Eksamens sammensætning. Problemet med at vurdere skønhed og holdninger til kunst

hjem / Skilsmisse

I centrum af vores opmærksomhed er teksten fra den fremragende sovjetiske og russiske forfatter Viktor Petrovich Astafiev, som beskriver det moralske problem med forsømmelse af kunst, som er en af de største tragedier i det moderne samfund.

Det haster med dette problem er meget vigtigt, fordi værdierne i det moderne samfund er virkelig skræmmende. Bevidstløshed, hastværk, kredsløbet af personlige oplevelser og den daglige jagt på noget mere værdifuldt har gjort de fleste af os til et samfund af "blinde" mennesker. Men egentlig, hvornår var du sidst til teaterforestilling, symfonikoncert eller ballet? Måske, da du vendte hjem fra arbejde, stoppede du ved en hyggelig gadekoncert og derved muntrede dig op? Kunne vi hver især være i stand til at besvare disse spørgsmål positivt? Jeg synes, svaret er indlysende.

Forfatterens holdning er klar: unge mennesker har mistet kontakten til kunst og forvandlet sig til egoister. Så ved at bruge eksemplet med en symfonikoncert i Yessentuki, fortæller Viktor Petrovich: "... allerede fra midten af den første del af koncerten begyndte lytterne, der pakkede ind i salen til en musikalsk begivenhed, bare fordi den var gratis at forlade kl. hal.

Ja, hvis de bare forlod ham, stille, forsigtigt, nej, så gik de af sted med forargelse, råb, misbrug, som om de havde bedraget dem i deres bedste ønsker og drømme." Da jeg læste denne passage, følte jeg en følelse af skam og forlegenhed for alle, der tillod sig selv at gå så trodsigt.

Jeg forstår og deler forfatterens holdning, fordi hver af os har vores egen hobby, arbejde, og vi behandler det omhyggeligt og med kærlighed. Hvem ville ikke blive stødt af sådan en holdning til arbejdet, hvor der er investeret så mange kræfter og sjæl. Ja, klassisk musik er ikke tydeligt for alle, det er en del af en elitekultur og kræver en vis grad af intellektuel forberedelse. Men vi må ikke glemme uddannelse, respekt og alt, hvad der skulle have stoppet disse tilskuere i tide.

Det hastende med dette problem var indlysende for Anton Pavlovich Chekhov, som altid var imod livets indbyggere, der ønsker at trække sig tilbage fra hele verden og ikke er interesseret i noget. Ved hjælp af heltene fra værkerne "Man in a Case" og "Stikkelsbær" af Belikov og Himalaya viser forfatteren os, hvor kedelig og tom en person ikke er interesseret i skønheden i verden omkring ham, al dens charme skabt af mennesket og naturen.

Min mor fortalte mig, at jeg som barn kun faldt i søvn til klassisk musik, og i første klasse deltog jeg først i en koncert i Filharmonien og var så fuld af begejstring, at jeg dagen efter blev indskrevet i en klaverkreds. Jeg studerede der indtil ottende klasse, og nu spiller jeg ofte musik og lytter til klassikere. Måske gør det mig gammeldags, men for mig er kunst, hvad enten det er musik, arkitektur eller maleri, først og fremmest en åndelig føde, hvor man ved nærmere undersøgelse kan se forfatterens reflektion eller, med særligt held, sig selv. ..

Man må således ikke miste denne tynde tråd i sig selv, som vil redde én fra mange modgang. Jeg tror, at enhver mental organisation er en subtil sag, der har sine svagheder, hvorfor vi i os selv skal beholde begreber som sparsommelighed, respekt for andre menneskers arbejde og viljen til at kontemplere og skabe. Kun ved at udvikle og åndeligt ophøje, kan vi betragte os selv som fuldgyldige personligheder.

Opdateret: 2017-03-18

Opmærksomhed!
Hvis du bemærker en fejl eller tastefejl, skal du markere teksten og trykke på Ctrl + Enter.
Således vil du give uvurderlige fordele for projektet og andre læsere.

Tak for opmærksomheden.

Kunst ... Det er i stand til at genoplive en mands sjæl af deres aske, få ham til at opleve utrolige følelser og følelser. Kunst er et middel, hvorved forfattere forsøger at formidle deres tanker til en person, at vænne ham til skønhed.

Forfatteren diskuterer behovet for kunst i vores liv, han fokuserer på, at "skønhed skal læres og værdsættes, ligesom man skal lære at føle høj musik." Yuri Bondarev citerer eksemplet med Mozarts Requiem, som påvirker publikum på en ufattelig måde, "folk fældede åbenlyst tårer i episoden, hvor den store komponists liv sluttede." Så forfatteren viser, at kunst er i stand til at røre ved de sarte strenge i en persons sjæl, hvilket får ham til at opleve ekstraordinære følelser.

Bondarev hævder, at kunst i høj grad kan påvirke en person, fordi det netop er kunsten, der er den smukkeste i hans liv. Kunst kan ændre en person, hans indre verden. Det er noget, der skal læres. Man kan faktisk ikke andet end at være enig med forfatteren. Jeg tror på, at kunst kan få os til at føle glæde og sorg, længsel og spænding, lykke og mange andre følelser.

Så i arbejdet med IAGoncharov "Oblomov" er hovedpersonens holdning til musik levende beskrevet. Oblomov, der besøgte Olga Ilyinskaya, hørte først, hvordan hun spillede klaver. Forfatteren viser os, hvordan musik kan påvirke en persons indre verden, hans følelser. Da han lyttede til det storslåede spil, kunne helten næsten ikke holde sine tårer tilbage, han følte styrke og handlekraft, et ønske om at leve og handle.

Imidlertid er holdningen hos hovedpersonen i IS Turgenevs værk "Fædre og sønner" til kunst meget negativ. Bazarov opfatter ham ikke som en integreret del af en persons liv, han ser ikke dens fordele og fordele. Dette var begrænsningen af hans synspunkter. Men en persons liv uden kunst, uden en "sans for skønhed" er meget kedeligt og monotont, som desværre helten ikke genkendte.

Afslutningsvis vil jeg gerne konkludere, at kunst er den vigtigste del af hver enkelt af os. Du skal bare lukke det ind i dit hjerte og sjæl, og det kan erobre hele verden.

Mulighed 2

Enhver form for kunst for en person er den højeste belønning for den indsats, han ydede for at tage del i det - enten som skaberen af et mesterværk eller blot beundrende dets resultater.

Musikalske kompositioner, mystiske lærreder, yndefulde skulpturer opstod takket være menneskelig viden, naturlig gave eller ønske om at opnå en sådan perfektion.

I processen med at skabe ethvert mesterværk af kunst anvender en person sit talent og viser sine evner i fuld kraft. Kunst udvikler sig, tillader ikke at blive på ét sted, i en tilstand af passivitet. På grund af dette forbedrer folk sig. Dem, der til en vis grad forholder sig til dette område, er kreative mennesker, der konstant er på jagt. De kaster sig ud i denne verden og udvikler sig aktivt åndeligt.

Gennem den manifesterede fantasi, målrettethed, fantasi, tålmodighed hjælper kunsten således med at etablere en livsposition, påvirker en persons verdensbillede, hjælper med at finde sig selv, at danne sin egen måde at tænke på.

Hvis vi taler om musik, forbedres en persons følelsesmæssige, mentale og endda fysiske tilstand efter kun at have lyttet til klassiske værker. Afhængig af rytmen og indholdet af melodier, sange, kan du enten få en utrolig ladning af kraft eller falde til ro.

Under påvirkning af kunst transformeres en persons indre verden. I enhver af dens typer - grafik, teater, maleri osv., er der så meget dyb mening og lidenskab, som kommer til udtryk gennem ejendommelige ekspressive midler, at de får dig til at tænke på dig selv, meningen med livet og giver dig mulighed for at se på verden på en ny måde.

Ethvert af kunstværkerne bidrager til skelnen mellem godt og ondt, godt og ondt. Litterære værker har en enorm kraft, der kan påvirke en person og overføre ham til en anden verden. Ved at blive helten af begivenhederne afbildet i bøgerne lærer folk ny information, på grundlag af hvilken de bliver bedre, retter fejl efter at have mødt hans karakterer, sympatiserer og glæder sig med dem. Litteratur kan fundamentalt ændre en persons verdenssyn.

Under indflydelse af maleri finder dannelsen af en persons åndelige verden sted. Deltagelse i denne type aktivitet bidrager til selvudfoldelse, forbedring af indtryk. I skulpturer legemliggør mennesker deres æstetiske ønsker, og for udefrakommende iagttagere er de kognitive.

Således opdrager kunst i en person kun de bedste karaktertræk, øger intelligensen, identificerer og udvikler de kvaliteter, der tidligere var usynlige.

Flere interessante kompositioner

Karakteristika og billede af Ilyusha fra historien Bezhin lug Turgenev komposition
Ilyusha er en af hovedpersonerne i historien "Bezhin Meadow" af Ivan Sergeevich Turgenev. Forfatteren kalder ham Ilyusha ved hjælp af et blødt tegn. Han er tolv.

Hver person taler bestemte ord, næsten alle udføres ved hjælp af handlinger og ord. Ordet føder et ord, det tredje løber af sig selv. Vær på vagt: ethvert ord, du udtaler, kan bestemme det

Efteråret kommer. Byen bliver gul-orange. Skolebørn tager deres tasker på og går i skole. Voksne er ved at være slut på deres ferie.

Har du brug for at gøre dine drømme til virkelighed? Afsluttende essay karakter 11
Hvad er drømme? Har de brug for eller skal de implementeres? Vi kan sige, at drømme er en af de smukkeste og mest uforgængelige partikler i vores eksistens. Hver af os behandler dem forskelligt. For eksempel vil Vasya virkelig gerne gøre sin drøm til virkelighed.
Temaet for militære bedrifter i russisk litteratur i anden halvdel af XX - begyndelsen af XXI århundrede.
Temaet krig og alt forbundet med det vil ikke efterlade nogen ligeglade. Dette emne har været relevant til enhver tid. Men når dette emne angår dig personligt og dine kære, opfattes alt på en helt anden måde.

Tekst. K.I. Krivosheina
(1) Efter Fedor Mikhailovich vil vi ikke udbryde i dag: "Skønhed vil redde verden!" Dostojevskijs naivitet berører. (2) Tiden er inde til at redde skønheden selv.
(3) Ordet SKØNHED indeholder ikke kun en filosofisk betydning, objektive vurderinger af skønhed er blevet dannet i århundreder.
(4) Vi ved alle, at børn under fem år er bemærkelsesværdige til at tegne og desuden skelne mellem smukt og grimt.
(5) Med deres uspolerede smag adskiller de intuitivt sandhed fra løgn, og efterhånden som de bliver ældre og, som det blev sagt i USSR, "under miljøets angreb", mister de deres naturlige immunitet. (b) Desuden er jeg næsten sikker på, at enhver person ved fødslen er udstyret med talentet til at føle skønhed. (7) En moderne besøgende på museer er forvirret, nye formler trommes ind i ham, hvorfor det er svært for en person at afgøre, hvad der er mere perfekt: Bellini, Raphael, en græsk statue eller moderne installationer. (8) Underlig smag og mode kan stadig ikke dræbe det sande udvalg i os: vi vil umiskendeligt skelne en smuk person fra en freak, eller et smukt landskab fra en betonforstad.
(9) Det er et kendt faktum, at de fleste mennesker absolut ikke har noget ønske om at udvikle deres smag. (S) Moderne byggeri, ansigtsløse byer, billigt tøj, litteratur designet til den almindelige lægmand, "sæbeoperaer" og så videre - alt dette fører til borgerlighed.
(Og) På trods af dette tror jeg ikke, at der vil være mange amatører, både fra de "uopdragne" og "uddannede" kredse, der ville bruge timer på at overveje installationer fra Ilya Kabakovs toiletkumme og affald ... (12) Statistik siger om noget andet: kærlighed og sympati trækker strømmen af mennesker til evige værdier, det være sig Louvre, Hermitage eller Prado ...
(13) I dag hører jeg ofte, at det er nødvendigt at spille i kunst, at behandle det som let sjovt. (14) Dette kunstspil er sidestillet med en form for innovation. (15) Jeg vil sige, at det er ret farlige SPIL, du kan spille så meget, at du mister balancen, linjen, linjen ... ud over hvilke anarki og kaos allerede hersker, og tomhed og ideologi kommer til at erstatte dem.
(16) Vores apokalyptiske tyvende århundrede har brudt etablerede holdninger og præferencer. (17) I århundreder var grundlaget for plastisk udtryk, litterært og musikalsk, naturligvis vores Skaber, Gud og Tro, og Skønhedens Muser har arbejdet i århundreder på harmonien mellem guddommelig og jordisk skønhed. (18) Dette er grundlaget og betydningen af kunsten selv.
(19) Vores civilisation i udvikling, som en ildpustende drage, fortærer alt på sin vej. (20) Vi lever i evig frygt for i morgen, gudløshed har ført til sjælens ensomhed, og følelser er i forventning om den daglige apokalypse. (21) Åndens fattigdom sløvede ikke kun skaberne, men også kenderne. (22) Vi behøver kun at beundre skønheden i museer. (23) Det, vi ser i moderne gallerier, forårsager nogle gange følelsen af, at nogen håner beskueren. (24) Nye former, manifester og kunstrevolutionen, der begyndte i det 20. århundrede, fejede ind over planeten med sådan pomp og entusiasme, begyndte at gå i stå og slå fejl i slutningen af årtusindet. (25) Kunstneren, der har forfinet og renset sig selv ud og ind, ved ikke længere, hvad han ellers skal finde på for at tiltrække opmærksomhed. (26) Ægte dygtighedsskoler er forsvundet, erstattet af amatørisme, ubegrænset selvudfoldelse og et stort spil penge.
(27) Hvad venter os i det kommende årtusinde, vil der være de skønhedsguider, som vil føre hende ud af labyrinten?
(K.I. Krivosheina)

Sammensætning
Tekstens forfatter, K.I. Krivoshein, berører det vigtige problem med at vurdere skønhed og holdninger til kunst. Den situation, der har udviklet sig i samfundet, de stereotyper, der pålægges personen i opfattelsen af det smukke og grimme, virker farlige for forfatteren, som et resultat af, at hun udbryder, at tiden er inde til at redde skønheden.
K.I. Krivosheina skriver, at en person i barndommen let kan skelne det smukke fra det grimme, men senere forringes hans smag: "moderne konstruktion, ansigtsløse byer, billigt tøj, litteratur designet til den gennemsnitlige mand på gaden," sæbeoperaer "fører til" borgerlighed ”. Få mennesker stræber efter at udvikle deres smag. Forfatteren forsikrer dog, at ingen mode kan dræbe følelsen af skønhed hos en person. Men det vigtigste, publicisten opfordrer os til, er en seriøs og omhyggelig behandling af kunst, hvis betydning er i harmoni med jordisk og guddommelig skønhed.
Så vil selv de såkaldte kunstværker, som er nævnt i teksten af forfatteren, og som er reduceret til "amatørisme" og "lege med penge", ikke overskygge den sande kunst, skabt for ikke at behage massekulturens stereotyper . Her er jeg enig med forfatteren.
Problemet med at vurdere skønhed har tidligere tiltrukket forfatteres opmærksomhed. Jeg husker historien om A.P. Tjekhovs "Ionych" og turkinernes familie beskrevet i den, som blev betragtet som den mest intelligente og uddannede i byen, der følte sig skønhed og havde god smag. Men er det? Datteren, Ekaterina Ivanovna, spiller klaver for gæsterne, slår på tangenterne, så Startsev tror, at der falder sten fra bjergene. Mor skriver en roman om, hvad der ikke sker i livet, om ikke-eksisterende problemer og lidenskaber, der ikke er interessante for nogen. Kan deres arbejde klassificeres som smukt? Det tror jeg ikke. Så de kunne kun værdsættes af byfolk med beskeden smag.
Efter min mening er det, der kan tilskrives skønhedskategorien, bygget på princippet om harmoni. Ægte kunstværker overlever gennem tiderne. Disse omfatter uden tvivl digte, eventyr, digte af A.S. Pushkin. Skrevet i et enkelt og samtidig elegant sprog rører de strengene i læserens sjæl. Generationer skifter, men charmen ved Pushkins linjer forsvinder ikke. Selv som børn kaster vi os ud i den vidunderlige verden af digterens eventyr, læser prologen til digtet "Ruslan og Lyudmila", stifter derefter bekendtskab med teksterne og læser til sidst romanen i vers "Eugene Onegin". Jeg kan især godt lide digterens landskabsskitser. I dem mærker jeg vinterens ånde, det tidlige efterårs charme, jeg ser "støjende karavanegæs", en bleg plet af månen eller en ulv komme ud på vejen. Jeg tror, at mange vil tilslutte sig min mening om, at en sådan rørende afspejling af livet kun er mulig i ægte kunst. Jeg vil gerne håbe, at der i dag, på trods af forfatterens ord om, at "rigtige færdighedsskoler er forsvundet", er forfattere, hvis værker vil blive værdsat af deres efterkommere.

KRYLOV SERGEY NIKOLAEVICH

Postgraduate-studerende ved Institut for Kunst og Kulturelle Studier i Federal State Budgetary Educational Institute of Higher Professional Education "St. A.L. Stieglitz"

Anmærkning:

Artiklen afslører de vigtigste faktorer, der hindrer den gensidige forståelse mellem kunstneren og offentligheden. Forfatteren mener, at samtidskunst er et system med sit eget krypterede sprog, der har udviklet sig gennem de sidste halvandet århundrede. Siden midten af det 19. århundrede er der gradvist sket en ændring i det vestlige samfunds værdier, afspejlet i kunsten som en afvigelse fra det æstetiske ideal til fordel for det konceptuelle. Forfatteren mener, at offentligheden, der er godt bekendt med samtidskunst, heller ikke altid fuldt ud kan vurdere værdien af et kunstværk uden en særlig forklaring fra forfatteren, hvilket uden tvivl er et tegn på den voksende konflikt mellem samfundet og postmodernismens kultur. Hvis værket tidligere fremkaldte følelser gennem æstetisk gennemslagskraft, så leder samtidskunsten efter originale måder at påvirke offentligheden på.

Kulturen som helhed udtrykker samfundets åndelige tilstand, mens kunsten
er en reaktion på et følelsesmæssigt udbrud. Hvor meget kunsthistorie eksisterer,
der er så meget debat: Er ethvert innovativt fænomen i kunsten betragtet som fremskridt
eller den konstante nedbrydning af kultur. På det humanistiske område er det umuligt
ignorere kendsgerningen af vanskeligheder, og nogle gange umuligheden af at konstruere en integral logik
systemer. Ordforrådet, der bruges til at beskrive samtidskunst, er gradvist
bliver et særligt sprog - svært, ofte skræmmende i sin kompleksitet. Imidlertid
mindre, ”i kunstvidenskab har den teoretiske tilgang ikke rigtig
alternativer, og det er lige meget om det handler om moderne eller klassisk kunst. Nogen
en ny udgivelse om kunsthistorie er kun relevant som argument i
enhver teoretisk strid som en del af intellektuel historie." Indtil midten
XIX århundrede blandt kunstnere, gør få forsøg på at formulere deres system,
i stand til at underbygge originaliteten af kreativ aktivitet.
Det menes, at E. Manet gjorde de første forsøg på selvidentifikation af kunst,
den første blandt malere, der begyndte søgen efter værkets formelle kompleksitet. Hans
lyst til at skabe nye principper i løsningen af hverdagens problemer, han indirekte
foregriber næsten al avantgarde-kreativitet, i de mest reaktionære former
i stand til at forlade det vestlige kultursystem baseret på oldgræsk
forståelse for æstetik og skønhed.
På grund af enkelheden af løsningen i realistisk kunstnerisk praksis, spørgsmålet
teoretisk underbyggelse af værket opstår sjældent, selv i sammenligning med
dekorativ eller kirkekunst. A.V. Makeenkova udleder kompleksiteten af "sproget
værker", som et af problemerne med vanskeligheden ved at forstå kunst. Utvivlsomt,
forfatterens sprog kan være uforståeligt, det kan dog ikke afhænge af
orientering af arbejdet. Opfattelsens kompleksitet er snarere påvirket af formelle
tegn, nemlig: de midler, som kunstneren bruger, for eksempel, er traditionelt ikke det
karakteristisk for kunst: nye tekniske muligheder, polymedier - altså dem
kvaliteter, hvor formskabelsen forsøger at isolere og etablere sig. Kunne lide
om vi har et værk eller ej, kan vi forstå, hvad det handler om, men hvordan det er
opfyldt - ikke altid.
Udviklingen af kulturen i et moderne globalistisk samfund er umulig
betragtet uden for konteksten af de ideologier skabt af de herskende lag. Original
kunstnere - uanset hvad de skaber - vil blive opfattet som radikale
tilpasset. Overvej et levende eksempel: "konservative politikere og kunstkritikere i
USA under den kolde krig angreb abstrakt kunst som
"Kommunist" ", men 20 år senere beviser L. Reinhardt, at det er det
realistisk kunst i vesten er protestkunst, ikke abstrakt kunst, som i
at tiden allerede er ved at blive et symbol på den kapitalistiske kultur. Karl Marx bemærker også
det faktum, at når vi foretager et køb, erhverver vi ikke bare ting, men genstande,
fyldt med ideologi. Ved at manipulere masseideologi kan man bevidst
manipulere sociale gruppers følelser. I den vestlige civilisation er folk vant til
at modtage fra et kunstværk, først og fremmest glæde: visuel,
æstetisk, moralsk og intellektuel. I løbet af det seneste århundrede har vi
vi observerer en gradvis afvigelse fra opdelingen i kunsttyper, den herskende
årtusinder; der er en fusion af visuel statisk kunst med poesi,
musik, dans, video og endelig med de "nøjagtige" videnskaber, både i formelle og
ideologisk plan. Publikum, kulturelt forberedt på fordybelse af det nye
kunst, modtager fra kunstneren en slags puslespil rettet mod aktivt arbejde
fantasi, lærdom, intuition og intelligens, får mest glæde af dette.
Beundring for værkets rent visuelle og æstetiske kvaliteter,
falder i baggrunden, da offentligheden kun præsenteres for legemliggørelsen af ideen
kunstner. Samtidskunst tilskynder beskueren til midlertidigt at trække sig fra
sociale masser for at se noget mere; gennem populærkulturkritik
der er en kritik af ideologien og kunsten selv.
Kunstens tekniske reproducerbarhed har uden tvivl ændret holdninger
samfund til kunstneren, med opfindelsen af reproducerbarheden af maleriet, at tiltrække
af beskuerens interesse skal maleren investere i det værk, han ikke kan formidle
fotografering, for eksempel, den maksimale følelsesmæssige komponent, ny teknisk
betyder samtidig påvirkning af forskellige sanser. Til en vis grad til enhver tid
der var en syntese af kunst, men først i begyndelsen af det 20. århundrede gjorde polymedier
værker, der påvirker alle beskuerens sanser, som er
de mest komplekse i strukturskabelser, handlinger, begivenheder. Dadaister tvinger offentligheden
tage en ny tilgang til at forstå kunst: ikke at ville behage, tilbyder de stadig
opgive passiv beundring og blive en del af handlingen. Kunstværk
kan blive en genstand lånt fra livet: miljø eller færdiglavet, - en idé,
som er baseret på perceptionens accent, det vil sige at betragte et objekt, et værk
af kunst er det lavet af tilskueren selv. Efter M. Duchamp bliver al kunst af natur
ord eller begreb. Samtidig oplever den klassiske mimetiske teori
krise og er ude af stand til at retfærdiggøre mangfoldigheden af visuelle repræsentationer. Tidligere menneske
bruges til at få glæde af kontemplation af et kunstværk. Samfund
tog for givet, at det netop var den canative karakter, kompleksitet og rigdom
æstetiske tegn eller endda sprog gav værket status som kunst nu
afstanden mellem billederne i værket og deres referenter er praktisk talt fraværende.
I løbet af det sidste halve århundrede har kunsten vendt sig mod temaer, som tidligere endda
ikke synderligt interesseret i kunsthistorie. Legemliggør ideen om syntese, morfologisk
kunstens rammer går i opløsning og afslører kunstnerens skikkelse over for samfundet. MED
fremkomsten af nye kommunikationsmidler har ændret selve opfattelsen - fra visuel orientering
til multisensorisk. Kunst er i stand til at undertrykke alle menneskelige evner
stræber efter den kreative fantasis enhed. Socialiseret trend
kunst i vestlige lande udvikler sig selvstændigt, i Europa er det en gruppe
"Situationist International", i USA - neo-dadaister og "Fluxus", der tror på
redde kunst fra kommercialisering, der truer med at gøre den til en ekstrem
en prestigefyldt vare. Frisindede kunstnere arbejder
over projekter, der involverer musikere, digtere, dansere. Et resultat af denne art
aktivitet bliver en ny tværfaglig æstetik baseret på gensidig
inspiration, berigelse og eksperimentering. Forestillingen tillod kunstnere
endelig udviske grænserne mellem udtryksmidler, mellem kunst og
liv. Performativ praksis var en protest udfordrende
almindeligt accepterede værdier og adfærd, de ikke kunne eksistere uden en dialog med
tilskuer. Kunstnere forbinder sig direkte med andre mennesker, deres liv
oplevelse og adfærd. Sammensmeltningen af kunst og liv som hovedideen erhvervet
ekstreme og nysgerrige former for englænderne Gilbert og George. Manzoni forvandlet til
"Levende skulpturer" af dem omkring dem, de forvandlede sig også til "levende skulpturer", og
indirekte gjorde deres liv til et kunstobjekt.
B.E. Groys, set fra en teoretiker fra det XXI århundrede, fremhæver kunstens opgave med at demonstrere
forskellige billeder og livsstil gennem praktisk viden. Med midler
besked bliver selve budskabet. "Vi anerkender, at en af de mest betydningsfulde
kunstneriske tendenser i de sidste 10 - 15 år - dette er spredningen og
institutionalisering af gruppe- og socialt engageret kreativitet ",
hvis udtryk vi finder i interaktionskunstens særlige popularitet.
M.Kwon ser den nye kunstform som en "specifikation af fællesskabet",
K. Bazualdo - "eksperimentelt fællesskab", G. Kester definerer det "dialogisk
kunst". Kesters idé er, at kunstens opgave er at modstå en verden, hvori
mennesker reduceres til et atomiseret pseudo-fællesskab af forbrugere, hvis
den følelsesmæssige oplevelse er givet af forestillingens og øvelsernes samfund. Hvis samarbejde med
præorganiserede grupper afslører en udnyttende karakter, det gør den ikke
kan afspejle en model for social interaktion. I en fælles konfrontation
kapitalisme, kunstnere forenes indbyrdes og kalder på en ekstern offentlighed,
som trygt skal føle sig som deltager i arbejdet. I modsætning til
tv, kunst ødelægger ikke, men forener relationer, bliver et sted,
skabe et specifikt rum for kommunikation. Hvis G. Hegel kaldte en af
de vigtigste årsager til kunstens krise er tabet af en persons evne til direkte
oplevelser af et kunstværk ("The freedom of kunstværker, som
stolthed over deres selvbevidsthed, og uden hvilken de ikke ville eksistere - dette er deres egen list
sind. Hvis kunstværker er svar på deres egne spørgsmål, så ind
i kraft af dette bliver de selv til spørgsmål. "), fordelen ved samme dialogiske
form for kunstnerisk praksis er, at en kritisk analyse af stereotyper
udføres i form af udveksling af synspunkter og diskussion, og ikke chok og ødelæggelse.
Kollaborativ kunst søger tilgængelighed frem for eksklusivitet; v
dialog er refleksion uundgåelig, da den i sig selv ikke kan konstruere
arbejde.
I praksis skaber ideen om at forene kunstneren og offentligheden en barriere i sig selv,
griber ind i tilnærmelsen, hvilket uden tvivl bliver det mest presserende problem. Offentlig,
lidt bekendt med kunsttendenser, fordomme over for alle manifestationer
moderne kreativitet og forsøger at undgå kontakt. Afvisning af dialog bliver
den oprindelige årsag til misforståelsen. Kunstneren udtrykker selvopofrelse,
give afkald på ophavsretlig tilstedeværelse til fordel for relationer, hvilket tillader deltagere
tale gennem dig selv. Denne idé udtrykker ofringen af kunsten som sådan og dens ønske
fuldstændig opløsning i social praksis.
Følelser forbliver det eneste element i opfattelsen - hovedkriteriet
fremkomsten og eksistensen af et kunstværk, hvis begyndelse er
oplevelser og følelser. Som V.P. Bransky bemærker: "Den, i hvem objektet ikke forårsager
ingen følelser, bemærker ikke i dette objekt og en tiendedel af disse funktioner, der
åben for en person, der er under et stærkt indtryk af genstanden. Så
Så paradoksalt som det kan virke, kan man altså se på noget – og intet se”.
Grundårsagen til enhver kunst er ikke så meget kontekst som fri følelse, i
fortiden begrænset af rammerne for filosofi, æstetik, skønhed, proportioner og andet
kulturelle traditioner. Postmoderne kunst bygger primært på
følelser, og det er umuligt at måle det efter noget andet kriterium!
LITTERATUR
1. Rykov A.V. Vestlig kunst fra det XX århundrede: Studievejledning. - SPb .: Nyt alternativ
Polygrafi, 2008.S. 3.
2. Dempsey, Amy. Stilarter, skoler, retninger. En guide til samtidskunst. - M .: Kunst -
XXI århundrede, 2008.S. 191.
3. Biskop, Claire. Social vending i samtidskunst - Moskva: Khudozhestvennyj zhurnal, 2005, nr.
58/59. S. 1.
4. Adorno, V. Theodore. Æstetisk teori / Pr. med ham. A.V. Dranova. - M .: Republik, 2001.S. 12.
5. Bransky V.P. Kunst og filosofi. Filosofiens rolle i dannelsen og opfattelsen af det kunstneriske
arbejder på eksemplet med maleriets historie. - Amber Skaz, 1999.S. 6.

I denne samling beskrev vi de vigtigste problemer, der er stødt på i teksterne til forberedelse til eksamen på det russiske sprog. De argumenter, der optræder under overskrifterne med problemformuleringen, er hentet fra kendte skrifter og demonstrerer hvert problematisk aspekt. Du kan downloade alle disse eksempler fra litteraturen i tabelformat (link i slutningen af artiklen).

I sit skuespil "Ve fra Wit" af A.S. Griboyedov viste en åndløs verden, bundet i materielle værdier og tom underholdning. Dette er Famus samfundets verden. Dets repræsentanter er imod uddannelse, bøger og videnskaber. Famusov siger selv: "Jeg vil gerne tage alle bøgerne og brænde dem." I denne indelukkede sump, vendt væk fra kultur og sandhed, er det umuligt for en oplyst person, Chatsky, der bekymrer sig om Ruslands skæbne, for dets fremtid.
M. bitter i sit skuespil" På bunden”Viste en verden blottet for spiritualitet. Skænderi, misforståelser, stridigheder hersker i ly. Heltene er virkelig på bunden af deres liv. Der er ikke plads til kultur i deres hverdag: De er ikke interesserede i bøger, malerier, teatre og museer. I floppet læser kun en ung pige Nastya, og hun læser romanske romaner, som kunstnerisk taber meget. Skuespilleren citerer ofte linjer fra berømte skuespil, da han selv optrådte på scenen før, og dette understreger i højere grad kløften mellem skuespilleren selv og ægte kunst. Stykkets helte er skilt fra kulturen, så deres liv er som en række grå dage, der afløser hinanden.
I D. Fonvizins skuespil "The Minor" godsejerne er uvidende filister, besat af grådighed og frådseri. Fru Prostakova er uhøflig mod sin mand og tjenere, er uhøflig og undertrykker alle, der er under hende i social status. Denne ædle kvinde skyr kultur, men forsøger at påtvinge sin søn den i takt med modetrends. Det kommer der dog ikke noget ud af, for ved sit eksempel lærer hun Mitrofan at være en dum, begrænset og uopdragen person, der ikke koster noget at ydmyge folk. I finalen fortæller helten åbenlyst sin mor om at lade ham være i fred og nægter hendes trøst.
I digtet "Døde sjæle" af N. V. Gogol godsejere, Ruslands grundpille, fremstår for læserne som modbydelige og ondskabsfulde mennesker uden en antydning af spiritualitet og oplysning. For eksempel foregiver Manilov kun, at han er et kulturmenneske, men bogen på hans skrivebord er dækket af støv. Korobochka er slet ikke genert over sine snævre horisonter og viser åbenlyst fuldkommen dumhed. Sobakevich fokuserer kun på materielle værdier, åndelige værdier er ikke vigtige for ham. Og den samme Chichikov er ligeglad med sin oplysning, han bekymrer sig kun om berigelse. Sådan skildrede forfatteren det høje samfunds verden, en verden af mennesker, der af ejendomsret fik magt. Dette er værkets tragedie.

Kunstens indflydelse på mennesker

En af de lyseste bøger, hvor et kunstværk indtager en væsentlig plads, er romanen Oscar Wilde "Portræt af Dorian Gray". Portrættet malet af Basil Hallward ændrer virkelig livet for ikke kun kunstneren selv, der forelsker sig i hans kreation, men også livet for en ung model, Dorian Gray selv. Billedet bliver en afspejling af heltens sjæl: alle de handlinger, som Dorian udfører, forvrænger straks billedet i portrættet. I finalen, når helten tydeligt ser, hvad hans indre essens er blevet til, kan han ikke længere fortsætte med at leve fredeligt. I dette værk bliver kunst en magisk kraft, der afslører for en person sin egen indre verden og besvarer evige spørgsmål.
I skitsen "Oprettet" G.I. Uspensky berører temaet kunstens indflydelse på en person. Den første del af historien i værket er forbundet med Venus de Milo, den anden er forbundet med Tyapushkin, en beskeden lærer på landet, hans livs op- og nedture og den radikale forandring, der fandt sted i ham efter mindet om Venus. Det centrale billede er billedet af Venus de Milo, en stengåde. Betydningen af dette billede er personificeringen af en persons åndelige skønhed. Det er legemliggørelsen af kunstens evige værdi, som ryster personligheden og retter den op. Mindet om hende gør det muligt for helten at finde styrken til at blive i landsbyen og gøre meget for uvidende mennesker.
I værket af I. S. Turgenev "Faust" heltinden læste aldrig skønlitteratur, selvom hun allerede var i voksenalderen. Da hendes ven lærte dette, besluttede hendes ven at læse det berømte skuespil af Goethe højt for hende om, hvordan en middelalderlæge ledte efter meningen med at være til. Under indflydelse af, hvad hun hørte, ændrede kvinden sig meget. Hun indså, at hun levede forkert, fandt kærligheden og gav sig selv op til følelser, som hun ikke forstod før. Sådan kan et kunstværk vække en person fra søvnen.
I romanen af F. M. Dostojevskij "Fattige mennesker" hovedpersonen vegeterede i uvidenhed hele sit liv, indtil han mødte Varenka Dobroselova, som begyndte at udvikle ham ved at sende bøger. Før det læste Makar kun værker af lav kvalitet uden dyb mening, så hans personlighed udviklede sig ikke. Han afholdt sin eksistens ubetydelige og tomme rutine. Men litteraturen fra Pushkin og Gogol ændrede ham: han blev en aktivt tænkende person, der endda lærte at skrive breve bedre under indflydelse af sådanne mestre af ordet.

Sand og falsk kunst

Richard Aldington i romanen "En helts død" i billederne af Shobb, Bobb og Tobb, lovgiverne af fashionable litterære teorier om modernismen, viste han problemet med falsk kultur. Disse mennesker har kun travlt med tom snak og ikke med rigtig kunst. Hver af dem taler med sit eget synspunkt, betragter sig selv som unik, men i det væsentlige er alle deres teorier en og samme tom snak. Det er ikke tilfældigt, at navnene på disse karakterer ligner hinanden, ligesom tvillingebrødre.
I romanen " Mesteren og Margarita "M.A. Bulgakov viste livet i det litterære Moskva i 1930'erne. Chefredaktøren for MASSOLITA Berlioz er en kamæleonmand, han tilpasser sig enhver ydre forhold, enhver magt, system. Hans litterære hus fungerer efter ordre fra herskerne, der er ingen muser der i lang tid, og der er ingen kunst, ægte og oprigtig. Derfor bliver en virkelig talentfuld roman afvist af redaktører og ikke anerkendt af læserne. Myndighederne sagde, at der ikke er nogen Gud, hvilket betyder, at litteraturen siger det samme. Den kultur, der er stemplet på orden, er dog blot propaganda, som ikke har noget med kunst at gøre.
I historien "Portræt" af N. V. Gogol kunstneren byttede ægte dygtighed for mængdens anerkendelse. Chartkov fandt penge gemt i det maleri, han købte, men de pustede kun op for hans ambition og grådighed, og med tiden voksede hans behov kun. Han begyndte kun at arbejde på bestilling, blev en fashionabel maler, men han var nødt til at glemme ægte kunst, der var ikke mere plads til inspiration i hans sjæl. Han indså først sin elendighed, da han så værket af en mester i sit håndværk, hvad han engang kunne være blevet. Siden da har han købt op og ødelagt ægte mesterværker, og endelig mistet forstanden og evnen til at skabe. Desværre er grænsen mellem sand og falsk kunst meget tynd og let at gå glip af.

Kulturens rolle i samfundet

Han viste problemet med fjernelse fra åndelig kultur i efterkrigstiden i sin roman "Tre kammerater" E.M. Remarque. Dette emne får ikke en central plads, men en episode afslører problemet med et samfund, der er bundet i materielle bekymringer og har glemt spiritualitet. Så da Robert og Patricia går rundt i byens gader, løber de ind i et kunstgalleri. Og forfatteren, gennem Roberts mund, fortæller os, at folk for længe siden holdt op med at komme her for at nyde kunst. Her er dem, der gemmer sig for regnen eller varmen. Åndelig kultur er faldet i baggrunden i en verden, hvor sult, arbejdsløshed og død hersker. Mennesker i efterkrigstiden forsøger at overleve, og i deres verden har kulturen mistet sin værdi, ligesom menneskelivet. Efter at have mistet værdien af de åndelige aspekter af væren, gik de amok. Især en ven af hovedpersonen, Lenz, dør på grund af en rabiat skare. I et samfund uden moralske og kulturelle retningslinjer er der ikke plads til fred, så der udbryder let krig i den.
Ray Bradbury i romanen "451 grader Fahrenheit" viste verden af mennesker, der opgav bøger. Enhver, der forsøger at bevare disse mest værdifulde forrådshuse af menneskelig kultur, straffes hårdt. Og i denne fremtidens verden er der mange mennesker, der selv har resigneret eller endda støtter den generelle tendens med at ødelægge bøger. Dermed fremmedgjorde de sig selv fra kulturen. Forfatteren viser sine helte som tomme, meningsløse filister, fikseret på tv-skærmen. De taler om ingenting, gør ingenting. De eksisterer simpelthen uden selv at føle eller tænke. Derfor er kunstens og kulturens rolle meget vigtig i den moderne verden. Uden dem vil han blive fattig og miste alt, hvad vi værdsætter så meget: individualitet, frihed, kærlighed og andre immaterielle værdier af en person.

Adfærdskultur

I komedien" En underskov "D.I. Fonvizin viser uvidende adelsverden. Dette er Prostakova og hendes bror Skotinin og Mitrofan-familiens største uvidenhed. Disse mennesker i hver deres bevægelse, ord viser mangel på kultur. Prostakovas og Skotinins ordforråd er uhøfligt. Mitrofan er en rigtig doven person, vant til, at alle løber efter ham og opfylder alle hans indfald. Folk, der forsøger at lære Mitrofan noget, hverken Prostakova eller den uvidende selv, er ikke nødvendige. Denne tilgang til livet fører dog ikke heltene til noget godt: i Starodums person kommer gengældelse til dem og sætter alt på sin plads. Så før eller siden vil uvidenhed stadig falde under sin egen vægt.
MIG. Saltykov-Sjchedrin i et eventyr "Vild godsejer" viste den højeste grad af mangel på kultur, når en person ikke længere kan skelnes fra et udyr. Tidligere boede godsejeren af alt klar takket være bønderne. Selv bøvlede han sig ikke med arbejde eller uddannelse. Men tiden er gået. Reform. Bønderne gik. Således blev adelsmandens ydre finer fjernet. Hans sande dyrenatur begynder at vise sig. Han vokser hår, begynder at gå på alle fire, holder op med at tale artikuleret. Så uden arbejde, kultur og oplysning blev en person til et dyr-lignende væsen.