Picasso. Piger af Avignon, 1907

Således tvang adskillige stammeartefakter Picasso til at male et maleri, der blev stamfader til kubismen, og som et resultat, futurismen og et dusin andre forskellige -ismer. Men deres magiske indgriben i det daværende kunstneriske liv i den franske hovedstad var ikke begrænset til dette. Da han bukkede under for den primitive kunsts charme, kunne Picasso ikke gå glip af fænomenet naiv kunsts stigende stjerne og havde en betydelig medvirken til at sikre, at Paris tog den beskedne toldbetjent Henri Rousseaus uprofessionelle kreationer alvorligt.

Uden kunstbaggrund havde tolderen (som han fik tilnavnet af de parisiske bohemer) alligevel seriøse ambitioner om at male. Den barnlige spontanitet spillede Rousseau i hænderne – ellers havde han næppe turdet præsentere sine akavede eksperimenter for den krævende offentlighed i Salon des Indépendants i 1986, hvor alle interesserede kunstnere kunne deltage.

Miraklet skete ikke, kritikerne gjorde deres bedste for at latterliggøre den 40-årige nybegynderskaber, som ikke havde nogen idé om lineært perspektiv eller principperne for kompositorisk konstruktion. Fra mobningens harmoniske kor blev stemmen til mesteren Camille Pissarro slået ud, som bemærkede rigdommen i tonerne i Rousseaus maleri.

Henri Rousseau. karnevalsaften
1886

Svigtet i Salonen af Uafhængige kunne ikke knække den målrettede tolder. Tværtimod forlader han sit arbejde for at afsætte al sin tid til en karriere som kunstner. Troede uendeligt på ham og hans største beundrer - Picasso. En dag mødte han et billede af Rousseau i en provinsbutik, som blev solgt der til prisen for et brugt lærred - selv en skrammelhandler turde ikke bede om en højere pris for det. Spanieren købte den straks og beholdt den efterfølgende til slutningen af sine dage, idet han svarede, at hun var hans "fanget som en besættelse ... dette er et af de mest sandfærdige psykologiske portrætter i fransk maleri".

Henri Rousseau. Portræt af Jadwiga

Desuden holdt han et middagsselskab til ære for et mærkeligt portræt, hvor han inviterede hele den parisiske beau monde og lejlighedens helt selv - den første superstjerne af naiv kunst. Picasso hængte billedet af tolderen op på det mest fremtrædende sted i sit eget atelier og satte dets forfatter på en lænestol, der mere lignede en trone. Det var en sand triumf for en amatørkunstner, selvom nogle af offentligheden nok opfattede det, der skete, som en særlig sofistikeret hån eller fup.

Men ikke Picasso. Han er krediteret for at have sagt, at han brugte fire år på at lære at male som Raphael, men det tog ham et helt liv at lære at tegne som et barn. Derfor beundrede han Rousseaus gave, som gav ham mulighed for sikkert at springe over disse stadier og straks begynde at skabe primitivistiske mesterværker.

Henri Rousseau. Tiger i en tropisk storm

Hvad er primitivistiske malerier lavet af?

Hvilke tegn bestemmer, at foran dig er et værk af naiv kunst, og ikke f.eks. værket af en ekspressionist, abstraktionist eller en repræsentant for en anden avantgardebevægelse? Mark Rothko, der blev berømt inden for abstrakt ekspressionisme, ledte i øvrigt efter inspiration og hemmeligheden bag malerfærdigheder i børnetegninger og viede endda en hel bog til dette - endda før han uselvisk begyndte at dyrke farvefeltmaleri.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Bær med sine unger
1917, 140×100 cm

Eksempler på primitivisme er faktisk kendetegnet ved karakteristiske fejl, som børn begår, når de tegner. Men det er ikke nødvendigt at have alt det følgende på ét billede. Noget selvlærte kunstnere stadig var i stand til.

1. Mangel på lineært perspektiv: objekter i forgrunden er lige store med objekter i baggrunden, på grund af hvilket deres forhold i rummet bliver uforståeligt, og billedet mister volumen.

2. Detaljer om baggrunden er udarbejdet med samme omhu som tætte genstande. Konsekvenserne er de samme som i det foregående afsnit.

Bedstemor (Anna Mary) Moses. fest

3. Farver mister ikke lysstyrke og mætning i forhold til objekternes afstand fra forkanten af lærredet. Billedet bliver fladt og ligner et postkort.

4. Der er ingen tegn på belysningskilder: selvom der er sol i billedet, er alle overflader jævnt oplyste, mennesker og genstande skygger ikke, og du vil heller ikke finde lysblænding.

Camille Bombois. Overraskede badende
1930, 65×81,5 cm

5. Krænkelse af anatomi: proportionerne af den menneskelige krop, fejl i billedet af dyr. Men hvad med Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon og mange andre, hvis arbejde ikke viser, at de på nogen måde er fortrolige med menneskekroppens struktur? Er de også primitivister? - Ikke. Ser man på et billede af en repræsentant for naiv kunst, vil man se, at personen gjorde sit bedste, og det er takket være disse anstrengelser, at deres naive forsøg på at nå ud til de "store" kunstnere ser så rørende ud og har en uimodståelig charme. Og de ovennævnte tal forfulgte ikke sådanne mål, og der var bestemt ikke noget "til at behage alle" på deres liste.

6. Ligesom børn skelner primitivister ikke mellem virkelighed og fantasi. I deres malerier kan mennesker og enhjørninger trygt sameksistere, og ikke inden for rammerne af en surrealistisk fantasi, men som en almindelig ting. Løver på sådanne lærreder er ikke en trussel mod mennesker, og en hjort kan ligne et fabelagtigt væsen.

Ivan Generalich. enhjørning

7. Og endelig en grundlæggende forskel, der giver svar på det naturligt opståede spørgsmål, hvad er forskellen mellem modernisters ikke-objektive lærreder i stil med "min-5-årige-enhver-kan-bedre" fra primitivisternes skabelser. Ikke-professionelle kunstnere skildrer genstande af den grad af realisme, der er tilgængelig for dem på grund af begrænset viden, færdigheder og evner. Og repræsentanter for avantgardekunsten forsøger deres bedste for at glemme, hvad de blev undervist i på kunstskoler eller lade som om, de slet ikke deltog i dem. Men kompositionens harmoni og betænksomhed, symbolik uden for skalaen eller forræderisk gennemskinnelse af et fingeret naivt og bevidst uduelig billede af en kulturel baggrund vil stadig forråde en professionel. Ja, ja, du kan logge ud, vi genkendte dig stadig, kammerat Chagall og hr. Klee.

Mark Zakharovich Chagall. gammel mand med briller
1950'erne

Paul Klee. Dukketeater
1923

Primitivisme: et snydeark. Kunstnere, der arbejdede i primitivismens stil

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Bedstemor Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Ikoniske primitivistiske malerier

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Skuespillerinde Margarita
1909, 94×117 cm

Historien om Pirosmanis maleri er blevet en legende. Det var hende, der blev udødeliggjort i vers af Andrei Voznesensky, der satte Raymond Pauls til musik og skabte sangen "A Million Scarlet Roses". Den handler om en fattig kunstners forsøg på at vinde hjertet af den uindtagelige franske skuespillerinde Marguerite de Sevres, der optrådte i Tiflis i 1905, hvor Pirosmani tabte hovedet fra hende. Ifølge nogle versioner var der blandt "blomsterhavet", som den desperate Niko sendte til sin kærestes hotel, ikke kun roser og ikke kun skarlagen, men også valmuer, pæoner, liljer, syrener, akacie og andre blomstergaver i det georgiske land. Alt, hvad kunstneren fortjente for sin handling, var kun et kys fra Margarita. Men mange år senere, efter at have mistet både mængden af fans og sin tidligere tiltrækningskraft, kom skuespillerinden dagligt til Louvre, hvor Pirosmanis maleri blev udstillet i 1969, og kiggede på hendes portræt i timevis. Sådan overlevede kunsten kortvarig kærlighed og flygtig skønhed.

Maria Avksentievna Primachenko. Fiskekongen fangede en bøjle og er glad
20. århundrede

Grænseløs fantasi, dristige farveskemaer, afvæbnende folkefarver er blot nogle få af hemmelighederne bag kunstnerens tilsyneladende uhøjtidelige kunst fra det ukrainske bagland. Efter kun at have set malerierne af Maria Primachenko én gang, er det usandsynligt, at de vil blive forvekslet med en anden forfatters værker, de er så originale og originale. De blev også værdsat uden for fædrelandets grænser: Marias værker var en bragende succes på udstillinger i Paris, Warszawa, Prag og andre europæiske byer.

Henri Rousseau. Drøm
1910, 298×204 cm

Drømmen betragtes som et af Rousseaus fineste malerier. Forfatteren kommenterede sit sene (og muligvis sidste) værk som følger: “Jadwiga har en magisk drøm. Hun faldt roligt i søvn til lyden af fløjten fra en ukendt forfører. Når månen kaster lys på blomster og grønne træer, fryser dyr og endda rovdyr og lytter til de vidunderlige lyde af musik.. Lærredet imponerer med sin tekniske kompleksitet, og palettens rigdom, som Pissarro bemærkede i Rousseaus første maleri, når sit klimaks her: Det er ingen spøg, der er mere end to dusin grønne nuancer alene! Selv de mest ætsende kritikere var ude af stand til at modstå den hypnotiserende effekt af "Sleep", og landsmanden og samtidige Rousseau, forfatteren Andre Breton sagde, at billedet "absorberede al poesi og alle hemmeligheder i vor tid".

Du er ekspert, hvis:

Brug gerne ordet "primitivisme", når du taler om middelalderlige mesterværker af Rogier van der Weyden eller Duccio di Buoninsegni.

Du kan straks bestemme, hvor er den kyske skønhed af børsten til den rigtige primitivist Pirosmani, og hvor er den falske "naive" Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Ortakal skønhed. Højre side af ditykonen

Mikhail Fedorovich Larionov. Jødisk Venus
1912, 147 cm

Du er lægmand, hvis:

Du tager pålydende den bevidste forenkling, der er nødvendig for at skabe illustrationer og karikaturer, og betragter dem som eksempler på ukompliceret primitivisme.

Tror du, at ethvert kunstværk, der frister til at blive kaldt kalyaks-malerier, hører til primitivismen. Faktisk er primitivisme (også bevidst, overlagt) ikke kun en uduelig form, men også et særligt syn på tingenes essens: ren, direkte, barnlig eller endda primitiv. Bag malerierne af Malevich, Kandinsky, Mondrian er der store, voksne teorier.

) i sine ekspressive fejende værker var i stand til at bevare tågens gennemsigtighed, sejlets lethed, skibets glatte vugging på bølgerne.

Hendes malerier forbløffer med deres dybde, volumen, mætning, og teksturen er sådan, at det er umuligt at tage øjnene fra dem.

Varm enkelhed Valentina Gubareva

Primitiv kunstner fra Minsk Valentin Gubarev ikke jagter berømmelse og bare gør, hvad han elsker. Hans arbejde er sindssygt populært i udlandet, men næsten ukendt for hans landsmænd. I midten af 90'erne forelskede franskmændene sig i hans hverdagsskitser og underskrev en kontrakt med kunstneren for 16 år. Malerierne, som det ser ud til, kun burde være forståelige for os, bærerne af "den beskedne charme af uudviklet socialisme", blev holdt af den europæiske offentlighed, og udstillinger begyndte i Schweiz, Tyskland, Storbritannien og andre lande.

Sensuel realisme af Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov er 41 år gammel. Han bor i St. Petersborg og skaber i de bedste traditioner fra den klassiske russiske skole for realistiske portrætter. Heltinderne i hans malerier er ømme og forsvarsløse i deres halvnøgne kvinder. Mange af de mest berømte malerier forestiller kunstnerens muse og kone, Natalia.

Philip Barlows nærsynede verden

I den moderne æra med billeder i høj opløsning og hyperrealismens fremkomst vækker Philip Barlows værk straks opmærksomhed. Der kræves dog en vis indsats fra beskueren for at tvinge sig selv til at se på slørede silhuetter og lyspunkter på forfatterens lærreder. Det er sandsynligvis sådan, folk, der lider af nærsynethed, ser verden uden briller og kontaktlinser.

Sunny Bunnies af Laurent Parcelier

Maleri af Laurent Parcelier er en fantastisk verden, hvor der hverken er tristhed eller modløshed. Du finder ikke dystre og regnfulde billeder hos ham. Der er meget lys, luft og klare farver på hans lærreder, som kunstneren påfører med karakteristiske genkendelige streger. Dette skaber følelsen af, at malerierne er vævet af tusindvis af solstråler.

Urban Dynamics in the Works of Jeremy Mann

Olie på træpaneler af den amerikanske kunstner Jeremy Mann maler dynamiske portrætter af en moderne metropol. "Abstrakte former, linjer, kontrast af lyse og mørke pletter - alt skaber et billede, der fremkalder den følelse, som en person oplever i byens mylder og uro, men kan også udtrykke den ro, man finder, når man betragter stille skønhed," siger kunstneren.

Neil Simons illusoriske verden

I malerierne af den britiske kunstner Neil Simone (Neil Simone) er alt ikke, som det ser ud ved første øjekast. "For mig er verden omkring mig en række skrøbelige og evigt skiftende former, skygger og grænser," siger Simon. Og i hans malerier er alt virkelig illusorisk og indbyrdes forbundet. Grænser skylles væk, og historier flyder ind i hinanden.

Joseph Lorassos kærlighedsdrama

En italiensk-født nutidig amerikansk kunstner, Joseph Lorusso, overfører scener til lærred, som han så i almindelige menneskers hverdag. Kram og kys, lidenskabelige impulser, øjeblikke af ømhed og lyst fylder hans følelsesladede billeder.

Dmitry Levins landsbyliv

Dmitry Levin er en anerkendt mester i det russiske landskab, der har etableret sig som en talentfuld repræsentant for den russiske realistiske skole. Den vigtigste kilde til hans kunst er hans tilknytning til naturen, som han elsker ømt og lidenskabeligt og føler sig som en del af.