Romantik (Franz. Romantisme), ideologisk og kunstnerisk bevægelse i den europæiske og amerikanske kultur i slutningen af \u200b\u200bdet 18. i begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. århundrede. Epothetikken for klassikisme og filosofi om epoching af Eventhetics of the Easthetics of Classicism og Filosofien til Epoke af oplysning, der blev oprettet under den revolutionære nedbrydning af den gamle verdensorden, har Romanticism kontrastet utilitarien og udjævning af personligheden som grænsen til Ubegrænset frihed og endeløs, tørst efter ekspertise og opdateringer, patos af personlig og civil uafhængighed.

Den smertefulde udførelsesform for ideen og virkeligheden var baseret på det romantiske WorldView; Inherent i opgørelsen af \u200b\u200bselvtilfredsheden af \u200b\u200bdet kreative og åndelige liv hos en person, billedet af stærke lidenskaber, åndelighed af naturen, interessen i den nationale fortid, ønsket om syntetiske former for kunst er kombineret med motiverne i verdens sorg , en "natten" side af den menneskelige sjæl, med den nylige den berømte "romantiske ironi" tillod romantikken at være sikkert sammenlignet og udlignet højt og lavland, tragisk og tegneserie, ægte og fantastisk. Udviklingen i mange lande har romantik overalt erhvervet en lys national ejendommelighed på grund af lokale historiske traditioner og betingelser.

Den mest konsekvente romantiske skole har udviklet sig i Frankrig, hvor kunstnere, der reformerer systemet med ekspressive agenter, dynamisk dokumenteret, kombineret formerne med en hurtig bevægelse, brugte en lys mættet smag og et bredt, generaliseret brev af brevet (maleri T. Zheriko , E. Delacroix, O. Domier, Plastic - P.ZH. David D "Angers, Al Bari, F. Ryud). I Tyskland og Østrig er tidlig romantik præget af meget opmærksomhed på alt velhavende, den melankolske-kontemative tonalitet af Figurativ-følelsesmæssigt system, mystico-pantheistiske stemninger (portrætter og allegoriske sammensætninger fo Runge, Landskaber KD Friedrich og Ya Koch), ønsket om at genoplive den tyske og italienske maleri af det 15. århundrede (nazagerens kreativitet); Bidmeyer-kunsten (kreativitet, kunsten af \u200b\u200bromantikens principper og "BURCHER REALISM" L. Richter, K. Spitzvega, M. von Schvinda, F. G. Waldmüller).

I Storbritannien, den romantiske friskhed af maleri markerede landskaber af J. Constable og R. Bonington, fantasticiteten af \u200b\u200bbillederne og usædvanligheden af \u200b\u200bekspressive midler - arbejde W. Turner, G.I. Fusley, vedhæftning til middelalderens kultur og den tidlige renæssance - arbejderne hos Masters of the LadyoMantic Booking of Prerafaelites (D.G. Rossetti, E. Bern-Jones, W. Morris og andre kunstnere). I mange lande i Europa og Amerika blev den romantiske bevægelse præsenteret af landskabet (maleri J. Innesha og AP Rider i USA), kompositioner om emnerne i folks liv og historie (kreativitet L. Galle i Belgien, J. Manesa i Tjekkiet, V. Madaras i Ungarn, P. Mikhalovsky og Ya. Matesyo i Polen og andre mestere).

Den historiske skæbne af romantik var kompleks og tvetydig. De eller andre romantiske tendenser har bemærket arbejdet med store europæiske mestere fra det 19. århundrede - Kunstnere i Barbizon School, K. Koro, Kurba, J.F. Mille, E. Mana i Frankrig, A. Baggrund Menzel i Tyskland og andre malere. Samtidig har kompleks allegorisme, elementer af mystik og fiktion, sommetider i romantik, fundet kontinuitet i symbolik, dels inden for området for postmotoritet og moderne stil.

Reference og biografiske data "Gallerier af Maleri Planet Small Bay" Forberedt på grundlag af materialer af "Historien af \u200b\u200budenlandsk kunst" (Ed. Mt Kuzminina, NL Maltseva), "Kunstnerisk Encyclopædi af udenlandsk klassisk kunst", "Big Russian Encyclopedia" .

I det sene XVIII, det tidlige XIX århundrede mistede ideerne om klassikisme og oplysning deres tiltrækningskraft og relevans. En ny, som svar på canoniske teknikker til klassikisme og moralske offentlige teorier om oplysning, vendte sig til mand, hans indre verden, fik styrke og mestrer sindet. Romantik var meget udbredt på alle områder af kulturliv og filosofi. Musikere, kunstnere og forfattere i deres værker søgte at vise menneskets høje formål, hans rige åndelige verden, dybden af \u200b\u200bfølelser og oplevelser. Fra nu af er en person med sin indre kamp, \u200b\u200båndelig quest og oplevelser, og ikke de "slørede" ideer om universel velstand og velstand, blevet et dominerende emne i kunstværker.

Romantik i maleri

Dybden af \u200b\u200bideer og dens personlige oplevelser af malere overføres gennem sammensætningen skabt af sammensætningen, farverne, accenter. I forskellige lande havde Europa sine egne egenskaber i fortolkningen af \u200b\u200bromantiske billeder. Dette skyldes filosofiske strømme, såvel som en socio-politisk situation, et levende svar, som kunst var. Maleri var ingen undtagelse. Tyskland, fragmenteret til små herredømme og hertugdømme, Tyskland oplevede ikke alvorlige offentlige chok, kunstnere skabte ikke monumentale klæder, der skildrede titanernes helte, her var interessen af \u200b\u200ben dyb åndelig verden af \u200b\u200bmennesket, hans skønhed og storhed, moralsk søgning. Derfor er den mest fuldt romantik i maleriet af Tyskland præsenteret i portrætter og landskaber. Otto Runge Works er klassiske prøver af denne genre. I portrætter udført af maleren gennem en tynd undersøgelse af ansigtets træk, øjet, gennem lysets kontrast og skyggerne, er kunstnerens ønske om at vise modsigelsen af \u200b\u200bpersonen, dens magt og dybden af \u200b\u200bfølelse. Gennem et landskab, et lille fantastisk, overdrevet billede af træer, blomster og fugle, forsøgte kunstneren også at opdage den menneskelige persons renhed, dens lighed med naturen, forskelligartet og ukendt. En lys repræsentant for romantik i maleri var en kunstnerlandskabsofficer K. D. Friedrich, der lavede accenter på naturens styrke og magt, bjerg, havlandskaber, konsonant med mennesket.

Romantik i Frankrigs maleri har udviklet sig efter andre principper. Revolutionære chok, et stormfuldt socialt liv manifesterede sig i maleri af kunstnere til billedet af historiske og fantastiske tomter, med en patetisk og en "nervøs" excitation, som blev opnået ved en lys farve kontrast, udtryk for bevægelser, noget kaotisk, spontaniteten af sammensætningen. De mest fuldt og lyse romantiske ideer præsenteres i arbejdet i T. Zheric, E. Delacroix. Kunstnere nemlig nød farve og lys, hvilket skabte en pulserende dybde af følelser, lette rummende op for at kæmpe og frihed.

Romantik i russisk maleri

Russisk social tanke var meget levende svaret på nye retninger og strømme, der opstod i Europa. Og så er krigen med Napoleon de meningsfulde historiske begivenheder, der mest alvorligt har påvirket de filosofiske og kulturelle søgninger af den russiske intelligentsia. Romantik i russisk maleri blev præsenteret i det tre hovedlandskab, monumental kunst, hvor klassikens indflydelse var meget, og romantiske ideer blev sammenflettet med akademiske kanoner.

Begyndelsen af \u200b\u200bdet nittende århundrede bliver øget opmærksomhed på billedet af kreative intelligentsia, digtere og kunstnere i Rusland, såvel som almindelige mennesker og bønder. Cyprosensky, Tropinin, Bulls, med stor kærlighed, forsøgte at vise hele dybden og skønheden i en persons personlighed, gennem udsigten, drej et hoved, detaljerne i kostume formidle åndelig quest, deres "modelsens frihedsevne" . Stor interesse for personens personlighed, hendes centrale sted i kunst bidrog til den blomstrende af autoportistiske genre. Desuden er autfunktionerne af kunstnerne ikke trukket til ikke at bestille, det var en kreativ impuls, en slags selvrapporteret foran samtidige.

Landskaber i romantikers arbejde var også forskelligt i unikhed. Romantik i maleri reflekteret og bestået menneskets humør, landskabet skulle være konsonant med ham. Derfor forsøgte kunstnere at vise naturens oprørske natur, dens magt og spontanitet. Orlovsky, generøs, der skildrer det marine element, mægtige træer, bjergkæder på den ene side, bestået skønheden og multitfærdigheden af \u200b\u200bvirkelige landskaber på den anden, skabte et bestemt følelsesmæssigt humør.

Kunst af romantik er dannet i kontroverser med klassikisme. I det sociale aspekt er udseendet af romantik forbundet med den store franske revolution i det XVIII århundrede, opstår det som en reaktion af universel inspiration om starten, men også som dyb skuffelse i mulighederne for en person i sit nederlag. Desuden betragtede tysk romantik senere den blodløse version af den franske revolution.

Som ideologisk og kunstnerisk flow romantik erklærer sig i første halvdel af XIX århundrede. Det opstår primært som en litterær retning - her er romantikens aktivitet høj og vellykket. Ingen mindre signifikant musik af tiden: vokal, instrumental musik, musik teater (opera og ballet) af romantik udgør i dag grundlaget for repertoaret. Men i den visuelle og rumlige kunst viste romantikken sig mindre lys og i antallet af skabte værker, og på deres niveau. Maling Romantik når niveauet af mesterværker i Tyskland og Frankrig, resten af \u200b\u200bEuropa ligger bagud. Om romantikens arkitektur og ikke accepteret. Nogle originalitet hermed registrerer kun havearbejde og park kunst, og selv da udvikler romantikerne ideen om engelsk anlagt eller naturlig park. Der er også et sted for nogle ikke-neothetiske trends af romantik set deres kunst i træk: gotisk - barok - romantik. Sådan Neoota er meget i slaviske lande.

Fine Art Romanticism.

I XVIII århundrede Udtrykket "romantisk" angav den "mærkelige", "fantastiske", "maleriske". Det er nemt at se, at ordene "Romance", "Roman" (Knight) er etologisk meget tætte.

I XIX århundrede Udtrykket fortolket som navnet på litterærstrømmen modsat sine klassiske sæt.

I billedkunst var romantik interessant at vise sig i maleri og grafik, mindre klart i skulpturen. Den mest konsekvente romantikskole var i Frankrig, hvor en stædig kamp mod dogmatisme og en abstrakt rationalisme i den officielle kunst i akademisk klassikes ånd var i akademisk klassikes ånd. Grundlæggeren af \u200b\u200bden romantiske skole af maleri syntes Theodore Zhero- (1791-1824). Han studerede ved klassikens mestre, men at bevare fra klassikisme til generaliserede heroiserede billeder, udtrykte Zhriko først en følelse af konflikt med fred i maleri, ønsket om at udtrykke betydelige begivenheder i moderniteten. Allerede de første værker af kunstneren opdager høj følelsesmæssighed, "nerven" af æraen i Napoleon-krigen, hvor der var en masse Bravada ("Embedsmand for Hestens Horse Hurrices of the Imperial Guard, der gik til angrebet", "Såret Kirassir, forlader slagmarken"). De er præget af tragiske Maidos, en følelse af forvirring. Heroes of classicism af sådanne følelser blev ikke testet eller ikke udtrykte dem offentligt og ikke æstetiseret despondency, forvirring, længsel. Det maleriske lærred af romantikens kunstnere er dynamisk skrevet i farve, en mørk tone hersker, som er anbragt af intense farver accenter, hurtige pasty-streger.

Zhhero skaber et utroligt dynamisk billede "Running Free Horses i Rom". Her overgår han ved overbevisende overførsel af bevægelsen af \u200b\u200balle tidligere kunstnere. Et af de vigtigste værker fra Zheriko - billedet af "vanten af \u200b\u200bvandmænd". I det skildrer han virkelige fakta, men med en sådan generaliseringskraft, som samtiderne så i det ikke billedet af et bestemt skibsvrag, men hele Europa, i desperation. Og kun individuelle, de mest vedholdende mennesker fortsætter med at kæmpe for overlevelse. Kunstneren viser et komplekst gamut af menneskelige følelser - fra dystre fortvivlelse til en hurtig eksplosion af håb. Dynamikken i denne bane bestemmes ved diagonalen af \u200b\u200bsammensætningen, den spektakulære modellering af volumener, kontrastende forskelle i belysning.

Zhriko formåede at vise sig som en mester af portrætgenre. Her virker han også som en innovator, der bestemmer den figurative specificitet af portrætgenren. I "Portræt af den tyvende år gamle delakroix" og i autoportres, en ide om en romantisk kunstner som en selvstændig skaber, er en lys, følelsesmæssig personlighed udtrykt. Det ligger grundlaget for et romantisk portræt - efterfølgende en af \u200b\u200bde mest succesrige romantiske genrer.

Jerico sluttede sig til og til landskabet. Rejser i England, blev han ramt af hendes udseende og hylder hendes skønheder og skabte mange landskabsmalerier skrevet i både olie og akvarel. De er rige på farve, subtile af observationer, ikke fremmede til social kritik. Kunstneren kaldte dem "store og små engelske suite." Hvor typisk for romantik kalder billedcyklusen med et musikalsk betegnelse!

Desværre var Zhriko kort, men han lagde begyndelsen på en strålende tradition.

Fra 1820'erne. Hovedet på maleriets romantikere bliver Ferdinand Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Han oplevede Zhriko's stærke indflydelse, med hvem han var venner med en studentbænk. Han studerede maleriet af gamle mestre, især Rubens. Rejste i England, var fascineret af maleriet af konkurrencen. Delacroix havde et lidenskabeligt temperament, kraftig kreativ fantasi og høj ydeevne. Fra de indledende skridt på det faglige område af Delacroix følger afgørende romantikerne. Det første billede, som han satte, afbildet Dante og Virgil i Gulvovergang Styx ("Ladya Dante"). Billedet er fyldt med tragedie, dystre pathos. Han reagerede på reelle begivenheder relateret til grækers lidelser fra tyrkisk åke. Her udtrykte han åbenlyst sin politiske stilling og vedtog den græske græske side i konflikten, som han var tilfredse, mens den franske regering flirtede med Tyrkiet.

Billedet forårsagede politiske og kunsthistoriske angreb, især efter delakroixet under påvirkning af kreativiteten af \u200b\u200bConsthebla rewrote billedet i lysere farver. Som reaktion på kritik skaber kunstneren et lærred "Grækenland på ruinerne af missolongs", hvor han igen appellerer til det brændende emne i Grækenlands kamp for befrielse fra tyrkisk åke. Dette billede af Delacroix er mere symbolsk, en kvindelig figur med en hånd hævet i en gestus er ikke indersens forbandelse, ikke det i overskriften til kampen personificerer hele landet. Det ser ud til at forudse billedet af frihed i det kommende, kunstnerens mest berømte arbejde.

På jagt efter nye helte refererer de stærke personligheder i Delacroix ofte til de litterære billeder af Shakespeare, Goethe, Bayron, Scott: "Tasso i sindssygen", "Sardanapals Hus", "Mord på en biskop af Loressky" ; Gør litografier til "Faust", "Hamlet", der udtrykker de fineste nuancer af helteens følelser, end han fortjente ros af Goethe. Delacroix nærmer sig den kunstneriske litteratur, da hans forgængere nærmede sig det hellige skriftsted, hvilket gjorde en uendelig kilde til historierne til malerier fra den.

I 1830, under det øjeblikkelige indtryk af juledrevolutionen af \u200b\u200bDelacroix, skrev en stor lærred "frihed, hvilket førende folk" skrev ("frihed på barrikaderne"). Over realistiske figurer fra deltagerne i den revolutionære kamp, \u200b\u200bde fattige, for det meste unge, der er inspireret af kampen, en storslået kvinde, der minder om Veronese, der minder om "genier". Hun i hænderne banneret, ansigt inspireret. Dette er ikke kun en allegorie om frihed i klassikens ånd, dette er et højt symbol på den revolutionerende impuls. Det er dog umuligt at donere fra en levende, sensuel kvindelig figur - så det er attraktivt. Billedet viste sig for at være komplekst, charmerende, dynamisk.

Som en ægte romantisk rejser Delacroix til eksotiske lande: Algeriet, Marokko. Fra rejsen bringer han fem malerier, blandt hvilke "løvejagt i Marokko" tilsyneladende hyldest til elskede Rubens.

Delacroix fungerer meget som dekoratør, der skaber monumentale værker i Bourbon og Luxembourg Palaces, parisiske kirker. Han fortsætter med at arbejde i portrætgenre, hvilket skaber billeder af mennesker af romantikens æra, for eksempel F. Chopin. Delakroixs arbejde tilhører højderne af maleriet af XIX århundrede.

Maleri og grafik tysk romantik For det meste til sentimentalisme. Og hvis den tyske romantiske litteratur virkelig udgør en hel epoke, så vil du ikke sige det om billedkunst: i litteraturen var der "storm og angreb" og i billedkunst - idealiseringen af \u200b\u200bdet familie patriarkalske liv. I det væsentlige i denne forstand. Kreativitet Ludwig richter. (1803-1884): "Forest Source nær Aricchi", "Bryllup procession i foråret" mv. Det ejer også mange tegninger på temaerne af eventyr og folkesange, der er lavet på en tør måde.

Men der er en storskala figur i tysk romantik, som ikke kan omgåes. det Kaspar David Friedrich. (1774- 1840). Han blev et landskab studeret på Academy of Arts i København. Senere afgjort i Dresden, engageret i undervisning.

Dens landskabs måde er original, malerierne huskes fra en første bekendtskab, de føler, at disse er landskaberne i den romantik kunstner: de udtrykker konsekvent specifikationerne i romantisk WorldView. Han skrev landskabet i det sydlige Tyskland og den baltiske kyst, de vilde klipper hængte af skoven, de øde klitter, det frosne hav. Folk er undertiden til stede i sine malerier, men vi ser sjældent deres ansigter: Tallene, som regel, vender sig til seeren med ryggen. Friedrich søgte at formidle naturens elementære kraft. Han ledte efter og fandt konsoneringen af \u200b\u200bnaturlige kræfter og menneskelige humør og en søgen. Og selvom det afspejler livet helt sikkert, er Friedrich kunst ikke realistisk. Dette var bange i den seneste fortid i sovjetiske kunsthistorikere, han skrev om kunstneren, næsten ingen reproduktion. Nu er situationen ændret, og vi kan nyde den dybe åndelighed af hans malerier, den melankolske frygtelige overvejelse af Friedrichs landskaber. Ryd rytmen af \u200b\u200bsammensætning, tegningen af \u200b\u200btegningen er forbundet i sine værker med kontraster af belysning, rig på lyseffekter. Men sommetider når Friedrich sin følelsesmæssige til den skæve længsel, følelsen af \u200b\u200bkernen i det store, før stuporen i mystisk trance. I dag oplever vi en stigning af interesse i Friedrichs arbejde. Hans mest succesfulde værker - "Død" håber "i is", "klosterkirkegård under sneen", "masse i den gotiske ruine", "solnedgang på havet" osv.

I russisk romantik I maleri er der meget modstridende. Derudover blev det i mange år troet, at en god kunstner er en realist. Det var sandsynligvis, hvorfor udtalelsen blev fastslået, at O. Kiprensky og A. Venetsianov, V. Tropinin og endda A. Kindji - Realists, som synes at være forkert, de er romantik.

Romantik som en retning i maleriet blev dannet i Vesteuropa i slutningen af \u200b\u200bXVIII århundrede. Romantik i kunst De fleste af de vesteuropæiske lande har opnået i 20-30'erne. 19 århundreder.

Udtrykket "romantik" stammer fra ordet "roman" (i det 17. århundrede, romaner kaldet litterære værker, skrevet ikke til latin, men på sprogene stammer fra det - fransk, engelsk osv.). Senere begyndte romantisk at kalde alle de uforståelige og mystiske.

Som et fænomen af \u200b\u200bkultur blev romantik dannet af et særligt verdenssyn, der blev genereret af resultaterne af den store franske revolution. Skuffet i idealerne til epoke af oplysning, romantik, der stræber efter harmoni og integritet, skabte nye æstetiske idealer og kunstneriske værdier. Hovedformålet med deres opmærksomhed var de fremragende tegn med alle deres oplevelser og ønsket om frihed. Helt af romantiske pro-sultationer er en fremragende person, der viste sig for at være i skæbnes vilje i vanskelige livsforhold.

Selvom romantik opstod som en protest mod klassikens kunst, var han stort set tæt på sidstnævnte. Romantika var delvis sådanne repræsentanter for klassikisme som N. Poussin, K. Lorren, J. O. D. Engr.

Romantika bidrog med ejendommelige nationale træk i maleriet, det vil sige, hvad der manglede ved klassikers kunst.
Den største repræsentant for fransk romantik var T. Zheric.

Theodore Zheriku.

Theodore Zheriko, den store franske maler, billedhugger og tidsplan, blev født i 1791 i Ruang i en velhavende familie. Talentet af kunstneren manifesterede sig i det ret tidligt. Ofte sad i stedet for at være til stede i skolen, sad Zhriko i de stabile og malede heste. Allerede da søgte han ikke kun at overføre de eksterne egenskaber hos dyr til papiret, men også overføre dem til temperament og karakter.

Efter graduering fra et Lyceum i 1808 bliver Zheriko en elev kendt på tidspunktet for mesteren af \u200b\u200bmaleri Charles Verne, som var berømt for evnen til at skildre hestene på lærredet. Men stilen til højre kunne ikke lide den unge kunstner. Snart forlader han værkstedet og kommer til at studere til en anden, ikke mindre talentfuld maler end højre, P. N. Gerneu. At studere to berømte kunstnere, Zhhero blev alligevel ikke den efterfølger for deres traditioner i maleri. Hans sande lærere sandsynligvis skal betragtes som J. A. Gro og J. L. David.

Tidlige værker af zheriske skelnes af det faktum, at de er så tætte som muligt på livet. Lignende malerier er ekstremt ekspressive og patetiske. De kan se forfatterens entusiastiske stemning, når de vurderer omverdenen. Som et eksempel kan du medbringe et billede kaldet "Officer of the Imperial Equestrian Scherims under et angreb", oprettet i 1812. Dette er de besøgende i Paris Salon for første gang. De vedtog arbejdet hos en ung kunstner med beundring, værdsat talent af en ung herre.

Arbejdet blev oprettet i den franske historie, da Napoleon var i Zenith of Glory. Samtidige beskyttede ham, den store kejser, der formåede at erobre det meste af Europa. Det er med et så humør under indtryk af sejre af Napoleons hær og et billede blev skrevet. På lærredet vises af en soldat på en hest ved angrebet. Hans ansigt udtrykker beslutsomhed, mod og frygtløshed i lyset af døden. Alle sammensætninger.
Usædvanligt dynamisk og følelsesmæssigt. Seeren skaber følelsen af, at han selv bliver en rigtig deltager i begivenhederne afbildet på lærredet.

Figuren af \u200b\u200ben modig soldat vil ikke være opstået i Zheriks arbejde. Blandt sådanne billeder er Heroes of Paintings "Officer of the Carabinerov", officer of the Kirassir før angrebet, "portræt af karabiner", "såret Kirassir", der blev skabt i 1812-1814, af særlig interesse. Det sidste arbejde er vidunderligt, fordi det blev præsenteret på den næste udstilling, der passerer i kabinen i samme år. Dette er imidlertid ikke den største fordel ved sammensætningen. Det blev vigtigere, at hun viste ændringer, der opstod i kunstnerens kreative stil. Hvis oprigtige patriotiske følelser afspejles i sine første lærred, så i værker tilhørende 1814, erstattes patienten i billedet af helte af drama.

En lignende ændring i kunstnerens stemning var igen forbundet med begivenhederne i Frankrig på det tidspunkt. I 1812 led Napoleon et nederlag i Rusland, i forbindelse med hvilken han, som engang var en strålende helt, erhverver den uheldige kommandants herlighed og en plejepride. Skuffet, ideelt set, Zhriko belyser i maleriet "sårede Kirassir". En såret kriger er afbildet på lærredet og forsøger at forlade slagmarken. Han er afhængig af en saber - et våben, som måske er for et par minutter siden, holdt, høj hæve op.

Det var utilfredsstillingen hos Zheros politiker Napoleon, hans kvittering til tjenesten for Louis XVIII, der tog den franske trone i 1814 med pessimistiske følelser, var forbundet med det faktum, at efter den anden beslaglæggelse af magt i Frankrig Napoleon (periode på hundrede dage ) Den unge kunstner forlader sit hjemland sammen med Bourbon. Men her ventede det på skuffelse. Den unge mand kunne ikke roligt observere, hvordan kongen ødelægger alt, der blev opnået under Napoleons regering. Derudover var der i Louis XVIII en styrkelse af en feudal-katolsk reaktion, landet hurtigere rullet tilbage og vendte tilbage til den gamle statsanordning. Dette kunne ikke tage en ung, gradvist tænkende person. Meget snart forlader den unge mand, der blev afskrækket i idealer, hæren ledet af Louis XVIII, og overtager igen sine børster og maling. Disse år kan ikke kaldes lyse og ikke bemærkelsesværdige i kunstnerens arbejde.

I 1816 går Zhriko en tur til Italien. Efter at have været i Rom og Firenze og har studeret mesterværkerne af berømte Masters, er kunstneren glad for monumental maleri. Specielt besat af freskerne i Michelangelo, der dekorerede sekvenskapellet. På nuværende tidspunkt blev Zheriko, der blev skabt, med deres skala og majesticitet på mange måder, der lignede malerne af høj genfødsel. Blandt dem er den største interesse for "bortførelsen af \u200b\u200bnymfer ved Centaur" og "Mand, der støder på tyren."

De samme funktioner i de gamle mestere er synlige i filmen "Kørfrie heste i Rom", skrevet i omkring 1817 og repræsenterer konkurrencen ryttere på en af \u200b\u200bde carnavals, der passerer i Rom. Et træk ved denne sammensætning er, at den blev udarbejdet af en kunstner fra forudfremstillede lager tegninger. Desuden er karakteren af \u200b\u200bskitserne mærkbart anderledes end stilen på alt arbejdet. Hvis den første er scenerne, der beskriver romernes liv - kunstnerens samtidige, så i den overordnede sammensætning, er der billeder af modige antikke helte, som om de frigives fra gamle fortællinger. I dette går Zheriko langs vejen for J. L. David, som for at give billedet af heroiske patos, nød sine helte i antikke former.

Kort efter skriften af \u200b\u200bdette billede vender Zhriko tilbage til Frankrig, hvor det bliver medlem af oppositionen, dannet omkring maleren af \u200b\u200bOrase Verne. Ved ankomsten i Paris, kunstneren specielt interesseret grafik. I 1818 skaber han en række litografier på militærtemaet, blandt hvilke de mest betydningsfulde var "tilbagevenden fra Rusland". Litografi repræsenterer vinsolede soldater fra den franske hær over et snedækkede felt. Vitalt og alvorligt skildre figurerne for den forkrøblede og udmattede krig af mennesker. Der er ingen computere og heroiske patos i sammensætningen, som var karakteristisk for Jericos tidlige værker. Kunstneren søger at afspejle den reelle situation, alle de katastrofer, der måtte gennemgå de franske soldater, der blev opgivet af deres øverstbefalende.

I arbejdet med "tilbagevenden fra Rusland" for første gang blev emnet menneskelig kamp med døden lød. Men dette motiv er endnu ikke så lyst, som i senere værker af Zhriko. Et eksempel på sådanne klæder kan være et billede, der kaldte "Medusa Raft". Hun blev skrevet i 1819 og i samme år blev udstillet i Paris Salon. Folk er afbildet på lærredet, kæmper med de hvirvlende vandelementer. Kunstneren viser ikke kun deres lidelse og mel, men også ønsket om alle midler til at få vinderne i kampen med døden.

Plottet af sammensætningen dikteres af arrangementet, der opstod i sommeren 1816 og spændte hele Frankrig. Den så berømte fregat "Medusa" fløj i rev og sank ud for Afrikas bredder. Af de 149 personer, der var på skibet, kunne de kun spare 15, blandt hvilke Savigni's kirurg og Korraar ingeniør var. Ved ankomsten til hjemmet udgav de en lille bog, der fortæller om deres eventyr og glædelig frelse. Det var fra disse memoarer, at franskerne lærte at ulykken skete på grund af fejlen af \u200b\u200ben uerfaren kaptajn i fartøjet, som var om bord takket være beskyttelsen af \u200b\u200ben ædle ven.

Billeder skabt af Zhriko er usædvanligt dynamiske, plastik og ekspressive, som opnås af kunstneren på grund af et langt og hårdt arbejde. For at alvorligt skildre forfærdelige begivenheder på lærredet, overføre følelserne af mennesker, der tør i havet, kunstneren mødes med øjenvidner af tragedien, i lang tid at studere ansigterne hos de udmattede patienter, der behandles på et af hospitalerne af Paris, såvel som søfolk, der formåede at flygte efter skibsvrag. På dette tidspunkt blev der skabt et stort antal portrætværker af maleren.

En dyb betydning er fyldt og svingende havet, som om at forsøge at absorbere en træ fortsat flåde med mennesker. Dette billede er ekstremt ekspressivt og dynamisk. Han ligesom figurerne for mennesker, afskrevet fra naturen: kunstneren blev lavet af flere etudes, der skildrede havet under stormen. Arbejde på den monumentale sammensætning, Zhriko mere end en gang vendt til de tidligere forberedte etuddere for fuldt ud at afspejle elementernes art. Derfor producerer billedet et godt indtryk på seeren, overbeviser ham i realismen og sandheden af, hvad der sker.

"Raft" Medusa "repræsenterer Zhriko som en vidunderlig beherskelse af sammensætningen. I lang tid overvejede kunstneren om, hvordan man arrangerede tallene på billedet for at udtrykke forfatterens hensigt fuldt ud. Under arbejdet blev der foretaget flere ændringer. Skitserne forud for malerierne siger, at Zerico oprindeligt ønskede at skildre kampen på flåden af \u200b\u200bmennesker med hinanden, men senere nægtede en sådan fortolkning af arrangementet. I den endelige version repræsenterer lærredet det øjeblik, hvor de desperate mennesker ser argusfartøjet i horisonten og strækker hænderne til ham. Den sidste tilføjelse til billedet blev placeret nedenfor, på højre side af lærredet, den menneskelige figur. Det var hun, der var den sidste slagtilfælde af sammensætningen, som erhvervede en dybt tragisk karakter efter det. Det er bemærkelsesværdigt, at denne ændring blev lavet, da billedet allerede var på udstillingen i kabinen.

Med sin monumentalitet og øget følelsesmæssighed, er billedet af Zhhero stort set minder om oprettelsen af \u200b\u200bHigh Revival Masters (mere "frygtelig domstol" Michelangelo), som kunstneren mødtes under turen i Italien.

Billedet "The Raft" Jellyfish ", som blev et mesterværk af fransk maleri, havde en stor succes i oppositionscirkler, som så reflektionen af \u200b\u200brevolutionære idealer i den. Af samme grunde blev arbejdet ikke accepteret på mellemlangen af \u200b\u200bde højeste adel og officielle repræsentanter for Frankrigs kunst. Derfor blev lærredet på det tidspunkt ikke indløst af forfatteren fra forfatteren.

Frustreret af modtagelsen, der blev udført af hans skabelse derhjemme, går Zhriko til England, hvor han repræsenterer sit yndlingsjob til den britiske domstol. I London tog kunstfiskeriører det berømte lærred med en stor glæde.

Zheriko kommer tættere på de engelske kunstnere, der har bekymret for hans evne oprigtigt og sandfærdigt skildrer virkeligheden. Livet og livet i hovedstaden i England Zhriko bruger litografens cyklus, hvoraf de fleste interesser er det arbejde, der modtog navnene på "Stor engelsk suite" (1821) og den "gamle tigger, dør ved bageriet" ( 1821). I den sidste kunstner afbildet kunstneren en London Vagraga, hvor de indtryk, der blev opnået af maleren, afspejles i processen med at studere livet for mennesker i byens arbejdssteder.

I samme cyklus omfattede sådanne litografier som "Flander Blacksmith" og "ved porten af \u200b\u200bAdelphin Verfi", hvilket repræsenterer seeren på billedet af det almindelige folk i London. Et billede af heste, tunge og lastværker er interessante. De adskiller sig væsentligt fra de yndefulde og elegante dyr, som de blev skrevet af andre kunstnere - Zhriko Contemporaries.

I hovedstaden i England er Zheriko engageret i skabelsen af \u200b\u200bikke kun litografier, men også maleriske værker. Et af de mest slående værker i denne periode var "racing epsoma" -stoffet, der blev oprettet i 1821 på billedet, viser kunstneren at bære heste, der blev transporteret i hele understøtningen, og benene slet ikke rører jorden. Denne vanskelige modtagelse (billedet viste, at en sådan stilling af benene i hestene ikke kan være, dette er en fantasi af kunstneren) Master anvender for at give sammensætning dynamik, skabe et indtryk af lynbevægelsen af \u200b\u200bheste fra heste fra heste fra heste fra seeren. Denne følelse forbedres af den nøjagtige overførsel af plast (udgør, bevægelser) af menneskelige figurer, samt brugen af \u200b\u200blyse og saftige farvekombinationer (redheads, bøjning, hvide heste; mættet blå, mørk rød, hvid og blå og gylden jet vittigheder).

Temaet for rampen, som længe har tiltrukket malerens opmærksomhed med dets særlige udtryk, er gentagne gange blevet gentaget i værker skabt af Zhriko efter at have gennemført arbejdet med "spring i epsoma".

I 1822 forlader kunstneren England og vender tilbage til sin indfødte Frankrig. Her er han engageret i at skabe store lærred, ligner værkerne af renæssancerne. Blandt dem, "handel med sorte", "åbning af dørene til forekomsten af \u200b\u200binkvisitionen i Spanien." Disse malerier forblev ufærdige - døden forhindrede Beliko til at fuldføre arbejdet.

Af særlig interesse er portrætter, hvis skabelse af kunsthistoriske forskere tilhører perioden fra 1822 til 1823. Historien om deres skrivning fortjener særlig opmærksomhed. Faktum er, at disse portrætter blev bestilt af en anden kunstner, der arbejdede som psykiater i en af \u200b\u200bklinikkerne i Paris. De burde have været ejendommelige illustrationer, der demonstrerer forskellige menneskelige psykiske sygdomme. Således blev der skrevet portrætter "Crazy Old Woman", "Crazy", "Crazy, forestille sig selv med en kommandør." For et maleri mester her var det vigtigt ikke så meget at vise eksterne tegn og symptomer på sygdommen, hvor meget at overføre den indre, psykiske tilstand af en syg person. Foran seeren vises tragiske billeder af mennesker foran seeren, hvis øjne er fyldt med smerte og sorg.

Среди портретов жерико особое место заходящтрет негра, находящийся настоящее время в коллекции руанского музея. Fra lærredet på seeren ser en afgørende og volual mand, klar til at kæmpe med fjendtlige kræfter. Billedet er ekstraordinært indre, følelsesmæssigt og udtryksfuldt. Personen på dette billede svarer meget til de stærke helte, som blev vist af Zhriko tidligere i store kompositioner (for eksempel på pløjet af Medusa Plot).

Zheriko var ikke kun en mester af maleri, men også en fremragende brygge. Hans værker i denne kunst kunst i begyndelsen af \u200b\u200bXIX århundrede var de første prøver af romantiske skulpturer. Blandt et sådant arbejde er den ekstraordinært ekspressive sammensætning "nymfe og satyr" af særlig interesse. Billederne fryses i bevægelse nøjagtigt at sende plastik til menneskekroppen.

Theodore Zhriko døde tragisk i 1824 i Paris og styrtede, da han faldt fra en hest. Hans tidlige død var en overraskelse for alle samtidige af den berømte kunstner.

Kreativitet Zhriko markerede et nyt stadium i udviklingen af \u200b\u200bmaleri ikke kun Frankrig, men også verdens kunst - en periode med romantik. I deres værker overvinder mesteren indflydelsen af \u200b\u200bklassiske traditioner. Hans værker er ekstremt farverige og afspejler alle naturens verden. Indtastning af menneskelige figurer i sammensætningen søger kunstneren at sikre, at de interne oplevelser og følelser af mennesket kan afsløre så fuldt og lysere.

Efter Zhriko's død blev traditionen i hans romantiske kunst afhentet af den yngre moderne for kunstneren - E. Delacroix.

Eugene Delacroa.

Ferdinand Victor Eugene Delakroua, den berømte franske kunstner og en tidsplan, efterfølgeren af \u200b\u200bromantikens traditioner, der blev etableret i Zhriko's arbejde, blev født i 1798. Ikke gradueret fra uddannelse i Imperial Lyceum, i 1815, kommer Delacroix til at træne for Den velkendte mester Gerne. Men de kunstneriske metoder til en ung maler opfyldte ikke lærerenes krav, så syv år senere forlader den unge mand ham.

Studerende Herren, DelaCroix betaler meget tid til at studere Davids kreativitet og mestere af maleri af renæssancen. Antikken af \u200b\u200bantikken, hvis traditioner han fulgte og David, anser han sig grundlæggende for udviklingen af \u200b\u200bverdenskunst. Derfor havde de æstetiske idealer til Delacroix værker af digtere og tænkere af det antikke Grækenland, blandt dem, at kunstneren værdsatte kompositionerne af Homer, Horatia og Mark Aureliya.

Delakroixs første værker var ufærdige lærred, hvor en ung maler søgte at afvise grækernes kamp med tyrkerne. Kunstneren manglede imidlertid færdigheder og erfaring til at skabe et ekspressivt billede.

I 1822 udsætter Delacroix sit arbejde under navnet "Dante og Vergil" i Paris Salon. Dette lærred, ekstraordinært følelsesmæssigt og lyse farveskema, er stort set mindet af Zherikos arbejde "The Rack" Medusa ".

To år senere blev et andet billede af Delacroix præsenteret for Domstolen i Salons publikum - "Chios Massacre". Det var i det, at kunstnerens gamle plan viser grækernes kamp med tyrkerne. Den samlede sammensætning af billedet består af flere dele, der danner en gruppe mennesker, der er sendt separat, hver af dem har sin egen dramatiske konflikt. Generelt imponerer arbejdet dybe tragedie. Følelsen af \u200b\u200bspænding og dynamik er stigende på grund af kombinationen af \u200b\u200bglatte og skarpe linjer, der danner tallene for tegnene, hvilket fører til en ændring i andelen af \u200b\u200bden person, der er afbildet af kunstneren. Det skyldes dog, at dette billede erhverver realistisk karakter og afgørende overtalelse.

Den kreative metode til Delacroy, fuldt ud udtrykt i "Carne on Chios", langt fra den klassiske stil, så i de officielle kredse i Frankrig og blandt repræsentanter for den visuelle kunst. Derfor blev billedet af den unge kunstner mødt i Salon Sharp-kritikken.

På trods af fejlen forbliver maleren trofast over for hans ideal. I 1827 forekommer et andet arbejde på emnet for de græske folks kamp for uafhængighed, "Grækenland på ruinerne af Missolong." Figuren af \u200b\u200bden afgørende og stolte græske, der er afledt på lærredet, personificerer det ikke-relaterede Grækenland her.

I 1827 udførte Delacroix to værker, som reflekterede kreative søgninger efter mesteren inden for midler og metoder til kunstnerisk ekspression. Dette er "Sardapals død" og Marino Falero. På den første af dem blev situationen af \u200b\u200bsituationen overført i bevægelsen af \u200b\u200bmenneskelige figurer. Statisk og rolig er her kun billedet af Sardanapal selv. I sammensætningen "Marino Faleeo" dynamisk kun figur af hovedpersonen. Resten af \u200b\u200bhelterne syntes at fryses fra rædsel ved tanken om, hvad der skulle ske.

I 20'erne. XIX Century. Delacroix udførte en række værker, hvis tomter er taget fra velkendte litterære skrifter. I 1825 besøgte kunstneren England på Homeland of William Shakespeare. I samme år blev litografen på Macbeth udført under indtryk af denne rejse og tragedie af den berømte MacBet-dramatiker. I perioden fra 1827 til 1828 skabte han litografi "Faust" dedikeret til One-Name Essay of Goethe.

I forbindelse med de begivenheder, der fandt sted i Frankrig i 1830, opfyldte Delacroix den "frihed, ledende folk" lærred. Revolutionær Frankrig præsenteres i billedet af en ung, stærk kvinde, stærk, afgørende og uafhængig, dristigt fører publikum, hvor arbejdstagerens tal, en elev, en såret fighter, parisisk gamen skiller sig ud (et billede, der forventede Guvrosh, som dukkede op senere i "afvist" V. Hugo).

Dette arbejde var mærkbart anderledes end sådanne værker af andre kunstnere, der kun var interesserede i den sandfærdige overførsel af en eller anden begivenhed. For kalamer, der blev oprettet af Delacroix, blev der karakteriseret en høj heroisk patos. Billeder er opsummerede symboler for det franske folks frihed og uafhængighed.

Med ankomsten af \u200b\u200bLouis Philipp - den bourgeois-heroisme King og de sublime følelser prædiket af Delacroix, var der ikke plads i det moderne liv. I 1831 tager kunstneren en tur til Afrika. Han besøgte Tanger, Meknes, Orane og Algeriet. Samtidig besøger Delacroix Spanien. Østens liv fascinerer bogstavelig talt kunstneren med hans hurtige flow. Det skaber omrids, tegninger og en række akvarelværker.

Efter at have været i Marokko, skriver Delacroix lærredet dedikeret mod øst. De malerier, som kunstneren viser racerne eller slaget ved peberrod ryttere, usædvanligt dynamiske og ekspressive. I sammenligning med dem synes sammensætningen "algeriske kvinder i deres hvile", skabt i 1834, rolig og statisk. Det har ikke den hurtige dynamik og spændinger, der er karakteristiske for kunstigstens tidligste værker. Delacroix vises Colorite's beherskelse. Den farvesamut, der bruges af maleren i sin helhed, afspejler palettenes lyse mangfoldighed, der er forbundet med seeren med østens farver.

Den samme fritid og dimension er kendetegnet ved det "jødiske bryllup i Marokko" lærred, skrevet i omkring 1841. Den mystiske østlige atmosfære er skabt her takket være det nøjagtige gear af kunstnerens originalitet i det nationale interiør. Sammensætningen virker overraskende dynamisk: maleren viser, hvordan folk bevæger sig langs trappen og går ind i rummet. Lyset gennemtrængende rummet giver billedet realistisk og overbevisning.

Orientalske motiver har længe været til stede i Delacra's værker. Så på en udstilling, der blev organiseret i kabinen i 1847, var fem af de seks præsenterede værker afsat til østets liv og liv.

I 30-40'erne. Det 19. århundrede i Delacroixs arbejde vises nye emner. På dette tidspunkt skaber mesteren værker af historiske temaer. Blandt dem er særlig opmærksomme på "Protest Mira-regionen mod opløsningen af \u200b\u200bgenerelle stater" og "Buissi d'Ange". Skitse af sidstnævnte, vist i 1831 i kabinen, er en lys prøve af sammensætninger på temaet for et populært opstand.

Billederne af folket er dedikeret til "Battle of Poitiers" (1830) og "Battle of Taibur" (1837). Med al realisme er kampens dynamik, bevægelsen af \u200b\u200bmennesker, deres højde, onde og lidelse vist her. Kunstneren søger at formidle følelser og lidenskab for en person, der dækkede af ønsket om at vinde med noget. Det er tallene for folk er de vigtigste, når den dramatiske karakter af, hvad der sker.

Meget ofte i GUSKROIXs værker, viser vinderen og besejrede sig at være skarpt imod hinanden. Især godt, det kan ses på Konstantinoplet Castle's Path ", skrevet i 1840. I forgrunden blev en gruppe mennesker omfattet af sørgende vist. Bag ryggen - et dejligt, charmerende landskab. Her er tallene for vinderne ryttere, hvis forfærdelige silhuetter kontrasterer med sørgelige figurer i forgrunden.

"Fangsten af \u200b\u200bConstantinople Crusaders repræsenterer Delacroix som en vidunderlig farveist. Bright og rige maling styrker imidlertid ikke det tragiske princip, hvis udtryk er sorgfulde figurer, der ligger tæt på seeren. Tværtimod skaber den rige palette en følelse af ferien, arrangeret til ære for vinderne.

Ingen mindre farverige sammensætning "Retfærdighed for Trajan", der er skabt i de samme 1840 samtidige for kunstneren, anerkendte dette billede af en af \u200b\u200bde bedste blandt alle de malede malere. Af særlig interesse er det faktum, at under arbejdet eksperimenterer inden for farve. Selv skyggerne erhverver en række nuancer. Alle malinger af sammensætningen svarer nøjagtigt til naturen. Udviklingen af \u200b\u200barbejdet blev forudset af den lange observation af maleren for ændringer i nuancerne i naturen. Kunstneren opførte dem i en dagbog. Derefter har forskere ifølge posterne bekræftet, at DELACROIX's opdagelser i tonalitetsområdet fuldstændigt svarede til undervisningen om farve, hvis grundlægger er E. Chevreyl. Derudover kontrollerer kunstneren sine opdagelser med paletten, der blev brugt af den venetianske skole, hvilket var et eksempel på billedkundskaber for ham.

Blandt kalenderen for Delacroix indtager portrætter et særligt sted. Mesteren blev sjældent anvendt til denne genre. Han skrev kun de mennesker, som han var bekendt med i lang tid, hvis åndelige udvikling fandt sted foran kunstneren. Derfor er billeder på portrætter meget udtryksfulde og dybe. Sådanne er portrætter af Chopin og Georges Sand. På et bælte dedikeret til den berømte forfatter (1834), er en kvinde, der beundrer samtidige, afbildet og stærk i ånden. Portræt af Chopin, skrevet af fire år senere, i 1838, præsenterer det poetiske og åndelige billede af den store komponist.

Interessant og usædvanligt ekspressiv, portræt af den berømte violinistiske og komponistpaganini, skrevet af Delacroix ca. 1831, var den musikalske stil af Paganini i vid udstrækning ligner den maleriske metode til kunstneren. For kreativiteten af \u200b\u200bpaganini er det samme udtryk karakteriseret og intens følelsesmæssighed, som var karakteristiske for malerens værker.

Landskaber optager et lille sted i delakroixens arbejde. Men de var meget vigtige for udviklingen af \u200b\u200bfransk maleri anden halvdel af XIX århundrede. Delacroix landskaber er præget af ønsket om præcist at overføre lysets lys og det undvigende liv. Lyse eksempler på det kan tjene som "himlen" kan tjene, hvor fornemmelsen af \u200b\u200bhøjttaleren er skabt på grund af de snehvide skyer, der flyder over himlen, og "havet synlig fra bredden af \u200b\u200bDieppe" (1854), hvor Maleren Virtuoso overfører glideren af \u200b\u200bde lyse sejlbåde langs overfladen af \u200b\u200bhavet.

I 1833 modtager kunstneren en ordre fra den franske konge på malerihallen i Bourbon Palace. Arbejdet med oprettelsen af \u200b\u200bet monumentalt arbejde varede i fire år. Når man gennemfører ordren, blev maleren primært styret til billederne for at være ekstremt enkle og laconiske, forstået af seeren.
Det sidste arbejde i Delakroix var maleriet af kapellet i de hellige engle i kirken Saint-Sulpis i Paris. Det blev udført i perioden fra 1849 til 1861. Brug af lyse, saftige maling (pink, lyseblå, lilla, placeret på aske blå og gulbrun baggrund), skaber kunstneren i sammensætningerne af ray humør, hvilket forårsager seer entusiastisk børnepasning. Landskabet inkluderet i "eksilet af orodore fra templet" som en ejendommelig baggrund, øger visuelt rummet af sammensætningen og rummet af kapellet. På den anden side introducerer Delacroix som om at understrege en trappe og balustrade i sammensætningen. Tallene anbragt bagved det virker næsten flade silhuetter.

Eugene Delacroix dannede sig i 18 63 i Paris.

Delacroix var den mest uddannede blandt malerne i første halvdel af XIX århundrede. Mange plots af hans malerier er taget fra de litterære værker af de berømte masters af pen. Interessant er det faktum, at kunstneren oftest skrev sine helte uden at bruge modellen. Han søgte at undervise dette og tilhængere. Ifølge Delacroix er maleriet noget mere kompliceret end primitiv kopiering af linjer. Kunstneren troede, at kunst primært ligger i evnen til at udtrykke mesterens humør og kreative hensigt.

Delacroix er forfatteren af \u200b\u200bflere teoretiske værker afsat til spørgsmål om farve, metode og stil på kunstneren. Disse værker tjente til malerierne af efterfølgende generations fyrtårn til at finde deres egne kunstneriske midler, der anvendes til at skabe sammensætninger.

Romantik.

Romantik (Franz. Romantisme), ideologisk og kunstnerisk bevægelse i den europæiske og amerikanske kultur i slutningen af \u200b\u200bXVIII - den første halvdel af XIX århundreder. Æstetik af klassikisme og filosofi om oplysning af æstetikken for klassikisme og oplysningsfilosofi, der blev oprettet i æra af den revolutionære nedbrydning af et feudalt samfund, den førstnævnte, der syntes uhørt verdensorden, romantik (og som et særligt udseende af WorldView , og som en kunstnerisk retning) blev en af \u200b\u200bde mest komplekse og internt modstridende fænomener. I kulturhistorien. Skuffelse i idealerne om oplysning, i resultaterne af den store franske revolution, nægten af \u200b\u200budnyttelsen af \u200b\u200bden moderne virkelighed, principperne om borgerlig praktisk person, som den menneskelige individualitet blev en pessimistisk opfattelse af udsigterne til social udvikling, den Mindset for "World Grief" blev kombineret i romantik med ønsket om harmoni i verdensordenen, personlighedens åndelige integritet med en "uendelig", med søgen efter nye, absolutte og ubetingede idealer. Den skarpe lidelse mellem idealerne og den undertrykkende virkelighed var i mange romantikers sind en smertefuld fatalistisk eller gennemsyret af indigneret følelse af dowemicia, bitter mockery over misforståelsen af \u200b\u200bdrømme og virkelighed, rejst i litteratur og kunst i princippet om "romantisk ironi". En slags selvforsvar fra den voksende menneskelige nivellering er blevet en dybeste interesse for den menneskelige person, forstået af romantika som enheden af \u200b\u200bindividuelle eksterne egenskaber og unikt internt indhold. Penesration ind i dybden af \u200b\u200ben persons åndelige liv, litteraturen og romantikens art samtidigt overførte denne akutte følelse af en karakteristisk karakteristisk, unik på nationens og folkes skæbne på den meget historiske virkelighed. Hasserede sociale skift udført på romantikens øjne, lavede et visuelt progressivt historisk forløb. I sine bedste værker stiger romantikken til skabelsen af \u200b\u200bsymbolsk og samtidig afgørende forbundet med den moderne historie af billeder. Men billederne fra fortiden, håbet fra mytologi, oldtidens og middelalderlige historie, blev udformet af mange romantikere som en afspejling af reelle modernitetskonflikter.

Romantikken blev den første kunstneriske retning, hvor bevidstheden om den kreative person som et emne af kunstnerisk aktivitet blev manifesteret med al sikkerhed. Romantika har åbenbart proklameret den triumf af individuel smag, fuldstændig kreativitet. At give den mest kreative handling afgørende betydning, ødelægge de hindringer, der forhindrede kunstnerens frihed, de udlignede dristigt det høje og lavlandske, tragiske og tegneserier, almindelige og usædvanlige. Romantik greb alle områder af åndelig kultur: Litteratur, musik, teater, filosofi, æstetik, filologi og andre humanitære videnskaber, plastik. Men samtidig var det ikke allerede den universelle stil, som var klassicisme. I modsætning til sidstnævnte havde romantik næsten ikke statslige former for dets udtryk (derfor påvirker den ikke arkitekturen væsentligt, hvilket påvirker haven og parkarkitekturen på arkitekturen af \u200b\u200bsmå former og til retningen af \u200b\u200bden såkaldte pseudo-native ). At være ikke så meget med en stil som en offentlig kunstnerisk bevægelse, afslørede romantik vejen for yderligere udvikling af kunst i XIX århundrede, hvilket ikke var i form af omfattende stilarter, men i form af individuelle tendenser og retninger. Også for første gang i romantik blev sproget i de kunstneriske former ikke fuldstændig genanvendt: klassikens stil blev bevaret, væsentligt ændret og genanvendt i de enkelte lande (for eksempel i Frankrig). På samme tid, inden for rammerne af en enkelt stilretning, modtog den enkelte studie af kunstneren større udviklingsfrihed.

Udviklingen i mange lande har romantik erhvervet en lys national ejendommelighed på grund af historiske forhold og nationale traditioner. De første tegn på romantik optrådte næsten samtidigt i forskellige lande. I slutningen af \u200b\u200bXVIII - tidlige XIX århundreder. Skader Romantik er allerede iboende i Storbritannien - de schweiziske I. G. Füside's maleriske og grafiske værker, hvor de nådige, sofistikerede groteske bryder gennem den klassiske klarhed af billeder og kreativiteten af \u200b\u200bdigteren og kunstneren W. Blake; I Spanien - Late Works F. Goya, udført af uhindret fantasi og tragiske patos, lidenskabelig protest mod national ydmygelse; I Frankrig skabte et heroisk-spændt portræt af J. L. David i revolutionerende år, tidlige stress-dramatiske sammensætninger og portrætter A. Zh. Gro, gennemsyret drømmende, flere ophøjede lyrisme virker P. P. Prudonon, og også modstridende, der kombinerer romantiske tendenser med akademiske adoptionsarbejder af F. Gerar.

Den mest konsekvente romantiske skole har udviklet sig i Frankrig under restaureringsperioden og juli monarki i den vedvarende kamp med dogmatisme og den modsatte rationalisme af den sene akademiske klassiker. Udtrykker protest mod undertrykkelse og reaktion, mange repræsentanter for fransk romantik direkte eller indirekte behandlet de sociale bevægelser i første halvdel af XIX århundrede. Og steg ofte til ægte revolutionerende, som fastslog den effektive, journalistiske karakter af romantik i Frankrig. Franske kunstnere Reform maleriske og ekspressive midler: Dynamize sammensætningen, der kombinerer formen af \u200b\u200ben hurtig bevægelse, brug en lys mættet farve baseret på kontraster af lys og skygge, varme og kolde toner, ty til mousserende og nem, ofte generel brev måde. I forbindelse med grundlæggeren af \u200b\u200bden romantiske skole T. Zhhero, som stadig bevaret til generaliserede heroed klassiske kunst, blev protestionen udtalt mod den omkringliggende virkelighed og ønsket om at reagere på de eksklusive begivenheder i moderniteten , som i hans værker legemliggør den tragiske skæbne i det moderne Frankrig. I 1820'erne. E. Delacroix blev en anerkendt leder af den romantiske skole. Følelsen af \u200b\u200binddragelse i de store historiske begivenheder, der ændrer verdens ansigt, appellen til kulminationen, dramatisk skarpe temaer skabte patos og den dramatiske glød af sine bedste værker. I portrættet var hovedpersonen for romantikere identifikationen af \u200b\u200blyse tegn, spændingen af \u200b\u200bdet åndelige liv, den menneskelige følelse af menneskelige følelser; Landskabet er beundring af naturens kraft, åndualiserede elementer i universet. For grafikken hos fransk romantik er det vigtigt at skabe nye, masseformer i litografi og bøger Xylraphy (N. T. Charle, A. DELLYA, J. LYGU, senere Granville, Dorry). Romantiske tendenser, der er forbundet med arbejdet i den største graf for O. Domier, men de blev især stærkt manifesteret i hans maleri. Masters of the Romantic Sculpture (P. J. David D "Angers, A. L. Bari, F. Ryud) fra strengt tektoniske sammensætninger skiftet til fri fortolkning af former, fra inkonsekvens og rolig storhed af klassisk plast - til en hurtig bevægelse.

I arbejdet med mange franske romantikere, konservative trends af romantik (idealisering, individualisme af opfattelse, der passerer ind i tragisk håbløshed, middelalderens undskyldning osv.), Som bragte til religiøs påvirkning og den åbne glorificering af monarkiet (E. DEMIA, A. SHEFFER, osv.). Separate formelle principper for romantik blev meget udbredt og repræsentanter for officielle kunst, eklektisk kombineret dem med accept af akademikken (melodramatiske historiske malerier P. Delash, overfladisk spektakulære og kampværker O. Verne, E. Mesonier osv.).

Den historiske skæbne af romantik i Frankrig var kompleks og tvetydig. I det sene arbejde i hans største repræsentanter blev realistiske tendenser klart vist, delvis indlejret i det mest romantiske koncept for de specifikke egenskaber. På den anden side blev den tidlige kreativitet af repræsentanter for realisme i fransk kunst fanget af romantiske tendenser inden for den franske kunst - K. Coro, Millas, J. F. Mill, E. Mane. Mystik og komplekse allegorisme, undertiden iboende i romantik, fundet kontinuitet i symbolikken (Moro osv.); Nogle karakteristiske træk ved æstetik af romantik manifesterede igen i kunsten "moderne" og postmåling.

En endnu mere kompleks og kontroversiel var udviklingen af \u200b\u200bromantik i Tyskland og Østrig. Tidlig tysk romantik, som er ejendommelig at være opmærksom på alt vittig, den melankolske-kontemative tonalitet af figurativ stemning, er hovedsagelig forbundet med at søge inden for portræt og allegoriske sammensætninger (F. O. Runge) samt landskab (til. D. Friedrich, IA KOH). Religiøse patriarkalske ideer, ønsket om at genoplive den religiøse ånd og de stilistiske træk ved det italienske og tyske maleri XV århundrede. Foder kreativiteten af \u200b\u200bnazakerne (F. Overbek, Yu. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius osv.), Hvis position er blevet særlig konservativ ved midten af \u200b\u200bXIX århundrede. For kunstnerne i Düsseldorf-skolen i en vis grad lukkes romantik, ud over chanting af middelalderens idyll i ånden i den moderne romantiske poesi, sentimentalitet og plot enormitet var karakteristiske. En ejendommelig kamp ved de tyske romantikprincipper, der ofte er tilbøjelige til den sædvanlige og specifikke "BURGER" -realisme, var arbejdet med repræsentanter for Bidmeyer (F. Waldmüller, IP Hazenklever, F. Kruger), samt K . Blechen. Fra den anden tredjedel af XIX århundrede. Den tyske romantiks linje fortsatte på den ene side i det pompøse salon-akademiske maleri V. Kaulbach og K. Piloti og på den anden side - i de episke og allegoriske værker af L. Richter og Genre-fortællinger, kammer for Lyden af \u200b\u200bværkerne af K. Spitzvega og M. Schvinda baggrund. Romantisk æstetik bestemt bestemmes i vid udstrækning dannelsen af \u200b\u200bkreativitet A. von Mencel i fremtiden for den største repræsentant for XIX århundredets tyske realisme. Ligesom i Frankrig absorberede den tyske romantik (mere end fransk, naturalismens egenskaber, og derefter "Modern") ved slutningen af \u200b\u200bXIX århundrede. Kommunikeret med symbolik (H. Tom, F. von Pieces og M. Klinger, Swiss A. Böklin).

I Storbritannien i første halvdel af XIX århundrede. En del nærhed til fransk romantik og samtidig er landskabet af J. Consthebla og R. Bonington, romantisk fiktion og søgen efter friske ekspressive midler markeret, en udtalt realistisk trend. Bonner's romantiske fiktion og søgning. Religiøse og mystiske ambitioner, tilknytning til middelalderen i middelalderen og tidlig renæssancen, samt håb om genoplivning af håndværksvirksomheden blev kendetegnet ved de ladyomantiske bevægelse af prerafaelitter (GD Rossetti, JE Milles, X. Hunt, E. Bern -Jones osv.).

I USA i hele XIX århundrede. Den romantiske retning var primært repræsenteret af landskabet (T. KOL, J. Innes, A. P. Rider). Det romantiske landskab blev udviklet i andre lande, men det vigtigste indhold af romantik i europæiske lande, hvor den nationale selvbevidsthed vækkede, var interesseret i den lokale kulturelle og kunstneriske arv, emnerne i det nationale liv, den nationale historie og befrielse, kamp . Dette er kreativiteten af \u200b\u200bVappers, L. Galle, X. Leisa og A. Virgin i Belgien, F. Ayes, D. og J. Inuju, J. Karnevali og D. Morelli i Italien, D. A. Sicares i Portugal, repræsentanter Kostumbrisry i Latinamerika, I. Manesa og I.Jastela i Tjekkiet, M. Barabash og V. Madaras i Ungarn, Ao Orlovsky, P. Mikhalovsky, X. Rodakovsky og sen romantik Ya. Mateyko i Polen. Den nationale-romantiske bevægelse i slaviske lande, Skandinavien, baltiske stater bidrog til dannelsen og styrkelsen af \u200b\u200blokale kunstskoler.

I Rusland blev romantik manifesteret i varierende grad i mange masters arbejde - i maleri og skema A. O. O. Orlovsky, i portrætter O. A. Kiprensky, del - V. A. Tropinin. Væsentlig indflydelse Romantikken havde en betydelig indvirkning på dannelsen af \u200b\u200bet russisk landskab (SILV. F. Shchedrin, Vorobyeva M. N., M. I. LEGEDEV; GUSKER AF YOUNG I. K. AIVAZOVSKY). Funktionerne i romantik var modstridende kombineret med klassikisme i K. P. Bryullovs værker, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; Samtidig giver portrætterne af Bryullov et af de mest levende udtryk for romantikens principper i russisk kunst. I det mindste ramte romantik P. A. Fedotova og A. A. Ivanova.

Romantik i arkitekturen.

En af de største begivenheder i verdenshistorien - Store fransk revolutionen - blev et skæbnet øjeblik for ikke kun det politiske, men også hele verdens kulturliv. I den sene XVIII - I halvdelen af \u200b\u200bXIX århundreder i Amerika og Europa bliver romantik en dominerende stilretning i kunst.

Epoken af \u200b\u200boplysning sluttede med den store borgerlige revolution. Sammen med hende forsvundet og følelse af stabilitet, orden og ro. De nyligt proklamerede ideer om broderskab, ligestilling og friheder indgav ubegrænset optimisme og tro i fremtiden, og et sådant skarpt kup er frygt og en følelse af usikkerhed. Fortiden syntes at spareøen, hvor god, anstændighed, oprigtighed og vigtigst - konstantitet. Så i idealiseringen af \u200b\u200bfortiden og søgen efter en person af hans sted i en stor verden er romantik født.

Hårddag af romantik i arkitekturen er forbundet med brugen af \u200b\u200bnye designs, metoder og byggematerialer. Forskellige metalstrukturer vises, broer opstilles. Udviklet teknologi til billig støbejern og stål.

Romantikken nægter enkelheden af \u200b\u200barkitektoniske former, der tilbyder til gengæld for en sort, frihed og komplekse silhuetter. Symmetri taber afgørende betydning.

Style aktiverer det rigeste kulturelle reservoir af fremmede lande, som i lang tid var langt fra europæere. Ikke kun gammel græsk og romersk arkitektur, men også andre kulturer, er værdifulde. Grundlaget for romantik bliver den gotiske arkitektur. Der lægges særlig vægt på den østlige arkitektur. Der er bevidsthed om behovet for at beskytte og genoplive kulturelle monumenter af tidligere epoker.

For romantik er det præget af at slette grænserne mellem naturlige og kunstige: parker, kunstige reservoirer og vandfald er designet. Bygningerne omgiver buerne, arbors, efterligning af vintage tårne. Romantik foretrækker pastelfarver.

Romantikken nægter reglerne og kanoner, det har ikke strenge tabuer eller strengt obligatoriske elementer. De vigtigste kriterier er ytringsfrihed, øget opmærksomheden på den menneskelige person, kreativ afvigelse.

I det moderne interiør forstår romantikken appellen til folklore former og naturlige materialer - smedning, en vild sten, et groft træ, men en sådan stilisering har intet at gøre med den arkitektoniske retning af den 18. XIX århundreder.

Romantik i maleri.

Hvis eksperten af \u200b\u200bklassikisme var Frankrig "for at finde rødder ... en romantisk skole," skrev han en af \u200b\u200bde samtidige, "vi skulle gå til Tyskland. Hun blev født der, og moderne italiensk og fransk romantik havde dannet deres smag. "

Fragmented Tyskland kendte ikke den revolutionerende elevator. Mange af de tyske romantikere var fremmede patos af avancerede sociale ideer. De var idealiseret af middelalderen. Leveret til visse åndelige impulser, begrundet om det menneskelige livs kastede. Mange af dem var passive og kontemplative. De skabte de bedste værker inden for portræt og landskabsmaleri.

En fremragende portraytist var Otto. Runge. (1777-1810). Portrætter af denne mester med ekstern ro i sindet er slående intens og spændt indre liv.

Billedet af romantik digter så runge i " Selvportræt". Han ser omhyggeligt på sig selv og ser en mørkhåret, mørk øjne, seriøs, fuld energi, tankevækkende og volumen ung mand. Romantisk kunstner ønsker at kende sig selv. Portræt-måde er hurtig og sluges, som om allerede i udførelsen af \u200b\u200barbejdet skal overføres til skaberenes åndelige energi; I den mørke farverige ordning, kontraster af lys og mørk. Kontrast er en karakteristisk malerisk teknik af romantiske mestere.

For at fange det foranderlige spil af menneskets humør, vil han altid forsøge at prøve kunstneren af \u200b\u200bdet romantiske lager. Og i denne henseende vil børns portrætter tjene som et frugtbart materiale. I " Portræt børn Hulisenbeck.” (1805) Runge overfører ikke kun en barndoms livlighed og direktehed, men finder også en særlig teknik til et let humør. Baggrunden på billedet er et landskab, som vidner ikke kun om kunstnerens farverige gave, glad for holdningen til naturen, men også om fremkomsten af \u200b\u200bnye problemer med værkstedets gengivelse af rumlige relationer, lyse nuancer af udendørs luft varer. Master Romantic, der ønsker at fusionere hans "I" med universets universer, søger at fange det sensuelt håndgribelige udseende af naturen. Men denne sensualitet af det billede, han foretrækker at se symbolet på den store verden, "kunstnerens ide".

Runge En af de første romantiske kunstnere satte sig selv opgaven med syntese af kunst: maleri, skulpturer, arkitektur, musik. Kunstnerens fasses, styrker sit filosofiske koncept med ideerne om den berømte tyske tænker af første halvdel af XVII-århundrede. Jacob Bem. Verden er en vis mystisk helhed, hvis hver partikel udtrykker sig hele. Denne ide er relateret til romantikken på hele det europæiske kontinent.

En anden fremragende maler-romantisk Tyskland Caspar. David. Friedrich. (1774-1840) Foretrukket til alle andre genrer landskab og skrev kun i hans livs malerier. Det vigtigste motiv for Friedrichs kreativitet er ideen om mand og natur.

"Lyt til naturens stemme, der taler i os," kunstneren bliver instrueret til sine disciple. En persons indre verden personificerer universets uendelighed, så at høre sig selv, en person er i stand til at forstå og åndelige dybder i verden.

Lytningens position bestemmer den grundlæggende form for "kommunikation" af en person med naturen og dens image. Dette er storhed, mysterium eller oplysning af observatørens natur og bevidste tilstand. Sandt nok, i landskabet i deres malerier, tillader Friedrich ikke "at indtaste" figuren, men i den tynde penetration af det udvendige system af de udvidede udvidelser, føles tilstedeværelsen af \u200b\u200bfølelsen, menneskelig oplevelse. Eksivillighed i billedet af landskabet kommer kun til kunst med romantikers arbejde, foreshadowing den lyriske offentliggørelse af naturen fra mesteren i anden halvdel af XIX århundrede. Forskere er noteret i Friedrichs værker "Udvidelse af repertoire" af landskabet motiver. Forfatteren er interesseret i havet, bjergene, skovene og en række nuancer af naturen på forskellige tidspunkter af året og dagen.

1811-1812. Markeret af oprettelsen af \u200b\u200ben række bjerglandskaber som følge af kunstnerens rejse i bjergene. ” Morgen i bjerge.” Maberfully præsenterer en ny naturlig virkelighed, der er født i strålerne i den stigende sol. Pinkish-Lilac toner omslutter og fratager deres volumen og materiel alvorlighed. Årene med kamp med Napoleon (1812-1813) tilføjer Friedrich til patriotiske emner. Illustrating, inspirerende dramaet af brastic, skriver han “ MOGILE. Armin” - Landskab med graven af \u200b\u200bde gamle tyske tegn.

Friedrich var en subtil mester af marine landskaber: “ Alder” , “ Solopgang måne over hav” , ” Død “ Håber” i is” .

De seneste værker af kunstneren - “ Lempelse på den mark” , “ Store sump” og “ Hukommelse om Giganovy. bjerge.” , ” kæmpe stor bjergene” - en række bjergkorn og sten på en mørk forgrunden. Dette, tilsyneladende vender tilbage til den erfarne følelse af en persons sejr over sig selv, glæden ved opstigning til "toppen af \u200b\u200bverden", ønsket om en lyset uledsagende ferie. Kunstnerens følelser kombinerer specielt disse bjergpærer, og bevægelsen fra de mørke trin til det fremtidige lys læses igen. Bjergtoppen i baggrunden er fremhævet som centrum af mesterens åndelige ambitioner. Billedet er meget associativt, som enhver skabelse af romantikere, og involverer forskellige niveauer af læsning og fortolkning.

Friedrich er meget præcis i billedet, musikalsk og harmonisk i den rytmiske konstruktion af sine malerier, hvor det forsøger at tale følelser af farve, lyseffekter. "Mange mennesker får lidt meget. Alle åbner naturens sjæl i en anden. Derfor er ingen at sende deres egne erfaringer og egne regler som en obligatorisk ubetinget ret. Ingen er en foranstaltning for alle. Alle bærer en foranstaltning i sig selv for sig selv for mere eller mindre relaterede naturer selv, "det tænker på, at en mester beviser den fantastiske integritet i hans indre liv og kreativitet. Kunstnerens unikke karakter er kun mærkbar i sin kreativitetsfrihed - det står på denne romantiske Friedrich.

Mere formelle synes at være dimensioneret med kunstnere - "klassikere" - repræsentanter for klassikeren af \u200b\u200ben anden gren af \u200b\u200bromantisk maleri af Tyskland - nazaretsev.. Grundlagt i Wien og bosat i Rom (1809-1810) "Union of St. Luke" United Masters of the Idea om at genoplive den monumentale kunst af religiøse spørgsmål. Middelalderen var en favorit periode med historie for romantikere. Men i sin kunstneriske søgen appellerede saselikerne til traditionerne for maleri af tidlig genfødsel i Italien og Tyskland. Overbek og Georre var initiativtagerne til den nye union, som Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, Feit Furyh, blev senere tilsluttet.

Bevægelsen af \u200b\u200bnazakerne svarede til deres former for modstand mod klassiske skoler i Frankrig, Italien, England. For eksempel blev de såkaldte "primitivister" i England - Prerafaelitter i Frankrig fra David-værkstedet David. I den romantiske traditioners ånd vurderede de kunsten på "udtryk for tid", "folkets ånd", men deres tematiske eller formelle præferencer, der først lød som et slogan af forening, efter en tid omtrent det samme Lære principper som akademiet nægtet af dem.

Romantikens kunst i Frankrig har udviklet sig af særlige måder. Den første ting, der skelner med ham fra lignende bevægelser i andre lande, er aktiv, offensiv ("revolutionerende") karakter. Digtere, forfattere, musikere, kunstnere forsvarede deres position ikke kun ved at skabe nye værker, men også deltagelse i et magasin, aviskontrovers, som forskere er karakteriseret som et "romantisk kamp". I den romantiske kontrovers, "den berømte V.Yugo, Standal, George Sand, Berlioz og mange andre forfattere, komponister, journalister i Frankrig.

Romantisk maleri i Frankrig opstår som modstand mod Davids klassiske skole, akademisk kunst, kaldet "skolen" som helhed. Men det er nødvendigt at forstå, at det er bredere: det var modstanden for den officielle ideologi i reaktionstiden, protesterer mod dets maskine og begrænsninger. Derfor er romantiske værkeres patetiske karakter, deres nervesiske excitation og eksotiske motiver, til historiske og litterære tomter, til alt, hvad der kan føre fra "Dim hverdagslivet", herfra dette spil af fantasi, og undertiden tværtimod er det Dreaminess og fuldstændig mangel på aktivitet.

Repræsentanter for "skoler", akademikere fastholdt, frem for alt mod romantikers sprog: deres ophidsede varme farve, deres modelleringsformuleringer, ikke det sædvanlige for "klassikere", statuer-plast og bygget på stærke kontraster af farvepladser; deres ekspressive mønster, bevidst forladt med nøjagtighed; Deres dristige, undertiden kaotisk sammensætning, uden forstørrelsesmænd og uudslettelig rolig. Angr, en uforsonlig fjende af romantikere, indtil slutningen af \u200b\u200blivet sagde, at Delacroix "skriver med en gal kost," og Delacroix anklaget ENGRA og alle kunstnere "skole" i kulden, rimelighed, i mangel af bevægelse, er at de er, at de er Skriv ikke, men "male" hans malerier. Men det var ikke en simpel kollision af to lyse, absolut forskellige individer, det var kampen for to forskellige kunstvisioner.

Denne kamp varede næsten konsollerne, romantik i kunsten prøvet sejr er ikke let og ikke straks, og den første kunstner af denne retning var Theodore. Zhero. (1791-1824) - Master of Heroic Monumental Forms, som er forbundet i sit arbejde og klassiske træk, og selve funktionerne i selve romantikken, og endelig en stærk realistisk begyndelse, som har en enorm indflydelse på midtets kunst. af XIX århundrede. Men i løbet af hans levetid blev han kun vurderet af et par tætte venner.

Med navnet på Theodore Zhariko er de første strålende succeser af romantik forbundet. Allerede i hans tidlige billeder (portrætter af militæret, billeder af heste) trak antikke idealer tilbage før den umiddelbare opfattelse af livet.

I kabinen i 1812 viser Zheriko billedet “ en officer. kejserlig equestrian. eger. i tid ataaki.”. Det var et års apogee af Napoleons Herlighed og Frankrigs militære magt.

Maleriets sammensætning repræsenterer rytteren i det usædvanlige perspektiv af det "pludselige" øjeblik, hvor hesten øger, og rytteren, der holder hestens næsten lodrette position, vendt til seeren. Et billede af et så umiddelbart ustabilitet, umuligheden af \u200b\u200bkropsholdning øger effekten af \u200b\u200bbevægelse. Hesten har et punkt af støtten, han skal ramme jorden, skruet ind i kampen, som bragte den til en sådan stat. Meget af dette arbejde: ubetinget Vera Zhriko til muligheden for ejerskab af en person på egen hånd, lidenskabelig kærlighed til skildring af heste og modet af en nybegynder mester i showet af, at kun musik eller sprog af poesi kunne transmittere - Azart Battle, begyndelsen af \u200b\u200bangrebet, den levende væsenes begrænsende spænding. Den unge forfatter byggede sit billede på overførslen af \u200b\u200btrafikdynamik, og det var vigtigt for ham at oprette seeren til "spekulationen" af det, han ønskede at skildre.

Traditionerne for en sådan dynamik i den maleriske fortællings romantik i Frankrig havde praktisk taget ikke noget, undtagen i gothic templernes reliefs, fordi Zheriko først kom ind i Italien, blev han bedøvet af den skjulte kraft af Michelangelo. "Jeg rystede," skriver han, "tvivlede jeg på mig selv og kunne ikke komme sig fra denne oplevelse i lang tid." Men hos Michelangelo, som for forløberen af \u200b\u200bden nye stilistiske retning i kunst, spids den standige i sine polemiske artikler endnu tidligere.

Maleriet Zhriko sagde ikke kun om fødslen af \u200b\u200bet nyt kunstnerisk talent, men gav også hyldest til entusiasmen og skuffelsen af \u200b\u200bforfatteren af \u200b\u200bNapoleons ideer. Et par flere værker er forbundet med dette emne: " en officer. carabinierov.”, “ en officer. cuirassier. før angreb”, “ Portræt karabiner.”, “ Sårede cuirassier.”.

I behandlingen "Refleksion om Maleriets tilstand i Frankrig" skriver han, at "den luksus og kunst af stål ... behovet og som om mad til fantasien, som er det civiliseret persons andet liv ... uden at være Emnet af det væsentlige kunst vises kun, når hastende behov er tilfredse, og når overflod forekommer. En person, der har befriet fra hverdagens bekymringer, begyndte at lede efter fornøjelser for at slippe af med kedsomhed, som uundgåeligt ville dække det blandt tilfredshed. "

En sådan forståelse af kunstens uddannelsesmæssige og humanistiske rolle blev demonstreret af Zhriko efter at have vendt tilbage fra Italien i 1818 - han begynder at engagere sig i litografi, replikere en række emner, herunder nederlaget for Napoleon ( “ Vend tilbage af Rusland” ).

Samtidig appellerer kunstneren til skildringen af \u200b\u200bfregatens død "Medusa" ud for Afrikas kyst, stærkt ophidset samfund. Katastrofen opstod på grund af fejlen af \u200b\u200ben uerfaren kaptajn udpeget til beskyttelsesstilling. Besparelsespassagererne blev fortalt i detaljer i detaljer - Savigni kirurg og Correar Engineer.

Fabrende skibet var i stand til at miste flåden, som en håndfuld gemte mennesker fik. Tolv dage var de på det rasende hav, indtil de mødte frelse - skibet "ARGUS".

Zhriko interesseret i situationen for den yderste spænding af menneskelige åndelige og fysiske kræfter. Billedet skildrede 15 gemte passagerer på flåden, da de så på horisonten "Argus". “ Tømmerflåde “ Medusa.” det var resultatet af kunstnerens langsigtede forberedende arbejde. Han gjorde mange skitser af det raserende hav, portrætter af reddet folk på hospitalet. I starten ønskede Zhriko at vise folks kamp på en flåde med hinanden, men så stoppede han på den heroiske opførsel af vinderne af marine elementet og statens forsømmelighed. Folk overførte modigt ulykken, og håbet om frelse forladte dem ikke: Hver gruppe havde sine egne egenskaber på flåden. I opbygningen af \u200b\u200bsammensætningen vælger Zheriko synspunktet ovenfra, hvilket tillod ham at kombinere panoramisk dækning af rummet (maritime gav) og skildre, stærkt klatring af forgrunden, alle indbyggerne i roden. Klarheden af \u200b\u200brytmen af \u200b\u200brytmen af \u200b\u200bhøjttalerne fra gruppen til gruppen, nøgne kroppers skønhed, den mørke farve af malerierne sætter en bestemt note af billedkonventionen. Men det er ikke essensen vigtigt for højttaleren, som opfattes af publikum, til hvem sprogets sprog selv hjælper med at forstå og føle det vigtigste: en persons evne til at kæmpe og besejre.

Innovationen af \u200b\u200bZhriko åbnede nye muligheder for at transmittere bekymrede romantikere, imponerende sanser af mand, farverig tekstureret ekspressivitet af billedet.

Arving til Zhriko i hans søgning blev Eugene. Delacra.. Sandt nok blev Delacroix udgivet dobbelt så meget livsperiode, og han lykkedes ikke kun at bevise romantikens rethed, men også at velsigne den nye retning i at male anden halvdel af XIX århundrede. - Impressionisme.

Før du begynder at skrive dig selv, var Eugene engageret i leren skole: han skrev fra naturen, kopieret i louvre af store rubens, rembrant, veronese, titian ... en ung kunstner arbejdede i 10-12 timer om dagen. Han huskede ordene fra den store Michelangelo: "Maleri er en jaloux elskerinde, hun kræver hele personen ..."

Delacroix Efter manifestationsstalerne præsenterede Zhriko godt, at tiderne med stærke følelsesmæssige chok kom i kunst. I første omgang en ny æra for ham, forsøger han at forstå gennem velkendte litterære tomter. Hans billede. “ Dante. og Vergili.” Repræsenteret i 1822 salon - et forsøg gennem historiske associerede billeder af to digtere: Antikviteter - Vergilia og Renaissance - Dante - se på kogekedlen, "Hell" af den moderne æra. En gang i hans "guddommelige komedie tog Dante domstole på alle områder (Paradise, Hell, Purgatory) Vergil Land. I sammensætningen af \u200b\u200bDante opstod en ny genoplivet verden ved at opleve middelalderlige hukommelse om antikken. Symbolet på romantisk som syntese af antikken, renæssancen og middelalderen opstod i "Horror" af Dante og Vergils visioner. Men det komplekse filosofiske allegorie viste sig at være en god følelsesmæssig illustration af forebyggende æra og et udødelig litterært mesterværk.

Et direkte svar i Hearts of Contemporaries of Delacroix vil forsøge at finde gennem deres eget hjertesmerter. Brændende frihed og had for undertrykkere unge af den tid sympatisere med Grækenlands befrielseskrig. Der rider den romantiske bard af England - Byron. Delacroix ser betydningen af \u200b\u200bden nye æra i billedet af en allerede mere specifik historisk begivenhed - kampen og lidelsen af \u200b\u200bfrihedskærende Grækenland. Det stopper ved grunden af \u200b\u200bden græske ø Chios's død, fanget af tyrkerne. I salonen 1824 viser Delacroix billedet “ Massakre på den Ø Chios.”. På baggrund af det uendelige rum af frakke terrænet, som stadig råber fra røgen af \u200b\u200ben fiktion og den uheldige kamp, \u200b\u200bviser kunstneren flere grupper af sårede, udmattede kvinder og børn. De forblev de sidste referat af frihed før fjendernes tilgang. Tyrkerne på den hævede hest til højre, som det var, hænge over alle forgrunden og mange syge der. Smuk krop, ansigt af brudte mennesker. Forresten vil Delacroix senere skrive, at græsk skulptur blev vendt af kunstnere i de hieroglyffer, der har skjult den virkelige græske skønhed i ansigtet og figurerne. Men at åbne "sjælens skønhed" i de besejrede grækers skønhed, er maleren så dramatisering af de hændelser, der opstår i det, for at opretholde et enkelt dynamisk spændingspace, går det til deformation af figurernes vinkler . Disse "fejl" var allerede "tilladt" af værkerne på Zherik, men Delacroix viser igen den romantiske credo, at maleriet er "dette er ikke sandheden om situationen, og sandheden føles."

I 1824 mistede Delacroix en ven og lærer - Zhriko. Og han blev leder af det nye maleri.

År gik. Billeder dukkede op på en: “ Grækenland på den ruiner Missalungi.”, “ Død Sardanapala.” og andre. Kunstneren er blevet en udstødning i cirklerne af malere. Men juli revolutionen af \u200b\u200b1830 ændrede situationen. Hun lyser kunstneren med romantik af sejre og præstationer. Han skriver billede “ frihed på den barricader”.

I 1831 så den franske for første gang i Paris Salon dette billede dedikeret til de "tre herlige dage" i juli revolutionen i 1830. Kraft, demokrati og mod i den kunstneriske beslutning fra lærredet gjorde et svimlende indtryk på samtidige. Ifølge legenden udbrød en god borgerlig Bourgeois: "Sig siger du - skolechef? Fortæl mig bedre - Hovedet på oprør! " Efter lukningen af \u200b\u200bkabinen skyndte regeringen, bange for en formidabel og inspirerende appel, der kommer fra billedet, skyndte sig til at returnere det til forfatteren. Under revolutionen af \u200b\u200b1848 blev hun endnu engang iscenesat på den universelle anmeldelse i Luxembourg-paladset. Og vendte tilbage til kunstneren. Først efter lærredet udstillet på verdensudstillingen i Paris i 1855 faldt det ind i Louvre. Det holdes her en af \u200b\u200bde bedste skabninger af fransk romantik - et inspirerende bevisstidspunkt og et evigt monument til folks kamp for deres frihed.

Hvad er det kunstneriske sprog fundet en ung fransk romantisk at fusionere disse to, tilsyneladende modsatte begyndere - udbredt, omfattende generalisering og grusomme i deres nøgne virkelighed?

Paris af den berømte juli 1930'erne. I afstand, næppe mærkbart, men stolt vil forlade tårnene i katedralen i Guds modermor - symbolet på historie, kultur, de franske folks ånd. Derfra, fra byens røg, på barinerne af barrikaderne, på de døde krammers døde kammerater stædigt og resolutt fremspringende oprørerne. Hver af dem kan dø, men skridt af oprørerne unshakable - de inspirerer viljen til sejr, til frihed.

Denne inspirerende kraft er udformet i billedet af en fremragende ung kvinde, i en lidenskabelig impuls af opkaldet. Uheldigvis energi, fri og ung svaghed, det ligner den græske gudinde af Victory Nick. Hendes stærke figur er nittet i Hitons kjole, et ansigt med perfekte træk, med brændende øjne trukket til oprørerne. I den ene side har hun et trefarvet banner fra Frankrig, i en anden - en pistol. Frigian Cap på hovedet er et gammelt symbol på befrielse fra slaveri. Hendes skridt er hurtigt og nemt - gudinden går. Samtidig er billedet af kvinden reen den franske folk. Hun er en styrestyrke af gruppens bevægelse på barrikaderne. Fra hende, som fra lyskilden i centrum af energi, divergeres strålerne, slibet tørst og vilje til sejr. I nærhed til det, hver på deres egen måde, udtrykkeligt inddragelse i dette inspirerende opkald.

Højre drenge, Paris Gatham, Vinkede med våben. Han er tættest på frihed og som den var tændt af sin entusiasme og glæden ved fri vindstød. I den hurtige, i en drengagtig, utålmodig bevægelse, har han endda lidt foran hans inspirerende. Dette er forgængeren af \u200b\u200bden legendariske Gavrosh, tyve år senere af Viktor Hugo i romanen "støbt": "Gavrosh, fuld inspiration, skinnende, overtog opgaven med at lade det hele igen. Han igen frem og tilbage, steg op, sank ned, steg igen, støjende, mousserende med glæde. Det ser ud til, at han kom her for at opmuntre alle. Har han nogen form for ulykke for dette? Ja, selvfølgelig, hans fattigdom. Havde han vinger? Ja, selvfølgelig, hans sjovhed. Det var en slags hvirvelvind. Han, som det var fyldt med luft, deltog på samme tid overalt ... De store barrikader følte ham på deres højderyg. "

Gavrosh i maleriet af Delacroix - personificering af ungdom, den "smukke impuls", den glædelige accept af de lyse ideer om frihed. To billeder - Gavrosha og Friheder - som om komplementering af hinanden: One-ild, en fakkel varierede fra ham. Heinrich Heine fortalte, hvad et livligt svar forårsagede figuren af \u200b\u200bGavrosha i parisere. "Helvede! - udbrød nogle købmandsforhandler. - Disse drenge slog som giganter! "

Venstre elev med en pistol. Tidligere så de et selvportræt af kunstneren. Denne læge er ikke så hurtig som Gavrosh. Hans bevægelse er mere tilbageholdt, mere koncentreret, meningsløs. Hænderne trygt klem på stammen af \u200b\u200bet riffel, ansigtet udtrykker mod, fast beslutsomhed at stå til slutningen. Dette er et dybt tragisk billede. Den studerende er opmærksom på uundgåeligheden af \u200b\u200btab, som oprørerne vil lide, men ofrene skræmmer ikke ham - viljen til frihed er stærkere. Bag ham er lige så modigt og resolutt konfigureret arbejdstager med en saber. Ved fødderne af frihed såret. Han løftede næppe op for at kigge op, til frihed, for at se og hele sit hjerte, føle den smukke, for hvilken han dør. Dette tal bidrager med en dramatisk begyndelse til lyden af \u200b\u200bDelacroix klud. Hvis billederne af Gavrosha, frihed, studerende, arbejdstager - næsten symboler, udførelsen af \u200b\u200ben ukomprimeret vilje af frihedskæmpere - inspirerer og kalder på seeren, bliver de sårede til medfølelse. Manden siger farvel til frihed, siger farvel til livet. Han er stadig et rush, bevægelse, men allerede fading gust.

Hans figur er overgangsbestemt. Udsigt over seeren, stadig fantastisk og fascineret af den revolutionerende bestemmelse af oprørerne, nedad ned til foden af \u200b\u200bde barricader, der er omfattet af de herlige døde soldaters organer. Døden er repræsenteret af kunstneren i al en beslutning og bevis for det faktum. Vi ser de døde kroner, deres synlige organer: Kæmpens kamp og dødsfaldet af den samme uundgåelige satellit af oprørerne, såvel som den vidunderlige inspirerende frihed.

Fra det forfærdelige skuespil i den nederste kant af billedet, rejser vi vores blik og ser den unge smukke figur - nej! Livet vinder! Ideen om frihed, legemliggjort så simpelt og mærkbart, som rettet til fremtiden, at døden i hendes navn ikke er forfærdeligt.

Kunstneren skildrer kun en lille gruppe af oprørere, levende og døde. Men forsvarerne af barrikaderne synes usædvanligt mange. Sammensætningen er bygget, så gruppens kamp ikke er begrænset, er ikke lukket i sig selv. Det er kun en del af den endeløse lavine af mennesker. Kunstneren giver et fragment af gruppen: Billedrammen skærer formerne til venstre, til højre, fra bunden.

Normalt erhverver farven i Delacroixs værker en visnet lyd, spiller en dominerende rolle for at skabe en dramatisk effekt. Malinger, derefter raser, dunkning, dæmpet, skaber en spændt atmosfære. I « Frihed på den barricader» Delacroix afgår fra dette princip. Meget præcist vælger jeg umiskendeligt maling, der sætter den med brede streger, kunstneren sender kampens atmosfære.

Men det koloriske område er fastholdt. Delacroix fokuserer på præget formmodellering. Dette krævede et regnede mønster. Når alt kommer til alt ved at skildre en konkret i gårsdagens begivenhed, skabte kunstneren et monument til denne begivenhed. Derfor er tallene næsten skulpturelle. Derfor er hver karakter, der er en del af et enkelt hele billede, og noget lukket i sig selv, repræsenterer et symbol, der er gået til den udfyldte form. Derfor påvirker farven ikke kun følelsesmæssigt følelserne af seeren, men bærer en symbolsk belastning. I det brune grå rum, så er der en højtidelig nykter-fodring rød, blå, hvid-hvidfarver i den franske revolution i 1789. Den gentagne gentagelse af disse farver understøtter den kraftige akkord af det trefarvede flag, der løser over barrikaderne.

Billede af Delacroa. « frihed på den barricader» - Kompleks, grandiose arbejdet i dit omfang. Det kombinerer nøjagtigheden af \u200b\u200bden direkte set fakta og symbolikken af \u200b\u200bbilleder; Realisme, der giver brutal naturalisme og perfekt skønhed; Rough, forfærdelig og sublime, ren.

Billede “ frihed på den barricader” Han sikrede romantikens sejr i fransk maleri. I 1930'erne blev der skrevet to historiske malerier: “ Kamp til Poitier.” og “ Mord biskop Liegesky.”.

I 1822 besøgte kunstneren Nordafrika, Marokko, Algeriet. Turen gjorde det til et uudsletteligt indtryk. I 50'erne i sit arbejde vises malerier, der er inspireret af minder om denne rejse: ” Jagt på den lviv.”, “ Marokkansk, sadel hest” og andre. Bright kontrastfuld farve skaber en romantisk lyd af dette billede. De vises i en bred udtværingsteknik.

Delacroix som en romantisk tilstand af sin sjæl fastgjort ikke kun sproget af maleriske billeder, men også litterært udstedt sine tanker. Han beskrev processen med kreativt arbejde af den romanske kunstner, hans eksperimenter på farve, refleksioner om forholdet mellem musik og andre typer kunst. Hans dagbøger er blevet en favorit læsning til kunstnerne i de efterfølgende generationer.

Den franske romantiske skole producerede betydelige skift inden for skulptur (RUD og hans relief "Marselliteza"), landskabsmaleri (Camille Coro med hans lysebilleder af Frankrigs natur).

Takket være romantikken tager den subjektive vision af kunstneren form af lov. Impressionisme til slutningen vil ødelægge barrieren mellem kunstneren og naturen og erklære indtryk af indtrykket. Romantika taler om kunstnerens fantasi, "deres følelsens stemme", som giver dig mulighed for at stoppe arbejdet, når mesteren anser det for nødvendigt, og ikke hvordan den akademiske foranstaltning for færdiggørelse er påkrævet.

Hvis fantasy Zhriko fokuserede på overførsel af bevægelse, delakroix - på den magiske styrke af farve, og tyskerne tilføjede en vis "ånd af maleri", så spansk romantik i hendes ansigt Francisco. GOYA. (1746-1828) viste folkens oprindelse af stilen, dens phantasmagoriske og groteske karakter. Goya selv og hans arbejde ser langt fra enhver stilistisk ramme, især da kunstneren ofte måtte følge lovgivningen i eksekveringsmaterialet (når han for eksempel udførte billeder til vævet kørsel tæpper) eller kundernes krav.

Hans phantasmagoria blev offentliggjort i ætsningsserien “ Capric.” (1797-1799), “ Katastrofer krig” (1810-1820), “ Disparance. (“ Galskab.”) (1815-1820), maleri "Døve hus" og kirken San Antonio de la Florida i Madrid (1798). Tung sygdom i 1792 førte til en fuld døvhed af kunstneren. Mesterens kunst efter overført fysisk og åndelig skade bliver mere fokuseret, tankevækkende, internt dynamisk. Den eksterne verden lukkede på grund af døvhed aktiveret GOYAs indre åndelige liv.

I ætsning “ Capric.” Goya når ekstraordinær kraft i overførslen af \u200b\u200bøjeblikkelige reaktioner, hurtige følelser. Sort og hvid præstation, takket være en fed kombination af store pletter, manglen på en timingkarakteristika for linearitet, erhverver alle egenskaber af et billedværk.

Muralerne i kirken St. Anthony i Madrid Goyia skaber, det virker i et ånde. Måling smear, laconium sammensætning, ekspressive egenskaber vedvirkende personer, hvis type GOYA tages direkte fra mængden, forbløffer. Kunstneren skildrer miraklet af Anthony Florida, der tvang opstandelsen og sagde de døde, der kaldte morderens navn og således sparet uskyldigt dømt for udførelse. Dynamikken af \u200b\u200bden lyse reaktive crowd overføres og i bevægelser og i ansigts udtrykte personer. I sammensætningen af \u200b\u200bfordelingen af \u200b\u200bmaleri i kirkens rum følger maleren Chapolo, men den reaktion, som han får seeren, er ikke barok, men er en rent romantisk, der påvirker følelsen af \u200b\u200bhver seer, og kalder ham til at kontakte ham .

Mest af alt opnås dette mål i maleriet Conto del Sordo ("Døvhuse"), hvor Goya levede siden 1819. Væggene i værelserne er dækket af femten sammensætninger af en fantastisk og allegorisk karakter. Opfattelsen af \u200b\u200bdem kræver en dybtgående empati. Billeder opstår som en slags vision af byer, kvinder, mænd osv. Farve, blinkende, trækker ud en figur, derefter en anden. Maleri generelt mørkt, det er domineret af hvide, gule, lyserøde-røde pletter, placerer en alarmerende følelser. Grafisk parallelt "Døve hus" kan betragtes som ætsning af serien “ Disparance.” .

De sidste 4 år, GOYA tilbragte i Frankrig. Det er usandsynligt, at han vidste, at Delacroix ikke deltog med sin "CAPRICER". Og jeg kunne ikke forudse, hvordan man kunne involvere sig i disse ætsninger af Hugo og Baudelaire, hvad en stor indvirkning vil have sit maleri på mane og som i 1980'erne i XIX århundrede. V.Stasov vil kalde russiske kunstnere til at studere sin "katastrofe af krig"

Men vi under hensyntagen til dette ved vi, hvad en stor indflydelse var den "ulovlige" kunst af en dristig realistisk og inspireret romantik til den kunstneriske kultur i XIX og XX århundrederne.

Den fantastiske verden af \u200b\u200bdrømme implementerer i deres værker og engelsk romantisk kunstner William. Blake(1757-1827). England var et klassisk land med romantisk litteratur. Byron, Shelly blev banneren af \u200b\u200bdenne bevægelse langt ud over den "foggy albion". I Frankrig, i magasinet kritik af de "romantiske kampe" af romantikere kaldet "Shakespearers". Hovedtræk ved det engelske maleri har altid været en interesse for den menneskelige person, som tillod portrætgenren frugtigt til frugtbart. Romantik i maleri er meget tæt forbundet med sentimentalisme. Romantikers interesse til middelalderen gav anledning til stor historisk litteratur, der er anerkendt af mesteren, som V. Scott. I maleriet fastslog temaet for middelalderen udseendet af de såkaldte præfailelitter.

Ulyam Blake er en fantastisk type romantik i en engelsk kulturel scene. Han skriver digte, illustrerer sine egne og andres bøger. Hans talent søgte at argumentere og udtrykke fred i en holistisk enhed. De mest berømte værker anses for at være illustrationer til den bibelske "bogbog", "Divine Comedy" Dante, "Lost Paradise" af Milton. Han beboer sine sammensætninger ved helgenes titaniske figurer, som svarer til deres miljø af en urealistisk oplyst eller phantasmagorisk verden. Følelsen af \u200b\u200boprørsk stolthed eller er kompleks harmoni skabt af dissonanser overvælder sin illustration.

Romanticisme Blake forsøger at finde sin kunstformel og form af verdens eksistens.

William Blake, der har levet liv i ekstrem fattigdom og ukendt, efter døden blev talt for værten af \u200b\u200bklassikere af engelsk kunst.

I arbejdet i de engelske landskabs spillere begyndte XIX århundrede. Romantiske hobbyer kombineres med et mere objektivt og ædru kig på naturen.

Romantisk hævede landskaber skaber William. Turner. (1775-1851). Han elskede at skildre tordenvejr, brusebad, storme på havet, lyse, brændende solnedgange. Turneren overdriver ofte lysets virkninger og styrket lyden af \u200b\u200bfarven, selv når han skrev en rolig tilstand af naturen. For en større effekt brugte han akvarelteknikken og lagde oliemaling med et meget tyndt lag og skrev lige på jorden og søger regnbueoverløb. Et eksempel kan tjene som et billede. “ Regn, par. og fart” (1844). Men selv den berømte kritiker af Tekkrechs tid kunne ikke korrekt forstå, måske innovative og på planen og på udførelsen af \u200b\u200bbilledet. "Regnen betegnes af pletterne af en beskidt kitt," skrev han, han blev skubbet til lærred ved hjælp af mastichen, solens lys flimmer gør sin vej fra under meget tykke klumper af snavset gult chrom. Skygger overføres af kolde nuancer af Scarlet Sparkle og Cinnabar-pletter af dæmpet toner. Og selvom ilden i lokomotiv firebox virker rød, antager jeg ikke, at det ikke er tegnet af en kobolt eller en ærter. " En anden kritiker fundet i smagen af \u200b\u200bpladsen af \u200b\u200bfarven "krypterede æg med spinat". Paints af den sene turner syntes generelt for samtidige helt utænkelige og fantastiske. Det tog mere århundrede at se kornet af virkelige observationer. Men som i andre tilfælde var det her. En nysgerrig øjenvidneshistorie er bevaret, eller snarere beviset for fødslen

Engelsk kunst i midten af \u200b\u200bXIX århundrede. Udviklet helt i en anden seng end maleriet af Turner. Selvom hans færdighed generelt blev accepteret, fulgte ingen af \u200b\u200bde unge ham.

II. Romantik i russisk maleri

Romantik i Rusland var forskellig fra vesteuropæisk til fordel for en anden historisk omgivelser og anden kulturel tradition. Den franske revolution kan ikke tælles af årsagerne til dens begivenhed, en meget smal cirkel af mennesker lagt ethvert håb om transformationer i kurset. Og resultaterne af revolutionen og overhovedet skuffet over det. Spørgsmål om kapitalisme i Rusland begyndte XIX århundrede. Ikke stod. Derfor var der ingen grund til denne grund. Den patriotiske krig af 1812 var den nuværende årsag, som viste al kraft i folks initiativ. Men efter krigen fik folket ikke vilje. Det bedste af adelen, ikke tilfreds med virkeligheden, gik til Senat-pladsen i december 1825. Denne handling passerede heller ikke uden spor for den kreative intelligentsia. Stormy Postwar år er blevet en situation, hvor russisk romantik blev dannet.

I sine lærred udtrykte russiske malere-romantik ånden i frihedskærende, aktiv handling, lidenskabeligt og temperamentalt appelleret til manifestationen af \u200b\u200bhumanismen. Relevans og psykologisme, hidtil uset ekspression, husholdningsbevaringer af russiske malere kendetegnes. Heavyweight, melankolske landskaber - igen det samme forsøg på romantikere for at trænge ind i menneskets verden, viser, hvordan en person bor og drømmer om en mand i sublutageverdenen. Russisk romantisk maleri varierede fra udenlandske. Det blev bestemt af den historiske situation og tradition.

Funktioner af russisk romantisk maleri:

Ÿ Uddannelsesmæssig ideologi svækket, men mislykkedes ikke som i Europa. Derfor blev romantik ikke udtalt;

Ÿ Romantik udviklet parallelt med klassikisme, ofte sammenflettet med ham;

Ÿ Akademisk maleri i Rusland har endnu ikke opbrugt sig selv;

Ÿ Romantik i Rusland var ikke et stabilt fænomen, romantikere trukket til akademik. Ved midten af \u200b\u200bXIX århundrede. Romantisk tradition næsten falmede.

Arbejder relateret til romantik begyndte at blive vist i Rusland allerede i 1790'erne (arbejdet i Feodosia Yanenko " Rejsende., castled. storm" (1796), " Selvportræt i sKAM." (1792). Prototypen er indlysende i dem - Rosa Salvator, meget populær ved drejning af XVIII og XIX århundreder. Senere vil indflydelsen af \u200b\u200bdenne præhomantiske kunstner blive mærkbar i Alexander Orlovsky's arbejde. Rogue, scene ved ilden, kampen fulgte hele sin kreative vej. Som i andre lande blev kunstnere tilhørende russisk romantik bragt i klassiske portrætgenrer, landskabs- og genre scener helt nyt følelsesmæssigt humør.

I Rusland begyndte romantik at manifestere sig først i portrætmaleri. I den første tredjedel af det 19. århundrede mistede det for det meste en forbindelse med hygiejnearistokratiet. Væsentlig plads begyndte at besætte portrætter af digtere, kunstnere, kunst lånere, billede af enkle bønder. Denne tendens i OA's arbejde var tydeligt klart vist. Kiprensky (1782 - 1836) og v.a. Tropinin (1776 - 1857).

Basil. Andreevich. Tropinin. Det søgte at leve en levende afslappet karakteristisk for en person udtrykt gennem sit portræt. « Portræt søn» (1818), « Portræt MEN. FRA. Pushkin.» (1827), « Selvportræt» (1846) forbløffet ikke portræt lighed med originaler, men en usædvanlig subtil penetration i den indre verden af \u200b\u200bmennesket.

Historien om skabelsen er ekstraordinært interessant. “ Portræt Pushkin.”. Ifølge sin egen måde kom til den første bekendtskab med Pushkin Tropinin til Sobolevskys hus, hvor digteren derefter levede. Kunstneren fandt ham på hvalpeens kontor. Derefter blev det tilsyneladende skrevet på første indtryk, at tropininet var så værdsat, en lille etude. I lang tid forblev han ude af syne af forfølgelsen. Kun i næsten hundrede år, i 1914 blev det udgivet af PM. Tickot, der skrev, at fra alle portrætter Alexander Sergeevich han "mest formidler sine funktioner ... Digesens blå øjne Her er fyldt med en særlig glans, og drejning af hovedet er hurtigt, og ansigtets træk er udtryksfulde og bevægelige . Utvivlsomt er de autentiske træk ved Pushkins ansigt fanget her, hvilket separat vi møder i et af de portrætter, der har nået os. Det forbliver forvirret, "tilføjer tickot - hvorfor dette søde etude ikke fik behørig opmærksomhed på udgivere og kender af digteren." Dette forklares af kvaliteterne af et lille Etude: Der var ingen glans af maling, ingen skønhed smear eller mesterligt skrevet "Oceanities". Og Pushkin her er ikke den nationale "Vitya" ikke "geni", men frem for alt personen. Og det er næppe ubehageligt at analysere, hvorfor i et monokrom, der er grønt-grønt, olivenområde, i en besked, som er tilfældig blæser af børsten af \u200b\u200bnæsten uberørt på havets opfattelse, konkluderes et sådant stort humant indhold.

I begyndelsen af \u200b\u200bXIX århundrede var TVER et betydeligt kulturelt center i Rusland. Her er ung Orest. Kiprensky. Jeg mødte A.S. Pushkin, hvis portræt skrevet senere, blev Pearl of World Portrait Art. " Portræt Pushkin.» Pussy O. Cyprianssky - Live personificering af poetisk geni. I den afgørende sving af hovedet, i energisk krydset på brystet, i alt udseendet af digteren, påvirker følelsen af \u200b\u200buafhængighed og frihed. Dette pushkin sagde om ham: "Jeg ser dig selv som i spejlet, men dette spejl flatter mig." I arbejdet med et portræt af Pushkin findes Tropinin og Cyprosensky for sidste gang, selv om dette møde ikke forekommer, og mange år senere i kunsthistorien, hvor der som regel to portrætter af den største russiske digter er sammenlignet, men på forskellige steder - en i Moskva, den anden - i St. Petersburg. Nu er dette møde lige så stort i dets betydning for russiske kunstmester. Selv om de hævder Cypressenns beundrere, at de kunstneriske fordele på siden af \u200b\u200bhans romantiske portræt, hvor digteren er indsendt til sine egne tanker, alene med musen, men billedets nationalitet og demokrati er helt sikkert på siden af \u200b\u200bTropininsky " Pushkin ".

Så i to portrætter afspejlede to retninger af russisk kunst, fokuseret i to hovedstæder. Og kritikere vil efterfølgende skrive, at Tropinin dukkede op for Moskva med det faktum, at Cyprosion var for St. Petersburg.

Et særpræg med portrætterne i Cyprosovsky er, at de viser den åndelige charme og en persons indre adel. Portræt af helten, modige og meget følsomme, var at legemliggøre Paphos af den frihedskærende og patriotiske stemning hos en avanceret russisk mand.

I paraDom. “ Portræt E.. I. Davydov.” (1809) Figuren af \u200b\u200bembedsmanden, der direkte afslørede udtrykket af denne kult af stærk og modig personlighed, hvilket var så typisk for romantikken i disse år. Et fragmentarisk vist landskab, hvor lysets stråle kæmper med et mørke, tips på de åndelige alarmer af helten, men på hans ansigt - en afskedigningsfølsomhed. Cyprianssky ledte efter en "menneskelig" mand, og ideen dækkede ikke sine personlige træk af modelens karakter.

Portrætter af cyprosensky, hvis de lærer dem med mentale øjne, viser en persons åndelige og naturlige rigdom, hans intellektuelle kraft. Ja, han havde en ideel til en harmonisk personlighed, som samtidige også sagde, men cyprosensky søgte ikke bogstaveligt at sprede dette ideelt på et kunstnerisk billede. Ved at skabe et kunstnerisk billede gik han fra naturen, som om at fordoble, hvor langt hun var tæt på et så ideelt. I det væsentlige er mange af dem afbildet på tærsklen til det ideelle, bedt om ham, ideen selv, ifølge de ideer om romantisk æstetik, næppe opnåelig, og al romantisk kunst er lige lige vejen for ham.

Noterer modsætningen i hans heltes sjæl, der viser dem i livets alarmerende øjeblikke, når skæbnen ændres, er de tidligere ideer brudt, unge går ned mv. Cymenssky synes at opleve med sine modeller. Herfra - en særlig inddragelse af et portrætist til fortolkningen af \u200b\u200bkunstneriske billeder, hvilket giver portræt af "oprigtig" skygge.

I den tidlige kreativitetsperiode vil Cyprosensky ikke se dem, der er smittet med skepsis, ødelægger sjælen ved analysen. Det kommer senere, når en romantisk tid vil overleve hans efterår, hvilket giver plads til andre følelser og følelser, når håbene samles på fejringen af \u200b\u200bideen om en harmonisk personlighed. I alle portrætter af 1800'erne og portrætterne udført i Tver, er Cyprosen synlig en fed børste, nemt og frit opbygning af en form. Kompleksiteten af \u200b\u200btekniske teknikker, karakteren af \u200b\u200btallene ændrede sig fra arbejdet med arbejdet.

Det er bemærkelsesværdigt, at på hans heltes ansigter ikke vil se heroiske satser, tværtimod, de fleste er temmelig trist, de forkæler refleksioner. Det ser ud til, at disse mennesker er bekymrede over Ruslands skæbne, tænk på fremtiden mere end om nutiden. I kvindelige billeder af hustruer, søstre af deltagerne i væsentlige begivenheder, stod cyprosenskyen heller ikke for bevidste heroiske satser. Følelsen af \u200b\u200blethed, naturlighed er dominerende. På samme tid, i alle portrætter så meget sande adel af sjælen. Kvindelige billeder tiltrækker deres ydmyge værdighed, soliditet af naturen; I ansigter af mænd er en opfindsomt tanke gættet, beredskab til at flytte. Disse billeder faldt sammen med de aging etiske og æstetiske ideer i decembrists. Deres tanker og forhåbninger delte mange, vidste om dem og kunstneren, og derfor kan det siges, at hans portrætter af deltagerne i begivenhederne 1812-1814, billeder af bønder, skabt i samme år - en ejendommelig kunst parallelt med de udviklende koncepter i decembrismen.

Udlændinge kaldet Kiprensky Russian van Diek, hans portrætter er i mange museer i verden. Continuy of Levitsky og Borovikovsky, forgængeren L. Ivanova og K. Bryullov, Kiprensky gav europæisk berømmelse til den russiske kunstskole med sit arbejde. Taler af Alexander Ivanov, "han leverede først navnet russisk til Europa ..."

Øget interesse for personligheden hos en person, ejendommelig for romantik, forudbestemt den blomstrende af genren af \u200b\u200bportrættet i første halvdel af XIX århundrede, hvor han blev et selvportræt af den dominerende. Som regel var oprettelsen af \u200b\u200bautoportisten ikke en tilfældig episode. Kunstnere skrev gentagne gange og malet sig selv, og disse værker blev en slags dagbog, hvilket afspejler de forskellige tilstande af sjælens og stadierne i livet, og samtidig var et manifest til samtidige. Selvportræt var ikke en brugerdefineret genre, kunstneren skrev for sig selv og her, mere end nogensinde var fri i selvudtryk. I det XVIII århundrede skrev russiske kunstnere forfatterens billeder sjældent, kun romantik med deres egen individuelle person, ekstraordinær bidraget til stigningen af \u200b\u200bdenne genre. De mange typer af autoportistiske afspejler opfattelsen af \u200b\u200bkunstnere selv som en rig og multifacetteret personlighed. De er i skaberenes sædvanlige og naturlige rolle ( " Selvportræt i fløjl beret." A. G. Varek, 1810th), så spring ind i fortiden, som om at prøve det på ham ( " Selvportræt i sKAM. og lorts." F. I. Yanenko, 1792), eller oftest vises uden nogen professionelle attributter, der argumenterer betydningen og værdien af \u200b\u200bhver person, befriet og åben for verden, som for eksempel F. A. Bruni og O. A. Orlovsky i automater fra 1810'erne. Beredskab til dialog og åbenhed, der er ejendommelig til den figurative løsning af værker af 1810-1820'er, erstattes gradvist af træthed og skuffelse, nedsænkning, forlader ( " Selvportræt" M. I. TEREBENEVA). Denne tendens blev afspejlet i udviklingen af \u200b\u200bportrætgenren som helhed.

KIPRENSKYs selvportarier syntes, hvilket er værd at bemærke, i kritiske øjeblikke i livet, vidnede de til stigningen eller nedgangen i åndelige kræfter. Gennem sin kunst kiggede kunstneren på sig selv. På samme tid brugte han ikke, ligesom de fleste malere, et spejl; Han skrev dybest set på præsentationen, ønskede at udtrykke sin ånd, men ikke udseendet.

“Selvportræt fra børster. om houde.” det er bygget på afslaget og klart demonstrerende, fra den eksterne heroisering af billedet, dets klassiske regulativitet og ideelle beskrivende. Ansigtsfunktioner er planlagt ca. Separate refleksioner af lys falder på kunstnerens figur, rushing ud på næppe fornemme draperi, der repræsenterer en portrætbaggrund. Hele her er underordnet udtryk for liv, følelser, humør. Dette er et kig på romantisk kunst gennem autoportistens kunst.

Næsten samtidigt med dette selvportræt skrevet og “ Selvportræt i lyserød shane. halstørklæde” hvor det andet billede er legemliggjort. Uden direkte instrukser om malerens erhverv. Genskabt udseendet af en ung mand, der følte sig godt, naturligvis frit. Den maleriske overflade af lærredet er fint bygget. Maling børsten forsigtigt forårsager maling, der efterlader store og små slagtilfælde. En fremragende designet smag, blækmaling, harmonisk kombineret med hinanden, belysningen er rolig: lyset er forsigtigt hældt på den unge mands overflade, der beskriver dens funktioner uden overskydende ekspression og deformation.

Et andet fremragende portræt var OM. MEN. Orlovsky.. I 1809 refererer et sådant følelsesmæssigt mættet portrætark som “ Selvportræt” . Fyldt med en saftig fri slagtilfælde af sangina og kul (med belyste kridt), “ Selvportræt” Orlovsky tiltrækker med sin kunstneriske integritet, billedets egenskaber, udførelse af udførelse. På samme tid giver det dig mulighed for at se nogle ejendommelige sider af kunsten ORLOVSKY. “ Selvportræt” Orlovsky har selvfølgelig ikke målet om nøjagtig reproduktion af det typiske udseende af kunstnerens kunstner. Før os - på mange måder det bevidste, udvidede udseende af "kunstneren", modsætter sig sin egen "jeg" af den omkringliggende virkelighed. Det er ikke bekymret for "anstændighed" af hans udseende: frodigt hår rørte ikke kammen og børsten, på skulderen - kanten af \u200b\u200bden ternet regnfrakke lige oven på den hyggelige skjorte med en opsvulmet port. En skarp drejning af hovedet med en "dyster" udsigt fra under de skiftede øjenbryn, et nært udvalg af portræt, hvor personen er afbildet nærbilleder, kontrasterne i lyset - alt dette er rettet mod at opnå den vigtigste effekt af oppositionen til personens afbildet omgivende (dermed seeren).

Paphos af individualitetserklæring er en af \u200b\u200banklagemyndighederne inden for den pågældende tid - udgør den vigtigste ideologiske og følelsesmæssige portrættone, men fremgår af en slags aspekt, næsten ikke fundet i den russiske kunst i den pågældende periode. Godkendelsen af \u200b\u200bpersonen er ikke så meget ved at afsløre rigdom af sin indre verden, hvor meget gennem afvisningen af \u200b\u200balt omkring det. Billedet på samme tid ser utvivlsomt udslettet, begrænset.

Sådanne beslutninger er vanskelige at finde i den russiske portræt kunst af tiden, hvor i midten af \u200b\u200bXVIII århundrede, civile og humanistiske motiver og menneskelige personlighed lød højt, brød aldrig ned stærke bånd med miljøet. Drømmer om den bedste, socio-demokratiske enhed, folk i Rusland af den æra forsvandt ikke fra virkeligheden, afviste bevidst den individualistiske kult af "personlig frihed", som blomstrede i Vesteuropa, en bombede borgerlige revolution. Dette er klart manifesteret i russisk portrætskunst. Det er kun værd at kortlægge “ Selvportræt” Orlovsky S. “ Selvportræt” Cyprosovsky, så de alvorlige internt skelne mellem begge portrætisterne bør være bange.

Cyproshensky også "Heins" personlighed person, men det viser hendes ægte interne værdier. I lyset af kunstneren skelner seeren funktionerne i et stærkt sind, karakter, moralsk renhed.

Alt udseende af den cyprojektiske ovede fantastiske adel og menneskehed. Han er i stand til at skelne mellem "god" og "ondskab" i omverdenen og afvise den anden, kærlighed og værdsætte den første kærlighed og værdsætte folk-lignende mennesker. På samme tid, før os utvivlsomt, stærk personlighed, stolt af værdien af \u200b\u200bsine personlige kvaliteter. Præcis det samme koncept af et portrætbillede løgner og kernen i det berømte heroiske portræt af D. Davydov, Cyprosenskys arbejde.

Orlovsky sammenlignet med Cyprosen, mere begrænset, mere lige og eksternt løser billedet af en "stærk personlighed", der udtrykkeligt fokuserer på Bourgeois Frankrigs kunst. Når du ser på det “ Selvportræt” Jeg kommer ubevidst til hukommelsesportrætter af A. Gro, Zheriko. Intern nærhed til fransk portræt kunst registrerer og profil “ Selvportræt” Orlovsky 1810, med sin kult af individualistisk "intern kraft", men uden allerede at skære "eneste" formular “ Autoportist.” 1809 Or. “ Portræt DUB.”. I den sidste Orlovsky, såvel som i et "selvportræt", gælder spektakulære, "heroiske" udgør med en skarp, næsten kors bevægelse af hovedet og skuldrene. Han understreger den forkerte struktur i Dubera, dets katastrofale hår, der har målet om at skabe et portrætbillede i hans unikke, tilfældige karakteristika.

"Landskabet skal være et portræt," skrev K. N. Batyushkov. Denne installation i sit arbejde overholdt de fleste kunstnere, der appellerede til landskabsgenre. Blandt de eksplicitte undtagelser, fantastiske, var A. O. Orlovsky ( " Nautical. udsigt" , 1809); A. G. VAREK ( " Udsigt i nærhed Rom" , 1809); P. V. BASIN. (" Himmel til solnedgang i nærhed Rom" , " Aften landskab" , begge - 1820th). Oprettelse af specifikke arter, de opretholdt den umiddelbare fornemmelse, følelsesmæssig mætning, nåede kompositteknikker af monumental lyd.

Young Orlovsky så i naturen kun de titaniske styrker, der ikke er underlagt menneskelig vilje, der er i stand til at kalde en katastrofe, katastrofe. En mands kamp med en sølvelement er en af \u200b\u200bfavorit i kunstneren af \u200b\u200bsin "bunitsky" romantiske periode. Det er blevet indholdet af sine tegninger, akvareller og malerier med olie 1809 - 1810. Den tragiske scene er vist på billedet “ Shipwreck.” (1809 (?)). I tonehøjdets mørke faldt til jorden, blandt de raserende bølger, klatrede de synkende fiskere frantisk på kystnære klipper, som deres fartøj brød. Forvitret i den hårde røde toner smag forbedrer følelsen af \u200b\u200bangst. Grozny razzs af mægtige bølger foreshadowing stormen og i et andet billede - “ På den kyst hav.” (1809). Det spiller også en enorm følelsesmæssig rolle, som tordenvejr himmel spiller, som optager det meste af sammensætningen. Selvom Orlovsky ikke ydede luftperspektivets kunst, men gradualisering af overgange af planer blev løst her harmonisk og forsigtigt. Den lyseste flaggede. Smukt lege på rødbrun baggrund Røde pletter af fiskere tøj. Rastløse og ængstelige havelement i akvarel “ Sejlads en båd” (OK.1812). Og selv når vinden ikke er et krepal sejl og dækker ikke den glatte overflade af vand, som i akvarel “ Nautical. landskab fra skibe” (OK.1810), seeren forlader ikke præmonitionen, at stormen vil følge.

Andet tegn havde landskaber FRA. F.. Shchedrin.. De er fyldt med harmoni af menneskelig og natur sameksistens (" Terrasse på den kyst hav.. Capuccini. nær ved Sorrento." , 1827). Talrige typer af Napoli af hans børste brugte ekstraordinær succes.

I de strålende malerier OG. TIL. Aivazovsky. brightly udbredt de romantiske idealer i naturens kamp og magt, den menneskelige ånds modstand og evnen til at kæmpe til enden. Ikke desto mindre er et stort sted i mesterens arv besat af nathavs landskaber, dedikeret til bestemte steder, hvor stormen er ringere end natten af \u200b\u200bnatten, den tid, der ifølge romantikens synspunkter er fyldt med en mystisk indre liv, og hvor den maleriske søgning efter kunstneren er rettet mod vej til udvinding af ekstraordinære lyseffekter ( " Udsigt Odessa. i lunny. nat" , " Udsigt Konstantinopel. til lunome. belysning" , begge - 1846).

Temaet for det naturlige element og en mand, der er overrasket, - et yndlingsemne med romantisk kunst, fortolket på forskellige måder af kunstnere fra 1800-1850'erne. Værkerne var baseret på reelle begivenheder, men betydningen af \u200b\u200bbilleder var ikke i den objektive retalering. Et typisk eksempel er billedet af Peter Basin " Jordskælv i Rocca. dI. Far nær ved Rom" (1830). Det er dedikeret ikke så meget som en beskrivelse af en bestemt begivenhed som et billede af frygten og rædsel af en mand, der har kollideret med manifestationen af \u200b\u200belementet.

Romantik i Rusland som WorldView eksisterede i sin første bølge siden slutningen af \u200b\u200bXVIII århundrede og i 1850'erne. Den romantiske linje i russisk kunst blev ikke afbrudt i 1850'erne. Åbnet romantik for kunst temaet for at blive udviklet senere fra kunstnerne i den blå rose. Direkte arvinger af romantikere var utvivlsomt symbolister. Romantiske emner, motiver, ekspressive teknikker kom ind i kunsten af \u200b\u200bforskellige stilarter, retninger, kreative foreninger. Romantisk WorldView eller WorldView viste sig for at være en af \u200b\u200bde mest livlige, overlevende, frugtbare.

Romantik som en retning i litteraturen

Romantik er primært en særlig verdensbaseret, baseret på overbevisningen om "Ånden" over "sagen". Den kreative start, ifølge romantika, er alt ægte åndelig, som de identificerede med ægte menneske. Og tværtimod opfordrer alt materiale, ved deres tanker, der fremsætter på en per seng, opfordrer indtrængende menneskets ægte karakter, ikke tillader dets essens, det afskediges folk under de bourgeois virkelighed, bliver en kilde til Fjendtlighed mellem dem, fører til tragiske situationer. Den positive helt i romantik, som regel, stiger med hensyn til dens overvejelse over sin verden omkring ham, uforenelig med ham, formålet med livet, han ser ikke at lave en karriere, ikke i akkumulering af rigdom, men i at tjene høje idealer af menneskeheden - Guman ince, frihed, broderskab. Negativ romantisk persona, i modsætning til positive, er i harmoni med samfundet, deres negativitet er primært i, at de lever i henhold til lovene i deres omgivende borgerlige medium. Følgelig (og dette er meget vigtigt), er romantik ikke kun aspirationen til det ideelle og poetisering af alt åndeligt smukt, det er samtidig den grimme af grimme i sin særlige sociohistoriske form. Desuden bliver kritikken af \u200b\u200bforvirringen bedt om, at romantisk kunst oprindeligt følger af selve essensen af \u200b\u200ben romantisk holdning til det offentlige liv. Selvfølgelig, ikke alle forfattere og ikke i alle genrer, manifesteres det med behørig bredde og intensitet. Men de kritiske patos er indlysende ikke kun i Lermontovs dramaer eller i de "sekulære plakater" V. Odoevsky, udgør han også i eleganterne Zhukovsky, der afslører sorg og tristhed af en åndeligt rig personlighed i betingelserne for fastgørelses-niche Rusland.

Romantisk World-Thundering på grund af dets dualistiske (åbenheden af \u200b\u200b"Ånden" og "Mor") forårsager et billede af livet i skarpe kontraster. Tilstedeværelsen af \u200b\u200bkontrast er en af \u200b\u200bde karakteristiske træk ved en romantisk type kreativitet og dermed stil. Det åndelige og materiale i romantikens arbejde er kraftigt imod hinanden. En positiv romantisk helt er normalt trukket som en ensom væsen, desuden en dømt til at lide i et moderne samfund (Giapur, Korsar på Bairon, Chernets, Kozlov, Vozyarovsky på Ryleev, Mtsyri fra Lermontov og andre). I billedet af grimme romantik opnår det ofte en sådan husholdnings konkrethed, at det er svært at skelne deres kreativitet fra realistisk. På baggrund af romantisk verdensopsion er det muligt at skabe ikke kun individuelle billeder, men også hele værker, realistisk efter kreativitet.

Romantikken er nåded med dem, der kæmper for deres egen højde, tænker på berigelsen eller Tommya, tørst efter fornøjelse, bryder i navnet på denne universelle moralske love, tramples universelle værdier (menneskehed, frihed og andre).

I den romantiske litteratur, mange billeder inficeret med individualisme (Manfred, Lara fra Bairon, Pechorin, Demon på Lermontov og andre), men de ligner skabninger dybt tragisk, lider af ensomhed, der tørrer fusioner med verden af \u200b\u200balmindelige mennesker. At afsløre en persons tragedie - en individualist, romantik viste essensen af \u200b\u200bægte heroisk, der manifesterer sig i uselvisk tjeneste til menneskehedens idealer. Personligheden i romantisk æstetik er ikke værdifuld sig ifølge CE-BE. Hendes værdi stiger som gavn af den fordel, som hun bringer folk til folket. Godkendelsen i den romantiske af den menneskelige stat er primært i befrielsen af \u200b\u200bden fra individualisme, fra de skadelige virkninger af privat psykologisk psykologi.

I centrum af romantisk kunst er der en menneskelig person, hendes åndelige verden, hendes idealer, angst og sorg i forhold til borgerlig bygning af livet, tørst efter frihed, uafhængighed. Ro-mantelheltet lider af fremmedgørelsen, fra manglende evne til at ændre sin position. Derfor er de populære genrer af romantisk litteratur, den mest reflekterende essensen af \u200b\u200bromantisk verdensverden, tragedier, dramatiske skye, lyrol-episke og lyriske digte, roman, elegi. Ro-mantism afslørede uforeneligheden af \u200b\u200balt virkelig menneske med et privat livseffektivt livsprincip, og i denne smertefulde historiske betydning. Han introducerede en wrestler mand i litteratur, som på trods af hans dømte handler frit for at være opmærksom på, at en kamp er nødvendig for at nå målet.

For romantikere er en breddegrad karakteriseret, omfanget af kunstnerisk tænkning. For at gennemføre ideer om universel viden bruger de kristne legender, bibliske legender, antik mytologi, folkegenden legender. Præstens gyuts romantiske retning til fiktion, til symbolik og andre konventionelle teknikker af kunstnerisk image, hvilket giver dem mulighed for at vise virkeligheden i en så bred reversering, hvilket var helt utænkelig i realistisk kunst. Det er usandsynligt, at du på et eksempel kan overføre alt indholdet af "Demon" Lermontov, overholder princippet om realistisk skrive. Digteren krammer sit blik på hele universet, pounces kosmiske drikkevarer, i reproduktion af hvilken realistisk konkrethed, sædvanlige i betingelserne for jordisk virkelighed, ville være uhensigtsmæssig:

På havet.

Uden styring og ingen vind

Roligt svømme i tågen

Kor slank skinnende.

Arten af \u200b\u200bdigtet mere konsekvent i dette tilfælde er ikke nøjagtighed, men tværtimod er usikkerheden i figuren i større grad ikke ideen om en person om universet, men hans følelser. På samme måde vil "jordingen", konkretisering af billedet af dæmonen føre til en velkendt reduktion i dens forståelse som en skabning af den titaniske udstyret med superhuman kraft.

Interesse for betingede receptioner af kunstneriske skildringer forklares af, at romantik ofte sættes på at løse filosofiske, ideologiske problemer, selvom de som allerede nævnt ikke er fremmed for både billederne af hverdag, prosa-dagligt, alt hvad der er uforeneligt med åndelig, menneske. I den romantiske litteratur (i et dramatisk digt) er konflikten normalt bygget på en kollision, der ikke er tegn, men ideer, hele WorldView-koncepter ("Manfred", "Cain" af Bairo-on, "befriet af Prometheus" Shelly), som naturligvis var den onde kunst til grænserne for realistisk konkrethed.

Den romantiske helts intellektelighed, hans tendens til refleksion skyldes stort set, at det handler under andre forhold end tegnene i den uddannelsesmæssige roman eller "Meshchansky" Drama af XVIII århundrede. Sidstnævnte handlede i et lukket område af husstandsforbindelser, emnet for kærlighed besatte et af de centrale steder i deres liv. Romantika bragte kunst på bred vifte af historie. De så, at folks skæbne, deres bevidstheds natur bestemmer ikke så meget et socialt miljø som epoke som helhed, der forekommer i det politiske, sociale, åndelige processer, der påvirker den mest afgørende vej til hele menneskehedens fremtid. Således blev ideen om selvmål for individet, dets afhængighed af sig selv, hans egen vilje, opdaget ved hendes betingelse af den komplekse verden af \u200b\u200bsociohistoriske omstændigheder.

Romantik som en bestemt verdenssyn og type kreativitet bør ikke blandes med romantik, dvs. Drømmen om et smukt mål, med aspiration til det ideelle og det lidenskabelige ønske hos VI-børnene implementeret. Romantik, afhængigt af en persons synspunkter, kan være både en revolutionerende, navnevarende og konservativ, poetisk fortid. Det kan vokse på et realistisk grundlag og iført utopisk karakter.

Baseret på bestemmelsen om variabiliteten af \u200b\u200bhistorie og menneskelige begreber er romantika imod efterligning af antikken, forsvarer principperne om særpræg, baseret på den sandfærdige reproduktion af deres nationale liv, dets liv, moral, tror mv.

Russisk romantik forsvarer ideen om "lokal farve", som indebærer et billede af livet i national historisk, originalitet. Det var begyndelsen på penetration i kunsten af \u200b\u200bnationalhistorisk konkretenhed, som i sidste ende førte til sejren om den realistiske metode i russisk litteratur.