De talte hovedsageligt om en langtidsundersøgelse, som involverer en dybdegående undersøgelse af formen på genstande med farve, under hensyntagen til stillebens farveområde, miljøforhold - lys, det omgivende rum og deres gensidige påvirkninger.

Men på malekurser på kunstskolen Nye kunstintentioner vi lærer uerfarne kunstnere hurtigt at nedskrive en tegning, at fange i en skitse kun det vigtigste, det mest betydningsfulde eller kun en del af helheden - et fragment. Derfor er der sammen med de værker, der varer hele malerundervisningen, andre former for etude. Det er etuder-skitser, etuder af fragmenter, skitser fra hukommelsen.

Alle disse former har ret til at eksistere. Det eneste spørgsmål er, hvordan man kombinerer dem klogt. Når vi kun arbejder på langsigtede undersøgelser med dybdegående og detaljeret tegning af objekter, vil vi ikke tilegne os færdighederne til hurtigt arbejde og vil ikke umiddelbart være i stand til at fange de vigtigste og væsentligste funktioner i undersøgelsen, vi vil ikke lære at bevidst ofre en eller anden detalje for hovedsagen.

I en sådan etude finder vi sammen med definitionen af ​​kompositionsstrukturen selv farveskemaet, husker blandingen af ​​farver, ved hjælp af hvilken vi opnår de ønskede kombinationer. En sådan etude udføres inden for en halv time - en time.

Nedenfor er en række hurtige skitser og skitser af individuelle fragmentariske løsninger af stilleben fra frugter, bær og husholdningsartikler. Lav en række øvelser for at få nogle færdigheder i at tegne korte studier.

Lær at tegne skitser.

Om foråret eller sommeren skal du lave en buket med ensartede blomster, inkludere en eller to blomster af en anden art i den. Sæt en sådan buket først i diffust lys i et stort lysfyldt rum, på en veranda eller i en have, og skriv en skitse inden for halvanden til to timer. Prøv at skrive den samme eller en anden buket i stærkt lys, på en solskinsdag, og placer blomster på et vindue eller i en have. I hver af disse opgaver vil du møde nye betingelser for dig. Under påvirkning af stærkt direkte lys (i dette tilfælde sollys) ændres farven på genstande sammenlignet med rumforholdene. På grund af de opståede kontraster, overfloden af ​​refleksioner, blænding, på grund af kombinationen og interaktionen af ​​alle disse faktorer, synes objekter at miste deres konkrethed. Både lys, og skygge og penumbra opfattes ikke som klart afgrænsede fra hinanden, men beriger hinanden med en masse nye nuancer, nuancer og overgange. Kort sagt får løsningen af ​​lys- og skyggeproblemer en meget stor betydning i dette tilfælde.

For maleren er belysning lige så vigtig som selve motivet, eller rettere sagt, det ene med det andet er uløseligt forbundet. Når man arbejder på en etude i luften, som man siger i plein air*, opstår der således særlige problemer, som har stor interesse. * (Fra den franske plein air - under åben himmel. Begrebet bruges i billedkunsten i forhold til billedet i det fri).

Studiet af feltklokker er lavet i direkte sollys. Nemt, med gennemsigtige malinger, er deres samlede masse skitseret. Men ikke desto mindre opfattes det som omfangsrigt. På yderkanten af ​​buketten ser klokkerne ud til at være gennemsigtige og vægtløse. Nogle af dem forsvinder næsten i baggrunden, andre er mere tydelige, men ikke skarpe.

Etuden er interessant for os af den tekniske side af forestillingen. Farvernes renhed, det generelle indtryk af friskhed og saftighed opnås ved, at arbejdet udføres på fugtigt fugtet papir, rigeligt mættet med en malingsopløsning. På malekurserne på vores skole taler vi mere i dybden om egenskaberne ved sådan skrivning.

I modsætning til den forrige øvelse - en buket med ensartede blomster, lav også en lille buket blomster i forskellige farver og former. Stil den i diffust lys i et rum mod en lys, umønstret væg. Buketten vil i forhold til baggrunden udgøre en silhuet af en vis styrke.

På tegningen kan du nemt skitsere blomsterne, der stikker ud fra bukettens samlede masse. De vil være forskellige i deres omrids, form og størrelse. Derefter, hele tiden sammenligne styrken af ​​tone, begynde at dække i dele med den ønskede farve visse grupper af farver, forsøger at formidle deres karakter. Samtidig er det ikke nødvendigt at tage malingen i fuld kraft, for efterfølgende at kunne forstærke nogle dele. Når du tegner blomster, skal du undgå skarpe konturer ved at røre nogle farver med andre eller med grønt. Ellers vil de give indtryk af stivhed og virke mere kunstige end levende. Blomster, især vilde blomster, er altid ømme, skrøbelige, dirrende, og i en skitse bør man stræbe efter at formidle disse egenskaber.

Se på den opmærksomhed og kærlighed, hvormed hyldebærbørsten, gule hørblomster, ved siden af ​​dem er kamille- og bregneblade. Sørg for, at billedet ikke giver indtryk af at være fladt, som om det var klippet ud og klistret på papir som en applikation. For at undgå dette er det nødvendigt at bestemme ved sammenligning funktionerne i bukettens berøring med baggrunden. I nogle dele vil blomsterne smelte sammen med det i lethed eller endda vise sig at være lettere end det, i andre vil de danne silhuetter af forskellig konturstyrke. På trods af de mange forskellige nuancer, der udgør en buket blomster, bør den ikke virke broget, men bevare roen, integriteten af ​​en enkelt tonalitet. Når du lærer at tegne på en kunstskole, anbefaler vi, at begyndere nogle gange kniber øjnene sammen, mens de arbejder og ser enten på buketten eller på deres skitse. Dette hjælper med at se fejlene i den tonale løsning.

Den næste øvelse i denne malelektion er designet til at uddybe dine færdigheder i at arbejde på en hurtig undersøgelse. Øvelsen sætter opgaven, ved hjælp af de tidligere tilegnede færdigheder i a la prima-teknikken, at opnå rigdom og farverighed i maleriet. Det er nyttigt at afsætte en til to timer til hver af disse øvelser.

Til at begynde med kan du udføre en opgave, der ligner skitsen med jordbær. Her, som i den tidligere undersøgelse, bruger forfatteren enten evnerne til en pensel mættet med en malingsopløsning eller lægger lette, gennemsigtige strøg af ren maling, hvilket tillader et minimum af deres blanding. Som et resultat opnås overførsel af saftighed og blødhed af store bær, indtrykket af deres gennemtrængning med lys.

Studiet med kruset er også lavet i form af en hurtig skitse. Forestillingen er interessant med en kombination af forskellige fag. Kunstneren står over for en ny opgave - at vise metallets glans ved siden af ​​tomatskindets skinnende overflade. Farverne er rene, lette, gennemsigtige, den overordnede farve er lys. Derfor giver værket indtryk af friskhed, umiddelbarhed.

I undersøgelser, der er hurtige i udførelse, er opgaven derfor at etablere grundlæggende farveforhold, grundlæggende kontraster og formidle belysning. I sådanne etuder er detaljerede detaljer i alle dele ikke påkrævet. For eksempel, i en buket med klokker, med en generaliseret opløsning af hele bukettens masse, ser vi en kamille og de karakteristiske konturer af selve klokkerne skitseret af silhuetten.

Sådanne etuder kan have både underordnet og selvstændig betydning. Underordnet - når du udfører en foreløbig skitse før en lang skitse; uafhængig - når du løser specielle billedproblemer (overførsel af lysforhold, farvekombinationer) og endelig når du skal fange en form for motiv for dig selv, men der er ikke tid til at fuldføre det mere detaljeret.

På malerkursus Nye kunstintentioner vi advarer mod overladelse af så hurtige etuder. Med generaliseringen af ​​løsningen bør undersøgelsen ikke miste sine emnekarakteristika. Kort sagt, generalisering bør ikke blive et mål i sig selv i tegning for begyndere. Tværtimod forsøger vi ved hjælp af det at udtrykke de mest karakteristiske og typiske egenskaber for et givet objekt eller fænomen.

Akrylskitser malet af elever under maletimerne på Artintenstudio.

Sådan maler du en olieskitse

(på hjemmesiden er der snart planlagt en gratis visning af videoen "Lektioner i at male med oliemaling")

Jeg vil gerne beskrive, hvordan jeg omsætter ovenstående materialer og arbejdsmetoder i praksis. For eksempel er landskabet "End of Summer" valgt.

I sensommeren - tidligt efterår bliver bladene på træerne gule, græsset får forskellige farver. Skyggerne fra træerne bliver koldere med en lilla farvetone. Tættere på horisonten, på grund af den blå himmel, virker træerne og vegetationen koldere end i den varme sommer. Efteråret er tiden, hvor du ikke kan gå glip af en dag uden at male i det fri. To eller tre timers arbejde med oliemaling om dagen bliver for mig personligt til minutter af fuldstændig ro i sindet, fred og harmoni med naturen.

For at skrive denne undersøgelse havde jeg brug for et lærred behandlet med gelatine og akrylprimer, tidligere klistret på en tablet. Jeg besluttede mig for at lave undermalingen med tempera maling, så jeg fyldte op med de nødvendige materialer til olie og tempera maling. Jeg lavede en søger af sort papir i henhold til størrelsen på det forberedte lærred. Ud over skitsebogen tog jeg for fuld komfort en klapstol og en paraply med mig.

Efter at have valgt den mest attraktive udsigt over landskabet ved hjælp af søgeren, vurderet sammensætningen og tonale forhold i den fremtidige undersøgelse, gik jeg i gang.

For at skrive et olieportræt fra et foto (), har du brug for en foreløbig, nøjagtig blyantstegning. I mit tilfælde kan konstruktionen af ​​sammensætningen og den foreløbige tegning på lærredet udføres med en tynd kolinsky pensel nr. 2 og gennemsigtig, okker tempera maling. Ved hjælp af søgeren fandt jeg ud af, at vegetation ville være hovedsagen i skitsen. Ud fra dette er horisontlinjen placeret over midten af ​​lærredet. For at understrege landskabets perspektiv, samt for at balancere kompositionen, skitserede han en vej, der fører ud i det fjerne.

Inden jeg gik videre til undermaling med temperamaling, udførte jeg mentalt det forberedende arbejde.

1. Undersøgte omhyggeligt landskabets tonale forhold.

2. Installeret den letteste og mest mættede i tone steder.

3. Bestemt hvilke farver der vil være fremherskende i skitsen i forgrunden, midten og baggrunden.

For at undgå fejl i værkets videre tonale opbygning begynder jeg undermaleriet med de mest mættede brudstykker af billedet, uanset om det er et stilleben eller en menneskeskikkelse. Så skriver jeg fra det mørkeste til det lyseste. Det sker ofte, at lærredets hvide grund er det mest minimale sted i mætning i undersøgelsen. I sådanne tilfælde giver jeg jorden en varm eller kold skygge, afhængig af omstændighederne og malestedet (i publikum eller i det fri).

I landskabet "End of Summer" var den bedste løsning at udføre en undermaling, der startede fra træerne i baggrunden. Faktum er, at vegetationen og jordens overflade i baggrunden var tydeligt kendetegnet ved en violetblå stribe og havde en lys tone tæt på himlen. Anvendte malinger: himmelblå, cadmiumviolet, napolitansk rødviolet, zink og titanium hvid i forholdet 1:1.

Over træerne nær horisonten havde himlen en okkerrødlig nuance og blev det lyseste element i tone i billedet. Anvendte malinger: gylden Moskva okker, lys cadmium rød, hvidmalet. Sådan en kontrast af varme og kolde nuancer i horisonten markerede grænsen mellem træerne og himlen.

Her er uddrag fra D. Constables noter om himlen: Landskabsmaleren, for hvem himlen ikke er en af ​​de vigtigste dele af kompositionen, forsømmer sin bedste assistent ... Himlen er en meget vanskelig opgave, både kompositionsmæssigt og i forhold til udførelsen. Med al sin pragt skal den ikke stikke ud, men kun fremkalde ideen om uendelig afstand. Dette gælder naturligvis ikke sjældne naturfænomener eller utilsigtede lyseffekter, som altid tiltrækker særlig opmærksomhed ... "

Når jeg flyttede til det mellemstore billede, brugte jeg mere kontrasterende og mættede toner til træerne og anden vegetation. I betragtning af luftperspektivet malede jeg skygge og lys med varmere farver. Anvendte skyggefarver: Cadmium Violet, Himmelblå, Umber brændt, cadmiumrødt lys. Maling brugt til lys: gul okker, gylden Moskva okker, cadmium rød, cadmium gul citron, titanium hvid.

På planen nærmest beskueren er græsset og vejen lidt lettere og varmere end træernes tone. Her maler som f.eks okkergul, gylden Moskva okker, cadmium rød, cadmium gul citron, karmin, engelsk rød, hvid.

Et sådant undermaleri gav allerede den fremtidige skitse et luftperspektiv og bestemte farven på værket.

Efter at tempera malingen var tørret, begyndte jeg at male i olier.

På dette stadie af arbejdet skulle jeg:

1. "Fremhæv" volumen af ​​løv og stammer af nærliggende træer.

2. Forbered den første plan som grundlag for den næste.

3. Beskriv i detaljer den anden plan for undersøgelsen.

4. Tilføj, ved hjælp af glasurer, forskellige nuancer på de rigtige steder i skitsen.

Efter undermalingen med tempera maling fortsatte han med en olieskitse fra træerne i baggrunden. Træernes skygger fik en sløret kontur med en blanding af farver. Anvendte malinger: druesort, hvid, himmelblå; lyset viste sig ved hjælp af citrongul, kalkmaling og himmelblå maling.

Med en #16 børstehår malede jeg himlen og påførte den såkaldte stretching fra varm (i horisonten) tone til kold og fra lys til mørk, for at give den volumen. Anvendte malinger: himmelblå, blå - "FC", cadmiumviolet, druesort, hvid. Foreskrive himlen, påført et farverigt lag i en diagonal retning.

Som beskrevet ovenfor bør der ikke være to ens streger i et maleri (se oliemalingsteknikker). Derfor brugte jeg børster i forskellige størrelser (ifølge fragmenter af arbejdet).

Lyset i undersøgelsens forgrund og baggrund blev fyldt med dejagtige streger ved hjælp af en paletkniv.

Efter at have givet volumen til træstammerne og vegetationen i baggrunden, gik jeg videre til detaljerne.

I den sidste fase af arbejdet var alt, hvad jeg skulle gøre, at male mere omhyggeligt de tynde grene af træerne, græsset og dele af vejen med en tynd kolinsky-pensel (nr. 2).

Succes med kreativ aktivitet er først og fremmest sikret for kunstneren, som i sit vedholdende ønske om at skabe et kunstværk, trods forskellige vanskeligheder, overvinder enhver barriere og forhindringer på sin livsvej. Husk Vincent van Gogh... Denne kunstner (og ikke kun ham) beviste trods alt, at en person med sin udholdenhed og lyst til at nå sit mål er i stand til meget.

Engang blev den berømte billedhugger Michelangelo stillet spørgsmålet: "Hvordan får du sådanne vidunderlige skulpturer?", hvortil han svarede: "Jeg tager en sten og skærer alt unødvendigt af i den." Det samme gælder i maleriet. I analogi skal du bare sætte den ønskede tone af maling på det tilsvarende sted på lærredet ... Så kunstneren vil være i stand til at formidle sine følelser og tanker og åbne en ny virkelighed for seeren. Men for at vide hvordan, hvad og hvor du skal lægge tone i maling, skal du arbejde hårdt og udvikle dig, studere og elske at male.

Den bedste lærer for en maler er naturen, og ingen kan undervise mere end hende. Lærere, lærere vejleder, foreslår og lærer kun den begyndende kunstner det grundlæggende i maleri, deler deres egne observationer. Hvor end du er, hvad end du føler, og uanset dit humør, så prøv altid at lægge mærke til i virkeligheden omkring dig, at det ved første øjekast virker uinteressant for en almindelig person. Observer og sammenlign de tonale forhold mellem himmel og jord, farverne på baggrunden og forgrunden. Lav hurtige skitser fra naturen hver dag og ødelægge dem aldrig bagefter. Også selvom nogle af dem ikke blev, som du ser dem ideelt set.

Prøv at forestille dig selv i rollen som en naturforsker, der studerer naturens fænomener, dyrenes vaner; en fysionomist, der studerer funktionerne i strukturen og ansigtsudtryk af folks ansigter i et forsøg på at gætte, bestemme træk ved deres karakter.

Kunstneren skal vise sin tid på lærredet og samtidig kunne udtrykke sig, hvilket kræver hans konstante åbenhed over for omverdenen.

Vær mere opmærksom på personerne omkring dig: pantomime, ansigtsudtryk, tøjstil (lav hurtige skitser).

For at udvide din egen professionelle horisont, prøv at besøge så mange udstillinger og museer som muligt, studere reproduktioner af store malere, læse forskellig litteratur.

Etude er et maleriværk af hjælpekarakter og af begrænset størrelse, udelukkende lavet af naturen.

Arbejder i det fri på et studie, sætter kunstneren sig selv til opgave at en sand og levende legemliggørelse af naturen i maleriet.

Skitser kan være et middel til at studere naturen, træningsøvelser for kunstneren, et middel til at forbedre hans færdigheder. Ofte tjener de som materiale til fremstilling af et billede, for eksempel skitser af individuelle steder, plots, træer, løv og andre detaljer af interesse for maleren. Konstant arbejde på dem i naturen hjælper med at skabe landskaber.

Etude-maleri gør det muligt at udvikle et øje, styrke håndens fasthed og forbedre malefærdigheder.

En etude kræver en omhyggeligt udarbejdet tegning, som skal være nøjagtig og sand, ikke kun i målestok, men også i individuelle detaljer og forholdet mellem dem. For ham er en generel skematisk tegning fra livet uden overdreven detaljering, troskab og nøjagtighed af objekternes hovedlinjer og konturer vigtig. I tegningen skal kunstneren kunne formidle det, han observerer og studerer i naturen. Dog ikke kun set, men også generaliseret - væsentligt, det vigtigste, uden sekundære detaljer.

Tegningen til undersøgelsen er lavet på papir, pap eller direkte på den grundede overflade af lærredet med en blyant, trækul, men bedst af alt med en pensel, med én maling.

I vores landskabsmestres arbejde indtog og indtager studiet en meget betydningsfuld plads. Uovertrufne mestre af skitsemaleri var A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. I. Shishkin, N. K. Roerich, M. V. Nesterov, K. A. Korovin. Med hensyn til fuldstændighed og billedmæssig beherskelse af udførelse kan mange af deres studier betragtes som værker af selvstændig betydning.

Når de laver skitser, sætter kunstnere som regel sig selv bestemte opgaver og løser dem ved forskellige metoder, afhængigt af malerens individuelle egenskaber.

Kendskab til arbejdet med skitserne af individuelle landskabsmalere, deres metoder til at udføre disse værker, de tekniske funktioner ved at arbejde på dem er af utvivlsomt interesse for en ung, nybegynder kunstner og vil hjælpe ham med at undgå mange fejl.

Den fremragende landskabsmester N. K. Roerich tildelte en stor plads til at skitsere maleriet i sit arbejde. Som allerede nævnt baserede Roerich den kreative metode til at skabe et værk på tæt, eftertænksom observation og konstant, gennemtrængende undersøgelse af naturen. Da han begyndte at skrive en skitse, satte han sig først og fremmest en meget specifik opgave, som han søgte løsningen på. Ideen om værkets sammensætning, som opstod i kunstnerens sjæl som et resultat af hans observationer og studier af naturen, blev udtænkt af ham før begyndelsen af ​​hans maleri. Da den kompositoriske struktur af undersøgelsen blev mentalt besluttet, da plottet af kompositionen blev bestemt og den vigtigste koloristiske beslutning blev skitseret, gik Roerich videre til at skitsere tegninger og derefter til at male.

Under et langt naturstudie var det øjeblik, kunstneren fandt og ramte ham, grundlaget for indtrykket om ham; det kreativt bevidste og mentalt bearbejdede indtryk og det kunstneriske billede, der opstod på baggrund heraf, blev konstant bevaret i hukommelsen under arbejdet med skitsen.

Da han udmærket vidste, at når du først er observeret i naturen, vil du ikke se igen, og Roerich skrev hurtigt sine studier inden for få timer. Ellers er det trods alt umuligt at formidle i al sin oprindelige friskhed og umiddelbarhed af det første indtryk denne eller den naturtilstand, da det allerede om en dag og nogle gange om et par timer vil være helt anderledes.

Roerich mente, at det selvfølgelig er meget vigtigt at kunne skildre det, man ser i naturen, men det er lige så vigtigt at kunne se det, man gerne vil skildre. Dette er ifølge Roerich kunstnerens hovedegenskab, som består i, at man ikke skal se på naturen med en iagttagers ligegyldige blik, men med et kærligt, gennemtrængende blik, mentalt udvælgende og notere, hvad man kan lide. Hvis du ikke investerer i studiet af naturen, al din sjæls passion, al kærligheden til den, er der ingen grund til at male den.

I etude skal man være i stand til at finde enkle, tilsyneladende ukomplicerede løsninger på de opgaver, der stilles til en selv. Disse beslutninger, både kompositoriske og med hensyn til farve og mønster, bør være kortfattede. Dette kræver dog ikke kun erfaring, men også en stærk tro på hovedmålet i dette arbejde. Kunstneren skal være i stand til at fokusere på at løse og nå dette mål, på hovedsagen, og ikke på det sekundære, ved at bruge alle sine muligheder inden for komposition og maleri. Koncentration, ro, evnen til at se og fremhæve det vigtigste, hastighed og nøjagtighed i arbejdet - dette er nøglen til succes med at skabe en etude.

Det er nødvendigt at skrive det, efter at have beregnet dine styrker og evner, bestemme med større eller mindre nøjagtighed, hvor længe naturtilstanden, som interesserer kunstneren, vil vare. Uden at gøre dette er det let at falde i fejl – lyset skifter trods alt hele tiden. Det kan også ske sådan her: du begynder at male en skitse under visse forhold, for eksempel maler du jorden - solen var til venstre, så skifter du til at male himlen, og solen er allerede gået over til den anden side, som du ikke lagde mærke til, og det viste sig usandsynligt. Det er umuligt at skrive en skitse i alt for lang tid - det første indtryk af naturen er sløvet, kunstneren bliver træt og mister gradvist friskhed og skarphed i opfattelsen.

Roerichs skitser forbløffer altid med deres originale komposition, som er med til at afsløre naturens unikke originalitet med enestående fylde.

Af ikke ringe betydning for kunstnerens succesfulde arbejde er undersøgelsens størrelse. Derfor er det meget vigtigt, under hensyntagen til ens styrker og evner, at vælge til skitser den størrelse på lærredet, der er mest let og praktisk til arbejde på relativt kort tid og samtidig gør det muligt at opnå fuldstændighed af arbejde. Roerich brugte normalt pap, der målte 35,5x45,8 cm; til skitser brugte han endnu mindre pap.

I skitser tog Roerich som regel farvetonerne ikke i fuld kraft, men noget mere tilbageholdende, end de faktisk var, og brugte ikke fuldt ud hele palettens rækkevidde. Ved at gøre det tog kunstneren hensyn til: Hvis du straks tager klangfulde, intense toner, så når du skal anvende en farvestrejk, viser det sig, at hele sortimentet allerede er blevet brugt, og der vil ikke være noget at lave det.

Mens han arbejdede på undersøgelsen, begrænsede Roerich sin palet, ikke fyldte den med overdrevne farver, idet han med rette troede, at overskud altid fører til store vanskeligheder med at kombinere farveskalaen i en enkelt helhed og fratager sandheden i overførslen af ​​farveforhold observeret i naturen.

I Roerichs skitser opnås med strålende dygtighed effekten af ​​at sidestille tilsyneladende uforenelige toner med hinanden, der danner en indre enhed, og den særlige enkelthed og mod, der ligger i kunstneren i farvekontraster. Disse dygtigt fundne sammenligninger af lyse og mørke toner, lyse og kedelige, giver hans maleri en enestående lysstyrke. Dens farverige toner synes at være fyldt og gennemsyret af lys. Farvens lysstyrke er en af ​​maleren Roerichs fantastiske kvaliteter, der kommer fra en gennemtrængende undersøgelse og observation af naturen.

V. N. Baksheev viede meget opmærksomhed og tid til at arbejde med skitser. Hvert af hans malerier blev malet efter skitser. Allerede i dem forsøgte kunstneren at finde det mest karakteristiske ved det valgte emne og opnåede ikke kun ekstern lighed med naturen, men også intern fylde. Skitser hjalp ham selvfølgelig med at skabe store lærreder - han studerede form, farve, lys. Men kunstneren kopierede aldrig tankeløst fra en skitse, idet han mente, at arbejdet med et maleri er en kreativ proces, hvor du formidler indre liv, psykologi.

Her er, hvad Baksheev sagde i en af ​​sine samtaler med forfatteren af ​​denne bog om kravene til en etude: " Først og fremmest skal skitser være strengt tegnede og sandfærdige i farver. Du skal studere naturen meget omhyggeligt. Det er vigtigt først at finde ud af alt: proportioner, farveforhold, lys og skygger, og først derefter fortsætte med at male. Og så, når du begynder at arbejde med maling, så overbevis dig selv om, at dette vil være din bedste ting, at du vil skrive det godt; sæt det op og kom så i gang! Polenov rådede mig til først at sætte lyse, bestemte toner på lærredet, derefter de mørkeste og lyseste; sammenligne halvtoner både i forhold til lys og mørke, og i forhold til varmt og koldt. Det er nødvendigt at skrive uden undermaling, i dele og om muligt i fuld farvestyrke. Etuden skal være godt, gennemarbejdet i detaljer ... Man kan heller ikke skrive bedre, end den er i naturen, ellers kommer den falsk ud» .

Baksheev brugte forskellig tid på skitser: han formåede at skrive nogle af dem for at fuldføre færdiggørelsen i løbet af dagen, han færdiggjorde andre på længere tid. Hjemme foretog han aldrig nogen rettelser og rettelser, fordi maleriet som regel blev falsk af dette.

Seriøst engageret i etude maleri SV Malyutin. Hans skitser kan opdeles i to typer. Nogle er lange: de blev skabt i naturen, med en omhyggelig undersøgelse af formerne på to til fire timer, og var primært beregnet til genreværker. Den anden type inkluderer 15-20 minutters etuder-blotches, lavet af kunstneren på stedet under hans hyppige ture til Moskva-regionen, til det nordlige Rusland, til Krim og andre steder i vores land. I disse undersøgelser af standardstørrelser (9x15 cm), lavet på plader af trelags, godt tørret og krydret krydsfiner, forfulgte Malyutin et dobbelt mål. For ham var det for det første en konstant træning af øjet og hånden i naturen, og for det andet fandt kunstneren i etuderne de farve- og tonale forhold, han havde brug for.

M. V. Nesterov var meget opmærksom på etude-maleri. I hans skitser kan vi iagttage en gennemtænkt præstationsmåde, der fuldt ud svarede til hans holdning til denne form for kreativitet. Nesterov fortalte sine elever: Etude er en alvorlig ting! Skitser skal skrives meget omhyggeligt. De skal ikke være tilfældige, men gennemtænkte på forhånd, fundet og fuldt ud i overensstemmelse med kunstnerens kreative hensigt. Hvis du lyver i skitsen, så vil der være endnu flere løgne i billedet» .

Ordet "etude" er en nøjagtig russisk transskription af det franske udtryk "étude", som i oversættelse fra dette sprog betyder "træning" eller "forskning". Dette ord på russisk har flere ganske forskellige betydninger fra hinanden, og de er hovedsageligt koncentreret inden for kunst. Imidlertid er præget af den oprindelige betydning af den franske original mærkbar i enhver betydning af ordet.

Studerer i maleri

Inden for maleriet har ordet "etude" også en ekstra betydning, mere relateret til den oprindelige betydning af den franske original. Så nogle gange forstås en undersøgelse som en træningssession, hvis formål er at skabe en kunstnerisk skitse til et fremtidigt maleri.

Studerer i musik og teater

Ordet "etude" har en lignende betydning i det teatralske miljø: Det er en lille produktion, hvor et begrænset antal skuespillere formodes at deltage, og bruges til at udvikle skuespilteknikken. Samtidig rummer en etude i teatermiljøet oftest en væsentlig del baseret på improvisation, som gør det muligt at forbedre skuespillernes skuespil.

Studerer i skak

Kreativitetsprocessen og resultatet er tæt forbundet med kunstnerens verdensbillede. Hans tanker, følelser, fantasi, dygtighed, holdning til det afbildede deltager i det billede, han skaber. Kunstneren leder altid efter den mest udtryksfulde løsning på sin idé, overvejer plottet, kompositionen. De billeder, der opstår i hans fantasi, har en objektiv oprindelse, er født af virkelighedens synlige egenskaber og har deres egne specifikke former. Derfor refererer maleren, som legemliggør sin idé, til de egenskaber ved objekter og fænomener, som han opfatter visuelt. Kun i nærværelse af visuel ægthed af det afbildede er det muligt at udtrykke visse følelser, tanker for at forårsage passende oplevelser hos seeren, hvis associative repræsentationer er forbundet med den objektive verden. I et godt landskab vil beskueren ikke kun se materielle genstande, men også det naturlige spil af lys og farve, duggens sølvskinnende skær eller farvespil på morgenhimlen. Sådan et billede fremkalder glemte indtryk i hukommelsen, får fantasien til at virke, sætter tanker og følelser i gang i forbindelse med tidligere oplevelser, med tidligere erfaringer. Den følelsesmæssige og æstetiske virkning af malerier er forbundet med særegenhederne ved denne associative opfattelse.

Det bør ikke tænkes, at forfatteren af ​​billedet, der stræber efter at opnå den visuelle ægthed af maleri, skal mekanisk kopiere udseendet af det afbildede. Pædagogisk arbejde er primært kendetegnet ved erkendelse, dybdegående og omfattende undersøgelse af naturen. Ganske ofte er pædagogiske skitser for "tørrede", "brøkdele", "protokol", ligner hinanden ikke kun i plot og tematisk henseende, men også i teknisk udførelse. Alt dette er ret naturligt, og akademisk arbejdes "tørhed", frygtsomhed kan ikke betragtes som tegn på dets svaghed eller forfatterens mangel på kreativt talent.

Samtidig er den studerendes frie holdning til etudens opgaver, en vis "vovethed" ikke tegn på kreativitet, som man nogle gange tror. Pædagogiske værker er ikke følelsesladede nok, friske og originale, fordi de stadig er kunstnerisk ufuldkomne, da eleverne endnu ikke har erfaring, færdigheder, ikke kender hele rækken af ​​midler til at løse et uddannelsesproblem eller legemliggør en idé. Gratis kreativ beherskelse af naturen og dens love, såvel som teknisk perfektion, vil kun komme med erfaring.

Vi taler om, at i det pædagogiske arbejde løses de opstillede pædagogiske opgaver konsekvent og overskueligt og i sammenhæng hermed opdrages og udvikles de kreative talenter.

Hoveddel

Evnen til at se og formidle tredimensionelle former og farver af objekter på et plan er essensen af ​​maleri. Dette diplom erhverves hovedsageligt i øvelser fra naturen. Jo mere kunstneren maler skitser fra naturen, jo skarpere bliver hans sans for farve, harmoni af farver og linjerytme. Som et resultat af konstante øvelser i at skildre stilleben, landskaber, hovedet og figuren af ​​en person fra naturen, udvikles observation, evnen til at understrege det væsentlige, kassere det sekundære, udtrykke ens følelser forårsaget af skønheden i den omgivende natur, livets mangfoldighed udvikles.

Vejen til mestring begynder med studiet af maleriets teoretiske grundlag og systematisk implementering af praktiske øvelser. Uden viden om maleriets love er elevernes praktiske arbejde blindt, og den faglige forbedring bremses.

At skildre er først og fremmest ræsonnement. Når du begynder at male, skal du tænke grundigt over din opgave, klart definere dit mål.

Selv sagde Leonardo da Vinci, at "dem, der forelsker sig i praksis uden videnskab, er som vristere, der sejler uden ror og kompas, fordi de aldrig kan være sikre på, hvor de skal hen. Praksis skal altid bygges på god teori, og uden den kan der ikke gøres noget godt i sager om maleri."